EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SEVENTH STATION !!
“We Had This Inspiration- What If All These Master Composers Were Alive Today, Having Access To The Technology And All The Musical Capacity Of Everything We Have Today, How Would It Sound?”
DISC REVIEW “ON SHOULDERS OF GIANTS”
「もし、現代音楽の巨匠、作曲家たちが今に生きていて、現代のテクノロジーとあらゆる音楽的能力を利用できるとしたら、どんなサウンドになるだろうか？それは素晴らしい創造的な挑戦であり、僕たちにインスピレーションを与えてくれる音楽の巨匠たちに謙虚な敬意を払う機会でもあったんだ」
ヘヴィ・メタルとクラシック音楽は、RAINBOW, SCORPIONS や Yngwie Malmsteen が証明するように、太古の昔から美しきアマルガムを演じてきました。荘厳かつ影のあるネオ・クラシカルな旋律と、メタルのダークな重さは実に相性が良く、そのマリアージュは今やメタルの顔と言っても過言ではないでしょう。
一方で、アヴァンギャルドかつ多様な20世紀以降のクラシック、現代音楽とメタルの融合はあまり進んでこなかったというのが実情でしょう。もちろん、例えば SYMPHONY X のように現代音楽まで踏み込んで咀嚼するバンドは少なからず存在しますが、それ相応の音楽知識と好奇心、挑戦心を兼ね備えたアーティストは決して多くはないのです。SEVENTH STATION はそんな状況に風穴を開けていきます。
「DREAM THEATER と一緒にステージに立つという生涯の夢が、Jordan とのつながりの直後、このレコードで実現した。僕の音楽的マインドを解放してくれた最も影響力のあるヒーローたちと一緒に演奏するという信じられないような特権を得たし、このクレイジーな夢に50人もの才能あるバークリーの友人たちを招待することができた。DREAM THEATER のライブ・レコーディングに指揮者兼アレンジャーとして参加したことは、今でも思い出すとゾクゾクする」
そうした前代未聞を実現したのは、労力と時間をかけた学びの力でした。SEVENTH STATION は、スロベニア、トルコ、イスラエルを拠点とする多国籍プログレッシブ・エクスペリメンタル・メタル・バンド。エルサレムの音楽アカデミーとボストンのバークリー音楽大学の間で結成された彼らの “学びの力” “学びへの意欲” は多くの音楽家を凌駕しています。だからこそ、鍵盤奏者でプログラマーの Eren Başbuğ はあの Jordan Rudess の愛弟子となることができました。DREAM THEATER のオーケストレーションも担当。そうして彼らは常に高い到達点を目指し、感情的に複雑で巧みな芸術を追求し、アルバムごとにプログレッシブ・ミュージックがあるべきビジョンに向かって前進しているのです。
「美的にも芸術的にも、20世紀初頭に憧れがあるのは間違いない。テクノロジーが未熟だった時代にね。現代人がいつでも誰でもすぐに情報にアクセスできるようになったことで、多くの謎や心の余裕が失われてしまった。そのミステリーとマインドフルネスには、世界と互いについて常に好奇心を持ち、夢を見続けるという、人と人との表現とつながりという意味があった」
そんなSEVENTH STATION が理想とするのが、まだテクノロジーが未熟で、だからこそそこに謎や驚き、意外性が存在した20世紀初頭。ストラヴィンスキー、ショスタコーヴィチ、ヴォーン・ウィリアムズにモノトーンの無声映画。彼らはそうした古き良き時代にあった驚き、不確実性、不調和、シュールレアリズム、そして実験精神をヘヴィ・メタルで見事現代に甦らせました。木琴も彼らの手にかかれば立派なメタル楽器。異端児や歌舞伎者の魂は、決して一朝一夕、インスタントに貫くことなどできないのです。
今回弊誌では、SEVENTH STATION にインタビューを行うことができました。
「”Nagasaki Kisses” は、ラルフ・ヴォーン・ウィリアムズの交響曲第6番の第1楽章を僕たちが再構築したもの。多くの学者やリスナーは、ヴォーン・ウィリアムズの交響曲第6番、特にその第1楽章は、第二次世界大戦の暗い感情の余波を反映していると推測しているんだ。ヴォーン・ウィリアムズが交響曲第6番を作曲したのは戦後の数年間で、世界中が原爆戦争の悲惨な結末と、紛争が残した深い傷跡と格闘していた時期だった。暗く、陰鬱で、時に不穏な雰囲気を持つこの交響曲の陰鬱な曲調は、この破滅的な出来事から生じた「死」「絶望」「喪失」の感情と一致しているよ」 どうぞ！！
Dmitri Alperovich – Electric and Acoustic Guitars
Eren Başbuğ – Keyboards, Editing, Programming
Davidavi (Vidi) Dolev – Vocals [2, 4, 5]
Alexy Polyanski – Bass Guitars
Grega Plamberger – Drums, Marimba [3], Percussion
SEVENTH STATION “ON SHOULDERS OF GIANTS” : 10/10
INTERVIEW WITH SEVENTH STATION
Q1: First of all, what kind of music did you grow up listening to?
