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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JAGA JAZZIST : PYRAMID】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH LARS HORNTVETH OF JAGA JAZZIST !!

“I’ve Listened To Tomita’s Albums For Years And It Felt Really Natural To Combine This Inspirations Of Warm Synth Sounds With The Analogue And Organic Sounds Of The Drums, Guitars, Horns And Vibraphone. We Spent a Lot Of Time Making The Synth Melodies Sound As Personal And Organic As Possible, Like a Horn Player Or a Singer. Tomita Was The Biggest Reference To Do That.”

DISC REVIEW “PYRAMID”

「アルバムの音楽を表現するために、何か象徴的なものが欲しかったんだ。今回の音楽はかなり壮大で、ピラミッドの四方や外壁、そしてその中にある神秘的な部屋を音楽で表現することができたと感じたわけさ。」
人類史において最もミステリアスな古代の巨石建造物ピラミッドは、興味深いことに過去と未来を紡ぐノルウェーのフューチャージャズ集団 JAGA JAZZIST 5年ぶりの帰還に最も相応しいアイコンとなりました。
「Ninja Tune とはスケジュールの問題があったんだ。彼らは今年、非常に多くのリリースを抱えていたから。Brainfeeder への移籍は今のところいい感じだよ。僕たちが大好きなアーティストと同僚になれて誇らしいね。」
ジャズを王の眠る部屋だとするならば、そこから無数に伸びる通路が繋ぐ音の部屋こそ JAGA JAZZIST の真骨頂。エレクトロニカ、ミニマル、クラシカル、ポストロック、プログロックと接続するエクレクティックな内部構造、360度見渡せる “神秘の部屋” の有りようは、奇しくも FLYING LOTUS が主催し Kamasi Washington, Thundercat といったジャズの新たなファラオが鎮座する Brainfeeder の理念や野心と完膚なきまでに符合しました。
「たしかにシンセとそのシンセサイザーでの音の出し方に関して、冨田勲に大きなインスピレーションを受けたね。この “Tomita” という曲だけじゃなく、アルバム全体にも影響を与えているんだよ。」
前作 “Starfire” と比較してまず驚くのが “エッジ” の減退と “オーガニック” の伸長でしょう。”Starfire” に見られたアグレッシブなダブやエレクトロニカのサウンドは影を潜め、一方で70年代のプログやフュージョンに通じる神秘的な暖かさが作品全編を覆っています。ある意味、Miles Davis があの時代に描いたスケッチを、現代の技巧、タッチで復元するような冒険とも言えるでしょうか。
特筆すべきその変化は、JAGA JAZZIST の主催 Lars Horntveth が9回も訪れているという、日本が輩出した偉大な作曲家、シンセサイザーアーティスト冨田勲の影響によって引き起こされました。
「彼の温かみのあるシンセサイザーの音に受けたインスピレーションと、ドラム、ギター、ホーン、ビブラフォンのアナログで有機的なサウンドを組み合わせるのはとても自然なことだと感じたわけさ。シンセのメロディーを、ホーン奏者やシンガーのようにできるだけパーソナルでオーガニックなサウンドにするため多くの時間を費やしたんだよ。その手法において、最も参考になったのが富田だったんだ。」
暖かく有機的なアコースティックな楽器の音色を、シンセサイザーという機械で再現することに人生をかけた冨田勲。ゆえに、彼がアナログシンセで奏でるメロディーの夢幻は唯一無二でした。その理想をユニゾンの魔術師 JAGA JAZZIST が8人がかりで現代に蘇らせるのですから面白くないはずがありませんね。
アンビエントからラテン、さらに Chris Squire を想起させるベースフレーズでプログの世界まで到達する “Tomita”。ボレロとファンク、それに夢見がちなサウンドトラックが合わさり最古のミニマルミュージックをアップデートした “Spiral Era”。Fela Kuti の魂、Miles Davis の遺志と共鳴しながらユニゾンと対位法、ポリリズムのカオスで圧倒する “The Shrine”。ネオンを散りばめたジャズ/フュージョンのダンスフロア “Apex”。そのすべては、壮大で美しく、奇妙で夢のようなピラミッドを形成するレトロな未来なのでしょう。
ロックの視点で見れば、”Kid A” 以降の RADIOHEAD や TAME IMPALA まで因数分解してヒエログリフに刻むその慧眼をただ崇拝するのみ。
今回弊誌では、Lars Horntveth にインタビューを行うことができました。「この楽曲は彼の音楽へのオマージュであるのみならず、偉大な政治家としての Fela Kuti に捧げた音楽なんだ。この曲がタイトルに沿った “聖堂” であることを願っているよ。彼の人生と魂に語りかける楽曲になっているとしたら、それは僕たちにとってボーナスのようなものさ。」どうぞ！！

JAGA JAZZIST “PYRAMID” : 10/10

INTERVIEW WITH LARS HORNTVETH

Q1: First of all, it’s really hard time now due to corona virus, especially the musical industry. And recently, BLM movement is spreading from the US. What’s your thoughts on the current global situation?

【LARS】: I think it´s been an extremely tough time since Trump got elected and I´m in shock how far he´s willing to go to keep his position. I really hope for a change both in the states and Europe and that more suited people can govern us all. The COVID-19 situation came on top of all the other madness and here we are. So sad. I hope the BLM movement will change things around the globe and that we can tackle the virus as best as possible in an unpolitical fashion. Crossing my fingers!
I also hope that we can play concerts soon, but for me, it´s not worth risking my life for it. So for now, I´m content with working in my studio and make music. The situation is heartbreaking really. I´m lucky that I live in a small country like Norway where the Corona virus is relatively under control.

Q1: コロナ危機から Black Lives Matter と、世界は激動の時を迎えていますね？

【LARS】: トランプ氏が当選して以来、非常に厳しい時代になったと思う。彼が自分の地位を維持するため行なっていることに、ショックを受けているよ。僕はね、アメリカとヨーロッパの両方で変化が起こり、より適した人々が統治できるようになることを心から願っているんだ。
COVID-19の状況は、結局他のすべての狂気の上に成り立っているんだよ。とても悲しいことだよね。BLM運動が世界中の状況を変えることを願っているよ。そして、僕たちが政治的でない方法で、可能な限りこのウイルスに立ち向かうことができればとね。願いをこめるよ！
僕も早くコンサートができることを願っているけど、ただ僕にとってそれは命を賭けるほどの価値まではないんだ。だから今のところは、自分のスタジオで仕事をして音楽を作ることに満足しているよ。この状況には本当に心を痛めているけどね。
ノルウェーのような小さな国に住んでいて、コロナウイルスが比較的コントロールされていることを幸運に思っているんだ。

Q2: “Pyramid” is the first album after moving to Brainfeeder from Ninja Tune, where you were belonging to for many years. Could you tell us why you changed labels? Was there a part of you that felt sympathy for artists like Flying Lotus, Thundercat?

【LARS】: We had a scheduling issue with Ninjatune, they had too many releases this year basically. Changing label to Brainfeeder has been really good so far and we´re proud to be on their roster among with such great artists that we´re big fans of.

