EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ANDREW PATUASIC OF CYBER BAND !!
“My Dad Advised Us To Learn Tom Sawyer And YYZ by Rush If We Wanted To Win. And Through Learning Both Of The Songs Made Us Love Prog Rock And Opened Our Eyes To a New World Of Music.”
DISC REVIEW “THROUGH THE PASSAGES OF TIME”
「僕たちがまだ初心者だった頃、アマチュアのバンド・バトルに参加しては負け続けていたんだよ。父は、コンテストに勝ちたければ RUSH の “Tom Sawyer” と “YYZ” を覚えろとアドバイスしてくれた。この2曲を覚えたことで、僕たちはプログが大好きになり、新しい音楽の世界に目を向けるようになったんだ」
DREAM THEATER や GOJIRA のグラミー獲得。Steven Wilson の全英チャート１位。もしかすると、インスタントな文化、音楽に対する反動として、プログレッシブ・ミュージックの復権、その狼煙があがったように見える昨今。とはいえ、結局そうした怪気炎も音楽に対価を支払い、アルバム単位で鑑賞する過去の風習が染み付いた40代以上の踏ん張りに支えられているようにも思えます。
実際、シーンを牽引し、ムーブメントを起こすのは若い力。そうした意味で、20代前半からなるフィリピンの至宝 CYBER BAND が注目を集め始めていることに、プログの民はどれほど勇気づけられることでしょう。彼らの “情熱” は、勝利と喜びの味を教えてくれた RUSH とプログに対する恩返し。だからこそ、信頼できるのです。しかも彼らが現れたのはプログ未開の地、フィリピン。メタル同様、第三世界から登場する才能の芽は、シーンの未来を明るく照らします。
「僕らはプログの神様、EMERSON LAKE & PALMER, RUSH, YES, KING CRIMSON, GENESIS から影響を受けている。”Through The Passages of Time” は、壮大なプログ・ロック・ソングへの愛から生まれたもので、自分たちで作ろうと決め、自分たちの限界に挑戦したんだ。テクノロジーの台頭によって、より多くのミュージシャンが革新的で新しいものを生み出すようになると思う。プログの神々が当時そうであったように、もっと多くのアーティストが自分たちの限界に挑戦するようになれば、21世紀のプログレッシブ・ロック・ミュージックはもっと新しい音楽的次元へと進化していくだろうな」
事実、23分のオープナー “Through the Passages of Time” は、音楽の喜びを教えてくれたプログの神々に対する愛情にあふれています。さながら目前でライブを見ているかのような生々しいプロダクションはまさに70年代の偉大なプログやクラウトロックを彷彿とさせます。当時、レコーディングは生のまま、ある意味不完全なものが多くありましたが、だからこそバンドの演奏の楽しさとアイデアの豊かさが際立った側面はあるはずです。このアルバムのサウンドも同じで、パワフルでありながら扇情的で、レトロでありながらモダン。彼らのスピリットを余すことなく伝えていきます。
レトロとモダンの鍔迫り合いは音楽やアイデアにも飛び火します。CYBER BANDは、ドラム、ギター、ベース、ボーカルというクラシックなラインナップを基本としながらも、ストリングス、ピアノ、管楽器、エレクトロニック・エレメントがサウンドを豊かにし、多彩な音のビッグバンを作り出すことでプログ宇宙を拡張していきます。ジャズからクラシックまで、あの頃の巨人と同様に音楽の冒険を楽しみながら、シームレスに調和を取りながら、自らの歩みを進めるのです。
“Epitaph” や “Red Barchetta” を想わせる名演が繰り広げられるアルバムの中で、CYBER BAND をさらに特別な存在へと押し上げるのが、インタビューイ Andrew Patuasic の素晴らしい歌声でしょう。Wetton, Lake, Mercury といった伝説が帰還したかのようにエモーショナルで心を揺さぶる伸びやかな Andrew の歌唱はロックの本質、感情の昂りをリスナーに思い起こさせてくれます。それにしても、Arnel Pineda といい、フィリピンの人は本当に歌心がありますね。
今回弊誌では、Andrew Patuasic にインタビューを行うことができました。「アニメが大好きなんだ！”坂道のアポロン” というアニメが大好きで、日本がいろいろな音楽にオープンであることも大好きなんだ。”賭ケグルイ”のサウンドトラックを聴いて衝撃を受け、日本がいかにあらゆる音楽を愛しているかということを思い知らされたよ」 鍵盤とベースを同時に操る眼鏡クィッの彼も秀逸。どうぞ！！
CYBER BAND “THROUGH THE PASSAGES OF TIME” : 10/10
INTERVIEW WITH ANDREW PATUASIC
Q1: First of all, what kind of music did you grow up listening to?
【ANDREW】: I am Andrew Patuasic, 23 years old from Cagayan de Oro City, Philippines. I am the guitarist, vocalist, songwriter of Cyber Band. The kind of music that I grew up with is a lot of kinds of music ranging from classical to classic rock to prog rock and to standards.
Q1: まず最初に、どんな音楽を聴いて育ったのですか？
【ANDREW】: 僕は Andrew Patuasic、フィリピンのカガヤン・デ・オロ市出身の23歳。CYBER BAND のギタリスト、ボーカリスト、ソングライターだよ。クラシックからクラシック・ロック、プログ、スタンダードまで、いろいろな音楽を聴いて育ったんだ。
Q2: What inspired you to start playing an instrument? Who was your hero at the time?
【ANDREW】: I was inspired to learn my instrument when I was told by my teacher to bring my guitar to class and that night I asked my dad to teach me how to play the guitar. My dad was my hero in learning the guitar.
Q3: I have been to the Philippines several times and was struck by the fact that MTV was playing all the time.What made you get into niche, complex progressive music and metal in such an environment?
【ANDREW】: Back when we were still beginners, we kept joining battle of the bands for amateurs and we kept losing. My dad advised us to learn Tom Sawyer and YYZ by Rush if we wanted to win. And through learning both of the songs made us love Prog Rock and opened our eyes to a new world of music.
Q4: In fact, what is the progressive and metal scene in the Philippines like?
【ANDREW】: The progressive rock scene in the Philippines is that we only have very little prog rock bands in the Philippines and in comparison to the metal scene, Philippines has a lot of metal bands, they’re all bounded to one another and supportive to each other.
Q5: By the way, “Through the Passages of Time” is a great album! Could you start by telling us about the album and the theme behind the title?
【ANDREW】: The album is about a man’s journey into the purgatory with his heart filled with regret. He tries to escape the purgatory asking the King of Time for another chance in life. The rest of the album is up to the listeners interpretation.
Q5: ところで、”Through the Passages of Time” は素晴らしいアルバムですね！まず、アルバムの内容とタイトルに込められたテーマについて教えていただけますか？
Q6: The title track, “Through the Passages of Time,” is an huge 23-minute epic! The structure of the song is really brilliant! Are there any bands or songs that have influenced you in terms of long songs?
【ANDREW】: We are influenced by the Prog Rock Gods Emerson Lake Palmer, Rush, Yes, King Crimson, and Genesis. Through The Passages of Time was born out of love from the epic prog rock songs and we decided to make our own and challenged ourselves to our limits.
Q6: タイトル・トラック “Through the Passages of Time” は23分の大作です！曲の構成が実に見事ですね！長い曲という点で、影響を受けたバンドや曲はありますか？
【ANDREW】: 僕らはプログの神様、EMERSON LAKE & PALMER, RUSH, YES, KING CRIMSON, GENESIS から影響を受けている。”Through The Passages of Time” は、壮大なプログ・ロック・ソングへの愛から生まれたもので、自分たちで作ろうと決め、自分たちの限界に挑戦したんだ。
Q7: The music world has changed dramatically over the past 20 years. With the rise of instant culture like streaming and social networking, prog, which takes time, intelligence, and practice to create, has never been more current. Why do you still continue to play this “Prog” music?
