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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SOULMASS : PRINCIPALITY OF MECHANICAL VIOLENCE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SOULMASS !!

“Gundam’s Anti-war Message Has Endured Long Enough To Affect Many Generations Now And We Are Glad If We Introduced Others To It With This Album.”

DISC REVIEW “PRINCIPALITY OF MECHANICAL VIOLENCE”

「僕たちが年を重ねるにつれて、ガンダムを厳密に善と悪の物語として見なくなった。例えば、EFSFとジオンの二項対立だけじゃなく、その両組織内のさまざまな人々の人間ドラマは、良い例だと思う。”どちらの側にも良い人がいる” という議論ではなく、腐敗はどのようなスペクトラムにも起こり得るというテーマ。それは最初からメタルにおいてかなり語られていたと言えるね。権力を持つことによる腐敗、戦争に誇りなどないこと。今のところ、KREATOR と METALLICA が思い浮かぶね」
数あるロボット・アニメ/特撮ものの中で、ガンダム・シリーズが常にトップを走り続ける理由。それは、善と悪で割り切れる単なる勧善懲悪のストーリーではなく、何層にも折り重なる複雑かつ深淵な世界設定の中で、権力や腐敗に振り回される、抑圧を受けて苦悩する近未来の私たちの姿が描かれているから。ガンダム・シリーズはそして、例えばバスク・オムの暴走で、例えばミハルの悲惨な最後によって、権力の腐敗と戦争の無惨を浮き彫りにしていきました。
これはまさに、KREATOR が “Flag of Fate” で、METALLILA が “One” で語ってきたテーマそのものでしょう。すなわち、反戦、反権力、反抑圧はガンダムとメタルの間で長く共有されてきた重要なミノフスキー・核融合炉だったわけです。だからこそ、デスメタルのホワイトベースであるフロリダから、”ガンダムのメタル” を描く SOULMASS がこの時代に登場することは、ある意味必然でした。
「こうした世界で絶望を感じたり、無力感を感じたりするのは普通のことだよ。ガンダムの曲を作ることは、権威主義や社会的不公正の問題を現実に直接取り上げることに、間違いなく最も近いところにいる。ガンダムの反戦のメッセージは、今や多くの世代に影響を与えるほど長く続いているし、このアルバムで他の人たちにそれを紹介できたならうれしいね」
オープナーの “Jet Stream Attack” は、まさに権力が暴走し、抑圧が放置される2024年に向けて繰り出された黒い三連星の強撃。そうしてアルバムは、星の屑作戦からのコロニー落としで、平穏な暮らしを営む普通の人々が、いかに権力の欲望や歪んだ理想の犠牲となるのかをドゥーム・デスの獰猛で描き出していきます。
「力強さや残虐さを描いていることもあるけれど、僕らのアルバムの根底にあるのは、想像を絶する恐怖に直面してもアイデンティティーの感覚を保つということで、それは偶然にもガンダムと見事に合致していると思う」
バンドは BOLT THROWER や ENTOMBED、そしてもちろん往年のスラッシュやドゥーム・クラシックにインスパイアされていますが、それ以上に人間の暗い思考を反映した陰鬱と冷徹、そして暴力性をその身に宿しています。以前彼らがテーマとした “Bloodborne” 的死にゲーを思わせるその中毒性の高さは、まさに “重力に魂を惹かれた” 者たちの心も、”地球を知らぬ” 者たちの心もを鷲掴みにしていきます。
スペースノイドにも、アースノイドにも、いや誰にだってそれぞれの主張があり、それぞれに一理があるのは当然。重要なのは、どんな理不尽や恐怖に晒されても、一人一人が人間性を失わないこと。自分であり続けること。いつでも調和を目指すこと。ソロモンよ、SOULMASS は帰ってきた。
今回弊誌では、SOULMASS の二人にインタビューを行うことができました。「”Ζガンダム” は全シリーズの中で最も美しく、大仰な音楽だけど、最近の “鉄血のオルフェンズ” や “水星の魔女” の音楽も大ファンだね。Man With A Mission の “Raise Your Flag” は間違いなく僕の心に残るアンセムだ。アイナ・ジ・エンドの “Red:birthmark” も大好きだね」 どうぞ!!

SOULMASS “PRINCIPALITY OF MECHANICAL VIOLENCE” : 10/10

INTERVIEW WITH SOULMASS

Q1: First of all, the combination of death metal and Gundam is clearly a world first. Why did you decide to incorporate the world view of Gundam into death metal?

【LUX】: There have definitely been some bands before us, but it looks like this new album is spreading around and we are happy to see it! Gundam always deserves more attention, especially from metal bands. Brett and I have both been fans of Gundam longer than we have known each other, so it felt natural to share that mutual love of Gundam through our music. There is plentiful violence, horror, and despair in Gundam to fit the sound of death metal!

【BRETT】: I have a vague recollection of various hardcore/punk/crust/grind bands that came before us, but their names elude me now. Gundam is probably a more natural fit to us than Dark Souls/Bloodborne, even, just because we’ve both been watching since we were kids. I think as far back as seven or eight years ago we knew we would do Gundam material at some point, even. I seem to remember Thunderbolt’s release spurring us when it came out due to its intensity as well.

Q1: まず、デスメタルとガンダムの組み合わせは明らかに世界初だと思います。なぜガンダムの世界観をデスメタルに取り入れようと思ったのですか?

【LUX】: 僕らの前にも明らかにいくつかのバンドがいだと思うけど、でもこの新しいアルバムが広まっているようで嬉しく思っているよ!ガンダムは常に、特にメタル・バンドからもっと注目されるべきなんだ。
BRETT も僕も、お互い知り合う前からの長いガンダムのファンだから、音楽を通じてガンダムへの愛を共有するのは自然なことだと思った。ガンダムには、デスメタルのサウンドに合うような暴力、恐怖、絶望がふんだんに盛り込まれているからね!

【BRETT】: 僕らの前にいた様々なハードコア/パンク/クラスト/グラインド・バンドのことはぼんやりと覚えているんだけど、今は名前が思い出せない。ガンダムは僕らにとって、”ダークソウル” や “ブラッドボーン” よりも自然にフィットしていると思う。
7、8年前から、いつかはガンダムの題材をやるだろうと思っていた。”サンダーボルト” が公開されたときも、その強烈さで盛り上がったのを覚えている。

Q2: The great thing about Gundam is that there is not only good and evil, but also a solid portrayal of soldiers and citizens who are swept up in authoritarianism, even among the two opposing forces. There is a connection to the anti-authority, anti-oppression, anti-totalitarianism in metal, would you agree?

【BRETT】: I would say so, yes, and I think Lux would probably agree that as we’ve aged, we’ve stopped really seeing Gundam as strictly good and evil narratives. The dichotomy of say, EFSF and Zeon and the various people within the organizations I think is always a good one. Not in the “there’s good people on either side” argument, but more of that corruption exists on any spectrum, and that narrative has been pretty persistent in metal from the beginning. The corruption of having power over people, of no war being waged honorably. Kreator and Metallica come to mind for me, at the moment.

【LUX】: I definitely agree with Brett. When I think of anti-authoritarianism and anti-oppression in metal my mind immediately goes to thrash bands like Kreator, Metallica, and Artillery. Everything in Gundam touches on these topics and it would be interesting to see a thrash band do an album about Gundam’s politics someday.

Q2: ガンダムの素晴らしいところは、ただ単純な善と悪の二項対立を描くのではなく、対立する二つの勢力の中に権威主義に振り回される兵士や市民がしっかりと描かれていることでしょう。多くのメタルに宿る反権威、反抑圧、反全体主義とのつながりも感じますね?

【BRETT】: そう思うよ。そして Lux も、僕たちが年を重ねるにつれて、ガンダムを厳密に善と悪の物語として見なくなったことにおそらく同意すると思う。例えば、EFSFとジオンの二項対立だけじゃなく、その両組織内のさまざまな人々の人間ドラマは、良い例だと思う。
“どちらの側にも良い人がいる” という議論ではなく、腐敗はどのようなスペクトラムにも起こり得るというテーマ。それは最初からメタルにおいてかなり語られていたと言えるね。権力を持つことによる腐敗、戦争に誇りなどないこと。今のところ、KREATOR と METALLICA が思い浮かぶね。

【LUX】: Brett の意見に賛成だよ。メタルにおける反権威主義や反抑圧といえば、すぐに KREATOR, METALLILA, ARTILLERY のようなスラッシュ・バンドが思い浮かぶね。ガンダムのすべてがこれらのトピックに触れているし、いつかスラッシュバンドがガンダムの政治についてアルバムを出したら面白いだろうね。

Q3: In particular, the dropping of the colonies is a symbol of power run amok, which you guys also use as a theme for your songs, right? In fact, humanity can use violence far more viciously than death metal, and the world today seems to be going from bad to worse, doesn’t it? What can music and animation do to make the world a better place?

【LUX】: Artists in general have always been a valuable voice for the voiceless when it comes to areas of extreme violence and suffering in the world. Artists help spread awareness through the impact their work has on others. While we don’t always touch on world issues in our music, we do strive to make songs that others can relate to. Music that lets others know they are not alone, and it is normal to feel desperate and helpless in a world like this. Making songs about Gundam is definitely the closest we have come to directly addressing the issues of authoritarianism and social injustice in reality. Gundam’s anti-war message has endured long enough to affect many generations now and we are glad if we introduced others to it with this album.

【BRETT】: I think there’s some degree of obligation on artists, if they feel capable, to address reality in some form. I think no matter what fiction you create or interpret, you will end up doing this, it’s just how much you’re willing to be responsible for it, directly or otherwise. Lux and I have both been involved in politically direct projects because we believe music―and by extension, any art―has the ability to emotionally and practically inform the listener of the world. I think it’s maybe not so obvious since we’re open with our influences coming from video games, but really what we’re doing is interpreting stories we find meaningful. Sometimes things aren’t quite so deep and are sheer depictions of force and brutality, but I think the throughline of our albums speaks strongly to retaining a sense of identity in the face of unimaginable horrors, which also, coincidentally, fits in wonderfully with Gundam.

Q3: 特にコロニー落としは、権力の暴走の象徴であり、あなた方も曲のテーマにしていますよね?
実際、人類はデスメタルよりもはるかに凶悪な暴力を使うことがあり、世界は今、悪い方向に向かっているように思えます。音楽とアニメは、世界をより良い場所にするために何ができるでしょうか?

【LUX】: 一般的にアーティストは、世界の極端な暴力や苦しみを受ける、声なき人々の常に貴重な代弁者だった。アーティストたちは、自分たちの作品が他者に与える影響を通して、意識を広める手助けをしているんだ。僕たちは常に世界の問題に触れているわけではないけれど、他の人が共感できるような曲を作るよう努力しているよ。
こうした世界で絶望を感じたり、無力感を感じたりするのは普通のことだよ。
ガンダムの曲を作ることは、権威主義や社会的不公正の問題を現実に直接取り上げることに、間違いなく最も近いところにいる。ガンダムの反戦のメッセージは、今や多くの世代に影響を与えるほど長く続いているし、このアルバムで他の人たちにそれを紹介できたならうれしいね。

【BRETT】: アーティストには、何らかの形で現実を訴える義務があると思うんだよ。どんなフィクションを作ろうが、どんな解釈をしようが、結局はそうなる。直接的にせよ、そうでないにせよ、そこにどれだけ責任を持とうかということだと思う。
Lux と僕は2人とも政治的に直接的なプロジェクトに携わってきたけど、それは音楽、ひいてはどんな芸術にも、聴く人に感情的かつ実践的に世界を知らせる能力があると信じているからなんだ。
ビデオゲームから影響を受けていることをオープンにしているからあまり目立たないかもしれないけど、僕たちがしていることは、自分たちが有意義だと思うストーリーを解釈することなんだ。時には、それほど深い話ではなく、力強さや残虐さを描いていることもあるけれど、僕らのアルバムの根底にあるのは、想像を絶する恐怖に直面してもアイデンティティーの感覚を保つということで、それは偶然にもガンダムと見事に合致していると思う。

Q4: The opener “Jet Stream Attack” is truly a classic First Gundam scene, and the music projects the Black Triple Star attack wonderfully, doesn’t it?

【BRETT】: I’d love to take some credit and say this was thought out beforehand, but truth of the matter is that it was the first song I had written for the album and I had named it “Beam Saber Dismemberment” as a placeholder, because I was watching a particularly gruesome scene from Gundam Thunderbolt: December Sky. Lux was the one to pick that one for Jet Stream Attack. Unlike with “Let Us Pray,” our previous album, where everything was narratively outlined by Lux before I wrote music, the opposite was true here, and I just kept sending them material as I finished and they decided what went where. I knew a few topics we’d touch on, but this album was done kind of free-form from me writing music and Lux assigning themes and lyrics.

