タグ別アーカイブ: Prog Rock

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DREADNOUGHT : EMERGENCE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH KELLY SCHILLING OF DREADNOUGHT !!

“The Term “Female Fronted” Sensationalizes Women And Turns Us Into a Gimmick. We Are All Human Beings Creating Sound And Gender Shouldn’t Be The Focal Point. “

DISC REVIEW “EMERGENCE”

「近年、音楽はジャンルの表現を超えて日々拡大していっているわ。交配と実験が重ねられているの。だからもしかしたら、ジャンル用語自体、大まかなガイドラインとして受け止められるべきなのかもしれないわね。」
プログメタル、ブラックメタル、フォーク、ドゥーム、ジャズ、チェンバー、クラシカル、ポストメタル。コロラド州デンバーに端を発する男性2人女性2人の前衛的メタルカルテットは、”恐れを抱かず” ジャンルの境界を決壊へと導く気炎にして雄心です。
現在、メタル世界の地図において最も多様で革新的な場所の1つ、ダークなプログレッシブドゥームの領域においても、DREADNOUGHT の描き出す無限の音景は実にユニークかつシームレスだと言えるでしょう。
「メンバーのうち2人が人生の大半を木管楽器をプレイしてきたから、作曲の中に盛り込みたいと考えたのね。私は10代の頃に、フォークメタルムーブメントや民族楽器を使用するメタルバンドからインスピレーションを得ているから、フルートを楽曲に取り入れたいと思うのは自然なことだったわ。」
そのドラマティックでカラフルな音の葉の根源が、演奏者のユーティリティ性にあることは明らかでしょう。インタビューに答えてくれたボーカル/ギター/フルート担当の Kelly を筆頭に、ドラム/サックスの Jordan、キーボード/ボーカルの Lauren、そしてベース/マンドリンの Kevin。典型的なロックの楽器以外をナチュラルに導入することで、バンドは多次元的な深みと自由な翼をその筆へと宿すことになりました。
火、風、水、土。THRICE の “The Alchemy Index” から10年の時を経て、今度は DREADNOUGHT が地球に宿る四元素をそのテーマとして扱います。そうして炎の獰猛と優しさを人生へと投影した最新作 “Emergence” は、バンド史上最も思慮深くアトモスフェリック、一方で最もパワフルかつ記憶に残るアルバムに仕上がったのです。
水をテーマとした前作 “A Wake in Sacred Waves” の冒頭とは対照的に、不穏に荒れ狂う5/4で幕を開けるオープナー”Besieged” は “現在最もプログレッシブなメタルバンド” との評価を確信へと導く野心と野生の炎。デリケートなジャズ/ポストロックの低温と、高温で燃え盛るブラックメタルのインテンスはドゥームの組み木で燃焼しせめぎ合い、ダイナミズムのオーバーフローをもたらします。
兆した悲劇の業火はチェンバードゥームと Kate Bush の嫋やかな融合 “Still” でとめどない哀しみへと飛び火し、その暗澹たる感情の炎は KARNIVOOL のリズムと OPETH の劇場感を追求した “Pestilent” で管楽器の嘶きと共にクライマックスを迎えます。それは過去と現代をシームレスに行き来する、”スペースロック” の時間旅行。
とは言え、”Emergence” は前へと歩き出すレコードです。KRALLICE や SEPTICFLESH の混沌とアナログキーボードの温もり、管楽器とボーカリゼーションの絶妙なハーモニーを抱きしめた “Tempered” で複雑な魂の熱を受け入れた後、アルバムはエセリアルで力強き “The Walking Realm” で文字通り命の先へと歩みを続けるのです。
もはや10分を超えるエピックこそ DREADNOUGHT の自然。それにしてもゴーストノートや奇想天外なフィルインを駆使した Jordan のドラムスは群を抜いていますし、Lauren の鍵盤が映し出すイマジナリーな音像の数々も白眉ですね。
今回弊誌では、美麗極まる歌声に激情のスクリーム、そしてマルチな楽器捌きを聴かせる Kelly Schilling にインタビューを行うことが出来ました。「フィーメールフロンテットって用語は女性を特別で、センセーショナルにする、つまり私たちをギミックに変えるのよ。私たちはみんな音を作り出す人間であって、性別を焦点にすべきではないのよね。」どうぞ!!

DREADNOUGHT “EMERGENCE” : 10/10

INTERVIEW WITH KELLY SCHILLING

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about your band and yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【KELLY】: Dreadnought is a metal band from Denver, CO USA that we describe as eclectic and ethereal, bringing together elements of progressive metal, black metal, folk, doom, jazz, and post metal (to name a few genres). We write music that speaks to us and naturally flows from us. We all come from different musical backgrounds and influences, I myself grew up passing through a few different phases. By the time I reached middle school, I was introduced to hard rock and nu metal, and as I grew into high school, I became more interested in heavy and dark music. I have been expanding my musical interests ever since.

Q1: 本誌初登場です。まずはバンドの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか?

【KELLY】: DREADNOUGHT はコロラド州デンバーのメタルバンド。プログメタル、ブラックメタル、フォーク、ドゥーム、ジャズ、ポストメタル…それでもまだ挙げ足りないくらいだけど、そういった要素をミックスしてエクレクティックでエセリアルな音楽を描いているの。
私たちは語りかけてくる、自然と溢れ出るような音楽を書いているの。メンバーは全員が異なるバックグラウンドや影響を持っているわ。
私自身はいくつか異なる音楽的な時期を過ごして来たの。中学の頃に、ハードロックや Nu-metal を知って、高校になるとよりヘヴィーでダークな音楽に興味を持つようになったわね。私の音楽世界はそこからどんどん広がっているのよ。

Q2: There are not so much metal band having two male and two female. How did the band come to be?

【KELLY】: The band formed about 7 years ago after our first bands were at a bit of a stand still. Jordan, Kevin, and I were playing together in a band called Kastigation and Lauren in Recondite. After having a few guitarist changes in Kastigation and re-connecting with Lauren, we decided we wanted to try a different lineup and asked if she would be interested in working with us. She said yes and the new project was born.

Q2: 男性2人、女性2人という編成のメタルバンドはなかなか珍しいですよね?

【KELLY】: DREADNOUGHT は、私たちにとって最初のバンドたちが活動を休止していた7年前に結成されたの。Jordan, Kevin, そして私は KASTIGATION というバンドで一緒にやっていて、Lauren は RECONDITE にいたの。
KASTIGATION のギタリストが何人か変わったあと、Lauren と再度連絡を取って、異なるラインナップで挑戦したいから一緒にやらない?って聞いてみたの。彼女は快諾してくれて、新たなプロジェクト DREADNOUGHT が誕生したのよ。

Q3: So, Dreadnought has some multiplayers like drums and sax, guitar and flute, bass and mandolin. When you started the band and get members together, was it important for you?

【KELLY】: The woodwinds and mandolin were secondary, we had previously been playing in other metal bands so we were used to playing instruments in your traditional metal set up (guitar, bass, drums), but since a couple of us had been playing woodwinds for a large chunk of our life, we wanted to include them in our writing. I was inspired by the folk metal movement as a teen and other metal that included non traditional instrumentation, so I naturally wanted to include flute and Jordan also wanted to include his saxophone. When Lauren joined the band and Dreadnought began, we found that keyboards really gave space for other instrumentation.

Q3: DREADNOUGHT は、ドラムとサックス、ギターとフルート、ベースとマンドリンといったようにマルチプレイヤーが多いところも魅力ですよね?

【KELLY】: そういった木管楽器やマンドリンは二次的なものだったの。私たちは以前別のメタルバンドでプレイしていて、ギター、ベース、ドラムスというトラディショナルなメタルらしい編成でやっていたの。だけどメンバーのうち2人が人生の大半を木管楽器をプレイしてきたから、作曲の中に盛り込みたいと考えたのね。
私は10代の頃に、フォークメタルムーブメントや民族楽器を使用するメタルバンドからインスピレーションを得ているからフルートを楽曲に取り入れたいと思うのは自然なことだったわ。同様に Jordan もサックスを取り入れたかったの。
そうして Lauren が加わり DREADNOUGHT が始まると、キーボードが他の楽器を繋げる素晴らしい潤滑油だと気づいたのよ。

Q4: Sometimes you are called like prog-doom, or progressive post-blackdoom band, haha. What’s your perspective about the tags?

【KELLY】: We recognize it is difficult to put our music in a box, we aren’t precisely prog doom or post black doom, but we have elements of prog, black metal, doom metal. We are progressive in our songwriting, but the tags do not describe us fully and are limiting. People who read any of these terms will automatically have an idea in their head of what it sounds like, but we don’t really fit into that box. I would prefer that people listen to us without considering those blanket terms, but I understand it is also difficult to describe a band without them. Jordan likes to think of us as space metal, but even that term may give someone the wrong impression. Music is expanding more and more beyond genre descriptions these days, there is a lot of mixing and experimentation so perhaps these genre terms should only be taken as a rough guideline.

Q4: DREADNOUGHT にはプログドゥームとか、プログレッシブポストブラックドゥームなどのタグが付属しています (笑)。

【KELLY】: 1つの箱に私たちの音楽を閉じ込めるのは難しいわね。私たちは正確には、プログドゥームでもポストブラックドゥームでもないのよ。だけどプログ、ブラックメタル、ドゥームの要素を持っているのは確かね。
作曲にかんしてはプログレッシブなバンドだと思うわ。だけどプログのタグが私たちの音楽全てを表現しているとは思わないし、限定的よね。リスナーはそういったタグを読めば、自動的に頭の中にその典型的なサウンドを思い浮かべるはずよ。だけど私たちの音楽はそのどれにもフィットしないのよ。
リスナーのみんなには、そういった一義的な用語に惑わされず私たちの音楽を聴いてほしいわね。とは言え、ジャンル名を使用せずバンドの音楽を語るのも難しいのだけど。
Jordan は “スペースメタル” という表現が気に入っているようね。だけどその言葉にしたって誰かには誤った印象を与えてしまうかもしれないわね。
近年、音楽はジャンルの表現を超えて日々拡大していっているわ。交配と実験が重ねられているの。だからもしかしたら、ジャンル用語自体、大まかなガイドラインとして受け止められるべきなのかもしれないわね。

Q5: OK, let’s talk about your newest record “Emergence”. As the artwork shows, it seems this record resonates with elements of flame, right? Could you tell us about the concept or lyrical themes of “Emergence”?

【KELLY】: You are correct! It does resonate with elements of flame. The album is about transforming oneself through trials and tribulations. We begin the record with a catastrophic event, then telling the tale of all the emotions we may feel when enduring an event so emotionally heavy, specifically anxiety, shock, and resentment. As the album moves forward, the theme moves forward towards a place of understanding. Instead of resentment and anger, we now tell the tale of feeling acceptance and ownership. The album closes with a song of reflection and forward motion. We can now move forward, create a new path for ourselves, and transform from where we once came.

Q5: では最新作 “Emergence” について話しましょう。アートワークが示すように、炎のエレメントに焦点を当てたアルバムのようですね?

【KELLY】: その通りよ!アルバムは炎のエレメント (変化する色、成分) をテーマとしているの。
つまりこの作品は、試練と苦難を通して自分自身を変えることについて書かれているのよ。レコードは人生における壊滅的な出来事から始まって、次に感情的に重い出来事、特に不安、ショックに耐える時に感じる全ての感情についてのストーリーへと移行するの。
それからアルバムが進むにつれて、テーマは理解へと向かって進むのよ。怒りのかわりに、受け入れること、所有することを感じる場所へとね。そうしてアルバムは内省と前へ進むための歌で幕を閉じるの。
アルバムを聴き終えると私たちは前進し、自分自身のために新たな道を作り、かつて来た場所からの変革を果たすことができるのよ。

Q6: Ten minutes over “prog heaven” is kind of trademark of Dreadnought. “Emergence” includes 3 ten minutes over songs. Is it natural for you to make long epics?

