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MASTERPIECE REVIEW + INTERVIEW 【BOTANIST : Ⅵ: FLORA】JAPAN TOUR 2019 SPECIAL !!

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH OTREBOR OF BOTANIST !!

“I Wanted To Push The Genre Further While Also Honoring Its Tradition. Making Botanist a Concept Project About Plants Felt Like The Way To Do That: 100s Of Bands Were Talking About Forests, But None Mere Taking It To a Specific, Scientific Level. “

DISC REVIEW “Ⅵ: FLORA”

邪悪や猟奇、そしてファンタジーがテーマとして掲げられるメタルワールドにとって、BLACK SABBATH, EMPEROR, DRAGONFORCE といったバンドの名こそ至当で理想的にも思えます。そんな倒錯した世界において、”植物学者” を名乗る BOTANIST はその原郷からすでに異端です。
「僕はブラックメタルというジャンルをその伝統に敬意を払いつつ、さらに先へと進めたいんだ。植物をコンセプトとした BOTANIST を立ち上げたのもまさにその想いから。これまで幾つものバンドが森については語ってきたけど、誰ももっと専門的なレベルで個別の植物については語ってこなかったよね。」2011年にサンフランシスコで Otrebor が創世したワンマンプロジェクトは、植物を科学し環境問題を追求する唯一無二の “グリーンメタル” へと開花して行きました。
これまでにも、WOLVES IN THE THRONE ROOM, AGALLOCH, ALCEST など自然崇拝をテーマとして、仄暗き森や鬱蒼と生い茂る木々を礼賛するブラックメタルの一派は確かに存在していました。しかし彼らはそのアトモスフィアに惹かれ、自然のよりスピリチュアルな領域へとフォーカスしていたはずです。
一方で、BOTANIST はよりミクロで科学的に植物への愛を貫きます。「多くのデスメタルバンドが死について書いていたけど、CARCASS は臨床的見地から死について最初に歌い、デスメタルをネクストレベルへ進めたんだ。」 CARCASS の死に対するある種ドライな向き合い方は、Otrebor が BOTANIST でより学術的に植物の姿を描き出す核心的なインスピレーションとなりました。ハナスイ、シーソラス、ヤエヤマヒルギといった耳馴染みのない植物を楽曲名に列挙する方法論はまさに CARCASS 譲り。
さらに BOTANIST はその “グリーンメタル” のコンセプトだけでなく、ハンマードダルシマーという特殊な楽器をメインに使用することでブラックメタルを未踏の領域へと導きます。
ドラマーを本職とする Otrebor にとって、スティックで弦を叩いて音を出すダルシマーは完璧なメロディー楽器でした。かつて住んでいたこの日本で運命的な出会いを果たした古のピアノは、風と共にロマンチックでエレガントな響きを運び、ギターレスのブラックメタルという倒錯と神秘的のアートを創造して行くのです。
貪欲な研究者 Otrebor は、緑の音楽を絶え間なく精製し続けます。リスナーの思考を絶え間なく促しながら、夢見心地に浮遊する陶酔と恍惚の極致 “Ⅵ: Flora” は、ソロプロジェクトとしての BOTANIST にとって一つの完成形だったのかも知れません。
一筋の新緑だったグリーンメタルの種子はそうして徐々に森を形成していきます。ローマ数字のナンバリングから “Collective” 表記へと移行し、初めてバンド形態で制作された “The Shape Of He To Come” のダイナミズム、グルーヴ、躍動感はまさしく “集団” としての生命力に満ちています。メンバーという養分を得て緑を増した聖森のざわめきは、より荘厳に、より実験的にリスナーの五感へと訴えかけるのです。
深刻な環境破壊により未曾有の危機に直面する人類と地球において、Otrebor は BOTANIST の発芽は必然だと語ります。「BOTANIST のようなプロジェクトは、地球の自己防衛メカニズムの結果であると心底信じているんだ。自然の重要性とその保存について情熱的な方法で人々に発言することを要求するようなね。」もしかすると彼らはは自然が意思を持って遣わした有機的なメッセンジャーなのかも知れませんね。
今回弊誌では、Otrebor にインタビューを行うことが出来ました。奇跡の来日が決定！「僕たちは、日本のファンがお気に入りの植物を携えて現れ、ライブで掲げてくれるのを熱望するよ！」どうぞ！！

BOTANIST “Ⅵ: FLORA” : 9.9/10

INTERVIEW WITH OTREBOR

Q1: Hi, Otrebor! Botanist’s Japan Tour is just announced! Of course, lot’s of fans are waiting for your coming. But also, there are lot’s of plants, flowers, trees you haven’t seen in Japan. You can’t wait for it, can you? haha.

【OTREBOR】: We are excited indeed. I used to live in Japan and did a tour there 10 years ago with a powerviolence band I was in (Utter Bastard. We did a split with Gesewa, a Japanese band that I loved since I saw them live), so I’ve experienced what it’s like to tour in your country. The other guys in Botanist have not and so they extra really wanted this to happen. We encourage any Japanese fans to bring their favorite plants with or on them!

Q1: 日本ツアーが発表されましたね！もちろん、日本ではファンも待っていますが、きっとあなたが見たことのない花や木々の植物も待っていますよ (笑)

【OTREBOR】: 実際僕たちは興奮しているよ。実は、僕はかつて日本に住んでいて、当時所属していたパワーバイオレンスバンドで10年前に日本ツアーも経験しているんだ。UTTER BASTARD ってバンドなんだけどね。
ライブを見てから大ファンな日本のバンド GESEWA とスプリットも出したんだ。だから君の国でツアーを行うのがどんな感じなのかはすでに経験しているんだよ。
ただ、BOTANIST の他のメンバーは経験がないから、特に日本ツアーの実現を望んでいたんだ。そして僕たちは、日本のファンがお気に入りの植物を携えて現れ、ライブで掲げてくれるのを熱望するよ！

Q2: Actually, what made you have an interest in botany, and environmental problem?

【OTREBOR】: It began with interest in botanical scientific taxonomy and classical botanical art. That’s the origin of the idea of Botanist songs told by a botanist gone insane by witnessing the destruction of the natural world. The interest in plants from being alone amongst flowers or trees ― you know, the more common story that is told by naturalistic black metal ― for sure has always resonated with me.

Q2: それにしても、ここまで植物学や環境問題にのめり込んだきっかけは何だったんですか？

【OTREBOR】: 全ての興味の始まりは、植物学の科学的分類と、芸術的な分類体系図だったね。それらが BOTANIST の楽曲アイデアの起源となったんだ。自然破壊を目の当たりにして狂った植物学者が語るという設定のね。
自然主義のブラックメタルで語られるありふれた物語だよ。もちろん、その物語はいつも僕と共鳴している。花々、木々の中で一人佇むと植物への興味が湧くんだ。

Q3: Of course, in not only black metal, but also whole metal world, no one plays “Green metal” but you. What inspired you to mix metal and botany?

【OTREBOR】: I’ve been obsessed with heavy metal since I was about 9 years old. That naturally progressed to more extreme forms of metal as I reached adulthood. It was particularly my fascination for black metal and its form of nature worship / spirituality / Romanticism that captivated me to want to make my own music. I wanted to push the genre further while also honoring its tradition. Making Botanist a concept project about plants felt like the way to do that: 100s of bands were talking about forests, but none were taking it to a specific, scientific level. It’s a topic that I feel will never get old with me. There are practically an infinite amount of plants, ecosystems, and aspects to present in an artistic context.

Q3: メタルシーン全体でも、”グリーンメタル” を掲げるのは BOTANIST のみです。メタルと植物学のミックスは非常にユニークですよね？

【OTREBOR】: 僕は9歳くらいからずっとメタルに取り憑かれているんだ。そして、大人になるにつれて、その興味はよりエクストリームな形態のメタルへと自然に移行していったんだ。ブラックメタルには特別魅了されたし、その中でも自然崇拝、崇高さ、ロマンチシズムが僕に自身の音楽を制作したいと思わせてくれたんだよ。
僕はブラックメタルというジャンルをその伝統に敬意を払いつつ、さらに先へと進めたいんだ。植物をコンセプトとした BOTANIST を立ち上げたのもまさにその想いから。これまで幾つものバンドが森については語ってきたけど、誰ももっと専門的なレベルで個別の植物については語ってこなかったよね。
この題材は僕にとって普及不滅にも思えるよ。だって世界には無限の植物、エコシステムが存在するから、それをアーティスティックに表現する方法も無限なんだ。

Q4: Regarding “Nature”, some black metal bands like Wolves in the Throne Room, Agalloch, Alcest, have an ideology of Nature Worship and spiritualism. Do you think you have some common points with them?

【OTREBOR】: Although I’ve enjoyed music by all those bands, I won’t presume to understand the nature of their spiritualism. For sure the nature worship aspect is an easy one to presume.

Q4: 仰るように、WOLVES IN THE THRONE ROOM, AGALLOCH, ALCEST など自然崇拝やスピリチュアリズムを掲げたブラックメタルバンドはいくつか存在します。BOTANIST はより科学的で彼らとは一線を画すという想いですか？

【OTREBOR】: だけど僕はそういったバンドの音楽を楽しんで聴いているんだ。ただあえて彼らのスピリチュアリズムの本質まで理解しようとしないだけでね。確かに自然崇拝はその中でも分かりやすいテーマだけどね。

Q5: Also, Botanist is really unique because you are no-guitar band. Inspite of guitar, you use hammered dulcimer. What’s the reason of that?

【OTREBOR】: The hammered dulcimer has an elegant, timeless sound to it. My using it to make records also is a simple case of necessity. I’m a drummer originally, and I originally wanted to make albums at my own pace in my own vision. The hammered dulcimer was maybe the best way to apply my skill set to a melodic instrument almost immediately.

Q5: さらに BOTANIST がユニークなのは、ギターレスでハンマードダルシマーを使用している点です。

【OTREBOR】: ハンマードダルシマーはエレガントでタイムレスな響きをもたらしてくれるよ。それにこの楽器を使用してレコードを制作する理由は、必要に駆られてという単純な面もあるんだ。
僕はもともとドラマーで、自分のペース、自分のビジョンでアルバムを作りたかったんだ。僕のドラマーとしてのスキルを即座にメロディックな楽器へと活かすには、ハンマードダルシマーがおそらくベストな選択だったんだよ。

Q6: Hammered dulcimer is said to be predecessor of piano. How did you find the instrument? And could you please introduce the instrument to Japanese fans who will come to your show?

【OTREBOR】: I in fact first learned about the hammered dulcimer in Japan! As I said, I used to live in your country. I was attending Kokudai at the time, and one day out in Tokyo (it was probably Kichijoji), I encountered an American hammered dulcimer player who had come to Japan to busk (play music on the street for donations). His name was Dave Neiman. He played largely folk-style songs and some classical pieces best adapted to the dulcimer, which he played in a traditional, acoustic style. I loved the music, stopped to listen for a long while, talked to the man and bought his CD. About 10 years later, after being in more traditional metal bands, when I felt it was time to make my own records, I remembered Dave Neiman and his dulcimer, and wondered if that was the instrument for my new project. It is probably in part thanks to Neiman that Botanist exists.
The hammered dulcimer is a Celtic instrument. It’s trapezoid shaped with strings over its face. You hit the strings with sticks. Botanist is the first band to take this acoustic instrument and adapt it to a metal context, which we have done by adapting magnetic pickups to the instrument and running the signal through distorted guitar amplifiers.

Q6: ピアノの祖先とも言われる打弦楽器ハンマードダルシマーとの出会い、そしてこの楽器の特色を教えていただけますか？

【OTREBOR】: 実はハンマードダルシマーを初めて習ったのは、日本だったんだ！先程も言ったけど、僕は日本に住んでいたからね。当時僕は横浜国大に通っていたんだけど、ある日東京、確か吉祥寺だったと思うんだけど、に出かけたんだ。そこでアメリカからストリートパフォーマーとして日本に来ているハンマードダルシマー奏者と会ったんだ。
彼の名前は David Neiman。伝統的なアコースティックスタイルで、大まかに言ってフォークスタイル、そしてクラシックの楽曲をプレイしダルシマーに完璧にハマっていたね。僕は彼の音楽が気に入って立ち止まり、長い間聞いて、話し、CDを買ったよ。
それから10年が経ち、僕はもっとトラディショナルなメタルバンドに居たんだけど、そろそろ自分自身のレコードを作る時だと感じたんだ。その時思い出したのが David Neiman と彼のダルシマーで、僕のプロジェクトに使えないかなと思ったわけさ。だから BOTANIST があるのは David のおかげてある部分もあるんだよ。
ハンマードダルシマーはケルトの楽器なんだ。台形で表面に弦を張っていて、スティックで叩いて音を出すんだよ。BOTANIST はこのアコースティック楽器をメタルの文脈に初めて取り入れたバンドなんだ。ただ、ピックアップをつけてギターアンプにシグナルを送っているんだけどね。

Q7: When I listened to “VI: Flora”, I was really surprised. I can’t believe you played everything in the progressive record. When the title moved from “Roman Numeral” to “Collective”, Botanist come to have more band like creative process, right? Which do you think Botanist is still your one man band, or full band now?