Q2: さて、最新作 “Pyramid” は長年所属した Ninja Tune から Brainfeeder に移籍してはじめての作品となりました。
ある意味、所属アーティストの FLYING LOTUS や THUNDERCAT に共感を覚えた部分があったのでしょうか？

【LARS】: Ninja Tune とはスケジュールの問題があったんだ。彼らは今年、非常に多くのリリースを抱えていたから。
Brainfeeder への移籍は今のところいい感じだよ。僕たちが大好きなアーティストと同僚になれて誇らしいね。

Q3: Interestingly, the title of the album, which consists of four tracks, is a pyramid consisting of four sides. And “Pyramid”‘s artwork is reminiscent of ’70s prog rock. Did you have in mind the mysterious mood of that era?

【LARS】: We wanted something iconic to represent the music. We felt that the music was pretty epic this time and that the music could represent the four sides/surfaces of the pyramid and the mysterious rooms within it. Also, we´re working with our longtime designer Martin Kvamme who´s always coming up with amazing visual ideas. Some of the music is definitely inspired by 70s prog, but that´s just one of many inspirations and references for us.

Q3: “ピラミッド” はもちろん4つの面から成りますが、アルバムも4曲収録ですね。70年代のプログロックを想起させるミステリアスなアートワークも素晴らしく、あの時代のロマンを感じさせます。

【LARS】: アルバムの音楽を表現するために、何か象徴的なものが欲しかったんだ。今回の音楽はかなり壮大で、ピラミッドの四方や外壁、そしてその中にある神秘的な部屋を音楽で表現することができたと感じたわけさ。
また、長年のデザイナーである Martin Kvamme と今回も一緒に仕事をしているんだけど、彼はいつも素晴らしいビジュアルアイデアを出してくれるんだ。
君が言うように、音楽の中には70年代のプログロックにインスパイアされた部分もあるんだけど、それは僕たちにとって多くのインスピレーションのうちの一つに過ぎないんだよ。

Q4: “Tomita” is a song that shows a lot of respect for Isao Tomita. He has a unique sound that’s instantly recognizable as him when he plays warm analog-synthesizers, did those aspects resonate with you guys?

【LARS】: When it comes to synths and how to play these sounds on the synthesizer, Isao Tomita was a huge inspiration. Not only on the song Tomita, but one the album as a whole. I´ve listened to his albums for years and it felt really natural to combine this inspirations of warm synth sounds with the analogue and organic sounds of the drums, guitars, horns and vibraphone. We spent a lot of time making the synth melodies sound as personal and organic as possible, like a horn player or a singer. Tomita was the biggest reference to do that.

Q4: “Tomita” は冨田勲に大きなリスペクトを捧げた楽曲ですよね？ アナログシンセをプレイすると、すぐに彼だと分かる温かなサウンドを奏でていた音楽家です。

【LARS】: たしかにシンセとそのシンセサイザーでの音の出し方に関して、冨田勲に大きなインスピレーションを受けたね。この “Tomita” という曲だけじゃなく、アルバム全体にも影響を与えているんだよ。
僕は彼のアルバムを何年も聴いてきた。だから、彼の温かみのあるシンセサイザーの音に受けたインスピレーションと、ドラム、ギター、ホーン、ビブラフォンのアナログで有機的なサウンドを組み合わせるのはとても自然なことだと感じたわけさ。
シンセのメロディーを、ホーン奏者やシンガーのようにできるだけパーソナルでオーガニックなサウンドにするため多くの時間を費やしたんだよ。その手法において、最も参考になったのが富田だったんだ。

Q5: There has been a song called “Shinkansen” before, and you seem to be drawn to Japanese culture, right? Speaking of Japan, we produce a lot of great video game music, but do you ever listen to it?

【LARS】: I´ve been to Japan nine times and always spend a week or two when I´m there. I just love it. A very different culture to anything else I know.
I haven´t listened that much to the video games music, but I will now!

Q5: 以前にも “Shinkansen” という楽曲がありましたし、あなたは日本の文化に深く傾倒しているようですね？

【LARS】: 何しろ、これまで日本には9回も足を運んでいるからね。そしてどの訪日も、少なくとも1,2週間は滞在しているんだ。ただ大好きなんだよ。僕の知るなによりも、とても異なる文化だからね。
これまで、ビデオゲームの音楽はあまり聴いてこなかったんだけど、これから聴いてみるよ！

Q6: “The Shrine” refers to Fela Kuti’s African Shrine, right? It’s a song that speaks to his life and soul, not only to mention Afrobeat, would you agree?

【LARS】: It´s an hommage to his music for sure and he was a great political figure. I hope the song lives up to the title! If the song speaks to his life and soul, that´s a bonus for us, hehe.

Q6: “The Shrine” は Fela Kuti が設立したアフリカ・シュラインと関連していますよね。アフロビートだけでなく、彼の人生や魂にもコネクトしたような楽曲です。

【LARS】: そう、この楽曲は彼の音楽へのオマージュであるのみならず、偉大な政治家としての Fela Kuti に捧げた音楽なんだ。この曲がタイトルに沿った “聖堂” であることを願っているよ。
彼の人生と魂に語りかける楽曲になっているとしたら、それは僕たちにとってボーナスのようなものさ。

Q7: “Spiral Era” was inspired by the Rabel’s bolero, right? In a sense, I think it’s the first minimalist music of mankind, did you feel empathy for it in that sense?

【LARS】: Yes, the song was definitely inspired by Bolero´s form. An easy melody repeated and ornamented over endless repetitions. Of course it´s very different, but it´s our modern take on the bolero as a song structure in general.

Q7: “Spiral Era” はラベルのボレロにインスパイアされた楽曲だそうですね？
ある意味、あの楽曲は人類初のミニマルミュージックだと感じるのですが、そういった点で親近感を覚えた部分はありますか？

【LARS】: そうだね、この曲は間違いなくボレロの形式にインスパイアされている。簡素なメロディが延々と繰り返され、徐々に装飾されていく。
もちろん、非常に異なるものではあるけど、曲の構造としてのボレロを現代風にアレンジしたものなんだ。

Q8: Regarding jazz bands, I feel you and Snarky Puppy bring jazz new territory. What’s your perspective about Snarky Puppy’s music?

【LARS】: To be honest I haven´t checked them out much. But I take that as a great compliment!

Q8: ジャズバンドという括りで言えば、あなたたちと SNARKY PUPPY がジャズの新たな扉を開く二大勢力だと思います。
彼らについてはどう感じていますか？

【LARS】: 正直言って、SNARKY PUPPY はあまり聴いたことがないんだよね。でも素晴らしい賛辞と受け取るよ！

TEN ALBUMS THAT CHANGED LARS’S LIFE

JON BALKE’S MAGNETIC NORTH ORCHESTRA “FUTHER”

CORNELIUS “POINT”

APHEX TWIN “ALL ALBUMS”

PUBLIC ENEMY “FEAR OF A BLACK PLANET”

JON HOPKINS “IMMUNITY”

MILES DAVIS & GIL EVANS “SKETCHES OF SPAIN”

WILCO “YANKEE HOTEL FOXTROT”

MANUEL GOTTCHING “E2-E4”

MOTORPSYCHO “ANGELS AND DAEMONS AT PLAY”

FELA KUTI & GINGER BAKER “LIVE!”