【EREN】: Early on growing up in a conservatory, a lot of western classical music. Baroque to romantic to contemporary, from solo pieces to whole symphonies and operas. During the rebellion phase of high school, I ventured out to R&B, nu-metal, 90s pop, trip-hop and finally progressive metal of course. I also had a Gameboy Advance SP where I played lots of Pokemon, which the soundtracks still have a special and dear place in my heart to this day.
【DMITRI】: I began playing the guitar at the age of twelve, but my connection to music goes back even further. My parents often share stories of me, just one year old, sitting by the piano in our home in Belarus, pressing the keys for hours on end. Our house was always filled with a rich variety of music, and we had an extensive collection of LPs, which exposed me to a wide range of genres from pop and rock to jazz and classical a very young age. This early immersion in music played a significant role in shaping my musical tastes and interests. When I decided I wanted to learn the electric guitar, my parents, recognizing the importance of a solid musical foundation, enrolled me in classical music and classical guitar lessons. While this was initially a departure from the electric guitar I had envisioned, it opened my eyes to the depth and beauty of classical music. This exposure has profoundly influenced not only my development as a musician but also my broader understanding of music and its impact on me as a person. The discipline and techniques I learned in classical training have become an integral part of my musical identity, enriching my approach to all genres.
Q1: 本誌初登場です！まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか？
【EREN】: 音楽院で育ったころは、西洋のクラシック音楽が多かった。バロックからロマン派、現代音楽まで、そして独奏曲から交響曲やオペラまで。高校の反抗期には、R&B、Nu-metal、90年代のポップス、トリップ・ホップ、そしてもちろんプログレッシブ・メタルを聴いていたね。あとはゲームボーイ・アドバンスSPも持っていて、そこでポケモンをたくさんプレイしたんだけど、そのサウンドトラックは今でも僕の心の中で特別で大切な位置を占めているよ。
【DMITRI】: 僕は12歳でギターを弾き始めたんだけど、音楽とのつながりはもっと前にさかのぼるんだ。両親は、まだ1歳だった僕がベラルーシの家でピアノのそばに座り、何時間も鍵盤を押していた話をよくしてくれる。我が家はいつもバラエティに富んだ音楽であふれ、LPのコレクションも充実していたから、僕は幼い頃からポップスやロックからジャズやクラシックまで幅広いジャンルに触れていたんだ。この幼少期からの音楽漬けが、僕の音楽的嗜好や興味を形成する上で重要な役割を果たした。
エレキ・ギターを習いたいと思ったとき、両親はしっかりとした音楽的基礎の重要性を認識していて、クラシック音楽とクラシック・ギターのレッスンを受けさせてくれた。これは当初、僕が思い描いていたエレキ・ギターとはかけ離れたものだったけど、クラシック音楽の奥深さと美しさに目を開かせてくれたんだ。この経験は、僕の音楽家としての成長だけでなく、音楽に対する幅広い理解や、音楽が僕に与えるインスピレーションにも大きな影響を与えた。クラシックの訓練で学んだ規律とテクニックは、僕の音楽的アイデンティティの不可欠な一部となり、あらゆるジャンルへのアプローチを豊かにしているんだよ。
Q2: How did Seventh Station come to be? What’s the meaning behind your band name?
