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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【YVETTE YOUNG : ACOUSTICS EP 2】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH YVETTE YOUNG !!

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Having Played Piano Since The Age Of Four And Violin Since Age Seven. Math Rock Queen, Yvette Young Shows Her Classical Influences With Her Beautiful New Record “Acoustics EP 2” !!

DISC REVIEW “ACOUSTICS EP 2”

端麗なる才媛、麗しきマスロッククイーン Yvette Young が、情趣溢れる別世界 “Acoustics EP 2″をリリースしました!!インタビューにもあるように、愛するポストロックの領域へと接近した絶佳なる名編には、多様でフレキシブルな彼女の色彩が存分に織り込まれています。
プログレッシブとマスロックの狭間で存在感を放ち、シーンの揺らぎとなっている COVET をホームグラウンドとするように、Yvette はモダンギタリストの文脈で語られるテクニカルなプレイヤーです。しかし、4歳からピアノを始め、7歳でヴァイオリンを学んだという彼女の深遠なる七色のギフトは、決してただ一所に留まってはいないのです。
実際、”Acoustics EP 2” は実に画期的な作品です。ギターで作曲を開始して6年。波のように揺蕩う異なる拍子の海、アコースティックギターで表現されるモダンで高度なテクニック、そして自らがプレイするヴァイオリン、ピアノ、ハープ、バンジョーなど多種多様な楽器の使用による豊かな表情、アトモスフィア。全てが前作 “Acoustics EP” から格段にスケールアップを遂げ、Yvette は遂に独自の世界観を確立したように思えます。
ボサノバの空気を深く吸い込み、自身のポップサイドを前面に押し出した “Holiday” で幕を開けるアルバムで、しかし特に着目すべきは、彼女の独創的な奏法が可能にするオーケストラのようなサウンドでしょう。勿論ピアノやストリングスを重ねているとはいえ、骨格がギター1本の演奏でこれほどまで音楽に立体感を生み出す作品は実に得がたいと感じます。実はそこには Yvette のクラッシックの素養、ピアノの技術が大きく作用しているのです。
インタビューで語ってくれた通り、Yvette には “ギターのレイアウト、フレットや弦をピアノの鍵盤に見立てて” プレイする場面が存在します。つまり左手で抑え右手で音を出す通常のプレイに加えて、両手ともに指板をタップし直接音を生み出すことで、右手の分、旋律をより重ねることが可能になっているのですね。ギターを横にしてそのままピアノのように “弾く” イメージでしょうか。
当然、高度なテクニックで音量やノイズの調整は簡単ではありません。しかし彼女はメトロノームの如く正確にリズムを保ちながら、優美なサウンドで鮮やかに清音を奏でます。
作品で最もポストロックに接近した “Adventure Spirit” の、文字通り冒険心を胸に抱いたカラフルなメロディーのポリフォニーは、まさにその Yvette オーケストラの象徴です。チェロ、ヴァイオリン、ボーカル、ギター。テーマを奏でる主役の楽器が次々に入れ替わるアンビエントな楽曲で、Yvette の知性的なギターアルペジオ、コードプログレッションはコンダクターのように様々な楽器を操り指揮していきます。
勿論、ギターが旋律を奏でる場面では、鮮やかに両手タップを使用し、躍動するメロディーと共に指揮者不在の状況を回避。エアリーなボーカル、エセリアルなストリングスの響きは、オーガニックな彼女のオーケストラに HAMMOCK や CASPIAN を想起させる美麗なるダイナミズムを創造していますね。
一方で、フォーキーな “Blossom” の数学的で流麗なフレージングはマスロックの女王を強くイメージさせてくれます。師匠 INVALIDS 譲りのサウンドスケープ、風景の中に点在する無上のエキサイトメントはすでに彼女のトレードマークとなった感がありますね。
アルバムは、現在の Yvette Young を全て詰め込んだ悲しみと希望の組曲、”A Map, A String, A Light Pt 2″ で詩情豊かにその幕を閉じました。
今回弊誌では Yvette Young にインタビューを行うことが出来ました!もはや弊誌のかわいい担当準レギュラーだと言えますね!どうぞ!!

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YVETTE YOUNG “ACOUSTICS EP 2” : 9.7/10

INTERVIEW WITH YVETTE YOUNG

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Q1: First of all, how was the tour with Chon, Tera Melos, Little Tybee, and The Fall of Troy? Definitely, it was perfect Math-Rock party, right?

【YVETTE】: Yes It was amazing! It felt so surreal playing with a lot of my high-school idols. I would have never imagined that I would be not only sharing the stage, but becoming friends with Chon, Tera Melos, AND Little Tybee. They were all really lovely people too. It was definitely a highlight in my life! The fans that came out were really awesome too. Everyone had so much energy!

Q1: まずは、CHON, TERA MELOS, LITTLE TYBEE とのツアーはいかがでしたか? THE FALL OF TROY が出演した日程もありましたね。完璧なマスロックパーティーでしょうね?

【YVETTE】: そうね、本当に素晴らしかったわ!私が高校生の時、アイドル視していた沢山のプレイヤーたちと共演したのはシュールな感覚だったわね。
CHON, TERA MELOS, LITTLE TYBEE とステージをシェアするだけじゃなくて、友達にもなれるなんて想像もしていなかったの。みんなとってもラブリーな人たちよ。間違いなく、私の人生にとってハイライトとなったわね!
ファンも本当に最高だったし。みんな凄くエネルギッシュだったのよ!

Q2: And you’ll play with Plini, David Maxim Micic, and Nick Johnston in August. Also, you’ve just played in Scale The Summit’s newest record. It’s different taste from math, kind of djent/prog realm. You know, I think you are diverse, flexible enough to fit these different genres. Do you agree that?

【YVETTE】: Thank you! I like to try to fit a bunch of different genres and it means a lot that you think I am diverse enough to fit them. I think I like to play with different styles and different people because it is important to me to be flexible and not stuck in one style. I can learn a lot from other people and how they interpret music, and I view it as a great challenge to build skills, diversity, and also confidence! An artist can always expand their toolkit.

Q2: そして8月には Plini, David Maxim Micic, Nick Johnston とプレイしますね?SCALE THE SUMMIT の作品にもゲスト参加したばかりですし、あなたはマスロックだけでなく、プログや Djent の領域にも居場所を作っていますよね?非常にフレキシブルで多彩な才能だと感じます。

【YVETTE】: ありがとう!私は数多くの異なるジャンルに挑戦するのが好きなのよ。だから、あなたが私を多彩だと言ってくれたのは本当に意味があることなの。異なるスタイルで、異なる人たちとプレイするのが気に入っているんだと思うわ。
だって私には一つのスタイルに拘らず、フレキシブルでいることが重要なんだもの。そうすることで、沢山のことや解釈を他人から学べるし、スキルや多様性、そして自信を構築する大きなチャレンジだと見なしているのよ!
アーティストは常に引き出しを増やすことが可能なのよ。

Q3: So, let’s talk about your newest record “Acoustics EP 2”. It’s your solo record, literary made by acoustic music. I feel it’s closer to Post-rock like Caspian than Math-rock. How do you separate Covet and your solo career?

【YVETTE】: I love that you compare it to Caspian and post rock because that is my absolute favorite genre! I take a lot of influence from it. I wanted this record to be a lot fuller so I played a bunch of instruments over it which was really fun to plan and improvise at the same time.
In terms of separating Covet and solo projects, I like to make Covet’s attention about the whole band. It’s funny, a lot of people don’t even know I play in Covet! I always love when that happens because it means I am doing a good job about making the band about the music and not just me. My solo project is just an outlet for my sadness hahah! I also plan on making a piano album soon which will be under my solo name. I think I eventually would like to be more of a composer, like Olafur Arnalds, but I have a lot of work to do!

Q3: では、最新作 “Acoustics EP 2” について話しましょう。作品は文字通りアコースティックミュージックであなたのソロアルバムです。CASPIAN のようなポストロックにも近いですよね?バンド COVET とソロキャリアはどう区別しているのでしょう?

【YVETTE】: あなたがこのレコードを CASPIAN、そしてポストロックと比較してくれて嬉しいわ。だってそれこそが、私が絶対的に大好きなジャンルなんだもの!
ポストロックからは本当に大きな影響を受けているのよ。私はこのレコードをより厚みのある作品に仕上げたかったの。だからたくさんの楽器をプレイしたんだけど、プランを立てて同時にインプロヴァイズするその過程は本当に楽しかったわ。
COVET とソロプロジェクトの区別についてだけど、私はもっとバンドである COVET が注目を集めて欲しいのよ。面白いことに、多くの人たちは私が COVET でプレイしていることすら知らないのよ!だから COVET が評価されると嬉しいの。だってそれは私だけでなく、バンドとその音楽が認められたことになるでしょう?
私のソロプロジェクトは、ただ私の悲しみを集めたアウトレットのようなものね(笑)。すぐにソロ名義で、ピアノアルバムもリリースする計画なの。Olafur Arnalds のように、よりコンポーザーに近づけたらと思うのよ。ただ、そのためにはやらなければいけない事がたくさんあるけどね。

Q4: The artwork written by you is so impressive. Is the butterfly faced girl you? And where did the inspiration come from? Did it reflect on the concept of EP?

【YVETTE】: Thank you so much! I drew it in my garage one night. The butterfly faced girl is me but it can be whoever the person wants to imagine! I purposely put no face to make it look mysterious. I think artwork is more interesting when it is mysterious and the viewer can imagine a story and project their own feelings into the work. It makes the piece more relatable as well! I think the concept of the EP is about blossoming and escaping the burdens of the world, and the girl is looking out the window daydreaming and flying away because she is becoming the butterflies….at least that’s how I like the imagine it!

Q4: あなたが描いたアートワークも印象的ですね。蝶で顔を覆われた女性はあなた自身なのでしょうか?

【YVETTE】: ありがとう!これはガレージで、一晩で描き上げたの。確かにこの女性は私自身なんだけど、想像を膨らませれば誰であっても構わないのよ。
ミステリアスに見えるよう、わざと顔を描かなかったの。アートワークは、ミステリアスである方が面白いと思うのよ。だって手に取った時、ストーリーを想像したり、自身の感情を投影したり出来るでしょ? そしてこのアートワークは、コンセプトにも関係しているのよ!
EP のコンセプトは、世界の悩みから逃れて花開くこと。彼女は窓から外を眺め、白昼夢を見ているのよ。蝶になって飛び立つの。少なくとも私はそう想像したわ!

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Q5: Violin, guitar, piano, vocals, harp and banjo…Surprisingly, you played all the instruments of the album. Especially, violin is so effective in your music. OK, how have you learned such a many instruments

【YVETTE】: Haha yes it’s a lot of instruments! I started violin since I was 7 because I played in orchestras and I played piano since I was 4 because my parents wished that I would become a classical pianist. I didn’t quite take that path, but I am so happy to be able to incorporate my classical upbringing into what I am doing now. I recently bought a banjo and harp because I love the timbre and sound, and I wanted to experiment with their textures. I don’t know harp and banjo as well but they are very fun and I want to learn more.

Q5: お話にも出ましたが、驚くことにあなたは、ヴァイオリン、ギター、ピアノ、ボーカル、ハープ、バンジョー、など非常に多くの楽器をこのレコードでプレイしていますね?特にヴァイオリンの音色は実に素晴らしく、効果的です。

【YVETTE】: 本当にたくさんあるわね(笑)!ヴァイオリンを始めたのは7歳の時よ。というのも、私は4歳からピアノをプレイしていて、オーケストラに入っていたの。両親はクラッシックのピアニストになって欲しかったみたいね。結局、私はその道を辿らなかったけど、今の音楽にクラッシックの素養を生かせているからとても満足よ。
バンジョーとハープを購入したのは最近なの。音色やサウンドに魅了されたのね。そして自分の曲で実験してみたかったのよ。上手く行ったかは分からないけど、とても楽しいわね。もっと勉強しなきゃ。

Q6: Your guitar technique, especially Two-handed tapping is very special. It seems to be close to piano playing, right?