【OTREBOR】: It’s both! I like both the aspects of making records solo under the Botanist name, and having the project be a live entity that also records studio albums as a band.
I’m intending to continue to make solo albums, which will be noted with Roman numerals (for full-lengths) and “EPx” (1, 2, 3, etc…) for shorter albums. This is important for me to do as I write and record very quickly, and love to do so. It’s my favorite aspect of being a musician: the feeling of hearing something I recorded for the first time, right after recording it, and getting the sensation of that thing somehow having come from me. Starting Botanist was more than anything else out of a need to satisfy my huge desire to create music that spoke to something deep within me ― to stop make solo albums would for sure lead to the same frustrations that I was having before I started the solo project.
I also love the feeling of being in a band, taking that band on the road, and experiencing new places, cultures and people. It’s a very special way to travel, one that you don’t get by doing more typical tourist stuff. People come out to see you, and you get to have unique interactions based on that.
I also feel that opening up the originally solo project to other people allows for creation that I wouldn’t normally make simply because it isn’t all me! The first “collective” record is a perfect example: that album has a vibe and energy that is unique in the Botanist discography. It’s something that none of the six people on the album, myself included, would have been able to make on our own… and yet it is still undeniably Botanist in my view.
I want to continue the “collective” notion, and make albums with the people who are in Botanist. The part I regret about the first “collective” album, “The Shape of He to Come,” is that it’s a purely studio album that was never played on stage: all the other people on it (other than me) were no longer in the band when the album was released, and so the ideal of making an album as a band and then playing that material as a band, on stage, didn’t happen.
This year, Botanist will be releasing another “collective” album, which features the members of the live band, and which will be played on stage. We mixed the album with engineer god Fredrik Nordström (At the Gates, Arch Enemy), and it not only came out amazing, it came out amazing in a way that sounds unlike any other Botanist album in a big way. We’re intending to premiere a couple of the songs on stage for Japan!

Q7: “VI: Flora” を全てあなた一人で制作されたと聞いて驚きました。アルバムタイトルが、ローマ数字から “コレクティブ” 表記に変わり、現在はソロプロジェクトからよりバンド的な制作プロセスとなっているようですね？

【OTREBOR】: いや、両方なんだ！僕は BOTANIST の名前でソロの作品を作るのも、バンドとしてスタジオアルバムを作りライブを行うのも両方好きなんだ。
だから今でもソロアルバムを作り続けようと思っているよ。ソロアルバムの目印はタイトルで判別出来て、フルアルバムにはローマ数字が、短い EP だと数字がナンバリングされているんだ。
アルバムをとても速く書いて録音するのは僕にとって重要で、そうするのが好きなんだよ。ミュージシャンであることの喜びを享受するためと言うか。録音した直後、初めてその作品を聴いて、なんとかして自分の中から生まれたものの感覚を得る。
BOTANIST を始めたのは、自分の中から深く語りかける音楽を作りたいという、僕の大きな欲望を満たすために生まれた以外の何物でもないんだからね。ソロアルバムの制作をやめてしまうと、BOTANIST を始める前に抱えていたフラストレーションが再び溜まるのは間違いないね。
同時に、バンドとしてロードに出て、新たな場所、文化、人びとを知ることも大好きなんだ。典型的な旅行しか知らない人にとって、バンドでのツアーはちょっと特別だと思うよ。みんなが会いに来てくれて、ユニークな相互作用を得ることが出来るんだから。
それに、元々のソロプロジェクトだったものを他のミュージシャンにも解放することで、僕が通常では出来ないような創造が可能になるとも思っているんだ。最初の “コレクティブ” なレコードはその完璧な例だね。アルバムは、BOTANIST のディスコグラフィーの中でユニークな雰囲気とエネルギーを持っているんだ。僕自身も含めて、アルバムに関わった6人の誰もが一人では作ることができなかったということだね…それでも僕の見解では疑いようもなく BOTANIST のアルバムなんだ。
僕はこの “コレクティブ” な概念を続けて、BOTANIST のミュージシャンと一緒にアルバムを作りたいんだ。僕が最初の “コレクティブ” アルバム “The Shape of He to Come” について後悔しているのは、それがステージで演奏されたことのない純粋なスタジオのアルバムだということだね。僕を除いて、アルバムがリリースされた時のメンバーはもうバンドにいないからね。だからアルバムをバンドとして作成し、そのマテリアルをバンドとしてステージ上で演奏するという理想は起こらなかったんだ。
BOTANIST は今年、新しい “コレクティブ” のレコードをリリースするよ。ライブバンドのメンバーがプレイして、しっかりステージでも再現されるレコードをね。ARCH ENEMY, AT THE GATES を手がけたエンジニア神 Fredrik Nordström がミキシングを行ってくれてね。そのサウンドは他のどの BOTANIST 作品とも大きく異なっていて、驚きを与えるはずさ。何曲か日本のステージで初披露するよ！

Q8: I’m convinced that you are influenced by Ulver. But, it seems you also influenced by Angra, Helloween, and Carcass. They are still big in Japan. Do you know that?

【OTREBOR】: Ulver’s first three albums, and “Bergtatt”, their first album in particular, is maybe the single biggest *direct* influence on Botanist. Within black metal, it’s lovely and timeless, and perfectly incorporates every element that I want the most in black metal: it’s raging, it’s calm and introspective, it’s harsh, it’s beautiful, it’s organic. It sounds like the forest speaking through the metal pantheon. If there’s one album i would play as introduction to anyone curious about the genre, it’s “Bergtatt.”
I’m influenced by Carcass more by what they did with their concept. As I see it, they decided to make a band based on opening the medical dictionary and writing songs about autopsies and diseases from a scientific standpoint. Many death metal bands were writing about death, but Carcass took it to the next level by being the first to sing about it from a clinical standpoint. This for sure enabled me to say “if someone did it about scientific pathology, how about doing it about scientific botany?” And apply that to my own version of it.
I love Helloween, Angra, and a bunch of old school style “European” power metal bands. But you won’t hear power metal influence in Botanist so much ― it’s more power and prog metal’s arrangements, structures, and time signatures that inspire Botanist. Here’s another one that is a big influence: Lost Horizon. I’ve studied that bands’ two albums’ arrangements a lot, to the point where they have greatly influenced the creation of two notable Botanist solo albums to come. You won’t know it when you hear it, though! I take elements of the structure, focus on some aspects that I think will work very well for my uses, and create Botanist’s own thing over the groundwork that the masters have already made.

Q8: ULVER は BOTANIST にとって一つ大きな影響元だと思いますが、意外なことに CARCASS, HELLOWEEN, ANGRA といったバンドからもあなたは影響を受けているそうですね？ 日本では今でもとても人気があるバンドですが。

【OTREBOR】: ULVER 最初の3枚は、ファーストアルバム “Bergtatt” は特にだけど、BOTANIST に最も大きな直接的影響を与えているね。ブラックメタルの中でもラブリーでタイムレスだよね。そして僕がブラックメタルに求める全ての要素が完璧に盛り込まれているんだ。
激怒していて、静かで、内省的で、過酷で、美しく、そしてオーガニック。まるで森がメタルのパンテオンを通して話しているように聞こえるよね。ブラックメタルに興味がある人への紹介として聴かせるアルバムが1つあるとすれば、それは“ Bergtatt”なんだ。
CARCASS にはそのコンセプトにより影響を受けたね。つまり、彼らは医学的な辞書を開いて剖検や病気に関する歌を、科学的な観点から書くことに基づいてバンドを作ることにしたわけだよ。
多くのデスメタルバンドが死について書いていたけど、CARCASS は臨床的見地から死について最初に歌いデスメタルをネクストレベルへ進めたんだ。彼らのおかげで「誰かがデスメタルを科学的病理学に適用したなら、科学的植物学についても出来ない訳がない。」と僕は主張することが出来たんだ。そうして僕自身のバージョンに適用したんだよ。
僕は HELLOWEEN, ANGRA といったオールドスクールな “ヨーロピアン” パワーメタルバンドが大好きなんだ。ただ、BOTANIST の音楽にパワーメタルの影響を垣間見ることはあまり出来ないだろうな。アレンジメント、ストラクチャー、拍子なんかにはインスパイアされているんだけどね。
他にプログパワーだと、LOST HORIZON には大きな影響を受けたね。あのバンドの2枚のアルバムのアレンジメントからは沢山学ぶところがあったね。BOTANIST 2枚のソロアルバムが生まれるのに多大な影響を与えたと言えるほどにね。きっと聴いても分からないだろうけど！構成から要素を抽出し、僕の音楽にハマるようアジャストしているからね。

Q9: Of course, we are at the edge of crisis because of environmental issues. Do you think music and your Green metal can change the situation somehow?

【OTREBOR】: Maybe in some way, it can. I truly believe that projects like Botanist are as a result of the Earth’s self-defense mechanism ― that it compels and commands people to speak out in a compulsive, passionate way about the importance of Nature, its preservation and the lessons that teaches us as a species. Not just artists, this expression of the self-defense mechanism is said through activists and writers. In my case, art and music is the way I can most effectively do this, and the best way I can make something that in some way can have a positive impact on every living thing. If what I do can influence any amount of people, and if that in turn can influence any amount of people, then we are indeed talking about something that collectively can change the world.

Q9: 世界は環境問題によって危機に直面しています。”グリーンメタル” はこの状況をいくらか改善へと導くことが出来るでしょうか？

【OTREBOR】: おそらく、いくらかは出来るんじゃないかな。僕は、BOTANIST のようなプロジェクトは、地球の自己防衛メカニズムの結果であると心底信じているんだ。自然の重要性とその保存について、情熱的な方法で人々に発言することを要求するようなね。
この自己防衛メカニズムの表現は、芸術家だけじゃなく活動家や作家を通しても行われているよ。僕の場合、芸術と音楽がこの表現を最も効果的に行うための方法であり、すべての生物にポジティブな影響を与える最善の方法なんだ。
僕のしていることがいく人かに影響を及ぼし、そしてその人たちが次にまたいく人かに影響を与えることが出来るのであれば、僕たちは実際、集団として世界を変えることが出来るんじゃないかな。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED OTREBOR’S LIFE

DAVE NEIMAN “EARLY WORKS”

Even though I wouldn’t normally include Dave Neiman “Early Works” in my list, this interview has made me realize I should include it in the list.

Dave Neiman の “Early Works” は含めなきゃならないね。

IRON MAIDEN “SOMEWHERE IN TIME”

the heavy metal album I heard at age 11 that for sure made me a slave to the genre for life.

11の時に聴いてメタルに一生ハマると確信したよ。

IMMORTAL “AT THE HEART OF WINTER”

the album that enabled me to go from someone who felt black metal was weird and unapproachable to something I could really get into. I first heard this at Disk Union in Kichijoji at a listening station. I went back every day for a week to listen to it, and it became more and more interesting. Since, my love of the genre has encompassed so much.

奇妙で親しみがたいものだったブラックメタルにハマることを可能にしたアルバム。最初にこの作品を聴いたのは吉祥寺のディスクユニオンのリスニングステーションだったね。僕はそれを聴くために一週間毎日通ったよ。そしてますます面白くなったね。それ以来、このジャンルに対する僕の愛はどんどん増しているよ。

RUSH “MOVING PICTURES”

Neil Peart was the first and most important influence on me to start being a musician and playing drums. “Moving Pictures” was the first Rush album that I listened to over and over.

Neil Part は、ミュージシャンを志しドラムをプレイする僕に最初のそして最も重要な影響を与えてくれたね。最初に何度も何度も聴いた RUSH のアルバムさ。

VADER “BLACK TO THE BLIND”

At first, I could listen to death metal and Vader only in small does of a few minutes before I got tired. But I was still fascinated. Doc’s drumming was one of the ones that made me want to specifically play in a *metal* style. He’s still one of my favorites ever.

Docのドラミングは、僕が特に “メタル” スタイルでプレイしたいと思ったものの1つ。彼は今でも僕のお気に入りの1人だよ。

MESSAGE FOR JAPAN

We can’t wait to experience the unique enthusiasm and passion that Japanese metal and music fans bring! I’m personally so excited to see my bandmates experience your fascinating country and your people for the first time, and to hear their reactions. I know for sure it will make very important life experiences for them. Maybe we will be able to offer the same for some of you who come to our shows?
The happiest man is he who learns from Nature the lesson of worship . — Ralph Waldo Emerson

僕たちは日本のメタル、音楽ファンがもたらすユニークな熱意や情熱を経験するのが待ちきれないんだ！個人的には、バンドメイトに君たちの魅力的な国や人びとを初めて経験させてあげられて興奮している。反応が楽しみだよ。彼らにとってとても重要な人生経験となるだろうね。読者のみんなも、ライブに来れば同じように重要な経験が出来るはずさ。自然から教訓を学ぶ人こそ最も幸福だ。

OTREBOR

チケットの詳細はこちら。Birushanah Facebook
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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CANDLEMASS : THE DOOR TO DOOM】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH LEIF EDLING OF CANDLEMASS !!

“In The End We Took a Band Desicion To Bring In Johan Again. Go Back To The Ground Zero Of Doom So To Speak.”