【KELLY】: It is natural, we write a piece until we feel it is complete regardless of how long or short it may end up being. 10 minutes just happens to be the average song length we end up with.

Q6: 10分を超えるような”プログヘブン” な楽曲は DREADNOUGHT のトレードマークと言えますが、今回は3曲も収録されていますね。

【KELLY】: 楽曲が10分を超えるのは、私たちにとって自然なことよ。なぜなら完璧だと感じるまで楽曲を書き続けるから。長くても短くても関係なくね。10分が平均的になったのもたまたまそれが完成形だったからよ。

Q7: I think this is the most powerful and most eclectic record in your works. Also, this is a “time machine” of rock music, because we can find from Kate Bush to Karnivool. It seems you covered long history of rock. But what made you mix classic rock and modern metal?

【KELLY】: Thank you! I don’t think we ever intended to mix the two together, but we happened to due to our backgrounds and musical tastes. Some of us grew up with classic rock and prog rock as well as modern metal and by having those influences, we automatically include them both without really thinking too much about it.

Q7: 先程エクレクティックと仰いましたが、同時に Kate Bush から KARNIVOOL まで長いロックの歴史をカバーするタイムマシンのようなアルバムだとも感じました。

【KELLY】: ありがとう!意図してクラッシックロックとモダンな要素をミックスしたわけじゃないんだけどね。だけど私たちのバックグラウンドや音楽的嗜好がそうさせたと思うのよ。
何人かのメンバーはモダンメタルと同時にクラッシックロックやプログロックを聴いて育ったからね。そういった影響を持っているから、あまり考えることなく自然と両者を融合させているんでしょうね。

Q8: When I had an interview with Larissa from Venom Prison, she said “I don’t like the term “female fronted” though because it creates some sort of sub-genre that is solely based on the gender of the front person disregarding the kind of music is being produced by bands that have female vocalists. I find it quite limiting and counterproductive.” Do you agree with her?

【KELLY】: I do agree with her. The term “Female Fronted” continues to separate women from men in the music industry instead of bringing us together as equals. It is counterproductive, as it brings focus to the bands gender rather than their music. I can see how the intention of using that term may have originally been to raise the status of women in the community of metal musicians, that it was trying to bring to light that there are talented women in metal, that it isn’t only a boys club, but instead, the term sensationalizes women and turns us into a gimmick. We are all human beings creating sound and gender shouldn’t be the focal point.

Q8: 先日、VENOM PRISON の Larissa にインタビューを行ったのですが、彼女は 「私は “フィーメールフロンテット” って言葉が好きじゃないの。だってこの言葉はただフロントを務める人物のジェンダーのみによって、サブジャンルのようなものを形成してしまうから。その女性ボーカルを擁するバンドたちが生み出す音楽関係なしにね。その行為はとても限定的で、逆効果だと思うの。」 と語っていました。

【KELLY】: 彼女に同意するわ。フィーメールフロンテットという用語は、音楽業界では女性を男性から分離し続けているの。平等に扱うかわりにね。バンドの音楽ではなく、性別に焦点を当てているから逆効果よね。
この用語を使用にかんしては、元々は、メタルミュージシャンのコミュニティにおいて女性の地位を向上させる意図があったのはわかるのよ。メタルシーンにも才能のある女性がいることを明らかにしようとしていたんじゃないかと思うの。ただメタルがボーイズクラブじゃないって表明するためにね。
だけど一方で、この用語は女性を特別で、センセーショナルにする、つまり私たちをギミックに変えるのよ。私たちはみんな音を作り出す人間であって、性別を焦点にすべきではないのよね。

THREE ALBUMS THAT CHANGED KELLY’S LIFE

MOONSORROW “V: HAVITETTY”

OPETH “GHOST REVERIES”

ULVER “BLOOD INSIDE”

When I was younger, Linkin Park, Children of Bodom, Behemoth, Cradle of Filth, and Dimmu Borgir were heavy influences on me and part of the reason why I explored further into heavy music.

MESSAGE FOR JAPAN

Haha yes! We love Zelda, that is no secret. Thank you our Japanese friends for taking the time to read this and listen to our music! We look forward to performing for you one day!

私たちはゼルダの伝説を愛しているのよ!秘密でも何でもないわ。日本の友人のみなさん、時間をとってインタビューを読み、私たちの音楽を聴いてくれてありがとう!いつか日本でプレイする日を楽しみにしているわ!

KELLY SCHILLING

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MAGMA : ZËSS】JAPAN TOUR 2019 SPECIAL !!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CHRISTIAN VANDER OF MAGMA !!

“ZËSS Is The Culmination Of a Great Cycle Including All My Previous Compositions. It Opens To a New Space And Other Perspectives. What I Had Sensed For Many Years: Multidirectional Music. It’s Another Way Of Feeling, Of Living Music.”

DISC REVIEW “ZËSS-Le Jour Du Néant”

「”ZËSS” は過去私の全ての作曲の中でも最高到達点と言えるだろうね。新たな場所や別の価値観へのドアを開いたよ。”ZËSS” によって私は “無限” へと歩み始めたんだ。音楽がそうさせたんだよ。」
結成50年。フランスに兆した異端の音楽組織 MAGMA の主宰にして、偉大なるドラマー/コンポーザー Christian Vander は未完の大曲 “ZËSS” が、自らの理想である複数の音楽性を持つ “マルチディレクショナルミュージック” への素晴らしき入り口であったことを認めました。
ジャズとロックの蜜月に、オペラやクラッシック、アヴァンギャルド、そしてミニマリズムの玄妙を封じた邪教 MAGMA は、Christian が天啓を受けたというコバイアの宇宙奇譚と仮想言語によりその禍々しき中毒性を一際増しています。
もちろん、MAGMA がメインストリームに位置することはありませんでしたが、そのカルトな表現方法はハードコアなマニアを生み続けています。ドキュメンタリー “To Life, Death And Beyond: The Music Of Magma” を見れば分かる通り、Trey Gunn, Jello Biafra, Robert Trujillo といった卓越したミュージシャンも実はバンドの熱烈な信徒なのです。
Christian も認めるように、MAGMA が “ズール” と呼ばれるその音楽スタイルを完成させたのは、3rdアルバム “Mekanik Destruktiw Kommandoh” 通称 “M.D.K.” でした。ベーシスト Jannick Top の加入により世界最高峯のスキルと “圧” を備えたリズムセクションを宿したバンドは、さらにコーラスの “圧”、複雑怪奇の “圧”、コバイアの “圧” で圧倒的なパワーとエナジーを纏う独創性を確立したのです。ズール “Zeuhl” とはすなわち “振動する音楽” の意。
Christian は時代を先取っていたと語ってくれましたが、甲高い狂気の叫びと入り乱れる無慈悲な拍子記号、そしてアヴァンギャルドな音楽性のコンビネーションは、もはやクラッシックロックの枠組みに対する破壊からの再創造であったとも言えるでしょう。
Christian が “ZËSS” の発想を得たのは1977年 “Attahk” のセッションにおいてだと言われています。それはファンク/ソウル色を増し、よりキャッチーなボーカリゼーションへと向かい始めた変革の時期でした。故に、Christian の言葉通り多様で自由な世界へのドアを開ける重要な鍵こそが “ZËSS” であったのは確かでしょう。ただし、楽曲はしばしばライブで披露されライブアルバムにも収録されましたが、スタジオアルバムに収録されることはなく故に未完成の伝説と語られるようになったのです。
「スタジオでレコーディングされていない最重要の音楽が “ZËSS” だったね。そして私たちは過去にリリースした “ZËSS” のライブバージョンとは全く異なるスタジオテイクを成し遂げたかったんだ。」
2019年、遂にベールを脱いだ38分のズールエピックは、シンフォニックでとめどなくスピリチュアルな有機的実験でした。序盤、Christian のナレーションが響き渡る反復の呪術を聴けば、彼の敬愛する John Coltrane が “Love Supreme” で世界に届けた深き瞑想と至上の愛を想起するファンも多いでしょう。
ただし、徐々にインテンスを増して、コーラスハーモニーとピアノのコード、シンコペーションのリズムにオーケストラのスペクタクルが複雑な糸のごとく絡まりあうと、カール・オルフやリチャード・ワグナーの虚影と共に様々な情景やエモーションがマグマのように溢れ出していきます。
光と影、天と地、想像と現実、歓喜と悲哀。それは恍惚を誘う魂の精神世界、形而上の峰。そうして、クラッシック、スピリチュアルジャズ、ゴスペルにソウル、そしてミニマルな舞台背景に踊るズールのダンスは、あまりに壮大なスペースオペラとして伝説の伝説たる所以を威風堂々提示するのです。さてこの作品は彼らのスワンソングとなるのでしょうか?少なくとも、信徒はきっとアンコールを望むはずです。
今回弊誌では、Christian Vander にインタビューを行うことが出来ました。「本当に勧めたいのはバンドのライブを見ることなんだ!!!私たちのパワーやエナジーを理解するためには、MAGMA のライブを見に来る必要があるよ!!もちろん、”Magma Live” アルバムもそうやってこのバンドを理解する良い方法だと思うね!」”50年後” と銘打たれた9月の来日も間近。どうぞ!!

MAGMA “ZËSS-Le Jour Du Néant” : 10/10

INTERVIEW WITH CHRISTIAN VANDER

Q1: First of all, for about 40 years, you had no opportunity to do studio recording because of incomplete music “Zess”. What made you release the complete version of “Zess” in this timing?

【CHRISTIAN】: We were very tired after 3 years of continuously touring around the world and decided to take a kind a sabbatical year, we decided that we won’t be on the road in 2018. After a few weeks resting, we realized that it was the perfect timing to record a new album.
The last important piece of music that haven’t been recorded in studio was ZËSS. We wanted to achieve a totally different version from the live versions we already released in the past. Stella had the idea of a symphonic version and manage to find the ressources to hire an orchestrator and the Prague orchestra. It’s been a huge amount of work but we’re very proud of this new album!

Q1: “ZËSS” は未完成を理由に、40年もスタジオでレコーディングされることがなかった伝説の楽曲でした。今回その完全版を遂にリリースしようと決めたのはなぜですか?

【CHRISTIAN】: 私たちは3年も絶え間無く続いた世界を回るツアーにとても疲れていたんだ。だからサバティカル、休暇のような1年を作ろうと決めたんだ。つまり、2018年はツアーに出ないとね。そうして数週間休息を取った後、私たちはこの休みが新作をレコーディングする完璧なタイミングだと悟ったんだ。
スタジオでレコーディングされていない最重要の音楽が “ZËSS” だったね。そして私たちは過去にリリースした “ZËSS” のライブバージョンとは全く異なるスタジオテイクを成し遂げたかったんだ。妻の Stella (Vander) がシンフォニックバージョンのアイデアを持っていて、編曲家とプラハオーケストラを手配してくれたんだよ。確かに膨大な仕事量だったけど、この新たなアルバムを誇りに思っているよ!

Q2: So, what’s the legendary song “Zess” to Magma?

【CHRISTIAN】: ZËSS is the culmination of a great cycle including all my previous compositions. It opens to a new space and other perspectives. What I had sensed for many years: multidirectional music. It’s another way of feeling, of living music. Perhaps this sensation must be experienced by divers who swim in the deep sea: a kind of weightlessness, there is no more top or bottom: an insituable positioning. It is this work that I begin towards infinity, what music offers.

Q2: 長年未完のままだった伝説の楽曲 “ZËSS” は、MAGMA にとってどのような位置を占めていますか?

