EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH TC. KYLIE !!
“Just As Dream Theater Layers Contrasting Musical Ideas To Build Tension And Release, I Often Blend Jazz Fusion With Cinematic Storytelling, As Seen In My Reinterpretation Of Merry-Go-Round of Life.”
DISC REVIEW “RE:BIRTH よみがえり”
「今日のジャズは、伝統と革新の両方を取り入れた、境界を押し広げ、進化し続ける芸術なの。 チェット・ベイカーやオスカー・ピーターソンのようなクラシック・ジャズの伝説がその基礎を築いた一方で、モダン・ジャズはニュージャズ、ジャズトロニカ、フュージョンにまたがり、ヒップホップ、エレクトロニック、ファンクといったジャンルを融合させている。 ミュージシャンたちは現在、それぞれの文化的遺産をジャズに注入し、ユニークなサブジャンルを生み出している。 例えば、日本のアシッド・ジャズは、Jabberloop, Toconoma といったバンドに見られるように、複雑なグルーヴ、映画のようなハーモニー、躍動的なブラス・アレンジを披露する。Fox Capture Plan のようなバンドは、ストリングス・アンサンブルやオーケストラを加えることも得意としているよね」
モダン・メタルは今や多様性とローカルな文化の融合を謳歌する一大ムーブメントとなっていますが、ジャズの世界にもそうした伝統と多様性の蜜月が訪れているようです。TC.KYLIE は、香港、日本、イギリスの文化を融合させたデビュー・アルバムでまさに最先端の音楽的哲学と共鳴して、ダイナミックなジャズ・フュージョンを生み出しました。日本のジャズ・ロックを象徴するキーボードとシンセ・キーターで、カントンポップとUKジャズの息吹を纏い、ダイナミックにステージをリードする TC. KYLIE には、それができるだけの人間的深みがあります。
「ロンドンに移り住んだことは、私の人生における新たな一歩で、人生の自由、創造的な自由、そして芸術的な探求を意味する。香港はかつてイギリスの植民地だったから、この2つの都市の歴史的なつながりは私にとって深い意味を持つのよ。私はフルタイムで音楽を追求する前は、香港でニュース・ドキュメンタリー・ジャーナリストとして働き、複雑な政治的風景の中で人間の物語を紡ぐことを専門としていたの。この経験は、ストーリー・テリングと文化的アイデンティティに対する私の深い認識を形成し、現在、私の作曲とアレンジに浸透している要素ともなっているの」
TC. KYLIE が生まれ育った香港からロンドンへと旅だったのは自由を手にするためでした。それは、人生の自由であり、創造的な自由でもあります。ジャーナリストとして働いていた香港時代、彼女は生まれ育った故郷の複雑な政治的背景を思うように綴れない状況に悩みます。そして、彼の地に住む人々が、香港の魂であるカントンポップと故郷の悲喜交々を関連付けて生き抜いていることにも気づかされます。自分の愛するジャズだって文化を綴るハーモニーだ。ならば、ジャズでもカントンポップのように地元と密着したストーリー・テリングができるのでは？
「音楽の旅が進むにつれ、私は日本のアシッド・ジャズに傾倒し、そのハイエナジーなグルーヴ、シンコペーションのリズム、躍動的なブラス・アレンジに魅了されたのよ。Fox Capture Plan, Jabberloop, Toconoma, Jizue, Bohemianvoodoo といったバンドの熱心なフォロワーとなり、それぞれがこのジャンルにユニークな個性をもたらしていることを知ったの」
そんな TC. KYLIE の背中を押したのが日本と日本の文化でした。彼女は2020年、パンデミックでジャーナリストの仕事を諦め、自身の健康と情熱を大切にするため、無期限の休養を取ることを決意します。そして青森の十和田湖にあるジャズ喫茶とホステルに滞在。ジャズ愛好家だったホステルのオーナーに勧められ、TC. KYLIE はピアノの前に座り、政治・社会部記者時代に耐えてきたことを表現するために、思索し、散らばった音を弾き紡ぎました。何年も音楽から遠ざかっていた彼女はそうして、再び生活の中に音楽を取り入れることに喜びを感じるようになります。ジブリの名曲 “人生のメリーゴーランド” をカバーしたのはきっとそんな日本での出来事が、彼女のメリーゴーランドを回すきっかけになったから。それだけではなく、toe のようなポスト/マスロック、Fox Capture Plan のようなジャズ、そしてソニックのようなゲーム音楽まで、彼女の再生 “Rebirth 重生” の多くは日本の文化が根っことなって支えているのです。
今回弊誌では、TC. KYLIE にインタビューを行うことができました。「DREAM THEATER の “The Count of Tuscany” や “Illumination Theory” などのオーケストラ・アレンジは、私の作品に壮大なストリングスやホーン・セクションを取り入れるきっかけになったね。ジャズのハーモニーを映画のようなテクスチャーと融合させ、没入感のある感情豊かなサウンドスケープを創り出すのが好きなんだ」 どうぞ！！
TC.KYLIE “RE:BIRTH よみがえり” : 10/10
INTERVIEW WITH TC. KYLIE
Q1: First of all, what kind of music did you grow up listening to?
