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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CRYPTIC SHIFT : VISITATIONS FROM ENCELADUS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH RYAN SHEPERSON OF CRYPTIC SHIFT !!

“We Love Voivod, Especially The Records “Killing Technology” And “Dimension Hatross”. Those Records, Along Side Nocturnus “Thresholds” Really Showed Us How It Was Possible To Write a Massive Sci-Fi Tale Within a Metal Record.”

DISC REVIEW “VISITATIONS FROM ENCELADUS”

「僕たちは VOIVOD を愛していて、特に “Killing Technology” と “Dimension Hatross” がお気に入りなんだ。NOCTURNUS の “Thresholds”と並んで、この2枚はメタルレコードの中に大規模なSFの物語を書くことが可能であることを教えてくれたんだ。」
英国で最も奇妙かつ革新的な “フェノメナルテクノロジカルアストロデスアーティスト” CRYPTIC SHIFT。VOIVOD や VEKTOR のコズミックな SF スラッシュメタルと、MORBID ANGEL や GORGUTS のおどろおどろしい猟奇的デスメタルを完膚なきまでに融合させる彼らのやり方は、メタルの仄暗いファンタジーをさらにまた一歩推し進めます。
「CRYPTIC SHIFT はスラッシュ/デスメタルの境界を押し広げることを目指している一方で、広義のメタルシーンにおけるソングライティングと創造的なコンセプトのストーリーライティングの境界線をも押し広げることも目指していると言えるだろうな。2020年にスラッシュとデスメタルを推進している素晴らしいバンドはたくさんあるけど、プログレッシヴでテクニカルなSFソングライティングを推し進めているバンドはそれほど多くはないからね。」
BLOOD INCANTATION, TOMB MOLD が昨年放った2枚のレコードは、20年代のメタルが向かう先をある種予見するような作品でした。オールドスクールデスメタルの遺伝子を濃密に受け継ぎながら、奇々怪界なサイエンスフィクションをテーマに仰ぎ、サイケデリックにストーナー、プログレッシブと多様な音の葉を纏う異次元の世界線。
CRYPTIC SHIFT のデビュー作 “Visitations from Enceladus” は彼らの異形とシンクロしながら、スラッシュメタルのメカニカルな衝動と長編の空想宇宙小説を衝突させ、メタルの核融合を誘発しているのです。
「”Moonbelt Immolator” は歌詞の中にストーリーがあるから長い曲になることはわかっていたんだけど、トラックをまとめるうちに、どんどん長くなっていったんだ。ただそれを恐れてはいなかったよ。」
その華々しき化学反応の証明こそ、26分の宇宙譚、オープナー “Moonbelt Immolator” でしょう。Away の正当後継者 Ryan の言葉通り、恐れを知らない SF メタルの開拓者は、26分を6つの独立した楽章に分割してスリリングで摩訶不思議な空の物語を描き切ってみせました。そのオペラ的な手法は、ただメタルのエピックというよりも、RUSH の “2112” や “Hemispheres” と同等の性質を持つ叙事詩という方が適切なのかもしれませんね。
重要なのは、CRYPTIC SHIFT がプログレッシブなデスメタルやテクニカルなスラッシュメタルが切望する音符の密度、激しいダンスを少しも損なうことなく、全体をホログラフィックに見渡せる抜きん出た俯瞰の構成力を身につけている点でしょう。
ゆえに、デス/スラッシュの単純な枠を超え、ドゥーム、ジャズ、ノイズ、アンビエントのタトゥーが音肌の上に絶え間なく露出を続ける不浄のオベリスクでありながら、決して彼らの宇宙譚は量子力学レベルの理解不能な方程式に収まってはいないのです。
つまり、宇宙的な和音、歪んだAI言語、洗練と粗野のバランスが絶妙なd-beatとブラスト、多面的なキャラクターを宿すデスボイス、不協和を恐れないギターに絡みつく蛇のようなフレットレスベース、その全てがメタル世界の大衆を観客に迎えた舞台 “エンセラドゥスからの来訪者” を彩る小道具にすぎないと言えるのかもしれませんね。
逆にいえば、耳障りになりかねない不協和音、ノイズ、グロウルにブラストビートも、CRYPTIC SHIFT の手にかかれば生命力に満ち溢れたキャッチーな舞台装置へと変化を遂げるのです。
ある意味、エレクトロニカを大胆に咀嚼した NOCTURNUS を VOIVOD と並んで崇拝する理由もそこにあるのかもしれません。ATHEIST, PESTILENCE, MARTYR に SADUS。全ての奇妙は物語のために。
今回弊誌では、ドラムス Ryan Sheperson にインタビューを行うことができました。「僕とXanderは信じられないほどのスター・ウォーズの大ファンで、その全てが大好きなんだよ。 おそらく夕食を食べた回数よりも多く、スター・ウォーズの最初の6作品を観ているだろうな。好きな順番をつけるなら、I、VI、V、IV、III、IIかな。 “ファントム・メナス” が一番好きだと嫌われるかもしれないけど、それはきっと世代の問題だろう。」 どうぞ。

CRYPTIC SHIFT “VISITATIONS FROM ENCELADUS” : 10/10

INTERVIEW WITH RYAN SHEPERSON

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about the band and yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【RYAN】: Hey, how’s it going? Thanks a lot for taking the time to interview me! My name is Ryan and I perform drums in the United Kingdom’s ultimate Phenomenal Technicological Astrodeath artist CRYPTIC SHIFT. We have just released our debut record “Visitations from Enceladus” on Blood Harvest Records, a perfect blend between Extreme Music and Sci-Fi Art. I have been performing drums for around ten years, and have performed in Cryptic Shift for six years. My biggest influences in Metal Drumming comes from drummers such as Sean Reinert, Gene Hoglan, Michel “Away” Langevin and Dave Lombardo. I got into Metal music pretty young, maybe when I was around eight years old, listening to bands like Metallica, Slayer, Pantera, Slipknot, Machine Head through videos on TV, before getting into Thrash and Death Metal around the start of my teenage years.

Q1: 本誌初登場です。まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか?

【RYAN】: やぁ、元気かい? インタビューに時間を割いてくれてありがとう! UK における究極の “フェノメナルテクノロジカルアストロデスアーティスト”、CRYPTIC SHIFT でドラムを叩いている Ryan だよ。エクストリームミュージックとSFアートを完璧に融合させたデビュー作 “Visitations from Enceladus” を Blood Harvest Records からリリースしたばかりなんだ。
僕は10年ほどドラムをやっていて、6年前から CRYPTIC SHIFT に参加している。メタルドラミングで最も影響を受けたのは、Sean Reinert, Gene Hoglan, Michel “Away” Langevin, Dave Lombardo といった人たちからだよ。
メタルにハマったのはかなり若い頃で、たぶん8歳くらいかな。METALLICA, SLAYER, PANTERA, SLIPKNOT, MACHINE HEAD なんかをビデオで聴いていたね。10代に入ってスラッシュやデスメタルにハマるまではね。

Q2: How did Cryptic Shift come to be? Of course, there were demos and EPs, but It took eight years to release the first full “Visitations from Enceladus” since the beginning. Why?

【RYAN】: When I joined the band in later 2013, I was sixteen and the band was more or less just a group of friends jamming out. We hadn’t found our sound and we didn’t have any sort of musical direction, we just wanted to play Metal music together. As the years progressed, so did myself and Xander (Bradley, Guitars/Vocals). We evolved into more serious musicians and wanted to take the band in a different direction to the other members. So for a period of time we were trying out new people to join the band and eventually found John Riley (Bass) and Henry Parker (ex-Guitarist), which followed with the release of our first EP “Beyond the Celestial Realms”. At this point in time, we were still young and developing our performance and style, however we knew we wanted to go in the direction of Sci-Fi Thrash Metal. After a few years of playing the EP in the UK we released the single “Cosmic Dreams”, which was an extreme step up for us as performers. Our playing style is a lot more technical and influenced from Death Metal acts such as Gorguts and Morbid Angel on this single. Shortly after this release we parted way with Henry Parker and welcomed Joe Bradley to the band as new guitarist. Together we started writing “Visitations from Enceladus”, which took around two years to put together. Then we spent around a year and a half recording and producing the record – we just wanted it to be right. This would be the first record the world would hear from Cryptic Shift. It had to be taken seriously.

Q2: デモや EP があったとはいえ、CRYPTIC SHIFT はこのデビュー作 “Visitations from Enceladus”のリリースまで8年の時間を要しましたね?

【RYAN】: 2013年後半にバンドに加入した時、僕は16歳で、バンドはよくある友達のグループでジャムをしていただけって感じだった。自分たちの音を見つけられていなかったし、音楽的な方向性もなく、ただ一緒にメタルを演奏したかっただけだったんだ。
時が経つにつれ、僕と Xander Bradley(ギター/ボーカル)はより本格的なミュージシャンへと進化し、他のメンバーとは違う方向にバンドを持っていきたいと思うようになった。だから、しばらくの間、新しいメンバーの加入を検討して、最終的には John Riley(ベース)と Henry Parker(元ギタリスト)を見つけて、最初のEP “Beyond the Celestial Realms” をリリースしたのさ。まだ若く、パフォーマンスとスタイルを発展させている途中だったけど、SFスラッシュメタルの方向に進みたいと思っていたね。
UK でEPをプレイしたりして過ごした数年後、シングル “Cosmic Dreams”をリリースしたんだけど、これはパフォーマーとしての僕らにとって飛躍的なステップアップとなった。このシングルにおいて僕達の演奏スタイルはよりテクニカルで、GORGUTS や MORBID ANGEL のようなデスメタルの影響を受けているんだ。
このリリース後すぐに Henry と別れ、新しいギタリストとして Joe Bradley をバンドに迎えたんだ。そして一緒に “Visitations from Enceladus “を書き始めたね。
それから約1年半かけてレコーディングとプロデュースを行ったんだよ。ただ正しいものにしたくてね。これは CRYPTIC SHIFT が世界に向けて発表した最初のレコードになる。だから真剣に受け止めなければならなかったのさ。

Q3: So, “Visitations from Enceladus” was released on “May the 4th”. Did it relate to your big love of “Star Wars” and Sci-fi movies?

【RYAN】: Absolutely! I’m glad you picked up on that reference. We wanted to make sure that the record would be released on May the 4th as a homage to our biggest inspiration outside of Music – Star Wars! Myself and Xander are incredibly big Star Wars fans, we love everything about it. We’ve probably watched the first six Star Wars movies more than we’ve had hot dinners. My favourites in numerical order would be I, VI, V, IV, III, II. People will probably hate me for liking “The Phantom Menace” the most, however it’s a total generation thing. It was ‘the movie’ when I was really young, and it’s still ‘the movie’ now, for me at least. Plus it‘s just totally the best one! We enjoy other Sci-Fi movies and tales, stuff like the X-Files, Stargate, Aliens, Predator, Terminator, the Fifth Element, Waterworld etc., but non more than Star Wars. Star Wars is the BEST!!! Apart from the Disney Star Wars trilogy, that sucks, but we won’t talk about that.

Q3: “Visitations from Enceladus” は “May the 4th” 5月4日にリリースされました。バンドのスター・ウォーズや SF映画に対する愛が感じられますね?

【RYAN】: 間違いないね!君がその事実に気づいてくれて嬉しいよ。5月4日に発売日を設定して、音楽以外で最も大きなインスピレーションを与えてくれたスター・ウォーズへのオマージュを捧げたかったのさ!
僕とXanderは信じられないほどのスター・ウォーズの大ファンで、その全てが大好きなんだよ。 おそらく夕食を食べた回数よりも多く、スター・ウォーズの最初の6作品を観ているだろうな。好きな順番をつけるなら、I、VI、V、IV、III、IIかな。 “ファントム・メナス” が一番好きだと嫌われるかもしれないけど、それはきっと世代の問題だろう。僕にとっては若いころも、今もあれこそがスター・ウォーズなんだよ。それに、内容も単純に最高の映画なんだ!
もちろん、X-ファイル、スターゲイト、エイリアン、プレデター、ターミネーター、フィフス・エレメント、ウォーターワールドなど、他のSF映画や物語も楽しんでいるけど、スター・ウォーズ以上のものはないと思う。スターウォーズ最高!! ディズニーのスターウォーズ三部作を除けばね。あれは最悪だよ、話したくもない。

Q4: Speaking of Sci-fi, there have been some great “Sci-fi” metal bands like Voivod, Nocturnus, Vektor, Cynic. Among them, “Dimension Hatross” of Voivod is one of my favorites and I feel the same spirit in “Visitations From Enceladus”. Do you think your band inherits their heritage?

