月別アーカイブ: 2026年5月

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DIMHAV : ONDINE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DIMHAV !!

“As for direct inspiration on this album (Ondine), or thinking about those records, those were probably not directly on our mind. However, when it comes to writing concept albums we hold especially Symphony X’s “V” album and Angra’s “Temple Of Shadows” in very high regard!”

DISC REVIEW “ONDINE”

「このアルバム “Ondine” の制作において、SYMPHONY Xの “V” と ANGRA の “Temple Of Shadows” は、直接的なインスピレーション源として意識していたわけではなくてね。だけど、コンセプト・アルバムを作る上で、SYMPHONY Xの “V” と ANGRA の “Temple Of Shadows” は特に高く評価しているんだ。どちらのアルバムも独自のストーリーを語っているけど、音楽の邪魔になるような、あまりにも露骨な、あるいは “ありきたりな” 表現は一切ない。素晴らしい楽曲が収録されていて、全体的に非常にインスピレーションに満ち溢れているよね」
プログ・メタルの金字塔が DREAM THEATER の “Images and Words” だとすれば、”プログ・パワー” の金字塔とは何でしょうか？少なくともその選考に、SYMPHONY X と ANGRA の作品がノミネートされることは確かでしょう。
プログの知性やアートと、パワー・メタルのファンタジーや希望、勇壮な旋律を見事に溶け合わせたプログ・パワーの王者二組。そんな彼らの作品の中でも、オーケストレーションと壮大なコンセプトを組み合わせた作品は、まさにこのジャンルの殻を破る記念碑的作品となりました。SYMPHONY X でいえば、”V” や “Odyssey”。ANGRA でいえば、”Holy Land” や “Temple of Shadows”。そのナラティブなストーリーを重厚かつ濃密なオーケストレーションで彩る彼らのやり方は、明らかにエポック・メイキングでした。そして、スウェーデンの Lindroth 兄弟が指向する “プログ・パワー” の理想もまた、その英雄の血を継いでいるのです。
「Jens Johansson、そして彼の演奏スタイルに夢中になった。もちろん Yngwie Malmsteen との共演は聴いていたけど、その後彼のソロ・アルバム（”Fission”, Fjäderlösa Tvåfotingar”、そして JOHANSSON BROTHERS “Sonic Winter” ）がリリースされ、大きな影響を受けたんだ」
美しきオーケストレーションと舞い上がるメロディ、そして知性溢れる複雑な建築。プログ・パワーの黄金比をすべて纏った DIMHAV がさらに一際輝くのは、その技巧の凄まじさでしょう。Staffan Lindroth は心酔する Shawn Lane のように、キーボードとギターを巧みに操る二刀流。Michael Romeo や Kiko Loureiro が憑依したフラッシーなギターソロを聴かせたと思えば、Jens Johansson 直伝の流麗なキーボード・ソロを奏でる。きっと天才とは、彼のような人のことを言うのでしょう。何より、この弦高盤低時代のメタル世界に、鍵盤の音を再び高らかに響かせる…その心意気に私たちは大きな感謝を捧げずにはいられません。
「LOST HORIZON の2枚のアルバムがリリースされた当時、僕たちは二人とも何度も聴き込み、間違いなくインスピレーションを受けていたね。”The Boreal Flame” の曲が完成した時、彼の声がこの音楽にぴったりだと思い、彼に連絡を取ったんだ。Daniel はスウェーデン南部に住んでいるので、ずっとリモートでのコラボレーションだったけど、とてもうまくいっているよ」
このプログ・パワーという芸術 “Ondine” の最後のピースとなったのが、パワー・メタルのレジェンド Daniel Heiman の “声” でした。LOST HORIZON が残した2枚のアルバムで Heiman が刻んだ歌声は、メタル史上最高のボーカル・パフォーマンスのひとつと言えるでしょう。その Heiman の、いやメタル・ファンの夢の続きこそが “Ondine” です。Heiman の圧倒的なハイトーンと驚異的な感情を湛えた中低音が、Lindroth のカタルシス溢れるプログ・パワーと出会う時
、失われた地平の偉業は時を超えます。プログ・パワーの “オデッセイ” は決して潰えることなく、コンセプト・アルバムというアートはこうして受け継がれていくのです。
今回弊誌では、DIMHAV にインタビューを行うことができました。「僕たちの音楽に込められたパワー・メタルの本質は、音楽が持つポジティブな精神、そして音楽が伝えるエネルギーと力強さにある。メタル世界は世界の大きな流れを変えることはできないかもしれないけど、少なくとも終末のサウンドトラックをより良いものにすることはできるだろうね！」 どうぞ！！

DIMHAV “ONDINE” : 10/10

INTERVIEW WITH DIMHAV

Q1: What kind of music did you and your brother grow up listening to?

【STAFFAN】: There is a ten year gap between us, so it differs slightly between the two of us. In my case (Staffan) I started out listening to the mainstream hard rock that was popular when I was a kid, bands like Europe, Bon Jovi etc, but also music that my parents played like The Beatles, Santana and some jazz and classical. When I got more into guitar playing, a few years later, I was heavily into Yngwie Malmsteen and bands like Judas Priest, Testament and heavier music.

【OLLE】: When I (Olle) was merely a youngster Staffan had already plunged deeper into the more progressive metal and jazz-fusion. I was exposed to Dream Theater early on, among various solo guitarists such as Tony MacAlpine and Allan Holdsworth (the latter not so easily digested at that age). Symphony X became a favourite band quickly. As Staffan practiced the Chopin etudes and preludes and our father listened to classical music I explored more of that genre as well, which made me learn to play the piano from the age of 10.

Q1: あなたたち兄弟は、どんな音楽を聴いて育ったんですか？

【STAFFAN】: 僕たち兄弟は10歳違いなので、好みが少し違うんだ。僕は、子供の頃に流行っていた EUROPE や BON JOVI といったメイン・ストリームのハード・ロックを聴いて育ったね。両親がよく聴いていた THE BEATLES や SANTANA、ジャズやクラシックなども聴いていたよ。数年後、ギターを本格的に弾き始めてからは、Yngwie Malmsteen や JUDAS PRIEST, METALLICA といったヘヴィな音楽に夢中になったんだ。

【OLLE】: 僕がまだ幼かった頃、兄は既にプログレッシブ・メタルやジャズ・フュージョンに深く傾倒していたんだ。僕は DREAM THEATER を早くから聴いていたけど、Tony MacAlpine や Allan Holdsworth といった様々なソロ・ギタリストの音楽にも触れていたんだ（後者は当時、あまり理解しやすかったとは言えないけど）。それから、SYMPHONY Xはすぐに僕のお気に入りのバンドになった。あとは、Staffan がショパンのエチュードやプレリュードを練習し、父がクラシック音楽を聴いていたことから、僕もそのジャンルを深く探求するようになり、10歳からピアノを習い始めたんだ。

Q2: Why did you and your brother decide to form a Progressive-Power metal band called Dimhav?

【DIMHAV】: This happened very organically, as we had a range of songs ready that were intended for our previous band, which was put on ice around 2014. We then decided to pursue completing this music ourselves, and this became our first album – The Boreal Flame (2019). The word “Dimhav” translates to “sea of fog” in Swedish, and appeared somewhere along the way. We feel that this word corresponds to our artistic vision very well, as it hints at an unknown world, hidden in the fog, ready to explore.

Q2: あなたたち兄弟が、プログレッシブ・パワーメタルバンド DIMHAV を結成した敬意を教えてください。

【DIMHAV】: それはごく自然な流れだった。以前所属していたバンドのために作った曲がいくつかあったのだけど、そのバンドは2014年頃に活動を休止していたんだ。そこで、自分たちでこれらの曲を完成させることに決め、ファーストアルバム “The Boreal Flame”（2019年）をリリースした。
“Dimhav” とはスウェーデン語で “霧の海” という意味で、いつの間にかバンド名に決まっていたんだよね。霧の中に隠された未知の世界を暗示し、探求する準備ができている、というイメージが、僕たちの音楽的ビジョンに非常にあっていると感じているよ。

Q3: Daniel Heiman of Lost Horizon is truly a legend in this world. How did you meet him? What made you decide to have him as your vocalist?

【DIMHAV】: Yes, Daniel is truly an awesome singer, and we’re very happy to have worked with him for both our albums! We both listened extensively to Lost Horizon when those two records came out, and they have certainly been an inspiration. When the songs for The Boreal Flame were finished, we thought that his voice would fit that music very well, and got in touch with him. Daniel lives further south in Sweden, so this has always been a remote collaboration, which has worked out very well.