DISC REVIEW “THE DOOR TO DOOM”

CANDLEMASS はその30年以上に及ぶ悠遠なキャリアにおいて、幾度ものメンバーチェンジを繰り返しながら氷霧に煙るスカンジナビアの凍原に、絶望とエピックの哀城を築きあげて来ました。
そしてそのドゥームに宿る不吉な影は、シンガーの変遷を因果として先姿万態の表情を得ることとなったのです。
巨漢 Messiah Marcolin がオペラティックなテノールで魅了した80年代のトリロジーは、メランコリーとドラマティシズムが集積したエピックドゥームの耽美な教科書。一方で、Robert Lowe が Dio や Tony Martin を憑依させて躍動した21世紀の3枚は、メタルの様式と伝統をヨーロピアンなロマンへと昇華した至宝。
その他にも、Thomas Vikström, Björn Flodkvist, Mats Levén と多士済々、まさに錚々たる顔ぶれが並ぶ歴代シンガーの中で、”C-Mass” の忠実なる信徒が決して忘れられない名前があります。
Johan Längqvist。それは後にバンドが開拓するテリトリー、”エピックドゥームメタル” をラテン語で表記した記念すべき不朽のデビュー作 “Epicus Doomicus Metallicus” に歌唱を吹き込んだレジェンドの名。
CANDLEMASS は結成35周年を迎えるに当たり、一つの決断を下しました。その Johan の電撃復帰です。
「僕たちは CANDLEMASS の中で、再度火花が飛び散るようなインスピレーションを得るために、何かを行う必要があったんだ。そしてその答えが Johan だったんだよ。」バンドの創始者でグル Leif Edling は、慢性疲労症候群を患い戦いながらバンドを巡るビジネス、論争に身を削り、再度音楽を “楽しむ” ためにドゥームの “ゼロ地点” への回帰を決めたのです。
実に6年半振りとなったフルアルバムは、実際 “グラウンド・ゼロ” を創成したバンドの威厳と崇高に満ちています。ただし、この終焉からの始まりは、決して “Epicus Doomicus Metallicus” の安易なコピーではありません。
「今、まさに僕たちは新たなファンを獲得しているんだよ。ドゥームのテリトリーからだけじゃなくね。」タイトルは “The Door To Doom”。メタルワールドのニューヒーロー GHOST とのツアーで幅広い層のメタルファンから賞賛を得たバンドは、幽寂から激情までドゥームの陰影を須く投影した最新作で文字通り “Doom” への “Door” となります。
封入される幻惑のギターメロディーがリスナーを中世の暗黒へと導く “Splendor Demon Majesty”、静寂と喧騒、妖艶と情動を行き来するエピカルなメタルダイナミズムの権化 “Under the Ocean”、スロウバーンの真髄を提示する “Astorolus-The Great Octopus”、そして叙情と憂鬱を抱きしめたバンド史上初、悪魔のバラード “Bridge of the Blind”。
ドゥームメタルの美学を様々な手法で描き出すアルバムにおいて、Johan Längqvist のワイドで説得力のある歌唱は作品の骨子となっています。名手 Mats Leven が歌った “House of Doom” の再録で Johan が見せる深邃なるアトモスフィアは、まさしくその証明でしょう。
「僕たちはとにかく、”ストレート” なアルバムを作りたかったね。クソみたいな素材なしで、大胆不敵で…生々しくハードでヘヴィー。」事実、アルバムのサウンドは実にフィジカルで、バンドの猛攻が目前に迫ります。
シーン随一のギターチームとベースヒーローが繰り出す、時に幽玄、時に劇的、時に獰猛なアンサンブルは圧倒的。そうしてメタル/ドゥームのゴッドファーザー Tony Iommi のゲスト参加は、ファンにとっても、バンドにとっても何よりの祝祭となりました。
遂に共演を果たしたドゥームマスターの遺伝子は、確かに後続へと引き継がれています。その影響は、PALLBEARER, KHEMMIS, HOTH といったモダンドゥームの綺羅星はもとより、VISIGOTH, GATEKEEPER, HAUNT が志向するトラディショナルメタルのリバイバルまで、色濃く、深々と、多岐に渡って根付いているのです。
今回弊誌では、バンドのマスターマインド Leif Edling にインタビューを行うことが出来ました。「このバンド、もしくはこの体制が後1年、2年続くのかは分からないけど、少なくとも僕たちは残された時間を楽しむよ。」 “Psalms for the Dead” で終焉を宣言した不死鳥が、灰の中から蘇る完璧なレコード。どうぞ！！

CANDLEMASS “THE DOOR TO DOOM” : 10/10

INTERVIEW WITH LEIF EDLING

Q1: First of all, original singer Johan Langquist return to the band after a 32 year hiatus! How did it happen? Of course, on 2007, to commemorate the band’s 20’th celebration, Johan appeared live with the band. But have you been keeping in touch with him?

【LEIF】: We also played with him at Roadburn 2013 and also at the 70 000 tons cruise.
We’ve been in touch and during the recording we felt something was missing. The band had had too many discussions and arguments over the year. All of us. Maybe some heart was missing in it all. I had worked my ass off for this record but was struggling with my health. Too much work…too much business…too many arguments….much bull! In the end we took a band desicion to bring in Johan again. Go back to the ground zero of Doom so to speak. Mats had done a great job, but we needed to do something in C-mass, find the spark again, and Johan was the answer. Now we focus to have fun, and not let any business take over. I have no clue if it will last a year or two. At least we will enjoy the time left!

Q1: オリジナルシンガー Johan Langquist が32年振りにバンドへと復帰しましたね！2007年、Johan がバンドの20周年を祝うライブに登場したことを覚えているファンも多いでしょう。
彼とのリユニオンはどの様に実現したのでしょうか？

【LEIF】: Johan とは 2013年の Roadburn、70,000 ton Cruise でも共演したんだ。
そうして彼とはずっと連絡を取り合っていたんだよ。そしてこの作品のレコーディング中に、僕たちは何かが欠けていると感じていたんだ。バンドはここ何年かに渡って、本当に多くの議論と論争を重ねて来たよ。全員でね。もしかすると、全てにおいてハートが欠けていたのかも知れないね。
僕はこのレコードのために必死で働いていたよ。自分の健康状態と戦いながらね。沢山の仕事、沢山のビジネス、沢山の論争…もう沢山だったよ！そうして最終的に、バンドの決断として Johan を復帰させることに決めたんだ。言ってみれば、ドゥームの “グラウンド・ゼロ” (ゼロ地点) へと回帰するためにね。
前シンガーの Mats は素晴らしい仕事をしてくれたよ。だけど僕たちは CANDLEMASS の中で、再度火花が飛び散るようなインスピレーションを得るために、何かを行う必要があったんだ。そしてその答えが Johan だったんだよ。
今僕たちは、楽しむことに重点を置いているんだ。どんなビジネスの案件にも侵食されないでね。このバンド、もしくはこの体制が後1年、2年続くのかは分からないけど、少なくとも僕たちは残された時間を楽しむよ。

Q2: When I heard “The Door to Doom”, I was really surprised at Johan’s diversity. He can sing everything from heavy doom to ballad. Compared with the successive singers, What are the superior points or unique points of Johan?

【LEIF】: Well…besides the obvious, a Grreeat voice…he’s very easy to work with. Very humble, eager to try stuff in the studio, but also not afraid to speak his opinion. He’s a also very laid back and cool as a person.

Q2: 最新作 “The Door to Doom” を聴いて、復帰した Johan の能力には驚かされました。彼はバラードからヘヴィーなドゥームまで何でも歌えるようですね。
歴代のシンガーと比較して、彼はどういった点がユニークで優れていますか？

【LEIF】: そうだな…明らかに偉大すぎる歌声を除いては…とにかく彼とはとても仕事がしやすいんだ。実に謙虚で、スタジオでは意欲的。同時に、自分の意見を話すことも恐れないよね。
1人の人間としても、とてもレイドバックしていてクールなんだよ。

Q3: I feel “The Door to Doom” is the most eclectic record in your career. Johan is back, but musically, you don’t go back to “Epicus Doomicus Metallicus”, right?

【LEIF】: No, that was the thing. Not repeat EPICUS. Make a really good record without doing a carbon copy of EDM.
Also, I think we have managed to survive as a band because we haven’t changed much. We’re still the same band, same musicians with the same ambition as before. We wanted to make a straight record. An album without bullshit…in your face…raw n hard n heavy…I think we did it!

Q3: 先程 ドゥームの “グラウンド・ゼロ” へ回帰したと仰いましたが、アルバムは実に多様で、音楽的に “Epicus Doomicus Metallicus” を単純になぞった作品ではないと感じますが。

【LEIF】: その通りだよ。それこそが重要な点だったね。このアルバムは決して “Epicus Doomicus Metallicus” の繰り返しではないんだよ。ファーストアルバムのコピーをすることなく、本当に良いレコードを作りたかったんだ。
同時に、僕らは大きく変わらなかったからこそバンドとして生き残れたとも思っているんだ。今でも僕たちは同じバンドで、以前と同じ野心を持った同じミュージシャンの集まりだからね。
僕たちはとにかく、”ストレート” なアルバムを作りたかったね。クソみたいな素材なしで、大胆不敵で…生々しくハードでヘヴィー。僕はその目標を達成したと思うよ！

Q4: So, Japanese fans are worried about your health problem. At Loud Park 16, we are really excited about your playing on “Crystal Ball”. Considering Making new full-length, and Starting The Doomsday Kingdom, are you getting better now?

【LEIF】: A bit better but not 100%. I’m still struggling with the fatigue syndrome. I hope I can do the shows 2019 without too many problems. The tour with Ghost was a blast of course, but I have to look after myself, rest as much as I can, eat regularly, not party too much. Well, you hear..very rock’n’roll – Not hahahahaha!!
To be honest, I wasn’t playing that well in Japan at Loud Park. I felt burned out and was tired. Fortunately I’m a bit better now, play better, feel better. The gigs with Ghost were pretty good actually.

Q4: 日本のファンはあなたの健康状態を心配していますよ。
Loud Park 16 に登場した時は実にエキサイトしましたし、フルアルバムの制作、THE DOOMSDAY KINGDOM の始動を考慮すれば、快方に向かっているようにも思えます。

【LEIF】: 前より少しは良くなっているね。だけど100%ではないんだ。今でも僕は慢性疲労症候群と戦っているんだよ。2019年は、多くの問題から解放されてショウが出来れば良いんだけど。
GHOST とのツアーはもちろん最高だったよ。だけど僕は自分のケアをする必要があるからね。とにかく出来るだけ休息を沢山取って、規則正しい食生活を送り、パーティーを控える。とってもロックンロールでしょ…な訳ないよね！はははは！！
正直に言うけど、日本の Loud Park では上手くプレイ出来なかったんだ。燃え尽きたような気持ちがしていて、疲れていたからね。
幸運なことに、今はあの時より少し良くなったし、気分も良い。実際、GHOST とのギグはとても良かったんだ。

Q5: Album title, “The Door to Doom” has a dignity as a originator. Really cool! Do you think this record will open the “Door” to Doom for non-doom listeners?

【LEIF】: We hope so. At the Ghost shows we noticed that a llot of people were digging us. Clapping/singing…having a good time. We also signed for young metalfans that didn’t know us that much. The album is also getting great reviews everywhere so we are getting new fans now. Not only from the doom territory.

Q5: アルバムタイトル “The Door to Doom” はオリジネーターとしての威厳に満ちていますね。実にクールです！
実際、この作品は、”ノン・ドゥーム” リスナーがドゥームへのドアを開けるきっかけになるでしょうか？

【LEIF】: そうなれば良いと思っているよ。GHOST とのショウで、僕たちは沢山の人が僕らを気に入っていることに気づいたんだよ。手拍子をして、一緒に歌って…良い時間を過ごしたね。
それに僕たちは、多くの若いメタルファンにサインもしたよ。ショウに車で僕たちについてあまり知らなかったような子たちだよ。そしてこのアルバムは色んな場所で素晴らしいレビュー、評価を得ているね。だから今、まさに僕たちは新たなファンを獲得しているんだよ。ドゥームのテリトリーからだけじゃなくね。

Q6: Actually, Godfather of metal/Doom, Tony Iommi contributes a guest solo on “Astorolus – The Great Octopus”. How did the “Collaboration of Doom” happen?

【LEIF】: We asked hahahaha! Seriously. We asked, and got a yes! Our manager emailed his personal manager. Coudn’t believe it when we had the positive answer back. I was over the moon…Tony Iommi will play on my song! Hardest thing was to keep to mouth shut for 3 months hehe… But y know..if you aim for the stars..you might succeed:-) The solo is absolutely amazing too. What a job he did! Hats off!

Q6: アルバムにはメタル/ドゥームのゴッドファーザー、Tony Iommi がゲスト参加し、”Astorolus – The Great Octopus” でギターソロをプレイしています。
記念すべきこの “ドゥームのコラボレーション” はどの様に実現したのでしょう？

【LEIF】: 僕たちが平伏して頼んだんだ。はははは！いや、真面目な話、僕たちが依頼して、快く引き受けてくれたんだよ！
僕らのマネージャーが Tony のパーソナルマネージャーにメールを送ってね。前向きな答えが返ってきた時は本当に信じられなかったよ。飛び上がって月を超えるほど喜んだね。Tony Iommi が僕の曲でプレイしてくれる！ってね。
一番大変だったのは、それから3ヶ月その事実を内緒にしていなければならなかった事だよ。(笑)  何て言えば良いのかな…とにかく君たちも輝く夢を持てば、きっと実現するはずさ。
もちろん、ギターソロも最高だったね！何て素晴らしい仕事だろう！脱帽だよ！

Q7: Tony said “Candlemass are a major force in Scandinavian heavy rock and have always acknowledged the influence we had on their music.”. How have you been influenced by Black Sabbath?

