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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【LOVEBITES : AWAKENING FROM ABYSS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH midori OF LOVEBITES !!

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Female Power Metal Band From Japan,  LOVEBITES Make Their Mark On The Heavy Metal Scene, With Bigger, Louder Debut Full-length “Awakening From Abyss”!! Are You Ready For “Muse Metal”? 

DISC REVIEW “AWAKENING FROM ABYSS”

荒廃した”世界”に舞い降りた凛々しくも美しき女神たち。ミューズメタルの使者 LOVEBITES が下す怒りと希望の鉄槌 “Awakening From Abyss” は、文字通り世界を深淵から “覚醒” へと導きます!
欧州、米国、そして日本の香りが入り交じるオーセンティックかつダイナミックなメタルを、卓越した技術と豊潤なるエモーションで具現化したデビューEP “The Lovebites EP” から約6ヵ月。早くも届けられたバンド初のフルレングス “Awakening From Abyss” は、ギター/キーボード、さらに作曲でもバンドを支える mi-ya をオフィシャルメンバーとして加え、楽曲の幅、サウンド、メロディー共に全てがスケールアップを果たしたまさに “ネクストレベル” の黙示録です。
女神の “ネクストレベル” が世界を見据えていることは、その制作環境からも充分に伝わります。NIGHTWISH, CHILDREN OF BODOM で知られる Mikko KarmilaとMika Jussila のフィンランドチームがサウンドを司り、アートワークを HELLOWEEN の “Sweet Seductions” などを手がけたスペインチームが制作。さらに全てのリリックを英語詞に拘り、ヨーロッパ、北米、メキシコなど海外でのリリース及び、ロンドンでの初ライブに至る道程は既に世界基準と呼ぶに相応しいスケールです。
荘厳なるストリングスのタペストリー、序曲 “The Awakening” がバンドの強固なアンサンブルを導くと、アルバムは IRON MAIDEN を思わせるオリエンタルなテーマが印象的な “The Hammers of Wrath” で幕を開けます。
TESTAMENT の鋭角で迫り来るファストでシャープなリフワーク、メロディックヒステリックな本能のボーカル、タイトでラウドなリズムの息吹は、バンドがリアルなエクストリーム領域に在ることの確かなる証です。
リードトラック “Shadowmaker” を聴けば、必ずやメタルファンの血は湧き肉も躍るはずです。より複雑さと繊細さ、そしてダイナミズムを増した素晴らしき新たなバンドのアンセムは、あまりに扇情的かつドラマティック。細かなギミックを織り込んだ捻りの効いたプログレッシブなリフや、シンフォニックなシンセワーク、中盤のテクニカルなツインリードは、明らかに ANGRA の遺伝子を宿しつつリスナーにエキサイトメントを運びます。
R&B やブルーズの表情を垣間見せるスリージーな “Warning Shot”, “Scream For Me”、さらにストリングスやキーボードを効果的に使用しバラード的な感覚を内包させた “Liar” “Inspire” といった楽曲たちはバンドの持つ多様性、引き出しの多さをまざまざと見せつけています。元々、R&B やソウルを主戦場としていたボーカル asami の黒く眩いエモーションが、メタルの持つ重厚なアグレッションと融合し、想像以上の化学反応をもたらしているとも言えますね。
そして LIGHT BRINGER の Mao が作曲を担当した “Edge of the World” はバンドの未来を象徴する楽曲かも知れません。アコースティックギターとピアノの麗しき調べで幕を開ける世界の果ての物語は、さながら SYMPHONY X の如く、耽美な響きとプログレッシブな展開美でリスナーのイマジネーションを掻き立てます。切なく、甘く、そして激情をも孕んだ魅力的なメロディーの洪水は、リスナーを叙情の海へと沈降させるに充分のメランコリーを湛えているのです。
midori はインタビューで 「残念ながら、LOVEBITES も見た目のせいで “聴かない” “メタルじゃない” という意見があることは知っています。ですが喜ばしいことに、それ以上に、私たちの音楽を正当に評価してくれる人が増えてきていることも知っています。私たちには、”最高のヘヴィ・メタルをやる” という強い信念があるのです。」 と語ってくれました。実際、その想いに一点の曇もないことは、”Awakening From Abyss” のミューズメタルを聴けば伝わるはずです。
アルバムは、文字通りバンド全員の “勇敢な心” を乗せた “Bravehearted” で、闘い続けることを誓いながら勇壮に幕を閉じました。
今回弊誌では、バンドのギタリスト midori さんにインタビューを行うことが出来ました!PERIPHERY, ANIMALS AS LEADERS, そして abstracts という名前まで飛び出す、弊誌読者の皆さまにも非常に共感、シンクロする内容だと思います。どうぞ!!

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LOVEBITES “AWAKENING FROM ABYSS” : 9.6/10

INTERVIEW WITH midori

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Q1: First of all, what inspired you to start playing guitar?

【midori】: I had been playing the piano and Electone from early childhood, and I had wanted to become a professional player once, but I quit all instruments when I entered a university. But, one day when I was university student, I happened to listen to a certain song and I got into it and the band play that. The more I listened to the songs of the band, the more desires to try new instruments and to play a guitar like them were increased. And finally, I picked up guitar.

Q1: まずは、midori さんがギターを始めたきっかけからお話いただけますか?

【midori】: 幼少期からピアノ、エレクトーンをやってきて、一度はプロになりたいと思ったこともあったのですが、大学進学時に楽器を全て辞めていました。
ですが、大学生のある日偶然聴いた曲が気に入り、そのバンドの曲を聴いていくうち、新しい楽器に挑戦したい、こんな風にギターが弾けたらカッコいいな、という気持ちが膨らみギターを手に取りました。

Q2: You seem to be well versed in modern and technical music, aren’t you? Could you tell me about your musical background and guitar heroes?

【midori】: In the band I was doing before LOVEBITES, I did a kind of music that fusion of J-Rock and Metalcore and there were breakdowns in most songs. I have been listening to djent since then. I used to listened to Periphery and Japanese djent act Abstracts a lot. I also often listened to The Healing and Swallow Your Pride, they seems to be not so widely known though. At that time, I always tried to find a cool bands that have djent elements. So, watching YouTube was my daily routine.
As for the guitarist, I loved the way of Mark Holcomb’s playing. He uses chords really well. I tried to copy his phrases but they were super hard for me. Animals As Leaders also is the band I have been listening since that time. But I got really into them after being overwhelmed seeing the demonstration of Tosin Abasi at NAMM 2016.
Since joining LOVEBITES, there are many opportunities to listen to authentic metal more than a music school student’s age. It’s like a return to my origin point.
My current guitar heroes are Nuno Bettencourt and Kiko Loureiro. Actually, they have different styles. But I like their rhythm of riffs, how to use the notes in their solos, the ways of expression…I’m learning all those wide variety of things from them. Their ways of fusing with other genres are also definitely one of the reason I’m really attracted.
And I was also particularly greatly affected by SYU of GALNERYUS emotional playing style.

Q2: デスコア, djent を聴かれたり、ANIMALS AS LEADERS の来日公演に足を運ばれたりと、モダンでテクニカルな音楽にも造詣が深いそうですね? midori さんの音楽遍歴やギターヒーローについて教えていただけますか?

【midori】: 造詣が深いと言っていいのかは不安ですが…LOVEBITES の前にやっていたバンドが大半の曲にブレイクダウンがある、J-Rock にメタルコアを足したようなバンドで、djent を聴くようになったのはその頃からです。Periphery とか国産 djent の abscracts が好きでよく聴いていましたね。
あとあまりメジャーどころでないかもしれないですが The Healing とか Swallow Your Pride とか、当時は YouTube などで常にカッコいい djent 要素のあるバンドを探すのが日課でした。
ギタリスト的にはマーク・ホルコムのコードをうまく使ったプレイが好きで教則的な映像を見ながら弾いてみてましたがそれはもう挫折の連続でした…。Animals As Leaders もその頃から聴いてたのですが2016年の NAMM で Tosin Abasi のデモを見て圧倒されてからより深みにはまりました。
LOVEBITES に加入してからは原点回帰というか、音楽学校の学生時代以上にオーセンティックなメタルを聴く機会が多くなっています。ギターヒーローという意味では、今は Nuno Bettencourt や Kiko Loureiro が好きですね。
スタイルの違う2人ですが、リフのリズムの感じや、ソロでの音の使い方、表現の仕方など多岐に渡って勉強させていただいています。他ジャンルとの融合がみられるのも間違いなく惹かれる理由の1つです。
それに GALNERYUS の SYU さんのエモーショナルなプレイには特に大きく影響を受けました。

Q3: Could you tell us the background of participating in authentic and dynamic Metal, Hard Rock Act LOVEBITES?

【midori】: I heard the asami’s demo and I wanted to play the guitar with her back. I also assented to the goal of the band that aim to expand its activity internationally. And I felt the possibility. So, I decided to join the band. Before we started making original songs, we covered a variety of metal songs such as Helloween and Metallica in the studio. And there was also Halestorm’s “Love Bites” in it. We took our band name from there. This song fits Asami’s vocal style, too!

Q3: では、オーセンティックかつダイナミックなメタル/ハードロックアクト LOVEBITES に参加した経緯について話していただけますか? バンド名は、例えば DEF LEPPARD や JUDAS PRIEST と関係があるのでしょうか?

【midori】: asami のデモを聴いて、彼女のバックでギターを弾きたいと思ったのがきっかけです。海外進出を見据えたバンドの方向性にも共感したし、可能性を感じたので加入しました。
オリジナルを作り始める前にスタジオで Helloween や Metallica など色々なメタルの曲を合わせていたのですが、その中に Halestorm の “Love Bites” もあって。この曲は asami のボーカルスタイルに合うこともあって、ここからバンド名をつけました。

Q4: Your fantastic debut record “Awakening From Abyss” is just out now! The album starts with a majestic instrumental song called “The Awakening”. Is the word “awakening” a key to this record?

【midori】: I agree. We’d love to change the current metal scene of our country, especially women’s metal scene. So, we put our wish to blow new wind into domestic scenes regardless of gender, into that word.

Q4: そして、圧倒的なクオリティーを誇るデビューフル、”Awakening From Abyss” が遂にリリースとなりますね!アルバムは “The Awakening” という荘厳なインストナンバーで幕を開けますが、”目覚め” “覚醒” という言葉が一つ作品のキーワードとなっているのでしょうか?

【midori】: そうですね。今の国内のメタルシーン、特に女性のメタルシーンに切り込みを入れ、男女問わず国内のシーンに新たな風を吹き込みたいという願いが込められています。

Q5: Your debut work is already perfectly “world specification”. The Finnish team of Mikko Karmila and Mika Jussila, known for NIGHTWISH, CHILDREN OF BODOM, controls the sound, and the artwork is created by the Spanish team who worked on HELLOWEEN and others. It tells that the band already focused on the world, right?

【midori】: Yes. We’ve fixed our eyes on the world since the band has started and have been working towards that. So, I appreciate a lot of people who support us and also appreciate this situation that with those supports we are able to pursue our goal. Our first live in London is to be held in November, so I’d like to make the live a success and continue steadily advance.

