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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DEFECTO : ECHOES OF ISOLATION】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NICKLAS SONNE OF DEFECTO !!

“Melody is what makes it human. You can feel aggression and emotion through growls and screams, but clean vocals bring vulnerability – and that’s powerful.”

DISC REVIEW “ECHOES OF ISOLATION”

「メタルは常に現実を映し出す鏡であり、同時に現実を超える手段でもある。ヘヴィ・ミュージックは人々にフラストレーションや痛み、そして希望のはけ口を与えてくれるんだ。孤独を感じている人々を結びつけ、自分は一人ではないことを思い出させてくれる。メタルは世界を修復したり、変えることはできないけど、何かリアルなものを感じさせることはできる。そして、きっとそれが力強いスタートとなるんだよ」
痛みを力に。孤独をアートに。複雑を情熱に。DEFECTO は、地元デンマークの名物スモーブローのように、現代に巣食う病巣や難解さを様々な味付けで美味しく料理し、暗い世界におけるメタルのあり方を示してくれます。メタルはありのままの現実を映し出し、その現実を超える力を持つ。世界を変えることはできないけど、希望へ歩み始める最初の一歩への後押しならできる。DEFECTO のメタルは背中を押すメタルなのです。
「バランスが大切なんだよ。メロディと感情が好きだけど、メタルのカオスやテクニカルな面も大好きなんだ。だから、ベースには複雑な部分があっても、表面的には感情的に繋がるような曲を作ろうとしているんだ。メロディアスなボーカル・パートのほとんどは、簡単に追えて、のめり込める。見せびらかすための複雑さではなく、聴くたびにもっと多くのことがわかるようなレイヤーを作り出すことが大切なんだ。僕にとって本当の魔法はそこにあるんだ」
DEFECTO の魔法はまさにスモーブロー的オープン・サンド。その下地であるビートは実に難解で複雑。奇数の海で強烈なグルーヴが繰り広げられますが、重なる具材は実に華やかで、何層にも連なる色彩豊かなメロディとハーモニーを堪能することが可能。そして、その卓越したメロディの訴求力によって、リスナーは現代というメカニカルな暴力の時代に、優しさや寛容さといった人間味を感じ取ることができるのです。
「メロディーは時代を超越するものだとずっと信じてきたからね。曲がどれだけヘヴィで複雑であっても、メロディーこそがその曲を “人間” らしくするものだ。グロウルやスクリームからは攻撃性や感情が感じられるけど、クリーン・ボーカルは脆さや弱さをもたらしてくれる。そして、その両方が揃うことこそパワフルなんだ。メタル・シーンが再び両方の側面を受け入れているのは素晴らしいことだと思うよ。なぜなら、真の感情は美しさと混沌の間のどこかに宿るからね」
“歌”、歌の力が戻ってきたメタル世界において、アグレッションと難解さ、そして弱さと人間味を併せ持つ DEFECTO の音楽はある意味理想的です。そして、その理想を具現化するのが、マルチ・プレイヤーで唯一無二のシンガー、英雄 Nicklas Sonne。彼の怒りと弱さを同様に抱きしめた自由自在な歌声は、”Echoes of Isolation” の闇と光を巡る感情の旅、その葛藤の中に強さと平和を見出します。そう、これは構造と感情が互いを増幅し合い、卓越した技巧をより人間味あふれるものに昇華させ、共感によって研ぎ澄まされた新時代のプログレッシブ・メタル。身を委ねれば美しい傷跡を残す、心に深く刻まれる映画のような旅路。
今回弊誌では、Nicklas Sonne にインタビューを行うことができました。「KING DIAMOND や DIZZY MIZZ LIZZY のようなバンドは、小さな国でも真にユニークなものを生み出せることを証明してくれたね。彼らは誰かを真似しようとはせず、独自のアイデンティティを築き上げた。それは僕にとって非常に刺激的なことだったんだ。DEFECTO も常に同じことを成し遂げたい思っているんだ。つまり、独自のサウンドとメッセージを維持しながら、デンマークのメタルを国際的に代表することだよ」Michael Romeo と Russell Allen を一人二役でこなせる奇跡。今年リリースされた Nicklas のソロ作品も素晴らしいですよ。どうぞ！！

DEFECTO “ECHOES OF ISOLATION” : 10/10

INTERVIEW WITH NICKLAS SONNE

Q1: First of all, what kind of music did you grow up listening to?

【NICKLAS】: I grew up surrounded by all kinds of music – everything from classical to pop and heavy metal. But the moment I discovered bands like Metallica, Judas Priest, Alice Cooper, and later Symphony X and Dream Theater, something clicked. I was drawn to powerful melodies, big emotions, and the kind of musicianship that told a story without words. That combination of raw energy and deep feeling is what shaped me the most.

Q1: 本誌初登場です！まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか？

【NICKLAS】: クラシックからポップス、メタルまで、あらゆる種類の音楽に囲まれて育ったんだ。でも、METALLICA, JUDAS PRIEST, Alice Cooper、そして後に SYMPHONY X や DREAM THEATER といったバンドを発見した瞬間、何かがカチッとはまったんだよね。力強いメロディー、大きな感情、そして言葉を使わずに物語を語るような音楽性に惹かれたんだ。そのむき出しのエネルギーと深い感情の組み合わせこそが、僕を形成した最大の要因となったね。

Q2: Your technique and singing skills are among the best in the metal world, how did you acquire them? Who were your heroes back then?

【NICKLAS】: Thank you so much! That really means a lot. I’ve always been obsessed with learning and improving – not just as a singer or guitarist, but as a musician overall. I started playing guitar when I was around 11, and I spent countless hours every day practicing, recording, and studying my favorite artists. I started singing when I was 18, not until then did I dare venture towards that. For me, singing has always been very personal and “naked”, and it took me a great deal of courage to start trying to sing and record my own voice.
Some of my biggest heroes were and are Russell Allen, James Hetfield and Dio. Each of them had something unique – power, emotion, or theatricality – and I tried to learn a little from all of them while finding my own sound. I have always been inspired by musical singers and opera singers too – amazing the ability they have to tell a story with their voice.

Q2: DEFECTO のテクニックとあなたの歌唱力はメタル世界でもトップクラスだと思いますが、そうしたスキルをどのようにして身につけたのですか？当時のヒーローは誰でしたか？

【NICKLAS】: 本当にありがとう！とても嬉しいよ。僕は常に学び、向上することに夢中だったんだ。シンガーやギタリストとしてだけでなく、ミュージシャンとしてね。僕は11歳くらいからギターを始め、毎日何時間もかけて練習し、レコーディングし、好きなアーティストを研究していたんだ。18歳で歌い始めたけど、その時になって初めて、歌に挑戦する勇気が出たんだよ。僕にとって、歌うことは常にとても個人的で “裸” なものであり、自分の声で歌い、レコーディングを始めるのには、かなりの勇気が必要だったからね。
僕のヒーローの中には、Russell Allen, James Hetfield, Dio がいる。彼らは皆、力強さ、感情、演劇性など、何か独特なものを持っていたからね。僕は自分自身のサウンドを見つけながら、彼ら全員から少しずつ学ぼうとしていったんだ。ミュージカル歌手やオペラ歌手からも常にインスピレーションを受けてきたよ。彼らが声で物語を伝える能力には驚かされるばかりだ。

Q3: Speaking of Denmark, there are many great bands, though not many, such as King Diamond, Mnemic, Dizzy Mizz Lizzy, Volbeat, and Vola. How do you draw inspiration from these predecessors and the scene?

【NICKLAS】: Denmark has a small but very passionate scene, and I think that’s part of what makes it special. Bands like King Diamond and Dizzy Mizz Lizzy showed that you can create something truly unique even from a small country. They weren’t trying to copy anyone – they built their own identity, and that’s very inspiring to me.
Defecto has always wanted to do the same – to represent Danish metal internationally while keeping our own sound and message.

Q3: デンマークといえば、KING DIAMOND, MNEMIC, DIZZY MIZZ LIZZY, VOLA など、数は多くありませんが素晴らしいバンドがたくさんいます。こうした先駆者やシーンからはどのようなインスピレーションを得ていますか？

【NICKLAS】: デンマークには小規模ながらも非常に情熱的なシーンがあり、それがデンマークを特別なものにしている理由の一つだと思う。KING DIAMOND や DIZZY MIZZ LIZZY のようなバンドは、小さな国でも真にユニークなものを生み出せることを証明してくれたね。彼らは誰かを真似しようとはせず、独自のアイデンティティを築き上げた。それは僕にとって非常に刺激的なことだったんだ。DEFECTO も常に同じことを成し遂げたい思っているんだ。つまり、独自のサウンドとメッセージを維持しながら、デンマークのメタルを国際的に代表することだよ 。

Q4: What’s great about you is that what appears to be symphonic, ultra-melodic, metal-like metal is actually a labyrinth of riffs and beats, and the music is full of intelligence! There are very few bands in the world that do that! Why did you choose to do it that way?

【NICKLAS】: That’s such a kind compliment – thank you! For us, it’s about balance. We love melody and emotion, but we also love the chaos and technical side of metal. So we try to build songs that are complex underneath but still connect emotionally on the surface and in most melodic vocal parts are easy to follow and get into.
It’s not complexity for the sake of showing off – it’s about creating layers that reveal more every time you listen. That’s where the real magic is for me.

Q4: DEFECTO の素晴らしいところは、一見シンフォニックでメロディアスなメタルっぽいメタルのように見えますが、実はリフとビートの迷宮で、音楽がインテリジェンスに満ちている点でしょうね！世界でもそんなことを成し遂げているバンドはほんの一握りですよ。

【NICKLAS】: とても嬉しい言葉をありがとう！僕たちにとっては、バランスが大切なんだよ。メロディと感情が好きだけど、メタルのカオスやテクニカルな面も大好きなんだ。だから、ベースには複雑な部分があっても、表面的には感情的に繋がるような曲を作ろうとしているんだ。
メロディアスなボーカル・パートのほとんどは、簡単に追えて、のめり込める。見せびらかすための複雑さではなく、聴くたびにもっと多くのことがわかるようなレイヤーを作り出すことが大切なんだ。僕にとって本当の魔法はそこにあるんだ。

Q5: Complexity meets passion. Your methodology is different from the typical prog metal of Dream Theater, Symphony X, Gojira, BTBAM, etc. How do you feel about being called prog metal?

【NICKLAS】: I think it’s fair, but I also think Defecto is a bit of a hybrid. We have the progressive elements, yes – but our heart is very melodic and groovy. We don’t write long songs just to be “prog”; we write them because that’s where that particular story takes us.
If people call us progressive because we explore new sounds and structures, that’s a compliment. But at the core, we just write what feels honest.

Q5: まさに複雑さと情熱が出会う DEFECTO の手法は、DREAM THEATER, SYMPHONY X, GOJIRA, BTBAM といった典型的なプログ・メタルとは異なりますが、そう呼ばれることについてどう思っていますか？

【NICKLAS】: それは妥当だと思うけど、DEFECTO はちょっとハイブリッドなところもあると思っていてね。確かにプログレッシブな要素もあるけど、僕たちの心は非常にメロディアスでグルーヴィーだ。ただ “プログレ” であるために長い曲を書いているわけではないんだよ。それぞれのストーリーが僕たちを導く場所がそこだから書いているんだ。
新しいサウンドや構成を探求しているからプログレッシブだと言われるなら、それはたしかに褒め言葉だよ。でも本質的には、僕たちはただ正直に感じられるものを書いているだけなんだ。

Q6: As evidenced by Dream Theater’s Grammy and Ozzy Osbourne’s “Mama I’m Coming Home,” it seems that “singing,” sing-alongs, and melodies have returned to the world of heavy metal in recent years. Of course, Nicklas can sing everything from high tones to growls, but how do you feel about the power of clean vocals returning to metal?

【NICKLAS】: I love it. I’ve always believed that melody is timeless. No matter how heavy or complex a song is, melody is what makes it human. You can feel aggression and emotion through growls and screams, but clean vocals bring vulnerability – and that’s powerful.
I think it’s amazing that the metal scene is embracing both sides again – because real emotion lives somewhere between the beauty and the chaos.

Q6: DREAM THEATER のグラミー賞受賞やオジー・オズボーンの “Mama, I’m Coming Home” からもわかるように、近年メタルの世界に “歌”、一緒に歌うこと、そしてメロディーが戻ってきたように思えます。
Nicklas はハイトーンからグロウルまで何でも自在に歌えますが、メタルにクリーン・ボーカルが戻ってきたことの力についてどう思っていますか？

【NICKLAS】: 僕はとても気に入っているよ。メロディーは時代を超越するものだとずっと信じてきたからね。曲がどれだけヘヴィで複雑であっても、メロディーこそがその曲を “人間” らしくするものだ。グロウルやスクリームからは攻撃性や感情が感じられるけど、クリーン・ボーカルは脆さや弱さをもたらしてくれる。そして、その両方が揃うことこそパワフルなんだ。
メタル・シーンが再び両方の側面を受け入れているのは素晴らしいことだと思うよ。なぜなら、真の感情は美しさと混沌の間のどこかに宿るからね。

Q7: “Echoes of Isolation” is a great album that turns various emotional pains and struggles into strength, and the music allows the listener to experience this concept, would you agree?

【NICKLAS】: Absolutely. That’s exactly what we wanted to achieve. Echoes of Isolation explores mental illness – depression, OCD, PTSD, paranoia, schizophrenia, and more – and how those struggles shape your view of the world.
It’s an emotional journey through darkness and light, but it’s also about finding strength and peace within it. If listeners feel understood or less alone because of this album, then we’ve succeeded.

Q7: “Echoes of Isolation” は、本当に素晴らしいアルバムですね！様々な感情的な痛みや葛藤を強さに変えていくストーリー、そして音楽がリスナーにそのコンセプトを追体験させてくれますね？

【NICKLAS】: その通りだよ！まさにそれが僕たちがやりたかったことなんだ。”Echoes of Isolation” は、うつ病、強迫性障害、PTSD、パラノイア、統合失調症などの精神疾患と、それらの葛藤が人の世界観をどのように形作るかを探求しているんだ。
これは闇と光を巡る感情の旅だけど、同時にその中で強さと平和を見つけることでもある。もしリスナーがこのアルバムを通して理解されたと感じたり、孤独感が和らいだと感じたりするなら、僕たちの挑戦は成功したと言えるだろうね。

Q8: In the 2020s, the world is in a dark time of war, pandemics, division, oppression, violence and falsehoods. What can heavy metal do in such a dark world?

【NICKLAS】: Metal has always been a mirror of reality – but it’s also a way to rise above it. I think heavy music gives people an outlet for frustration, pain, and hope. It unites people who feel disconnected and reminds them that they’re not alone.
We can’t fix the world, but we can make people feel something real – and that’s a powerful start.

Q8: 2020年代、世界は戦争、パンデミック、分断、抑圧、暴力、デマの拡散といった暗い時代にあります。このような暗い世界で、ヘヴィ・メタルには何ができるでしょうか？

【NICKLAS】: メタルは常に現実を映し出す鏡であり、同時に現実を超える手段でもある。ヘヴィ・ミュージックは人々にフラストレーションや痛み、そして希望のはけ口を与えてくれるんだ。孤独を感じている人々を結びつけ、自分は一人ではないことを思い出させてくれる。
メタルは世界を修復したり、変えることはできないけど、何かリアルなものを感じさせることはできる。そして、きっとそれが力強いスタートとなるんだよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED NICKLAS’S LIFE!!

Metallica “Black Album”

Dream Theater “Train of Thought”

Symphony X “Iconoclast”

Judas Priest “Painkiller”

Alice Cooper “The Last Temptation”

MESSAGE FOR JAPAN

Japan has an incredible culture – the mix of tradition, art, and modern creativity is fascinating. I grew up with Japanese games and anime, and I’ve always admired the passion and precision in Japanese music.
To our fans in Japan: thank you for your support and for always showing such love for music. We hope to come play for you again very soon – and when we do, we’ll bring the full energy of Echoes of Isolation with us.
Arigatou gozaimasu!

日本には素晴らしい文化があり、伝統、芸術、そして現代的な創造性が融合しているところが魅力的だね。僕は日本のゲームやアニメで育ち、日本の音楽の情熱と精密さにいつも感心しているんだ。
いつもサポートしてくれて、音楽への愛情を示してくれてありがとう。またすぐにみんなの前で演奏できることを願っているよ。その時は、”Echoes of Isolation” のエネルギーを全開で届けるね。ありがとうございます！

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COVER STORY 【STRAPPING YOUNG LAD : 30TH ANNIVERSARY】

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COVER STORY : STRAPPING YOUNG LAD “30TH ANNIVERSARY”

“Obnoxious music with super fast double kick, lots of random explosions and a bald guy screaming his balls off over top. Stress music made for catharsis.”

