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DISC REVIEW + INTERVIEW 【DERDIAN : DNA】JAPAN TOUR 2018 SPECIAL !!

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ENRICO PISTOLESE OF DERDIAN !!

“At The Beginning, Rhapsody Were One Of Our Favorite Band And There Is No Doubt We Have Drawn Inspiration From Them. But We Were Very Young. Now Things Are Very Different. We Feel To Play Completely a Different Music.”

DISC REVIEW “DNA”

風光明媚な地中海を臨むイタリアの “DNA” は、ことロックの世界においてここ日本の情緒と一脈の共感覚を披露し続けています。
古くは NEW TROLLS, P.F.M. といったプログレッシブの芸域から、近年では RHAPSODY, DARK LUNACY, FLESHGOD APOCALYPSE など雄々しきメタルの血脈まで、ファンタジックでロマンと幾ばくかのセンチメントを宿したその感覚世界は殊更に日本のリスナーを魅了して来たのです。
“Derdian” の王 Golstar を巡る英雄譚 “New Era” サーガ、至高のトリロジーでシーンに登壇した DERDIAN もまた、彼らと同様に目眩く幻想と哀愁のユートピアで日本のファンと深くそのイマジネーションを共有しています。
アルバム “Limbo” で日本盤ボーナストラックに、アニメ “聖闘士星矢” のテーマ曲 “Pegasus Fantasy” を華麗にカバーした事実もバンドと日本の密接な脈絡を物語るものでしょう。
「2年以上の月日を経て、DERDIAN と Ivan の間にはケミストリーが存在したことに気がついたんだよ。」マスターマインド Enrico がそう語るように、”Limbo” 以降よりコンテンポラリーなサウンドへとシフトした彼らに不可欠な “声”、Ivan Giannini が復帰を果たし製作された最新作 “DNA” は情緒のシンクロ二ティーはそのままに、集大成にして新たな冒険へと駆り立てるバンド史上最も多様な SF エピックです。
「改竄されていた聖書の内容。現生人類は、来襲したエイリアンが科学で生み出したエイリアンと地球人の子孫であった。」常にストーリー性を前面に押し出す DERDIAN が送る新たなファンタジーは、壮麗なるイントロダクション “Abduction” でシネマティックにその幕を開けます。
アルバムオープナー “DNA” はまさに劇団 “DERDIAN” の面目躍如。高らかに鳴り響くシンフォニー、舞い上がるは雄弁なる大合唱、押し寄せるは津波のようなメタルパワー。
華々しい歌劇の幕開けは ROYAL HUNT にも通ずるメランコリーと構成美、クラシカルの園を見せつけながら、リスナーをカタルシスの渦へと誘います。リレコーディング作品に D.C. Cooper が参加していた事実も偶然ではないはずです。
初期 SYMPHONY X をイメージさせるミステリアス&プログレッシブな “False Flag Operation” を経て遭遇する “Never Born” はアルバムのハイライトでしょう。”DNA” 以上にシンフォニックメタルの理想形を提示した楽曲は、エナジーとフック、キャッチーなスピリットを抱えてダイナミックにその翼を広げます。
大胆なストップモーションに繊細な間奏のオーケストレーションなど、近年のパワーメタルアクトの中でも飛び抜けて “フック” の意味を熟知した作曲術こそが明らかに彼らの強みの1つでしょう。
一方で、強国 “Derdian” は侵攻を続け、その領地を多様に拡大し続けます。耽美なるタンゴの響きを纏ったエスニックな “Red and White”、ジプシージャズのイメージを大胆に投影する “Elohim”、プログメタルの領域へと侵入する複雑怪奇な “Ya Nada Cambiara”。DERDIAN ワールドは無限にカラフルに、そしてエクレクティックにそのパノラマを四望するのです。
そうしてアルバムは日本語で歌われるボーナストラック “Never Born” をアンコールにその幕を閉じます。盛大なカーテンコールを受けながら。
今回弊誌では創立メンバーでギタリスト Enrico Pistolese にインタビューを行うことが出来ました。2年連続となる Evoken Fest への出演も決定しています。「DIYとなった現在は全く異なり、僕たちのことは全て僕たちで決定を下すことが出来る。だいたい、バンド全員が日常の仕事で上司がいるのに、なんでまた厄介な上司を増やす必要があるの？！1人で充分だよ（笑）！！」どうぞ！！

DERDIAN “DNA” : 9.9/10

INTERVIEW WITH ENRICO PISTOLESE

Q1: First of all, your appearance on Evoken fest in Japan for two straight years is just announced! How do you feel now? What do you think about co-stars of the fest?

【ENRICO】: To be called the last year was already a dream for us all, but to have the chance to be there once again it’s really great, it’ a consecration of a future inseparable relationship between Japan and Derdian.
To have the chance to watch in eyes the same people that the last year used to scream our hymns and to share the stage with artists like Nocturnal Rites and Orden Ogan it’s fantastic, damn, I was a kid when I used to dream listening the Nocturnal Rites songs!

Q1: 2年連続の Evoken Fest 出演ですね？

【ENRICO】: 昨年の出演でもうすでに僕たちの夢は叶ったようなものなんだけど、もう一度あの場所でプレイする機会を貰えて本当に嬉しいよ。まさに日本と DERDIAN の強固な未来に向けて邁進しているって感じだね。
昨年は僕たちの “聖歌” をファンがスクリームしてくれているのをまざまざと目に焼き付けることが出来たし、今年は NOCTURNAL RITES や ORDEN OGAN とステージをシェア出来るんだ。最高だよね！子供の頃、NOCTURNAL RITES の楽曲を生で聴くのが夢だったんだからね！

Q2: Regarding Japan, you covered “Pegasus Fantasy” on “Limbo”. Off course, it’s a theme song of “Knights of the Zodiac (Saint Seiya)”. Actually, I was really into the animation when I was a kid, are you too?

【ENRICO】: Ahaha, good question! Knights of the Zodiac was one of my favorite cartoon and I very loved Dragon Ball too! And what about Voltron, Mazinga, Jeeg robot… whole generations in Italy have grown up with those cartons and we loved them too!

Q2: 日本との強固な未来と仰いましたが、バンドはアルバム “Limbo” で日本アニメ “聖闘士星矢” の主題歌 “Pegasus Fantasy” をカバーしていましたよね？ 実際、”聖闘士星矢” のファンだったんでしょうか？

【ENRICO】: あはは、いい質問だね！（笑）”聖闘士星矢” はフェイバリットアニメの1つだよ。それに僕は “ドラゴンボール” の大ファンでもあるんだよ！
あとは、ボルトロン、マジンガーZ、鋼鉄ジーグ…イタリアでは全ての世代でそういったアニメを見て育つんだ。もちろん、僕たちみんなが大好きなんだよ！

Q3: Is there anything else that you are attracted by Japanese culture, music, movies, video games etc?

【ENRICO】: We are attracted by your beautiful people… you are charming, full of honor and respect for everything and everyone. In a world increasingly selfish, this is really a rare quality. and then you are able to live in an ordered way… there is no trash on your streets even in a huge city like Tokyo. You have been able to eliminate the petty crime so If I lose my wallet, somebody runs to reach me to return it…incredible! You are sons of the samurai culture so you are calm, measured, civil. I think that in a “Human reset” the Japanese people should be one of the few to survive!!! ahaha believe me, I really think so!

Q3: アニメ以外にも日本に魅せられている部分はありますか？

【ENRICO】: 僕たちはとにかく日本人の美しさに魅せられているんだよ。実にチャーミングで、全ての物や人物に敬意を忘れないんだ。
世界はどんどん自己中心的になっていく中、日本の感覚、クオリティーは非常にレアだよね。だからこそ、日本人は規律正しく生きることが出来ているんだろうな…だって東京のような大都市にさえ道端にゴミが落ちていないんだからね。
ちょっとした犯罪さえ起こらないしね。もし僕が財布を失くしたとしても、誰かが追いかけて返してくれるんだから…信じられないよね！
きっと君たちは “侍” の子孫だから、穏やかで、成熟していて、文民的なんだろうな。僕は “Human Reset” (学ばない人類のリセットをテーマとしたバンド7枚目のアルバム) が起こっても、日本人はきっと数少ない生き残りになるはずだよ！！！（笑）信じていいよ、僕は本当にそう思っているんだから！

Q4: So, let’s talk about your newest record “DNA”. Ivan Giannini returned to the band. Why did he leave the band for about three years and come back?

【ENRICO】: 3 years ago after a live show in Czech Republic we had a discussion about the future of Derdian. He was so excited because of the good people’s consent so that he wanted to make a deep change in the band planning a busy schedule of concerts all over the world. We said him it would be a dream but the current music market did not allow it. We all have a job in Italy because we need to keep our families. Some of us have sons too, so it would be a risky choice to give up everything to tour all time. He felt like we did not want to bother enough for the band. He felt betrayed and he wanted to interrupt his collaboration with us. Naturally it was only a misunderstanding and after two long years we discovered that between Derdian and Ivan there was an alchemy and it was the time to gather the family once again and we hope…forever. After so many years we are brothers, so there is not a reason to argue.

Q4: では最新作 “DNA” について話しましょう。およそ3年前にバンドを離れたボーカリスト Ivan Giannini が復帰を果たしましたね？

【ENRICO】: 3年前、チェコでのライブを終えた後、僕たちは DERDIAN の未来について話し合ったんだ。Ivan は賞賛を受けて舞い上がっていたんだろうな。バンドの計画を大きく変えて、より忙しく世界中をツアーしたいと言ったんだ。
僕たちは彼に、それは確かに夢だけど現在の音楽マーケットでは叶わないよと告げたんだよ。僕たちは家族を養うために、全員がイタリアで仕事を持っているんだ。メンバーの何人かには息子がいるしね。だから全てを放棄してツアーに全てを注ぐのはリスキーなんだよ。
だけど彼は、僕たちがそこまでバンドに煩わされたくないと思っているように感じたんだろうね。そして彼は裏切られたように感じ、僕たちとのコラボレートを中断したくなってしまったんだ。
基本的には、ただの誤解だったんだ。2年以上の月日を経て、DERDIAN と Ivan の間にはケミストリーが存在したことに気がついたんだよ。そうして “家族” が再び集まる時が来たんだ。
僕たちはこれが永遠に続くことを願っているよ…事実、数年の月日を経て僕たちは兄弟となり、もはや討論する理由もなくなってしまった訳さ。

Q5: Derdian always has it’s own world, fantasic stories. There seem to be laboratory on the artwork. What kind of story do you tell in “DNA”?

【ENRICO】: DNA it is inspired by an alternative vision of the old testament of the Holy Bible. Recently some scholars have discovered that literally translating the bible, it describes a reality very different from that which has been handed down to us by the Catholic Church. the Hebrew word Elohim, which has been translated with God, expresses in reality plurality. And according to this version it seems that 200.000 years ago an alien race named Elohim has come from other planets to colonize the earth and create the recent human race we know by mixing their own DNA with that of the hominids that inhabited the planet at that time. The laboratory you see on the artwork is the Garden of Eden where the DNA experiments have brought to creation of Adam, the first man! Indeed in this version the same scholars found that if you literally translate on the Bible the description of the Garden it’s similar to the description of a laboratory…
We found it was a charming theme to develop a concept regardless of what our personal religious inclinations may be so we tried to keep this version more cinematographic and it has been really exciting! A great experience! Moreover it fitted very well to be the prequel to Human reset, so why not?.