【RYAN】: We love Voivod, especially the records “Killing Technology” and “Dimension Hatross”. Those records, along side Nocturnus “Thresholds” really showed us how it was possible to write a massive Sci-Fi tale within a metal record. Awesome. It’s great to carry the torch for Sci-Fi Metal as a whole, there’s not many bands out there which push themselves creatively like this. It’s way more exciting for us to write music this way, pushing ourselves to come up with our own techniques when creating these Sci-Fi soundscapes and organic passages.

Q4: SF といえば、VOIVOD, NOCTURNUS, VEKTOR, CYNIC など、メタル世界にも SF を取り入れた SF メタルが存在します。
特に、”Visitations From Enceladus” からは VOIVOD の “Dimension Hatross” と似たスピリットを感じましたよ。

【RYAN】: 僕たちは VOIVOD を愛していて、特に “Killing Technology” と “Dimension Hatross” がお気に入りなんだ。NOCTURNUS の “Thresholds”と並んで、この2枚はメタルレコードの中に大規模なSFの物語を書くことが可能であることを教えてくれたんだ。最高だよ。
僕たちが SF メタルのの聖火を引き継ぐことができるのは素晴らしいことだよ。だってこの分野で創造性を最大限に引き出しているバンドは、そう多くないからね。SF のサウンドスケープや有機的なパッセージを作る時に、こんな風に自分たちのテクニックを駆使して楽曲を作るのは、僕らにとってとてもエキサイティングなことなんだ。

Q5: I really love the artwork of “Visitations from Enceladus”. Definitely, it seems there is a big Sci-fi story in this record, right? Could you tell us about that?

【RYAN】: Indeed there is, and we have plans to bring out merchandise like novels about the story and even fighting fantasy style game-books. I encourage you to read the lyrics and study the artworks to create your own imagination of the landscapes and occurrences in the story, however I can put you in the shoes of the main character at the start of Moonbelt Immolator… You awaken. A great feeling of bewilderment befalls you, yet it is laced with purpose. A hideous wailing pierces your ears and forces you to consciousness as you pry your eyes open; a task that should not be difficult. You see an array of flashing lights and display screens; one reads “sleep count: unknown”, adding to your confusion. Like a dream where you have no recollection of how you arrived here, only what is presently occurring. You feel weak but your veins are surging with intent as you step up from a cockpit seat and observe the spacecraft you appear to be in, you step over to a viewglass to the outside. Elongated stars stream past at incredible speeds while simultaneously, some are rotating closer as if you could reach out and halt their movement with your hands. The cosmic mist you assume your craft is travelling through is unlike any place you can remember. Suddenly, more beeping from the command console draws you back to the seat and you see something approaching on the scanners. Some sort of opening in the vortex, it looks like square but is behaving like a sphere. As the ships trajectory reaches the pulsing phenomena, a blinding light of unknown colours engulfs you. You exit the time wound into reality and your mind and body feel much more grounded than the previous place. Objects stretch back into place and you witness an enormous planet; a glowing orange gas giant encircled by an asteroid field, and in orbit thousands of starships engaged in battle. Your own craft is hurtling towards the skirmish as the display screen informs you of an INCOMING TRANSMISSION. With no knowledge of the controls, a slimy voice orders you to identify yourself or you shall be blasted! What would you do next? Find out in Visitations From Enceladus!

Q5: アートワークも実に SF チックで、想像力を刺激しますね?

【RYAN】: そうだね、実際、このストーリーを題材にした小説のようなグッズや、バトルファンタジー風ゲームブックの発売も予定しているんだよ。だから歌詞を読んだり、その作品を読んだりして、物語の中の風景や出来事を想像してもらえればなあと思うんだけど、”Moonbelt Immolator” の冒頭における主人公の立場になって作品のヒントを話してみるね。
目を覚ます。 大きな戸惑いが襲うけど、なにかの目的がある。恐ろしい叫び声が耳を突き刺し、目をこじ開けて意識を取り戻すんだ。点滅するライトやディスプレイ画面の配列を見て、混乱は増し、”睡眠数:不明” の文字を読み取る。さながら夢のようで、ここにどのようにして到着したかの記憶はなく、現在発生していることだけを理解しているんだ。
コックピットの座席から起き上がり、宇宙船の内部を観察していると、脈拍は意図的にあがっていく。そして窓に目をやるんだ。信じられないほどのスピードで通り過ぎていく星々。同時に、手を伸ばせば捕まえられそうなほど、そのいくつかはより近くで回転している。船が旅していると思われる宇宙の霧は、記憶にあるどの場所にもないものだった。突然、コンソールからのビープ音でシートに引き戻され、スキャナーで何かが近づいているのに気づく。
正方形のように見えるけど、球体のように振る舞う渦。 船の軌道がその現象に到達すると、未知の色のまばゆい光が包み込む。 現実の時間から出て、心と体は、前の場所よりもはるかに地面を踏みしめる。物体は所定の場所に引き戻され、巨大な惑星を目撃するんだ。
オレンジ色に輝くガスの巨人が小惑星帯に囲まれ、軌道上には何千もの宇宙船が戦っていた。自分の船は小競り合いに向かって疾走している。コントロールの知識もないまま、コンソールにはデータを入力してくださいの文字と、「認証してください。認証してください。そうしなければ爆発します」の声が!さあどうしよう?続きはアルバム本編でね!

Q6: You know, lot’s of metal bands make long epics, but “Moonbelt Immolator” breaks the mold of the metal scene. 26 minutes! Wow! What made you create such a huge song?

【RYAN】: There was no desire to create a twenty six minute long song, it sort of just happened. We knew that “Moonbelt Immolator” was going to be a longer song because of the storyline within the lyrics, however when putting the track together it just became longer and longer. We didn’t fear this, we wanted the first track on “Visitations…” to be a huge showcase of Cryptic Shift and our range of capabilities as performers. We also wanted it to showcase our musical influences from Technical Death Metal, to Thrash, to Prog, to Jazz, to Avant-Garde, to Sci-Fi Soundtracks, I think it would be difficult to write a track this long if we were only interested in performing Thrash or Death Metal. Maybe because of our vast influences and writing style, ”Moonbelt Immolator” has an incredible amount of replay-ability. Every member of the band worked really hard to make sure their performance and writing efforts on this track was their highest level of playing, and it really worked out that way. We’re really proud of “Moonbelt…” and it’s awesome that you appreciates our efforts putting that track together! This track represents the style of Cryptic Shift the best.

Q6: それにしても、オープナー “Moonbelt Immolator” はメタル世界の常識を覆しましたね?26分のエピックはさすがに規格外ですよ。

【RYAN】: もともと、26分間の長さの曲を作ろうと思ったわけじゃなくて、たまたまその長さになったんだ。”Moonbelt Immolator” は歌詞の中にストーリーがあるから長い曲になることはわかっていたんだけど、トラックをまとめるうちに、どんどん長くなっていったんだ。ただそれを恐れてはいなかったよ。”Visitations From Enceladus” の1曲目は、バンド CRYPTIC SHIFT と、パフォーマーとして僕たちの能力の幅広さを示すビッグなショーケースにしたかったからね。
テクニカルデスメタルからスラッシュ、プログ、ジャズ、アヴァンギャルド、SFサウンドトラックまで、僕たちの音楽的な影響元を示す曲にもしたかった。もし僕たちがスラッシュやデスメタルのみに興味を持っていたとしたら、これほど長い曲を書くのは難しかっただろうな。そんな幅広い影響と作曲スタイルのおかげかな、”Moonbelt Immolator” は驚くほどの “聞き込み要素” が潜んでいるんだ。
メンバー全員が、演奏と曲作りの努力を最高レベルとするため懸命に努力し、それが本当にうまくいったんだよ。この曲を本当に誇りに思っているし、僕たちのその努力を評価してくれて嬉しいね。この楽曲は CRYPTIC SHIFT のスタイルを最もよく表しているからね。

Q7: Regarding long epic, when I hear “Visitations from Enceladus”, sometimes I remind King Crimson from your odd time, dissonance, and dynamism. Do you think old prog giants are one of the inspirations of this record?

【RYAN】: We’re not directly influenced by classic Prog Rock as much as it would appear, however I think we are indirectly influenced by their music filtered through other acts. Growing up, I always had an interest in progressive music, but I only really got truly into the bands Opeth and Rush. For “Visitations from Enceladus”, I would say that the main progressive influences came from the record “Pleiades’ Dust” by Gorguts, and “Dimension Hatross” / “Target Earth” by Voivod. From being fans of records that carry these progressive themes it didn’t seem unnatural for us to write a track twenty six minutes long. I would say we’re more influenced by the musicianship and individual performances from classic Prog records, than the music itself.

Q7: アルバムに宿る変拍子や不協和音は、時に KING CRIMSON を想起させますね? プログロックの巨人はかつて、”Moonbelt Immolator” のような壮大なエピックを創造していたわけですが…

【RYAN】: クラシックプログに直接影響を受けているわけではないけど、他のバンドの音楽から間接的には影響を受けていると思う。子供の頃からプログに興味を持っていたんだけど、本格的にハマったのは OPETH と RURH だけだったからね。
“Visitations from Enceladus” において、プログレッシブからの影響といえば GORGUTS の “Pleiades’ Dust” と VOIVOD の “Dimension Hatross” “Target Earth” だと思うね。ずっとそういったプログレッシブなテーマを持ち込んだレコードのファンだったから、26分という長さの曲を作るのは不自然じゃなかったね。
だから音楽そのものよりも、クラシックプログレコードのミュージシャンシップや個々の演奏に影響を受けていると言えるだろうな。

Q8: Recently, Old-school death metal are revivaling with new talents like Blood Incantation, Tomb Mold, Gatecreeper. And some of them also use Sci-fi themes. It seems you are between Thrash metal and Death metal, I feel. But do you think you are involved with that movement?

【RYAN】: Cryptic Shift doesn’t really consider ourselves part of the “Old-School Revival” movement, we are more interested in the idea of being recognised in creating music that keeps Thrash/Death Metal relevant. It would appear that for years and years, ‘modern’ bands would appear to sound the same, especially in blast-beat heavy Death Metal styles. The bands you mentioned above are doing something different by taking that classic sound and adding their own personal touches to the music. We love the bands Blood Incantation, Tomb Mold, Voidceremony, who all push themselves as performers, which is the most influencing part for us. I would say that whilst Cryptic Shift aims to push the boundaries of Thrash/Death Metal, we’re also aiming to push the boundaries of songwriting and creative concept story-writing in the general metal music scene. There are a great amount of incredible bands pushing Thrash and Death Metal forward in 2020, but not so many pushing progressive, technical, Sci-Fi songwriting – I believe this is where “Visitations from Enceladus” really stands out from the rest.

Q8: 近年、オールドスクールデスメタルのリバイバルが加速する中、BLOOD INCANTATION や TOMB MOLD といったバンドは奇しくも SF のテーマをコンセプトに掲げていますね?

【RYAN】: CRYPTIC SHIFT は自分たちを “オールドスクール・リバイバル” ムーブメントの一部とは考えていない。それよりも、スラッシュとデスメタルに的を絞った音楽を作ることに興味があるね。何年も何年もの間、”モダンな” バンドは、特にブラストビートでヘヴィーなデスメタルスタイルでは、同じように聴こえるように感じるからね。
君が挙げたバンドは、そのクラッシックなサウンドを取り入れつつ、自分たちの個性的なタッチを音楽に加えることで、他とは違うことをしているよね。だから BLOOD INCANTATION, TOMB MOLD, VOIDCEREMONY といったバンドは大好きなんだ。
CRYPTIC SHIFT はスラッシュ/デスメタルの境界を押し広げることを目指している一方で、広義のメタルシーンにおけるソングライティングと創造的なコンセプトのストーリーライティングの境界線をも押し広げることも目指していると言えるだろうな。
2020年にスラッシュとデスメタルを推進している素晴らしいバンドはたくさんあるけど、プログレッシヴでテクニカルなSFソングライティングを推し進めているバンドはそれほど多くはないからね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED RYAN’S LIFE

ATHEIST “UNQUESTIONABLE PRESENCE”

The first choice would be “Unquestionable Presence” by Atheist. The overall performances across all members on this record is beyond incredible and inspirational. This may be the only record out there which TRUELY influenced all members of Cryptic Shift when developing as musicians, and the record still does to this day – a timeless classic lesson in how to perform true Technical Death Metal.