STRAPPING YOUNG LAD

Devin Townsend は、VAI の1993年のアルバム “Sex & Religion” で世に出ました。二人はその後、それぞれ別々に大成功を収めていますが、Steve Vai は Devin との仕事の思い出を今でも大切にしています。
「Devin は全身全霊で音楽に打ち込んでいたね。彼と一緒にいて、初めて彼の才能が自分の音楽にどう役立つかに気づいたんだ。彼は素晴らしいシンガーだった。彼はどんな歌でも歌えるんだ。そして本当に面白くて、奇抜で、ワイルドで、そういうところが大好きだった。でも、当時は彼が真にクリエイティブな人間だとは気づいていなかった。VAI は私が仕切っていたからね。でも、彼は私のバンドで活動して、何かを学んだんだろう。一度ツールを手に入れると、爆発的に成長した。とにかく表現したかったんだ」
Vai は Devin が作り上げた STRAPPING YOUNG LAD の2005年のアルバム “Alien” がお気に入りだと明かし、そのメロディアスで圧倒的な内容は “研究” に値するとまで称賛しています。そして誰がその言葉に異論を唱えられるでしょう？”Alien” は不健康な状況下で制作された（Devin が双極性障害の薬を断薬していた）にもかかわらず、メタル史に残る傑作となりました。
「Devin についてもう一つ言わせてくれ。彼の音楽は、どんなに激しいものでも、邪悪なものではない。その奥には、光、変革を求める、輝かしい欲求がある。彼の創作活動をずっと見てきた。彼の音楽が、彼にとってカタルシス的なプロセスとなり、自分自身の心に安らぎと心地よさを見出していく過程を目の当たりにしてきたんだ。STRAPPING YOUNG LAD の “Alien” は研究する価値がある。あの作品は、これまで聴いた中でも、これほどまでに強烈な作品はなかったよ」

STRAPPING YOUNG LAD は、Devin Townsend の作品群の中でも特別な位置を占めています。このバンドのヘヴィ・メタル的文脈を構成するインダストリアル、グルーヴ・メタル、デスメタル、ノイズの要素は、同時期の Devin の他のソロ作品にも存在し、同様に、ザッパ以降のシアトリカルでパノラマ的なシネマティック・プログは、STRAPPING YOUNG LAD のすべてのレコードに深く織り込まれています。そのため、サウンド面では意外にもそれほど深い差別化はないようにも思えますが、STRAPPING YOUNG LAD を信奉するファンは未だに絶えません。
もちろん、このオールスターバンドのメンバーが Jed Simon（ギター、当時はインダストリアル・グループFRONTLINE ASSEMBLY に在籍）、Byron Stroud（ベース、2004年から2012年までは FEAR FACTORY にフルタイムで参加）、Gene Hoglan（史上最高のエクストリーム・メタル・ドラマー）だったことはプラスに働きました。しかし、それ以上にこのバンドは Devin Townsend の血と汗と涙と才能と怒りと双極性障害、そのすべてを凝縮していたからこそ特別だったのです。
「OCEAN MACHINE の “The Death of Music” はまるでファンタジーの世界みたいだ。行くべき場所があるような気分になれる。うまくいけば、他の人も、あの音の逃避行を作ろうとしていた頃の僕と同じ精神状態を、少なくとも訪れることができる。”The Death of Music” は、Steve Vai のレコードを制作した直後に生まれた曲で、音楽業界に完全に幻滅していたんだ。何もかもが自分の思い通りにはならなかった。それから僕はRelativity recordsと契約していたけど、不運にも “Noisescapes” というプロジェクトに携わることになった。結局、このレコードは未完成に終わり、完成した作品もレーベルから “統合失調症的” すぎるという理由で却下されたんだ。このレコードは STRAPPING YOUNG LAD と OCEAN MACHINE の起源でその二つが一つにまとまっていて、レーベルはそれが混乱を生むと感じていた）。僕は他のレーベルにもデモ音源を依頼しようとしたけど、最終的には、アプローチしたすべての関係者が同じ意見だった。
それで僕は THE WILDHEARTS の友人たちのギタリストとしてイギリスのバーミンガムに移り、そこでよりアグレッシブな楽曲に注力し始めたんだ。だから、このファースト・アルバムの曲はイギリス滞在中に書かれたもの。”The Rainy Season”, “SYL” をはじめ、このアルバムの核となる曲は、SUICIDAL TENDENCIES とのヨーロッパ・ツアー中に書かれていった。
当時は非常に不安定な時期で、当時の僕の心境を最も端的に反映したのが、この奇妙で怒りに満ちた、非常に “レッド” なアルバムだった。CDのジャケットに写っているのは僕のお尻だよ。悪くないでしょ？肘を二つくっつけたみたいに見えるって言われたことがある。まあいいか。プロダクションは不安定で、ソングライティングにもかなりの浮き沈みがあったけど、僕の活動をまず紹介する作品としては、当時の僕をよく表していると思う」

SYL 名義での最初のアルバム “Heavy as a Really Heavy Thing” は、Devin が Vai のバンドに在籍していた直後にリリースされました。楽曲制作からツアーに至るまで、メジャー・レーベルの不手際への不満がこの作品を、初期のインダストリアル・メタル、デスメタル、スラッシュといった、よりエクストリームな領域へと導いたと言われています。Devin はその後、このアルバムを痛烈に批判するようになりましたが、実際には彼が言う以上に力強い作品でしょう。それは後期の作品にある映画的なスケール感がまだ未熟で、よりダーティーでザラザラとしたアルバムとなっているからかも知れません。そのインダストリアルな音色は、Devin の作品に大きな影響を与えたことで知られる GODFLESH の “Streetcleaner” にも違和感なく調和し、そのプロダクションは、初期 MESHUGGAH のような、当時のエクストリームなデス／スラッシュ・バンドに見られるようなメタリックなサウンドに近いものです。
「混乱と敵意に満ちた心境でイギリスから帰国した。Vai との活動は音楽業界全般への嫌悪感を生み、WILDHEARTS での活動は多くの疑問と怒りを生んだ。Jason Newsted（他にも数名）とのサイド・プロジェクトも期待外れだった。SYLの最初のアルバムは大ヒットしなかった。そこで、バンクーバーを離れ、音楽の新たな可能性を探る時が来たと感じた。
都会の醜悪な自然と、比較的目立たない場所に魅了され、ロサンゼルスの準工業地帯のような荒廃地はインスピレーションを得るのに良い場所だと考え、マリナ・デル・レイの友人数人と暮らしながら作曲を始めたんだ。
当時は、いくつかのアルバム（MORBID ANGEL の “Domination”、FOETUS の “Gash”、OLD LADY DRIVERS の “Formula” や “Cop Shoot Cop” など）に心を奪われていた。センチュリー・メディア・レコードの郵便室で注文を処理する仕事も時々していたけど、ほとんどの時間はSYLのダークな曲をひたすら書き続けていたんだ。”Oh My Fuckin’ God” を聴いてくれよ。偽善的なバカどもについて話しているんだけど、俺はこのシーン全体からなんとか逃れてきたんだ。だって、ファッションショーみたいでね。新作はいいけど KORN が好きなキッズには受けないって言われるのにうんざりだから。アディダス履いてウォレットチェーン持ち歩くようなクソみたいなの、もうやめてくれ。メタル・シーン全体で一番問題なのは、女性蔑視的な部分なんだ。
それから、”Spirituality”。曲の最後の部分に、かなりヘヴィな詩節がある。歌詞と、自分の考えを伝えることが、僕にとって一番大切なこと。僕が書くのは、どんなに些細で下品なことでも、僕の人生で起こっていることだ。たとえそれがセブンイレブンで働いている人とのトラブル、職場でのトラブル、家族とのトラブル、妹との喧嘩など、人によっては些細なことに思えるかもしれないけれど…本当に腹が立つようなことを歌っていて、ただ “ジェネレーションX” 的な “もううんざり、みんな最低、世界は私に生計を立てる義務がある、政府はクソだ” みたいな、ありきたりな怒りをただ吐き出しているだけじゃないなら…何を歌っているかなんて関係ない。ただそこに誠実さがあれば、音楽は10倍になるから…自分が歌っていることを感じられればね。この新しいアルバムで誇りに思っていることがあるとすれば、それは全部、僕の体の一部から生まれたものなんだ。それが睾丸でも、胃でも、心臓でも、わかるでしょ？
とにかく、デモも完成した頃、ハリウッドのライブで Gene Hoglan と出会ったんだ。彼がファースト・アルバムを気に入ったと言ってくれたので、彼を誘って “City” を制作することになった。彼は何ヶ月も演奏しておらず、ブラストにも慣れていなかったので、最初は少し難航したけど、リハーサルを始めて3日ほどで彼の素晴らしい才能に気づき、最終的にハリウッドにある Steve Vai のスタジオでレコーディングすることになったんだ。旧友の Byron と Jed をロサンゼルスに招き、より “バンドらしい” レコーディング体験をしようとした。意気投合したね。この初めての本格的なレコーディング体験が、後の僕たちの原点となったんだ」

“City” は STRAPPING YOUNG LAD の最高傑作と広く考えられています。Devin 自身も、このアルバムをバンドのディスコグラフィーの中で最高傑作だと考えているようです。その理由は明白。”Heavy as a Really Heavy Thing” をテンプレートとすれば、本作はほぼあらゆる面で確実に進歩を遂げているから。前作のヘヴィなデス／スラッシュ・プロダクションや、ザラザラとしたローファイなデモ感は消え去り、Devin が最初からこのプロジェクトに込めていたであろう、シネマティックなビジョンが全編に渡り採用されています。”City” は “Ocean Machine: Biomech” と並行して作曲・レコーディングされており、ヘヴィさを除けば、両者にはたしかに類似点が存在。”Ocean Machine: Biomech” は広大なサウンドスケープを用いて、ヘヴィとドリーミーの中間の空間を創り出し、人体に関する長編プログの寓話を表現しているのに対し、”City” は荒々しくノイジーな工業都市の風景を表現しているのです。工業都市なのに歌舞伎町から超鋼鉄重低爆撃。
“City” を語る上で、このレコードの音楽の激しさは欠かせません。もし “Heavy as a Really Heavy Thing” が、方向性を見失い、整理されていない創造的エネルギーの爆発だとしたら、”City” はそうした本能が軽躁病的な混乱と恐怖へと絞り込まれた作品だったと言えるでしょう。焼けつくような激しさにもかかわらず、このレコードのテーマは怒り以上にむしろ、双極性障害の片端からドラッグとアルコールで満たされた躁のエネルギーが爆発したように感じられます。それは “Ocean Machine: Biomech” の物悲しくメランコリックな壮大さとは対照的。アルバムは悪意に満ちているというより、むしろ慌ただしく、狂乱し、混乱しているように感じられ、危険がないわけではないものの、害悪の意志は感じられません。つまり、インスピレーションとなった大都市の混乱を、躁病に陥った身体の混乱、行き詰まり、そして途方もなく複雑な内なるエネルギー、自身の生々しい部分を象徴するメタファーとして用いているのです。

「”Physicist” のツアーを経てライブ・シーンに再び触れた後、僕は “City” に影響を与えた自らの中にある恐怖感を克服し始めた。再び SYL のような作詞作曲に挑戦し始め、”典型的なメタル・バンド” のアプローチを取れば、SYL に再び関わっても問題ないだろうと自分に言い聞かせたんだ。
なぜなら、正直に言うと “City” がもたらした注目は嬉しかったし、称賛やライブショーは実に魅力的だったから。セルフ・タイトルの楽曲と歌詞の8割は僕が持ち込んだものの、Gene と Jed には彼らが蓄えていたアイデアを出し合うように促すようになった。
このアルバムの歌詞は、僕がこれまで手がけてきた作品の中で最も自分と繋がりが薄いかもしれない。どちらかというと “クールに聞こえるか”、そして僕自身の “タフガイ” 的な姿勢を重視した作品だからね。満足できる要素もいくつかあったけど…”Bring On The Young” の一部は、当時の戦争への恐怖を直接反映していたよ。だけま、”Rape Song” のような曲は、激しいテーマと遠い感情的な繋がりが絡み合った結果、僕が意図していたものとは正反対の形で生まれてしまったんだ。
フランスのテレビ番組でレイプシーンのある番組を見て、女性にあんなことをする人への憎しみが募り、レイプ犯をぶちのめす曲を書かざるを得なくなったんだ。ところが、その意図は裏目に出て、一部の人たちはこれを “レイプ賛美” だと捉えてしまった…
SYL はこうした特異な性質のために、常に僕を不安にさせてきた。僕は無意識のうちに演じる “役割” に多大な労力を費やしていた。当時は気づいていなかったけど、僕のエネルギーの多くは、自分が抱いていたイメージを守ることに費やされていたんだ。そのイメージがどう進化していくのかをひどく恐れていたし、そのことを人々に悟られないようにするためにね」

セルフタイトルのアルバム “Strapping Young Lad” は、”City” のツアー後、グループが一時活動休止した後にリリースされました。当時、Devin は満足のいくヘヴィな音楽が書けなくなったと述べ、代わりに後の “Physicist” と “Terria” となる作品に注力したのです。しかし、あの9.11をきっかけに、Devin は新たな創作意欲を見出したようでした。地震や津波といった自然災害から、大国による帝国主義的な戦争、そしてそれが引き起こす小国や非力な国々の権力の空白まで、あの規模の悲劇は世界各地を悩ませ、今もなお続いていますが、9月11日の出来事は、アーティストであろうとそうでなかろうと、西洋の多くの人々の心の奥底を揺さぶったのです。突然、世界の苦しみの現実が明らかになる。一部の人々はこれを愛国主義や人種差別に利用しようとしましたが、Devin はいつものように自分のエネルギーを自分自身に注ぎ、最終的には、セルフタイトルのレコード “Strapping Young Lad” と、同時に結成された THE DEVIN TOWNSEND BAND 初のレコード “Accelerated Evolution” の両方を作り上げたのです。
「このアルバムは全てを変えた。”Alien” の後、SYLはもう終わりだと悟ったんだ。ライフスタイルを変える必要があるとね。このアルバムに至るまでの出来事、そしてレコーディングを取り巻く状況は、自分自身と精神を破壊してしまったと心から思うほど、混乱を招いた。僕の創作サイクルはタイムラインを見ればわかるように明らかに循環的だけど、そのことに気づいたことが、今の僕をありがたいことに導いてくれたんだ。
本質的には、”Alien” は、僕が自ら、そして当時の周りの人々によって、精神的に崩壊するほどにまで煽られた躁病の結果だった。SYLのセルフタイトル・アルバムで（善意にかかわらず）”有名” になってしまったことで、またしても中途半端なアルバムに対する批判に耐えられなかったのだろう。”Alien” に全力を注ぎ、”Infinity” の時と同じように、自分のプロセスに徹底的に取り組もうと決意したんだ。
“Infinity” でかつて自分を駆り立てた “殉教者芸術家” というロマン主義が頭から離れず、再びその境地に達してメタルというジャンルに “傑作” を残せると信じていた。”誰も成し遂げていない” 境地まで自分を追い込むことで、”City” 時代には自然にできていたことが、今や “無理やり” 生み出されるようになり、SYLを取り巻く状況はますます暴力的になり、今にして思えば自分がほとんど何も知らなかった事柄と複雑に絡み合っていた。そのため、僕の歌詞の傾向は歪んでいった。
怒ったり、落ち込んだり、あるいは何らかの負の感情を抱かなければ幸せになれない人がいるという考えがある。そして、僕がその限界まで自分を追い込む能力（そしてその意志）を持っていた時、僕は自らを暗く悪意に満ちた結末へと導くシナリオに陥っていた。注目を浴びることを喜び、”Terria” 時代にはそれを抑制していた薬の服用をやめてしまった。マリファナとアルコールへの依存が悪影響を及ぼしていたことを認めようとしていなかった。むしろ、それが歪んだ視界を悪化させていたんだよ。
このアルバムは Gene Hoglan と密に協力して制作し、毎日彼の家でリハーサルを行っていた。エクストリーム・ミュージックにおけるテクノロジーの可能性を最大限に活かそうとしたよ。実際、”Alien” で本当に良かったと思えることがあるとするなら、それは彼と音楽仲間として歩んできた道のりだ。僕たちは議論し、妥協し、そして最終的には、一人で作るよりも良いものを作り上げた。でも、二人で作り上げたものは、最終的に僕にとって非常に居心地の悪いものとなり、その後のツアー期間中ずっと落ち込んでいたんだ。
最後の曲 “Info Dump” は、朝4時に地下室でモールス信号と数学的なアイデアを駆使して書いたもの。巧妙で “限界に挑戦した” と思ったものの、結果として僕を恐怖の抜け殻のような人間にしてしまった。自分自身と自分の置かれた状況に対する妄想と恐怖は、つい最近まで僕を悩ませていた。しかし、少し距離を置いて、そして数年経ってから…このアルバムは、アーティストとして非常に誇らしい瞬間だと言えるようになったよ。だけどその誇りの大部分は、苦い経験を​​通して学んだ教訓を、二度と繰り返すつもりはないという自覚から生まれている」

