EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH VILLE VILJANEN OF MORS PRINCIPIUM EST !!
“When we started, we just wanted to make melodic death metal. We did not want to sound exactly like some other band, so maybe that is one reason. But I guess our songwriters just wanted to write songs the way we have done.”
DISC REVIEW “DARKNESS INVISIBLE”
「結成当初は、ただメロディック・デスメタルを作りたかったんだ。ただ、他のバンドと同じようなサウンドにはしたくなかった。それがテクニカルになった理由のひとつかもね。このバンドの歴代のソングライターたちは、そうして僕らがやってきたように、テクニカルな曲を書いていきたかっただけなんだと思う」
メロデス始まりの地、イエテボリから少し離れたフィンランド。彼の地もまた、メロデスを牽引した重要な場所のひとつであるだけでなく、より革命的なメロデスを生み出したと OMNIUM GATHERUM のインタビューにて記しました。AMORPHIS とカレワラの奇跡的な邂逅は、後のフィンランドのメロデス世界に “個性的である” ことを運命づけたとも言えます。CHILDIEN OF BODOM, OMNIUM GATHERUM、そして最近の BRYMIR までフィンランドのメロデスは、それぞれステレオタイプとは異なる並外れた個性を持って戦ってきました。
MORS PRINCIPIUM EST もそんなフィンランドの綺羅星のひとつ。彼らの個性は、激烈なデスメタルに、ハイパー・メロディックでウルトラ・テクニカルな冷気を吹き込むことでした。
「僕にとっては、どのアルバムも特別だよ。 それぞれのアルバムがなければ、僕らはここにいなかったし、”Darkness Invisible” というアルバムもなかっただろうからね。でもそうだね、このアルバムにはファースト・アルバムからの影響もあるけど、新しいアルバムからの影響もあると思う」
古のメタル・ファンにとって、そんなフィンランドの冷気と冷徹の洗礼を存分に浴びたのが、デビュー作 “Inhumanity” であり、名作 “The Unborn”, “Liberation ＝ Termination” だったのです。当時のギター・チームが脱退し、Andy Gillion というメロデス・シュレッド・マシンを得て、MORS PRINCIPIUM EST は荘厳シンフォニックな要素も加えながらさらに飛翔。Gillion を失うも、黄金のギター・チーム、そしてほぼオリジナル・メンバーが復帰して最新作 “Darkness Invisible” が完成を見たのです。そうして、今回のインタビューイ、バンドの首領 Ville Viljanen が語る通り、アルバムは初期と後期の完璧なる融合、MPE 集大成ともいえる傑作に仕上がったのです。
“Of Death” と “Venator”、開幕の二連撃から我々は、Jori Haukio のメカニカルかつ抒情的なシュレッドに “Liberation ＝ Termination” の影を見ます。そうして、牧歌的なインタルードを挟んで押し寄せる、中盤の威風堂々たるドラマティシズムに我々はただ圧倒されるのみ。近年の耽美と荘厳で磨き抜かれた初期の激情と慟哭は、狂おしいまでにフィンランドの風を運び、リスナーに北欧のカタルシスを届けるのです。そう、彼らの個性はもはやフィンランドの秘宝。
今回弊誌では、ボーカリスト Ville Viljanen にインタビューを行うことができました。「メロデスは以前ほど人気がなかったり、他のジャンルほど人気がなかったりするかもしれないのはたしかだ。それでも今でも必要とされているし、求められていると思う。僕たちが演奏を続けているのは、ただメロデスを演奏するのが楽しいからなんだ」 来日も決定！どうぞ！！
MORS PRINCIPIUM EST “DARKNESS INVISIBLE” : 10/10
INTERVIEW WITH VILLE VILJANEN
Q1: You are coming back to Japan for the first time in a long time! First of all, please tell us how you are feeling right now. Is there anywhere you would like to go in Japan?
【VILLE】: Hi. Yeah, we are finally returning to Japan, after 7 years. We are feeling great about it. I have always loved Japan and Japanese people. There are many places I would like to visit in Japan, too many to mention. I am just happy I get to visit Osaka and Tokyo again..
Q2: Japan is one of the most popular melodeath countries in the world, and many great melodeath bands have come out of here. It seems that the love of dark and sad melodies is in common with Scandinavia, would you agree?
Q3: When the history of melodeath began in the early 90’s, there were no amazingly “technical” bands. That is why MPE has become so special. Why did you decide to bring your phenomenal shred and technique to melodeath?
【VILLE】: I really don’t know. When we started, we just wanted to make melodic death metal. We did not want to sound exactly like some other band, so maybe that is one reason. But I guess our songwriters just wanted to write songs the way we have done.
Q4: In this day and age, some people say that melodeath is outdated, rustic, or unpopular. What do you think about those words? Why do you keep playing melodeath?
【VILLE】: Well, it is quite clear, that atleast it is not unpopular, as there are still many people listening to melodeath and buying melodeath albums. If it would be totally unpopular, I don’t think we would be playing in Japan either, or in any other places.
But yes, maybe it is not as popular as it used to be, or not as popular as some other genres, but I think it still is needed and wanted. We keep playing it because we enjoy playing it.
Q5: In recent years, Andy Gillion, who was considered one of the key figures in MPE, left the group and the early golden guitar team of Jori Haukio and Jarkko Kokko returned. How did this major change come about?
【VILLE】: Mr Gillion was in fact a key figure in MPE, during his time. It was time for Mr Gillion to leave and luckily Jori and Jarkko felt like they wanted to return to MPE.
Q5: 近年、MPEの中心人物の一人と目されていた Andy Gillion が脱退し、Jori Haukio と Jarkko Kokko の初期の黄金ギター・チームが戻ってきましたね。この大きな変化はどのようにして起こったんですか？
【VILLE】: Mr. Gillion は実際、MPEの中心人物だったよ。 彼の時代の間はね。Mr. Gillion が去る時が来たけど、幸運にも Jari と Jarkko はMPEに戻りたいと感じていた。だからすべてが上手くいったね。
Q6: So, “Darkness Invisible” is really great album! “Of Death”, “Venator” and “Beyond the Horizon” will remind many people of “Liberation = Termination”! Is that album still special for you?
【VILLE】: Every album is special. Without each album, we would not be here and there would not be “Darkness Invisible” album.
We had to write all the previous albums to be able to write “Darkness Invisible” album. I think it is quite impossible not to write music that would not remind of some other previous albums, especially when the song writer is the same and he is still writing the same genre music..
Q7: However, there are also plenty of symphonic parts on this album, such as “Seven”. Rather than a return to the roots, it seems to me that this album is more like a culmination of MPE, would you agree?
【VILLE】: I think this just was the natural way of continuing and I think Jori just wrote what he felt was right.
But yes, I think this album has influences from the first albums but also influences from the newer albums.
Q8: Mors Principium Est means “Death is just the beginning” in Latin. And the album also opens with the song “Of Death”. In a world where death, violence, and division have become the norm, what can heavy metal do?
【VILLE】: Actually it means, “Death is the beginning”. There is no “just” word in it. 🙂 Heavy metal can still keep going and continue to be heavy metal.
【VILLE】: Mors Principium Est とは、”死は始まり” という意味だ。 そこには “すぎない” という言葉はないよ。ヘヴィ・メタルはこれからもまだ続けることができるし、メタルであり続けることができる。
FIVE ALBUMS THAT CHANGED VILLE’S LIFE!!
Helloween “Keeper of the Seven Keys”
Metallica “Kill ‘em All”
At the Gates “Slaughter of the Soul”
Hypocrisy “Abducted”
Megadeth “Countdown to Extinction”
MESSAGE FOR JAPAN
I do like some Japanese series, like for example “Alice in borderland”. My oldest daughter loves Japanese anime. Finally I hope to see many people at out Japanese shows and lets have a great time together!