Q5: デビュー作にしてすでに風格の漂う作品は、完璧に “世界仕様” だと言えますね。NIGHTWISH, CHILDREN OF BODOM で知られる Mikko KarmilaとMika Jussila のフィンランドチームがサウンドを司り、アートワークは HELLOWEEN などを手がけたスペインチームが制作しています。英語詞への拘り、海外でのリリースからもバンドがすでに世界を見据えていることが伝わりますね?

【midori】: ええ。始動時から世界を見据えた活動をするということが根底にあり、それに向けて進めてきましたが、多くの方々のお力添えもありそれが実践できていることに感謝しています。11月にロンドンでのライブも決まっているので、ライブを成功させて着実に歩みを進めていきたいです。

Q6: By joining mi-ya, the band officially became a twin guitar. The double guitar harmonies, and guitar battle are definitely one of the album’s hi-light. How do you recognize each other’s characteristics and make use of it in your work?

【midori】: Through almost all the solos, we have decided that I focus on speed and aggressiveness, and mi-ya focuses on melodious phrases.
As for the techniques, since Mi-ya often uses Sweeps Picking, Sweep taps Tapping, and Tapping, I mainly use different techniques such as Full picking, Legato, Strings Skipping. Well, I used a lot of diminish sweeps though, haha. Yng-way!
Apart from whether I actually adopt it or not, I always try to play strange scales, weird notes or tricky sounds. Mi-ya tends to plays more catchy phrases which based on pentatonic scale or church modes or which related to the melody of the song.
We wrote the order of the solos in the lyrics, so you can find out which is which.

Q6: mi-ya さんの加入でバンドは正式にツインギターの5人編成となりました。2人のギターハーモニー、そしてバトルは間違いなくアルバムの聴き所の一つです。”Warning Shot” は象徴的ですね。イングヴェイライクなクラシカルなシュレッドと、ペンタトニックを軸としたメロディックなリードプレイ。2人の個性は素晴らしいコントラストを生んでいるように感じます。midori さんはお互いの特徴をどのように認識し、作品に活かしているのでしょう?

【midori】: ほぼ全曲通して、私は緩急の”急”、スピードと勢い重視のソロ、mi-yaが”緩”、メロディー重視のソロを弾くと決めています。奏法的にはmi-yaがスイープやスイープタップ、タッピングを使うことが多いので、被らないようにフルピッキングやレガート、弦飛びを多用することが多いですね。ディミニッシュのスイープはいっぱい使いましたが。(笑)
あと実際に採用するかどうかは別として私は隙があれば何か変なスケールとか音とか突っ込んでぶっ飛んだことできないかな?と考えていることが多いです。mi-yaはペンタやスケールに則したもの、歌メロに関連性のあるものなどメロディアスで印象的なものを弾くイメージです。
歌詞カードにはソロを弾いている順番も書いているのでそちらも是非チェックしてみてください。

Q7: “Edge of the World” is a great song that can be said to be progressive with various elements intertwined, and I imagine that you like such a song in particular. Currently, miho and mi-ya are the main songwriters, but what kind of taste do you imagine if you provide songs to the band?

【midori】: Exactly! I feel a story from “Edge of the World”, and there is something attracted to it. If write the songs for LOVEBITES, it would be a HR taste mid-tempo tune, a groovy riff stuff or a strong tune that feels the Viking wind … Well, it might be completely different according to the request from the producer! haha. I’d like to make it strong and heavy anyway.

Q7: LIGHT BRINGER の Mao さんが作曲を手がけた “Edge of the World” は様々な要素が絡み合うプログレッシブとも言える大曲で、midori さんはこういった楽曲が特に好みなのではと想像しています。現在は、miho さんと mi-ya さんがメインソングライターですが、midori さんが楽曲を提供するとしたらどういったテイストをイメージしていますか?

【midori】: そうですね!Edge of the Worldはストーリーを感じるし心惹かれるものがありますね。
楽曲を提供するならミドルテンポのHRテイストのものとかグルーヴィーなリフものとかヴァイキングの風を感じる雄々しいチューンとか…まあプロデューサーから全く違うリクエストが来るかもしれないですけどね!(笑)
何にせよ雄々しい骨太なチューンにしたいと思います。

Q8: Perhaps there are many listeners who call LOVEBITES “Girls Metal”. The fact that everyone in the band is a beautiful woman is strong weapon, but at the same time, some listeners may prejudice the band’s music before they listen to it because of you are feamale. What’s your perspective about that?

【midori】: I think this is a deep problem which also exist in many music scenes around the world. Maybe there are a lot of female artists who are underestimated especially in the scenes there are more men than women.
Unfortunately, LOVEBITES too knows that there are opinions like “not listening” or “not metal” due to our looks. But thankfully, we also know that more and more people are appreciating our music. We have a strong belief that we do the best heavy metal. And there are teams to support us. I believe that to practice hard and keep moving forward in accordance with our belief lead the consequence that increase the number of people who admit that we are real. Anyway, if you listen to the album, you will understand what we are trying to say.

Q8: おそらく、LOVEBITES を “ガールズメタル” と呼ぶリスナーも多いでしょう。全員が美しい女性であることは、武器であると同時に、実力を正当に評価されない偏見の対象にもなり得る両刃の剣かも知れませんね?そのあたりの葛藤についてはどう折り合いをつけていますか?

【midori】: これは世界中の多くの音楽シーンにもある根深い問題だと思います。特に男性の多いシーンでは過小評価されている女性アーティストは大勢いるでしょう。
残念ながら、LOVEBITESも見た目のせいで「聴かない」「メタルじゃない」という意見があることは知っています。ですが喜ばしいことに、それ以上に、私たちの音楽を正当に評価してくれる人が増えてきていることも知っています。
私たちには、最高のヘヴィ・メタルをやる、という強い信念があります。そして、それを支えてくれるチームがいます。その信念に従って更に実力を磨き、活動を進めることで私たちを評価してくれる人は増えると信じています。まずはアルバムを一聴してもらえれば私たちの言おうとしていることは分かってもらえるでしょう。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED midori’s LIFE

ANGRA “TEMPLE OF SHADOWS”

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EXTREME “PORNOGRAFFITTI”

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GALNERYUS “RESURRECTION”

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JOE SATRIANI “SURFING WITH THE ALIEN”

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ANIMALS AS LEADERS “THE JOY OF MOTION”

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MESSAGE FOR THE WORLD

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Thank you so much for reading! We will continue to pursue the real metal and play it loud to the world, so keep up with us! And we’d like to perform in various countries around the world in the future. So when we have a show in your town or nearby, please come and join us!
Stay Metal!!

最後まで読んでいただいてありがとうございました!これからもひたすらに熱いメタルを追求して世界に向けて発信していくので、私たちに着いてきてください!今後世界中の色々な国でライブをしたいと思っているので、近くでライブがあるときは是非来てくださいね!
Stay Metal!!

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LOVEBITES “AWAKENING FROM ABYSS” TOUR
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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THRESHOLD : LEGENDS OF THE SHIRES】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH RICHARD WEST OF THRESHOLD !!

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Sprawling 83 Minute Double Album, Perfect Epic “Legends of the Shires” Is An Excellent Introduction To Threshold’s World !!

DISC REVIEW “LEGENDS OF THE SHIRES”

結成は1988年。1993年にデビュー作をリリースした不朽のプログメタルアクト THRESHOLD が、”モンスターレコード”の名に相応しきダブルアルバム “Legends of the Shires” をリリースしました!! デビュー当初、”英国からの DREAM THEATER への回答” と謳われし希少なる生残の先駆者は、四半世紀の時を超え遂に至純なる “アンサー” を提示しています。
海外のプログメタルシーンでは、信頼出来るビッグネームとして揺るぎない地位を築いて来た THRESHOLD。一方で、残念ながら日本ではおそらく、 “スレショルド” “スレッショウルド” “スレッシュホウルド” 等、今一定まらない名前の読みづらさと、サーカスライクの派手なプレイに頼らない楽曲重視の音楽性に起因する無風、凪の状況が長く続いてきました。しかし、”Legends of the Shires” は間違いなく日本のファンにとって THRESHOLD への素晴らしき “Threshold” “入口” となるはずです。
楽器陣は2003年から不変である THRESHOLD の歴史は、天賦の才に恵まれた3人のシンガーが織り成す鮮やかな音楽絵巻だと言えます。今回リードシンガーを務める Glynn Morgan は、バンドのセカンドアルバム “Psychedelicatessen” 以来の復帰。三度目の脱退となった前任者 Damian Wilson の魅力でもある若干クセの強い歌声に比べると、2011年に残念ながら亡くなってしまった Andrew “Mac” McDermott の透明でハーモニーの映える声質に近いように感じますね。IRON MAIDEN の Bruce 後任オーディションで最終選考まで残った実力は本物です。
実際、Richard はインタビューで、”Legends of the Shires” が、”Mac” 時代の名作 “Subsurface” “Dead Reckoning” と似た雰囲気を持つことを認めています。そして、おそらくこの並外れたコロッサルなエピックは、精彩なるメロディーの崇高美、エレガントで壮観な審美的デザインの観点から前述の二枚をも凌駕しているのです。
バンドはリスナーのイマジネーションに配慮し、あまり作品の背景、詳細を明かそうとはしませんが、アルバムが同郷のトールキンの小説にインスパイアされていることは確かでしょう。”The Shire” とはトールキン作品の舞台である “中つ国” に存在するホビットの美しき居住地。そして Richard 語るところの 「変化からより強くなって戻ってくる」 というメッセージには、どうやら現在の英国の状況を隠喩し重ねている部分もあるようです。
アルバムは鐘の音、鳥の囀り、そしてアコースティックサウンドで悠久の大地を眼前に描く “The Shire (Part 1)” で緩やかに幕を開けます。続くダークで小気味よいリフワークが印象的な “Small Dark Lines” でアルバムのストーリーは躍動を始め、THRESHOLD の真骨頂とも言える鮮やかなメロディーでリスナーの心を溶かすのです。
事実、Glynn は、ハイトーンに重きを置く他のプログメタルアクトとは一線を画する、ミッドレンジ中心の爽やかでエモーションにフォーカスした歌唱を披露。頭に残るボーカルとコンパクトなリフワーク、ツインギターのハーモニーは、バンドがキャッチーでコマーシャルな楽曲を恐れない冒頭の強固な意思表示となっていますね。
とは言え、勿論プログレッシブな一面はバンドの象徴です。”The Man Who Saw Through Time”, “Lost In Translation” の10分を超える二つの叙事詩は、THRESHOLD がプログレッシブなスピリットと、豊潤なるサウンドスケープを内包する稀有な集団であることを雄弁に語っていますね。複雑でしかしナチュラルにレイヤーされた広大な音楽のパノラマは、Karl の見事なトーンコントロール、Richard のムーディーで流れるようなキーボード捌き、ドライブするシーン屈指のソリッドなリズム隊を携え、様々な場面を映す奇跡のオデッセイとしてリスナーに “The Shire” の景観や物語を運ぶのです。
アルバムのハイライトは、”Stars and Satellites” で訪れます。DREAM THEATER がハイテクニカルで、圧倒的なある種数学的視点によりプログメタルを捉えたのに対して、FROST*, VANDEN PLAS, そして THRESHOLD 等はプログレッシブロックの精神性やコンセプトによりフォーカスしているのかも知れませんね。
Richard が影響を受けたアルバムに、KING CRIMSON や YES ではなく PINK FLOYD, GENESIS を挙げているのは象徴的かも知れません。このスーパーキャッチーで、聴く度に心が踊るポップな宇宙は、逆に DREAM THEATER が決して到達し得ないプログレッシブポップ領域のはずです。
アルバムは英国からの回答をより鮮明に感じさせる、美しきピアノバラード “Swallowed” で静かに幕を閉じました。
今回弊誌では、1992年からバンドのキーボードプレイヤーを務める Richard West にインタビューを行うことが出来ました。間違いなく日本でこそ評価されるべきバンドです。どうぞ!!