【CHRISTIAN】: “ZËSS” は偉大なサイクルにおける過去私の全ての作曲の中でも最高到達点と言えるだろうね。新たな場所や別の価値観へのドアを開いたよ。
その場所とは何年も私が目指し、感じてきたものなんだ。”マルチディレクショナルミュージック”、複数の方向性を持つ音楽。感情や生の音楽の別の道なんだ。
例えばこの感覚は、おそらく深海に潜るダイバーもきっと経験しているだろうね。重量を感じなくなり、上も下もなくなる自由なポジションさ。”ZËSS” によって私は “無限” へと歩み始めたんだよ。音楽がそうさせたんだ。

Q3: Simon Goubert, Morgan Agren joined the recording session, and even you use real orchestra. What made you invite these guests?

【CHRISTIAN】: We couldn’t think about anyone else that those two excellent musicians. Simon played Zess in the past, he knows how to make it sound perfectly on an acoustic piano, he knows the in-depths of the piece , Morgan is an incredible drummer and we wanted to work with him since a longtime. The drum part is very challenging, we really need someone like Morgan!

Q3: あなたの右腕とも言える Simon Goubert、さらにドラムマイスター Morgan Agren がレコーディングに参加していますね?

【CHRISTIAN】: そうだね。私たちにとって、この2人の卓越したミュージシャン以外の人選は考えられなかったね。Simon は過去にも “ZËSS” をプレイしているから、アコースティックピアノをこの曲で完璧に響かせる術を心得ているからね。彼は本当に深い部分まで “ZËSS” を理解しているんだ。
Morgan は驚異的なドラマーで、私たちは長い間彼と仕事がしたいと思っていたんだ。この曲のドラムパートは実にチャレンジングだから、本当に Morgan のようなプレイヤーを欲していたんだよ!

Q4: It seems Kobaïan is a phonetic language made by elements of the Slavonic and Germanic languages to be able to express some things musically, right? What’s the reason you haven’t use French or English in your songs?

【CHRISTIAN】: French wasn’t expressive enough for the sound of the music I had in my head. I’m not fluent in English, not able to write proper lyrics in English. Kobaïan is a language that is constantly evolving and the sounds/words come organically when I am composing.

Q4: MAGMA の代名詞とも言える仮想言語コバイア語はスラブ語-ドイツ語を基盤として、音楽的な表現方法を広げるために使用されていると理解しています。
例えばあなたの母国語であるフランス語、もしくは英語でその表現は不可能なのでしょうか?

【CHRISTIAN】: フランス語は、私の頭の中にある音楽を鳴らすのに充分に表現的とは言えなかったね。そもそも英語は流暢には話せないから、適切な歌詞を英語で綴ることはできないんだ。
コバイア語は常に進化を続ける言語で、そのサウンドや言葉は私が作曲を行っている間に自然と生まれて来るんだよ。

Q5: Regarding Kobaïan, Zeuhl is a style of prog rock that originated in France in the 1960s and born from Kobaïan. But lot’s of Japanese bands like Ruins, Happy Family, Koenji Hyakkei inherit the legacy. What’s your perspective about these bands?

【CHRISTIAN】: First of all they all are very skilled musicians. I like their approach of Zeuhl music. It’s at the same time very respectful for the music of Magma and still, very original.

Q5: ジャズ/プログロックにオペラ、クラッシック、ミニマリズムを導入した MAGMA の音楽は、ズールというジャンルを生みました。
日本にもそのレガシーを受け継ぐ、RUINS, HAPPY FAMILY, 高円寺百景といった優れたバンドが存在しています。

【CHRISTIAN】: まず述べて置くべきは、彼ら全員が非常に優れたミュージシャンである点だね。私は彼らのズールに対するアプローチが気に入っているんだ。というのも、彼らは MAGMA の音楽にとても敬意を払いながら、同時にとてもオリジナルだからね。

Q6: Your Japan tour will be soon! So, you have really huge discography, but when music fans jump into Magma’s world, what do you recommend them?

【CHRISTIAN】: I would recommend to start with Felicité Thosz where you can find all Magma different colors and ambiances. It is also very easy to listen too, easy to get into. Then I would move to the most popular piece which is M.D.K, the to Kohntarkosz, written in 1974 but still ahead of its time. But mostly I would recommend to see the band live!!! You need to see Magma live to understand the power and the energy!! Of course the album MAGMA LIVE is a good way to discover the band as well!

Q6: 日本でのライブも控えています。MAGMA には膨大なディスコグラフィーがあるわけですが、未聴のリスナーがズールの世界へと飛び込む時に、あなたがまずオススメするのはどのアルバムでしょう?

【CHRISTIAN】: 私ならまず、”Felicité Thosz” をオススメしたいね。というのも、MAGMA に備わる全ての異なる色合いや雰囲気を堪能できるからね。それにとても聴きやすいアルバムだから、私たちの世界に入りやすいだろうな。
それから最も有名な作品に移れば良いと思う。”M.D.K” そうして “Kohntarkosz” へね。1974年に書かれたアルバムだけど、先進的で時代を先駆けていたよね。
まあでも、本当に勧めたいのはバンドのライブを見ることなんだ!!!私たちのパワーやエナジーを理解するためには、MAGMA のライブを見に来る必要があるよ!!もちろん、”Magma Live” アルバムもそうやってこのバンドを理解する良い方法だと思うね!

Q7: Could you tell us about five albums that changed your life?

【CHRISTIAN】: To sum up in five discs what has changed my life seems to me insufficient. John Coltrane changed my life … and my vision of things. Record after record, he surprised me, took me each time into other worlds, constantly evolving. Otherwise, I discovered the first quartet (before Jimmy Garrison) with “My favorite things”. The album “Transition” (unpublished during John’s lifetime) is a true music lesson, a true example of multidirectional music, which he develops on several levels. A record with several floors, to be listen to in depth …

Q7: 人生を変えた5枚のアルバムを教えていただけますか?

【CHRISTIAN】: 私の人生を変えたアルバムを5枚に絞るのは難しいね。John Coltrane は私の人生を変えたよ…それに物事の見方もね。どのレコードを聴いても驚かせてくれたし、別の世界へも誘ってくれた。常に進化を続けていたんだ。”My Favorite Things” で最初のカルテット (Jimmy Garrison が加わる前の) を発見してからずっとね。
彼の生前にはリリースされなかった (没後3年の70年リリース) “Transition” は真の音楽的なレッスンだと思う。真の “マルチディレクショナル” な音楽の例で、彼はいくつものレベルを駆け上がっているんだ。様々な階段があるレコードで、深く深く聴くことができるね。

MESSAGE FOR JAPAN

Dear Japanese friends, I think very often of you, of your deep and magical country. I am very happy to go to Japan soon. I wish you the best, infinite happiness. May the gods protect you. May the land of the Rising Sun live forever.
Your friend of heart , Christian Vander.

日本の友人たちへ。君たち、そして深くマジカルな君たちの国をとてもよく思い浮かべているよ。日本にまたすぐに行くことができて実に嬉しいね。君たちの無限の幸せを祈っているよ。神さまが守って下さいますように。日出ずる国が永遠でありますように。あなたの友人、Christian Vanderより。

CHRISTIAN VANDER

Acoustic Version
2019/9/20 (Fri) 東京・Shibuya WWW
OPEN 18:00 START 19:00
スタンディング 前売り:¥8,000

2019/9/21 (Sat) 東京・EX シアター 六本木
OPEN 17:00 START 18:00
全席指定 前売り:¥9,000

2019/9/22 (Sun) 大阪・サンケイホール ブリーゼ
OPEN 17:00 START 18:00
全席指定 前売り:¥9,000

公演の詳細はこちら。SMASH
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SEVENTH RECORDS
日本盤のご購入はこちら。セブンス・ジャパン

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ALARMIST : SEQUESTERER】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ALARMIST !!

“‘Post-rock’ Used To Be a Useful Catch All Term That Included All Of The Things You Just Listed To Describe Our Sound, Particularly For Bands Like Tortoise, Stereolab, Slint, But Now Seems It’s Gotten Very Specialised To a Certain Type Of Slow-burning Reverby Sound.”

DISC REVIEW “SEQUESTERER”

「アイルランドは小さな国だけど、沢山の有名なインストゥルメンタルバンドを輩出しているよね。その大きな理由は、おそらく00年代初期に THE REDNECK MANIFESTO がこの国でとても人気があったからだと思うんだ。」
THE REDNECK MANIFESTO, GOD IS ASTRONAUTS, ADEBISI SHANK, AND SO I WATHCH YOU FROM AFAR, ENEMIES。00年代初期に勃興したアイルランドのインストゥルメンタル革命は、ポストロックの情景とマスロックの知性を巧みに組み込みながらそのユニークな音脈を紡ぎ続けています。
「”ポストロック”は、僕たちのサウンドを説明するための便利なフレーズだったね。ただ、今となってはリバーブをかけた緩やかに燃えるような特定のサウンドを指すようになっていると思う。」
穏やかに多幸感を運ぶアトモスフェリックなサウンドスケープのみを追求せず、実験性、多様性、複雑性を同時にその理念へと宿す ALARMIST はまさにアイルランドに兆した特異性の申し子だと言えるでしょう。
“ポストマスロック”。モダンなインスト音楽の領域にとって不可欠なポストロック、マスロックのみならず、エレクトロニカ、ジャズ、チェンバー、サウンドトラックにゲーム音楽まで貪欲に飲み込む騒々しき野心家 ALARMIST に付属したタグは、そうして自らが呼称する “インスト過激主義者” のイメージと共に新時代の到来を激しく予感させています。
「僕たちはパートをスワップするのが好きなんだ。パートごとよりもアンサンブル全体を考えて作曲しているからね。」
ALARMIST が過激派たる由縁は、担当楽器のユーティリティー性にもあると言えます。カルテットからトリオへと移行する中でツインドラムの奇抜は失われましたが、それでもメンバー3人は全員が鍵盤を扱えますし、ギタリストとキーボーディストの境界さえ曖昧。さらに管楽器やアナログシンセ、トイピアノにダルシマーまで駆使してその音のキャンパスを豊かに彩っているのです。
「僕たちは1つのジャンルのラベルで完全に満足することは決してないだろうね。だけど “エクスペリメンタルロック” は曖昧だけど使える言葉だと思う。」
実際、バンドのセカンドアルバム “Sequesterer” に封じられた楽曲は、かつてポストロックに備わっていた実験性、真の意味での “ポスト” ロックを体現する魔法です。
例えば Tigran Hamasyan がジャズからの MESHUGGAH への返答だとすれば、オープナー “District of Baddies” はポストロックからの MESHUGGAH への返答なのかも知れません。ANIMALS AS LEADERS を想起させるシーケンシャルなメロディーとポリリズミックなリズムアプローチの現代建築は、アナログシンセサイザーの揺蕩う揺らぎや多様な楽器の音色との交わりで緩やかに溶け出し、風光明媚な情景の中へと見事に同化を果たします。それはメタルの方法論とはまた異なるスリル。時間もジャンルも楽器の垣根までも飛び越えまたにかける音旅行。
同様に、”Boyfriend in the Sky” はトロピカルトライバルに対する、”Lactic Tang” は FLYING LOTUS に対する、そして “Expert Hygience” はゲーム音楽に対するポストロックからの強力な返答だと言えるのかも知れませんね。ポストロックの一語である程度音像が理解できてしまう現在のシーンにおいて、TORTOISE, STEREOLAB, SLINT といったバンドはもっと多様で、挑戦的で、アヴァンギャルドな理想を追っていたよね?という ALARMIST の救いにも似たメッセージは、”ポスト” の停滞と飽和から脱却する万華鏡の音魂として世界を席巻するはずです。
今回弊誌では ALARMIST のメンバーにインタビューを行うことが出来ました。「日本にはクールな音楽が沢山あるよね。Mouse on the Keys, Cornelius, Perfume みたいな J-Pop に武満徹のような現代音楽まで。それに、任天堂、セガ、コナミみたいなゲーム音楽からも大きな影響を受けているんだよ。」リリースはジャンル最重要レーベルの一つ Small Pond から。どうぞ!!