Q5: DERDIAN の作品にはいつも独特の世界観、ファンタジックなストーリーが存在します。アートワークにもあるように、今回は DNA を巡るサイエンスフィクションのようですね？

【ENRICO】: “DNA” 自体は旧約聖書の別バージョンというアイデアにインスパイアされたんだ。
近年、何人かの研究者がその別バージョンの聖書を文字通り訳したところ、カトリック教会によって受け継がれ僕たちに渡されていたものとは非常に異なることが分かったんだよ。
そこでは “神” と訳されたヘブライ語の “エロヒム” は現実には複数形 “Gods” として表現されていたんだ。そしてこのバージョンによると、200,000年前、エロヒムというエイリアンの種族が他の惑星からやって来て、地球を植民地化し、その時地球に住んでいた人類のDNAと自分たちのDNAを混合することによって現在の人類を創造したと記されていたんだよ。
アートワークに描かれた実験室は、DNA の実験で Adam を作ったまさにエデンの園さ。最初の人類だよ！ 実際、このバージョンでは同じ学者が、この聖書のエデンの園を直訳すれば、それは研究所の意味に近いニュアンスだと分かったんだよ…
僕たちは自身の宗教的傾向が何であれ、掘り下げるべき魅力的なテーマだと思ったね。だからこのバージョンをより映画的に保とうと努力したんだよ。実にエキサイティングだったね！それ以上に、”Human Reset” の前日譚としても完璧にフィットするとは思わないかい？

Q6: Regarding fantasy, you are often compared with Rhapsody also from Italy. What’s your perspective about the comparison and you are called “Symphonic metal”?

【ENRICO】: We don’t feel like Rhapsody. We feel to have our own identity and when people compare us with Rhapsody we really don’t understand what they mean. Yes, at beginning Rhapsody were one of our favorite band and there is no doubt we have drawn inspiration from them. but we were very young. Now things are very different. We feel to play completely a different music. About symphonic metal, ok, we can agree but sometimes our music is not even that. in the composition we let ourselves be carried away by the passion of the moment without thinking about clichés or labels.

Q6: ファンタジーと言えば、DERDIAN はしばしば同郷の RHAPSODY と比較されますよね？

【ENRICO】: 僕たちが RHAPSODY に似ているとは思わないよ。僕たちには独自のアイデンティティーが存在すると思うね。だから、誰かに RHAPSODY と比較されても、よくその真意がわからないというのが実際なんだ。
もちろん、当初は RHAPSODY はフェイバリットバンドの1つだったし、彼らからインスピレーションを得たのは疑いようもない事実だよ。だけど当時僕たちはとても若かったからね。
状況は今では全く異なるよ。全く別の音楽をプレイしている感覚なんだ。シンフォニックメタルというジャンルにしても、確かに僕たちはそこに属しているとは思うよ。だけど時に僕たちの音楽はその場所さえ離れるんだ。
ライティングプロセスではただその瞬間の情熱に身を任せるようにしているんだ。クリシェやレッテル、ジャンルについて考えることなくね。

Q7: Speaking of “genre”, I think “Symphonic metal” is just only one aspect of you. “Red and White” is ethnic, “Elohim” is jazzy, and “Ya Nada Cambiara” is progressive. Off course, I know you contracted with Magna Carta once, but Derdian now become really diverse band, right?

【ENRICO】: Yes my friend, after the Magna Carta experience we felt in the modern time there was no need of a label. Internet deeply changed the music business but in the meantime it gave the opportunity to the bands to promote their music independently and with good results. To be an independent band means to decide everything concerning the music, the artwork, the release date, the promotion. A band is really free and without a leader, In fact, we must admit that we have always been rather anarchist about it! ahahah. Often we did not agree with the choices of Magna Carta for example the mastering of New era pt. 3 that wanted to manage it directly. We didn’t like the result but we had to obey, and the same about the sad choice to press it without a booklet! Magna Carta was the leader, so unfortunately we had to shut-up and keep calm! Now is different and we decide everything about us. We are leader of ourselves. Why we should have one more leader? we already have a leader everyone at his own job! One is enough! ahahah.

Q7: 仰る通り、所謂 “シンフォニックメタル” はバンドを構成する要素の1つにしか過ぎませんね。Magna Carta との経験を経て、プログからジャズ、エスニックまで今ではすっかり多様なバンドへと進化を遂げていますね？

【ENRICO】: その通りだよ。Magna Carta との経験、契約を終えて、僕たちは現代においてレーベルの必要性を感じなくなったんだ。インターネットは深く音楽ビジネスを変えたね。ある意味、バンドにDIYでプロモートを行い、良い結果を呼び込むチャンスを与えたとも言えるだろう。
バンドがインディペンデントになるということは、音楽、アートワーク、リリース日、プロモーションなど関わる全てを決定することになるんだ。リーダーがいなくなり、バンドは本当に自由になる訳だよ。事実、僕たちはちょっとアナーキスト、無政府状態になり過ぎる感があるけどね（笑）
僕たちはしばしば Magna Carta のやり方に納得がいかなかったんだ。例えば “New Era pt. 3” のマスタリングは直接手がけたかったんだ。結果には満足していないけど従う他なかったね。それにブックレットもなしでプレスされたのは悲しかったな！だけどリーダーは Magna Carta だったから僕たちは口を噤んで静かにしているしかなかったよ！
DIYとなった現在は全く異なり、僕たちのことは全て僕たちで決定を下すことが出来る。だいたい、バンド全員が日常の仕事で上司がいるのに、なんでまた厄介な上司を増やす必要があるの？！1人で充分だよ（笑）！！

Q8: Japanese version of “Never Born” is amazing present for us! For example, Powerwolf uses three languages like English, Germany, and Latin. Why don’t you use Japanese and Italian more? haha.

【ENRICO】: Ahaha about Italian sometimes we used it in few verses on our old albums. Using often Japanese could be a good idea! Thank you for it!

Q8: 日本語で歌われた “Never Born” のジャパニーズバージョンは素敵な贈り物でした。
例えば POWERWOLF は3つの言語を活用してアルバムを制作していますが、あなたたちも、英語、イタリア語、日本語でやれそうですよね？（笑）

【ENRICO】: わはは（笑）イタリア語は昔のアルバムのヴァースなんかでほんの少し使ったことがあるけどね。確かに日本語を時折導入していくのは良いアイデアかも知れないな！ありがとう！

FIVE ALBUMS THAT CHANGED ENRICO’S LIFE

METALLICA “BLACK ALBUM”

MANOWAR “FIGHTING THE WORLD”

HELLOWEEN “KEEPER OF THE SEVENTH KEYS”

RHAPSODY “LEGENDARY TALES”

SYMPHONY X “V-THE NEW MYTHOLOGY SUITE”

MESSAGE FOR JAPAN

As I said you before, we can’t wait to be there in Japan one more time, we love you all for your great and daily support, incredible people! We love you all!

また日本に帰るのが待ち切れないよ。君たちの素晴らしく、継続したサポートには本当に感謝しているよ、最高の人たちだね、みんな愛しているよ！！

ENRICO PISTOLESE

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日本盤のご購入はこちら。KING RECORDS

8/31 [金]　大阪：江坂MUSE
9/1 [土]　東京：恵比寿LIQUIDROOM
9/2 [日]　東京：新宿BLAZE
EVOKEN FEST 2018 詳細はこちら。

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【3.2 : THE RULES HAVE CHANGED】TRIBUTE TO KEITH EMERSON

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ROBERT BERRY OF 3.2 !!

“I Could Not Get Keith To Overcome The Fan Criticism. He Was Done With It For The Next 28 Years.”

A LABOR OF LOVE

Robert Berry は数奇なる運命と共に音楽カルチャーを漂流した有能なるバガボンドなのかもしれません。シンガーソングライターにして、マルチ奏者、そしてプロデューサー。
サンジョゼに居を構える Soundtek Studios のオーナーとして Robert は、数多のアーティストとイマジネーションを共有し、同時にミュージシャンとしてもベイエリアのレジェンドとしてプログ&AORの脈流に深くその存在を刻み続けています。
Geffen の A&R John Kalodner、JOURNEY のマネージャー Herbie Herbert との出会いが Robert の翼を80年代の空へさらに羽ばたかせるきっかけとなりました。Steve Howe & Steve Hackett のコンビで成功を収めた GTR への参加、Sammy Hagger, Joe Lynn Turner との仕事など、2人の口利きは Robert の世界を広げてマルチな才能の飛翔を可能にしたのです。
キャリアのハイライトは1988年だったのかも知れませんね。Geffen とのコネクションは、彼を Keith Emerson, Carl Palmer 2人のプログレジェンドと引き合わせ、新プロジェクト 3 の結成へと導きました。ELP リユニオンの頓挫、商業的成功への渇望。舞台の裏側には確かに様々な “大人の事情” が絡んでいたのかも知れません。しかし、リリースされたバンド唯一の作品 “To The Power of Three” には現在まで語り継がれるプログポップの萌芽が確かに息づいていたのです。
Keith の繊細かつ複雑な鍵盤捌き、Carl の芸術肌に、Robert のモダンでアクセシブルなソングライティングが噛み合った作品は、振り返ってみれば瑞々しくも確固とした音楽的なアドベンチャーだったと言えるでしょう。しかし、”Talkin’ Bout” のヒット、好調なツアーにもかかわらず、バンドは僅か2年でその活動に終止符を打ってしまうのです。
その背景には、Emerson, Lake and Palmer を崇拝するルナティックからの激しい批判がありました。インタビューで Robert が 「問題は、ELP のファンはただ長尺の楽曲と Greg Lake のボーカルが聴きたかっただけだという点だったね。」と語るように、メインストリームへと接近した 3 のサウンドは、残念ながらプログロックの狂信者にとって耐えられないものだったのかも知れません。そしてその負の重圧には Keith も耐えることが出来なかったのです。華麗なプログエピック “Desde la Vida” もすっかり焼け石に水でした。
以降も途絶えることなく連絡を取り続けた2人。故に、「僕は Keith をファンの批判から守り、克服させることが出来なかったんだ。彼はそこから28年間もその批判を我慢し続けることとなったんだからね。」という Robert の言葉には想像を絶する重みがあります。
2016年に Keith が自ら命を絶った後、Robert は2人で再度着手していた 3 のセカンドアルバムを諦めようとも考えたと明かしてくれました。当然でしょう。しかし、「Keith の遺産を届けたい。」その想い、一念が 3.2 の名の下に際立ったプログポップの快作 “The Rules Have Changed” を完成へと導いたのです。
Keith がコンポジションに20%関与したアルバムで、マルチプレイヤー Robert はまさに Carl, そして亡き Keith が彼の身体に憑依したかのような演奏を披露しています。ここには確かに、30年の月日を経た 3 の新たな物語が生き生きと映し出されているのです。
リスナーは、Robert の持ち味である類稀なるポップセンスが、プログレッシブな波動、クラッシック、ケルト、ジャズ、フォークと見事なまでに融合し、多様なアートロックとしての威厳までをも仄めかす絶佳のトリビュートに歓喜するはずです。
オールドスクールのプログロックとは一線を画すキャッチーでコンパクト、知的でいながらコマーシャルなアルバム。それはまさに 3 のレガシーにして失われた聖杯。
もちろん、Keith が抱えることとなった闇の部分をダークに描写するタイトルトラックなど、全てが耳馴染みの良いレコードではないかも知れません。しかし、だからこそ、この作品には真実の愛、語りかける力があります。
日本盤ボーナストラックにして美しきアルバムクローサー “Sailors Horn Pipe” にはきっと Keith が降臨しています。しかし、残念ながら彼がこの世界に降り立つのはこれが最後の機会となってしまいました。SNS等が普及しよりダイレクトに様々な “声” が届くようになった今、音楽を “受け取る” 側の私たちも、再度アーティストとの接し方、心の持ちようを考えるべきなのかも知れませんね。
今回弊誌では、Robert Berry にインタビューを行うことが出来ました。作品で最も希望に満ちた “Powerful Man” は父親賛歌。「偉大な、最も才能に秀でた友人を失ってしまった訳だからね。もちろん、世界的な損失でもあったよね…」12歳の孫の Ethan は驚くほどに Keith の才を受け継いでいるそうです。弊誌が必ず行わなければならなかった取材。どうぞ！！

3.2 “THE RULES HAVE CHANGED” : 9.9/10

INTERVIEW WITH ROBERT BERRY

Q1: Hi, Robert! I’m a big fan of 3. So, I’m really excited about this great opportunity, thank you so much! First of all, I’d love to talk about the original 3 project. I think 3 started with you and Carl. After that, Keith joined with the project. Is that right?