終わりの始まり。”City” が真実だとすれば、”Alien” は現実だと言えます。”City” は間違いなく、このグループの壮大なコンセプトが初めて実現された瞬間でした。しかし “Alien” は、より歳を重ね、より賢明になったグループが、より感情的な精緻さを伴って、同じ考え方に立ち返った作品です。”City” は、身体と精神との関係における都市の比喩的なイメージに焦点を当てていました。大都市のすべてを理解することは困難です。一方 “Alien” は、酩酊状態、精神疾患、神経発達障害などによって、私たちが自分自身を理解できず、自分が思考プロセスの外側にいるように感じてしまうことに焦点を当てています。その結果、私たちは周囲の世界と繋がり、意味のある形で進んでいくことができなくなるのです。
つまり、”City” が外に向けられた躁状態だとすれば、”Alien” は内へと注ぎ込む、内破する精神のブラックホールだったのです。狂気じみた疑似哲学的 “Skeksis” は、それ自体が Devin の映画的なアート・メタルのキャリアの過去と現在を縮図のように捉えています。この時期 Devin は SYL の存在意義についてこう語っていました。
「STRAPPING YOUNG LAD が効果的なのは、僕らがそれほど人気が​​ないからだと思う。人気がないからこそ、自分をどう見せるかに多少の自由がある。僕は大成功なんて求めていない。次のアクセル・ローズになりたいとも思っていない。成功という点では、せいぜい SLIPKNOT (当時) と同程度だろう。彼らもまた、自分たちのやり方で成功を収めてきたヘヴィ・バンドだからね。でも、例えば METALLICA や GN’R だったら…
“Some Kind of Monster” っていうドキュメンタリーを見たんだけど、あいつらはもうメタルのためにやってるって感じじゃない。”マジかよ、俺らは億万長者なのに人生最悪だ” みたいな顔してる」
Devin が SYL を継続することが不可能な精神状態になり、必要なものさえも消し去ってしまったプロジェクトだと語る時、彼が言及しているのは主に “Alien” でした。このアルバムには、Devin が芸術的な高みに到達するために意図的に抗精神病薬を断薬したという神話が流れています。しかし、彼は自らの躁状態と鬱状態は過剰な薬物使用と若くして音楽業界に身を置く環境に起因する可能性が高いと判断し、抗精神病薬の服用を中止し、自らを見直すことを決意しただけでした。当時は禁酒状態だったため、精神状態はますます悪化し、それが心理的に不安を掻き立てるほど化け物じみたアルバムへと発展したのです。Devin は SYL と DTB の関係性をいつしかこう表現するようになっていました。
「STRAPPING YOUNG LAD って、ある意味、誰かに無理やり引っ張られて、やらされているって感じだからね。分かる？ 全てを燃やし尽くすような、そういう宣言なんじゃないかな。政治も宗教も、全部クソくらえ！ 物事は大丈夫かもしれない、なんて言う段階は完全に過ぎ去ってる。だって、大丈夫じゃないんだから。そういう感情への反応なんだ。Devin Townsend の次のレコードは、それと正反対だ。あのレコードは “大丈夫” って言ってる。この2つはそういう関係性なんだ。SYL は “なんてこった！” って言ってるし、DTB は “大丈夫” って言ってる。SYLはゾクゾクするけど、DTBは頭が柔らかくなる。どちらも自分とは正反対のものを体現していると思うから…だから、できるだけ正反対の要素を取り入れているのが良いと思っている。”Alien” にはアコースティックとか、ソロの雰囲気に合う部分もあるけれど。SYLの雰囲気は独特で、曲作りをしている時にすぐに違いが分かるんだ。DTBは温かい家族のような雰囲気。SYLとはセックスするし、DTBとは結婚しているんだ」

そうして、漆黒のスワンソング “The New Black” でその歴史に幕を下ろした STRAPPING YOUNG LAD。Devin のライブにおいても、SYL の楽曲は取り上げられていますが、おそらく復活することはないでしょう。ただし、Devin はSYL再結成の要望を賛辞と受け止めています。
「いつ再結成するのかって？この質問で一番気に入っているのは “いつ” という言葉だよ。まるで再結成の兆しがあるかのように聞こえるよね。でも、もうバンドの誰とも話していない。25年前の自分とはまるで別人だ。そうしたくない。それが僕の答えだと思う。 他の人たちがそれを望んでいるのを知っているから、それは罪悪感を伴う難しい選択だ。でも、この2、3年で学んだことがあるとすれば、自分自身の欲求に注意を払わなければならないということ。だから SYL を再結成するつもりはないけれど、みんながこのバンドに夢中になって、再結成を待ち望んでいるという事実は、僕にとって大きな名誉なんだ。これほどまでに光栄なことはないよ。これからも、みんなが待ち望んでくれるようなプロジェクトを作り続けたいと思っているよ。で関心を持ってくれて本当にありがとう！」
最後に、SYL を初めて聴く若者に Devin はこの音楽をどう説明するのでしょう？
「7弦ギター。チューニングはGCGCGCE。超高速ダブルキック、ランダムな爆発音、そしてその上にハゲ男が大声で叫ぶ耳障りな爆音。カタルシスのために作られたストレス発散音楽だ」

参考文献: https://hevydevy.com/discography/

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【CORONER : DISSONANCE THEORY】

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COVER STORY : CORONER “DISSONANCE THEORY”

“Even people like Mikael Åkerfeldt from Opeth, he came to me and was like, ‘Back in the day, when I didn’t know how to go on with a song, I asked my band, ‘What would Tommy do?’ I almost fell, you know? I mean, Åkerfeldt is a genius. I love Opeth to death. It was like, ‘Okay!’ We never made a lot of money, but this feels very good.”

DISSONANCE THEORY

怪物 CORONER が最後にアルバムをリリースしてから30年以上が経ちましたが、待望の復活作 “Dissonance Theory” を聴けば、そこに長いブランクを感じる人はいないでしょう。というより、ほんの数週間しか休んでいなかったかのようです。スイス出身のこのバンドが体現していた革新的なスラッシュメタルへのアプローチは、今も全て健在。Tommy Vetterli の難解にして激烈なギターリフは今も楽曲の中心を駆け抜け、驚異的なテクニックと巧妙な数式、そして記憶に残るサウンドを巧みに融合させています。Ron Broder のベースラインは、トリオらしい脈打つような対位法的グルーヴを生み出し、彼の唸り声のようなボーカルは相変わらず不気味に響きます。そしてオリジナルメンバーの Marky Edelmann に代わり Diego Rapacchietti が担当するドラムは、力強くも軽快で、世紀の不可思議リズムを自然な楽曲へと昇華させていきます。”Dissonance Theory” は、バンドにとって復活であり、また更なる前進を意味する作品でもあります。過去の作品においても、アルバムごとにテーマがあり、独特のサウンドを新たな領域へと押し進めていた CORONER。その探究心こそがまさに、”Dissonance Theory” の原動力となっているのです。CORONERだからこそ、そして今だからこそ生み出せた奇跡のアルバムと言えるでしょう。
「曲作りを始める前、今のバンドのサウンドはどうあるべきか、ずっと考えていたんだ」と Vetterli は語ります。「でも、すぐに、そんな考えは全く意味をなさないって気づいた。1987年のデビュー作 “R.I.P.” をもう一度書くことはできない。なぜなら、今の僕はあの頃とは全くの別人だから。もうすぐ60歳になるけど、当時は20代だった。もうあれを再現するのは不可能だよ。だから、ただ落ち着いて、どんなものが出てくるか見てみようって決めたんだ」

“Dissonance Theory” は “R.I.P.” ではないかもしれませんが、少なくとも “R.I.P.” との連続性は保持しています。CORONER の始まりは伝説的なものでした。よく語られる物語は多少脚色されてはいるそうですが。1986年、バンドは CELTIC FROST のフロントマンで、同じくチューリッヒ出身の Tom G. Warrior に、 “Death Cult” のデモでボーカルを依頼しました。数ヶ月後、Tom G. は Vetterli と Edelmann に、CELTIC FROST の次の全米ツアーのローディーとして来ないかと声をかけたのです。これは若い彼らにとって非常に重要な経験でしたが、一部の人が言うように、CORONER 結成のきっかけになったわけではありませんでした。
「みんなは僕たちがただのローディーだったと思っていて、それで “バンドも組める！” って思ったみたいに勘違いしている。でも、実際はそうじゃなかったんだ」と Vetterli は説明する。「ツアーの進め方を体験するチャンスだった。それに、Tom がインタビューを受けるたびに、インタビュアーに僕らのテープを渡してくれていた。デモテープは既にリリースされていたし、それは僕たちにとってとても良かったよね。良いスタートだった。でも、このツアーの後、ドイツかベルギーのどこかでローディーとしてあと1公演やっただけで、それで終わりだったと思う」
原始的なブラックメタル、デスメタル、ドゥーム、スラッシュ・メタルを独自に自由に融合させた CELTIC FROST のように、CORONER も特定のサブジャンルに固執することはありませんでした。Edelmann は DISCHARGE のようなハードコア・パンクや、VENOM のような初期エクストリーム・メタルに傾倒していました。そして、Vetterli と Broder はそもそもチューリッヒで DOKKEN 風のハードロックバンドで活動していましたが、IRON MAIDEN ような、よりヘヴィでテクニカルな音楽を演奏したいと切望していたのです。そうして3人は、デンマークに共通の基盤を見つけました。コープスペイントをまとったフロントマンが、ギター・ハーモニーの洪水と複雑な構成の中を闊歩する偉大なバンドに。
「MERCYFUL FATE については、皆の意見が一致したね。彼らは僕たちにとって、初期に最も重要なバンドだった。メロディアスでありながらテクニカルで、少しプログレッシブなサウンドだったからね。僕らは基本的にはスラッシュメタルのプログレッシブ形式なんだ。つまり、ファストフードではなく、じっくりと聴き込むことで、20回聴いても新しい発見があるようなもの。僕たちは他人が何をしているかにとらわれることなく、常に自分たちだけの、唯一無二の、本物のサウンドを作り上げてきたんだよ」

CORONER は “R.I.P.” の時点ではまだ完成形に達していませんでした。（”たくさん練習したってことを見せたかったんだと思う” と Vetterli）しかし、道は既に開かれていました。続く4枚のアルバム――1988年の “Punishment for Decadence”、1989年の “No More Color”、1991年の “Mental Vortex”、そして1993年の “Grin” を通して、バンドはスラッシュ・メタルの輪郭を膨張させて、再定義していきました。自明の技術力の高さを、キャッチーなメロディー、型破りなリズム、異様なサウンドのテクスチャー、そして奇抜なソングライティングと見事に融合させていったのです。そうして彼らの特異性は “Grin” で頂点に達しました。このアルバムは、テクニカルなスラッシュ・メタルと、きらびやかで現代的なインダストリアル調のグルーヴ・メタルの狭間で揺れ動いていました。だからこそ、この時初めて CORONER は、限界にぶつかったような気がしたのです。
「奇妙な時期だった。メタルは衰退しつつあった。チューリッヒではテクノ・ミュージックが流行っていてね。実は、音楽的にオープンマインドだった僕らにとっては、それは興味深いことだった。常に少し新しいこと、自分たちの好きなことをやろうとしてきたからね。テクノ・パーティーにもよく出入りしていたんだ。精神状態を変えるようなドラッグを摂取することもあったけど、それはとても楽しかった。ヒップホップまで取り入れた。そして、もしかしたら、何か別のことをする時期が来たのかもしれない…と思ったんだよね」

バンドは “Grin” のセッションを始めた時点では活動休止するつもりはありませんでしたが、ツアー・サイクルの終了に伴い、互いに合意の上で解散することになりました。Edelmann は Tom G Warrior のインダストリアルメタルプロジェクト APOLLYON SUN に参加し、Vetterli はジャーマン・スラッシュの巨匠 KREATOR のアルバム “Outcast” と “Endorama” に参加した後、チューリッヒ郊外にニュー・サウンド・スタジオを設立しました。そして Broder は音楽活動から完全に距離を置きました。CORONER が再び演奏活動を始めたのは、アルバム “Grin” のリリースから20年近く経った2011年のこと。Vetterli は、再結成が実現した理由のひとつが、フェスティバルのオファーが高額になり断れなくなったからだと皮肉っぽく語っています。しかし、CORONER が後進のバンドに与えた影響が時を経て、無視できないものになっていたというのもまた、事実でした。
「YouTubeで若いミュージシャンたちが僕らの曲を演奏しているのを見て、”20年前の僕らの曲をまだ聴いてくれる人がいるなんて、不思議だ” と思ったよ。OPETH の Mikael みたいな人でさえ、僕のところにやってきて、”昔、曲作りの進め方が分からなかった時に、バンドのメンバーに “Tommy Vetteri ならどうしただろう？” って聞いたものだった” って言うんだよね。Hellfest でたまたま同じ時間に演奏した時には、観客に向かって “君らのために演奏するのはうれしいけど、本当は CORONER が見たい” って言ってくれたしね。もう、びっくりしたよ。Mikael は天才だよ。僕は OPETH が死ぬほど好きなんだ。 “やった！” って感じだった。大金を稼いだわけじゃないけど、すごくいい気分だよ。そう、音楽で大金を稼いだことはないけど、僕らが残してきたものを他の人に今見せられるのは、本当に素晴らしいことだと思う。僕らが時代を先取りしていたという話はよく聞いたり読んだりする。だから僕らはこう言ったんだ。”今新しいアルバムを作るなら、自分たちが一番楽しめる、最高に素晴らしいものを作ろう” ってね」

CORONER の再結成から数年が経ち、Vetterli は再び曲作りへの衝動に駆られ始めました。同じ頃、ドゥームバンド、TAR POND に専念するため CORONER を脱退した Edelmann の後任として、Rapacchietti がドラムを担当するようになりました。その頃には、ニュー・サウンドでのバンドのレコーディングが Vetterli の時間のほとんどを占めるようになり、プロデュース作業と同じ空間で作曲するのは不可能だと感じていました。しかし、時にひどく時間がかかることもありましたがその後10年かけて、後に “Dissonance Theory” となるアルバムをゆっくりと作り上げていったのです。
「一人で山へ行き、気分を盛り上げる必要があった。そうしたらうまくいくようになった。でも、時間を見つけるのは少し大変だった。他にも色々あった。人が亡くなったり、離婚したり、そしてクソみたいなコロナが起こったり。それに、少し先延ばし癖もあったかもしれない。自分たちへの期待があまりにも高かったから、少し怖かったのかもしれないね」
Vetterli のプロデューサーとしての経験は、アルバムの成熟に役立ちました。
「プロデューサーとしての経験はテクニックを成長させたわけではないかもしれないけど、それ以上の成長には繋がっている。つまり、頭の中では自分の実力以上に上手く演奏できていると思っているんだ。問題は、自分の期待に応えられないこと。でもこれは、ただの音楽であって、生死に関わることではないということを常に自分に認めなければならないよね(笑)。
最近のYouTubeでは、16歳かそれ以下の若者がものすごく速くて正確な音楽を演奏している動画をたくさん見ることができる。だけどね、いくつかの例外を除いて、どれも僕の心には響かないんだ。僕にとって、感情と意味はこれまで以上に大切になった。
だから、速くてオールドスクールなスラッシュパートを演奏することに決めたのは、できるからではなく、それが合っているからなんだ。その結果、新しいアルバムは以前よりも聴きやすくなった。それが僕たちの成長だと思う」

“Dissonance Theory” は、その自らに課したハードルを、徹底的な緻密さでクリアしています。Verterli は「50個のリフのうち、アルバムに収録されたのは1個くらい」だと語ります。アルバムからの先行シングル第1弾であり、32年ぶりの新曲となった “Renewal” のオープニング・リフは、Vetterli が2015年にタイで書き下ろし、10年近くかけて調整と再アレンジを重ねてきました。Rapacchietti のドラムパートは、全体で2回録音されました。1回は Broder がベースラインを録音する前、もう1回はベースが曲の雰囲気を変えていることが明らかになった後。Vetterli はアメリカ人の友人 Dennis Russ を共同プロデューサーに迎え、作詞も共同で行い、宗教、人工知能、そして原爆といったテーマを皮肉たっぷりの緻密さで切り取ることになりました。
Vetterli はギタリストとしてもキャリア最高の状態にあります。”The Law” や “Trinity” といった曲は、不気味で思索的な始まりから、大胆なメロディーの華麗な旋律に彩られたクライマックスへと突き進み、 “Consequence” や “Renewal” では、そのテクニックも未だワールドクラスであることを証明しています。ほぼ全ての曲に華々しいシュレッドとソロがあり、シュレッダー志望者は耳を休める暇もありません。 “Dissonance Theory” のテクニカルな過激さは、初期の CORONER ように即効性のあるものではないかもしれませんが、だからといって彼がギタリストとして衰退したわけではありません。ただ、もう何も証明する必要がないというだけで十二分に創造的。
「一番の違いは、昔はテクニカルな演奏をただテクニカルに演奏していたのが、今はムードやヴァイブ、そして表現の方がずっと重要になっているということだと思う。速いパートがあっても、見せびらかすためではなく、そこに必要だと思うから演奏するんだ」

