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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CALIGULA’S HORSE : RISE RADIANT】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JIM GREY OF CALIGULA’S HORSE !!

“There Is Never a Moment Of Darkness In Caligula’s Horse Without Emphasising The Light – The Last Thing That I Want Is To Put Music Out In The World That Is Celebrating Something Tragic Or Dark Without Showing That There Is a Way Out.

DISC REVIEW “RISE RADIANT”

「CALIGULA’S HORSE には、光を強調しない闇は決してないんだよ。僕にとって最も好ましくないことは、出口を示さず、悲惨なことや暗いことを祝う音楽を世に送り出すことだから。そのコントラストこそ、僕たちの作曲における中心であり焦点の1つなんだ。」
性的倒錯、残忍な浪費家、狂気の暴君。ローマを刹那支配した悪名高きカリグラ帝は、しかし少なくとも愛馬を元老院に任ずるほど愛していました。もはやオーストラリアを代表するプログメタルのインペラトルにとって、レコードを覆うメランコリーの闇芝居はすべて愛情や強さを手繰り寄せる一条の光への道筋に違いありません。
プログレッシブのネオサザンクロスとして KARNIVOOL, NE OBLIVISCARIS, VOYAGER といった綺羅星と共に台頭した CALIGULA’S HORSE は、最もプログメタルの流儀を残すその手法が例えば英国の HAKEN と深く通じているのかも知れませんね。特に、Djent やシュレッダーの流れを汲む Sam Vallen の悍馬のテクニックを基盤としたメタリックな “Caligula’s Groove” は、絶対的なバンドの顔となっています。
一方で、プログメタルもう一つの巨星 LEPROUS とシンクロする表情も少なくはありません。シーンでも最高の評価を分かち合う Einar Solberg と Jim Grey は共に果てなきメランコリーの使徒ですし、コンテンポラリーな音のメルティングポットとしても双方存分です。では、CALIGULA’S HORSE 自身の強烈なアイデンティティーはどこにあるのでしょうか?肝要なその答えこそ、最新作 “Rise Radiant” にあるはずです。
「”Rise Radiant” は再定義と言うよりも、別の自然な進化の結実だと思う。世界中をツアーする中で多くを学び、書きたいことや演奏したいものをしっかり理解出来たんだ。」
8分の大曲 “Salt” を聴けば、CALIGULA’S HORSE がクラッシックにも通じるやり方で、エピカルなメタルの交響曲を具現化したことに気づくでしょう。ヴァイオリンやヴィオラの荘厳な響きはありませんが、それでも充分にこの絶佳の名曲はワーグナーでありリストのロマンチシズムを湛えています。
「エンディングは Ruggero Leoncavallo の手によるオペラ “道化師” で歌われるアリア “衣装をつけろ” から触発されたと言っていたね。最終的に、”Salt” は音楽テーマの要約 (楽章からの音楽テーマをもう一度提示すること)で終わるんだ。つまり、その構造を通じて、よりクラシックなスタイルからインスピレーションを得ているのは確かだよね。」
シンコペートするピアノの響きは指揮者、レイヤーにレイヤーを重ねたコーラスは聖歌隊、8弦ギターのほろ苦き低音はコントラバスでしょうか。モチーフの膨らませ方、印象の変化もあまりに劇的で巧みです。
一方で、最近メタルはあまり聴いていないと語る Jim の言葉を裏付けるように Becca Stevens や Jacob Collier の色彩を付与した “Resonate” は、電子音とアコースティックの狭間を浮遊する海月のしなやかさを描き、牧歌的な “Autumn” でフォークやカントリーの領域まで掘り下げてメタルの新たな可能性を提示するのです。
いつものように閉幕は長尺のエピック。”The Ascent” のドラマ性はベートーベンのシンフォニーにも引けを取ることはありません。
今回弊誌では Jim Grey にインタビューを行うことができました。「努力を重ね、ウイルスの遮断に大きな進歩を遂げてきた国は素晴らしいよ。残念ながら、そういった国々の努力を完全に台無しにしている国がいくつかあるよね。
どの国について話しているかわかるよね? 音楽と国際的なツアーの世界がコロナ以前と同じになることはなさそうだよね…結局は待つしかないんだけどね! 」何と三度目の登場!感謝です。どうぞ!!

CALIGULA’S HORSE “RISE RADIANT” : 9.9/10

INTERVIEW WITH JIM GREY

Q1: First of all, it’s really hard time now due to corona virus, especially musical industry. As a musician, and as a person, how do you spend your corona crisis days? What’s your thoughts on the current global situation?

【JIM】: Well, for the most part I’ve been thrown into the world of homeschool teaching! Our schools closed pretty early on, so a lot of my time has been working with my daughter on her education. It’s pretty crazy, and I’m barely competent, haha!
As for the global situation, there have been heaps of countries getting on top of the crisis straight away, Australia included, and who have managed to make great progress in shutting the virus down as much as they can, which is great to see. Unfortunately, there are some countries that are absolutely ruining it for the rest of us – I think we know which ones I’m talking about. The world of music and international touring will likely never be the same after this… we can only wait and see!

Q1: コロナウイルスが世界を脅かし、特に音楽産業にとっては厳しい局面です。まず、ミュージシャンとして、1人の人間として、このコロナ危機をどのように過ごしているのか教えていただけますか?

【JIM】: 大半の時間はホームスクールティーチャーとして過ごしているよ!娘の学校はかなり早い時期に閉鎖されたから、僕の時間の多くは娘の教育に取り組んでいるんだよ。かなりクレイジーな状況で、僕には先生の才能はなさそうだ。(笑)
世界的な状況だけど、オーストラリアを含め、危機の山を乗り越えた国々がたくさん出てきているよね。努力を重ね、ウイルスの遮断に大きな進歩を遂げてきた国は素晴らしいよ。残念ながら、そういった国々の努力を完全に台無しにしている国がいくつかあるよね。どの国について話しているかわかるよね?
音楽と国際的なツアーの世界がコロナ以前と同じになることはなさそうだよね…結局は待つしかないんだけどね!

Q2: In our previous interview, you said “We realized that all of these artists are not just connected to each other, but to all people, and especially to this shared dream. They are all in contact with one another, despite their differences, and despite being far removed from each other both geographically and in terms of time.”
When corona crisis happened, I reminded your words and “In Contact” album. We have to keep social distance, but “In Contact” each other through the arts. Do you agree that?

【JIM】: That’s a really interesting observation! I’d never thought of it that way. But it’s a good comparison to draw – we’ve had a great deal of support from fans around the world thanking us for doing what we do and telling us how important our music has been to them at this time. It’s super humbling to hear that, because I’ve been going through the same struggle and music has been incredibly helpful in finding a way to pass through darker moments.

Q2: 前作 “In Contact” のインタビューであなたは、「人間によって創造されたすべての芸術作品は僕たち一人一人が共有していた夢を思い出す試みだということなんだ。それは僕たちがすっかり忘れてしまったものなんだけど、でもアーティスト達は無意識のうちにこの夢のテーマが喉から出かかっていて、インスピレーションと芸術を通してそれを明確に表現しているんだよ。だから、僕たちは、アーティストのすべてがただお互いにつながっているのではなく、すべての人と、特にこの共通の夢でつながっていることに気付いたんだ。」と語ってくれました。
ゆえに、コロナ危機が訪れたとき思い出したのが “In Contact” だったんですよ。距離を置いていてもアートで繋がっているという意味でです。

【JIM】: 本当に興味深い観察だね!そんな風に考えたことはなかったけど、良い比較を描いていると思う。こんな時だけど、僕たちの活動に感謝してくれる世界中のファンから多大なサポートがあり、現時点で僕たちの音楽が彼らにとってどれほど重要であるかを教えてくれている。
僕も同じ苦しみを経験していて、暗い時をやり過ごすために音楽はとても役立っているから、そうやって体験や感謝を伝えてくれるのはとてもありがたいよね。

Q3: So, I’m really impressed by your new record “Rise Radiant”. It seems “Redefine” is keyword of this record, right?

【JIM】: I think ‘Rise Radiant’ is less of a redefinition of Caligula’s Horse and more of another natural progression. We’ve learned a great deal during our touring around the world, and learned a great deal about what we love to write and perform. It’s important to us to let those lessons shape our music so that it’s true and honest – I would hate to be stuck in the same sound forever based on what I believe to be people’s expectation of what we do. We try to keep it fresh and reflect ourselves as best as we can!

Q3: 最新作 “Rise Radiant” には非常に感銘を受けましたよ。過去を集約して CALIGULA’S HORSE を “再定義” するような作品だと感じました。

【JIM】: “Rise Radiant” は再定義と言うよりも、別の自然な進化の結実だと思う。世界中をツアーする中で多くを学び、書きたいことや演奏したいものをしっかり理解出来たんだ。
そういった学びから音楽を形作り、真実で正直な作品に結びつけることは僕たちにとって重要なんだ。僕たちの活動に対する人々の期待だけに基づいて、永遠に同じサウンドにとどまることはたまらなく嫌だからね。音楽を新鮮に保ち、できるだけ自分自身を反映するようにしているんだ!

Q4: When I heard your songs, I feel kind of “melancholy”, especially “Rise Radiant”. You know, Speaking of Australia, I remember the bright sun and the blue sea, but where do these melancholies come from?

【JIM】: I’m a sad boy, haha! To be honest, there is a lot of melancholy in ‘Rise Radiant’ particular because overall it’s an album about overcoming obstacles and finding strength in yourself during times of adversity or weakness. That being said, there is never a moment of darkness in Caligula’s Horse without emphasising the light – the last thing that I want is to put music out in the world that is celebrating something tragic or dark without showing that there is a way out. That contrast is one of the central focuses of our songwriting.

Q4: CALIGULA’S HORSE の楽曲からは、”メランコリー” が常に溢れているように感じます。特にこの作品では顕著ですが。
オーストラリアと言えば、青い空、サンゴ礁、輝く太陽をイメージしますが、全く正反対ですよね?(笑)

【JIM】: 僕は哀しい少年なんだ (笑)! 正直に言うと、”Rise Radiant” には特に、メランコリーが多く存在するよね。なぜなら全体的に、障害を克服し、逆境や弱さの中に自分の強さを見つけることがテーマのアルバムだからさ。
そうは言っても、CALIGULA’S HORSE には、光を強調しない闇は決してないんだよ。僕にとって最も好ましくないことは、出口を示さず、悲惨なことや暗いことを祝う音楽を世に送り出すことだから。そのコントラストこそ、僕たちの作曲における中心であり焦点の1つなんだ。

Q5: Actually, “Salt” is one of my favorite song in 21st century. It’s like metal version of Wagner for me. I feel you expand musical theme the way like classical music. Are you influenced by classical composers?

【JIM】: Personally, not so much. But when Sam brought us a lot of the musical motifs that ended up being ‘Salt’, he did mention that the ending in particular was specifically inspired by Vesti la guibba from Pagliacci by Ruggero Leoncavallo. Ultimately, ‘Salt’ ends with a recapitulation of all of the musical themes woven throughout itself. In that way, I suppose we do draw inspiration from more classical styles in terms of the through-composed structure of some of our music.
There are also some of those unspoken influences that are just part of my brain without my knowledge – I grew up singing in choirs since I was very young, so that’s always a natural part of how I approach vocals.

Q5: “Salt” は私にとって今世紀最高の楽曲の一つですよ。まるでワグナーのメタルバージョンとでも言えそうなほど音楽的にリッチで、モチーフの膨らませ方がクラッシックのようですね?

【JIM】: 個人的にはそれほどクラッシックから影響は受けていないんだ。だけど、Sam が後に “Salt” となる音楽的なモチーフを沢山もたらしたとき、特にエンディングは Ruggero Leoncavallo の手によるオペラ “道化師” で歌われるアリア “衣装をつけろ” から触発されたと言っていたね。
最終的に、”Salt” は、それ自体に織り込まれたすべての音楽テーマの要約 (楽章からの音楽テーマをもう一度提示すること)で終わるんだ。つまり、その構造を通じて、よりクラシックなスタイルからインスピレーションを得ているのは確かだよね。
一方で、自分でも気づかないうちに、脳の一部に残る暗黙の影響もいくつかあるだろうな。僕は幼い頃から合唱団で歌って育ったので、その手法は常に僕がボーカルに取り組む際の自然なやり方なのさ。

Q6: When I first knew you was the peacock of “Moments From Ephemeral City”. Since then, your artwork always related to nature and animals, right?

【JIM】: Not necessarily intentionally! The big exception would be ‘In Contact’, where Conor McGuire’s work was more emphasising shared experience in culture, as well as his artistic interpretations of certain lyrical themes and characters. I suppose that’s hard to avoid when working with a concept album! Other than that, you’re right, but it’s not something I’d ever really considered!

Q6: 私は CALIGULA’S HORSE を “Moments From Ephemeral City” に認められた鮮やかな孔雀で知りました。
あれ以来、あなた達のアートワークには常に自然や動物が存在していますよね?

【JIM】: ああ、それは必ずしも意図的なものじゃないんだよ!
大きな例外は “In Contact” で、あの Conor McGuire の作品は文化における共有された経験と、特定の歌詞のテーマやキャラクターを彼の芸術的解釈を通して強調していたんだ。コンセプトアルバムを扱うとき、彼のやり方は避けられないと思うね。それ以外は君の言う通りだけど、そうしようと考えたわけじゃないんだ!

Q7: Also, there were stories, philosophies, in your past works. What do you want to represent in “Rise Radiant”?

【JIM】: ‘Rise Radiant’ isn’t a concept album, certainly not in the same way as ‘The Tide, the Thief & River’s End’ and ‘In Contact’. There’s no story or characters or overarching theme, but rather a collection of individual songs with their own personal meaning. As I mentioned above, because our music is a personal reflection of ourselves as people, there are themes between those songs that can intertwine as a coincidence since these things are on our minds.
In particular, the themes of overcoming struggle, not accepting the situation you’re in and fighting for a better life, finding strength in yourself in moments of weakness, and (most prominently in songs such as ‘Autumn’ and ‘The Ascent’) the theme of legacy. Sam became a father just before writing the album, I have a five year old daughter, and Josh has three boys – the transition to parenthood for each of us was genuinely tranformative, and that shift in our worldview and perspective on life and legacy is reflected in the album.

Q7: 同時に、CALIGULA’S HORSE の作品には常に興味深いストーリーやコンセプトが存在してきました。

【JIM】: “Rise Radiant” はコンセプトアルバムではなくて、”The Tide、the Thief&River’s End” や”In Contact” とは異なる性質を持つよ。ストーリーやキャラクター、包括的なテーマはなくて、独自の意味を持つ楽曲のコレクションなんだ。
ただ先に述べたように、僕たちの音楽は個人としての自分自身を反映しているから、偶然テーマが絡み合う可能性はあるよね。
特に、苦しみの克服、現在の状況を受け入れずより良い生活を送るための闘い、脆さの中に自分自身の強さを見つける瞬間、そして(”Autumn” や “The Ascent” で最も顕著だけど)受け継いでいくこと、テーマとしてのレガシー。
Sam はアルバムを書く直前に父親になったんだ。僕には5歳の娘がいて、Josh には3人の男の子がいる。僕たち一人一人の親という存在への移行は本当に革命的だったよ。だから人生と遺産に関する僕たちの世界観と視点の変化は、このアルバムに反映されているんだ。

Q8: Regarding concept, I remember you are inspired by the Japanese myth of Konohanasakuya-hime in “Bloom”. Since then, do you explore Japanese culture, myth, or anime/video world?

【JIM】: I honestly haven’t returned to Japanese myth since ‘Daughter of the Mountain’ – I used to dive headlong into mythology of many cultures in our earlier work, but that’s not something that I really strive to do nowadays. I won’t rule it out, of course, haha! We always learn from touring – maybe if we are able to tour Japan, something will come of that.