【LUX】: The first time I heard the song I knew it would be the best one to start the album. After thinking about what in Gundam could match the fast and relentless assault of its guitars and rhythm, my mind immediately went to the Jet Stream Attack. It is a perfect fit, I think. It is also just a great song title!

Q4: オープニングの “Jet Stream Attack” はまさにファースト・ガンダムの名シーンで、あなたたちの音楽に黒い三連星の攻撃が見事に投影されています。

【BRETT】: この曲は事前に考えていた曲だと言いたいところだけど、実はアルバムのために最初に作った曲で、”ガンダム・サンダーボルト: December Sky ” の特に陰惨なシーンを観ていたから、とりあえず “ビームサーベル四肢切断” と名付けていたんだ。
ジェット・ストリーム・アタックをこの曲を選んだのは Lux だった。前作の “Let Us Pray” では、僕が曲を書く前に彼がすべてを物語的にまとめていた。今回はその逆で、僕が完成させるごとに素材を送り続け、彼らがどこに何が入るかを決めていったんだ。僕が曲を書き、Lux がテーマや歌詞を割り振るという、ある意味フリーフォームなやり方だったな。

【LUX】: 初めてこの曲を聴いたとき、アルバムの冒頭を飾るのに最適な曲だと思った。ガンダムの中で、このギターとリズムの速くて容赦ない攻撃にマッチするものは何だろうと考えた結果、すぐにジェット・ストリーム・アタックが頭に浮かんだんだ。ぴったりだと思う。曲名も素晴らしいね!

Q5: Why did you use a fallen Zaku for the artwork?

【LUX】: The theme of the album is focused around the leaders and soldiers caught in the influence of authoritarianism and war, as well as the grim fates that their lives lead toward. Since all of the songs are about Universal Century stories, we felt the iconic Zaku, shown defeated and ruined, was the best visual representation of the overall concept we were presenting.

【BRETT】: The Zaku is really a legendary symbol of oppression and authoritarianism in fiction. The would-be footsoldier of the fascist forces, but also one that, by simply making it red, adds a lot to the nature of it. I could probably speak way too long about this, Lux even longer I’m sure, but suffice it to say having a ruined Zaku felt like the obvious choice.

Q5: 撃墜されたザクをアートワークに使ったのはなぜですか?

【LUX】: アルバムのテーマは、権威主義と戦争の影響に巻き込まれた指導者や兵士たち、そして彼らの人生が導く過酷な運命。すべての曲が宇宙世紀の物語をテーマにしているから、敗れて廃墟と化した象徴的なザクが、僕たちが提示する全体的なコンセプトを視覚的に表現するのに最適だと感じたんだよ。

【BRETT】: ザクは、フィクションにおける抑圧と権威主義の伝説的なシンボルだ。ファシストの歩兵となるべき存在であると同時に、単純に赤くすることで、その本質を大きく際立たせるものでもある。
このことについては、Lux はもっと長く語れるだろうが、まあ廃墟と化したザクを登場させるのが当然の選択だと感じたと言えば十分だろう。

Q6: This time around, I think basically everything from the artwork to the theme speaks in the realm of First Gundam. However, the Gundam series has a really vast history. Are there any other series you would like to draw, or any series, characters, or mobile suits that you particularly like?

【BRETT】: I’m overly fond of 08th MS Team, it was my introduction into Gundam in the mid-to-late 90s. The RX-79 and Gouf remain my two favorite lines of mobile suits to this day. I think a lot of my favorite characters end up being villains simply for how they’re written. Haman Karn is an eternal favorite, but on the “good” side of things (or perhaps not?) is Claudia Peer from Gundam Thunderbolt: December Sky/Bandit Flower. I’m actually only familiar with this arc via the films, so I’m very curious to see where her character goes.

【LUX】: The mobile suits designed by Izubuchi Yutaka are definitely my favorites, especially the Sazabi and Nightingale. I would like to do something about Char’s Counterattack in the future. I’m also a big fan of alternate universe series like Mobile Fighter G Gundam and the Build Fighters spin-offs. Brett and I both enjoy building gunpla kits, so I wonder how we could interpret that into metal music? That challenge intrigues me. When it comes to characters, I am also fond of the villains in Gundam. Char Aznable, Haman Karn, and Ramba Ral are clear favorites from First Gundam and its sequels. I also loved Lady Prospera in the recent Witch From Mercury.

Q6: 今回は、アートワークからテーマまで、基本的にすべてがファースト・ガンダムからZまでの領域で語られていると思います。
ただ、ガンダム・シリーズには本当に膨大な歴史がありますよね。他に描いてみたいシリーズや、特に好きなシリーズ、キャラクター、モビルスーツなどはありますか?

【BRETT】: 僕は第08MS小隊が大好きで、90年代半ばから後半にかけて、ガンダムに出会ったきっかけだったんだ。RX-79とグフは、今でも僕の好きなモビルスーツの2つだ。
僕の好きなキャラクターの多くは、単純に書かれ方によって悪役になってしまうと思う。ハマーン・カーンは永遠のお気に入りだけど、”善” の面では(もしかしたら違うかもしれないが)”ガンダム・サンダーボルト” のクローディア・ペールだ。実は彼女のストーリーは映画でしか知らないので、そこからキャラクターがどうなっていくのかとても興味があるんだ。

【LUX】: 特にサザビーとナイチンゲールがお気に入りだね。”逆襲のシャア” については、将来的に何かやってみたいね。”機動武闘伝Gガンダム” や “ビルドファイターズ” のようにスピンオフのような別世界のシリーズも大好物だ。Brett も僕もガンプラを作るのが好きだから、それをメタル音楽でどう解釈できるか?その挑戦には興味があるね。
キャラクターに関しては、ガンダムの悪役も好きだ。シャア・アズナブル、ハマーン・カーン、ランバ・ラルはファースト・ガンダムとその続編の中で明らかに好きなキャラクターだ。最近の “水星の魔女” のレディ・プロスペラも大好きだ。

Q7: The Gundam series is also known for its amazing soundtracks, what songs inspire you guys?

【LUX】: Zeta Gundam has the most beautiful and bombastic score in the entire series for me, but I am also a huge fan of the more recent music for Iron-Blooded Orphans and Witch From Mercury. “Raise Your Flag” by Man With A Mission is definitely an anthem that stays in my thoughts. I also love “Red:birthmark” by Aina The End.

【BRETT】: Lux beat me to it with Zeta Gundam, it’s really hard not to pick that one. I’d have to revisit a lot to see what I like the most, but Zeta always sticks out for me.

【LUX】: It’s also worth mentioning the great music from Gundam Wing. It’s the series that most people in the U.S. first experienced when it aired on television here, so it is iconic to the fans of our generation. That includes our friend Joshua Payne who played a guest guitar solo on “Victory is Mine.” He has been in a band for a long time called Epyon after the mobile suit from Gundam Wing.

Q7: ガンダム・シリーズはサウンド・トラックが素晴らしいことでも知られていますが、お二人はどんな曲にインスパイアされていますか?

【LUX】: “Ζガンダム” は全シリーズの中で最も美しく、大仰な音楽だけど、最近の “鉄血のオルフェンズ” や “水星の魔女” の音楽も大ファンだね。Man With A Mission の “Raise Your Flag” は間違いなく僕の心に残るアンセムだ。アイナ・ジ・エンドの “Red:birthmark” も大好きだね。

【BRETT】: “Zガンダム” は Lux に先を越されたよ。何が一番好きかは何度も見直してみないとわからないけど、Ζはいつも印象に残ってる。

【LUX】: “新機動戦士ガンダムW” の音楽の素晴らしさも特筆に値する。アメリカでテレビ放映されたとき、ほとんどの人が最初に体験したガンダム・シリーズなので、僕たちの世代のファンにとっては象徴的な作品なんだ。
その中には、”Victory is Mine” でゲスト・ギターソロを弾いた友人の Joshua Payne も含まれているよ。彼は長い間、ガンダム・ウイングのモビルスーツにちなんで EPYON というバンドを組んでいるよ。

Q8: Are there any other Japanese anime or games that you guys have been influenced by or have a strong affinity with death metal?

【BRETT】: Ghost in the Shell was monstrously influential on me, not just as an anime but as a piece of narrative and a study on character and identities. Shinkai Makoto’s films have been a must for me since The Place Promised In Our Early Days. As a cyberpunk fan I’m obliged to say Akira, but a lot of 80s and 90s anime really stood out to me. Macross (Robotech), Patlabor, Appleseed, anything mecha obviously as well. I had a very uncontrolled exposure to anime in the 90s through the Sci-fi Channel television network here in the U.S. on Saturdays, which kind of just seemed to show any old thing they could broadcast. I remember Black Magic M-66 from when I was a kid, and being wowed by the animation. I must mention Kon Satoshi as well, as I’m going to see a theatrical showing of Paprika tomorrow night. Love his films.

【LUX】: I was also attracted to mecha and science fiction anime as a child. Macross (via Robotech here in the U.S.) was one of my first exposures to anime, and captured my imagination because I was also really interested in military aircraft at the time. I have been a big fan of anything Kawamori Shoji is involved with ever since. I was able to see Macross Plus in theater here a few years ago and that was extremely nostalgic. Macross 7 is probably my favorite from that franchise. The music of Fire Bomber is great! I was also exposed to Galaxy Express 999 from an early age, so I love anything from Matsumoto Leiji. I have a tattoo dedicated to Captain Harlock. Like Brett, I am also a big fan of Shinkai Makoto and was introduced to his work by The Place Promised In Our Early Days and Voices From A Distant Star. It’s difficult not to mention anime like Akira, Ghost in the Shell, or the works of Kon Satoshi. All have been very popular here in the U.S. Anime that mix elements of fantasy or westerns with sci-fi are good too, like RahXephon, Escaflowne, Trigun, and Outlaw Star. When it comes to games, I think it is obvious Brett and I both love what Fromsoftware have been releasing over the last decade or so. The way they took influence from Miura Kentaro’s Berserk really created a dark and depressing atmosphere that was perfect for death metal. We also released an EP inspired by Final Fantasy IX, because we are big Final Fantasy fans. I think if there are any other games that would be perfect for death metal, we might consider classic survival horror series like Resident Evil (Biohazard) or Silent Hill.

Q8: ガンダムの他にあなたたちが影響を受けた、あるいはデスメタルと親和性の高い日本のアニメやゲームはありますか?

【BRETT】: “GHOST IN THE SHELL/攻殻機動隊” は、アニメとしてだけでなく、物語作品として、またキャラクターやアイデンティティに関する研究として、僕に多大な影響を与えたよ。新海誠監督の作品は”雲の向こう、約束の場所” 以来、僕にとって欠かせないものだね。サイバー・パンク・ファンとしては “AKIRA” を挙げざるを得ないけど、80年代から90年代にかけてのアニメは本当にたくさん素晴らしいものがある。マクロス(ロボテック)、パトレイバー、アップルシード、メカものなら何でもね。90年代のアニメは、アメリカのSFチャンネルで土曜日に放送されていたんだ。子供の頃に見た “ブラックマジック M-66″ を覚えていて、そのアニメーションに驚かされた。明日の夜、”パプリカ” の劇場上映を見に行くので、今敏のことも言及しておかなければならないね。彼の映画は大好きだよ。

【LUX】: 僕も子供の頃、メカやSFアニメに惹かれていたね。”マクロス”(アメリカでは “ロボテック”)は僕が初めてアニメに触れた作品のひとつで、当時は軍用機にもとても興味があったので、想像力をかきたてられたよ。それ以来、河森正治が関わる作品の大ファンだよ。数年前に “マクロスプラス” を劇場で見ることができ、とても懐かしかった。”マクロス7″ はシリーズの中で一番好きかもしれないな。ファイヤーボンバー (劇中のバンド) の音楽は最高だ!
幼い頃から “銀河鉄道999” にも触れていたので、松本零士の作品は何でも大好きだね。キャプテンハー・ロックに捧げたタトゥーも入れているんだ。Brett と同じように新海誠の大ファンで、彼の作品を知ったのは “雲の向こう、約束の場所” と “ほしのこえ” だった。”AKIRA” や “攻殻機動隊”、そして今敏の作品を挙げないわけにはいかないね。
ファンタジーや西部劇とSFの要素をミックスしたアニメもいい。”ラーゼフォン”、”天空のエスカフローネ”、”トライガン”、”星方武侠アウトロースター” などだ。
ゲームに関しては、Brett も僕も、フロム・ソフトウェア がここ10年ぐらいでリリースしてきたものが大好きなのは明らかだと思う。三浦建太郎の “ベルセルク” から影響を受けた方法論は、デスメタルにぴったりの暗くて鬱屈した雰囲気を作り出していた。僕たちはファイナル・ファンタジーの大ファンでもあれから、”ファイナル・ファンタジーIX” にインスパイアされたEPもリリースしているんだ。他にデスメタルにぴったりなゲームがあるとすれば、”バイオハザード” や “サイレント・ヒル” のような古典的なサバイバル・ホラーシリーズかな。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED SOULMASS’S LIFE!!