最初に選んだのは、ATHEIST の “Unquestionable Presence”。 このレコードのメンバー全員のパフォーマンスは、信じられないほど素晴らしく、インスピレーションを与えてくれるね。CRYPTIC SHIFT のメンバー全員に影響を与えた唯一のレコードかもしれない。

PESTILENCE “SPHERES”

Second would be “Spheres” by Pestilence, this record is awesome and has a really cool Sci-Fi vibe to it throughout. The Allan Holdsworth influence on this record is amazing, and I love the Jazz feel to it. Also just look at the artwork! How cool is that? Where is that ship going? Is it even a ship? Who knows!

2番目は PESTILENCE の “Spheres “だね。このレコードも素晴らしくて、全体的にクールなSF的雰囲気を持っている。Allan Holdsworth からの影響も素晴らしくて、僕はこのジャズの雰囲気が大好きなんだ。あと、アートワークを見てみてよ。最高だよね?あのの船はどこに行くんだろう? そもそも船なのか? 誰が教えてよ!

GORGUTS “OBSCURA”

Third would have to be “Obscura” by Gorguts – the scariest record of all time. If you haven’t awaken to ‘sleep paralysis but it’s the ghost of Big Steeve Hurdle screaming The Cardinal State’ at least once – then you’re really missing out at the true terrors of existence. This record really pushes the boundaries of being totally weird. People hate this record because they can’t appreciate the level of musicianship, and that’s super unique and motivating to push myself.

3位は GORGUTS の “Obscura “だろう。このレコードは完全に”奇妙であること” の境界線を押し広げている。この作品を嫌う人たちは、その音楽性のレベルを理解できないだけさ。実にユニークで、僕自身を追い込むモチベーションになるアルバムさ。

DEATH “INDIVIDUAL THOUGHT PATTERNS”

Forth would be “Individual Thought Patterns” by Death. This record is great because it’s pretty laid back however Gene and Steve really hammer down on being creative with the rhythm section, which really influences myself and Cryptic Shift Bass player John Riley when jamming together. The drumming on this record made me realise how much more substance I can give to my performances by adding a little bit of flare, something which I’m constantly working on improving.

4枚目は DEATH の “Individual Thought Patterns “だ。 このアルバムはかなりレイドバックされていて素晴らしいんだけど、Gene と Steve はリズム・セクションの創造性を高めていて、それが僕と ベーシストJohn Rileyに影響を与えているんだ。このアルバムのドラミングは、自分のパフォーマンスにちょっとした炎を加えることで、どれだけ自分のパフォーマンスを充実させることができるか気づかせてくれたね。

MORBID ANGEL “FORMULAS FATAL TO FLESH”

The final choice would have to be “Formulas Fatal to the Flesh” by Morbid Angel. I don’t really know what to say about this choice other than it is no doubt the most extreme record of all time. Trey is totally in his own world the entire time, and the lyrics/songwriting efforts are ferocious. Steve Tucker appears to be possessed by whichever ancient spells Trey has decided to cast on him, and it’s terrifying. Pete Sandoval could more others less be considered insane, I have no idea how he could perform this fast, and live footage is even more off putting – this record makes me wanna quit playing drums and music all together. Just thinking about this record gives me the creeps, in the most overpowering and positive way possible.

最後のチョイスは、MORBID ANGEL の “Formulas Fatal to the Flesh ” だろうな。このアルバムは間違いなく今までで最も過激なアルバムだ。それ以外には何も言えないよ。Treyは終始自分の世界にどっぷり浸かっていて、歌詞やソングライティングの努力は猛烈。Steve Tucker は、Trey が彼にかけた古代の呪文に取り憑かれているように見えて恐ろしいね。Pete Sandoval は正気とは言い難く、どうやってこんなに速く演奏できるのか分からないし、ライヴ映像にはもっとビビるよ。このレコードのことを考えるだけでゾッとしてしまう。

MESSAGE FOR JAPAN

Keep and eye on the sky, I don’t know much about UFO sightings in Japan, but don’t let anyone tell you that there isn’t something visiting our planet. May the force be with you. Continue to support Sci-Fi Metal, give “The Phantom Menace” another try. Don’t trust anyone in power, because you are the most powerful being on this planet. Long live the music of Tomoko Aran. Support the invasion of Cryptic Shift in Japan, so that we can come and showcase our art to you, it’s a dream of mine to visit your country and perform for you! Check out “Visitations from Enceladus”, close your eyes and concentrate, let your mind be transported to deep space! Arigatou Gozaimasu!

空を見つめ続けようね。日本におけるUFOの目撃情報はあまり知らないけど、この星に何かが訪れていないとは誰にも言わせないようにしよう。フォースがあなたと共にありますように。これからもSFメタルを応援し続けて欲しい。権力者を誰も信用しないで欲しい。君はこの地球上で最も強力な存在だよ。亜蘭知子の音楽万歳。
CRYPTIC SHIFT の日本への侵攻を応援してね。君たちの国でプレイするのはずっと夢だったから。”Visitations from Enceladus” をチェックして、目を閉じ集中して、心を深宇宙へと誘うんだ! アリガトウゴザイマス

RYAN SHEPERSON

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BLOOD HARVEST RECORDS

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PARADISE LOST : OBSIDIAN】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH AARON AEDY OF PARADISE LOST !!

“You Have To Follow Your Heart And Soul Or Else You Can Sound a Little Dishonest With Your Craft. I Think If We Had The Mentality Of “Draconian Times Did Well, Let’s Make Another One!”, We Would Have Probably Split Up With The Following Years As It Would Have Felt Empty And Void Of Soul.”

DISC REVIEW “OBSIDIAN”

「僕たちは自分自身のサウンドを完璧なまでに見つけていて、過去32年間でバラエティーに富んだスタイルを実現してきたんだ。つまり、悲惨のタペストリーを幅広く描いてきたわけだよ。」
抑圧と絶望渦巻くコロナ禍の2020年に求められるのは、希望と解放を宿した慈光の音楽でしょうか?少なくともメタル世界では、負を帯電したダークな響きに慰めとカタルシスを求める殉教者が決して少なくないようにも思えます。ただネガティブな感情を瓶に詰め覆い隠すだけでは、きっと自己破壊的な暴発が待っているだけでしょう。
「PARADISE LOST の精神はいつだって何よりも、まず自分たち自身の喜びのために音楽を作ることだからね。心と魂に従う必要があるんだよ。そうしなければ自らの創作物が少し不正直に見られ聞かれるかもしれないからね。 「”Draconian Times” は上手くいったから、もう1つ似たようなものを作ろう!」ってメンタリティーを持っていたとしたら、空虚な気持ちになって魂の欠如を感じ、おそらく次の年には解散していただろうな。」
つまり、PARADISE LOST が描くゴシックドゥームの “悲惨なタペストリー” こそが、暗澹たる黒雲を払い、導きの光となる可能性を秘めていると言っても過言ではないはずです。何しろ、30年以上のキャリアで16枚の歴史を刻む失楽園のメタルには、Aaron の言葉通り他のどの音楽より内なる絶望と憂鬱の真なる創造性が潜んでいるのですから。
色彩豊かな不朽の傑作 “Draconian Times” から25年。新たなマスターピース “Obsidian” でヨークシャーの仄暗き伝説は、デスドゥームの凶暴な起源を再創造しながら、貪欲にゴシックメタルの領域をも拡大していきます。
寂寞暗然を認める唯一無二のシンガー Nick Holmes はここ数年、1992年の “Shades of God” 以来四半世紀ぶりにデスボイスを解禁し、ライオンを再び檻から解き放っています。”The Plague Within” でエクストリームメタルのインテンスを、”Medusa” でドゥームの重苦しいメランコリーを現代に蘇らせた PARADISE LOST は、そうして “Obsidian” で獰猛と陰鬱を完璧なまでに黒の多様でマリアージュさせてみせたのです。
特筆すべきは、悲惨のパレットにキャッチーな音の葉を注いだ “Ghosts” や “Fosaken” の耽美な耳馴染みの良さでしょうか。それは “Host” のシンセポップでも、”Believe in Nothing” のオルタナティブでもなく、SIOUXSIE SIOUX や SISTER OF MERCY と同種のゴシックなダークポップに思えます。
もちろん、Nick の豊かな表現力と Gregor Mackintosh の鍵盤まで含めた扇情力がドラマを紡ぐ “The Devil Embraced” や “Serenity” には “Draconian Times” のゴシックな遺産で満たされていますし、”Fall From Grace” の絡みつくドゥーミーな重量感と慟哭の旋律は改めてバンドの出自を示し、一方で “Ravenghast” では “Gothic” に通じる物哀しきエレジーを紡いでいきます。
ヨークシャーローズに幸運のタリスマンやシンボルを集めたアートワーク、死へ向かう運命、人生の旅路を綴るテーマも完璧。
今回弊誌では、誇り高きリズムマン Aaron Aedy にインタビューを行うことができました。「単純に、僕たちのゴスとメタル両方への愛情が理由だよ。当時、僕らの地元であるイングランド北部には巨大なゴシックシーンが存在してね。そしてもちろん、僕たちはメタルファンとしても育った訳だよ。だから理にかなっているよね。
両方のダークな面は美しく合わさったし、僕らの仲間たちと少し違うことをするという意味でも良いやり方だったね。」 どうぞ!!

PARADISE LOST “OBSIDIAN” : 10/10

INTERVIEW WITH AARON AEDY

Q1: First of all, it’s really hard time now due to the coronavirus especially for the music industry. As a musician, and as a person, how do you spend your corona crisis days? What are your thoughts on the current global situation?

【AARON】: I’ve found myself revisiting rudiments musically I haven’t touched upon some since the 90’s, so I’ve been re-schooling myself and practicing a lot of things. I’m also trying to learn new things which have killed a lot of time such as doing courses online, learning how to use some of my software more effectively, walks with my wife and gaming. There are some TV shows too, but not too many.

Q1: コロナウイルスが世界を脅かし、特に音楽産業にとっては厳しい局面です。まず、ミュージシャンとして、1人の人間として、このコロナ危機をどのように過ごしているのか教えていただけますか?

【AARON】: 90年代以来、触れていない音楽的な初歩を再考するべきだと気づいたから、自分自身を再教育し、多くのことを練習しているんだよ。
また、オンラインで授業を受けたり、ソフトウェアの効果的な使用方法を学んだり、妻との散歩、ゲームなど新しいことを学ぶために時間を費やしているね。たまにはテレビも見るけど、そんなに沢山じゃないね。

Q2: Except for drummers, Paradise Lost’s line-up has remained stable for such a long-standing metal band. What’s the glue that keeps you together?

【AARON】: I think a mutual love of the same things – especially comedy and friendship. I think there has to be a lot of give and take and understanding in bands which has to be across the board to work. It isn’t always easy, but you have to find ways to make it work, like everything in life and for the greater good etc. Also, it’s important over the years to know when someone wants an arm around their shoulder, support or space.

Q2: PARADISE LOST はドラマーを除いて、全員が創立メンバーで長く続いている稀有なメタルバンドです。その秘訣を教えていただけますか?

【AARON】: 特にコメディと友情にかんして、同じ価値観を持って互いに愛することかな。バンド全体で、多くのギブアンドテイクと理解がなければならないと思うよ。必ずしも簡単なことじゃないけど、何とか機能させる方法を見つける必要があるね。それはまあ、人生におけるすべての事柄や社会全体の利益においても同じなんだけど。
同時に、何年も共に過ごす中で、誰かが肩を貸して欲しい時、サポートが必要な時を気づけることが重要だよね。

Q3: For 90’s metal kids like me, your revolutionary records like “Gothic” “Icon” “Draconian Times” are definitely bibles. What made you decide to mix the gothic aspect into death/doom metal?