Q8: コンセプトと言えば、”Bloom” で日本の神話 “木花咲耶姫” を取り上げてもらえて嬉しかったですよ。あれから日本の文化についてより深く掘り下げたりはしていますか?

【JIM】: 正直、”Daughter of the Mountain” から日本の神話は掘り下げていないんだ。というのも、初期の作品で僕は様々な文化の神話にどっぷり浸かっていたんだけど、最近はそこまで表現したいものではないんだよ。もちろん、だからといってこれからやらないとは言わないけどね!(笑)
僕たちはいつもツアーから学んでいるんだ。だからいつか日本に行けたら、きっと何か思い浮かぶだろうな。

JIM’S RECENT FIVE FAVORITE ALBUMS

BECCA STEVENS “WONDERBLOOM”

EXPLORING BIRDSONG “THE THING WITH FEATHERS”

DYSSIDIA “COSTLY SIGNALS”

I BUILT THE SKY “THE ZENITH RISE”

HAYLEY WILLIAMS “PETALS FOR ARMOR”

Great question! Right now, I can’t stop listening to ‘Wonderbloom’ by Becca Stevens, ‘The Thing With Feathers’ by Exploring Birdsong, ‘Costly Signals’ by Dyssidia, ‘The Zenith Rise’ by I built the sky, and ‘Petals for Armor’ by Hayley Williams. You might notice a distinct lack of metal in there (other than Dyssidia!) but that’s just where my musical heart is right now.

MESSAGE FOR JAPAN

Ever since I started writing original music at the age of 16, it’s been a dream of mine to tour Japan. It’s a genuine honour to know that we have fans and support in your beautiful country, and I truly hope that we can take the journey to you sometime soon, when the world isn’t so crazy! We love you and we’re incredibly grateful for your support – doumo arigatou gozaimasu!

16歳でオリジナルの曲を書き始めて以来、日本をツアーすることは僕の夢なんだ。僕たちは日本という美しい国にファンとサポーターがいることを知って本当に光栄だよ。世界が今ほど狂っていないときに、いつか君たちのところへ旅に出ることができたらと心から望んでいるんだ!
君たちが大好きだし、信じられないほどのサポートに感謝しているよ。どうもありがとうございました!

JIM GREY

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MEKONG DELTA : TALES OF A FUTURE PAST】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH RALF HUBERT OF MEKONG DELTA !!

“Sergej Prokoviews 1st Movement Out Of His 2nd Symphony In D Minor Was The First I Noticed How Close An Orchestra With Heavy Brass Comes To An Metal Group And Some Times Even Sounds Harder.”

DISC REVIEW “TALES OF A FUTURE PAST”

「僕の意見では、現実は常にファンタジーを打ち負かしているよ。若くて歴史を知らない人たちのために記すけど、メコンデルタって名前はベトナム戦争を象徴しているんだ。最も残忍な戦いと虐殺(マイライ)のいくつかはこの川の近くで行われたからね。」
例えば Yngwie Malmsteen, 例えば ACCEPT, 例えば BLIND GUARDIAN。クラッシックやフォークをメタル世界へ伝播した華美流麗なファンタジーの裏側で、MEKONG DELTA はリアリティーと恐怖、そして複雑怪奇をただ純粋に培養していきました。
例えばムソルグスキー、例えばハチャトリアン、例えばヒナステーラ。総帥 Ralf Hubert がメタルワールドに種を蒔き育てたのは、耳馴染みの良い伝統の音楽ではなくコンテンポラリーな現代音楽とその実験精神だったのです。
「1984年の終わりか1985年の初めだったかな。Jorg Michael は当時誰も知らなかった METALLICA のデモを持ってスタジオに来たんだ。彼は何より “Fight Fire With Fire” を気に入って流していたね。この曲には、当時メタルでは珍しかったリズミカルな変速が含まれていたんだよ。それが彼に深い感銘を与えたんだ。僕も面白いと思ったね。」
興味深いことに、Ralf の創造的破壊は当時メタル世界の異端者だったスラッシュメタルの凶暴と共鳴し溶け合いました。1989年の傑作 “Dances of Death (And Other Walking Shadows)” の冒頭を飾る19分のタイトルトラック、死の舞踏に込められたエキセントリックな血と知の共演はまさしく MEKONG DELTA の哲学そのものだったと言えるでしょう。
「ラブクラフトは、恐怖を明確に説明しない数少ない人物の1人だね。彼は恐怖を描かずに、心の中で成長させるんだよ。物語を読んで鳥肌が立つんだ。”The Color from Space” はその良い例だね。」
スラッシュメタルと現代音楽こそが、メコンの源流。Jorg Michael, Peavy Wagner, Uli Kusch, LIVING DEATH といったドイツの綺羅星がバンドの音流を支え、ラブクラフトの名状しがたい恐怖が遂には異端を濁流へと変えました。以降、MEKONG DELTA はオーケストラとの共演、そしてしばしの休息を境とするように、スラッシュメタルからプログレッシブメタルへとその進化の矛先を向けていきます。
6年ぶりの新作となった “Tales Of A Future Past” は文字通りバンドの過去と未来を紡ぐ作品なのかも知れませんね。猟奇的なアグレッションと奇数の美学はそのままに、プロダクションと演奏の質を現代水準へと高めたレコードは、同時にオーセンティックなメタルらしい耳馴染みの良さまで備えています。
Bruce Dickinson が憑依した Martin LeMar のダイナミックなボーカルは、奇数拍子に力強く踊り、ギターの両翼は不協和を流麗に駆け抜けます。シンガロングさえ誘う “Mental Entropy” や、”A Farewell to Eternity” の胸を打つメロディー、アトモスフェリックなホラー映画 “When All Hope Is Gone” は初期の MEKONG DELTA には存在し得なかった要素でしょう。
一方で、アルバムに散りばめられた “Landscape” 組曲ではオーケストラの荘厳壮大を血肉に、名状しがたき闇の景色、歓喜の狂気を惜しげも無く物語るのです。挑戦と訴求、難解と容易のバランスは間違いなく過去最高。
今回弊誌では、ベースからクラッシックギターまで何でもこなす巨人 Ralf Hubert にインタビューを行うことができました。「最も重要なものは、15, 6歳のときに偶然聞いたオーケストラ作品だね。Sergej Prokoviews の交響曲第ニ番の第一楽章、コンポーザーとしての彼を確立した “鋼鉄の歩み” だよ。ブラスを伴ったオーケストラがメタルバンドにどれほど近いのか、時にはよりハードな音を出すと気づいた最初のクラッシック作品だったね。」 どうぞ!!

MEKONG DELTA “TALES OF A FUTURE PAST” : 10/10

INTERVIEW WITH RALF HUBERT

Q1: First of all, it’s really hard time now due to corona virus, especially musical industry. As a musician, and as a person, how do you spend your corona crisis days? What’s your thoughts on the current global situation?

【RALF】: Everything in the green area, but I also haven‘t found the panic button which triggered fear in a lot of people. That such a “pandemic” would happen at some point was actually clear to everyone who once dealt with the topic. It happened to me when I saw “Outbreak”, a still worth seeing film
( although “Contagion” is a newer, more realistic one). While searching for literature on this quite extensive subject I found a book called “The Coming Plagues”, which analyzed the “Spanish flu“, “Ebola“, “Marburg“ and more. Furthermore it explains the work of the CDC, very informative. With this information in mind, I was not really surprised by the current situation.
At the moment, I spend most of my time rearranging old orchestral works. Fortunately, they are all notated and I can use my current equipment without hesitation.

Q1: コロナウイルスが世界を脅かし、特に音楽産業にとっては厳しい局面です。まず、ミュージシャンとして、1人の人間として、このコロナ危機をどのように過ごしているのか教えていただけますか?

【RALF】: 多くの人に恐怖を引き起こしたパニックボタンを僕は見つけることができていないんだ。こういった “パンデミック” がいつか発生することは、このトピックを一度でも扱った人には明らかだったからね。僕は映画 “アウトブレイク” を見たときに確信したね。あれは今でも見る価値があるよ。”コンテイジョン” はより新しく、より現実的な映画だけど。
この実に広大なテーマに関する文献を検索していると、スペイン風邪、エボラ、マールブルグ熱などを分析した “The Coming Plagues” “次のペスト” という本を見つけたんだ。さらに、CDC (アメリカ疾病予防管理センター) の仕事についても説明しているんだ。とてもためになるよ。この情報を念頭に置いていたから、僕は現在の状況にそれほど驚かなかったんだ。
現在、僕はほとんどの時間を古いオーケストラ作品のリアレンジに費やしている。幸いなことに、それらはすべて表記されていて、現在の機器をためらうことなく使用することができるんだ。

Q2: Mekong Delta is definitely legend of prog/thrash metal. So, could you tell us the early days of your band. To begin with it, what made you choose a geographical feature, called delta in Vietnam for your band name?

【RALF】: The Mekong story actually begins when I met Jörg, the drummer of “Avenger” ( later“Rage“), in my studio. We worked together in many productions and discussed a lot about music. He from the point of view of rock music, I rather from that of classical music. On a beer evening, I think it was late 1984 or early 1985, he came to the studio with a demo of a band that nobody knew at the time – Metallica! He played “Fight Fire With Fire” among other things. The song contained a rhythmic Anomaly that was unusual for metal at that time. That had deeply impressed him and I also found it interesting. “Quite nice, but that can one do much better…” was my comment. Jörg looked at me and said, “Well then, do it!” So why not? Within the next 2 weeks I composed some not really finished song structures which I played to him. The reaction was, that he wanted to play drums to this riffs imidiatly and we drove to his drum rehearsal room – and at that moment Mekong was born. After a few more finished songs which Jörg and I could play together, we started looking around for guitarists. With Frank Fricke (aka Rolf Stein) we found an excellent rhythm guitar player and with Rainer Kelch ( aka Vincent St. Jons ) a very good solo guitar player. To find a singer was a big problem as rhythm and harmony were way to complex for a normal metal singer. So I finally asked Bobo ( aka Keil ) as I knew he wouldn’t have the problems described. We before had played together in some groups which made real complicate music. Since he was a good friend of mine, he finally agreed to help, although that wasn’t his music at all.
The name was choosen as I did not like the competition in brutal fantasy names which was kind of normal at that time … “Brutalisator”, “Terminator” and so on. In my opinion reality beats fantasy all the time. For those, who do not know history ‘cause they are to young : the name Mekong Delta deals with the vietnam war, some of the most brutalst battles and massacres ( My Lai ) have been done closed to this river.

Q2: もはや伝説と言える MEKONG DELTA の歴史から触れたいのですが、非常にユニークなバンド名ですよね?

【RALF】: MEKONG DELTA のストーリーは、僕のスタジオで AVENGER (後の RAGE) のドラマー Jorg Michael に出会ったことから始まったんだ。僕たちは多くのプロダクションで共に働き、音楽についてたくさん話し合ったね。彼はおもにロックの観点から、僕はむしろクラシック音楽の観点からね。
あるビールにピッタリの夜、1984年の終わりか1985年の初めだったかな。彼は当時誰も知らなかった METALLICA のデモを持ってスタジオに来たんだ。彼は何より “Fight Fire With Fire” を気に入って流していたね。この曲には、当時メタルでは珍しかったリズミカルな変速が含まれていたんだよ。それが彼に深い感銘を与えたんだ。僕も面白いと思ったね。僕のコメントは「かなりいいけど、もっと上手くやれそうだな…」だった。すると Jörg は僕を見て、「じゃあ、やってみよう!」と言ったんだ。
それから2週間の内に、未完の曲の構成を練って彼に聴かせたんだ。反応は、すぐこのリフに合わせてドラムを叩きたいって感じだった。だから僕たちは彼のドラムリハーサルルームまで車を走らせたんだ。まさにその瞬間、MEKONG DELTA が生まれたんだよ。
それから Jorg と僕が一緒に演奏できる何曲かを完成させたあと、ギタリストを探し始めたね。優れたリズムギタリスト Frank Fricke (aka Rolf Stein) を見つけ、さらに素晴らしいリードプレイヤー Rainer Kelch (aka Vincent St. Jons) を加えることができたんだ。
シンガーを見つけるのは難題だったね。リズムとハーモニーが普通のメタルより複雑だからね。最終的に Bobo (aka Keil) に頼んだんだ。彼なら複雑さをものともしないと知っていたから。以前、いくつかのグループで一緒に演奏して、実に複雑な音楽を作っていたからね。彼は良き友人だったから、音楽は彼の好みじゃないけど、助けることに同意してくれたんだ。
当時は当たり前だった “Brutalisator”, “Terminator” みたいに凶暴でファンタジックな名前が嫌いだったから、この名前を選んだんだよ。僕の意見では、現実は常にファンタジーを打ち負かしているよ。若くて歴史を知らない人たちのために記すけど、メコンデルタって名前はベトナム戦争を象徴しているんだ。最も残忍な戦いと虐殺(マイライ)のいくつかはこの川の近くで行われたからね。

Q3: In your early days, Peavy Wagner, Jorg Michael, Uli Kusch, and members of Living Death were involved in the project. It was like German metal all stars, right? So, including you, there were many talented musicians around you. Do you agree that?

【RALF】: Sure, you are right. And a lot of them were on the AAARRG Label as one of the ideas behind the label was to feature real talented musicians and to give them a place where all of them could learn from each other.

Q3: 当時、Jorg Michael はもちろん、Peavy Wagner, Uli Kusch, LIVING DEATH のメンバーなどまさにジャーマンメタルオールスターズといった才人たちがあなたの周りに集まっていたようですね?

【RALF】: その通りだよ、君は正しいね。そして彼らの多くは AAARRG レーベルに属していたんだ。あのレーベルの目標は、真の才能を発掘し、彼らが互いに学び合い切磋琢磨する場所を提供することだったんだよ。

Q4: When I was into metal world, your “Pictures at an Exhibition” left a big impact on me. What made you mix metal and classical music, especially 19~20century? Who is your favorite classical composer?

【RALF】: There are already a few, I’ll make it easy for myself and only say the music style and the composer names :
the Expressionists: Prokoview, Schostakovich, Mussorgski – strictly speaking, none Expressionist, although …….;)
12 toners: Schönberg, Webern, Berg
older contemporary music: Ligeti, Penderecki, Reiman classical guitar: Walton, Britten, Brouwer, Rawsthorne.

Q4: メタル世界に浸かりはじめた頃、”Pictures at an Exhibition” は私に大きなインパクトを与えてくれました。19~20世紀のコンテンポラリーミュージックがお気に入りのようですね?

【RALF】: 好きな音楽のスタイルとコンポーザーの名前を挙げてみようか。表現主義なら Prokoview, Schostakovich, Mussorgski かな。厳格に言えば表現主義者ではないんだけど…。
12音技法ならSchönberg, Webern, Berg。コンテンポラリーミュージックの古典なら Ligeti, Penderecki, Reiman。クラッシックギターなら Walton, Britten, Brouwer, Rawsthorne だね。

Q5: Recently, lot’s of metal bands are influenced by Lovecraft. Of course, “The Music of Erich Zann” and “Lurking Fear” was taken by Lovecraft, also you are known big fan of him. Do you think you are pioneer of “Lovecraft metal”?

【RALF】: Yes, good old H.P., the world champion of cognitive dissonance. My fascination for his work is tremendously great. Lovecraft is one of the few who don’t explicitly describe the horror, he instead makes images grow in your mind without writing them. More than once I got goose bumps reading the stories. Take “The Color from Space” as an example.
But Mekong Delta a pioneer of “Lovecraft Metal”? Don’t believe. The violinist “Erich Zann”, he, who have not managed to keep evil from this world with the help of his music, his story have been selected for other reasons. The idea was to transfer the story into nowadays time and use all the metaphors as they still fit quite well today. By the way, I even did not know that a subgenre “Lovecraft Metal” exists.