MESSAGE FOR JAPAN

We can’t wait to come back and play for you! It’s been too long and Japan is our all time favorite places to both play shows and travel! Hope to see you soon, hopefully in 2021!

また日本に戻って、君たちのためにプレイするのが待ちきれないね！
最後に行ってからだいぶ時間が経つけど、日本は僕たちにとって演奏でも旅行でも一番好きな場所なんだ。すぐに会えるといいな。2021年にね！

LARS HORNTVETH

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【COVET (YVETTE YOUNG) : TECHNICOLOR】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH YVETTE YOUNG OF COVET !!

“I Personally Do Feel Like There’s a Lot Of Stereotypes And Preconceptions Floating Around, And I Look Forward To Continuing To Work Hard So I Can Be a Better Example Of What Is Possible To Younger Girls.”

DISC REVIEW “TECHNICOLOR”

「”Technicolor” とは、かつて古いフィルムを着色するために使用された懐かしい方法だから、適切な名前だと思ったの。アルバムの音楽の多くは、私の中に少しノスタルジアを呼び起こしていると思うのよ。トーンや高揚感のおかげでね。」
褪せたフィルムに色を差せば、浮かび上がるは感情。決して万人には訴求しない難解多動なマスロック/プログレッシブの領域に、COVET と Yvette Young は夢見がちに懐かしき音の虹をかけて色彩豊かな華の架け橋となりました。
「あれは私が今まで経験した中で最悪の出来事の一つだったわ。音楽業界（そしてそのシーン全般）には依然として女性に大きな偏見があって、混乱の多い場所であることを学んだと思うわ。それにね、何か悪いことが起こっているときは決して静観しないことが常に最善であることも学んだわ。だって、黙っていれば、誰かがバンドの力と権力を乱用し続けることを許してしまうから。」
順風満帆に思えたマスロックイーンのキャリアは今年初頭、強大な嵐にさらされました。PERIPHERY のギタリスト Mark Holcomb との不倫騒動が巻き起こったのです。Mark 本人からの冷たい言葉に加えて、彼のファンベースからも心ない差別、中傷を受けた Yvette は傷つき、悩み、そして遂に毅然と声をあげました。
憶測が飛び交っているから自分の言葉で真実を伝えたい。Yvette は Mark が妻とは別居し離婚したと嘘をついて妻と彼女2人との二重生活を続けたこと、都合が悪くなると彼女をブロックし脅迫まで行ったこと、心労でセラピーに通わざるを得なくなったことを正直に透明に明かしたのです。
「私は成すことすべてにおいて、自分自身に問いかけているの。どんなシーンに存在していたい？ ミュージシャンが性別や肌の色を問わず本当に活躍できるシーンとは？その場所へどうやって貢献できる？仕事やパフォーマンスをしているときは、いつもそれを心に留めておくのよ。シーンの将来に希望を抱いているわ。」
固定観念や先入観が禍々しく漂う分断された世の中で、Yvette の勇気が切り開く色彩は後続のマイノリティーが差別や不利益を受けることのない未来。女性であること、アジア系の出自を誇れる未来。”Technicolor” はそんな Yvette の決意と優しさが込められた新たな旅路となったのです。
「音楽がメロディックでもエモーショナルでもないテクニカルな演奏技巧には興味がないことに気づいたのよ。だから将来的には、もっとドリーミーでエモーショナルでメロディックな世界を探求したいわ。」
目まぐるしいテレキャスターのブライトなサウンドと、フレットボードを駆け巡るポリリズミックなタップダンスに端を発する COVET の音世界は、よりオーガニックに、よりアトモスフェリックに、よりエモーショナルにリスナーの心を溶かします。
「”Parachute” と “Farewell” を書いたとき、私はすぐにギターに重なるボーカルラインが浮かび歌い出し、歌詞はあとから浮かんできたの。歌が加えられてやっと楽曲が完成したと感じたわ！そうそう、私のフェイバリットシンガーは宇多田ヒカルなのよ。彼女を聴いて育ったから。」
中でも自身のボーカルを加えたエセリアルな “Parachute” とジャジーな “Farewell” は、新生 COVET の象徴でしょう。前作の “Falkor” と対をなすネバーエンディングストーリー組曲 “Atreyu” のイノセントな響きも極上ですし、彼女のヒーロー CASPIAN の Philip Jamieson がトレモロの嘆きを付与する “Predawn” の叙情も筆舌に尽くしがたい音恵でしょう。
今回弊誌では、Yvette Young にインタビューを行うことができました。「音楽シーンにおけるセクシズムと正面から闘うことが重要だと思う。このトピックにアプローチする方法はたくさんあるわね。だけど最近、性差別について話しすぎると報復を多く受けてしまうように感じるわ。それが実際に人々をこの話題から遠ざけている可能性もね！」 POLYPHIA, Ichika とのシンクロニシティーも必見。どうぞ！！

COVET “TECHNICOLOR” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DIZZY MIZZ LIZZY : ALTER ECHO】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH TIM CHRISTENSEN OF DIZZY MIZZ LIZZY !!

PHOTO BY JANNICK BOERLUM

“Pelican Is a Big One For Me. As Is Russian Circles. MONO From Japan Is Also a Favourite. And There Are So Many More. Elder, Uncle Acid, YOB, Kerretta, Earth, Electric Wizard, Katatonia, Lowrider, Gojira, And I Could Go On.”

DISC REVIEW “ALTER ECHO”