【AARON】: It was simply our love of both styles of music. There was a huge Goth scene in the north of England where we are from and growing up as metal fans too, it made sense. The darker sides of both come together beautifully for us and it was also nice to be doing something a little different to our peers.

Q3: 私のような “90年代のメタルキッズ” にとって、”Gothic” “Icon” “Draconian Times” といった PARADISE LOST の革命的なレコードはまさに聖書でした。
そもそも、ゴスとメタルを融合したきっかけや理由は何だったのでしょう?

【AARON】: 単純に、僕たちのゴスとメタル両方への愛情が理由だよ。当時、僕らの地元であるイングランド北部には巨大なゴシックシーンが存在してね。そしてもちろん、僕たちはメタルファンとしても育った訳だよ。だから理にかなっているよね。
両方のダークな面は美しく合わさったし、僕らの仲間たちと少し違うことをするという意味でも良いやり方だったね。

Q4: You are most definitely a pioneer of gothic metal. Even bands in the same generation as you like My Dying Bride, Anathema, Katatonia, Amorphis cited you as influence. At that time, did you have the feeling that you are driving the movement and having an impact on other bands?

【AARON】: It wasn’t really something we thought about – we were just young men finding our own way and trying to make something we loved and enjoyed. It’s a massive compliment when anyone cites you as an influence or an inspiration, as that’s what music should drive in all of us, and especially with all of the bands being such good friends too. It’s awesome. They all got inspired to make their own music and follow their own channels which is wonderful.

Q4: ゴシックメタルのパイオニアとしてあなた達は、後続からはもちろん、MY DYING BRIDGE, ANATHEMA, KATATONIA, AMORPHIS といった同世代のバンドからも影響を言及されています。
当時シーンを牽引し、他のバンドにインパクトを与えているという意識はありましたか?

【AARON】: そんなことは思ってもいなかったよ。僕たちはただ、自分たちの道を見つけ、大好きで楽しめるものを作ろうとしている青年だったから。
君が挙げたバンドはすべてとても良い友達で、僕たち全員で作り上げた音楽だから、影響やインスピレーションとして言及してもらえるのは大きな賛辞だよね。素晴らしいことだよ。 それから彼らは皆、自らの音楽を作り、素晴らしき自らの道を追い求めはじめたのさ。

Q5: Regarding the 90’s, you shifted your musical direction to more electronica like Depeche Mode in “One Second”. Of course, lots of metalheads were surprised about that “change”. Looking back now, do you think that musical evolution was right at that time?

【AARON】: Of course, as the ethos with Paradise Lost has always been making music for our own pleasure first and foremost. You have to follow your heart and soul or else you can sound a little dishonest with your craft. I think if we had the mentality of “Draconian Times did well, let’s make another one!”, we would have probably split up with the following years as it would have felt empty and void of soul.
I think music always need to make you excited to wake up the next day on tour, or wherever, and be looking forward to doing it. After a pretty intense four years of Icon and Draconian Times writing, recording and heavy touring, with little home time and being utterly consumed by the beast, we needed a change to survive. It has proven to bear fruit as here we are 25 years later still loving our profession and Paradise Lost itself.

Q5: 90年代と言えば、あなた達は “One Second” で DEPECHE MODE 的エレクトロニカに接近しましたよね?
メタルヘッズの多くはあの変化に驚きを覚えたはずですが、今振り返って当時の進化は正しかったと思いますか?

【AARON】: もちろんだよ。PARADISE LOST の精神はいつだって何よりも、まず自分たち自身の喜びのために音楽を作ることだからね。心と魂に従う必要があるんだよ。そうしなければ自らの創作物が少し不正直に見られ聞かれるかもしれないからね。
「”Draconian Times” は上手くいったから、もう1つ似たようなものを作ろう!」ってメンタリティーを持っていたとしたら、空虚な気持ちになって魂の欠如を感じ、おそらく次の年には解散していただろうな。
僕はね、音楽は常にツアーの翌日、目覚めてまたライブをやるのが楽しみになるような、ワクワクするようなものである必要があると思っているんだ。”Icon” と “Draconian Times” に費やした緊張感漂う4年間のライティング、レコーディング、そして家で過ごす時間がほとんどないほど激しいツアーの後、生き残るためには変化が必要だったんだ。
25年経った今でも、僕たちの仕事とPARADISE LOST 自体も愛しているんだから、あの変化が実を結んだことは証明されているよね。

Q6: No other band keeps producing great works every two or three years like you do, and your newest record “Obsidian” is a masterpiece among them. I feel it returns to your roots of early 90’s gothic metal, but also you mixed your more recent dark and death/doomy reimagined soundscapes. Would you agree with that?

【AARON】: I think it’s very much a Paradise Lost record, which sounds glib, but I think we’ve very much found our own sound and with so much variety within our style over the last 32 years, we’ve got a wide tapestry of misery to draw from! Haha. I do think it is a pretty good representation of what Paradise Lost has been over time, and thank you for the compliment!

Q6: PARADISE LOST ほどコンスタントに良作を発表し続けるバンドは他にいないでしょうね。中でも最新作 “Obsidian” は新たな傑作だと感じました。
ルーツである90年代のゴシックメタルに回帰した部分と、近年の再構築したダークでデス/ドゥーミーな音景が素晴らしく交わり合っています。

【AARON】: 完全無欠に PARADISE LOST のレコードだと思うよ。それってうわべだけの言葉に聞こえるかもしれないけど、僕たちは自分自身のサウンドを完璧なまでに見つけていて、過去32年間でバラエティーに富んだスタイルを実現してきたんだ。つまり、悲惨のタペストリーを幅広く描いてきたわけだよ。(笑)
君の言葉はその悲惨のタペストリーを、PARADISE LOST が時間をかけて積み上げてきた音楽を、かなり良く表現していると思うな。賛辞をありがとう!

Q7: “Ghosts” is very impressive moment in this record. Definitely, you explored the gothic world of bands like Sisters of Mercy. I feel it represents the maturity or diversity of Paradise Lost now. Would you agree?

【AARON】: It’s a song I’m personally very much looking forward to playing live as it’s a personal favourite too. Greg can write a good Goth tune when he’s in the mood for sure!

Q7: アルバムの中でも、”Ghosts” はとりわけ印象的な瞬間でした。SISTER OF MERCY のようなゴス世界を探訪し、PARADISE LOST 現在の成熟を伝えていますね?

【AARON】: そうなんだよ。僕のフェイバリットも “Ghosts” だから、ライブでプレイするのがとても楽しみなんだ。Greg があのムードに入った時は、良いゴスチューンを書けるんだよね!

Q8: Regarding eclectic, modern metal bands like Deafheaven, Pallbearer, Alcest and Gojira are trying to take metal another realm recently. Are there any new bands that you are really into these days?

【AARON】: In fairness, there are some amazing bands trying to push the boundaries. All the bands above are doing really well at finding their own niche and voice in this wonderful and expanding scene. Most recently I’ve seen Pallbearer and Alcest, but Gojira I’ve seen at festivals we’ve played a number of times over the years. They always put on an amazing show and are well worth their accolades.

Q8: PARADISE LOST がそうであったように、DEAFHEAVEN, PALLBEARER, ALCEST, GOJIRA といったモダンメタルバンドは、メタルに潜む多様性の扉を開けていますね?

【AARON】: 公平に言って、境界を押し広げようとしている素晴らしいバンドはたしかにいくつか存在するね。君が挙げたすべてのバンドは、この素晴らしく拡大するシーンで独自のニッチな声を非常にうまく見つけているよね。
近々で見たのは PALLBEARER と ALCEST なんだけど、GOJIRA は長年にわたって何度も共演したフェスティバルで見てきているね。彼らは常に素晴らしいショーを行い、その称賛に値する存在だよ。

FIVE SONGS/ALBUMS THAT CHANGED AARON’S LIFE

NILSSON “WITHOUT YOU”

His version of this song, I first heard in the mid-70’s. It had come out a few years before but at this one particular point, I was 6 I think and it was the first time I listened and understood the lyrics. I can picture the moment even now when I was stood in the front room of my parents house in Huddersfield – I just stopped what I was doing and stood still and listened to the song; I got those tingles even now again thinking about it. Besides singing along with nursery rhyme type songs not knowing what I was singing when I was younger, I got it. It’s still a very powerful moment for me, and typically an emotionally dark song. This was the first clue! Haha.

この曲の彼のバージョンは、70年代半ばに初めて聴いたんだ。 BADFINGER のオリジナルバージョンはその数年前に出たんだけど、まだ僕はその時6歳だったと思うから、歌詞を聞いて理解したのは Nilsson が初めてだったね。今でもハッダーズフィールドの実家の居間に立っていたあの時を鮮明に思い出せるよ。作業をやめて、じっと立ってあの歌を聴いていたね。
あのうずきは何だったのか、今でも考えるよ。幼い頃のよく分からない童謡だけじゃなく、あのうずきを手に入れたんだ。非常に重要な瞬間だった。感情的に暗い曲だよね。PARADISE LOST に続く最初の入り口だよ。(笑)

ELO “MR. BLUE SKY”

This is still my go to song when on a flight that hits turbulence! It is so catchy, so well crafted and impossible to be miserable during it (thus the turbulence song, haha). The orchestral part of the song is a huge highlight and so left of centre for the rest of the song. It is admiral when artists surprise you like that.

飛行機で乱気流にぶつかったときは、今でも良く聴くよ。とてもキャッチーで、とても巧妙に作られていて、その間に惨めになることは不可能だよ。オーケストラ部分が大きなハイライトで、曲の残りの部分はオマケみたいなものだよ。 そんな風に驚かせるなんてさすが偉大なアーティストだね。

KILLING JOKE “LOVE LIKE BLOOD”

Probably the start of my love of Goth punk music. It’s still amazing to this day and they still sound incredible live – such a great mixture of musicians and Geordie’s guitar playing is so unique, he’s a wizard! Jazz is an incredible front man, very intense and that voice…brilliant. I always try to see them when they play London, along with The Damned. They’re gigs I always get excited to see.

おそらくゴスパンクに対する愛情の始まりだったね。今でも驚異的な楽曲で、彼らは今でも信じられないほどライブでも素晴らしいね。Geordie のギターとバンドの素晴らしい融合はとてもユニーク。彼は魔法使いだね!
ジャズは最高のフロントマンで、非常に強烈で、その声は…ただ素晴らしい! 彼らが THE DAMNED とロンドンをプレイするときは、いつも彼らと会うようにしているよ。いつも見て興奮しているギグさ。

IRON MAIDEN “NUMBER OF THE BEAST”

This song / album is probably the biggest reason I’m here today typing this interview! I saw the video on Top of the Pops in March 1982 and the next day, I swapped all my Ska records with my friends big brother for Rush – Farewell to Kings (still in my top 5 of all time) and a couple of other albums. Matt “Tuds” Archer, Paradise Lost’s original drummer and my oldest friend, sat behind me at school from the age of 11. He had some rock albums, so the next day after school we went to his house and he lent me MSG – One Night at Budokan (Massive Michael Schenker fan still from that day), Motorhead – Iron Fist and KISS – Alive II. What a great start! Motorhead are still one of my faves of all time too and this all started my long standing love of metal.

この曲/アルバムは、おそらく今日僕がこのインタビューを受けている最大の理由だろうな! 1982年3月にトップ・オブ・ザ・ポップスでこのビデオを見たんだ。翌日、友達の兄と一緒にすべてのスカのレコードを、RUSH – “Farewell to Kings”(今でも僕のトップ5レコードだ)みたいなアルバムと入れ替えたんだ。
PARADISE LOST のオリジナルドラマーで古き友人である Matt “Tuds” Archer は、11歳から学校で僕の後ろに座っていたね。彼は何枚かロックアルバムを持っていたから、学校の翌日、彼の家に行って、MSG – “One Night at Budokan”(その日から僕はずっと熱烈な Michael Schenker ファン)、MOTORHEAD – “Iron Fist”、KISS –”Alive II” を借りたんだ。 素晴らしいスタートだよね! MOTORHEAD も今でもお気に入りの1つだし、これが長年にわたるメタルへの愛情の始まりだったんだ。

METALLICA “RIDE THE LIGHTNING”

James Hetfield is such a massive influence on me as a rhythm guitarist, and an incredible band. The first time I heard them really upped the game of metal records since then for me, leading through the thrash and hardcore records I loved in the mid to late 80’s into death metal and beyond.