【ROBERT】: Hi Sin. I am pleased to speak with you. Yes, Carl and I were trying to start a new band. Asia had run into some trouble and Carl wanted a more rocking band for his next project. After trying out a few people I joined GTR with Steve Howe instead. After a while that didn’t work for me so I was heading home. That’s when I got the call that Keith wanted to meet. From that point you know what happened.

Q1: オリジナルの “3” プロジェクトは、あなたと Carl から始まったんですよね？

【ROBERT】: そうだね。Carl と僕は当時新しいバンドを始めようとしていたんだ。ASIA でいくつかトラブルがあって、Carl は次のプロジェクトはよりロックしたバンドにしたかったんだよ。
一方、何人か試したのち、僕は Steve Hackett の代役として Steve Howe の GTR へと加わっていたね。しばらくして、あのプロジェクトは僕にとってしっくりこなかったから、家に帰っていたんだよ。そんな時に Keith から会いたいと電話をもらってね。そうやって始まったんだ。

Q2: I really love “To the Power of Three”. You three parted ways with old style prog of long songs and lengthy instrumentals. It was more commercial, compact, and catchy, but also intelligent record, I think. What made you choose such a direction?

【ROBERT】: Carl had such big success with Asia and Keith wanted something like that. We really had a powerful band and during that first year we learned a lot about each other and our music together. It takes a little time for a new band to figure out who they are and which direction they should take. After the tour we knew but fan criticism of Keith from hard core ELP fans had been really harsh.

Q2: “3” 唯一の作品となった “To the Power of Three” は長尺の楽曲やインストゥルメンタルパート、すなわちオールドスクールのプログロックとは一線を画すキャッチーでコンパクト、知的でいながらコマーシャルなアルバムでしたね？

【ROBERT】: Carl は ASIA で大きな成功を収めたから、Keith も同じような成功が欲しかったんだよ。本当に強力なバンドだったね。
最初の1年は互い自身、そしてその音楽について一緒に学び合っていたんだ。新しいバンドには、メンバーがどんな人物で、どういった方向性を取るのか模索する少しの時間が必要だからね。
ツアーが終わってからだよ。ハードコアな ELP ファンによって Keith が叩かれているのを僕たちが知ったのは。本当に酷かったね。

Q3: Looking back now, “To the Power of Three” might be compared with ELP, or Asia. What were your perspective about such comparisons, at that time?

【ROBERT】: The problem was that fans of ELP only wanted the long songs and the Greg Lake vocals. I understood their feelings but knew we could win them over in time. Asia was my favorite band at the time so being compared to them made me happy. If you have listened to my Dividing Line album you know my solo style has been more comparable to the Asia style.

Q3: 仰るように、あの作品は当時 ASIA や ELP と大いに比較されたようですね？

【ROBERT】: 問題は、ELP のファンはただ長尺の楽曲と Greg Lake のボーカルが聴きたかっただけだという点だったね。僕も彼らの気持ちはよく分かるんだけど、とは言え彼らと分かり合えることはないことも知っていたんだ。
ASIA は当時僕のフェイバリットバンドだったね。だから彼らと比較される分にはとても嬉しかったよ。
僕の “Divine Line” アルバムを聴いてもらえれば、僕のソロスタイルがより ASIA と比較されるべきことが伝わると思うな。

Q4: So, move a clock forward. It seems materials written for a second 3 album developed your great solo album “Pilgrimage to a Point.”, right? After 3 was over, have you and Keith kept in touch with each other for a long time?

【ROBERT】: Yes, the songs I wrote and recorded to try and keep 3 together are on Pilgrimage. But I could not get Keith to overcome the fan criticism. He was done with it for the next 28 years. We spoke a lot by phone. He did some studio session work for me, and he played a solo on my song Wait. It wasn’t until a record company put out 3 live in Boston from 1988 that Keith called me excited at how great a band we were. He couldn’t believe it. He had really not thought about it. In fact, he wanted to leave it behind. But there it was, proof of our great music on that disk and he was loving it all over again.

Q4: “3” のセカンドアルバムとして制作されていたのが、後にあなたのソロアルバム “Pilgrimage to a Point” になったんですよね？そうしてバンド解散以降も Keith とは連絡を取り続けていたのでしょうか？

【ROBERT】: そうだね。僕が書いてレコーディングし、”3″ を続けようとしていたマテリアルが “Pilgrimage to a Point” には収められているよ。だけど、僕は Keith をファンの批判から守り、克服させることが出来なかったんだ。彼はそこから28年間もその批判を我慢し続けることとなったんだからね。
僕たちは電話でたくさん話していたよ。彼は僕のためにいくつかスタジオのセッションワークをしてくれたし、僕の楽曲 “Wait” ではソロもプレイしてくれたね。レコード会社がやっと “3 Live in Boston 1988” をリリースした時には、すぐに興奮して電話をくれ、初めて僕たちがいかに偉大なバンドだったか話したよ。
彼はそれまで “3” が偉大なバンドだったことを信じることが出来なかったんだ。本当に考えてもみなかっただろうね。事実、彼は忘れてしまいたかったんだと思う。だけど証拠が出てきたんだよ。あのディスクには僕たちが残した偉大な音楽が封じられていたね。そうして彼は再び “3” を愛するようになったのさ。

Q5: When I heard the news of Keith’s death, I was really shocked, devastated. It seems you have difficulty dealing with Keith’s loss, right?

【ROBERT】: It was very difficult. In one move I lost a great friend, my most talented friend, my hope of finishing our new 3.2 album, and honestly a 28 year old dream. It was a loss for the world…

Q5: Keith の死を受け止めるのは非常に難しかったと思いますが…

【ROBERT】: とても難しかったよ。あと一歩で、僕の28年をかけた夢である “3” の新作が完成するというところで、偉大な、最も才能に秀でた友人を失ってしまった訳だからね。もちろん、世界的な損失でもあったよね…

Q6: From the huge loss, what made you create new record as “3.2”? What’s your thought behind the title of “The Rules Have Changed”?

【ROBERT】: I wasn’t going to finish what Keith and I had started. I just couldn’t think of an honest reason to continue without him. It took me 6 month of healing before I had the idea to have his son Aaron play on it. I sent Aaron a very hard song. That was not the right thing to do. He was excited to play on the album but when he heard that song he said it was way to difficult. That rekindled the spark of me wanting to finish what Keith and I had started. I wasn’t sure at that point I’d release it though. I just wanted to finish it exactly how we had planned. I lost another musical friend, Trent Gardner, from the band Magellan the same year, the same way. It was puzzling to me how someone gets to that dark place. The song was initially called Down in the Hole and became the title track The Rules Have Changed.

Q6: Keith の死を乗り越え、”3.2″ として新作 “The Rules Have Changed” を完成まで導いた原動力は何でしたか？

【ROBERT】: 最初は、Keith と僕が始めたことを完成させようとは思っていなかったんだ。僕は彼なしで続ける誠実な理由を見つけることが出来なかったからね。
Keith の息子 Aaron にプレイしてもらうというアイデアに達するまで、6ヶ月の時間を要したね。Aaron にはとても難しい曲を送ってしまったんだ。今思えば間違っていたかもしれないね。彼は最初、アルバムでプレイすることに興奮していたんだけど、その楽曲を聴くと難しすぎると言ったんだ。その出来事で、僕は Keith と始めたことを完成させようと再び心に火がついたんだよ。
その時点では、作品をリリースできるかどうかも不確かだったんだけどね。僕はただ、2人で計画したことをしっかりと完成させたかったんだ。
実はもう1人、僕は音楽における友人を亡くしていてね。MAGELLAN の Trent Gardner だよ。同じ年に、同じ方法でね…( Keith, Trent 共に自ら命を絶った )。だから僕にとって、人間がそういった暗い場所、感情に到達してしまう経緯はある種の悩みとなったんだよ。それでタイトルトラックを書いたんだ。当初は “Down in the Hole” と呼んでいてね。後に “The Rules Have Changed” に変更したのさ。

Q7: There are no Carl Palmer, no Keith Emerson on this record. But definitely, I can hear their sound from the album. Off course, you are a perfect multi instrumental player, but this time, their spirits entered into your body and soul, right?

【ROBERT】: Sin you are so right about this. I spent a complete year working on this album. What drove me and guided me was asking myself “what would Keith do here?” I struggled over every piece. Sometimes reworking them two or three times. It was a labor of love and I worked until I felt it was right. But to be honest when I was finished ― I didn’t really know if I had it right or not. I was so deep into it that I could not tell. I had to check it with a few people that would give me a good cross section of opinions.

Q7: 作品では Carl Palmer も Keith Emerson も演奏はしていませんが、まるで彼らのスピリットがマルチ奏者であるあなたに憑依してプレイしているようにも思えました。

【ROBERT】: 君は実に正しいよ。僕は丸一年、このアルバムを制作していたんだ。その間に、僕を動かし導いたのは “Keith ならどうしただろう？” という自問自答だったね。
僕はどんな細部にも全てに渡ってもがき、努力を注いだんだ。時には、2度も3度もやり直すことだってあったんだよ。つまりそれは、愛を伴った苦労であり、僕はそれが正しいと思えるまで仕事を続けたんだ。
だけどね、正直に言ってアルバムが完成した時、僕はこの作品が正しいのかそうでないのか全く分からなかったんだ。あまりに深くのめり込みすぎて、判断することが出来なかったのさ。それで分かりやすく意見を伝えてくれる何人かに、チェックしてもらったんだ。

Q8: It seems Keith contributed to the new album before he passed away. Which song is most emotional for you and best tribute to him?

【ROBERT】: Honestly – every song is emotional for me. So many emotions were running deep as I wrote the lyrics and then performed the parts. Very deeply immersed during every minute. You have to remember that I had about 20% of it already done with Keith’s playing on it. I had to work within that frame work. It took everything I had ever learned to complete it the way I did. From the songwriting, the instrument performing, to the engineering. Everything was at the best possible standard according to the skills I had.

Q8: Keith は亡くなる前に残した素材でアルバムに貢献する形となりました。最もエモーショナルで、彼へのトリビュートに相応しいのはどの楽曲だと思いますか？

【ROBERT】: 正直に言って、僕には全ての楽曲がエモーショナルだよ。歌詞を書いて、レコーディングしている間、多くの感情が僕の中を深く駆け巡っていったんだ。どの瞬間にも深く、深く浸っているんだからね。
Keith がプレイして、作品の20%はすでに仕上がっていたことを忘れてはならないよ。僕はその枠組みの中で仕事を続ける必要があったんだ。こうやって完成を見るまでには、今まで学んできたことを全て注ぎ込んだんだよ。ソングライティングから、楽器の演奏、サウンドエンジニアリングまでね。僕の持つスキルを全てに最大限生かしたんだよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED ROBERT’S LIFE

THE BEATLES “REVOLVER”

JEFF BECK “BLOW BY BLOW”

STEVIE WONDER “SONGS IN THE KEY OF LIFE”

YES “YES”

ROBERT BERRY “BACK TO BACK”

MESSAGE FOR JAPAN

My focus has been on 3.2. This is the last chance I will ever have to do something with Keith. Although our time was cut short I want to honor our commitment to a very musical, meaningful album. I am looking towards a tour next year and after that I’m not sure where that will lead me.
I am hoping to see Japan next year and perform my history in music for you. Keith always said that the people of Japan were his biggest fans and I would like to honor those fans with our last effort together. I hope to meet you in person.