【ANDREW】: We chose to play Prog Rock because it is something that we really love to play. We love to challenge ourselves to our limits, to go out of the box and to travel into the new dimensions of music. Ever since we’ve listened to prog, we’ve never looked back and despite it is not something the masses would like, we decided to just play music that we want. Never thinking if the masses would like it, art for art’s sake.
Q8: More to the point, many of the prog giants have aged and passed away. Some people say that progressive rock has lost the meaning of the term and has become formulaic. In the midst of all this, you guys have shown us what is possible! Do you think there is room left for prog music to evolve?
【ANDREW】: I believe with the rise of technology it will really inspire more musicians to create something innovative and new. If more artists would push themselves to the limits just how the Prog Rock Gods did back then, 21st century progressive rock music will evolve to travel to more new musical dimensions.
Yes I love anime! I really loved the anime “Kids on the Slope” and I really love how Japan is really open to a lot of kinds of music. When I heard a soundtrack of Kakegurui that really blew my mind and realized how Japan is a lover of all kinds of music and it is shown in the song how it fuses a lot of genres into one song. We’d love to tour Japan soon! We’re just currently looking for any event productions in Japan to make us play in their music festivals or prog events. We can’t wait to play for you Japan.
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH TONY THOMAS OF DAWN OF OUROBOROS !!
“We All Grew Up Near The Coastline Of California So The Pacific Ocean Has Been a Major Theme Across All Of Our Music. In The Case Of Bioluminescence, Chelsea Felt It Was a Theme She Found Beautiful, And Wanted To Express Her Admiration Of It Through The Music.”
DISC REVIEW “BIOLUMINESCENCE”
「僕たちはみんなカリフォルニアの海岸線の近くで育ったから、太平洋は僕たちの音楽すべてに共通する大きなテーマなんだ。”Bioluminescence” の場合は、Chealsea が美しいと感じたテーマで、音楽を通して生物発光の素晴らしさを表現したかった。主にアルバムのタイトル曲でね」
“Bioluminescence”（生物発光）とは、生物の体内で起こる化学反応が光を生み出すことを表します。これは、カリフォルニア州オークランドの DAWN OF OUROBOROS、その自らの尾を飲み込む円環の音蛇を実に的確に比喩した言葉なのかもしれません。様々に異なる曲作りの技法を組み合わせた彼らの虹色の輝き、それはまさにブラックメタルの生物発光。
重要なのは、彼らがそうしたインスピレーションを、自らが生まれ育った太平洋の海岸線、美しき海原と生命の神秘から受けていることでしょう。もちろん、今日ブラックメタルはその出自であるサタニズムの手を離れて、自然崇拝や少数派、弱者の代弁、スピリチュアリズムなど様々な分野に進出していますが、彼らも自らのアイデンティティを余すことなくブラックメタルに注いでいます。メタルにおける自己実現。それはきっと、とても尊いこと。
「作曲を始めるときは、いろいろなドラムのアイデアに合わせてギターを弾き、気に入ったものが出てくるまでその上で即興演奏するんだ。だから、インプロビゼーションを通して自然に生まれるものなんだよ。でも、僕たちのサウンドが人々の心に響くのは、イントロ部分の Chelsea の歌のおかげだよ。彼女もそのボーカルの多くを即興で歌うので、曲に自然なジャズ・フィーリングが生まれたんだ」
そうして唯一無二の方法で育まれた DAWN OF OUROBOROS の音楽は、当然ながら他のブラックメタルとは一線を画しています。現代的なブラックメタルとデスメタルが巧みに混ざり合う “Bioluminescence” の世界には、さながら深海を探索するようなポスト/プログのアトモスフィアが漂います。発光生物の多くが海に生息しているように、DAWN OF OUROBOROS の音色は明らかに水中のイメージを想起させ、ボーカルとギターのメロディーにはオワンクラゲのごとくみずみずしき浮遊感が存在します。
一方で、リズム・セクションが津波のようなシンセ・ラインとともに脈動し、激しいうなり声や叫び声が大空から轟いてくることもあり、この太平洋の神秘と荒波の二律背反こそがウロボロスの夜明けを端的に表しているに違いありません。
「僕たちは自分たちが好きな音楽を作ること以外を目指したことはなかったから、他のバンドがよくやること、当たり前なことなんて考えたことはなかったんだ。それに、Chelsea の声はそれ自身で彼女がいる意味を物語っていると思うし、何より彼女はハーシュ・ヴォーカルもクリーン・ヴォーカルも、他のヴォーカリストよりもうまくこなせるんだ」
そうした DAWN OF OUROBOROS の両極性を増幅させるのが、Chelsea Murphy の多面的なボーカルでしょう。ドリーミーな歌声と生々しい叫び声を瞬時に切り替える彼女の類まれな能力は、ROLO TOMASSI の Eva Korman を想わせるほどに魅力的。
“Slipping Burgundy” ではスムースでジャジーに、”Fragile Tranquility” では荒く、ほとんど懇願するようなトーンでリスナーの感情を刺激します。 先程までラウンジで歌声を響かせた歌姫が、まるで燃え盛るマグネシウムのまばゆい輝きのように耳を惹き、ハリケーンのように畏敬の念を抱かせるスクリームで世界を変える瞬間こそ圧巻。バスキングと威嚇を繰り返すウロボロスの円環はあまりにも斬新です。
今回弊誌では BOTANIST でも活躍する Tony Thomas にインタビューを行うことができました。「最近では、ALCEST や DEAFHEAVEN, 明日の叙景、LANTLOS, HERETOIR のようなポスト・ブラックメタルや、COMA CLUSTER VOID, ROLO TOMASSI, ULCERATE のようなプログレッシブ・メタルを探求しているね」 どうぞ！！
DAWN OF OUROBOROS “BIOLUMINESCENCE” : 10/10
INTERVIEW WITH TONY THOMAS
Q1: First of all, what kind of music did you grow up listening to?
【TONY】: Well music was always a big part of my home environment. My parents were always playing classic rock music when I was very young. So I was exposed regularly to the music of the Beatles, Led Zeppelin, Pink Floyd etc.
As I grew older and I started to develop my own tastes. I gravitated towards heavy music which around 1997 what I was exposed to was music such as Nine Inch Nails, and various Nu Metal bands.
Around fourteen years old I discovered extreme metal through Cradle of Filth. I explored various bands such as Dimmu Borgir Mayhem, and even Sigh. and Melodic death metal such as Dark Tranquility was also early metal I was exposed to.
When I started playing my own music I took lots of influence from Scandinavian black metal, but also progressive metal such as Cynic, Atheist, and later bands like Between the Buried and Me, and Dillinger Escape Plan.
These days I enjoy exploring lots of post black metal like Alcest, Deafheaven. Asunojokei, Lantlos, Heretoir and progressive metal like Coma Cluster Void, Rolo Tomassi, Ulcerate. .
Q1: 本誌初登場です。まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか？
【TONY】: 僕の家庭環境では、常に音楽が大きな部分を占めていたね。僕が幼い頃、両親はいつもクラシック・ロックをかけていた。だから、THE BEATLES, LED ZEPPELIN, PINK FLOYD といった音楽に定期的に触れていたよ。
ただ、大人になるにつれて、自分の好みが出てきたね。1997年頃には、NINE INCH NAILS や様々な Nu-metal バンドなどのヘヴィ・ミュージックに傾倒していった。
14歳頃、CRADLE OF FILTH を通してエクストリーム・メタルに出会った。DIMMU BORGIR, MAYHEM, SIGH など様々なバンドを探しあてたし、DARK TRANQUILLITY のようなメロディック・デスメタルも初期にハマったメタルだった。
自分の音楽を始めた頃は、スカンジナビアのブラック・メタルから多くの影響を受けたけど、同時に CYNIC や ATHEIST のようなプログレッシブ・メタル、後には BETWEEN THE BURIED AND ME や THE DILLINGER ESCAPE PLAN のようなバンドからも影響を受けた。
最近では、ALCEST や DEAFHEAVEN, 明日の叙景、LANTLOS, HERETOIR のようなポスト・ブラックメタルや、COMA CLUSTER VOID, ROLO TOMASSI, ULCERATE のようなプログレッシブ・メタルを探求しているね。
Q2: You are a well-known member of Botanist, why did you start Dawn of Ouroboros?