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THRESHOLD “LEGENDS OF THE SHIRES” : 10/10

INTERVIEW WITH RICHARD WEST

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Q1: First of all, you parted ways with long time, three times singer, Damian Wilson. You stated you’ll “start a new chapter without him” and it seemed to be unexpected to Wilson, right? What made you so?

【RICHARD】: He didn’t want anyone to know the reasons so I’d rather not comment on them. There were some things that changed the atmosphere in the band and it was best to move on.

Q1: まず、長年ボーカルを務めてきた Damian Wilson がバンドを離れましたね?

【RICHARD】: 彼は誰にもバンドを離れた理由を知られたくないんだよ。だから僕からはコメントしない方が良いだろうね。
まあ、バンドの雰囲気を変えるような出来事がいくつかあって、彼の脱退がベストな選択となったのさ。

Q2: Considering the tragic loss of another former vocalist, Andrew ‘Mac’ MacDermott, who sadly passed away in 2011, Threshold have not had the greatest of fortune when it comes to retaining your vocalists. Anyway, after the decision, you are welcoming former singer Glynn Morgan back into the fold, for the first time since “Psychedelicatessen” in 1994. What’s the story behind that?

【RICHARD】: Glynn was our vocalist from 1994 to 1996, he actually did our first ever European tour with us. After he left the band he came back in 2008 to record some bonus tracks for our “Paradox” box set, and I also worked with him on League Of Lights and some other projects. So we’ve remained friends over the years and his voice has always sounded so good! So when we were looking for somebody to replace Damian, Glynn was our top choice – in fact, he was our only choice!

Q2: 後任には、1994年の “Psychedelicatessen” 以来バンドを離れていた Glynn Morgan が指名されました。

【RICHARD】: Glynn は1994年から1996年までバンドのシンガーだったんだ。実際、バンド初のヨーロッパツアーは彼と回ったからね。
バンドを離れた後も、2008年には “Paradox” ボックスセットのボーナストラックを何曲かレコーディングするために復帰したしね。僕自身は彼と、League of Lights や他のプロジェクトでも共演して来たんだ。
だから、長い年月を経ても僕たちは友人だったし、彼の声はいつだって素敵なんだよ!
それで僕たちが Damian の後任を探さなければならなくなった時に、Glynn はファーストチョイスだった訳さ。というか、彼以外に選択肢はなかったね!

Q3: So, let’s talk about your newest record “Legends of the Shires”. You state “Legends Of The Shires” is a concept album about a nation trying to find its place in the world. It could also be about a person trying to do much the same thing. Specifically, what kind of story exists in the album?

【RICHARD】: I don’t want to go into too much detail. I would prefer our fans to follow the story with no preconceptions. The story’s written very loosely so people can find their own meaning. However, it’s a story that takes you though the excitement of new beginnings, the frustrations of daily life, losing everything, the struggle of starting again and how you come back from that changed and stronger.

Q3: では、最新作 “Legends of the Shires” について話しましょう。まずは、この素晴らしきコンセプトアルバムのストーリーについて話していただけますか?

【RICHARD】: 詳細については、あまり話したくないんだよ。ファンには先入観なしでストーリーに接して欲しいと思うからね。
今回のストーリーは、みんなが自分なりの意味を見つけられるように、とてもルーズに書いたんだよ。
ただ言えるのは、このストーリーは新たな始まりの興奮、日常生活の不満、すべてを失うこと、再び始めることの苦労、そして君たちがそういった変化からどのようにより強くなって戻ってくるのかを伝える物語なんだ。

Q4: This is 83 minutes long journey, double album. Have you assumed this length from the beginning?

【RICHARD】: Once we started writing, the music just started flowing, we had a really creative period, so we soon knew this would be a long record. So it was a great opportunity to make a “progressive concept double album”.

Q4: バンドの新たな旅は、83分のダブルアルバムという壮大なエピックに仕上がりました。ライティングプロセスの始めから、この長さを予想していたのでしょうか?

【RICHARD】: 一度僕たちが作曲を始めると、ただ音楽は流れるように湧きいでて、本当にクリエイティブな期間を過ごすんだ。だから、作曲を始めてすぐに、これは長いレコードになると分かったよ。
“プログレッシブコンセプトダブルアルバム” を作る良い機会になったね。

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Q5: Definitely, “Legends of the Shires” is the most ambitious, emotive, record that THRESHOLD have made to date. Adding that, I’m really attracted by the beautiful melodies like “Stars and Satellites”. What’s your perspective about the evolution from “For the Journey”?

【RICHARD】: We were really proud of that record, but we knew it was maybe less complex than some of our older work. We seem to go in cycles between less complex and more complex records, so “For The Journey” was probably the trigger to pull out all the stops again.

Q5: “Legends of the Shires” は THRESHOLD がこれまでリリースした作品の中で間違いなく、最も野心的でエモーションに溢れたレコードです。メロディーも本当に美しいですね!
あなたから見て、前作 “For The Journey” から特に進化を遂げたと感じる部分はどの辺りですか?

【RICHARD】: 僕たちは本当にこのレコードを誇りに思っているんだよ。ただ、この作品が過去のアルバムに比べてあまり複雑ではない事も分かっているんだ。
僕たちはあまり複雑ではないレコードと、複雑なレコードを行ったり来たりしているようにも思えるね。だから言ってみれば “For The Journey” が全ての引き金となったのかも知れないね。

Q6: Anyway, prog scene has been moved on more technical, complex direction. For example, djent is one of the symbol of that. I think Threshold is different from the movement. I feel that you first cherish songs, melodies, and emotions. Do you agree that?

【RICHARD】: Yes, those are the things that move and inspire me the most. Technicality is great but I prefer it to be part of the song, not instead of the song.

Q6: 複雑性と言えば、プログシーンは近年、Djent のようにより複雑でハイテクニカルな方向へと進んで来ました。しかし、THRESHOLD は逆にメロディーやエモーションへと重点を置いているようですね?

【RICHARD】: うん、そういった要素こそが最も僕を感動させ、インスパイアするんだよ。勿論、テクニックは重要だけど、僕はそれを楽曲の一部に組み込むのが好きなんだ。テクニックを追求するよりもね。

Q7: I saw Dream Theater “I&W 25th anniversary tour” yesterday, in Japan. Actually, Threshold keeps the band as long as they are. There are not many prog metal bands that have been on since the early 1990s. And I feel you two are definitely legend of prog metal scene. So, do you feel kind of empathy with them?

【RICHARD】: Yes, we toured with Dream Theater back when Glynn was our vocalist the first time around. In our early days we were often called the British answer to Dream Theater. In reality I thin we’re very different bands, but I guess we are inspired by the same sort of things so I understand the comparison. They were awesome to tour with, Mike Portnoy was their drummer at the time and we had a young drummer called Jay Micciche. Mike really took Jay under his wing, let him sit behind him on stage every night. I’d love to tour with them again some day.

Q7: 先日、DREAM THEATER の “Images and Words” 25周年アニバーサリーツアーを見たのですが、実際圧倒されました。THRESHOLD は彼らと同じくらい長いキャリアを誇りますね。DREAM THEATER に共感を覚える部分はありますか?

【RICHARD】: そうだね。僕たちは、Glynn が最初にバンドのシンガーだった頃、彼らと初めてツアーしたんだよ。実際、初期には “英国からの DREAM THEATER への回答” などと呼ばれたりもしたからね。
現実には、僕たちは全然違うタイプのバンドだと思うよ。ただ、僕たちがある面でインスパイアされているのは確かだろうから、その比較は理解出来るんだ。
彼らとツアーを回るのは最高だったな。当時 DREAM THEATER のドラマーは Mike Portnoy だったんだけど、彼は僕たちの若いドラマー Jay Micciche の面倒を本当に良く見てくれていたんだ。毎晩、ステージで彼をセットの後ろに座らせていたよ。またいつか、彼らとツアーが出来たらいいね。

Q8: That is to say, you have huge discography. When our readers jump into Threshold world, which record do you recommend next to “Legends of the Shires”?

【RICHARD】: It’s hard to choose because they all have something different, but I would choose “Subsurface” or “Dead Reckoning”. Those were our last two albums with Mac and we had something special going on. Those albums probably inspired the sound of “Legends Of The Shires” more than our other work.

Q8: バンドは膨大なディスコグラフィーを誇ります。弊誌の読者が “Legends of the Shires” の次に THRESHOLD ワールドへ進むとしたら、どの作品を勧めますか?

【RICHARD】: アルバムはどれも異なる部分を持っているから、選ぶのは難しいね。ただ、”Subsurface” か “Dead Reckoning” を勧めたいと思うよ。Mac と作った最後の2枚だから、特別な想いを持ち続けているのは確かさ。この2枚は、僕たちの他の作品より、おそらく “Legends of the Shires” のサウンドをより想起させるだろうね。

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FIVE ALBUMS THAT CHANGED RICHARD’S LIFE

QUEEN “A NIGHT AT THE OPERA”

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GENESIS “AND THEN THERE WERE THREE”

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PINK FLOYD “WISH YOU WERE HERE”

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DURAN DURAN “RIO”

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THRESHOLD “WOUNDED LAND”

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MESSAGE FOR JAPAN

Threshold

We would LOVE to come to Japan, I really hope we can come and meet our amazing fans someday!

僕たちは、ぜひとも日本に行きたいんだ。本当にいつか、日本に行って、素晴らしいファンと会えることを願うよ!

RICHARD WEST

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THRESHOLD “Legends of the Shires” 日本盤
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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【XANTHOCHROID : OF ERTHE AND AXEN ACT I & Ⅱ】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SAM MEADOR OF XANTHOCHROID !!

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More Extreme, Yet More Delicate. More Vast, Yet More Intimate. Xanthochroid’s “Of Erthe and Axen” Attempts To Further Broaden The “Cinematic Black Metal” Horizons !!