ALARMIST “SEQUESTERER” : 9.9/10

INTERVIEW WITH ALARMIST

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【ALARMIST】: The roots of the band go back to when we met as teenagers in early 00s Dublin. As kids before that, some of us would have been playing instruments at an early age and others immersed in stuff like art and writing, that would have fed into our musical creativity later.
Osgar, Elis and Barry played in several versions of the same lineup which evolved along with their tastes and abilities. When we started playing together as teenagers, alt-rock bands like Radiohead, Deftones, Tool, Oceansize were very influential, and I think that interest led us all towards post rock and electronic music, as well as jazz and classical music. So by the time we were 17/18 our music evolved into an instrumental trio, inspired by acts like Explosions in The Sky and Redneck Manifesto. That version ended as each of us went to study music in college.
In 2007/8 we reformed and Neil joined, and this is where Alarmist properly began. By this time artists like Tortoise, Battles, Múm, Sigur Rós, Aphex Twin, Squarepusher, Bjork, Sufjan Stevens, Mice Parade, Jaga Jazzist were major shared influences. But we have all developed lots of wider tastes since then. Some artists we’ve enjoyed more recently include Oneohtrix Point Never, Disasterpiece, Kneebody, Andy Shauf, Beak and Broadcast.

Q1: 本誌初登場です。まずはバンドのバックグラウンドからお話ししていただけますか?

【ALARMIST】: バンドのルーツは、まだ僕たちがティーンネイジャーでダブリンで出会った00年代初頭まで遡るね。それ以前の子供時代、メンバー各自は楽器をやったり、アートや小説に没頭したりして後のクリエイティビティーを養っていたんだ。
Osgar, Elis, Barry の3人は、同じラインナップで音楽のテイストとアビリティーを進化させていったね。10代で共にプレイし始めたころは、RADIOHEAD, DEFTONES, TOOL, OCEANSIZE といったオルタナティブなバンドにとても影響を受けたよ。そういった興味の源流が、ポストロック、エレクトロニカ、ジャズやクラッシックへと導いてくれたと思っているんだ。
そうして、17歳か18歳になるころまでに、僕たちはインストトリオへと進化していたんだ。EXPLOSIONS IN THE SKY, REDNECK MANIFEST にインスパイアされたようなね。その時のバンドは、メンバーが大学で音楽を学ぶために終焉を迎えたんだけど。
07年/08年ころに僕たちは再結集して Neil を加えたんだ。おそらくこれが ALARMIST の始まりだと言えるだろうね。そのころには、TORTOISE, BATTLES, MUM, SIGUR ROS, APHEX TWIN, SQUAREPUSHER, BJORK, Sufjan Stevens, MICE PARADE, JAGA JAZZIST が大きなインスピレーションとなっていたね。
それからよりワイドなテイストを加えて、最近ではONEOHTRIX POINT NEVER, DISASTERPIECE, KNEEBODY, Andy Shaf, BEAK AND BROADCAST といったアーティストを楽しんでいるよ。

Q2: How did Alarmist come to be? What instruments are you three playing?

【ALARMIST】: Between us, we studied composition and performance of contemporary classical music, jazz and rock in college, so along with the artists listed above, this was a major factor in our ensemble approach to composition and arrangement.
In the early four-piece, we wanted a big, multi-instrumental sound. So we had Osgar on drum kit, Neil on second drums and keys , Barry and Elis on both guitars and keys. Osgar decided to take a break from music last year, so now Neil is the dedicated drummer. Generally, Elis is more the keyboard player and Barry the guitarist, but we like to swap things around, and in composing we think of the whole ensemble rather than just our own parts.
Live, we play keys through Ableton for lots of different sounds, as well as triggering samples and using some backing track elements. In studio, there are fewer restrictions. We sometimes play wind instruments that we wouldn’t play live, such as clarinets, trumpet, flute, sax, and all sorts of other things like analogue synths, toy pianos and dulcimers.

Q2: ALARMIST 結成の経緯と、メンバー3人の担当楽器を教えていただけますか?

【ALARMIST】: 3人とも大学で、コンポジションと、現代音楽、ジャズ、ロックの演奏を学んでいるんだ。だからさっき挙げたようなアーティストと並んで、そういった同じ素養、コンポジションやアレンジに対する同じアプローチが僕たちを集結させたと言えるだろうね。
初期の4人編成時代、僕たちはビッグでマルチなインストゥルメンタルサウンドを求めていたんだ。だから Osgar がドラム担当で、Neil がセカンドドラムとキーボード、Barry と Elis がキーボードとギター2つの楽器を互いにプレイしていたんだ。
昨年、Osgar が音楽活動の休止を決めたから、今は Neil が完全にドラムに集中しているよ。基本的に、Elis はよりキーボーディストで、Barry はよりギタリストだよ。ただ、僕たちはパートをスワップするのが好きなんだ。パートごとよりもアンサンブル全体を考えて作曲しているからね。
ライブでは Ableton を使用して様々なサウンドを出しているよ。トリガーやサンプル、バッキングなんかをね。スタジオでは制限が少なくなるから、ライブでは演奏しないクラリネット、トランペット、フルート、サックスといった管楽器を使うこともあるよ。他にもアナログシンセやトイピアノ、ダルシマーなんかもね。

Q3: What inspired you to start your instrument? Who was your musical hero at that time?*

【BARRY】: Some teenage guitar heroes inspiring me at the beginning were Tom Morello, Jonny Greenwood, later Tortoise for general musical impact.

【ELIS】: Bass used to be my main instrument in early bands, after playing piano growing up, so probably Flea when I was a kid, and Bjork later for electronics/synths and other things.

【NEIL】: I played piano as a kid but picking up drums aged 14 the biggest hero was probably Travis Barker. Later on Dave King from the Bad Plus would have been a more sophisticated influence.

Q3: 楽器を始めたきっかけや、当時のヒーローを教えていただけますか?

【BARRY】: 10代の頃、Tom Morello, Jonny Greenwood といったヒーローにインスパイアされてギターを始めたんだ。後に、TORTOISE が大きなインパクトとなったね。

【ELIS】: 最初はベースがメインの楽器だったんだ。後にピアノを弾くようになったんだ。だから子供の頃は Flea で、それからエレクトロニカやシンセの分野で Bjork から影響を受けたんだ。

【NEIL】: 僕は子供の頃ピアノをやっていて、14歳でドラムを始めたんだ。だから Travis Barker がおそらく最大のヒーローだね。それから THE BAD PLUS の Dave King からは細かい部分で影響を受け続けているね。

Q4: ASIWYFA, Enemies, Adebisi Shank, Ireland is one of the biggest math rock country in the world. What’s the scene there to you? Are you influenced by them?

【ALARMIST】: For a small country Ireland has had a lot of well-known instrumental bands , a big reason why is probably because the Redneck Manifesto were very popular locally in the early 00s with all kinds of audiences and not just post rock fans, and they influenced many acts including ourselves.
It’s kind of bittersweet because it is easy to make your name known in Ireland if you are a good band, and instrumental bands get more attention than they might elsewhere. But because of the small population it’s difficult to do a lot of touring or sell records, and leaving the island with gear to play gigs in other countries is expensive. But we have been lucky to get a small but keen international following through the internet, and we tend to look for nice opportunities like festivals overseas instead of touring every month close to home.
I think rather than being influenced by the bands you mentioned , we share similarities. We were already quietly a band for some time when those bands like Adebisi and Enemies started doing some great stuff and getting a reputation. We are friendly with those guys, and played some early gigs with them, we definitely share an audience but we all appeared in different pockets of the country. I think we, and probably they, have felt more part of an international scene. It is nice that Ireland still gets recognised, especially when it has become difficult to sustain a physical community around music with venues disappearing and cities getting too expensive

Q4: ASIWYFA, ENEMIES, ADEBISI SHANK など、アイルランドは世界でも最もマスロックが盛んな国の一つだと感じます。ALARMIST も彼らの血脈を受け継いでいますよね?

【ALARMIST】: 確かに、アイルランドは小さな国だけど、沢山の有名なインストゥルメンタルバンドを輩出しているよね。その大きな理由は、おそらく00年代初期に THE REDNECK MANIFESTO がこの国でとても人気があったからだと思うんだ。ポストロックファンからだけじゃなく、全てのオーディエンスからね。彼らは僕たちも含めて多くのアイルランドのバンドに影響を与えているんだよ。
アイルランドのシーンは一言で言えば “ビタースイート” だろうね。ここでは良いバンドなら名前を知ってもらうのは簡単だよ。それに世界のどこよりもインストゥルメンタルのバンドが注目を集めている。だけど一方で、人口が少ないからツアーを沢山こなしたり、レコードを沢山売ることは難しいんだ。この島を離れて他国に機材を持ち込みライブを行うのはお金がかかるしね。
ただ、僕たちは幸運にもネットを通して小さいけれど熱烈なフォロワーを得ることが出来ている。だから毎月家の近所でライブを行う代わりに、海外のフェスなんかでプレイする機会を得られているんだけどね。
君が挙げたようなバンドから影響を受けたというよりも、類似点をシェアしていると僕は考えているんだ。というのも、ADEBISI とか ENEMIES が偉大な作品を出して評判を得始めたころ、僕たちはすでにこのバンドをやっていた訳だからね。彼らとは仲が良いし、初期のころはライブも一緒にやっていたよ。だから僕たちはアイルランドの別々の場所から登場したけど、間違いなくオーディエンスはシェアしているんだ。
僕たちは、もしかしたら彼らも、どちらかと言えばインターナショナルなシーンの一部だと感じているように思うね。特に、都市の地価が高騰しライブハウスが消えていき、音楽にまつわる物理的なコミュニティを維持することが難しくなった今でも、アイルランドがまだこうやって認識され続けているのは素晴らしいね。

Q5: OK, let’s talk about your newest record “Sequesterer”. First of all, what’s the meaning behind the album title “Sequesterer”? Is there any concept in this record?

【ALARMIST】: Sequesterer is word we invented and enjoyed the sound of. ‘To sequester’ means ‘to hide away or isolate something’ , or in chemistry ‘to form a stable compound with an atom or molecule so it is no longer available for reactions’. We’ll leave it to people to interpret for themselves, and to create their own meaning or journey in the music.

Q5: では最新作 “Sequesterer” について話しましょう。まずはこのタイトルに込められた意味や作品のコンセプトについて伺いたいのですが。

【ALARMIST】: “Sequesterer” とは僕たちが発明した言葉で、その語感を楽しんでいるんだ。”To Sequester” には隠すとか隔離するとか、あとは化学の分野で原子や分子で安定した化合物を形成するから化学反応は得られないって意味があるんだ。
まあ僕たちとしては、その解釈はリスナーにお任せするって感じかな。そうして自らの意味や旅を音楽の中に見つけて欲しいな。

Q6: Sometimes, you are called “Post-math rock” band. Actually, you are blending from math rock to post-rock, electronic, jazz, movie soundtrack and contemporary chamber music together. Definitely, you are really eclectic band, but what’s the tag “Post-math rock” to you?

【ALARMIST】: ‘Post-rock’ used to be a useful catch all term that included all of the things you just listed to describe our sound, particularly for bands like Tortoise, Stereolab, Slint, but now seems it’s gotten very specialised to a certain type of slow-burning reverby sound. ‘Post-math’ at least tells people to expect unusual arrangements and rhythmic activity, but I think we are never totally comfortable with one genre label. Sometimes words like ‘progressive’ and ‘math’ put too much emphasis on technique and virtuosity, so ‘Experimental rock’ is a vague but useful term. I think a lot of the ‘math’ in our sound comes as much from electronic music influences as from math rock, but when we perform it as a band the rhythmic activity appeals to math listeners.