“I’ve never had world domination or fame as a goal ― just to write and perform my music, something I’ve lived off solely since I was nineteen, and something I’m incredibly grateful for. The least you can do is hug someone who supports your experimenting and songwriting.”
Anyone who attended FREAK KITCHEN’s first concert in Japan in a long time was surely surprised by the warmth of the venue. At least for me, it was the first time I’d ever experienced a live performance where there was such a clear barrier between the performers and the audience, and even between the audience members themselves. We were made to practice some mysterious Swedish, counted out odd time signatures, and laughed our heads off at Mattias’s comedy routines. The quality of the songs and the virtuosity of the instruments were undeniable, but more than that, it was a concert where I truly felt the joy of direct human connection.
It was an atmosphere born out of the extraordinary guitarist Mattias “IA” Eklundh, who values connections more than anyone else. He appeared in the audience before the show to shake hands with each person, and invited those who purchased his signature guitar to take photos with him. During the show, he livened up the venue with comedy routines and Swedish language lessons, bringing the audience together. In today’s world, where faceless social media interactions and, even more so, one-way “interactions” based on quotes are the norm, Mattias values face-to-face connections more than anyone else. He knows that without fans who engage with, enjoy, and support his unconventional experiments, it’s just “sound,” not music.
Mattias “IA” Eklundh’s “Freak Audio Lab” experiments are always joyful and filled with gratitude. Even within this lab, “Resist the Erosion” stands out as a monumental achievement.
Mattias’s project was born out of his admiration for Indian music, particularly the South Indian Carnatic music known as Konakkol. Konakkol is an art of vocally playing percussion syllables with highly intricate rhythms and signatures based on complex mathematical formulas. B.C. Manjunath has become a key advocate for this traditional Indian musical philosophy, incorporating it into the worlds of jazz and world music. That’s why Mattias, a lover of Carnatic music, was so thrilled when Manjunath contacted him about a collaboration that would fuse modern metal with ancient South Indian musical styles. Mattias’s laboratory, now a quartet of veteran musicians with bassist Lior Ozeri and drummer/percussionist Yogev Gabay, has produced 10 astounding tracks that sound like John McLaughlin had formed a whole new SHAKTI. When the Fibonacci-esque intricacies of the konakkol and mridangam meet Mattias’s djenty, eight-string modern metal universe, metal and guitar music are transported to another dimension. True innovation truly comes from pure passion and curiosity. 115/16, 34/4. Though colored by incredibly complex time signatures and instrumental counterpoint, there’s a swirl of stunning emotion and dense melody unfolding here. That’s what makes “Resist the Erosion” such an unprecedented landscape, and why Mattias “IA” Eklundh is a lifelong guitar scientist.
This time, we had the pleasure of interviewing Mattias “IA” Eklundh. This is his fourth appearance. Enjoy!!
FREAK AUDIO LAB “RESIST THE EROSION” : 10/10
INTERVIEW WITH MATTIAS “IA” EKLUNDH
Q1: First of all, could you tell us about your impression of your first tour in Japan in a really long time? What is Japan to you?
【MATTIAS】: Japan has always been close to my heart ever since my first visit in 1996 when we released Spanking Hour. It’s always a joy to come to your fantastic country, meet all the friends and listeners who have followed us through the years.
It was incredibly fun to play in Osaka and Tokyo again! The warmth from the audience was wonderful, and it really felt like we created a connection between the crowd and the band. The band and I hope to come back soon. A huge thank you to Keiichi Ishida and his team who dared to go against all the skeptical promoters and made our return happen completely on their own. There’s an enormous amount of work behind it, and for that, I am eternally grateful. Keiichi is also my collaborator, together with Harry’s Engineering, where we build Japanese guitars and the Puppy distortion pedal ― a company we call Freak Guitar Lab Japan.
Q2: So, it was really great show! There is no other place where there are no barriers between the performers and the audience as in FREAK KITCHEN’s live performances, which are warm, fun, and always bring smiles to the audience’s faces! What do you keep in mind when you perform live?
【MATTIAS】: We don’t think too much or plan things in advance. Christer, Björn, and I just go for it. No one pretends to be someone they’re not. If we mess up or make a mistake, we laugh heartily about it. We’re human just like everyone else, and the moment you let your guard down and allow yourself to make mistakes, all barriers between the band and the audience disappear. We absolutely loved everyone in both Osaka and Tokyo. An incredible response. A big thank you if you were there and are reading this.
Q3: How did you feel about the Japanese bands Rikugo and Ulma Sound Junction? Both of them have mentioned you as an influence and inspiration.
【MATTIAS】: Both bands were surprisingly good and very, very pleasant and easy to work with. Really great bands, and both delivered rock-solid performances, which made us even more fired up to do a great job when it was our turn.
Q4: So, tell us about the wonderful “Resist the Erosion”. First of all, what is Freak Audio Lab? Is it your solo project?
【MATTIAS】: Freak Audio Lab can be my solo project, a band, or whatever I want it to be, actually. The music I write gets to decide. In the case of the new album *Resist The Erosion*, it’s a band ― not a project ― with my absolutely incredible friends B.C. Manjunath, Yogev Gabay, and Lior Ozeri, who elevate my music in a remarkable way. I’m very proud and grateful that they want to work with me and that they’ve really put in the effort to do an amazing job. The album will always be a highlight in my artistic life. Hopefully, we’ll also be able to tour together and make more music in the future.
Q4: では、素晴らしき “Resist the Erosion” について話しましょう。まず、”Freak Audio Lab” とは何ですか？あなたのソロ・プロジェクトなんですか？
Q5: Still, I think “Resist the Erosion” is the best guitar album of the 21st century! Why did you feature Karnataka music, Konakkol and mridangam throughout your work?
【MATTIAS】: Thank you so much for your kind words. I don’t actually see the album as solely a guitar record ― if I did, I probably would’ve called it *Freak Guitar* something instead. It’s a record with an unorthodox combination of people and instruments. As you probably know, I have a weakness for Indian music, especially Carnatic, and getting to work with a legend like Manjunath is almost unbelievable. He’s simply the best in his field. The same goes for Yogev and Lior.
For me, music is very little about genre. I don’t care at all about what “goes together.” Sure, I play metal guitar with distortion and eight strings. But I enjoy working with synths or traditional or exotic instruments like the mridangam just as much. In the end, it’s just music ― the way I hear it.
Q5: “Resist the Erosion” は21世紀最高のギター・アルバムだと思いますよ！まず、なぜ作品全体にカルナータカ音楽、コナッコル、ムリダンガムを取り入れたのですか？
Q6: Why do you think Karnataka music, and more specifically Japanese and other ethnic music from around the world, harmonize so well with metal and electric guitar?
【MATTIAS】: Hard to say. There’s quite a lot of work behind creating a sound and flow where everything has its given place without disappearing. The mridangam is like an entire drum kit in itself and requires some effort to find its place next to Yogev’s kit ― we used over 25 channels to capture all the ambience and milk the whole setup. But in the end, it’s really cool when it all comes together and becomes one unit. Yogev and Manjunath also worked a lot together to not get in each other’s way. Lior is simply outstanding in his approach, and my smile was always ear-to-ear when I received everyone’s takes to work with in my studio.
Q7: Karnataka music is known as the most mathematically “rigorous” music in the world, and 115/16 is not something that an average person can count on! haha! Even in such a situation, Konakkol and your guitars often cross each other and play in unison. Do these miracles happen spontaneously?
【MATTIAS】: A lot of it is built on traditional Indian rhythms that I compose, arrange, and record. There’s no random factor involved. Everything is carefully constructed. Then I let it stay alive and didn’t edit or polish it (sometimes that’s needed, but not on *Resist The Erosion*). Both Manjunath and Yogev sent different rhythmic, Carnatic structures as possible inspiration when I started the pre-production, and many of their ideas I’ve woven into the music.