Iron Maiden “Brave New World”
Coheed and Cambria “The Second Stage Turbine Blade”
Florence + The Machine “How Big, How Blue, How Beautiful”
TWRP “Together Through Time”
Yes “Drama”

(Lux)

Iron Maiden “Brave New World”
Ayreon “Into the Electric Castle”
Opeth “Ghost Reveries”
Metallica “Master of Puppets”
Blind Guardian “Imaginations From the Other Side”

(Brett)

MESSAGE FOR JAPAN

Brett: Endless thanks for the support and recognition. It means a lot to us that our music has made its way all the way there from our humble swamp in Florida.

Lux: Thank you for listening and supporting our music. We are always excited to see new friends in different places that love the same things that we love. You are awesome!

BRETT:君たちのサポートと評価に限りない感謝を。僕らの音楽がフロリダの質素な沼地からはるばる日本まで届いていることは、僕らにとってとても意味のあることなんだ。

LUX: 僕らの音楽を聴いてくれて、応援してくれてありがとう。僕らと同じものを愛する、いろいろな場所にいる新しい友達に会えることにいつも興奮しているんだ。君たちは素晴らしい!

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MADDER MORTEM : OLD EYES, NEW HEART】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH AGNETE M. KIRKEVAAG OF MADDER MORTEM !!

“Globalisation Means a More Diverse Culture Generally, Which Also Goes For Metal. It’s Not Only a White Male 18-25 Scene Anymore, Which Suits Me Fine.”

DISC REVIEW “OLD EYES, NEW HEART”

「私たちはますます個人主義になり、自分の内面や感情に焦点を当てるようになっている。その良い面は、人々が自分の課題や悩みをより自由に共有できるようになったことだと思う。また、世界のグローバル化は多様な文化を促進し、それはメタルにも当てはまる。メタルシーンは18~25歳の白人男性だけのシーンではなくなっているの。私にとっては素敵なことだわ。みんな自分の経験を書く傾向があるからね」
ノルウェーのメタル・バンド、MADDER MORTEM とそのボーカル Agnete M. Kirkevaag のドキュメンタリーが話題を呼んでいます。彼女は、ステレオタイプなイメージに取り憑かれていたメタル世界で過食摂食障害と闘い、内なる悪魔と闘うために手術を受けることを決意します。新曲のレコーディング、ヨーロッパ・ツアー、オスロでの元メンバー全員によるライブなど、バンド結成20周年記念の年に撮影した本作は、そうしたバンドの日常を追いながら内なる悪魔、スカンジナビアの文化的規範、イメージに取り憑かれたメタル世界との齟齬と葛藤を巧みに描いていきます。
「私にとっては、ブラックメタルの音楽的アプローチの一部、特にダーティなサウンドと雰囲気が好きだった。でもね、シーンの半ファシズム的、人種差別的な側面は本当に好きではなかった。社会不安を抱えた18歳の男たちが自分たちのことを “エリート” だと言っていたのよ。バカらしく思えたわ。女性として、そのシーンには私が興味を持てるような部分はなかった。私が感じたところでは、自己主張の強い女性ミュージシャンが活躍できる場はほとんどなかったと思うわ」
“私たちは社会やメタル・エリートの中では負け犬かもしれない。でもね、負け犬は負け犬なりに吠えることができるのよ” はみ出し者にははみ出し者の意地がある。社会とも、メタルの伝統ともうまくやれなかった Agnete が、いかにして世界中のファンに届く感動的な音楽を生み出したのか。それはきっと、21世紀に花開いたメタルの多様性に対する寛容さ、そしてメタルに宿った “回復力” と密接に関係しているはずです。そう、もはやメタルは限られた “メタル・エリート” だけのものではないのですから。ドキュメンタリーのタイトルは “Howl of the Underdogs” “負け犬の遠吠え”。しかし、もはや彼女は負け犬ではありませんし、彼女の声は遠吠えでもありません。
「このアルバムは父に捧げられたものなんだよ。彼の思い出を称えるには、それが一番だと思った。彼はいつも私たちの活動を誇りに思ってくれていたし、このアルバムには彼のアートワークも入っているから、とてもしっくりきたの。でも、同じような喪失感を感じている人たちが、この音楽の中に慰めを見出すことができれば、それが最高の結果だと思う。だれかに理解されたと感じることが最高の慰めになることもある」
回復力といえば、喪失からの回復もメタルに与えられた光。MADDER MORTEM の中心人物 Agnete と BP 兄弟は多才な父を失い悲嘆に暮れましたが、その喪失感を最新作 “Old Eyes, New Heart” で埋めていきました。バンドのゴシック、ドゥーム、プログレッシブ、ポストメタル、アメリカーナとジャンルの垣根を取り払った “アート・メタル” は、あまりにも美しく、哀しく、そして優しい。そうして亡き父の描いた絵をアートワークに仰ぎながら、MADDER MORTEM は、同様に喪失感に溺れる人たちが、この音楽に慰めを、光を見出すことを祈るのです。
今回弊誌では、Agnete M. Kirkevaag にインタビューを行うことができました。「音楽は精神を高揚させ、慰める最も偉大なもののひとつであり、耐え難いことに耐えるための方法だと思う。そして願わくば、私たちの周りにある醜いものすべてに美を見出す方法でもあればいいわね」 どうぞ!!

MADDER MORTEM “OLD EYES, NEW HEART” : 9.9/10

INTERVIEW WITH AGNETE M. KIRKEVAAG

Q1: First, you guys have been a band since 1993. At that time, Norway was experiencing a big wave of black metal, what did you guys think about that movement? Were you approaching it? Or were you keeping your distance?

【AGNETE】: I mean, it was impossible to be into metal or playing metal in Norway then without being affected by the black metal wave in some way. People outside the metal scene would often assume we were satanists, especially in my little home town. Musically, it had a huge impact, especially on BP, I think. I guess we found out really quickly that the more theatrical side of that scene was not really our thing, maybe because we came more from a death metal background. But also because we came up in a small town, where if you wanted to play, you had to be willing to play all kinds of genres, and where there simply wasn’t enough musicians around to have separate scenes for different types of music.
For me, I loved some of the musical approaches of black metal, especially the dirty sound and the atmosphere, but I really didn’t like the semi-fascist or racist aspects of the scene, that’s contrary to everything I believe in. There was a lot of 18-year-old guys with social anxiety describing themselves as “elite”, which was just silly to me. And as a woman, that scene didn’t have any roles to offer that I was ever interested in – there was very little room for assertive female musicians, as I perceived it.

Q1: あなたたちは1993年からバンドを続けていますね。当時、ノルウェーではブラックメタルの大きな波が押し寄せていましたが、あなたたちはあのムーブメントをどう捉えていましたか?

【AGNETE】: そうね、当時のノルウェーでは、ブラックメタルの波に何らかの影響を受けずに、メタルにのめり込んだり、メタルを演奏したりすることは不可能だったのよ。だからメタル・シーン以外の人々は、特に私の小さな故郷では、私たちを悪魔崇拝者だと決めつけることが多かった。音楽的には、ブラックメタルは特にBPに大きな影響を与えたと思う。
ただ、デスメタルのバックグラウンドが強かったからかもしれないけど、あのシーンのシアトリカルな側面は、私たちにはあまり向いていないことがすぐにわかったんだ。でも、私たちが育ったのは小さな町で、そこで演奏しようと思ったら、あらゆるジャンルを演奏することを厭わないことが必要だった。音楽の種類ごとにシーンを分けるほどミュージシャンがいなかったからね。
私にとっては、ブラックメタルの音楽的アプローチの一部、特にダーティなサウンドと雰囲気が好きだった。でもね、シーンの半ファシズム的、人種差別的な側面は本当に好きではなかった。社会不安を抱えた18歳の男たちが自分たちのことを “エリート” だと言っていたのよ。バカらしく思えたわ。女性として、そのシーンには私が興味を持てるような部分はなかった。私が感じたところでは、自己主張の強い女性ミュージシャンが活躍できる場はほとんどなかったと思うわ。

Q2: Why did you change your band name from Mystery Tribe to Madder Mortem?

【AGNETE】: Simple answer: We found out another band was already using that name! I don’t know if they still exist, though.

Q2: バンド名を Mystery Tribe から Madder Mortem に変えたのはなぜですか?

【AGNETE】: 答えは簡単。他のバンドがすでにその名前を使っているのを知ったから!そのバンドがまだ存在しているかどうかは知らないけれどね。

Q3: Can you tell us about your documentary, “Howl of The Underdogs”? First of all, why did you decide to make that film?

【AGNETE】: We did a crowdfunding campaign for Marrow, and part of our stretch goal was that we wanted to make a short documentary about the band. We crossed paths with Randy M. Salo, a movie maker and a long-time Madder fan, and agreed on a plan. When Randy came up to Norway for the first week of filming, he thought there was much more of a story to be told than just the typical chronological run-through of albums and tours, and so a relatively small project became a huge one.

Q3: ドキュメンタリー “Howl of The Underdogs” “負け犬の遠吠え” について教えてください。まず、なぜこの映画を作ろうと思ったのですか?

【AGNETE】: “Marrow” のクラウドファンディング・キャンペーンで、バンドについての短編ドキュメンタリーを作りたいというのがゴールの一部だったんだ。私たちは、映画製作者で長年の Madder ファンであるランディ・M・サロと出会い、計画に合意した。
撮影の最初の週にランディがノルウェーに来てくれたとき、彼は、アルバムやツアーを時系列に並べるだけでなく、もっと多くのストーリーがあるべきだと考え、比較的小さなプロジェクトが大きなものになっていったのよ。

Q4: “Howl of the Underdogs” features eating disorders and gender stories as some of its themes. Recently, we have seen more and more metal bands dealing with such minority, hurtful and outcast themes that they have actually experienced theirself, right? Do you feel that the world has changed since you started?

【AGNETE】: Oh, indeed! I mean, I grew up before mobile phones and the Internet – those two developments have completely changed the way we interact and treat information. I think it should be compared to the invention of writing, the change is that profound.
But more specifically for music, I think it’s not only in metal you can see that change. We are becoming more and more individualistic, focussing on our inner selves and our feelings. A positive side of that is that I think people feel a lot more free to share their challenges and troubles. Also, globalisation means a more diverse culture generally, which also goes for metal. It’s not only a white male 18-25 scene anymore, which suits me fine. And with a more diverse scene I think it’s quite natural that we see more of topics like that. People tend to write their own experience, you know.
On the negative side, sometimes talking about it doesn’t do much good, you have to actually do something about it. And I think we’re losing sight of the importance of “for the good of others”, sometimes giving the needs of others priority instead of your own.

Q4: “負け犬の遠吠え “では、摂食障害やジェンダーの話がテーマの一部となっていますね。最近のメタル世界は、自分たちが実際に経験したような、マイノリティで、傷つき、はみ出し者であることを抱きしめるようなバンドが増えていますよね。
自分たちが音楽を始めた頃と比べて、世界は変わったと感じますか?

【AGNETE】: ああ、確かに!携帯電話やインターネットが普及する前に私は育ったんだけど、この2つの発展によって、交流の仕方や情報の扱い方が完全に変わってしまったよね。これは文字の発明と比べるべきものだと思う。そのぐらい深い変化だよ。
でも、もっと具体的に音楽に関して言えば、メタルにだけその変化が見られるわけではないと思う。私たちはますます個人主義になり、自分の内面や感情に焦点を当てるようになっている。その良い面は、人々が自分の課題や悩みをより自由に共有できるようになったことだと思う。また、世界のグローバル化は多様な文化を促進し、それはメタルにも当てはまる。メタルシーンは18~25歳の白人男性だけのシーンではなくなっているの。私にとっては素敵なことだわ。みんな自分の経験を書く傾向があるからね。
否定的な面もあるけれど、話しているだけではあまり意味がないこともある。そして、”for the good of others”(他人のために)の重要性を見失っているように思う。時には、自分のことよりも他人のニーズを優先させるべきときもあるの。

Q5: Still, “Old Eyes, New Heart” is a great album! It breaks down the barriers between gothic, doom, progressive, Post-metal, Americana and other genres, and is simply “art metal” with great emotion and perfection. In a way, is it possible to say that your music is characterized by being diverse and not bound by metal conventions?