僕はずっとこの “3.2” に集中してきたんだ。Keith とコラボレートする最後のチャンスだからね。僕たち2人の時間は思っていたより短くなってしまったけれど、とても音楽的で意味のある作品に共にコミット出来たことを誇りに思っているんだ。来年のツアーを楽しみにしているし、その後僕がどこへ導かれるのかは神のみぞ知るという感じかな。
来年は日本も訪れたいし、僕の歴史を総括した音楽を君たちに届けたいと望むよ。Keith はいつも日本人が彼の最大のファンだと言っていたよ。僕たち2人の最後の作品をそういったファンに捧げたいと思うよ。ぜひ直接君たちに会ってみたいな。

ROBERT BERRY

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SPECIAL INTERVIEW 【RENAISSANCE : A SYMPHONIC JOURNEY】JAPAN TOUR 2018 !!

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ANNIE HASLAM OF RENAISSANCE !!

PHOTO BY BRIAN TIRPAK

“I Have Been Blessed That My Voice Has Stayed Strong… I Really Love To Sing The Songs Of Renaissance.”

A SYMPHONIC JOURNEY

60年代後半、ブリティッシュロック第2の波はメインストリームに清新な音風を吹き込みました。質量を纏ったロックンロールは、ジャズ、フォーク、クラシカル、そしてポップミュージックと融合し華麗なオーケストラを奏で始めたのです。そして、至高のコンダクターが集うそのムーブメントは、”プログレッシブロック” “進化するロック” と称されるようになりました。
残念なことに、ムーブメントの中で RENAISSANCE は、YES, KING CRIMSON, そして GENESIS ほどの盛名を馳せた訳ではありません。”Northern Lights” のヒットが生まれた70年代後半まで、バンドがチャートを賑わせたりスタジアムをフルハウスにすることはありませんでしたし、何より彼らは前述のコンダクターたちほどテクニカルでも、フラッシーでも、実験的でもなかったからです。
しかし、RENAISSANCE にはクラシック音楽、フォーク音楽をオーケストラルに、シンフォニックにロックへと昇華する唯一無二の独自性が確かに存在していました。
「私たちの音楽は魂の深い部分に触れるものなの。」 Annie Haslam のオペラティックに舞い上がる5オクターブの声翼、Jon Camp のメロディックに推進力を秘めたベースライン、そして Michael Dunford のデリケートで味わい深いギターアレンジメント。彼らのプログルネサンスはただ一貫して魂に触れる音楽の追求だったのです。
世界初のシンフォニックロック女性シンガー Annie が RENAISSANCE に加入したのは “移行” の時期でした。YARDBIRDS のレジェンド Keith Relf が着手した「ロックにクラシックやフォークをブレンドして進化を遂げる」構想はそのままに、メンバー全てが交代しリリースした”Prologue” からバンドは躍動を開始します。Annie のそびえ立つ美声、John Tout のジャジーでラテンな鍵盤捌き、Jon Camp の華麗なベースライン。エレガントなタイトルトラックはまさしくルネサンスイズムの芽生えでした。
バンドのクリエイティブフォースである Michael Dunford が正式に復帰し、オーケストラを導入した “Ashes Are Burning” は ELP や YES のファンの目を惹くに充分なクオリティーを誇るブレイクスルーアルバムとなりました。Dunford の緻密で淡く、マジェスティックなアレンジメント、アコースティックの響きは完璧なまでにバンドにフィットし、オープナー “Can You Understand?” で魅せるロックとクラシカル、そしてフォークの目眩くコントラスト、ダイナミズムは作品をプログレッシブの名作として長らく語り継がれるマイルストーンへと押し上げたのです。
作品を重ねるごとに RENAISSANCE はそのプログレッシブのイヤーキャンディー、シンフォニックでエセリアルな天にも昇る聴き心地を高めていきました。中でも、75年にリリースした “Scheherazade and Other Stories” は最もシネマティックで、深層までレイヤーされた極上のデザインを誇るマスターピースです。
25分のエピック “Song of Scheherazade” はライブアルバム “Live at Carnegie Hall” でさらにそのスリル、ダイナミズムを増して、圧倒的なまでにリスナーを恍惚へと誘います。一方で、後に BLACKMORE’S NIGHT もカバーした “Ocean Gypsy”、前作の “I Think of You” で提示した幽玄に煌めく叙情のスロウダンスも実に白眉なのですが。
しかし、米国で成功のピークに達したバンドは “Northern Lights” のヒットを境にダークピリオドへと陥ってしまいます。「正直に言って大きな過ちだったと思うわ。当時私たちは自らの大事な大事な財産を置き忘れてしまったのね…」インタビューで Annie も認めているように、ヒットを求めるプレッシャー、ニューウェーブやディスコミュージックの台頭により、80年代に入りバンドはその魂を置き忘れ迷走し、遂には分裂に至ってしましました。
ソロ活動を経て Annie, Michael の両者が合流。2000年に “Tuscany”をリリースし、バンドの40周年を契機にリユニオンが本格化するとシーンはレジェンドの復帰を諸手を挙げて歓迎しました。しかし、新作 “Grandine il Vento” が予定され RENAISSANCE にとって何者にも代えがたい1年となるはずだった2013年を前に、Michael Dunford が逝去してしまったのです。
“Grandine il Vento”, 後にリイシューを経て “Symphony of Light” と銘打たれた作品は、Annie が “導きの光” と慕っていた Michael への素晴らしいトリビュート、墓碑となりました。
今では5人のアメリカ人と、米国在住の英国人というラインナップになった RENAISSANCE ですが、Annie の情熱、そして天賦の歌声は衰えることを知りません。そうして、オーケストラとの共演を封じたライブDVD “A SYMPHONIC JOURNEY” は新たな旅立ちの象徴としてリリースされます。8年ぶりに決定した来日公演はまさにその伝説と飛翔を目にするこの上ないチャンスとなるはずです。
今回弊誌では、歴史の証人 Annie にインタビューを行うことが出来ました。「そして何より、私は心から RENAISSANCE の楽曲を歌うことを愛しているの。」アートワークに使用するほど絵画や写真にも秀でた芸術の人。どうぞ！！

INTERVIEW WITH ANNIE HASLAM

Q1: Hi, Annie! Thanks a lot for giving us such a great opportunity. “Renaissance A Symphonic Journey” in Japan is just announced! It’s first time in eight years. How do you feel now?

【ANNIE】: VERY excited, it has been too long since we were there last in 2010. The shows will be wonderful.
Also I will be at Disk Union’s Shinjuku store in Tokyo at 3pm local time on September 16th…to promote the shows and our new DVD ‘A Symphonic Journey’ with the Renaissance Chamber Orchestra. Hope to see you there!

Q1: 8年ぶりの来日が決定しましたね！まずは今のお気持ちを聞かせていただけますか？

【ANNIE】: とても、とても興奮しているわ！2010年、最後に日本を訪れた時から随分と時間が経ってしまったわね。きっと素敵なショウになるはずよ。
あと、9/16の午後3時から新宿の Disk Union でショウと新作DVD “A Symphonic Journey” Renaissance With Chamber Orchestra” のプロモーションを行うわ。ぜひいらっしゃってくださいね！

Q2: It seems you’ll play “Island” from the album “Renaissance”. Off course, the singer was not you but Jane Relf, sister of Keith Relf at that time. What made you add it to your setlist?

【ANNIE】: It was my audition song that got me the job with Renaissance. I have always wanted to add it into the show, and so when we decided to work with an orchestra again, it was perfect timing in the Universe !

Q2: 日本公演でも、ファーストアルバム “Renaissance” から “Island” をプレイするそうですね？もちろん当時のシンガーはあなたではなく、Keith Relf の妹 Jane だったわけですが。

【ANNIE】: 実は、”Island” は私が RENAISSANCE のオーディションを受けた時に歌った楽曲だったのよ。だからいつもこの曲をショウのセットリストに加えたいと思っていたの。
奇しくも私たちはちょうどオーケストラとの再演を決めたところだったから、全てが噛み合った完璧なタイミングだったのよ。

Q3: Off course, Keith Relf is pioneer of Rock, legend of The Yardbirds. It seems he liked your voice and wanted you to join Renaissance, right? What was Keith to you?

【ANNIE】: Actually, Keith did not invite me, I had never met him until my audition. I remember him being a lovely man though!

Q3: Keith は当時、ロックのパイオニア YARDBIRDS のレジェンドだったと思うのですが、彼があなたの声を気に入って RENAISSANCE に引き入れたんですよね？

【ANNIE】: Keith が私を誘ったわけではないのだけどね。実を言うとオーディションの時まで彼には会ったこともなかったの。だけどとてもラブリーな人だったと記憶しているわ。

Q4: So, 2018 is 45 years anniversary of “Ashes are Burning”. Among your huge discography, what do you think about the reason of this record is especially loved by fans?

【ANNIE】: Yes. It is so very different and unique, and also the first album where we added an orchestra.

Q4: 今年は名作 “Ashes Are Burning” の45周年にあたりますね。RENAISSANCE の膨大なディスコグラフィーの中でも特に愛されている作品です。

【ANNIE】: そうね。この作品はとても異なった魅力を持っていてユニークよね。それに私たちが初めてオーケストラを加えた作品だったからとても愛されているんじゃないかしら。

Q5: Even after 45 years, your voice is not waning at all. Have you done something to keep your voice beautiful?

【ANNIE】: I have been blessed that my voice has stayed strong… I don’t smoke cigarettes, don’t do drugs, eat healthy (I am a vegetarian) and am basically a very positive person and LOVE to sing the songs of Renaissance.

Q5: それにしても、あなたの声は45年という月日を経ても、衰えるどころかその艶を増していますね。

【ANNIE】: 本当に、私は自分の声が今日まで強く保たれていることを感謝しているのよ…私はタバコも吸わないし、ドラッグもやらないわ。ベジタリアンだから健康な食事を心掛けているし、基本的にとてもポジティブな人間であることも良いのかもしれないわね。
そして何より、私は心から RENAISSANCE の楽曲を歌うことを愛しているの。

Q6: Michael Dunford is off course, John Tout, John Wetton, …Renaissance has lost important persons related to the band. Even so, what’s your driving force to the band and music?

【ANNIE】: It’s always down to the unique music and I suppose my five octave voice keeps it in a realm of uniqueness.
This music touches deep into the soul, and we all need that.

Q6: Michael Dunford, John Tout, John Wetton…RENAISSANCE はバンドに関係する重要な人物を失いました。それでもあなたを音楽やバンド活動へと駆り立てるものはなんでしょう？

【ANNIE】: やっぱりこのバンドのユニークな音楽性に尽きると思うわ。そしてその音楽性の妙味は、私の5オクターブの声によって実現しているのでしょうから止めるわけにはいかないわよね。
私たちの音楽は魂の深い部分に触れるものなの。そうして、バンド全員が、もしかするとシーン全体もそういった音楽を必要としているのかも知れないわね。

Q7: After Renaissance contracted with Warner Bros, it seems the band went to more commercial, pop, digital direction and maybe it caused band’s first dissolution. How do you look back that period now?

【ANNIE】: Personally I was not ahppy with the change of direction. Having a hit with Northern Lights was the start of it really… a fabulous song but after that there was pressure to come up with more commercial songs.. BIG mistake, we left behind our heritage… Luckily we got it back in 2012 with the release of ‘Grandine il Vento.’.

Q7: 魂に触れる音楽と仰いましたが、バンドは Warner Bros と契約した後、よりコマーシャルでポップ、デジタルな方向性へと舵を切りましたよね？もしかすると、そういった方向性の変化が、当時の解散をもたらしたのではと想像するのですが。

【ANNIE】: 個人的には、あの方向性の変化には満足していなかったわね。”Northern Lights” のヒットから全てが始まったのよ…本当にね。確かにとても素敵な楽曲だったけど、そこからよりコマーシャルな新曲を求めるプレッシャーがかかり始めたのよ。
正直に言って大きな過ちだったと思うわ。当時私たちは自らの大事な大事な財産を置き忘れてしまったのね…幸運なことに、それでも2012年に “Grandine il Vento” をリリースすることでその財産を取り戻すことが出来たと思っているわ。

Q8: So, many fans are waiting for Renaissance’s new materials. Is there any plan to making new record near future?