Q5: 近年、多くのメタルバンドがラブクラフトから影響を受けています。あなたは彼の大ファンで、”The Music of Erich Zann” や “Lurking Fear” はラブクラフトからテーマを得ていますよね?
“ラブクラフトメタル” のパイオニアとも言えそうですね?

【RALF】: うん、古き良きH.P. ラブクラフト、認知的不協和の世界チャンピオン。彼の作品に途方もなく魅了されているよ。ラブクラフトは、恐怖を明確に説明しない数少ない人物の1人だね。彼は恐怖を描かずに、心の中で成長させるんだよ。物語を読んで鳥肌が立つんだ。”The Color from Space” はその良い例だね。
さて MEKONG DELTA は “ラブクラフトメタル” のパイオニアだろうか? 僕は信じないよ。バイオリニスト “Erich Zann”、彼は音楽の助けを借りてもこの世界から邪悪を追い出すことができなかったよね。
彼の物語を題材に選んだのは、あのストーリーを今日の時代に移したとしても、全てのメタファーが今でも実にフィットするからなんだ。ちなみに、サブジャンル “ラブクラフトメタル” の存在すら僕は知らなかったよ。

Q6: I can’t believe you create one of the most exciting metal record in 2020! “Tales Of A Future Past” reminds me amazing classic opera and also sometimes really contemporary metal, right? Is there any classical or soundtrack that inspired you during the production of this album?

【RALF】: No, all songs are composed by me without any foreign inspiration. Fortuatenitly I got tons of own ideas.

Q6: 最新作 “Tales Of A Future Past” はまるで素晴らしきクラッシックオペラですね!制作にあたって影響をうけたクラッシックやサウンドトラックはありましたか?

【RALF】: いや、楽曲は外からの影響なしに僕が全てを作曲したんだ。幸運なことに、僕には今でも山ほど独自のアイデアがあるからね。

Q7: Maybe, you were labeled as thrash metal when you started Mekong Delta. You are still aggressive, but it seems you are in the progressive metal realm now, right? What’s your thrash metal roots to you?

【RALF】: These “thrash metal” roots are extremely important because the Mekong Delta journey started with the first album. The foundations for all others were laid on this album. Each subsequent album was a step forward and, at the time of its creation, represents the status on which we stood in terms of playing, technique and composition. Ultimately, a “Music of E.Zann” without the experience of “Mekong 1st” is not possible, a “Principle of Doubr” without “Music of E.Zann” unthinkable and a “Dances of Death” without knowing how to target the instruments in terms of composition would have been simply impossible. You can take this as a fundamental rule for all following albums.

Q7: 初期 MEKONG DELTA にはスラッシュメタルのラベルが貼られていましたよね? 今でもバンドは充分アグレッシブですが、それでもプログメタルと呼ぶ方が妥当でしょう。あなたにとってスラッシュメタルのルーツはまだ生きていますか?

【RALF】: MEKONG DELTA の旅はファーストアルバムから始まったから、当然そういったスラッシュメタルのルーツは非常に重要だよ。あのアルバムで、後のすべての基盤が築かれたからね。その後の各アルバムは一歩前進し続けている。そしてその各アルバム作成時点で、演奏、テクニック、作曲に関して自分たちが立っていた場所を示しているんだよ。
結局のところ、”The Music of Erich Zann” はファーストアルバムの経験なしでは存在し得なかったし、”The Music of Erich Zann” なしの” Principle of Doubt” は考えられないし、そして構成で楽器をターゲットとするやり方を知らない “Dances of Death” も不可能だったろうな。全ての作品がこうやって基本的に繋がっているんだ。

Q8: Regarding prog metal, for example, bands came after you like Dream Theater, Opeth, Meshuggah have been commercially successful. What’s your perspective about their musical challenge?

【RALF】: What is success? “Dances of Death” and “The Music of Erich Zann” have, if you count all (legal) album downloads and CDs together, 150,000 sold albums meanwhile significantly exceeded. Some others albums are aspirants for this number. That’s pretty neat and already speaks for a relatively high level of awareness.
I do not know whether one of the mentioned groups – with the ecxeption of Dream Theater – come close to such sale figures. So I do not see any challenge there, not from selling and for sure not from a musical point of view.

Q8: プログメタルと言えば、後続の DREAM THEATER, OPETH, MESHUGGAH といったバンドはこの領域で成功をおさめていますよね?

【RALF】: 成功とは何だろうね? “Dances of Death” と”The Music of Erich Zann” では、すべての(合法的な)アルバムのダウンロードとCDを合計すると、150,000枚の販売を超えているんだよ。 他のいくつかのアルバムもこの数字に続いている。それってかなり素晴らしい結果で、すでに比較的高いレベルの成功をなしていると思う。
君が挙げたバンドが、DREAM THEATER を除いて僕たちの売り上げに近づいているかどうかはわからないな。だからセールスや音楽的な観点から語ることはできないね。

RALF’S LIFE CHANGING MUSIC 

To tell the truth, I never was influenced by an whole album or impressed. It’s more that single pieces influenced my musical career, and the most important one is an orchestral piece I heared by accident at the age of 15 or 16, Sergej Prokoviews 1st movement out of his 2nd symphony in d minor, the composer himself characterized it as a work of “steel and iron”. This was the first I noticed how close an orchestra with heavy brass comes to an metal group and some times even sounds harder. And it changed my way of composing radically. You may have noticed that some guitar chord melodies played in Mekong Delta songs sound like orchestral brass, for example the mid melody in “The Cure”.
Another special event happened on vacations in Spain, if I remember right I was 12 years and already played a bit bass guitar. For the first time I heared a real (!) flamenco guitar player, what impressed me deeply and finally led start me studying classical guitar.

実を言うと、アルバム全体に影響を受けたり、感銘を受けたりすることはなかったね。シングル作品がより僕の音楽的キャリアに影響を与えている。最も重要なものは、15, 6歳のときに偶然聞いたオーケストラ作品だね。Sergej Prokoviews の交響曲第ニ番の第一楽章、コンポーザーとしての彼を確立した “鋼鉄の歩み” だよ。
ブラスを伴ったオーケストラがメタルバンドにどれほど近いのか、時にはよりハードな音を出すと気づいた最初のクラッシック作品だったね。そしてそれは僕の作曲方法を根本的に変えたんだ。MEKONG DELTA の曲で演奏されるギターコードメロディーの一部は、オーケストラのブラスように聞こえるかもしれないね。たとえば、”The Cure” のミッドメロディーとか。
スペインでの休暇中に別の特別な出来事があったんだ。確か僕は12歳で、すでにベースギターを少し弾いていたんだけど、そこで初めて本物の(!)フラメンコギタープレーヤーを聞いて感銘を受け、それからクラシックギターの勉強を始めたんだ。

MESSAGE FOR JAPAN

With joy in my heart I remember my visits to Japan, the honor of seeing an original Kabuki performance, visiting the fortress in Osaka and much more that I will never forget. I want to thank all fans in Japan for their support over the years. And for the future :
there are still so many musical things to discover, so many technical boundaries to exceed and share with old and new fans ……

日本を訪ねたときのことを思い出すと楽しくなるね。歌舞伎や大阪城、他にもたくさんの思い出は決して忘れないよ。長年支え続けてくれている全ての日本のファンに感謝を伝えたいね。
未来に向けて、まだまだ開拓すべき音楽や超越すべきテクニックの壁を乗り越えて、全ての年代のファンと分かち合いたいね。

RALF HUBERT

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JASON KUI : NAKA】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JASON KUI !!

“Maybe I Am a Working Guitar Man, So I Always Get To Play Different Kinds Of Music, That Really Influences Me So Much, So That’s Why My Music Is More Diverse.”

DISC REVIEW “NAKA”

「このタイトルは日本語の “中” から取ったんだ。中とは中間とか間っていう意味だよね。それって僕のライフスタイルなんだ。僕は最近の生活の中で、全てにおいて良いバランスを探し求めているんだ。
例えば、人生と仕事、ソロ活動とお金のための音楽、テクニックとメロディーといった二律背反の中でね。全ては正しいバランスが必要に思えるね。」
tfvsjs が統べるマスロックキングダム、香港でメタリックなシュレッドを響かせる Jason Kui の魅力は日本語の “中” に集約されています。
“仕事” であるセッションミュージシャンの経験で得た卓越した技巧と音楽眼を、”人生” であるソロ作品に落とし込む。偏りすぎた天秤は、いつしか障壁を生み出すのかも知れません。つまり技巧と旋律、ロックとアウトサイドロックの絶妙なバランスは、Jason のしなやかなライフスタイルに端を発しているのです。
言い換えれば、”Naka” とはギターアルバムに付き物のエゴを一切排除した水平な天秤。Jason のニュートラルな好奇心は、楽曲全てが別の顔を持つ虹のようなレコードを完成へと導いたのです。
「僕は80年代後半に生まれたから、オリジナルのゲームボーイで育った。だから8bitは僕にとって大きな意味があるんだよ。 そして、賑やかな渋谷のホテルで書いたリフと、8bitのレトロな雰囲気を一緒にするのはクールなアイデアだと思ったんだ。」
レトロなゲームボーイとモダンなプログレッシブサウンドがクラシカルに溶け合う “Pixel Invasion” は Jason Kui に透徹する多様性の象徴でしょう。アートワークに描かれた砂漠と海、天と地、光と影のコントラストは、そのまま作品に浸透する過去と未来、技巧と旋律、優美と重厚の音狭間を反映しているはずです。
“Splash!” で ARCH ECHO や INTERVALS の血を引く近代的でポップな “Fu-djent” を披露しながら、より硬質で伝統的なフュージョン “Mean Bird” を織り込むタイムマシーンの装い。DREAM THEATER にポルカやマカロニウエスタンを移植する “Dance of Awakening The Spirit Part II, The Ballad of The Headless Horseman” の大胆不敵。さらにダンサブルなソウル/ファンク “Games Brown (Hey!)” から、フォーキーでノスタルジックな “Then and Now” へ移行する感情の津波。これほど色彩豊かなインストゥルメンタルレコードが存在するでしょうか?
フレーズの宝石箱 Andy Timmons, シュレッドの百面相 Andy James, 複雑怪奇なフュージョンキング Tom Quayle, プログメタルライジングスター Poh Hock と、モダンギターの綺羅星を適材適所に配する隠し味も見事。料理の仕上げは当然、パン屋でありプログシェフ Anup Sastry。
今回弊誌では、Jason Kui にインタビューを行うことができました。「僕が農家だとしたら、Anup は料理人さ。僕が彼にマテリアルを渡し、彼が組み立てていくんだよ。」 “Guitar Idol” や “I Am a Singer” を追っていたファンなら記憶に残っているはず。どうぞ!!

JASON KUI “NAKA” : 9.9/10

INTERVIEW WITH JASON KUI

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【JASON】: Hi all the Japanese readers. My name is Jason Kui, I was born in Hong Kong, currently living in the US. I have been playing professionally for over 10 years.
Apart from my solo project, I am also a studio session guitarist and tour as a sideman for pop stars from Hong Kong and other Asian countries.
I was always a metal/ shredding kind of guitar player when I was growing up. Until I discovered blues and funk when I was around 17.

Q1: 本誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか?

【JASON】: やあ、日本の読者のみんな!僕は Jason Kui。香港で生まれて今はアメリカに住んでいるんだ。もう10年以上、プロのギタリストをやっているよ。
ソロプロジェクト以外だと、香港やアジアのポップスターのスタジオギタリストやサイドマンをやっているんだ。
ずっとメタルとシュレッドギターを聴いて育ったね。17歳でブルースやファンクを見つけるまではね。

Q2: What inspired you to start playing guitar? Who was your guitar hero at that time?

【JASON】: Definitely Van Halen. Right Here, Right Now Live video was the reason I started guitar. Probably Paul Gilbert, Paul is always one of my guitar heroes of all time.

Q2: ギターをはじめたきっかけ、当時のヒーローを教えていただけますか?

【JASON】: 間違いなく VAN HALEN。”Right Here, Right Now” のライブビデオが僕がギターをはじめたきっかけなんだよ。ギターヒーロはたぶん Paul Gilbert だね。彼はずっと僕のヒーローであり続けているよ。

Q3: I had an interview with tfvsjs before, and they said “I guess culturally and politically we would like to identify ourselves to Hong Kong more than China.”. How about you? How is the technical/instrumental scene there?

【JASON】: Tfvsjs guys are my buddies, Anton, one of the drummers, is my drummer for my solo project other than Anup Sastry. I agree with them, as I said, I am from Hong Kong, and it’s very clear.
There are some instrumental bands like Tfvsjs, I think the math rock is very popular in Hong Kong. But not so many metal instrumental bands around.

Q3: 以前、同郷の tfvsjs にインタビューを行ったのですが、彼らは 「文化的にも政治的にも、僕らは中国より香港にアイデンティテイーがあると思うよ。」 と語っていました。あなたはどうですか?

【JASON】: tfvsjs とは仲が良いんだ。ドラマーの Anton は Anup Sastryと別に、僕のソロプロジェクトのドラマーだからね。彼らには同意するよ。僕は香港出身で、それはハッキリしておかなければならないね。
香港に tfvsjs みたいなバンドはいくつか存在するんだよ。香港ではマスロックがとても人気があるからだと思うんだけど。メタルのインストバンドはほとんどいないね 。

Q4: OK, let’s talk about your newest record “Naka”. Actually, “Naka” means “center” in Japanese, haha. But what made you choose it?

【JASON】: Yes, it’s the Japanese word, Naka. 中 means middle, in between… It’s the principle of my living style.
In my recent life, I have been looking for a good balance of everything, life vs work; solo vs paid-work; technical vs melodic. It seems everything needs a right balance.
So, the word, “naka” pretty much describes my ideal life style.

Q4: では最新作 “Naka” について話しましょう。”Naka” とは日本語で中央という意味なんですが、ご存知でしたか?

【JASON】: うん、このタイトルは日本語の “中” から取ったんだ。中とは中間とか間っていう意味だよね。それって僕のライフスタイルなんだ。
僕は最近の生活の中で、全てにおいて良いバランスを探し求めているんだ。例えば、人生と仕事、ソロ活動とお金のための音楽、テクニックとメロディーといった二律背反の中でね。全ては正しいバランスが必要に思えるね。だから、”中” って言葉はライフスタイルにかんする僕のイデアルをとても素晴らしく描写しているんだよ。

Q5: One of the greatest drummer of modern prog scene, Anup Sastry played and mixed this record. What did he bring to this record?

【JASON】: If I am the farmer, Anup will be the cook. I give him materials then he crafts them. We have been great friends since my previous album, Absence of Words, Anup played drums on the entire album. He also came to Hong Kong a few times to play shows with me. We are so close, and I know his taste of sound, plus I wanted to make a heavier album, so I asked him to mixed it as well as recording drums.

Q5: モダンプログ世界最高のドラマーの一人、Anup Sastry がプレイしミキシングも担当していますね?

【JASON】: 僕が農家だとしたら、Anup は料理人さ。僕が彼にマテリアルを渡し、彼が組み立てていくんだよ。前作 “Absence of Words” から彼とは良き友人でね。あの作品でも Anup が全てドラムをプレイしてくれたね。
彼は香港にも何度か来てくれて、僕とライブをやったんだ。とても親しいから、彼のサウンドはよく知っている。それに僕は今回、よりヘヴィーなアルバムを作りたかった。だからドラムだけじゃなく、ミキシングまで依頼したんだ。

Q6: Also, definitely incredible guitar players Joined in record. Andy Timmons, Andy James, Tom Quayle, and Poh Hock. How could you invite them?