【MATTIAS】: 作品の多くは、私が作曲、編曲、そして演奏する伝統的なインドのリズムに基づいているんだ。そしてレコーディングされる。偶然の要素は一切ないんだよ。全てを丁寧に構築している。そして、そのままの状態を生かし、編集や磨きをかけたりはしなかったんだ。時には編集も必要だけど、”Resist The Erosion” ではそうではなかったからね。
プリ・プロダクションを始めた頃、Manjunath と Yogev はそれぞれ異なるリズムやカルナータカ様式をインスピレーションとして送ってくれ、彼らのアイデアの多くを音楽に織り込んでいるよ。
Q8: You previously released a song called “Kintsugi,” and this time it is “Nekojita”. We are very happy that you chose a Japanese word for the title, but why did you choose such a word?
【MATTIAS】: Haha, I don’t really know. I think the idea behind Kintsugi is beautiful ― to celebrate the imperfect and make it even more beautiful. I actually think I got the idea while watching an episode of *Ted Lasso* on AppleTV+. Beautiful word, beautiful thought.
Nekojita has always been a favorite word because I myself am a bit of a wimp when it comes to food and drinks that are too hot. There’s something powerful about the Japanese language that’s also percussive. There will probably be more Japanese titles in the future.
Q9: The title “Resist the Erosion” seems to me to be a message about resisting the erosion from the “darkness” of today’s instant culture, division, slander, and oppression, how about that?
【MATTIAS】: Above all, it’s about not stagnating, about exploring new ground. Of course, we live in a strange time, especially with the total daily information bombardment that leaves you not knowing whether you’re coming or going. The best thing, for me, is to ignore it and shape my life the way I want it ― with what’s good for me: my family, music, nature, and the freedom to create without preconditions.
Q9: “Resist the Erosion” “侵食に抵抗する” というタイトルは、現代のインスタントな文化、分断、誹謗中傷、抑圧といった “闇” による侵食に抵抗するというメッセージのように思えます。
Q10: Lastly, I feel that you value the actual “connection” between people very much. For example, you walk around the venue before a concert to interact with fans, take pictures with each person who buys your guitar to express your appreciation, and so on. Such “connections” that transcend country, language, race, and religion are very important in times like these, would you agree?
【MATTIAS】: Absolutely. I do what feels natural, and I love meeting people who enjoy my craziness. Deep down, we’re all the same. Many times, I’ve elbowed my way out after performances, against the organizers’ reluctance, just to chat for a while with wonderful listeners. Who am I without them? My music would live in a vacuum if no one listened. I’ve never had world domination or fame as a goal ― just to write and perform my music, something I’ve lived off solely since I was nineteen, and something I’m incredibly grateful for. The least you can do is hug someone who supports your experimenting and songwriting.
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MARKUS VANHALA OF OMNIUM GATHERUM !!
“I actually have Alexis old Chevy Monte Carlo SS as his sister wanted me to get it after Alexi passed away. I’ve been cherishing and building it to the max, and Alexi would really respect in what shape and supercharged and LOUD the car is nowadays. It’s fun!”
DISC REVIEW “MAY THE BRIDGES WE BURN LIGHT THE WAY”
「実は今、Alexi の古いシボレー・モンテカルロSSを所有しているんだ。Alexi が亡くなった後、彼の姉が私に譲りたいと言ってくれたんだ。これまで大切にして、最大限に磨き上げてきたんだ。今のこのマシンの出来栄え、スーパーチャージャー、そして大音量を、Alexi もきっとリスペクトしてくれると思う。楽しいよ！」
スウェーデンのイエテボリで生を受けたメロディック・デスメタル。しかし、その発展は決してスウェーデンとイエテボリだけが担ってきたわけではありません。特に、フィンランドとメロデスの蜜月はあまりにも濃密で、同時に革命的でもありました。英雄 AMORPHIS のカレワラに端を発したフィンランドのメロデスは、MORS PRINCIPIUM EST の常軌を逸したシュレッドや、INSOMNIUM の映画のような風景で常にその領域を拡大し続けています。
そんなフィンランドの創造的なメロデス、その両輪として牽引し続けたのが CHILDIEN OF BODOM と OMNIUM GATHERUM だったのです。そして、Alexi Laiho の悲劇的な死から5年。OMNIUM GATHERUM, INSOMNIUM, CEMETERY SKYLINE でギターを紡ぐ Markus Vanhala は Alexi の愛車と遺志を今日も守り続けています。
「僕は Mutt Lange と DEF LEPPARD の大ファンなんだ。実は前作の “Origin” の時、メロデスの “Hysteria” バージョンを作ろうと思ったって冗談を言ったくらいでね。だから、80年代のロック用語で僕らの音楽を “アダルト・オリエンテッド・デスメタル” と呼ぶんだよ。これはデスメタルのアリーナ・ロックを目指す “AORデスメタル” みたいなもの。ステレオタイプ的には “メロデス” というジャンルは狭すぎるように思えるかもしれないけど、僕は固定観念にとらわれずに考えるようにしているからね」
Markus が居城 OMNIUM GATHERUM で目指す革命は AOD。アダルト・オリエンテッド・デスメタルの構築です。そして実際、”May The Bridges We Burn Light The Way” には、DEF LEPPARD が “Hysteria” で成し遂げた透明で奥深くもキャッチーなアリーナ・サウンド、DOKKEN が誇ったカミソリのようなギター・リード、EUROPE のカラフルでゴージャスな哀愁がたしかに存在しています。
なにより重要なのは、前作 “Origin” ではそうした “80、90年代のAORサウンド” を加えることで減退したかのように感じられたメロデスの源衝動、慟哭が今作においてはいささかも失われてはいないことでしょう。いや、むしろシームレスに洗練されたノスタルジアを注ぐことで、OMNIUM GATHERUM が創造してきたメロデスの輪郭がより鮮やかに、色味を増して新鮮に感じられるのです。
「実はメロディック・デスメタルという言葉ももう好きじゃないんだよね。でも、ジャンル名が必要なのは理解している。僕は OMNIUM GATHERUM の音楽をただ “ヘヴィ・メタル”と呼ぶのが好きでね。それが僕らの音楽だから。Bjorn Strid は僕と音楽への愛がすごく似ているんだ。デスメタルからAOR、そしてその間の音楽まで、僕らの音楽の幅広さには音楽的に深い繋がりを感じていてね。だから、彼と一緒に仕事をするのはすごく楽しかったんだ」
だからこそ、SOILWORK の誰あろう Bjorn Strid をこの作品のプロデュースを手掛けたのはまさに天啓でした。70年代のプログレッシブ、80年代のAOR、そして90年代のメロデスをこよなく愛し、近年の SOILWORK 及び NIGHT FLIGHT ORCHESTRA でその素養を遺憾なく発揮している Bjorn と組むことで、Markus の楽曲は例えば “My Pain” の近未来的スリルや “Last Hero” のアリーナ・メタル的威風堂々、そして “The Darkest City” のメロデスとプログの夢幻回廊まで、その陶酔感の螺旋はより克明に描き出されることとなりました。メロデスの守護者でありながら開拓者でもあり続ける OMNIUM GATHERUM こそ、フィニッシュ・メタルの王に違いありません。
今回弊誌では、Markus Vanhala にインタビューを行うことができました。「僕が持っているのは、国際ビジネスと物流学なんだよ。友達にいつも笑われるんだけどね。学位に関係する仕事なんて一つもしてないって言われて(笑)。でも、僕はいつも “本当にそうかな？” って聞いてるんだよ。だって、このレベルのバンドはみんな会社を経営しているからね。僕もこのバンドの会社に深く関わっていて、基本的に必要なのは国際ビジネスと物流学だよね？だから、会社経営のコツやちょっとした落とし穴を知るのに役立ってるんだよね」 どうぞ！！
OMNIUM GATHERUM “MAY THE BRIDGES WE BURN LIGHT THE WAY” : 10/10
INTERVIEW WITH MARKUS VANHALA
Q1: Few people in the metal world are as talented and busy as you are! I loved Manitou and Wolftrap, but now you are working with Omnium Gatherum, Insomnium, and Cemetery Skyline, right? How do you separate each of them musically?