【TONY】: I started Dawn of Ouroboros about six months before I joined Botanist. So late 2018 is when the band started writing music.
Q2: あなたは BOTANIST のメンバーとしても知られていますが、なぜ DAWN OF OUROBOROS を始めたのですか？
【TONY】: DAWN OF OUROBOROS を始めたのは、BOTANIST に加入する半年ほど前だった。 だから2018年後半がこのバンドが曲作りを始めた時期だったね。
Q3: The band name Dawn of Ouroboros is very cool, why did you choose this name?
【TONY】: We felt the name best represented the sound of the band. As we take so many different influences and combine them in a way to make our own sound.
Q3: DAWN OF OUROBOROS というバンド名はとてもクールですが、なぜこの名前に決めたのですか？
Q4: First of all, what makes this band so impressive is your compositions and Chelsea Murphy’s voice. Her voice is very appealing, but why did you decide to use a female vocalist, which is still not common in the field of black metal?
【TONY】: Well we never really set out to do anything other than make music we like ourselves so we never considered what is common for other bands to do. And well, I think Chelsea’s voice speaks for itself, and it can pull off harsh vocals and cleans better than most other vocalists.
Q4: まず、このバンドを印象的にしているのは、あなたの作曲と Chelsea Murphy の歌声です。
彼女の声はとても魅力的ですが、ブラックメタルの分野ではまだ一般的ではない女性ヴォーカリストを起用したのはなぜですか？
Q5: One of my favorite tracks on the album is “Slipping Burgundy”. It’s great how lounge singing jazz is somehow swallowed by the wave of post-black metal, but how do you come up with these ideas?
【TONY】: The way I start compositions is to just play my guitar to various drum ideas and improvise over them until I hear something I like. So it just arose naturally through improvisation. However, what really makes us have the sound that really clicks with people is Chelsea’s singing for the intro section. She also improvises much of her vocals so it gave the song a real natural jazz feel.
【TONY】: 作曲を始めるときは、いろいろなドラムのアイデアに合わせてギターを弾き、気に入ったものが出てくるまでその上で即興演奏するんだ。だから、インプロビゼーションを通して自然に生まれるものなんだよ。
でも、僕たちのサウンドが人々の心に響くのは、イントロ部分の Chelsea の歌のおかげだよ。彼女もそのボーカルの多くを即興で歌うので、曲に自然なジャズ・フィーリングが生まれたんだ。
Q6: In Botanist, you and Otrebor delve into the field of botany, and the title “Bioluminescence” is also very biological indeed. Why did you choose this title and what themes are discussed on the album?
【TONY】: We all grew up near the coastline of California so the pacific ocean has been a major theme across all of our music. In the case of Bioluminescence, Chelsea felt it was a theme she found beautiful, and wanted to express her admiration of it through the music. Primarily with the title track of the album.
Q7: Regarding “Nature”, some black metal bands like Wolves in the Throne Room, Agalloch, Alcest, have an ideology of Nature Worship and spiritualism. Do you think you have some common points with them?
【TONY】: Absolutely. As I mentioned, we grew up near the coastline of Northern California. So we’ve spent a great deal of time there. But we have also explored the redwood forests of the area throughout our lives.
Q7: “自然” といえば、WOLVES IN THE THRONE ROOM, AGALLOCH, ALCEST といったブラックメタル・バンドの中には、自然崇拝やスピリチュアリズムの思想を持つバンドがいますね。彼らにシンパシーを感じますか？
Q8: Current black metal scene is very diverse, not only in terms of music, but also in terms of themes, with some bands moving away from devil worship and dealing with the natural environment and transgenderism. I think are obviously in the diverse black metal stream. How do you feel about black metal moving away from the violence of the early murders and church arson?
【TONY】: I first got into black metal as a teenager and the satanic themes were very interesting to me at the time as it was far darker than any other music I had found till that point. Personally, I’m agnostic so spiritual themes are irrelevant to my personal life. So for us just using themes that are from our own experiences applies best to our music. Such as themes of nature, and general life experience.
As it was the first extreme metal album I ever heard.
初めて聴いたエクストリーム・メタルのアルバムだった。
Death “Individual Thought Patterns”
It introduced me to more progressive elements in metal and inspired me to pick up playing guitar.
このアルバムでメタルのプログレッシブな要素を知り、ギターを弾くようになった。
Emperor “Anthems to the Welkin at Dusk”
It introduced me to the unrestrained and progressive possibilities that can be achieved through black metal music.
ブラックメタルで達成できる自由でプログレッシブな可能性を教えてくれた。
Sigh “Scenario IV: Dread Dreams”
My first exposure to more Avant-garde themes used with metal music. It really broke down barriers in my mind on “what’s allowed” in metal compositions.
A more recent influence, but one that I find to be one of the most emotionally compelling.
より最近の影響だが、最も感情移入しやすいものの1つだと思う。
MESSAGE FOR JAPAN
I am. I first watched Akira when I was around 12 and got into anime.
For anime some of my favorites are; Serial Experiments Lain, Ergo Proxy, or even stuff like Gurren Lagann.
For manga some of my favorites are Gantz, and Kamisama no Iutoori.
With video games I’m big on RPG games. My first was Phantasy Star IV. But I’d say my favorites are all of the Shin Megami Tensei games, Xenogears, and Chrono Trigger.
Thanks for the interview, and thank you to the fans we have in Japan! We hope you enjoy our new album Bioluminescence, but also explore our other albums. We very much hope that we will be able to tour Japan in the near future!
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SKY MOON CLARK OF FROGG !!
“Obviously I LOVE Tech Death, But Yes, One Has To Admit There’s a Formulaic Approach To Both Production And Songwriting In The Genre.”