【LEIF】: When I was 7 or 8 years old I heard the album “Black Sabbath” from a friend near to where I lived at the time. A year or so later I got “Paranoid” for my birthday. Been bitten ever since. Sabbath have always been my heroes and will always be. Especially Tony Iommi, who is the inventor of the heavy riff!!

Q7: Tony は、「CANDLEMASS はヘヴィーロックのスカンジナビアにおける原動力で、僕たちの影響を取り入れていることはずっと知っていたよ。」と語っていますね。

【LEIF】: 僕が7歳か8歳の時、当時住んでいた場所の近所の友達から “Black Sabbath” を聴かせてもらったんだ。その一年後くらいに、誕生日プレゼントで “Paranoid” を買ってもらったんだよ。それ以来ずっと信奉しているよ。
サバスはいつも僕のヒーローだったし、これからもずっとそうさ。特に Tony Iommi はね。まさにヘヴィーリフのイノベーターだよ。

Q8: Candlemass has innovated and developed Doom metal for years. Your contribution to Doom produces flesh doom blood like Electric Wizard, Sorcerer, Khemmis, Pallbearer . What’s your perspective about such a modern doom movement?

【LEIF】: I know that they are great bands, but I don’t know too much about them. I really like some of Electric Wizards early stuff, but lately I haven’t been able to follow whats going on in the doom genre. Been to sick, too busy….

Q8: 影響という意味では、CANDLEMASS も長年ドゥームの進化、発展に貢献し、その成果は ELECTRIC WIZARD, KHEMMIS, SORCERER, PALLBEARER といったモダンなドゥームバンドの音楽に花開いていますね？

【LEIF】: 彼らが素晴らしいバンドだとは知っているんだ。だけどあんまり詳しくは知らないんだよ。ELECTRIC WIZARD 初期の作品は大好きなものがいくつかあるね。
だけど、最近のドゥームシーンで何が起きているのかフォローは出来ていないんだよ。何しろずっと病気で、忙しくもあったからね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED LEIF’S LIFE

BLACK SABBATH “SABBATH BLOODY SABBATH”

MOTÖRHEAD “MOTÖRHEAD”

ANGEL WITCH “ANGEL WITCH”

TROUBLE “TROUBLE”

MANILLA ROAD “THE DELUGE”

MESSAGE FOR JAPAN

I’m keeping my fingers crossed that we can come to Japan for a tour before the end of this year. Heard we get nice reviews in your country, so let’s hope we can come to the land of the rising sun very soon!

今年の末までに、僕たちが日本でツアー出来るよう祈っているよ。君たちの国で良いレビューをされたと聞いているし、日出ずる国へ近々訪れることが出来ることを望むよ！

LEIF EDLING

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【STEVE HACKETT : AT THE EDGE OF LIGHT】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH STEVE HACKETT !!

2018 © Tina Korhonen/ www.tina-k.com

“Chris Wanted Yes To Continue Without Him. We All Want To Continue Our Legacies. The Music Which Is Classic And Special Keeps Going, And We’re Proud To Hold The Torch For It.”

DISC REVIEW “AT THE EDGE OF LIGHT”

夕暮れを迎え創作活動のペースを落とす巨星の中で、一際輝きを増すプログレッシブロックの明星が一つ。
ソロアルバム、ライブアルバム、GENESIS の再訪、Chris Squire や Djabe とのコラボレート。とりわけ、2010年にロックの殿堂入りを果たして以来、Steve Hackett の創作意欲は圧倒的です。
「僕は世界中の文化や音楽のスタイル、そして楽器についてどんどん探求していくのが好きなんだよ。この世界はいつも発見の連続だよ。」溢れる創造性の源について Steve は、2011年に結ばれた妻 Jo の存在と共に、地球上様々な場所に根付いた文化、音楽、楽器への好奇心を挙げています。
そうして、ロックとクラッシック、ジャズ、ブルース、フォークを融合させるプログレッシブロックの伝統にエスニックな深みを重ねる Steve の立体的な音楽、多様性はアートとしての瑞々しさを纏い続けているのです。
実際、26枚目のソロアルバムとなった最新作 “At the Edge of Light” で Steve は、ロック世界の “ワールドミュージックアンバサダー” として1つの完成形を提示して見せました。変幻自在なギタートーンが白眉のオープナー “Fallen Walls and Pedestals” は、すぐさま中東のオリエンタルな情景へとリスナーを連れ去ります。
Steve にとってアルバムとは、多種多様な地域、風景を旅歩き受けたインスピレーションを描くキャンバスです。もしくは映画なのかも知れません。Roger King, Jonas Reingold, Rob Townsend, Nick D’Virgilio, Simon Phillips といった名手たち。さらに、シタール、ヴァイオリン、フルート、サックス、タール、ドゥドゥク、ディジュリドゥなどカラフルな楽器群。自身のビジョン、そして人生観を投影するため、Steve は無垢なる画布に様々な楽器やキャストを配置していきます。
同時に、近年 Steve は自身のボーカルを以前よりフィーチャーしています。その趣向も同様に彼の内なるテーマと情熱をより濃密に伝えるため。1938年チェンバレンのスピーチ “Peace in our time” を文字った “Beasts In Our Time” で彼は、自らの声で当時アメリカが打ち出した孤立主義と現在の状況とを比較し、世界の光と闇に焦点を当てます。
そうしてオーケストレーションと KING CRIMSON の滑らかな融合で示唆された”世界は光と闇の境界線にある”。それはアルバムの重要なテーマとなったのです。
「Chris は彼抜きでも YES を続けて欲しいと願っていたよ。僕たちプログレッシブロックの住人は、全員が自分たちの遺産、レガシーを引き継いでいって欲しいと願っているんだよ。」
亡き Chris Squire に捧げられたようにも思える YES のスピリット、レイヤードセオリーを宿した “Under the Eye of the Sun”、McBroom 姉妹の参加とゴスペルの風情が PINK FLOYD を想起させる “Underground Railroad”。”新たなサウンド” を生み出すレコードは一方で、プログロックのレガシーを継承し祝祭します。
何より11分のエピック “Those Golden Wings” では繊細かつ清廉、そして “ポジティブ” な音像で、自らの出自である GENESIS の偉業を讃えプログレッシブの灯火を高々と掲げているのですから。それは革新の海に漂う矜持の燐光。
“ポジティブ” であることが世界の安寧への枢要なファクターだと語るギタリスト、ソングライター、そしてプロデューサーは静穏を望む旅の締めくくりに美しきトリロジーで自らの存慮を仄めかしています。
“Descent” でカオスの階段を下降し、”Conflict” で混迷と闇に縺れる現代社会。しかしその先にエセリアルで心洗われる “Peace” を用意することで、Steve は人の良心、徳性を信じてみせるのです。
今回弊誌では、Steve Hackett にインタビューを行うことが出来ました。「クラッシックで特別な音楽は引き継がれていくよ。そして僕たちは、その特別な音楽の火を絶やさず掲げ続けることを誇りに思っているんだ。」2度目の登場に感謝。もちろん、Chris Squire の偉業にも。どうぞ！！

STEVE HACKETT “AT THE EDGE OF LIGHT” : 10/10

INTERVIEW WITH STEVE HACKETT

2018 © Tina Korhonen/ www.tina-k.com
Q1: Hi, Steve! Thank you so much for giving us such a great opportunity again! In our “Wolflight” interview, we talked about Chris Squire. After that, unfortunately he passed away. When you heard the news, how did you feel?

【STEVE】: I was…very sad. I felt like another brother had died.

Q1: 前回、”Wolflight” のインタビューで Chris Squire の話をしたことを覚えていますよ。その後、残念ながら Chris は亡くなってしまいました…。彼の訃報を知った時、どういった感覚に襲われましたか？

【STEVE】: ただ…とても悲しかったよ。何というか、兄弟が亡くなってしまったような気持ちだったね。

Q2: You and Chris were long time friend and collaborator. Could you tell us about his memory and legacy?

【STEVE】: Chris was an extraordinary bass player with his original sound. He was also an amazing singer, songwriter and band leader. He was a hugely influential player who loved all kinds of music. The work he did will live on. It was wonderful to work with him… Inspiring, with a fluidity of ideas.

Q2: 彼とは長年の友人で、コラボレーターでもありましたね。

【STEVE】: Chris は桁外れのベースプレイヤーだったよ。オリジナルのサウンドを持ったね。同時に彼は素晴らしいシンガーで、ソングライターで、そしてバンドリーダーでもあったんだ。どんなジャンルの音楽も愛する、大きな影響力を持ったプレイヤーだったよ。
彼の作品はこれからも生き続けるよ。彼とコラボレート出来て良かったよ…彼の湧き出るアイデアには本当にインスパイアされたね。

Q3: Yes keep playing without Chris. Also, Asia is still touring without John Wetton. Lot’s of “Prog Legends” continue their bands without key players. Maybe, there are pros and cons from fans and critics. What’s your thought about that?

【STEVE】: Chris wanted Yes to continue without him. We all want to continue our legacies. The music which is classic and special keeps going, and we’re proud to hold the torch for it.

Q3: YES は Chris を、ASIA は John Wetton を失いながらツアーを続けています。大黒柱を欠きながら活動を継続するプログレジェンドには賛否両論もあるようですが？

【STEVE】: Chris は彼抜きでも YES を続けて欲しいと願っていたよ。僕たちプログレッシブロックの住人は、全員が自分たちの遺産、レガシーを引き継いでいって欲しいと願っているんだよ。
クラッシックで特別な音楽は引き継がれていくよ。そして僕たちは、その特別な音楽の火を絶やさず掲げ続けることを誇りに思っているんだ。

Q4: Regarding legend, fortunately, the members of golden era of Genesis are still alive and well. That’s why lot’s of fans expect for the reunion. In the recent interview, Phil said “I wouldn’t say there isn’t not a possibility. Me, Mike and Tony are pretty close still. I can’t imagine what it would be like if I didn’t play the drums, but anything is possible.” Have you talked them recently? What’s your perspective about the reunion?

【STEVE】: No I haven’t heard anything about a reunion. Meanwhile, I keep the music from that unforgettable time alive myself.

Q4: レジェンドと言えば、GENESIS 黄金期のメンバーは全員がご壮健です。だからこそファンもリユニオンを期待してしまいますが、Phil は最新インタビューで ｢可能性がないとは言えないね。僕と Mike, Tony は今も仲が良いから。ドラムをプレイしないのは想像もつかないけど、何だって可能性はある。｣ と語っています。
あなたは最近、彼らと話をしていますか？

【STEVE】: いや、リユニオンについては何も聞いてないよ。まあリユニオンが実現するまでは、あの忘れ難き時から生まれた音楽を、僕自身で紡ぎ生かし続けるよ。

Q5: OK, let’s talk about your incredible new record “At The Edge of Light”. Actually, it seems you are 69 years old now. But, I can’t believe that your creativity is increasing more and more! What inspired you to make such a great and original music even now?

【STEVE】: I enjoy sharing ideas with my wife Jo and we explore both the physical world and the world of music together… Inspired by amazing places and ideas. I love to discover more and more about cultures, musical styles and instruments from around the world too. It’s a constant universe of discovery. The line “Mountain shrine high” on the song ‘Peace’ was inspired by a spiritual feeling whilst climbing the steps of the Inari Mountain Shinto shrine in Kyoto. I’m glad you’re enjoying At The Edge Of Light.

Q5: では最新作 “At the Edge of Light” について話しましょう。あなたは今年で69歳を迎えましたが、未だに創造性が増しているように感じられます！
枯れない創造性の源はどこにあるのでしょう？

【STEVE】: 僕は妻の Jo とアイデアをシェアすることを楽しんでいるんだ。僕たちは一緒に、この現実世界も、そして音楽の世界も両方探求しているんだよ。素晴らしい場所や思想から影響を受けながらね。
僕は世界中の文化や音楽のスタイル、そして楽器についてどんどん探求していくのが好きなんだよ。この世界はいつも発見の連続だよ。
最新作に収録されている “Peace” の中で “Mountain Shrine High” の一節は、京都にある稲荷山を登って神社をお参りした時のスピリチュアルな感覚をインスピレーションとしているんだ。だから日本の人たちが “At the Edge of Light” を楽しんでくれたら嬉しいね。

Q6: Definitely, you are “World Music Ambassador” of rock scene and “experimenting with sounds and ethnic instruments” is trademark of you. But, in the press release, you said “It feels here like I have finally connected properly to world music. In the past there have been a few tracks where I have skirted around that type of genre. But now, it’s the entire album that fits into this style.” Does it mean finally you complete your own “World music Rock” in this record?

【STEVE】: I will continue to explore World Music, as it’s all part of my inspiration, but I also love to create new sounds and celebrate the marriage of rock with classical, jazz, blues and folk. It’s also exciting to involve top musicians and singers of different genres and from around the world.
I have always wanted to reach out as an artist to anyone from anywhere. I love the whole global perspective that means it never matters where you are from. If you are good enough, then that’s all people should be concerned about. Not what country you’re from.