「”Alter” は異なるとか、オルタナティブとか、何かをアップデートしたものって意味でさえある。そして “Echo” はサウンドの反響。僕たちはこの2つの言葉を合わせて新作の完璧なタイトルにしたんだよ。文字通りの意味を感じているね。つまりバンドとしてアップデートされた新たなサウンドって意味さ。」
人々が自らの別人格、”Alter Ego” と向かい合う奇妙な潮合いとなったコロナパンデミック。奇しくもこのタイミングで発表された DIZZY MIZZ LIZZY の最新作 “Alter Echo” は、文字通りバンドの別人格を浮き彫りにしながら、リスナーの心象風景へより深く侵入し、より親密に寄り添います。
「PELICAN は僕にとってとても大きな存在だよ。RUSSIAN CIRCLES や日本の MONO と並んで大好きなんだ。他にもたくさん好きになったバンドはいるよ。ELDER, UNCLE ACID & THE DEADBEATS, KERRETTA, EARTH, ELECTRIC WIZARD, KATATONIA, LOWRIDER, GOJIRA などなどだね。」
90年代初頭、デンマークから自由躍動のトリオが登場した時、おそらく多くのリスナーは RUSH や THE BEATLES の影に、典型的なハードロックやメタル領域から離れた DNA を隠し持っていると感じたはずです。
それはきっと NIRVANA であったり、SMASHING PUMPKINS といった当時 “オルタナティブ” と呼ばれた異端からの影響でした。つまり、DIZZY MIZZ LIZZY は結成当初から好奇のアンテナを張り巡らせ、音のブレンドを楽しむ卓越した料理人であったのです。
DML が世界から消えた20年でメタルの血は劇的な進化を遂げました。モダン＝多様性のモダンメタルワールドで、さまざまなサブジャンルが勃興し、絡み合い、その枝葉を伸張させていったのです。ゆえに目覚めた3つの好奇心の塊が、革新を遂げたその原点へと引き寄せられたのはある種の必然だっと言えるでしょう。
実際、映画の序章のごとき “The Ricochet” を道標に幕を開ける “In The Blood” の躍動するドラム、反復のリフワーク、沈み込む重低音はたしかに PELICAN や RUSSIAN CIRCLES が最新作で放った暗く生々しい轟音の波動と素晴らしくシンクロしています。そしてその音信号はさながらニューロンとシナプスの関係のように、”Boy Doom”, “Amelia” 第二楽章などレコードの各所へとしなやかに伝達されていくのです。
「スラッジ、ドゥーム、ストーナー、ポストロック、プログメタル、ポストメタル、サイケデリック、スペースロックといったサブジャンルを深く知れば知るほどインスパイアされるんだ。」
ただし、”Alter Echo” は決してポストロック/メタルのみに触発されたレコードではありません。作品に漂うシンセサイザーやメロトロンの嫋やかな響きはきっと ELDER のような現代的なプログレッシブドゥームにも通じ、重厚で泥臭いブルースの香りは UNCLE ACID のストーナーサイケをイメージさせるはずです。
バンド史上最も胸を打つ “The Middle” の幽玄に KATATONIA の亡霊を感じ、”California Rain” の複雑怪奇に GOJIRA を想うリスナーも多いでしょう。
そして多種多様な実験と挑戦を下敷きにしながら、DIZZY MIZZ LIZZY のトレードマークである北欧由来のメランコリー、時をかけるノスタルジア、ひとかけらのアイロニーを以前よりもさらにその印象を増してリスナーに届ける彼らの哲学はやはり傑出した異端でしょう。ここにきて、バンドの演奏はもとより、Tim の声色、ギタートーンまで全てが張り詰め漲っている事実も心強い限り。
今回弊誌では、Tim Christensen に二度目のインタビューを行うことができました。「RUSH には大きなリスペクトを捧げているし、バンドとしての RUSH またドラマーとして Neil Peart の重要性もよく心得ているつもりだよ。だけど僕にとって彼らは深く聴き込んだり、心から繋がったバンドだったことはないんだ。DML の全員がそうだね。」どうぞ！！

DIZZY MIZZ LIZZY “ALTER ECHO” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【BIG|BRAVE : A GAZE AMONG THEM】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH BIG|BRAVE !!

“I Believe That Language Choice Of Words And Phrasing, Has a Lot To Do With The Collective Mindset Of The People. Being Singled Out Because Of My Gender Automatically Negates My Worth And Work As a Musician.”

DISC REVIEW “A GAZE AMONG THEM”

「私は時々、BIG|BRAVE はどんなシーンとも全く繋がっていないんじゃないかと思う時があるの。それは、最初から特定のジャンルの音楽を作ろうと望んだことがないからだと思うの。私たちは自らの理論を概念化し、そこから前進していったから。」
ビジュアルアーツの背景から音楽世界に転進した異能の勇士は、定型化されたヘヴィーの概念へと挑戦します。
「私は、Mathieu と真剣に音楽を始めるほんの一年前にギターを手にしたの。公の場所で歌ったこともなかったのよ。実際、このバンドが誕生するまで、私は自分の声をどれだけ “使用” できるのか分からなかったくらいなの。」
バンドの顔である麗しの Robin Wattie は、自らの音楽経験が相当に不足していたことを素直に認めました。故に、BIG|BRAVE の旗揚げには文字通り “大きな勇気” が必要だったとも。
ただしその無垢なる履歴書は、紡がれた歴史の中で同質化が進んだ “ヘヴィネス” が元来有した “様々な姿形” を暴き出すにはむしろ好都合だったとも言えます。既存のあらゆるジャンルへと、従属を拒む選択もまた勇気。
ドゥーム、ドローン、ポストメタル、ポストロック、シューゲイズ。BIG|BRAVE を形容する看板は数あれど、確かにそのどれもがモントリオールの怪物を適正に言い表しているようには思えません。例えば、SUMAC の如くその全てを混交したハイブリッドのキメラならば少しは近づくでしょうが。
「単一のコードパターンを使用する場合、コード進行を考えたり聴いたりする必要はないよ。存在しないんだからね！故にその基盤に重ねる歌のフィーリングと音の階層にフォーカスすることが可能なんだ。そうすることで、リスナーをより容易く恍惚状態へと導ける。実にリズミカルなドローンさ。」
Mathieu は、”ワンコードでどれだけ興味深い音楽が作れるか” をバンドの命題に掲げています。その矛盾したテーマ、制限的なやり方はしかし一方で HEILUNG も言及していた “安定したビートを長時間浴びる時に起こる魔法、トランス状態で我を忘れる経験” をもたらすことが可能でしょう。
ただし、エレガントに難題をクリアする “A Gaze Among Them” を聴けば伝わるように BIG|BRAVE に流れるのは、Tony Conrad や Steve Reich といったミニマリストの柔軟な血脈です。
オープナー “Muted Shifting of Space” はある種象徴的でしょう。動的な和声の流れを拒絶して、様々な色調、音色、サウンドエフェクトがその代役を務めます。躍動するメロディーラインとリズミカルなタッチは、コードの動きを極力封じることで即興の自由、スポンティニュアスなイメージを得られたからこそ生まれました。
SUNN O))) のドローンとは明らかに異なるスロウバーン。野生で呪術的、しかしアクセシブルで感情に訴えかける音の葉の力強さは、Robin の本能、ジャズの背景に依るところが大きいのかも知れませんね。
「その質問をしてくれてありがとう。」セクシズムやミソジニーについて Robin はどうしても自らの言の葉を記しておきたかったようです。
「私は言葉や言い回しの選択って、人々の集団心理に大きく関係していると思うのよ。ただ私の性別だけで選ばれるとしたら、ミュージシャンとしての私の価値と仕事は自動的に無意味なものとなってしまうのよ。」
ダークディーバ、メタルプリンセス。Robin はそういった音楽と無関係な部分を売り物にする気はありません。きっと2020年代は、フィーメールフロンテットとわざわざ記すことを取り払うべき時代でしょう。性別は決して “ジャンル” ではないのですから。
“A Gaze Among Them” はつまり音響的な瞑想により自らをその肉体と切り離し、世界と共感、もしくは阻害を感じる作品かも知れませんね。”Them” 大衆の視線と自らの視線が交わる時、”既存のジャンルや価値観に当てはまる必要” はそれでもきっとないはずです。
今回弊誌では、Robin & Mathieu にインタビューを行うことが出来ました。「言語の選択に気をつけなければ、色とりどりの女性が一生懸命行ったことを評価する以前に、女性に制約を追加してしまうわ。それはほとんどの女性が知らずに持ち歩く内面化されたミソジニーを補強してしまうことにも繋がるの。」
GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR の Thierry Amar, LINGUA IGNOTA や THE BODY を手がける Seth Manchester のクレジットも納得。どうぞ！！

BIG|BRAVE “A GAZE AMONG THEM” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【WE LOST THE SEA : TRIUMPH & DISASTER】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MARK OWEN OF WE LOST THE SEA !!