【TC. KYLIE】: Hong Kong’s Cantopop heritage is a distinct fusion of East and West, blending Chinese melodies, Western harmonies, and jazz-inflected progressions, shaped by the city’s cosmopolitan identity. While globalized music trends continue to evolve, Cantopop’s cinematic compositions, poignant storytelling, and emotionally charged delivery remain uniquely Hong Kong.
My work draws from this signature soundscape, infusing Cantopop lyricism and rich orchestration into jazz fusion arrangements. Stage-命定舞台 pays tribute by opening with a piano solo referencing Eason Chan’s 每一個明天, encapsulating resilience and hope- defining theme in Cantopop. Beyond this, Hong Kong’s underground jazz and indie crossover scenes further shape my voice, preserving a distinct sonic identity that thrives amid today’s globalized music landscape.
Besides, inspired by Shaun Martin and Robert Glasper, I was drawn to their sophisticated harmonies, rich chord progressions, and innovative fusion of jazz with contemporary elements. Their music, particularly Glasper’s seamless blend of hip-hop, R&B, and jazz improvisation, opened my ears to a more modern and expressive approach to jazz.
As my musical journey progressed, I delved into Japanese acid jazz, captivated by its high-energy grooves, syncopated rhythms, and vibrant brass arrangements. I became an avid follower of bands like Fox Capture Plan, Jabberloop, Toconoma, Jizue, and Bohemianvoodoo, each bringing a unique character to the genre. Fox Capture Plan’s cinematic textures, Jabberloop’s explosive horn lines, and Toconoma’s laid-back yet intricate grooves deeply resonated with me, further refining my musical aesthetic.
One of my most unforgettable experiences was witnessing Toconoma’s “tocojaws” Live in Hong Kong in 2018. Experiencing their tight interplay, dynamic transitions, and electrifying stage presence firsthand was profoundly inspiring, reinforcing my passion for jazz fusion. Their live improvisation and seamless chemistry showcased an unparalleled level of musicianship, setting a benchmark for my own artistic aspirations.
Q1: 本誌初登場です！まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか？
【TC. KYLIE】: 香港のカントポップの伝統は、東洋と西洋の独特な融合であり、中国のメロディー、西洋のハーモニー、ジャズを取り入れた進行が融合し、香港のコスモポリタンなアイデンティティによって形作られているの。グローバル化した音楽トレンドは進化し続けているけど、カントポップの映画的な構成、痛烈なストーリーテリング、感情を揺さぶる表現は、今も香港独自のものよ。
私の作品は、この特徴的なサウンドスケープを生かし、カントポップのリリシズムと豊かなオーケストレーションをジャズ・フュージョンのアレンジに吹き込んでいる。”Stage-命定舞台” は、イーソン・チャンの “每一個明天” を引用したピアノ・ソロで幕を開け、カントポップの決定的なテーマである回復力と希望を表現している。これ以外にも、香港のアンダーグラウンド・ジャズやインディー・クロスオーバー・シーンが私の声をさらに形成し、今日のグローバル化した音楽状況の中で繁栄する独特のサウンド・アイデンティティを保つようになったの。
その上、ショーン・マーティンとロバート・グラスパーに触発され、彼らの洗練されたハーモニー、豊かなコード進行、ジャズと現代的要素の革新的な融合に惹かれていった。彼らの音楽、特にグラスパーのヒップホップ、R&B、ジャズ・インプロヴィゼーションのシームレスな融合は、私の耳をジャズのよりモダンで表現力豊かなアプローチへと導いてくれた。
音楽の旅が進むにつれ、私は日本のアシッド・ジャズに傾倒し、そのハイエナジーなグルーヴ、シンコペーションのリズム、躍動的なブラス・アレンジに魅了されたのよ。Fox Capture Plan, Jabberloop, Toconoma, Jizue, Bohemianvoodoo といったバンドの熱心なフォロワーとなり、それぞれがこのジャンルにユニークな個性をもたらしていることを知ったの。Fox Capture Plan のシネマティックな質感、Jabberloop の爆発的なホーン・ライン、Toconoma のゆったりとしながらも複雑なグルーヴは私の心に深く響き、私の音楽的美学をさらに洗練させてくれたわ。
最も忘れられない体験のひとつは、2018年に香港で行われた Toconoma のライブで “tocojaws” を目撃したことね。彼らの緊密なインタープレイ、ダイナミックなトランジション、そして衝撃的なステージを直接体験したことで私は深いインスピレーションを受け、ジャズ・フュージョンへの情熱をさらに強くしたの。彼らのライブにおける即興演奏とシームレスなケミストリーは、比類ないレベルのミュージシャンシップを具現化し、私自身の芸術的願望のベンチマークとなったの。
Q2: What was your first encounter with the piano? Do you have a classical education?
【TC. KYLIE】: I received a classical education in piano and percussion during my early years in elementary school. I was also part of both the school’s symphonic and Chinese orchestras, which played a significant role in shaping my approach to song arrangement, particularly my use of horn and string sections.