【DMITRI】: Seventh Station was founded at the Academy of Music and Dance in Jerusalem by Alexy Polyansky and myself while we were still students. I was studying classical guitar, and Alexy was focusing on piano and composition, but we both shared an interest in the world of distortion. We decided we wanted to break free from the confines of classical music and find a way to express ourselves more freely.
The name behind the band is tied to my fascination with numbers. From the very beginning, we knew we wanted the band’s name to include the word “Station,” but we couldn’t quite settle on the right name. At that time, I was often called Dima 1348 because I frequently noticed that the clock would show 13:48. I even theorized that I was somehow haunted by these numbers. Eventually, I decided to break them down: 1+3+4+8 equals 16, and 1+6 equals 7. At that moment, I knew the band should be named Seventh Station. Over time, I realized that this number has appeared in many aspects of my life and in some of the themes of our debut album “Between Life and Dreams”, the 1348 theme is being explored.
Q2: SEVENTH STATION はどのようにして誕生したのですか？バンド名に込められた意味は何ですか？
【DMITRI】: SEVENTH STATION は、エルサレムの音楽舞踊アカデミーで、まだ学生だった Alexy Polyansky と僕が結成したんだ。僕はクラシック・ギターを、Alexy はピアノと作曲を専攻していましたけど、2人ともディストーションの世界に興味を持っていたんだよね。僕たちは、クラシック音楽の枠から抜け出して、もっと自由に自分たちを表現する方法を見つけたいと思っていたんだ。
バンド名は、僕が数字に魅せられていたことと結びついている。結成当初から、バンド名には “ステーション” という言葉を入れたいと思っていたのだけど、なかなか決まらなくてね。当時、僕はよく Dima 1348 と呼ばれていた。時計が13時48分を示すことによく気づいたからだ。僕はこの数字に憑りつかれているのではないかとさえ考えていた。それで結局、僕はこの数字を分解することにした
1+3+4+8で16、1+6で7。その瞬間、私はこのバンドを SEVENTH STATION と名付けるべきだと思った。時が経つにつれて、この数字が僕の人生の様々な局面に現れていることに気づいたんだよね。僕たちのデビュー・アルバム “Between Life and Dreams” のテーマのいくつかでも、1348というテーマが探求されている。
Q3: Seventh Station is a multinational band. Are there any cultural differences or distances that hinder your activities?
【EREN】: Distances of course affect us not being able to hang out face to face in person as much as we would like to, and limits our friendship and work to be exercised through the screens and headphones. Culturally, we get to have a lot of fun learning from each other’s unique backgrounds and ways.
Q3: SEVENTH STATION は多国籍バンドですが、文化の違いや距離は活動の妨げになりますか？
【EREN】: もちろん、距離の違いは、僕たちが望むほど直接顔を合わせて付き合うことができないことに影響するし、僕たちの友情と仕事がスクリーンやヘッドフォンを通して行使されることにも制限されるよね。でも文化的な面では、お互いのユニークな背景ややり方から学ぶ楽しみがあるよ。
Q4: Even in the wide world of metal, your music is truly unique and individual! There have been widely known attempts to fuse classical music up to the 19th century with metal, but you are translating 20th century contemporary music into metal, aren’t you? Why did you start pursuing these endeavors?
【EREN】: Our vocalist Vidi led this inspiration and idea. It is a follow up on a track from our previous record Heal the Unhealed’s The Ruthless Koba, which also was an arrangement of a Shostakovich piece. For me personally it’s a full circle: I love taking different kinds of music and putting it into the other domains, which most famously I did with my own symphonic version of Octavarium from Dream Theater. This record now is now the other way around: taking contemporary classical music and putting it into the progressive metal domain. We had this inspiration- what if all these master composers were alive today, having access to the technology and all the musical capacity of everything we have today, how would it sound? It was an incredible creative challenge, and an opportunity to pay our humble respects to musical masters who inspire us.