“People In Music And In All Walks Of Life Have Always Faced Depression And Anxiety And Maybe We Are Just Better At Recognising It Out Now.”

DISC REVIEW “TRIUMPH & DISASTER”

「僕は、ミュージシャンだから苦痛に苛まれているとか、芸術には苦痛が必要だといった決まり文句のようなものでこの問題を茶化したり、単純化しすぎたりするのは嫌いなんだ。音楽に関わる人だけじゃなく、あらゆる分野の人々は常に鬱や不安に直面していると考えているから。」
シドニーが誇るポストロック/メタルの俊英 WE LOST THE SEA は、最新作 “Triumph & Disaster” で気候変動と天然資源の枯渇により崩壊の刹那でゆらめくディストピアな世界を描いています。
バンドにとって、荒廃したこの惑星の未来を語ることは定められた運命だったのかも知れませんね。なぜなら彼ら自身も破滅の瀬戸際にその身を置いていたのですから。
ジャムロックの海風を浴びながらその音景の壮観を存分に拡大していたバンドは2013年、ボーカリスト Chris Torpy を自死により失います。心揺さぶるリリック、熱気に満ちたパフォーマンス、何より長年の友人だった核を失い、残されたメンバーは無限海溝の淵へと沈んでいきました。
CULT OF LUNA スタイルのポストメタルを追及した “Crimea”, “The Quietest Place ‘n Earth” において、Chris の正直で生々しいスクリームは不可欠な要素でした。バンドの肝であるダイナミクスから Chris の声、性格、文章がそっくりそのまま欠落してしまう。未来は不安に、過去は苦痛へと変わり、虚無からの再出発に彼らは2つの約束を定めます。
「彼はバンドにとって不可欠なメンバーだった。音楽的にも、人間的にもね。だから誰も彼の穴を埋めることは出来ないんだよ。 」
Chris のためにもバンドを続けること。Chris の後任を求めないこと。ギタリスト Mark は当時、深い闇の奥にありながら “音楽が負のエネルギーを集中するための素晴らしい方法” だと認識していました。
WE LOST THE SEA を蘇らせたのは、皮肉にも離陸後73秒で爆発し7人の乗組員が亡くなったスペースシャトル”チャレンジャー”の事故でした。宇宙探査をまた一歩前に進めた死に至る勇敢な航海。彼らは乗組員たちと Chris の姿を重ね “Departure Songs” を完成へと導きます。
チェルノブイリの災害やロバート・スコットの南極遠征さえインスピレーションの一翼を担ったアルバムは、完全にインストゥルメンタルで、Chris の居場所はトレモロのメロディーや荘厳なコードワークへと静かに移行していたのです。
音の風景を楽器のみでよりアトモスフェリックに、よりディプレッシブに投影する術を学んだ WE LOST THE SEA。皮肉なことに、”Departure Songs” の美しい嘆きの音の葉は、世界を共鳴させバンド史上最大の成功をもたらすことになりました。
ライブ会場は、鬱や不安に苛まれる人々のセラピーの場所となり、バンドの音楽は困難に立ち向かう彼らを抱擁し大きな助けとなったのです。実際、メンバーが “美しき鬱” と定める Chris の遺志は、こうしてチャレンジャー号と同様残された者の推進力となりました。
「意図的に荒涼としたレコードを書き始めたんだ。実際、アルバムに希望を持たせるべきかどうかを議論したんだよ。そして最終的に、希望なしで何かを示すことは出来ないだろうという結論に達したね。」
“Triumph & Disaster” は “Departure Songs” のナチュラルなフォローアップ。同様に絶望や鬱、不安をその音に宿していますが、治療やセラピーという内なる場所から誰もが憂慮する環境問題へ目を向けた成熟のアート作品だと言えるでしょう。そして、崩れゆく世界にも存在する親子の愛はアルバムにおける一握りの希望となりました。WE LOST THE SEA に再び歌声をもたらした母の賛美歌 “Mother’s Hymn” はまさにその象徴でしょう。
「もし正直で心を動かすパワフルな音楽を書くとしたら、心の底から本心であたらなければならないよ。 」
亡き Chris、そして自らの音楽を語るとき、バンドは “Honest” “Real” の言葉を必ず使用しています。全てにおいて正直である。それはきっと “喪失” の長いトンネルに苦しみ抜いた彼らにとって1つの光明であり、出口だったのかも知れませんね。
今回弊誌では Mark Owen にインタビューを行うことが出来ました。「僕はね、早い段階でほとんどの人が音楽に宿る “でたらめ” をすぐに見破ることができると学んだんだ。もっともらしく正直である風を装っても、すぐそれを見破ってしまう。歌詞がなく、それでも感動的なアイデアを書こうとしている “ポスト” の世界の人々はこの本質を理解していて、その使い方を知っているんだと思うな。」 どうぞ！！

WE LOST THE SEA “TRIUMPH & DISASTER” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ALARMIST : SEQUESTERER】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ALARMIST !!

“‘Post-rock’ Used To Be a Useful Catch All Term That Included All Of The Things You Just Listed To Describe Our Sound, Particularly For Bands Like Tortoise, Stereolab, Slint, But Now Seems It’s Gotten Very Specialised To a Certain Type Of Slow-burning Reverby Sound.”

DISC REVIEW “SEQUESTERER”