【MARKUS】: Arigato from your nice words! I’ve always been a busy bee and operating on different bands simultaneously since I started playing, maybe it’s some musical ADHD or maybe I got bored on doing just only own thing. Awesome that you remembered my old bands like progmetal Manitou and even hard rocking Wolftrap, you’ve been digging deeper. As of today, I play in OG, Insomnium, Cemetery Skyline and I Am The Night. In my own head these bands are completely different sides of my musical adventures, so it’s pretty clear to me what riff and melody goes to what band. Actually I was already really busy with OG and Inso, but during pandemic era I was bored and just had to write music all the time to keep my sanity together, so that’s how the friend gathering bands CemSky and IATN came together and I’m really happy they did.
【MARKUS】: 素敵な言葉をありがとう！僕は演奏を始めた頃からずっと忙しくて、複数のバンドを同時進行で活動してきたんだ。音楽的なADHDなのか、自分のことだけをやるのに飽きてしまったのかもしれないね。プログ・メタルの MANITOU やハードロックの WOLFTRAP といった昔のバンドを覚えていてくれて嬉しいよ。より深く掘り下げてきれているね。
現在、僕は OMNIUM GATHERUM, INSOMNIUM, CEMETERY SKYLINE, そしてI AM THE NIGHT で演奏しているんだ。僕にとってこれらのバンドは、自分の音楽的冒険における全く異なる側面なので、どのリフやメロディーがどのバンドに合うかは明確に分かっているんだよね。実は、OMNIUM GATHERUM と INSOMNIUM ですでにかなり忙しかったんだけど、パンデミックの時期は暇で、正気を保つためにずっと曲作りに励まなければならなかったんだ。それで友達を集めてバンドを組むことになったんだよね。彼らとやれて本当に嬉しいよ。
Q2: With such a busy schedule, I am surprised that you have a bachelor’s degree in business administration! Does business administration actually help you to live in the metal world?
【MARKUS】: Yeah, I read that bachelor degree ages ago when I wasn’t that busy yet on touring et all. My degree is actually international business and logistics, and my friends are always laughing to me that I haven’t done a day work that relates to my degree, and I always ask them really? Because all bands have own companies to run behind them on this level, which I am highly involved and it’s basically just international business and logistics, right? So it does help on some business tricks and traps as running a company. I almost got finished another degree too, that was culture producer but after two years of studying that I was just way too busy with all my music adventures to get this done.
Q3: Members and former members of Insomnium have studied chemistry or biology in college or are doctors. In a world where you can no longer make money from music, is it important to diversify and diversify your sources of income?
【MARKUS】: Well, I think all of us got the degrees when we really thought we can live thru music, which we happily have actually during over the past 10 years already or so. So that’s actually possible even todays music world, if you do your stuff right and keep yourself busy.
Q4: “May The Bridges We Burn Light The Way” is a really great album! Your music and guitars are very sophisticated and urban, as is the case with Insomnium and Cemetery Skyline. Sometimes people say that melo-death is outdated or rustic, but your music is just the opposite, would you agree?
【MARKUS】: Thanks, I try to get my ingredients outside the ”melodeath field” to keep it interesting and I try to keep my par high to not get boring player or songwriter. I try to stay away on easy solutions in music that sounds they’ve been done many times before, and those riffs belong to my trash bin on my studio computer hehe. My biggest musical loves are 90’s death metal, 80’s hard rock and 70’s heavy and progressive rock. I’m always and eternally too searching new sounds and equipment and I am guitar gear nerd and my collection of guitars, amps and pedals start to be quite wide, so there’s a lot to adventure with my music. For OG my view have always been melodeath with 80’s rock twist and guitar heroism between the lines, and somehow cinematic melodies and soundscapes with song structures. I pretty much see my songs and music many times as landscapes or movie scenes, so I kind of ”see my music”, and when they tell a complete story then I know I am on the right path.
Q4: それにしても、”May The Bridges We Burn Light The Way” は本当に素晴らしいアルバムですね！
INSOMNIUM や CEMETERY SKYLINE でもそうですが、あなたの音楽やギターは洗練されていて都会的です。メロデスは時代遅れだとか、田舎臭いと言う人もいますが、あなたの音楽はそうした評判とは正反対だと思いますよ。
Q5: When I heard this album, the first thing I remembered was Def Leppard’s “Hysteria”. It’s strange to say this about a melo-death band, but the beautiful production, guitar sounds, and arena rock sophistication that Mutt Lange seems to do. This wonderful nostalgia felt very fresh when it met Melo-death! That’s why it makes sense that Bjorn of Soilwork, who loves AOR, is producing it. In fact, is one of your goals to expand the narrow confines of Melo-death?
【MARKUS】: Nice you spotted this, as I am huge Mutt Lange and Def Leppard fan. Actually with the previous ”Origin” album, I joked that we tried to do ”Hysteria” version of melodeath. That’s why we in 80’s rock terms call our music ”adult oriented death metal” – that’s like AOR-death metal which aims like arena rock death metal. I agree that stereotypically ”melodeath” field seems quite narrow, but I try to think outside the box. I actually don’t like the term melodic death metal anymore, but I understand the genre titles are needed to give some explanations to people. I like to call OG’s music ”heavy metal”, as that’s what we are. Björn Strid really shares the similar love for music than I do, so our range from death metal to AOR and between felt like a deeper connection in music, so he was naturally great to work with him on vocal production.
【MARKUS】: 気づいてくれて嬉しいよ。僕は Matt Lang と DEF LEPPARD の大ファンなんだ。実は前作の “Origin” の時、メロデスの “Hysteria” バージョンを作ろうと思ったって冗談を言ったくらいでね。だから、80年代のロック用語で僕らの音楽を “アダルト・オリエンテッド・デスメタル” と呼ぶんだよ。これはデスメタルのアリーナ・ロックを目指す “AORデスメタル” みたいなもの。ステレオタイプ的には “メロデス” というジャンルは狭すぎるように思えるかもしれないけど、僕は固定観念にとらわれずに考えるようにしているからね。
実はメロディック・デスメタルという言葉ももう好きじゃないんだよね。でも、ジャンル名が必要なのは理解している。僕は OMNIUM GATHERUM の音楽をただ “ヘヴィ・メタル”と呼ぶのが好きでね。それが僕らの音楽だから。Bjorn Strid は僕と音楽への愛がすごく似ているんだ。デスメタルからAOR、そしてその間の音楽まで、僕らの音楽の幅広さには音楽的に深い繋がりを感じていてね。だから、彼と一緒に仕事をするのはすごく楽しかったんだ。だから、ヴォーカル・プロダクションで彼と仕事をするのは当然素晴らしいことだったよ。
Q6: In terms of changing melo-death, so did Children of Bodom, also from Finland, with its power metal, classical shred, and 80s sounds. Alexi Laiho has been gone for 5 years now, what was he and his music like for you?
【MARKUS】: Of course Alexi was huge inspiration and genre inventing genius for metal and for Finnish music export, and as also a great dude and a character. When ”Something Wild” came out in 90’s it changed everything, it was really my cup of tea as it included death metal and guitar virtuosity of the 80’s, so my big loves and connected with turbo boosted songs. We toured together few times, and always liked to speak about music and US muscle cars, as we both liked them. Now I actually have Alexis old Chevy Monte Carlo SS as his sister wanted me to get it after Alexi passed away. I’ve been cherishing and building it to the max, and Alexi would really respect in what shape and supercharged and LOUD the car is nowadays. It’s fun!