Q6: 仰るように、世界の伝統音楽を積極的に取り入れるあなたの姿勢は、まさにロックシーンの “ワールドミュージックアンバサダー” と言えるでしょう。
ただしプレスリリースでは、今作で遂にアルバム全体でワールドミュージックと繋がることが出来たと語っていましたね？

【STEVE】: 僕はこれからもワールドミュージックを探求していくよ。その全てが僕のインスピレーションの一部だからね。だけど同時に、新たなサウンドを生み出し、ロックとクラッシック、ジャズ、ブルース、フォークとの婚姻を祝うことも大好きなんだ。
それに、異なるジャンル、そして世界中の音楽からトップのミュージシャンやシンガーとコラボレートすることはとてもエキサイティングなんだよ。僕はいつも、何処から来たどんなアーティストにだってコンタクトしたいと思っているよ。地球全体で考えることが好きだからね。つまり出身は関係ないんだ。能力さえあれば、誰だって僕のプロジェクトに関わってほしい。重要なのは国籍ではなくてね。

2018 © Tina Korhonen/ www.tina-k.com
Q7: Also, in the press release, you said “We are right at that boundary between light and dark.” I do agree that, because we Japanese also don’t have good relationship with surrounding country. But, it seems you are still optimistic somehow about the world situation. Because this record ends with “Peace”. Do you believe we’ll be turn back from the “Edge”?

【STEVE】: I remain cautiously optimistic because I feel that to look to the light helps things to move in a positive direction away from dark forces. I feel that magic can help to highlight that positive energy.

Q7: アルバムでは、現在世界が光と闇の境界線に位置していると語られています。
同時に、”Peace” で幕を閉じるアルバムからは、それでも人間を信じ、光へと向かう人類への期待が感じられました。人類は “Edge” 崖を前にして踏みとどまれるのでしょうか？

【STEVE】: 僕は慎重だけどそれでも世界の状況には楽観的だよ。なぜなら、僕は光を追い求め楽観的であることが、闇の力から距離を置きポジティブな方向へと進む手助けになると感じているからなんだ。
そういった “魔法” がポジティブなエナジーを強調し集合させていくんだよ。

Q8: “Those Golden Wings” reminded me Genesis’s great long-songs and one of my highlight of the album. Actually, you’ll play “Selling England by the Pound” in its entirety. I know John Lennon loved the album, and also it’s your favorite Genesis record, right?

【STEVE】: I have used atmospheric sections as bridges between tracks, which gives it a more orchestral approach. “Those Golden Wings”, for instance, is one that I use to set the scene. And this is a device that crops up a few times throughout the album.
And “Those Golden Wings” was intended to be an epic with a sense of the adventure of life with its struggles and joys, as well as a celebration of love winning through. So, that epic element does echo some of the Genesis music.
Yes, Selling England By The Pound is my favourite Genesis album. It covers so many musical styles and was a joy to work on.

Q8: “Those Golden Wings” は GENESIS のエピックを想起させますね。
その GENESIS の “Selling England by the Pound” をライブで完全再現する予定だと聞いていますが、John Lennon も愛したあの作品は、GENESIS のディスコグラフィーでもあなたのフェイバリットレコードですよね？

【STEVE】: 今回僕は、アルバムの曲間にアトモスフェリックなセクションを配置したんだ。そうすることで、よりオーケストラルなアプローチが可能となったね。この手法はアルバムを通じて幾度か登場し、”Those Golden Wings” にも適用したんだよ。
“Those Golden Wings” は、人生という冒険の苦しみと喜びを落とし込んだエピックを目指したんだ。同時に、そういった光と闇の争いの中でも、最終的には愛の勝利を祝うためにね。だからこのエピックには GENESIS と通じる部分があるんだよ。
“Selling England By The Pound” は確かに僕のフェイバリットな GENESIS のアルバムだよ。様々な音楽的スタイルをカバーしていて、制作するのが心底楽しかったからね。

Q9: Technique wise, you used tapping and sweep long before Van Halen and Yngwie came into the scene. But these technique becomes almost their synonym. As a guitar player, I think you should be known more as founder of tapping and sweep. Do you think so?

【STEVE】: I discovered these techniques for myself, which I used extensively with Genesis and continue to use to this day. They help fluidity and speed.

Q9: ギターテクニックについてですが、あなたはタッピングやスイープを Van Halen, Yngwie 以前に使用していたにもかかわらず、そういったテクニックは彼らの代名詞にもなっていますよね。
もっとオリジネーターとして認知されても良いように感じますが？

【STEVE】: 確かに、タッピングやスイープは僕自身が自力で発見したテクニックだね。そしてそういったテクニックを GENESIS 時代から今日まで広くずっと使い続けているよ。
彼らはそのテクニックをより円滑に、そしてスピードを加えていったんだ。

MESSAGE FOR JAPAN

2018 © Tina Korhonen/ www.tina-k.com

Lot’s of Japanese fans really excited to hear “When The Heart Rules The Mind” and “Inside And Out” Last year! Can we expect for entire “Selling England by the Pound” set someday soon? haha. Finally, message for Japan!

Yes, I intend to bring my tour which will include the whole of Selling England By The Pound to Japan next year.
I always look forward to playing in Japan and seeing all fans and friends there. I hope to return as soon as possible!
My warmest wishes to everyone in Japan. With my thanks.

来年には、 “Selling England By The Pound” の完全再現を含む日本ツアーを行おうと思っているんだ。僕はいつだって、日本でプレイし、友人やファンと会うのを楽しみにしているからね。出来るだけ早く戻れたらいいね！
日本のみんなに最高の愛を込めて。

Steve Hackett

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NEW DISC REVIEW + COVER STORY 【BRING ME THE HORIZON : AMO】

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BRING ME THE HORIZON: WHEN LOVE AND HATE COLLIDE – STORY BEHIND “AMO”

WHEN LOVE AND HATE COLLIDE

ファンとの間の愛憎劇は、創造性を追求するアーティストならば誰もが背負う十字架なのかも知れません。とは言え、BRING ME THE HORIZON ほど荊の枷にもがき苦しみ、愛憎の海に溺れながら解脱を果たすミュージシャンは決して多くはないでしょう。
BRING ME THE HORIZON は新たなる宿業 “Amo” でラディカルな変革を遂げ、リスナーを文字通り地平線の向こうへと誘っています。それはロック、ポップ、エレクトロ、トランスにヒップホップをブレンドした野心極まる甘露。
しかし「15年経った現在でも、ヘヴィーじゃないとかブラストビートがないことが問題になる。そういった障害を壊し続けて来たんだけどね。」とフロントマン Oli Sykes が NME のインタビューで語った通り、確かにデスコア時代からのダイハードなメタルヘッドに “Amo” は堪え難い冒険だったのかも知れませんね。
実際、UK Billboard チャートで初の No.1 を獲得したとは言え、フィジカルのセールス自体はまだメタルの範疇にあった前作 “That’s the Spirit” と比較して75%も落ち込んでいます。もちろん、ストリーミングの大きな躍進は考慮するべきでしょうが、それにしても決して無視出来る数字ではありません。

“I think we’ve been ahead of some of the other bands. To Oli’s credit, he’s quite good at that. He has ideas before anyone else.”


とは言えバンドは批判やセールスなどどこ吹く風。全員がこのアクセシブルで自由なレコードを誇りに思っています。さらには、ギタリスト Lee Malia は Music Rader のインタビューで BMTH がシーンに迎合せず、常に他のバンドの先を行っていると語っています。「僕らがコーラスを取り入れれば、1年後くらいにメタルコアシーン全体が真似してやり始めたよね。ストリングスにしたってそうだよ。どういう意味かわかる？つまり僕らはいつも他のバンドの1年くらい先を行ってるんだ。そうして同じ手法を繰り返すこともない。」
そういった斬新なアイデアを思いつくのは大抵 Oli だと Lee は証言しています。ではなぜ Oli はメタルのルーツから離れて “背水の” 進化を続けるのでしょうか。その理由は音楽と感情の繋がりを保つためでした。Music Week のインタビューで明かされています。
「だからこそラッパーはほとんど新たなロックやパンクなんだよ。ロックはソフトになってしまった。悲惨で退屈なね。もうエキサイト出来る部分がほぼないんだよ。それ故に、僕らがクロスオーバーすることが重要なんだ。そうすることで、僕たちは音楽がどれだけヘヴィーかで評価する場所じゃなく、ただ音楽が好きな人のいる場所へと属することが出来るんだからね。」

“Rap is almost the new punk”, arguing that “rock has gone soft, miserable and boring”.

音楽はジャンルやスタイルを守るための枷ではなく、溢れる感情を伝える手段。そしてそのための変革ならば決して恐れるべきではない。キーボーディストでバンドのキーパーソン Jordan Fish も同調します。
「僕が好きなバンドの大半は、キャリアを通して変化し続けている。RADIOHEAD は大好きなバンドなんだけど、みんなが愛する “The Bends” みたいな古いマテリアルよりも、エレクトロニカを大胆に取り入れ出してからの方が気に入っているくらいでね。」
故に、コマーシャルでポップと評される “Amo” においてもエキサイトメントは減退していないと Oli は考えているのです。
「ポップになっているとしても、ラジオでかかっているクソみたいな音楽の100万倍エキサイティングだよ。エモーショナルで深みがあるんだよ。きっと何かしら感じるものがあるはずさ。」


深みと言えば、アルバムタイトル “Amo” がポルトガル語で “I Love” を意味することで、一見作品は離婚を経た Oli がブラジル人の現妻へ愛を囁くある種インスタントなテーマにも思えます。しかし、”Amo” には一方で “弾薬” “支配者” 等の意味も存在し、そこに多元的な陰影を秘めさせているのです。そしてその陰影は、確かに Oli の波乱万丈な愛憎人生を反映しています。
MySpace の申し子として名を広め、”出来る限りヘヴィーでブルータル” に制作されたデビュー作 “Count Your Blessings” でデスコアシーンの “ポスターボーイ” を務めることとなった Oli。ただし、クールなルックスと生意気で好戦的なイメージは、ネット上ではパンチラインとして揶揄されプレスからはスタイル重視と批判を集めることにも繋がりました。

“YOU DON’T KNOW ME !!”


ただし、デビュー作のアートワークが物語るように、彼らが “異質” なバンドであることは明らかでした。時を経て、アルバムを重ねるごとに、デスコア/メタルコアのルーツから離れエレクトロニカやシンフォニックな要素を徐々に抱擁したバンドの野心、実験性は、デスコアに執心するファンには当然不評でしたが、皮肉なことに手のひらを返したメディアには “メタルの救世主” 的存在に奉られる結果ともなったのです。
“You Don’t Know Me!” Kerrang! 誌の表紙を飾った Oli の言葉が当時の状況を表します。「確かに事実じゃないことを書かれてイラついたのもある。けど同時に救世主とか偶像視されるような良い人間じゃないって思いも強かったんだ。」そうして Oli はケタミンへと逃避し、中毒からの治療に時間を費やすこととなりました。

“I went through a divorce a couple of years ago and I really didn’t want to talk about,” Sykes admitted. “I don’t want it to seem like I care, and I didn’t want to dredge up the past. I didn’t want to give the person the ‘glory’ of writing stuff about them and shit like that. After it while it just became apparent that I needed to.”

人間万事塞翁が馬。ケタミン中毒そのリハビリをインスピレーションとした2013年の “Sempiternal” は、皮肉にも Oli を追い詰めた閉鎖的なメタル空間からの旅立ちを告げる作品に仕上がりました。BFMV と BMTH の違いさえ分からない畑違いの、しかし素晴らしきパートナー Jordan Fish の参加は何より僥倖でした。
そうして Oli は作品直接のインスピレーションである離婚と再婚を経験します。
「離婚について語りたくなんてなかったよ。過去を引きずってるみたいだし、記者を喜ばせたくもないしね。だけどどうしても語る必要があると感じるようになったんだ。抱え込んだものを放出する必要がね。やっぱりこういった経験は感情を蓄積させるんだ。実際、僕は人をより信じられなくなったりね。創作活動はセラピーだよ。そして幸運にも僕は歌うことで感情を吐き出すことが出来る。」Oli は NME のインタビューでそう語っています。そして “Amo” には様々な愛の形、愛が与える影響が込められ、ラブとトラウマがアルバムを形成していることも。
それはすなはち、どの楽曲も全く異なり、安全圏を飛び出した多様で実験的なレコードのコンセプトへとピッタリ合致しています。

トレードマークのヘヴィーなリフエイジをふんだんに散りばめ、離婚についての想いをブチまけたファーストシングル “Mantra” が “That’s the Spirit” と “Amo” を繋ぐ音楽的なミッシングリンクであることは明らかでしょう。Dani Filth がゲスト参加し、俺が死のうが生きようが誰も気にしないと離婚の光りと影を叫ぶ Nu-metal アンセム “Wonderful Life” も同様です。
一方で、Grimes をフィーチャーした、メタルのダイナミズムとユーロポップ、そして EDM の皮肉な邂逅 “Nihilist Blues” は Oli 語るところの “多様” で “風変わり”、そして “自由” な “Amo” の性質を如実に描写したシンボルです。Jordan Fish が Grimes の大ファンであることは多くが知るところでしょう。

“Our last record we set out to make a record we could see ourselves playing in bigger venues – I like to call it a big-budget rock album – and every song could have been a single, I always looked up to Linkin Park’s Hybrid Theory where every song could be a single. I know some people don’t think that’s so cool, but I used to think that was amazing.”