DISC REVIEW “ECLIPSE”
「特定のサブジャンルにこだわる必要なんてなくて、どんなアイデアも排除したくなかったんだ。 だから “Eclipse II” にはメタル・コア、Djent、フュージョンの要素があり、Will が演奏した何十種類もの楽器を使ったギター・ソロ・セクション、特にファースト・ソロで目立つタブラの妙技、そして黒く染まったシンフォニック・デスメタルのアウトロまでがある。 まさにそれが僕たちが感じていたものだった」
“Frogging the Horses” という SikTh の狂った名曲がありますが、Frogg の二つ名はプログ世界にとってはどうやら僥倖。”どんなアイデアも排除しない” という意味で、明らかにニューヨークのセンセーション FROGG はあの SikTh の魂を受け継いでいます。いや、SikTh だけではありません。00年代、SikTh と “カオス” の覇権を激しく争った PROTEST THE HERO の高鳴るギター・メロディ。ANIMALS AS LEADERS の超重低音とシステマティックな陶酔。BETWEEN THE BURIED AND ME の驚異的で雑多な構成力。NECROPHAGIST の性格無比な超速暴威。そうした21世紀を代表するプログ・メタルを養分として蓄えた巨大なカエルが今、メタルの境界をすべて飲み込みます。
「間違いなく Alexi Laiho だね。 僕がギターを弾き始めたのは高校1年生のときで、かなり後発組だった。 でも、ギター中毒になってしまって、ギターを弾くのを止められなかったよ。僕はPCゲーマーだったから、ネットで独学する方法を知っていたんだ。 Ultimate Metal Forums と sevenstring.org は、当時ギターを学ぶのに人気のサイトだった。まだYoutubeのコンテンツが豊富ではなかったから、フォーラムとギター・タブが主流だったね。僕は地元でフルタイムのインストラクターを雇う余裕がなかったから、Guitar Proが最初の先生だったよ」
そうした21世紀の多様性に FROGG はギター・ヒーローの魂を持ち込んでいます。奔放でカラフル、まるでメインストリームのポップ・ミュージックのように光り輝く “Wake Up” においても、Alexi Laiho から受け継いだ高速の “ピロピロ” がメタルの証を主張します。
実際、”フロッゲンシュタイン” などと例えられるパッチワークな FROGG の音楽において、Sky Moon Clark と Brett Fairchild のシュレッドがすべてを縫い合わせている、そんなイメージさえリスナーは感じることになるでしょう。Alexi Laiho と Guitar Pro の遺産が実りをもたらす時代になりました。”Double Vision Roll” なんて実に COB ですよね。
そうして紡ぎ出されるのは、テクニカル・デスメタルらしからぬスケール感と意外性、そしてお洒落なムード。空想的なメロディ、短いポップなブレイク、奔放な音楽的ショーマンシップに自由を見出した薔薇色のメタル。今の時代、”テック” だけでメタル世界の水面に波紋を広げることはできません。しかし、FROGG の棲む水面にはステレオタイプに飽きたリスナーが渇望する、ぞわぞわとしたカタルシスとカエルが舌を伸ばすようなお茶目な驚きと遊び心が混じった何かが渦を巻いています。まさに新時代のメタル両生類。
今回弊誌では、ボーカルも務める Sky Moon Clark にインタビューを行うことができました。「Will（ドラマー）はこのアルバムのもう一人の主要なソングライターで、BTBAM や SikTH に影響を受けている。 THE FACELESS, COB, SCAR SYMMETRY にはもっと影響を受けたと思う。 FFO (For Fans Of) にBTBAMに入れたのは、彼らが DIABLO SWING ORCHESTRA や UNEXPECT と並んで Will に大きな影響を与えたからなんだ」 UNEXPECT！！ARSIS の名盤を挙げているのも嬉しい。また Emma のショルキーが最高よね。どうぞ！！
FROGG “ECLOPSE” : 10/10
INTERVIEW WITH SKY MOON CLARK
Q1: First of all, what kind of music did you grow up listening to?
【SKY】: This might surprise you but when I was very young I was big into gangster rap but my world shifted when I heard As The Palaces Burn by Lamb of God sometime in 2004. That was kind of my gateway drug into the heavy metal universe. I started with the classics y’know (Death, Megadeth, Iron maiden etc…) but about a year later I got really into Children of Bodom, and that’s pretty much stuck ever since. COB is still one of my favorite bands today.
Q1: 本誌初登場です！まずは、あなたの音楽的バックグラウンドからお話ししていただけますか？
【SKY】: 驚かれるかもしれないけど、僕は若い頃、ギャングスタ・ラップに夢中だったんだ。でも、2004年のある日、LAMB OF GOD の “As The Palaces Burn” を聴いて世界が変わった。それがヘヴィ・メタルへの入り口だった。
DEATH, MEGADETH, IRON MAIDEN といったクラシックから入ったんだけど、その1年後くらいに CHILDREN OF BODOM にハマって、それ以来ずっとメタルから抜け出せないでいる。COBは今でも大好きなバンドのひとつだよ。
Q2: Frogg is a band full of technicians, what made you start playing an instrument? Who were your heroes back then?
【SKY】: efinitely Alexi Laiho. I was a pretty latecomer to the guitar playing party only starting things up freshman year of highschool. I just got addicted, I couldn’t stop playing the damn thing and I was so bad too. But I was a young degen pc gamer so I knew how to teach myself things online. Ultimate Metal Forums & Sevenstring.org were popular websites back then for learning guitar. There wasn’t as rich of a moat in the Youtube content universe yet, so forums & guitar tabs were the way. Guitar Pro was my first teacher, as I wasn’t able to really afford a full time instructor local to me..
Q3: How did Frogg come to be? What’s the meaning behind your band name Frogg?
【SKY】: So we founded the band back in 2008/9 in highschool. My sister was our co-lead singer at that time and she coined the term and it kind of just stuck. There’s no real deep meaning to it other than that. It was between frogg with two Gs or cheeese with three e’s. We were teenagers back then, young and unaware.
Q4: “Eclipse” is an album full of real surprises. It’s basically technical death metal, but without the niche feel characteristic of that genre, and with a much freer, more diverse and major cathy feel, would you agree?
【SKY】: You know, I’m not really sure what genre Eclipse really is, but I don’t think that matters. Like yeah, obviously I LOVE tech death, but yes, one has to admit there’s a formulaic approach to both production and songwriting in the genre. I’m a sucker for blast beats, and counterpart guitars. Eclipse was designed to be more of a journey, if we played a dope riff in the room Will (drummer) & I would just include it. We didn’t want to exclude any ideas because we needed to be a specific subgenre and stick to it. Hence why Eclipse II has elements of metalcore, djent, fusion guitar solo section with dozens of real world instruments that Will played, especially the prominent tabla chops during the first solo, and then a blackened symphonic death metal outro. It was just what we were feeling. This sort of mentality is pretty progressive but there’s definitely the constant “you guys are riff salad”, but when you work on a song for ~14 years or so, it’s a very conscious decision. The band is full Berklee folk, so we know how music is supposed to be, especially in these genres. But on the other hand, I wouldn’t say we made something different just to make a statement or be contrarian. To be completely honest with you, I didn’t think many people would like this thing. I was super stressed out leading up to the release thinking we’d just get torn apart by the community. While there’s still some criticism on the genre-blending that Eclipse does, it’s been pretty awesome to see us sell out almost half our physical CDs within the first week of orders being up. I mean hey, we’re a small unknown band right now, so we’re not talking big numbers here, but it still felt pretty insane to us.
Q5: In that sense, your music reminded me of bands like SikTh, Periphery, BTBAM, The Contortionist, and Scale the Summit. How do you feel about the comparison to them?
【SKY】: It’s interesting to hear the comparisons. Will (drummer) was the other major songwriter on the record, has more BTBAM & SikTH, I think I have more Contortionist, Scale The Summit. I think The Faceless, Children of Bodom & Scar Symmetry influenced me a lot more. We put that FFO inclusive of BTBAM because they are a big influence of Will’s along with Diablo Swing Orchestra & Unexpect, but the majority of the songs I gotta be honest… I don’t know who the hell influenced me on some of this stuff. The comparison is a positive though, because anybody who’s able to compare us to names like that is a huge compliment. Those bands are all killer in my book.
Q5: “どんなアイデアも排除しない” という意味で、あなたの音楽は SikTh, PERIPHERY, BTBAM, THE CONTORTIONIST, SCALE THE SUMMIT といったバンドを思い出させてくれます。 彼らとの比較についてどう感じますか？
【SKY】: I think Djent for me as a guitar player was a moment of guitar technique expansion with techniques evolving, techniques used on bass being incorporated into the extended range of 7 or 8 string guitars. A lot of good came out of the Djent movement. I think the trap there is, there’s a lot of production & similar songs. To me there’s great “djent” records but there’s a lot of staleness– but that’s just my picky ear. Disperse’s Living Mirrors was one of my favorite records for a while.
Q7: “Eclipse” deals with the mythology of various places, doesn’t it? Why did you decide to make such an album?