【JASON】: It’s pretty crazy to have these incredible guitar stars on board. Many of them are already friends of mine before the recording. I met Andy Timmons couple times through Mesa Boogie’s events. We are the Boogie fellas. Mesa Boogie has been super great to me. Timmons played a beautiful, melodic solo on the title track, “NAKA”.
Then Andy James and I are the artists of a Polish cables/ Cabinets company, David Laboga aka DL Cables. When I was writng “Pixel Invasion”, I was already thinking about getting Andy to play the solo, so I reached out to David and David talked to Andy. Andy responded super fast, super professional! Of course, the solo he played was astonishing!
Then the fusion king, Tom Quayle, we met at Guitar Summit 2018 in North Carolina, USA, and we were roommates. After the Summit, we stay good friends. Tom plays a stunning solo on “Meanbird”.
Last but not least, the prog-metal young beast, Poh Hock. I met Poh Hock on Instagram, I was already a fan of his band, Native Constuct. He did a great job on “The Creator/The Destroyer”, he tastefully shredded the out hell out of it! Love it!

Q6: Andy Timmons, Andy James, Tom Quayle, Poh Hock とゲスト参加したギタープレイヤーたちも実に豪華ですね!

【JASON】: これほど驚異的なギタースターたちを招くことができるなんてちょっとクレイジーだよね。彼らの大半は、レコーディング以前から友人だったんだ。
Andy Timmons とは Mesa Boogie のイベントで何度か会ったことがあった。僕たちは Mesa Boogie の虜だから。それでタイトルトラック “Naka” で美しいメロディックなソロを弾いてくれたんだ。
Andy James とはポーランドの DL Cables を共に使用している。”Pixel Invasion” を書いている時、すでに Andy にソロを弾いてもらいたいと考えていたんだよ。だから DL Cables に連絡して、Andy にお願いしてもらった。最高に早く、最高にプロフェッショナルなレスポンスをくれたよ!!もちろん、ソロは驚異的だったね。
フュージョンキング Tom Quayle とは、2018年のギターサミットでルームメイトだったんだ。それから良い友人なんだよ。”Meanbird” のソロは最高だね。
プログメタルの若きビースト Poh Hock はインスタグラムで出会ったんだ。NATIVE CONSTRUCT の大ファンだったからね。”The Creator/The Destroyer” で素晴らしい仕事を残してくれたね。大好きなシュレッドだよ!

Q7: I feel this is one of the most colorful guitar album to date. Metal, jazz, blues, folk(“Then and Now is really emotional!), classical, etc are mixed together seamlessly. I feel your music and guitar playing is close to Intervals or Plini, but sometimes you are more eclectic. Do you agree that?

【JASON】: I love both Intervals and Plini. They inspired me a lot. Maybe I am a working guitar man, so I always get to play different kinds of music, that really influences me so much, so that’s why my music is more diverse.

Q7: メタルからジャズ、ブルース、フォークにクラッシック。”Naka” は最もカラフルなギターアルバムの一つだと感じます。例えば、INTERVALS や PLINI と比較してもよりエクレクティックですよね?

【JASON】: INTERVALS も PLINI も大好きなんだ。とてもインスパイアされているよ。多様性といえばおそらく、僕がセッションギタリストとしても働いているから、様々なジャンルの音楽をプレイするのが好きになったんだろうな。セッションプレイヤーとしての仕事にとても影響を受けているし、だから僕の音楽はより多様になったんだよ。

Q8: “Pixel Invasion” is typically, sometimes you use 8bit, video game sound in your music, right? Of course. Japan has big Anime, Game culture. Are you interested in these Otaku culture?

【JASON】: I wrote the majority of the song when I was on tour in Japan in late 2017. I was practicing at my hotel room in Shibuya. And you know Shibuya is always bustling and busy and I love it. Maybe that’s why I came up with such upbeat/ high energy riff in the intro. I am not a big anime fan or gamer, but I was young, I played Play Station all day, who doesn’t, right? haha
I was born in late 80’s, so I grew up with the original Game Boy, so the 8 bit thing means a lot to me. And I thought putting the riff I wrote in the hotel in Shibuya and the 8 bit retro vibe together was a cool idea, so I did it, and it seemed it worked! Thank you, Shibuya! hahaha

Q8: “Pixel Invasion” は象徴的ですが、あなたは時折8bitやゲーム音楽的なサウンドを楽曲に取り入れています。日本のゲームミュージックはあなたのルーツの一つなのでしょうか?

【JASON】: というより、2017年後半、日本ツアーに行った時に “Naka” の大半を書いたんだよ。渋谷のホテルの部屋で練習していたね。渋谷はいつもにぎやかで大好きなんだよ。おそらくそれが、イントロにこういった陽気で高エネルギーのリフを思いついた理由かな。アニメの大ファンではないしゲーマーでもないけれど、若いころは一日中プレイステーションをやってたりもしたね。みんなやってたでしょ? (笑)
僕は80年代後半に生まれたから、オリジナルのゲームボーイで育った。だから8bitは僕にとって大きな意味があるんだよ。 そして、渋谷のホテルで書いたリフと8bitのレトロな雰囲気を一緒にするのはクールなアイデアだと思ったんだ。上手くいったみたいだね! ありがとう、渋谷!ははは!

FIVE ALBUMS THAT CHANGED JASON’S LIFE

MR. BIG “LEAN INTO IT”

DREAM THEATER “METROPOLIS PT 2: SCENES FROM A MEMORY”

JEFF BUCKLEY “GRACE”

DEATH CAB FOR CUTIE “PLANS”

JOHN MAYER “CONTINUUM”

MESSAGE FOR JAPAN

I hope to go back to Japan and play my new music for you soon. In the meantime, stay safe! I love you, Japan. Arigatou Gozaimasu!

すぐ日本に戻って新たな音楽をみんなに演奏したいよ。それまで健康でいてね。愛してるよ、日本!ありがとうございます。

JASON KUI

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PROSTHETIC RECORDS

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ULCERATE : STARE INTO DEATH AND BE STILL】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JAMIE SAINT MERAT OF ULCERATE!!

“We Knew Early On That We Needed To Capitalise On a Far Greater Sense Of Melody Than We Ever Had Before, And Really Challenge Our Own Intuitions.”

DISC REVIEW “STARE INTO DEATH AND BE STILL”

「早い段階で、これまでよりもさらに強くメロディのセンスを活用して、自分たちの直感に挑戦する必要があると気付いたんだ」
テクニカルかつアトモスフェリックなデスメタルとして高い評価を得ているUlcerate。その6作目となる『Stare Into Death And Be Still』は、彼らにとっては挑戦的な作品となりました。20年以上のバンド生活で養った本能は、いつしか「混沌」や「醜さ」「汚さ」に偏っていたようです。その偏りを「雪崩のように大量の素材を書いては捨てた」ことで洗い流したあとに芽生えてきた、異質なリフやパターン。そこには「力」や「美しさ」「明瞭さ」がはっきりと宿っていました。
彼らはその異質さをしっかりと捉え、さまざまな角度から強化していきます。もっともわかりやすいのがプロダクションの方向性でしょう。「今回のライティングとプリプロダクションの哲学は、混沌よりも力を優先すること」。そう語るJamieのことば通り、本作の音は明瞭で太く、暖かみさえ感じます。また、彼のドラミングにも変化がありました。メタルからジャズ、ファンクと、さまざまなジャンルのドラマーからそのスタイルを吸収してきたエクストリームメタル界きっての名手の彼ですが、本作では人生の大半をかけて磨いてきたそのテクニックを抑制し、曲そのものを活かすパフォーマンスを志向したのです。
彼らにとっては挑戦的なこうした変化は、リスナーにとってはむしろ“親しみやすい”作風に変化したと感じられるかもしれません。ただし、その親しみやすさは『Stare into Death and Be Still』というタイトルに接続しています。「死への畏敬」。死は常に突然に、暴力的にやってくるものではなく、ときには冷静にはっきりと観察せざるを得ない。そうした「穏やかな恐怖」とでもいうべき感情が、そしてそれに立ち向かうための意志が、「混沌」から「力」へと向かった彼らの作品には宿っています。
「もし『音としてはよいが意味がわからない』歌詞だったり、テキストとしては出来がよくてもフレーズがひどい歌詞だったりしたら、何の役にも立たないからね」。その通り、本作のテキストとそのサウンドは、楽曲と高度に一致しています。
このように、彼らは各要素を綿密に調整して作品を作っています。しかし、その綿密さは、あくまで彼らの精神と肉体から生み出されたものでなければなりません。「自分が演奏しているものが最終的な品物であること意識する」。コンピューターによる演奏の修正や数値管理を否定し、ライン入力ではなく部屋録りを志向する彼らの作品が、整理されたテクニカルさではなく、うねるようなグルーヴと、真に迫るアトモスフィアをまとっているのはうなずけます。
曲、歌詞、演奏、レコーディング、プロダクション……彼らの哲学のもとに、それらすべてが生々しく一体化したデスメタルの名盤がここに誕生しました。今回弊誌では、ドラマーのJamie Saint Meratにインタビューを行うことができました。「完璧は芸術の敵だ」。どうぞ!

WORDS & INTERVIEW BY 江戸大  (DECAYED SUN RECORDS )

ULCERATE “STARE INTO DEATH AND BE STILL” 10/10

INTERVIEW WITH JAMIE SAINT MERAT

Q1: I found this album to be smoother in its flow than before, while still maintaining a meticulous and complex structure. “Shrines of Paralysis” was more straightforwardly melodic than before, but this album is more “melodic” in composition itself… you mentioned in an interview on “Shrines of Paralysis” that this kind of musical development happens “naturally”. Can you tell us some of the events and creations that you and the other members were particularly interested in during the production so that we can capture a bit of that “natural”‘s background? And why have they attracted your attention?

【JAMIE】: We’ve been writing music together for the better part of 20 years now, so when I say ‘natural’ I’m meaning it’s instinctual. But when it came to this sixth album, we actually approached it from a completely different angle. We knew early on that we needed to capitalise on a far greater sense of melody than we ever had before, and really challenge our own intuitions. So for the first 6-8 months of 2018 we went into experimentation mode, to really push ourselves out of our comfort zones. An avalanche of material was written and ultimately thrown out, as we strived to find the right balance of filth and clarity – knowing when to pull back and when to go for the throat. But eventually riffs and patterns started to emerge that felt very unique, and a little alien for us – and it was these first moments of clarity that set the tone and pace for the writing and pre-production throughout 2019.

Q1: 本作は、綿密で複雑な構成を維持しながら、従来よりもその流れがスムーズだと私は感じました。前作『Shrines of Paralysis』は従来よりもストレートにメロディが表現された作品でしたが、本作は構成そのものが「メロディック」とでも言いますか……
あなたは前作のインタビューでこのような音楽的発展が「自然」に起きていると話していました。その「自然」の背景を少しでも私たちが捉えられるように、制作中にあなたや他のメンバーが特に関心をもっていた出来事や創作物をいくつか教えていただけますか?また、それらはなぜあなたがたの関心を惹いたのでしょうか?

【JAMIE】: メンバーとはもう20年以上も一緒に音楽を作っているから、「自然」は「本能的」と言い換えることもできる。ただ、今回の6枚目のアルバムに関しては、実はまったく違う角度からアプローチしている。早い段階で、これまでよりもさらに強くメロディのセンスを活用して、自分たちの直感に挑戦する必要があると気付いたんだ。だから、2018年の最初の6~8ヶ月間は実験モードに入って、自分たちのコンフォートゾーンから自分たちを押し出すことにした。
汚さと明瞭さのちょうどよいところを見つけるため、つまりいつ引いていつ喉元に食らいつくのかを知るために、雪崩のように大量の素材を書いては捨てたよ。最終的に、非常にユニークで、私たちにとっては少し異質な感じのするリフやパターンが現れ始めた。それが、ライティングとプリプロダクションのトーンとペースが決まった、2019年の最初の明快な瞬間だった。

Q2: The mix and production of this album is excellent. It has both the clarity that conveys the detailed expression of the performance and the raw unity that seems to assault the dense space. In my opinion, the sound of the past work has been in a direction where the aggression of each instrument is prominent (for example, the drums are very loud). Can you tell us what your intentions were in regards to the sound of this album?

【JAMIE】: I’d say your characterisation there is actually totally accurate. And as I mentioned earlier – it’s always about constantly finding that fine line between beauty and ugliness. Both ‘Vermis’ and ‘Shrines…’ were intentionally produced and mixed very much so on the uglier side of the spectrum – yet this time around it was a completely different approach. The philosophy with both the writing and pre-production was power over chaos, and I didn’t want any details to be obfuscated as they have been in these prior albums – that kind of an approach wouldn’t benefit this new material at all (all avenues were explored during pre-production to find the best ‘fit’).

Q2: 本作のミックスやプロダクションはすばらしいです。細かい演奏の表情が細かく伝わる明瞭さと、密度のある空間が襲い掛かってくるような生々しい一体感を両立しています。過去の作品のサウンドは、各楽器の攻撃性が際立つような方向性だったように思います(たとえば、ドラムの音量はとても大きいです)。
本作のサウンドについて、あなたがたがどのような意図を持っていたのか教えていただけますでしょうか?

【JAMIE】: 君の言ったサウンドの特徴は完全に正しい。先ほども言ったが、美と醜の間にある微妙なラインをずっと模索していた。『Vermis』や『Shrines of Paralysis』は、意図して大幅に醜さに寄せて編集・ミックスをしたが、今回は全く違うアプローチを取った。
今回のライティングとプリプロダクションの哲学は、混沌よりも力を優先すること。これまでのアルバムのように細部が不明瞭になるのは避けたかったんだ。従来のアプローチは、今回の新しいマテリアルには似つかわしくなかっただろう。最高の「フィット感」を見つけるために、プリプロダクション中あらゆる道筋を模索したよ。

Q3: What is your philosophy as a mixer/arranger/producer? It seems that today’s DAWs are capable of doing roughly everything an artist can think of. In that context, what edits did or did not you make to the album? And what were the thoughts behind that decision?

【JAMIE】: My thinking when it comes to production for this style of music is that you should leverage a DAW as little as possible. If you’re doing electronic music then that’s a completely different ballgame. But any style of music that is predicated on humans playing instruments where you need to capture attitude and spirit shouldn’t be even remotely looking towards these all-too-common techniques. So I stay far away from fixing performances, and any sort of quantisation etc. I’ve always wanted to capture performances as they are, using real drums, real amps. I like to get tones in the room and commit, so I never take DI’s for example. The spontaneity and adrenaline of knowing that what you’re playing is the final product I think greatly aids performances. Perfection is the enemy of art.

Q3: あなたのミキサー/アレンジャー/プロデューサーとしての哲学を教えてください。
現在のDAW(※1)は、アーティストが考えうるおおよそすべてのことが実現できるように思います。その中で、あなたは本作でどのような編集を行った、または行わなかったのでしょうか。そして、その判断の背景にはどのような考えがあったのでしょうか?

【JAMIE】: このスタイルの音楽を作るようになって以来、DAWはできるだけ活用するべきではないと考えている。もちろん、エレクトロニック・ミュージックを作るのであれば、まったく話は変わってくる。しかし、人間が楽器を演奏することを前提とし、哲学や精神をとらえる必要がある音楽スタイルでは、そういったありふれたテクニックに目を向けるべきではない。だから、私は演奏の修正や、あらゆる種類の定量化からは距離を置いている。いつだって、本物のドラムやアンプを使って、ありのままのパフォーマンスを捉えようとしてきた。部屋録りで得た音色を入力するのが好きなんだよ。だから、たとえばDI(※2)は絶対に使わない。自分が演奏しているものが最終的な品物であること意識する。それによって得られる自発性とアドレナリンは、パフォーマンスの大きな助けとなると考えている。完璧は芸術の敵だ。
※1 DAW:音楽制作ソフトの総称。
※2 DI(ダイレクト・ボックス):ギターやベースなどを直接DAWに接続して録音する場合に使う機器 。

Q4: Were there any changes from the last album in terms of the production process, equipment and software?