「前作 “That’s the Spirit” は大きなアリーナでプレイすることを想定したアルバムだったね。僕たちは “高予算のロックレコード” と呼んでいたんだけど。つまり全ての楽曲がシングルに成り得た訳だよ。僕は LINKIN PARK の “Hybrid Theory” をリスペクトしているんだ。全ての楽曲がシングル候補だからね。それを快く思わない人もいるけど、僕は常々素晴らしいと思って来たんだよ。
“Amo” は少し異なっているね。もちろん、ラジオでかかるような楽曲もあるよ。僕たちはそういった曲を書くが好きだし、チャレンジでもあるからね。だけど、そういったことを考慮に入れていない楽曲もあるね。どう編集してもシングルにならないようなものさ。僕たちが以前全く書いたことのないような音楽だよ。」 Louder Soundのインタビューで Oli が語った通り、コマーシャルと一括りにするよりも、ポップや実験性が入り乱れるフリーダム、多様性こそアルバムの真髄でしょう。
さらに、”In the Dark” や “Why You Gotta Kick Me When I’m Down” では多感な少年時代にインスピレーションを受けた *NSYNC, BACKSTREET BOYS といった90’sボーイズバンドへの憧憬をも最先端のトラップを組み込みながら昇華しています。
トロピカルにチルアウトする “Sugar Honey Ice & Tea” (頭文字を合わせれば SHIT)、ドラムンベースやダブの近未来感が眩しい “Ouch” など、それにしてもアルバムは類を見ない程に拡散しています。ではいったい BRING ME THE HORIZON は今いったいメタルとそのシーンに対してどのような想いを抱えているのでしょうか。

“And I keep picking petals
I’m afraid you don’t love me anymore
‘Cause a kid on the ‘gram in a Black Dahlia tank
Says it ain’t heavy metal
(And that’s alright,That’s alright)”

その答えは “Heavy Metal” に垣間見ることが出来るはずです。「だから俺は、君に愛されているかどうかを試すために花びらを一枚づつちぎって占いを続けるんだ。好き、嫌い、好き、嫌いってね。もう愛されていないような気がして怖いんだよ。ブラダリのタンクトップを着たキッズがインスタで、こんなのはメタルじゃないと言ってたからね。そうだよ…その通りだよ。」Oli の叫び、楽曲の歌詞が “メタル側” へと向けられたことは明らかです。そしてそこには、一時救世主へと祭り上げられた元メタルキッズのやはり愛憎、そして後ろ髪引かれる仄かな切なさが存在しているようにも思えます。
実際 “Medicine” は象徴的ですが、音楽シーン全体の最前線をフォローしながら、同時にほぼ全ての楽曲にロックやメタルのダイナミズム、フィジカル感、そしてクリエイティビティーを織り込む彼らのやり方は斬新で双方向から新たな発見を促してくれます。
とは言え、Oli はシェフィールドの曇天をイメージさせる英国人特有の皮肉も忘れません。「最後のメタルアイコンは METALLICA と BLACK SABBATH だよ。ヘッドライナーは20年前のバンドばかり。つまり、ロックやメタルは何十年も、他のジャンルには存在するレジェンドを生み出せていないんだ。」
もはやメタルを背負わず、気負わずただ自由に地平線の向こうを目指す BRING ME THE HORIZON。しかし、結局メタルとの婚姻は人生の婚姻よりも解消が困難なのかもしれませんね。ただ、きっと彼らが見せる天真爛漫の絶景は、保守的なメタルワールドにとって世界へ飛び出す絶好の招待状となるはずです。

SUMMER SONIC 2019
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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SWALLOW THE SUN : WHEN A SHADOW IS FORCED INTO THE LIGHT】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MATTI HONKONEN OF SWALLOW THE SUN !!

“The Whole Album Is Personal And Very Special For Juha Raivio And For Us Also As a Band. All I Want To Say Is That I Believe There Is Hope Also Involved On The Album. A Light At The End Of The Tunnel. “

DISC REVIEW “WHEN A SHADOW IS FORCED INTO THE LIGHT”

2016年、ギタリストでメインコンポーザー Juha Raivio が長年のパートナーでコラボレーターでもあった Aleah Stanbridge を癌で失って以来、フィンランドの哀哭 SWALLOW THE SUN はまさに涙淵へと深く沈んでいました。
ツアースケジュールの延期に隠遁生活。そうして2年の服喪の後、最終的に Juha が自らの沈鬱と寂寞を吐き出し、Aleah との想い出を追憶する手段に選んだのはやはり音楽でした。
Aleah の闘病中に制作された前作、”Songs From the North I, II and III” はメタル史においても前代未聞、3枚組2時間半の大エピックとしてリリースされました。「僕たちのスローガンを明瞭に示したんだ。憂鬱、美麗、そして絶望。僕たちが音楽に封じている三原則だよ。同時に、Juha Raivio にとってはとてもパーソナルなアルバムにもなったんだ。彼が当時、人生で経験したことを封じているからね。」Matt Honkonen が語るように、Juha の尽き果てる希望を憂鬱、美麗、絶望というバンドの三原則で封じたレコードは、同時にアルバム単位から楽曲単位へと評価の基準が移り行くインスタントミュージックの機運に一石を投じる壮大なアンチテーゼでもあったのです。
「ああいったエピック、トリプルアルバムをリリースした後だったから、僕たちは何か別のとても特別なものを創出したかったんだと思うんだ。」Matt の言葉通り、喪が開けて Aleah への追悼と Juha の深痛を宿す最新作は、”Lumina Aurea” と “When a Shadow is Forced Into the Light”、EP & フルアルバムというイレギュラーなリリースとなったのです。
13分半のタイトルトラックとそのインストバージョンで構成された EP “Lumina Aurea” の音楽は、これまでの SWALLOW THE SUN スタイルとは大きく異なっていました。
ネオフォークの大家 WARDRUNA の Einar Selvik と、イタリアンドゥームの傑物 THE FORESHADOWING の Marcus I の助力を得て完成させた楽曲は、完全にジャンルレス。ネオフォーク、ドゥーム、スポークンワードにオーケストレーションとグレゴリアンスタイルを加味した “Lumina Aurea” は、ただ純粋に Juha の慟哭と闇を音楽の姿に写した鬼哭啾々の異形でした。
一方で、｢僕はこのアルバムに関しても希望は存在すると信じているし、トンネルの出口には光が待っているんだ。｣ と Matt が語る通り、フルアルバム “When a Shadow is Forced Into the Light” はタイトルにもある “影”、そしてその影を照らす “光” をも垣間見られる感情豊かな作品に仕上がったのです。
デスメタルとドゥーム、そしてゴシックが出会うメランコリーとアトモスフィアに満ちたレコードは、まさにバンドが掲げる三原則、”憂鬱、美麗、絶望” の交差点です。
恍惚のオーケストレーション、アコースティック、ダイナミックなドゥームグルーヴ、胸を抉るボーカルハーモニーにグロウル。リッチなテクスチャーで深々と折り重なる重層のエモーションを創出するタイトルトラックは、SWALLOW THE SUN のレガシーを素晴らしく投影する至高。
“Lumina Aurea” の深海から浮上し、暗闇に光を掲げる “Firelight” のメランコリーはバンドの長い歴史に置いても最もエモーショナルな瞬間でしょう。死は人生よりも強靭ですが、きっと愛はその死をも凌駕するのです。
もちろん、”Clouds On Your Side” を聴けば、ストリングスがバンドのメロウなアンビエンスと痛切なヘヴィネスを繋ぐ触媒であることに気づくでしょう。そうしてアルバムは、ダークでしかし不思議と暖かな “Never Left” でその幕を閉じます。
“When a Shadow is Forced Into the Light” を聴き終え、Juha と Aleah の落胤 TREES OF ETERNITY の作品を想起するファンも多いでしょう。リリースにあたって、全てのインタビューを拒絶した Juha ですが、1つのステートメントを残しています。
｢このアルバムは Aleah を失ってからの僕の戦いの記録だ。”影が光に押しやられる時” このタイトルは Aleah の言葉で、まさに僕たちが今必要としていること。2年半森で隠棲して人生全てをこの作品へと注ぎ、影を払おうと努力したんだ。言葉で語るのは難しいよ。全てはアルバムの音楽と歌詞が語ってくれるはずさ。｣ バンドに18年在籍する代弁者、ベーシスト Matti Honkonen のインタビューです。どうぞ！！

SWALLOW THE SUN “WHEN A SHADOW IS FORCED INTO THE LIGHT” : 10/10

INTERVIEW WITH MATTI HONKONEN

Q1: First of all, your previous release “Songs From the North I, II and III” was really ambitious record. Of course, two hours and half running time was an unheard of metal history, but more over, despite its length, the whole album was very fulfilling, really impressive all through the three records. Actually, what made you create such a huge epic?

【MATTI】: It was actually idea that was haunting in our heads many years before it really happened and we decided to make the actual triple album. The album defines our slogan: gloom , beauty and despair. The variety of styles we have in our music. It’s also very personal album for Juha Raivio and it’s about the experiences he had at that time in his life.
Musically we also wanted to challenge ourselves by doing something that very few has done before in metal music history.Triple album. It’s meant to challenge listers too. It feels that now days it’s hard to find full length album that stays interesting from the start to finish. And generally it’s feels it’s more about getting one song noticed somewhere in media or radio. So our answer to that was make a Triple album. Not making it too easy to anyone.

Q1: 前作 “Songs From the North I, II and III” は非常に野心的なレコードでしたね。3枚組2時間半のランニングタイムは、メタル史においても前代未聞でしたが、何よりその長さにも関わらずアルバムを通して充実していましたね！

【MATTI】: 実際に実現するまで、何年も僕たちの頭の中にあったアイデアだったんだ。そして遂にトリプルアルバムを制作しようと決めたんだよ。
“Songs From the North I, II and III” では僕たちのスローガンを明瞭に示したんだ。憂鬱、美麗、そして絶望。僕たちが音楽に封じている三原則だよ。同時に、Juha Raivio にとってはとてもパーソナルなアルバムにもなったんだ。彼が当時、人生で経験したことを封じているからね。
音楽的にも、メタル史においてほとんど誰も成し得なかったことにチャレンジしたかったんだ。それがトリプルアルバムさ。トリプルアルバムは、リスナーにとってもチャレンジな訳だよ。
今日では、例え1枚だけのアルバムでも、最初から最後まで興味深い作品を見つけることは難しいんだ。一般的に、メディアやラジオで1曲が注目されることにより重きを置いているように感じるね。だから3枚組はそういった傾向に対する僕たちからの答えなんだよ。誰にでも簡単に作れる訳じゃないからね。

Q2: Regarding ambitious, “Lumina Aurea” and “When a Shadow is Forced Into the Light”, it’s surprising that you have released EP and full album two months in a row. what was the reason of that?

【MATTI】: I think we wanted to put out something very special and different after the epic triple album. Lumina Aurea is also gateway to the new album and they are connected together. Musically they are totally different but main story and the big picture behind the Lumina Aurea and when shadow is forced into the light makes them belong together.

Q2: 野心的と言えば、”Lumina Aurea”, “When a Shadow is Forced Into the Light” という EP、フルアルバムの2ヶ月連続でリリースも驚きでしたよ。

【MATTI】: ああいったエピック、トリプルアルバムをリリースした後だったから、僕たちは何か別のとても特別なものを創出したかったんだと思うんだ。
“Lumina Aurea” は同時に、新作への入り口となっていて、お互いに繋がっているんだよ。確かに音楽的にこの2枚は全く異なるけれど、”Lumina Aurea” と “When a Shadow is Forced Into the Light” は背後にあるメインストーリー、そして全体像を共有しているんだよ。

Q3: Actually, Swallow the Sun have experienced some lineup changes in the last years. It seems Peuhu and Räihä had some relationships with the band. Have the creative and recording process changed with their joining?

【MATTI】: Juha Raivio is still the main songwriter in our band. He creates the music and the core of swallow the sun songs.
Jaani Peuhu has been working us before and he has been singing backing vocals for example on the triple album and doing production and arrangements for the albums in past. Jaani has played with us selected live shows also in the past.
Juho Räihä has been playing a few tours already with us as a fill up guitarist and has been good friend of us very long time before that. They are both excellent musicians and I’m very happy to have them in our band now.
For these latest album they both took a part of recording process and recorded their own instruments of course on the album. Jaani and Juho have their own studios and they both have a a lot of experience on recording albums and engineering albums for other bands too.

Q3: ここ数年で SWALLOW THE SUN にはいくつかのメンバーチェンジがありました。とは言え、新メンバー Jaani と Juho は以前からバンドと関わりがあったようですが。
彼らの参加で制作のプロセスに変化は生じましたか？

【MATTI】: 確かにメンバーチェンジはあったけど、メインソングライターが Juha Raivio であることに変わりはないし、彼がSWALLOW THE SUN の音楽と楽曲のコアを生み出しているんだ。
キーボードプレイヤー Jaani Peuhu は以前からずっと僕たちと仕事をして来たよ。例えば、トリプルアルバムではバッキングボーカルを担当していたし、過去にはプロダクションやアレンジメントでも貢献していたね。それに何度かライブにも参加していたんだ。
Juho Räihä もギタリストの代役として、過去に何度か僕たちとツアーをしていたね。そしてそれ以前から僕たちとはとても仲の良い友人だったんだ。2人とも並外れたミュージシャンだから、彼らをバンドに迎えることが出来てとても満足しているよ。
最新作2枚では、両者ともレコーディングに参加し、もちろんその音を吹き込んでいるよ。Jaani と Juho は自分のスタジオを持っていて、2人とも多くのレコーディング経験があるんだよ。それに他のバンドのためにエンジニアもしているからね。

Q4: It seems the lyrics come from a personal loss from Juha, that is to say, about his partner singer/songwriter Aleah Stanbridge’s passing right? So, it seems that this record is full of his pain and grief, do you agree that?