【SKY】: So lyrically and thematically, yes there’s some pretty on the nose references to different mythologies from Native American, to Greek, to Filipino to Warhammer (lol we are nerds that love warhammer). But each song had a specific intention, you could know jack about each one and still connect with the lyrics. The songs can be interpreted in many ways but the main two are 1)The Mythologic Angle or 2) The Emotional Implications. I think we just wanted each song to be part of a unique journey and it sat right.
Q8: The music world has changed dramatically over the past 20 years. With the rise of instant culture like streaming and social networking, prog, which takes time, intelligence, and practice to create, has never been more current. Why do you still continue to play this “Prog” music?
【SKY】: Well, great art takes hard work and dedication. It’s an honor to be able to spend time honing skills, and putting blood sweat and tears into something you love. I think this is a lifelong journey for the current guys and myself in the band. It’s not something we pursue for instant gratification, it’s deeper than that. To me, it’s almost part of connecting with my human spirit, which is ironic I’m sure to people unfamiliar with extreme metal… like if you told a grandma on the street that “this artist is connecting with his inner self” and popped an earbud in her ear she’d probably run away.
SCAR SYMMETRY “The Singularity Phase II -Xenotaph”
GALNERYUS “Resurrection”
THE FACELESS “Autotheism”
ARSIS “Starve For The Devil “
MESSAGE FOR JAPAN
Yes! My girlfriend & I watch some popular anime like To Your Eternity, Solo Leveling, JJK etc… I’m also huge into video games, really dug the Sekiro series. I definitely have my hand of Japanese artists I love both in music and visual arts, lots of insanely talented painters from Japan.
Our message to Japan: One day, we will be in Japan playing a show. Come see us, let’s go f*cking crazy!
“We Had This Inspiration- What If All These Master Composers Were Alive Today, Having Access To The Technology And All The Musical Capacity Of Everything We Have Today, How Would It Sound?”
DISC REVIEW “ON SHOULDERS OF GIANTS”
「もし、現代音楽の巨匠、作曲家たちが今に生きていて、現代のテクノロジーとあらゆる音楽的能力を利用できるとしたら、どんなサウンドになるだろうか？それは素晴らしい創造的な挑戦であり、僕たちにインスピレーションを与えてくれる音楽の巨匠たちに謙虚な敬意を払う機会でもあったんだ」
ヘヴィ・メタルとクラシック音楽は、RAINBOW, SCORPIONS や Yngwie Malmsteen が証明するように、太古の昔から美しきアマルガムを演じてきました。荘厳かつ影のあるネオ・クラシカルな旋律と、メタルのダークな重さは実に相性が良く、そのマリアージュは今やメタルの顔と言っても過言ではないでしょう。
一方で、アヴァンギャルドかつ多様な20世紀以降のクラシック、現代音楽とメタルの融合はあまり進んでこなかったというのが実情でしょう。もちろん、例えば SYMPHONY X のように現代音楽まで踏み込んで咀嚼するバンドは少なからず存在しますが、それ相応の音楽知識と好奇心、挑戦心を兼ね備えたアーティストは決して多くはないのです。SEVENTH STATION はそんな状況に風穴を開けていきます。
「DREAM THEATER と一緒にステージに立つという生涯の夢が、Jordan とのつながりの直後、このレコードで実現した。僕の音楽的マインドを解放してくれた最も影響力のあるヒーローたちと一緒に演奏するという信じられないような特権を得たし、このクレイジーな夢に50人もの才能あるバークリーの友人たちを招待することができた。DREAM THEATER のライブ・レコーディングに指揮者兼アレンジャーとして参加したことは、今でも思い出すとゾクゾクする」
そうした前代未聞を実現したのは、労力と時間をかけた学びの力でした。SEVENTH STATION は、スロベニア、トルコ、イスラエルを拠点とする多国籍プログレッシブ・エクスペリメンタル・メタル・バンド。エルサレムの音楽アカデミーとボストンのバークリー音楽大学の間で結成された彼らの “学びの力” “学びへの意欲” は多くの音楽家を凌駕しています。だからこそ、鍵盤奏者でプログラマーの Eren Başbuğ はあの Jordan Rudess の愛弟子となることができました。DREAM THEATER のオーケストレーションも担当。そうして彼らは常に高い到達点を目指し、感情的に複雑で巧みな芸術を追求し、アルバムごとにプログレッシブ・ミュージックがあるべきビジョンに向かって前進しているのです。
「美的にも芸術的にも、20世紀初頭に憧れがあるのは間違いない。テクノロジーが未熟だった時代にね。現代人がいつでも誰でもすぐに情報にアクセスできるようになったことで、多くの謎や心の余裕が失われてしまった。そのミステリーとマインドフルネスには、世界と互いについて常に好奇心を持ち、夢を見続けるという、人と人との表現とつながりという意味があった」
そんなSEVENTH STATION が理想とするのが、まだテクノロジーが未熟で、だからこそそこに謎や驚き、意外性が存在した20世紀初頭。ストラヴィンスキー、ショスタコーヴィチ、ヴォーン・ウィリアムズにモノトーンの無声映画。彼らはそうした古き良き時代にあった驚き、不確実性、不調和、シュールレアリズム、そして実験精神をヘヴィ・メタルで見事現代に甦らせました。木琴も彼らの手にかかれば立派なメタル楽器。異端児や歌舞伎者の魂は、決して一朝一夕、インスタントに貫くことなどできないのです。
今回弊誌では、SEVENTH STATION にインタビューを行うことができました。
「”Nagasaki Kisses” は、ラルフ・ヴォーン・ウィリアムズの交響曲第6番の第1楽章を僕たちが再構築したもの。多くの学者やリスナーは、ヴォーン・ウィリアムズの交響曲第6番、特にその第1楽章は、第二次世界大戦の暗い感情の余波を反映していると推測しているんだ。ヴォーン・ウィリアムズが交響曲第6番を作曲したのは戦後の数年間で、世界中が原爆戦争の悲惨な結末と、紛争が残した深い傷跡と格闘していた時期だった。暗く、陰鬱で、時に不穏な雰囲気を持つこの交響曲の陰鬱な曲調は、この破滅的な出来事から生じた「死」「絶望」「喪失」の感情と一致しているよ」 どうぞ！！
Dmitri Alperovich – Electric and Acoustic Guitars
Eren Başbuğ – Keyboards, Editing, Programming
Davidavi (Vidi) Dolev – Vocals [2, 4, 5]
Alexy Polyanski – Bass Guitars
Grega Plamberger – Drums, Marimba [3], Percussion
SEVENTH STATION “ON SHOULDERS OF GIANTS” : 10/10
INTERVIEW WITH SEVENTH STATION
Q1: First of all, what kind of music did you grow up listening to?
【EREN】: Early on growing up in a conservatory, a lot of western classical music. Baroque to romantic to contemporary, from solo pieces to whole symphonies and operas. During the rebellion phase of high school, I ventured out to R&B, nu-metal, 90s pop, trip-hop and finally progressive metal of course. I also had a Gameboy Advance SP where I played lots of Pokemon, which the soundtracks still have a special and dear place in my heart to this day.
【DMITRI】: I began playing the guitar at the age of twelve, but my connection to music goes back even further. My parents often share stories of me, just one year old, sitting by the piano in our home in Belarus, pressing the keys for hours on end. Our house was always filled with a rich variety of music, and we had an extensive collection of LPs, which exposed me to a wide range of genres from pop and rock to jazz and classical a very young age. This early immersion in music played a significant role in shaping my musical tastes and interests. When I decided I wanted to learn the electric guitar, my parents, recognizing the importance of a solid musical foundation, enrolled me in classical music and classical guitar lessons. While this was initially a departure from the electric guitar I had envisioned, it opened my eyes to the depth and beauty of classical music. This exposure has profoundly influenced not only my development as a musician but also my broader understanding of music and its impact on me as a person. The discipline and techniques I learned in classical training have become an integral part of my musical identity, enriching my approach to all genres.