This influence is evident in our EP, especially in “Nightingale-小夜啼鳥” , recorded at Abbey Road Studios. The song reinterprets The Nightingale and the Emperor through a dynamic duet between British violinist Natasha Petroviﾄ and Hong Kong-based multi-instrumentalist Victor Wu, capturing the Emperor’s journey from awe to neglect, culminating in bittersweet redemption.
Another track, Sea 海の彼岸, showcases a poetic pre-chorus where I lead bassist Indigo Pearce to harmonize in an intimate duet, followed by an intricate violin solo.
Q2: ピアノとの出会いについてお話ししていただけますか？クラシックの教育を受けていたんですか？
【TC. KYLIE】: 私は小学校の低学年でピアノと打楽器のクラシック教育を受けたの。また、学校の交響楽団と中国管弦楽団に所属していたこともあって、それは私の曲のアレンジ、特にホルンや弦楽器のセクションの使い方を形成する上で重要な役割を果たしたわ。
この影響はEP、特にアビーロード・スタジオでレコーディングされた “Nightingale – 小夜啼鳥” に顕著に表れている。 この曲は、イギリスのヴァイオリニスト、ナターシャ・ペトロヴィトと香港を拠点とするマルチ・インストゥルメンタリスト、ヴィクター・ウーのダイナミックなデュエットによって “ナイチンゲールと皇帝” を再解釈したもので、皇帝が畏敬の念から無視されるようになり、ほろ苦い贖罪に至るまでを描いている。
もう1曲の “Sea – 海の彼岸” では、詩的なプレ・コーラスで、私がベーシストのインディゴ・ピアースを率いて親密なデュエットでハーモニーを奏で、その後に複雑なヴァイオリン・ソロが続くわ。
Q3: Why did you move your activities from Hong Kong to London?
【TC. KYLIE】: Moving to London marks a new chapter in my life-one of liberty, creative freedom and artistic exploration. As Hong Kong was once a British colony, the historical connection between the two cities holds deep significance for me.
Before pursuing music full-time, I worked as a news documentary journalist in Hong Kong, specializing in weaving human narratives within complex political landscapes. This experience shaped my deep appreciation for storytelling and cultural identity-elements that now permeate my compositions and arrangements.
Jazz has traditionally been harmonically driven, rather than a tool for cultural succession. However, reflecting on my early career as a journalist covering political and social events in Hong Kong, I realize that people often associate these moments with Cantonpop, not jazz. So why not? If jazz embraces storytelling with local identity and historical depth, it can transcend being purely a musical form and become a vessel for cultural memory and social expression, proving that jazz’s evolution is far from over.
I also engage with society through live performances, using music as a medium for reflection and dialogue. For instance, during my headline gig at London Jazz Festival 2024, I incorporated a solo piano rendition of Eason Chan’s Crying in the Party, seamlessly layering it with soundscapes from pivotal Hong Kong social and political events. These included archival audio from the 2019 protests, which I personally recorded-moments that resonated globally and captured international media attention. Through this, I strive to preserve and amplify the voices of my hometown, blending musical expression with historical consciousness.
Q3: なぜ生まれ育った香港を離れ、ロンドンに居を移したのですか？
【TC. KYLIE】: ロンドンに移り住んだことは、私の人生における新たな一歩で、人生の自由、創造的な自由、そして芸術的な探求を意味する。香港はかつてイギリスの植民地だったから、この2つの都市の歴史的なつながりは私にとって深い意味を持つのよ。
私はフルタイムで音楽を追求する前は、香港でニュース・ドキュメンタリー・ジャーナリストとして働き、複雑な政治的風景の中で人間の物語を紡ぐことを専門としていたの。この経験は、ストーリー・テリングと文化的アイデンティティに対する私の深い認識を形成し、現在、私の作曲とアレンジに浸透している要素ともなっているの。
ジャズは伝統的に、文化継承のためのツールというよりは、ハーモニーを重視するものだった。 しかし、香港の政治的、社会的な出来事を取材するジャーナリストとしての私の初期のキャリアを振り返ってみると、人々はしばしばそうした瞬間をジャズではなくカントンポップと結びつけて考えていることに気づく。では、なぜそうしないのか？ ジャズがより地域のアイデンティティと歴史的な深みを持ったストーリーテリングを受け入れるなら、純粋な音楽形式を超え、文化の記憶と社会的表現の器となることができるのではないか？
私はまた、音楽を内省と対話の媒体として使い、ライブ・パフォーマンスを通じて社会と関わっている。例えば、ロンドン・ジャズ・フェスティバル2024のヘッドライン・ギグでは、イーソン・チャンの “Crying in the Party” をピアノ・ソロで演奏し、香港の重要な社会的・政治的出来事のサウンドスケープとシームレスに重ねた。これには、私が個人的に録音した2019年の抗議デモのアーカイブ音声も含まれているわ。この作品を通して、私は音楽表現と歴史意識を融合させながら、故郷の声を保存し、増幅させようと努めているの。
Q4: The world of jazz has expanded greatly with the arrival of bands such as Snarky Puppy and Robert Glasper as well as new UK Jazz talent such as Go Go Penguin and Mamal Hands. We feel that you are the kind of talent that will be part of this new wave, would you agree?