【ANNIE】: Right now we are concentrating on promoting our ‘Live’ with Chamber orchestra DVD ‘A Symphonic Journey’. We have a wonderful strong catalogue of some incredible music and so many people across the world have never even heard our music.

Q8: その “財産” を取り戻したバンドの新作を期待しているファンも多いと思います。

【ANNIE】: 今現在は、私たちの最新作 “Renaissance with Chamber orchestra DVD ‘A Symphonic Journey” のプロモーションに集中しているのよ。それに、私たちには素晴らしく強力な、驚異的な音楽のカタログがあるから、世界中のまだ RENAISSANCE を知らない人たちに届けていきたいと思っているの。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED ANNIE’S LIFE

JONI MITCHELL “SONGS TO A SEAGULL”

JOAN BAEZ “JOAN BAEZ/5”

PETER TCHAIKOVSKI “SERENADE FOR STRINGS (Movement 1)”

RENAISSANCE “PROLOGUE”

ANNIE HASLAM “ANNIE IN WONDERLAND”

MESSAGE FOR JAPAN

I am so happy to be going Japan again, a beautiful country with beautiful people who appreciate beautiful music.
I will sing my heart out along with the incredibly gifted musicians that now are ‘Renaissance’, we look forward to seeing you soon.
Please come to the show we are going to be performing some great Renaissance Classics!!!!

また日本に行くことが出来て私はとても幸せよ。美しい国、美しい音楽を賞賛してくれる美しい人々。
私は RENAISSANCE の驚異的な才能を持ったミュージシャンと共に心の底から歌を歌うわ。
ぜひ、私たちが RENAISSANCE のクラッシックをプレイするショウに足を運んでくださいね！！！！

ANNIE HASLAM

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RENAISSANCE Official Site
“A SYMPHONIC JOURNEY” INDIEGOGO
ANNIE HASLAM Facebook Page

ルネッサンス / シンフォニック・ジャーニー
2018年9月17日 (月・祝日) 山野ホール 開場16:15 / 開演17:00
全席指定:￥10,800
2018年9月18日(火)山野ホール 開場18:15 / 開演19:00
全席指定:￥10,800
来日公演の詳細はこちら！LIVE NATION

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DISTORTED HARMONY : A WAY OUT】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH YOAV EFRON OF DISTORTED HARMONY !!

“We Started As Classic Prog Metal, Evolved And Matured Into a Much More Modern Prog Act And I See No Need Or Desire To Add Oriental Elements Into Our Music.”

DISC REVIEW “A WAY OUT”

イスラエルに響く”歪のハーモニー” は世界へと波動する。プログメタルの過去と未来に干渉するクロノトリガー DISTORTED HARMONY は、その最新作 “A Way Out” で無謬のミッシングリンクを提示します。
まさにクラッシックプログメタルの “ユートピア”、”Utopia” でデビューを果たして以来、新世紀の象徴 Jens Bogren をサウンドエンジニアに据えたバンドはより多様でリッチなモダンプログの領域を探求し、温故知新のエキサイティングな融和をシーンにもたらしています。
確かに彼らの方法論は “歪” なのかも知れませんね。なぜなら、同じ “プログメタル” という看板を掲げていながら、クラッシックなレジェンドとモダンな新世代の音楽性、概念には時に多くの共通項を見出せない場合さえ存在しているからです。
しかし、クラッシックなプログメタルを出発点とする DISTORTED HARMONY は自らの豊潤なるルーツと向き合いながら、刺激的な現在、未来の空気をその音楽に反映しています。
「正直僕にはもう耐えられなかったんだ。プログメタルの “一般的な構成” のみと対峙するのは退屈になってしまったんだ。」実際、前作 “Chain Reaction” リリース時のインタビューでバンドのマスターマインド Yoav Efron はそう語っています。そうして彼らが辿り着いた “トリガー” は、Djent, エレクトロニカ、アトモスフェリックといったフレッシュなモダンプログレッシブの領域だったのです。
Amit と Yoel、2人の新たなギタープレイヤーを加え6人編成となった DISTORTED HARMONY が放つ “A Way Out” は、そうしてバンド史上最も鋭くヘヴィー、ダークでパーソナルな感情を宿すマイルストーンに仕上がりました。
EDMの煌びやかなシンセサウンドに導かれるオープナー “Downfall” はアルバムへのシンプルな招待状。小気味よい Djenty なリフエージ、ポリリズムの海に浮かび流れる甘く伸びやかなボーカルメロディーはまさしくバンドが到達した至高のクロノクロス。
よりエピカルな “Awaken” は、一際顕著に交差する時流のコントラストを浮かび上がらせます。ピアノとクリーンギターを使用したジャジーでシアトリカルな世界観は Devin Townsend の遺伝子を脈々と受け継ぎ、同時に繊細なデジタルビートとアトモスフェリックなシンセサウンドがリスナーのイメージを現代へと連れ戻すのです。
後半のアップデートされた Djenty なリフワークと DREAM THEATER ライクなシーケンスフレーズのせめぎ合いも、エスカレートするテクニックの時間旅行を象徴していますね。
そしてこの濃密なタイムトラベルにおいて、特筆すべきは深遠なるディープボイスから甘美で伸びやかなハイノートまで司る Michael Rose のエモーショナルな歌唱と表現力でしょう。
DREAM THEATER の “Awake” を KARNIVOOL や PORCUPINE TREE のセオリー、アトモスフィアでモダンにアップデートしたかのようなメランコリックな秀曲 “Puppets on Strings”, “For Easter” を経て辿り着く “A Way Out Of Here” は、Michael の才能を最大限まで活用しプログレッシブポップの領域を探求した感情の放出、叫びに違いありませんね。固定観念、支配から目覚め芽吹く自我。それはもしかするとバンドの進化した音楽性にもリンクしているのでしょうか。
そうしてアルバムは、高揚感に満ちた “We Are Free”, 荘厳なる “Someday” でその幕を閉じました。希望、喜び、解放、自由。そこに一筋の不安と寂寞を残しながら。
今回弊誌では、キーボードマエストロ Yoav Efron にインタビューを行うことが出来ました。「僕はあんなに小さな小さなシーンにもかかわらず、非常に豊かで多様なイスラエルのシーンにはいつも驚かされているんだよ。」どうぞ！！

DISTORTED HARMONY “A WAY OUT” : 9.8/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DISTORTED HARMONY : A WAY OUT】 →

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【OBSCURA : DILUVIUM】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH LINUS KLAUSENITZER OF OBSCURA !!

“I Am Missing Innovation a Lot In The Tech Death Scene. When a New Tech Death Album Comes Out, It’s Mostly a Rip Off Of Something That Was There Before. Actually I Prefer The Term Of “Progressive Death Metal” More. “

DISC REVIEW “DILUVIUM”

哲学するプログレッシブデスメタルの巨塔 OBSCURA は、アルバム4枚にも及んだ悠遠かつ考究のコンセプトサイクルを最新作 “Diluvium” で遂に完結へと導きます。Schopenhauer, Goethe, Schelling といった母国ドイツの哲学者にインスピレーションを得た、実存の真理を巡るコスモジャーニーは “Cosmogenesis” のビッグバンから “Diluvium” で迎える終焉まで生命の存在意義を思慮深く追求し描くのです。
或いは、もはや OBSCURA を “Tech-death” という小惑星へと留めることは烏滸の沙汰だと言えるのかも知れませんね。「僕は Tech-death シーンにはイノベーションがとても欠けていると感じていたんだ。実際、僕は Tech-death というタームより “プログレッシブデスメタル” の方を気に入っているからね。」と Linus が語るように、赤と黒が司る終末の物語は皮肉にもバンドに進化を促す未曾有の翼を与えることとなりました。
変化の兆しはオープニングから顕著です。”Clandestine Stars” でバンドは自らのシグニチャーサウンドである複雑にデザインされたポリリズミックなストラクチャー、ハイテクニック、デスメタルのファストなアグレッションと地を這うグルーヴに、エセリアルなメロディーとアトモスフィアを降臨させることに成功しています。
続く “Emergent Evolution” はより顕著にメロディックでキャッチーなバンドの新機軸を投影します。CYNIC のボコーダーをイメージさせる神秘のコーラスワークは、身を捩る狂おしさとひりつく感傷をまとってリスナーの感情へダイレクトに訴えかけるのです。新加入 Rafael Trujillo のロマンティックで時空を架けるリードプレイも作品のテーマやムードと見事にシンクロしていますね。
「今回、僕は本当にバンド全員が同じだけ “Diluvium” の作曲に貢献したと思っているんだよ。だから当然その事実は多様性へと繋がるわけさ。」と Linus が語るように、ある意味バンドのマスターマインド Steffen が一歩引いて民主化を進めることで “Diluvium” の充実度、多様性は飛躍的に上昇したと言えるのかもしれませんね。
Rafael とドラマー Sebastian が共作した “Ethereal Skies” はその確固たる証でしょう。シーケンシャルなクラシカルフレーズが流麗に冒頭を飾る楽曲は、リズムの実験を交えつつテクニカルにエセリアルに深淵から光を放射し、彷徨える空へと救済をもたらすのです。
ブルータルなグロウルと荘厳なるコーラスのコール&レスポンスはすなわち死と生を表現し、Rafael のストリングスアレンジメントはさながら天空へと続く螺旋の階段なのかも知れません。何より OBSCURA のニューフロンティアを切り開くシンフォニックな感覚、鬼才 V.Santura との共同作業は、瑞々しさに満ちています。
さらに終盤、バンドは “The Seventh Aeon” で OPETH の濃密なプログレッシブを、”The Conjuration” でブラックメタルの冷徹なる獰猛を抱きしめ、拡大する可能性をより深く鮮やかに提示して見せました。特に前者で Linus が繰り広げるフレットレスベースの冒険、陰陽の美学は白眉で、アルバムを通してユニークな OBSCURA サウンドを牽引するリードベースマンの存在感を改めて浮き彫りにしていますね。
アルバムは “無限へのエピローグ” でその幕を閉じます。OBSCURA がこの4連作で培った全ての要素はきっとここに集結しているはずです。救済者で破壊者、宇宙の始まりから見守り続けた神と呼ばれた存在は、そうして恒久にも思われた世界が虚無に飲まれるまでを見届けたのでしょうか。一筋の希望、魂の栄光を祈りながら。
今回弊誌では、シーンきってのベースヒーロー Linus Klausenitzer にインタビューを行うことが出来ました！インタビューには弟の話がありますが、実は彼の父は著名なヴァイオリニスト、指揮者の Ulf Klausenitze で今作にもゲスト参加を果たしています。「アドレナリンが身体中を駆け巡り、その感情をオーディエンスとシェアする瞬間は何物にも変えがたいんだよ。」本誌2度目の登場です。どうぞ！！

OBSCURA “DILUVIUM” : 10/10

INTERVIEW WITH LINUS KLAUSENITZER

Q1: Hi, Linus! Thanks a lot for accepting our interview again! Your Japan Tour in April was really amazing! Your performance was obvious, but also your fan service and communication before/after the show was really nice! Actually, lot’s of people talked about your friendly and nice attitude in SNS. So, how was the tour, Japanese culture and people?

【LINUS】: Thanks for having me again! It was my second time in Japan so I knew a little bit what to expect but this trip strengthen my positive impressions about this beautiful country and it’s citizens even more.
Not only the Japanese food, history, unique culture and joy of living…what a great and very intense crowd! I can remember interesting talks at the concerts but also in metal bars that we visited. Another great moment was when I met my little brother. He is a travel guide that leads German groups through Japan. I met him while he was introducing them to Osaka. In the night some people of the group even came to our show.