James Hetfield はリズムギタリストとしての僕に多大な影響を与えているね。それに驚異的なバンドだよ。僕にとって、初めてこのレコードを聴いた時からメタルレコードの質が向上し、80年代中盤から後半の愛するハードコア、スラッシュ、さらにデスメタルへと続いていくことになるんだ。

Right, I need an honourable mentions list if that’s okay, as 5 is waaaay too short, haha.
Slayer – Reign in Blood
Portishead – Portishead
The Cult – Love
The Damned – Machine Gun Etiquette
Killing Joke – most albums
King Diamond – Abigail (and the rest as well as Mercyful Fate)
The Scorpions (so many amazing songs and albums)
Candlemass – Epicus Doomicus Metallicus (massive record for myself and PL)
Celtic Frost – Into the Pandemonium (also the first four Trouble albums)
Depeche Mode (most of them)
Finally, one of the best albums of the 21st century so far for me:
Midlake – The Courage of Others: Listened to almost too much of that album.

MESSAGE FOR JAPAN

It’s been far too long since we were last honoured to grace Japan, and that’s something I sincerely hope happens when the current events pass. I would be humbled to come back and play there for you all. It’s a place unlike any other with lovely people who make you feel so welcomed.
Thank you for all the support over the years, I really hope we get to play Obsidian and our other music for you in future, Be safe and stay spectacular, thanks.

最後に日本へ訪れる光栄を得てから長すぎる時間が経ってしまったね。現在のコロナ危機が収まったら、心から再訪の実現を望むよ。みんなのために戻ってぜひプレイしたいね。日本は素敵な人々がとても歓迎されていると感じさせてくれる、他のどの国とも違う場所だね。
長年のサポートをありがとう。”Obsidian” や他の楽曲もプレイしたいね!Be Safe and Stay Spectacular、ありがとう。

AARON AEDY

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PURE REASON REVOLUTION : EUPNEA】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JON COURTNEY OF PURE REASON REVOLUTION !!

“First Time Labelled “Prog Rock” I Think We Were a Little Surprised. For Us It Was Mix Of Grunge, Fleetwood Mac Vox, Floyd, Massive Attack & DJ Shadow. So To Get Labelled With What Was Just a Small Section Of The Influences Felt a Little Odd. Now We’re Proud To Be Progressive.”

DISC REVIEW “EUPNEA”

「間違いなく、男女混成ボーカルは僕たちにとって鍵となる要素だし、このハーモニーが他のバンドと僕たちを区別化しているとさえ思うよ。おそらく、このスタイルを取るバンドは増えていくと思うよ。」
純粋な理性を革命に導くプログレッシブな哲音家 PURE REASON REVOLUTION は、めくるめく陰極陽極のハーモニーで沈んだ世界を緩やかに溶かします。
「最初にプログロックのラベルを貼られた時、僕たちは少し驚いたんだ。僕たちにとって当時の自らの音楽は、グランジ、FLEETWOOD MAC のボーカル、PINK FLOYD, MASSIVE ATTACK, DJ SHADOW をミックスしたものだったから。だからそんな影響の中からとても小さな部分だけを切り取って、プログロックとレッテルを貼られることは少し奇妙な感じがしたんだよ。まあ、今はプログレッシブのラベルを誇りに思っているけどね。」
PORCUPINE TREE や COHEED AND CAMBRIA を導火線にプログレッシブの新たなビッグバンが勃発した00年代。PURE REASON REVOLUTION が放ったデビュー作 “The Dark Third” の鮮烈さは明らかに群を抜いていました。
グランジオルタナティブの遺伝子を纏いながら、電子のレンズを通して映すPINK FLOYD のサイケデリック。さらにそこには、極上のフックとハーモニーが添えられていたのです。仮にモダンプログレッシブが、勃興したモダンなジャンルの音の葉を取り込む多様性の万華鏡だとしたら、まさに PURE REASON REVOLUTION こそがアプレゲールの象徴だと言えました。
「間違いなくデビュー作 “The Dark Third” と近い場所にあるけれど、同時に他の2作からも切り取ったような部分があるよね。だから、願わくば “Eupnea” が僕たちのデビュー作を少し思い返させながら、進化したようにも思えるサウンドであれば良いね。」
2010年の “Hammer and Anvil” 以来実に10年ぶりの復活作となった “Eupnea” はバンドの集大成にして出発点なのかもしれませんね。アルバムは “New Obsession” の緩やかな電子パルスでその幕を開けます。徐々に顕となる音建築、バンドの過去と未来を繋ぐ架け橋。
スペーシーでダークなエレクトロの波動を発端に、流動するギターのクランチサウンドとポップなハーモニー。そうして PRR は全ての出発点へと回帰しながら、シネマティックな “Hammer and Anvil”、ダークなシンセウェーブ “Amor Vincit Omnia” の情景を重ね、さらにサウンドの幅を広げていくのです。
ポストロックにも通じるアトモスフィアを主戦場としていた PRR ですが、プログのラベルに誇りを感じているの言葉通り、”Ghosts & Typhoons” では難解でアグレッシブなギタードライブ、BRING ME THE HORIZON のスピリットまで披露。一方で、SMASHING PUMPKINS の哲学を宿す “Maelstorm” や 7/4の魔法 “Beyond Our Bodies” ではさらにメロディーの流麗に磨きをかけてレコードの対比を鮮明にしていきます。
そうしてアルバムは、真の感情的ジェットコースター、13分のタイトルトラック “Eupnea” で PORCUPINE TREE や ANATHEMA に寄り添いながら、時代の激動と愛娘の吐息を遠近法で描写して幕を閉じるのです。
今回弊誌では、ボーカル/マルチ奏者 Jon Courtney にインタビューを行うことができました。「男女混成のハーモニーは、FLEETWOOD MAC, CSNY, THE BEACH BOYS からの影響だね。僕たちのメロディーは常に THE BEACH BOYS から本当に強力な影響を受け続けている。Brian Wilson こそがメロディーの王様さ。」どうぞ!!

PURE REASON REVOLUTION “EUPNEA” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JAZZ SABBATH : JAZZ SABBATH】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MILTON KEANES (ADAM WAKEMAN) OF JAZZ SABBATH !!

“They Basically Made It Simpler, So Anyone With a Guitar And Half a Brain Could Play It. Yes It Appealed To The Masses, But Generally I Like To Think My Original Version Was More Intellectual.”

DISC REVIEW “JAZZ SABBATH”

1968年、バーミンガムの4人の青年、Tony Iommi, Bill Ward, Geezer Butler, Ozzy Osbourne が結成した BLACK SABBATH はヘヴィーメタル始まりの地として絶対的な信頼を得てきました。ただし、世界はその認識を覆すべきなのかも知れません。なぜなら、彼らの楽曲は完全なる “盗品” だったのですから。
60年代から70年代初頭にかけて、英国ジャズの新たな波を牽引していた JAZZ SABBATH。リーダーの凄腕ピアニスト Milton Keanes は将来を嘱望されていましたが、心臓の病で倒れ入院を余儀なくされてしまいます。
おかげで1970年にリリースを予定していたデビュー作の発売は延期となり、退院した Milton はまさかの事態に愕然とします。なんと BLACK SABBATH という見ず知らずのバンドが、彼の楽曲をヘヴィーメタルの雛形にアレンジして世に出してしまっていたのです。
「ちょうど入院していて、退院したら何が起こったのか全てを理解したよ。もちろん激怒したね。だけど真実を語る僕の言葉には誰も耳を傾けなかったし、信じてもくれなかった。」
Milton の怒りはもっともでしょう。その事件によって彼は以後50年間も辛酸を舐め続けることとなったのですから。
ただし、遂に真実を伝えるチャンスが巡ってきました。紛失していた JAZZ SABBATH のマスターテープが現在になって奇跡的に発見されたのです!!
「信頼できるアーティストたちを集め、このバンドを再開し、真実を伝えるのにこれほど長くかかってしまった。」
それでも魅力的な JAZZ SABBATH の音楽が、時の狭間へと埋もれずに済んだ事実は僥倖でした。世界中で何百万もの人々が崇拝しているヘヴィーメタルの教祖が、実際には音楽的なシャルラタンにすぎず、入院した寝たきりの天才から音楽を盗んだことの確かな証としても。
「彼らは基本的に僕の楽曲をよりシンプルにしていたね。だからギタープレイヤーなら誰でも、脳みその半分でプレイすることができたね。まあ、だからこそ大衆にアピールしたんだろうな。だけど、僕は自分のオリジナルバージョンの方がより知的だったと考えているよ。」
実際、JAZZ SABBATH のイービルなジャズは決して脳みそ半分で演奏可能なほどシンプルではありません。ウォーキングベースにピアノのインプロヴァイズ、4ビートのドラム。60年代のビバップスタイルが JAZZ SABBATH の基本です。
“Children of the Grave”, “Evil Woman” のようにドゥーミーな原曲に近いものもあれば、もとい BLACK SABBATH がわりと忠実にコピーを果たしたような楽曲もあれば、”Iron Man” のように突拍子も無いエアリーなアレンジで後のメタルへの移行が信じがたいような楽曲も存在します。
何より、名曲 “Changes” の神々しきピアノの調べ、コードの魔法は、いつ何時誰が演奏をしたとしても圧倒的な陶酔感と得も言われぬノスタルジアを運んでくれるのです。
今回弊誌では、このクソ下らない架空の物語を生み出した Milton Keanes こと Adam Wakeman にインタビューを行うことができました。
「僕が幼い時…いやゴメン、Adam が幼い時…というかきっと彼は父の影を少なからず追っていたと思うんだよね。だけど自分の足で立ち、自らの道を歩み出すときっと父に対して誇りと賞賛の気持ちしかなくなるはずなんだ。」BLACK SABBATH, Ozzy Osbourne との共演、さらに父はあの YES の心臓 Rick Wakeman です。どうぞ!!

JAZZ SABBATH “JAZZ SABBATH” : 66,6/10

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SITHU AYE’S TOP 10 ANIMES AND THEIR MUSIC TO GET YOU THROUGH SELF-ISOLATION


SITHU AYE’S TOP 10 ANIMES AND THEIR MUSIC TO GET YOU THROUGH SELF-ISOLATION

こんにちわ、Sithuです!よろしくおねがいします! I’ve been asked by Sin-san to do a quick write up about my top ten animes and their music to hopefully give you something to watch during COVID-19 self-isolation and quarantine. Thinking off of the top my head, my top ten probably changes a lot depending on how I feel and what I’ve watched recently, but it should include some older and more modern classics, as well as a mix of things I’ve really enjoyed watching. Hopefully you can find something new to watch in this list, or maybe re-watch something you haven’t in a while. With that all said and done, on to the list (consisting of things I’ve watched) in no particular order!

こんにちは、Sithu です!よろしくおねがいします!
Sin さんに頼まれて僕のトップ10アニメとその音楽について簡単に書いてみたよ。願わくば、COVID-19 パンデミックの予防と自己隔離の時を過ごす助けになればとね。
一位から考えてみたんだけど、僕のトップ10はおそらくその時の感じ方や最近見たものに応じて大きく変化するんだ。だけど古い作品とよりモダンなクラシック、そして僕が実際に今見て楽しんでいるものを組み合わせる必要があったね。このリストで新たな作品を発見したり、しばらく見ていないものをもう一度再訪したりして欲しいね。じゃあ見ていこう。順不同だよ!

1. Cowboy Bebop  (カウボーイビバップ, 1998, Sunrise)

I doubt any of you will have not heard of Cowboy Bebop, but in my eyes and the eyes of many others, it is an absolute classic and a masterpiece of Japanese animation. What Cowboy Bebop does so well is transcend the medium of anime, making it feel like its own piece of unique art. Following the motley crew of Spike Spiegel, Faye Valentine and gang, the show starts off loosely as a space western, with each episode telling its own unique story before the main narrative about Spike’s past masterly gets woven into the story.
Aside from how amazing the show is, the opening theme Tank! is iconic, as is the rest of the music in the show all composed by the incredible Yoko Kanno. What makes the show even more special is that every episode is related to a musical theme and somehow the plot of the episode and the music all tie together to create a cohesive whole. If you’ve not watched Cowboy Bebop, set aside some time and do so, because it is an absolute must watch in my opinion.