【YVETTE】: yes! It’s related a lot to how I played piano from a very young age. I think the way I view the guitar layout and strings is very much like piano as well. Lower strings are my “left hand” and upper strings are my “right hand” and I can blend them together to make a full sound with polyphony. I think it’s very fun. Piano definitely gave me the finger strength to be a strong tapper!

Q6: 確かにあなたのギターテクニック、特に両手タッピングは特別で、ピアノに近いような気もします。

【YVETTE】: まさに!そのテクニックは私がとても小さなころからピアノを弾いていることととても関係があるの。つまり、私はギターのレイアウト、フレットや弦をピアノの鍵盤に見立てているのよ。
低音弦はピアノの”左手”。高音弦は “右手”。その二つをブレンドすることで、ポリフォニー(複数の独立した旋律から成る音楽)を完璧なサウンドで奏でることが出来るのよ。この考え方はとても楽しいと思うわ。
それにピアノは間違いなく指の強さも鍛えてくれたわね。だから”ストロングタッパー”になれたのよ。

Q7: So, you are one of the symbol of strandberg. How do you like the guitar? Is multi-strings important for you?

【YVETTE】: I love the guitar! It’s very ergonomic and comfortable, and I think having that extra string allows for so much fulless! I treat the lower strings like “bass parts” and I think it’s very fun to have 2 voices going on at once. It makes one person sound like a full band! I think it’s an awesome bonus. I really like being a Strandberg artist. They treat me very well.

Q7: あなたはストランドバーグギターを象徴する一人ですが、このギターのどういった点が気に入っていますか?

【YVETTE】: ストランドバーグが大好きなのよ!人間工学による効率を追求していて、快適なの。
それに、多弦ギターは私に多くの自由を与えてくれるのよ!私は低音弦を “ベースパート” として扱うんだけど、二声を同時に演奏するのはとても楽しいの。一人でフルバンドのようなサウンドを作れるんだから!ステキなボーナスよね。
それにストランドバーグのアーティストで居ることも本当に気に入っているのよ。彼らは本当に良くしてくれるわ。

Q8: You re-record “A Map, A String, A Light Pt I”. And this time, you recorded “A Map, A String, A Light Pt 2”. Is the song special for you?

【YVETTE】: This song is special to me because I view it as a long story. The first part is about a person who wants to escape and find peace through death, and the second part is about actually going through death and trying to find some optimism and light. I was very depressed when I wrote the first part, and I think the 2nd part is more optimistic and seeking hope. You’re supposed to play part one and part 2 together.

Q8: EP の前に、”A Map, A String, A Light Pt I” のリレコーディングを行い、今作には “A Map, A String, A Light Pt 2” が収録されています。あなたにとって、特別な楽曲のようですね?

【YVETTE】: この曲は私にとって特別よ。それは、とても長いストーリーを考えているからなの。
最初のパートは、逃亡し死を通して平穏を見つけようとする人物について。パート2は実際に死を経て楽天と光明を見い出すことついて。
パート1を書いた時、私はとても落ち込んでいたの。だから私はパート2がより楽観的で、希望を求めていると思うのよ。
ライブではパート1とパート2を一緒に演奏するはずよ。

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FIVE ALBUMS THAT CHANGED YVETTE’S LIFE

OLAFUR ARNALDS “THE CHOPIN PROJECT”

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MEW “FRENGERS”

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CASPIAN “DUST AND DISQUIET”

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KAYO DOT “CHOIRS OF THE EYE”

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HAMMOCK “EVERYTHING AND NOTHING”

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MESSAGE FOR JAPAN

Yvette-Young

I love and miss everyone in Japan so much! I think it is my favorite place to perform and I really hope to get to tour and perform there again in the near future. I actually named one of my new Covet songs after a Japanese city I like so I am excited to maybe play it there! Thank you everyone for being so loving and supportive of me. I can’t wait to see my old friends and make new ones!

日本が大好きだから、みんなにとても会いたいわ!プレイするのが一番好きな場所だから、本当に近い将来またツアーが出来たら良いなあ。
実は COVET の新曲のうち一曲は、日本の大好きな場所に因んでつけたのよ。 そこでその曲が演奏出来たら最高ね!
愛情と応援を本当にありがとう。日本で長年の友人と会えるのが、そして新しい友人を作るのが待ちきれないわ!

YVETTE YOUNG

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LOUD PARK 17′ SPECIAL INTERVIEW 【PER NILSSON : MESHUGGAH, SCAR SYMMETRY, KAIPA, NOCTURNAL RITES】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH PER NILSSON OF MESHUGGAH, NOCTURNAL RITES, KAIPA, AND SCAR SYMMETRY !!

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Now, The Most Notable Guitar Virtuoso In The Scene, Per Nilsson Will Come To Japan With Meshuggah At Loud Park 17′ !! The Busiest Man Talks Everything About His New Adventure !

ABOUT PER NILSSON

スウェーデンが誇る異能のギターマイスター Per Nilsson。現在、彼こそがメタル/プログコミュニティーで最も注目を集める怪物であることに異論を唱える向きはないでしょう。
モダンメタルの父、MESHUGGAH のマスターマインド Fredrik Thordendal が突然の “休暇” を申請したのは6月初頭のことでした。インタビューにもあるように、スタジオの建設とソロキャリア追求のためバンドを離れた求道者の代役として指名されたのが今回の主役、Per だったのです。実際、彼ほどの適任者は存在しないように思えます。
10代後半から MESHUGGAH を聴き漁り、リスペクトを捧げて来たという Per のギタープレイには、例えば彼のホームグラウンド SCAR SYMMETRY を聴けば分かるように、複雑でマスマティカルなリフワークや、レガートで滑らかにアウトするリードプレイなど、モダンメタルの巨人を想起させる場面が確かに存在します。
何より、亡き Allan Holdsworth の遺産を相続するのみならず、独自に進化させるプレイヤーはメタルの領域においてあまりに稀有で、オーディションも行わず Per を指名したバンドの英断には頷くばかりですね。
さらに Per が注目を集める理由。それは彼のフレキシブルな才能が可能とした、多方面での雄渾なる活躍です。多様でエクストリーム、実験性を秘めたモダンメタルを中枢としながらも、Per のセンス、スケール、そしてテクニックは様々な分野のアーティストを惹き付けてきました。
特にここ日本で絶大な人気を誇るメロディックメタルアクト NOCTURNAL RITES もその一つ。10年という長い沈黙を破るバンドの復活作 “Phoenix” で、ソロイストとして白羽の矢を立てたのが Per だったのです。インタビューにもあるように、トラディショナルでメロディーによりフォーカスした Per の新たな冒険は、バンドのマスターピースとして結実したようですね。9月のリリースを待ちましょう。
加えて、9月にはもう1枚 Per の参加したレコードがリリースされます。KAIPA の新作 “Children of the Sounds” です。70年代から活動を続ける、北欧シンフォプログの雄 KAIPA に Per が加入した事実はシーンに大きな驚きを与えました。実際、Per 自身が語るように、Roine Stolt の色彩と気品をメタルシュレッダーが引き継げるのだろうかという懐柔的な見方も多かったようですね。
しかし KAIPA の同僚で天賦のスティックマン Morgan Agren が、「Per は非常に滑らかなタッチと完璧なコントロールを持っているね。彼が演奏するときは、すべてが簡単に聞こえるんだ。素晴らしいプレーヤーだよ。」と語るように、Per のモダンなテクニックはバンドに新たな”血”をもたらし、スピードを備えたクラシカル、フォーキーなパッセージが壮麗なる推進力を生んでいるのは間違いないでしょう。
また、Per にはプロデューサーとしての顔も存在します。今ひとつ伸び悩んでいた自身のメインバンド SCAR SYMMETRY が、遂にそのステージを1歩進めた最新作 “The Singularity (Phase I – Neohumanity” では、Per がコンポジション、プロデュース、ミックス、マスタリング全てを手がけているのです。
非常にメロディックかつプログレッシブな方向へとシフトした作品が、脱退したギタリスト Jonas Kjellgren メインのプロダクションに比べよりクリアーで立体感を有していることは明らかですね。インタビューにもあるように、Per のスタジオも完成しトリロジーの第2章が幕を開ける瞬間も間近です。期待しましょう。
最後に Per がソロアルバム、ETERNITY’S END のプロダクションを手がけたテクニカルデスメタルシーンきってのテクニシャン Christian Muenzner は彼について 「Per Nilssonはこれまでの10年間で最もエキサイティングなギタープレイヤーだよ。美しいフレーズとインテリジェントなノートの選択は、素晴らしい音色を運び完璧なまでに楽器のテクニカルな要求を満たすんだ。僕がギタリストのプレイに探しているものすべてを彼は持っているんだよ。」と語っています。インテリジェンスを感じるのは当然かも知れません。Per の IQ は156を超えるとも言われており、あの高IQクラブ “メンサ” のメンバーなのですから。
型破りな知性が導くフレキシビリティ。今回弊誌では、Per Nilsson にインタビューを行うことが出来ました。遂にあの鬼才が MESHUGGAH として Loud Park にやって来ます!どうぞ!!

INTERVIEW WITH PER NILSSON

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Q1: Hi, Per! We, Japanese fans, are so happy to hear you’ll come to Japan with Meshuggah at Loud Park 17′!! Actually, you are one of the most popular guitar hero in Japan, and we have really waited for your coming! How do you feel now?

【PER】: I am absolutely thrilled about coming to Japan for the first time ever! I’ve heard a lot of great things about Loud Park, and about Japan in general and I can’t wait to experience it all. We’ve been trying to come to Japan with Scar Symmetry but so far it hasn’t worked out for different reasons, but I’m very excited of course to come with Meshuggah!

Q1: あなたが MESHUGGAH の一員として Loud Park 17′ に参加すると知りとても嬉しいです!実際、あなたは日本のギターファンが待ちわびていたヒーローの1人ですからね。

【PER】: 遂に、初めて日本に行けるんだ!とても興奮しているよ!Loud Park、そして日本の素晴らしさはずっと聞いてきたからね。待ちきれないよ。
SCAR SYMMETRY でも日本に行こうと努力して来たんだけど、今のところ様々な理由で実現していないんだ。ただ勿論 MESHUGGAH で行けるんだからとてもエキサイトしているよ!

Q2: Could you tell us how you joined Meshuggah? Fredrik seems to go to hiatus. When will he come back to the band?

【PER】: Tomas asked me six months ago if I would be interested to fill in for Fredrik for a while, it was as simple as that. No auditions or anything. Fredrik is on leave of absence to build his own music studio and work on his solo career, and to be honest I don’t know when he will come back, but I will most likely stay onboard for the duration of his hiatus. They’re already making some touring plans for 2018 that I’ve been asked to be a part of, and I’m happy to help the guys out. Meshuggah is one of my all-time favourite bands and Fredrik is one of my favourite metal guitar players so it’s an incredible honor for me to find myself in this position!

Q2: ではその MESHUGGAH 加入に至った経緯を話していただけますか? Fredrik は一時的な離脱の様ですが、復帰はいつごろになるのでしょう?

【PER】: 半年前に、Tomas (Haake) がしばらく Fredrik の代役を務める気はないか尋ねてきたんだ。シンプルにそれだけなんだよ。オーディションのようなものもなかったね。
Fredrik が “休暇” を取ったのは、彼自身のスタジオを建ててソロキャリアを追求するためなんだ。そして、彼がいつ復帰するのか本当に僕は知らないんだよ。ただ、彼が不在の間はバンドに居る可能性が高いと思う。彼らはすでに2018年のツアー計画を立てていて、僕に帯同して欲しいと言っているんだ。彼らを手助け出来て嬉しいね。
MESHUGGAH は僕のオールタイムフェイバリットの一つだし、Fredrik はフェイバリットメタルギタリストの一人。だから僕がそのポジションに居るなんて、信じられないくらい光栄なことなんだ!