Q3: LOST HORIZON の Dan/el Heiman は、この世界ではまさに伝説的な存在です。彼とはどのように出会ったのですか？また、彼をボーカリストに迎えることに決めた理由は何だったんですか？

【DIMHAV】: そうだね、Daniel は本当に素晴らしいシンガーで、彼と僕たちの2枚のアルバムで一緒に仕事ができたことをとても嬉しく思っているよ！
LOST HORIZON の2枚のアルバムがリリースされた当時、僕たちは二人とも何度も聴き込み、間違いなくインスピレーションを受けていたね。”The Boreal Flame” の曲が完成した時、彼の声がこの音楽にぴったりだと思い、彼に連絡を取ったんだ。Daniel はスウェーデン南部に住んでいるので、ずっとリモートでのコラボレーションだったけど、とてもうまくいっているよ 。

Q4: Symphony X’s “The Odyssey” is a landmark album that elevated the prog power genre to art, but “Ondine” is a masterpiece that rivals that album! There were also moments that reminded me of Angra’s “Holy Land.” In fact, were there any moments when you were consciously thinking about those albums while writing the songs or doing the orchestration?

【DIMHAV】: Thank you so much for the kind words! We are sure it is no surprise to you that we have listened a lot to Symphony X over the years, and certainly “The Odyssey” as well. The same goes for Angra, where “Holy Land” was probably the first record we listened to, although we found “Angel’s Cry” early on as well.
As for direct inspiration on this album (Ondine), or thinking about those records, those were probably not directly on our mind. However, when it comes to writing concept albums we hold especially Symphony X’s “V” album and Angra’s “Temple Of Shadows” in very high regard! Both those albums tell their own stories, but not in any overly obvious or “cliche” way that gets in the way of the music. They also have such great songs on them and feel very inspired over all.

Q4: SYMPHONY Xの “The Odyssey” はプログレッシブ・パワーというジャンルを芸術の域にまで高めた金字塔的アルバムですが、”Ondine” もそれに匹敵する傑作ですね！同時に、ANGRA の “Holy Land” を彷彿とさせる瞬間もありました。
実際、曲作りやオーケストレーションの際に、そうしたアルバムを意識することはありましたか？

【DIMHAV】: 温かいお言葉をありがとう！僕らが長年にわたり SYMPHONY Xを聴き続けてきたことは、きっとみんなも驚かないだろうね。もちろん “The Odyssey” も聴き込んでいるよ。ANGRA についても同様で、”Holy Land” はおそらく僕たちが最初に聴いたアルバムのひとつだね。”Angel’s Cry” も早い段階で見つけていたよ。
このアルバム “Ondine” の制作において、SYMPHONY Xの “V” と ANGRA の “Temple Of Shadows” は、直接的なインスピレーション源として意識していたわけではなくてね。だけど、コンセプト・アルバムを作る上で、SYMPHONY Xの “V” と ANGRA の “Temple Of Shadows” は特に高く評価しているんだ。どちらのアルバムも独自のストーリーを語っているけど、音楽の邪魔になるような、あまりにも露骨な、あるいは “ありきたりな” 表現は一切ない。素晴らしい楽曲が収録されていて、全体的に非常にインスピレーションに満ち溢れているよね。

Q5: Daniel Heiman has sung in several bands since leaving Lost Horizon, but honestly, I think this album is his best work yet. His incredible vocal range, from low notes to amazing high notes, is brilliantly utilized! Did you construct the album with those characteristics of his in mind?

【DIMHAV】: That is wonderful to hear! And we of course agree that Daniel does an extraordinary job on this album. The fact that this is our second album, and now wrote the music with his voice in mind, meant that we could tailor the vocal lines more specifically to his voice and range. And as you point out, we did want to include a great deal of variety when it came to the vocals – from low to high and from soft to aggressive.
It is a very fun and challenging part of the process to construct vocal parts that interweave seamlessly with the arrangements, as we also have very “active” instrumental work, but we are really, really happy with the end result!

Q5: Daniel Heiman は LOST HORIZON 脱退後、いくつかのバンドでボーカルを務めてきましたが、正直なところ、このアルバムは彼の最高傑作だと思いますよ。彼の驚異的な声域、低音から素晴らしい高音まで、見事に活かされていますよね！アルバム制作にあたって、彼のそうした特徴を念頭に置いていたのですか？

【DIMHAV】: そう言ってもらえて嬉しいよ！もちろん、Daniel がこのアルバムで素晴らしい仕事をしてくれたことに僕たちも同感だよ。今回が2枚目のアルバムで、彼の声を意識して作曲したことで、ボーカル・ラインを彼の声と声域に合わせてより細かく調整することができたんだよね。君の指摘の通り、ボーカルには低音から高音、ソフトな歌声から力強い歌声まで、幅広いバリエーションを取り入れたかったからね。
アレンジとシームレスに融合するボーカル・パートを構築するのは、非常に楽しくもあり、やりがいのある作業だったよ。というのも、このアルバムはインストゥルメンタルも非常に “アクティブ” なサウンドになっているからね。でも、最終的な仕上がりには本当に満足しているよ！

Q6: Your technique is truly amazing! For example, in “Tides Immemorial,” it’s incredible how you incorporate not only guitar but also full-fledged jazz/fusion keyboards! Unfortunately, there are hardly any metal bands these days with skilled keyboard players, but you’re different! Are both keyboards and guitar important to you?

【STAFFAN】: Thank you! Yes, both keyboards and guitar are very important to me (Staffan). I grew up playing the guitar from an early age (around 9 or so), and this was my main focus throughout the school years. During high school a few things happened that made me shift focus to keyboards: 1) I got really into Jens Johansson and his playing style. I had of course heard him with Yngwie, but then his solo records (Fission, Fjäderlösa Tvåfotingar as well as Johansson Brothers/Sonic Winter) came out. These really had an impact on me. 2) I saw the movie “Shine” and got really into Rachmaninov and classical piano in general. 3) I got heavily into Chick Corea, through Frank Gambale who was and is one of my favourite guitar players. This sparked my interest in jazz and fusion keyboard playing as well. Nowadays I play about equally as much guitar as keyboards, although the focus can shift between each from time to time.
As for keyboards in metal (specifically synth leads) I feel that the key is to find a way of expression which blends with the overall mood and character of the music, and not to go overboard with the sonic character – with frequencies that only bats can hear. Jens Johansson actually had a whole essay about this on his old website, which I guess I took to heart!

Q6: Staffan、あなたのテクニックは本当に素晴らしいですね！例えば、”Tides Immemorial” では、ギターだけでなく本格的なジャズ／フュージョンのキーボードまで取り入れているのが本当に見事です！残念ながら、最近はキーボード奏者の腕の立つメタル・バンドはほとんど見かけませんが、あなたは違いますね！キーボードとギターはどちらもあなたにとって重要なんですね？

【STAFFAN】: ありがとう！そうだね、キーボードとギターはどちらも僕にとって非常に重要なんだ。幼い頃（9歳くらい）からギターを弾き始め、学生時代はずっとギターがメインだった。それから高校時代にいくつかの出来事があり、キーボードに重点を置くようになったんだ。1つ目は、Jens Johansson、そして彼の演奏スタイルに夢中になったこと。もちろん Yngwie Malmsteen との共演は聴いていたけど、その後彼のソロ・アルバム（”Fission”, Fjäderlösa Tvåfotingar”、そして JOHANSSON BROTHERS “Sonic Winter” ）がリリースされ、大きな影響を受けた。
二つ目は映画 “Shine” を観て、ラフマニノフとクラシック・ピアノ全般に深く傾倒したこと。三つ目はFrank Gambale を通して Chick Corea にハマったこと。Gambale は当時も今も僕のお気に入りのギタリストの一人だよ。それがきっかけで、ジャズやフュージョンのキーボード演奏にも興味を持つようになったんだ。現在ではギターとキーボードをほぼ同じくらい演奏しているけど、時折どちらかに集中することもあるね。
メタルにおけるキーボード（特にシンセ・リード）に関しては、音楽全体のムードやキャラクターに溶け込むような表現方法を見つけることが鍵だと感じているよ。コウモリしか聞こえないような周波数帯で音を過剰に強調しすぎないようにすることが大切なんだ。Jens Johansson は、かつて自身のウェブサイトでこのことについて長々とエッセイを書いていて、僕もそれを心に深く刻んだんだと思う！

Q7: Speaking of technique, the music world is now dominated by instant social media, clipped videos, and playlists, and hour-long artistic progressive metal albums are on the verge of extinction. In such a world, why do you continue to pursue this kind of music?

【DIMHAV】: That’s a very true observation of course, and part of the answer is probably that we ourselves are not very present in that kind of social media world – although we very much enjoy interacting with our listeners that way. Also, much of the music that has inspired over the years is rather from the classical world, with composers such as Shostakovich, Debussy, Ravel and Bruckner. This has probably steered us to defining the “arc” of the music as something longer than just one song, where the end result is always the entirety of the album. Another aspect is that we have so far remained fully independent with our music, with no-one pushing us to produce singles or hooks (for better or worse!).