【AGNETE】: Yes, I think so. It’s very hard to find any kind of genre label that really fits us, I think it’s music you need to hear, really. But the reason is just that we don’t have any specific boundaries, we just write what we feel like and try to develop the ideas we have in the direction they seem to want to go – and that leads us a lot of different places.

Q5: “Old Eyes, New Heart” は素晴らしいアルバムですね!ゴシック、ドゥーム、プログレッシブ、ポストメタル、アメリカーナなどジャンルの垣根を取り払い、シンプルに “アート・メタル” としての情感と完成度を高めています。
ある意味、あなたの音楽の特徴は、メタルの慣習にとらわれず、多様であることだと言えますか?

【AGNETE】: そうね。私たちに本当に合うジャンルのラベルのようなものを見つけるのはとても難しいの。本当に、まず聴いてほしい音楽だと思う。でもその理由は、私たちに特定の境界線がないからなんだよ。私たちはただ、自分たちが好きだと思うものを書くし、自分たちが持っているアイデアを、それが行きたいと思う方向に発展させようとするだけなの。

Q6: I understand that Agnete and BP’s father passed away during the making of the album…there is a lot of sadness and a hint of hope in this record. Is it dedicated to the many people around the world who are hurting from loss?

【AGNETE】: Actually, the album is dedicated to dad – it felt like the best way to honour his memory. He was always so proud of what we did, and this album also has his artwork on it, so it felt very right. But if others who are feeling the same kind of loss can find some comfort in the music, that is the best possible outcome. Sometimes feeling understood is the best comfort you can find.

Q6: アルバム制作中にあなたとBPの父親が亡くなったそうですが、このアルバムにはたくさんの悲しみとほのかな希望が込められています。
このアルバムは、喪失感で傷ついている世界中の多くの人々に捧げられているのでしょうか?

【AGNETE】: 実は、このアルバムは父に捧げられたものなんだよ。彼の思い出を称えるには、それが一番だと思った。彼はいつも私たちの活動を誇りに思ってくれていたし、このアルバムには彼のアートワークも入っているから、とてもしっくりきたの。
でも、同じような喪失感を感じている人たちが、この音楽の中に慰めを見出すことができれば、それが最高の結果だと思う。だれかに理解されたと感じることが最高の慰めになることもある。

Q7: This beautiful painting left by your father became the artwork, right? Is there any connection between the album title “Old Eyes, New Heart” and this painting?

【AGNETE】: We asked dad if he wanted to paint something for the cover. He jumped right into it, and painted a whole series of paintings, based on the album title and the demo recordings he had heard. And then we chose the two that ended up on the cover (front and back side). We’re also using some symbols from a few of the other painting he made in our new stage design and on t-shirts.
In some way, too, that title is actually a good description of what our father was like. He lived such an interesting life, had so many different careers and so much experience, but he always kept his heart young, and was still curious about the world and interested in learning new things, all the way up until he passed.

Q7: お父様が遺されたこの美しい絵がアートワークになりましたね。アルバム・タイトルの “Old Eyes, New Heart” とこの絵には何か関係があるのでしょうか?

【AGNETE】: ジャケットのために何か描いてほしいと父に頼んだんだ。彼はすぐその話に飛びつき、アルバム・タイトルと彼が聴いたデモ音源をもとに、一連の絵を描いたのよ。そして、最終的にジャケットになった2枚(表と裏)を選んだんだ。彼が描いた他の絵のシンボルも、新しいステージのデザインやTシャツに使っているんだ。
ある意味、このタイトルは私たちの父がどんな人だったかをよく表しているとも言える。彼はとても興味深い人生を送り、様々なキャリアを持ち、多くの経験を積んだのだけど、亡くなるまで常に心を若く保ち、世界に対して好奇心を持ち、新しいことを学ぶことに興味を持っていたよ。

Q8: As we enter the 2020s, the world seems to be getting darker, with wars, pandemics, and divisions. In such a world, can your music and metal be a safe haven for the weak, the outcast, and the oppressed?

【AGNETE】: I don’t know that there are any safe havens to be found anymore – dark clouds seem to be gathering at an increasing rate all over the world. And that is me speaking from one of the richest and safest countries in the world, and I realise how privileged we are to live here. But I think music is one of the greatest spirit lifters and comforters there is, a way to endure the un-endurable, perhaps. And hopefully also a way to find some beauty in all the ugliness we can see around us.

Q8: 2020年代に入り、戦争、パンデミック、分断など、世界はどんどん暗くなっているように思えます。
そのような世界で、あなた方の音楽やメタルは、傷つき、社会からはみ出した人、虐げられた者の安住の地となり得るでしょうか?

【AGNETE】: この世界に安全な天国なんてあるのかと思うわ。とにかく、世界中に暗雲がますます立ち込めているよう。世界で最も豊かで安全な国のひとつであるこの国で、私たちがいかに恵まれた生活を送っているかを実感しているわ。
しかし、音楽は精神を高揚させ、慰める最も偉大なもののひとつであり、耐え難いことに耐えるための方法だと思う。そして願わくば、私たちの周りにある醜いものすべてに美を見出す方法でもあればいいわね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED AGNETE’S LIFE!!

Faith No More “Angel Dust”

Neurosis “Times of Grace”

Arvo Pärt “Alina / Spiegel Im Spiegel”

Soundgarden “Superunknown”

Madder Mortem “Mercury”

No other albums have changed my life as much as that one did, it set the course for what I’m still doing, almost 30 years later.

MESSAGE FOR JAPAN

I don’t know nearly enough about the Japanese music scene, I’m ashamed to say! I’ve picked up the occasional comic, and played some video games, I suspect, but my strongest connection to Japan is the food culture. I absolutely love Japanese food, and dream of one day travelling to taste it in its rightful setting. A friend of mine from my kickboxing class is actually studying Japanese right now, and as a language teacher and translator, I’m really fascinated by what she’s telling me about the language system. I’d love to learn more about that if I ever have the possibility.
But most of all: We’d love to come play in Japan! So please tell your local promoters and festivals about us?

日本の音楽シーンについては、恥ずかしながらほとんど知らないの!漫画は時々手に取るし、ビデオゲームもいくつかプレイしたことがあるかな。でも、日本とのつながりで一番強いのは食文化かな。日本食は本当に大好きで、いつか旅をして、日本食を味わうことを夢見ているの。
キックボクシングのクラスで一緒だった友達が今、日本語を勉強しているんだけど、語学教師兼翻訳者として、彼女が言語システムについて話してくれることにとても惹かれているんだ。もし機会があれば、もっと勉強してみたい。
でも、何よりも…日本で演奏したい!だから、地元のプロモーターやフェスティバルにぜひ私たちのことを伝えてほしいな!

AGNETE M. KIRKEVAAG

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NOSPUN : OPUS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NOSPUN !!

“The Truth Is That We Write Prog Music Because It’s What We Love. Basically We Are Writing Songs That We Want To Hear.”

DISC REVIEW “OPUS”

「10代の頃に DREAM THEATER を聴きはじめたんだけど、彼らの音楽はプログレッシブ・ミュージックを作り始めるという僕たちの決断に間違いなく影響を与えたんだ。だからこそ、自分たちの楽器を使いこなすために本当に時間をかけなければ、彼らのような音楽は作れないと思っていた。何時間も、何時間も練習して、今に至るんだよ!」
SNSやストリーミングの伸長でインスタントになった音楽世界。さらにAIまでもが音楽を生み出し始め、すべてが “ワン・クリック、ワン・セカンド” を要求される現代の音楽世界において、プログレッシブ・ミュージックは、主流とは真逆の異端です。長時間の練習、長い産みの苦しみを経ることでしか誕生し得ない、複雑で知的な音楽は今や風前の灯なのかもしれません。
「僕たちがプログを書くのは、自分たちが好きだからという部分が大きいね。だから基本的には、自分たちが聴きたい音楽を書いているんだ。そして、このスタイルが好きな人が他にもいることを期待して、想定して、その曲を世に送り出す。例え誰にも聴いてもらえなくても、僕たちはプログをやるだろう。だからこそ、それを楽しんでくれる人がいるというのは、本当にうれしいことなんだ!」
しかし、だからこそ、現代でプログレッシブ・ミュージックを綴る音楽家には本物の情熱、本物の才能が存在します。苦労のわりにまったくあわない報酬や名声。その差額を埋めるのは “好き” という気持ちしかありません。アメリカに登場した NOSPUN は、自分の愛する音楽を徹底的に突き詰めながら、プログの延命措置に十分すぎる電気ショックをお見舞いしました。
「予想外のことをやってみようというバンドとしての意欲。メタル・バンドが曲の途中にポルカ・セクションを入れるのは普通じゃないけど、僕らにとってしっくりくるなら、やってみたいんだよね。”Earwyrm” のスキャット・セクションは、実はスタジオでふざけていて、そのまま使おうと決めただけなんだ」
明らかに、NOSPUN の音楽は DREAM THEATER と SYMPHONY X、つまりプログ・メタル二大巨頭の遺伝子を平等に受け継いでいます。例えば、”Change of Seasons” で唸りを上げる Russell Allen のような “夢の共闘”。それを体験できる機会は、実はこれまでほとんどなかったと言えます。なぜなら、多くの後続たちは巨頭のどちらかに寄っていたから。その点、NOSPUN の旋律と重さ、テクニックとカタルシス、伝統とモダンのバランスは実に優れていて、HAKEN のやり方とつながる部分も見え隠れします。
一方で、NOSPUN はシリアスなムードが支配するプログ世界に笑顔をもたらし、その意外性をトレードマークとしていきます。突然のポルカ、突然のディスコ、突然のスキャット。彼らの目指す “予想外” は、クリシェと化したプログ・メタルの定型に風穴を開け、リスナーに新鮮な驚きを届けます。そう、彼らはそもそも、スプーンをないものだと思いたいのです。
用意された物語も、この “Opus” に相応しいもの。”若い作曲家が両親や他の入居者たちと下宿している。傑作を作曲するという破滅的な強迫観念が、彼と世界や周囲の人々とのつながりを断ち切ってしまう。ある日下宿人が殺されているのが発見される。徐々に他の入居者も姿を消し始め、ついには彼はこの家にひとり閉じ込められる。彼を取り巻く宇宙は崩壊し、残されたのは彼と彼の傑作、そして家だけとなる。そのすべてがひとつの球体の中に閉じ込められ、孤立した空っぽの宇宙となる。そして彼の前に見覚えのある目が現れ、犠牲を払わなければならなくなる” 彼らの “傑作” は世界に評価されるのでしょうか?それとも、小さな球体に閉じ込められたままなのでしょうか?
今回弊誌では、NOSPUN にインタビューを行うことができました。「映画 “マトリックス” の中で僕らが好きなシーンのひとつに、ネオが予言者のもとを訪れるシーンがある。そこには小さな修道僧の子供がいて、心でスプーンを曲げているんだ。ネオがスプーンを曲げようとすると、その子供が “スプーンを曲げようとするのではなく、スプーンなど存在しないという真実を悟るんだ” という意味のことを言うんだよ。そこで僕たちは、その “No Spoon” の部分をユニークな綴りにして、ネット上で簡単に見つけられるようにしたんだ」 どうぞ!!

NOSPUN “OPUS” : 10/10

INTERVIEW WITH NOSPUN

Q1: First of all, what kind of music were you listening to, when you were growing up?

【NOSPUN】: We each came from unique musical backgrounds. Paul and James listened to a lot of classic rock, while Cole was more influenced by 80’s pop acts. But we all came together when we developed a love for Prog Metal in our teens.

Q1: 本誌初登場です!まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか?

【NOSPUN】: 僕たちはそれぞれユニークな音楽的背景を持って育ったね。Paul と James はクラシック・ロックをよく聴いていたし、Cole は80年代のポップ・アクトに影響を受けていた。でも、10代でプログ・メタルが好きになったとき、僕ら全員がひとつになったんだ。

Q2: What’s the meaning behind your band name Nospun?

【NOSPUN】: One of our favorite scenes from The Matrix is the scene when Neo visits the Oracle, and there’s a little monk kid that is bending a spoon with his mind. When Neo tries to bend the spoon, the kid says something like “Don’t try to bend the spoon, instead try realizing the truth, that there is no spoon.” So we took the “No Spoon” part of that and spelled it in a unique way so that it could be easily found online.

Q2: バンド名 “Nospun” にはどんな意味が込められているのですか?