【TC. KYLIE】: Jazz today is a boundary-pushing, ever-evolving art form that embraces both tradition and innovation. While classic jazz legends like Chet Baker and Oscar Peterson laid its foundation, modern jazz spans nu-jazz, jazztronica, and fusion, blending genres like hip-hop, electronic, and funk. Musicians now infuse their cultural heritage into jazz, creating unique subgenres. For instance, Japanese acid jazz showcases intricate grooves, cinematic harmonies, and vibrant brass arrangements, as seen in bands like Jabberloop and Toconoma. Bands like Fox Capture Plan also master the addition of a string ensemble or even an orchestra.
Q4: SNARKY PUPPY やロバート・グラスパーのような人たちや、GO GO PENGUIN, MAMMAL HANDS のような新しいUKジャズの才能の登場で、ジャズの世界は大きく広がっています。あなたもこうした新しい波の一翼を担う才能の持ち主でしょうね？
【TC. KYLIE】: 今日のジャズは、伝統と革新の両方を取り入れた、境界を押し広げ、進化し続ける芸術なの。 チェット・ベイカーやオスカー・ピーターソンのようなクラシック・ジャズの伝説がその基礎を築いた一方で、モダン・ジャズはニュージャズ、ジャズトロニカ、フュージョンにまたがり、ヒップホップ、エレクトロニック、ファンクといったジャンルを融合させている。
ミュージシャンたちは現在、それぞれの文化的遺産をジャズに注入し、ユニークなサブジャンルを生み出している。 例えば、日本のアシッド・ジャズは、Jabberloop, Toconoma といったバンドに見られるように、複雑なグルーヴ、映画のようなハーモニー、躍動的なブラス・アレンジを披露する。Fox Capture Plan のようなバンドは、ストリングス・アンサンブルやオーケストラを加えることも得意としているよね。
Q5: It is well known that Tigran Hamasyan is influenced by Meshuggah, but you also listen to metal like Dream Theater? What do you like about them?
【TC. KYLIE】: I have always been drawn to intricate song structures, shifting time signatures, and extended instrumental passages-elements that Dream Theater has mastered. Similarly, in my compositions, such as Rebirth 重生 I embrace odd time signatures and dynamic transitions to mirror the unpredictability of life’s journey. Just as Dream Theater layers contrasting musical ideas to build tension and release, I often blend jazz fusion with cinematic storytelling, as seen in my reinterpretation of Merry-Go-Round of Life.
Dream Theater’s ability to fuse metal, rock, and classical influences resonates with how I integrate jazz, Japanese acid jazz, and electronic elements into my music. My use of synthesizers, MIDI keytar, and Omnisphere patches, particularly in my reinterpretation of Merry-Go-Round of Life, reflects a similar approach to blending traditional instrumentation with modern technology. My keytar solos, heavily inspired by video game soundtracks, also parallel their use of synth-driven passages to create atmospheric depth.
Dream Theater’s orchestral arrangements in songs like The Count of Tuscany and Illumination Theory have inspired me to incorporate grand string and horn sections in my work. I love blending jazz harmonies with cinematic textures, creating immersive, emotionally rich soundscapes.
Q5: ティグラン・ハマシアンが MESHUGGAH に影響を受けていることはよく知られていますが、あなたも DREAM THEATER のようなメタルを聴くそうですね？
【TC. KYLIE】: DREAM THEATER が得意とする、複雑な曲の構成、移り変わる拍子、長大な楽器のパッセージにはいつも惹かれているわ。同様に、”Rebirth 重生” のような私の作品では、人生の旅の予測不可能さを反映するために、変拍子やダイナミックな変化を取り入れている。DREAM THEATER が対照的な音楽的アイデアを重ねて緊張と解放をもたらすように、私はしばしばジャズ・フュージョンと映画のようなストーリーテリングを融合させるの。
メタル、ロック、クラシックの影響を融合させた DREAM THEATER の能力は、私がジャズ、日本のアシッド・ジャズ、エレクトロニックな要素を自分の音楽に融合させる方法と共鳴する。私のシンセサイザー、MIDIキーター、Omnisphereパッチの使用は、特に “Merry-Go-Round of Life” の再解釈において、伝統的な楽器編成と現代テクノロジーを融合させるという同様のアプローチを反映している。私の “キーター・ソロ” は、ビデオゲームのサウンドトラックに強くインスパイアされたもので、シンセサイザーを駆使したパッセージがアトモスフィアの奥行きを生み出すのと平行している。
DREAM THEATER の “The Count of Tuscany” や “Illumination Theory” などのオーケストラ・アレンジは、私の作品に壮大なストリングスやホーン・セクションを取り入れるきっかけになったね。ジャズのハーモニーを映画のようなテクスチャーと融合させ、没入感のある感情豊かなサウンドスケープを創り出すのが好きなんだ。
Q6: I was surprised by your cover of “Merry-go-round of Life,” the theme song from the Ghibli movie “Howl’s Moving Castle,” but you did a wonderful job! Are you influenced by such Japanese anime and video games and their music?What do you like about these contents?