Q6: メロデスを変えたという意味では、同じフィンランド出身の CHILDREN OF BODOM もパワー・メタル、クラシカルなシュレッド、そして80年代サウンドでメロデスに大きな影響を与えました。
Alexi Laiho が亡くなって5年になりますが、彼と彼の音楽はあなたにとってどのような存在でしたか？
Q7: People like you and CoB are heroes for breaking down barriers, but you must have had your share of criticism from the “gatekeepers of melo-death”. The title “May The Bridges We Burn Light The Way” and the album itself show your determination not to be swayed by such criticisms, would you agree?
【MARKUS】: Yeah, the title says it all – you cannot please every one and don’t let it stop you. Like Lemme said, ”don’t let the bastards bring you down” so this title is kind of like a synonym for that phrase. I’ve noticed many times that OG annoys that kind of ”musical gatekeepers” or ”genre polices”, like we’re too light for death metal but too brutal for heavy metal, but I could not care less and I just wanna do my own thing. Happily we’ve found a steady OG army to follow our band and style and people know what to expect from us.
Q7: あなたやCoBのような人たちは壁を打ち破るヒーローですが、”メロデスの門番” たちから批判も受けてきたでしょうね。 “May The Bridges We Burn Light The Way” “ニ度と戻らないと燃やした後ろの橋が、先行く道を明るく照らすように” (ビバリーヒルズ青春白書: ディラン・マッケイの有名なセリフ)というタイトルやアルバム自体が、そうした批判に動じないというあなたの決意を表していると感じました。
【MARKUS】: そうだね、タイトルが全てを物語っているよ。すべての人を満足させることはできないけど、同調圧力に屈してはいけない。Lemmy が言ったように、”ろくでなしどもに負けるな”。だからこのタイトルは、ある意味その言葉の同義語みたいなものなんだよ。
OMNIUM GATHERUM が “音楽の門番” や “ジャンルの規制” みたいなものに苛立たしい思いをすることは何度もあったよ。例えば、デスメタルには軽すぎるけどヘヴィ・メタルにはブルータルすぎるとか。でも、僕はそんなことは気にしない。自分のやりたいことをやりたいだけなんだ。ありがたいことに、今では僕たちのバンドとスタイルを応援してくれるOGの安定したファン層ができて、みんな僕たちに何を期待していいか分かってくれている。
Q8: Tomas Lindberg’s death had a huge impact on the scene, what was the 90’s and the Gosenburg scene like for you?
【MARKUS】: Early 90’s and Swedish death metal in general, and Gothenburg scene was important for OG when we started this band. As also Finnish scene with bands like Sentenced, Amorphis, Stratovarius that showed to us lil’ boys that you can make international success out of our small country barriers. At The Gates and Tompa were one of the most important influences with his unique voice and ”Slaughter OF The Soul” album, alongside ”Subterranean” of In Flames, ”Gallery” of Dark Tranquillity and ”Crimson” of Edge OF Sanity. Those were super-interesting times to find these new bands and suck the influences out of these bands to our own new thing.. I was just in Brazil with Cemetery Skyline on tour, when we got the news from Tompas death and it hit us really hard, especially as CemSky band members Mikael Stanne and Victor Brandt were his really close friends. So we respected him on a silent moment on stage and his picture on the screen during the show.
Q8: Tomas Lindberg の死はシーンに大きな衝撃を与えました。90年代とイエテボリのシーンはあなたにとってどんな存在でしたか？
【MARKUS】: 90年代初頭、スウェーデンのデスメタル全般、そしてイエテボリのシーンは、僕たちがバンドを始めた頃の OMNIUM GATHERUM にとって重要だった。同時に SENTENCED, AMORPHIS, STRATOVARIUS といったバンドが活躍したフィンランドのシーンも、若い僕たちに、小さな国という壁を乗り越えて国際的な成功を収められることを教えてくれたんだ。
AT THE GATES と Tompa は、その独特な声とアルバム “Slaughter OF The Soul” で、IN FLAMES の “Subterranean”、DARK TRANQUILLITY の “Gallery”、EDGE OF SANITY の “Crimson” と並んで、最も大きな影響を与えたバンドの一つとなったね。当時は新しいバンドを発掘し、そこから自分たちの新しい音楽に取り入れていくという、とても興味深い時期だった。
ちょうど CEMETERY SKYLINE のツアーでブラジルにいた時に Tompa の訃報を聞き、僕たちは本当にショックを受けたんだ。特に CEMETERY SKYLINE のメンバーである Mikael Stanne と Victor Brandt は親友だったからね。だから、ステージ上で沈黙を守り、ショーの間にスクリーンに映し出された彼の写真を通して、僕たちは彼に敬意を表したんだ。
FIVE ALBUMS THAT CHANGED MARKUS’S LIFE !!
Europe “Final Countdown”
That was my first love when I saw that as a 5 year old kid from TV and I immediately insisted my parents to get it for me and I listened this 10 times a day back then and it shaped my future with rock and metal!
This was the testimony for me after Europe that I’ve found the right path to follow and it was something out of this world on this album. Adrian Smith and his guitar solo on ”Stranger in a Strange Land” opened my eyes that I wanna play guitar.
EUROPE の後、自分が進むべき正しい道を見つけたという証となった。このアルバムにはこの世のものとは思えないほど素晴らしい音楽があった。Adrian Smith と彼の “Stranger in a Strange Land” でのギターソロは、ギターを弾きたいと強く思わせてくれたんだ。
Ozzy Osbourne & Randy Rhoads ”Tribute”
This was my deeper book and bible for guitar playing and showed me how to execute it all. This album got me rehearsing and playing guitar all the time in my parents basement. ”Mr Crowley” was the solo that I got fixation to execute that I HAVE TO LEARN THIS. It took hours, days, months, but then I did it. Around 13 years old.
For all mid 90’s metal albums I think this was the last rite that we had to form Omnium Gatherum with my buddies, as this album connected Iron Maiden and death metal, my two main loves back then (*another album I have to mention for this OG beginning was ”Symbolic” by Death which was as important as this IF album!)
90年代中盤のメタル・アルバムの中で、これは仲間たちとOMNIUM GATHERUM を結成するための最後の儀式だった。このアルバムは、当時僕が最も愛していた IRON MAIDEN とデスメタルを繋ぐものだったからね。（OMNIUM GATHERUM の始まりとして、DEATH の “Symbolic” も忘れてはいけないね。これもこのアルバムと同じくらい重要なアルバムだ！）。
Type O Negative ”October Rust”
That was my pathway to gothic music and back to more melodic music after my death and black metal years in later 90’s. ”Love You To Death” was also my wedding song – so it totally changed my life again way afterwards!
ゴシック・ミュージックへの道、そして90年代後半のデスやブラック・メタル時代を経て、僕がよりメロディックな音楽へと回帰するきっかけとなった。”Love You To Death” は僕の結婚式のテーマソングでもあった。つまり、その後ずっと僕の人生を変えたんだ！
MESSAGE FOR JAPAN
Oh yes, I love Japan and Japanese culture especially as it’s so different than our own. My all-time Japanese favorites are of course your food (I am a great sushi cook and do it all the time at my home!), Hayao Miyazaki anime movies, Loudness’ music from the 80’s and Japanese martial arts – when I was a teenager i was active in Shukokai karate and I loved it. Our shows always in Japan are really special warm moments for me, and i cherish them in my heart and hopefully we’ll be back asap there with our new album tour! See ya!
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NICKLAS SONNE OF DEFECTO !!
“Melody is what makes it human. You can feel aggression and emotion through growls and screams, but clean vocals bring vulnerability – and that’s powerful.”
Q1: First of all, what kind of music did you grow up listening to?
【NICKLAS】: I grew up surrounded by all kinds of music – everything from classical to pop and heavy metal. But the moment I discovered bands like Metallica, Judas Priest, Alice Cooper, and later Symphony X and Dream Theater, something clicked. I was drawn to powerful melodies, big emotions, and the kind of musicianship that told a story without words. That combination of raw energy and deep feeling is what shaped me the most.