DISC REVIEW “OF ERTHE AND AXEN”

プログレッシブエクストリームのイノベーションを志望する、南カリフォルニアの野心的なカルテット XANTHOCHROID が至高なる2枚組の新作 “Of Erthe and Axen” をリリースしました!! “ロードオブザリング” や “ゼルダの伝説 時のオカリナ” にインスピレーションを得たというその壮麗かつ耽美なファンタジックワールドは、”シネマティックブラックメタル” の呼称に相応しいロマンとイマジネーションを運びます。
ブラックメタル、プログメタル、プログロック、シンフォニック、フォーク、クラシカル。XANTHOCHROID のカラフルで奥深いタペストリーは、OPETH, EMPEROR, ENSLAVED, JETHRO TULL, RENAISSANCE の豊潤なるミックスなどとも評されます。ただし、デビュー作から続く壮観なコンセプトストーリーをベースとした、大作映画や RPG のサウンドトラック的なアプローチは確かにバンドの確固たるアイデンティティーとなっているのです。
XANTHOCHROID が紡ぐ “Etymos” の物語は、王の血を引く Thanos と Sindir (後に Ereptor) 兄弟による闘争憚。”Of Erthe and Axen” では、”Incultus”, “Blessed He With Boils” 以前、二人の子供時代の出来事を、愛、嫉妬、魔法、戦争、そして欺瞞のエッセンスを交えつつ克明に描いているのです。
“Etymos” のエピック第一幕は、壮大なオーケストレーションと繊細でフォーキッシュな二つの小曲で幕を開けます。作品の全体像を暗示するような意を異にする二つのイントロダクションは、多彩な楽器の導入と新加入の女性シンガー Ali Meador の美麗なる歌声を披露し、共にバンドの拡がる可能性を伝えていますね。
不穏で不気味なディストーションサウンドが静寂を切り裂く “To Higher Climes Where Few Might Stand” はまさに XANTHOCHROID の真骨頂。EMPEROR や OPETH の面影を、クワイアやシンセサイザーで大仰にドラマティックに味付けしたシアトリカルな8分間は、Sam の邪悪なグロウルと伸びやかなクリーンを羅針盤に、ジギルとハイドの如く静と動を行き来します。6拍子のフォルクローレが、ホーンとストリングスを伴って鮮やかにメタリックな華を満開とする中盤の超展開は筆舌に尽くし難いほど見事です。
“To Souls Distant and Dreaming” で DREAM THEATER の遺伝子を垣間見せた後、Sam のパーカッシブギターは進化の証である “In Deep and Wooded Forests of My Youth” を導きます。マンドリンやアコーディオン、フルートを取り入れた JETHRO TULL をも想起させるフォーキーでロマンチックなデュエットは、朗々とした Ali と Sam の歌声でリスナーを月明かりが差し込む深き森、木々の騒めきへと誘うのです。
「”Act Ⅱ” は “Act I” に比べてメタルの要素が強調され、より長いアルバムになっているね。」 とSam が語るように、アルバムの第二幕はアートワークの変化も伴って、大円団に向けてその硬質と絢爛を増して行きます。
男声と女声のクワイアとピアノの流麗な響をイントロとしたあまりに豪壮でドラマティックな “Through Chains That Drag Us Downward” はその象徴でしょう。Sam の背徳的アジテイトや時折挿入されるブラストビートは、確かにバンドのルーツを示しますが、とは言えあまりに拡大された楽曲全体のデザインを鑑みれば、Sam が 「自分たちをブラックメタルと呼んでいるのはジョークのようなもの」 と語ることにも頷けます。
実際、Sam の歌唱が Hansi Kursch を思わせる “Of Aching Empty Pain” などではシンフォニック/シネマティックメタルのパイオニア BLIND GUARDIAN の領域、絢爛さにまで接近しているようにも思えます。
アルバムは、クラッシックなオペラの如く華麗で重厚な11分の大曲 “Toward Truth and Reconciliation” で濃密でダイナミックな作品をリトレイスするかのように幕を閉じました。
今回弊誌では、ボーカル、ギター、キーボードを担当する Sam Meador にインタビューを行うことが出来ました。今回も Jens Bogren がマスタリングを担当しています。全てを DIY で賄っているため知名度こそ低いものの、そのクオリティーは最上級。どうぞ!!

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XANTHOCHROID “OF ERTHE AND AXEN ACT I & Ⅱ” : 9.8/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【GIZMODROME : GIZMODROME】JAPAN TOUR SPECIAL !!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ADRIAN BELEW OF GIZMODROME !!

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The Police, PFM, Level 42, And King Crimson Got Together, Making An Strange But Absolutely Fantastic Record As Gizmodrome !!

DISC REVIEW “GIZMODROME”

ロック四半世紀の時を刻む、四人の傑出したミュージシャンが集結したスーパーグループ GIZMODROME が唯一無二の色彩を放つデビュー作 “Gizmodrome” をリリースしました!!マエストロが紡ぐ多彩かつユニークな “パンクプログ” “プログレッシブポップ” の造形は、ある種定型化したシーンに贖いがたい魅力的な誘惑を放ちます。
THE POLICE の大黒柱 Stewart Copeland を中心として、鍵盤の魔術師 PFM の Vittorio Cosma、LEVEL 42 のスラップキング Mark King、そして KING CRIMSON のギターイノベーター Adrian Belew が参集。GIZMODROME はパンク、ポップ、ニューウェーブが花開いた80年代初頭の風をプログレッシブのテクニックに乗せて運ぶ素晴らしき “Gizmo” “仕掛け” の体現者だと言えるでしょう。
「レコーディングの鍵は素早さだったね。長々と時間をかけることなく、ただ楽しんで行ったんだ。」 と Adrian が語る通り、アルバムは音楽本来のワクワク感、楽しさ、多幸感に満ちています。
アルバムオープナー、”Zombies In The Mall” は GIZMODROME の “生態” を目の当たりに出来る楽曲かも知れませんね。THE POLICE が遺したポップパンクの遺産と、LEVEL 42 のジャズファンクが、プログレッシブなポルカの上でダンスを踊る奇跡。Stewart 自らがプレイしたというトロンボーン、Adrian の巧みなアコースティックギターも重要なアクセントになっていますね。
実際、バンドはポップパンク、ロック、ジャズファンク、プログレッシブという異なるジャンルから一名づつ選抜されたハイブリッドな “多音席軍”の 顔を持ちます。そしてその4人の選ばれしヴァーチュオーソは究極に楽しみながら、ユーモラスなまでにエクレクティックな音楽のショーケースを披露しているのです。
“イタリア” というロケーションが、この自由で楽観的なムードに更なる追い風となった可能性もありますね。Stewart もレコーディングにおいて、話題の大半が音楽ではなく、パスタやピザについてだったと認めています。
勿論、GIZMODROME のフレキシビリティーが Frank Zappa に通じると感じるリスナーも多いでしょう。事実、レコードの大部分でリードボーカルを務めた Stewart のモノトーンな声質やイントネーションは、Zappa のそれと近いようにも思えます。
インタビューで Adrian が語る通り、Adrian & King のメロディックなコーラスが Stewart のボーカルを際立たせ、VAN HALEN におけるダイヤモンドデイヴの如く極上のストーリーテラーに仕立てあげている部分も、マルチに歌えるバンドならではの実に興味深いチャレンジですね。”Summer is Coming” の BEACH BOYS もしくは TOTO を想起させるコーラスワークは、まさに GIZMODROME の豊潤な可能性の一つだと言えるでしょう。
もしかしたら GIZMODROME は最も成功した音楽の “Back to the Future” なのかも知れません。「僕は二つの要素をミックスするのが好きだね。テクノロジーとオーガニックをね。」 と Adrian が語るように、確かに “Gizmodrome” には古き良き時代の大らかな空気と、現代的なサウンド、コンテンポラリーで多様な創造性のエッセンスが奇想天外に共存しています。
“American People” を文字ったユーモラスな “Amaka Pipa” はまさにその象徴でしょう。Stewart のトライバルなリズムは、Adrian の異質でしかし温もりのある “Foxtone” と溶け合いラップ調のボーカルを誘います。ジャズのビートやブルースの精神まで内包したユニークかつ多彩な一曲は、ルーズで発想豊かなジャムセッションのムードとモダンなデザインを共有するバンドのランドマークなのかも知れませんね。
それにしても Rolling Stone 誌 “100 Greatest Drummers of All Time” で10位にランクした Stewart のドラミングはやはり伊達ではありませんね。左利きにも関わらず右利きのセットでプレイする彼の稀有なスタイルは、スネア、リムショット、ハイハットのダイナミズムに特別な魔法をかけ、THE POLICE 時代から培ったレゲエを初めとする世界中のリズムを見事にロックと融合させています。”Gizmodrome” の楽曲の大半がワールドミュージックを隠し味としているのは、Stewart がメインコンポーザーであることと密接にリンクしているのです。
今回弊誌では Adrian Belew にインタビューを行うことが出来ました。”Stay Ready” は象徴的ですが、彼の風変わりでイタズラ心満載のリックがなければ作品の魅力は半減していたことでしょう。さらには KING CRIMSON, Robert Fripp に対する愛憎入りまじる複雑な感情を、これほど顕にしたインタビューは世界でも初めてかも知れません。来年4月には来日公演も決定しています。どうぞ!!

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GIZMODROME “GIZMODROME” : 10/10

INTERVIEW WITH ADRIAN BELEW

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Q1: First of all, I heard that you talked to Robert Fripp the other day, are not you? I think that it was a long time no conversation between you and Robert, how did you feel? What specifically did you talk about?

【ADRIAN】: It had been 4 years since we had spoken. That is a long time! In that interim I had many mixed feelings. I was mostly hurt that I was no longer a part of the band. I had considered it a partnership, especially between myself and Robert as guitarists and writers. Therefore I did not accept that it was “one person’s band” and that one person (Robert) could make such changes on his own. I now see I was wrong and I have come to terms with it. Over those 4 years I immersed myself in the “reconstruction” of my solo career, which had often been set aside in order to work with King Crimson. I decided to try new things and become super-active. I did a Pixar film which won an Oscar. I created a new musical format specifically for my ideas called FLUX and recorded hundreds of things for its content. I invented (with a lot of technical help) 2 award-winning apps. I toured the world repeatedly with the Adrian Belew Power Trio, and wrote more songs and music than ever before. In hindsight, I would have been too busy to be in the new line-up of Crimson!
Robert and I mostly spoke of positive things. He kindly congratulated me on my work and the Oscar and talked excitedly about Gizmodrome, which he seems excited about. Then there were some personal moments where I opened up to him and expressed some of my grievances, but that didn’t last very long. I told Robert I loved him and missed him. After that we talked about whether or not I would accept the title “ninth man inactive”. Robert explained that for him this “ninth man inactive” concept connotated a willingness on my part to stay in the “Crimson family” in an inactive role until called upon to perhaps re-join the band. I agreed to accept that role. After that we talked joyfully about our past and left it at that. A very positive conversation. In reality, nothing much has really changed, but it feels better!

Q1: つい先日、Robert Fripp と久々に話したそうですね?

【ADRIAN】: 彼と最後に話してから4年が過ぎていたね。とても長い時間だよ!その4年の間、僕は沢山の複雑な感情を持つこととなったね。その大部分は、僕がもう KING CRIMSON の一部ではなくなったことに対する傷心だったんだ。
僕はあのバンドをパートナーシップだと考えていたんだ。特にギタリスト、ソングライターとしての僕と Robert の関係をね。だから、KING CRIMSON が “ワンマンバンド” で、その “ワンマン” Robert があのような大変革を独断で決めてしまった事実を受け入れることが出来なかったんだ。今では、僕が誤っていたことを認め、折り合いをつけているよ。
この4年間、僕はソロ活動の “再建” に没頭していたんだ。KING CRIMSON の仕事をするためにしばしば脇に置かれて来たからね。新しいものを試して、スーパーアクティブになることを決めたんだよ。
オスカーを獲得したピクサーの映画を手がけたね。僕のアイデアで FLUX という新たな音楽フォーマットを作り、そのコンテンツのために沢山レコーディングもしたよ。技術面の援助を受けて、二つの賞を獲得したアプリも開発したんだ。Adrian Belew Power Trio で何度も世界中をツアーしたし、以前より多くの楽曲や音楽も書いているよ。振り返ってみれば、忙しすぎてクリムゾンの新たなラインナップに加わる暇はなかったかも知れないね!
Robert と僕は主にポジティブな話をしたよ。彼は親切にも、僕の仕事やオスカー獲得を祝ってくれたんだ。GIZMODROME についても話したよ。彼はエキサイトしているようだったね。
それから個人的な話をしたよ。僕は彼に心を開いて重荷の一部を話したんだ。ただ、あまり長くは続かなかったね。僕は Robert に彼を愛しているし、寂しいと伝えたんだ。
その後、僕たちは僕が「9番目の活動していないメンバー」を受け入れるかどうかについて話したね。Robert は彼にとってこの概念は、僕がバンドに再加入するまでの非活動的な役割で、”クリムゾンファミリー” に留まる意思を内包していると説明したね。僕はその役割を受け入れることに同意したよ。
後は、昔のことを楽しく話して切り上げたんだ。とてもポジティブな会話だったね。現実で何かが大きく変わった訳じゃないんだけど、気分は良くなったよ!