【JAMIE】: From an audio perspective, not so much. We always like to vary the instrumentation from album to album, be it cymbal choices, amp and cabinet combinations etc. But for the most part mic selections and preamps are almost identical between this album and ‘Shrines’ for example. I know what works well for us, and am more interested in changing tones at the source than trying to shape things with mic selections for example.

Q4: 制作のプロセスや機材、ソフトウェアに関して、前回のアルバムから変わった点はありましたか?

【JAMIE】: オーディオという点では、それほどやり方は変わってはいない。もともと、アルバムごとに機材を変えるのが好きだからね。たとえばシンバルの選択、アンプやキャビネットの組み合わせなどだ。
一方で、マイクやプリアンプは『Shrines of Paralysis』と今回のアルバムではほとんど同じものを使っている。このバンドで何がうまく機能するかは分かっているし、たとえばマイクの選択などでサウンドを形作るよりも、もとの音色を変えるほうに興味があるね。

Q5: Your drumming is one of Ulcerate’s big draws, as it flexes and shrinks while maintaining strength. In addition to that, simple structured beats, tight syncopation, and marching rhythms appear on this album (like “Exhale the Ash” and “There is No Horizon”). You profess to be influenced by various styles of drummers outside of metal, such as jazz and funk. What new drum playing and styles did you explore between “Shrines of Paralysis” and “Stare into Death and Be Still”? And how is that reflected in this album?

【JAMIE】: I can’t really pinpoint anything specifically – I’ve been obsessed with drums most of my life, and my ears are always open. I guess a fairly drastic shift with this album has been a very conscious decision to reign things in a little to serve the riffs in a more direct way. So not being afraid to introduce back beats for example where they’re absolutely required, which I’ve definitely stayed away from in the past. Mostly I’m just becoming more and more interested in how drums serve songs, and trying to draw myself out of a drum-centric approach. There’s a lot of moments on this album where I rearranged parts to be a lot simpler than they first were to heighten the overall impact of the entire orchestration.

Q5: 強度を保ちながら柔軟に伸び縮みするようなあなたのドラミングは、Ulcerateの大きな魅力のひとつです。本作では、従来のうねりながら躍動するプレイに加えて、シンプルな骨格のビートや、タイトなシンコペーションが目立ちます(「Exhale the Ash」や「There is No Horizon」など)。マーチングのようなリズムも登場しますね。
あなたはメタル以外にもジャズやファンクなど、さまざまなスタイルのドラマーからの影響を公言しています。『Shrines of Paralysis』から本作『Stare into Death and Be Still』までの間に、新たにどのようなドラムプレイやスタイルを探求しましたか?そして、それはどのように作品に反映されているのでしょうか?

【JAMIE】: 具体的に何と特定することはできない。人生の大半をドラムに捧げ、さまざまなプレイに耳を傾けてきたからね。
今回のアルバムでは、リフをより直接的な形で表現するために、控えめなプレイをかなり意識した。それが劇的な変化をもたらしたんだろう。たとえば、バックビートは、絶対に必要だという場面でも、以前ならまず使うのを避けていたが、今回は臆せずに使うようにした。
曲のためにどうドラムを役立てるかにますます興味を持つようになったし、ドラム中心のアプローチから抜け出すよう試みている。今回の作品では、全体の演奏のインパクトを高めるために、当初の演奏よりもかなりシンプルにアレンジしたパートがたくさんある。

Q6: If you had to say “that’s my drumming” to other people, especially non-metal lovers, to listen to Ulcerate, which part of the song would you choose and why?

【JAMIE】: The mid-section of ‘Drawn into the Next Void’ and perhaps the intro section of ‘Visceral Ends’ I think showcases some more ‘relatable’ drumming that doesn’t rely on blast beats or other metal-specific techniques, which are often extremely alien and confronting to untrained ears.

Q6: もしあなたが「これが私のドラムプレイです」と他人にUlcerateを聞かせるとしたら、本作のどの曲のどの部分を選びますか?

【JAMIE】: 「Drawn into the Next Void」の中盤や「Visceral Ends」のイントロでは、ブラストビートやメタル特有のテクニックに頼らない、より「親近感の持てる」ドラミングを披露していると思う。メタル特有のテクニックは、訓練されていない耳にとっては本当に異質で、負担になるだろうからね。

Q7: Throughout your explorations as a drummer so far, I think you’ve learned a lot of expressions that wouldn’t have suited Ulcerate. Have you ever thought about starting a project that would adequately represent your non-metal side of things?

【JAMIE】: Yeah for sure – we all have various side-projects outside of Ulcerate where we explore other means of expression.

Q7: これまでのドラマーとしての探求を通して、Ulcerateには似合わないような表現をあなたはたくさん習得したと思います。あなたのメタル以外の側面を十分に表現できるようなプロジェクトを始めようと思ったことはありますか?

【JAMIE】: もちろん、私たちは全員、さまざまな表現を探求するための、Ulcerate以外の多様なサイドプロジェクトを持っている。

Q8: Part of Ulcerate’s appeal is that its musicality and lyrics are highly aligned. How does it come into being? Is it entirely the work of Paul? Or do you ever receive a lyrical theme from Paul while working on a song and come up with new musical ideas?

【JAMIE】: The music is always composed and arranged first, after which Paul will draft up initial lyric ideas and arrangements. We’ll then take these first ideas and start pre-producing them immediately over the pre-recorded track so see how things shape up. It’s here we’ll quickly find out what’s working in terms of how the lyric fits the part, the enunciation, rhythms etc. And we’ll all feed back at this stage, even at the level of how words fit and sound in sentences. It’s of no use to anyone if you have lyrics that ‘sound’ great but make no sense, or lyrics that on paper read well but phrase terribly against the music.

Q8: Ulcerateは音楽性と歌詞が高度に一致していることも魅力のひとつですが、その一致はどのようにして生まれているのでしょうか?完全にPaulの手によるものですか? 制作中にPaulから歌詞のテーマを受け取って、新しい音楽的アイデアが思い浮かぶことはありますか?

【JAMIE】: つねに最初に作曲とアレンジを行い、その後にPaulが歌詞とアレンジを下書きしていく。それからすぐ、そのアイデアをもとに、録音したトラック上でプリプロデュースを始めて様子を見る。
ここで、歌詞とパートのフィット感や、発音、リズムなどで、うまくいっている部分が明らかになる。この段階で、単語が文章にどのようにフィットしているか、どのように聞こえるかというレベルでも、フィードバックをしていく。
もし「音としてはよいが意味がわからない」歌詞だったり、テキストとしては出来がよくてもフレーズがひどい歌詞だったりしたら、何の役にも立たないからね。

Q9: This release is on Debemur Morti Productions, can you tell us why you left Relapse and signed with Debemur Morti Productions out of the many labels out there? Was it simply because they were attractive as business partners? Or was it because their label colors, which featured many of the atmospheric and inventive black metal (or adjacent textures) artists represented by Blut Aus Nord, suited the current Ulcerate?

【JAMIE】: Debemur Morti is a perfect artistic and conceptual alignment for us at this stage in our career. Relapse has always treated us exceptionally well – extremely respectful and professional, and the team that we worked with there are great people. But when it came time to start thinking about renewing our contract with them or potentially look elsewhere, it was really a matter of considering what’s best for the art. We have a ‘big’ enough profile within our niche that to me the size of the label doesn’t matter – it’s the level of quality and aesthetic attention to detail. DMP had actually reached out to us around the time of ‘Vermis’ and they’ve always been in my peripheral view. After some great discussions with label owner Phil it became clear that this was a perfect match for us moving forward.

Q9: 本作はDebemur Morti Productions(以下DMP)からの発売となりました。名門Relapseから離れ、数あるレーベルの中でDMPと契約した理由を教えていただけますでしょうか?
単にビジネスパートナーとして魅力的だったからでしょうか? それともBlut Aus Nordを代表とするアトモスフェリックかつ独創的なブラックメタル(あるいはそれに隣接した質感の)アーティストを数多く扱うレーベルカラーが、現在のUlcerateに合っていたからでしょうか?

【JAMIE】: DMPは、私たちの今のキャリアにとって、芸術的にもコンセプト的にも完璧な調整をしてくれた。もちろん、Relapseは常に私たちを良く扱ってくれていた。敬意をもっていて、プロフェッショナルで、一緒に仕事をしたチームは人たちは皆素晴らしかった。ただ、契約更新のタイミングで、私たちの表現にとって何がベストなのかを最重要視して再考した。このニッチな分野では、私たちは十分「ビッグ」な経歴を持っているから、レーベルの規模は問題ではなかった。品質と、細部に至るまでの審美眼が重要だったんだ。
実は、DMPからは『Vermis』の頃に連絡をもらっていたし、彼らはずっと私たちのことを気にかけてくれていた。レーベルのオーナーであるPhilと話し合った結果、DMPが今後の活動に完璧にマッチしていることがはっきりしたんだ。

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DEBEMUR MORTI PRODUCTIONS
DECAYED SUN RECORDS

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【GREEN CARNATION : LEAVES OF YESTERYEAR】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH KJETIL NORDHUS OF GREEN CARNATION !!

“In Some Ways We Are a “Child” Of that Norwegian Black Metal Era. Through The Years, Many Of Those Early Black Metal Bands Have Changed Quite a Lot, Developing Their Music And Bringing In Other Influences.”

DISC REVIEW “LEAVES OF YESTERYEAR”

「”Light of Day, Day of Darkness” は多くの点で “すべてを備えて” いるよね。まさに過剰な創造性だったよ。そして幸運にも僕たちはすべてをまとめて、音楽の長いリストとしてだけじゃなく1つの曲として見られるように仕上げることができたんだ。」
ノルウェーの闇皇帝 EMPEROR にも血を分けた Tchort 率いる翠色のカーネーションは、00年代に咲いたプログメタルの徒花にも思えました。しかし、音花のラボラトリーで生育された越境の種子は後続の遺伝子へと刻まれ、14年の時を経て遂に GREEN CARNATION 本体の再生をも誘ったのです。
インタビューに答えてくれた GREEN CARNATION の声、Kjetil が初めてバンドに加わった “Light of Day, Day of Darkness” は当時の常識をすべて覆すような異端の書でした。娘の逝去と息子の誕生を同時に体験した Tchort の感情もとにした闇と光の生命譚は、60分で一曲を成す異形の姿を誇っていました。
「最も重要なのはムードとアトモスフィアだからね。実際、”Light of Day, Day of Darkness” の大半かプログレッシブに属するなんて誰もが言えないだろう。僕たちの音楽には酩酊するような要素、ヘヴィーな要素、ドゥーミーな要素など、他にもたくさん存在するからね。」
サックスやシタール、クワイア、それに600を超えるサンプルまで使用して、ブラック、デス、プログはもちろんフォークからゴス、ドゥームまで縦横無尽に敷き詰めた音の絨毯は、ある意味ステレオタイプが定着してきた当時のプログメタル世界を震撼させたのです。
「このアルバムで僕たちにとって最も重要なことの1つは、GREEN CARNATION 最高の面をすべて1つのアルバムに取り込むことだったね。解散以前は5枚のアルバムで何度も実験を繰り返したんだけど、すべてのアルバムに “典型的なグリーンカーネーションの瞬間” があったわけさ。」
目眩く音旅を経て、経済的な不遇とモチベーションの喪失により2007年に活動を休止した GREEN CARNATION。しかし、マイルストーン “Light of Day, Day of Darkness” のワンオフショウを契機として再び翡翠の撫子に血が通い始めます。
5曲45分。最新作 “Leaves of Yesteryear” に純粋な新曲は3曲しか収録されていません。残りの2曲は “My Dark Reflections of Life and Death” の再録と BLACK SABBATH “Solitude” のカバー。しかし、過去曲の再訪を含め、この内容に不満を感じるファンはいないでしょう。
プログメタルでストーリーテリングを行う翡翠の煌めきは、14年の時を超えて成熟を導き一際その輝きを増していました。エピックという過去の忘れ物を取り戻すタイトルトラック、”Leaves of Yesteryear” には、たしかに ULVER, ENSLAVED, ANATHEMA, CANDLEMASS, KATATONIA といった異端メタルの巨人に宿る耽美や重厚、荘厳を想起させながら、より純粋化したプログメタルを紡ぐバンドの知性と哲学が込められています。
クラッシックロックへの憧憬を湛えた “Sentinels” のアラベスクな旋律、記憶に残るリフワーク、70年代に根ざす鍵盤の香りはまさにロックの黄金律。そうして輪廻の導きのもと、作品はよりドラマティックによりプログレッシブに生まれ変わった16分のセンターピース “My Dark Reflections of Life and Death” で “GREEN CARNATION 2020” の壮大を存分に見せつけるのです。
今回弊誌では、不世出のシンガー Kjetil Nordhus にインタビューを行うことができました。「ある意味僕たちはあのノルウェーブラックメタルシーンの “子供” なんだよ。あれから何年にもわたり、初期のブラックメタルバンドの多くは大きな変化を遂げ、音楽を発展させ、他からの影響をもたらしたね。
たとえば、最近 ULVER のファンになった人は、最初のアルバムを聴くとかなりショックを受けるはずだよ。もちろん、僕たちだってジャンルや影響に関して実験的なバンドだしね。 」 どうぞ!!

GREEN CARNATION “LEAVES OF YESTERYEAR” : 9.9/10

INTERVIEW WITH KJETIL NORDHUS

Q1: First of all, it’s really hard time now due to corona virus, especially musical industry. As a musician, and as a person, how do you spend your corona crisis days? What’s your thoughts on the current global situation?

【KJETIL】: When this first hit us, nobody really understood the level in which this would actually influence our lives, and to a certain degree I still think that is the case. This is not specific for musicians, because I think everybody is facing many of the same challenges, but for us it is the uncertainty which is the most challenging. We are not sure when it is ok to get back to “normal”, which in many ways puts everything on hold. Personally I am healthy, and have been able to adjust my life to this new situation in a better way than I thought I would. My days are quite the same, home office during daytime, and working with the band in the evenings. Plus I try to have a long walk in the woods or by the sea every day to help me not going insane.

Q1: コロナウイルスが世界を脅かし、特に音楽産業にとっては厳しい局面です。まず、ミュージシャンとして、1人の人間として、このコロナ危機をどのように過ごしているのか教えていただけますか?

【KJETIL】: 最初にこのウィルスが現れた時、実際私たちの生活にどれほど影響を与えるのか理解した人はいなかったよね。とにかく、ミュージシャンだけの問題じゃないのは確かさ。誰もが同じように多くの難問に直面しているからね。だけど僕たちアーティストにとっては、不確実性が最大の難問なんだよ。いつ「通常」に戻れるのかわからないからね。だから全てが保留にされてしまう。
個人的には健康だし、自分が思うよりも上手く新しい状況に人生を適応させることができたかな。僕の日常は変わっていないよ。昼間はホームオフィスで、夜はバンドと仕事をしているからね。加えて、毎日森や海で長い時間散歩をして、狂ってしまわないようにしているよ。

Q2: I love Trail of Tears records you were involved in. And of course, Tchort played in Emperor. Definitely, there were incredible metal scene in Norway at that time. Do you think Green Carnation born from revolutionary Norwegian Black metal community somehow?

【KJETIL】: There are some obvious links in personell from Green Carnation and back to the black metal community, and not only Emperor, but In The Woods, Satyricon and Einherjer too. So in some ways we are a “child” of that era. Through the years, many of those early black metal bands have changed quite a lot, developing their music and bringing in other influences. For example new fans of Ulver will probably be quite shocked with listening to their very first albums. We have, of course, also been a band that has been experimental with it comes to genres and influences. Maybe it is a sign of something maturing, and in that sense we are still in good company with many other great Norwegian bands.