Q7: テクニックといえば、音楽業界は今やインスタントなソーシャルメディア、切り抜き動画、プレイリストに支配され、1時間にも及ぶ芸術的なプログレッシブ・メタル・アルバムは絶滅の危機に瀕しています。
このような世界においても、なぜあなたはプログ・メタルを追求し続けるのですか？

【DIMHAV】: うん、まさに世界はそんな感じだね。それでも。僕らがプログ・メタルを追求する理由の一つは、僕たち自身がそういったソーシャルメディアの世界にあまり積極的に関わっていないからかもしれないね。もちろん、リスナーとの交流は楽しんでいるけどね。
また、長年にわたって僕たちにインスピレーションを与えてきた音楽の多くは、ショスタコーヴィチ、ドビュッシー、ラヴェル、ブルックナーといった作曲家によるクラシック音楽なんだ。こうした背景から、僕たちは音楽の “弧” を単なる一曲ではなく、アルバム全体というより長いものとして捉えるようになったのだろうね。もう一つ重要な点は、これまで音楽活動において完全に独立性を保ち、誰からもシングルやキャッチーな曲を作るようプレッシャーをかけられていないことかな（良くも悪くもだけど！）。

Q8: As we enter the 2020s, the dark clouds of division, oppression, and war are increasingly engulfing the world. In such a world, I think that the fantasy and hope of power metal like yours are needed more than ever. What can power metal do now?

【DIMHAV】: Yes, the times are for sure gloomy and full of uncertainty. We’re very, very glad if we can play a little part in helping anyone suspend that sense of darkness for a while, and hopefully provide an uplifting experience for the listener. The aspects of power metal that exist in our music are very much about the positive spirit of music, and the sense of energy and strength that it can convey. The metal world may not be able to change the course of geopolitics, but at the very least we can improve the soundtrack for Armageddon !

Q8: 2020年代に入り、分断、抑圧、戦争といった暗雲が世界をますます覆い尽くしています。
このような世界において、あなたたちのようなパワー・メタルの持つファンタジーと希望は、これまで以上に必要とされていると感じますよ。パワー・メタルは今、何ができるのでしょうか？

【DIMHAV】: 確かに、今は暗く、不確実性に満ちた時代だよね。もし僕たちが、少しでも人々の心の闇を晴らし、リスナーに希望を与えることができれば、本当に嬉しいんだ。僕たちの音楽に込められたパワー・メタルの本質は、音楽が持つポジティブな精神、そして音楽が伝えるエネルギーと力強さにある。
メタル世界は世界の大きな流れを変えることはできないかもしれないけど、少なくとも終末のサウンドトラックをより良いものにすることはできるだろうね！

FIVE ALBUMS THAT CHANGED DIMHAV’S LIFE!!

Staffan:
1) Yngwie Malmsteen – Odyssey
2) Helloween – Keeper Of The Seven Keys Pt. II
3) Judas Priest – Painkiller
4) Jens Johansson – Fission (with the great Shawn Lane, RIP)
5) Allan Holdsworth – Wardenclyffe Tower

Olle:
6) Dream Theater – Images and Words
7) Symphony X – V
8) Devin Townsend – Ocean Machine
9) Derek Sherinian – Planet X
10) Wintersun – Time I

MESSAGE FOR JAPAN

Yes! We are both big fans of Hayao Miyazaki and all the Studio Ghibli movies. Connected to that, the music of Joe Hisaishi has been a big inspiration as well. In the video game world, all the great From Soft games – Dark Souls, Bloodbourne and Elden Ring have been a recurring pastime for Staffan, although the time for gaming is severely limited at times unfortunately. Although we don’t have a great overview of Japanese music overall, we have certainly listened to bands like Galneryus (who are truly excellent!).
Finally we would like to thank you for the opportunity to tell Japanese metal fans about us, and we hope it has sparked interest in checking out our music! We love the spirit of Japanese culture and way of life, and would love to strengthen our ties to your music scene!

僕たちは二人とも宮崎駿監督とスタジオ・ジブリ作品の大ファンなんだ。それに関連して、久石譲氏の音楽からも大きなインスピレーションを受けているよ。ビデオ・ゲームの世界では、フロム・ソフトの名作 “ダークソウル”, “ブラッドボーン”, “エルデンリング” は、Staffan にとって長年の趣味となっているよ。残念ながら、ゲームに費やせる時間は限られているのが現状だけどね。日本の音楽全般について詳しいわけではないけど、GALNERYUS（本当に素晴らしいバンド！）のようなバンドは確かに聴いているよ。
最後に、日本のメタルファンに僕たちのことを紹介する機会をくれて、ありがとう。僕たちの音楽に興味を持ってもらえたら嬉しいよ！僕たちは日本の文化や生き方に魅了されているから、日本の音楽シーンとの繋がりをさらに深めていきたいと思っているよ。

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【CROWN LANDS : APOCALYPSE】

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COVER STORY : CROWN LANDS “APOCALYPSE”

“In my opinion, video games are unquestionably art, and I’d argue that it is a melting pot of many different disciplines of art coming together in a way that has the potential to be more impactful than movies, and possibly one of the highest potential forms of art.”

APOCALYPSE

カナダのプログレッシブ・ロック・デュオ、CROWN LANDS は決して安易な道を選びません。最新作 “Apocalypse” は、その姿勢を如実に示しています。ギター、ベース、ベース・ペダルを担当する Kevin Comeau と、ドラム&ボーカルを担当する Cody Bowles の2人によって制作されたレコードは、大胆でありながら統一感のあるコンセプト・アルバムとなり、彼らのサウンドをこれまで以上に広大な領域へと押し広げることになりました。
アルバムは、映画的なオープニング “Proclamation” から、疾走感あふれる “Foot Soldiers of the Syndicate”、メロディックな重厚さを湛えた “Through the Looking Glass” と “Blackstar” を経て、19分にも及ぶ壮大なクロージング・トラック “Apocalypse” へと展開していきます。つまり、この多部構成のエピック・アルバムこそ、デュオの才能を存分に発揮する場となっているのです。
「2人組であることの素晴らしさは、お互いに自由にアイデアを出し合えるし、二人以外誰も “ノー” と言ったり、他の意見を言ったりしないこと」と Bowles は語ります。 「僕たちが一緒に曲を作る時は、すべてその場でライブで作るんだ。だから、それはまさに僕たちの純粋な化学反応。色々な要素を組み合わせ、何がうまくいって何がうまくいかないのかを見極め、そこから本当に美しい錬金術が生まれるんだよね…例えば、”Apocalypse” の一節になるような、素晴らしいリフのある15秒のフレーズを見つけたら、それを別のフレーズと重ね合わせる。そうやって、すべてをライブで録音し、テストしていくんだ。
ただ、真の民主主義が欠如していることにはマイナス面もある。どちらかが譲歩しなければ何も起こらない。しかし、その制約を乗り越え、それを活かして何かを生み出すことができれば、実は強みになる」
同じようなダイナミズムは “Beardless Part One” にも影響を与え、より壮大なコーラスを作るという新たな挑戦が、アルバムの中でも特に印象的な瞬間を生み出しました。この創造的な “摩擦” は、バンドの活動を停滞させるどころか、どちらか一方だけでは到達できない高みへと彼らを押し進めているのです。
この2人編成というスタイル自体は、意図的な選択というよりは、むしろ自然発生的なものでした。Bowles は19歳頃、Comeau とのジャムセッションに参加するまで、歌ったことは一度もありませんでした。
「声が自然に出てきて、”うわ、すごい！” って思ったんだ。で、これは続けなきゃって」

CROWN LANDS の RUSH 愛、ミクマク族の遺産についてはこちら。

Bowles は生まれてからずっとドラマーで、父親の好きなバンドは RUSH でした。中学2年生になるまで、ほとんど RUSH ばかり聴いていました。初期のブルースのジャムセッションで、Comeau が足でキック・ドラムを叩いてリズムを取り始めたとき、Bowles はほとんど偶然にドラムセットを引き継ぎました。
「Kevin が “足はどうしたらいいんだ？” って言って、ベースペダルを弾き始めたんだ。それで僕は “よし、なら僕は歌ってドラムも叩こう” って思ったんだ。もうなるようになれって、ドラムを叩きながら歌を覚えたんだよな。まさに環境の産物だね」
Bowles がボーカルでよく比較されるのは、特に Geddy Lee や Robert Plant ですが、彼はそれを謙虚に受け止めつつも、その背景をきちんと理解しています。もともとのブルース・ロックの影響は、初期の頃は Steve Marriott, John Fogerty そして Plant へと彼を導きました。そこから、バンドのプログレッシブな方向転換によって、彼の鋭角的なメロディセンスがより鮮明になったのです。
「ほとんど本能的にそういう傾向が出てくる。でも、結局それは僕自身のスタイルなんだよな」
“Apocalypse” では、バンドは長年守ってきたルールの一つ、”ライブで演奏できないなら、レコーディングしない” を意識的に放棄することにしました。当時、Comeau は他の楽器に加えてベース・ギターを加えることを主張し、すぐに演奏用に特注のダブルネックベースを製作したくらいでしたが、”Apocalypse” の頃には、彼らは芸術を第一に考え、ライブでのアレンジは後から考えるという方針に完全に傾倒するようになりました。そのため、Comeau がステージで簡単に再現できない複雑なハーモニー、創造的な工夫を必要とする重層的な楽器編成、そして最終的には、ライブで楽曲を生き生きと輝かせるために2人のツアー・ミュージシャンを新たに加えるという決断に至ったのです。
「この音楽は僕たちよりも長く生き続けるだろう。芸術のために音楽を作り、ライブでどう演奏するかは、その時に考えよう」