Q4: メタルという広い世界の中でも、あなたたちの音楽は本当にユニークで際立っていますね！19世紀までのクラシック音楽とメタルを融合させる試みは広く知られていますが、あなたたちは20世紀の現代音楽をメタルに “翻訳” しているような感じがします。なぜこのような試みを始めたのですか？
【EREN】: ボーカルの Vidi がこのインスピレーションとアイデアを導いてくれたんだ。僕たちの前作 “Heal the Unhealed” の “The Ruthless Koba” に続く試みで、あの曲もショスタコーヴィチの曲をアレンジしたものだったんだ。
僕個人としては、これはフル・サークルなんだ。やっぱりこのスタイルが好きでね。異なる種類の音楽を別の領域に取り入れるのが好きで、僕の仕事で最も有名なのは、DREAM THEATER の “Octavarium” のシンフォニック・ヴァージョンだろうね。このレコードはその逆で、現代のクラシック音楽をプログレッシブ・メタルに取り入れたものだ。もし、こうした巨匠の作曲家たちが現代に生きていて、現代のテクノロジーとあらゆる音楽的能力を利用できるとしたら、どんなサウンドになるだろうか？それは素晴らしい創造的な挑戦であり、僕たちにインスピレーションを与えてくれる音楽の巨匠たちに謙虚な敬意を払う機会でもあったんだ。
Q5: In addition, your music has parts that sound like film music, or more specifically, silent films from the first half of the 20th century? Do you have a longing for that era?
【EREN】: Aesthetically and artistically there definitely is a longing. In a world where technology was in its infancy, there was a lot of mystery and mindfulness that was destroyed by the immediate access of information available anytime to anyone today. That very mystery and mindfulness had its implications in expression and connection between people, to stay always curious and dreaming about the world and each other. I had the wonderful opportunity of working with Berklee Silent Film Orchestra on performing and recording original music for seven incredible silent films, including the infamous Phantom of the Opera’s 1925 version, and the world of silent films through this experience has had a tremendous impact on me.
Q5: 加えて、あなたの音楽には映画音楽、より具体的には20世紀前半の無声映画のように聞こえる部分がありますね？その時代への憧れがあるんですか？
【EREN】: 美的にも芸術的にも、憧れがあるのは間違いない。テクノロジーが未熟だった時代にね。現代人がいつでも誰でもすぐに情報にアクセスできるようになったことで、多くの謎や心の余裕が失われてしまった。そのミステリーとマインドフルネスには、世界と互いについて常に好奇心を持ち、夢を見続けるという、人と人との表現とつながりという意味があった。
バークリー無声映画管弦楽団と一緒に、悪名高い “オペラ座の怪人”（1925年版）を含む7本の極上なる無声映画のオリジナル音楽を演奏・録音するという素晴らしい機会に恵まれ、この経験を通して無声映画の世界から僕は多大な影響を受けたんだ。
Q6: “Nagasaki” in “Nagasaki Kisses” is the name of a place in Japan, right? Why is it in the title of the song?
【DMITRI】: “Nagasaki Kisses is our reimagination of the first movement of Ralph Vaughan Williams’ sixth symphony. Many scholars and listeners have speculated that Vaughan Williams’ Sixth Symphony, particularly its first movement, reflects the dark emotional aftermath of World War II, and some interpretations do indeed connect it to the devastating events of the atomic attack on Nagasaki.
Vaughan Williams composed the Sixth Symphony in the years following the war, during a time when the world was grappling with the horrific consequences of atomic warfare and the deep scars left by the conflict. The symphony’s somber tone, with its dark, brooding, and sometimes unsettling atmosphere, aligns with the feelings of Death, Despair, and loss that arose from this catastrophic event.
Q6: “Nagasaki Kisses” の “ナガサキ” とは日本の地名ですよね？
【DMITRI】: “Nagasaki Kisses” は、ラルフ・ヴォーン・ウィリアムズの交響曲第6番の第1楽章を僕たちが再構築したもの。多くの学者やリスナーは、ヴォーン・ウィリアムズの交響曲第6番、特にその第1楽章は、第二次世界大戦の暗い感情の余波を反映していると推測しているんだ。
ヴォーン・ウィリアムズが交響曲第6番を作曲したのは戦後の数年間で、世界中が原爆戦争の悲惨な結末と、紛争が残した深い傷跡と格闘していた時期だった。暗く、陰鬱で、時に不穏な雰囲気を持つこの交響曲の陰鬱な曲調は、この破滅的な出来事から生じた「死」「絶望」「喪失」の感情と一致しているよ。
Q7: The artwork of the previous album “Heal the Unhealed” looked like Soviet-era propaganda art. This time, for a change, it looks like a religious painting from the Renaissance era. What is your message from such artwork and lyricism?