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Q3: You seems to use your new strandberg 8 strings signature in the Meshuggah show. Until 2013, you were endorsed by Ibanez guitars. But now, you become a kind of the symbol of strandberg. How do you like the guitar?

【PER】: I absolutely, absolutely love all my Strandbergs, the new eight string prototype especially. It’s a multi-scale guitar with 24 True Temperament frets, Lundgren pickups, a beautiful blue and black swirl finish and a custom version of Strandberg’s own ‘Endurneck’ neck profile that is super smooth and so nice to play.

Q3: MESHUGGAH のショウでは新しいストランドバーグの8弦シグニチャーモデルを使用していますよね?

【PER】: 僕はね、本当に、本当に、僕の全てのストランドバーグギターを愛しているんだ。中でも特にこの新しい8弦プロトタイプをね。
マルチスケール(ファンフレット)の24トゥルーテンぺラメントフレット。ピックアップはラングレンで、青と黒の美しいマーブル塗装なんだよ。Strandberg の特徴である “Endurneck” はカスタムバージョンで、これが実にスムースで弾き心地が良いんだよ。

Q4: So, what’s Meshuggah to you? Have they influenced your music, rhythm approach, and guitar playing?

【PER】: Meshuggah is one of those few bands that have a unique, archetypal style and their importance to the evolution of metal music is immense. I started listening a lot to them in my late teens and much of what they did on their early albums, ‘None’ and ‘Destroy Erase Improve’ was very important and influential to my own musical evolution. Fredrik and I also both hold Allan Holdsworth as our number one favourite guitar player and we are both very much influenced by his work.

Q4: 先程、MESHUGGAH はフェイバリットバンドの一つだと仰いましたが、具体的にどのような影響を受けたのでしょう?

【PER】: MESHUGGAH はユニークかつ原型的なスタイルを誇る数少ないバンドの一つだよ。メタルの進化に果たした役割も多大なものがあるね。
僕は MESHUGGAH を10代後半から熱心に聴き始めたんだけど、その多くは初期の作品だったんだ。”None”, “Destroy Erase Improve” はとても重要で、僕自身の音楽的進化に影響をあたえたんだよ。
それに、Fredrik と僕は共に Allan Holdsworth がフェイバリットギタープレイヤーで、二人共彼の作品から実に大きな影響を受けているんだ。

Q5: Anyway, definitely you are one of the busiest person in the Metal/Prog scene. What made you join Nocturnal Rites’s resurrection? In fact, lot’s of fans seemed Nocturnal Rites was over. So, their comeback with you is very nice surprise for us! The first track “Before We Waste Away” is amazing! “Phoenix” seems to be masterpiece, right?

【PER】: I’ve been friends with the Nocturnal guys for many years and they are one of my favourite melodic metal bands, so when they asked me to play leads on their new album I said yes immediately! They’ve put together an amazing album and in my opinion it is their best one yet, the songwriting is just incredible and Jonny sings better than ever. Also I’m a big of fan of Nils Norberg’s ultra melodic playing, I’ve really enjoyed playing in that style myself on this album.

Q5: 間違いなくあなたはメタル/プログシーンで最も多忙な人物の1人ですね。NOCTURNAL RITES 10年ぶりの復活にも名を連ねています。

【PER】: 彼らとは何年も前からの友人だったんだ。何より大好きなメロディックメタルバンドだったからね。だから新作でリードギターを弾いて欲しいと頼まれたら、即座にOKしていたよ!
彼らは素晴らしいアルバムを作り上げたね。僕の考えでは、これまでの作品でベストだよ。ソングライティングは驚異的だし、Jonny の歌唱もさらに良くなっているね。加えて僕は、Nils Norberg のメロディックなギターの大ファンなんだ。このアルバムでは、僕自身もそういったスタイルでのプレイを満喫したね。

Q6: Adding that, you’ll release Kaipa’s new record “Children of the Sounds”. Kaipa is kind of super band, because Morgan, Jonas, and you are the virtuosos in the scene. When you joined Kaipa as the successor of Roine, I was so surprised, haha. How was the recording process? What kind of record will it be?

【PER】: Yeah I think a lot of people was surprised when I joined, as back then people only knew me as a death metal guitar player. The recording process was the same as usual, we all recorded our parts in our own studios and sent audio files back and forth online, which is actually a very exciting way of working to me, and everyone can really take their time recording their parts to make sure the songs all turn out perfect. Stylistically, the record isn’t much different from previous Kaipa albums but I think that Hans Lundin’s compositional work is more focused than ever before, the album is just full of beautiful melodies and intricate arrangements.

Q6: さらに9月には KAIPA の新作 “Children of the Sounds” もリリースされますね!あなたが KAIPA に加入した時は驚きましたよ。

【PER】: うん、僕が KAIPA に加入した時はたくさんの人が驚いたと思うよ。当時はデスメタルのギタリストという認識だっただろうからね。
今回のレコーディングプロセスもいつもと同じやり方だったよ。全員が各自のスタジオで自分のパートを録音し、オーディオファイルでやり取りしたんだ。実際、この方法は僕にとって実にエキサイティングなんだよ。みんなが自身のパートのみに時間を費やせるし、楽曲をより完璧に仕上げることが出来るね。
スタイル的に、このレコードは以前の KAIPA 作品とあまり違いはないんだけど、Hans Lundin のコンポジションはよりフォーカスされていて、それにより美しいメロディーと複雑なアレンジメントに満ちた作品に仕上がったよ。

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Q7: Meshuggah, Nocturnal Rites, Kaipa are very different styles of music. Is it natural for you to play such a wide range of bands in a parallel way?

【PER】: I grew up listening to all sorts of music, and early on I played different styles. I got into metal around the same time as I started playing guitar, at 10, but I often joined my dad’s band at their rehearsals playing 50s and 60s covers, and the first couple of bands I had with friends covered songs by Beatles, U2, The Doors and so on since I was the only one really interested in metal at that time. I started taking guitar lessons as soon as I had started playing and the teachers I had all subjected me to a lot of jazz and fusion, and to music theory, all the while I was figuring out how to play metal on my own using only my ears, so I really did get a pretty wide musical knowledge base early on.

Q7: MESHUGGAH, NOCTURNAL RITES, KAIPA。異なる音楽的スタイルで並行して活動を続けるのも、あなたにととっては自然なことなのですね?

【PER】: 僕は全てのジャンルの音楽を聴いて育ったんだ。 そして早い段階から異なるスタイルでプレイしていたね。
ギターを始めた10歳の頃はメタルにのめり込んでいたんだけど、同時にしばしば父のバンドに加わって、彼らのリハーサルで50’sや60’s のカバーをプレイしていたんだ。それに友人と最初に作ったいくつかのバンドでは、THE BEATLES, U2, THE DOORS なんかをカバーしていたんだよ。僕しかメタルに興味がなかったからなんだけど。
僕はギターを始めるやいなや、レッスンも受け始めたんだけど、先生が僕とジャズ/フュージョン、音楽理論を繋げてくれたんだ。そうして自分の耳だけを使って自分のメタルを演奏する方法を考え出していったんだね。だからこそ、早くから幅広い音楽の知識を得ることが出来たんだ。

Q8: So, what is the situation of your home ground, Scar Symmetry? “The Singularity (Phase I – Neohumanity)” was the first album of the Singularity trilogy, and the first Scar Symmetry album to be composed, produced, mixed and mastered entirely by you. It seems you are recording the “Phase Ⅱ”, right?

【PER】: Yes, I’m pretty far along with the work on Phase II. It has taken a lot of time to record this album because after Phase I, I launched my own studio business and started doing production work for other bands and artists and that has taken up a lot of my time and energy. My main goal now is to finish up Phase II so that I can start working on the final part of the Singularity trilogy.
Phase I is the most progressive and melodic album we’ve ever done with Scar Symmetry, but Phase II goes off in a very different direction – it’s by far the heaviest, darkest and most brutal set of songs we’ve ever recorded. It still has got plenty of melodies, keyboards and solos, but generally speaking it is a very different album from Phase I. Then again, Phase III will be very different from both Phase I and II…

Q8: あなたのホームグラウンド、SCAR SYMMETRY の状況はいかがですか?前作 “The Singularity (Phase I – Neohumanity” は “Singularity” トリロジーの1作目で、現在は “Phase Ⅱ” のレコーディングを行っているところだと思いますが?

【PER】: その通りだよ。 “Phase Ⅱ” の作業はかなり進展して来ているよ。この作品が遅れているのには理由があってね。”Phase Ⅰ”の後、僕は自分のスタジオビジネスを立ち上げて、他のバンドやアーティストのプロダクションを始めたから、そこに膨大な時間とエナジーを費やしたんだ。今の目標は、”Phase Ⅱ” を完成させて、”Singularity” トリロジーの最終章に取り掛かることなんだよ。
“Phase Ⅰ”は SCAR SYMMETRY にとって最もプログレッシブかつメロディックな作品だったね。だけど “Phase Ⅱ” ではかなり異なる方向に進むんだ。今のところ、僕たちにとって最もヘヴィーで、ダークで、ブルータルな楽曲が揃っているよ。とはいえ、メロディー、キーボード、リードプレイも十二分に備えているんだけどね。ただ、客観的には “Phase Ⅰ” とは大きく異なる作品だと言えるだろう。さらに “Phase Ⅲ” は、”Phase Ⅰ”、”Phase Ⅱ” ともまた全然違う作品となるはずだよ…

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Q9: You have participated in a lot of works as guest player. Is there any album that is particularly remembered?

【PER】: I love David Maxim Micic’s ‘Bilo 3.0’ album, that guy is a musical genius, and I really like how my solo for his song ‘Wrinkle Maze’ came out, I’m super proud of that one.

Q9: 最後に、あなたは様々なバンド、アーティストの作品にゲスト参加して来ましたが、中でも印象に残っているものを教えてください。

【PER】: David Maxim Micic の “Bilo 3.0” が大好きなんだ。彼は音楽の天才だね。それに、彼の楽曲 “Wrinkle Maze” の中で僕のソロが現れる場面が気に入っているんだ。これに関しては、最高に誇りに思っているよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED PER’S LIFE

THE BEATLES “SGT. PEPPER’S LONLEY HEARTS CLUB BAND”

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YNGWIE J. MALMSTEEN “RISING FORCE”

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METALLICA “RIDE THE LIGHTNING”

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STEVE VAI “PASSION AND WARFARE”

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ALLAN HOLDSWORTH “SECRETS”

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MESSAGE FOR JAPAN

Per-Nilsson

It took me a long, long time, but FINALLY I will get to see so many of you at Loud Park! I hope I will get to come back again soon with Scar Symmetry as that is something that is way overdue. We know we have a lot of Japanese fans and I would love to come meet you all. Cheers and much love from Sweden!

本当に長く、長くかかってしまったけど、遂に Loud Park で君たちと会えるよ!
そして、遅れてしまっている SCAR SYMMETRY でもすぐ日本に戻れたらと思っているんだ。 日本にたくさんのファンがいることは知っているし、みんなに会いに行きたいと願っているんだ。スウェーデンからいっぱいの愛を込めて。

PER NILSSON

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LOUD PARK 17′ の詳細はこちら。

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ARCADEA : ARCADEA】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CORE ATOMS OF ARCADEA !!

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Mastodon, Withered, Zruda, Get Together As Synth-laden Progressive, Heavy Psych Band Arcadea !! This Should Be Interesting For Sure !