そう、”Apocalypse” への道のりは、昨年リリースされたアンビエント・ワールドミュージックを基調とした2枚のアルバム “Ritual I” と “Ritual II” の自由に深く根ざしています。Bowles にとって、これらのアルバムは “音楽への愛がロックの枠を超えていることに気づいた” 作品でした。ユニバーサル・レーベルとの決別後、バンドは方向転換を余儀なくされていました。「レーベルもレコーディング予算もなかったけど、自分たちで曲作りやリハーサルをするスタジオはあった。そこで自分たちでレコーディングやミックスをするには、ちょっとした工夫が必要だったんだ。
“Ritual II” のレコードは、僕らがが初めてプロデュースしたレコード…そのアルバムが今年JUNOにノミネートされたのは本当に素晴らしいことだ…そのレコードの大部分が僕たちのソファでレコーディングされたというのは、ちょっとクレイジーだよね」
“Ritual I&II” は、バンドにとって音楽的に大きな転換点となり、リフと轟くドラムの代わりに、フルートと世界各国のパーカッション、それに柔らかなメロディーが採用されました。
「あれはプログ・ファンを驚かせたけど、最高だよ。人を驚かせられないとしたら、正しいことをしていないってことだと思うからね」
その芸術的な自由さは、今回のアルバムのすべてのトラックに散りばめられています。例えば、”The Fall” は Comeau が弾いていたリフから生まれました。当初、そのリフは PINK FLOYD の “Run Like Hell” に少し似すぎていると感じられましたが、軌道修正の結果、フロイドの雰囲気と、Bowles による KISS の影響を受けたドラム・アプローチが融合した楽曲が生まれました。Bowles はこの曲で Peter Chris から直接的なインスピレーションを受けたと語っています。
“Through the Looking Glass” は、壮大なコーラス・メロディーを中心に形作られました。そうして、スタジオでプロデューサーと話し合った際、Bowles が当初は却下していたドラゴンのイメージというコンセプトにたどり着いたのです。
「ずっとノーと言っていたんだ。でも、結局 “わかった、賭けに負けた” ってなった。ドラゴンの翼に乗って、僕たちは飛ぶ。まあ、それでいいか」 結局、この曲はアルバムの中でも彼のお気に入りの1曲となったのです。

19分にも及ぶタイトル曲をリードシングルとしてリリースしたことも、アルバムの他のすべての楽曲と同様に、意図的な選択でした。
「統計的に考えて、何の注目も浴びずにアルバムを丸ごとリリースしたら、誰も聴いてくれないだろう。だから、注目を浴びるようにしたんだ。インスト・アルバムを2枚出したけど、方向性を見失ったわけじゃない。僕たちはプログレッシブ・バンドだ。僕たちはプログレッシブ・ロックをやっているんだ。宇宙のドラゴンについての20分の曲もあるんだ。ただ好きなことをやっている。これが僕たちが考え出した素晴らしいストーリーだ。じっくりと味わい、読み、理解してほしいね」
レコーディングを通して二人が頼りにしたヴィンテージ機材も、アルバムの個性を形作る上で重要な役割を果たしました。Comeau はオリジナルのモーグ・シンセサイザー、古いトーラス・ペダル、ヴィンテージのレスリー・キャビネットを持ち込み、一方 Bowles はアルバムの一部を1970年代のスリンガーランド・ブラックゴールド・キットでレコーディングしました。「僕たちは間違いなくクラシックなサウンドの機材を好むんだ」
“Apocalypse” に貫かれているコンセプトは、”Fearless” の前日譚として機能し、宿敵であるシンジケートとその首領ブラックスターの起源を描いています。シンジケートの台頭、シンジケートの右腕としてブラックスターが頭角を現し、カラゴンが没落する。
「これは、シンジケートがすでにカラゴンに拠点を築き、仕事を終わらせるために戻ってきた時代。彼らは “Fearless” の惑星を破壊した後、露天掘りですべての資源を奪うんだ…シンジケートの本拠地であるブラックスターの故郷から、宇宙の資源と惑星を占領して植民地化し、略奪し、太陽系を攻撃する。そんなシンジケートのイデオロギーをめぐって内戦が勃発していくんだ。空想的に聞こえるかもしれないけど、これは僕たちの現実に根ざしている。まさに今の時代を反映しているんだ。これはつまり、普通の人がいかに簡単に過激化できるかについて…普通の人がオルタナ右翼に誘惑されることについて。だからこそ、ファンタジー要素をもっと盛り上げる必要があったんだよな。
あのエッジーなリフが “Blackstar” になったのは、怒りと凶悪さを感じさせるサウンドで、まるで彼が他の惑星を征服するモンタージュのようだったから。
社会として、僕たちは本当に不快な問題に直面している。そんな中で、僕らが愛するサイエンス・ファンタジーで語りかけることができたのは、まさに幸運だった。”Apocalypse” の根底にあるテーマは、憎しみは憎しみを生み、暴力は暴力を生むということだ。蒔いた種は必ず自分に返ってくる」

もし、Bowles が愛するビデオ・ゲームを、バンドをテーマにして無制限の予算で制作できるとしたら、どんなゲームにするのでしょうか？
「もしバンドを題材にしたビデオ・ゲームを制作できるとしたら、間違いなくオープン・ワールドの3DアクションRPGにするだろうね。独特なアートスタイル（ファイナル・ファンタジーXII ゾディアックエイジとワンダと巨像を合わせたようなイメージ）で、プレイヤーキャラクターは Fearless だ。彼は、自らの民が滅ぼされた謎を解き明かし、邪悪なシンジケートへの復讐の道を歩むことになるよ。バンドの “Fearless Chronology” に登場するキャラクターや場所、例えば Fearless が導きを求めるオラクル、凍てつく荒野、そしてもしかしたら Fearless の失われた民の生き残りであるドラゴン・ライダーなどを登場させて、バンドのストーリーをさらに掘り下げていきたいね」
ビデオ・ゲームは、CROWN LANDS の音楽制作にインスピレーションを与えているのでしょうか？
「ビデオゲームは僕の人生の様々な面やメディアとの向き合い方に影響を与えてきたけど、中でも音楽的な面で最も大きな影響を受けているんだ。メロディーの感覚は、特に幼い頃にプレイしたゼルダから大きく培われたと思う。（日本の作曲家）近藤浩治氏が、シリーズを通してハイラルの多様な風景にふさわしい、素晴らしい音楽的フックと色彩豊かなモチーフを織り交ぜる能力は、僕の心に深く刻み込まれているよ。
同様に、素晴らしいサウンド・トラックを持つ数々の名作ゲームやIPにも深く感動させられている。例えば、”ワンダと巨像”, “SEKIRO: SHADOWS DIE TWICE”, “Ghost of Tsushima”, “モンスターハンター”, “スパイロ“, “シャドウマン”, “ルーンスケープ” とかだね。特に “ルーンスケープ” は、ロックの枠を超えて、変拍子を用いたプログレッシブ・ロックの世界への入り口となった。今でも、こうした名曲を口ずさむことがあるくらいでね」