【MATTI】: Yes. All the answers of those questions can be found a way or another in the lyrics of the album. I think listeners can make their own opinion about how they want to see messages behind of the lyrics.
The whole album is personal and very special for Juha Raivio and for us also as a band. All I want to say is that I believe there is Hope also involved on the album. A light at the end of the tunnel.

Q4: Juha は、パートナーのシンガー Aleah Stanbridge を亡くしました。”When a Shadow is Forced Into the Light” は、その彼女を失った深い悲しみ、痛みが封じられたアルバムですね？

【MATTI】: その通りだよ。そういった悲しみ、痛みは何にせよこのアルバムの歌詞に封じられているよ。だから、リスナーのみんなには自分の解釈で、歌詞に秘められたメッセージを読み取ってもらいたいね。
このアルバムは、全て Juha Raivio にとって、そして僕たちバンドにとっても、とてもパーソナルで特別なものになったね。
僕に1つだけ言いたいことがあるとすれば、僕はこのアルバムに関しても希望は存在すると信じているし、トンネルの出口には光が待っているんだ。

Q5: Maybe, every night of this tour, Juha will play these songs. I can’t imagine how painful it is. Have you talked about his struggle and braveness in the creative process?

【MATTI】: Yes. It Is hard of course. Everyone can imagine that. All the wounds will be open. But, you know, we had Aleah’s vocals on the triple album’s tour. Her voice came from the backing tracks when we were on stage. So it was really difficult for the whole band.

Q5: ツアーで Juha は、大きな苦痛と共に、毎晩このアルバムの楽曲をプレイしなければならないでしょう。その苦悩や痛みについてはバンドで話していますか？

【MATTI】: うん。もちろんハードなツアーになると思うよ。バンド全員がその苦痛は想像しているよ。全ての傷が開くだろう。
だけどトリプルアルバムのツアーでも、ステージ上で Aleah の声がバッキングトラックから聴こえて来ていたんだからね。だからバンド全員にとって本当に難しいツアーだったんだ。

Q6: Of course, Trees of Eternity’s “Hour of the Nightingale” is kind of key of “When a Shadow is Forced Into the Light”. What’s the record to you?

【MATTI】: For me Trees of Eternity’s album “Hour Of the nightingale” is excellent album Juha needed to make at that time. It is very good album and important record for us all.

Q6: TREES OF ETERNITY がリリースした “Hour of the Nightingale” は Aleah と Juha が共演し、Aleah の遺作としてリリースされました。”When a Shadow is Forced Into the Light” にとって鍵となる作品にも思えます。

【MATTI】: 僕にとって、TREES OF ETERNITY の “Hour of the Nightingale” は傑出した作品なんだ。Juha があの時制作する必要がどうしてもあったアルバムだからね。
とても良いアルバムだし、SWALLOW THE SUN 全員にとっても非常に重要なレコードだよ。

Q7: Especially in this record, strings creates emotive, deep atmosphere. So, we expect your live in concert with orchestra. Is there any plan to play with strings?

【MATTI】: Not an Orchestra. The strings aren’t huge we just wanted to have that kind of atmosphere and the feeling there. Hopefully at some point it would be possible to arrange some special shows with orchestra. Let’s see what happens in the future. We would like to try it for sure.

Q7: 特に “When a Shadow is Forced Into the Light” では、ストリングスに導かれる荘厳なアトモスフィア、エモーションが印象的です。ライブでオーケストラとの共演を期待するファンも多いでしょうね？

【MATTI】: オーケストラじゃなくてストリングスだね。ストリングスはオーケストラほど巨大じゃないから、僕たちの望むアトモスフィアやフィーリングを出すことが出来るんだ。
出来れば、ある時点でオーケストラと共演するスペシャルなショウを組み込めたらと思っているんだ。どうなるかは今後のお楽しみってとこだね。ただ、間違いなく僕たちはその構想を持っていて、トライしようとしているよ。

Q8: Sometimes, we remind, Anathema, Paradise Lost is of course, Marillion, Pink Floyd, Rush, and even Depeche Mode, The Cure, from your music. I think that eclectic vision makes you really unique. Do you feel comfortable when you are called “Doomgressive” band? haha.

【MATTI】: It’s very good term actually! I haven’t heard that before,haha.

Q8: SWALLOW THE SUN の音楽からは、ANATHEMA や PARADISE LOST はもちろんですが、MARILLION, PINK FLOYD, RUSH といったプログロック、さらには DEPECHE MODE, THE CURE からの影響も感じられます。故に多様かつユニークで、”Doomgressive” とも形容可能に思えます (笑)

【MATTI】: それって、マジですごく良い言葉だね！今まで聞いたことがなかったよ （笑）

FIVE ALBUMS THAT CHANGED MATTI’S LIFE

That’s hard question, but here are some albums and bands I really like and has affected me as a musician. They are not in specific order or anything.

GUNS N’ ROSES “APPETITE FOR DESTRUCTION”

QUEEN “GREATEST HITS Ⅱ”

ALICE IN CHAINS “DIRT”

METALLICA “RIDE THE LIGHTNING”

AC/DC “THE RAZORS EDGE”

MESSAGE FOR JAPAN

It would be awesome to play in Japan. let’s hope It happens again soon! Thank you!

日本でまたプレイ出来たら素晴らしいね。ぜひ、近々そうなることを願おうじゃないか！ありがとう！

MATTI HONKONEN

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DILEMMA : RANDOM ACTS OF LIBERATION】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH COLLIN LEIJENAAR OF DILEMMA !!

“I Believe That Prog Music Should Not Only Be Clever And Virtuoso, But Also Moves Your Emotions And Your Heart. And It Should Surprise You, Taking You On a Musical Journey.”

DISC REVIEW “RANDOM ACTS OF LIBERATION”

｢オランダ人はいつも交易と開拓を掲げてきたよ。この精神は、音楽にも反映されているんだ。なにせオランダのプログシーンは小さいから、成功を収めたいなら手を広げなければならないんだ。だからこそ、オランダのプログロックバンドはよく世界的な注目を集めるんだろうね。｣
オランダに根づく交易と開拓の精神は、文化、芸術の歩みをも伴うこととなりました。そしてそのスピリットは、”交易” と “開拓” を音で体現するプログレッシブロックの海原と無謬にシンクロしているのです。
FOCUS, EARTH & FIRE, TRACE, KAYAK, AYREON, TEXTURES, VUUR。潮風の交差点で脈々と重なるダッチプログの渦潮は、DILEMMA を呑み込み、23年の長い間仄暗き水の底へと沈めました。しかし、90年代に素晴らしき “Imbroccata” でプログシーンに深々と爪痕を残した船乗りたちは甦り、遅れて来た大航海時代 “Random Acts Of Liberation” で文字通り自由を謳歌するのです。
ただし、乗組員は船長の鍵盤奏者 Robin Z を除いて大きく変化を遂げています。特筆すべきは、Neal Morse, KAYAK との仕事でも知られる百戦錬磨のドラマー Collin Leijenaar と、ex-FROST*, DARWIN’S RADIO の Dec Bruke を加えたことでしょう。オランダでプログ雑誌のライターも務める Collin の理想と、FROST* の血脈に繋がる Dec の個性は、バンドを一際カラフルでアクセシブルなプログレッシブポップの海域へと誘うこととなりました。
｢プログロックはただクレバーでバーチュオーソ的だけであるべきではないと信じているんだ。同時に感情や心を動かすべきだってね。そうしてそこには驚きや音楽的な旅への誘いがあるべきだってね。人は心の底から音楽と繋がる必要があるんだよ。｣
実際、Collin のこの言葉は、”Random Acts Of Liberation” が強固に裏付けています。
DREAM THEATER の “Pull Me Under” を彷彿とさせる緊張感とキャッチーなメロディーラインのコントラストが鮮やかなオープナー “The Space Between The Waves” が、より”自由”なプログロックの風波としてアルバムの趨勢を占えば、14曲72分の DILEMMA シアターの幕開けです。
“Amsterdam (This City)” を聴けば、一番の理解者 Mike Portnoy が ｢SPOCK’S BEARED, FROST*, FLYING COLORS, HAKEN, Steven Wilson と並ぶとても味わい深いモダンプログ｣ と DILEMMA を評した理由が伝わるはずです。デジタルサウンドとストリングスを効果的に抱擁する多様で甘やかなホームタウンのサウンドスケープは、Steven Wilson や FROST* が提示するプログレッシブポップのイメージと確かにシンクロしているのです。
“Aether” では PINK FLOYD と、”All That Matters” では ELO とのチャネリングでさらにプログポップの海域を探求したバンドは、しかし12分のエピック “The Inner Darkness” でスリリング&メタリックなルーツを再び提示し対比の魔術で魅了します。
“Spiral Ⅱ” からのシアトリカルに、コンセプチュアルに畳み掛ける大円団は、まさに Neal Morse と Mike Portnoy の申し子を証明する津波。中でも、”Intervals”, “Play With Sand” の激しく胸を打つ叙情、音景、エモーションはあまりに尊く、リスナーの心を “音楽” へと繋げるはずです。
今回弊誌では、Collin Leijenaar にインタビューを行うことが出来ました。時にトライバル、時にジャズ、時に Portnoy の影響を組み込んだドラミングの妙は、アルバムのデザインを華麗に彩ります。｢このアルバムでは、プログロックをよりオープンで直接的な表現とすることに成功したと思うよ。プログをプログたらしめている興味深い要素を失うことなく、ポップな感覚を加えているね。｣ どうぞ！！

DILEMMA “RANDOM ACTS OF LIBERATION” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SHOKRAN : ETHEREAL】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ANDREW IVASHCHENKO OF SHOKRAN !!

“Oriental Elements Decreased In This Album. But The Compositions Matured, We’ve Gone More Progressive, Less Djent!”

DISC REVIEW “ETHEREAL”

プログレッシブメタルコアのモーゼ、SHOKRAN はジャンルを約束の土地へと導く預言者なのかも知れません。ロシアから世界を窺う指導者は、文字通り天上の美を体現する最新作 “Ethereal” で海を割ります。
ギタリスト Dmitry Demyanenko のソロプロジェクトとして始まった SHOKRAN は、デビューフル “Supreme Truth” で BORN OF OSIRIS の革新にオリエンタルで壮大なサウンドスケープをもたらし、遅れて来た “Djent スター” として一躍脚光を浴びました。
リリース後にはボーカル、リズムギター、ベーシストの脱退という非常事態に見舞われますが、グレードアップしたメンバー、さらにキーボーディストを加え盤石の体制でセカンドアルバム “Exodus” をドロップします。
そうしてバンドは旧約聖書に記された “出エジプト記” をテーマとしたコンセプト作品で、シンセサイザーの煌びやかな響きと、一際エクレクティックなビジョンを携え自らのオリエンタルドラマティックなサウンドを確立することとなったのです。
最新作 “Ethereal” は、メロディーと多様でプログレッシブな方向性をさらに追求し、バンドのドラマ性を飛躍的に高めたマイルストーンです。
「確かにこのアルバムでオリエンタルな要素は減ったと思うよ。だけどコンポジションはより成熟を遂げているね。つまり、僕たちはよりプログレッシブに、Djent の要素を減らして進化を果たしたんだ！」レジェンド THE HAARP MACHINE にも請われて参加することとなったシーンきってのシンガー Andrew Ivashchenko が語るように、典型的な Djent サウンドやあからさまなオリエンタルフレーズを減退させ、”エセリアル” なムードを研ぎ澄ますことで、アルバムは結果として唯一無二のダイナミズム、エピック世界を得ることとなりました。
実際、冷ややかで透明なリードギターとシンセサイザーの景色、ミステリアスなオリエンタルフレーズ、複雑でメカニカルなグルーヴ、スポークンワード、クリーン、グロウルを自在に行き来する声の表現力、全てで荘厳を体現したオープナー “Unbodied” がバンドの DNA をしっかりと受け継ぐ一方で、”Ascension” のサウンドスケープは完璧なコントラストを創出します。
「”Ascension” はアルバムで最も多様な楽曲さ。まさにドラマさ。緩やかに実にメロディックに始まり、メロディーが躍動し始め、アグレッションが加わり、ハッピーなコーラスが流れ出し、突如ヘヴィネスで期待を激しく裏切るんだ。まさに楽曲で最もドラマティックな瞬間だね。そうしてドラマを繰り返し、感情をもたらす訳さ！」Andrew の言葉通り、多幸感や神秘性を抱きしめた夢見心地の崇高美は、メジャー感を伴って SHOKRAN 劇場の素晴らしきアクセントとなっていますね。
そうして SHOKRAN が描く多次元の自己探求は、DREAM THEATER からハチャトリアンまで Tech-metal の粋を尽くした “Superior”、PERIPHERY や MONUMENTS の最新作にも通じるキャッチーさとヘヴィーグルーヴの対比を封じた “Golden Pendant” と、まさにマルチディメンショナルな世界観を提示していくのです。
幕引きは “Destiny Crucified”。ロシアの血が育んだ絶対零度のメランコリーは、ストリングスやアコースティックの蜃気楼を写しながら夢幻泡影のワルツを踊るのです。
今回弊誌では、Andrew Ivashchenko にインタビューを行うことが出来ました。THE HAARP MACHINE の新作についても語る Tech-metal ファン必読の内容だと思います。「今では大きな感情の変化を音楽で表現出来るんだ。僕たちは成熟を遂げ、集団として働けるようになったのさ。」 どうぞ！！

SHOKRAN “ETHEREAL” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MONO : NOWHERE NOW HERE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH TAKAAKIRA ‘TAKA’ GOTO OF MONO !!