Q6: マスロック、ポストロック、エレクトロニカ、ジャズ、チェンバーミュージックとバンドの音楽性は非常に多岐に渡っています。しばしば ALARMIST に付属する “ポストマスロック” というタグについてはどう感じていますか?

【ALARMIST】: “ポストロック”は、僕たちのサウンドを説明するため、君が今リストアップしたもの全てを含む便利なフレーズだったね。特に TORTOISE, STEREOLAB, SLINT といったバンドにとってはね。ただ、今となってはリバーブをかけた緩やかに燃えるような特定のサウンドを指すようになっていると思う。
“ポストマス” という言葉は、少なくとも驚くようなアレンジやリズミカルな構成を期待するように人々には訴求するだろうけど、僕たちは1つのジャンルのラベルで完全に満足することは決してないだろうね。僕たちにとって “プログレッシブ” や “マス” といった言葉はテクニックと妙技をあまりに強調しすぎているから、”エクスペリメンタルロック” は曖昧だけど使える言葉だと思う。
僕たちのサウンドの中にある “マス” 成分の多くは、マスロックからと同じくらいエレクトロニックミュージックからも影響を受けているんだけど、結局それをバンドとして演奏するときはそのリズミカルな要素はマスロックのリスナーにアピールするんだよ。

Q7: Especially, opening track, “District of Baddies” reminds me Animals as Leaders. Is there any influence from prog/metal artists?

【BARRY】: I think prog and metal are not huge influences but as a group we have sometimes enjoyed songs by acts like Meshuggah and Animals As Leaders, without being very active listeners. Some very early influences on band members include acts like Tool, Deftones, King Crimson and maybe this still expresses itself in our approach to rhythm.
I think when we have a passage in our music that sounds ‘prog metal’, we like to combine it with something very contrasting and a little strange in order to defamiliarise it, such as the floating background synth over the heavy ending of ‘District’, or the twangy surf-like guitar in the heavy part of ‘Kalite Quest’.

Q7: 特にオープナー “District of Baddies” からは ANIMALS AS LEADERS のようなプログ/メタルの雰囲気も感じたのですが、そういった分野からのインスピレーションはありますか?

【BARRY】: 僕自身はプログやメタルはそんなに大きな影響ではないと思うんだけど、グループとしては MESHUGGAH や ANIMALS AS LEADERS といったバンドも楽しんで聴いているよ。積極的なリスナーって訳じゃないけどね。とは言え、バンドのメンバーには初期に TOOL, DEFTONES, KING CRIMSON から影響を受けたメンバーもいて、おそらくそれは今でもリズムのアプローチに表出しているだろうね。
僕たちの音楽の中にプログメタルのように聴こえる部分があるとしたら、それは対照的で少し奇妙なものを組み合わせることが好きだからだろうな。”District of Baddies” のヘヴィーエンドに対する浮遊するシンセとか、 “Kalite Quest” のヘヴィーパートに潜む鋭いサーフライクなギターなんかはまさにそうだよね。

Q8: Regarding math rock, Japan has lot’s of great math rock acts like Lite, toe. Are you interested in Japanese music scene?

【ALARMIST】: There’s a lot of cool Japanese music we’ve enjoyed like Mouse On the Keys, Cornelius, J Pop like Perfume and classical composer Toru Takemitsu. And we have to acknowledge the huge influence that Japanese video game composers have had on our music (Nintendo, Sega, Konami, etc….). Lite are a great band and we are lucky to have played with them on several occasions in Ireland and the UK.

Q8: アイルランドと同様に、日本も LITE や toe など偉大なマスロックバンドを数多く輩出しています。

【ALARMIST】: 日本にはクールな音楽が沢山あるよね。Mouse on the Keys, Cornelius, Perfume みたいな J-Pop に武満徹のような現代音楽まで。それに、任天堂、セガ、コナミみたいなゲーム音楽からも大きな影響を受けているんだよ。
Lite は素晴らしいバンドで、幸運なことに僕らはアイルランドと UK で何度か彼らとプレイする機会があったんだ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED ALARMIST’S LIFE

TORTOISE “TNT”

EFTERKLANG “TRIPPER”

BATTLES “MIRRORED”

JAGA JAZZIST “WHAT WE MUST”

FLYING LOTUS “LOS ANGELES”

MESSAGE FOR JAPAN

We love Japanese music, film, food, culture in general so it’s very nice that people are listening to us over there. We would really like to get over for a tour in the near future, and it would be great to hear more from Japanese fans/artists/promoters who enjoy our music.

僕たちは日本の音楽、映画、食事や文化を愛しているんだ。だから日本の人たちが僕たちの音楽を聴いてくれているなんてとても嬉しいよ。
近い将来、ツアーで日本に行きたいから僕たちの音楽を楽しんでくれるファン、アーティスト、プロモーターがもっと増えたら嬉しいね。

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JOLLY : FAMILY】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JOE REILLY OF JOLLY !!

“I Remember When We First Started Making Music And People Comparing Us To Bands Like Porcupine Tree And Riverside. I Had Never Heard Of These Bands Before, So I Was Confused By The Comparison, And Realized There Was a Whole World Of Music To Learn About.”

DISC REVIEW “FAMILY”

「僕は JOLLY が音楽を作り始め、そして人々が僕らを PORCUPINE TREE や RIVERSIDE のようなバンドと比較し出した時のことを覚えているよ。それまで僕はそういったバンドを聞いたことがなかったから、その比較にわりと混乱して、学ぶべき音楽の新たな世界があることに気づいたのさ。」
プログワールドの外界から訪れたポジティブな侵略者 JOLLY は、そのオルタナティブな感性でジャンルの境界を拡大します。
「当初、僕たちにプログのラベルがつけられるのには時間がかかったんだ。それはプログが、ELP みたいにスーパーテクニックとか父の世代のキーボードを使ったバンドであることに関係していたからだと思うんだけど。どちらも JOLLY らしくはないよね。」
JOLLY のカラフルなサウンドスケープと濃密なエモーションを司る、音彩の魔術師 Joe Reilly は、バンドの “プログ” タグがジャンルの象徴だったハイテクニックよりも、現代的な多様性や実験性によるものだと認めています。
実際、Joe は、アトモスフィアの概念に目覚めテクニックの意味を問う “モダンプログ” を定義した PORCUPINE TREE や RIVERSIDE でさえ、認知したのはごく最近のことだったのですから。プログの世界にありながらプログをルーツとしない JOLLY の光芒はジャンルにとってかけがえのない特異点であるはずです。
RADIOHEAD や SMASHING PUMPKINS, そして STONE TEMPLE PILOTS といった90年代の偉大な血脈を出発点としながら、サウンドトラックやシンガーソングライター、R&B、アンビエントにチップチューンまで野心的に咀嚼し、MESHUGGAH 由来の重量感とメインストリームのポップなセンスの両極性を吐き出す JOLLY の多様性、実験精神が、結果として実に “プログレッシブ” なサウンドを紡ぎ出す逆転のパラダイム。その革命的な発想の転換は、バンドのテーマやコンセプトにも如実に現れています。
“The Audio Guide To Happiness”、”幸せになるためのオーディオガイド” から6年のインターバルでリリースされた最新作のタイトルはシンプルに “Family”。ダークでアンハッピーなテーマが踊るロックの世界で彼らのタイトルはポジティブで確かに異端です。
ただし、そこにも JOLLY の持つ二面性、両極性がしっかりと反映されています。「基本的にロックカルチャーのオーラってダークでアンハッピーなものだよね。ただ、そういったダークでアンハッピーなオーラも、君が言及したようなポジティブなムードを存在させるために早くから JOLLY の文化に共存しているんだよ。常に反対側は必要だからね。だから僕たちの歌詞の多くは、美しい瞬間とダークなセンスが共存しているんだよ。」
この6年でバンドはハリケーンに機材を破壊され、愛する友人たちも失いました。同時にメンバーは新たな命も授かっています。JOLLY が提示した “家族” の意味がより深い場所にあることは明らかです。
R&B の息吹を宿す “Lie to Me”、オリエンタル&スペーシーな Devin “Jolly” Townsend “Lazarus (Space Marsala)”, チップチューンと80年代への憧憬を込めた “Ava”、夢幻の天国 “Circuit Heaven”。そうして JOLLY の冒険は、音楽的な “家族” であった RIVERSIDE のギタリスト Pitor に捧げる “Let Go” へと収束します。
ノスタルジックでエモーショナル、COLDPLAY のように繊細かつダイナミックな壊れ物のメロディーを宿す楽曲は、しかし11分の一大プログレッシブ絵巻として傑出した存在感を放っています。その悲壮と叙情、静謐と重厚のハーモニーは必ずや聴くものの心を打つはずです。
「彼との友情は僕たち全員に永久的な影響を与えたんだよ。」プログレッシブとオルタナティブのキメラとして異端の扱いを受けたバンドを “ファミリー” として受け入れてくれた Pitor の優しさは、きっと時を経ても失われることはないでしょう。
今回弊誌では、Joe Reilly にインタビューを行うことが出来ました。「僕たちの音楽スタイルは非常に複雑というわけじゃないと思うけど、少し多様だから、プログレッシブやオルタナティブのみの説明では不十分だと感じる人がいるだろうから両方を言わなければならないんだ。」どうぞ!!

JOLLY “FAMILY” : 10/10

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COVER STORY + FUJI ROCK FESTIVAL 19′ 【KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD】


COVER STORY : KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD

“What Is Psych? Is It Psyche? Is It Psychedelic? If It’s An Exploratory Approach To Music Then Perhaps We Are. If It’s About Creating Huge Walls Of Glistening, Phased-Out Guitars Then We Are Not. I’ve Always Felt More Like a Garage Band Than Anything. We Don’t Write Songs About Space, Either.”

WHAT IS PSYCH? WHAT IS KING GIZZ?