ゲームの世界に足を踏み入れるきっかけとなったゲームは何だったのでしょう？
「4歳の頃、”ゼルダの伝説” で、美しく広大なゲームの世界に触れたんだ。きっかけを作ってくれたのは父。父は物心ついた頃からゼルダに夢中で、当時よく夜遅くまでファミコン版の初代 “ゼルダの伝説” や “ゼルダの伝説II リンクの冒険” をプレイしていたんだよね。父が “時のオカリナ” をプレイするのを見て、僕もゲームそのものにすっかり魅了されたってわけさ。父は闇の神殿を攻略するのに苦戦していたけど、ついにセーブデータを作らせてくれたんだよね。それ以来、ゼルダ・シリーズは僕の一番好きなゲームになった」
好きなゲームのジャンルは？
「一番好きなゲームジャンルはRPGだね！進行システムが複雑で奥深いほど良いね。どんなゲームでも、常に成長していくシステムが大好きで、新しいアイテムや機能、スキル・ポイントをアンロックするためにひたすらプレイし、スキルツリーに組み込んだり、ゲーム世界を探索したりするのが楽しいんだよ。戦闘やタイミング、パズルなど、難易度が高く、ミスが許されないゲームも好みだね。
Old School RuneScape、World of Warcraft、Baldur’s Gate、Diablo、Dungeons & Dragons Online、Knights of the Old Republic など、挙げればきりがない。さらに絞り込むと、特にアクションRPGが好きでね。フロム・ソフトウェアの名作の数々、モンスター・ハンター・シリーズ、エルダースクロールズ・シリーズ、Black Myth Wukong、Black Desert、そしてもちろんゼルダ・シリーズ（厳密にはアクションRPGではないけど、個人的にはここに含めている）などだね。
強敵を倒して、ドロップ・アイテムを使ってキャラクターを成長させる時の達成感、あるいは型破りな発想で報酬が得られる巧妙にデザインされたパズルほど素晴らしいものはない。脳の特定の部分を刺激し、この上なく心地よく、決して飽きることがないんだよ！」
これまでプレイしたゲームの中で、最も難しかったゲームは何でしょう？
「これまでプレイしたゲームの中で、間違いなく “仁王2” は最も難しいゲームの一つ、いや、もしかしたら一番難しいゲームだったかもしれないね。僕はソウルライク・ゲームでもかなりの難易度を好む方で、 “SEKIRO” を2回もクリアしたくらいだけど、”仁王2″ は難易度の面で全く別次元と言える。ソウルライク・ゲームでありながら、ボスは容赦なくプレイヤーを圧倒し、非常に複雑なスキル・ポイント制の戦闘システムは、習得に非常に時間がかかる。特に、各武器に3種類の構えが用意されている点が大きな特徴で、メイン武器は11種類、遠距離武器は3種類ある。
それに加えて、戦闘には奥深い妖怪化とスキルシステムがあり、これは非常に重要でありながら、理解するのが難しい。最も基本的な敵でさえも、そのスピードと容赦ないダメージ出力を考えると、メタアニメーション・キャンセル戦術とパーフェクト・パリィが生存に不可欠となる。
これまでにないほどの挑戦を与えてくれたゲームで、だからこそ心から愛しているんだよ」

これまでプレイした中で最も美しいゲームは何でしょう？
「懐かしさ抜きで言うと、これまでプレイした中で最も美しいゲームは “ゼルダの伝説 ティアーズ・オブ・ザ・キングダム” だね。美しいセル・シェーディングのグラフィックと、深く彩られた手作りのオープンワールドは、プレイした瞬間から僕を完全に魅了しまたよ。もちろん、前作 “ブレス オブ ザ ワイルド” やそれ以前のゼルダ・シリーズもすべてプレイしているけど、この作品のハイラルの息を呑むような世界観と雰囲気は、本当に際立っていたね。他のどのゲームとも違って、僕をその世界そのものに引き込んでくれたんだ」
今までプレイした中で最高のゲームは？
「今までプレイした中で最高のゲームを選ぶのは本当に難しいね。あえて挙げるとすれば、”SEKIRO: SHADOWS DIE TWICE” と “エルデンリング” の2つだろうか。”SEKIRO” のアクション戦闘とストーリーは、僕の意見では他に類を見ないほど素晴らしいものだよ。戦闘は、僕がこれまでプレイしたゲームの中で最も緻密で、ピクセル単位で完璧な剣戟アクションであり、ストーリーは驚くほど緻密なディテール、秘密、隠されたクエスト、そして独特の雰囲気に満ち溢れているね。源の宮、そして水生村の悲劇的な物語など、ほんのわずかな情報さえも、僕を魅了してやまないんだ。
“エルデンリング” も、環境デザインとオープン・ワールド全体の美しさ、そして半神たちがエルデンリングの欠片を巡って争う壮大な物語の深みにおいて、僕にとっては “SEKIRO” と同等の完成度を誇っている。これまでプレイしてきたソウルライク・ゲームに比べれば簡単だったけど、その圧倒的なスケールと、サウンドデザインから戦闘、世界探索に至るまで全てが一貫して素晴らしい出来栄えだったことに深く心を奪われたね。初めてプレイした時の衝撃は一生忘れられないだろう。
マップは、もう全て見尽くしたと思っても、どんどん広がっていくんだよね。どこを見てもやることが山ほどあって、バンドの練習の合間を縫って1ヶ月間部屋にこもりきりで、発売から1ヶ月以内に100%クリアしたんだ。後悔は全くないよ（笑）」
ビデオ・ゲームは、音楽と同様に芸術と言えるのでしょうか？
「僕の考えでは、音楽と同様、ビデオ・ゲームは紛れもなく芸術で、様々な芸術分野が融合したるつぼのような存在だ。映画よりも大きな影響力を持つ可能性を秘めていて、おそらく最も高い潜在能力を持つ芸術形態の一つと言えるだろう。プレイヤーが次にどこへ進むべきか、世界のどの部分や物語を解き明かすべきかを自ら発見できるというゲームの本質は、その作り込まれた世界で交流するすべての人にとって、他に類を見ない個人的な体験を生み出すからね。
僕自身のゲーム体験では、精緻に作り込まれた世界に登場するキャラクターや冒険に、まるで心の中で大切にしている現実の延長であるかのように、感情的に深く結びついている。もしこの感覚が芸術作品への愛着から生まれたものでないとしたら、一体他に何が芸術といえるのか僕には分からないよ」

参考文献: V13net:Level Up: Crown Lands Drummer & Vocalist Cody Bowles Discusses His Life as a Gamer

THE PROG REPORT :Crown Lands Interview – Apocalypse

SPILL MAG:SPILL FEATURE: APOCALYPSE – A CONVERSATION WITH CROWN LANDS’ KEVIN COMEAU & CODY BOWLES

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【FRONTLINE : REBIRTH】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH STEPHAN KAEMMERER OF FRONTLINE !!

“I do think that good songs always have a right to exist and can be successful across generations.”

DISC REVIEW “REBIRTH”

「”Rebirth” の音楽やアートワークは “The State of Rock” を彷彿とさせる。そう、このタイトルが示唆するように、FRONTLINE は原点回帰、つまり文字通り “Rebirth（再生）” を目指したんだ！」
今からおよそ30年前。HELLOWEEN や BLIND GUARDIAN, GAMMA RAY といった大仰で華々しいジャーマン・メタルの影に隠れる形ではありましたが、ドイツではメロディック・ハードロックの花弁もまた、確実に開きつつありました。Fair Warning, Zeno, Bonfire, Casanova, Pink Cream ’69, Sinner, Jaded Heart, Subway…決してメタル世界の主役になるわけではありませんでしたが、美しいメロディ、確かな技巧、嗜好を凝らした展開の妙、そして何より “感情の昂り” は多くのリスナーの心を捉え、動かしました。1994年にデビューを果たした FRONTLINE もまた、そんなバンドの一つ。
「このデビュー・アルバム “The State of Rock” は当然ながら僕にとって非常に大きな意味を持っているよ。僕が初めて作ったアルバムなんだからね。いわば僕の音楽の旅の始まりであり、これからもずっと僕の心にとどまり続けるだろう。相棒の Robby と過ごした素晴らしい時間だったよ」
FRONTLINE のデビュー・アルバム “The State of Rock” は、30年を経た今でもメロハーの名盤として不動の地位を築いています。それは、アルバムを通して彼らが敬愛する JOURNEY 譲りの旋律美や哀愁が散りばめられていたのはもちろん、90年代らしいエッジやテクニックを加えてメロハーをアップデートしていたから。
つまり、名曲 “Heaven Knows” のエンジンは、フロントマン Stephan Kaemmerer の声とメロディだけではなく、ギタリスト Robby Boebel の鋭利なシュレッドやリフワークが両輪となって推進力を生み出していたのです。
「2006年に始まった活動休止（あるいは解散）は、Robby と僕の音楽的な方向性が少しずつずれてきたことが原因だったんだ。僕は JOURNEY のような方向性を目指していたんだけど、Robby は SAXON や JUDAS PRIEST のような方向性を好んでいたからね。結局、単純に僕たちのビジョンはもはや一致しなくなってしまったんだ」
衝撃のデビュー作以降も、より研ぎ澄まされ洗練された “Heroes” を筆頭にメロハーの鼓動を響かせ続けた FRONTLINE でしたが、終焉の時が訪れます。それは、最強タッグの瓦解でした。メロに進みたい Stephan と、ハーに進みたい Robby の音楽性は徐々に乖離し、いつしかメロハーのフロントラインに立っていたバンドは空中分解してしまうのです。
「バンドの音楽的な方向性やスタイルに関して言えば、実は常に僕のメロディーと歌詞が大きな役割を果たしていたんだ。それはニュー・アルバム “Rebirth” を聴けばはっきりと分かると思う。だから、過去20年間、デモとして数多くの曲を録音してきた僕にとって、アルバムを作ることはごく自然な流れだったんだよね。多くのメディアが “Rebirth” はこれまでの FRONTLINE のアルバムの中で最高傑作だと評してくれているよ」
転期が訪れたのは、2022年の夏。一度は袂を分かったとはいえ、Stephan にとって戦友であり、長年の相棒だった Robby が病気で亡くなったのです。メロハーの灯火を、そして Robby Boebel の遺志を継ぐべく、Stephan は再び FRONTLINE の旗を掲げました。
Rebirth。そして再生と銘打たれた復活の狼煙は、たしかに FRONTLINE の色を帯びていました。鍵盤とギター煌めく “Burning Horizon” はまさに復活の証。Stephan の悲哀を帯びた歌唱が心を溶かす “After You’re Gone” で亡き Robby への献杯を掲げた彼らは、”Burning the Distance” で過去と現在の距離を燃やしてメロハーの原点へと立ち返ってくれました。そう、この純粋な輝きこそが FRONTLINE のあるべき場所。ロックのあるべき場所。”The State of Rock” なのですから。
今回弊誌では、Stephan Kaemmerer にインタビューを行うことができました。「メロハーのように、良い曲、良い音楽は常に存在し続ける権利があるし、世代を超えて愛されるものだと思っているからね」 どうぞ！！

FRONTLINE “REBIRTH” : 10/10

INTERVIEW WITH STEPHAN KAEMMERER

Q1: For me, “The State of Rock” is a truly special album. I got it right when I started listening to metal and hard rock, and I was captivated by its amazing melodies, edge, and technique. It was my gateway into this world. 32 years have passed since that masterpiece was released, but looking back, what does that album mean to you?