【TC. KYLIE】: One of the aspects I love about anime soundtracks is their sophisticated use of harmonies and orchestration. Composers like Joe Hisaishi, Yoko Kanno, and Yasunori Mitsuda craft melodies that are both deeply expressive and harmonically rich, often blending classical, jazz, and electronic elements. Hisaishi’s scores, for example, seamlessly transition from delicate piano-driven themes to grand symphonic swells, which inspires the way I build dynamics and texture in my compositions.
My jazz big band reinterpretation of Merry-Go-Round of Life pays homage to this storytelling approach by incorporating intricate harmonies, rhythmic variations, and cinematic phrasing. The keytar solo in this arrangement is heavily influenced by the fast-paced, synth-driven soundtracks of classic video games like Sonic the Hedgehog (1991), injecting a vibrant, retro-gaming energy into the piece.
Similarly, video game music has shaped my sense of groove and rhythmic interplay. Japanese composers like Nobuo Uematsu (Final Fantasy) and Koji Kondo (Super Mario, The Legend of Zelda) have mastered the art of writing music that is both memorable and deeply interactive. This influence can be heard in Sea 海の彼岸, where bold horn-led rhythms mirror the adrenaline-fueled energy of a Mario Kart race. Meanwhile, my bandmate Victor Wu’s AKAI EWI wind synth channels the pioneering fusion energy of Casiopea -one of Japan’s most influential jazz fusion bands, whose sound also aligns with the adventurous, futuristic spirit of video game music.
I also admire the storytelling and world-building found in anime and games. These narratives often explore themes of nostalgia, resilience, and personal growth.
Q6: ジブリ映画 “ハウルの動く城” の主題歌 “人生のメリーゴーランド” のカバーには驚きましたが、素晴らしい出来でしたね！ このような日本のアニメやビデオゲーム、そしてその音楽にも影響を受けているんですね？
【TC. KYLIE】: 私がアニメのサウンドトラックで好きな点のひとつは、ハーモニーやオーケストレーションの洗練された使い方。久石譲、菅野よう子、光田康典といった作曲家たちは、深い表現力と豊かなハーモニーを併せ持つメロディーを作り出し、しばしばクラシック、ジャズ、エレクトロニクスの要素を融合させる。
例えば、久石の楽譜は、繊細なピアノを中心としたテーマから壮大なシンフォニックなうねりへとシームレスに変化しており、私の作曲におけるダイナミクスとテクスチャーの構築方法にインスピレーションを与えている。
私のジャズ・ビッグバンドによる “Merry-Go-Round of Life” の再解釈は、複雑なハーモニー、リズムのバリエーション、映画のようなフレージングを取り入れることで、このストーリーテリングのアプローチに敬意を表している。このアレンジのキーター・ソロは、”ソニック・ザ・ヘッジホッグ”（1991年）のような古典的なビデオゲームの速いテンポのシンセサイザーのサウンドトラックに大きな影響を受けており、作品に活気に満ちたレトロゲームのエネルギーを注入している。
同様に、ゲーム音楽は私のグルーヴ感とリズムの相互作用を形成してきた。植松伸夫（ファイナルファンタジー）や近藤浩治（スーパーマリオ、ゼルダの伝説）のような日本の作曲家は、記憶に残り、かつ深くインタラクティブな音楽を書く技術を習得している。この影響は、大胆なホーンを中心としたリズムがマリオカートレースのアドレナリン全開のエネルギーを映し出す “Sea 海の彼岸” でも聴くことができる。一方、私のバンドメイトであるヴィクター・ウーのAKAI EWIウインドシンセサイザーは、日本で最も影響力のあるジャズ・フュージョン・バンドのひとつである Casiopea の先駆的なフュージョン・エネルギーを取り入れている。
また、アニメやゲームに見られるストーリーテリングや世界観の構築にも感心しているわ。これらの物語はしばしば、ノスタルジア、回復力、個人の成長といったテーマを探求しているからね。
Q7: I understand that you have sympathy for Japanese math-rockers such as fox capture plan, toe, LITE, Jyocho, etc.? This kind of mathematical yet colorful music is now a uniquely Japanese thing, and it is also strongly reflected in popular music. Are you also attracted to their duality?
【TC. KYLIE】: For me, jazz is about respecting tradition while pushing sonic boundaries, and my composition Rebirth 重生 embodies this balance. Inspired by Life of Pi, it mirrors the uncertainty of life’s journey, blending jazz improvisation with post-rock intensity.
The piece opens with odd time signatures and hypnotic phrasing, reminiscent of Chick Corea’s Spain, paying homage to jazz’s rhythmic and harmonic complexity. However, its second half takes an unexpected turn, drawing from the emotive, crescendo-driven storytelling of Japanese post-rock band Toe and jizue.