【DMITRI】: “Heal the Unhealed” is an album that explores the parallels between the mindset of an artist and that of a dictator. Through this album, we aimed to highlight the ways in which artists, in their pursuit of control over their music, may develop unhealthy behaviors that mirror the authoritarian tendencies of figures like dictators. The album reflects on how such control can extend beyond the art itself, influencing both the artist’s relationship with themselves and others. This can ultimately lead to destructive outcomes, much like when a dictator imposes their vision upon a population, pushing them toward ruin.
Additionally, the album delves into the psychological effects shared by both artists and dictators, such as panic attacks, paranoia, and excessive self-admiration. These mental states are often a direct consequence of the choices made in the pursuit of power and control. This theme resonates with me personally because I was raised in the Soviet Union, and stories from that era, along with what I heard from my parents, profoundly shaped my perspective. My fascination with the history of that time further influenced my choice to reference figures like Stalin, as I sought to explore these complex themes through a historical lens.
Q7: 前作 “Heal the Unhealed” のアートワークは、ソ連時代のプロパガンダ・アートのようでしたね。今回は一転して、ルネサンス時代の宗教画のようです。このようなアートワークとリリックから、あなたはどのようなメッセージを送っているのですか？
【DMITRI】: “Heal the Unhealed” は、芸術家の考え方と独裁者の考え方の類似点を探るアルバムだ。このアルバムを通して、アーティストが自分の音楽をコントロールしようとするあまり、独裁者のような権威主義的傾向を反映した不健全な行動をとってしまう可能性を浮き彫りにすることを目指した。そして今回のアルバムは、そのようなコントロールがいかに芸術そのものにとどまらず、アーティスト自身と他者との関係にまで影響を及ぼしうるかを考察している。これは、独裁者が国民に自分のビジョンを押し付け、破滅に向かわせるときのように、最終的に破壊的な結果につながる可能性がある。
さらにこのアルバムは、パニック発作、パラノイア、過剰な自画自賛など、アーティストと独裁者の双方に共通する心理的影響についても掘り下げている。このような精神状態は、権力と支配を追い求める中でなされた選択の直接的な結果であることが多い。僕はソビエト連邦で育ったので、このテーマには個人的に共鳴し、その時代の話や両親から聞いた話は、僕の視点を深く形作った。当時の歴史に興味をもったことが、スターリンのような人物を引き合いに出すという僕の選択にさらに影響を及ぼし、歴史的なレンズを通してこれらの複雑なテーマを探求しようとしたんだ。
Q8: Slovenia, Turkey, Israel, and our own Japan are no stranger to war. The world seems to have reverted back to an era of violence and deception.What can your music do in such dark times?
【EREN】: Seventh Station is an international assembly of artists defying borders, separation and incompatibility, standing for unity and advancement of society and humanity through the fine arts. I believe the violence and deception never left us in the first place, we are just more aware of it due to the speed and ease of communication. In a time of constant deception bombarding us from all angles, we always strive for honesty, first to ourselves, of our communication and stories, and then to the world listening to us. In the time of war and violence challenging us, news and information trying to take over our minds, we always respond with more art, beauty and kindness, asking the world to remember the human, and not to respond with more violence or more war.
Q8: あなたたちのスロベニア、トルコ、イスラエル、そして私たちの日本も、戦争とは無縁ではない時代です。世界は暴力と欺瞞の時代に逆戻りしているようです。このような暗い時代に、あなたの音楽は何ができるのでしょうか？
【EREN】: SEVENTH STATION は、国境や隔たり、相容れなさに抗い、芸術を通じて団結し、社会と人類の発展を目指すアーティストの国際的な集りだ。僕は、暴力や欺瞞はそもそも僕たちから離れていなかったと信じているんだ。コミュニケーションのスピードと手軽さによって、近年それをより意識するようになっただけなんだ。
あらゆる角度から絶え間なく欺瞞が襲ってくる時代にあって、僕たちは常に正直であろうと努めている。戦争や暴力が僕たちを挑発し、ニュースや情報が僕たちの心を支配しようとする時代にあって、僕たちは常に、より多くの暴力や戦争で応えず、より多くの芸術、美、優しさで応え、人間らしさを忘れないよう世界に求めていきたいんだ。
FIVE ALBUMS THAT CHANGED EREN’S LIFE!!