【NOSPUN】: 映画 “マトリックス” の中で僕らが好きなシーンのひとつに、ネオが予言者のもとを訪れるシーンがある。そこには小さな修道僧の子供がいて、心でスプーンを曲げているんだ。ネオがスプーンを曲げようとすると、その子供が “スプーンを曲げようとするのではなく、スプーンなど存在しないという真実を悟るんだ” という意味のことを言うんだよ。そこで僕たちは、その “No Spoon” の部分をユニークな綴りにして、ネット上で簡単に見つけられるようにしたんだ。

Q3: You guys have really great technique! What made you start to play your instrument? Who was your musical hero?

【NOSPUN】: We’ve each been inspired by a variety of different musicians, but probably the most influential band common to all four of us is Dream Theater. We listened to them in our teens and their music definitely influenced our decision to start making progressive music. And we knew we couldn’t make that kind of music without really putting in the time to gain proficiency with our instruments. Many many hours of practice later, here we are!

Q3: それにしても、あなたたちのテクニックは本当に素晴らしいですね!楽器を始めたきっかけや、当時のヒーローを教えていただけますか?

【NOSPUN】: 僕たちはそれぞれ、様々なミュージシャンから影響を受けてきたけど、おそらく4人に共通して最も影響を受けたバンドは DREAM THEATER だと思う。
僕たちは10代の頃に彼らを聴きはじめたんだけど、彼らの音楽はプログレッシブ・ミュージックを作り始めるという僕たちの決断に間違いなく影響を与えたんだ。だからこそ、自分たちの楽器を使いこなすために本当に時間をかけなければ、彼らのような音楽は作れないと思っていた。何時間も、何時間も練習して、今に至るんだよ!

Q4: “Opus” is a really great album! It is clearly outstanding among recent prog-metal releases. The heroes of prog-metal are Dream Theater and Symphony X. There are bands that have inherited the best aspects of one or the other, but you guys seem to have inherited the best of both. Would you agree?

【NOSPUN】: We’re flattered by the comparison! We have had appreciation for their respective songwriting styles for a long time, so we have no objection to the idea that our style is reminiscent of theirs.

Q4: “Opus” は本当に素晴らしいアルバムですね!最近リリースされたプログ・メタルの中では、明らかに傑出していますよ。プログ・メタルの二大ヒーローといえば、DREAM THEATER と SYMPHONY X ですが、どちらか片方の良い面を受け継いでいるバンドならありますが、あなた方は両方の良い面を受け継いでいるように思えます。

【NOSPUN】: 比較されて光栄だよ!僕たちは長い間、両バンドそれぞれのソングライティング・スタイルを高く評価してきたから、僕たちのスタイルが彼らを彷彿とさせるという意見に異論はないよ。

Q5: But, of course, that’s not all. The album also incorporates modern prog-metal influences such as Haken, Between the Buried and Me, Periphery, and Djent, as well as some Queen-esque chorus and scat changes. Is such musical diversity a result of the individuality of each member?

【NOSPUN】: That diversity definitely comes from each member’s individuality, but also just our willingness to try something unexpected. It’s not the norm for a metal band to throw a polka section in the middle of a song, but if it feels right to us we’re going to do it. The scat section in “Earwyrm” was actually just us goofing off in the studio and deciding to keep it. The same is true for the off-kilter guitar solo in the second half of “Within the Realm of Possibility”, James was just trying to be funny with guitar sounds and it wound up on the record.

Q5: ただし、もちろんそれだけではありません。このアルバムには、HAKEN, BETWEEN THE BURIED AND ME, PERIPHERY といったモダン・プログメタルや Djent からの影響も取り入れられていますし、QUEEN 風のコーラスやスキャットの変化球もありますね。このような音楽的多様性は、各メンバーの個性によるものなのでしょうか?

【NOSPUN】: その多様性は、間違いなく各メンバーの個性によるものだけど、それだけでなく、予想外のことをやってみようというバンドとしての意欲によるものでもあるんだ。メタル・バンドが曲の途中にポルカ・セクションを入れるのは普通じゃないけど、僕らにとってしっくりくるなら、やってみたいんだよね。
“Earwyrm” のスキャット・セクションは、実はスタジオでふざけていて、そのまま使おうと決めただけなんだ。”Within the Realm of Possibility” の後半にある変則的なギター・ソロも同じで、James はただギターの音で笑いを取ろうとしていて、それがレコードに収録されたんだよ。

Q6: I think “Opus” is a concept work with a story, but when you look at the title and artwork, it seems like it’s a metaphor for the history and future of humanity as a story about a family, How about that?

【NOSPUN】: What is funny to us is how the album was written to be a story first, but over time many different metaphors and allegories in the story became apparent to us. Themes of obsession and failure are more obvious, but also the melancholy of having to pass on your work to someone else, having your passion for your art becoming something more mechanical than self-expressive… These are just a couple that we thought about some time after writing the record. Listeners seem to be finding their own personal meanings in it too, and we encourage that.

Q6: “Opus” はタイトルやアートワークを見ると、家族の物語の中で人類の歴史と未来を暗喩しているように思えます。

【NOSPUN】: 僕たちにとって面白いのは、このアルバムはまず一つの物語として書かれたのだけど、時間が経つにつれて、物語の中のさまざまな隠喩や寓意が明らかになってきたことなんだ。
強迫観念や挫折というテーマはより明白だけど、自分の作品を誰かに譲らなければならない憂鬱、自分の芸術への情熱が自己表現よりも機械的なものになってしまうこと……これらは、レコードを書いた後しばらくしてから考えたことだった。リスナーもこのアルバムに自分自身の個人的な意味を見出しているようだし、僕たちもそれを後押ししているよ。

Q7: Speaking of prog and metal, the world of fantasy is the main focus, and many people use it as a place to escape from the harsh reality of the real world. Japan is a mecca for fantasy such as games and anime, are you interested in Japanese culture?

【NOSPUN】: Definitely! A couple of us do regularly consume parts of Japanese culture, or at least what of it is available to us here in the United States. Cole and Phil particularly really enjoy anime and manga, like Attack on Titan, Boku No Hero Academia, Dragonball Z, and One Piece. And we all love Japanese cuisine! One day we hope to make it over there so we can get a taste of the real thing.

Q7: プログやメタルといえば、ファンタジーの世界が中心で、多くの人が現実世界の厳しい現実から逃避する場所としてここを第二の家としています。日本はゲームやアニメなどファンタジーのメッカですが、日本の文化に興味はありますか?

【NOSPUN】: 間違いなくね!僕たちのうちの何人かは、日本文化の一部を定期的に消費しているんだ。少なくとも、ここアメリカで手に入るものをね。Cole と Phil は特にアニメや漫画が好きで、”進撃の巨人”、”僕のヒーローアカデミア”、”ドラゴンボールZ”、”ONE PIECE” などを愛している。日本料理も大好きだ!いつか本場の味を堪能するために、日本へ行きたいと思っているよ。

Q8: Many of the prog giants are old and have passed away. Meanwhile, the world is dominated by the instant culture of social networking and clippings, and few young people will bother to take the time and trouble to pursue a epic and complex prog. So, What was it that drove you guys to the prog in such a situation?

【NOSPUN】: The truth is that we write prog music because it’s what we love; basically we are writing songs that we want to hear. We then release that music to the public in case there are others who like this style, but even if no one else liked the music we would still write it. So really it’s just icing on the cake that there are some people who seem to enjoy it!

Q8: プログの巨人の多くは高齢となり、この世を去った人も少なくはありません。一方、世の中はSNSや切り抜きなどのインスタント文化に支配され、わざわざ時間と手間をかけて壮大で複雑なプログレを追求する若者はほとんどいないのが現状です。そんな逆風の中で、あなたたちをプログに駆り立てたものは何ですか?

【NOSPUN】: 実は、僕たちがプログを書くのは、自分たちが好きだからという部分が大きいね。だから基本的には、自分たちが聴きたい音楽を書いているんだ。そして、このスタイルが好きな人が他にもいることを期待して、想定して、その曲を世に送り出す。例え誰にも聴いてもらえなくても、僕たちはプログをやるだろう。だからこそ、それを楽しんでくれる人がいるというのは、本当にうれしいことなんだ!

FIVE ALBUMS THAT CHANGED NOSPUN’S LIFE!!

DREAM THEATER “Octavarium”

PERIPHERY “Periphery II: This Time It’s Personal”

HAKEN “Affinity”

ANIMALS AS LEADERS “The Joy of Motion”

MESHUGGAH “Koloss”

Four of those came out during the 2010’s, so it must have been a good decade for prog metal!

このうち4枚は2010年代にリリースされている。プログ・メタルにとって10年代は良い10年だったに違いない!

MESSAGE FOR JAPAN

Thank you Japan for your support and for listening to Opus! We look forward to performing there one day so we can share our music with you more directly!

日本のみんな!”Opus” を聴いてサポートしてくれてありがとう!いつか日本にいって、直接君たちのためにプレイすることを楽しみにしているね!

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COVER STORY 【NECROPHAGIST : ONSET OF PUTREFACTION / EPITAPH 25TH, 20TH ANNIVERSARY】


COVER STORY : “ONSET OF PUTREFACTION” / “EPITAPH” 25TH, 20TH ANNIVERSARY

“I Don’t Think Every Death Metal Maniac Should Buy My Album, But Anyone Who Is Tired Of All These Average Shit, Where One Band Sounds Like The Other.”

NECROPHAGIST

「”ネクロ “を名前に持つバンドは多すぎる。でも、1988年当時、”ネクロ” を含む名前を選んだバンドはほとんどなかった。今となっては、そんなことをするバンドはクソつまらないし、バカげてる。
僕らの名前が “Necrophagist” だからといって、世間からつまらないと思われるのは良くない。”Necropha-gist” は、音楽にのみ優先順位を設定し、それを改善し、独自の新しいスタイルのデスメタルを開発するためのバンド。だから僕のせいにしないで、ネクロを使っているデスメタル・バンドの “新時代” のせいにしたいね。君たち、想像力は一体どこにあるんだ?」
今からちょうど四半世紀前。Muhammed Suiçmez は、ギターとマイクとコンピューターを持ってスタジオに閉じこもり、史上最もユニークで影響力のあるメタル作品のひとつを録音しました。今にして思えば、 “Onset of Putrefaction” が1999年という前世紀に発表されたことが信じられません。音楽的なスタイルもプロダクションも、明らかに未来。案の定、この作品は、来るべき現代のテクデス・ワールドほとんどすべての規範となったのです。

「リハーサル・ルームで録音したんだけど、プロフェッショナルなサウンドに仕上がったよ。レコーディングに使った機材もプロ仕様。ミックスも最終的に、その道のプロと一緒にやったんだ。だから、リハーサル室で作ったとは思えない仕上がりになっている。そう、とても大変だったんだ。時間も神経も使ったけど、それだけの価値はあったよ」
2000年代に入る前、SUFFOCATION のようなデスメタル・バンドは、ハイゲインの氾濫とカオティックなエネルギー、そしてブルータルな重量が本質的ににじみ出る音楽を生み出していました。ただし、彼らのデスメタルはテクニカルな複雑さとは裏腹に、オーガニックな人間味が多く残されていたのです。NECROPHAGIST は、テクデスを次のステップに進め、より臨床的で冷たく、マシナリーで極めて正確なスタイルを打ち立てました。
「多くの人はデスメタルにおけるドラム・マシーンを好まないが、ドラム・ラインをプログラムするのに3週間、毎日12時間かかった。その結果、このCDはほとんど自然なサウンドになったんだよ」

それまでもテクデスは、もちろんある種の几帳面さを好む傾向がありましたが、”Onset of Putrefaction” は、強迫的な細菌恐怖症と例えられるほどに、無菌状態の完璧主義が貫かれています。プログラムされたドラムは、ロボットのような正確さと非人間的な冷たさを加え、偽物のように聞こえる以上にデスメタルのエッジとAIの無慈悲を獲得するのに役立っています。一方で、テクデスの命ともいえるリフは、当時の常識以上に可動性が高く、慌ただしく、細部まで作り込まれていました。さらにそれらはすべて、ディミニッシュ・アルペジオ、ホールトーン・スケール、クロマティック・ムードといった異端を最大限に活用して、流動的かつリズミカルな魅惑的な”音楽” に加工する魔法に覆われています。
そんな高度に機械化された無菌室は、デスメタル本来の穢れを祓い、過度に衛生化されるという懸念を、次から次へと収録される楽曲の超越したクオリティで薙ぎ払っていきます。一方で、ステレオタイプな低いうなり声のボーカルは、単に楽曲の意味を伝えるものとなり、リズム楽器の一つとして有効に機能しています。
「歌詞のほとんどは昔の CARCASS のようにゴアなテーマを扱っているけど、もっとセンスのあるものもある。これらはより新しいものだ。新しい歌詞はもっと哲学的なものになると思う」