Q1: 本誌初登場です！まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか？
【NICKLAS】: クラシックからポップス、メタルまで、あらゆる種類の音楽に囲まれて育ったんだ。でも、METALLICA, JUDAS PRIEST, Alice Cooper、そして後に SYMPHONY X や DREAM THEATER といったバンドを発見した瞬間、何かがカチッとはまったんだよね。力強いメロディー、大きな感情、そして言葉を使わずに物語を語るような音楽性に惹かれたんだ。そのむき出しのエネルギーと深い感情の組み合わせこそが、僕を形成した最大の要因となったね。
Q2: Your technique and singing skills are among the best in the metal world, how did you acquire them? Who were your heroes back then?
【NICKLAS】: Thank you so much! That really means a lot. I’ve always been obsessed with learning and improving – not just as a singer or guitarist, but as a musician overall. I started playing guitar when I was around 11, and I spent countless hours every day practicing, recording, and studying my favorite artists. I started singing when I was 18, not until then did I dare venture towards that. For me, singing has always been very personal and “naked”, and it took me a great deal of courage to start trying to sing and record my own voice.
Some of my biggest heroes were and are Russell Allen, James Hetfield and Dio. Each of them had something unique – power, emotion, or theatricality – and I tried to learn a little from all of them while finding my own sound. I have always been inspired by musical singers and opera singers too – amazing the ability they have to tell a story with their voice.
【NICKLAS】: 本当にありがとう！とても嬉しいよ。僕は常に学び、向上することに夢中だったんだ。シンガーやギタリストとしてだけでなく、ミュージシャンとしてね。僕は11歳くらいからギターを始め、毎日何時間もかけて練習し、レコーディングし、好きなアーティストを研究していたんだ。18歳で歌い始めたけど、その時になって初めて、歌に挑戦する勇気が出たんだよ。僕にとって、歌うことは常にとても個人的で “裸” なものであり、自分の声で歌い、レコーディングを始めるのには、かなりの勇気が必要だったからね。
僕のヒーローの中には、Russell Allen, James Hetfield, Dio がいる。彼らは皆、力強さ、感情、演劇性など、何か独特なものを持っていたからね。僕は自分自身のサウンドを見つけながら、彼ら全員から少しずつ学ぼうとしていったんだ。ミュージカル歌手やオペラ歌手からも常にインスピレーションを受けてきたよ。彼らが声で物語を伝える能力には驚かされるばかりだ。
Q3: Speaking of Denmark, there are many great bands, though not many, such as King Diamond, Mnemic, Dizzy Mizz Lizzy, Volbeat, and Vola. How do you draw inspiration from these predecessors and the scene?
【NICKLAS】: Denmark has a small but very passionate scene, and I think that’s part of what makes it special. Bands like King Diamond and Dizzy Mizz Lizzy showed that you can create something truly unique even from a small country. They weren’t trying to copy anyone – they built their own identity, and that’s very inspiring to me.
Defecto has always wanted to do the same – to represent Danish metal internationally while keeping our own sound and message.
Q4: What’s great about you is that what appears to be symphonic, ultra-melodic, metal-like metal is actually a labyrinth of riffs and beats, and the music is full of intelligence! There are very few bands in the world that do that! Why did you choose to do it that way?
【NICKLAS】: That’s such a kind compliment – thank you! For us, it’s about balance. We love melody and emotion, but we also love the chaos and technical side of metal. So we try to build songs that are complex underneath but still connect emotionally on the surface and in most melodic vocal parts are easy to follow and get into.
It’s not complexity for the sake of showing off – it’s about creating layers that reveal more every time you listen. That’s where the real magic is for me.
Q5: Complexity meets passion. Your methodology is different from the typical prog metal of Dream Theater, Symphony X, Gojira, BTBAM, etc. How do you feel about being called prog metal?
【NICKLAS】: I think it’s fair, but I also think Defecto is a bit of a hybrid. We have the progressive elements, yes – but our heart is very melodic and groovy. We don’t write long songs just to be “prog”; we write them because that’s where that particular story takes us.
If people call us progressive because we explore new sounds and structures, that’s a compliment. But at the core, we just write what feels honest.
Q6: As evidenced by Dream Theater’s Grammy and Ozzy Osbourne’s “Mama I’m Coming Home,” it seems that “singing,” sing-alongs, and melodies have returned to the world of heavy metal in recent years. Of course, Nicklas can sing everything from high tones to growls, but how do you feel about the power of clean vocals returning to metal?
【NICKLAS】: I love it. I’ve always believed that melody is timeless. No matter how heavy or complex a song is, melody is what makes it human. You can feel aggression and emotion through growls and screams, but clean vocals bring vulnerability – and that’s powerful.
I think it’s amazing that the metal scene is embracing both sides again – because real emotion lives somewhere between the beauty and the chaos.
Q7: “Echoes of Isolation” is a great album that turns various emotional pains and struggles into strength, and the music allows the listener to experience this concept, would you agree?
【NICKLAS】: Absolutely. That’s exactly what we wanted to achieve. Echoes of Isolation explores mental illness – depression, OCD, PTSD, paranoia, schizophrenia, and more – and how those struggles shape your view of the world.
It’s an emotional journey through darkness and light, but it’s also about finding strength and peace within it. If listeners feel understood or less alone because of this album, then we’ve succeeded.
Q7: “Echoes of Isolation” は、本当に素晴らしいアルバムですね！様々な感情的な痛みや葛藤を強さに変えていくストーリー、そして音楽がリスナーにそのコンセプトを追体験させてくれますね？
【NICKLAS】: その通りだよ！まさにそれが僕たちがやりたかったことなんだ。”Echoes of Isolation” は、うつ病、強迫性障害、PTSD、パラノイア、統合失調症などの精神疾患と、それらの葛藤が人の世界観をどのように形作るかを探求しているんだ。
これは闇と光を巡る感情の旅だけど、同時にその中で強さと平和を見つけることでもある。もしリスナーがこのアルバムを通して理解されたと感じたり、孤独感が和らいだと感じたりするなら、僕たちの挑戦は成功したと言えるだろうね。
Q8: In the 2020s, the world is in a dark time of war, pandemics, division, oppression, violence and falsehoods. What can heavy metal do in such a dark world?
【NICKLAS】: Metal has always been a mirror of reality – but it’s also a way to rise above it. I think heavy music gives people an outlet for frustration, pain, and hope. It unites people who feel disconnected and reminds them that they’re not alone.
We can’t fix the world, but we can make people feel something real – and that’s a powerful start.
Japan has an incredible culture – the mix of tradition, art, and modern creativity is fascinating. I grew up with Japanese games and anime, and I’ve always admired the passion and precision in Japanese music.
To our fans in Japan: thank you for your support and for always showing such love for music. We hope to come play for you again very soon – and when we do, we’ll bring the full energy of Echoes of Isolation with us.
Arigatou gozaimasu!
日本には素晴らしい文化があり、伝統、芸術、そして現代的な創造性が融合しているところが魅力的だね。僕は日本のゲームやアニメで育ち、日本の音楽の情熱と精密さにいつも感心しているんだ。
いつもサポートしてくれて、音楽への愛情を示してくれてありがとう。またすぐにみんなの前で演奏できることを願っているよ。その時は、”Echoes of Isolation” のエネルギーを全開で届けるね。ありがとうございます！
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ANATOLY PAKHALENKO OF NYTT LAND !!
“Throat singing is a real treasure, the heritage of our indigenous peoples. We use throat singing in our music quite actively, as it is an incredible magic and it is our connection with our ancestors.”