Q1: 4月の日本ツアーは素晴らしかったですね！パフォーマンスはもちろん、会場でのファンサービスやコミュニケーションも充実していて、多くファンが SNS でバンドの親切でフレンドリーな姿勢を賞賛していましたよ。

【LINUS】: また君と話せて嬉しいよ、ありがとう！今回のツアーは僕にとって2度目の日本だったから少しは見通しもついていたんだけど、それにしても今度の旅で美しい日本という国、それにも増して人々に対するポジティブな印象はより強くなったんだ。
食事、歴史、ユニークな文化、娯楽だけじゃなく…オーディエンスが素晴らしく、とても熱烈なんだよ！コンサート会場、そして訪れたロックバーでの興味深い話の数々を覚えているよ。
それに弟に会えたことも良い思い出さ。彼は日本でドイツからの団体客を案内するガイドの仕事をしていてね。彼に会った時はちょうど大阪で仕事をしていたのさ。その夜は団体客のうち何人かショウにも来てくれたんだよ。

Q2: Regarding live performance, I feel that you are definitely driving force and arouse fans strongly. In the last interview, you said your first bass hero was Steve Harris. And I remind him from your live performance. Generally bass players have a modest image, but you are completely different, right?

【LINUS】: Haha. I think I am calm person when I am not on stage actually. But when I am on stage I want to live intensely. That’s why I want to play the most powerful way of music and a 6 string fretless bass. It’s incomparable when the adrenaline is shooting through your body and you can share this feeling with the audience.

Q2: バンドのパフォーマンスにおいては、あなたが特に精力的に観客を煽り盛り上げていましたね。以前最初のヒーローだと語っていた Steve Harris を思い出しましたよ。
一般に、ベースプレイヤーは静かなイメージがありますが、あなたは違いますね？ (笑)

【LINUS】: ハハッ (笑)。いや、僕は少なくともステージに上がっていない時は静かな人間だと思うよ。だけど、一旦ステージに上がると、とにかく熱烈にパフォーマンスしたくなってしまうんだ。ライブこそが音楽の、そして僕の6弦フレットレスベースの最もパワフルな表現方法だと思うからね。
アドレナリンが身体中を駆け巡り、その感情をオーディエンスとシェアする瞬間は何物にも変えがたいんだよ。

Q3: So, it all started from Steve Harris. After that, what kind of player, music have you been influenced?

【LINUS】: When I had my first good bass teacher he introduced me to funk and jazz. I learned a lot and changed my view about the bass. I understand how it works in a rhythm group and that most people in metal forgot that. Rocco Prestia, Richard Bona and of course Jaco Pastorius were very impressive to me. In metal fretless players like Sean Malone and Randy Coven inspired me.

Q3: 前回のインタビューで Steve Harris が全ての始まりだったと仰いましたが、そこからどういったベースプレイヤーに影響を受けてきたのでしょう？

【LINUS】: 最初のベース教師が良い先生で、彼がファンクやジャズを紹介してくれたんだ。そうしてその2つのジャンルから僕は多くを学び、ベースに関する見方を変えることが出来たんだよ。
僕はその見方がいかに “リズムグループ” の中で活用出来るのか、そしてほとんどのメタルのプレイヤーがその事実を忘れてしまっていることに気がついたんだ。
Rocco Prestia, Richard Bona. そしてもちろん Jaco Pastorius は僕にとって本当に印象的だったんだよ。メタルのフレットレスベーシストだと Sean Malone, Randy Coven にインスパイアされたね。

Q4: Now, let’s talk about your newest record “Diluvium”. Obscura’s lyrics focus mainly on the writings of famous German philosophers. And you complete your long-running, four-album conceptual circle with Diluvium (defined as a great oceanic flood). What theme did you pursue with this final chapter?

【LINUS】: After 9 years this is now the final of a story about the life cycle of a universe. The first album Cosmogenesis is about the creation, the second album is about the evolution and now the third album is the philosophical part when reflection starts to happen. Diluvium is the end of everything. Fear, darkness and hope are topics on this album. About the “great oceanic flood”: Our singer Steffen read somewhere about the sea of nothingness and was fascinated by the idea that the pure emptiness covers everything. The waves of nothingness absorbs everything like a black hole.
The different themes of those four albums can be found in the lyrics, the music and the artwork as well. Cosmogenesis’ blue artwork described the coldness and loneliness at the beginning of the life cycle. Omnivium was green to symbolize evolution. Akróasis was bronze and showed sceneries that reminded of deserts. Now Diluvium is mostly black and red.

Q4: では最新作 “Diluvium” (Great Oceanic Flood) について話しましょう。ドイツの有名な哲学者の書を歌詞のテーマとしてきた OBSCURA ですが、今作で4枚続いたそのコンセプトサークルが終焉を迎えたようですね？

【LINUS】: 9年という月日を経て、宇宙のライフサイクルに関するストーリーは終焉を迎えたんだ。最初のチャプターである “Cosmogenesis” は創造について、次は進化を、3枚目で思考が始まった際の哲学的な部分に焦点を当てていたんだ。そうして “Diluvium” はまさに全ての終焉なんだよ。恐れ、闇、そして希望がアルバムのトピックさ。
“Great Oceanic Flood” については、シンガーの Steffen がどこかで “虚無の海” について読み、純粋な空虚が全てを覆うそのアイデアに魅了されたんだ。虚無の波はブラックホールのように全てを飲み込むんだよ。
4枚のアルバムに関する違いは当然歌詞にも現れているんだけど、音楽やアートワークにも表出しているんだよ。”Cosmogenesis” のブルーはライフサイクルの始まりにおける寒さや寂しさを表していて、”Omnivium” の緑は進化の象徴さ。”Akróasis” のブロンズは砂漠の荒涼をイメージさせ、そして “Diluvium” は大半が黒と赤に支配されているよね。

Q5: This record is the first to feature guitarist Rafael Trujillo. It seems he did beautiful strings arrangement in “Ethereal Skies”. What is the difference between him and his predecessors Christian and Tom, from the perspective of you?

【LINUS】: Indeed. We were all very curious about Rafael’s songwriting style since we haven’t heard any composition of him before he joined the band. When I heard “Ethereal Skies” that he worked on with Sebastian Lanser it blew me away. I am very excited about his contributions on the album.
Rafael, Tom and Chris were all very different players. Chris has a very different musical background than the other 2. He has a very characteristic tone specially with his tapping technique, he has immense knowledge about music theory and was a pioneer in the Tech Death scene. Tom was unique with his fretless guitar playing that was good for the sound of Akroasis. He was only 9 months in the band and didn’t play any concert with us though. Even Rafael hasn’t recorded any music with us before he made all Akroasis live shows with us and it was obvious very early that we will play a big role in Obscura’s future.
For me Rafael is a virtuoso player that play everything very clear and direct. He has a very emotional way of phrasing and is a very humble person.

Q5: “Diluvium” は新たなギタリスト Rafael Trujillo 加入後初の作品でもありますね。彼はオーケストラアレンジでも貢献を果たしたようですが、Christian, Tom といった前任者たちと比較してどのような違いがありますか？

【LINUS】: そうなんだ。実のところ、僕たち自身も Rafael のソングライティングスタイルにとても興味があったんだ。というのも、僕たちは彼がバンドに加わる以前の楽曲を全く聴いたことがなかったからね。
僕は彼が Sebastian Lanser と共作した “Ethereal Skies” を聴いて鳥肌が立ったんだ。そして彼がこのアルバムに貢献出来ることを確信し興奮したよ。
Rafael, Tom, そして Chris は全員が非常に異なるプレイヤーだよ。中でも Chris は他の2人ととても異なる音楽的なバックグラウンドを持っているね。特にタッピングのテクニックに関してはとても独特のトーンを誇っているんだ。音楽理論にも実に精通していて、もちろん Tech-death のパイオニアと言えるだろうね。
Tom のユニークなフレットレスギターサウンドは “Akroasis” に合っていたと思うよ。とはいえ、バンドに9ヶ月しかいなかったし、一度もライブでプレイすることはなかったね。
そして Rafael は僕にとって全てをクリアでダイレクトにプレイするヴァーチュオーゾタイプのプレイヤーだと言えるね。フレージングはとてもエモーショナルだし、人間性もとても謙虚なんだよ。

Q6: Musically, I feel “Diluvium” is the most diverse and catchy record in your works. That strings arrangement is off course, also there is really catchy melodic chorus, and ethereal atmosphere like “Clandestine Stars” “Emergent Evolution”, and “Convergence”. Off course, Obscura has continued to evolve, but I feel you completely out of the narrow cage of Tech-death with this album. Do you agree that?

【LINUS】: I am happy to you see the evolution that we want to have in our music. I am missing innovation a lot in the Tech Death scene. When a new Tech Death album comes out, it’s mostly a rip off of something that was there before. Then people discuss on forums if it’s Tech enough and spend more time with comparing it with old albums instead of enjoying it. People start to be conservative in a scene that was supposed to break boundaries.
Actually I prefer the term of “Progressive Death Metal” more. With Diluvium we tried to concentrate on what we like most about our music. We wanted to be more melodic, direct and heavy again. We didn’t think about what genre it will fit to best at all.

Q6: 音楽的に “Diluvium” は OBSCURA の作品の中でも最も多様でキャッチーだと感じます。ストリングスのアレンジメントもそうですが、キャッチーでメロディックなコーラス、エセリアルなアトモスフィアこそ進化の象徴ではないでしょうか。
バンドは完全に Tech-death の狭い檻から抜け出したと言えそうですね？

【LINUS】: 僕たちが音楽で表現したかった進化を君が理解してくれて嬉しいよ。僕は Tech-death シーンには圧倒的にイノベーションが欠けていると感じていたんだ。
例えば新たな Tech-death アルバムがリリースされても、その大半は以前からあるマテリアルを流用したものだったね。そうしてリスナーはネットのフォーラムでその作品が充分に “Tech” しているかどうか議論して、音楽を楽しむよりも過去作との比較に時間を費やすんだ。シーンはちょっとコンサバティブ過ぎるから、壁を打ち破る必要があったんだよ。
実際、僕は Tech-death というタームより “プログレッシブデスメタル” の方を気に入っていてね。だから “Diluvium” では音楽における最も好きな部分に集中しようとトライしたのさ。よりメロディックに、ダイレクトに、そして再度ヘヴィーに。僕たちはこの音楽がどのジャンルにフィットするかなんて全く考えなかったんだよ。

Q7: In Akroasis, most of the songs were written by Steffen and You. But, in “Diluvium”, it seems all members took part in the writing process. I think that made more diversity in this record, right?

【LINUS】: Tom also contributed song material to Akroasis, but Sebastian didn’t. This time Sebastian worked a lot with Rafael since they live close to each other. I think that really everyone composed the same amount of music on Diluvium. This made it more divers for sure. We worked a lot together and had thousand Skype sessions about the songs. This is what brought all our songwriting styles together in the end.

Q7: “Akroasis” では大半があなたと Steffen によって書かれていたのに対して、今回はバンド全員が作曲に貢献したようですね。そういった側面も、作品の多様性に繋がっているように思います。

【LINUS】: “Akroasis” では Tom も作曲に関わっていたんだけど、Sebastian はそうではなかったね。今回の作品では、Sebastian が Rafael と多く共作しているんだ。というのも、彼らは近くに住んでいるからね。
僕は本当にバンド全員が同じだけ “Diluvium” の作曲に貢献したと思っているんだよ。だから当然その事実は多様性へと繋がるわけさ。僕たちは共に多くを共作したし、楽曲に関するスカイプのセッションも重ねていったんだ。
そして “Diluvium” は全員のソングライティングスタイルが遂に一つになった成果だと言えるんだよ。

Q8: Anyway, I had an interview with Alkaloid recently. I really love both of your recent release “Liquid Anatomy” as well as “Diluvium”. It’s not big secret that Alkaloid is consisted by ex-Obscura members. So, I do not think that two bands are on good terms now, but you belong to both of them. Are you a good friend with both band’s members?