【STEPHAN】: First of all, I’d like to thank you for your wonderful compliments, dear Sin. Our debut album naturally means an enormous amount to me; it was the very first album I ever made. It was, so to speak, my musical beginning, and it will likely always remain that way in my heart; it was a wonderful time together with Robby.

Q1: 私にとって “The State of Rock” は本当に特別なアルバムです。メタルやハード・ロックを聴き始めたばかりの頃にこのアルバムに出会い、その素晴らしいメロディー、エッジの効いたサウンド、そしてテクニックに心を奪われました。まさにこの世界への入り口でした。
あの名盤がリリースされてから32年が経ちましたが、今振り返ってみて、あなたにとってこのアルバムはどのような意味を持つのでしょうか？

【STEPHAN】: まず、親愛なるSinさん、素敵な賛辞をありがとう。このデビュー・アルバムは当然ながら僕にとって非常に大きな意味を持っているよ。僕が初めて作ったアルバムなんだからね。いわば僕の音楽の旅の始まりであり、これからもずっと僕の心にとどまり続けるだろう。相棒の Robby と過ごした素晴らしい時間だったよ。

Q2: Frontline formed in 1989, but your debut album wasn’t released until 1994. In those five years, the world of rock music changed dramatically with the rise of grunge. If grunge hadn’t become popular, Frontline would undoubtedly have been a much bigger band. Were you confused by that change?

【STEPHAN】: To be honest, we didn’t really focus all that much on the grunge scene; we knew we just wanted to stick to doing our own thing. But looking back, we certainly would have been in a much stronger position in the mid-80s with “State of Rock”.

Q2: FRONTLINE は1989年に結成されましたが、デビュー・アルバムのリリースは1994年でした。この5年間で、グランジの台頭によりロック・ミュージックの世界は劇的に変化しましたね。もしグランジが人気を博していなかったら、FRONTLINE は間違いなくもっと大きなバンドになっていたでしょう。その変化に戸惑いましたか？

【STEPHAN】: 正直に言うと、グランジ・シーンにはあまり関心がなかったんだよね。自分たちのスタイルを貫きたかったから。でも今振り返ると、”State of Rock” を80年代半ばにリリースしていれば、もっと有利な立場に立てただろうけどね。

Q3: You were often called the German Journey back then, weren’t you? Indeed, Germany at that time had some fantastic melodic hard rock bands like Fair Warning, Zeno, Bonfire, Casanova, Pink Cream ’69, Sinner, Jaded Heart, and Subway. Were there any bands you particularly resonated with or liked?

【STEPHAN】: Yes, indeed – both back then and today, we have always been referred to as the European answer to Journey. This truly honors us, as we are all huge fans of the band! I myself am a big fan of bands like Journey, Foreigner, Toto, Survivor, Def Leppard, Whitesnake, and many other bands from that era.

Q3: FRONTLINE は当時、よく “ドイツの JOURNEY” と呼ばれていましたよね？
確かに、当時のドイツには Fair Warning, Zeno, Bonfire, Casanova, Pink Cream ’69, Sinner, Jaded Heart, Subway といった素晴らしいメロディック・ハードロック・バンドが多くいましたが、中でも特に共感したり、好きだったバンドはありましたか？

【STEPHAN】: うん、まさにその通りだね。当時も今も、僕たちは JOURNEY のヨーロッパ版と呼ばれているんだ。僕たち全員が JOURNEY の大ファンだから、それは本当に光栄なことなんだよ！僕自身は JOURNEY, FOREIGNER, TOTO, SURVIVOR, DEF LEPPARD, WHITESNAKE といったバンドの大ファンなんだ。

Q4: For me, “Heroes” is also one of my bibles. After that, Frontline continued to release great albums throughout the 2000s, Some members continued with Evidence One and State of Rock, though, but then you went on hiatus. What was the reason for that?

【STEPHAN】: First off, thanks again for the lovely compliment regarding our album Heroes. Since I wrote all the vocal melodies and lyrics on every single album entirely on my own, your compliment truly honors me! Frontline has always essentially been just Robby and me. I founded Frontline in 1989, and Robby was actually the very last member to join the band. However, it quickly became apparent that Robby and I were the sole architects behind the songwriting and the sound – and that remained the case right up until our last release at the time, which came out in 2006. From our official second album, Heroes, onwards, we were effectively a duo backed by session musicians – though nobody else actually knew that. The hiatus (or split) that began in 2006 came about because Robby and I had grown somewhat apart creatively. I wanted to steer things more in the direction of Journey, while Robby leaned more toward Saxon and Judas Priest; ultimately, our visions simply didn’t align anymore.

Q4: 私にとっては、”Heroes” もまた、バイブルのような存在です。その後、FRONTLINE は2000年代を通して素晴らしいアルバムをリリースし続け、メンバーの中には EVIDENCE ONE や STATE OF ROCK に参加した人もいましたが、その後活動休止に入りました。その理由は何だったのでしょうか？

【STEPHAN】: まず、アルバム “Heroes” への素敵な褒め言葉をありがとう。すべてのアルバムのボーカル・メロディーと歌詞を僕が一人で書いているから、その言葉は本当に光栄だよ！
FRONTLINE は基本的にずっと Robby と僕の二人組だったといえる。僕が FRONTLINE を結成したのは1989年で、Robby は実はバンドに最後に加入したメンバーだったんだ。だけど、すぐに Robby と僕がソングライティングとサウンドの唯一の立役者であることが明らかになって、それは2006年にリリースされた当時の最後の作品まで変わらなかったんだ。だから公式セカンド・アルバム “Heroes” 以降は、セッション・ミュージシャンをバックに従えたデュオという形だったんだけど、実際には他の誰もそのことを知らなかったんだよね。
2006年に始まった活動休止（あるいは解散）は、Robby と僕の音楽的な方向性が少しずつずれてきたことが原因だったんだ。僕は JOURNEY のような方向性を目指していたんだけど、Robby は SAXON や JUDAS PRIEST のような方向性を好んでいたからね。結局、単純に僕たちのビジョンはもはや一致しなくなってしまったんだ。

Q5: But Japanese fans have been waiting for your return for a long time! The band lost a key figure in Robby Boebel. Still, What was the reason for deciding to make a comeback now?

【STEPHAN】: Regarding the band’s musical direction and style, it was actually my song melodies and lyrics that were primarily responsible – something you can clearly hear on our new CD, Rebirth. It therefore felt entirely natural that, having recorded so many songs as demos over the past 20 years, making an album simply felt like the right thing to do! Many voices in the press have even claimed that Rebirth is the best Frontline album we have recorded to date. However, I prefer to leave it to the listeners out there to form their own judgment!

Q5: 日本のファンは長い間、あなたたちの復帰を待ち望んでいました！バンドは Robby Boebel という重要な人物を失いました。それでも、今カムバックを決意した理由は何だったんですか？

【STEPHAN】: バンドの音楽的な方向性やスタイルに関して言えば、実は常に僕のメロディーと歌詞が大きな役割を果たしていたんだ。それはニュー・アルバム “Rebirth” を聴けばはっきりと分かると思う。だから、過去20年間、デモとして数多くの曲を録音してきた僕にとって、アルバムを作ることはごく自然な流れだったんだよね。
多くのメディアが “Rebirth” はこれまでの FRONTLINE のアルバムの中で最高傑作だと評してくれているよ。しかし、最終的な判断はリスナーのみんなに委ねたいと思う！

Q6: “Rebirth” is a fantastic album befitting a magnificent comeback! The artwork and the beauty of the melodies are reminiscent of “The State of Rock.” As the title suggests, has Frontline decided to return to your roots and be “Rebirth”?

【STEPHAN】: I couldn’t have put it better myself; that was precisely my intention, and I am delighted that it was recognized and received in exactly that way.