DISC REVIEW “ARCADEA”

MASTODON, WITHERED, ZRUDA のメンバーが集結した新たなるコスモフロンティア ARCADEA が、遥かなる未来を映し出すデビューフル “Arcadea” をリリースしました!!50億年先の宇宙をテーマとした壮大なるスペースオデッセイは、ロックという銀河の膨張を促すビッグバンとなるはずです。
MASTODON のドラマー/ボーカル Brann Dailor が、WITHERED のギタリスト Raheem Amlani, ZRUDA のギタリスト/キーボーディスト Core Atoms とチームアップしたスーパープロジェクト ARCADEA。
ホームバンドでは基本的にギタリストの Raheem, Core 2人をシンセプレイヤーへとコンバートし、プログレッシブかつサイケなエレクトロニカサウンドのみを Brann のダイナミックで手数に富んだドラムス、キャッチーなボーカルと融合させた ARCADEA の音楽はユニークで先見性に溢れています。何よりロック/メタルの必需品とも思えるギターサウンドがどの楽曲からも聴こえて来ないのですから驚きですね。
Brann のホームバンド、偉大なる MASTODON は “Crack the Skye” で Brann のリードボーカルを初めてレコードに取り入れて以来、彼のメロディックな歌唱と呼応するようによりキャッチーでストレートなコンポジションへと移行して行きました。その変化により Brann はさらにバンドにとって不可欠な存在となりましたが、皮肉なことにその方向転換は彼のトレードマークであるハイパーアクティブでフィルオリエンテッドなドラミングが減退する結果にも繋がっていったのです。
“Arcadea” は Brann Dailor の魅力全てが詰まった作品だと言えるのかも知れませんね。アルバム全体を覆うのは、間違いなくあの “Leviathan”, “Blood Mountain” で聴くことの出来た、リード楽器を主張するエキサイティングで高密度な阿修羅のドラミング。同時に彼のスペーシーでポップな浮遊感溢れる歌心は、確実に作品のコアとして土星の輪のようにレコードを包み込んでいるのです。”Arcadea” には2人の Brann Dailor が互いを損なうことなく生き生きと存在しています。
勿論それは、アルバムオープナー、電子音楽の軍歌 “Army of Electrons” が証明するように、Raheem, Core 2人の綿密かつ繊細なコンポジション、変拍子を活用したプログレッシブなイメージ、ベースからリードまで幾重にもテクスチャーされた魅惑のシンセサウンドが、影となり日向となり素晴らしき脇役として煌めくことで初めて成立する才能のシンフォニーだと言えるでしょう。
一方で、”Gas Giant” はバンドの出自を明確にする楽曲です。インタビューにもあるように、アーケードゲームの “アーケード” をバンド名としたように、ゲームミュージックの影響は彼らが共闘する大きな理由の1つ。
“ロックマン” を想起させる勇壮で8bitライクなイントロダクションは、ビデオゲーム時代の幕開けに育ち、”アーケードゲームはマジカルな場所だった” と語るバンドのロマンが楽曲に溶け合った夢のような瞬間だったのかも知れませんね。
さらに、エアリーな女性ボーカルとボコーダーを起用したスロウでムーディーな “Neptune Moon” では John Carpenter をイメージさせるロマンチックなエレクトロホラーサウンドを再現。
Core が “70年代、シンセサイザーは未来の楽器だった” と語るように、ビデオゲーム、映画音楽といった70’s~80’s の典型的な電子サウンドを Brann のコンテンポラリーでアグレッシブなドラムスと融合させることで、レトロフューチャーな顔貌を形成しているようにも感じました。
エレクトロニカでありながら加工された EDM とは全く異質、ヘヴィーでありながら重厚なメタルとも異なる唯一無二のデザインが冴え渡る革新作。今回弊誌では、Core Atoms にインタビューを行うことが出来ました。MASTODON の近作に何かシックリこないダイハードなファンにもぜひオススメしたい作品です。どうぞ!!

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ARCADEA “ARCADEA” : 9.9/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ARCADEA : ARCADEA】

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MUTOID MAN : WAR MOANS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH STEPHEN BRODSKY OF MUTOID MAN !!

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Converge / Cave In Super Group, Mind-Blowing Behemoth, Mutoid Man Literary Melt Your Mind With Their Newest Record “War Moans” !!

DISC REVIEW “WAR MOANS”

CONVERGE, CAVE IN, ALL PIGS MUST DIE のメンバーが集結した突然変異のスーパーグループ MUTOID MAN が奔放かつ不遜、バッダースな新作 “War Moans” をリリースしました!!キャッチーなロックン・ロールのイメージを獰猛なメタルのアグレッションに投影した、チャーミングかつタイトなレコードはシーンの大いなる期待に応えて余りある一撃となりました。
シリアスで暗色調なアティテュードが枢軸となるコンテンポラリーなメタルシーン。狂気やユーモア、風刺を宿す MUTOID MAN のシアトリカルで本来のメタルらしいコンセプトは、実際異端で新鮮なカウンターとして際立っています。
インタビューにもあるように、”War Moans” は “セクシャリティ”、性行為や性的欲求にフォーカスした作品です。アートワークやタイトルが示すように、性的指向、欲求が日増しに暴走する現代社会を、戦争という極限状態へと投影しある意味戯画化することで、現代の異様さ “倒錯性” “変態性” を浮き彫りにしているのかも知れませんね。実際、バンドは “War Moans” を “Perverted” 変態的なレコードだと断言しています。そしてその柔軟なユーモアはポップセンスに、辛辣な毒気はアグレッションに姿を変えて作品の音楽性に反映されているのです。
文字通りリスナーの心を溶かすアルバムオープナー、”Melt Your Mind” はそういった彼らの意図を十二分に汲み取った楽曲です。キャッチーでスピーディー、ハイパーアクティブなバンドの新たなアンセムは、Brodsky のフックに満ちたギタープレイ、ファジーでラウドな Nick のベース捌き、そして Ben Koller の数学的かつダイナミックなドラミングに牽引されて、空襲にも似た爆発的なエナジーを発します。
加えて、あの VAN HALEN をも想起させるボーカルハーモニー “hoo-ooo” の火力も絶大で、物憂げなメロディーとの相乗効果は無上の中毒性をリスナーへと植え付けて行くのです。
続く”Bone Chain” ではさらにアンニュイなメロディーが中毒性を増し、MOTORHEAD meets QUEENS OF THE STONE AGE とでも形容可能、ドラッグのように危険でオルタナティブなキャッチーネスを創造していますね。
インタビューにもあるように、パンクやハードコアは勿論ですが、特に初期のメタルスピリット、80年代という時代を意識しリスペクトして制作されたアルバムで “Irons in the Fire” からタイトルトラック “War Moans” への流れはまさに作品を象徴しています。
MEGADETH の “Countdown to Extinction” をイメージさせる大仰なイントロ、スラッシュの衝動、テクニカルなシュレッド、インテレクチュアルなリズムワーク、シンガロングを誘うキャッチーなコーラス。”Irons in the Fire” は、かつてメタルが備えていた祝祭的な高揚感を胸いっぱいに浴びつつ、マスマティカルでスペーシーに味付けしたモダンな感覚と共に現代へと叩きつけているのです。
さらに SLAYER の “War Ensemble” に対する極上のオマージュにも思える “War Moans” では、あの時代を象徴するシュレッダー Marty Friedman が、トレードマークのコード感抜群で変拍子を切り裂くリードプレイでバンドの主張を代弁しています。
こういった凶悪な楽曲においても、Brodsky はスクリームや吐き捨てを駆使してあくまでメロディーを追い、勿論あの素晴らしき CAVE IN で確立したスタイルから遠く遊離する訳もありませんが、グロウルは使用していませんね。彼のそのトレードマーク自体も、グロウルが飽和気味な界隈に対する強いアンチテーゼ、風刺となっているように感じました。
とは言え、アルバムは決してオプティミスティックな押しの一辺倒ではありません。ブルージーでスロウ、スラッジーにバンドのシリアスな一面を見せつける “Kiss of Death” はアルバムの裏ハイライトとして作品に妙なる濃淡をもたらし、何よりこのマスターピースを締めくくる衝撃のパワーバラード、ダークな歌姫 Chelsea Wolfe を起用した “Bandages” では、慈愛と憂鬱の相反するエモーションを深々とサウンドに込め、バンドのジャンルスパニングでフレキシブルな才能を絶佳なるコントラストとして見事レコードに落とし込んでいるのです。
作品のプロデューサーでもある CONVERGE の Kurt Ballou が、カオティックに暴走する “Micro Aggression” ではなく、意外にもこの2曲にゲスト参加を果たしていることを付け加えておきましょう。
今回弊誌では、ex-CONVERGE で CAVE IN のマスターマインド Stephen Brodsky にインタビューを行うことが出来ました。マーティーさんによれば、「新しいアルバムはエグい! クッソかっこいい! メタルかロックかパンクか分からないけど、とにかく生々しいヘヴィ・ミュージック! コイツらはホンモノだ、保証付き!!」 だそうですよ。どうぞ!!

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MUTOID MAN “WAR MOANS” : 10/10

INTERVIEW WITH STEPHEN BRODSKY

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Q1: Lot’s of fans, journalists mentioned “War Moans” for one of the most anticipated releases of 2017. So did I. And definitely, you live up to our expectations! How do you feel now?

【STEPHEN】: Feels groovy! “War Moans” is meant to connect with people, not some sniveling pit of noise made for a niche cult following. To see it out there having a sweet little life of its own is pretty damn cool.

Q1: 多くのファン、ジャーナリストが “War Moans” を2017年期待の一枚に挙げていました。間違いなくその期待に応えましたね!

【STEPHEN】: グルーヴィーだよ!”War Moans” は、人々とつながることを意図したものであり、ニッチなカルトフォロワーのために作られた哀れなノイズの一部ではないからね。
アルバムがリリースされて、作品が素敵な評価を得ているのは最高にクールだよ。

Q2: I heard you only had nine days to make your previous release “Bleeder”. How about the writing, recording process of “War Moans”? I can’t believe you made another masterpiece in such a short creation time, haha.

【STEPHEN】: Yeah “Bleeder” was a lot of work crammed into a relatively small window. We gave ourselves more time to write and record “War Moans” and I think it really shows.

Q2: 前作 “Bleeder” は僅か9日間で作られたと伺いました。今回の作品もそのような短期間のクリエイティブタイムで制作されたのでしょうか?

【STEPHEN】: そうだね。前作 “Bleeder” はたくさんの作業を、比較的短い期間に詰め込んで行ったんだよ。
今回の “War Moans” ではより多くの時間を作曲とレコーディングにかけたんだ。アルバムを聴けばその違いが伝わると思うな。

Q3: Kurt Ballou produced “War Moans”, also played guitar on two songs. It means Mutoid Man has three Converge-associated members. So, please tell me the similitude and differences between the two.

【STEPHEN】: Anyone with an interest in the world of metal hardcore punk has prolly smashed their head into a wall at least a few times listening to “Jane Doe”. Mutoid Man is like Converge’s underage younger brother sneaking into a strip club and praying to see some wild 70’s bush in the flesh.

Q3: Kart Ballou が “War Moans” のプロデュースを行い、2曲でギターもプレイしています。つまり、”War Moans” には CONVERGE の関係者3名が関わったことになる訳です。

【STEPHEN】: メタル、ハードコア、パンクの世界に興味のある人間ならおそらくは誰しも、CONVERGE の “Jane Doe” を聴きながら壁に少なくとも何度かは頭を打ちつけたことがあるはずさ。
MUTOID MAN はね、ストリップクラブに忍び込んで、ワイルドでゴージャスな70年代女子のアソコのモジャモジャを生で見たいと祈っている、CONVERGE の未成年の弟みたいな感じなんだよ。

Q4: The Artwork sent us kind of shock waves. And maybe, it reflects on the theme of “War Moans”. OK, you said “War Moans” was “perverted record”. What does it mean?

【STEPHEN】: The world is becoming a more and more sexually heightened place. “War Moans” explores what it’s like to feel as if this excess is at war with our lives.

Q4: 多少不適切な表現がありましたが、アルバムを反映するアートワークもなかなかショッキングですよね?”War Moans” は “倒錯的” “変態的” なレコードだとも言えますか?