カウボーイビバップについて聞いたことがない人はいないと思うけど、とにかく僕と他の多くの人にとって、この作品は絶対的なクラシックであり、日本アニメーションの傑作なんだ。
カウボーイビバップが非常に高く評価されているのは、アニメというメディアを超えて、独自のユニークなアートのように感じさせてくれるからだよ。スパイク・スピーゲル、フェイ・ヴァレンタイン、それにギャングの胡散臭いクルーが登場して、ショーはゆったりとしたスペースウエスタンとして始まるね。各エピソードは独自のユニークなストーリーを語り、スパイクの過去に関するメインテーマが巧みに織り込まれていくんだ。
アニメの素晴らしさから離れても、オープニングテーマの “Tank!” は実にアイコニックで、残りの音楽すべても偉大な菅野よう子が作曲しているんだ。
この作品をさらに特別なものにしているのは、すべてのエピソードが音楽のテーマに関連し、不思議とエピソードのプロットと音楽がすべて結びついてまとまりのある総意を形成している点だと思う。
もし君がカウボーイビバップを見ていないとしたら、ぜひ時間をとって見て欲しいと思うよ。僕の意見では、絶対的なマストウォッチだから!

2. Neon Genesis Evangelion (新世紀エヴァンゲリオン, 1995, Gainax)

Another anime classic, Neon Genesis Evangelion was probably the show that got me to take anime seriously as a medium. It’s hard to appreciate it now with many dark and psychological anime that have been released since, but Evangelion was both ground-breaking and subversive. Most giant robot, or mecha, shows at the time were about defeating the bad guys as the good guys, but Evangelion changed all of that. The brainchild of legendary director Hideaki Anno, we follow Shinji Ikari and his descent into turmoil and anguish as the pilot of Eva Unit-01 as is forced to try to save the world while also trying to learn to live with himself as a person. Other iconic characters include Rei Ayanami, Asuka Langley Soryu and Gendo Ikari.
The opening theme for Evangelion, A Cruel Angel’s Thesis (残酷な天使のテーゼ), is incredibly iconic and well known amongst all fans of anime. The music of Evangelion was composed by Shirou Sagisu and combines both elements of intense action and drama, to sombre moments of loneliness. I also remember the music being incredibly eclectic with the use of popular music tunes such as Bart Howard’s Fly Me to the Moon, or one incredible surreal and unforgettable moment in the End of Evangelion that used what is pretty much a pop song reminiscent of The Beatles. Be prepared for a mind-bending mix of giant robot fights, psychoanalysis and lots of suffering if you’ve not seen Evangelion before.

もう一つのアニメの古典、新世紀エヴァンゲリオンは、おそらくアニメをメディアとして真剣に受け止めるきっかけになった作品だったと言えるね。それ以来、多くのダークで心理的なアニメがリリースされているから評価するのは難しいけど、エヴァンゲリオンは画期的でゲームチェンジングだったよね。
当時のほとんどの巨大ロボット、つまりメカアニメは善者が悪者を倒すことが大前提だったけど、エヴァンゲリオンはそのすべてを変えてしまったんだよ。伝説の監督、庵野秀明の発案は偉大だった。碇シンジはエヴァユニット-01のパイロットとして世界を救いながら、人間として生きることを学ぶんだ。そこに苦悩と怒り、葛藤があった。他にも、綾波レイ、惣流・アスカ・ラングレー、碇ゲンドウといった象徴的なキャラクターが存在したね。
エヴァンゲリオンのオープニングテーマ、”残酷な天使のテーゼ” は、信じられないほど象徴的で、全てのアニメファンの間でよく知られているね。鷺巣 詩郎によって作曲されたエヴァンゲリオンの音楽は、強烈なアクションとドラマ両方の要素を組み合わせて、孤独で悲しい瞬間を見事に映し出しているよ。
それに、Bart Howard の “Fly Me To The Moon” などのポピュラーミュージックから、驚異的にシュールで記憶に残る、THE BEATLES を彷彿とさせるポップソング “End of Evangelion” まで、実にエクレクティックだったことも覚えているね 。もし君がエヴァンゲリオンを見たことがないなら、巨大なロボットの戦い、精神分析、そして多くの苦しみを合わせたこの心を揺さぶる作品をぜひチェックして欲しいね。

3. Steins;Gate (シュタインズ・ゲート, 2014, White Fox)

An anime adaptation of the visual novel of the same name, Steins;Gate definitely falls into the modern classic category for me. It’s hard to really talk about Steins;Gate without spoiling it, but let’s just say we follow the oddball antics of Rintaro Okabe’s daily life as a university student before he and his friends quickly become in over their heads involved in something none of them ever expected to get caught up in.
I don’t really remember too much about the music in Steins;Gate, but what I do know is scenes ranged from relaxed, to tense, or heart-breaking, and the music definitely served to accentuate those feelings. Be prepared for a bit of a slow start, going into one of the best anime made in the 2010s. El Psy Congroo.

同名のライトノベルをアニメ化した、Steins; Gate は間違いなく僕とってモダンクラシックのカテゴリに分類されるよ。Steins; Gate について正しく語るのは難しいけれど、岡部倫太郎の大学生としての日常生活で彼の奇妙な振る舞いが、自身や彼の友人を頭を悩ます暇もなく、誰も予想していなかったこと巻き込んでいくストーリーさ。
Steins; Gate の音楽について鮮明に覚えているわけじゃないけど、リラックスしたシーンから緊張したシーン、悲痛なシーンまでさまざまな場面があって、それらの感情を強調するために音楽が役立っていだと思う。 2010年代に作られた最高のアニメの1つに浸る準備をして欲しいね。 “El Psy Congroo!”

4. Fate/stay night: Unlimited Blade Works (2014, Ufotable)

Okay, first off, the 2006 adaptation of Fate/stay night by Studio Deen never happened. Also, the Fate franchise as a whole is almost impenetrable with countless spin-offs and one of the world’s highest grossing mobile games in Fate/Grand Order. It’s easy to get lost in the myriad of Fate related things, but if you had to consume one piece of Fate media (aside from the original visual novel), it’s hard to argue against Fate/stay night: Unlimited Blade Works.
Following the adventures of Shirou Emiya, Saber and best girl Rin Tohsaka, we see our character caught up in a war between mages and heroic spirits from the past for the wish-fulfilling holy grail. What makes UBW so special in my eyes is how it doesn’t really feel like you’re watching an anime series when you watch it. The animation, the effects, the cinematography, the music, everything comes together to make create just an incredible fantasy show in general, never mind an anime.

まず最初に、僕はスタジオディーンによる Fate / stay night の2006年版に順応することはできなかったね。Fate のフランチャイズ全体としても、数え切れないほどのスピンオフがあって、世界で最も高い収益を上げているモバイルゲームの1つ Fate / Grand Order もあるからどこから入ればわからないかもしれないね。 Fate 関連の様々なことに夢中になるのは簡単だけど、Fate メディア(オリジナルのライトノベルを除く)の入り口を一つ選ぶなら、Fate / stay night:Unlimited Blade Works であるという答えに贖うことは難しいだろうね。
衛宮士郎、セイバー、そして最高の少女、遠坂凛といった愛すべきキャラクターは願いを叶える聖杯を求めて冒険し、魔術師と歴史上の英雄サーバントが繰り広げる戦争に巻き込まれていくんだ。 UBWを特別なものにしているのは、アニメシリーズを視聴している以上の体験ができることなんだ。アニメーション、エフェクト、シネマトグラフィー、音楽、すべてが一体となって、幻想的なファンタジーを生み出しているよ。アニメだとは思えないほどにね。

5. K-On! (けいおん!, 2009, Kyoto Animation)

If you’ve seen K-On! before, you’ll probably notice that the theme of the show of high school girls playing in a band matches quite closely with the theme of my Senpai EPs. If you thought that, then yes, you’d be correct, K-On! was definitely a big influence. In a different tact to the rest of the shows I’ve listed so far, this show has no action or high drama, and simply focuses on the day to day activities of Yui, Mio, Ritsu, Tsumugi and Azusa playing music in their club band.
If you want a comfy and relaxing experience, K-On! is your show. Also, the anime is all about music and features many fun J-rock tracks in line with the theme of the show. I’ll also always appreciate K-On! as one of the shows that really put the incredible studio Kyoto Animation on the map.

けいおん!を知っていれば、バンドで演奏する女子高生というテーマが、僕の “先輩EP” のテーマと非常によく似ていることに気付くだろう。そう思うのも無理ないね。君たちは正しいよ。けいおん!は間違いなく大きな影響だったね。
僕がこれまでに挙げた他の作品とは異なり、けいおん!にはアクションも壮大なドラマもないんだよ。単に、唯、澪、律、紬、梓がクラブでバンドをはじめ音楽を演奏する日々の活動に焦点を当てているだけだからね。
でも快適にくつろぎたいなら、けいおん!はまさにうってつけのアニメさ。それにストーリーがすべて音楽に関するものだから、テーマに沿った多くの楽しい J-ロックトラックを聴くことができるよ。それに、偉大すぎるスタジオ、京都アニメーションを世界に紹介した作品としてもいつも感謝しているんだ。

6. Puella Magi Madoka Magica (魔法少女まどか☆マギカ, 2011, Shaft)

I think all of us are at least aware of Sailor Moon and how it popularised the magical girl genre. So yes, ostensibly, Madoka Magica is a magical girl show. But if you are expecting butterflies, rainbows, and the power of love and friendship, you have another thing coming. I don’t want to spoil the show past this, but it is probably one of the most subversive pieces of anime media I have ever watched.
The opening theme is Connect by ClariS and the combination of the music and animation gives nothing away to the actual contents of the show. The score itself is sometimes beautiful, sometimes dark, and sometimes both. Madoka Magica is definitely a show I can describe as an experience, and it’s one I definitely recommend.

僕たちは皆、少なくともセーラームーンが魔法少女というジャンルをいかに普及させたか知っているよね。だから、そう、一見すると、まどかマギカは魔法少女のジャンルに区分される作品だよ。だけどここに、蝶、虹、愛と友情の力を期待しているなら、それとは全く別のことが起こっていくよ。決して台無しにしたいわけじゃないけど、おそらくこれまでに見た中で最も破壊的なアニメの1つだろうな。
オープニングテーマは ClariS の “コネクト” で、その音楽とアニメーションの組み合わせは実際の内容とはかけ離れているね。アニメのスコア自体は、時に美しく、時に暗く、時には両方。まどかマギカは間違いなく僕がアニメ以上の “体験” として説明できる作品で、絶対的にオススメだよ。

7. Shirobako (シロバコ, 2014, P.A. Works)

Shirobako has possibly one of my favourite opening scenes in anime ever. It shows Aoi Miyamori and her four friends in their animation club in high school promising to each other that they would all make an anime together, your usual anime dream affair. The next scene brings you straight down to earth, showing Aoi looking miserable stuck in her car in the height of Tokyo rush hour. This show tries to paint of a more realistic picture of the anime industry, showing panics to get shots and cuts together, delayed episodes and creative differences.
What I love though about the show though, is despite how down to Earth the show is, and just how relatable it must feel for anybody working in the anime industry to watch, the core of the show is that the reason any of these people are putting themselves through the deadlines and the stress, is that they all love anime and they all love creating anime. It’s very relatable as somebody who is in a different field and the show has an amazing emotional payoff.