“Dissonance Theory” というタイトルは音楽の話ではありません。
「変なコードを弾くから、不協和音というタイトルが僕たちの音楽と何か関係があるのではないかと考える人もいる。確かにそうかもしれないね（笑）。でも、僕たちがここで言っているのは認知的不協和、いわゆる不協和理論です。例えば、君が肉を食べるのが好きだとしよう。一方で、動物に危害を加えたくはない。すると、選択肢はベジタリアンになるか、そうでなければビタミンB12欠乏症になるかだ。もしくは、自分自身の真実を作り出すか。人類が様々な分野でこの問題にどう対処するか、これは非常に興味深い概念だと思うよ。
“Consequence” は、AI、あるいは現代の技術革新全般について。人類にとって非常に良いことは、一方で非常に危険なことでもある。特にAIの登場によって、人々は職を失うだろうし、何かが真実なのか、現実なのか、どうすればわかるのだろう？
“Sacrificial Lamb” では状況が異なるね。これは、自らを犠牲の子羊と見なす大量殺人犯の物語。彼は、島に行ってティーンエイジャーを撃つことで人類のために貢献していると考えている。なんてひどい話だろう？
つまり、これは様々な真実についての物語。あなたにはあなたの真実があり、他人には別の真実がある。そしてそれは単なる事実だ。歌詞のテーマをまとめるには、刺激的なコンセプトだと思ったね」
アートワークはまるで DNA のよう。
「カバーにあるDNA構造は、下に向かって崩壊していくのだけど、これは人類の没落を象徴している。アルバムタイトルは、本当は “Oxymoron（矛盾）” にするべきだったかもね。もっと広い意味では、これは知性と愚かさを同時に意味する。つまり、人類の象徴だよ。あらゆる功績を残したにもかかわらず、それと共に自ら墓穴を掘るほど愚かなのが人間。それが最初のアイデアだった。ただ、この言葉は主に文章を書く際に使われるため、多くの英語話者はこのタイトルを嫌がった。そこで別のタイトルを探して、すぐに “Dissonance Theory（不協和理論）” を思いついたんだ。僕にとっては、今となっては全てがしっくりくるよ」

“Dissonance Theory” というアルバムを3つの言葉で表すとすれば？
「厳しく、妥協がなく、正直。僕は常に自分自身を成長させ、異なる意見を受け入れ、誰かを批判しないように努めている。暴力ではなく、会話と議論で問題を解決しようとしているんだ。これが、朝起きた時の僕の目標。嫌な奴にならないこと」
“Dissonance Theory” のデラックス版には、Tom G Warrior がボーカルを務め、40年前に CORONER をこの道へと導いた “Death Cult デモ”のリマスター版が同梱されます。CORONER の最古の曲と最新の曲を立て続けに聴くのは、ちょっとした混乱を招くかもしれませんね。”Death Cult” の大胆で先祖返り的な曲と、”Dissonance Theory” の洗練された技巧の間には、大きな隔たりがあるのは当然です。しかし、それらを並べて聴くことで、このバンドが初期から溢れ出ていた共通の目的意識、挑発的な探究心、そして限界を押し広げようとする野心が、同時に浮かび上がってくるのです。
「当時僕は自動車整備士をしていて、”Death Cult” を作るために1週間の休暇を取ってスタジオに入ったんだ。これが僕の人生を変えてくれた。この1週間の後、両親に “ミュージシャンになりたい。車の修理はもうやめたい。そういう仕事には興味がない” と伝えることになった。その後のことは、歴史が語る通りだよ」

日本盤のご購入はこちら。DIW on Metal / Daymare Recordings

参考文献: Bandcamp Daily:Great Thrash Never Dies: The Return of Coroner

Metal Insider : Coroner Interview

KNOT FEST: CORONER

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ROYAL SORROW : INNERDEEPS】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MARKUS HENTUNEN OF ROYAL SORROW !!

“The non-conformity of prog metal is an important part to us, who have always found inspiration in many different places and satisfaction in combining those elements.”

DISC REVIEW “INNERDEEPS”

「20代に近づくにつれ、メタルとは大きく異なるタイプの音楽を聴くことを “自分に許可する” という感覚に目覚め、自分のパレットが大きく広がっていくのを感じた。特にK-POPやJ-POPなど、ハーモニーが面白いポップ・ミュージックが大好きになったのはその頃だ。メタルへの興味がなくなったことはないけれど、今ではこんなに幅広いジャンルの素晴らしい音楽を楽しめるようになって幸せだよ」
誰にとっても、10代で夢中になり、体内へと吸収した音楽は特別です。なぜなら、そうした音楽、もしくはアートは “自分のもの” となって、どんな気分や体調の時でも違和感なく楽しむことができるから。だからこそ、その “コンフォート・ゾーン” から抜け出すことは決して容易ではありません。しかし、モダン・プログ・メタルの急先鋒にして期待の星、フィンランドの ROYAL SORROW は、自らが愛するメタル以外の音楽を聴くことを “自分に許可する” ことで音の色彩、音の世界が広がったと語ってくれました。
そこには驚くことに、J-POP の瑞々しいハーモニーまでもが含まれます。つまり、ROYAL SORROW には日本の音楽から得た圧倒的なコーラスとメロディが備わっています。そう、メタルやプログはその包容力で多様な音楽を吸収するミャクミャク様的怪物なのです。
「音楽的には、当時、プログには何の境界線もないことを突然知った感覚は、本当に目を見張るものだった。 素晴らしいリスニング体験ができただけでなく、幼い頃に初めて曲を書き始めたときに、探求し続ける道を示してくれた。プログ・メタルのルールに “従わない” ところは、常に様々な場所にインスピレーションを見いだし、それらの要素を組み合わせることに満足感を得てきた僕たちにとって重要な部分なんだよ」
“ルールに従わない” ことこそが、プログやメタルの強み。そして、リード・シングルとなった “Metrograve” はまさに、ROYAL SORROW が従来のルールに従わないという意思を表明したミッション・ステイトメント。メタルの世界にラップのビートを持ち込み、それを駆使してひとつの曲を作り上げる。そんな斬新なアイデアから生まれた楽曲は、プログレッシブという使い古された言葉を再構築するほどに新鮮で、Devin Townsend の神性を借りながらリスナーのとめどない没入を誘います。
「プログレッシブな音楽で、想像力を膨らませておく必要があるからだよ。僕はポップ・ミュージックをそれなりに楽しんでいるけど、そうした音楽はエンターテインメントを “あらかじめ咀嚼” しているような感覚がますます強まっている。 どんな形であれ、それが良いとは思わないよ。 時には我を忘れて、より複雑な芸術的世界に集中することは貴重なことだ。スマホのスクロール代わりに映画を見続けることが重要なのと同じように。 また、音楽が現実から逃避するための、逃避場所を与えてくれるように、時には心の風景を変えることも必要なんだと思う」
“Metrograve” のテーマは、エンパワーメント。自分に意味を与えてくれるもののために闘うこと、そして他者が押し付けるルールを無視すること。そうして、ROYAL SORROW はまだまだアンダーグラウンドな “プログ” という世界自体もエンパワーメントしていきます。SNS が支配する世界は、どんどんインスタントで軽薄なものとなっていきます。
しかし、そんな世界だからこそ、じっくりと腰を据えて鑑賞するプログレッシブ・ミュージックのようなアートが必要だと彼らは主張します。スマホの画面をスクロールするだけでは決して没入できない、別世界、そして逃避場所。アンダーグラウンドだからこそ見せられる真逆のカタルシス。心の平穏を得るには時に、心の風景を変えなければならないのかもしれませんね。
今回弊誌では、フロントマン Markus Hentunen にインタビューを行うことができました。「フロム・ソフトウェアはバンドにとって特別な存在で、クリアするまでエルデンリングの話をしない日はなかったね。全体的に、日本とフィンランドには文化的な共通点がある。 一般的に、僕たちはかなり内向的で、社会的な境界線を尊重するからね。でも僕たちを知れば、クレイジーな一面もあるよ。 特にカラオケボックスで狂っているときはね」 EDGE OF HAZE という名前で活動していたことをご存知の方も多いでしょう。大手 Inside Out と契約して再デビュー。どうぞ！！

ROYAL SORROW “INNERDEEPS” : 10/10

INTERVIEW WITH MARKUS HENTUNEN

Q1: First of all, what kind of music did you grow up listening to?

【MARKUS】: Looking back, getting my first iPod at age 12 was a monumental thing in my life, because at that point, I truly started listening to music. Before that, it was mostly all sorts of CDs played at home that our family had (and I enjoyed), with a lot of soul-influenced pop and some rock.
Owning an iPod meant that I was able to start playing specific albums on repeat. Over a period of a couple of years, I went from The Beatles to AC/DC to Metallica to Dream Theater, the latter of which was my ultimate obsession at around 15 years old. Janne and Eero had gotten into metal some years before me, with a big interest in the cinematic and doom flavors. Katatonia, Swallow the Sun and Nightwish were really big for them.
During upper secondary school (since age 15–16), we all started getting into more modern metal with even heavier influences. That coincided with the emergence of Djent as a genre, which we found a lot of inspiration in. Nearing my twenties, I felt my palette broaden a lot, with a certain sense of “allowing myself” to listen to very different types of music. That’s when I fell in love with harmonically interesting pop music, notably including K and J-Pop.
While metal has never lost its interest to me, it is very fun to be able to enjoy such a broad spectrum of great music nowadays.

Q1: 本誌初登場です！まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか？

【MARKUS】: 思えば、12歳のときに初めてiPodを手に入れたことは、僕の人生にとってまさに記念碑的な出来事だったね。それまでは、ソウルの影響を受けたポップスやロックなど、家族が持っていた（そして僕が楽しんでいた）CDを家でかけていたのがほとんどだったからね。
iPodを持ったことで、特定のアルバムを繰り返し聴くことができるようになった。そして数年の間に、僕はビートルズからAC/DC、そして15歳くらいの僕が究極に夢中になった METALLICA, DREAM THEATER に行き着いたんだ。Janne と Eero は僕より何年か前にメタルにのめり込んでいて、シネマティックとドゥームのテイストに大きな関心を寄せていた。KATATONIA, SWALLOW THE SUN, NIGHTWISH は彼らにとって本当に大きな存在だったんだ。
そして高校時代（15～16歳）、僕たちは皆、よりヘヴィな影響を受けたモダン・メタルに傾倒し始めた。ちょうどDjentというジャンルの出現と重なり、僕たちはそこから多くのインスピレーションを得たね。
それから20代に近づくにつれ、メタルとは大きく異なるタイプの音楽を聴くことを “自分に許可する “という感覚に目覚め、自分のパレットが大きく広がっていくのを感じた。特にK-POPやJ-POPなど、ハーモニーが面白いポップ・ミュージックが大好きになったのはその頃だ。
メタルへの興味がなくなったことはないけれど、今ではこんなに幅広いジャンルの素晴らしい音楽を楽しめるようになって幸せだよ。

Q2: What made you start singing or playing an instrument? Who were your heroes at the time?

【MARKUS】: For the longest time, my dad casually tried to get me interested in guitar, but I never had that spark of inspiration for it. If I was to look for a single moment when that changed, it might have been when one of my friends showed me a video titled, simply, “guitar” on YouTube, back in like 2007. It was a rock guitar rendition of Canon in C (that many people must recognize, because the whole thing is so iconic) and it completely blew my mind – it must have been the first time where I actually saw somebody playing something that fascinated me.
I had taken classical piano lessons for some years as a kid but never had the motivation for it, because I didn’t like spending my time learning songs that were “forced upon” me. However, when my dad taught me the basic concept of chords on the piano, and how to use them to accompany any song of my liking, my whole attitude changed. Having found a new, deeper interest towards music, I decided to apply to a music emphasis class, when I went to secondary school. Being constantly surrounded by interesting musical ventures and likeminded people, that might have been the most influential time of my life. That’s also where I met Eero, who started at the same time on the same class as me, and Janne who had entered the school a year before.If I was to name one guitar hero of mine, it must be John Petrucci, even though his stuff was always too technical for me, when I was beginning my guitar journey. These days it is so much fun to get back to those highly influential songs. Also, a special shoutout to Alexi Laiho, the ultimate hero of most of my guitarist friends here in Finland. He was so appreciated that even people who did not like metal, or music at all, knew who he was. I also admired him, even though Children Of Bodom was a bit too scary for me for a long time before I got into metal – hehe.

Q2: 歌やギターを始めたきっかけは何でしたか？ 当時のヒーローは？

【MARKUS】: 子供の頃は父が長い間、さりげなくギターに興味を持たせようとしてくれたのだけど、当時の僕には全くピンとこなかったんだ。もしそれが変わった瞬間を挙げるとすれば、2007年頃、友人の一人がYouTubeで “ギター” とだけ題された動画を見せてくれた時かもしれないね。それはカノン（C調）のロックギター演奏だった（全体がとても象徴的なので、多くの人が知っているはずだ）。そして、僕は大きな衝撃を受けたんだ。誰かが演奏しているのを実際に見て、心を奪われたのは、それが初めてだったに違いないよ。
子供の頃、クラシックピアノを何年か習っていたんだけど、”押し付けられて” 曲を覚えるのに時間を費やすのが好きではなかったから、やる気がなくてね。だけど、父がピアノのコードの基本概念と、好きな曲に合わせてコードを使う方法を教えてくれたとき、僕の考え方は完全に変わったよ。音楽への新たな、より深い興味が芽生え、中学校に進学した際に音楽専攻のクラスに入学することに決めたんだ。常に興味深い音楽活動や志を同じくする仲間に囲まれていたこの時期は、僕の人生で最も影響を受けた時期だったかもしれないね。そこで、同じクラスで同期の Eero と、1年前に入学した Janne にも出会えたからね。
もし僕のギター・ヒーローを一人挙げるとしたら、John Petrucci だね。ギターを始めた頃は、彼の演奏はどうしても技術的に難しすぎたのだけど、今では、あの影響力の強い曲を聴くのが本当に楽しいよ。そして、フィンランドのギタリスト仲間のほとんどにとって、最高のヒーローである Alexi Laiho にも特別な感謝を捧げたいと思う。彼はここでとても尊敬されていたので、メタルや音楽を全く好きではない人でも、彼の存在を知っていたね。メタルにハマる前は、長い間 CHILDREN OF BODOM には少し怖さを感じていたけど、それでも僕も彼を崇拝していたよ (笑)。

Q3: Finland is famous for melodeath like Amorphis and Children of Bodom, and power metal like Sonata Arctica, but what attracted you to prog metal? Were you influenced by your predecessors?

【MARKUS】: I think all of us found prog metal (and prog music in general) at just the right time, in our early teens. Musically, at that time, the feeling of suddenly finding out that there are no boundaries whatsoever, was really eye-opening. Not only did it allow for amazing listening experiences, but it also showed the way to keep exploring when starting to write our first songs at an early age. The non-conformity of prog metal is an important part to us, who have always found inspiration in many different places and satisfaction in combining those elements.

Q3: 仰るように、フィンランドといえば、CHILDREN OF BODOM や AMORPHIS のようなメロデスや、SONATA ARCTICA のようなパワー・メタルが有名ですが、プログ・メタルに惹かれた理由は何だったんですか？

【MARKUS】: 僕たちは皆、10代前半のちょうどいい時期にプログ・メタル（そしてプログ・ミュージック全般）に出会ったと思う。 音楽的には、当時、プログには何の境界線もないことを突然知った感覚は、本当に目を見張るものだった。 素晴らしいリスニング体験ができただけでなく、幼い頃に初めて曲を書き始めたときに、探求し続ける道を示してくれた。
プログ・メタルのルールに “従わない” ところは、常に様々な場所にインスピレーションを見いだし、それらの要素を組み合わせることに満足感を得てきた僕たちにとって重要な部分なんだよ。

Q4: It’s no secret that you used to operate under the name Edge of Haze, but what did you try to change when you made this new start as Royal Sorrow?

【MARKUS】: Playing and making music together since our teens is an integral part of who we are, not just as musicians and artists, but as friends and, well, humans too. Simultaneously, though, our art has evolved a lot over the years. After all that time, some of the songs that we wrote when we were 15 did not necessarily feel like us anymore, even though they were a key part of what the previous version of the band was.
When we signed a record deal with InsideOutMusic, that felt like the perfect opportunity for a fresh start – to rethink and polish our art, crystallizing what we wanted our music to truly be and what we, as artists and songwriters, stood for. Over a period of two years, we had an amazing time writing new songs, exploring new directions and building towards the launch of Royal Sorrow. We uncovered so much new and interesting stuff about ourselves and our art, while managing to refine the essence of our passion and our own unique sound.

Q4: 以前は EDGE OF HAZE という名前で活動していたことは周知の事実ですが、ROYAL SORROW として新たなスタートを切るにあたって、何を変えようとしたのですか？

【MARKUS】: 10代の頃から一緒に音楽を演奏し、作ってきたことは、ミュージシャンやアーティストとしてだけでなく、友人として、そして人間としても、僕たちの重要な一部だ。 同時に、そんな僕たちの芸術も長い年月をかけて大きく進化してきた。 15歳のときに書いた曲のいくつかは、以前のバンドの重要な部分であったにもかかわらず、必ずしも今の自分たちらしくなくなっていた。
InsideOutMusic とレコード契約を結んだとき、それは再出発の絶好の機会だと感じた。自分たちのアートを見直し、磨き上げ、自分たちの音楽が本当にどうありたいのか、アーティストとして、ソングライターとして、自分たちが何を目指しているのかを結晶化させるためにね。 2年間、僕たちは新曲を書き、新しい方向性を模索し、ROYAL SORROW の発表に向けて素晴らしい時間を過ごした。 自分たち自身や自分たちの芸術について、新しく興味深いことをたくさん発見し、同時に自分たちの情熱の本質と自分たち独自のサウンドを磨き上げることができたんだ。

Q5: “Innerdeeps” is a diverse, melodic, yet very progressive and truly wonderful album! Can you talk about the theme, concept and message of the album?