DISC REVIEW “SONGS OF SHAMAN”
「私たちにとってシベリアで暮らすのは、世界のどの地域よりもずっと簡単なんだ。 ここは私たちの祖国であり、祖先の土地であり、自分たちのルーツを大切にして、伝統を守ることが重要なんだよ。 私たちはアジア人で、ライフスタイルの面では非常に保守的だ。 フランス、ノルウェー、セルビアなど、他の国や大都市への移住を何度も勧められよ。でも、私たちはそんなことはしたくない。 どこまでも続く美しい草原、山々、森といった生まれ育った土地を離れることは、私たちにとって大きなストレスになる。 ここが私たちの人生のすべてであり、私たちが生まれた場所であり、先祖が生まれた場所であり、私たちの一部であり、だからこそ私たちはここに住んでいるのだよ」
シベリアの大地に深く根を張る NYTT LAND の作品は、2021年の “Ritual” を皮切りに、北欧のフォーク・ミュージックからシベリアの伝統をより深く表現するダークな音楽へと徐々に移行し、最新アルバム “Songs Of The Shaman” で頂点を極めました。
満州・ツングース民族のシャーマニズム的な歌や呪文を、彼ら自身の言語と伝統楽器を用いて解釈することで NYTT LAND は自らの古代文化を守り、より幅広いオーディエンスに届けることを目指しています。NYTT LAND の音楽を聴けば、かつてシベリアに広がっていた風景や営みが心に深く刻まれるような感覚を覚えます。それは、まさに太古の昔からもたらされた音のささやき。 これはもはや、地球上で最も古い文化を巡る魅力的な旅。そして、”Songs Of The Shaman” でその旅路の鮮やかさは一段と際立っています。
「ホーミーはシベリアとモンゴルの先住民の伝統的な歌唱法なんだ。こうした伝統的な歌い方は、世界中のどこを探しても見つからない。もし誰かが、バイキングの間でのどを使った歌い方があったという話をしたら、その人の顔にツバを吐いてもいいだろう。現在では、喉歌をヨーロッパ民族のものとすることが非常にポピュラーになっているけど、これはまったくのナンセンスだよ。喉歌は、先住民族の遺産であり、真の宝なんだ。私たちが非常によく喉歌を使うのは、喉歌が信じられないような魔法であり、祖先とのつながりでもあるからなんだ」
伝統的なシャーマニズムの歌と呪文を解釈した NYTT LAND の音楽。すべての曲は原語で録音され、喉歌や太鼓などの非常に古い音楽技法が用いられています。そうして彼らは、イントネーションとリズムからも生まれる魔法の力を逃さないようにしています。降霊術、呪文、祝福…古代の魔法は、慎重に選択され、有害な呪いは意図的に排除されていきました。NYTT LANDは聴く者すべてを、精霊たちが今も支配し、神々でさえも恐れる時空の秘境、音楽の旅へと誘います。
そうしてこの音の旅は、原始的な人間性に対する理解を何よりも深めてくれるはずです。真っ暗な草原の夜空の下、焚き火のそばに座り、シャーマンが祖先、星々、そこに宿る神々、そしてこの極寒の地を形作る岩や川についての物語を紡ぐのをただ聞いている。そしてシャーマンが炎の中で喉歌を歌い踊る姿に目を奪われる…そこに広がるのは民俗神話の荘厳なる世界。
そう、NYTT LAND こそ古の草原を旅する真の音楽遊牧民。そしてもちろん、この原始と神話、古代の再来は、NYTT LAND が祖先、土地、ルーツと伝統を心から大切にしてきたからこそ成り立っているのです。
今回弊誌では、Anatoly Pakhalenko にインタビューを行うことができました。妻 Natalia とのユニット。「私たちはメタルを演奏するのではなく、伝統的な儀式のフォークロアとその音楽における解釈を研究しているんだ。 そう、私たちの聴衆の一部は間違いなくメタル・ヘッズで、それはクールなことだ。 これは、私たちの音楽がすべての人の魂に触れ、ある種の感情を呼び起こすことを意味している」 ARKONA との来日も決定。どうぞ！！
COVER STORY : STRAPPING YOUNG LAD “30TH ANNIVERSARY”
“Obnoxious music with super fast double kick, lots of random explosions and a bald guy screaming his balls off over top. Stress music made for catharsis.”
STRAPPING YOUNG LAD
Devin Townsend は、VAI の1993年のアルバム “Sex & Religion” で世に出ました。二人はその後、それぞれ別々に大成功を収めていますが、Steve Vai は Devin との仕事の思い出を今でも大切にしています。
「Devin は全身全霊で音楽に打ち込んでいたね。彼と一緒にいて、初めて彼の才能が自分の音楽にどう役立つかに気づいたんだ。彼は素晴らしいシンガーだった。彼はどんな歌でも歌えるんだ。そして本当に面白くて、奇抜で、ワイルドで、そういうところが大好きだった。でも、当時は彼が真にクリエイティブな人間だとは気づいていなかった。VAI は私が仕切っていたからね。でも、彼は私のバンドで活動して、何かを学んだんだろう。一度ツールを手に入れると、爆発的に成長した。とにかく表現したかったんだ」
Vai は Devin が作り上げた STRAPPING YOUNG LAD の2005年のアルバム “Alien” がお気に入りだと明かし、そのメロディアスで圧倒的な内容は “研究” に値するとまで称賛しています。そして誰がその言葉に異論を唱えられるでしょう？”Alien” は不健康な状況下で制作された（Devin が双極性障害の薬を断薬していた）にもかかわらず、メタル史に残る傑作となりました。
「Devin についてもう一つ言わせてくれ。彼の音楽は、どんなに激しいものでも、邪悪なものではない。その奥には、光、変革を求める、輝かしい欲求がある。彼の創作活動をずっと見てきた。彼の音楽が、彼にとってカタルシス的なプロセスとなり、自分自身の心に安らぎと心地よさを見出していく過程を目の当たりにしてきたんだ。STRAPPING YOUNG LAD の “Alien” は研究する価値がある。あの作品は、これまで聴いた中でも、これほどまでに強烈な作品はなかったよ」
STRAPPING YOUNG LAD は、Devin Townsend の作品群の中でも特別な位置を占めています。このバンドのヘヴィ・メタル的文脈を構成するインダストリアル、グルーヴ・メタル、デスメタル、ノイズの要素は、同時期の Devin の他のソロ作品にも存在し、同様に、ザッパ以降のシアトリカルでパノラマ的なシネマティック・プログは、STRAPPING YOUNG LAD のすべてのレコードに深く織り込まれています。そのため、サウンド面では意外にもそれほど深い差別化はないようにも思えますが、STRAPPING YOUNG LAD を信奉するファンは未だに絶えません。
もちろん、このオールスターバンドのメンバーが Jed Simon（ギター、当時はインダストリアル・グループFRONTLINE ASSEMBLY に在籍）、Byron Stroud（ベース、2004年から2012年までは FEAR FACTORY にフルタイムで参加）、Gene Hoglan（史上最高のエクストリーム・メタル・ドラマー）だったことはプラスに働きました。しかし、それ以上にこのバンドは Devin Townsend の血と汗と涙と才能と怒りと双極性障害、そのすべてを凝縮していたからこそ特別だったのです。
「OCEAN MACHINE の “The Death of Music” はまるでファンタジーの世界みたいだ。行くべき場所があるような気分になれる。うまくいけば、他の人も、あの音の逃避行を作ろうとしていた頃の僕と同じ精神状態を、少なくとも訪れることができる。”The Death of Music” は、Steve Vai のレコードを制作した直後に生まれた曲で、音楽業界に完全に幻滅していたんだ。何もかもが自分の思い通りにはならなかった。それから僕はRelativity recordsと契約していたけど、不運にも “Noisescapes” というプロジェクトに携わることになった。結局、このレコードは未完成に終わり、完成した作品もレーベルから “統合失調症的” すぎるという理由で却下されたんだ。このレコードは STRAPPING YOUNG LAD と OCEAN MACHINE の起源でその二つが一つにまとまっていて、レーベルはそれが混乱を生むと感じていた）。僕は他のレーベルにもデモ音源を依頼しようとしたけど、最終的には、アプローチしたすべての関係者が同じ意見だった。