NECROPHAGIST(ギリシャ語で「死者を喰らう者」の意)は、トルコ系ドイツ人のギタリスト/ボーカリスト Muhammed Suiçmez が結成し、フロントを務め、彼がすべてを決定するワンマン・バンドでした。
彼らのデビュー・アルバム “Onset of Putrefaction” は、Hannes Grossmann が制作したドラム・サンプルを使った新版が作られています。
「僕はドイツで生まれたので、1975年からここに住んでいる。ドイツの社会は奇妙で退屈だ。大学を卒業したら、この国を離れると思う。母国にはあまり行ったことがないし、トルコとの関係が希薄なんだ。
偏見を感じることはある。人々は異なる文化を恐れ、偏見を持ち、奇妙な振る舞いをする。とはいえ、僕はここで何人かのドイツ人と友好関係を築いた。彼らとの間には常に距離があるけれどね。私の親友は非ドイツ人であることを明言しなければならないよ。ドイツ人は、僕を自分自身や友人とは異なるものとして理解しているのだ」

そうしたある種の “孤高” と “孤独” の中でも、Muhammed は2010年の解散までに Christian Münzner, Hannes Grossmann, Marco Minnemann, Sami Raatikainen といったドイツの才能を次々と発掘し、彼らが OBSCURA のような次世代の旗手となっていったのはご承知の通り。そうした人を活かすアルバムとして発表された2004年の “Epitaph” は、その完璧な仕上がりとは裏腹に、文字通りバンドの墓標となってしまっています。アルバムでは、Muhammed自身も、7弦と27フレットを備えた新しいカスタムショップのIbanez Xiphosギターで攻めていました。唯一無二であることにこだわるが故の、消滅。
「昔から他のバンドをコピーするバンドはいたし、オリジナルなバンドもいた。その点では何も変わっていないが、レーベルが生き残るために利益を上げる必要がある限り、彼らは手に入るものは何でもリリースするだろう。少なくとも一部のレーベルはそうだ。特にアンダーグラウンドの小さなレーベルは、今でも利益を最も必要としている。それがビジネスであり、ある程度は理解できるが、これでは音楽の発展はない。
NECROPHAGIST は主に自分自身のためにやっているが、もちろん、人々が我々の音楽に影響を受けていると聞くのは光栄なことだ。
音楽的には、確かに僕らのルーツはデスメタルの最初の時代にある。それを除けば、僕たちはどんな音楽にもオープンだし、みんなかなり多様な音楽を聴いている。自分のことしか言えないけど、マルムスティーンのソロ・スタイルはかなり影響を受けていると思う。あとは、パワーメタルは影響を受けているが、それはある程度までだ。SONATA ARCTICA 以外によく聴くパワー・メタル・バンドは思いつかない。とにかくさまざまな角度から影響を受けてもいるよ。重要なのは、自分たちの音楽がどう聞こえるかだ」

“Onset of Putrefaction” から25年。”Epitaph” から20年。年月を経た2枚のアルバムは、今やテクデスの聖典として、様々な後続に崇め奉られています。
「まあ、すべてのデスメタル・マニアが僕のアルバムを買うべきだとは思わないけど、他のバンドと同じように聴こえるような、平均的なクソにうんざりしている人なら誰でも買うべきだよ。申し訳ないけど、バンドはギターやドラムスティックを持てるようになったら、すぐにCDをレコーディングするべきではないと思うんだ。だから、NECROPHAGIST が10年前から存在し、音楽が年々向上していることを知っておいてほしい。新しい、あるいは違ったスタイルの音楽を聴いてもらいたいんだ。”Onset” が他のバンドに似ていると言っている人は、みんなよく聴いていない。だから、この音楽は間違いなくデスメタル・マニアのために作られたものだけど、ブラストビートやダウンチューニングのギターだけがここにあるわけじゃないんだ」

デスメタル・アルバムにおいて、ラジオ・ソングのように、すべての曲が他の曲とまったく違うと自信を持って断言できることがどれほどあるでしょう?NECROPHAGIST は魔法の公式を見つけたと思い込んで、それを繰り返し、同じようなサウンドの濫用になるようなバンドではありませんでした。すべての異なるトラックを全く異なる雰囲気で収録し、そのどれもが地獄のようにキャッチーであるという最も野心的な目標を達成してきました。つまり、彼らが残した2枚の聖典はジャンルを超越し、デスメタルの専門家でない人にとっても潜在的な興味対象であるという特殊性を持つ、史上数少ない真に偉大なアルバムとなったのです。
「ハードドライブのどこかに新しいアルバムは録音してある。でも今はもうバンドをやる気はないんだよな」
これが2019年、Muhammedからの最後の便り。今はエンジニアの資格をとって BMW でエンジニアとして働いているとも噂されていますが、このアニバーサリーの年に何か動きはあるでしょうか…


参考文献: MASTERFUL MAGAZINE : NECROPHAGIST

NIHILISTIC HOLOCAUST: NECROPHAGIST

ZWAREMETALEN Interview

COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【BERRIED ALIVE : BERRIED TREASURE】


COVER STORY : BERRIED ALIVE “BERRIED TRASURE”

“Balenciaga Or Moschino Are Great Examples In Fashion For Being Incredibly Technical Clothing That Doesn’t Take Itself Too Seriously. That’s Really What We Want The Most In Music, To Connect With People.”

BERRIED TREASURE

「Charles Caswell というギタリストがいる。彼は奥さんと BERRIED ALIVE というデュオをやっている。彼は、私が今まで聴いた中で最もクレイジーなギターを弾いている。彼のプレイスタイルは、私がこれまで聴いた中で最も速いプレイヤーなんだ」
ギターレジェンド Joe Satriani がこれほど興奮して紹介するギタリスト。その人物が凡庸なはずはありません。そして当然、世界中が注目します。そのギタリストとは、BERRIED ALIVE というデュオでの活動で知られる Charles Caswell です。
BERRIED ALIVE は、Charles と妻の Kaylie Caswell によるデュオ。彼らのジャンルを説明するのは少し難しいかもしれません。一応、彼らのウェブサイトには、”トラップ、ハードロック、メタル、ヒップホップ、アバンギャルドの要素を取り入れたEDMポップ” のようなものだと書かれています。
Satriani は興味深い比較をしながら、こう付け加えました。
「BERRIED ALIVE の音楽は、Tosin Abasi とかと同じくらい複雑だ。しかし、彼が何を選択し、どのように作曲するのか…それは他の誰とも違っている。人生は挑戦だ。そうして若いギタリストたちは、今この現代を生きることがどういうことなのか、私たちに教えてくれているんだ。美しいことだよ。インスタグラムを見に行って、スマホの前で誰かが僕が弾けないものを弾いているのを見るたびに、”やったー!” って思うんだ。誰かがギターを前に進めているんだからね!」
Satriani の賛辞に、Charles も応えます。
「Joe Satriani は偉大なレジェンドだ。僕が初めてギターを手にして “Surfing With The Alien” を弾いて以来、多大なインスピレーションを受けてきた人物からこんな優しい言葉をかけてもらえるなんて、信じられないほどうれしくて勇気づけられるよ!」

BERRIED ALIVE の芸術的な活動は、2012年に “音楽ベンチャー” という冒険的な形態で始まりました。それ以来、2人はレコードやシングルを精力的にリリースしています。現在までに、BERRIED ALIVE のカタログは、7枚のスタジオ・アルバムと30枚以上のシングルにまで及んでいるのです。その音楽はたしかに、トラップ、ハードロック、メタル、ヒップホップ、アヴァンギャルドの要素を取り入れたEDMポップという表現がぴったりなのかもしれません。バンドの大胆不敵で感染力のある楽曲、まばゆいばかりの音楽性、そしてシアトリカルなセンスは、YouTubeの総再生回数950万回、Spotifyのリスナー数12万人以上という数字に直結し、多くのリスナーを魅了しています。そして、Satriani のみならず、RAGE AGAINST THE MACHINE の Tom Morello, AVENGED SEVENFOLD の Synyster Gates, MOTLEY CRUE の Tommy Lee といったアイコンたちからの喝采までも集めているのです。
「僕たちは普段、いつもギターを弾いているわけでもなく、ただ好きな音を見つけているだけなんだ。ギターで音を模倣する方法を学んだから、音を見つけたら、それがどんな音なのか、たとえクレイジーな音のドラムか何かであっても、それを自分なりに再現することができる。
自分自身や自分たちに対して批判的になるのは好きではないんだ。厳しいやり方は健康的じゃない。僕はギターに3時間、ボーカルに3時間、作曲に2、3時間、マーチャンダイズやソーシャルメディアに2、3時間といった具合に。グッズの注文もすべてこなさなければならない。ギターを弾いているだけじゃなく、何かを作り、リハーサルをし、人々とつながる。運動などで心身の健康に気を配りながらね。1日の中で少しずつでもすべてのことをやっていれば、終わる頃にはかなり満足感があるし、自分を過小評価しなかったように感じる」

重要なのは、彼らがただ驚異的で “リディキュラス” なバンドであるだけでなく、”音楽ベンチャー” という形態をとっている点でしょう。BERRIED ALIVE は、冒険的な音楽と多感覚的なグッズの厳選された世界を構築していて、最近ではビール会社との提携までも行っています。
「空港のレンタカーで、カウンターのお姉さんにおすすめのお店を聞いたんだ。彼女は Heathen Brewing を勧めてくれた。料理も雰囲気もビールも気に入った。数年後、彼らから連絡があり、ビールのコラボをしないかと誘われた。僕たちは彼らの醸造所で会い、数ヶ月かけてすべてのロジスティクスを考え、ビールを造った。かなりクレイジーだったよ!
乳糖を混ぜて、ろ過した後の穀物をすくい取って…僕たちがワインやシャンパンが好きだと知っていたので、自家ぶどう園のぶどうを収穫してくれて、自家栽培のぶどうを使うことができた!醸造所の文化にも本当に感化されたね。みんな協力し合い、助け合うことを厭わないから、僕が音楽の世界で経験してきたことと比べると新鮮だ。Heathen とも将来的にもっとコラボできる可能性がある。そこから生まれたビールの名前が、アルバム “The Mixgrape” にちなんでいるんだ」
マーケティング用語で言えば、BERRIED ALIVE 社は気まぐれでカラフルなライフスタイル・ブランドであり、彼らが提供する商品メニューは拡大し続けているのです。ただし、創業者である Caswell 夫妻は、それほど計算高くはありません。ジャンルにとらわれない音楽、遊び心がありながらも高級感のある服、巧みなマーケティングのアイデアの裏には、自由奔放な芸術的対話がつねにあります。
「僕たちは聴かれて、着られて、berry だけに味あわれるものなんだ (笑) 。すべての感覚にクリエイティブなものを提供したいんだよ!最近、友人が DEFTONES のコンサートに行ったとき、少なくとも10人以上の人が BERRIED ALIVE のグッズを身に着けていて、とても目立つから気づいたと言われてね。たしかに目立つ!僕たちはあまり外に出ないから、反響を知るのはとても楽しいよ」

BERRIED ALIVE の服は明るくポップで遊び心があり、常に人気のあるイチゴと十字架のデザインがトレードマークです。Supreme を彷彿とさせる高級ストリートウェア・ラインとして作られていますが、それは夫妻の甘く歪んだ心と密接に結びついているのです。
2人は、曲作り、服のデザイン、商品ラインにそれぞれ意見を出しながら、流れるようにいつも一緒に創作しています。Charles は、BERRIED ALIVE の楽曲のプロデュース、ミックス、マスタリングを担当し、ブランドとバンドの予算を洋服や没入型ビデオ、将来の作品に充て、Kaylie が歌詞、服のデザイン、ベースラインを担当し、一緒にマーケティング・コンセプトを考えています。実は、そうした阿吽の呼吸には確固たる理由がありました。
BERRIED ALIVE の幻想的な世界のはじまりは、おとぎ話のような出会いにまでさかのぼります。2人が出会ったのは中学1年生のときでしたが、付き合い始めたのは高校に入ってからでした。付き合い始めて早々、Charles は Kaylie がファッションの溢れんばかりの才能と適性を持っていることに気づいたのです。
当時、Charles はバンドやツアーで演奏するテック・メタル・ギターの魔術師 (あの REFLECTIONS にも在籍していた) でしたが、バンドでのドラマや苦労から離れ、孤独なアーティストへと進化していきました。そんな中で、BERRIED ALIVE という音楽団体は当初、Kaylie が提案したサイドプロジェクトのようなものだったのです。
「名前は当時のメタル界にあったダークな名前をもじったダジャレのようなものだったわ。私は芸術としての服がずっと好きだったの。私たちは本当に小さな町の出身で、そこではみんな同じような服を着ていた。そこで私が着ている服について人々が話しているのを耳にすることがあって、それは必ずしも良いことばかりではなかったのよね。でも、服装は自己表現で、人と話す前にその人について知ることができる大事なアイデンティティ。同時に、いつでも脱ぐことができる、表面的なものでもある」