【LINUS】: Absolutely. I couldn’t be in a band that I am not fine with the members involved. Actually there are only unsolved conflicts between Hannes and Steffen. There is no bad vibe between anybody else. Since I am not part of the conflicts between Hannes and Steffen, I can be friends with both.
I couldn’t be more happy about the bands that I play in. I can play music with some of the best metal musicians in Europe and they are all wonderful persons.

Q8: 最近あなたの別バンド ALKAROID にもインタビューを行いました。
元 OBSCURA のメンバーが多数を占める ALKALOID ですが、両方に所属するあなたの立場も難しそうですね？両方のメンバーと上手くやれているのでしょうか？

【LINUS】: まさにその通りだよ。僕は他のメンバーと上手くやれないバンドに所属することは出来ないからね。実際、解決できない問題が存在するのは Steffen と Hannes の間だけなんだ。2つのバンドで、他に悪いバイブは誰の間にも存在していないんだよ。僕は Steffen と Hannes の争いには関係していないから、2人共に友人でいられるんだ。
だから僕は今プレイしているバンドが、これ以上望めないくらいに楽しいんだ。ヨーロッパで最高のメタルミュージシャンたちとプレイし、彼らは全員素晴らしい人物なんだからね。

LINUS’S RECENT PLAYLIST

DOOR “HERE NOW, THERE THEN”

RACER X “STREET LETHAL”

JUDAS PRIEST “FIREPOWER”

MARTY FRIEDMAN “WALL OF SOUND”

BLACK DAHLIA MURDER “NIGHTBRINGERS”

MESSAGE FOR JAPAN

Japanese fans!!!!! You are wonderful!!! Thanks for all your support. We are planning already on coming back early next year. Stay tuned! We can’t wait to see you again!

日本のみんな！！！君たちは最高だよ！！！全てのサポートをありがとう！僕たちはすでに、来年の早い時期にまた日本へ戻れるよう計画しているんだ。チェックしていてね！またみんなに会えるのが待ちきれないね！

LINUS KLAUSENITZER

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【YOB : OUR RAW HEART】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MIKE SCHEIDT OF YOB !!

PHOTO BY JIMMY HUBBARD

“There Is No Doubt The Near-death Experience Is a Part Of The Music, But In a Triumphant Way. It’s a Survival Album, Not a Sickness Album. “

DISC REVIEW “OUR RAW HEART”

オレゴンの悠久からコズミックなヘヴィネスと瞑想を標榜し、ドゥームメタルを革新へと導くイノベーター YOB。バンドのマスターマインド Mike Scheidt は2017年、自らの終焉 “死” と三度対峙し、克服し、人生観や死生観を根底から覆した勝利の凱歌 “Our Raw Heart” と共に誇り高き帰還を遂げました。
2017年1月に地元の食料雑貨店で重度憩室炎を発症した Mike は、6時間にも及ぶ大手術、ブドウ球菌感染症、さらなる合併症の併発で3度の死地をくぐり抜けました。想像を絶する苦痛、薬の副作用、幻覚、そして様々な不安からメタルシーンの “禅マスター” を救い、心の平安をもたらしたのはマントラと創作活動だったのです。
「死に近づいたことで僕の人生はとても深みを帯びたと感じるよ。」と Mike は語ります。実際、”楽しむこと”、創作の喜びを改めて悟り享受する Mike と YOB が遂に辿り着いた真言 “Our Raw Heart” で描写したのは、決して仄暗い苦痛の病床ではなく、生残の希望と喜びを携えた無心の賛歌だったのですから。
事実、ミニマルで獰猛な2014年の前作 “Clearing the Path to Ascend” を鑑みれば、全7曲73分の巡礼 “Our Raw Heart” のクリエイティビティー、アトモスフィアに生々流転のメタモルフォーゼが訪れたことは明らかでしょう。
作品のセンターに位置する16分の過重と慈愛の融合 “Beauty in Falling Leaves” はまさに YOB が曝け出す “Raw Heart” の象徴です。甘くメランコリックなイントロダクションは、仏教のミステリアスな響きを伴って Mike の迫真に満ちた歌声を導きます。それは嵐の前の静けさ。ディストーションの解放はすなわち感情の解放。ベースとドラムスの躍動が重なると、バンドの心臓ギターリフはオーバートーンのワルツを踊り、濃密なビートは重く揺らぐリバーブの海で脈動していくのです。
煌めくダイナミズムの中で、Mike は亡き Chris Cornell の抑揚ともシンクロしトランス状態にその身と感情を委ねます。「ずっとこんな感じだったよ。人生を通じてね。だけど君の心だけが僕を家へと連れ帰ってくれる。そう、落葉の美しさを眺めている間、僕らの世界は永遠なんだ。」バンド史上最もエモーショナルでドラマティックなエピックは、死生の悲哀と感傷から不変の光明を見出しているのです。
ゆえに、蘇った YOB の作品を横断するスロウバーン、全てを薙ぎ倒す重戦車の嗎は決して怒りに根ざしたものではありません。むしろそれぞれの人生や感情を肯定へと導くある種の踏み絵、あるいは病室で眺望と光陽を遮っていたカーテンなのかも知れませんね。
結果として YOB はドゥームに再度新風を吹き込むこととなりました。例えば CATHEDRAL の闇深き森をイメージさせるオープナー “Ablaze” ではジャンルのトレードマークにアップリフティングでドリーミーなテクスチャーを注入しドゥームの持つ感情の幅を拡大。
さらに “The Screen” では自身の臨死体験を通して経験した苦痛や恐怖を苛烈なギターチャグで表現しながら、メランコリックな神秘の息吹にも思えるキャッチーな歌唱でネガティブをポジティブへと変換しているのですから。
そうしてアルバムは僅かな寂寞とそして希望に満ちた光のドゥーム “Our Raw Heart” でその幕を閉じます。人生と新たな始まりに当てた14分のラブレターは、バンドに降臨した奇跡のマントラにしてサイケデリックジャーニー。開かれたカーテンから差し込むピュアな太陽。ポストメタルの領域にも接近したシネマティックでトランセンドな燦然のドゥームチューンは、彼らとそしてジャンルの息災、進化を祝う饗宴なのかも知れませんね。
今回弊誌では、魂の探求者 Mike Scheidt にインタビューを行うことが出来ました。「今の状態を不満や苦痛に思ったりはしていないんだ。僕はこの経験から多くを学んだし、今生きていることに感謝しているからね。」なお、彼が Chris Cornell の死にかんして読者に送ったメッセージは、自身もうつ病、拒食症に悩まされた過去を持つが故。どうぞ！！

YOB “OUR RAW HEART” : 10/10

INTERVIEW WITH MIKE SCHEIDT

Q1: First of all, you were diagnosed with diverticulitis in 2016, but it seemed you were successfully treating it for over a year. So, we were really surprised and worried about hearing the news you almost died last year. What happened to you at that time? Are you alright now?

【MIKE】: I had a perforation in my sigmoid colon which almost resulted in peritonitis taking my life. Luckily, a surgeon was able to intervene in time to save me. I had two surgeries, and am doing much better. It’s been a long recovery, and in ways I’m still recovering. I have no lasting complaints however, as I learned a lot from the experience and am grateful to be alive.

Q1: あなたは2016年に憩室炎の診断を受けましたが、上手く病気と付き合っているように見えました。故に昨年、あなたが生命の危険を脅かされるほどの状況に陥ったというニュースは衝撃でしたし、ファンはとても心配していましたよ。

【MIKE】: 僕は S状結腸に穿孔を起こし、その結果、腹膜炎を併発してしまったんだよ。幸運なことに、外科手術で進行を遅らせることにより、何とか助かることが出来たんだ。
僕は2度の外科手術を受け、かなり回復したと言えるね。とはいえ全回復までには長い道のりが待っていて、僕はまだ治療を続けているんだよ。
ただ、今の状態を不満や苦痛に思ったりはしていないんだ。僕はこの経験から多くを学んだし、今生きていることに感謝しているからね。

Q2: It seems you wrote “Our Raw Heart” in your hospital bed when you were recovering from 6 hours surgery. 6 hours…really tough experience. What made you focus making music and Yob again?

【MIKE】: I wasn’t in my hospital bed, I was at home shortly afterward recovering and working on music feverishly, almost manically. I was in a heightened state where time was at a crawl and all I felt like doing was working on music, though I had to take frequent short to longer breaks due to pain and needing to rest. There is no doubt the experience is a part of the music, but in a triumphant way. It’s a survival album, not a sickness album.

Q2: 最新作 “Our Raw Heart” は6時間にも及ぶ大手術から回復途中、病院のベッドで書かれたアルバムだそうですね？非常にタフな状況で、それでも音楽を作り YOB の活動へとあなたを駆り立てたものは何でしたか？

【MIKE】: いや、この作品は病院のベッドで書かれた訳ではないんだよ。僕は回復し家に帰ってすぐ、音楽を無我夢中で、ほとんど熱狂的なまでに作り始めたんだ。
当時は危機的状況からゆっくりと回復を遂げている段階で、やりたいことと言えば音楽に打ち込むことだけだったからね。まだ苦痛が残り、休息の必要があったからしばしば休みを交えながらだったけどね。
そしてその経験は疑いようもなく、新作で表現されている音楽の一部となっているよ。ただし病に対する勝利の凱歌としてね。この作品はサバイバル・アルバムで、決して病んでいるアルバムではないんだよ。

Q3: I feel “Our Raw Heart” is different from your past works. Sometimes, there is hope or even delight in the record, do you agree that?

【MIKE】: Yes. Very much so. After surgery, the kind of direction and the atmosphere and flavor of the music presented itself a lot more clearly. It deepened everything. it deepened every single thing about my life, honestly. It’s kind of cliché to say that after a near-death experience, you have a different perception, but it’s a cliché because it unilaterally makes a person aware of where they’re putting their energy, and what’s really important to them.
It wasn’t about projecting into the future, like, ‘Eventually there’s going to be a record,’ or, ‘Eventually we’re going to record,’ it more was more just, ‘Enjoy this.’ And eventually things moved forward, and we were able to play again, and we were all just so elated.

Q3: 仰るように、”Our Raw Heart” には以前の作品と比較してより希望、時には喜びの感情まで垣間見得ますね？

【MIKE】: まさにその通りさ。この作品はとても希望に満ちているよ。手術の後、そういった音楽の方向性、テイスト、アトモスフィアはより明確になったね。実際、死に近づいたことで僕の人生はとても深みを帯びたと感じるよ。どんな些細なことでも全てにおいてね。
もちろん、臨死体験の後人生観が変わるという話はよく聞くけど、もっと踏み込むと臨死体験はある種一方的に僕たちがエナジーを注ぐべき場所、僕たちにとって何が本当に重要なのか気づきを与えてくれると言えるのかもしれないね。
とにかく、さあレコードを作ろう、レコーディングしなきゃって思うよりも、ただ「楽しもう」と思えるようになったんだ。そうして前に進み、僕たちは再びプレイ出来るようになって、その喜びをとても誇れるようになったのさ。

Q4: Regarding of death, we lost amazing Chris Cornell last year. It may be a coincidence, your voice in this album reminds me of Chris’ incredible emotion. Were you affected by his passing somehow?

【MIKE】: I’ve loved Chris Cornell’s songwriting and singing voice since I was 18 years old. His passing was an immense shock, and very sad. Anyone who feels that alone and is contemplating suicide, please don’t stay silent. Reach out and ask for help. There is no shame in it, ever.