Q2: Robert said, “Adrian has rejoined the larger family – hooray! – and doors to the future are open. “. So, now
you are in the position “ninth man inactive”, but do you think that you want to get involved in King Crimson more?

【ADRIAN】: I think it’s possible, but I have no idea when. At this moment the current King Crimson is busy continuing to play live shows. As for myself, I have my plate full with the future of Gizmodrome as well as continuing shows with the Celebrating David Bowie show and touring with the Adrian Belew Power Trio. I’m very actively writing new material either for Gizmodrome or for FLUX, my ever-changing music format, and I’m sure other things will be offered. So, we’re all very busy now. Let’s see what the future holds. I’m sure it will be awesome!

Q2: Robert は 「また Adrian がクリムゾンファミリーに帰ってきたよ!未来へのドアはいつでもオープンだよ。」 と語っていましたが、あなた自身は “活動していない9番目” のメンバーというポジションから、さらによりバンドに関わりたいと思っているのでしょうか?

【ADRIAN】: 起こりうると思うよ。いつになるかは分からないけどね。現時点で、KING CRIMSON はライブでプレイし続けることに忙しいからね。
僕に関しても、GIZMODROME の未来、David Bowie のセレブレーション、Adrian Belew Power Trio のツアーでいっぱいいっぱいだしね。
僕は精力的に GIZMODROME と FLUX の新たなマテリアルを書いているんだ。他のこともやらなければいけないしね。だから全員が今は忙しいんだよ。未来に何が起こるか楽しみにしよう。きっと素晴らしいものになるよ!

Q3: Recently, Trent Reznor started Nine Inch Nails again. You joined NIN in 2013 officially, but left the band in a very short term, six months. What happened at that time? And have you contacted with Trent now?

【ADRIAN】: Actually I rehearsed with the band for just 17 days. By that time it was apparent I was not needed. Trent’s original offer was that he and I would “re-invent” the sound of NIN, but as the actual rehearsals began I think he changed his mind. By the end of 17 days I had learned 21 Nine Inch Nails songs, all of them exactly like the records, none of them “re-invented”. Had NIN stayed with that approach (which they did)I would have been playing songs exactly the same way every night for the next year and a half. That is not what I do best. It wasn’t right for either of us. I’ve had no contact with Trent since, but I bear no ill feelings towards him.

Q3: 近年、Trent Reznor は NINE INCH NAILS の活動を再開しています。あなたは2013年、公式にNINに加入しましたが、6ヵ月という短い期間で脱退しましたね?

【ADRIAN】: 実際は、NIN とリハーサルを行ったのは僅か17日間だけだったんだよ。その期間で、僕が必要ないことは明らかに思えたね。
元々、Trent のオファーは彼と僕で NIN のサウンドを “再考案” することだったんだ。だけど実際にリハーサルが始まると、彼は心変わりしたようだったね。17日間の間に、僕は NIN の楽曲を21曲覚えたんだけど、その全てがレコード通りだったんだよ。どの楽曲も “再考案” なんてされなかったんだ。
もし、NIN がそのアプローチを続けるのであれば、僕は次の1年半を全く同じように楽曲をプレイして行かなければならなかったんだ。それがベストだとは思えなかったね。お互いにとっても正しい選択ではなかったんだよ。
今はもう Trent とコンタクトを取っていないんだけど、彼に対して悪い感情を抱いている訳ではないよ。

Q4: Anyway, let’s talk about your new journey, Gizmodrome! Adrian Belew, Stewart Copeland, Mark King, Vittorio Cosma. OK, definitely it’s amazing supergroup! How did this “Great Four” come to be?

【ADRIAN】: Long story short, Stewart and Vittorio worked together every summer in Italy on different projects, all of which were called Gizmo. During that period they wrote some songs with no particular object in mind. Two summers ago they contacted me to ask me to join them in Italy for their summer project. I couldn’t make it the first summer but I came the second summer. I was expecting just to add some guitar parts to a Stewart Copeland project. But by then they had evolved their hopes into starting a new band to include myself and Mark King. So, they tricked me! After the first two days of recording, I knew in my heart this had to be a band, it was too special not to share it with the world.

Q4: では、あなたの希望に満ちた新たな旅路 GIZMODROME について話しましょう。まずはこのスーパーグループ結成に至る経緯を話していただけますか?

【ADRIAN】: 手短に言うと、Stewart と Vittorio は毎夏イタリアで共に仕事をしているんだ。その異なるプロジェクトを総称して GIZMO と呼んでいるんだけどね。その期間に、彼らは特別な目的を意識することなくいくつか楽曲を書いたんだ。
2年前の夏に、2人は僕にイタリアでその夏のプロジェクトへ加わって欲しいとコンタクトを取って来たんだよ。最初の夏は参加出来なかったんだけど、次の夏は参加出来たね。
最初、僕はただ Stewart Copeland Project にいくつかのギターパートを加えることだけ期待されていたんだよ。だけど、それから彼らの望みは、僕と Mark King を含む新たなバンドを立ちあげる所まで進展したんだよ。つまり彼らは僕を騙したんだ!
レコーディングの最初の2日間を終えて、僕は心の中でこれはバンドにするべきだと知ったんだ。あまりに特別過ぎて、世界にシェアしないなんて勿体ないとね。

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Q5: So, King Crimson you belonged to, and Stewart’s The Police were active at the same time, early 80’s. Are you two conscious of each band’s music and the talent of the members?

【ADRIAN】: Oh, of course. Our paths never crossed back then, we were on different orbits so to speak, but how could you not know The Police if you were a music fan in the 80’s? For me, they were one of the last “hit” bands I paid attention to.
Great musicians playing well-crafted songs. As for Stewart, I have always considered him in the top 5 of rock drummers who changed the world of drumming.

Q5: あなたが所属していた KING CRIMSON と Stewart の THE POLICE は80年代初頭、同時期に活動していましたね。当時、お互いに意識する部分はありましたか?

【ADRIAN】: うん、勿論だとも。当時、僕たちの道が交わることはなかったけれどね。言ってみれば異なる軌道に乗っていた訳だからね。だけど、80年代の音楽ファンで THE POLICE を知らないなんてあり得ないでしょ? 僕にとって彼らは注目を払った最後の “ヒット” バンドなんだ。偉大なミュージシャン達が見事な造形の楽曲をプレイするバンドだったね。
Stewart に関して言えば、僕はいつだって彼をベスト5に入るロックドラマーだと思って来たよ。まさにドラムの世界を変えたようなね。

Q6: I feel your band name “Gizmodrome” is kind of humor about “Gizmodo”. Anyway, Gizmodrome has very unique and eclectic musical styles. It’s sometimes pop, sometimes progressive, and sometimes experimental. So, how was the writing process and jam sessions like? How did you find the identity or goal of the band?

【ADRIAN】: There was no writing to be done. The songs from Vittorio and Stewart were the basis of the material to record. There was no real jamming either. The process was more like this: listen to a basic version of a song, learn it, experiment with the arrangement, then record the basic track. Next came overdubs of guitars (solos and sounds), keyboards, and finally vocals with all of us singing. The key was to be quick, not to belabor anything, and to have fun doing it.

Q6: ライティングプロセスはいかがでしたか?バンドはユーモアと多様性を心情とし、尊重しているようにも感じますが?

【ADRIAN】: 特別、ライティングプロセスといったものは存在しなかったんだよ。Vittorio と Stewart の楽曲がレコードの基本的なマテリアルとなったんだ。だから、真にジャムと言えるものも行わなかったんだ。
プロセスはこんな感じだったよ。まず楽曲の基本となるバージョンを聴いて覚え、アレンジを色々と試すんだ。それがレコードのベーシックトラックとなったね。次にギター、キーボードでソロやサウンドのオーバーダブを行ったんだよ。最後に全員がボーカルをレコーディングしたんだ。
レコーディングの鍵は早さだったね。長々と時間をかけることなく、ただ楽しんで行ったんだ。

Q7: In “Gizmodrome”, Stewart handles a lot of the vocals. Off course, you and Mark also can sing. What made the band appoint Stewart main singer? I think it’s tough for Stewart in the live stage, haha.

【ADRIAN】: They are Stewart’s songs and he embodies the proper spirit for singing them. His larger-than-life approach to singing is a big part of the charm of Gizmodrome, in my opinion. Mark and I sing together perfectly and we mostly sing the choruses, leaving Stewart to be our storyteller. This formula will likely change for our next records which will involve more writing from all of us. But for this batch of songs I’m happy to have Stewart sing the leads and he’s excited about strapping on a guitar being a frontman for part of our shows.

Q7: アルバムでは、基本的に Stewart がリードボーカルを取っていますよね?

【ADRIAN】: それらはスチュワートの楽曲で、彼はその楽曲たちを歌うための適切な精神を体現しているんだよ。僕の考えでは、歌唱に対する彼のより大規模なアプローチは、GIZMODROME の魅力の大きな部分を占めていると思うんだ。
Mark と僕は完全に一緒に歌い、主にコーラスを担当したんだ。スチュワートを僕たちのストーリーテラーにするためにね。次のアルバムでは全員がもっと作曲に関わるだろうから、このやり方は変わるはずだよ。だけど、今回に関しては Stewart がリードを歌い、ショウの一部でギターをかけてフロントマンを務めることにエキサイトしているのを嬉しく思っているんだ。

Q8: Gizmodrome is the gathering of maestros. Recently, modern musician’s techniques and skills are considerably advanced. But also It seems that they rely too much on technology and sometimes lost emotions. What’s your perspective about that?

【ADRIAN】: I prefer a mixture of the two: technology and organic. Music technology has been very inspiring in the way I make records, write songs, perform live, and in the way I create sounds. With technology I am able to make sounds I have never heard before and that’s very exciting to me. But I have always been careful to compliment technology with the analog or organic approach: real acoustic instruments, for example. I do most of my writing on acoustic guitar and piano. On my solo records I play real drums, cello, flute, etc. In the realm of recording, technology is indispensable. I believe it is up to the musician/writer to embody his or her music with emotion regardless of how the music is made.

Q8: 近年、ミュージシャンのテクニックやスキルは進化し非常に高くなっています。一方で、テクニックに頼りすぎたり、エモーションを失ったという批判もありますよね?マエストロの集まりである GIZMODROME はそういった最近のシーンにどういった一石を投じるのでしょう?