それで僕は THE WILDHEARTS の友人たちのギタリストとしてイギリスのバーミンガムに移り、そこでよりアグレッシブな楽曲に注力し始めたんだ。だから、このファースト・アルバムの曲はイギリス滞在中に書かれたもの。”The Rainy Season”, “SYL” をはじめ、このアルバムの核となる曲は、SUICIDAL TENDENCIES とのヨーロッパ・ツアー中に書かれていった。
当時は非常に不安定な時期で、当時の僕の心境を最も端的に反映したのが、この奇妙で怒りに満ちた、非常に “レッド” なアルバムだった。CDのジャケットに写っているのは僕のお尻だよ。悪くないでしょ？肘を二つくっつけたみたいに見えるって言われたことがある。まあいいか。プロダクションは不安定で、ソングライティングにもかなりの浮き沈みがあったけど、僕の活動をまず紹介する作品としては、当時の僕をよく表していると思う」
SYL 名義での最初のアルバム “Heavy as a Really Heavy Thing” は、Devin が Vai のバンドに在籍していた直後にリリースされました。楽曲制作からツアーに至るまで、メジャー・レーベルの不手際への不満がこの作品を、初期のインダストリアル・メタル、デスメタル、スラッシュといった、よりエクストリームな領域へと導いたと言われています。Devin はその後、このアルバムを痛烈に批判するようになりましたが、実際には彼が言う以上に力強い作品でしょう。それは後期の作品にある映画的なスケール感がまだ未熟で、よりダーティーでザラザラとしたアルバムとなっているからかも知れません。そのインダストリアルな音色は、Devin の作品に大きな影響を与えたことで知られる GODFLESH の “Streetcleaner” にも違和感なく調和し、そのプロダクションは、初期 MESHUGGAH のような、当時のエクストリームなデス／スラッシュ・バンドに見られるようなメタリックなサウンドに近いものです。
「混乱と敵意に満ちた心境でイギリスから帰国した。Vai との活動は音楽業界全般への嫌悪感を生み、WILDHEARTS での活動は多くの疑問と怒りを生んだ。Jason Newsted（他にも数名）とのサイド・プロジェクトも期待外れだった。SYLの最初のアルバムは大ヒットしなかった。そこで、バンクーバーを離れ、音楽の新たな可能性を探る時が来たと感じた。
都会の醜悪な自然と、比較的目立たない場所に魅了され、ロサンゼルスの準工業地帯のような荒廃地はインスピレーションを得るのに良い場所だと考え、マリナ・デル・レイの友人数人と暮らしながら作曲を始めたんだ。
当時は、いくつかのアルバム（MORBID ANGEL の “Domination”、FOETUS の “Gash”、OLD LADY DRIVERS の “Formula” や “Cop Shoot Cop” など）に心を奪われていた。センチュリー・メディア・レコードの郵便室で注文を処理する仕事も時々していたけど、ほとんどの時間はSYLのダークな曲をひたすら書き続けていたんだ。”Oh My Fuckin’ God” を聴いてくれよ。偽善的なバカどもについて話しているんだけど、俺はこのシーン全体からなんとか逃れてきたんだ。だって、ファッションショーみたいでね。新作はいいけど KORN が好きなキッズには受けないって言われるのにうんざりだから。アディダス履いてウォレットチェーン持ち歩くようなクソみたいなの、もうやめてくれ。メタル・シーン全体で一番問題なのは、女性蔑視的な部分なんだ。
それから、”Spirituality”。曲の最後の部分に、かなりヘヴィな詩節がある。歌詞と、自分の考えを伝えることが、僕にとって一番大切なこと。僕が書くのは、どんなに些細で下品なことでも、僕の人生で起こっていることだ。たとえそれがセブンイレブンで働いている人とのトラブル、職場でのトラブル、家族とのトラブル、妹との喧嘩など、人によっては些細なことに思えるかもしれないけれど…本当に腹が立つようなことを歌っていて、ただ “ジェネレーションX” 的な “もううんざり、みんな最低、世界は私に生計を立てる義務がある、政府はクソだ” みたいな、ありきたりな怒りをただ吐き出しているだけじゃないなら…何を歌っているかなんて関係ない。ただそこに誠実さがあれば、音楽は10倍になるから…自分が歌っていることを感じられればね。この新しいアルバムで誇りに思っていることがあるとすれば、それは全部、僕の体の一部から生まれたものなんだ。それが睾丸でも、胃でも、心臓でも、わかるでしょ？
とにかく、デモも完成した頃、ハリウッドのライブで Gene Hoglan と出会ったんだ。彼がファースト・アルバムを気に入ったと言ってくれたので、彼を誘って “City” を制作することになった。彼は何ヶ月も演奏しておらず、ブラストにも慣れていなかったので、最初は少し難航したけど、リハーサルを始めて3日ほどで彼の素晴らしい才能に気づき、最終的にハリウッドにある Steve Vai のスタジオでレコーディングすることになったんだ。旧友の Byron と Jed をロサンゼルスに招き、より “バンドらしい” レコーディング体験をしようとした。意気投合したね。この初めての本格的なレコーディング体験が、後の僕たちの原点となったんだ」
“City” は STRAPPING YOUNG LAD の最高傑作と広く考えられています。Devin 自身も、このアルバムをバンドのディスコグラフィーの中で最高傑作だと考えているようです。その理由は明白。”Heavy as a Really Heavy Thing” をテンプレートとすれば、本作はほぼあらゆる面で確実に進歩を遂げているから。前作のヘヴィなデス／スラッシュ・プロダクションや、ザラザラとしたローファイなデモ感は消え去り、Devin が最初からこのプロジェクトに込めていたであろう、シネマティックなビジョンが全編に渡り採用されています。”City” は “Ocean Machine: Biomech” と並行して作曲・レコーディングされており、ヘヴィさを除けば、両者にはたしかに類似点が存在。”Ocean Machine: Biomech” は広大なサウンドスケープを用いて、ヘヴィとドリーミーの中間の空間を創り出し、人体に関する長編プログの寓話を表現しているのに対し、”City” は荒々しくノイジーな工業都市の風景を表現しているのです。工業都市なのに歌舞伎町から超鋼鉄重低爆撃。
“City” を語る上で、このレコードの音楽の激しさは欠かせません。もし “Heavy as a Really Heavy Thing” が、方向性を見失い、整理されていない創造的エネルギーの爆発だとしたら、”City” はそうした本能が軽躁病的な混乱と恐怖へと絞り込まれた作品だったと言えるでしょう。焼けつくような激しさにもかかわらず、このレコードのテーマは怒り以上にむしろ、双極性障害の片端からドラッグとアルコールで満たされた躁のエネルギーが爆発したように感じられます。それは “Ocean Machine: Biomech” の物悲しくメランコリックな壮大さとは対照的。アルバムは悪意に満ちているというより、むしろ慌ただしく、狂乱し、混乱しているように感じられ、危険がないわけではないものの、害悪の意志は感じられません。つまり、インスピレーションとなった大都市の混乱を、躁病に陥った身体の混乱、行き詰まり、そして途方もなく複雑な内なるエネルギー、自身の生々しい部分を象徴するメタファーとして用いているのです。
“Even people like Mikael Åkerfeldt from Opeth, he came to me and was like, ‘Back in the day, when I didn’t know how to go on with a song, I asked my band, ‘What would Tommy do?’ I almost fell, you know? I mean, Åkerfeldt is a genius. I love Opeth to death. It was like, ‘Okay!’ We never made a lot of money, but this feels very good.”
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MARKUS HENTUNEN OF ROYAL SORROW !!
“The non-conformity of prog metal is an important part to us, who have always found inspiration in many different places and satisfaction in combining those elements.”