「ロックは死んだ。」もう何十年も議論され続けるクリシェです。インターネットやストリーミングサービスの普及によって、今日ではより容易く多様なジャンルへとアクセス可能で、例えば iTunes を開けばロック/メタルのみならず、クラッシック、ジャズ、ポップ、ワールドミュージック、エレクトロニカ、オルタナティブ、R&B、ヒップホップなど様々な世界への入り口が並んでいます。
もちろん、そのストリーミングサービスにおいてエレクトロニカやヒップホップがロック/メタルを大きく凌駕している事実も今や常識と言えるでしょう。
とはいえ、70年代、80年代には及ばないものの、ロック/メタルはライブの分野では善戦していますし “死んだ” と判断するには早計にも思えます。ただ、ジャンルを定義した巨人たちに代わる新たなビッグアクトが望まれているのもまた事実でしょう。
しかし、新世代にとってロック/メタルという形式を取りながら、新たな領域を開拓し世界に衝撃を与える仕事は決して簡単ではありません。なぜならこのフィールドでは、何十年もかけて数えきれないほど多くのバンドが様々な実験を試みてきたからです。さらにネットの登場で過飽和となったシーンには両方の意味で、新星に残されたスペースはほぼないも同然だと言えるでしょう。
ただし、それでもその難題を解決する救世主、キング、もしくはウィザードがオーストラリアに君臨しています。KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD です。

あの TAME IMPALA との繋がりも深く、風変わりな名 (多大な影響を受けた Jim Morrison の呼称 “The Lizard King” が関係している) を持つメルボルンのバンドは真なるジャムセッションへの愛から誕生しました。ほぼ10年のキャリアですでに14枚のフルアルバムと2枚の EP を制作。ギター、キーボード、サックス、フルート、クラリネット、シタールなどその他様々な楽器を操るフロントマン Stu Mackenzie を中心に、ギター、キーボード、ハーモニカ、ボーカル担当の Ambrose Kenny-Smith、さらにCook Craig & Joey Walker 2人のギタリストを加え、ベーシスト Lucas Skinner、そして Michael Cavanagh と Eric Moore のダブルドラマーという異様な編成も、ジャムセッションへの執心、ライブバンドとしての矜持を考慮すれば実に自然な流れだと言えます。
バンドの音楽性を定義するなら、サイケデリックロック、プログレッシブロックが最も近いラベルなのかも知れません。ただし、むしろそれは建前とでも言うべきで、実際はカラフルな虹色の多様性をキャンパスに描くエクレクティックな音画家です。そしてそのアティテュードは、モダン=多様性の進化した音楽シーンに完璧にフィットしそこからさながら流動体のごとくさらに限界を超えていきます。実際、Stu Mackenzie は根本的な疑問を口にします。「ところで、サイケって何なんだい?もしそれが音楽への探索的なアプローチを意味するならば確かに俺たちはサイケだよ。だけど、歪んだギターの壁を作ったり、宇宙についての歌詞を意味するなら俺たちはサイケとは言えないね。」
事実、サイケ-ソウル-サーフ-ファズ-ガレージ-ジャズ-スペースロックなどと称される彼らの音とスタイルは年月とアルバムによって変化を続けています。2011年にリリースした4曲入りの EP “Anglesea” はかつてのニューウェーブ/ポストパンクのようにも聴こえましたし、典型的なリバイバルのようにも思えましたが、振り返ってみればそれは始まりに過ぎませんでした。

劇的な化学反応は2015年の “Quarters!” で発生しました。タイトル通りアートワークも4区分、楽曲も10分10秒ピッタリの4つで40分40秒のランニングタイムとクオーターに拘った作品はジャズロックの実験室を解放した初のアルバムでした。
Stu は当時、”Quarters!” について、「俺らは叫んじゃいけないレコードを作りたかった。長くてミニマル、反復を多用した構造の中でね。だから普段のようなブルータルなギターペダルも封印したんた。」と語り PINK FLOYD への敬意も覗かせています。
進化は止まりません。”Paper Mâché Dream Balloon” でフォークロックへ接近した後、アルバム最後の音と最初の音が見事に繋がりエンドレスにループする2016年の “Nonagon Infinity” から基盤となるサイケデリックロックに様々な刺激を注入し “King Gizz のサイケ” を創造し始めます。マイクロトーナル (微分音) もその刺激の一つ。


2017年にはそうしてアルバム全編をマイクロトーナルで統一した “Flying Microtonal Banana” を製作します。アルバムタイトルは Stu ご自慢のマイクロトーナルギターの名前。作品に収録された “Sleep Drifter” は今でも最大の人気曲の一つとなっています。
2017年は KING GIZZ にとって実に重要な一年でした。リリックに環境問題を取り上げ始めたのもこの年から。さらに、2月から12月にかけてバンドは5枚のフルアルバムをリリースします。ほぼ2ヶ月に1枚のデスマーチによって、しかし彼らは多くのファンを獲得し自らの価値を証明しました。

前述の異端 “Flying Microtonal Banana”、ナレーションを配した本格コンセプト作 “Murder of the Universe”, 奇妙でしかしキャッチーな “Skunsches of Brunswick East”、サイケデリックでポリリズミック TOOL の遺伝子を配合する “Polygondwanaland”、そして環境問題とプログロックのシリアスな融合 “Gumboot Soup”。
特に “Polygondwanaland” は KING GIZZ の最重要作と言えるのかもしれませんね。オープナー “Crumbling Castle” はまさしくバンド進化の歴史を11分に詰め込んだ濃密な楽曲ですし、何より彼らは作品を自らのウェブサイトで無料公開し、驚くべきことにその著作権さえ主張しなかったのですから。
バンドのメッセージは明瞭でした。「レコードレーベルを始めたいと思ったことはあるかい?さあやってみよう!友人を雇ってフィジカルを制作して出荷するんだ。僕たちはこのレコードの権利を主張しない。楽しんでシェアしてくれよ!」
そうして KING GIZZ は、ファンやインディーレーベルにオーディオファイルやアートワークもフリーで公開してそれぞれにフィジカルのディストリビュートを促したのです。それは衰退したレコード、CD文化を保護し復権を願うバンドが取った驚天動地の奇策でした。彼らほどのビッグネームの、しかも最高傑作のフィジカルをマージンなしで配給出来るチャンスなどなかなか飛び込んでくるはずもありません。作品は世界中88のレーベル、188のフォーマットで販売されることとなりました。

そういった大胆な行動は、彼らが全ての作品を自身のインディペンデントレーベルからリリースしていることにより可能となっています。レーベルはドラマー Eric Moore によってスタートし、彼が全てのマネージメントスタッフを仕切っているのです。もはやレーベルとのビッグディールを目指す時代は終焉を迎えました。若く意欲的なバンドにとって KING GIZZ のやり方は理想的なモデルケースでしょう。なぜなら、彼らはクリエイテビィティー、レコードの権利、リリースの計画、バンドの未来まで全てを完全に掌握しているのですから。

さすがに1年に5枚リリースの反動が訪れたのか、新作 “Fishing for Fishies” のリリースには2019年まで時間がかかりました。アルバムについて Stu は、「俺たちはブルースのレコードを作りたかったんだ。ブルースやブギー、シャッフルとかそんな感じのね。だけど楽曲はそのテーマと戦って、自らのパーソナリティーを獲得している。」と語っています。
実際、荒々しきブルーグラスのタイトルトラックを筆頭に、類稀なるグルーヴと RUSH の影響を宿す “The Cruel Millennial”、さらにエレクトロニカに満たされながらミツバチの重要性を語り継ぐ”Acarine” などアルバムは千変万化で充実を極めています。

驚くべきことに、そうして KING GIZZ は8月にリリースされる新作 “Infest the Rat’s Nest” で次の標的をメタルへと定めました。
公開された “Planet B” は誰も想像だにしなかったスラッシュメタルチューン。さらに “Self-Immolate” は初期の METALLICA, SLAYER と MUSE や ROYAL BLOOD を変拍子の海でミックスした奇々怪界。彼らが新たな領域で披露するエクレクティックな獰猛性が待ちきれませんね。

KING GIZZ の持つ多様性、プログ/メタルの新聖地オーストラリアというグローバルな出自はモダンなロック世界の原則を見事に内包しています。Stu はそのバンドの多様性について、「音楽は探検なんだ。僕がまだ探索していない音楽の作り方、レコードの作り方が何百万も残っている。言うまでもなく、学んでいない楽器、聴いていない音楽、探求していない文化もね。」と語っていますが、それでも父に Neil Young を歌い聞かされ、60年代のガレージコンピレーションから、敬愛する FLOWER TRAVELLIN’ BAND 含む70年代に勃興した東洋のサイケロックまで、Stu の知識と好奇心に際限はありません。驚くべきことに、彼は毎年一つ新たな楽器の習得を自らに課しています。

もちろん、彼らの特異なサウンドや”健全な” 4/4の錯覚を誘うポリリズムの魔法、そしてカメレオンの美学は、古くからのリスナーが慣れ親しんだプログロックやメタルの法則には乗っ取っていないかもしれません。一方で、故に革新的で創造性溢れ、前時代へのカウンターとして新たなビッグアクトの資格を得ているとも言えるはずです。バンドは自由自在に自己表現を繰り出すアートの極意を恐れてはいませんし、それでもなお、ロック/プログ/メタルの領域を住処としているのですから。遂に FUJI ROCK FESTIVAL 19′ で初来日を飾る KING GIZZ のモットーは、”No Slowing Down”。サイケ、プログ、ジャズ、エレクトロ、フォークにスラッシュとその境界を破壊し自由に泳ぐ魔法の王様は、きっとこれから何十年もロックミュージックの進化を担っていくはずです。

参考文献: The Guardian:King Gizzard & The Lizard Wizard: can the psych band release five albums in one year?
The Quietus:No Slowing Down: King Gizzard & The Lizard Wizard Interviewed
Ultimate Guitar :Why King Gizzard & the Lizard Wizard Are the Future of Rock Music We’ve Been Waiting for

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THE ARISTOCRATS : YOU KNOW WHAT…?】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MARCO MINNEMANN OF THE ARISTOCRATS !!

“All I Can Say In Retrospect Is That We Had a Great Chemistry And I Guess It Shows And After All I’m Still In Touch With DT And Collaborate With Jordan On Many Projects And Also Was Planning To Do Something With John Petrucci For a While. I Was Just Personally The Right Fit. I Listened To Completely Different Kind Of Music And Never Heard DT Songs Or Owned Their Albums. That Was The Biggest Deal For Them.”

DISC REVIEW “YOU KNOW WHAT…?”

「”You Know What…?” で僕らはソングライター、ミュージシャンとして互いにインスパイアし、バンドとして未踏の領域を目指したよ。バンドはその親密さを増し、互いを深く知ることが作品の限界を広げる結果に繋がったね。それでもこれは完全に THE ARISTOCRATS のアルバムだよ。だからこそ、これまでの作品で最高にクールなんだ。」
プレスリリースにも示された通り、”You Know What…?” は THE ARISTOCRATS が追求する “ミュージシャンシップの民主主義” が結実したインストライアングルの金字塔です。
Guthrie Govan, Bryan Beller, Marco Minnemann。ギター、ベース、ドラムスの “特権階級” “最高級品” が集結した THE ARISTOCRATS は、その圧倒的な三頭ヒドラの無軌道な外観に反してデモクラシーをバンドの旨としています。実際、これまでのレコードでも彼らは、それぞれが各自の特色を内包した3曲づつを持ち寄り、全9曲の和平的 “カルチャークラッシュ” を巻き起こしてきたのですから。
「僕たちは全員が異なるスタイルを持っているね。だけどその互いの相性が THE ARISTOCRATS を形成しているんだ。」Marco の言葉はその事実を裏付けますが、ただし “You Know What…?” を聴けば、バンドのコンビネーションやシンクロニシティー、共有するビジョンが互いの個性を損なうことなく未知なる宇宙へ到達していることに気づくはずです。
オープナー “D-Grade F**k Movie Jam” は彼らが基盤とするジャズロック/フュージョンの本質であるスポンティニュアスな奇跡、瞬間の創造性を体現した THE ARISTOCRATS ワールドへの招待状。
眼前に広がるは真のジャムセッション。徐々に熱量を増していく新鮮な Guthrie のワウアタック、極上のグルーヴとメロディーを融合させる Bryan のフレットレスベース、そしてソリッドかつアグレッシブな手数の王 Marco。時に絡み合い、時に距離を置き、ブレイクで自在に沸騰する三者の温度は Beck, Bogert & Appice をも想起させ、ただゲームのように正確に譜面をなぞる昨今のミュージシャンシップに疑問を呈します。
トリッキーな6/8の魔法と両手タッピングからマカロニウエスタンの世界へと進出する “Spanish Eddie”、サーフロックとホーダウンをキャッチー&テクニカルにミックスした “When We All Come Together” はまさに THE ARISTOCRATS の真骨頂。ただし、70年代のヴァイブに根ざした刹那のイマジネーション、インプロの美学は以前よりも明らかに楽曲の表層へと浮き出てきているのです。
KING CRIMSON のモンスターを宿す “Terrible Lizard”、オリエンタルな風景を描写する “Spiritus Cactus” と機知とバラエティーに富んだアルバムはそうして美しの “Last Orders” でその幕を閉じます。Steve Vai の “Tender Surrender” はギミックに頼らず、トーンの陰影、楽曲全体のアトモスフィアでインストの世界に新たな風を吹き込んだマイルストーンでしたが、”Last Orders” で彼らが成し得たのは同様の革命でした。
それはインタープレイとサウンドスケープ、そしてエモーションのトライアングル、未知なる邂逅。さて、音楽というアートはそれでも正しいポジション、正しいリズムを追求するゲームの延長線上にあるのでしょうか?
今回弊誌では、Marco Minnemann にインタビューを行うことが出来ました。DREAM THEATER のドラムオーディションには惜しくも落選したものの、マルチプレイヤーとしてソロ作品もコンスタントにリリースし、近年では Jordan Rudess, Steven Wilson, RUSH の Alex Lifeson とのコラボレートも注目されています。
「個人的には完璧に DREAM THEATER にフィットしていたと思うよ。ただ僕は彼らとは完全に違う感じの音楽を好んでいるし、DREAM THEATER の楽曲を聴いたこともなければアルバムも持っていなかったからね。それがオーディションの中で彼らにとって大きな意味を持ったんじゃないかな。」日本のサブカルチャーを反映したTシャツコレクションも必見。二度目の登場です。どうぞ!!