2人の美学はやがて融合し、既存のバンドTシャツを超えたユニークな商品ラインを開発しようと試みます。これが BERRIED ALIVE のアパレル・ラインとなっていきました。彼らがこだわるのは、”深刻になりすぎないこと”。
「僕たちがやっていることはとても深い要素を持っているけど、決して深刻に考えすぎることはない。深刻になりすぎると、どんなメッセージや音楽からも命が吸い取られてしまうと思うからね。それをうまくやっている芸術は他にもあるよ。ドラマを見ても笑える瞬間があるし、漫画を見ても絵が美しいと思う一方で笑ってしまう。
バレンシアガやモスキーノは、ファッションの世界では信じられないほどテクニカルな服でありながら、深刻になりすぎず、時には派手であることに感動するという素晴らしい例だね。派手でありたいときもあれば、ソフトでありたいときもある。それが僕たちが一番望んでいることで、結局は人々とつながりたいんだよ」
そうして今日に至るまで、BERRIED ALIVE は、ビジョンを持ち、それを追求するために努力した2人のマーケティング能力によって、自立したビジネスとなっています。彼らの成功はすべて、直感と芸術的ビジョンに基づくもの。
「レコード・レーベルを持ち、ツアーをするという伝統的な道を歩むことなく、自分たちの夢を叶えることができたのは、大きな成果だと思っているよ。僕たちが一緒にこの仕事をできるのはとても意義深いことだし、フルタイムの仕事になったのはとても特別なこと。とても感謝しているんだ」

実際、Charles がかつてのようにツアーとレコーディングで疲弊するメインストリームの音楽業界にまだいたとしたら、彼らの夢は叶わなかったでしょう。
「あのころ僕はツアー生活をしていて、いつも大事なものから離れていて、自分のベッドで寝たことがなかった。”Melon-choly” は、”スマホを見ながら、君に電話できたらいいなと思う” という一節から始まったんだけど、この曲を書いたとき、その生活の大変な部分をたくさん思い出していたんだ。
今はインターネットがあるから、内向的な人や、何らかの理由で家族と家にいなければならない人でも、アートを作ったり音楽を作ったりできる方法がある。ある意味 DIY でパンクだよね。Kaylie はヴィヴィアン・ウエストウッドが大好きなんだ (笑)。
僕もパンク・ロックがきっかけでギターを弾くようになった。そうやって楽器を愛するようになったし、ルールなんてクソくらえで、みんながやれと言うことの反対をやればいいんだと学んだ。それが BERRIED ALIVE の本質なんだ!僕たちがツアーやライブをやらないことは、ギター界の門番たちを怒らせた。でも僕たちは気にしていないし、それは何の問題にもなっていない」
結局、彼らが求めるのは好きな人たちとつながること。
「ギター世界を敵に回してもかまわないさ。僕らがレコーディングしたものをスピードアップしてるなんていう陰謀論者のいる世界なんだから (笑) 。ボブ・ディランじゃないけど “Go Where They’re Not”。年々、それが身に染みていると思う。僕はただ、歌がうまくなること、より強力な曲を書くこと、そして人々とつながることに集中するようにしている。目標のひとつは、音楽が上手になることとは関係ないレベルで、もっと多くの人とつながろうとすることだ。以前はCNCの機械工で、調剤薬局でも働いていたんだけど音楽とはまったく関係のない、信じられないほどクールな人たちによく会ったよ。音楽の趣味よりも、性格が一致する方が話したいと思うんだよな」

とはいえ、Charles はギターに対する情熱をなくしたわけではありません。
「スタイルは本当に様々。とてもアバンギャルドなんだ。頭の中にアイデアが浮かんだら、それを演奏できるようにするためにまったく新しいテクニックを編み出さなければならないこともある。ある日は超クレイジーなテクニックを駆使した曲を書き、次の日はアコースティックで伝統的な構成のシンガーソングライターの曲を演奏する。完全に自由な表現なんだよ。
ギターや音楽に何か新しいものをもたらすことは、僕にとって本当に重要なことなので、作曲や練習をするときは、今まであまり見たり聴いたりしたことのないようなものになるよう最善を尽くす。そうすることで、より多くの人に聴いてもらえるから。僕は自分の音楽にできる限りの価値を込めたいと思っている。そのためには、楽器をいじったり、練習したり、プロデュース・スキルを磨いたりすることが必要なんだ」
そして、音楽世界を改革し続けることにも熱心です。
「僕たちはエルトン・ジョンが大好きで、マーチャンダイジングをしながらよく聴いているよ。それから SPARKS!僕が彼らにインスパイアされたのは、80年代、もしかしたら70年代後半かもしれないけれど、彼らが自分でレコーディングする方法を学んだからなんだ。当時は前代未聞だった。今では誰でもできる。でも、そんな前例がなかった時代に努力を重ねたことは先進的だし、今もそれを続けているのは超クールだよ!
彼らは自分たちを改革し続けている。何年もかけて、いろんなフェーズやスタイルを作り上げてきた。Jimi Hendrix もそう。彼がギターで話すことに興味を持たせてくれた。それかOzzy Osbourne, PANTERA, BLACK SABBATH でメタルにのめり込んだ。今はあまり音楽を聴いていなくて、オーディオブックや瞑想的なものを聴いている。友人の曲がリリースされたときなどはチェックするけど、ほとんどは頭の中でクレイジーなものを作っているだけだよ!(笑)」

彼らの理想の音楽世界には、エゴも嫉妬も憂鬱もありません。
「僕たちは自分たちが世界最高のギタリストであることを証明したいわけじゃない。もし普通の仕事に戻らなくてはならなくなったとしても、僕らが作る音楽に十二分に満足しているし、お金を稼ぐためにそれを変えようとは思わないから、全然平気だよ。お金儲けのために自分たちの音楽を変えようとは思わない。
自分たちがやっていることにとてもポジティブなメッセージを持つようにしている。そしてみんなにも、自分たちがやっていることが何であれ、自分たちの芸術性や創造性だけで十分だと感じてほしいんだ。メタル世界では、ポジティブであることは一般的ではないけれど、それが僕たちの気持ちなんだよ」
では、BERRIED ALIVE にとっての “成功” とは?
「”ヒーローが友達になったとき、お前は到達したんだ “って父が言っていた。それは究極の成功だ。そもそも自分がやっていることをやりたいと思わせてくれた誰かに認められることがね。
そうしたサポートは、誰かにひどいことを言われたとしても、それを帳消しにしてくれる。最小限のストレスの中で、アートを通して自分たちを維持できることだけが望んでいたことなんだ。誰が見ているかわからないし、誰とつながるかもわからない。数年前には、こんな人生になるとは想像もしていなかったからね!」

BERRIED ALIVE Bandcamp

参考文献: CURIOSITY SHOT:Berried Alive | Feature Interview

OUTBURN:BERRIED ALIVE: In Praise

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【BLOOD COMMAND : WORLD DOMINATION】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH YNGVE ANDERSEN OF BLOOD COMMAND !!

“Metal Is a Cult, Metal Is Definitely a Religion For Many Ans a Safe Haven For So Many Freaks And Outcasts. Its Really Beautiful.”

DISC REVIEW “WORLD DOMINATION”

「メタルやハードコア・パンクはまさにはみ出し者にとっては完璧な避難所だ。パンク・ロックに出会うまで、僕はずっとアウトサイダーだった。パンク・ロックは僕の人生を救ってくれたんだ。今では本当の友達がたくさんいて、僕の人生はまるでおとぎ話のようだ。こんなことができるようになったことを、毎日神に感謝しているんだよ。Nikki は間違いなく BLOOD COMMAND で自分の居場所を見つけた。Nikki はステージに立つために生まれてきたし、BLOOD COMMAND のフロントになるために生まれてきた。僕たちは死ぬまでこの仕事を続けるつもりだし、それができることをとても幸運に感じているよ。ライヴでフリークたちを見ると…涙が出るんだ」
人生で最も重要かつ困難なこと。もしかしたらそれは、自分の居場所を見つけることかもしれません。ノルウェーを拠点とする “デス・ポップ” バンド BLOOD COMMAND は、自らも彷徨い、傷つき続けた過去を振り払い、幸せな居場所を見つけることの大切さを音楽に込めています。
オーストラリアで PAGAN というバンドに人生をかけていたボーカリスト Nikki Brumen は、バンドの解散、親の死、そして恋人との別れによって心に大きな傷を負っていました。そんな時、遠く離れた地球の反対側、ノルウェーから一通のメールが届きます。
「フェイスブックだったと思うけど、ようやく彼女と連絡が取れた。”君に提案がある” と言うと、彼女は即座に “イエス” と答えたんだ。人生で最も幸せな瞬間だったね。彼女は今ではノルウェーに住んでいて、僕たちは一緒にプレイしたり、出かけたりしている。とても幸せだよ」
メールの送り主は Yngve Andersen。BLOOD COMMAND の中心人物。Yngve は Yngve で、2度目のボーカルの脱退に心が折れかけていました。音楽性はもちろん、互いに人生を取り戻す、回復しようとするもの同士、即座に意気投合。Nikki はすぐにスーツケースに荷物を詰め込んで、名前の発音もできない新たな友人の故郷、ノルウェーへと渡りました。自分の居場所は自分で見つける。彼らの場合、その媒介者が、メタルやハードコア・パンクだったのです。
「僕はノルウェーの極端なキリスト教福音派の分派出身のカルトの子供で、その全てが好きだったんだ。そのカルトの教育は僕に音楽を教え、幼い頃から楽器に触れさせ、他の人たちと一緒に演奏することを考えさせてくれた。彼らの教育にとても感謝している。あと、僕が普通でないことに慣れていて、のけ者にされることに慣れているという事実にも。それ以来、僕はカルトに魅了されている。少人数で、自分たちだけが真実であり、他の人たちは、論理的ではないにせよ、みんな間違っていると確信している、強く美しい集団だ」
居場所という意味では、Yngve は自らが育ったカルト集団と BLOOD COMMAND、そしてメタルやハードコア・パンクを重ねて見ています。社会からはぐれたのけ者たちにも、いえ、のけ者だからこそ安心できる居場所は必要。一風変わった “デス・ポップ” というアウトローの音楽で、お揃いのアディダスに身を包み、同じ夢を見られるメンバーで強く美しく生きていく。”World Domination” という新たな作品で居場所を見つけた彼らを遮るものは、もうありません。
「シーンの門番たちを怒らせるためにこのバンドを始めたかったんだよ。ハードコアにポップなものを混ぜて、邪悪なミックスを作ろうとね。当時はそれが新しいことだったけど、今はそういうバンドがたくさんいる。僕自身はハードコア・キッズであり、ポップミュージックが大好きだ。好きなアーティストの一人は Belinda Carlisle だしね」
野蛮なメタリック・リフとシャーベットのような甘いポップ・メロディーが溶け合ったサウンド・スープ。実際、彼らの “居場所” であるそのサウンドや形式は愛すべきエキセントリックを貫いています。
グラインド・コアの尺に凝縮されたエクストリーム・メタルのクランチと幼きメロディーは、テクノ、エレクトリック・ポップ、そしてジギーなギャングスタ・ラップと共に溢れんばかりのメルティング・ポットで撹拌され、散漫にも思える設計図はいつしか酩酊のような聴き心地を醸し出していきます。そう、カルトにはカルトの “世界を支配する” 譲れない美学が存在するのです。
今回弊誌では、Yngve Andersen にインタビューを行うことができました。「メタルはカルトだよ。そして、カルトがメタルのように大きくなれば、それを宗教と呼ぶこともできる。だからね、メタルは宗教なんだよ。多くのはみ出し者やマニアといった信者たちにとって、安全な天国のようなもの。本当に美しいよ」 どうぞ!!

BLOOD COMMAND “WORLD DOMINATION” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CHAOS OVER COSMOS : A DREAM IF EVER THERE WAS ONE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH RAFAL BOWMAN OF CHAOS OVER COSMOS !!

“As a Musician, I Am Definitely In The “More is More” Camp – For Me, It’s a More Exciting Approach, And It Appeals To Me More In Terms Of The Energy It Gives, The Emotions It Evokes.”