Q2: あなたが参加していた TRAIL OF TEARS のレコードは私のお気に入りでしたよ。Tchort は EMPEROR でプレイしていましたし、GREEN CARNATION はある意味、ノルウェーのブラックメタルコミュニティーから生まれたとも言えるのでしょうか?

【KJETIL】: GREEN CARNATION とブラックメタルコミュニティの個人的な繋がりは EMPEROR だけじゃなく、IN THE WOODS, SATYRICON, EINHERJERとも明らかなリンクがあるんだからね。
だから、ある意味僕たちはあの時代の “子供” なんだよ。あれから何年にもわたり、初期のブラックメタルバンドの多くはかなり変化を遂げ、音楽を発展させ、他からの影響をもたらしたね。たとえば、最近 ULVER のファンになった人は、最初のアルバムを聴くとかなりショックを受けるはずだよ。もちろん、僕たちだってジャンルや影響に関して実験的なバンドだしね。
多分それはある種成熟の証であり、その意味でも僕たちはいまだ他の多くの素晴らしいノルウェーのバンドと良い関係にあるわけさ。

Q3: Your first Green Carnation record “Light of Day, Day of Darkness” was one of my favourite at that time. It was really revolutionary record, you know, It is composed of a single 60-minute track and combined many different non-metal instruments like sitar and saxophone, right? Looking back now, what was the record to you?

【KJETIL】: Light of Day, Day of Darkness is still a very special album for all the members of the band, and of course for many people around the world too. This was actually my very first album as a singer. Tchort contacted me a few months before the recording and asked me if I would be interested in joining the band, said it was an ambitious album project, but I had absolutely no idea then how stupidly ambitious it actually was. That album “has it all” in many ways, it was an overdose of creativity, and luckily we managed to put it all together so it can be seen on as one song, and not just a long list of musical themes.

Q3: あなたが初めて GREEN CARNATION に参加した “Light of Day, Day of Darkness” は革命的なレコードでしたね。60分一曲勝負で、シタールやサックスまで使用しユニークな独自の世界を築いていました。

【KJETIL】: “Light of Day, Day of Darkness” は今でもメンバー全員にとってとても特別なアルバムだよ。もちろん、世界中たくさんの人がそう思ってくれていることも知っているよ。
実は、あの作品は僕にとってシンガーとして初のアルバムだったんだ。Tchort がレコーディングの数ヶ月前にバンドに誘ってくれたんだけど、実に野心的なプロジェクトだと語っていたね。だけどあの時僕は、それが実際にどれほど馬鹿げているほど野心的であるか全くわかっていなかったのさ。
あのアルバムは多くの点で “すべてを備えて” いるよね。まさに過剰な創造性だったよ。そして幸運にも僕たちはすべてをまとめて、音楽の長いリストとしてだけじゃなく1つの曲として見られるように仕上げることができたんだ。

Q4: Green Carnation has been labeled as prog metal, but you’ve mixed and moved toward folk, gothic, doom elements and created original soundscape. Did you think you were “prog” at that time?

【KJETIL】: Although we, as a band, has never been too interested in the name of the genres we work within (for us, the mood and atmosphere are the most important elements), nobody can say that Light of Day, Day of Darkness in so many was is a progressive album. I still think we have a lot of groggy elements in our music, heavy elements, doomy elements and much more. But I think the combination of it all actually is the thing that makes our music sound like Green Carnation.

Q4: GREEN CARNATION には当初からプログメタルのラベルが貼られてきました。ただバンド自体はその場所から、フォーク、ゴス、ドゥームなどをミックスして唯一無二のサウンドスケープを創造しています。

【KJETIL】: バンドとして僕たちは、ジャンルの名前にこだわりすぎたことはないんだ。最も重要なのはムードとアトモスフィアだからね。
実際、”Light of Day, Day of Darkness” の大半がプログレッシブに属するなんて誰も言えないだろう。僕たちの音楽には酩酊するような要素、ヘヴィーな要素、ドゥーミーな要素など、他にもたくさん存在するからね。それらを組み合わせることで、僕たちの音楽は GREEN CARNATION として聴こえるようになるんだよ。

Q5: Your first albums in 14 years, “Leaves of Yesteryear” has released. 14 years! Why did it take so long to release a new album after the disbanded?

【KJETIL】: Most importantly, we were gone for most part of 10 years. We did get back together for one concert in 2014, and it was that experience which inspired us to do our big comeback year in 2016. It wasn’t before 2017 that we decided to try and make new music, and this album took us around two years to finish. Why? Because this needed to be exactly the right album for us to release after 14 years. It needed to include the right elements, and not least, it needed to be very, very good. It wouldn’t make too much sense to release something after such a long time without it being the maximum of what we could do.

Q5: “Leaves of Yesteryear” はバンドにとって実に14年ぶりのアルバムとなりました。

【KJETIL】: 最も重要な事実は、この10年ほとんどの間、僕たちは解散していたということだよね。2014年に一度だけコンサートを行い、その経験が2016年を大きなカムバックの年として迎えるきっかけになったんだ。
新しい音楽を作ろうと決心したのは2017年のことだったね。そしてこの作品を制作するのに2年かかった。なぜかって? 14年という長い月日の後、リリースするのにぴったりのアルバムである必要があったからだよ。
正しい要素を含める必要があったし、特別非常に優れている必要があったわけさ。最高の作品じゃなきゃ、長い時間の後に出すものとしてはあまり意味がないよね。

Q6: The title “Leaves of Yesteryear” reminds me kind of “return to roots” or “revisiting the past”. Revisiting “My Dark Reflections of Life and Death” and covering Black Sabbath’s “Solitude” seem to prove it, do you agree that?

【KJETIL】: One of the most important thing for us with this album, was to bring in all the best sides of Green Carnation in one album. Our first period saw us experimenting a lot through 5 albums, but on all of the albums there were “typical Green Carnation moments”. And having let those elements mature through 10-15 years, and with us having developed a human beings and musicians in the same period, it was all about to get the perfect mix, and wrap it into something that could represent Green Carnation anno 2020 in a perfect way.

Q6: アルバムタイトルやファーストアルバムに収録されていた “My Dark Reflections of Life and Death” の再録、さらに BLACK SABBATH “Solitude” のカバーを鑑みれば、この作品がある種ルーツへの回帰や過去への探訪の役割を担うのではと想像するのですが。

【KJETIL】: このアルバムで僕たちにとって最も重要なことの1つは、GREEN CARNATION 最高の面をすべて1つのアルバムに取り込むことだったね。解散以前は5枚のアルバムで何度も実験を繰り返したんだけど、すべてのアルバムに “典型的なグリーンカーネーションの瞬間” があったわけさ。
そしてそれらの要素を10~15年間熟成させ、人間として、ミュージシャンとして成熟したおかげで、キャリアの完璧なミックスを得て、GREEN CARNATION 2020 として完璧な方法で表現することができたんだ。

Q7: When I listen to “Leaves of Yesteryear”, I feel some coincidental synchronicity with Enslaved from the same country. You two become more epic, more melodic, and more progressive than your black/death metal early days. Both of vocalists are sometimes really ethereal. Do you feel empathy with them?

【KJETIL】: Yes, very much. They are good friends of mine, and I respect their art a lot. They have too developed a lot as a band, and for me, Enslaved is a band that is just getting better and better, more and more interesting.

Q7: “Leaves of Yesteryear” を聴いていると、同郷 ENSLAVED との不思議なシンクロニシティーを感じます。どちらもブラック/デスメタルの原点から、よりエピック、よりメロディック、よりプログレッシブな世界を築き上げてきましたね?

【KJETIL】: うん、本当にそう思うよ。彼らは僕の良い友人だし、何より彼らのアートをリスペクトしているんだ。彼らはバンドとしてとても改良を重ねているよね。どんどん良くなっているし、僕にとってどんどん興味深い存在となっているんだ。

Q8: In this 14 years, some black, doom, prog metal bands took metal to another realm, like Deafheaven, Pallbearer, Alcest, Yob, Gojira. I feel you are the pioneer of such a modern metal movement, right? What’s your perspective about their diversity?

【KJETIL】: Those are huge words, but many of the bands you mention are among my favourites the last few years. Whether or not we are pioneers or not is not up to us to decide, but I like the idea of bands mutually inspiring each other.

Q8: この14年の間に、ブラック、ドゥーム、プログメタルの新鋭はメタルを別の次元へと誘っています。DEAFHEAVEN, PALLBEARER, ALCEST, YOB, GOJIRA といったバンドたちですよ。GREEN CARNATION は彼らの多様性を先駆けていたようにも思えますね。

【KJETIL】: 大きな賛辞だね。実は君が挙げたバンドの多くは、ここ数年僕のお気に入りなんだよ。僕らがパイオニアかどうかを決めるのは自分たちじゃないけど、バンドが互いにインスパイアされながら成長を遂げるって考え方は好きだね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED KJETIL’S LIFE

TOM WAITS “RAIN DOGS”

FAITH NO MORE “ANGEL DUST”

ANATHEMA “ALTERNATIVE 4”

THE BEATLES “REVOLVER”

RADIOHEAD “OK COMPUTER”

MESSAGE FOR JAPAN

Well, I think this was my very first interview in Japan, and I enjoyed it a lot. Thanx to Sin for reaching out to us. Japan is one of the countries that we in Green Carnation has always had an ambition to visit. Impossible to say if that is ever going to happen, but if someone invites us, we will most definitely try to make it happen. Stay safe and healthy!

日本に向けた初のインタビューでとても楽しめたよ。GREEN CARNATION は日本にいつも行きたいと思ってきたんだ。実現するかはなんとも言えないけど、招待してくれるなら必ず実現に向けて動くよ。Stay safe and healthy!

KJETIL NORDHUS

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SEASON OF MIST

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ORANSSI PAZUZU : MESTARIN KYNSI】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ONTTO & EVILL OF ORANSSI PAZUZU !!

“When I Say Progressive, I Mean That In The Literal Sense, Thinking About Music That Has The Idea Of Exploration At Heart. We Are Not Doing a Prog Tribute. Not Following Anyone Else’s Path, But Making Your Own Path.”

DISC REVIEW “MESTARIN KYNSI”

「僕たちにとって、プログレッシブとは1つのジャンルに誠実でいることではなく、ジャンルを旅して新たな音の次元へと進んでいくことなんだ。そして僕はプログの巨人たちが、当時同じようなアイデアを持っていたと確信しているんだよ。」
古の巨人とその探究心を共有するフィンランドの哲音家、サイケデリックブラックマスター ORANSSI PAZUZU。ジャンルを巡るバンドの旅路は最新作 “Mestarin Kynsi” (マスターの爪) において一際ブラックメタルの暗黒宇宙を飛び出し、プログレッシブ、クラウトロック、アシッドハウス、ジャズ、アヴァンギャルド、ミニマル、ノイズの星々を探訪する壮大なる狂気の音楽譚へと進化を遂げています。
「ORANSSI PAZUZU という名前は、僕たちの音楽に存在する二元的な性質を表すため選んだんだ。サイケデリックなサウンドと70年代スタイルのジャムベースなクラウトロックの探検を、ブラックメタルに取り入れたかったからね。」
艶やかなオレンジと魔神パズズ。二極化されたバンド名が象徴するように、ORANSSI PAZUZU は時にメタルという重力からも解放されて、不可思議なリズム感とポップな感性を備えつつ、神秘と悲惨の破片に溶け出す独特の審美世界を呼び起こします。
「ゲームのサウンドトラックからは間違いなく影響を受けているね。その風景やイベントを視覚化し参照することについては、バンド内で多くのコミュニケーションをとっているんだ。時には、特定のゲームのシーンについても言及しながらね。」
ファイナルファンタジーシリーズを手掛けた植松伸夫氏に多大な影響を受けたと語る Evill。実際、イタリアのホラーフィルムや UNIVERS ZERO の暗黒舞踏を想起させるオープナー “Ilmestys” (天啓) を聴けば、アルバムがシンセサイザーの深霧や電子の海へと乗り出したサウンドトラックの一面を湛えることに気づくはずです。当然、時にホーミーを思わせる Jun-His の表魔力と不協和のギターも音の映画化に一役買っていますが。
「確かにこのアルバムではたくさん異なることが起こっているよね。 ただ、できるだけ数多くの影響を詰め込むことが目標ではなかったんだ。」
SWANS の方法論でエクストリームメタルにアヴァンギャルド革命をもたらした2016年の “Värähtelijä” から、ORANSSI PAZUZU は「演奏する音楽という “結果” が “リーダー” で周りに存在するミュージシャンは、その “リーダー” という中心に仕える方法を考える」自らの流儀をさらに研ぎ澄まして完成された黒のシネマ、ラブクラフトのコズミックホラーを届けてくれました。
もちろん、”Tyhjyyden Sakramentti” に潜む CAN, DARKTHRONE, TANGERINE DREAM の複雑怪奇な共存、”Kuulen ääniä maan altar” に忍ばせた PERTURBATOR とのシンクロニシティー、さらにはサイケブラックに20世紀最高のミニマリスト Steve Reich, Philip Glass の創造性を混入させた奇跡 “Uusi teknokratia” など、ロックとメタルの歴史を網羅した歴史家、研究家の一面は健在です。
ただし Ontto の、「まずはアトモスフィアが湧いてきて、僕たちの目的はそれに従うことなんだ。組み込まれる様々なジャンルは、たいていの場合、音楽を望ましい方向に操作するための適切な道具だと考えているよ」 の言葉通り、最終的に ORANSSI PAZUZU の探究心、好奇心はジャンルという絵の具を一枚の絵画を想像を超える創造として仕上げるための道具として使用しているに過ぎません。
それはトワイライトゾーンとツインピークスの不気味を抽出してブレンドした、異次元のブラックホールと言えるのかもしれませんね。メタル世界、いや音楽世界自体が経験したことのない、魑魅魍魎、異形のサウンドスケープがここには存在するのです。
今回弊誌では、ベーシスト Ontto とキーボーディスト Evill にインタビューを行うことができました。「個人的に最初のビッグアイドルの1人は、ファイナルファンタジーサーガの音楽を創生した植松伸夫氏だったんだ。今でも彼のハーモニーやエモーションの素晴らしきアプローチに影響を受けていることに気づかされるね。”FF VII” は僕のエピカルで壮大な感覚が生まれた場所なんだ。」
ANEKDOTEN 以降の北欧プログとの共通項を見出すのも一興。MAGMA や MAYHEM の波動を抱く DARK BUDDAH RISING とのコラボレーション、WASTE OF SPACE ORCHESTRA もぜひ。どうぞ!!

ORANSSI PAZUZU “MESTARIN KYNSI” : 10/10

INTERVIEW WITH ONTTO & EVILL

Q1: . First of all, it’s really hard time now due to corona virus, especially musical industry. As a musician, and as a person, how do you spend your corona crisis days?

【EVILL】: As persons we’ve been taking this whole thing seriously carrying out social distancing. As a musician there’s always stuff to do – especially now due to release of the album. It helps to look at it as an opportunity to come up with imaginative ways of doing things. Also this has been a good reminder for anyone that a musician and a person are the same thing and have common human limitations.

【ONTTO】: Since there is not any touring with the new album going on right now, I’m mostly spending my days with my family, working from home. It’s a bit claustrophobic but it’s also nice to get to spend more time with my one-year-old daughter. Overall the situation in Finland is much better than in some other countries. The band is taking a hit from this, of course. One positive thing though: we are trying to ease the pain of not being able to play live by doing a one-off internet stream show on the Friday 15th of May, so you might want to check that out! It will be available free.

Q1: コロナウイルスが世界を脅かし、特に音楽産業にとっては厳しい局面です。まず、ミュージシャンとして、1人の人間として、このコロナ危機をどのように過ごしているのか教えていただけますか?