「アイルランドは小さな国だけど、沢山の有名なインストゥルメンタルバンドを輩出しているよね。その大きな理由は、おそらく00年代初期に THE REDNECK MANIFESTO がこの国でとても人気があったからだと思うんだ。」
THE REDNECK MANIFESTO, GOD IS ASTRONAUTS, ADEBISI SHANK, AND SO I WATHCH YOU FROM AFAR, ENEMIES。00年代初期に勃興したアイルランドのインストゥルメンタル革命は、ポストロックの情景とマスロックの知性を巧みに組み込みながらそのユニークな音脈を紡ぎ続けています。
「”ポストロック”は、僕たちのサウンドを説明するための便利なフレーズだったね。ただ、今となってはリバーブをかけた緩やかに燃えるような特定のサウンドを指すようになっていると思う。」
穏やかに多幸感を運ぶアトモスフェリックなサウンドスケープのみを追求せず、実験性、多様性、複雑性を同時にその理念へと宿す ALARMIST はまさにアイルランドに兆した特異性の申し子だと言えるでしょう。
“ポストマスロック”。モダンなインスト音楽の領域にとって不可欠なポストロック、マスロックのみならず、エレクトロニカ、ジャズ、チェンバー、サウンドトラックにゲーム音楽まで貪欲に飲み込む騒々しき野心家 ALARMIST に付属したタグは、そうして自らが呼称する “インスト過激主義者” のイメージと共に新時代の到来を激しく予感させています。
「僕たちはパートをスワップするのが好きなんだ。パートごとよりもアンサンブル全体を考えて作曲しているからね。」
ALARMIST が過激派たる由縁は、担当楽器のユーティリティー性にもあると言えます。カルテットからトリオへと移行する中でツインドラムの奇抜は失われましたが、それでもメンバー3人は全員が鍵盤を扱えますし、ギタリストとキーボーディストの境界さえ曖昧。さらに管楽器やアナログシンセ、トイピアノにダルシマーまで駆使してその音のキャンパスを豊かに彩っているのです。
「僕たちは1つのジャンルのラベルで完全に満足することは決してないだろうね。だけど “エクスペリメンタルロック” は曖昧だけど使える言葉だと思う。」
実際、バンドのセカンドアルバム “Sequesterer” に封じられた楽曲は、かつてポストロックに備わっていた実験性、真の意味での “ポスト” ロックを体現する魔法です。
例えば Tigran Hamasyan がジャズからの MESHUGGAH への返答だとすれば、オープナー “District of Baddies” はポストロックからの MESHUGGAH への返答なのかも知れません。ANIMALS AS LEADERS を想起させるシーケンシャルなメロディーとポリリズミックなリズムアプローチの現代建築は、アナログシンセサイザーの揺蕩う揺らぎや多様な楽器の音色との交わりで緩やかに溶け出し、風光明媚な情景の中へと見事に同化を果たします。それはメタルの方法論とはまた異なるスリル。時間もジャンルも楽器の垣根までも飛び越えまたにかける音旅行。
同様に、”Boyfriend in the Sky” はトロピカルトライバルに対する、”Lactic Tang” は FLYING LOTUS に対する、そして “Expert Hygience” はゲーム音楽に対するポストロックからの強力な返答だと言えるのかも知れませんね。ポストロックの一語である程度音像が理解できてしまう現在のシーンにおいて、TORTOISE, STEREOLAB, SLINT といったバンドはもっと多様で、挑戦的で、アヴァンギャルドな理想を追っていたよね？という ALARMIST の救いにも似たメッセージは、”ポスト” の停滞と飽和から脱却する万華鏡の音魂として世界を席巻するはずです。
今回弊誌では ALARMIST のメンバーにインタビューを行うことが出来ました。「日本にはクールな音楽が沢山あるよね。Mouse on the Keys, Cornelius, Perfume みたいな J-Pop に武満徹のような現代音楽まで。それに、任天堂、セガ、コナミみたいなゲーム音楽からも大きな影響を受けているんだよ。」リリースはジャンル最重要レーベルの一つ Small Pond から。どうぞ！！

ALARMIST “SEQUESTERER” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【RUSSIAN CIRCLES : BLOOD YEAR】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH BRIAN COOK OF RUSSIAN CIRCLES !!

ALL PHOTOS BY TEDDIE TAYLOR

“I Would Much Rather Listen To a Darkthrone Album That Sounds Like It Was Recorded On a Boombox Than Hear Some Over-produced, Over-polished, Over-wrought Album.”

DISC REVIEW “BLOOD YEAR”

｢ライブの宣伝をするためにレコードを作るのか、それともレコードを売り込むためにライブを行うのか。個人的にはライブの方がより重要だと感じるね。｣
THESE ARMS ARE SNAKES, SUMAC、そして RUSSIAN CIRCLES で重厚な音の石段を積み重ね続けるシーンきってのベースマン、Brian Cook は前作 “Guidance” リリース時のインタビューでそう話してくれました。
緩と急、厳粛と轟音、膨張と収縮。ポストロック/ポストメタルのトレードマークであるダイナミズム、対比の美学を誰よりも深く追求してきた RUSSIAN CIRCLES は、同時にライブに宿る刹那の奇跡、生の感情、迫真のサウンドを誰よりも深く愛しています。
Brian とギタリスト Mike Sullivan、そしてドラマーの Dave Turncrantz。ステージへ上がるのはたったの3人ですが、ライブに鳴り響く彼らの轟音は “leave them all behind 2014” の初来日がまざまざと示したように、バンド名の由来となったアイスホッケーを想起させるほど強烈にフィジカルでダイレクトな “接触” です。
一方で、モダンなアーティストとしての多様性を咀嚼し血肉とする万華鏡の音楽性も魅力の一つ。メタル、ドゥーム、ハードコア、ノイズ、クラウトロックそしてプログロックまで千変万化に分裂を続けるバンドの音楽細胞は絶え間なくその体内を駆け巡っているのです。
およそ5年間、3枚の長い音旅を終えて RUSSIAN CIRCLES は岐路に立っていました。
“Guidance” リリース時のインタビューで、アーティストとして生きることの儚さ、不安定さを言及していた Brian はそうして今回、経済面よりもむしろ “普通” を外れて生きることのプレッシャーや困難が彼らのバンド、ひいてはミュージシャン全体を圧迫していると語り音楽活動に熱意を保つことの難しさを吐露してくれました。
“What’s next…?”。混乱と葛藤の中にあった RUSSIAN CIRCLES を蘇らせたのはやはりライブでした。
“Guidance” のツアーで世界を回り、リフ&ビートを刻み続けるうちバンドの創作意欲は充填され遂には溢れ出したのです。
「僕たちは全員がアグレッシブなレコードを作りたかったんだ。もちろん、厳粛でアトモスフェリックな楽曲をアルバムに収録するのも大好きなんだけど、ライブではただ “ロック” な楽曲をプレイしたいんだ。静かな楽曲はとてもデリケートで、だからこそライブでは様々な “拘束” を受けてしまうからね。」
バンドが新たな旅の目的地に選んだのはよりオーガニックでダイレクトなロックの地平でした。確かにこの “レコード” は両面共に、”Hunter Moon”、”Ghost on High” という情緒さえ感じさせる、緩やかで静謐を湛えた美麗なサウンドスケープに端を発します。
とは言え、Dave Turncrantzのスティック一閃、ボンゾやキース・ムーンのスネアの重みを右頬に、骨をも砕くベースアタックを左頬に受けたリスナーは、アルバムがジャンルを超越したただ唯一無二の “ロック” であることを確信するはずです。そうして浮遊するミステリアスなギターの旋律が激しくドライブを始めると、あたかも有史以前の怪しい儀式のごとく最高潮に達したバンドのグルーヴは、津波のようにリスナーの脳天へと押し寄せるのです。
さらに、”Milano” や “Quartered” のダークで不穏、激しい感情の胎動を聴けば、Brian の言葉通り “Blood Year” が怒りに根ざしたアルバムであることも伝わるはずです。
その怒りとは、全てを賭して不安定な芸術家稼業を邁進する彼らの状況、そしてその彼らとはあまりに相反する人工的で画一的、インスタントなサウンドを量産するシーンにも向けられていたのかもしれませんね。さらには現在アメリカを覆う政治の暗い陰までも。
「ギタリストの Trevor ともアルバムについて少し話したんだけどね。それでやっぱり PELICAN と僕等の新作にはいくつか相似点があると思ったんだ。両バンド共に、近年はライブをより積極的に行って来たね。だから僕たちはライブのエナジーを捉えたアルバムを作りたかったんだと思うんだ。それに “Nighttime Stories” は現在のアメリカに漂う政治的不満を代弁するアルバムだと理解しているんだけど、僕たちも現在の政権に対する不満や敵意をシェアしているんだよ。」
PELICAN と RUSSIAN CIRCLES。ポストメタルの黎明期から苦楽を共にしてきたインストゥルメンタルの両雄は、ライブ感と体制への怒りの両面で志を共にし、その暗く不穏な音の葉までもシンクロさせることとなったのです。
そのダークでダイレクトなシンクロニティーは、もしかすると Sunn O))) の最新作 “Life Metal” にも波及しているのでしょうか。実際、前作同様 Kurt Ballou がレコーディングを手掛けた “Blood Year” は、彼との共同作業の中で初めて地元シカゴにあるスティーヴ・アルビニ所有のエレクトリカル・オーディオ・スタジオにてベーシック・トラックを録音。同様に、Sunn O)))の “Life Metal” もアルビニのスタジオでこちらはアナログテープまで使用してフィジカルなサウンドに拘っているのですから。
アナログの哲学。「過剰にプロデュースされ、磨かれすぎて、鍛造されすぎたアルバムを聴くなら、僕はラジカセで録ったような DARKTHRONE のアルバムを聴くよ。」Brian の言葉は、RUSSIAN CIRCLES と “Blood Year” が指し示すシーンの先行き、さらにはオルタナティブなベテランたちが奇しくも孕んだ同調性の起因をこれ以上ないほど鮮明にしています。
では弊誌二度目となる Brian のインタビューです。どうぞ！！