【MARKUS】: Thank you! When starting to write new music for Royal Sorrow, we discovered that a lot of the topics that we were interested in exploring were about mental health, inner struggles and some deep and weighty topics. Since all three of us write the songs, it was interesting sharing these thoughts and the long discussions that followed. At some point, it became clear that while we were not aiming for a concept album, we were building a coherent whole that might be the start of something even larger – the Royal Sorrow sound. ‘Innerdeeps’ is an introspective journey to the mind, a meditation that takes you from the quietest whispers to the loudest roars left unheard. We hope that it offers feelings of solace and liberation for the listener.

Q5: “Innerdeeps” は、多様でメロディアスでありながら、とてもプログレッシブで本当に素晴らしいアルバムですね！ アルバムのテーマ、コンセプト、メッセージについて話していただけますか？

【MARKUS】: ありがとう！ ROYAL SORROW のために新しい曲を書き始めたとき、僕たちが探求したいと思うトピックの多くが、メンタル・ヘルスや内面の葛藤など、深くて重みのあるテーマであることがわかった。僕たち3人全員が曲を書くので、こうした考えを共有するのは興味深く、その後の長い議論も面白かった。 そうしてある時点で、コンセプト・アルバムを目指しているわけではないけれど、何かもっと大きなもの、つまり僕らのサウンドの始まりになるかもしれない、首尾一貫したテーマを構築していることが明らかになったんだ。
“Innerdeeps” は、心への内省的な旅であり、最も静かなささやき声から、聞こえないまま残された最も大きな轟音まで、あなたを瞑想へと連れて行く。 僕たちは、この作品が聴く人に安らぎと解放感を与えてくれることを願っているんだよ。

Q6: It’s great to see the influence of hip-hop and rap music! When I think of rap-infused prog metal, Pain of Salvation comes to mind, but how did you incorporate those influences into your music?

【MARKUS】: All in all, it comes down to allowing ourselves to take inspiration from anywhere that we find interesting. Sometimes it is more apparent, sometimes it is more buried in the layers. To give you some examples, in our song Metrograve, you can hear it in the intense synth and percussion production, in Evergreen, you can hear it in the booming synth bass, and in Release Your Shadow, you can hear it in the rhythmically complex vocal lines.

Q6: ヒップ・ホップやラップ・ミュージックの影響が見られるのも素晴らしいですね！ ラップを取り入れたプログ・メタルといえば、PAIN OF SALVATION が思い浮かびますが、なぜそうした影響をプログに取り入れたのですか？

【MARKUS】: メタルの世界にラップのビートを持ち込み、それを駆使して、ひとつの曲を作り上げようというアイデアにインスピレーションを受けたんだ。結局のところ、僕らは面白いと思ったらそれが何であれ、そこからインスピレーションを得ることを自分に許しているんだよ。 それがより明白な場合もあれば、レイヤーの中に埋もれている場合もある。
いくつか例を挙げると、”Metrograve” という曲では、激しいシンセとパーカッションのプロダクション、”Evergreen”では、沸き立つようなシンセ・ベース、”Release Your Shadow” では、リズミカルで複雑なボーカル・ラインから、それを感じることができるだろうね。

Q7: Musically, you are often compared to so-called “modern prog metal” bands such as Leprous, TesseracT and Vola? What do they and Meshuggah, the originators of Djent, mean to you?

【MARKUS】: These are all huge influences to us. In a sense, since we have grown up listening to these bands, I don’t think that the Royal Sorrow sound would exist without them. They have showed us how to be intense and musical at the same time, how to combine beauty with darkness, and complexity with catchiness. At the same time, they are big inspirations in leading the way, showing that prog metal has its place in the world. Besides, having been fortunate enough to get to know the Leprous and VOLA folks, they have shown that you can be a nice person and a rockstar at the same time!

Q7: 音楽的には、LEPROUS, TesseracT, VOLA といったいわゆる “モダン・プログ・メタル” のバンドとよく比較されますよね？彼らやDjent、そしてその始祖である MESHUGGAH は、あなたにとってどのような存在ですか？

【MARKUS】: そうした音楽はすべて、僕たちに大きな影響を与えている。 ある意味、そうしたバンドを聴いて育ってきたわけだから、彼らなしには ROYAL SORROW のサウンドは存在しなかったとさえ思う。
彼らは、激しさと音楽性を両立させる方法、美しさと暗さ、複雑さとキャッチーさを両立させる方法を教えてくれた。 同時に彼らは、プログ・メタルが世界にその居場所があることを示し、道を切り開いてきた大きなインスピレーションでもある。 それに、幸運にも LEPROUS とVOLAのメンバーと知り合うことができたけど、彼らは、いい人であると同時にロックスターであることが両立できることを示してくれた！

Q8: Dream Theater and Gojira began to win Grammy awards. In an age when listeners’ attention spans are so short and instant content is so easily consumed, why is music that is complex, long, and requires practice beginning to be reevaluated?

【MARKUS】: Shortly, we need to keep our imaginations running wild. While I enjoy my fair share of pop music, there’s an ever-growing sense of having your entertainment “pre-chewed” for you. I don’t believe that’s good in any form. It’s valuable to lose yourself and concentrate on more complex artistic worlds sometimes – same way as it is important to keep watching movies instead of scrolling on your phone every now and then. Also, the way music is able to offer a sense of refuge and escape from the reality, sometimes we need that change of mental scenery.

Q8: DREAM THEATER や GOJIRA がグラミー賞を受賞しました。リスナーのアテンション・スパンがこれほど短く、インスタントなコンテンツが次々と簡単に消費される時代に、複雑で長く、練習を必要とするプログレッシブ・ミュージックが再評価され始めているのはなぜだと思いますか？

【MARKUS】: 手短に言えば、想像力を膨らませておく必要があるからだよ。僕はポップ・ミュージックをそれなりに楽しんでいるけど、そうした音楽はエンターテインメントを “あらかじめ咀嚼” しているような感覚がますます強まっている。 どんな形であれ、それが良いとは思わないよ。
時には我を忘れて、より複雑な芸術的世界に集中することは貴重なことだ。スマホのスクロール代わりに映画を見続けることが重要なのと同じように。 また、音楽が現実から逃避するための、逃避場所を与えてくれるように、時には心の風景を変えることも必要なんだと思う。

ALBUMS THAT CHANGED ROYAL SORROW’S LIFE!!

I automatically notice myself thinking back to my teenage years. (Isn’t it proven that that’s where your music taste grows the strongest?) Here are some of the albums that I was listening on repeat, and that have now attained incomparable amounts of nostalgia for me:

Dream Theater “Metropolis, Pt.2: Scenes from a Memory”

Taught me what a concept album is, which was super eye-opening to me. Along with Images and Words, some of the most inspiring and imaginative prog songwriting there is.

Devin Townsend Project “Deconstruction”

I had such a journey listening to this. At first it was so chaotic and heavy that I nearly wasn’t able to finish it. Luckily, I had bought the CD, so I felt compelled to keep listening to it again, and on each listen, I got sucked deeper into the insane, hypnotic atmosphere. It didn’t take too long for me to start enjoying the record on a level I hadn’t previously experienced, and some of the moments on the album I still cherish very dearly today.

Periphery “Periphery II : This Time It’s Personal”

This was my gateway to the next era of metal music – the new wave of progressive metal and djent. The mixing and production on this album blew me and my friends away and set a new standard on what you should aim for.

TesseracT “Altered State”

continued the same effect. I had discovered the band during the One era, but it felt like this one opened up a whole new world of beauty, precision, and harmonic wizardry.

When I talked about this with Eero and Janne, they clearly felt similarly, even down to those exact records themselves. Well – we spent our teens listening to these at the same time, often together, after all… The guys would name these two additional albums as well:
Katatonia – Night is the New Day, and Swallow the Sun – New Moon. Big, early influences. I also want to throw one wild card out there: Tiktak – Jotain muuta. This is the first CD I ever received – burnt as a bootleg by my dad (and my friend’s dad) as a Christmas gift in, like, 2002. It was a Finnish pop girl group, and probably the first band I ever got excited about!
Looking back to it after a couple of decades (now that you’re able to just stream it whenever you want), I realize how much these early 2000’s pop bands have shaped my understandingof songwriting and harmony – with their almost naïve catchiness, super imaginative production and a weirdly inspiring rebel attitude.

ついつい10代の頃を思い出してしまうね。音楽の好みは10代で一番強くなるって、証明されていると思わない？僕が繰り返し聴いていて、今では比類なきノスタルジーを抱くようになったアルバムをいくつか紹介するね。
Dream Theater – Metropolis, Pt.2: Scenes from a Memory。コンセプトアルバムとは何かを教えてくれた、まさに目から鱗が落ちるようなアルバムだったね。”Images and Words” と並んで、プログ・メタル世界で最も刺激的で想像力豊かなソングライティングの数々が詰まっているよ。
Devin Townsend Project – Deconstruction。このアルバムを聴く体験は、まさに旅のようだった。最初はあまりにも混沌としていて重苦しく、最後まで聴き通すのがやっとでね。幸いCDを買っていたので、何度も聴きたくなり、聴くたびに、その狂気と催眠術のような雰囲気に引き込まれていったよ。それまで経験したことのないレベルでこのレコードを楽しめるようになるまで、それほど時間はかからなかった。アルバムに収録されているいくつかの瞬間は、今でもとても大切にしているんだ。
Periphery – Periphery II。これは僕にとって、メタル・ミュージックの次の時代、プログレッシブ・メタルと Djent のニューウェーブへの入り口だった。このアルバムのミキシングとプロダクションは、僕と友人たちをとても驚かせ、目指すべきものの新たな基準を確立してくれた。
Tesseract – Altered State も同じだね。僕は “One” 時代にこのバンドを知ったけど、このアルバムは美しさ、精密さ、そしてハーモニーの魔法の全く新しい世界を切り開いたように感じたよ。
EeroとJanneにこのことを話したとき、彼らも明らかに同じ感想を抱いていて、まさにこの4枚のアルバムに至ったんだ。ええと、10代の頃はこうした音楽をしょっちゅう一緒に聴いていたからね。みんなは他にも2枚のアルバムを挙げてくれたよ。
Katatoniaの “Night is the New Day” と Swallow the Sunの “New Moon” 。初期の大きな影響を受けたアルバムだよ。あと、ワイルドカードとして1枚。Tiktakの “Jotain muuta” 。これは僕が初めてもらったCDだよ。2002年頃、父（と友達の父）がクリスマスプレゼントとして海賊版を焼いてくれたんだ。フィンランドのポップガールグループで、おそらく僕が初めて夢中になったバンドだね！
数十年経って振り返ってみると（今ではいつでもストリーミングで聴けるようになったけど）、2000年代初頭のポップバンドが、僕の作詞作曲とハーモニーに対する理解にどれほど影響を与えたかを実感するよ。彼らのナイーブとも言えるキャッチーさ、非常に想像力豊かなプロダクション、そして奇妙に刺激的な反骨精神がね。

MESSAGE FOR JAPAN

Most definitely! We grew up with the likes of Pokémon, and Miyazaki movies, always interested in Japan as a country and culture. All of us have been lucky enough to visit Japan, and most recently, Eero celebrated his birthday this spring with his family on a long trip around the country. When it comes to video games, FromSohware holds a special place in the band, with me somefmes never hearing the end of the guys’ Elden Ring stories.
Overall, there are nice cultural similarifes between Japan and Finland. Generally, we are quite introverted, respecfng social boundaries, but get to know us and we have our crazy sides. Especially when we’re let loose in the karaoke booth.
To our brothers and sisters in Japan, thank you so much for your interest in us. We welcome you to be a part of our journey with open arms! To end on a manifestafon: a Royal Sorrow show in Japan would be a dream come true!

僕たちはポケモンや宮崎映画を見て育ち、常に日本という国や文化に興味を持ってきたよ。 最近では、Eero が今年の春に誕生日を迎え、家族で日本を旅行したしね。 ビデオゲームに関しては、フロム・ソフトウェアはバンドにとって特別な存在で、クリアするまでエルデンリングの話をしない日はなかったね。
全体的に、日本とフィンランドには文化的な共通点がある。 一般的に、僕たちはかなり内向的で、社会的な境界線を尊重するからね。でも僕たちを知れば、クレイジーな一面もあるよ。 特にカラオケボックスで狂っているときはね。
日本にいる僕らのファンのみんな！僕たちに興味を持ってくれて本当にありがとう。僕たちの旅の一部となることを、両手を広げて歓迎するよ！ ROYAL SORROW の日本ツアーが実現したらまさに夢が叶うよ！

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ARKONA : KOB’】 JAPAN TOUR 25′

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MARIA “MASHA SCREAM” ARKHIPOVA OF ARKONA !!

“As a result, Slavic paganism became a part of my life, and subsequently I began to convey my worldview through my music.”

DISC REVIEW “KOB'”

「古代スラブのペイガニズムは私たちの歴史であり、過去であり、取り返しのつかない、しかしどうしようもなく説得力のあるテーマだ。私たちのルーツに戻り、多神教的な宇宙とそのさまざまな顔、解釈、そして数多くの神々や要素という形での現れと相互作用しながら、自然の法則のみに従って動くその世界そのものに真に没頭するよう教えてくれる。 私の意識はこのテーマに完全に没頭し、その結果、スラブ多神教は私の生活の一部となり、その後、私は音楽を通して自分の世界観を伝えるようになった」
ロシアの ARKONA (Аркона) は、ペイガン・メタルとフォーク・メタルの定義と革新を今もなお追求し続けています。ダークなプロダクション、ブラック・メタルとプログレッシブ・メタルの融合、強烈で内臓をえぐるようなパフォーマンス、そして物憂げで重々しいギターワークと民族色豊かな管楽器の響き。そうした言語をも超越した ARKONA のパフォーマンスは、自らが生まれ育った母なるロシアの厳しくも美しい大地と、ルーツである古代スラブのペイガニズムに捧げられています。
「ARKONA は非常に多様で、バンド結成20年の間に、私たちの音楽は大きな変化を遂げた。昔の、のんきで陽気で、荒々しく正直で、エネルギッシュでありながら儀式的な神秘に満ちたフォーク時代の ARKONA と、新しい、暗くて絶望的で、骨抜きで死の息吹が漂い、混沌の果てしない抱擁の中で勝利する ARKONA の両方のファンがいることは素晴らしいことだ。 誰もが自分自身のアルコナを選ぶことを勧めるよ。そして、1枚のアルバムに焦点を当てるには、あまりにも私たちは多面的で広大だ」
ARKONA の音楽は、彼らが崇拝するスラブ多神教のごとく多様で千変万化。初期の “Yarilo” や “Stenka Na Stenku” のようにある種牧歌的で楽しくしかしどこか憂いを帯び、直情的でパワフルなスラブ音楽の祭典はもちろん ARKONA の原点。一方で、近年の大作路線、難解で神秘的、死と混沌のプログレッシブ・ブラックにも彼らのペイガニズムは儀式として根付いています。
そして何より、今回のインタビューイでありボーカリスト Maria “Masha Scream” Arkhipova の哲学と人類の現代、そして未来観という深く暗い領域はどの時代の ARKONA においても紡がれていて、ペイガンの伝統、その光の中で音楽を描き出していくのです。
「ARKONA が結成されたとき、私はすでに熱狂的なメタル・ファンだったので、あるリハーサルで生々しく過激なヴォーカル・スタイルで歌ってみたところ、すぐに夢中になったの。 その結果、私はすぐにこの新しい、自発的な能力を自分の仕事に取り入れることにした。当時は、同じような声のテクニックを持つ女性ヴォーカリストのことをほとんど知らなかったから、だれかの真似をしたわけじゃない。 すべてが自然に起こったんだよ」
古代スラブの神話を語る時、Masha のスクリームやグロウルはストーリーに大きな抑揚を生み出します。その個性、存在感、そして圧倒的な音域は人智を超えた未知の恐怖と神性を ARKONA の音楽へともたらします。比較的自由で穏やかだったソ連崩壊後に声楽を学び、まだ女性スクリーマーがほとんど存在しなかった90年代後半からスクリームを追求し続ける彼女の声は、今や当たり前となったメタル世界の女性たちを力強く後押しし、今ではメタル世界最高の女性スクリーマーのひとりと言われるまでになりました。そうして、Masha の声は、人類が長らく忘れてしまった過去の知恵、太古の生活を蘇らせます。戦争、疫病、宗教的信念、環境問題によって社会が自らの墓穴を掘る中で、ARKONA は本物の疫病が現代を生きる強欲な人類自身であると太古の森から警告を発していくのです。
今回弊誌では、Maria “Masha Scream” Arkhipova にインタビューを行うことができました。「どんな状況でも、メタルは私たちを団結させてくれる。あなたが前の質問で、ヘヴィ・メタルは国際的な現象となり、政治や支配者層が私たちを陥れようとしているあらゆる汚物を超越する、と指摘したのは正しんだよ」 来日決定！どうぞ！！

ARKONA “KOB'” : 9.9/10

INTERVIEW WITH MASHA

Q1: First, what kind of music did you listen to growing up?