Q2: How did Seventh Station come to be? What’s the meaning behind your band name?
【DMITRI】: Seventh Station was founded at the Academy of Music and Dance in Jerusalem by Alexy Polyansky and myself while we were still students. I was studying classical guitar, and Alexy was focusing on piano and composition, but we both shared an interest in the world of distortion. We decided we wanted to break free from the confines of classical music and find a way to express ourselves more freely.
The name behind the band is tied to my fascination with numbers. From the very beginning, we knew we wanted the band’s name to include the word “Station,” but we couldn’t quite settle on the right name. At that time, I was often called Dima 1348 because I frequently noticed that the clock would show 13:48. I even theorized that I was somehow haunted by these numbers. Eventually, I decided to break them down: 1+3+4+8 equals 16, and 1+6 equals 7. At that moment, I knew the band should be named Seventh Station. Over time, I realized that this number has appeared in many aspects of my life and in some of the themes of our debut album “Between Life and Dreams”, the 1348 theme is being explored.
Q2: SEVENTH STATION はどのようにして誕生したのですか？バンド名に込められた意味は何ですか？
【DMITRI】: SEVENTH STATION は、エルサレムの音楽舞踊アカデミーで、まだ学生だった Alexy Polyansky と僕が結成したんだ。僕はクラシック・ギターを、Alexy はピアノと作曲を専攻していましたけど、2人ともディストーションの世界に興味を持っていたんだよね。僕たちは、クラシック音楽の枠から抜け出して、もっと自由に自分たちを表現する方法を見つけたいと思っていたんだ。
バンド名は、僕が数字に魅せられていたことと結びついている。結成当初から、バンド名には “ステーション” という言葉を入れたいと思っていたのだけど、なかなか決まらなくてね。当時、僕はよく Dima 1348 と呼ばれていた。時計が13時48分を示すことによく気づいたからだ。僕はこの数字に憑りつかれているのではないかとさえ考えていた。それで結局、僕はこの数字を分解することにした
1+3+4+8で16、1+6で7。その瞬間、私はこのバンドを SEVENTH STATION と名付けるべきだと思った。時が経つにつれて、この数字が僕の人生の様々な局面に現れていることに気づいたんだよね。僕たちのデビュー・アルバム “Between Life and Dreams” のテーマのいくつかでも、1348というテーマが探求されている。
Q3: Seventh Station is a multinational band. Are there any cultural differences or distances that hinder your activities?
【EREN】: Distances of course affect us not being able to hang out face to face in person as much as we would like to, and limits our friendship and work to be exercised through the screens and headphones. Culturally, we get to have a lot of fun learning from each other’s unique backgrounds and ways.
Q3: SEVENTH STATION は多国籍バンドですが、文化の違いや距離は活動の妨げになりますか？
Q4: Even in the wide world of metal, your music is truly unique and individual! There have been widely known attempts to fuse classical music up to the 19th century with metal, but you are translating 20th century contemporary music into metal, aren’t you? Why did you start pursuing these endeavors?
【EREN】: Our vocalist Vidi led this inspiration and idea. It is a follow up on a track from our previous record Heal the Unhealed’s The Ruthless Koba, which also was an arrangement of a Shostakovich piece. For me personally it’s a full circle: I love taking different kinds of music and putting it into the other domains, which most famously I did with my own symphonic version of Octavarium from Dream Theater. This record now is now the other way around: taking contemporary classical music and putting it into the progressive metal domain. We had this inspiration- what if all these master composers were alive today, having access to the technology and all the musical capacity of everything we have today, how would it sound? It was an incredible creative challenge, and an opportunity to pay our humble respects to musical masters who inspire us.
【EREN】: ボーカルの Vidi がこのインスピレーションとアイデアを導いてくれたんだ。僕たちの前作 “Heal the Unhealed” の “The Ruthless Koba” に続く試みで、あの曲もショスタコーヴィチの曲をアレンジしたものだったんだ。
僕個人としては、これはフル・サークルなんだ。やっぱりこのスタイルが好きでね。異なる種類の音楽を別の領域に取り入れるのが好きで、僕の仕事で最も有名なのは、DREAM THEATER の “Octavarium” のシンフォニック・ヴァージョンだろうね。このレコードはその逆で、現代のクラシック音楽をプログレッシブ・メタルに取り入れたものだ。もし、こうした巨匠の作曲家たちが現代に生きていて、現代のテクノロジーとあらゆる音楽的能力を利用できるとしたら、どんなサウンドになるだろうか？それは素晴らしい創造的な挑戦であり、僕たちにインスピレーションを与えてくれる音楽の巨匠たちに謙虚な敬意を払う機会でもあったんだ。
Q5: In addition, your music has parts that sound like film music, or more specifically, silent films from the first half of the 20th century? Do you have a longing for that era?
【EREN】: Aesthetically and artistically there definitely is a longing. In a world where technology was in its infancy, there was a lot of mystery and mindfulness that was destroyed by the immediate access of information available anytime to anyone today. That very mystery and mindfulness had its implications in expression and connection between people, to stay always curious and dreaming about the world and each other. I had the wonderful opportunity of working with Berklee Silent Film Orchestra on performing and recording original music for seven incredible silent films, including the infamous Phantom of the Opera’s 1925 version, and the world of silent films through this experience has had a tremendous impact on me.
Q6: “Nagasaki” in “Nagasaki Kisses” is the name of a place in Japan, right? Why is it in the title of the song?
【DMITRI】: “Nagasaki Kisses is our reimagination of the first movement of Ralph Vaughan Williams’ sixth symphony. Many scholars and listeners have speculated that Vaughan Williams’ Sixth Symphony, particularly its first movement, reflects the dark emotional aftermath of World War II, and some interpretations do indeed connect it to the devastating events of the atomic attack on Nagasaki.
Vaughan Williams composed the Sixth Symphony in the years following the war, during a time when the world was grappling with the horrific consequences of atomic warfare and the deep scars left by the conflict. The symphony’s somber tone, with its dark, brooding, and sometimes unsettling atmosphere, aligns with the feelings of Death, Despair, and loss that arose from this catastrophic event.
Q7: The artwork of the previous album “Heal the Unhealed” looked like Soviet-era propaganda art. This time, for a change, it looks like a religious painting from the Renaissance era. What is your message from such artwork and lyricism?
【DMITRI】: “Heal the Unhealed” is an album that explores the parallels between the mindset of an artist and that of a dictator. Through this album, we aimed to highlight the ways in which artists, in their pursuit of control over their music, may develop unhealthy behaviors that mirror the authoritarian tendencies of figures like dictators. The album reflects on how such control can extend beyond the art itself, influencing both the artist’s relationship with themselves and others. This can ultimately lead to destructive outcomes, much like when a dictator imposes their vision upon a population, pushing them toward ruin.
Additionally, the album delves into the psychological effects shared by both artists and dictators, such as panic attacks, paranoia, and excessive self-admiration. These mental states are often a direct consequence of the choices made in the pursuit of power and control. This theme resonates with me personally because I was raised in the Soviet Union, and stories from that era, along with what I heard from my parents, profoundly shaped my perspective. My fascination with the history of that time further influenced my choice to reference figures like Stalin, as I sought to explore these complex themes through a historical lens.