RUSSIAN CIRCLES “BLOOD YEAR” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【LATITUDES : PART ISLAND】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ADAM SYMONDS OF LATITUDES !!

“Post Metal Was Never An Intention But Perhaps An Inescapable Tag For Forward Thinking, Heavy, Emotional And Atmospheric Music. I Would Like To Think The More We Progress The Further Removed We Are From This. “

DISC REVIEW “PART ISLAND”

｢僕は ISIS の大ファンだったし、初期の CULT OF LUNA の作品は楽しんでいたんだ。だけど結局今となっては、焼き直しに頼るジャンルになってしまっているね。｣
その地理学的バンド名が指し示すように、LATITUDES は停滞するポストメタルの大陸を地平の彼方へと移動させる魅惑のプレートです。
「LATITUDES はヘヴィーなバンドなんだけど、シューゲイザーやフォークの要素、クリーンボーカルや圧倒的なメロディーと融合させているんだ。」
英国から登場した “Post-Whatever” なファイブピースは、エクストリームな音壁に知性と情景を塗り込みながらアートの真髄を追求しその造形を続けています。NEUROSIS の暗黒と ALCEST のメランコリーを合わせ鏡に映しながら、プログレッシブ、ハードコア、スラッジ、ドゥーム、チルウェーブまで多様な音の葉を万華鏡の理論で織り込む LATITUDES の光彩は、そうしていつしかジャンルの境界を緩やかに溶かしていたのです。
「僕たちは、慎重に選択してこのアルバム全体でボーカルをハイライトとしたんだ。完成した曲にボーカルを追加するのではなく、ボーカルを中心として楽曲を作曲していったんだよ。」
時に、アンビエントメタルとも評される美麗な野心家は、自らのコンフォートゾーンに止まることはありません。インストゥルメンタルの鼓動を源泉としていたバンドは、これまで数曲でアンサンブルの一部として使用していた嫋やかな声帯の振動を音楽建築の中心へと据える決断を下します。
そうして今回インタビューに答えてくれた Adam Symonds をフルタイムのメンバーに起用し、トリプルギター&ボーカルの新編成で “Part Island” を完成へと導いたのです。
湖面と逆転した稜線が写るモノクロームのアートワークは、分断された世界の象徴。絶望、喪失、空虚。母国の政治的混乱と社会的分断は悲しいまでにアルバムのイメージへと反映されています。ただし、梯子で繋がる上下の世界が仄めかすように、レコードには一縷の希望も残されているのです。
苦痛と期待を等しく帯びたアコースティックのセレナーデ、”Underlie” の色彩は、”Part Island” のキャンバス全体を鮮明に浮かび上がらせます。シンプルでしかしエレガントに描かれた物語の第一幕は灰色の悲哀を帯び、神聖なメロディーには仄暗き絶望が霧のように舞い落ちるのです。
「結果として、ダイナミクスに満ちたレコードとなったんだよ。素晴らしいハーモニーが常に生まれていると思うんだけどな。」
ポストロックの荘厳とブラッケンドの狂気、トレモロと不協和音のカコフォニーをリズムの魔法で抱きしめた “Moorland Is The Sea” のパノラマは実にプログレッシブ。さらにノイズの海とアトモスフィアの波で英国の鬱屈した気候を視覚化する “Dovestone” のサウンドスケープは実にシネマティック。
そうしてアルバムのダイナミズムは作品を締めくくるタイトルトラックで最高潮へと達します。アコースティックの浮遊感、リフのカタストロフィー、ピアノのドラマチシズム、そして溢れる激情のエモーション。バンドの全てを注いで具現化した対比の美学とカタルシスは、想像を絶する音の震源地としてリスナーをトランス状態へと誘うのです。
今回弊誌では、Adam Symonds にインタビューを行うことが出来ました。「僕たちにポストメタルをやっているという意識はないんだ。まあだけど、先鋭的で、ヘヴィーで、エモーショナルでアトモスフェリックな音楽だからそのタグからは逃れようがないよね。だから僕らはもっと進化してこのタグから先に進みたいね。」リリースは注目の Debemur Morti Productions から。どうぞ！！

LATITUDES “PART ISLAND” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MONO : NOWHERE NOW HERE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH TAKAAKIRA ‘TAKA’ GOTO OF MONO !!

PHOTO BY CHIGI KANBE

“I think that the problem of Japanese music scene is low artist level. They want to get popularity, want to be loved, want to make their living…such a mood is overflowing from their song. Everything seems to be a song of animation and drama, I feel it’s childish.”

DIRECTED BY JULIEN LEVY

DISC REVIEW “NOWHERE NOW HERE”