【MASHA】: As a child, I wasn’t really listening to any music, because I was focused on my own creativity. However, the first impression on me of a great artist was made by Jean-Michel Jarre’s concert show when they came to Moscow. The show was absolutely grand, and it made me think about and truly fall in love with electronic music. However, I discovered metal music much later..

Q1: 本誌初登場です！まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか？

【MASHA】: 子供の頃は、自分の創作に集中していたから、音楽はあまり聴いていなかったんだ。
偉大なアーティストを初めて感じたのは、ジャン＝ミシェル・ジャールがモスクワに来たときのコンサートだった。 そのショーは本当に壮大で、エレクトロニック・ミュージックについて考えさせられ、本当に大好きになったよ。 メタル・ミュージックに出会ったのはもっと後のことなの。

Q2: I understand that you started your music career shortly after the collapse of the Soviet Union, Did you encounter any difficulties in this situation?

【MASHA】: I’ve been writing music since my early childhood and have been driven by my creativity, regardless of any external factors, problems, the national situation, and so on. The collapse of the USSR remains imprinted in my memory as a relatively calm time, even though everything around me seemed like a turmoil and a whirlwind of events.
My more conscious musical career was started in a vocal and instrumental ensemble, and from the age of 13 to 15, I performed various well-known hits of the time and my own creations with live musicians accompanying me. This was in 1995-1997, when both the time and my age were conducive to a calm and measured approach to my work. I simply went with the flow and lived exclusively for music..

Q2: ソ連が崩壊して間もなく音楽活動を始めたと聞いていますが、そうした状況で苦労したことはありましたか？

【MASHA】: 私は幼い頃から作曲を続けていて、外的要因や問題、国情などに関係なく、ただ自分の創造性に突き動かされてきた。ソビエト連邦の崩壊は、私の周りではすべてが混乱し、出来事が渦巻いているように見えたけれど、一方で比較的穏やかな時代としても記憶に残っているの。
より意識的に音楽活動を始めたのは声楽と器楽のアンサンブルで、13歳から15歳まで、生演奏の伴奏で当時の有名なヒット曲や自作の曲をいろいろと演奏した。1995年から1997年にかけてのことで、時代も私の年齢も、仕事に対する冷静で慎重なアプローチを助長するものだった。 私はただ流れに身を任せ、音楽のためだけに生きていたわ。

Q3: Why did you decide to make metal about Russian folklore and myths of the Slavic peoples?

【MASHA】: In 2000, when I decided to create my own metal band, I was joined by some guys from my neighborhood, including Alexander “Warlock,” who later became our drummer. He was deeply fascinated with ancient Slavic paganism and soon drew me in as well. This is our history, our past, an irrevocable yet inexorably compelling theme, that tells us toreturn to our roots and discover the true immersion in that very world that operates solely according to the laws of nature, interacting with the polytheistic universe and its various faces, interpretations, and manifestations in the form of numerous deities and elements. My consciousness got completely immersed in this, and as a result, Slavic paganism became a part of my life, and subsequently I began to convey my worldview through my music.

Q3: なぜロシアの民話やスラブ民族の神話を題材にしたメタルを作ろうと思ったのですか？

【MASHA】: 2000年、自分のメタル・バンドを作ろうと決心したとき、後にドラマーとなる Alexander “Warlock “を含む、近所に住む何人かの男たちと一緒に始めたの。彼は古代スラブのペイガニズムに深く魅了されていて、すぐに私も引き込まれた。
古代スラブのペイガニズムは私たちの歴史であり、過去であり、取り返しのつかない、しかしどうしようもなく説得力のあるテーマだ。私たちのルーツに戻り、多神教的な宇宙とそのさまざまな顔、解釈、そして数多くの神々や要素という形での現れと相互作用しながら、自然の法則のみに従って動くその世界そのものに真に没頭するよう教えてくれる。 私の意識はこのテーマに完全に没頭し、その結果、スラブ多神教は私の生活の一部となり、その後、私は音楽を通して自分の世界観を伝えるようになった。

Q4: Arkona also incorporates a variety of traditional instruments, doesn’t it? Why do you think that Slavic traditional music and traditional instruments and metal music have such a wonderful chemistry?

【MASHA】: I don’t think anything about it, I just do and I have always done what my own intuition me to do.
On our early albums, we replaced live instruments with keyboard samples, but on the album “Vo Slavu Velikim” we suddenly felt the urge to replace all the artificial sounds with the real ones, thereby adding an even more authentic atmosphere to our music. At a Moscow folk concert, we met Vladimir Cherepovsky, who impressed us with his masterful playing of numerous wooden ethnic instruments, and we invited him to bring his skills to life in this album and subsequent ones by Arkona. Later, his student, also named Vladimir, but now Reshetnikov (Volk), continued his work with us on a permanent basis.

Q4: ARKONA も様々な伝統楽器を取り入れていますよね。スラヴの伝統音楽、伝統楽器とメタル・ミュージックが素晴らしい化学反応を起こすのはなぜだと思いますか？

【MASHA】: 私は何も考えず、ただそうしてきたし、いつも自分の直感でそうしてきた。
初期のアルバムでは、生楽器をキーボードのサンプルに置き換えていたけど、アルバム “Vo Slavu Velikim” では、突然、人工的な音をすべて本物の音に置き換えたいという衝動に駆られ、それによって私たちの音楽にさらに本物の雰囲気を加えることができた。 モスクワのフォーク・コンサートで、私たちは Vladimir Cherepovsky に出会った。彼は数々の木製の民族楽器を巧みに演奏し、私たちに感銘を与えてくれた。 その後、同じく Vladimir という名の彼の弟子（現在は Reshetnikov Volk) が、私たちとの仕事を永続的に続けてくれることになった。

Q5: You are considered one of the finest female screamers in the metal world, and you use a variety of voices wonderfully. When you started out as a vocalist, there were very few female screamers in the metal world, so what made you decide to try your hand at screams and growls?

【MASHA】: Since I was already a die-hard metal fan when Arkona was created, I tried singing in a raw, extreme vocal style during one of the rehearsals, and I nailed it right away. As a result, I immediately incorporated this new, spontaneous ability into my work.
Back then, I knew very little about female vocalists with similar voices techniques, so I didn’t focus on it. It all just happened naturally.

Q5: あなたはメタル界で最も優れた女性スクリーマーの一人と言われていて、様々な声を見事に使い分けています。
あなたがヴォーカリストとして活動を始めた頃、メタル世界には女性スクリーマーはほとんどいませんでしたが、なぜスクリームやグロウルに挑戦しようと思ったのですか？

【MASHA】: ARKONA が結成されたとき、私はすでに熱狂的なメタル・ファンだったので、あるリハーサルで生々しく過激なヴォーカル・スタイルで歌ってみたところ、すぐに夢中になったの。 その結果、私はすぐにこの新しい、自発的な能力を自分の仕事に取り入れることにした。
当時は、同じような声のテクニックを持つ女性ヴォーカリストのことをほとんど知らなかったから、だれかの真似をしたわけじゃない。 すべてが自然に起こったんだよ。

Q6: You have an extensive discography. If a new fan coming to a live show were to dive into the world of Arkona, which album would you recommend first?

【MASHA】: Arkona is very diverse; over the 20 years of the band’s existence, our music has undergone enormous changes. Arkona then and Arkona now are two completely different bands. However, if you’re interested in learning about the band’s history, then of course you should start listening to the first albums. But I know some people who have only recently became fans of our music, and for them, the old Arkona was completely alien and uninteresting. However, they value and love the path we have chosen for ourselves today. It’s wonderful when there are fans of both the old, carefree, cheerful, and wildly honest, energetic yet ritually mystical folk era of Arkona, and the new, dark and hopeless, with bare bones and the breath of death, triumphant in the endless embrace of chaos. Everyone is encouraged to choose their own Arkona. And it’s too multifaceted and vast to focus on any one album.
Arkona is a long and meticulous exploration. And this exploration comes only from album to album, song to song, and nothing else. So the choice is yours; once you start studying, you’ll understand everything.

Q6: ARKONA は多くのディスコグラフィを誇りますが、もしライブに来る新しいファンが ARKONA の世界に飛び込むとしたら、どのアルバムを最初に勧めますか？

【MASHA】: ARKONA は非常に多様で、バンド結成20年の間に、私たちの音楽は大きな変化を遂げた。当時の ARKONA と現在の ARKONA は全く異なるバンドだ。ただ、バンドの歴史を知りたいのであれば、もちろん最初のアルバムから聴くべきだよ。 でも、最近になって私たちの音楽のファンになった人たちを何人か知っていて、彼らにとって昔の ARKONA はまったく異質で面白くないものなんだ。それでも、彼らは今の自分たちが選んだ道を評価し、愛してくれている。
昔の、のんきで陽気で、荒々しく正直で、エネルギッシュでありながら儀式的な神秘に満ちたフォーク時代の ARKONA と、新しい、暗くて絶望的で、骨抜きで死の息吹が漂い、混沌の果てしない抱擁の中で勝利する ARKONA の両方のファンがいることは素晴らしいことだ。 誰もが自分自身の ARKONA を選ぶことを勧めるよ。そして、1枚のアルバムに焦点を当てるには、あまりにも私たちは多面的で広大だ。
ARKONA は、長く綿密な探求である。 そしてこの探求は、アルバムからアルバムへ、曲から曲へと続く…それ以外の何物でもない。 だから、選択はあなた次第だ。ARKONA の勉強を始めれば、すべてを理解できるだろう。

Q7: As the breakthrough of Bloodywood shows, bands that incorporate the traditional music and culture of the place where they grew up into metal have been gaining popularity in recent years. In a sense, has metal truly been liberated through the world?

【MASHA】: The thing is, that it is quite difficult for a band from India, for example, to win the hearts of their listeners by playing Viking metal and incorporating elements of their own national culture into their music. Despite the fact that all the riffs have been played a thousand times before, the band becomes slightly more original.

Q7: BLOODYWOOD の躍進が示すように、育った土地の伝統音楽や文化をメタルに取り入れるバンドが近年人気を集めています。 ある意味、あなたのようなバンドがやってきたことがついに実り、やっとメタルは本当に世界中へと解放されたのでしょうか？

【MASHA】: それは、例えばインド出身のバンドが、ヴァイキング・メタルを演奏し、リスナーの心をつかむのはかなり難しいということだ。 自分たちの国の文化の要素を音楽に取り入れることで、すべてのリフが過去に何千回も演奏されているにもかかわらず、バンドはわずかに独創的になれる。

Q8: Since 2020, divisions are growing, and your country is at war. What can metal do in such a dark world?

【MASHA】: In any situation, metal unites us, and you were right when you noted in the previous question that this music is an international phenomenon that is above politics and all the filth that the ruling class is trying to plunge us into.

Q8: 2020年代に入って、世界は劇的に変化し、分断は拡大し、あなたの国は戦争状態にあります。 そんな暗い世界でメタルに出来ることはあるでしょうか？

【MASHA】: どんな状況でも、メタルは私たちを団結させてくれる。あなたが前の質問で、ヘヴィ・メタルは国際的な現象となり、政治や支配者層が私たちを陥れようとしているあらゆる汚物を超越する、と指摘したのは正しんだよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED MASHA’S LIFE!!

Thanatomass “Hades”

Hawkwind “In Search Of Space”

Abysmal Lord “Disciples of the Inferno”

Led Zeppelin “Led Zeppelin”

Black Sabbath “Paranoid”

MESSAGE FOR JAPAN

No, I’m not interested in any modern or trendy movements at all. I don’t know if that’s fortunate or unfortunate. I’m on a different path. But I’ve certainly heard of Japanese culture in general and am a little familiar with Japanese underground metal music. I plan to delve deeper into your country’s highly specialized musical art in the future. I love Japan very much; it’s a beautiful country, rich in remarkable history, mythology, philosophy, and wonderful cultural values. I’m so glad to finally return there after 10 long years. See you at our live shows!

私は現代的なムーブメントや流行のムーブメントにはまったく興味がないの。それが幸運なのか不幸なのかは分からない。 私は別の道を歩んでいる。 でも、日本の文化全般について聞いたことがあるのは確かだし、日本のアンダーグラウンド・メタル・ミュージックについては少し知っている。
今後、あなたたちの国の高度に専門化された音楽芸術をより深く掘り下げていくつもり。 日本は美しい国で、素晴らしい歴史、神話、哲学、素晴らしい文化的価値観に溢れている。 10年という長い年月を経て、ようやく日本に戻ることができて本当にうれしいよ。 ライブで会いましょう！

MASHA SCREAM

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【KORYPHEUS : GILGAMESH】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ANDY GUSHIN OF KORYPHEUS !!

“Since August I am serving in the army. So we stopped writing new music. However, before that we managed to record 2 new songs and were about to record the third one in September but…”

DISC REVIEW “GILGAMESH”

「僕たちはロシアの SLAUGHTER TO PREVAIL とのツアー、その経験から距離を置こうとしているんだ。ああした協力は、今では不可能だよ。8月から僕は兵役に就いているんだ。だから、僕らは新曲を作ることをやめざるを得なかった。なんとか、その前に2曲の新曲をレコーディングすることができて、9月には3曲目をレコーディングしようとしていたんだけどね…」
戦争に巻き込まれること…それは私たちが享受し、人生の糧としている “文化” の破壊にもつながります。ウクライナの素晴らしきプログレッシブ・メタルコア KORYPHEUS は、ロシアの侵略によって多くを失いました。SLAUGHTER TO PREVAIL は決して侵略を肯定しているバンドではありませんが (というより、Alex Terrible は当局による逮捕の可能性もあって、アメリカに居を移している)、それでも彼らはロシアのバンドと協力することは今や不可能だといいます。メタルの寛容さや壁を壊す力も、非道の戦争には抗えません。
そして何より、ボーカリスト Andy Gushin が祖国を守るため兵役についたことで、バンドの未来さえ暗礁に乗り上げようとしているのです。それでも、KORYPHEUS はドローンとミサイルが飛び交うキーウの防空壕から見事なアルバムを届けてみせました。それはきっと、音楽家としての誇りと使命がもたらしたもの。
「子供の頃から神話が好きだった。 ギルガメシュは最古の叙事詩だ。 後の多くの登場人物、神話、英雄のルーツはメソポタミアにある。でも、このアルバムは古代の神話をテーマにしているわけではないんだ。 実際、僕たちの脳の奥深くに根付いていて、自分たちの行動や潜在意識に影響を与えている原型というものがある。それは過去と現在が出会う場所だ。僕たちはアマテラスのことも知っているよ。とても興味深いよね」
そんな KORYPHEUS が自らの “叫び” を音に乗せるため、選んだテーマは様々な神話をベースにしていました。”Gilgamesh”, “Odysseus” そして “Icarus”。神話上の人物を想起させるタイトルの数々は、古代の英雄譚に巣食う人の傲慢さ、そして悲劇へとつながり、そのアルバムを通じた人間の業はそのまま彼らが今直面している現代の悪夢へと通じているのです。
「メソポタミアは文明発祥の地。 古代のルーツを知ることは重要だ。僕たちは今でも、メソポタミアの文化と音楽は広い意味で自分たちのものだと感じているんだ。Yossi のことは、ORPHANED LAND とツアーをする予定だったから知っているんだよ。 戦争のせいで実現しなかったんだ」
JINJER, IGNEA など活気あふれるウクライナのプログ/メタルコア世界においても、KORYPHEUS が放つ異世界感は明らかに際立っています。それは、彼らがメソポタミアという人類の素晴らしさ、そして愚かさすべての始まりの地を大きな柱としているから。もちろん、彼らの音楽は PERIPHERY や GOJIRA のように実に新鮮でモダンで知的で重くダイナミックですが、同時にそこにはメソポタミアが育んだ太古の響きとドラマが潜んでいます。そうして彼らは、遥か昔の神話を現代に重ねるように、その音楽でも過去と現在を見事に出会わせていくのです。愚かな歴史は繰り返すのかもしれませんが、歴史から学べるのもまた、人間の良さなのですから。
今回弊誌では、Andy Gushin にインタビューを行うことができました。「キーウの状況はあまりよくないよ。 毎日、この都市はドローンやミサイルで攻撃されているんだ。だから、多くの人が安全を求めて防空壕に逃げ込んでいる。一方で、このような事態に嫌気がさし、危険を無視して家に留まり閉じこもっている人もいるんだ」ヘヴィ・メタルの轟音でも戦争の足音はかき消せないかもしれませんが、それでも私たちはこの優しい音楽と共に “浅はか” な思考回路を捨て去り、様々な世界に共感して文化を、そして平和を守っていくべきでしょう…どうぞ！！

KORYPHEUS “GILGAMESH” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JELUSICK : APOLITICAL ECSTASY】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DINO JELUSICK OF JELUSICK !!

“David has been my biggest hero since I was a kid. I just learned to be even more humble after hanging out with him, he’s such a sweet person.”