Q6: 実際、”Rebirth” は、華々しいカムバックにふさわしい素晴らしいアルバムですね！アートワークと美しいメロディーは、 “The State of Rock” を彷彿とさせます。
タイトルが示唆するように、FRONTLINE は原点回帰、つまり文字通り “Rebirth（再生）” を目指したのでしょうか？

【STEPHAN】: 僕自身でもそんなに上手く言葉にできないね。まさにそれが僕の意図だったし、そうやって正確に受け止めてもらえてとても嬉しく思うよ。

Q7: The album release sparked discussions about AI, right? You created amazing music in an era before AI even existed, so what are your thoughts on technological advancements and social media marketing?

【STEPHAN】: That’s a super cool question, thanks so much for asking it! Naturally, we wrote and produced all the songs ourselves – exactly the way we’ve been doing it for all those decades prior, long before AI came along! Many people were simply confused by the fact that we used AI techniques for the videos, something Hollywood has actually been doing for decades using CGI in films and video productions! Personally, I have mixed feelings about AI; while I think using this technology for videos is going to become the new normal, I just hope that the music itself remains human!

Q7: 今回のアルバムのリリースにおいて、一部でAIに関する議論を巻き起こしましたよね？
AIが存在する以前の時代に素晴らしい音楽を生み出してきた FRONTLINE ですが、技術革新や SNS マーケティングについてはどう考えていますか？

【STEPHAN】: とてもクールな質問だね！尋ねてくれてありがとう！もちろん、FRONTLINE はすべての曲を自分たちで作詞作曲、プロデュースしているよ。AIが登場するずっと前から、何十年も続けてきたやり方なんだから！
多くの人が、僕たちがビデオにAI技術を使ったことに戸惑っていたけど、実はハリウッドは映画や映像制作で何十年も前からCGIを使っていたんだよ！個人的にはAIについては複雑な気持ちなんだ。動画制作にこの技術を使うのは新しい常識になると思うけど、音楽そのものは人間らしさを保ってほしいと願っているんだよ。

Q8: Speaking of changing times, some people say that melodic hard rock is outdated or dead. But I think that in a dark world with war, oppression, and violence, we need music that fills us with hope and lights, would you agree?

【STEPHAN】: I agree with you 100% on that. However, I do think that good songs always have a right to exist and can be successful across generations.

Q8: 時代の変化といえば、メロディック・ハードロックは時代遅れ、あるいは死んだと言う人もいます。ただ、私は戦争や抑圧、暴力が蔓延する暗い世界では、希望と光を与えてくれる音楽、メロハーが必要とされるはずだと信じていますよ。

【STEPHAN】: その話については100％同意するよ。メロハーのように、良い曲、良い音楽は常に存在し続ける権利があるし、世代を超えて愛されるものだと思っているからね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED STEPHAN’S LIFE!!

THE BEATLES “Help”

JOURNEY “Escape”

FOREIGNER “4”

TOTO “Isolation”

BON JOVI “Slippery When Wet”

MESSAGE FOR JAPAN

I love Japan! For me, it is my second spiritual home! I sang the German version of the opening theme “WE ARE” for the very first season of One Piece. The German version was titled “Auf dem Weg” and aired here as Opening Theme 8!
はじめまして、ステファンです。どうぞよろしくお願いします。

日本が大好きなんだ！僕にとって日本は第二の故郷だよ！アニメ “ONE PIECE” の第1シーズンのオープニング・テーマ “WE ARE” のドイツ語版は僕が歌っているくらいでね！ドイツ語版は “Auf dem Weg” というタイトルで、オープニングテーマ8としてドイツでオンエアされたんだ！ここでビデオを見ることができるよ
はじめまして、ステファンです。どうぞよろしくお願いします。

STEPHAN KAEMMERER

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【M.ILL.ION : LEGEND】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH B.J LANEBY OF M.ILL.ION !!

“Classic Rock Is Dead? Are You Kidding Me?”

DISC REVIEW “LEGEND”

「友人でもある 220 VOLT は大好きだよ。PRETTY MAIDS, TNT（どちらも素晴らしいバンドで、一緒に演奏したことがあるよ）、TREAT（こちらも一緒に演奏したね）、そしてもちろん EUROPE。ELECTRIC BOYS もとてもクールなバンドだと思っていたね」
80年代末期から90年代初頭にかけて、北欧にはメロディとテクニックを兼ね備えた綺羅星がオーロラの白夜に集っていました。Yngwie Malmsteen や EUROPE というビッグネームはもちろん、220 VOLT, TREAT, PRETTY MAIDS, TNT, GLORY, TALISMAN, FORTUNE, MASQUERADE, RETURN, DA VINCI, POUL POSITION…彗星のように現れ、彗星のように消えていったバンドも多く、挙げればキリがありません。彼らはそれぞれが目立った個性を持ちながらも、北欧の空気や景色を私たちに伝えてくれるという点では共通していました。スウェーデンのイエテボリ、メロデスのメッカで生まれた M.ILL.ION もそんなバンドの一つ。
「ギターとハモンドの組み合わせは最高だよね！よくは分からないけど、少なくとも、僕たちのようなサウンドのバンドはあまり見かけないよね。でも僕たちはただ、やるべきことをやっているだけなんだ。誰かがこのバトンを受け継がなければならないし、僕たちは笑顔を浮かべてその仕事をしようと努めているだけさ。とはいえ、サウンド、アレンジ、プロダクションは現代化しようと努力していてね。僕たちは懐古主義のバンドではないからね。クラシック・ロックであり、常にメロディックだけど、同時に今は2026年で1976年ではないのだから」
M.ILL.ION が際立っていたのは、その哀愁を帯びたメロディとともに煌めくギターとハモンドやキーボードのマリアージュでした。アメリカの乾いた音像に魅入られた挑戦的な “We, Ourselves & Us” にしてもそのメロディと技巧の婚姻は豊潤。しかし、必殺の “Winds of Change” を携えたデビュー作 “No.1” の衝撃、華麗かつ繊細なる旋律と楽器の躍動はやはり今聴いても別格でしょう。ただし、驚くべきことに今回の復活作 “Legend” は、そうした初期の名作群をも凌駕するほど自信、そしてクラシックなハードロック/メタルのプライドに満ちています。
バトンの継承。かつて、キーボードやハモンド・オルガンは当たり前のように楽曲を彩るメタル世界の基盤のひとつでした。しかし、プログラミングの発達やリスナーの嗜好の変化によって、今や鍵盤とギターの麗しきマリアージュは絶滅危惧種だと言えます。そんな時代に、”Kingmaker” の堂々たるハモンドが響き渡る僥倖。
さながら、80年代の DEEP PURPLE のようにがっぷり四つのギターとキーボードは、さながら80年代の PRETTY MAIDS のようなボーカルの力強さと楽曲の牽引力で、クラシック・メタルの灯火が決して絶えないことを伝えます。初期のメンバーが集結したことも、プラスに働きました。歌の力が戻ってきたメタル世界。M.ILL.ION のようなクラシック・メタルの誇りが堂々たる凱旋を果たせば、もしかすると鍵盤の力も加わるかもしれませんね。北欧メタルよ、永遠なれ。
今回弊誌では、オリジナル・メンバーの B.J にインタビューを行うことができました。「僕らはやりたいことをやるしかなかったんだから！クラシカルなハードロックが僕たちの遺伝子と心に刻まれているんだよ。特定の時代の流行を追うようなことはしたくなかった。これまでも、そしてこれからもね。M.ILL.ION はクラシック・ハードロックだ。昔からずっと、そして今も…ね！ 」 どうぞ！！

M.ILL.ION “LEGEND” : 10/10

INTERVIEW WITH B.J LANEBY

Q1: 1. M.ILL.ION started in Gothenburg, Sweden, right? At that time, melodic death metal was beginning to blossom in that place, so why did you go the hard rock route?

【B.J】: Yes, that´s absolutely correct. Gothenburg is our hometown and we love it!
Because we got to do what we got to do! It´s in our genes and hearts, We don´t follow the trends of what´s going on at a perticular moment. Never have. M.ILL.ION is classic hard rock. Always been, still is!

Q1: M.ILL.ION はスウェーデンのイエテボリで結成されたんですよね？当時、イエテボリではメロディック・デスメタルが花開き始めていましたが、あなたはなぜクラシックなハードロック/メタルの道を選んだのですか？

【B.J】: うん、その通りだよ。イエテボリは僕たちの故郷で、大好きな街だ！
だって、僕らはやりたいことをやるしかなかったんだから！クラシカルなハードロックが僕たちの遺伝子と心に刻まれているんだよ。特定の時代の流行を追うようなことはしたくなかった。これまでも、そしてこれからもね。
M.ILL.ION はクラシック・ハードロックだ。昔からずっと、そして今も…ね！

Q2: However, back then, Sweden had a lot of melodic and neoclassical metal talent, from major acts like Yngwie Malmsteen and Europe to more independent ones. Were you influenced by those people when you started playing metal?