JORDAN RUDESS “Explorations for Keyboard and Orchestra”
At the point of breaking through the walls of the classical conservatory and venturing into the musical world at large, having the privilege of collaborating with Jordan Rudess who is my all-time musical hero, friend and sensei, literally shaped the rest of my life. It was a dream to be friends and make music with him, and I still remember our first phone call where I was in complete shock that I got to see him in person, and later to be on stage together with him in Venezuela, Poland and Czechia performing my orchestrations of this incredible record was truly a life-changing experience to this day.
クラシック音楽院の壁を破って広く音楽の世界に飛び込んだ時点で、僕の音楽的ヒーローであり、友人であり、先生である Jordan Rudess とコラボレーションする機会に恵まれたことは、文字通り僕の残りの人生を形作った。彼と友達になり、一緒に音楽を作ることは夢だったんだ。彼に直接会うことができたことに完全に衝撃を受けたよ。その後、ベネズエラ、ポーランド、チェコで彼と一緒にステージに立ち、この素晴らしいレコードのオーケストレーションを演奏できたことは、今日に至るまで、本当に人生を変えるような経験だったね。
DREAM THEATER “Breaking the Fourth Wall (Live from the Boston Opera House)”
A lifelong dream of being on stage with Dream Theater together came true with this record early on in my life right after our connection with Jordan. I had the incredible privilege of performing alongside my most influential heroes who liberated my musical mind, and I got to invite fifty of my very talented Berklee friends to join this crazy dream. Being on stage as a conductor and arranger as a part of a Dream Theater live record still gives me chills today thinking about it.
DREAM THEATER と一緒にステージに立つという生涯の夢が、Jordan とのつながりの直後、このレコードで実現した。僕の音楽的マインドを解放してくれた最も影響力のあるヒーローたちと一緒に演奏するという信じられないような特権を得たし、このクレイジーな夢に50人もの才能あるバークリーの友人たちを招待することができた。DREAM THEATER のライブ・レコーディングに指揮者兼アレンジャーとして参加したことは、今でも思い出すとゾクゾクするよ。
NIK BARTSCH’S RONIN “Holon”
In the very first seconds of hearing this record for the first time, it felt like I had encountered a color I’ve never seen before in my life. What I was experiencing was something way beyond music, I felt like I was in the presence of a divine mind and soul, channeling the beauty of nature’s complexity through a carefully constructed and mindful aestheticism. Nik likes to call it Zen Funk, and it is definitely the perfect description. Every note, sound and silence recorded and every decision made is carefully intentional. I had the amazing opportunity to practice with him and call him a sensei as well, and he has shown me that art and its messengers are holistic- we artists are ideas, movement, intention and observation, in the breathing flesh.
このレコードを初めて聴いた最初の数秒で、人生で見たことのない色に出会ったような気がした。僕が体験していたのは、音楽を遥かに超えた何かであり、注意深く構築されたマインドフルな美学を通して自然の複雑な美をチャネリングする、神聖な心と魂の前にいるような気がした。Nikはこれを「禅ファンク」と呼ぶのが好きだが、それは間違いなく完璧な表現だ。録音されたすべての音、音、沈黙、そしてすべての決断は、注意深く意図的になされている。僕は彼と一緒に練習し、彼を先生と呼ぶ素晴らしい機会に恵まれたが、彼は芸術とそのメッセンジャーが全体的なものであることを教えてくれた。
YOKO KANNO “Ghost in the Shell Stand Alone Complex OST CD-Box”
Yoko-san’s incredibly colorful, meticulously detailed and super wide range of musical palette has enlightened me in a profound way. I consider her a remarkable storyteller who uses music as a medium, one that can not be bound by genres, styles, or the idea of a traditional composer. From symphonic, electronic, rock to traditional, acoustic and beyond, she has shown me there are no limits in how many colors and genres you can put in a record, except your own mind and its perceptions. I humbly hope to give my respect and gratitude to her one day in person for her impact on me as an artist and human being.