【EVILL】: 僕たちは人として、すべてを真剣に受け止め、ソーシャルディスタンスを保っているよ。
ミュージシャンとして、常にやるべきことは存在するね。特に、今はアルバムがリリースされたばかりだから。 想像力に富んだ宣伝方法を考え出す機会と捉えるのも一興だよ。
同時に、ミュージシャンと人間は結局分けることができないから、共通して制限を受けることを思い出させてくれるね。

【ONTTO】: ニューアルバムのツアーがなくなったから、ほとんどは家族と一緒に過ごし、自宅で仕事をしているよ。 少し閉所恐怖症気味だけど、1歳の娘とより多くの時間を過ごせるのは良いことかもね。
フィンランドの状況は、全体的に他の国よりもはるかに良好だよ。まあもちろん、バンドは打撃を受けているけどね。ただし、1つ良い点があるよ。5月15日の金曜日に1回限りのインターネットストリームライブを行うことで、ライブでプレイできない苦痛を軽減しようと計画しているんだ。ぜひチェックして欲しいな!無料だしね。

Q2: This is the first interview with you. So, at first could you tell us about your band and yourself? Lot’s of fans are really interested in the origin of your incredible eclectic music. What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【EVILL】: We’re five people with more or less five different tastes in music. We’re all researchers. I’m personally the least metal oriented person in the group as I have grown up mostly listening to tracker music (techno, jazz, electric etc) and film scores. I tend to think of ourselves as five musicians constantly searching for a common ground of interests. The result – the music that we play – is the leader. Around it is us figuring out how to serve the center of the mass.

【ONTTO】: Yeah, we all have pretty diverse tastes in music. I was a nineties kid, so I grew up listening to all those alternative and indie rock bands that were going on at that time. Later I got heavily into Black Metal and some more experimental stuff like Boredoms or Scott Walker. I also took a deep dive into 70’s progressive rock at some point in my twenties. Nowdays I listen to whatever feels fresh or exciting, regardless of genre.

Q2: 多くのファンは、エクレクティック極まる ORANSSI PAZUZU の音楽的背景が気になっていると思いますよ?

【EVILL】: 僕たちは5人組だから、大なり小なり5つの音楽的な好みを備えているよ。一つ言えるのは、全員が研究者だと言うことさ。僕は主にトラッカーミュージック(テクノ、ジャズ、エレクトリックなど)や映画のスコアを聴いて育ったから、グループで最もメタル色が薄い人間だと思う。
僕は自分たちを、常に共通の興味を探し求める5人のミュージシャンと考えている。つまり僕たちが演奏する音楽という “結果” が “リーダー” なんだ。周りに存在する僕たちは、その “リーダー” という中心に仕える方法を考えて、制作しているんだ。

【ONTTO】: そうだね、僕たちは皆、かなり多様な音楽的趣向を持っているね。僕は90年代に育ったから、当時勃興していたオルタナティブロックやインディーロックを聴いて育ったんだ。
その後、ブラックメタルや、さらに BOREDOMS, Scott Walkerといった実験的な音楽にもハマっていったんだ。一方で、20代の頃、70年代のプログレッシブロックを深く掘り下げていったね。今ではジャンルを問わず、新鮮でワクワクする音楽を聴いているよ。

Q3: How did Oranssi Pazuzu come together? We are really interested in the meaning of your mysterious band name. What made you name your band Oranssi Pazuzu?

【ONTTO】: We were friends already, so we knew each other well and I had also played with everyone in the first lineup in some other groups before. So when we were forming the band, it was an easy call to choose who to ask. Everyone was in right away. Although Moit had broken his arm just before the first jam session. He had a plastered hand and he was playing synthesizer with one hand, instead of guitar. That was a pretty funny first gathering, but we had instantly good chemistry between us. We chose this name to represent the dualistic nature of our music. We wanted to incorporate psychedelic sounds and 70’s style jammy krautrock explorations to black metal. In my thinking the colour oranssi has a taste of cosmic energy to it, as opposed to black, that is so commonly used by metal bands. Pazuzu we chose to represent the dark side.

Q3: バンド結成の経緯を教えていただけますか? ORANSSI PAZUZU というバンド名の由来も気になります。

【ONTTO】: 僕たちはバンドを始める前からすでに友達だったから、お互いをよく知っていたし、最初のラインナップ全員と別のグループで共にプレイしたこともあったね。だからバンドを組もうと思った時、声をかける人を選ぶのは簡単だった。 誰もがすぐに了承したね。
ただ、Moit は最初のジャムセッションの直前に腕を骨折していたけど。彼はギブスをはめていて、ギターの代わりに片手でシンセサイザーを演奏していたよ。かなり面白い最初の練習だったね。だけど僕たちの良いケミストリーはすぐに発揮され始めたよ。
ORANSSI PAZUZU という名前は、僕たちの音楽に存在する二元的な性質を表すため選んだんだ。サイケデリックなサウンドと70年代スタイルのジャムベースなクラウトロックの探検を、ブラックメタルに取り入れたかったからね。
僕の考えでは、Oranssi, オレンジという色には宇宙的なエネルギーが宿っているよね。メタルバンドで一般的に使用されている黒とは対照的にね。だからダークサイドを表すために PAZUZU を選択したのさ。

Q4: OK, let’s talk about newest record “Mestarin Kynsi”. Actually, from the album and song titles, I imagine there are some religious themes in this record. Do you agree that?

【ONTTO】: It is true in a way. It’s a loose theme album lyrically, about a cult leader, who is using occult religion to hypnotize masses. The opening song sees him rise from a swamp. In the closing song he takes you to the endless white light. I think the religious imagery fitted nicely to our idea that the sounds would be controlling the listener also.

Q4: では最新作 “Mestarin Kynsi” について話しましょう。アルバムや楽曲のタイトルから、宗教的な背景を感じたのですが?

【ONTTO】: ある意味それは正しいね。まあアルバムのテーマは歌詞の面では様々な解釈が可能なんだけど、大まかに言えばオカルトの宗教を道具に大衆に催眠術をかけるカルトのリーダーについてかな。
オープニングソングでカルトリーダーは沼から立ち上がり、最後の曲で彼はリスナーを無限の白い光に包んで連れていくんだ。その宗教的なイメージは、音がリスナーをコントロールするという僕たちのアイデアにもうまくフィットしたと思うな。

Q5: I haven’t heard such a eclectic record in my life. If I compare, it’s like mixing of whole rock/metal history in one record. What’s your perspective about the opinion?

【ONTTO】: Yeah there definitely are a lot of different things going on in there. However, the idea is not to stuff as many influences in there as possible, but since all of the band members are into various kinds of music and art generally, it is natural that the music also has varied influences. We don’t see reason to be too careful about it. Paint it with a big brush, just throw in there anything we like. But only if it fits the song. Atmosphere comes first, and our purpose is to serve that. We think of genres mostly just as sound examples that we can manipulate into a desired direction.

Q5: それにしても、これほど多様な作品は前代未聞ですよ。例えるなら、ロックやメタルの歴史を集積したようなレコードではないでしょうか?

【ONTTO】: うん、確かにこのアルバムではたくさん異なることが起こっているよね。 ただ、できるだけ数多くの影響を詰め込むことが目標ではなかったんだ。
バンドメンバー全員が概して様々な音楽やアートに没頭しているから、僕たちの音楽にも様々な影響が存在するのは自然なことだよね。だからそこに注目しすぎるのはどうなんだろう。
僕たちは大きなブラシでペイントし、ただ好きなものを投げ入れるだけだよ。ただしその要素が楽曲に合う場合のみね。まずはアトモスフィアが湧いてきて、僕たちの目的はそれに従うことなんだ。
組み込まれる様々なジャンルは、たいていの場合、音楽を望ましい方向に操作するための適切な道具だと考えているよ。

Q6: Compared your previous works, definitely there is more experiment with synthesizers and electronic stuff in this record, and that makes this record more cinematic, right? Also, Japan is big video game country. Is there any influence from game soundtracks?

【EVILL】: I agree that it’s more cinematic in many ways. The focus being more in synthesizers is one thing. Also we were going for a more intense presence with the whole structure.
Game soundtracks definitely have their place in influences. We communicate a lot by visualizing landscapes and events. Sometimes we even refer to specific momentums of a game. Personally one of my first big idols was Nobuo Uematsu composing Final Fantasy saga. I still find myself being influenced by his brilliant approanching with harmonics and emotions. For that matter FFVII is where my sense of epicness was pretty much born.

Q6: 以前の作品と比較して、明らかにシンセサイザーやエレクトロニカの実験が増えていますよね?実にシネマティックだとも感じます。
ご存知のように、日本はゲームやそのサウンドトラックにかんして一つの文化を生み出してきました。

【EVILL】: うん、様々な点でよりシネマティックだよね。たしかに、シンセサイザーへよりフォーカスしたよ。同時に全体の構造のインテンスをより高めたんだ。
ゲームのサウンドトラックからは間違いなく影響を受けているね。その風景やイベントを視覚化し参照することについては、バンド内で多くのコミュニケーションをとっているんだ。時には、特定のゲームのシーンについても言及しながらね。
個人的に最初のビッグアイドルの1人は、ファイナルファンタジーサーガの音楽を創生した植松伸夫氏だったんだ。今でも彼のハーモニーやエモーションの素晴らしきアプローチに影響を受けていることに気づかされるね。”FF VII” は僕のエピカルで壮大な感覚が生まれた場所なんだ。

Q7: Regarding cinema and it’s soundtrack, your music sometimes reminds me Pink Floyd, Magma, Can, Univers Zero, and 70’s psychedelic prog. Do you think you are “prog” band to some extent?

【ONTTO】: Yes. I’m pretty sure we are philosophically more close to the progressive bands you mentioned, than to most metal bands. Although there are many good bands that do both. When I say progressive, I mean that in the literal sense, thinking about music that has the idea of exploration at heart. We are not doing a prog tribute. Not following anyone else’s path, but making your own path. So for us it is not about being true to any genre, but rather travelling through the genres and into a new sonic dimension. I’m pretty sure those bands had similar ideas in their time and I admire the creativeness they had, and in some cases they still have.

Q7: シネマティックと言えば、PINK FLOYD, MAGMA, CAN, UNIVERS ZERO, 70年代のサイケデリックプログを想起させる瞬間も多いですね。ある意味では、ORANSSI PAZUZU は “プログバンド” だと言えるでしょうか?

【ONTTO】: そう思うよ。僕たちは哲学的には、ほとんどのメタルバンドよりも君が挙げたプログバンドに近いと確信しているんだ。 もちろん、その両方を融合させている良いバンドはたくさんあるけどね。
僕はプログレッシブとは文字通り、探究心のある音楽を考案するという意味だと捉えている。だからプログのトリビュートをやっているつもりはないんだよ。他人の道をたどるのではなく、自分の道を作ることが重要だから。
そういう意味で僕たちにとって、プログとは1つのジャンルに誠実でいることではなく、ジャンルを旅して新たな音の次元へと進んでいくことなんだ。そして僕はプログの巨人たちが、当時同じようなアイデアを持っていたと確信しているんだよ。
彼らが持っていた創造性に感心するね。場合によっては今でも創造的な人たちさえいるんだから。

Q8: I really love Waste Of Space Orchestra. That was collaboration with Dark Buddha Rising. Musically, what’s the difference with Oranssi Pazuzu for you? Is there any possibility to continue that project?

【ONTTO】: That is cool to hear. We put so much effort into that, and the whole experience was a very special thing for us. WOSO is a different beast, just because the sheer amount of noise and multiple musicians alone is something that we cannot match with just the five of us. In a way the new album is a reaction to that experience. I think of it as a mothership, that is huge but it turns a bit slow. With Oranssi Pazuzu we are able to make things maybe more flexible and maintain a different focus on certain atmospheric things, while with WOSO there it is this huge wall of sound. I hope that at some point we could do another album, but right now both bands are focusing on their own music.

Q8: 昨年、DARK BUDDAH RISING とコラボレートしてリリースした WASTE OF SPACE ORCHESTRA も私のお気に入りです。ORANSSI PAZUZU との違いについてお話ししていただけますか?

【ONTTO】: クールだね。あの作品に多くの力を注いだし、あの経験全てが僕たちにとって実に特別なものとなったね。
WASTE OF SPACE ORCHESTRA は別のビーストだと言えるだろうね。なぜなら、あれだけのノイズの量と複数のミュージシャンシップに対して、僕たち5人だけでは対応できないからね。だからある意味、ニューアルバムはあの経験に対するリアクションなんだ。
僕は WOSO を母船と考えているんだ。巨大だけど、少し行動が遅くなるようなね。ORANSSI PAZUZU でなら、より柔軟に特定のアトモスフィアに対して別の焦点を当てることができるんだ。WOSO なら、この巨大な音の壁を生み出せる。
いつか WOSO で別のアルバムを作れるといいんだけど、今は両方のバンドが自分たちの音楽に力を入れているんだ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED ONTTO’S LIFE

Here’s a list of 5 albums that have made an unforgettable impact on my musical thinking, and which I still listen to from time to time.

CIRCLE “TAANTUMUS”

DARKTHRONE “PANZERFAUST”

SONIC YOUTH “DAYDREAM NATION”

BOREDOMS “VISION CREATION NEWSUN”

SWANS “THE SEER”

MESSAGE FOR JAPAN

Looking forward to sharing an event with you someday! Be safe! 

Honoured to hear there are people listening to our music over there. I wouldn’t have imagined that when we started. Hoping to be able to play there someday. All the best! Thank you for the interview!

いつか君たちとイベントを共有できればいいね!BE SAFE!

遠い日本でも聴いてくれているなんて光栄だよ。このバンドをはじめた頃には想像もしていなかったね。いつか君たちの国でプレイできればいいな。インタビューをありがとう!

EVILL & ONTTO

ORANSSI PAZUZU Facebook
ORANSSI PAZUZU Official
NUCLEAR BLAST

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ELDER : OMENS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NICK DISALVO OF ELDER !!

“I’d Like To Think That We’re Channeling The Adventurous And Explorative Spirit Of The Prog Scene In The 70’s, But Not Directly The Sound. We Want To Be Our Own Band, But Also Push The Boundaries Of Our Own Creativity.”