DISC REVIEW “APOLITICAL ECSTASY”

「僕はみんなが欲しがるものを、何でも持っていると思う (笑)。 僕はいつも、ボーカル、作曲、音楽的なトリックの箱をたくさん持っていたいと思っていたからね。自分らしくありながら、何でもこなせるように。それが実現し始めたんだ」
David Coverdale, Jeff Scott Soto, George Lynch, Michael Romeo, John Macaluso, Ron Thall, Paul O’Neill, Steve Vai, Eric Martin, Gary Cherone…クロアチア人シンガー、Dino Jelusick ほど今、メタル世界で引っ張りだこな人物はいないでしょう。しかも、彼をもとめるのは多くが “伝説級” のアーティストたち。なぜこの、33歳の若者はこれほど人気なのでしょうか？それは、Dino の “引き出し” が果てしなく多いから。
ザグレブ大学音楽アカデミーで修士号を獲得している Dino は、ボーカルのみならず、ピアノ、ギターも達人級の完成されたミュージシャンです。だからこそ、Dino は鍵盤奏者兼バックボーカルとして David Coverdale の目に止まり、WHITESNAKE に招かれることにもつながりました。様々な楽器をこなせる。それはミュージシャンとして、間違いなくプラスの要素。しかし、Dino にはそれ以上の素晴らしき “アイデア” の数々、音楽的な多様性があり、それこそがおそらく数多の伝説を惹きつけているのでしょう。
「僕たちはオールド・スクールと、とてもモダンなものの中間にあって、両方のエッジで踊っているんだ。 だから、いつも違う観客を惹きつけることができているんだと思う」
そんな Dino の多彩さ、音楽的な多様性が収束したのが、自身のバンド JELUSICK です。古き良き “歌” が戻って来つつあるメタル世界において、時には Dio に、時には Coverdale に振れる Dino の圧倒的な歌声は明らかに一際輝きを放っています。しかし、JELUSICK が素晴らしいのは、そうした彼の獰猛でありながら “オールドスクール” な歌唱がモダンなメタルの波に乗っていることでしょう。
自身の巧みな鍵盤を配したダークな楽曲には、Ivan Keller のウルトラ・テクニカルなギターが寄り添い、メロディックでありながらメタリック、テクニックと好奇心を満載したプログレッシブな新時代のハードロック/メタルが紡がれていきます。おそらく、 Ivan は Earthquaker Devices のピッチシフターを使いこなしているのでしょうが、こういうエクストリーム世界で流行りの音をハードロックに取り込む若さこそ至高。あの Vito Bratta を想起させる、実に素晴らしいギタリストですね。
歌心を追求した NEVERMORE、メタルへ振り切った KING’S X、プログレッシブな ALTER BRIDGE、ドーピングを施した WHITESNAKE…そんなワクワクするような例えが次から次へと浮かぶエキサイティングかつダイナミックな “Apolitical Ecstasy“ は、そうして無限のイマジネーションの中にロックやメタルがかつて蔑ろにしていた “奔放さ” や “衝動”、”不規則性” を歌声と共に取り戻していきます。
「David は子供の頃から僕の最大のヒーローだった。彼と付き合ってから、僕はもっと謙虚になることを学んだよ。だって彼はあんなに有名なのに、とても優しくて思いやりがある人だからね」
ミリメートルの正確さよりも大切なことがある。きっとそんな寛容さも、Dino は David Coverdale から学んでいるはずです。例えば、Ozzy Osbourne が YUNGBLUD を、FIREHOUSE の C.J. Snare が Nate Peck を育てたように、あの白蛇の伝説は Dino の素晴らしき師匠となって彼の行先を明るく照らしています。そしてまた、次々と巨人が旅立っていくメタル世界で、そうした “継承” のあり方はきっと、このジャンルの灯火となって未来を明るく照らしていくはずです。
今回弊誌では、Dino Jelusick にインタビューを行うことができました。「僕はまず第一にシンガーであり、そこでこそ100％の自分を感じる。でも、ピアノの後ろに座ると、まったく新しい経験と喜びが得られるのも確かなんだよね」 どうぞ！！Ronnie Romeo、Andrew Freeman、そして Dino の3人がいる限り、メタルの “歌”、その未来は明るい。どうぞ！！

JELUSICK “APOLITICAL ECSTASY” : 10/10

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【BETWEEN THE BURIED AND ME : THE BLUE NOWHERE】

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COVER STORY : BETWEEN THE BURIED AND ME “THE BLUE NOWHERE”

“There is no formula in heavy music—it’s a blank canvas, you can have all of these influences and be inspired by all these different genres and all these different eras of music.”

THE BLUE NOWHERE

ノースカロライナ州ローリーで結成された BETWEEN THE BURIED AND ME。メタルコアに端を発した彼らの音楽は、広大で多彩なソングブックに、まさに虹のような音楽的色合いを描くようになりました。”Colors” や “The Great Misdirect” のような多様な実験は、プログレッシブなヘヴィネスと咆哮に根ざしながらも、必要に応じてジャズ、ブルースグラス、プログレッシブ・ロックといった “ノン・メタル” な要素も臆することなく取り入れて、彼らは “モダン・メタル” の象徴的存在となったのです。
バンドの11枚目となる新作 “The Blue Nowhere” はそんな彼らの作品においても、最もエクレクティックで、メタルの可能性を切り開くというゾーンに入ったといえるのかもしれませんね。
“The Blue Nowhere”。ボーカル兼キーボードの Tommy Rogers は、青という色から何を思い浮かべるかと訊かれ、「夢のような、そしてとても平和な…僕たちの音楽はたいていの場合そうではないけれど」と答えています。一方で、彼の長年のバンドメイトで名手、ギタリストの Paul Waggoner は、青には深いセルリアン、コバルト、ネイビーなど、探求すべき色合いの海がまだあることを示唆して、この色をバンドのサウンド拡大の象徴としています。
「青という色は、パレットの中で最も魅力的な色だ。淡いブルーはとても穏やかで安らぎを与えてくれるが、ダークなブルーになると…それは悲しいものになる。たぶん、”The Blue Nowhere” はその全領域を包括しているんだ」

実際、”The Blue Nowhere” は、Rogers, Waggoner, ベーシストの Dan Briggs、ドラマーの Blake Richardson の4人となった BETWEEN THE BURIED AND ME が相変わらず挑戦的でカラフルであることを証明しています。
ワイルドでファンキーなオープニングの “Things We Tell Ourselves in the Dark” は、80年代のスタイリッシュなファンカデリック・ポップに、メタルとプログの狂気がミックスされています。 “The Absent Thereafter” は、ナッシュビルを切り裂くようなカントリー・メタルと、ピーク期のヒューイ・ルイスを思わせるホーン・アレンジが織り成す10分間の大作。 タイトル・トラックはまるで高品質の、しかし一筋縄ではいかないヨット・ロックで、圧巻の “Slow Paranoia” はさながらコーラス・ラインのような生意気なブロードウェイ・ミュージカルと死神のようなメタルの威圧感をマッシュアップした奇跡。
アルバムで Rogers は、想像上のホテル “ブルー・ノーウェア” を舞台にした寸劇で歌い叫び、邪悪なエゴ旅行者たちと過ごすひとときから、”月を見つめて月と交信する” 人々のグループまで、様々な人間模様を描いていきます。そして普段の暮らしから離れた場所への旅が私たちをどう変えていくのかを、非常に人間的に探求。そう、このアルバムはプログ・メタル版、21世紀版の “Paradise Theater” なのです。Rogers はアルバムがホテルをテーマにした理由を明かします。
「何年も前からホテルをテーマにした曲を書きたいと思っていたんだ。曲作りを始めたばかりの頃、それぞれの曲がそれぞれ独自の空間に存在しているように感じられたからね。
全体としては同じものの一部でありながら、それぞれが全く異なる。それぞれが全く別の世界へと誘ってくれる。だから、ホテルというアイデアにぴったりのアルバムだと思った。それぞれの曲が、”ブルー・ノーウェア” というホテルの中で、それぞれ異なる存在であってほしいと思ったんだ。どんな展開になるのか、最初は全く想像がつかなかったけど、最終的には、人間の経験、それに伴う浮き沈みといったものを凝縮した作品になったね
自分自身に問いかけたのは、”この曲は、この想像上の空間のどこで起こっているんだろう？何が起こっているんだろう？” ってこと。それから、ある意味、人間の経験、その中で起こる忌まわしい混沌や恐ろしい出来事、そして美しいものについて歌ったような曲にしようと考えたんだ。この奇妙なホテルを通して、登場人物が人生を歩んでいるような、抽象的な世界を作ろうとしたんだよ」

Waggoner はバンドで泊まるホテルで経験した最悪の経験を回想します。
「おそらく最悪、いや間違いなく一番変なホテルだと思うけど、ダラス郊外に悪名高いモーテル6があったんだ。当時はすごく貧乏で、モーテル6はまさに行きつけだった。当時は30ドルで部屋が取れて、満員だったからね。
到着した途端、妙な雰囲気が漂ってきた。ポン引きみたいな車が停まっていて、見た目はカッコよかったんだけど、”モーテル6にこんな車があるなんて変だ” って思った。鍵をもらって部屋に行くと、窓辺に奇妙なトロフィーが山ほど置いてあるのに気づいた。ドアを開けると、明らかに誰かが泊まっている。ベッドは整えられておらず、部屋は散らかっていた。
フロントに行くと、”ああ、そうですね…すみません” と返事をされ、別の鍵を渡されたんだ。その間も、奇妙な出来事が次々と起こった。警官が車を停めて、それから売春婦がパトカーから降りてきて、僕たちが最初に入った部屋に上がっていく、といった具合でね。さすがに僕たちはそこから脱出したんだ。
3週間後、友人のバンド HOPESFALL が強盗に遭った。ダラス郊外のホテルでトレーラーが盗まれたという投稿があったのを覚えているよ。すぐにメンバーの一人に連絡して、”あの、モーテル6？” と聞いたら、”ああ！”って。
だから…泊まらなくてよかった。僕たちが強盗に遭わず、代わりに友人が強盗に遭ってくれてよかった (笑)。
でも、素敵なリゾートに泊まったり、素晴らしいホテル体験もしているよ。メキシコシティのインターコンチネンタルに一度泊まったのを覚えている。すごく高級で美しいホテルでね。だから本当に様々なタイプのホテルがあるよね。ホテルって面白いよね。だって、本当に幅広いスペクトラムを体現しているから。五つ星リゾートやオール・インクルーシブもあるけど、偶然か状況で世界中のいかがわしい場所にたどり着くこともある。このアルバムはそういうスペクトラムを全部体現しているんだ。自分がどんなホテルに泊まっているのかよくわかっていないっていうのが、いいよね」

ホテルにはメタルと同様に、歴史があり人生があると Rogers は語ります。
「ホテルというものは、そこに歴史があって、行き交う人々の人生が面白いんだよ。ホテルは人々が人生について考えるための器だ。孤独、喜び、悲しみなど、様々な感情が渦巻いている。人生最高の時も最悪の時も、ホテルには宿っていることがあるんだよね。
部屋によって様々だ。例えば、ある部屋は休暇中の家族連れで、別の部屋は3週間も飲みまくって人生最悪の状態にある男の部屋、といった具合でね」
ホテルがいかに多様な体験を提供できるかというアイデアを踏まえ、このアルバム全体には様々な感覚が流れています。Rogers は音楽的な融合や実験にも、以前よりさらに力を入れたと胸を張ります。
「僕たちが曲作りをするときの素晴らしいところは、物事がいかに早く、そして自然に生まれ始めるかということ。曲を組み立てるのに何年もかかっていると思うかもしれないけど、こんなにうまくまとまったグループでいることの素晴らしさは、一度全員が同意して飛び込み始めると、物事が自然と動き出すことなんだよ」
オープニングの大仰な “Things We Tell Ourselves in the Dark” はエゴについての楽曲。
「僕はどちらかと言うと、歌詞である瞬間を捉えようとしているんだ。この歌詞は、ある男の視点、あるいはこの曲のテーマとなっている人物の視点から書かれている。彼は自分が完璧な人間だと言っている。彼は素早く、機械のような正確さを持っていてね。
“Things We Tell Ourselves in the Dark” は、BTBAM にとっては全く異質な曲だった。この曲には自信が溢れている。そして、誰かが高級ホテルに入ってきて、みんなを見下しているような姿をすぐに想像したんだ。基本的に、このひどい人物像を作り上げ、それについて曲を書いた。エゴについて…エゴが強すぎると、人生にひどいことが起こる。これは僕たちが捨て去らなければならないものだ」

バンドが成長していく中で、かつてメンバー自身もエゴを捨て去る必要があったと Rogers は認めます。
「物事を自分の中に閉じ込めすぎないことを、ずいぶん前に学んだと思う。みんな曲をたくさん書くから、うまくいかないことに何時間も費やしてしまうことがある。
僕たち全員の目標は、良い曲、良いアルバムを作りたいという思いだけ。だけど、うまくいかないこともある。でも、その後に何かが起こることもあるんだ。例えば、”Absent Thereafter” のメインリフの一つは、Paul (Waggoner) が2018年の “Automata” の時に書いたものだ。当時、彼がその部分をとても気に入っていたのは知ってるし、それは最高だった。でも、僕たちが当時書いていたものには、どうもしっくりこなかったんだ」
Waggoner が付け加えます。
「ああ、彼らは気に入らなかったんだ。”出て行け” って言われた。傷ついたよ (笑)。面白いよね…Tommy が言ったように、僕たちは個人として、それぞれ曲を書いていて、そういうものすべてに対してビジョンを持たずにはいられない。でも、それをグループで共有したら、それは共同の財産になるという事実を受け入れないといけないんだ。自分のビジョンが変わる可能性も受け入れないといけない。個人のビジョンではなく、集団のビジョンになる。若い頃はそれが難しいし、少し傷つくこともある。でも、バンドとして、そして家族として成長するにつれて、それが常に最善だと分かるようになった。
長い歴史の中で、メンバー間で多少の不和はあったけど、ここ数枚のアルバムで素晴らしいケミストリーが生まれたから、もうそんなことはない。個人として、音楽に対するエゴイスティックなアプローチは捨てたんだよ。それは良いことだよね。
他の多くのバンドも同じような経験をしていると思うよ。最近、MASTODON の Brent Hinds が亡くなったけど、彼も同じことを言っていたね。複数のソングライターがいるバンドの場合、一度アイデアをグループに提示したら、それはもう自分だけのものではなくなってしまう。それを受け入れなければならないんだ」

ファースト・シングル “Things We Tell Ourselves In The Dark” は、このバンドの実験性とアイデンティティの両方を反映した曲だと Waggoner は語ります。
「これは Dan の独創的な発想で、彼は本当にマルチ楽器奏者なんだ。彼はまさにプログ好きの典型で、紛れもなく変わっている。僕たちにとっては突飛な曲だけど、それでも BTBAM のアイデンティティはしっかりと残っている。賛否両論あるだろうとは思っていたけど…でも、みんなが話題にしてくれるからクールだと思う」
“The Blue Nowhere” のタイトル曲もある意味、BTBAM にとっては新境地で、挑戦で、”奇妙な” 楽曲です。過激な実験主義者である彼らにとって、ただ落ち着いてテンポを乗っていくというのは前代未聞の試みに思えます。
「でも、僕にとっては全然不自然じゃなかった。もっとこういう曲が書けたらいいのに。覚えやすくて、演奏しやすい。でも、あの曲の誕生は本当に奇妙な体験だった。Tommy が “ヨット・ロック風の曲を作ろうぜ” って、ふと口にして。もちろん、ファンの中には驚いた人もいたけど、すごく自然に形になったんだよね。様々なトーンを試す機会、Tommy のメロディアスな歌い方、ヴァース・コーラス・ヴァースみたいなもの、そういうのは、みんなが思うほど僕たちにとっては不自然じゃないんだよ。だって、僕たちはそういう音楽が好きなんだから。普段曲作りに使っているフォーマットよりも、あのフォーマットで聴く音楽の方が多いかな。クレイジーなメタルはあまり聴かないからね。
それに、あの曲は僕たちに、あまり大げさにしないように、ある程度の抑制を強いる試練を与えた。作るのは楽しかったし、ファンが聴いてくれるのは、僕たちが曲を作る時よりも奇妙な感じがすると思う。自分たちのそういう側面を探求する機会だったんだ」
Rogers にとって、タイトル・トラックは今回のフェイバリットとなりました。
「タイトル曲はすごく気に入ってる。すごく個性的な曲だからね。僕らの頭の中ではヨット・ロックの曲だったんだけど、“BTBAMスタイルで”、それが目標だったんだ。デモのタイトルは “Prog Yacht” だったんだ。
アルバムの流れの中で、この曲がうまく配置されたのは、本当に嬉しい偶然だったよ。直前の2曲は、も”これやりすぎ？” って思うくらい、かなり盛り上がってる。もしあの直後にあんな曲があと2曲あったら、みんなお腹いっぱいになってしまうよ」