SHIROBAKO のオープニングは、おそらく僕の好きなアニメのオープニングシーンの1つだね。まず、宮森あおいと彼女の4人の友人が高校のアニメーション同好会にいることを示し、皆でいつか一緒にアニメを作ることを約束するんだ。夢見がちだよね。でも次のシーンでは、東京のラッシュアワーで、あおいが車で立ち往生している悲惨な様子を描写する。現実を見せられるわけさ。
この作品は、アニメ業界をより現実的に描こうとしていて、カットをまとめるために起こるパニック、エピソードの遅れ、創造性の相違などを扱っているんだ。
この作品を気に入っているのは、アニメ業界で働いている人がどれほど大変か伝わるところさ。このアニメの核心は、彼らが期限とストレスを乗り越えながらも、アニメを愛し、アニメを作成するのが大好きだと描写しているところだよ。きっと他の分野で働いている人だって同じだろう。見返りのあるアニメさ。

8. Toradora! (とらドラ!, 2008, J.C. Staff)

I can’t remember exactly what time period it was but I remember almost every anime released was a romantic comedy. Obviously, every anime now is an isekai show (異世界, alternate world), but there was this time when romcoms were king. You can imagine that it would take a lot for a romcom to stand out amidst the crowd, but I think Toradora! does that handily. The show follows Ryuuji and Taiga help each other pursue their respective high school crushes, but in doing so, the pair grow closer to each other in the act.
Toradora! features many comedic moments, genuinely well written and likeable characters, and a compelling plot and romance. It’s also legitimately heart-warming and it brings a smile to my face when I recall this show.

どの時期だったか正確には思い出せないけど、かつてリリースされたほとんどすべてのアニメがロマンチックコメディって時代があったね。時を経て、明らかに今はすべてのアニメが異世界作品(オルタナティブワールド)だけど、ロムコムがキングだった時期があるんだよ。
大量のロムコムの中から一つを選ぶなら、難しいけどとらドラ!だと思う。この作品は、竜児と大河が高校生活をおくりながら互いの恋を応援し、そうすることで2人が近づいていくという内容だよ。
多くのコメディックな瞬間、真によく書かれた愛すべきキャラクター、そして説得力のあるプロットとロマンスが特徴かな。心温まる作品でもあり、この番組を思い出すと自然と笑顔になってしまうね。

9. Konosuba: God’s Blessing on this Wonderful World! (この素晴らしい世界に祝福を!紅伝説, 2016, Studio Deen, J.C. Staff)

Did I mention that every anime nowadays is an isekai? Konosuba is an isekai. It’s also the first show on this list that is still ongoing with two seasons, two OVAs and a film. But yeah, as an isekai show, Konosuba has a lot of competition. What it does so well apart from being a comedy, is that the characters are all kind of awful in their own way, but that’s what makes them so enjoyable to watch. It reminds me a lot of British humour in a lot of ways.
Following the antics of Kazuma after being reborn in a fantasy world, the useless goddess Aqua, the explosion loli Megumi and the masochistic crusader Darkness, Konosuba is one of the funniest animes I have watched. You can’t help but laugh at their ridiculous antics and I highly recommend it to anybody that hasn’t seen it.

最近のアニメはすべて異世界系だと言ったっけ? そう、このすばは異世界系だよ。また、このリストではじめて、2つのシーズン、2つのOVAと1つの映画でまだ進行中の作品でもあるね。まあでも、異世界系全盛だから、このすばには沢山の競争相手がいるわけだよ。そこでコメディーとは別に優れている点は、登場人物がすべて何かしら酷い特徴を抱えていることなんだ。それが見ていてとても楽しいんだよ。イギリスのユーモアを思い出させてくれるね。
ファンタジーの世界で生まれ変わった後のカズマのふざけた態度、役に立たない女神アクア、爆発ロリ魔法使いメグミンと、マゾヒスティックなクルセイダー、ダークネス。コノスバは僕が見た中で最も面白いアニメの1つだね。きっと彼らのとんでもなくふざけた態度を笑わずにはいられないので、ぜひお勧めだよ。

10. A Place Further than the Universe (宇宙よりも遠い場所, 2018, Madhouse)

For my final entry, I tried to think of an anime that really left an impression on me in the last two years and A Place Further than the Universe is my definite pick. The story is about four girls who through various circumstances end up going on a trip to Antarctica together on the surface. It really feels like a modern adventure story and by undertaking this journey the four girls grow, learning about themselves and each other.
It’s a genuinely heart-warming experience watching this show and with time I feel like it has the potential to be considered one of the modern greats. If you haven’t heard of or watched it, A Place Further than the Universe is definitely worth your time!

最後のエントリーは、過去2年間で本当に印象に残っているアニメを考えてみたよ。僕が選んだのは、宇宙よりも遠い場所。物語は、様々な状況を経て、結局、南極大陸への旅に出かけた4人の少女について。本当に現代の冒険物語のように感じられるし、この旅に乗り出すすることで、4人の女の子は成長し、自分自身とお互いについて深く学ぶんだ。
本当に心温まる体験で、時間の経過とともに、現代の偉大な作品の一つと見なされる可能性があると感じているね。もし、この作品を聞いたことも見たこともないなら、宇宙よりも遠い場所は間違いなく君の時間を割く価値があるよ!

So that’s my list at the top of my head right now. I find it really difficult to come up with top ten lists, but I feel like the ten I’ve included are representative of my overall tastes. I kind of stopped talking about music part way through as well, but rest assured all these shows have good soundtracks that definitely add to what make each show great in my opinion. Anyway, hopefully you end up re-watching some classics, or find something new to watch.
I’m currently working on Senpai III during this time and it will be a full-length album, as well as telling the story of the girls from the Senpai EPs trying to figure out their lives as they graduate high school.
Stay safe and well and wish you all the very best!

これが、現時点でのトップリストだよ。上位10作のリストを作成するのは本当に難しかったけど、ここに挙げた10作品は僕の全体的な好みを代表していると感じるね。音楽の話は途中でやめちゃったけど、これらすべての作品には優れたサウンドトラックが存在し、それぞれの作品をより素晴らしいものにしていることは間違いないね。クラッシックをいくつか再視聴したり、新たな作品を見たいと思ってくれれば嬉しいね。
現在、僕はこの自己隔離の時期に “Senpai III” に取り組んでいるよ。フルレングスのアルバムになる予定で、高校を卒業した “Senpai EP” の少女たちが自らの人生を理解し発見し始める物語になるんだ。
Stay Safe and Well! 皆様のご多幸をお祈りします!

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW【ESOTERIC : A PYRRHIC EXISTENCE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH GREG CHANDLER OF ESOTERIC !!

“We Always Knew That Our Music Would Not Be Too Popular, Because It Is Extreme And Requires Attention To Process All Of The Details In The Sound And Repeated Listens To Become Familiar With It.”

DISC REVIEW “A PYRRHIC EXISTENCE”

「”Esoteric” の英語で最も一般的な定義は、”少数の人に向けた、もしくは理解している人だけに向けた” という意味なんだ。僕たちの音楽がとても人気があるわけじゃないことは理解しているからね。それは、この種の音楽が極端で、サウンドに乗せられたすべての詳細を処理し、それに慣れるため繰り返し聞く必要があるからだと思う。」
オカルトやサタニズムの秘伝を弔いの鎮魂歌へと封じる、英国の沈鬱 ESOTERIC。フューネラルドゥームの開祖は、超重超遅の二重奏に飽き足らず、デス、サイケデリック、インダストリアル、プログレッシブ、さらには寂寥のアトモスフィアからノイズの酸性雨までジャンルの可能性を拡大する特異点として偉大な足跡を残し続けています。
「フューネラルドゥームというジャンルが、ESOTERIC に完璧にフィットすると思ったことはないんだ。なぜなら、僕たちの音楽はそれよりも少し実験的な性格を帯びているからね。」
1993年、悪夢のような質感と哀しみに満ちたルグーブレで “フューネラルドゥーム” のフレームワークを築いた “Esoteric Emotions” でも、結局彼らはより遅くより深く苦痛の万華鏡を投影したかっただけでしょう。
ESOTERIC にとって重要なのは、深悼痛惜なドゥームの中に独自のスタイルを構築することでした。そうしてその軌跡と哲学は、BELL WITCH をはじめ KHEMMIS, PALLBEARER, ELDER, INTER ARMA といった現代ドゥーム革命の潤色な担い手たちへ脈々と受け継がれているのです。
「ライティングプロセスにおいて楽曲の長さは考慮していないんだけど、だから短ければ3分で、長くなれば26分にもなるんだろう。だけど基本的には、7分から16分の間で収まっているよ。」
BELL WITCH 83分の厖大なエピック “Mirror Reaper” に呼応するように、8年ぶりの蘇生 “A Pyrrhic Existence” は27分の緩やかな落魄 “Descent” でその幕を開けます。
高所からの自死を試みる時、人はこういった光景を目の当たりにするのでしょうか。永遠にも思えるスロウモーションのモノクロ映画は、アンビエントな静寂とプログレッシブなドラマ性、そして厳粛な轟音の狭間で、陰鬱、恐怖、絶望の影を反映していきます。
きっと、この瞬間にして久遠の葬送曲は、アルバムタイトルでもある世界の不条理や自己犠牲に端を発しているのでしょう。勝利からは程遠い勝利。見方を変えれば、Greg Chandler 語るところの 「よりアグレッシブで圧倒的にダークなアトモスフィアを加えた」 PINK FLOYD の宇宙。
“Descent” に端を発する、精神の荒野を漂う仄暗き死の旅路は、トレードマークであるトリプルギターと流麗なリードで今際の際のドラマ性を神聖なまでに高めた “Rotting in Dereliction”、最後の旅を意味するアンビエントなシンセの不吉 “Antim Yatra” とその魂の窓を少しづつ解放していきます。”Culmination” で見せる巧みな場面展開も秀逸。そうして98分2枚組の壮大極まる悲壮劇は、”Sick and Tired” でメランコリーと不協和、そしてノイズの波音を掻き集め闇の帳へ奉納しながらその幕を閉じるのです。
今回弊誌では、創立メンバーでギター/ボーカル Greg Chandler にインタビューを行うことができました。「音楽のジャンルが広がりすぎる時、影響の似たバンドが増えすぎるのは僕には唯一の欠点に思えるね。独自のサウンドやスタイルを創造するバンドじゃなく、他のバンドのようなサウンドを作りたいバンドが人気を博してしまう傾向があるようにね。」どうぞ!!

ESOTERIC “A PYRRHIC EXISTENCE” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NOVENA : ELEVENTH HOUR】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH HARRISON WHITE OF NOVENA !!

“We Felt That Ross & Gareth, The Two Tones They Created Were Distinct, Rich And Balanced Each Other Out Nicely. It Really Gave Us a Wide Palette Of Colours To Paint With On This Album. We Love Playing With That Duality Of Light/Dark, Fragile/Destructive etc.”