Q7: 前作 “Heal the Unhealed” のアートワークは、ソ連時代のプロパガンダ・アートのようでしたね。今回は一転して、ルネサンス時代の宗教画のようです。このようなアートワークとリリックから、あなたはどのようなメッセージを送っているのですか？
【DMITRI】: “Heal the Unhealed” は、芸術家の考え方と独裁者の考え方の類似点を探るアルバムだ。このアルバムを通して、アーティストが自分の音楽をコントロールしようとするあまり、独裁者のような権威主義的傾向を反映した不健全な行動をとってしまう可能性を浮き彫りにすることを目指した。そして今回のアルバムは、そのようなコントロールがいかに芸術そのものにとどまらず、アーティスト自身と他者との関係にまで影響を及ぼしうるかを考察している。これは、独裁者が国民に自分のビジョンを押し付け、破滅に向かわせるときのように、最終的に破壊的な結果につながる可能性がある。
さらにこのアルバムは、パニック発作、パラノイア、過剰な自画自賛など、アーティストと独裁者の双方に共通する心理的影響についても掘り下げている。このような精神状態は、権力と支配を追い求める中でなされた選択の直接的な結果であることが多い。僕はソビエト連邦で育ったので、このテーマには個人的に共鳴し、その時代の話や両親から聞いた話は、僕の視点を深く形作った。当時の歴史に興味をもったことが、スターリンのような人物を引き合いに出すという僕の選択にさらに影響を及ぼし、歴史的なレンズを通してこれらの複雑なテーマを探求しようとしたんだ。
Q8: Slovenia, Turkey, Israel, and our own Japan are no stranger to war. The world seems to have reverted back to an era of violence and deception.What can your music do in such dark times?
【EREN】: Seventh Station is an international assembly of artists defying borders, separation and incompatibility, standing for unity and advancement of society and humanity through the fine arts. I believe the violence and deception never left us in the first place, we are just more aware of it due to the speed and ease of communication. In a time of constant deception bombarding us from all angles, we always strive for honesty, first to ourselves, of our communication and stories, and then to the world listening to us. In the time of war and violence challenging us, news and information trying to take over our minds, we always respond with more art, beauty and kindness, asking the world to remember the human, and not to respond with more violence or more war.
【EREN】: SEVENTH STATION は、国境や隔たり、相容れなさに抗い、芸術を通じて団結し、社会と人類の発展を目指すアーティストの国際的な集りだ。僕は、暴力や欺瞞はそもそも僕たちから離れていなかったと信じているんだ。コミュニケーションのスピードと手軽さによって、近年それをより意識するようになっただけなんだ。
あらゆる角度から絶え間なく欺瞞が襲ってくる時代にあって、僕たちは常に正直であろうと努めている。戦争や暴力が僕たちを挑発し、ニュースや情報が僕たちの心を支配しようとする時代にあって、僕たちは常に、より多くの暴力や戦争で応えず、より多くの芸術、美、優しさで応え、人間らしさを忘れないよう世界に求めていきたいんだ。
FIVE ALBUMS THAT CHANGED EREN’S LIFE!!
JORDAN RUDESS “Explorations for Keyboard and Orchestra”
At the point of breaking through the walls of the classical conservatory and venturing into the musical world at large, having the privilege of collaborating with Jordan Rudess who is my all-time musical hero, friend and sensei, literally shaped the rest of my life. It was a dream to be friends and make music with him, and I still remember our first phone call where I was in complete shock that I got to see him in person, and later to be on stage together with him in Venezuela, Poland and Czechia performing my orchestrations of this incredible record was truly a life-changing experience to this day.
クラシック音楽院の壁を破って広く音楽の世界に飛び込んだ時点で、僕の音楽的ヒーローであり、友人であり、先生である Jordan Rudess とコラボレーションする機会に恵まれたことは、文字通り僕の残りの人生を形作った。彼と友達になり、一緒に音楽を作ることは夢だったんだ。彼に直接会うことができたことに完全に衝撃を受けたよ。その後、ベネズエラ、ポーランド、チェコで彼と一緒にステージに立ち、この素晴らしいレコードのオーケストレーションを演奏できたことは、今日に至るまで、本当に人生を変えるような経験だったね。
DREAM THEATER “Breaking the Fourth Wall (Live from the Boston Opera House)”
A lifelong dream of being on stage with Dream Theater together came true with this record early on in my life right after our connection with Jordan. I had the incredible privilege of performing alongside my most influential heroes who liberated my musical mind, and I got to invite fifty of my very talented Berklee friends to join this crazy dream. Being on stage as a conductor and arranger as a part of a Dream Theater live record still gives me chills today thinking about it.
In the very first seconds of hearing this record for the first time, it felt like I had encountered a color I’ve never seen before in my life. What I was experiencing was something way beyond music, I felt like I was in the presence of a divine mind and soul, channeling the beauty of nature’s complexity through a carefully constructed and mindful aestheticism. Nik likes to call it Zen Funk, and it is definitely the perfect description. Every note, sound and silence recorded and every decision made is carefully intentional. I had the amazing opportunity to practice with him and call him a sensei as well, and he has shown me that art and its messengers are holistic- we artists are ideas, movement, intention and observation, in the breathing flesh.
YOKO KANNO “Ghost in the Shell Stand Alone Complex OST CD-Box”
Yoko-san’s incredibly colorful, meticulously detailed and super wide range of musical palette has enlightened me in a profound way. I consider her a remarkable storyteller who uses music as a medium, one that can not be bound by genres, styles, or the idea of a traditional composer. From symphonic, electronic, rock to traditional, acoustic and beyond, she has shown me there are no limits in how many colors and genres you can put in a record, except your own mind and its perceptions. I humbly hope to give my respect and gratitude to her one day in person for her impact on me as an artist and human being.
In the vast seas of electronic music, Savant truly and undeniably is a master wizard. His way of surgically detailed productions, compositions and a mind-boggling amount of productivity through so many releases is an absolute inspiration. Discovering him through this record in my early twenties, I have realized to what crazy extent electronic dance music can reach, and was inspired to also make electronic music myself too. Beautifully complex harmonies, counterpoints, pristine production, a seriousness of detail like classical music, endless fun of a dance club, and the thrill of beating the final boss in a video game: putting all these ingredients together to make an insane musical potion, Savant truly is the Alchemist himself he titles this record as, and definitely is a part of my DNA.
It would probably take a whole another interview to go into details of it, but here’s some select favorites:
Anime / Manga: Ghost in the Shell (my all time favorite), Attack on Titan (with another Eren in it!!), Ergo Proxy, works of Satoshi Kon, Hayao Miyazaki, Yoshitoshi Abe, Junji Ito
Cinema: Takeshi Kitano, Hirokazu Kore-eda, Shunji Iwai, Naoko Ogigami
Music: Yoko Kanno, Ryuichi Sakamoto, Koenjihyakkei, Toru Takemitsu, Ametsub, Ryoji Ikeda, Nujabes, Galneryus
Video Game: Pokemon RBY/GSC/RSE
Message to Japan: Seventh Station is looking forward to visiting and playing for you hopefully very soon! We appreciate your support, and wish to meet you in person. Doumo arigatou gozaimasu.
“I Distinctly Remember Staring At My Boombox In Disbelief While Hearing Blackwater Park For The First Time, Learning That It Was Possible To Combine Such Beauty With Such Brutality So Seamlessly, And I Have Been Drawn To Attempting To Achieve That Myself Ever Since.”