This fusion of jazz fusion’s technical brilliance and post-rock’s cathartic release creates a powerful narrative, resonating with the Hong Kong diaspora in the UK- testament to resilience, unity, and sonic exploration.
Q7: Fox Capture Plan、toe、LITE、Jyocho など、日本のマス・ロックにもシンパシーを感じているそうですね？ このような数学的でありながらカラフルな音楽は、今や日本独自のものであり、日本のポピュラー音楽にも色濃く反映されています。
【TC. KYLIE】: 私にとってジャズとは、伝統を尊重しながらも音の境界を押し広げることであり、私の作曲した “Rebirth 重生” はこのバランスを体現している。 “Life of Pi” からインスパイアされたこの曲は、ジャズの即興演奏とポスト・ロックの激しさを融合させながら、人生の旅の不確かさを映し出している。
この曲は、チック・コリアのスペインを彷彿とさせる変拍子と催眠的なフレージングで始まり、ジャズのリズムとハーモニーの複雑さに敬意を表している。 しかし、後半は予想外の展開となり、日本のポストロック・バンド、Toe と jizue のエモーショナルでクレッシェンド主体のストーリーテリングが引き出される。
ジャズ・フュージョンの技巧的な輝きとポスト・ロックのカタルシスを融合させたこの作品は、英国の香港ディアスポラと共鳴し、回復力、団結力、そして音の探求の証となる、力強い物語を生み出している。
Q8: Do you know a guitarist named Yvette Young who is also associated with Hong Kong? Do you want to use her occasional Chinese-derived melodies in your arsenal as well?
【TC. KYLIE】: I greatly appreciate Yvette Young’s creativity in the math rock scene, particularly her distinctive approach to finger-tapping techniques and intricate melodic phrasing. Her ability to craft fluid, harp-like guitar lines with a strong sense of musical storytelling is something I truly admire. Additionally, her meticulous attention to sound design -particularly her innovative use of pedalboards-adds a unique atmospheric quality to her playing, making her style instantly recognizable.
Beyond her technical artistry, I also respect her vision of bringing Asian instrumental music to a global audience. Her work embodies a fusion of Western and Eastern influences, demonstrating how traditional and contemporary elements can coexist seamlessly in modern guitar music. This global mindset is something I resonate with, as I also aim to weave cultural identity into my compositions.
While Yvette and I may share a similar background, given the proximity between China and Hong Kong, my musical foundation is primarily rooted in Cantopop rather than Chinese culture. The emotionally rich storytelling and cinematic orchestrations of Cantopop have played a significant role in shaping my harmonic choices and arrangements. I often draw from its lyrical sensibility and blend it with jazz fusion, incorporating nostalgic melodies and expressive chord progressions that reflect the spirit of Hong Kong’s soundscape.
But we both share the inspiration from math rock music, contemporary harmonies, complex rhythmic interplay, and cinematic textures.
Q8: 香港にもゆかりのある Yvett Young というギタリストを知っていますか？
【TC. KYLIE】: 私はマス・ロック・シーンにおける Yvett Young の創造性、特にフィンガータッピング奏法や複雑なメロディック・フレージングに対する彼女の独特なアプローチを大いに評価しているの。流れるような、ハープのようなギター・ラインを、音楽的なストーリーテリングの強いセンスで作り上げる彼女の能力は、私が心から賞賛するものよ。加えて、サウンド・デザインへの細心の注意、特にペダルボードの革新的な使い方は、彼女の演奏に独特の雰囲気を与え、彼女のスタイルを即座に認識できるものにしている。
技術的な芸術性だけでなく、アジアのインストゥルメンタル・ミュージックを世界中の聴衆に届けるという彼女のビジョンも尊敬している。彼女の作品は西洋と東洋の影響の融合を体現しており、伝統的な要素と現代的な要素が現代のギター音楽においていかにシームレスに共存できるかを示している。このグローバルな考え方は、私も自分の作曲に文化的アイデンティティを織り込むことを目指しているので、共鳴するものがあるね。
Yvett と私は、中国と香港が近いという点では同じような背景を共有しているかもしれないけど、私の音楽的基盤は、中国文化よりもむしろカントップに根ざしている。カントポップの感情豊かなストーリーテリングと映画のようなオーケストレーションは、私のハーモニーの選択やアレンジを形作る上で重要な役割を果たしている。私はしばしばその叙情的な感性からインスピレーションを得て、ジャズ・フュージョンと融合させ、香港のサウンドスケープのスピリットを反映したノスタルジックなメロディーと表現力豊かなコード進行を取り入れる。
しかし、数学的なロック・ミュージック、現代的なハーモニー、複雑なリズムの相互作用、映画のようなテクスチャーからのインスピレーションは、私たち2人に共通しているわね。
FIVE ALBUMS THAT CHANGED TC. KYLIE’S LIFE!!