DISC REVIEW “ELEVENTH HOUR”

「僕たちはあらゆる種類の音楽が大好きだからね。どのジャンルが何であるかは僕たちにとってそれほど重要ではないんだよ。すべての音楽に価値があると信じているからね。」
HAKEN, SLICE THE CAKE, THE HAARP MACHINE, RAVENFACE, SLUGDGE, そして BLEEDING OATH。21世紀のプログレッシブ世界において最重要と言える綺羅星の住人が集結した NOVENA は文字通りのスーパーグループです。そうして彼らが創り上げたデビューフル “Eleventh Hour” は、その多様性と劇場感、旋律の煌めきで10年代最高峰のモダンプログ作品となった HAKEN の “The Mountain” と同等のエピックワールドを宿していたのです。
「死は僕たち全員をつなぐものだけど、それについて話すことはしばしば非常に難しいようにも感じられる。ただし、この作品が不健全で悲観的なレコードになることは望んでいなかったんだ。僕たちの本当の目的は、人生で最後の章に入った人々のストーリーを取り上げ、彼らの経験がどのようなものかを探ることだったからね。」
“Eleventh Hour”, 23時とは、人生を24時間に例えたライフクロックにおける残り1時間、まさに終焉の刻。その僅かな時間の光度や色彩、流速はきっと千差万別でしょう。NOVENA はそんな終幕の舞台を73分、10の顔で演じきり、単色に思われた悲壮な死のイメージをカラフルに塗り替えて見せたのです。
「Ross と Gareth、ボーカルの2人が NOVENA で創造した2つのトーンは明確で、豊かで、 互いにバランスが取れていたんだ。このアルバムにペイントする色彩豊かなパレットを提供してくれたんだよ。つまり僕たちは、明/暗、脆弱/破壊といった二重性をプレイするのが大好きなんだ。」
モダンプログ世界において、LEPROUS の Einar Solberg と共にエセリアルを一手に引き受ける Ross Jennings の存在により、たしかに NOVENA と HAKEN の比較は避けがたいものとなっています。しかし、声の片翼に SLICE THE CAKE の鬼才 Gareth Manson を配置することで、NOVENA の可能性はエピックの空高く舞い上がることとなりました。
その NOVENA の独自性を証明するのが、ジャズの深淵を探求した “Sail Away” からシアトリカル極まる “Lucidity” への流れでしょうか。時の流れをしめやかに紡ぐ Ross の美麗の一方で、激烈なグロウルからクリーントーンのコーラス、そして感情を湛えるスポークンワードまで多様に演ずる Gareth の才気は完璧なコントラストを運び、まさに死を眼前に見据える複雑な明と暗、穏と激を見事に描写します。
そうして芽生えたダイナミズムの炎は、”Corazon” でエスニックに燃え上がります。「単なる断片的な音楽じゃなく、物語を語り ‘楽曲’ を書くことは、作曲の過程が常に重要であり、僕はそのストーリーの伝達に最も役立つと思われるあらゆるツールを試して使用したいと思っているんだ。だからキューバの2人のキャラクターを追った “Corazon” のような楽曲の場合、そのストーリーを伝えるにはその国の音を含める必要があると感じたんだよ。」
フラメンコからボレロにルンバ、女声にハンドクラップまで、Harrison の言葉通りあらゆるツールを使用してドラマティックに構成した8分のカリブ劇場は、あまりにエモーショナルで胸を打ちます。
もちろん、”Indestructible” で見せるポップとデスコア、言わば STYX と WHITECHAPEL の共存は実に新鮮ですし、DREAM THEATER と Djent をメズマライズに並列に並べた15分を超えるクローサーの “Prison Walls” も見事の一言。
今回弊誌では、Harrison White にインタビューを行うことが出来ました。「Djent の定義? アートフォームの先駆者が客観的な意味で独自のスタイルを定義することはほとんどないんだから。そういった議論は後に人々が振り返り、その周りで起こった流れの文脈の中でアートを見て、物事を分類し始めるときに起こるんだよ。」 すでにシーンの同胞から絶賛を浴びている本作。プログメタル世界随一の変態ベーシスト Moat にも要注目。どうぞ!!

NOVENA “ELEVENTH HOUR” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【FEN : THE DEAD LIGHT】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH THE WATCHER OF FEN !!

“I Am Huge Advocate Of a Lot Of The 60s/70s Prog Scene – Yes, Genesis, King Crimson, Rush, Pink Floyd, These Sorts Of Acts And Many More Are a Big Influence On My Approach To Song/Riff-Writing.”

DISC REVIEW “THE DEAD LIGHT”

「僕が育ったかつては湿地帯だった荒野。この風景とそれが体現する感覚の両方を伝えようとすることが、僕の音楽に真のフィーリングと信憑性をもたらす唯一の方法だったんだ。FEN の音楽は大部分がこの特別な雰囲気をリスナーに届けるためのメカニズムで、彼らを荒涼として風にさらされた冷たい旅に誘うんだ。」
古い修道院、朽ちた電信柱、鄙びた風力タービンが唯一人の存在を感じさせる不毛の湿地帯フェンズ。イングランド東部の仄暗い荒野を名前の由来とする FEN は、キャリアを通してその白と黒の景色、自然の有り様と人の営みを伝え続けて来ました。そして奇妙な静けさと吹き付ける冷厳な風、くぐもった大地の荒涼を音に込めた彼らのダークな旅路は、”The Dead Light” に集約しています。
「当時は本当に小さなシーンだったな。僕たち、Neige のプロジェクト、ALTAR OF PLAGUES, それからおそらく LES DISCRETES。数年間は小さなままだったけど、ALCEST がより有名になるとすぐに爆発したね。 彼らのセカンドアルバム “Ecailles De Lune” は、ジャンルの認識を本当にターボチャージさせたと思うね。」
今では飽和さえ感じさせるポストブラック/ブラックゲイズの世界で、FEN は最初期からジャンルを牽引したバンドの一つです。ALCEST に親近感を覚え敬意を抱く一方で、DEAFHEAVEN には少々辛辣な言葉を投げかける The Watcher の言葉はある種象徴的でしょう。
なぜなら、FEN の心臓である “シューゲイズ、ポストロック、ブラックメタルの意識的な融合” は、決して奇をてらった “クレバーなマーケティング” ではなく、フェンズを表現するための必然だったのですから。
「僕は60年代/​​70年代のプログレシーンの強力な支持者なんだ。YES, GENESIS, KING CRIMSON, RUSH, PINK FLOYD といったバンドは、僕のソング/リフライティングに対するアプローチに大きな影響を与えているよ。ほとんど僕の作曲 DNA の本質的な部分と言っても過言ではないね。」
FEN がその ALCEST や他のポストブラックバンドと一線を画すのは、自らの音の葉にプログレッシブロマンを深く織り込んでいる部分でしょう。
実際、”The Dead Light” は PINK FLOYD のスロウダンスを想わせるドゥームの質量 “Witness” でその幕を開けます。ポストロックのメランコリーとプログレッシブなサイケデリアは、2部構成のタイトルトラック “The Dead Light” へと引き継がれ、メタリックな星の光を浴びながら ENSLAVED や VOIVOD にも迫るアグレッシブな酩酊のダンスを誘います。
「光が人間の目に届くまでに消滅した天体だってあるよ。つまり地球から遠い過去への窓を見ているようなもので、光子の量子が空虚を通して力を与え、最終的にアルバムタイトルのまさに “死の光” “長い死” のイメージを届けるんだ。」
もしかすると今、瞳に映る輝きはもはや存在しない死んだ星雲の残像なのかも知れない。そんな空想を巡らせるに十分なロマンチシズムと荘厳さを併せ持つ “Nebula” の魔法でポストブラックに酔いしれたリスナーは、”Labyrinthine Echoes” でプログレッシブとブラックメタルが交差する文字通り宇宙の迷宮へと迷い込み、そうして “Breath of Void” で遥かな天空から荒野の虚無を体感するのです。
もちろん、蒼く冷たい失血のロンド “Exanguination” はきっと彼の地に住まう人々の苦難、喪失、孤立、そして誇りを体現しているはずです。
今回弊誌ではフロントマン The Watcher にインタビューを行うことが出来ました。「ブラックメタルシーンは生き生きとしていて、魅力的な作品を作成する熱意を持ったアーティストで溢れているんだ。全くエキサイティングな時代だよ!」 冷厳でしかしロマンチックなブラックメタルファンタジー。どうぞ!!

FEN “THE DEAD LIGHT” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【RICHARD HENSHALL (HAKEN) : THE COCOON】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH RICHARD HENSHALL OF HAKEN !!

“With The Digital Revolution And The Advent Of Streaming, The Musical Market Has Become Extremely Oversaturated, Which Can Often Make It a Little Overwhelming When Looking For New Music. However I Do Think There’s Wealth Of Great Music Out There If You Dig Deep Enough. I’m Always Hugely Appreciative That Anyone Gives Their Precious Time To Listen To Our Music, Especially Since There’s Some Much Amazing Stuff Out There.”

DISC REVIEW “THE COCOON”

「作曲に関して僕たちは、これがプログなのかメタルなのか考えすぎて特定の方向性へ舵を切ったりはしないようにしているよ。特定の影響に重きを置かないことが重要なんだ。ただ自分たちが聴きたい音楽を書いて、ただ望むのはファンが楽しんでくれることだけなのさ。」
今年の Progressive Music Awards で “UK Band of the Year” を獲得したもはやプログレッシブ世界を代表するバンド HAKEN。精密と重猛の並行世界を実現するプログ最後の希望を牽引するギターヴァーチュオーゾ Richard Henshall は、ソロプロジェクトの船出に “The Cocoon” 実験の “繭” の名を与えました。
Richard が RADIOHEAD を引き合いに出した様に、プログレッシブの言霊が例えばブラックメタル、スラッジ、オルタナティブ、ジャズといった異世界によりフィットするようにも思える現代において、クラッシックなプログの鼓動を21世紀にアップデートする HAKEN のレトロフューチャーな音楽観は実に貴重で尊い孤高です。プログサウンドの海に漂うアンビエント、djent, ソウル、ジャズ、ミニマリズム、シンセポップの漂流物は、音の航海を退屈から程遠い冒険へと導いています。
「ここ何年か、HAKEN は作曲の面で以前よりもメンバー間のコラボレートが増えているんだ。だから “The Cocoon” をリリースする完璧なタイミングに思えたんだよ。」
2013年のマイルストーン “Mountain” を境に、歌詞、そして音楽の面でもコラボレートを進めてきた HAKEN はバンドとして絶対的な完成の域へと達しています。ただし、故に創立者 Richard でさえ、創造物全てを吐き出すことはもはや許されないほどに高潔な存在へと進化したのかもしれませんね。だからこそこの “繭” の羽化は Richard 自身の解放であり、自由な羽ばたきです。
「ピアノは僕が初めて恋に落ちた楽器だし、創造性の解放を求める時しばしば重点を置く楽器でもあるんだよ。同時に、家にあったアコースティックギターでギターの基礎を学んで行ったんだ。」
不穏なピアノの絶景から荒れ狂ポリリズムギターの雪崩へと繭を開くオープナー “Pupa” はプレイヤー、コンポーザーの両面から Richard のユーティリティー性を描写する絶佳の招待状です。
演奏者としてのハイブリッドな才能は続くタイトルトラック “Cocoon” で一層露わになります。「僕は BON IVER や James Blake の大ファンなんだけど、彼らからボコーダーのインスピレーションを得たんだよ。」Richard を歌の地平へと駆り立てたのは、真のプログレッシブを音楽面、テクノロジーの面でも開拓するコンテンポラリーなアーティストでした。
「作曲やレコーディングにおいて、音楽の境界を少しでも広げるなら、僕はモダンなテクノロジーも楽しんで使用しているんだ。」その言葉は CHON のチルグルーヴを帆に受ける “Silken Chains”、アンビエントやエレクトロニカを存分に抱きしめた風光 “Limbo”、hip-hop を咀嚼する “Lunar Room” が証明しています。
同時に “Cocoon” の繭は彼の中の “ジャズ” を開花させました。敬愛する DREAM THEATER のトリッキーで複雑怪奇な遺伝子を受け継ぎながら、Eric Dolphy のサクスフォンで21世紀のプログメタル異常者を演じる Richard の異能、インテンスのダンスは THANK YOU SCIENTIST と肩を並べます。
「僕は別バンド NOVA COLLECTIVE ではよりジャズの方向を目指していて、HAKEN はもちろんプログメタルの領域にあるね。だからこのソロプロジェクトで両方の影響を等しく祝えるのはクールだよね。」
そうして、彼の中のジャズとプログメタルを並列に並べたパラレルワールド “Twisted Shadows” はまさしく現在の Richard を投影した交差する音影だと言えるでしょう。”Djent Reinhardt” よろしくメタルとジャズを交互に繰り出す Richard の両刃は、鍵盤の魔術師 Jordan Rudess のロックなアグレッションとしなやかに同化し未曾有のカタルシスを創出します。さらに HAKEN の盟友 Ross Jennings の憂いを帯びた “ゴキブリ王” の歌唱と LEPROUS を想起させるシンコペーションのリズムを伴った楽曲は、21世紀プログメタルの理想形とも言える多様性と冒険心を具現化していくのです。
David Maxim Micic, Marco Sfogli といったモダンギターヒーロー、新進気鋭 BENT KNEE のメンバー、さらに CYNIC の新ドラマーに任命された Matt Lynch の参加によって、”The Cocoon” が一際強力な現代プログレッシブの怪気炎、目眩く桃源郷となっていることを付け加えて置きましょう。
今回弊誌では、Richard Henshall にインタビューを行うことができました。「僕はいつだって貴重な時間を割いて僕たちの音楽を聴いてくれる誰にでも大きな感謝を捧げているんだよ。だって世界は素晴らしい音楽に充ちていて、その中から選んでくれているんだからね。」 どうぞ!!

RICHARD HENSHALL “THE COCOON” : 10/10

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