THE ARISTOCRATS “YOU KNOW WHAT…?” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JORDAN RUDESS : WIRED FOR MADNESS】【DREAM THEATER : DISTANCE OVER TIME】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JORDAN RUDESS OF DREAM THEATER !!

“I Believe The Keyboard World Can Move To Higher Level Much Like The World Of The Electric Guitar In The Last 50 Years. The Keyboard And The Keyboardist Have Incredible Potential For Music Making. “

DISC REVIEW “WIRED FOR MADNESS”

「僕は “Jordan Rudess” が経験してきたこと全てをこの作品に注ぎたかったんだ。完全に自由になって、ロックのフォーマットで僕の音楽精神全てを表現することが重要だったんだよ。」
現代キーボードヒーローの代名詞。そして巨人 DREAM THEATER にとって心臓にして中枢となった鍵盤の魔術師は、それでもなお音の自己証明をソロアルバムに求めます。
アーティストにとってソロ作品の利点は、所属する集団から隔離された天性のスペース、実験のラボラトリー、”完全なる自由”。
「”The Astonishing” は素晴らしい音楽的なチャレンジで、僕は本当に楽しめたんだ。一方で、新しい DREAM THEATER のアルバムは、ファンの愛する要素を全て取り入れた作品だと感じているよ。まさにプログとメタルのクールなミックスさ!!」
Jordan は “Distance Over Time” の即効性、穿った言い方をすれば素晴らしき “ファンへの贈物” を完全にポジティブに捉えています。しかし一方で “人生を変えたアルバム” を見れば伝わるように、彼のエクレクティックな影響の海原において原点、精髄があくまでもプログレッシブロック、”The Astonishing” に集約された挑戦の美学にあることは明らかでしょう。
コンテンポリーなクラシカルミュージック、ソロピアノ作品、奇想天外なカバーアルバムとその多様なバックボーンをソロアルバムとして昇華してきたマエストロ。そうして到達した個性の極み “Wired For Madness” は、”自分を完全に表現” した “本当にプログレッシブな作品” となったのです。
35分の組曲で、2つの楽章がさらに10のパートに分かれる一大エピック “Wired For Madness” は、Jordan にとっての “Tarkus” であり “Karn Evil 9” ではないでしょうか。それは、人生をより良くするため自己の一部をコンピューター化する男の物語。
もちろん、彼の Keith Emerson に対する心酔はよく知られるところですが、音楽のみならず楽曲の題材、テーマまでSF狂 EMERSON LAKE & PALMER へのリスペクトに溢れたエピック “Wired For Madness” のプログレッシブスピリットは圧倒的です。
加速するテクノロジーへの依存、現実世界との分断。コンピューターボイスとデジタルワールドをプロローグに、オッドタイムと鍵盤のパラダイムで近未来の特異点を描く Jordan は現代の吟遊詩人なのかも知れませんね。
興味深いことに、Jordan 自らが歌い紡ぐテクノロジーの詩は時に親交のあった David Bowie をも想起させます。ジギー・スターダストの方法論で警鐘を鳴らす鬼才の声と慧眼は、ロックの庭内でジャズやオーケストラ、エスノ、エレクトロをクロスオーバーさせながら “楽曲によりスペーシーでメロウな感覚を持たせる” ことに成功しています。
故に、例えば THE BEATLES と LIQUID TENSION EXPERIMENT, GENTLE GIANT と APHEX TWIN が入り乱れるこのレトロフューチャーな実験を奏功へと導いたのも、演者を自由に選択可能なソロ作品のアドバンテージであったと言えるのかも知れません。そして事実、彼のSFオペラには、自らのマルチプレイを含め適材適所なキャスティングがなされています。
DREAM THEATER の同僚 John Petrucci, James LaBrie、さらに Marco Minnemann, Guthrie Govan, Vinnie Moore, Joe Bonamassa, Rod Morgenstein, Elijah Wood, Jonas Reingold, Alek Darson, Marjana Semkina。ベテランから新鋭まで、ロックワールドの要人をこれほど巧みに配した作品は決して多くはないでしょう。
組曲を離れても、DIRTY LOOPS にインスパイアされた “Perpetual Shine”、意外性のヘヴィーブルーズ “Just Can’t Win”、さらに絶佳の叙情を湛えた珠玉のバラード “Just For Today” と聴きどころは満載。そうして壮大なプログ劇場は、5/8 と 6/8 を往来するコズミックなプログチューン “When I Dream” でその幕を閉じるのです。
今回弊誌では、Jordan Rudess にインタビューを行うことが出来ました。「僕はキーボードの世界は、エレキギターがこの50年で作り上げた世界に匹敵する高いレベルへ移行することが可能だと信じているんだよ。キーボード、そしてキーボーディストは、音楽制作において驚異的なポテンシャルを秘めているんだ。」 どうぞ!!

JORDAN RUDESS “WIRED FOR MADNESS” : 9.9/10

DISC REVIEW “DISTANCE OVER TIME”

DREAM THEATER がいなければ今日のプログメタルは存在しなかったでしょう。
メタルの転換期にして、モダンメタルにとって架け替えのない重要なピリオドとなった80年代後半から90年代前半の “ポストファーストメタルタイム”。ある者は複雑なリズムアプローチを、ある者はプログレッシブロックを、ある者はデスメタルを、ある者はエクストリームな残虐性を、ある者はフォルクローレを “ベーシック” なメタルに加えることで、彼らはモダンメタルの礎となる多様性を築き上げていきました。
様々なバンドがより幅広いスペクトルの音楽を聴くことで、メタルに “意外性” を加えていった変革の時代に、DREAM THEATER は別世界のテクニック、精密繊細なコンポジション、洗練されたデザイン、静謐と激重のダイナミズムでプログメタルの雛形を作り上げたのです。
特筆すべきは、QUEENSRYCHE を除いて、商業的なアピールに乏しかったそれまでのプログメタルワールドに、コマーシャルな新風を吹き込んだ点でしょう。複雑で思慮深くありながら、幅広いオーディエンスにアピールするフック、メロディー、テンションの黄金比は確実にプログメタルのあり方を変えました。
30年を経て、現在も DREAM THEATER はプログメタルの顔であり続けています。ただし、30年前のように崇高なる革命家であるかどうかについては議論が分かれるのかも知れませんね。
もちろん、DREAM THEATER に駄作は存在しません。Mike Portnoy の離脱、Mike Mangini の加入は、テクニック的には寧ろ向上にも思えますし、マスターマインド John Petrucci が聴く価値のない楽曲を制作するはずもないでしょう。ただし一方で、Mangini の加入以降、バンドの行先が “ロボティック” でアートよりもサイエンスに向いているという指摘が存在したのも確かです。
だからこそ、誤解を恐れずに言えば、前作 “The Astonishing” は傑作になり損ねたレコードでした。メロディーやエモーション、インストゥルメンタルなアプローチに関しては、群を抜いていたとさえ言えるでしょう。壮大なロックオペラというコンセプトも実にチャレンジングでしたが、故に引き算の美学を行使できず、結果として冗長な2時間超のアルバムに着地してしまったようにも思えます。
言いかえれば、プロデューサー John Petrucci 一頭体制の限界だったのかも知れませんね。少なくとも、Mike Portnoy は取捨選択のエキスパートでした。
対照的に、バンド全員でライティング&レコーディングを行った一体化と有機性の最新作 “Distance Over Time” は、Jordan の言葉を借りれば、「ファンの愛する要素を全て取り入れた作品だと感じているよ。まさにプログとメタルのクールなミックス」のレコード。
“Images & Words” のようにコンパクトでキャッチー、そして “Train of Thought” のようにダークでヘヴィーなアルバムは、RUSH と METALLICA の婚姻という原点をコンテンポラリーに再構築した快作です。
エセリアルな天使が鍵盤と弦上を華麗に踊る “Untethered Angel”、TOOL ライクなグルーヴの海に LaBrie の技巧が映える “Paralyzed”、”Black Album” meets カントリーな “Fall into the Light”、”Barstool Warrior” に開花する Petrucci の溢れるエモーション、”S2N” で炸裂する John Myung のアタッキーな妙技、そして “At Wit’s End” の LIQUID TENSION EXPERIMENT を彷彿とさせるトリッキーなシーケンシャルロマン。聴きどころに不足することは間違いなくないでしょう。
そうして、アルバムは DREAM THEATER らしいリリックの巧妙でその幕を閉じます。”Pale Blue Dot”。カール・セーガンへのオマージュで彼らは、殺戮や憎悪まで生命の営み全てが詰め込まれた碧き “点” への再考とリスペクトを促すのです。
“Distance Over Time” には、プログメタル革命の新たな旗が描かれているわけではないかも知れません。ただし、バンドの秘めたる野心の牙はきっとその鋭さを増しています。革命家の DREAM THEATER を求めるのか、政治家の DREAM THEATER を求めるのか。リスナーの需要や願望によってその評価が分かれる作品なのかも知れませんが、クオリティーは最高峰です。

DREAM THEATER “DISTANCE OVER TIME” : 9.8/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SNARKY PUPPY : IMMIGRANCE】JAPAN TOUR 2019 SPECIAL !!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MICHAEL LEAGUE OF SNARKY PUPPY !!

“Traveling So Much Really Reminds You How We Are All Immigrants In a Certain Kind Of Way, Whether It’s About Our History, Our Ancestry, Or The Customs And Cultural Elements We’ve Borrowed From Other Parts Of The World.”