菅野よう子さんの信じられないほど色彩豊かで、細部まで緻密に描き込まれた超幅広い音楽のパレットは、僕を深い意味で啓発してくれた。ジャンルやスタイル、伝統的な作曲家という概念に縛られることなく、音楽をメディアとして使う彼女は卓越したストーリーテラーだと思う。シンフォニック、エレクトロニック、ロックからトラディショナル、アコースティック、そしてそれ以上のものまで、彼女はレコードにどれだけ多くの色やジャンルを入れることができるか、そして自分の心とその認識以外には限界がないことを僕に教えてくれた。アーティストとして、人間として影響を与えてくれた彼女に、いつか直接敬意と感謝の気持ちを伝えたいと願っている。
SAVANT “Alchemist”
In the vast seas of electronic music, Savant truly and undeniably is a master wizard. His way of surgically detailed productions, compositions and a mind-boggling amount of productivity through so many releases is an absolute inspiration. Discovering him through this record in my early twenties, I have realized to what crazy extent electronic dance music can reach, and was inspired to also make electronic music myself too. Beautifully complex harmonies, counterpoints, pristine production, a seriousness of detail like classical music, endless fun of a dance club, and the thrill of beating the final boss in a video game: putting all these ingredients together to make an insane musical potion, Savant truly is the Alchemist himself he titles this record as, and definitely is a part of my DNA.
エレクトロニック・ミュージックの広大な海の中で、SAVANT は本当に紛れもなくマスター・ウィザードだ。外科手術のように詳細なプロダクション、コンポジション、そして多くのリリースを通じた気の遠くなるような生産性の高さは、絶対的なインスピレーションを与えてくれる。20代前半の頃、このレコードを通して彼を知った僕は、エレクトロニック・ダンス・ミュージックがどれほどクレイジーな域に達することができるかを実感し、自分もエレクトロニック・ミュージックを作りたいと思うようになった。美しく複雑なハーモニー、対位法、原始的なプロダクション、クラシック音楽のような細部へのこだわり、ダンスクラブの無限の楽しさ、ビデオゲームのラスボスを倒すスリル……これらの要素をすべて組み合わせて、狂気の音楽薬を作り上げた SAVANT は、まさに彼がこのレコードのタイトルに掲げたアルケミストそのものであり、間違いなく僕のDNAの一部でなんだ。
MESSAGE FOR JAPAN
It would probably take a whole another interview to go into details of it, but here’s some select favorites:
Anime / Manga: Ghost in the Shell (my all time favorite), Attack on Titan (with another Eren in it!!), Ergo Proxy, works of Satoshi Kon, Hayao Miyazaki, Yoshitoshi Abe, Junji Ito
Cinema: Takeshi Kitano, Hirokazu Kore-eda, Shunji Iwai, Naoko Ogigami
Music: Yoko Kanno, Ryuichi Sakamoto, Koenjihyakkei, Toru Takemitsu, Ametsub, Ryoji Ikeda, Nujabes, Galneryus
Video Game: Pokemon RBY/GSC/RSE
Message to Japan: Seventh Station is looking forward to visiting and playing for you hopefully very soon! We appreciate your support, and wish to meet you in person. Doumo arigatou gozaimasu.
詳しくはまた別のインタビューになると思うけど、いくつか日本の好きなものを紹介するね！
アニメ・漫画：攻殻機動隊（ずっと好き）、進撃の巨人（もう一人のエレンが出てくる！）、Erog Proxy、今敏作品、宮崎駿、安部吉俊、伊藤潤二
映画：北野武、是枝裕和、岩井俊二、荻上直子
音楽：菅野よう子、坂本龍一、高円寺百景、武満徹、Ametsub、池田亮司、Nujabes、Galneryus
ビデオゲーム： ポケモンRBY/GSC/RSE
日本へのメッセージ： SEVENTH STATION は、近いうちにみんなのもとを訪れ、プレーできることを楽しみにしているよ！応援ありがとう。ドウモアリガトウゴザイマス！
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