【ADRIAN】: 僕はその二つをミックスするのが好きだね。テクノロジーとオーガニックをね。音楽テクノロジーはレコードを作り、作曲し、ライブを行い、サウンドを創造する際、実に僕をインスパイアして来たんだよ。テクノロジーのおかげで、僕は以前に、聴いたことのないサウンドを生み出すことが出来るし、それは非常にエキサイティングなことなんだ。
ただ、僕は手放しにテクノロジーを賞賛することには慎重なんだ。リアルでアコースティックな楽器を使用したアナログかつオーガニックなアプローチも大切にしているよ。例えば、僕は作曲を大体はアコースティックギターとピアノで行うんだ。自分のソロ作品では、僕がリアルなドラム、チェロ、フルートまでプレイしたしね。
ただし、レコーディングの分野において、テクノロジーは不可欠なものだよ。つまり、僕はミュージシャンが音楽にエモーションを注げるかどうかは、音楽がどのように作られるかは関係ないと信じているんだよ。

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FIVE ALBUMS THAT CHANGED ADRIAN’S LIFE

THE BEATLES “MEET THE BEATLES”

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THE BEATLES “REVOLVER”

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JIMI HENDRIX “ARE YOU EXPERIENCED?”

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KING CRIMSON “IN THE COURT OF THE CRIMSON KING”

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MOBY GRAPE “MOBY GRAPE”

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MESSAGE FOR JAPAN

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First I would like to thank my friend Mr. Udo for bringing Gizmodrome to the Japanese fans. Second, I hope to attend an actual Sumo match as I am a big fan! And lastly, I have been to Japan many times now and I dearly love it. I hope to continue to return many more times. Cheers!

まずは友人の Mr.Udo に感謝を伝えたいね。来日を実現してくれてありがとう。次に、僕は大の相撲ファンだから実際に相撲を見てみたいんだ!最後に、僕は何度も日本を訪れていて、本当に日本を愛しているんだ。まだまだ何度も日本に行き続けたいね。ありがとう!

ADRIAN BELEW

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GIZMODROME JAPAN TOUR 2018 ウドー音楽事務所
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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SONS OF APOLLO : PSYCHOTIC SYMPHONY】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DEREK SHERINIAN FROM SONS OF APOLLO !!

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Prog-Metal Super Group, Sons Of Apollo Brings A Lethal Combination Between True Rock N’ Roll Swagger And The Virtuosity With Amazing Debut Record “Psychotic Symphony” !!

DISC REVIEW “PSYCHOTIC SYMPHONY”

古今無双の勇士達が肝胆相照らすメタル/ロックシーンのドリームチーム SONS OF APOLLO が、威風堂々たるデビュー作 “Psychotic Symphony” をリリースしました!!夢劇場のロックサイドを司り、そして幽寂に退場した二人のソウルメイトを軸として紡がれる類まれなるシンフォニーは、芸術の神アポロンの遺伝子を稠密なまでに引き継いでいるのです。
“God of The Drums”, Mike Portnoy がプログメタルの天照帝 DREAM THEATER を半ば追われるような形で後にしたのは2010年のことでした。残念ながら自身の核とする大切な場所を離れざるを得なくなった Mike でしたが、しかし以降も前向きに幅広くその唯一無二なるクリエイティビティを発揮して行きます。
SONS OF APOLLO の種が撒かれたのは2012年。Instru-metal を追求するため結成した Portnoy, Sheehan, MacAlpine, Sherinian (PSMS) で、Mike は98年に同じく DREAM THEATER を離れていた Derek “ディストーション・キーボード” Sherinian と再び相見えることとなったのです。
元々、DREAM THEATER においてロックなアティテュードを最も体現していた “The Del Fuvio Brothers”。再度、意気投合した二人は Billy と Mike の THE WINERY DOGS が休止に向かうと新天地創造へと動き出したのです。
「君たちは今夜、歴史を目撃している。」 Yngwie Malmsteen や TALISMAN の活躍で知られる “Voice of Hard Rock”、Jeff Scott Soto は、バンドのファーストギグとなった David Z のトリビュートライブでまずそう高らかに宣言しました。そして確かに “Psychotic Symphony” は、彼らの “過去”を目撃し愛してきたファンにとって、意義深い新たな歴史の1ページに仕上がりました。
アルバムはオリエンタルなイントロが印象的なオープナー “God of The Sun” で早くも一つのクライマックスを迎えます。Jeff の雄々しき歌唱と Mike のシグニチャーフィルが映える11分のエピックにして三部構成の組曲。まさにファンがバンドに待ち望む全てを叶えた濃密なるプログメタル絵巻は、静と動、美麗と衝動、プログレッシブとメタルをすべからく飲み込み卓越した技術と表現力でリスナーの心を酔わせます。
とは言え、アルバムを聴き進めれば、SONS OF APOLLO の本質がプログメタルよりもルーツであるクラッシックなハードロックやプログロックに一層焦点を当てていることに気づくでしょう。
“Coming Home” は彼らのホームグラウンドへと回帰し、同時にフレッシュな息吹を吹き込んだバンドの象徴的楽曲です。RUSH を想起させるシーケンシャルかつメロディックなテーマと、VAN HALEN のエナジーがナチュラルに同居するコンパクトなアンセムは、”プログレッシブハードロック” とでも呼ぶに相応しい煌めきと胎動を誇示します。
「確かにオリジナルコンセプトはプログメタルだったんだ。だけど作曲を始めると、完全に異なる方向へと進んでいったね。僕たちのクラッシックロックやハードロックからの影響が前面に出て来て、それに従うことにしたんだよ。新たなサウンドを創造したと思う。」
そう Derek が語るように、SONS OF APOLLO は “Psychotic Symphony” でプログメタルを切り札、エッセンスの一つとして、よりマスリスナーへとアピールする普遍的でオーガニックな “ロック” を追い求めたと言えるでしょう。硬質と有機性の共存。それは、DREAM THEATER が “Falling Into Infinity” で一度進みかけた”If”の道だったのかも知れませんね。
ただ、”Signs of The Time” はこの5人でなければ生まれなかった奇跡にも思えます。マエストロ Billy Sheehan の踊るように躍動するベースラインを骨子として幕を開けるエネルギッシュでハードな調べは、しかし中盤でガラリとその表情を変化させるのです。
アトモスフェリックな7拍子へと場面が転換し Ron “Bumblefoot” Thal のリードプレイが切れ込むと、多くのリスナーは UK の “In the Dead of Night” を思い浮かべることでしょう。ここには確かにダイナミックな展開美とジャンルの融合が誘う震駭、そして彼らの理想が深々と織り込まれているのです。
実際、元 GN’R は伊達ではありません。Allan Holdsworth さえ凌ぐのではと思わせる圧倒的な7拍子のシュレッドは彼のベストワークと言えるほどに強烈な存在感と個性を放っています。
加えてBumblefoot の千変万化なギターワークは各楽曲のルーツを指し示す大きなヒントともなっており、例えば “Divine Addiction” で Derek と共にまるで DEEP PURPLE の一員が如く振る舞う瞬間などは、実に興味深くエキサイティングだと言えますね。
勿論、アルバムには Derek と Mike が DREAM THEATER で共に残した “A Change of Seasons”, “Falling Into Infinity” の二作が蘇る瞬間も存在します。”Labyrinth” のヴァースや連続音を執拗に鳴らす Derek のリフワーク、”Opus Maximus” でスケールの上下動をフルピッキングで繰り返す場面などではニヤリとほくそ笑むファンも多いでしょう。
Billy の存在意義を改めて確認出来る11分の “Opus Maximus” で、あたかも自らの理想、新たなチャレンジを再びプログレッシブな啓示で包み込むかの如く幕を閉じる “Psychotic Symphony”。今回弊誌では、Derek Sherinian にインタビューを行うことが出来ました。「僕たちは、個々にこれまでやって来たバンドやプロジェクトよりビッグになることを目標にしているんだ。」 つわものどもが”夢”の先。どうぞ!!

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SONS OF APOLLO “PSYCHOTIC SYMPHONY” : 9.6/10

INTERVIEW WITH DEREK SHERINIAN

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Q1: 20 years have passed since your first full-length with Dream Theater, “Falling Into Infinity”. What moments on that record are you most proud of?

【DEREK】: Lines In The Sand and Hells Kitchen. Those were two song ideas that I was the main composer- those songs still stand tall in the DT catalog today. Also my solo in Trial Of Tears.

Q1: あなたが DREAM THEATER でリリースした唯一のフルアルバム “Falling Into Infinity” が今年20周年を迎えました。まずはあの作品で最も誇りに思える瞬間を教えてください。

【DEREK】: “Lines in the Sand” と “Hell’s Kitchen” だね。というのもあの2曲は僕がメインコンポーザーとしてアイデアを出したからね。そして彼らのディスコグラフィーの中で、今日でも気高く存在感を放っているんだ。”Trail of Tears” の僕のソロも気に入っているよ。

Q2: I feel “Falling into Infinity” is the most “Rock” “Organic” record in their discography. And that is your meritorious deed, I think.
After your withdrawal, John got his partner Jordan and Dream Theater went the more systematic, mechanical direction. Off course, you got Mike Portnoy now!
That means Sons of Apollo is more “Rock” group than Dream Theater, and everyone is win-win, right? haha.

【DEREK】: You seem to have it all figured out! Ok, let’s go with that!

Q2: “Falling Into Infinity” は DREAM THEATER のカタログで最もロックかつオーガニックでなアルバムで、それはあなたの功績だったと感じます。John Petrucci は Jordan Rudess を得てよりシステマティックでメカニカルな方向へ進み、あなたは現在 Mike を得ましたね。ある意味、今は全てが Win-Win だと感じますが?

【DEREK】: 君は全てを言い当ててしまった様だね!OK, その通りだよ!それで行こう!

Q3: “Psychotic Symphony” sometimes reminds me “A Change of Seasons” or “Falling into Infinity”. Did you use any leftover ideas from when you and Mike were in Dream Theater?

【DEREK】: No, Everything has been written within the last year.

Q3: バンドのデビュー作となる “Psychotic Symphony” は時に “A Change of Seasons” や “Falling Into Infinity” をフラッシュバックさせる瞬間が確かに存在します。あなたと Mike が DREAM THEATER に所属していた頃残していたアイデアを、このレコードで使用しましたか?

【DEREK】: いや、全ては昨年の間に書かれたものだよ。

Q4: Considering PSMS, Billy’s joining was natural for me. But what made you appoint JSS and Bumblefoot? Did you have an idea of launching ​​”Prog metal” band before you gather members?

【DEREK】: Mike is the one who suggested Bumblefoot and Jeff Scott Soto. When Mike and I first decided to form this band, the original concept was to be prog metal, but it turned into something completely different when we started writing. Our classic rock and hard rock influences came to the forefront and we just went with it. We have created a new sound.

Q4: PSMS や THE WINERY DOGS を考慮すれば、Billy Sheehan の参加は自然に思えますが、Jeff Scott Soto と Bumblefoot にはなぜ声をかけたのですか?