驚くほど色鮮やかな今日のポストロックシーンにおいて、MONO は源流であり孤高です。
理知的なキャンパスに描かれる彼らの重厚な音壁と繊細なテクスチャーの両極は、もはやジャンルのトレードマークとして定着し多数の後続を生みましたが、一方で、インストゥルメンタルバンドにとって最もスケッチの困難な感情の起伏を切り取り投影するアートなビジョンこそバンドの本質のように思えます。
つまり MONO のレコードは、二元性のダイナミズムに豊かな情操が織り込まれることで、光と影が相対する夢幻のダンスを踊るのです。それは、リスナーの想像力を掻き立てる架空のサウンドトラックにもなり得ます。
結成20年を迎えたバンドにとって、最新作 “Nowhere Now Here” は最もその “感情” にフォーカスした作品となったのかも知れません。その理由は制作段階の異変にありました。
「2017年は日本のマネジメント、レーベルとのトラブルや契約解除、そのタイミングでドラマーの脱退があってバンドは消耗し切っていて、一歩も動けないような状態だった。スケジュールもまったく決まってなくて、普通のバンドだったらここで解散するんだろうなってムードに包まれてた。本当に暗闇に入ってしまって先が見えなくなってしまったんだ。」
MONO が経験した試練、再生、夜明けのプロセスは、それぞれの感情を伴ってレコードへと深く刻まれています。もしかしたら、ダンテの神曲とリンクした前作 “Requiem For Hell” が、組曲というある種計画と洗練のレコードであったのとは対照的なのかも知れませんね。
幕開けを飾る “After You Comes the Flood” “Breath” のコントラストは、アルバムに宿るエモーションを象徴しています。
“Rays of Darkness” や “Requiem For Hell” の張り詰めたエナジーを受け継ぐ “After You Comes the Flood” でバンドはテーマとなる一つのメロディーを極限まで追求し、轟音と静寂、憤怒と絶望のメイルストロームを形成します。まるで13階段を登るかのごとく不吉に鳴り響く不協和の葬送曲は、しかし “Breath” でみせる光明へと収束していくのです。
「”僕たちは過去を断ち切って新しい地平に行くんだ”、という決意を言葉と歌で表現したいと思ったんだ。」これまで全てを楽器の音色だけで語って見せた MONO が初めて Tamaki のボーカル、”言葉” を必要としたのは、新たなチャプターへと移行する決意のステートメントが理由でした。
実際、溢れ出るノイズの猛攻から、Nico にも通じる切なさ、ノスタルジア、仄かな希望へのトランジションは、対比の魔法を超えて、自然の摂理、音と感情の息を飲む調和の域へ達したようにも思えます。
さらに、ホーンやストリングス、そしてピアノを的確に使用したオーケストレーションの妙も冴え渡ります。事実、タイトルトラック “Nowhere Now Here” に漲る人間の可能性、筆舌に尽くし難い “Sorrow” に込められた荘厳なる哀しみは、オーケストラに匹敵するほど繊細にして大胆です。
そうしてアルバム、そして MONO は、澄み切った青空を想起させる “Vanishing, Vanishing Maybe” で、過去への決別を果たしました。
「アメリカやヨーロッパでは、母国に既に存在しているものや、模写したようなバンドは全く必要としない。だから、彼らがこれまで聴いた事、感じた事のない気持ちになれるオリジナリティに溢れた素晴らしい何かを持った唯一無二の音楽でないと、世界に出る事はまず無理だと思う。」
世界中で絶賛された “Hymn To The Immortal Wind” をポストロックの殿堂へと納めながら、MONO の挑戦は終わりません。「もっと奥まで追求したい、もっと前に向かて進んでいきたい。」好奇心や追求心こそアートの根源。
「日本では “郷に入れば郷に従え” という言葉の通り、郷に従えれる人が成功出来るルールがあるようにさえ見える。」個性、多様性の意味、世界を知る男の違和感にぜひ耳を傾け、思考してみて下さい。Takaakira ‘Taka’ Goto です。どうぞ！！

MONO “NOWHERE NOW HERE” : 10/10

MONO “Nowhere Now Here” (2019)
レーベル: Temporary Residence Ltd. & Pelagic Records
トラックリスト:
01 God Bless
02 After You Comes the Flood
03 Breathe
04 Nowhere, Now Here
05 Far and Further
06 Sorrow
07 Parting
08 Meet Us Where the Night Ends
09 Funeral Song
10 Vanishing, Vanishing Maybe
購入 (CD/LP/Digital): http://www.smarturl.it/mono-nnh

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JYOCHO : 美しい終末サイクル (THE BEAUTIFUL CYCLE OF TERMINAL)】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DAIJIRO NAKAGAWA OF JYOCHO !!

“We Are Influenced By Cycle Or Rule What We Can Not Perceive In Our Daily Life. Off Course, Individuals, As Well As Society, The Country, And The Earth, The Universe Are Both Influenced By One Law And Cycle.”

DISC REVIEW “美しい終末サイクル”

「サイクルという、法則という、我々では感知できない様なものに普段生きていると左右されています。個人は勿論、社会や国もそうだし、この地球も、この宇宙も、一つの法則やサイクルによって左右されています。この時代になり、それをわたしたちで哲学し検証する必要性が更に増して来たと感じました。 “美しい終末サイクル” は、わたしの哲学となり得るものです。」
生と死、光と陰、始まりと終わり、複雑とポップ、オーガニックとメカニカル。情緒という “いのち” を紡ぎ続けるギタリスト、だいじろーと JYOCHO の導く螺旋のサイクルは、森羅万象の両極を紐解く美しのメッセージです。
“祈りでは届かない距離”、”碧い家で僕ら暮らす”、そして “互いの宇宙”。これまで2枚のミニアルバムと1枚の EP をリリースして来た現代社会の語り部 JYOCHO。
渾淆するプログレッシブ、マスロック、ポストロック、ポップの仮初めの営みを、まるで心理学と幾何学の両極から検証し哲学するような絶佳のサウンドスケープには深い説得力とエモーションの煌めきが備わっています。
そして、様々なコントラストが彩った彼らのファーストサークルは、初のフルアルバム “美しい終末サイクル” で完結と共に新たな螺旋を描き始めるのです。
音楽的にも、確かにこの作品は終着と出発のレコードです。始まりのミニアルバム “祈りでは届かない距離” 収録の “family”, “太陽と暮してきた” を、成熟と団結深めた現行メンバーで試みた再録はその象徴かも知れませんね。
「五人の温度感や揺らぎが確実に音源として落とし込まれた瞬間だと確信しています。」インタビューでだいじろーも語るように、揺らぎ、テンションといった耳よりも心に聴こえる響きとグルーヴは、”バンド” への移行と共に明らかにその鮮やかさを増しています。
もちろん、”安い命”、”碧い家” と密に繋がる “つづくいのち” もこれまでの集大成と言えるのかも知れませんね。降り注ぐ多幸感と幽かな寂寞。フルートやアコースティックギターの膨よかなチェンバーオーケストラは、テクニックもエモーションもすっかり飲み込みロックのグルーヴとダイナミズムを濃密に体現するのです。
一方で、エモと激情がスパークする “Aporia”、自らのギターホライズンを心ゆくまで再び掘り下げる “sugoi kawaii JYOCHO”、内省的でダークな実験部屋 “my room”, “my rule” といったエクレクティックな新機軸、出発の息吹は、さながらリスナーが螺旋階段を下るうち次々遭遇する魅惑の扉。開くたびに知の好奇心と感情をくすぐる未知との遭遇は、どこまでも続くようにも思えます。
しかしこの終末サイクルにも終わりは訪れます。哲学するアルバムを締めくくる、”こわかった” の抱える恐怖は現代社会が抱える闇の部分とも重なります。
張り巡らされたインターネット、SNS の糸は感情までも追体験可能な世界を構築しつつあります。感動、興奮、喜び、悲しみまで、全てのハードルが下がってしまった現代で、JYOCHO が見せる景色、紡ぐ音楽は異質でしかしきっとセラピーのように安らかに世界へと浸透していくはずです。
今回弊誌では、だいじろーさんにインタビューを行うことが出来ました。「是非たくさんの人に、JYOCHOという素晴らしい “いのち” が届き、心に浸透してくれることを祈っております。」12/7には Ichika 率いる Ichikoro とのツーマン、そして来年はワンマンツアーも控えています。3度目の登場。どうぞ！！

JYOCHO “美しい終末サイクル” : 10/10

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