Oli Howe “Moving Forward”
Oli Howe’s Moving Forward had a profound impact on how I approach rhythm and harmony in jazz fusion. The track Too Many Kicks stands out with its odd time signatures and hypnotic phrasing, showcasing a rhythm section that drives the energy forward while seamlessly integrating rich jazz harmonies. This rhythmic complexity and fluidity have deeply influenced my own compositions, pushing me to explore more intricate groove variations in my song “Rebirth 重生”
Another track, Lucid, reminds me of Yellow Jacket by Shaun Martin, particularly in its use of bright, uplifting chord voicings and first-inversion diatonic progressions. The harmonic choices in this album opened my ears to new ways of reharmonizing melodies and layering chords with more color and variation approach I frequently incorporate into my own songwriting, like “Sea 海の彼岸”
Oli Howeの “Moving Forward” は、ジャズ・フュージョンにおけるリズムとハーモニーのアプローチに大きな影響を与えた。トラック “Too Many Kicks” は、変拍子と催眠術のようなフレージングが際立っており、豊かなジャズ・ハーモニーをシームレスに統合しながら、エネルギーを前進させるリズム・セクションを披露している。このリズムの複雑さと流動性は、私自身の作曲に深い影響を与え、私の曲 “Rebirth 重生” では、より複雑なグルーヴのバリエーションを探求するよう私を駆り立てた。もう1曲の “Lucid “は、ショーン・マーティンの “Yellow Jacket “を彷彿とさせる。特に、明るく高揚感のあるコード・ヴォイシングと初転回ダイアトニック進行の使い方が素晴らしい。このアルバムのハーモニーの選択は、メロディーをリハーモナイズし、色彩とバリエーションに富んだコードを重ねる新しい方法に私の耳を開かせてくれた。
Jizue “Seeds”
Jizue has been one of my all-time favorite bands, and Seeds exemplifies everything I love about their sound. Tracks like Because and Marten utilize their signature melodic repetition, gradually developing into climactic moments infused with post-rock elements, similar to my composition “Stage”
One of the most touching pieces on the album is Grandfather, a deeply intimate composition that evokes nostalgia and warmth through its delicate phrasing. Jizue’s ability to craft melodies that feel both personal and cinematic inspires me to use melody as a storytelling tool, ensuring that every note contributes to an emotional arc.
Jizueはずっと好きなバンドのひとつであり、Seedsは彼らのサウンドのすべてを体現している。”Because” や “Marten” のような曲は、彼らの特徴であるメロディックな繰り返しを利用し、私の作曲した “Stage 命定舞台 “のようなポストロックの要素を取り入れたクライマックスの瞬間へと徐々に発展していく。このアルバムの中で最も感動的な曲のひとつが “Grandfather” で、その繊細なフレージングを通して郷愁と温かさを呼び起こす、深く親密な曲だ。Jizue の個人的かつ映画的なメロディーを作る能力は、メロディーをストーリーテリングの道具として使い、一音一音が感情の弧に貢献するようにすることを私に促している。
Jabberloop “New”
Jabberloop has been instrumental in shaping my approach to writing horn sections. In New, tracks like Beginning of Life, Acid Break, Honest World, and Private Eyes showcase the band’s ability to create a sense of forward motion, as if leading the listener into a new chapter of life. Their melodies feel elegantly designed ancing lightly like wind through nature while still delivering high-energy dynamic builds with rock-infused elements.
Jabberloop’s ability to blend traditional jazz instrumentation with modern production and groove-driven compositions has inspired me to experiment more with brass arrangements, treating them not just as background textures but as central voices in my music, like the opening and call & response in “Sea”
Jabberloopは、私のホーン・セクションの書き方を形作る上で大きな役割を果たした。”New” では、”Beginning of Life”、”Acid Break”、”Honest World”、”Private Eyes” といったトラックで、リスナーを人生の新たな章へと導くかのような、前進する感覚を生み出すバンドの能力を示している。彼らのメロディーはエレガントにデザインされており、自然を吹き抜ける風のように軽やかに踊りながら、ロックの要素を取り入れたハイエナジーでダイナミックな展開を見せる。
Jabberloopの伝統的なジャズ・インストゥルメントとモダンなプロダクション、グルーヴ主導のコンポジションを融合させる能力に触発され、私もブラス・アレンジをもっと試してみたくなった。”Sea 海の彼岸 “のオープニングとコール＆レスポンスのように、ブラスを単なる背景テクスチャーとしてではなく、音楽の中心的な声として扱ってみたい。
Juno Mak “The Album and the End of It”
Juno Mak’s visionary approach to Cantonpop and ambient music left a lasting impression on me. His ability to integrate cinematic soundscapes into a pop framework is something I find incredibly inspiring.
A prime example is 謌大惠蛻粟隲ｾ雋晏茜遲我ｽ (Waiting for You in Chernobyl), which begins with the ambient sounds of a train arriving in Chernobyl before introducing the main theme. This transportive, almost film-like experience sets the tone for the entire song, creating a sonic world before the first note is even played. The entire album unfolds like a movie, using space, texture, and subtle orchestration to blur the lines between music and storytelling.