DISC REVIEW “OMENS”

「僕は日本の浮世絵を購入したばかりでね。それをきっかけに、日本の文化について読んでいて”浮世”の意味を発見したんだ。読み進めるにつれて、僕がアルバムのために書いている歌詞と本当にシンクロしていて興味をそそられたよ。
住んだことのない場所についてはあまり多くは語れないけど、少なくとも僕の住む西洋世界では、人生に意味をもたらさない過剰な消費に執着し過ぎているように感じるね。必要のないものを買うために働いているように思えるよ。大きな家やファンシーな車を買い、意味のない人生を送り、ゴミ以外何も残さず死んでいく。
このアルバムの楽曲は、僕たちの多くが精神的奴隷として生きていることを悟り、人生を充足させるため自分自身の道を見つけることについて書かれているんだよ。」
前作 “Reflections Of A Floating World” リリース時のインタビューで、Nick DiSalvo はそう語ってくれました。古の日本に学び、物質世界よりも精神世界に重きを置く彼の哲学は、おそらく ALCEST の Neige とも通じています。
そして奇しくも、シンプルなストーナーアクトとしてスタートし、プログ/ヘヴィーサイケの方角へと舵を切った ELDER の音楽性は、ストーリーを喚起するシネマティックな創造と、ジャンルを縦横無尽に横断する精神性という意味でいつしか ALCEST と神話を共有できる数少ない語り部に成長を遂げていたのです。
「今日僕たちは、サウンドとアトモスフィアのスペクトルを広げて探求を続けている。だけど、君が “Omens” について “ブライト” で “アップリフティング” と評したのはとても興味深いね。だってこのアルバムのテーマはさっきも語った通り実にダークなんだから!まあ僕はいつも悲哀と喜びの2つの対照的な感情を描こうとしているんだ。そして両者のムードを全ての楽曲に落とし込もうとしているんだよ。」
前作で “浮世” の浄土を描いた ELDER は、”Omens” で対照的に欲望渦巻く物質世界の限界を鋭く描写することとなりました。さながら対となるレコードにも思える2枚のアルバム。その陰の “裏面” はしかし、映し出した深刻なテーマと反するように陽のイメージを以前とは比較にならないほどブライトに宿しています。
新たな輝きは明らかに、ANATHEMA, ALCEST, CYNIC といったモダンメタル/プログの革命家とも通じるように思えます。前作の時点でクラッシックプログ、クラウトロック、インディーからの影響がシームレスに芽生えるカラフルで多彩な浮世草子を創世していた ELDER ですが、その物語にシューゲイズやポストロックの息吹をふんだんに加えたことは確かでしょう。ただし Nick はその場所よりも、さらに純粋に澄み切ったプログジャイアントへの憧憬を隠そうとはしませんでした。
「彼らに比べて音楽的な才能が欠けているから、僕たちが直接的に YES の系譜に位置するかはわからないけど、彼らが僕たちの大きなインスピレーションと探求の源であることは間違いないね!どちらかと言えば、僕たちは70年代のプログシーンの冒険心と探究心を伝え、チャネリングしていると思う。サウンドを直接伝えているのではなくてね。」
ストーナーへの愛情を湛え、後ろ髪を引かれながらもその音心は確実にかつての恋人から遠ざかっています。実際、”Ember” は現代に突如として現れた “オルタナティブな YES” と表現したいほどに、70年代の宇宙的で英知的な “残り火” を灯しているのですから。
もちろん、”Omens”, “Halcyon” に漂うサイケデリックな営みは PINK FLOYD の遺産でしょう。ただし、”In Procession”, “One Light Retreating” に Nick が施した Steve Howe と Jon Anderson の彫刻、GENTLE GIANT の細工は、他の現代を生きるバンドには決して真似できない匠の孤高。
「“Elder” “長老” は僕にとって古の感覚、篝火に佇む古の賢人を想起させる言葉で、僕たちの歌うテーマにフィットすると思ったんだよ。今でも、この言葉は確かな美しさを持っていると感じるね。」
フェンダーローズ、メロトロン、ムーグ、さらに瑞々しきギターの百花繚乱を携えた長老の紡ぐ古の音楽は、”Omens” の物語と同様に、プログレッシブの新緑が世界中の廃墟から成長し、次世代のサイクルを始める美しき象徴に違いありません。
今回弊誌では、Nick DiSalvo に2度目のインタビューを行うことができました。「僕はこの時間を出来るだけ新たな音楽の作曲に当てて、生産的でいようと心がけているんだ。特にこの春はコンサートをキャンセルせざるを得ないからね。だから僕たちにできる最良のことは、出来るだけ賢くこの時間を使うことなんだよ。」
前回のインタビューでは ANEKDOTEN を挙げて驚かせてくれた Nick ですが、今回はノルウェー気鋭のジャズロック NEEDLEPOINT を2作も挙げている点にも注目です。どうぞ!!

OMENS TRACK BY TRACK BY ELDER

Omens

タイトルトラック “Omens” はレコードの舞台設定だね。その本質は、文明の衰退についてのコンセプトアルバム。悪い兆候のもとにある社会の有り様を描いているんだ。壮大な文明の城は高く聳えるけど、迫り来る変化の暗い雲に覆われているよ。
僕たちのレコードでは大抵、楽曲は書かれた順序で収録されている。実際にこのタイトルトラックはアルバムで最も古い曲なんだ。そのため、おそらく以前のレコードと最もイメージが似ていて、最もリフの多い楽曲になったね。だけど最後の部分は、ほぼシューゲイズとポストロックの領域に浸っているかな。
オープニングのピアノのリードは、もともとは曲のモチーフにしようと考えていたんだけど、レコーディング中はどういうわけか合わなかったんだ。そんな中で、Fabio がムーグでジャミングを開始し、オープニングリフに新たなモチーフを重ねてくれたんだ。こんな風に、スタジオでは瞬く間にひらめきで変更が加えられることがあるね。

In Procession

もともとはアルバムの最初の曲であり、シングルにしようと思っていたんだけど、おそらくこれほど多くの変更が加えられた楽曲はないね。2つの部分に分かれていて、最初の部分はクラッシックな ELDER のリフとサイケデリックなヴァースの間を行ったり来たりして、後半部分はジャムセッションが進展しながら構築され、グルーヴィーでポリリズミカルな終幕へとに至るんだ。
作曲の観点から見ると、”In Procession” は ELDER の基準としては非常にシンプルで、全体的な特徴も、”The Gold & Sliver Sessions” のジャムを基盤とした性質に近いよね。
非常にブライトかつ刺激的な楽曲で、常に前進している世界を説明するエネルギーに満ちた歌詞を伴うよ。これは、この架空の文明が創設された時から常に成長、消費、発展する必要を伝えているんだ。ただし、”In Procession” の “行進” は同時に、軍事的または葬式的なものとしても解釈できるよね。つまり崩壊につながることを示唆してもいるんだ。

Halcyon

このように長い曲だと、ボーカルは比較的少ないんだけど、音楽が代わりに語ってくれる。”Halcyon” はまさに今この時についての楽曲。崩壊の直前、この世界の美しさを理解する最後のチャンス。死を避けられないものとして受け入れてきた文明において、自由の中で生きる一種の陶酔の瞬間。
“Omens” は他のレコードよりも時間をかけ、それほど根を詰めず製作して、有機的に “部品” を開発していったんだ。オープニングの4分間はスタジオで行ったいくつかのライブジャムの1つで、このやり方をよく表しているね。もともとこのジャムは10分を超えてたんだけど。ファンの忍耐力もテストしているわけさ。ライブで何が起こるだろうね!
僕の考えでは Halcyonは、”Lore” に最も近いかもしれないね。レコードの中で最も長くて最も壮大なトラックとして、センターピースの機能を果たしているからね。何度も聴けばギターとキーボードの多重なるレイヤーを紐解き、時には複数のドラムまで明らかにしするよ。最後のリフは、ジョン・カーペンターと GOATSNAKE が出会ったような感じだね。まさにアルバムを代表するリフだよ。

Embers

比較的明るいトーンにもかかわらず、”残り火” というタイトルが示すように、燃え尽きて消えていく世界のシーンを描いた楽曲だよ。おそらく僕たちが今まで書いた中で最もオルタナティブな楽曲で、ストーナーやドゥームよりもオルタナティブロックとの共通点が多く存在するね。つまり、良くも悪くもジャンルにあまり注意を払わないとこうなるという一例なのかもしれないね。前代未聞だよ。
僕たちは未知の海で泳いでいるから、ELDER らしく聴こえるかどうかにはあまり関心がないんだ。だから “Embers” はすぐに完成したよ。最後のリフは “パールジャムリフ” と呼ばれているくらいさ。

One Light Retreating

オープナーとは逆に、”One Light Retreating”は、最後に作業を終えた曲だった。レコードの浮き沈みが激しいから、このようなヘヴィーかつモメンタムなリフで終了するべきだと感じだね。つまり前作から “Omens” へのジャンプを完全に要約する、ひねりを加えたクラシックな ELDER ソングだよ。アルバムのクリーンなプロダクションが、スペーシーなエンディングで輝いているよね。
物語が幕を閉じると、世界の光が1つずつ消え、夜の暗闇に消えていくんだ。だけど僕たちのアルバムすべてと同様に、強い希望も存在する。新しい緑の生命が世界中の廃墟から成長し、また新たなサイクルが始まるんだ。

ELDER “OMENS” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PURE REASON REVOLUTION : EUPNEA】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JON COURTNEY OF PURE REASON REVOLUTION !!

“First Time Labelled “Prog Rock” I Think We Were a Little Surprised. For Us It Was Mix Of Grunge, Fleetwood Mac Vox, Floyd, Massive Attack & DJ Shadow. So To Get Labelled With What Was Just a Small Section Of The Influences Felt a Little Odd. Now We’re Proud To Be Progressive.”

DISC REVIEW “EUPNEA”

「間違いなく、男女混成ボーカルは僕たちにとって鍵となる要素だし、このハーモニーが他のバンドと僕たちを区別化しているとさえ思うよ。おそらく、このスタイルを取るバンドは増えていくと思うよ。」
純粋な理性を革命に導くプログレッシブな哲音家 PURE REASON REVOLUTION は、めくるめく陰極陽極のハーモニーで沈んだ世界を緩やかに溶かします。
「最初にプログロックのラベルを貼られた時、僕たちは少し驚いたんだ。僕たちにとって当時の自らの音楽は、グランジ、FLEETWOOD MAC のボーカル、PINK FLOYD, MASSIVE ATTACK, DJ SHADOW をミックスしたものだったから。だからそんな影響の中からとても小さな部分だけを切り取って、プログロックとレッテルを貼られることは少し奇妙な感じがしたんだよ。まあ、今はプログレッシブのラベルを誇りに思っているけどね。」
PORCUPINE TREE や COHEED AND CAMBRIA を導火線にプログレッシブの新たなビッグバンが勃発した00年代。PURE REASON REVOLUTION が放ったデビュー作 “The Dark Third” の鮮烈さは明らかに群を抜いていました。
グランジオルタナティブの遺伝子を纏いながら、電子のレンズを通して映すPINK FLOYD のサイケデリック。さらにそこには、極上のフックとハーモニーが添えられていたのです。仮にモダンプログレッシブが、勃興したモダンなジャンルの音の葉を取り込む多様性の万華鏡だとしたら、まさに PURE REASON REVOLUTION こそがアプレゲールの象徴だと言えました。
「間違いなくデビュー作 “The Dark Third” と近い場所にあるけれど、同時に他の2作からも切り取ったような部分があるよね。だから、願わくば “Eupnea” が僕たちのデビュー作を少し思い返させながら、進化したようにも思えるサウンドであれば良いね。」
2010年の “Hammer and Anvil” 以来実に10年ぶりの復活作となった “Eupnea” はバンドの集大成にして出発点なのかもしれませんね。アルバムは “New Obsession” の緩やかな電子パルスでその幕を開けます。徐々に顕となる音建築、バンドの過去と未来を繋ぐ架け橋。
スペーシーでダークなエレクトロの波動を発端に、流動するギターのクランチサウンドとポップなハーモニー。そうして PRR は全ての出発点へと回帰しながら、シネマティックな “Hammer and Anvil”、ダークなシンセウェーブ “Amor Vincit Omnia” の情景を重ね、さらにサウンドの幅を広げていくのです。
ポストロックにも通じるアトモスフィアを主戦場としていた PRR ですが、プログのラベルに誇りを感じているの言葉通り、”Ghosts & Typhoons” では難解でアグレッシブなギタードライブ、BRING ME THE HORIZON のスピリットまで披露。一方で、SMASHING PUMPKINS の哲学を宿す “Maelstorm” や 7/4の魔法 “Beyond Our Bodies” ではさらにメロディーの流麗に磨きをかけてレコードの対比を鮮明にしていきます。
そうしてアルバムは、真の感情的ジェットコースター、13分のタイトルトラック “Eupnea” で PORCUPINE TREE や ANATHEMA に寄り添いながら、時代の激動と愛娘の吐息を遠近法で描写して幕を閉じるのです。
今回弊誌では、ボーカル/マルチ奏者 Jon Courtney にインタビューを行うことができました。「男女混成のハーモニーは、FLEETWOOD MAC, CSNY, THE BEACH BOYS からの影響だね。僕たちのメロディーは常に THE BEACH BOYS から本当に強力な影響を受け続けている。Brian Wilson こそがメロディーの王様さ。」どうぞ!!

PURE REASON REVOLUTION “EUPNEA” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SPELL : OPULENT DECAY】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CAM MESMER OF SPELL !!

“We Think Our Music Is a Lot More Diverse Than That. We Never Try To Write ‘Heavy Metal Songs’ – We Just Try To Write The Best Songs We Can! Sometimes It Might Sound Like Pop, or Prog, or Gospel, or Disco, or Goth”

DISC REVIEW “OPULENT DECAY”

「カナダには偉大なバンドがたくさんいるけど、RUSH はアンタッチャブルな存在さ。19枚ものアルバムを全くの駄作なしで製作できるバンドが他にいるかい?彼らはキャリアを通じて何度も進化を遂げているし、常に適切で興味深い存在であり続けた。」
RUSH, TRIUMPH とカナダが生んだトリオは須らく、その音楽に絶佳の魔法を宿してきました。そしてその魔法は文字通り “呪文” の名を冠する若き三銃士 SPELL へと受け継がれていきます。
「”NWOBHM” や “NWOTHM” のラベルが貼られることが多いようには思えるね。おそらく CAULDRON, SKULL FIST, ENFORCER といった “ニューウェイブオブトラディショナルヘビーメタル” のムーブメントが勃興した時にバンドを始めたからだろうな。」
たしかに、SPELL はそのキャリアを通じてトラディショナルなメタルを磨き上げ、鮮やかな光沢を付与することに多大な貢献を果たしています。ただし、その狭い世界のみにとどまるには、SPELL の魔法はあまりに虹色です。
「僕たちの音楽は彼らよりもはるかに多様だよ。なぜなら僕たちは “ヘヴィーメタルソング” を書こうとはしていないから。ただ、できる限り最高の曲を書こうとしているんだ。だから時にはポップ、プログレッシブ、ゴスペル、ディスコ、ゴスのように聞こえるかもしれないね。良い音楽ならジャンルなんて気にしないのさ。」
“Opulent Decay” のサイケデリックな波光を受けて、SPELL の術式は神秘的なオーラとアクティブな胎動の共存を可能にします。エアリーなギタリズム、幾重にも重なるエセリアルなシンセ、叙情と憂いのハーモニー。時に Steve Harris を想起させる縦横無尽のベースラインはバンドの強力な碇です。
ポップ、プログレッシブ、ゴスペル、ディスコ、ゴスを巧みに操るメタルの新司教と言えば GHOST でしょう。ただし、バンドの首脳 Cam は GHOST や OPETH を目指しているわけではないと断言します。
「僕たちが自らを “Hypnotizing Heavy Metal” と称するのは、他のラベルが当てはまらないからなんだ。僕たちは音楽が魔法だと信じている。人々の現実を変える力を持った魔法だよ。”催眠術” をかけるようにね。それこそが僕たちの目標なんだ。」
ヒプノティックヘヴィーメタル。夢見心地の催眠術を施すヘヴィーメタルは、よりニッチでアンダーグラウンドな場所から現実を変える波動です。
BLUE ÖYSTER CULT の神曲 “(Don’t Fear) The Reaper” のヴァイブを纏う死神の哲学 “Psychic Death”、地下スタジアムの匂いを響かせるタイトルトラックに、よりリズミカルプログレッシブな “The Iron Wind”。何より、GHOST 成功の要因を抽出し黒魔術のポットで煮詰めたような “Deceiver” のロマンティシズム、訴求力にはただならぬものが感じられますね。
今回弊誌では、ベース/ボーカル Cam Mesmer にインタビューを行うことができました。「日本のバンドは大好きだよ!聖飢魔II、CROWLEY, LOUDNESS, GISM, THE EXECUTE, TOKYO YANKEES, THE COMES, G-SCHMITT, GHOUL なんかだね。日本には最高に強力でユニークなヘヴィーメタルとパンクの文化が根付いていて、僕はそこから最も影響されているんだよ。」どうぞ!!

SPELL “OPULENT DECAY” : 9.8/10

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