DISC REVIEW “TEMPORA MUTANTUR”
「”Eidolon” は、僕の心の中で特別な位置を占めているのは確かだよ。Ryan が亡くなったとき、僕はバンドを続けるかどうかでずいぶん悩んだんだ。当時はまだスタジオ・プロジェクトで、僕たち2人が中心となって必死に取り組んでいたからね。だから、彼なしで続けるべきかどうか、あるいは続けることができるのかどうかさえも疑問に思った。言うまでもなく、僕は子供の頃からの親友の一人の死と向き合っていた。 そのとき、僕のその悲嘆の過程についてアルバムを書くというアイデアが閃いた。それは強く、力強く、感情的で、そう、彼の思い出を称えるものになると思った」
ヘヴィ・メタルは聴くものの痛み、悲しみ、孤独を優しく抱きしめる音楽です。そのメタルに宿る並外れた包容力と湧き出でる回復力の源泉は、きっと音楽を生み出す者もまた喪失や痛みを抱えた経験があるからに他なりません。
カリフォルニア州サクラメントを拠点とする LUNAR は、長年の友人である Alex Bosson（ドラムス／パーカッション）と Ryan Erwin（ギター／ヴォーカル）が2013年に結成したプログレッシブ・メタル・バンドでした。しかし、2018年の春に Ryan が突然他界。Alex は悲しみに暮れ、一時は LUNAR を終わらせることも考えましたが、Ryan の遺志を継ぎ、Ryan の偉業と思い出を称えるためにバンドの存続を決意しました。
「このリストは、僕の意見では、この世に存在する偉大なバンドやミュージシャンばかりだ。 また、僕が個人的に尊敬し、ファンであるバンドばかりだ。 だから、彼らの組み合わせと言われるのはとても名誉なことなんだ。 それに、僕にとってプログはすでに音楽全般の “るつぼ” なんだ。 だから、メルティング・ポットのメルティング・ポットになることは、僕にとって本当にクールなことなんだよ」
CALIGULA’S HORSE や WILDRUN のオペラ的な部分、HAKEN のトラディショナルでメロディアスな部分、TOOL や THANK YOU SCIENTIST の数学的な部分、BETWEEN THE BURIED AND ME の超絶テクニカルな部分、そのすべてを飲み込んだプログというメルティング・ポットの “メルティング・ポット”。そんな LUNAR の音楽を Ryan なしで再現するために Alex はまさにそうした敬愛するヒーローたちの力を借ります。
HAKEN, CALIGULA’S HORSE, LEPROUS, THANK YOU SCIENTIST, FALLUJAH…Ryan の思い出と共に人間の生と死を描いた “Eidolon” はそうして、メタルの包容力と回復力に魅せられた18人のゲストミュージシャンからなる一時間超の壮大なプログ・シアターとして多くの人の心を震わせたのです。
「OPETH の “Blackwater Park” を初めて聴いたとき、信じられない思いでラジカセを見つめたのをはっきりと覚えている。あのような美しさと残忍さをシームレスに融合させることが可能なのだと知り、それ以来、自分もそれを達成しようとすることに惹かれるようになった」
親友の死をも乗り越え、Alex がメタルを諦めなかったことで LUNAR は始祖 OPETH の血を受け継ぎながらも、よりシアトリカルでより多様なプログ・メタルの構築に成功します。もちろん、OPETH が生み出した美と残忍のコントラストはもはやプログ・メタル全体の基盤となっていますが、LUNAR はその場所にマス、オペラ、Djent といった新たな血脈、WILDRUN, CALIGULA’S HORSE, THANK YOU SCIENTIST の人脈を加え、そこにかの Peter Gabriel を想起させるプログレッシブ・ドラマを投影していきます。人生を四季に例えた “Tempora Mutantur” は、そうしてまさにプログすべての季節をも内包することとなったのです。
今回弊誌では、Alex Bosson にインタビューを行うことができました。「DREAM THEATER や GOJIRA のようなバンドがグラミー賞を受賞したことは、この音楽に対する世間の認識の変化をすでに示している。 今後もそうなることを願っているよ。
ただ、僕の考えでは、プログは常にミュージシャンのための音楽だ。 万人受けする音楽ではないよ。 ほとんどの人はシンプルな音楽を楽しんでいて、それはそれでいいんだけど、僕らがやっていることは一般的にもっと複雑なんだ」どうぞ！！
COVER STORY : DEATH “SYMBOLIC” 30TH ANNIVERSARY !!
“I Feel, As a Fan, Not Even As a Musician, But As a Metal Fan, That I -Do- Have a Responsibility To Keep Metal Going And Alive And Do Whatever I Can Do.”
SYMBOLIC
Chuck Schuldiner は、脳腫瘍との闘病の末、2001年に他界しました。しかし、デスメタルのゴッド・ファーザーとして知られる彼の音楽的才能と革新的なビジョンは、メタルヘッズの心に永遠に残るでしょう。
物静かで物腰が柔らかく、動物も人間もこよなく愛する Chuck は、その死から四半世紀を経た今でもデスメタルの革新者として称賛され続けています。実際彼が残したもの、特に DEATH の後半においては、通常このジャンルによくある攻撃的で暴力的なテーマとは対照的でした。チャーミングで茶目っ気たっぷりのフロントマンは、しばしば同業者の悪魔的なイメージを否定し、インタビューでは子猫の飾りがついたシャツを着るほどでした。彼は最終的に、象徴的な DEATH のロゴのデザインを変更し、オリジナルの逆十字架を排除して、宗教的（または神聖な）慣習から自身を切り離しまでしたのですから。
加えて今日、私たちはエクストリーム・メタルの話題にプログレッシブな音楽性やアティテュードを取り入れることを当然と感じていますが、20数年前のアンダーグラウンドはそうではありませんでした。CANNIVAL CORPSE のようなバンドが “Orgasm Through Torture” のようなトラックで名を馳せていた一方で、Chuck のような穏やかな人物が、リリックを通して無毒な男性性を模範的に示すことは、純粋に先進的だったのです。
同時代のアーティストと比べると、Chuck には必ずしも典型的なデスメタルのネタではない歌詞で社会問題に取り組む意識がありました。”Spiritual Healing” の “Altering The Future” では、中絶といういまだに議論されているトピックを取り上げました。
「もし僕が女性だったら、子供を産むか産まないかの選択をしたいと思うに違いない。アメリカでは、多くの新生児が望まれなかったために殺されている。女性が妊娠に気づき、子供を望まない場合は、すぐに中絶を選んだほうが救われるんだ」
“Scream Bloody Gore” のホラーへの偏執から、後の作品で見せた超越的なスタイルへの進化。しかし初期においてさえ、”Zombi Ritual” のような曲で彼は哲学的な傾向を示していました。苛烈な慟哭の中の自虐の悪夢、そして暗い誘惑。ゾンビの呪われたゴブレットから酒を飲むことに投影された淫らな憧れ。Chuck は最初から教えてくれていました。人間の意識は渦巻き、暗く、複雑で、それを響かせる音を求める者もいるのだと。
「僕たちは皆、死に魅了され、怖れを抱き、自分が死んだ後に一体何が起こるのか誰もわからない。できることなら永遠に生きていたいよね」
音楽的にも、哲学的にも、典型的なデスメタルから完全に脱皮を果たし、Chuck が望んだ “不老不死” をメタル世界で実現したアルバムこそ、今から30年前にリリースされた “Symbolic” でした。本作は間違いなくChuck と彼のアンサンブルの、いや数あるヘヴィ・メタル作品の中でも最高傑作だと言えるでしょう。そして、30年の月日を経てもいささかも色褪せることのないその魅力。
90年代初頭から中盤にかけては、グランジの台頭によりメタルの多様化が始まり、モダン・メタルの基礎を作り上げた競争の時期でした。特に1995年は、革命的なアルバムの当たり年で、CARCASS の “Heartwork” が50万枚、PAPADISE LOST の “Draconian Times” が30万枚、AT THE GATES の “Slaughter of the Soul” が20万枚を売り上げる中、ロードランナーに移籍を果たした DEATH の “Symbolic” は25万枚を売り上げ名実ともに新時代のメタルを牽引する存在となりました。
明らかに “Symbolic” は、初期の作品 “Leprosy” や “Scream Bloody Gore” の狂気と、プログレッシブな “Human” や “Individual Thought Patterns” の技巧に、研ぎ澄まされた旋律の美しさを組み合わせた新たなステップでした。”Spiritual Healing” から始まった進化の息吹は、”Symbolic” において絶対的な完成度に達したのです。