【DEREK】: Mike が Bumblefoot と JSS を提案したんだ。
最初 Mike と僕がこのバンドを結成した時には、確かにオリジナルコンセプトはプログメタルだったんだよ。だけど作曲を始めると、完全に異なる方向へと進んでいったね。僕たちのクラッシックロックやハードロックからの影響が前面に出て来て、それに従うことにしたんだよ。このレコードで僕たちは新たなサウンドを創造したと思うな。

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Q5: Lion and Eagle in the artwork seems to symbolize you and Mike for me. Do you agree that? Who came up with the idea of ​​an album title “Psychotic Symphony” and the artwork?

【DEREK】: It was originally two lions, but I suggested the eagle. Mike was in charge of the cover concept, and the album title is from one of Jeff’s lyrics from “Lost In Oblivion”.

Q5: アートワークのライオンとイーグルは、あなたと Mike を隠喩しているようにも思えます。

【DEREK】: 元々は2頭のライオンだったんだ。だけど僕が片方をイーグルにしようと提案したんだよ。アートワークについては Mike がコンセプトを考えたんだけどね。アルバムのタイトルは、Jeff が書いた “Lost in Oblivion” の歌詞を元にしているんだよ。

Q6: “Psychotic Symphony” reaches one of the climax from the beginning. “God of The Sun” seems to express exactly what Sons of Apollo is, I think. And definitely, your fans love that kind of a suite. Anyway, when you writing the record, what was a goal for you?

【DEREK】: One of the first things that I wrote was God Of The Sun, After Mike heard it, he said that it was perfect as it was and that he heard it being the album opener. I consider God Of The Sun my best work.

Q6: アルバムのクライマックスは冒頭から訪れます。オープナーにして組曲 “God of the Sun” は間違いなくあなたたちのファンが待ち望んだ楽曲ですよね?

【DEREK】: 僕がこのアルバムのために最初に書いたマテリアルの一つが “God of the Sun” なんだ。それを聴いて Mike がこの楽曲はまさにこのままで完璧だ、アルバムオープナーになるよと言ったんだよ。
この楽曲は僕のベストワークだと思っているんだ。

Q7: All members of Sons of Apollo have another bands or projects. It seems hard to collect all the member’s priorities in this band, right? How do you plan to run this band?

【DEREK】: Sons of Apollo has a shot at being bigger than anything we have ever done individually. All members have made this band a priority, and we will go out on a full world tour in 2018.

Q7: SONS OF APOLLO のメンバーは、全員が他のバンドやプロジェクトを抱えていますね。ここに全員のプライオリティーを集中させるのは難しそうですね?

【DEREK】: SONS OF APOLLO で僕たちは、個々にこれまでやって来たバンドやプロジェクトよりビッグになることを目標にしているんだ。メンバー全員がこのバンドにプライオリティーを置いているよ。
2018年にはフルスケールのワールドツアーを行うしね。

Q8: Anyway, also I’m big fan of Planet X. So, It is a pity that you have been hiatus for ten years after “Quantum”. Your way of “Metal fusion” was really challenging and new to us. Is there any plan for restarting activity?

【DEREK】: No plans for live, but Virgil and I are talking about a 20 anniversary box set with rarities.

Q8: 別バンドと言えば、PLANET X のメタルとフュージョンを融合させるチャレンジは素晴らしかったですね。活動再開の予定はありますか?

【DEREK】: ライブに関してはノープランだよ。だけど Virgil と僕は、レアな音源を追加した20周年のボックスセットについて話しているんだよ。

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FIVE ALBUMS THAT CHANGED DEREK’S LIFE

ELTON JOHN “GOODBYE YELLOW BRICK ROAD”

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VAN HALEN “VAN HALEN”

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OZZY OSBOURNE “BLIZZARD OF OZ”

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JEFF BECK “WIRED”

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SONS OF APOLLO “PSYCHOTIC SYMPHONY”

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MESSAGE FOR JAPAN

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I love Japan, my great japanese fans and can’t wait to bring SOA to your country. Also, my daughter Summer is becoming a great Japanese Anime artist! She really wants to come to Japan!

日本と素晴らしい日本のファンが大好きなんだ。SONS OF APOLLO で日本に行くのが待ちきれないよ。そうそう、僕の娘、 Summer は偉大な日本のアニメアーティストになろうとしているんだ!彼女は本当に日本へ行きたがっているよ。

DEREK & SUMMER SHERINIAN

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MASTERPIECE REVIEW + INTERVIEW 【BETWEEN THE BURIED AND ME : COLORS】10 YEARS ANNIVERSARY !!


METAL SUCKS PRESENTS: INTERVIEW WITH DAN BRIGGS OF BETWEEN THE BURIED AND ME !!

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Between The Buried And Me Are Currently Out On Tour Celebrating The Tenth Anniversary Of Their Landmark Album “Colors” By Playing It From Start To Finish Every Night. Bassist Dan Briggs Talks About A Retrospective Essay About How The Band Wrote Was Has Come To Be Considered As A Landmark Modern Progressive Metal Record !!

DISC REVIEW “COLORS”

“We are Between The Buried And Me, and this is Colors.”
“Colors Live” のオープナー “Foam Born (A) The Backtrack” が厳かに幕を開け、ピアノのイントロが一旦静まると Tommy Rogers はそう呟きます。
不朽の名作 “Colors” から10年。Tommy, Paul, Dustie, Dan, Blake の5人で紡ぐ BETWEEN THE BURIED AND ME は確かにこの場所から始まり、その豊かな色彩のスペクトルは現在でも決して色褪せることを知りません。
振り返ってみれば、2003年にリリースした “The Silent Circus” における “Mordecai” はバンドのターニングポイントだったのかも知れませんね。トレードマークであった直感的な衝動のカウンターとして崇高なメロディーを発見した彼らは、”Alaska” でエクスペリメンタルなエクストリーム領域の下地を示した後、現在の5人 “ファンタスティック・ファイブ” を揃えて素晴らしき “Colors” へとたどり着くことになります。そして、この64分の万華鏡が放つプリズムは、バンド自身のみならず、現在のモダンメタル/プログレッシブシーンにとってあまりに鮮烈かつ至高のマイルストーンとなりました。
“モダン=多様性” と定義するならば、”Colors” ほど “モダン” なレコードは未だかつて存在しないでしょう。TOOL の “Lateralus”、THE MARS VOLTA の “Frances the Mute”、PROTEST THE HERO の “Kezia”、SikTh の “Death of a Dead Day”、COHEED AND CAMBRIA の “Good Apollo, I’m Burning Star IV, Volume One: From Fear Through the Eyes of Madness”、MESHUGGAH の “Catch Thirtythree”, ISIS の “Panopticon”、THE DILLINGER ESCAPE PLAN の “Miss Machine”、GOJIRA の “From Mars to Sirius”。ミレニアムを迎え、モダンメタル/プログレッシブに多大な影響を与えたエクレクティックな作品が続々と登場する中で、変革の決定打となったアルバムこそ “Colors” だったのかも知れませんね。
実際、メタル、ハードコア、メタルコアをルーツとしながらも、”Colors” には数え切れないほど豊かな色彩が織り込まれています。ジャズ、クラッシック、プログレッシブ、ワールドミュージック、ブルース、ポルカ、ブルーグラス、デスメタル、ブラックメタル…精密かつ大胆に配置されたインフルエンスの数々は、彼らのルーツとナチュラルに混ざり合い、時にエクストリームに、時にテクニカルに、時にアトモスフェリックに、時にメロディックにリスナーの元へとこの偉大なるエピックを届けるのです。
この作品が後続にとってインフルエンタルであることは、何よりあの DREAM THEATER のマスターマインド John Petrucci でさえ、彼らのセルフタイトルのアルバムが PERIPHERY, ANIMALS AS LEADERS と並んで BTBAM から「影響を受け、インスピレーションとアルバムを形作る助けになった。」 と語っていることからも明らかです。
ギタリスト Paul Waggoner は、「重要なのは、”Colors” の究極なまでにエクレクティックな音楽の数々は、誰か1人のメンバーが思いついた訳ではなく、全員が貢献して達成された点だよ。」 と語っています。確かに Dan もインタビューで、「僕は彼らに OINGO BOINGO とか GENTLE GIANT のようなバンドを紹介したし、彼らは EMPEROR や ULVER を教えてくれたんだ。」 と語ってくれました。ファンタスティック・ファイブがジグソーパズルのピースのごとく完璧に、奇跡的にフィットし補完し合い起こった化学反応。それが “Colors” の本質だと言えるのかも知れませんね。
よりミクロな観点で見れば、ギターリフのフレキシビリティを飛躍的に高めたこともこのレコードの功績だと言えるでしょう。メタルコアの興隆により、リードプレイのようにテクニカルなリフワークは徐々に浸透して行きましたが、それでもやはり “リフ” と “リード” の境界線は確実に存在したはずです。
あくまでも “リフ” はボーカルの伴奏として繰り返されるもの。”リード” は自由な自己表現の舞台。そんなトラディショナルな考え方を根底から覆したのが “Colors” であり、PROTEST THE HERO の “Kezia” であり、SikTh の “Death of a Dead Day” だったのではないでしょうか?
“Colors” のリフワークを聴けば、低音弦ではパターンやリズムを細かく変えながら、高音弦では自由自在にフレットを駆け巡る、フレキシブルかつ創造性豊かな “バッキング” が伴奏として見事に成立していることが分かります。そして、AAL 革命、Djent 前夜に繰り広げられたあまりに重要なこのコペルニクス的転回は、言うまでもなく様々なメタルジャンルにおいて今では定石として根付いているのです。
Dan は “Colors” を収録曲 “White Walls” になぞらえ “空間や考え方に限定されず、僕らの周りにある壁を全て壊してしまうように色彩たちがが鮮やかさを増していく” アルバムだと語ります。バンドは当時プログやメタルの既成概念を破壊した後、夜空に美しき虹をかけました。そして10年を経た今、”Colors” 10周年を祝う完全再現ツアーを終えた後、バンドは再び “未来” へと向かい新たな色彩のマジックを掲げてくれるでしょう。
今回弊誌では、US Metal Sucks, Gear Gods 誌と連携してベーシスト Dan Briggs の “Colors” 製作秘話を完全掲載することが出来ました。NOVA COLLECTIVE に続き今年2度目の登場です。「僕たちはいかにして “Colors” を制作したのか」どうぞ!!

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BETWEEN THE BURIED AND ME “COLORS” : ∞/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【GENTLE GIANT : THREE PIECE SUITE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DEREK SHULMAN OF GENTLE GIANT !!

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With A Little Help Of Steven Wilson, Sleeping Prog Giant From UK, Gentle Giant Show Their Brilliance And Originality With Newly Remixed Album “Three Piece Suite” !!