【STEPHEN】: 世界はどんどんセクシャリティが増した場所になりつつあるんだ。
“War Moans” では、その日常生活で超過した性欲が、もし戦時中ならどのように感じるかを探求しているのさ。

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Q5: “War Moans” is kind of musical melting pot. Punk, hardcore, sludge, metal, and thrash are all in there. I feel the diversity make us feel “modern”. But also, especially thrash and 80’s aspects are emphasized much more, I think. And it makes the record so “fun” “pop” and “catchy”. Do you agree that?

【STEPHEN】: Sure! The spirit of early metal is very mindful of its audience because musicians back then had to actually go out and perform their music live in order to be heard. I’m a 70’s child so this concept comes naturally to me, and it’s also something we embrace in Mutoid Man.

Q5: パンク、ハードコア、スラッジ、メタル、そしてスラッシュ。さながら音楽のメルティングポットのような多様性に満ちた “War Moans” は確かにモダンです。ただ、同時にスラッシュメタル、80年代が殊更強調されているように感じます。まさにそれこそが作品をアクセシブルでキャッチーたらしめているのではないですか?

【STEPHEN】: まさに!初期のメタルのスピリットは、とてもオーディエンスに注意を払ったものだったんだよ。というのも、当時は基本的に、音楽を聴いてもらうためには、実際出かけて行ってライブでプレイしなければならなかったからね。
僕は79年生まれだから、80年代というコンセプトは実に自然と浮かんで来るんだよ。そして同時に、それこそが MUTOID MAN が奉ずるものなのかもしれないね。

Q6: Marty Friedman gave us “War Moans” recommendation message in Japanese. We think he is kind of half-Japanese, haha. Anyway, he is a symbol of Thrash & Hair metal shredder. Does that relate to his coming into this record?

【STEPHEN】: I’ve been spastically thrashing to “Rust In Peace” at various times in my life since I was 13 years old. Having Marty onboard is a major achievement for us in so many ways. At this point he’s a honorary mutant member of the band and we hope to do more together down the line.

Q6: スラッシュ、80’s メタルのシンボル、Marty Friedman の参加もその初期のメタル精神と関係がありそうですね?

【STEPHEN】: 僕は13歳から、人生の様々な場面で “Rust In Peace” を聴きながらスラッシュし、痺れて来たんだ。マーティーさんの参加は、僕たちにとって多くの点で素晴らしい成果だと言えるね。
現時点で彼はバンドの名誉ミュータントメンバーで、いつかもっと一緒にプレイ出来たらと思っているんだ。

Q7: “Bandages” is my favorite “Ballad” in a decade. Chelsea Wolfe seems to be best choice for the song. But I couldn’t image you opened us such a new ground. You know, actually, I remind “Without You” of Motley Crue, haha. You have no boundaries in the writing, right?

【STEPHEN】: Every noteworthy metal record needs a good power ballad and I think we came through with “Bandages”. Also “Dr. Feelgood” is easily my favorite Crüe album and will forever remind me of the girls girls girls I was too shy and awkward to talk to in middle school.

Q7: Chelsea Wolfe を起用した “Bandages” は素晴らしい “バラード”ですね!MOTLEY CRUE の “Without You” を思い出しましたよ(笑)。バンドに限界など存在しないようですね?

【STEPHEN】: 全ての注目すべきメタルレコードには良いパワーバラードが不可欠だよ。そして僕たちは “Bandages” でそれを成し遂げたと思う。実際、”Dr. Feelgood” は単純に MOTLEY CRUE で一番好きなアルバムだし、聴けば必ずシャイで臆病すぎて “Girls Girls Girls” に話しかけられなかった中学時代を思い出すんだよ。

Q8: I’m really tired of “growl”. Off course, it was very special and effective in 80’s~90’s. But it is common and saturated these days. “Ok, we are heavy metal band. We must use growl”, like this, haha. So, Mutoid Man seems to be flesh and it’s counter. Stephen’s scream is so emotional and more heavy than ordinary metal, hardcore bands. Is it intentionally?

【STEPHEN】: It’s fun as hell to scream bloody gore! I got too many melodies in my head to do it all the time, which might be a good problem to have.

Q8: グロウルが溢れるシーンにおいて Stephen のエモーショナルなスクリームは新鮮で、ある意味既存のグロウルよりヘヴィーに聴こえます。

【STEPHEN】: スクリームは楽しいよ!まさに “Scream Bloody Gore” だね!僕はいつもあまりに多くのメロディーが頭の中で流れているんだけど、全てを再現することは出来ないからね。まあ良い問題かも知れないけどね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED STEPHEN’S LIFE

METALLICA “RIDE THE LIGHTNING”

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CONVERGE “HALO IN A HAYSTACK”

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QUICKSAND “SLIP”

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FAILURE “MAGNIFIED”

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THE MAHAVISHNU ORCHESTRA “BIRDS OF FIRE”

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MESSAGE FOR JAPAN

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To all lovely mutants of Japan – Mutoid Man is excited to hopefully someday grace your magical land and get weird with you!

日本のラブリーなミュータントのみんな!MUTOID MAN はいつか、君たちのマジカルな国を訪れてハイになりたいと思うよ!

STEPHEN BRODSKY

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ELDER : REFLECTIONS OF A FLOATING WORLD】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NICK DISALVO OF ELDER !!

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Massachusetts Based Artistic Heavy Rock Act, Elder Take You An Adventure That Won’t Be Soon Forgotten With Their Progressive & Eclectic New Record “Reflections Of A Floating World” !!

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DISC REVIEW “REFLECTIONS OF A FLOATING WORLD”

マサチューセッツからストーナー/ドゥームの翼を広げるアートロックバンド ELDER が、革命的な新作 “Reflections Of A Floating World” をリリースしました!! 音のキャンバスに描かれる芸術的で想像性豊かな色彩は、リスナーを遥かなるサウンドスケープの旅路へと誘うことでしょう。
ファジーでスロウ。シンプルなストーナーアクトとしてスタートした ELDER は、プログ/ヘヴィーサイケの方角へと舵を切り、今や最もクリエイティブでアーティスティックなヘヴィーロックバンドと称されています。リスナーに豊潤なアドベンチャーやストーリーを喚起するあまりにシネマティックな作品と、ジャンルを縦横無尽に横断する精神性はその確かな証拠となっていますね。
中でも前作 “Lore” は、リフ、メロディー、コンポジションに最上級のデザインと創造性が施され、プログレッシブドゥームの傑作として各所で高い評価を得た作品でした。しかし、バンドは “Reflections Of A Floating World” で自身の最高到達点を易々と更新して見せたのです。
アルバムオープナー、”Sanctuary” の威風堂堂としたリフクラフトはまさに ELDER の真骨頂。揺るぎなきそのファジーな響きはバンドのルーツを主張し、リスナーを “浮世” という聖域へ導く道標と化していますね。
楽曲の中間部では、バンドのフロントマン、ボーカル/ギター Nick DiSalvo が演奏家としての実力を存分に見せつけます。エモーションとテクニック、そしてエピカルな旋律を意のままに操り融和させたロングリードは、仙境なるアルペジオや起伏の激しい山々の如きリズムアプローチをアクセントとして極上のアドベンチャーを紡いで行きます。
実際、これほどまでギターサウンドが的確に、存分に、華麗に設計、レイヤーされたレコードは簡単には見当たりません。それはすなわち、4人目のメンバーとなったセカンドギタリスト Michael Risberg、ペダルスティールのスペシャリスト Michael Samos を不可欠な存在としてアルバムに招聘する理由となったのです。
“The Falling Veil” では、”Lore” から一層上のステージへと移行した Nick のボーカリストとしての魅力も開花します。表現力とレンジが広がり、自信に満ちた彼のサイケデリックな歌唱は Ozzy Osbourne のような中毒性をも携え、決してメジャーとは言えないジャンルのバンドがリーチを拡大するための大きな武器となっていますね。
さらに、”The Falling Veil” はバンドの新たな地平も提示します。PINK FLOYD のムードを存分に浴びてスタートする楽曲は、クラッシックプログ、クラウトロック、インディーなどの影響がシームレスに芽生える、カラフルで多彩な浮世草子と言えるかも知れません。レトロとモダン、ヘヴィネスとアトモスフィア、シンプルとマスマティカルを行き来する楽曲のコントラスト、ダイナミズムはまさに唯一無二。インタビューで語ってくれた通り、「より複雑でプログレッシブ」となったアルバムを象徴する起伏に富んだ楽曲は、「音楽を聴いている時、頭の中にストーリーを描けるようなサウンド」として完成を見たのです。
バンドが誇るコンテンポラリーな多様性はジャンルのみに留まらず、百花斉放なその使用楽器にも及びます。人生を変えたアルバムのトップに ANEKTODEN をリストしていることからも、バンドのプログレッシブロックに対する造詣の深さが伝わりますが、”The Falling Veil” を引き合いに出すまでもなく、メロトロンを彼らほど巧みにヘヴィーロック/メタルへと取り入れた集団は OPETH を除いては存在しないでしょう。
アルバムを聴き進めれば、フェンダーローズが素晴らしき色を添える “Staving Off Truth”、ペダルスティールが主役を務め Miles Daves の遺伝子を宿した “Sonntag”、メロトロンとピアノがヘヴィーなリフストラクチャーと見事な対比を生み出す “Blind” など、Nick が語ってくれたように 「ヘヴィーロックではあまり聴くことの出来ない楽器」でヘヴィーロックを新たな領域に導いていることに気づくはずです。
ジャンルのマスターマインドである MASTODON がキャッチーであることにフォーカスした今、ELDER の切り開く新たなフロンティアはシーンにとって掛け替えのない財産となっているのかも知れませんね。
今回弊誌では Nick DiSalvo にインタビューを行うことが出来ました。日本の “浮世” ともリンクし、マテリアルワールドとスピリチュアルワールドを往来する64分の壮大な叙事詩。6曲全てが10分前後ながら、リッチで瑞々しく、全く冗長さを感じさせない圧倒的な構成力にぜひ酔いしれてみてくださいね。どうぞ!!

ELDER “REFLECTIONS OF A FLOATING WORLD”: 10/10

INTERVIEW WITH NICK DISALVO

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Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about your band? How did Elder come to be?

【NICK】: Elder is the product of three long time friends. Matt, Jack and I met in middle school, in the States around 13 years old. We grew up in a small community where not a lot of people had an interest in rock n’ roll and punk rock, so we quickly found each other and started making music. Throughout the years we played in different bands and when we were around 17/18 years old we founded Elder. That’s basically the short version.

Q1: 本誌初登場です!まずはバンド結成の経緯を聞かせていただけますか?

【NICK】: ELDER は長年の友人3人が生み出した結晶だと言えるね。 Matt, Jack そして僕はアメリカのミドルスクールで13歳の頃に出会ったんだ。僕たちは、ロックやパンクに興味を持つ人の少ない小さなコミュニティーで育ったんだよ。だからお互いをすぐに見つけて音楽を作り始めたのさ。
しばらくは別々のバンドでプレイしていたんだけど、17, 18歳くらいの時に ELDER を立ち上げたんだよ。掻い摘んだけど、基本的にはこんな感じだね。

Q2: What’s the meaning behind your band name “Elder”? It seems you were Conan The Barbarian-themed band at first. Is that right?

【NICK】: The first lyrics I ever wrote certainly dealt with fantasy worlds and Robert E. Howard’s Conan series, and generally speaking I was very interested in these sort of fantastic worlds and epic themes. The word “Elder” for me conveyed a sense of antiquity, the old wise man by the campfire, which I thought was a fitting image for the themes we sung about. I still think the word has a certain beauty.

Q2: ELDER というバンド名にはどういった意味が込められていますか?当初はコナン・ザ・バーバリアンをテーマとしたバンドでしたよね?