カントンポップとアンビエント・ミュージックに対するジュノ・マックの先見的なアプローチは、私に強烈な印象を残した。映画のようなサウンドスケープをポップな枠組みに統合する彼の能力は、私が信じられないほどインスピレーションを受けるものだ。
その代表例が “我在切爾諾貝利等你（チェルノブイリで君を待つ）” で、メインテーマを導入する前にチェルノブイリに到着する列車の環境音で始まる。このまるで映画のような移動体験が曲全体のトーンを決め、最初の音が鳴る前から音の世界を作り出している。アルバム全体が映画のように展開し、空間、テクスチャー、繊細なオーケストレーションを駆使して、音楽と物語の境界線を曖昧にしている。
Toe “For Long Tomorrow”
Toe’s For Long Tomorrow is a masterclass in emotional minimalism and dynamic evolution. The track Goodbye is particularly special to me it begins with a simple acoustic guitar motif, repeating the main melody with subtle variations, before gradually introducing drums and additional layers for a post-rock-style buildup. This form of development, where each instrument enters with precise intention, creates a deeply immersive listening experience.
Toeの “For Long Tomorrow” は、エモーショナルなミニマリズムとダイナミックな進化のマスタークラスだ。シンプルなアコースティック・ギターのモチーフから始まり、メイン・メロディを微妙に変化させながら繰り返し、徐々にドラムを導入し、ポストロック風のレイヤーを追加していく。各楽器が的確な意図を持って入ってくるこの展開形式は、深い没入感のあるリスニング体験を生み出す。
MESSAGE FOR JAPAN
To My Friends and Listeners in Japan,
Japan has been a deep source of inspiration for me not just musically, but also through its rich gaming culture. Growing up, I was captivated by the fast-paced, synth-driven soundtracks of classic SEGA games like Sonic the Hedgehog (1991) and OutRun. The way these soundtracks blended jazz fusion, funk, and electronic elements with exhilarating melodies left a lasting impression on my approach to music. The energy, the groove, and the sense of adventure in those compositions continue to influence my arrangements, particularly in tracks like Sea 海の彼岸ｸ, where bold horn-led rhythms capture that same rush of excitement-almost like a Mario Kart race through sound.
Beyond gaming, I have always admired Japan’s deep connection to jazz, from the timeless legacy of Japanese jazz pianists to the modern innovations of acid jazz bands like Fox Capture Plan, Jabberloop, and Toconoma. Their fusion of intricate harmonies, syncopated rhythms, and cinematic textures has shaped my musical storytelling, inspiring me to craft music that is both technical and emotionally resonant-just like the unforgettable melodies of classic game soundtracks.
I am incredibly grateful for the love and support I’ve received from Japanese audiences. Whether through my reinterpretation of Merry-Go-Round of Life or my original compositions, I hope my music connects with you, just as your music, games, and culture have profoundly shaped me. I dream of one day performing in Japan, collaborating with local artists, and continuing this beautiful dialogue between jazz fusion, video game music, and storytelling.
Thank you for your passion, your creativity, and your love for music and gaming.これからもよろしくお願いします！🎮🎵。
日本の友人とリスナーの皆さんへ、
日本は私にとって、音楽的な面だけでなく、豊かなゲーム文化を通しても深いインスピレーションの源となっている。子供の頃、私は “ソニック・ザ・ヘッジホッグ”（1991年）や “アウトラン” といったセガの名作ゲームの、テンポの速いシンセ主体のサウンドトラックに魅了された。これらのサウンドトラックが、ジャズ・フュージョン、ファンク、エレクトロニック要素を爽快なメロディーと融合させていたことは、私の音楽へのアプローチに強烈な印象を残した。これらの楽曲のエネルギー、グルーヴ、冒険心は、私のアレンジに影響を与え続けている。特に “Sea 海の彼岸” のようなトラックでは、大胆なホーンのリズムが、まるでマリオカートのような興奮を呼び起こす。
日本のジャズ・ピアニストが時代を超えて受け継いできたものから、Fox Capture Plan、Jabberloop、Toconoma のようなアシッド・ジャズバンドの現代的な革新まで。彼らの複雑なハーモニー、シンコペーションのリズム、映画のようなテクスチャーの融合は、私の音楽的なストーリーテリングを形成し、クラシックゲームのサウンドトラックの忘れられないメロディーのように、技術的でありながら感情に響く音楽を作り上げるインスピレーションを与えてくれました。
日本の聴衆から受けた愛とサポートには、本当に感謝しているわ。”人生のメリーゴーランド” の再解釈であれ、私のオリジナル曲であれ、日本の音楽、ゲーム、文化が私を深く形作ってきたように、私の音楽が皆さんとつながることを願っているの。いつか日本で演奏し、地元のアーティストとコラボレーションし、ジャズ・フュージョン、ゲーム音楽、ストーリーテリングの間のこの美しい対話を続けることを夢見ているわ。
日本の情熱、創造性、そして音楽とゲームへの愛に感謝を。これからもよろしくお願いします！🎮🎵。
TC.KYLIE
TC.KYLIE LINKTREE
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