PHOTO BY CHIGI KANBE

“I think that the problem of Japanese music scene is low artist level. They want to get popularity, want to be loved, want to make their living…such a mood is overflowing from their song. Everything seems to be a song of animation and drama, I feel it’s childish.”

DIRECTED BY JULIEN LEVY

DISC REVIEW “NOWHERE NOW HERE”

驚くほど色鮮やかな今日のポストロックシーンにおいて、MONO は源流であり孤高です。
理知的なキャンパスに描かれる彼らの重厚な音壁と繊細なテクスチャーの両極は、もはやジャンルのトレードマークとして定着し多数の後続を生みましたが、一方で、インストゥルメンタルバンドにとって最もスケッチの困難な感情の起伏を切り取り投影するアートなビジョンこそバンドの本質のように思えます。
つまり MONO のレコードは、二元性のダイナミズムに豊かな情操が織り込まれることで、光と影が相対する夢幻のダンスを踊るのです。それは、リスナーの想像力を掻き立てる架空のサウンドトラックにもなり得ます。
結成20年を迎えたバンドにとって、最新作 “Nowhere Now Here” は最もその “感情” にフォーカスした作品となったのかも知れません。その理由は制作段階の異変にありました。
「2017年は日本のマネジメント、レーベルとのトラブルや契約解除、そのタイミングでドラマーの脱退があってバンドは消耗し切っていて、一歩も動けないような状態だった。スケジュールもまったく決まってなくて、普通のバンドだったらここで解散するんだろうなってムードに包まれてた。本当に暗闇に入ってしまって先が見えなくなってしまったんだ。」
MONO が経験した試練、再生、夜明けのプロセスは、それぞれの感情を伴ってレコードへと深く刻まれています。もしかしたら、ダンテの神曲とリンクした前作 “Requiem For Hell” が、組曲というある種計画と洗練のレコードであったのとは対照的なのかも知れませんね。
幕開けを飾る “After You Comes the Flood” “Breath” のコントラストは、アルバムに宿るエモーションを象徴しています。
“Rays of Darkness” や “Requiem For Hell” の張り詰めたエナジーを受け継ぐ “After You Comes the Flood” でバンドはテーマとなる一つのメロディーを極限まで追求し、轟音と静寂、憤怒と絶望のメイルストロームを形成します。まるで13階段を登るかのごとく不吉に鳴り響く不協和の葬送曲は、しかし “Breath” でみせる光明へと収束していくのです。
「”僕たちは過去を断ち切って新しい地平に行くんだ”、という決意を言葉と歌で表現したいと思ったんだ。」これまで全てを楽器の音色だけで語って見せた MONO が初めて Tamaki のボーカル、”言葉” を必要としたのは、新たなチャプターへと移行する決意のステートメントが理由でした。
実際、溢れ出るノイズの猛攻から、Nico にも通じる切なさ、ノスタルジア、仄かな希望へのトランジションは、対比の魔法を超えて、自然の摂理、音と感情の息を飲む調和の域へ達したようにも思えます。
さらに、ホーンやストリングス、そしてピアノを的確に使用したオーケストレーションの妙も冴え渡ります。事実、タイトルトラック “Nowhere Now Here” に漲る人間の可能性、筆舌に尽くし難い “Sorrow” に込められた荘厳なる哀しみは、オーケストラに匹敵するほど繊細にして大胆です。
そうしてアルバム、そして MONO は、澄み切った青空を想起させる “Vanishing, Vanishing Maybe” で、過去への決別を果たしました。
「アメリカやヨーロッパでは、母国に既に存在しているものや、模写したようなバンドは全く必要としない。だから、彼らがこれまで聴いた事、感じた事のない気持ちになれるオリジナリティに溢れた素晴らしい何かを持った唯一無二の音楽でないと、世界に出る事はまず無理だと思う。」
世界中で絶賛された “Hymn To The Immortal Wind” をポストロックの殿堂へと納めながら、MONO の挑戦は終わりません。「もっと奥まで追求したい、もっと前に向かて進んでいきたい。」好奇心や追求心こそアートの根源。
「日本では “郷に入れば郷に従え” という言葉の通り、郷に従えれる人が成功出来るルールがあるようにさえ見える。」個性、多様性の意味、世界を知る男の違和感にぜひ耳を傾け、思考してみて下さい。Takaakira ‘Taka’ Goto です。どうぞ！！

MONO “NOWHERE NOW HERE” : 10/10

MONO “Nowhere Now Here” (2019)
レーベル: Temporary Residence Ltd. & Pelagic Records
トラックリスト:
01 God Bless
02 After You Comes the Flood
03 Breathe
04 Nowhere, Now Here
05 Far and Further
06 Sorrow
07 Parting
08 Meet Us Where the Night Ends
09 Funeral Song
10 Vanishing, Vanishing Maybe
購入 (CD/LP/Digital): http://www.smarturl.it/mono-nnh

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【BLACK PEAKS : ALL THAT DIVIDES】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH WILL GARDNER OF BLACK PEAKS !!

“We All Started Collectively Listening To Lots Of Mastodon and Tool . Bands Like That . I Think Thats Where The Shift Started To Happen , Into The More Black Peaks Style Heavy Sound.”

DISC REVIEW “ALL THAT DIVIDES”

英国が今、沸騰しています。ARCHITECTS, TesseracT、そして SVALBARD や ROLO TOMASSI といった Holy Roar のロースター。真の意味での “プログレッシブ” を追求するエクレクティックでスリリングな冒険的アーティストが、かつて様々なムーブメントを創造した獅子とユニコーンの紋章の下へと集結しているのです。
ブライトンから顕現した BLACK PEAKS も、その大波を牽引する風雲の一つ。｢様々な音楽ジャンルをミックスしているんだけど、主にロック、ハードコア、そしてプログが中心だね。｣ と Will が語るように、荘厳と野蛮、洗練と無骨を併せ持つそのコントラストの烈風は、英国ニューウェーブの中でも一際カラフルなインパクトを与えているのです。
注目すべきは BLACK PEAKS が、一歩間違えれば “無節操” とも捉えられかねない “美味しいとこどり” の方法論を、臆せず真摯に追求している点でしょう。SHRINE 時代は自らが認めるように “マーズヴォルティー” すなはち THE MARS VOLTA のポストハードコアを追い求め、さらに改名後は ｢僕たちは集まって、MASTODON や TOOL といったバンドを何度も聴いて研究し始めたのさ。そこから音楽性の変化が始まったと思うね。｣ と語る通り、モダンプログレッシブの数学的アプローチや重量感を深く “研究” し、理想的な BLACK PEAKS のスタイルへと邁進し構築する。その研究者としての姿勢が、これまでありそうでなかったモダンでコンパクトな凛々しきプログの坩堝を精製することへと繋がりました。
例えばファーストシングル “Can’t Sleep” は、MASTODON のスラッジアタックと SYSTEM OF A DOWN の異国感がシームレスに融合したキメラでしょうし、”Electric Fires” には TOOL のマスマティカルな野心と BIFFY CLYRO のポップな精神が宿っているはずです。加えて湧き出でる OPETH や ELDER のエピカルな世界観。
ただし、その魅力的なフラスコに Will のボーカルが注がれると、BLACK PEAKS は触媒を得て劇的な化学反応を起こします。実際、スクリームからクリーンボイス、囁きからファルセットまで、英国らしい叙情、憂鬱、愁苦、そして悲憤を宿す Will の歌唱とメロディーは、異次元のエモーションを楽曲へと織り込んでいくのです。
フルスロットルの咆哮を縦糸に、ガラスのファルセットを横糸に織り上げたその退廃感は、母国の選択、ブレグジットに起因するものでした。｢ここ数年イギリス人としてヨーロッパを旅する事で、実際に興味深い体験をして来たからなんだけどね。つまり、そうやって僕たちに降りかかる出来事に対して情動、怒り、フラストレーションなんかを感じたわけさ。｣ そのダイナミズムの源は、例えば SVALBARD にも通じるやはり政治的なものでした。
そうしてアルバムは、THE DILLINGER ESCAPE PLAN のカオスや OCEANSIZE の耽美まで吸収した強欲な運命 “Fate Ⅰ&Ⅱ” でその幕を閉じます。ハードコアのアグレッションとプログレッシブのエレガンスが、自然と同じキャンパスに描かれるダイナミズムの DNA はきっと選ばれたものにしか与えられていないはずです。
今回弊誌では、新たなボーカルスター Will Gardner にインタビューを行うことが出来ました。｢僕たちはアルバムをレコーディングしている最中に ELDER “Reflections of a floating world” を頻繁に聴いていたんだ。｣ どうぞ！！

BLACK PEAKS “ALL THAT DIVIDES” : 9.8/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ALIEN WEAPONRY : Tū】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ALIEN WEAPONRY !!

“I Think Our Views On Colonization Are Pretty Clear. For Example, Raupatu Is About Massive Land Confiscations. The Colonial Government In New Zealand (And In Many Other Countries) Did a Lot Of Unjust Things, And The Result Still Affects Our Society Today.”

DISC REVIEW “Tū”

「僕たちは、メタルの聖火を未来に向けてずっと掲げ続けることが出来ればと願っているんだ。そして、その炎はオリジナルのメタルバンドたちと、世界中のファンに向けたリスペクトから生まれているんだよ。」脈々と継承されるメタルのスピリット。ニュージーランドのヤングガンズ ALIEN WEAPONRY は、受け継ぐ燈火を一際高々と世界へ向けて掲げます。
Lewis de Jong (ギター/ボーカル), Henry de Jong (ドラムス) の De Jong 兄弟が8歳と10歳の若さで結成した ALIEN WEAPONRY。Ethan Trembath (ベース) を加えて16歳が2人と18歳の高校世代トリオとなった彼らは、Napalm Records からリリースした超高校級のデビューフル “Tū” で文字通り世界を震撼させました。
実際、古のスラッシュの波動から、Nu-metal のグルーヴ、洗練されたモダンメタルの息吹き、理知的でプログレッシブなデザインにピュアなメタルのメロディーまで、ワイドな視点で綴られたアルバムの中でも、自らの背景であるマオリの文化を投影する試みはあまりにユニークで独創的です。
誇り高きマオリ、Ngati Pikiāo と Ngati Raukawa 族の血を引く De Jong 兄弟は、1864年に1.700人の英国兵に230人で対抗しその命を投げ打った伝説の戦士 Te Ahoaho の子孫にあたります。そしてその勇敢なる遺伝子は克明に若きメタルウォーリアーズの中にも刻まれているのです。
「植民地化についての僕たちの見解は実に明快だよ。ニュージーランドの植民地政府は (他の植民地政府も同様だけど) 多くの不当な行為を行ったね。そしてそのツケは、今の僕たちの社会にまで及んでいるんだ。」と語る De Jong 兄弟。マオリ語で “神々の闘い” をタイトルに冠したアルバムで、彼らは当時の列強諸国が行った不当な搾取を告発し、メタルのジャスティスで断罪していきます。
何より誇りを重んじるマオリの民は、現在でもイギリス、西欧に踏み躙られた一族の尊厳を、”Whakamā” “深い恥” の言葉とともにトラウマとして引きずっています。故に、例えメタルに惹かれたとしても、その気持ちを一族の中で明かすことは今でも簡単ではありません。だからこそ、ALIEN WEAPONRY はマオリとメタルを繋ぐ架け橋を目指しているのです。
事実、マオリの言葉 “Te Reo Māori” をフィーチャーしたトライバルなイントロダクション “Waikōrero”、そしてアイコニックなワーダンス “Haka” を前面に押し出した “Rū Ana Te Whenua” はアルバムのスピリットを決定づけています。
もちろん、ALIEN WEAPONRY の方がより多様でコンテンポラリー、時に LAMB OF GOD, GOJIRA をも想起させるほど理知的ですが、メタルのヘヴィーグルーヴに民族の血やリズムを沈めるという意味では SEPULTURA や SOULFLY との比較が多数を占めるのも頷けますね。
「マオリの言葉はニュージーランドでも日常生活で幅広く使われている訳じゃないからね。だから習得の努力を続けるのは簡単ではないよ。逆に言えば、”Te Reo Maori” で歌うこともあの言葉と繋がる一つの方法なんだ。」世界では今も二週間に一つの言語が “消失” しています。そして、”Te Reo Maori” も実は国連から絶滅が危惧されている言語の一つです。ニュージーランドのヒーローは、”Te Reo Maori” で歌うことで言語の存続にまで大きな力を貸しているのです。
アートワークに描かれたマオリの戦士が全てを象徴するレコード。今回弊誌では、メンバー全員にインタビューを行うことが出来ました。「僕たち兄弟は Kura Kaupapa Maori に通っていたんだ。没入法を取り入れたマオリの学校だよ。毎朝のルーティンとして、学校で歌ってハカを踊っていたね。だからメタルとハカをミックスするのはいたって自然なことだったんだ。」 どうぞ！！

ALIEN WEAPONRY “Tū” : 9.9/10

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