【NICK】: 確かに、僕が最初に書いた歌詞はファンタジーの世界と Robert E. Howard のコナンシリーズを題材として扱っていたね。僕は基本的に、そういったファンタジーの世界とエピックなテーマにとても興味を持っているんだよ。
“Elder” “長老” は僕にとって古の感覚、篝火に佇む古の賢人を想起させる言葉で、僕たちの歌うテーマにフィットすると思ったんだよ。今でも、この言葉は確かな美しさを持っていると感じるね。

Q3: OK, so let’s talk about your newest album “Reflections Of A Floating World”. I believe it’s definitely game-changing masterpiece, and lot’s of medias, fans are very well accepted. How do you feel now? Have you excepted such a huge reactions from the beginning?

【NICK】: Luckily for us every album has broken through to fans of different genres, our music reaches more people with each new turn that we take. I have been actually quite surprised at just how well the album has been received across the board, as Lore seemed almost controversial in the world of “stoner rock” and “doom”. Of course we don’t pretend to be just a stoner rock or a doom band. At the same time, I felt that “Reflections” was definitely the most solid and well put-together album we have recorded as of yet and I’m glad that we released it at a time when the expectations were high.

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Q3: では、最新作 “Reflections Of A Floating World” について話しましょう。間違いなくゲームチェンジングなレコードですね。ファンやメディアからも既に非常に高く評価されていますが、これほどまでに大きな反響を予想していましたか?

【NICK】: 幸運なことに、全てのアルバムで僕たちは異なるジャンルのファン層を開拓して来たんだ。新たな扉を開ける度に、僕たちの音楽はより多くの人たちに届けることが出来た訳だよ。
僕は実際、アルバムが軒並み好評を得ていることにとても驚いているんだよ。というのも、”Lore” はストーナー/ドゥームの世界で物議を醸したような気がするからね。勿論、僕たちはただのストーナー/ドゥームバンドであるようには振る舞わないからなんだけど。
同時に、”Reflections Of A Floating World” は間違いなくこれまでで最もソリッドかつ集約されたアルバムだよ。だから、期待が高まる中でこの作品をリリース出来て嬉しいんだ。

Q4: So, what’s the main theme of “Reflections Of A Floating World”? It seems the Island in the artwork is “Floating World”. What kind of the world is it? We call “Floating World” “Ukiyo” in Japanese. And it means kind of “Pleasure-seeking”. Did you know that?

【NICK】: Yes! I was exploring lyrical themes for the new album when I came across the phrase “Floating World”. Actually, I had just purchased a few Japanese art prints in this style and was reading about this time in Japanese culture when I discovered it. Reading further, it intrigued me because I saw a real parallel to the lyrics I had been writing for the album. I feel that we – at least in the Western world, as I can’t really speak for places I haven’t lived – are so obsessed with consumption and excess that we have no other meaning to our lives. People work jobs to afford things they don’t need, to buy big houses and fancy cars and to live a meaningless life and die leaving nothing behind but garbage. These songs are about realizing the mental slavery many of us live in and finding your own path to a fulfilled life.

Q4: “Reflections Of A Floating World” のテーマについて話していただけますか?”Floating World” と言えば、日本には “浮世” という言葉があります。快楽を追求し、浮かれて暮らそうという俗世の気持ちを表すのですが、ご存知でしたか?

【NICK】: 勿論!新作のテーマを探求している時、”Floating World” というフレーズが思い浮かんだんだよ。
実際、ちょうどその頃、僕は日本の浮世絵を購入したばかりでね。それをきっかけに、日本の文化について読んでいて”浮世”の意味を発見したんだ。読み進めるにつれて、僕がアルバムのために書いている歌詞と本当にシンクロしていて興味をそそられたよ。
住んだことのない場所についてはあまり多くは語れないけど、少なくとも僕の住む西洋世界では、人生に意味をもたらさない過剰な消費に執着し過ぎているように感じるね。必要のないものを買うために働いているように思えるよ。大きな家やファンシーな車を買い、意味のない人生を送り、ゴミ以外何も残さず死んでいく。
このアルバムの楽曲は、僕たちの多くが精神的奴隷として生きていることを悟り、人生を充足させるため自分自身の道を見つけることについて書かれているんだよ。

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Q5: The core of your musical style, slow and fuzzy Doom / Stoner element seems to be expand recently. You know, obviously, Elder have gone off more in the direction of prog and heavy psychedelia. What inspired you to head for the direction?

【NICK】: Stoner and doom metal are essentially slowed down blues. There’s really only so much you can do with this sort of style before it gets completely boring, at least to us. At first, the focus of the band was on just being loud, heavy, lots of riffs, but that formula got very repetitive to us and we naturally started changing our sound in a different way to challenge us and our listeners. Part of the inspiration for that was all of the new music we discovered during our years as a band, not simply listening to the same kind of music we play but rather everything else! Those influences filtered through somehow.

Q5: スロウでファジーなストーナー/ドゥーム要素は ELDER のコアだと思いますが、近年ではより拡大し、明らかにプログ/ヘヴィーサイケの影響が強くなっていますよね?

【NICK】: ストーナー/ドゥームメタルの本質は、スロウダウンしたブルースだと言うことだよ。こういったスタイルの音楽をやることが出来るのは、完全に飽きてしまうまでなんだ。少なくとも僕たちはね。
当初、バンドがフォーカスしていたのはただラウド、ヘヴィー、リフの洪水であることだったね。だけど、そういった “規格” は僕たちにとってなんと言うかあまりに “反復的” だったんだ。だから自然とサウンドを異なる方法へ変化させ、自分たちとリスナーにもチャレンジを行うようになったのさ。
そういったチャレンジに対するインスピレーションの一部は、バンドを結成してから発見してきた全ての新しい音楽だね。単純に同じような音楽ばかりを聴くんじゃなくて、僕たちは何でも聴いてみるからね!そういったえいきは各所に現れていると思うよ。

Q6: The sound of “Reflections Of A Floating World” is more rich, much layered than your previous release “Lore”. Elder is not power trio anymore. Also, there are more instruments in there, Fender Rhodes, Mellotron, pedal steel. And that makes the album very special, I feel. Do you agree that? What made you add players and instruments in the album?

【NICK】: In addition to making our songs more complex and progressive, I really wanted to use different textures on this album, especially instruments that aren’t often heard in heavy rock music anymore. We used a Wurlitzer piano as well as the Rhodes, Mellotron, pedal steel and lots of weird pedals that Mike is an expert with. People had high expectations after “Lore”, but with “Reflections” I wanted to really step up every element of the music including bringing in all the new sounds we could; instead of just trying to be “heavy” like in the past, I wanted this album to sound lush, rich, and tonally full.

Q6: 仰る通り、”Reflections Of A Floating World” は多様でリッチな作品に仕上がりましたね。バンドはすでにパワートリオではなく、フェンダーローズ、メロトロン、ペダルスティールなど使用された楽器も多彩です。ある意味、3人だけでは完成しなかったアルバムかも知れませんね?

【NICK】: 楽曲をより複雑でプログレッシブにするために、このアルバムには本当に異なるテクスチャーを導入したかったんだよ。特に楽器に関しては、こういったヘヴィーロックではあまり聴くことの出来ないものを使用したかったんだ。
君が言うように、フェンダーローズ、メロトロン、ペダルスティール、それに Mike お得意の奇妙なペダルの数々に加えて、ウーリッツアーピアノも使用しているんだ。
“Lore” の後でみんなの期待が高まっているのは分かっていたんだけど、”Reflections Of A Floating World” ではできる限り全ての新たなサウンドを詰め込んで、各音楽的な要素を本当にステップアップさせたかったんだよ。ただ過去にやったようなヘヴィーなサウンドを追求する代わりにね。
僕はこのアルバムを瑞々しく、リッチで、音色に満ちたアルバムにしたかったんだ。

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Q7: I really love “Staving off Truth”. It’s sometimes retro, sometimes modern. It’s sometimes atmospheric, sometimes heavy. And it’s sometimes simple, sometimes mathematical. I think that contrasts make the song cinematic. Are you conscious of the balances?

【NICK】: Absolutely, but I think we are getting better at finding the balance that doesn’t sound confusing and disjointed. Some of the older songs try to do this but with less success. In general, I like for the songs to sound like an adventure, like you could picture a story play out in your head while listening to them, and to do that you need all of the highs and lows that go with a good story.

Q7: “Staving off Truth” は典型的ですが、レトロとモダン、アトモスフィアとヘヴィネス、シンプルとマスマティカルのコントラストが素晴らしく、シネマティックとさえ言える楽曲へと仕上がっています。そういったバランス、コントラストは意識しましたか?

【NICK】: 間違いなくね。 僕たちが良くなったのは、混乱してバラバラに聴こえないようなバランスを見つけることが出来たからだと思っているよ。昔の楽曲では、それに挑戦しようとしたんだけどあまり上手く行かなかったね。
基本的に、僕はアドベンチャーのようなサウンドが好きなんだ。つまり、音楽を聴いている時、頭の中にストーリーを描けるようなサウンドだよ。良いストーリーのためには、あらゆるサウンドが必要とされる訳だよ。

Q8: Mastodon, Baroness seem to be more commercial, and make shorter songs recently. It seems to be “trend” of the scene. But, Elder is very different from them. Your songs are almost around ten minutes, and more technical, complex, and artistic. So, what’s your perspective about the “trend”?

【NICK】: I’ve never listened to either of those bands and am not interested in the music they make, so I can’t even say our bands or ethos are similar. I always have respect for bands that change the way they want to, but to change to suit the industry or become more popular is something we would never do (I don’t know that it’s the case for Mastodon or Baroness, just speaking in general terms). Our music comes from the heart and we don’t give a shit about trends. I think that’s why a small, very independent band like Elder has reached so many people, because the music we play comes from a place of authenticity.

Q8: MASTODON, BARONESS といったバンドは近年、よりコマーシャルで短い楽曲へとシフトしているように感じます。ELDER は真逆の方法論を取っていますが、そういったシーンのトレンドについてはどう思いますか?

【NICK】: 僕はそういったバンドを聴いたこともなければ、彼らの作る音楽に興味もないんだ。だからバンドやその特性が似てるかどうかさえ何とも言えないんだよ。常にやりたいようにやっているバンドを僕はリスペクトしているんだけど、僕たちは音楽産業に迎合したり、人気のために音楽性を変化させたりはしないんだ。(それが MASTODON や BARONESS に当てはまるかは分からないよ。あくまで一般論だから。)
ただ、その信念こそが、ELDER のように小さくとてもインディペンデントなバンドでもこんなに多くの人たちにリーチ出来た理由だと思うよ。僕たちのプレイする音楽には信頼性があるんだよ。

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FIVE ALBUMS THAT CHANGED NICK’S LIFE

ANEKDOTEN “GRAVITY”

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DUNGEN “TA DET LUNGET”

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CAN “TAGO MAGO”

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ELECTRIC WIZARD “COME MY FANATICS…”

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MOTORPSYCHO “LITTLE LUCID MOMENTS”

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MESSAGE FOR JAPAN

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Thank you for reading and we hope to come play for you one day soon!

読んでくれてありがとう。いつか日本でプレイ出来たらいいな。

NICK DISALVO

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MASTERPIECE REVIEW + INTERVIEW 【PENDRAGON : THE MASQUERADE OVERTURE】JAPAN TOUR SPECIAL !!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NICK BARRETT OF PENDRAGON !!

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Unseen Prog Giant, The Mastermind Of “Second Wave Of Prog”, Pendragon Will Come To Japan For The First Time Ever In Their Long 40-Year Career !! Don’t Miss “The Masquerade” Night !