DISC REVIEW “THREE PIECE SUITE”

英国にて睡臥する穏やかなる巨人、プログレッシブレジェンド GENTLE GIANT が久々の音信となる作品 “Three Piece Suite” をリリースしました!!バンドの初期三作から楽曲を集積し、名匠 Steven Wilson がリミックスを施したアルバムは、70年代の稀世なる栄光を鮮明に現代へと蘇らせています。
GENTLE GIANT は1970年に Shulman 三兄弟が中心となり結成したプログレッシブクインテット。技巧と叙情、エクレクティックとポップを巧緻に集約し、81年に解散するまで独自の価値観でプログロックの可能性を顕示し続けた偉大なバンドです。
彼らの音楽を語る時、適切な言葉を探すのは容易ではありません。どこか飄々としていて掴み所がなく、時にニヒルに、時にユーモラスに、時にアヴァンギャルドに刻々と表情を移すその音流は、莫大な情報量と独特のタイム感も相俟って、霧闇を掻き分けるが如き浮遊感と心細さをリスナーに与えて来たのです。
勿論、アーカイブには YES や KING CRIMSON 等と共に必ず明記されるバンドですが、彼らほどの人気、知名度を得ていない理由は多分にその五里霧中、即効性の欠如が理由だと言えるでしょう。
しかし、逆に言えば GENTLE GIANT の魅力はその遅効性、抽象性にあるのかも知れませんね。アルバムを聴く度に必ず新たな発見、感動を得ることが出来るアーティストはロックの歴史を眺めても決して多くはないでしょう。R&B をベースにポップス、ジャズ、クラッシック、サウンドトラック、そして現代音楽まで咀嚼しロックのフィールドへと昇華した多彩な楽曲の数々は、あまりに大胆かつ緻密です。
さらに、「間違いなく僕たちは、ムーブメントや思想を追ったり、スターダムを意識したりはしていなかったね。」 と語る通り、バンドの唯我独尊で超俗としたムードも彼らのクリエイティビティーを後押ししました。そして事実、そのとめどない知識の井戸、アイデアの泉から無限に湧き出るユニークなアプローチの数々は、時を経た現代でも様々な後継に影響を与え続けているのです。
「いつも GENTLE GIANT のサウンドとオリジナルのフィーリングを保ちながら、サウンドをより “良く” させてくれないかと頼んで来たんだ。」 と Derek が語るように、稀代のプログレマニア Steven Wilson もその一人。そして Steven はその野望を見事にやり遂げました。
“Three Piece Suite” はバンドの記念すべきデビューアルバム “Gentle Giant” からの3曲で幕を開けます。ジャズのビートやフュージョン的テーマなど様々な仕掛けを配しつつ、R&B をベースとしたドライブする “Giant” は、バンドの楽曲で最も典型的な “プログ” らしい楽曲かもしれませんね。サイケデリックなエナジーと中盤で見せつける叙情性のコントラストは、確かにここが出発点であることを主張します。
同時に、難解とポップを融合させた伏魔殿 “Giant” を聴けば、Derek の人生を変えたアルバムを見るまでもなく、初期の彼らが Frank Zappa から強い影響を受けていたことが伝わりますね。一方で Zappa 自身も GENTLE GIANT を非常に高く評価しており、共鳴し合う素晴らしき孤高の脈流が確かに存在したことを伝えています。
続く “Nothing At All” はバンドの素性をより鮮明にする9分のエピック。LED ZEPPELIN の名曲 “Stairway To Heaven” に影響を与えたと確信させるほどに美しい、(余談ながら Derek が影響を受けたアーティストに挙げてる SPIRIT は “天国への階段” の元ネタと噂される “Taurus” の作者なのですから興味深い)フォーキーでアコースティックな調べはニヒルでサバシーなギターリフを導き、自然にしかし唐突に3分半のアヴァンギャルドなドラムソロへと展開して行くのです。ここにはすでに様式美は存在せず、この頃からバンドはポップとロックのみならず、前衛的で現代音楽的な感覚を等しく身に纏っていたことが分かりますね。
71年にリリースされた “Acquiring The Taste” からは2曲が収録されています。”Pantagruel’s Nativity” はバンドの拡大する野心を反映した、アルバムの実験的作風を象徴する楽曲かもしれませんね。ムーグシンセやメロトロンのレトロな味わい、映画のようなオーケストレーション、トランペットを組み込んだバッキングの妙。楽器の増加により全てが新鮮に噛み合った楽曲は、日本の童謡 “通りゃんせ” を思わせる懐かしき旋律とハーモニーを携えてリスナーに濃厚なるサウンドスケープを届けます。
さらに “The House, The Street, The Room” では、ヴィブラフォンやチェロまでこなすマルチ奏者 Kerry Minnear を中心に32もの楽器を使用しメズマライズな狂気を演出しているのですから恐れ入ります。
72年の “Three Friends” からは4曲。ドラマーを Malcolm Mortimore にスイッチし、T. REX 等の仕事で知られる Tony Visconti のプロダクションからバンドのプロデュースに移行した作品です。
“Schooldays” のセピア色なノスタルジアが証明するように、よりセンチメンタルでストーリーテリングにフォーカスした作品は、三人の同級生を軸として物語を紡ぐ初のコンセプトアルバム。濃密にレイヤーされたオーケストレーションと感傷的なコーラスワークが実に印象的で、P.F.M を頂点とするイタリアのシンフォニックな後続たちに多大な影響を与えた事実も頷けますね。
幻想と技巧、静寂と騒然、耽美と悪夢を等しくコントラストさせた “Peel the Paint” のイデアルは、サックスの魔術と相俟って、KING CRIMSON の理想ともシンクロしながら穏やかな人間の狂気を体現し、名作と名高い “Octopus” へと繋がって行くのです。
Steven Wilson の手によりさらに輝きを増した珠玉の名曲たち。”Peel The Paint” を聴けば、フロントに Kerry のヘヴィーハモンド、リアに Gary の突き刺すようなブルースリックが配されて、5.1chサラウンド特有の分離と広がりが実に効果的に活用されていることが伝わります。それにしても今回初披露となった “Gentle Giant” のアウトテイク “Freedom’s Child” の美しさには言葉を失いますね。
今回弊誌では、リードボーカルにして Kerry と同様マルチ奏者 Derek Shulman にインタビューを行うことが出来ました!実はバンド解散後には A&R としてポリグラムで BON JOVI や CINDERELLA を発掘。さらに Atco, Roadrunner では社長として PANTERA や DREAM THEATER と契約し、2PLUS Music & Entertainment では我らが LOUDNESS とも手を組んだ重要すぎる人物です。とは言え、正統な評価が遅れリユニオンが強く望まれるバンドでもあります。「僕たちは今でも音楽を作っているよ。たとえそれが僕たちの耳にしか届かないとしてもね。」 どうぞ!!

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GENTLE GIANT “THREE PIECE SUITE” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CHELSEA WOLFE : HISS SPUN】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CHELSEA WOLFE !!

Chelsea Wolfe by Bill Crisafi

PHOTO BY BILL CRISAFI

Certainly, Folk/Rock/Experimental Artist Chelsea Wolfe Took A Step Toward More Dark Side, Heavy Realm, Sludge World With Her Outstanding New Record “Hiss Spun” !!

DISC REVIEW “HISS SPUN”

ダークでスピリチュアルな崇高美を追求する、ノースカリフォルニアの堕天使 Chelsea Wolfe が、そのゴシカルなイメージをスラッジメタルの世界へと解き放つ最新作 “Hiss Spun” をリリースしました!!審美のダークサイドを司るエクストリームアートの女王は、至上の環境、チームを得てより鮮明にその印象を増しています。
近年、Chelsea と彼女の右腕 Ben Chisholm の冒険は、出自であるゴシックフォークの枠を容易く超越し、ドゥームの翳りを宿すインダストリアル、エレクトロニカ、ノイズ、ドローンにまでアプローチの幅を拡げて来ました。陰鬱にして甘美、アーティスティックで創造性豊かなそのジャンルの邂逅は、Chelsea の幽美なビジュアルやスピリチュアルな一面とも共鳴しながら、この混沌とした世界に安寧を喚起するメディテーションの役割を果たして来たのかも知れませんね。
“Spun” の凄艶なディストーションサウンドでスラッジーに幕を開ける “Hiss Spun” は、リスナーの思念、瞑想にある種の直感性を差し伸べる、よりヘヴィーで正直なアルバムです。
「これは、ヘヴィーなレコードでロックソングを求めていたの。」 実際、Chelsea はそう語っています。故にRED HOST 時代のバンドメイト、ドラマー Jess Gowrie とのリユニオンは必然だったとも。
確かにこのレコードの陣容は彼女の言葉を裏付けます。リードギタリストに QUEENS OF THE STONE AGE の Troy Van Leeuwen を起用し、ex-ISIS の Aaron Turner をゲストボーカルとして招聘。さらに CONVERGE の Kurt Ballou をプロデューサーに指名した采配の妙は間違いなくこのレコードの方向性を諮詢していますね。
セカンドトラック “16 Phyche” はアルバムを象徴する楽曲かも知れません。蝶の羽を得て人間から変異を遂げた美しき魂の女神、そして火星と木星の間を公転する小惑星の名を共有するこのコズミックで漆黒のヘヴィーバラードは、自由を奪われ制限される人生をテーマとしています。
「8年間、故郷ノースカリフォルニアを離れてロサンゼルスにいたんだけど、LAは私と共鳴することは一度もなかったの。私の心はいつもノースカリフォルニアにあったのよ。大きな木々、山や川の側にね。」 Chelsea はそう語ります。
遂に家族と自然、スピリチュアルなムードに溢れた故郷へと帰還し、心の平穏と安寧を取り戻した彼女は、閉塞的で捌け口のない当時の自分を反映させた魂の情歌へと辿り着いたのでしょう。
実際、”Twin Fawn” にも言えますが、彼女も認める通りこの楽曲における Chelsea の歌唱はよりパーソナルで内面全てを曝け出すような壮絶さを宿します。フィードバックと不穏なムードが支配する重密なサウンドとも絶妙にシンクロし、彼女のエモーションは現代社会の閉所恐怖症とも形容可能なイメージをも楽曲に映し出しているのです。
“Hiss” とはホワイトノイズ、つまり雨音や川のせせらぎ、鳥の囀りといった自然と人間を繋ぐ雑音を意味する言葉だと Chelsea は教えてくれました。トレモロリフとポストメタルの重厚で奏でられる “Vex” で Aaron Turner の剛胆な咆哮は大地の感覚、アーシーなホワイトノイズだとも。
Aaron の声が大地の咆哮なら、浮遊感を伴う Chelsea の声はさながら虚空のスキャットでしょうか。楽曲の最後に挿入された森のざわめきに耳を澄ませば、彼女のメッセージが伝わるはずです。ヘヴィーとエセリアルのコントラストで表現される自然に対する強い畏怖は、現代社会が忘れつつある、しかし忘れてはならない貴き精神なのかも知れませんね。
確かにヘヴィーでスラッジーなアルバムですが、同時に “Twin Fawn”, “Two Spirit” のような自身のアイデンティティー、ゴシック/フォークにフォーカスした楽曲や、近年養って来たインダストリアル/ノイズ要素を分断に盛り込むことで、作品は Chelsea の多面的な才能を映す鏡、ある意味集大成的な意味合いも保持しています。そして勿論、女性としての一面も。
アルバムは、魔女の如き甲高い歌声が印象的な “Scrape” で幕を閉じます。様々な怒りやヘヴィーな祈りが込められたアルバムには、当然 Chelsea の一人の女性としての怒りも封じられています。あの禍々しき魔女裁判が行われたセイラムでレコーディングが行われたことも、偶然ではないのかも知れませんね。
今回弊誌では、Chelsea Wolfe にインタビューを行うことが出来ました。彼女がゲスト参加を果たしている MYRKUR の最新作も同様に素晴らしい内容。併せてチェックしてみてくださいね。どうぞ!!

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CHELSEA WOLFE “HISS SPUN” : 9.8/10

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