“Absent Thereafter” のホーンセクションの響きにはヒューイ・ルイス＆ザ・ニュース、”The Heart of Rock & Roll” の影響が感じられると、さらに Waggoner は語ります。
「Dan がその要素を加えてくれたし、あの曲を提案した時にヒューイ・ルイス＆ザ・ニュースの名前を文字通り口にしたと思う。でも、ギタリストとしての僕は、”Eddie Van Halen, Danny Gatton, Earl Scurggsがメタル・ソングを書いたらどうなるだろう？”みたいな曲を書こうとしていたんだ」
BETWEEN THE BURIED AND ME には昔からこういう “おどけた” 要素があって、それがバンドの良い隠し味となっています。
「セルフ・タイトルのアルバムでも、そういう要素はたくさんあった。こうしたアイデアの主な提供者は Dan だと思う。彼はちょっと変わったタイプの人で、OINGO BOINGO や CARDIACS に影響を受けているからね」
“The Blue Nowhere” にとって、ダイナミクスは不可欠です。だからこそ、Waggoner はインタールードを採用しました。
「山あり谷ありのアルバムが好きなんだ。ファンにはアルバム全体を一つの没入感あふれる体験として聴いてほしいから、特に激しい曲の前後で、少し落ち着く瞬間があるのは重要だと思うんだ」
その哲学は “Slow Paranoia” にも明確に表れています。
「最初は Dan が書いたちょっと変わった曲、とてもプログレ的でメロディアスなワルツだった。そこに Blake がちょこちょこ要素を加えて、突然、すごくヘビーな瞬間が生まれた。みんなが少しずつ個性を出し合って、壮大でクールな曲になった。あの曲は最初から最後まで、まるで一つの旅のようだ」
そう、このアルバムに宿るのは真に自由なサウンド。ファンが渇望する特徴-脱線的でカラフルなコンポジション、カーニバルのようなメロディー、超越的なテーマに豊富なリフは確かに健在ですが、”The Blue Nowhere” を5つ星体験に押し上げる特別な要素が一つあります。それは、”The Great Misdirect” と同じくらいバンドのキャリアの中で最も記憶に残る楽曲たちだと、Tommy は語ります。
「このアルバムの本当に好きなのは、”The Great Misdirect” にも通じるところがあって、それぞれの曲が本当に独自の世界を持っているように感じるところ。これは、曲作りを始めた頃に自然に生まれたものなんだ。本当にたくさんの新しいアイデアを掘り起こせたと思う。これまで書いてきた膨大な量の曲のおかげで、作曲家としてこれまで以上にリラックスした状態になれたと思う。こうして心地よくいられるのは幸運だと思うし、お互いを、そして自分自身を本当に刺激し合える。ファンもそれを期待してくれているんだ」

Waggoner が続けます。
「アルバムを作るたびに、僕たち全員の多様性、そして影響を受けてきたものが、どんどん抑えられないものになっていく。”The Great Misdirect” は、その良い参考例になると思う。あのアルバムは、僕たちが書く様々なタイプの音楽のムードを、本当にうまく表現できたと思うからね」
4人組として初のアルバムとなった “The Blue Nowhere”。長年ギターのパートナーを務めた Dustie Waring が脱退し、Waggoner はギターパートのほぼすべてを自らレコーディングすることになりました。
「ベースの Dan が12弦アコースティックギターなどのギターを担当しているけど、ギター演奏はほぼすべて僕が担当した。僕たちは非常に複雑な曲を書いているので、1人になることが精神的な挑戦というよりは、ギターのレイヤーがいくつもあることが多くて大変だった。2つのリズムと1本のリードギターといった単純なものではなく、もっと複雑なパートもあるからね。ハーモニーパートがあったり、2本のリズムギターがそれぞれ違う役割を担っていたりするんだよ」
正気を保つため、Waggoner は綿密な整理整頓に頼っていました。
「レコーディングが必要なギターパートを全部スプレッドシートにまとめているような感じなんだ。レコーディングが進むにつれて、完成していくにつれて、一つずつ項目にチェックを入れていく。そうすることで、少しは気が楽になるんだよな」
このアルバムは、バンドにとって Inside Out Musicからの初リリース。それに伴い、Waggoner は同士を得たことを喜んでいます。
「僕らにとって、それは理にかなったことで。彼らはプログ界の最前線に立っていて、若くてヘヴィなバンドたちと共に進化し始めている。僕らは、クラシックなプログとアグレッシブなプログの間の橋渡しをしているんだ。僕らのお気に入りのバンド、例えば HAKEN とはツアーで共演したことがあるし、LEPROUS や DREAM THEATER ともツアーで共演している。彼らはプログ界のアイコン的な存在だよね。だから、彼らと同じレーベルに所属できることは光栄なんだ」
バンドにとって、影響を受けてきたアーティストは常に多岐にわたっています。
「僕らは影響を受けてきたものを一度も捨てたことはない。ただ、そこに新たなものを加えただけなんだ」と Waggoner は振り返ります。 「ヘヴィ・ミュージックには公式なんてない。まっさらなキャンバスみたいなもの。あらゆるジャンル、あらゆる時代の音楽から影響を受け、インスピレーションを得ることができる。僕たちは枠にはめようとはしていない。枠なんてないんだってことを、みんなに証明したいんだ。音楽的には何でもできるって。幅広いミュージシャンからインスピレーションを得て、その影響とインスピレーションを活かして自分だけのサウンド、自分だけのものを作り上げることができるってことをね」
例えば、Tommy にとって、DREAM THEATER も NINE INCH NAILS も同じくらい大切なバンドなのです。
「エクストリームメタルやハードコアにハマる前は、80年代メタルで育ったから。だから当然、”Images And Words” に惹かれてたんだ。ヘッドバンガーズ・ボールで “Pull Me Under” を見て、”うわ、これはヤバい！” って思ったのを覚えてる。”QUEENSRYCHE みたいだけど、もっとヤバい！” って感じ。だから、あのレコードはずっと大好き。彼らのアルバムのいくつかは、たぶん20代の頃、僕にとってすごく大切なものだった。彼らの作品の多くは、間違いなく僕に大きな影響を与えていると思う。彼らはいいバンドだよ！本当にクールなアルバムを何枚も作っているし、彼らのようなバンドが今も勢いづいて、ツアーも回って、音楽をリリースしているのを見るのは嬉しい。本当に…
同時に NIN の “Downward Spiral” はおそらく、これは僕の人生で一番好きなレコードの一つだ。彼らは僕の音楽人生において大きな部分を占めてきた。 “Pretty Hate Machine” は今でも史上最高の曲の一つだ。とにかく、彼らは本当に素晴らしいバンドだよ！」

参考文献: NEW NOISE MAG :INTERVIEW: BETWEEN THE BURIED AND ME TALK ‘THE BLUE NOWHERE’

BOOLIN TUNES:IN CONVERSATION: Tommy Giles Rogers of Between the Buried and Me at ArcTanGent

ROCKIN GR:Between The Buried And Me: “The prog community has gotten more comfortable with the extreme versions of that world”

SONIC PERSPECTIVE:PAUL WAGGONER On Why BETWEEN THE BURIED AND ME Refuses To Play By The Rules: “We’re Not Trying To Fit Into A Box, We Want To Prove To People That There Is No Box”

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【QUADVIUM : TETRADOM】 STEVE DI GIORGIO SPECIAL !!

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH STEVE DI GIORGIO OF QUADVIUM & TESTAMENT !!

“You Can Make a Fretless Sound Like Fretted If You Want, But You Can Never Make a Fretted Sound Like a Fretless…The Fretless Bass Is Just So Much More Expressive And Has a Greater Distance From The Guitar.”

DISC REVIEW “Tetradōm”

「異なるサウンドを作るために実験的にエクストリーム・サウンドにフレットレスを持ち込んだんだ。もし望むなら、フレットレスをフレット付きのように鳴らすことはできるけど、フレット付きをフレットレスのように鳴らすことは決してできない……フレットレス・ベースの方が表現力が豊かで、ギターとの距離もとても近いんだ」
メタル世界で “フレットレス”、つまりヴァイオリンのようにフレットのない楽器は今や珍しいものではありません。ベースはもとより、Tom Fountainhead のようにギターにまでその波は広がっています。フレットを取り払った異次元的で滑らかな音色は、どんな楽曲にもえもいわれぬ独特な風味を加え、メタルの幻想と宇宙を深化させてくれるのです。
「DEATH は僕にとってすべてを意味する。Chuckは僕にミュージシャンとして成長するチャンスを与えてくれたし、何より他の人たちが注目できるよう僕をメタルの地図に載せてくれたんだからね。もちろん、”Individuals” の2年前には、僕にとってとても重要なアルバムに参加していたんだけどね… “Human” だよ。CYNIC の才能ある連中と一緒に、あんなに若くしてデスメタルの景色を変えたんだからね。あの作品で新しい方向への扉が開かれ、まったく新しいジャンルが生まれたんだ」
Steve Di Giorgio はそんなフレットレスの魔法をメタルに持ち込んだパイオニアのひとり。今は亡き Chuck Schuldiner が作り上げた DEATH の “Human” は、硬質なメタル世界に “浮遊感” という宇宙を持ち込みました。その新たな景色を描くために Chuck が必要としたのが、ジャズ/フュージョンに精通した CYNIC の面々と Steve のフレットレス・ベースだったのです。
そう、いつだって “壁” を壊すのは “奇抜” にも思える挑戦的なアイデア。以来、エポック・メイキングな “Human” は、テクニカル/プログレッシブ・デスメタルの金字塔となり、フレットレスはメタルの異世界を描く貴重な筆のひとつとなっていったのです。
「僕たちが若く、影響を受けながら成長していた頃、ベースは曲にとって他の何よりも重要だった。だけど、残念ながら90年代にはインスピレーションに溢れたベース演奏が乏しくなり、それは新世紀に入っても続いた。しかし、ここ10～15年の間に、非常に優れた、創造的なスタイルを持つ新しい世代のベーシストが現れ、メタルの中にベースの重要性を取り戻しつつあると思う。ベースが影から出てくると同時に、バンドをサポートし続けることが一般的になってきているんだよ」
始まりの場所 SADUS から、Steve が家と呼ぶ TESTAMENT、ARTENSION や SOEN、果ては MEGADETH まで果てないベースの旅を続ける Steve。そんな彼の挑戦と求道の中でも、QUADVIUM ほど “奇抜な” 試みは初めてでしょう。そう、QUADVIUM にはフレットレス・ベースの達人が Steve 以外にもうひとり、存在するのです。Jeroen Paul Thesseling。OBSCURA や PESTILENCE で名を成したオランダの奇才が加わることで、QUADVIUM はまさに前代未聞の “異質” な物体となりました。
“多弦フレットレス・ベースをさらに進化させたら？” をコンセプトに掲げる QUADVIUM。アルバム “Tetradōm” は、DEATH, CYNIC, ATHEIST, PESTILENCE といった90年代のテクニカル・デスメタルと、現代的なフュージョン・プログ・メタルを基盤とし、楽器の攻撃性と滑らかでジャジーなコード進行、そしてフレットレスの浮遊感、宇宙的景観を巧みに融合させながら、特徴的なダブルベースのサウンドを際立たせていきます。
次から次へとアイデアが飛び交うメタルの迷宮。アストラルな静寂の海、幻想的なハーモニーを切り裂く技巧と激情のインテンション。ふたりのベースの達人は、どちらが主役をはるでもなく、まさに Steve が語る表に出ながらサポートするというこの楽器の理想型を見せつけていきます。
ベースの進化はメタルの進化。「Chuck はよりオープンでメロディアスなギター・リフ・スタイル、”Human” や “Individual” のより創造的なやり方に戻るために僕のベースが必要だと感じていたんだ。でも、僕たちが2作目の CONTROL DENIED の計画を立てている最中に、彼の健康状態が悪化し、完成させることができなくなってしまったんだ。とても、悲しかったよ…それは、その音楽が彼の最も冒険的な楽曲であったからというだけでなく、いや、それ以上に僕たちが出会った1986年、アルバム前のデモの時代からずっと良い友人であったからなんだ。僕はひとりの親友を失い、世界はユニークな先見の明を失った」 TESTAMENT の新作も控えています。Steve Di Giorgio です。どうぞ！！

QUADVIUM “TETRADOM” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【HIDEOUS DIVINITY : UNEXTINCT】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ENRICO SCHETTINO OF HIDEOUS DIVINITY !!

“Metal Sex Workers Degrading Metal” Makes No Sense At All, Especially Because The Metal Community Always Claims To Be The Most Open-Minded And Inclusive Of All Music Communities.”

DISC REVIEW “UNEXTINCT”

「僕らのマネージャーはずいぶん前から、日本がいかに重要か、そしてSNSやTwitter/X を正しく使って日本のファンと接触する方法を理解していた。時間と労力がかかることだが、最終的には報われる。ファンと個人的な対話をすることができれば（Tito はその達人だ）、アーティストはファンにとってより大きい存在になるだろう。日本で僕たちにアプローチしてくるファンは、言葉の壁があるにもかかわらず、僕たちを “より身近な存在” だと感じていることに気づいた。とても誇らしく、謙虚な気持ちになったよ」
世界は今や、SNSがすべての中心にあります。それは音楽の世界も同じ。知名度を高め、人気を得るために SNS の効果的な運用は不可欠でしょう。HIDEOUS DIVINITY と彼らが所属するイタリアのレーベル Death To All は、そうした状況を深く理解しています。
彼らは特に、日本のマーケット、その重要性を認識していて、SNS を日本語でも運用。こまめにチェックとエゴサを重ねて、言及のあったアカウントにいいねやリプライを送ることも欠かしません。それはたしかに、時間と労力を消費する裏の仕事ですが、資金をかけることなくマーケティングが可能な金の卵でもあるでしょう。遠く離れたファンとつながれる、幸せな時間でもあるはずです。そうして実際、HIDEOUS DIVINITY 初の日本ツアーは大盛況のうちに幕を閉じたのです。
「正直、あの時は彼女の職業については知らなかったんだ！”メタルのセックス・ワーカーがメタルの品位を落とす” というのは、まったくもって筋が通っていない。特にメタルのコミュニティは、あらゆる音楽コミュニティの中で最もオープン・マインドで包容力があると僕は常に主張しているのだから。一部の例外を除いて、メタル世界に差別的なエピソードは見当たらない。 もちろん、世界は愚か者でいっぱいだ。だからメタルを聴くバカもたまにはいるだろうが、それについて我々ができることはほとんどないんだよな」
一方で、SNS には暗い側面も存在します。誹謗中傷や差別の助長。HIDEOUS DIVINITY の日本公演にゲストとして招待されていたあるセックス・ワーカーのポストについて、”セックス・ワーカーがメタルに言及すると、メタルの品位が落ちる” と発言するアカウントが現れました。
さて、モダン・メタルの “品位” “品格” とは何でしょうか？個人的に、それは Enrico のいうように、包容力、寛容さ、そして教養だと感じています。人種や文化、性別や職業に貴賤がないことは、現代を生きる人々にとってまさに不文律といえます。その不文律こそ、人類が、そしてメタル世界が長い年月をかけて培ってきた知性であり、教養であるはずです。そこに、”区別” と称して差別や抑圧を持ち込むことこそ、前時代的であり、”メタルを聴くバカ” に違いありません。
せっかく、我々はどんなジャンルよりも多様で幅広いテーマを扱う、”教養” を養えるヘヴィ・メタルの世界にいるのです。その “教養” を粗末にするような SNS の使い方は避けるべきでしょう。
「僕たちの音楽が歓迎され、高く評価されたのを見ると、日本のファンを増やすことはできると思う。熱狂的で情熱的なデスメタルのファンに沢山会ったけど、彼らの多くは、UNBIRTH や PUTRIDITY といったイタリアの他のバンドのファンだった。僕たちはただブルータルなデスメタル・バンドではなく、他の方向に向かっていると思うから不思議なんだけど、それでもフィードバックはとても良かったんだ」
実際、多くの日本のファンは寛容だったようです。HIDEOUS DIVINITY の音楽は、決して一筋縄ではいきません。実に哲学的でテクニカルでありながら、暴力的で混沌したノスフェラトゥ。相反する要素を併せ持つ、彼らのテクニカルでプログレッシブなデスメタルを追求するリスナーは決して多くはないでしょう。それでも、日本のリスナーは、決して最推しではなくても、彼らの音楽に耳を傾け、理解しようと努力し、愛情を注ぐようになりました。もちろん、音楽の “品位” が高いことは当然ですが、そうして好奇心と寛容さでメタルの世界が広がることこそ、SNS 時代において最も美しい光景ではないでしょうか？
今回弊誌では、ギター・マイスター Enrico Schettino にインタビューを行うことができました。「日本のSNSにおける、トレンディング・トピックの達成は信じられなかったよ！日本に惹かれる理由はメンバーそれぞれだと思う。Enrico・H はアニメの世界に最も造詣が深いかもしれないし、メンバーみんなが80年代や90年代に人生を変えたビデオゲームを知っている。 個人的に、僕にとっての日本とは、黒澤、北野、葉隠、そして相撲だ。 一般的に、僕はいつも西洋の基準とは全く異なる世界に魅力を感じていたんだよ」 どうぞ！！

HIDEOUS DIVINITY “UNEXTINCT” : 10/10

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