DISC REVIEW “THE MASQUERADE OVERTURE”

まだ見ぬプログレッシブジャイアント、ネオプログの体現者 PENDRAGON が遂に初来日を果たします!!名作 “The Masquerade Overture” にフォーカスするシンフォニックの祭典は、待ちわびた日本のファンを魅了する劇的な仮面舞踏会となるでしょう。
PENDRAGON はプログレッシブ第2の波として、80年代から90年代にかけて MARILLION, IQ, PALLAS などと共にネオプログレッシブムーブメントを牽引したバンドです。
プログレッシブロックのオリジネーター、GENESIS や YES といった第一世代のバンドが自身のコンフォートゾーンから離れ、時代性や可能性を模索することとなった70年代後半~80年代前半。ネオプログの俊英たちは、先人が残した伝統や遺産を守護するかの如く颯爽とシーンに登場します。そして彼らが受け継いだシンフォニックでドラマティシズムに満ちた音楽性と、ファンタジーをテーマとしたコンセプトから、ネオプログレッシブムーブメントは後にポンプロック(華麗なロック)と称されるようになっていったのです。しかし突然背負わされたその呼称こそが彼らにとっては残酷で酷く重い十字架となったのかも知れません。
Pomp とは “華麗”、”荘厳” という意味がある一方で、”虚構” というネガティブな意味をも内包した言葉。つまり英国のメディアは、一見ネオプログを賛美しているように思わせながら、その実は第一世代の “まがいもの” “代替者” としてどこか冷めた目で見ていたのでしょう。実際、第二世代が志したファンタジックなプログレッシブロックのリバイバルは、パンクを筆頭とするあまりに現実主義的な当時の音楽シーンの流れとは相反するもので、ムーブメントも長くは続きませんでした。
ただ、インタビューにもあるように、ネオプログの才人たちは、時代やムードに翻弄され続けながらも戦いを止めませんでした。メタルの波にも乗り切れず、グランジに席巻され、気がつけば PORCUPINE TREE を首領とするプログレッシブ “第三世代” が登場し注目を集めているという状況は、ともすれば心が折れてしまいそうなほどに残酷ですが、それでも MARILLION, IQ, そして PENDRAGON といったバンドは良質な作品をリリースし続けたのです。2010年代以降、海外でのネオプログ再評価の流れは、遂に彼らの高い音楽性とセンス、そして音楽に対する愛情が報われた瞬間だと言えるかも知れませんね。
第二世代の中でも勿論、MARILLION は別格の人気を誇って来ました。それはニューウェーブやメタルなど、ある程度時代の変遷を意識して作風を変化させて来たからとも言えそうです。実際、94年にリリースした名作 “Brave” ではファンタジーの世界に別れを告げ、当時のトレンドであるグランジやインディーにも目を配ったダークなリアリズムで勝負をかけ成功を収めた訳ですから。
しかし今回、Nick の言葉で驚きだったのは、ファンタジーとシンフォニーを追求し続けた PENDRAGON にとっても90年代は素晴らしい時代だったと断言している部分です。確かに PENDRAGON の90年代三部作とも言える “The World”, “The Window Of Life”, “The Masquerade Overture” は、メロディーの充実度、類まれなるコンポジション、そして演奏共に群を抜いています。しかし、セールスも好調であったという事実は、少なくとも弊誌の持つあの時代のイメージとはかけ離れていました。そこには PENDRAGON がすでに80年代から、現在の DIY の先駆けとも言える自身のレーベル “Toff Records” を設立していたという強みが存在したのです。
インターネットの発展もあり、現在でこそ浸透している DIY のレコード戦略ですが、当時彼らがそれを実現させるためにどれ程の努力、時間が必要だったか、想像するだけで頭が下がります。インタビューにもあるように、ファンレターを全て手書きで返信し、ファンクラブも運営。勿論、プロモーションや販売なども全てを自らの手で行わなくてはならないのですからそのタスクは膨大です。しかし、その努力は強固なファンベースを作り上げることへと繋がり、結果として時代に左右されず今日までバンドが力強く存在する理由ともなったのですね。PENDRAGON が選択したこの方法論は、現代を生きるバンドにとっても大きな参考になるはずです。
あまり音楽自体に触れずに来ましたが、今回 PENDRAGON が日本へと持ち込む “The Masquerade Overture” は、ヨーロッパのプログレッシブシーンにおいて “Essential Masterpiece” “不可欠な傑作” として位置づけられ賛美されています。Tony Banks の後継者、Clive Nolan が創出するカラフルなシンフォニーは作品に極上のアトモスフィアを加え、”Guardian of My Soul” の卓越したシンセソロではリスナーに自身の個もアピールします。Peter Gee, Fudge Smith のリズム隊は強固で、複雑なリズムにも抜群の安定感で対応。そして何よりコンポーザーでギター/ボーカル Nick Barrett の例えば、Andy Latimer, Dave Gilmour を想起させる、時にエモーション、時にメランコリー、そして時にパッションを深く湛えたメロディーの数々は、英国訛りとディストーションの温かみを伴って、まさに珠玉と呼ぶに相応しい輝きを放っているのです。
モーツァルトのレクイエムにインスピレーションを受けた、オーケストラとクワイアが彩る壮大なタイトルトラック “The Masquerade Overture” で幕を開けるアルバムは、善と悪の対立をコンセプトとしています。その対立を反映するかのごとく巧みに配置された、無上のポップネスと有痛のメランコリー。そのコントラスト、カタルシスは唯一無二で、まさしくバンドが “Pomp” な存在ではないことの確かな証ではないでしょうか。
今回弊誌では、Nick Barrett にインタビューを行うことが出来ました。奇しくも盟友 MARILLION の来日も決定しています。日本では長らく無風だった “第2の波” が遂にスポットライトを浴びる時が来たのかも知れませんね。どうぞ!!

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PENDRAGON “THE MASQUERADE OVERTURE” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【tricot : 3】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH tricot !!

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The Best Girls Trio On Earth, tricot Makes Math-Rock Great Again With Their New Milestone “3” !!

DISC REVIEW “3”

日本のマスロック/ポストロックのランドマークとなった歴史文化都市、京都から世界へと進出し快進撃を続けるガールズトリオ tricot が時代を切り拓く一撃 “3” をリリースしました!!ポップ、パンク、そしてプログまで取り込んだ前人未到の方程式は世界を驚かせるに充分なインパクトを纏っています。
日英米同時リリースとなった最新作 “3” は、インタビューにもあるようにバンドが最も自由を謳歌した「何でもアリ」な作品に仕上がりました。ドラムス komaki♂ 脱退後リリースされた “A N D”, “KABUKU EP” は共に数名のサポートドラマーたちと共に制作されましたが、今作ではライブのサポートも務める吉田雄介氏がほぼ全ての楽曲でプレイ。フレキシブルにトリオの意思に反響するセンシブルなドラムスを得て、バンドはその野性味と知性を最高の形で開花させたと言えるかも知れませんね。
勿論、変幻自在なリズム、マスマティカル(数学的)な変拍子の洪水がシンボルとなり、特に海外では “マスロック” “Math-rock” と称される tricot の音楽ですが、多彩を極めるのはリズムだけではありません。”3″ で確かに実現したカラフルで鮮やかな楽曲群、世界観はしなやかにバンドの成熟、進化を伝えています。
また、tricot のその自由な実験精神は CD のパッケージングにも表層化しています。ブックレットもアートワークもなく、透明のケースにただ “3” と書かれただけのミニマルパッケージ盤(1500円)と同時に、クリエイター・チョーヒカルとのコラボレーションによるアートボックス、999枚限定デラックス盤(4500円)を用意。「今通常盤として世に出されている形が果たして今もみんなにとって通常であるのか」。拡散するリスナーの要望と改革の進まぬ音楽産業の落差に疑念を抱き、一石を投じるバンドのチャレンジは実に潔く、大いに賞賛されるべきでしょう。
アルバムオープナー、園子温監督のオリジナルドラマに使用された “TOKYO VAMPIRE HOTEL” を聴けば、tricot がロックの持つ原衝動とインテリジェンス、そしてポピュラリティーをナチュラルに凝縮させていることに気づくはずです。楽曲の持つインテンシティー、パンキッシュな衝動、コンテンポラリーな展開は AT THE DRIVE-IN をも想起させ、その凄みはポストハードコアの領域へと達していますね。
進化の証である、ファストでアグレッシブな2分30秒が過ぎ去ると、バンドは別の顔を見せ始めます。メロディックでキュートな “WABI-SABI” はバンドの真骨頂であり、”TOKYO VAMPIRE HOTEL” の素晴らしきカウンターとして存在しています。tricot らしいポップなヴァースに色を添える楽器隊のコーラス、ハーモニーは楽曲に極上のアトモスフィアをもたらし、同時に生々しいサウンドプロダクションとリズムアプローチの妙は “マスポップ” のパイオニアであることを高らかに宣言しているのです。
実際、椎名林檎のリリカルなムードを内包する “節約家” にも言えますが、2人のギタープレイヤーが創造するインテンスは峻烈で、その意外性に満ちた休符の配置、スタッカートの切れ味、テンションノートの煌めきは作品のコアとして揺るがぬ存在感を放っています。
ダンサブルな “よそいき”、ジャズの息吹を吸い込んだ “DeDeDe”、ボーカルエフェクトや中国語まで活用した “ポークジンジャー” と実にバラエティーに富み色とりどりの作品において、トリッキーなバンドの魅力は “18, 19″ で最高潮に達します。
インタビューで語ってくれた通り、「やりたいこと詰め込んで全部やってやろう」という意気込みで制作されたチャレンジングな楽曲は、実に複雑怪奇。異なるイントロとコーラスのリズムに加え、突然のストップ&ゴーが多発する変則リズムの氾濫は、tricot のクリエイティビティとテクニックを完膚無きまでに見せつけています。特にアクティブでダイナミックなベースラインは群を抜いていますね。
さらにイントロのリズムを注意深く数えれば、”9・9・10・9″ と進行していることに気づくはずです。つまり、”18, 19” とは楽曲の拍子を表しており、タイトルや歌詞、そしてその淡いメロディーから不安定な青春時代の恋愛を想像するリスナーを見事煙にまいているのです。平然と宿された衝撃の”ダブルミーニング”。tricot の虜となる音楽ファンが後を絶たないのも納得ですね。
アルバムは、シンプルにスタートし徐々にコーラスやセブンスコードが重ねられて行く不思議で魅力的なポップチューン “メロンソーダ” でその幕を閉じます。人生を変えたアルバムを見れば分かる通り、貫かれるポップセンスは3人にとって不可欠で、そしてあまりに当然のものとして常に存在しているのでしょう。
今回弊誌では tricot の3人にインタビューを行うことが出来ました。4月には日本が誇るポストロック/ハードコアの祝祭 “After Hours” でプレイし、さらに8月には UK ポストロック/ハードコアの祭典 ArcTanGent への出演も決定しています。
余談ですが、「世に出回ってる tricot の楽譜はだいたい間違っている」そうなので、こちらも画期的な試み “目コピ動画” を公式ショップから購入してみるのも一興です。どうぞ!!

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tricot “3” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【BIG BIG TRAIN : GRIMSPOUND】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH GREG SPAWTON OF BIG BIG TRAIN !!

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Guardian Of Prog, Pride of England, Big Big Train Keeps Getting Bigger And Bigger. The Octet Has Just Released Their Newest Record “Grimspound”! Huge Ensemble Creates The Most Beautiful Tapestries Of The Year.