【B.J】: I think we share influences with some of those great bands: We all love Deep Purple, Rainbow, UFO, Thin Lizzy etc.
But of course,,,Europe and Yngwie broke some serious ground. I personally very like much my friends in 220 Volt and Treat is a really good band.

Q2: 一方で、当時スウェーデンには Yngwie Malmsteen や EUROPE といったメジャーなバンドから、よりインディーズなバンドまで、メロディック・メタルやネオクラシカル・メタルの才能あふれるバンドがたくさん存在しましたよね。バンドを始めた頃、そういった人たちからは影響を受けましたか？

【B.J】: 僕たちは、DEEP PURPLE, RAINBOW, UFO, THIN LIZZY など、オールドスクールな素晴らしいバンドたちと共通点があると思っているんだ。
もちろん、EUROPE と Yngwie は大きな壁を打ち破った。他にスウェーデンだと、個人的には、友人である 220 VOLT のメンバーたちが大好きだし、TREAT は本当に良いバンドだと思うな。

Q3: I absolutely love your first album, “No.1”. While it followed the glam metal style of the time, it beautifully reflected the melancholy and landscapes characteristic of Scandinavia. Was that “Scandinavian feel” something you consciously aimed for?

【B.J】: Wow . thank You! Along time ago, but it was a really succesful debut. And lots of fun!
Great perspective. Again , We just do what we got to do and it comes from our hearts and souls – It´s just us – no calculations or plans!

Q3: 私はあなたたちのファースト・アルバム “No.1” が大好きなんですよ。当時のグラム・メタルのスタイルを踏襲しつつも、スカンジナビア特有のメランコリーと風景を美しく表現していましたね。その “スカンジナビアらしさ” は意識的に狙ったものだったんですか？

【B.J】: わあ、ありがとう！ずいぶん前のことだけど、本当に成功したデビュー作だったね。そして、とても楽しかった！
スカンジナビアらしさとは素晴らしい視点だね。でも繰り返しになるけど、僕たちはただ自分たちのやりたいことをやっているだけで、それは心と魂から湧き出るものなんだよ。計算も計画もなかった。これが僕たち自身の音楽なんだ！

Q4: There were many different bands in Scandinavia at the time, but which ones did you particularly connect with?

【B.J】: Again & speaking for myself; Pretty Maids, TNT ( Great bands, we have played with both) Treat (also played with) Europe of course, Electric Boys is very cool.

Q4: 当時スカンジナビアには様々なバンドがありましたが、特に共感をもっていたり、親しくなったバンドはいましたか？

【B.J】: また個人的な意見になるけど、PRETTY MAIDS, TNT（どちらも素晴らしいバンドで、一緒に演奏したことがあるよ）、TREAT（こちらも一緒に演奏したね）、そしてもちろん EUROPE。ELECTRIC BOYS もとてもクールなバンドだと思っていたね。

Q5: “We Ourselves & Us” is one of the most popular albums in your discography and was a hit in Japan as well. Musically, it moved closer to a more vibrant, American feel, would you agree?

【B.J】: Thanks! Anyway, after the first album NO.1, which was a great success, we were pretty much independent. We were able to book the studios and producers we wanted.
Meaning we tried out some different arrangements and production ideas. Cool album! Our dear friend Pär Edwardson produced it and we had the opportunity to get both crazy and serious.

Q5: “We Ourselves & Us” はあなたのディスコグラフィーの中でも特に人気の高いアルバムの一つで、日本でもヒットしました。
音楽的には、より活気のあるアメリカンな雰囲気に近づいたと思いますが、その変化はなぜ起こったのでしょう？

【B.J】: ありがとう！とにかく、大成功を収めたファースト・アルバム “NO.1” の後、僕たちはほぼ独立して活動していたんだ。だから、自分たちが望むスタジオやプロデューサーを自由に選ぶことができたんだよね。
つまり、様々なアレンジやプロデュースのアイデアを試すことができた。素晴らしいアルバムになったよね！親友の Pär Edwardson がプロデュースしてくれて、僕たちはクレイジーなことにもシリアスなことにも、両方挑戦することができたんだよね。

Q6: Your comeback album “Legend” is truly fantastic! You are a legend of Scandinavian Rock & Metal, so is that the meaning behind the title?

【B.J】: WOW – THANK YOU! You can´t imagine what that means to us! We´ve worked hard with it. Wrote about 30+ songs for it and we´re so glad You like what came out of it!
Thank You, but it´s not meant putting us on a the pedestal. It´s just a cool title and one of the songs is called The Legend Lives On.

Q6: カムバック・アルバム “Legend” は本当に素晴らしいですね！ あなたは北欧メタルのレジェンドですが、タイトルにはそういう意味が込められているのでしょうか？

【B.J】: わあ、ありがとう！僕たちにとって、その言葉がどれほど大きな意味を持つか、想像もつかないだろうね！ このアルバムのために一生懸命努力したからね。30曲以上も書き上げたから、気に入ってもらえて本当に嬉しいよ！
レジェンドなんてありがとう。でも、決して自分たちを崇め奉るつもりはないよ。ただクールなタイトルにしたかっただけで、収録曲の一つに “The Legend Lives On（伝説は生き続ける）” というタイトルがあって、そこからつけたんだよね。

Q7: Also, what was the reason for deciding to make a comeback now?

【B.J】: Well, we had a very succesful 30: th anniversary a couple of years ago, did a partly retrospective /partly new songs album- Back on Track – did some great gigs and felt very inspired to move on with a brand new album and touring. And here we are!

Q7: ところで、今復活を決めた理由は何だったんですか？

【B.J】: 実は、数年前に30周年記念アルバムを大成功させ、過去曲と新曲を収録したアルバム “Back on Track” をリリースし、素晴らしいライブもいくつか行えたんだよね。
そこから、新しいアルバムとツアーでさらに前進したいという強い気持ちが湧いてきたんだよ。それで、今こうしてカムバックを果たしたんだ！

Q8: What’s so great about “Legend” is the fantastic combination of guitar and Hammond organ! There used to be many bands like Deep Purple that played like that, but unfortunately there are hardly any left now, right? That’s why you’re such a valuable presence in today’s rock world, would you agree?

【B.J】: Again- thank You! We love that combination!
Guess not, at least I don´t hear many bands with our type of sound.
Thank You. We just do what we have to do. The torch has to be carried by somebody and we try to do our job with smiles on our faces. Having that said, we also try to modernise the sounds, arrangements and production as well. We are NOT a nostalgia act. We are classic rock, always melodic, but at the same time it´s 2026 now. Not 1976.

Q8: “Legend” の素晴らしいところのひとつは、ギターとハモンド・オルガンの絶妙な組み合わせですね！ かつては DEEP PURPLE のようなそうしたバンドがたくさんいましたが、残念ながら今ではほとんど残っていませんよね？
だからこそ、あなた方は今日のロック界において非常に貴重な存在に思えます。

【B.J】: 改めて、ありがとう！ギターとハモンドの組み合わせは最高だよね！
よくは分からないけど、少なくとも、僕たちのようなサウンドのバンドはあまり見かけないよね。
でも僕たちはただ、やるべきことをやっているだけなんだ。誰かがこのバトンを受け継がなければならないし、僕たちは笑顔を浮かべてその仕事をしようと努めているだけさ。とはいえ、サウンド、アレンジ、プロダクションは現代化しようと努力していてね。僕たちは懐古主義のバンドではないからね。クラシック・ロックであり、常にメロディックだけど、同時に今は2026年で1976年ではないのだから。

Q9: Some people say melodic hard rock/AOR is dead or outdated. What do you think?

【B.J】: Dead? Are You kidding me?

Q9: メロディック・ハードロック／AORは死んだ、あるいは時代遅れだと言う人もいます。

【B.J】: メロハーが死んだ？冗談だろ？

FIVE ALBUMS THAT CHANGED B’J’S LIFE!!

THE BEATLES

NAZARETH “RAZAMANAZ”

DEEP PURPLE “MADE IN JAPAN”

BLACK SABBATH “SABBATH BLOODY SABBATH”

KISS “ALIVE!”

MESSAGE FOR JAPAN

I love Your old culture! The temples, the history, the dignity, the food! And the people! – YOU ROCK!
Thank You sooooo much for the support through the years, dear Japanese friend! Enjoy LEGEND and hope to see You all soon! Please follow us on Facebook & please feel very free to leave messages – we would LOVE to hear from You! Domo Arigato the land of the rising sun!

日本の古い文化が大好きなんだ！お寺、歴史、威厳、食べ物！そして人々！最高だ！
長年にわたるサポート、本当にありがとう、親愛なる日本の友人たち！”Legend” を楽しんでほしい。またすぐにみんなと会えることを願っているよ！
Facebookでフォローしてほしいな。メッセージもお気軽に。みんなの声を聞けるのを楽しみにしているよ！
日の出ずる国よ、どうもありがとう！

B.J LANEBY

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