DISC REVIEW “A DREAM IF EVER THERE WAS ONE”

「ミュージシャンとしての僕は、間違いなく “More is More”派だよね。 僕にとってはそれが、よりエキサイティングなアプローチだし、エネルギーや感情を呼び起こすという点で、より魅力的なんだ。時々、テクニカルな演奏には感情が欠けているという意見を耳にすることがあるけど、僕はそうした意見には強く反対だよ。もっと広い視野で、ベートーヴェンやショパンの曲の音符の多さを聴いてみてほしいね!”More is More” タイプの音楽は、時に難易度が高くなるけど、それはそれでいいことだと僕は思う。だからこそ、時間をかけて聴く価値があるし、注意深く何度も聴けば新たな発見がある」
“Ridiculous”。近年、海外のメタル批評においてよく使用される言葉です。直訳すると、馬鹿げたとか馬鹿らしいでしょうか。しかし、ほとんどの場合、彼らの “リディキュラス” とは褒め言葉で、むしろ絶賛です。つまりそこには、常識を超えた、今までになかった、未曾有のという付加価値が込められているのです。
ポーランドのテクニカル・メタル CHAOS OVER COSMOS も、そうした “リディキュラス” なバンドの一つ。音符と音符の間の空白をすべて埋め尽くす、宇宙空間の無酸素状態にも似たテクニックの混沌。曲の中にどれだけの音符を詰め込むことができるのか?そんなギターの宇宙実験室からリフは無限に湧き出します。ペトルーシ、ロメオ、アバシ、ホールズワース…そう、インタビューに答えてくれた Rafał Bowman のギタリズムは、確実にそうした “More is More” 派においても新世代の嗎を感じさせてくれます。
ギターから噴出する、宇宙船が天体を飛び交うイメージや、ホバークラフトがブレードランナーのような超巨大都市を疾走するイメージが、シンセサイザーの大海に溺れることでSFメタルの最新形態をアップデート。ここにあるのは、例えば ARCHSPIRE や LORNA SHORE のような、”リディキュラス” なモダン・メタル。
「インスタントな文化やSNSは僕には絶対に合わない。君が言うような30秒のクリップは知っているし、時には面白いものでさえある。だけどね、僕の知る限り、切り抜き動画は複雑な形の全編の作品、特にプログレッシブなもの、多くの異なるパートで構成され、思慮深く、技術的に高度なものには決してかなわないし、近づくことさえできないよ。なぜなら、まだ世界には、複雑な形式を求めるリスナーや、曲だけでなくアルバム全般を注意深く聴きたいリスナーが常に存在することを知っているからね」
実は、Rafał のギター・テクニックが圧倒的すぎることで、海外の掲示板などではかつてのイングヴェイよろしく、 “フェイクでは?” “スピードを下げて録音しているのでは?” という疑念まで生じています。それは、このご時世に Rafał が演奏動画をアップしないことにも起因しています。
ただし、Rafał が SNS や切り取り動画と距離を置いているのは、そうした “インスタント” な世界が肌に合わないから。動画を撮り、SNSにアップし、いいねをもらい、その場限りの無意味なやりとりを交わす。そんな時間こそが、Rafał にとっては悪い意味での “リディキュラス” そのもの。それよりも彼は、テクニックと創造性に満ちた、昔ながらの壮大な “プログ・メタル”、その複雑でしかし好奇心に溢れた宇宙を探索したいと願うのです。
今回弊誌では、Rafał Bowman にインタビューを行うことができました。「僕は音楽以外のインスピレーションも重要視しているんだ。だから、村上春樹は僕にとって重要な作家なんだよ。彼はゲームやアニメ、SFとは全く関係ないけれど、彼の美学や作品から喚起される感情は僕の心に強く響くんだ」どうぞ!!

CHAOS OVER COSMOS “A DREAM IF EVER THERE WAS ONE” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PRESS TO ENTER : FROM MIRROR TO ROAD】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH PRESS TO ENTER !!

“When We Came Up With The Band Name, We Did Have a Video Game Main Menu Screen Running In The Background. So Yeah, The Name Really Came From That Whole Idea Of Pressing a Button To Enter a Virtual World.

DISC REVIEW “FROM MIRROR TO ROAD”

「実はバンド名を考えていたとき、後ろでビデオゲームのメインメニュー画面が開いていたんだ。だから、ボタンを押せば、ワクワクするようなバーチャルな世界に入れるという発想がバンド名の由来になった。僕らの場合、その世界は音楽のサウンドスケープなんだけどね」
ビデオ・ゲームで育った世代なら、”Press Enter” の文字を見るだけで血湧き肉躍るに違いありません。カートリッジを装着して、未知なる冒険へと繰り出すその入り口こそ、”Press Enter” なのですから。ゲームの中で私たちは、いつも無敵で全能でした。
同様に、未知なるバンドの始まりのリフやメロディが天高く、もしくは地響きのようにアルバムの幕開けを告げる瞬間はいつもワクワクするものです。どんな音がするのだろう?想像を絶するスリルやサスペンス、もしくは狂気はあるのだろうか?歌われるのは希望?それとも絶望?内なる五感を熱くさせるのだろうか?…おもちゃ箱をひっくり返したようなデンマークのプログレッシブ・トリオ PRESS TO ENTER は、そのワクワク感、ロックやメタルの全能感を何よりも大事にしています。
「HAKEN の “1985” という曲と、彼らが現代のプログレッシブ・ミュージックに80年代のサウンドを使っていることにすごくインスパイアされたんだ。それに、Dua Lipa はそういったオールドスクールなサウンドをとてもうまく料理して、新しい新鮮な方法で使っている。面白いことに、僕たちは80年代に直接インスパイアされるというよりも、80年代にインスパイアされたサウンドを使う現代のアーティストに影響を受けているんだと思う」
PRESS TO ENTER の音楽には、ゴージャスで全能感が宿っていた80年代の世界から飛び出してきたような高揚感と華やかなポップネスが蔓延しています。ただし、彼らのアルバム “From Mirror to Road” はただ過去の焼き直しではなく、モダンな Djent のセオリーや洗練されたプロダクション、ネオ・ファンクやネオ・フュージョンのグルーヴ、それに21世紀の多様性を胸いっぱいに吸い込んだごった煮の調理法で、独自の個性と哲学をデビュー作から披露していきます。あの ARCH ECHO 肝入りの才能に納得。
「私は不安症と身体的苦痛障害と呼ばれるものを抱えていて、4年前に顎の手術を受けることになったの。その後、長い間落ち込んでいて、しばらく歌うこともやめていたの。Lucas と Simon が “Evolvage” のボーカルに誘ってくれたとき、私は新たな希望を得たわ。あの曲をレコーディングしたとき、私は本当に音楽とつながることができた。自分にとって自然な感じだったし、新しい方法で自分を表現する機会を与えてくれたのよ。私のボーカルは、このバンドの音楽に新しい色を加え、特別な味わいを与えていると思う」
PRESS TO ENTER がこの暗澹たる2020年代にロックの全能感と期待、そして希望を蘇らせたのは、自らも一度は傷つき不安と共にあったから。他人と自分を比べることで鬱状態に陥り、極度の不安を抱えていたボーカルの Julie は、自らの歌声がこの奇抜で好奇心に溢れたプログレッシブ・メタルに命を吹き込むことを知り、前へと進み始めました。実際、マドンナから始まり、アギレラ、ペリー、レディ・ガガの系譜につながる彼女のポップで力強い歌声は、プログの世界にはないもので、だからこそ輝きを放ちました。
「僕らの曲 “Cry Trigger” のアンビエント・セクションは、”バイオハザード・ゼロ” のテーマ ”Save Room” に非常にインスパイアされているんだ。それに僕は、日本のアニメの大ファンでもある。”ワンパンマン” や “進撃の巨人” は大好きな作品だよ。僕らの曲 “Frozen Red Light” の一部は、間違いなくアニメ音楽の影響を受けている。あと日本の音楽では、CASIOPEA と彼らの昔のベーシスト、櫻井哲夫が大好きなんだ。彼は僕のベースプレイに大きなインスピレーションを与えてくれた。それに、RADWIMPS も大好きだよ」
最後のピースとして、PRESS TO ENTER は日本の文化を隠し味に加えました。それは、日本のアニメやゲーム、音楽の中に、失われつつあるワクワク感が存分に残っているから。そうして PRESS TO ENTER の軽快で複雑でポップな世界は、視覚的にも広がりを得て3次元の立体感を得たのです。もちろんそれは、彼らが敬愛する地元の英雄 DIZZY MIZZ LIZZY と同じトリオだからこそ、得られた自由。
今回弊誌では、PRESS TO ENTER にインタビューを行うことができました。「DIZZY MIZZ LIZZY の Tim Christensen、Tosin Abasi, Plini が僕のスーパー・ヒーローだね。彼らをたくさん聴いたことで、自分のサウンドや音楽におけるクリエイティブな考え方が形成された気がする」 Tosin というより、かの Manuel Gardner Fernandes 直伝のスラッピング、それに曲中の魔法のようなテンポ変化が実にカッコいいですね。どうぞ!!

PRESS TO ENTER “FROM MIRROR TO ROAD” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MANAPART : ROOMBAYA】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MANAPART !!

“Maybe Melancholy Is In Our DNA That’s Been Also Formed By Quite a Tough Historical Path Our Country Is Taking”

DISC REVIEW “ROOMBAYA”

「アルメニアの若い世代の嗜好には、SYSTEM OF A DOWN が大きな影響を与えているということだね。正直に言おう、アルメニア人は他のアルメニア人が有名になるのが好きなんだよ。だから僕たちは、単純に彼らのことを無視できなかったんだ」
2023年が終わろうとしている現在に至っても、アルメニアの英雄 SYSTEM OF A DOWN が新しいアルバムを出す気配はありません。もちろん、ライブでのケミストリーは十分という彼らの言葉通りしばしばツアーは行なっています。アルツェフとアルメニアで起きた紛争や虐殺に際しては、実に15年ぶりとなる新曲で世界に訴えかけもしました。とはいえ、非常に残念ですが、おそらく2005年以来となるアルバムは、来年も、再来年も、届くことはないでしょう。しかし、案ずることはありません。私たちには同じアルメニアの血を引く MANAPART がいます。
「たとえ音楽が世界を変えることができなくても、ある特定のグループの人々がこの世界について感じていることを反映することはできる。だから、より良い未来への希望があると感じたら、僕たちはそれを歌で伝えるんだ。音楽は命を救うことはできないけど、少なくとも気分を良くさせることができる。そうすれば、この世界に小さくても良い変化を与えることになるんだよ」
SYSTEM OF A DOWN と違って、MANAPART はアメリカに拠点を置いてはいませんし、伝説的プロデューサーのリック・ルービンも共にはいません。しかし、彼らには誠実さと野心、創造性が無尽蔵に備わっています。常に紛争と隣り合わせの場所で生まれ育ったからこそ、身に染みて感じる命と平和、希望の大切さ、そして悲しみ。
「僕たちの音楽にある哀愁は、僕たちの国が歩んできた厳しい歴史的な道によって形成され、僕たちのDNAの中にあるものだと思う。正直に言うと、人々を幸せな場所に届けるような本当に良い曲を書くのはとても難しいんだよ」
MANAPART は2020年の結成以来、世紀末の Nu-metal と東洋音楽、アルメニアのフォーク・ミュージックのユニークな婚姻を成功させ、SYSTEM OF A DOWN のフロントマン Serji Tankian その人からも賞賛されるまでに頭角を現してきました。MANAPART が母国の英雄と比較されるのは、彼らが SOAD のカバー・バンドから始まったことはもちろん、それ以上に同じアルメニアの悲哀を抱きしめているからでしょう。
大国をバックとした係争地、ナゴルノ=カラバフを巡るアゼルバイジャンとの血で血を洗う紛争は、彼の地に生きる人々の心を、体を疲弊させていきました。だからこそ MANAPART は、表現力豊かな音楽で社会的不公正、抑圧や心の憂鬱など感情をとらえた力強いメロディーを通して、人生の不条理と複雑さを探求していきました。そうして彼らは、リスナーをメランコリーに満ちたアジアと欧州、そして中東の交差点へと誘いますが、その一方で、作品全体の根底にあるテーマはより良い未来と開放のための希望と光が溢れているのです。
今回弊誌では、MANAPART にインタビューを行うことができました。「Roombaya とはアルメニアの儀式の踊り。僕たちの魂が解放される儀式のようなもので、神聖な火の周りで踊るブードゥー教のダンスのようなものだ。この炎は僕たちの魂を時空を超えて高揚させ、本当の自由を感じさせてくれるんだ」 どうぞ!!

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