DISC REVIEW “GRIMSPOUND”

英国プログレッシブのプライド、伝統と熟練の8人編成 BIG BIG TRAIN が壮大なるマスターピース “Grimspound” をリリースしました!!時にフォーキ、時にミステリアス、そして時に無上のメランコリーを放つドラマティックな作品は、プログロックの牙城として実に意義深く聳えたっています。
近年、”プログ” は再びその価値を取り戻し、舞台には様々な若き才能が登場しています。”モダンプログレッシブ” と称されるこのムーブメントにおいて、ある者はメタル、ある者はエレクトロニカ、ある者はポストロック、ある者はアヴァンギャルドへと接近し、そのエッセンスが融解、対流することで多様性を軸とした百花繚乱のプログレッシブサウンドを響かせていることはご存知の通りでしょう。 BIG BIG TRAIN も90年結成とは言え “プログ第三世代” に分類される現代を生きるバンドですが、しかしその “モダンプログレッシブ” の流れとは一線を画しているのです。
YES, ELP, GENESIS, JETHRO TULL。プログロックを創出した偉大な先人たちの遺伝子を色濃く受け継ぎ、伝統をその身へと宿す BIG BIG TRAIN のサウンド、足跡は、レジェンドが失われつつある今、確実にその重要度をさらに増しています。ただ、高いミュージシャンシップと展開の妙、キャッチーでフォーキーなメロディー、幾重にもレイヤーされたシンフォニックなアンサンブル、そして卓越したストーリーテリングの能力を有するバンドは、”ここ10年で最も重要なプログバンド”の一つとして語られる通り、決して第一世代の “Pomp” 代用品ではなく、本物の英傑としてリスナーの信頼を勝ち得ているのです。
2009年の出世作 “The Underfall Yard” でフルート、バンジョー、マンドリン、オルガンなどをこなすマルチプレイヤー/ボーカル David Longdon が加入して以来、BIG BIG TRAIN は人気と共に、その編成もまた “Big” となって行きます。元 XTC の名ギタリスト Dave Gregory を正式に加え6人編成でリリースしたダブルコンセプトアルバム “English Electric” は、多彩な音色を個性と定めたバンドの金字塔だと言えますね。
インタビューにもある通り、当時バンドはライブを行っていなかったためスタジオのみにフォーカスすることとなり、作品にはストリングス、ホーンなど総勢20人弱のゲストプレイヤーが参加。綿密にデザインされたレイヤーサウンドが運ぶ極上の叙情性、情景描写はまさにストーリーテラーの面目躍如。英国の風景を正しく投影し、ステージを想定しない絶佳のアンサンブルを備えた”完璧なる”スタジオアルバムが完成したと言えるのではないでしょうか。
2014年からライブを再開したバンドは、アルバムを再現するために新たなメンバーを物色し、さらに BEARDFISH の鬼才 Rikard Sjöblom とストリングスなら何でもこなす Rachel Hall を手中に収めます。5名がギターと鍵盤両方を演奏可能、ヴァイオリンやフルートもメンバー内で賄える衝撃の8人編成へと進化しリリースした前作 “Folklore” は、タイトル通りトラッド要素を強調しバンドの新たな可能性を提示した意欲作に仕上がり、海外の様々なプログ専門誌で年間ベストアルバムに撰されるシーンの最重要作品となったのです。
最新作 “Grimspound” はジャケットのカラスが示すようにその “Folklore” と対になる作品です。とは言え、ケルトサウンドを前面に配したタイトルトラックで幕を開けた “Folklore” とは対照的に、アルバムはダイレクトにプログロックのダイナミズムを伝える “Brave Captain” でスタートします。静謐でアンビエントなイントロダクションを切り裂きバンド全体が躍動すると、リスナーは1910年代へと時代を遡って行くのです。
David Longdon が紡ぐWW1の英国エースパイロット Captain Albert Ball のストーリーは勇壮にして孤独。その表情豊かで凛々しき歌声は空の”ローンウルフ”が眼前に降臨したかのような錯覚をもたらします。ヴァイオリンと鍵盤が織り成す流麗なダンスは空の主役を際立たせ、シンプルでキャッチーなメロディーのリフレインは勇敢なブレイブキャプテンを讃えます。
実際、ユーティリティーに使用され、時に主役を食うほどの存在感を発するストリングスと鍵盤の活躍は “Grimspound” の特徴だと言えるでしょう。イングランドの忘れられたヒーローたちのストーリーに焦点を当てたアルバムで、Rachel はヴァイオリン、ヴィオラ、チェロを使い分けサウンドに濃淡を刻み、鍵盤隊はシンセ、ピアノ、オルガンを巧みにレイヤーしアルバムのアンサンブルをアートの域まで高めているのですから。
ジャズのインテンスを内包する “On The Racing Line”、フルートの芳醇な響きが郷愁を誘う “Experimental Gentleman” を経てたどり着く “Meadowland” はバンドの今を象徴する楽曲です。確かに “レトロ” がキーワードにも思えた BIG BIG TRAIN はしかし、フォークやエスニックの影響を一層加えることで真に偉大なバンドへとその姿を変えつつありますね。彼らの音楽は一貫してその母国イングランドからインスピレーションを得ていて、かの地の伝承や景色、人物を描き続けています。そして “Meadowland” の素朴で心洗われるトラッドサウンドは、鮮明に緑一面の牧草地帯を、吹き抜ける風を、湿気を孕んだ空気の匂いまでもリスナーにイメージさせるはずです。そうした BIG BIG TRAIN の創出する、イマジネーティブで群を抜いたサウンドスケープは、トラッドの女神 Judy Dyble との詩情豊かなデュエット “The Ivy Gate” に結実しているように感じました。
インタビューにもある通り、コンポーザーが増え続けるバンドは、2009年からEPを含めるとほぼ毎年のように作品をリリースしています。しかし、驚異的な多作にもかかわらず音楽の質は向上の一途を辿っており、”Folklore” から一年経たずに織り上げられた美しきタペストリー “Grimspound” はまさにその素晴らしき証明書と言えるのではないでしょうか。
今回弊誌では、バンドの創立メンバーでメインコンポーザー、流麗なベースラインを聴かせる Greg Spawton にインタビューを行うことが出来ました。日本でも海外と同等の評価を得られるように祈ります。どうぞ!!

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BIG BIG TRAIN “GRIMSPOUND” : 9.8/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【AYREON : THE SOURCE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ARJEN ANTHONY LUCASSEN OF AYREON !!

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The Most Gorgeous Metal Opera In The World, Ayreon Are Back To “Forever” Saga With The Newest Record “The Source” !! Beautiful And Wonderful 70’s Vibes Are Here!

DISC REVIEW “THE SOURCE”

オランダを代表するコンポーザー、マルチプレイヤー、シンガー、そしてプロデューサー、Arjen Anthony Lucassen のメタルオペラプロジェクト AYREON が2枚組90分の一大スペクタクル “The Source” をリリースしました!!AYREON の宇宙を再び拡大し、過去最高とも思えるクオリティーを備えたよりギターオリエンテッドなレコードは、絶佳なる現代のスペースオペラとしてシーンに君臨するでしょう。
“Forever” サーガと称される AYREON のストーリーは、時代も時空も超越した壮大なるSFファンタジー 。まるで “Star Wars” と “The Lord of the Rings” が共鳴し溶け合ったかのような知的かつファンタジックな物語は、実際ロック史に残るエピックとして海外では絶大な人気を誇るのです。
“Forever” サーガのストーリーラインは、アルバムのリリース順に語られる訳ではありません。

「”Forever” とは技術の進歩により長寿の秘密を発見した “Planet Y” に住む水生知的生命体。感情を失い全てを”マシン”に頼るという生き方に進化してしまった彼らは、種族を再度活性化させるため彗星に自らのDNAを託し地球へと送ります。彗星の衝突は地球を支配していた恐竜を滅亡させ、破壊の灰の中から人類が登場したのです。
当初、”Forever” の実験は成功したように思えました。 “Forever”の遺伝子を有する人類は、”Forever” が “マシン”に頼るようになる以前の感情を有していたのですから。しかし、進化をスピードアップさせた “Forever” は、皮肉にも人類が彼らと同様の問題に直面したことを知ります。それはテクノロジーへの依存と感情の危機でした。人類のモラルは発展の速度に追いついてはいなかったのです。”Forever” は人類を自己破壊から救えるのでしょうか?」

これが前々作 “01011001” のプロットであり “Forever” サーガの”エピソード0″に位置する話です。
そこからストーリーはファーストアルバム “The Final Experiment”、つまりエピソード1” へと繋がります。2084年に最後の世界大戦が起こり、火星へと移住し滅亡する運命の人類。2084年の科学者たちはタイムテレパシーで過去へと警告を発し、さらに人類は “Forever” に導かれ様々な時代、人種が滅亡を回避するための行動を続けて行くのです。
“The Source” は “エピソード-1″ に位置するストーリー。さらに時を遡り”Forever” が “Planet Y” へと辿り着く以前の物語が描かれています。

「人類の大きな祖先とも言える “The Alphans” は、環境問題や政治的混乱により危機を迎えていました。彼らの星を守るため “The Alphans” はグローバルコンピューター “The Frame” に全てを託しますが、コンピューターが星を守るために下した結論は、”The Alphans” の根絶だったのです。星から脱出可能な宇宙船は1台だけ。搭乗が許されたのは技術や能力を備えた一部の “The Alphans” のみでした。そうして彼らがたどり着いた惑星こそ “Planet Y” だったのです。
“The Frame” から解放された “The Alphans” は “Forever” と称するようになりました。それはテクノロジーを進化させ開発した、”マシン” により永遠の命を保証されたからに他なりません。しかし同時に “Forever” はテクノロジーに依存しすぎたがためその感情を失い、より高く構築した建物は太陽の光を全て遮り “Age of Shadows” という暗黒の時代を迎えてしまったのです。そうして彼らは地球に DNA を送ることとなったのです。」

ここまで長きに渡り、しかもスムーズにストーリーが繋がると戦慄すら感じますが、作品を通じてテーマとし警鐘を鳴らし続けるのが、”テクノロジーへの依存” がもたらす危険であることは明らかですね。
音楽的には、インタビューにもあるように、Keith Emerson, Rick Wakeman, Jodan Rudess など鍵盤のレジェンドを起用してプログレッシブかつキーボードオリエンテッドに仕上げた前作 “The Theory of Everything”、そして Anneke van Giersberge とタッグを組んだ “女性的な” GENTLE STORM のリアクション、反動として、”The Source” は非常にキャッチーでヘヴィーなアルバムに昇華されています。
重厚かつ絢爛なアルバムオープナー “The Day That The World Breaking Down” から登場しアルバムの要所で現れる、ハモンドと絡むヘヴィーなメインギターリフが DREAM THEATER の “Erotomania”, “Voices” に極めて酷似している点にはギョッとしますが、James LaBrie が参加しているのでおそらく問題はありません。
実際、オマージュこそが “The Source” のキーワードだと言えるでしょう。 インタビューにもあるように、Arjen は彼のロック/メタル、特に70年代に対する憧憬を隠そうとはしていませんね。例えば “Everybody Dies” “Journey to Forever” が QUEEN への愛情が込められたラブレターだとすれば、”Run! Apocalypse! Run!” “Into The Ocean” は RAINBOW の新作に対する督促状かも知れません。何よりも、Freddie Mercury や Dio の役割を問題なく果たすことの出来る Mike Milles や Russell Allen といった極上のシンガーたちを発見し、適材適所にオペラの “俳優” として重用する Arjen の才覚には脱帽するばかりです。
あなたがもしクラッシックロックのファンならば、アルバムを聴き進めるうちに JETHRO TULL, STYX, PINK FLOYD, Kate Bush, さらには同郷の FOCUS などを想起させる場面に出くわしニヤリとすることでしょう。しかし同時に Arjen の巧みで見事過ぎるコンポジションにも気づくはずです。
多弦ギターやエレクトロニカなどモダンな要素も吸収し、インタビューにもあるようにフォーク、メタル、アトモスフィア全てを調和させメロディーとフック、そしてダイナミズムに捧げたアルバムはまさにエピカルなメタルオペラの金字塔として後世に語り継がれていくはずです。
今回弊誌では、Arjen Anthony Lucassen にインタビューを行うことが出来ました。残念ながらツアーは引退したそうですが、これだけの内容をメンバー集めから全てほぼ1人でを制作し続けているのですから当然という気もします。どうぞ!!

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AYREON “THE SOURCE” : 10/10

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