DISC REVIEW “IMMIGRANCE”

「一つのジャンルに向けてのみ演奏をしたくないんだ。全てのジャンルのオーディエンスに訴求したいよ。だから本当に様々な音楽ジャンルのファンが僕たちの音楽を楽しんでくれているという事実は、進化を続け異なる方向を打ち出す僕たちを強く勇気づけてくれるんだ。」
耽溺のジャジストはもちろん、THE MAHAVISHNU ORCHESTRA, RETURN TO FOREVER を崇拝するフュージョンマニアックス、SLAYER, Biggie, さらにはフォークミュージックの粋人まで、多種多様な音の眷属が集結する SNARKY PUPPY のライブはさながら “Immigrance” のサウンドキャラバンです。
「世界中で僕たちのオーディエンスの中に多様性を見つけることは実に美しいね。こうやって僕らのように旅を重ねていると、自分たち全員がある種の “移民” であることを思い起こすんだよ。」
グラミー賞を3度獲得したグルーヴオーケストラ SNARKY PUPPY。その多様でボーダレスな “移民” の創造性は、ベーシストでマスターマインド Michael League の数奇なる旅路に起因しています。
ハイスクール時代、ギタープレイヤーとして LED ZEPPELIN, CREAM, PEARL JAM, SOUNDGARDEN のカバーに勤しみグルーヴの鼓動を刻んだ Michael は、STEELY DAN の “Alive in America” によってロックとファンク、そしてジャズの悪魔合体に開眼することとなりました。
ノーステキサス大学でベースに持ち替えジャズを学びつつ SNARKY PUPPY を結成した Michael は、Erykah Badu に見出されヒップホップ、R&B、さらにはゴスペルをも咀嚼し、遂にはその興味の矛先を世界の伝統音楽にまで向けながら、その全てを自らのグルーヴコレクティブへと注ぎ込んでいるのです。
グラミーを獲得した前作 “Culcha Vulcha” で頂点に達したポリリズムとエスニックの複雑な探求。”Immigrance” では Michael が鼓動のベースとするロックとファンクにも再び焦点を当てて、流動する “移民” の羈旅をよりエクレクティックに噛み砕いて体現することとなりました。
例えばオープナー “Chonks” ではシンプルなヘヴィーグルーヴをベースに圧倒的なアンサンブルでファンカデリックな空間を演出し、よりメカニカルな “Bad Kids to the Back” では TRIBAL TECH にも似た骨太なジャズロックのインテンスを見せつけます。
そうして、全面参加を果たした2人のギターマエストロ Bob Lanzetti, Chris McQueen が一層輝きを増しながら、ジャズ領域の外側へと大胆な移住を促進したのは David Crosby との出会いも大きく作用したはずです。事実、Michael は自身が歌ってギターも奏でるソロ作品のリリースを予定しているのですから。
「確かに “Immigrance” ではいくつかの異なる伝統音楽から影響を受けているね。そうして時を経るごとに、その影響はレコード毎に大きくなっていっているよ。」
一方で、モロッコのグナワを基盤としたエスノビートとポリリズムが鮮やかに溶け合う “Xavi’ では SNARKY PUPPY の先鋭性を遺憾無く味わうことが出来るでしょう。西アフリカのトライバルミュージックとブルースを融合させた BOKANTE の立ち上げが示すように Michael の特に中東~アフリカ地域に対する音の探究心は並々ならぬものがありますね。
3人のドラマーと3人のパーカッション奏者を抱える SNARKY PUPPY にとって根幹はやはりグルーヴです。そして、”Even Us” にも言えますが、日本人パーカッショニスト 小川慶太氏の美技を伴ったトライバルビートは、SNARKY PUPPY が有する移民の多様性と華麗に調和しながら瑞々しいジャンルのポリフォニーを実現していきます。
“Immigrance” に伴うワールドツアーはここ日本から始まります。作品の多くがライブレコーディングである SNARKY PUPPY にとって当然ライブこそが本領発揮の場です。ただし、”Immigrance” はスタジオで録音されたレコード。故に、バンド本来の躍動感に、思索や計画性が伴って実に奥深い多次元のリスニング体験をもたらすこととなりました。
今回弊誌では、Michael League に2度目のインタビューを行うことが出来ました。「歴史がどうであれ、祖先がどうであれ、習慣や文化がどうであれ、僕たちは世界のほかの場所から何かしらを “借りて” 生きているんだからね。」鍵盤奏者 Bill Laurance が奏でる虹の音色にも注目。どうぞ!!

SNARKY PUPPY “IMMIGRANCE” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【O.R.k. : RAMAGEHEAD】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH LEF OF O.R.k. !!

“Bill Laswell Passed a Copy Of The Record On To Tankian Who Was So Impressed, He Then Checked Out All My Stuff, Website And Other Material. This Led Directly To Serj.”

DISC REVIEW “RAMAGEHEAD”

オルタナティブとプログレッシブの稜線に位置するスーパーバンド O.R.k. は、さらに音楽と映画の境界すら霧の中へ誘いユニークな “O.R.k.estration” サウンドで魅了します。
イタリア生まれの声楽家で、映画音楽のコンポーザーとして受賞歴も有する LEF こと Lorenzo Esposito Fornasari。彼が過去に OBAKE でバンドメイトだった ex-PORCUPINE TREE のベースマン Colin Edwin、BERSERK! で共演した KING CRIMSON のスティックマン Pat Mastelotto、さらにイタリアンフォークのビッグネーム MARTA SUI TUBI から Carmelo Pipitone を召喚し結成したプログコレクティブこそ O.R.k. でした。
「ビジュアルアートと音楽がお互いに補い合うやり方がとても好きなんだ。だからね、O.R.k のディスコグラフィーはまだ撮影されていない映画音楽と解釈することも可能だと思うんだよ。」
2015年の結成以来、O.R.k. はプログとオルタナティブを主役として起用しながら、同時にエレクトロ、ジャズ、アンビエントにオペラといった名脇役を見事に配置し、その絶妙な脚本、演出、カメラワークで造形豊かなシネマティックワールドを音楽の中へと投影して来ました。
「アルバムは、様々な側面からもたらされる情報の波に呑まれる潜在的な感情について描いているんだ。僕たち人間の関係性、感じ方、考え方、それに生活全てが、今日では実に深くインターネットとテクノロジーに影響されているのは明らかだよ。」
新世代プログレッシブの旗手 Kscope と手を結びリリースした勝負の最新作 “Ramagehead” で、O.R.k. がフィルムの舞台に選んだのはインターネット/テクノロジーに支配される現代とその社会でした。
深刻なテーマとシンクロするように、彼らの新たなサウンドトラックはダークな畝りが跋扈する重々しい世界。作品を象徴するオープナー “Kneel to Nothing” には、明らかに ALICE IN CHAINS や SOUNDGARDEN が90年代にもたらした悲憤の刻印が印され、一方で極上のリズムチームが創生するパーカッシブな数学の躍動感には TOOL の遺伝子が宿っているのです。
実際、スポンティニュアスで魂宿る Lef の歌唱には Chris Cornell が降臨し、アートワークのデジタルが支配する深淵は TOOL の Adam Jones がデザインを行っています。
暗澹と叡智のフレームはそうして様々なカオスを切り取っていきます。RADIOHEAD を想起させる幽玄とメタルの狂気が同居する “Signals Erased”、クリムゾンの叙情と不穏が類稀なるコントラストを生み出す “Time Corroded”、豊潤なオーケストレーションで完璧なシネマを具現化する組曲 “Some Other Rainbow”。
場面転換の妙は、ネオレアリズモの生々しくも痛烈な説得力を纏ってリスナーをビジュアルとサウンドの水平線へと誘うのです。
「Serj は僕の全ての作品をチェックしてくれたそうだよ。ウェブサイトや他のマテリアルまでね。」
Bill Laswell が聴かせた音源を出発点に、そうして O.R.k. の透徹した美意識は遂に SYSTEM OF A DOWN のマエストロ Serj Tankian のキャスティングへと繋がりました。”Black Blooms” に描かれた地続きの善と悪、国もジャンルも超越して咲き誇る黒の才華は完璧なまでにプログの新たな地平、情景を示唆しているのでしょう。
今回弊誌では、Lef にインタビューを行うことが出来ました。彼の鍵盤捌き、Carmelo のシーケンシャルなフレージングも聴きどころの一つ。「映画のためにスコアを書くことで、僕の音楽に対するアプローチは大きく変化したんだ。」どうぞ!!

O.R.k. “RAMAGEHEAD” : 9.8/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【STEVE HACKETT : AT THE EDGE OF LIGHT】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH STEVE HACKETT !!

2018 © Tina Korhonen/ www.tina-k.com

“Chris Wanted Yes To Continue Without Him. We All Want To Continue Our Legacies. The Music Which Is Classic And Special Keeps Going, And We’re Proud To Hold The Torch For It.”

DISC REVIEW “AT THE EDGE OF LIGHT”

夕暮れを迎え創作活動のペースを落とす巨星の中で、一際輝きを増すプログレッシブロックの明星が一つ。
ソロアルバム、ライブアルバム、GENESIS の再訪、Chris Squire や Djabe とのコラボレート。とりわけ、2010年にロックの殿堂入りを果たして以来、Steve Hackett の創作意欲は圧倒的です。
「僕は世界中の文化や音楽のスタイル、そして楽器についてどんどん探求していくのが好きなんだよ。この世界はいつも発見の連続だよ。」溢れる創造性の源について Steve は、2011年に結ばれた妻 Jo の存在と共に、地球上様々な場所に根付いた文化、音楽、楽器への好奇心を挙げています。
そうして、ロックとクラッシック、ジャズ、ブルース、フォークを融合させるプログレッシブロックの伝統にエスニックな深みを重ねる Steve の立体的な音楽、多様性はアートとしての瑞々しさを纏い続けているのです。
実際、26枚目のソロアルバムとなった最新作 “At the Edge of Light” で Steve は、ロック世界の “ワールドミュージックアンバサダー” として1つの完成形を提示して見せました。変幻自在なギタートーンが白眉のオープナー “Fallen Walls and Pedestals” は、すぐさま中東のオリエンタルな情景へとリスナーを連れ去ります。
Steve にとってアルバムとは、多種多様な地域、風景を旅歩き受けたインスピレーションを描くキャンバスです。もしくは映画なのかも知れません。Roger King, Jonas Reingold, Rob Townsend, Nick D’Virgilio, Simon Phillips といった名手たち。さらに、シタール、ヴァイオリン、フルート、サックス、タール、ドゥドゥク、ディジュリドゥなどカラフルな楽器群。自身のビジョン、そして人生観を投影するため、Steve は無垢なる画布に様々な楽器やキャストを配置していきます。
同時に、近年 Steve は自身のボーカルを以前よりフィーチャーしています。その趣向も同様に彼の内なるテーマと情熱をより濃密に伝えるため。1938年チェンバレンのスピーチ “Peace in our time” を文字った “Beasts In Our Time” で彼は、自らの声で当時アメリカが打ち出した孤立主義と現在の状況とを比較し、世界の光と闇に焦点を当てます。
そうしてオーケストレーションと KING CRIMSON の滑らかな融合で示唆された”世界は光と闇の境界線にある”。それはアルバムの重要なテーマとなったのです。
「Chris は彼抜きでも YES を続けて欲しいと願っていたよ。僕たちプログレッシブロックの住人は、全員が自分たちの遺産、レガシーを引き継いでいって欲しいと願っているんだよ。」
亡き Chris Squire に捧げられたようにも思える YES のスピリット、レイヤードセオリーを宿した “Under the Eye of the Sun”、McBroom 姉妹の参加とゴスペルの風情が PINK FLOYD を想起させる “Underground Railroad”。”新たなサウンド” を生み出すレコードは一方で、プログロックのレガシーを継承し祝祭します。
何より11分のエピック “Those Golden Wings” では繊細かつ清廉、そして “ポジティブ” な音像で、自らの出自である GENESIS の偉業を讃えプログレッシブの灯火を高々と掲げているのですから。それは革新の海に漂う矜持の燐光。
“ポジティブ” であることが世界の安寧への枢要なファクターだと語るギタリスト、ソングライター、そしてプロデューサーは静穏を望む旅の締めくくりに美しきトリロジーで自らの存慮を仄めかしています。
“Descent” でカオスの階段を下降し、”Conflict” で混迷と闇に縺れる現代社会。しかしその先にエセリアルで心洗われる “Peace” を用意することで、Steve は人の良心、徳性を信じてみせるのです。
今回弊誌では、Steve Hackett にインタビューを行うことが出来ました。「クラッシックで特別な音楽は引き継がれていくよ。そして僕たちは、その特別な音楽の火を絶やさず掲げ続けることを誇りに思っているんだ。」2度目の登場に感謝。もちろん、Chris Squire の偉業にも。どうぞ!!

STEVE HACKETT “AT THE EDGE OF LIGHT” : 10/10

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