Q4: 昨年私たちは Chris Cornell を失いました。偶然かも知れませんが、死に直面した後のアルバムであなたの声は時に Chris のエモーションを想起させます。

【MIKE】: 僕は18の時から、Chris Cornell のソングライティングと歌唱、声を愛して来たんだ。彼が亡くなったことは本当に大きなショックで、とても悲しかったよ。
もし一人で悩み、自殺を考えている読者の方がいるなら、沈黙を貫かずぜひ声をあげて欲しいと思う。手を伸ばして助けを求めるんだ。一切ためらったり、恥ずかしがることなんてないんだからね。

Q5: I always love your impressive artworks. Among them, “Our Raw Heart”‘s artwork is my favorite. Does it relate to concept or lyrical themes of “Our Raw Heart”?

【MIKE】: It does, but I prefer to not explain these things. Music and art sometimes benefits from some mystery.

Q5: YOB のアートワークはいつもイマジネイティブで素晴らしいですが、今回は特に白眉ですね？歌詞のテーマやコンセプトとリンクする部分もありそうですが？

【MIKE】: そうだね、確かにリンクしているよ。ただ、僕はあまり作品のコンセプトを説明してしまうのが好きじゃないんだよ。音楽やアートは時に謎が多い方が楽しめるからね。

Q6: I feel “Beauty in Falling Leaves” seems to bring Yob next realm. It’s really beautiful, most heart wrenching song that the band has recorded to date. From low to high, your vocal performance is incredible, full of emotion, right?

【MIKE】: The ballad is not new to us, we wrote and released Essence on the Japan only version of The Unreal Never Lived, followed by The Great Cessation, then Adrift In The Ocean, and Marrow before Beauty In Falling Leaves. So that is 13 years of ballads. We won’t be stopping that expression anytime soon, haha.

Q6: アルバムの中でも、”Beauty in Falling Leaves” は YOB の音楽をさらに次のステージへと誘っているように感じました。バンド史上、最も美しく、心揺さぶる “バラード” ですよね？

【MIKE】: バラードは決して僕たちにとって全く新しい試みという訳ではないんだよ。”The Unreal Never Lived” の日本盤には “Essence” というバラードタイプの楽曲を書いて収録したよね。それから、”The Great Cessation”, 次に “Adrift In The Ocean”, そして “Marrow”。
だから13年もバラードを書き続けて来たんだよ。この表現方法を止めてしまうつもりはないね。

Q7: Also, “Our Raw Heart” is very progressive record for me. Regarding progressive, legendary Rush is also three piece band. Have you influenced by them?

【MIKE】: We’re perhaps indirectly influenced by Rush. I’d say we’re more influenced by King Crimson Red than any Rush album, though we love Rush!

Q7: 同時に “Our Raw Heart” はとてもプログレッシブなレコードでもありますよね？
例えば RUSH は同じスリーピースバンドですが、彼らからの影響も感じられる気がします。

【MIKE】: おそらく、間接的には RUSH から影響を受けていることになるのかな。つまり、僕たちは KING CRIMSON の “Red” から RUSH のどの作品からよりも影響を受けているからね。とは言え、RUSH も大好きだよ！

Q8: So, in Doom, Sludge territory, bands like Mastodon, Pallbearer seem to set their course forward more Pop, Catchy realm. On the other hand, I feel Yob keeps more artistic aspect still now. What’s your perspective about their way of “Doom goes Catchy”?

【MIKE】: Music that has a mass appeal because of it’s quality of feel and songwriting will stand out, regardless of genre. I personally don’t need doom to be in a box of exclusivity. The more extreme, slow, brutal bands will have their audience, and in some cases it’s a wide audience. The most important thing to be is if the music makes me feel something, inspires something in me, makes me muse and lose myself, or alternately, find myself. I don’t compartmentalize that into genre or supposed genre restrictions.

Q8: ドゥーム、スラッジのテリトリーでは、MASTODON, PALLBEARER といったバンドが先頭に立ってポップでキャッチーな領域を探求しているように感じます。
対して YOB の方法論はよりアーティスティックですよね？

【MIKE】: ジャンルの違いにかかわらず、感性の質の高さと際立ったソングライティングを備えた音楽はマスアピールするはずなんだよ。僕は個人的に排他性という箱のために、ドゥームである必要性を感じはしないんだ。
よりエクストリームでスロウ、そしてブルータルなバンドにもオーディエンスがいて、場合によってはそれはより幅広い聴衆となるんだよ。
最も重要なことは、音楽が僕に何かを感じさせ、何かを奮い立たせ、夢中にし、自分を失い、もしくは代わりに自分自身を見つけることができるかどうかなんだ。僕はそれをジャンルやジャンルが生み出す制限に区分したりはしないんだよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED MIKE’S LIFE

IRON MAIDEN “PIECE OF MIND”

CORROSION OF CONFORMITY “ANIMOSITY”

DANIEL HIGGS “METAMPSYCHOTIC MELODIES”

JONI MITCHELL “COURT & SPARK”

BLACK SABBATH “LIVE EVIL”

MESSAGE FOR JAPAN

We cannot wait to come to Japan to play! It will happen in 2019, we’ll make it so!! Arigato!!

日本に行ってプレイするのが待ちきれないね！きっと2019年には実現するよ。そうなるよう努力する！！ありがとう！！

MIKE SCHEDIT

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ZEAL & ARDOR : STRANGER FRUIT】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MANUEL GAGNEUX OF ZEAL & ARDOR !!

“Nowadays Black Americans Are Being Harassed And Shot To Lay Dead In The Streets. It Is Still a Regular Occurence And Basically Accepted As Normal. I Find This Even Stranger. That’s Where The Name “Stranger Fruit” Comes From.”

DISC REVIEW “STRANGER FRUIT”

過酷な奴隷制、差別の中から産声を上げた嘆きと抵抗、そして救いを包含するゴスペル、ブルース、ソウル。スピリチュアルで魂宿る黒人音楽をエクストリームメタルへと織り込み、刻下の不条理を射影する ZEAL & ARDOR はヘヴィーミュージック未踏の扉を開く真なる救世主なのかもしれません。
全ての始まりはインターネットの功罪を象徴する匿名掲示板でした。スイス人の父とアフロ-アメリカンの母を持つ Manuel Gagneux は 4chan のメッセージボードである募集を行いました。2つの異なるジャンルをミックスして音楽を作るのでその候補を挙げて欲しいと。
彼の目にとまったのは、ネット上に一定数存在する所謂 “ヘイター” からの投稿でした。「 “ブラック” メタルと “黒人” 音楽をミックスしてみろよ。」その人種差別主義者からの言葉は、アフロ-アメリカンの血を引くアーティスト Manuel を掻き立てるに十分の悪意を纏っていたのです。
そうして Manuel は、”もし黒人奴隷がイエスではなくサタンを信仰していたら？” をコンセプトにブラックメタルとスピリチュアルを融合し、ZEAL & ARDOR のデビュー作 “Devil is Fine” を完成させました。つまり、エクストリームミュージックにとって肝要な未踏の領域への鍵は、皮肉にも人種差別主義者に対する究極の “Fxxk You” だったと言えますね。
Manuel のソロプロジェクトだった ZEAL & ARDOR をフルバンドへと拡大し、リスナーのみならず PROPHETS OF RAGE や CONVERGE といったメガアクトからの注目までをも一身に集めた最新作 “Stranger Fruit” は、作品のテーマ、音楽共に更なる進化を果たしたマイルストーンに仕上がりました。
「今日でも、アメリカの黒人はハラスメント行為を受け、街角でも撃たれて死んでいっているのが現状だよ。そうしてそういった差別や事件は、未だに当たり前で普通の出来事として受け入れられてしまっているんだ。僕は差別を当然に思うそっちの感覚の方が “Stranger” おかしいと思うんだよ。」とインタビューで Manuel は語ります。Bille Holiday が “Strange Frute” でおよそ80年前に告発した人種差別の陰惨は、現代でも決して消え去ることはなく、むしろ完全な日常として定着してしまっている。
Manuel のそうした想いは墓掘り人、奴隷、隠者といった歴史のトラウマ、過去の遺物にも思える存在を墓場から掘り起こし、現代社会が抱える闇と巧みに対比しオーバーラップさせながら人に備わる罪と不条理を浮き彫りにしています。「このアルバムの歌詞が過去について歌っているのか、現在について歌っているのか不確かな事実はとても興味深く、そしてまた非常に悲しいことだと思う。」
対比と言えば、「2つを融合することで、それぞれのインテンスはさらに高まりを見せるんだ。」 と語るように、もちろん ZEAL & ARDOR の顔であるブラックメタルとスピリチュアルのコントラストは鮮やかさを増しています。そしてそのインテンスが、拡大するバンドの多様性に導かれていることは明らかです。
トレモロリフがブルースとポストブラックの境界を消失させる荘厳なイントロダクションから、エスカレートするピアノの響きがソウルフルなコール&レスポンス、重厚なコーラスハーモニー、唸りを上げるギターノイズを導く “Gravedigger’s Chant” への流れはダークで濃密、エクレクティックなバンドの伸長するサウンドステージを決定づけます。
サティとドゥビッシー。惹かれあったファンタジックなフランス印象派のイメージを Wendy Carlos のフィルターでエレクトロニックに昇華した至高のインストゥルメンタルピース “The Hermit”, “The Fool”, “Solve”。SYSTEM OF A DOWN をも想起させるドライブする狂気のゴスペル “Row Row”。Tom Waits のポップセンスとドローンの実験性を同時に抱きしめる “You Ain’t Coming Back”。
3分台のコンパクトな楽曲が大半を占めるアルバムは、各トラックがユニークなシグニチャーサウンドを披露しながらも、トータルで浸ることの出来る映画のような48分間を実現しているのです。
そうしてアルバムは、ブルースにゴスペル、究極にポップなエモーションとポストブラックの激情を詰め込んだ心揺さぶるフェアウェルソング “Built on Ashes” で、完璧なまでにリスナーの感情と同調しその幕を閉じました。
今回弊誌では、バンドのマスターマインド Manuel Gagneux にインタビューを行うことが出来ました！「メタルは今まさに偉大な進化を遂げようとしているんだ。」どうぞ！！

ZEAL & ARDOR “STRANGER FRUIT” : 10/10

INTERVIEW WITH MANUEL GAGNEUX

Q1: It all started with 4chan comments. One day, it seems you asked posters to give you two genres and you’d combine them, right? Then, you choose Black metal and Negro spirituals. What made you pick these two up? Did they have things in common?

【MANUEL】: The contrast between the two is fascinating to me. Both have an emotional weight to them. With metal it’s an aggressive response and with the spirituals it makes you want to be part of it and sing along. Putting them together made them even more intense. Thanks to the contrast the black metal seems more brutal and the spiritual part is more alluring.

Q1: 全ては匿名掲示板 4chan から始まったようですね？あなたはそこで、2つのジャンルをミックスして音楽を製作すると宣言し、その候補を募集しました。多くの候補が挙がった中で、ブラックメタルとニグロ・スピリチュアルを選んだ理由はなぜでしょう？

【MANUEL】: 僕にとって、その2つのジャンルが生み出すコントラストが魅力的だったからだよ。まずどちらもそれぞれ感情的な “重み” を持っているよね。そしてメタルに関してはアグレッシブな反応を、スピリチュアルに関しては音楽の一部となりシンガロングを喚起させる力があるよね。
それら2つを融合することで、それぞれのインテンスはさらに高まりを見せるんだ。
つまり、コントラストのおかげでブラックメタルはよりブルータルに、そしてスピリチュアルなパートはより魅惑的となったわけさ。

Q2: Before Zeal & Ardor, you created a chamber pop project called Birdmask. It seems you have really wide musical background. So, could you tell us about your musical upbringings?

【MANUEL】: Both my parents are musicians. My father is a guitarist in a salsa group and my mother is a jazz vocalist. There was always music playing in our house and we always had a piano that I was allowed to play. It was a tremendously important thing to me, because I had the possibility to experiment early on. I never lost that fascination with music and that playful approach to it.

Q2: あなたは ZEAL & ARDOR 以前には、チェンバーポッププロジェクト BIRDMASK でも知られていました。非常にワイドな音楽的バックグラウンドをお持ちのようですね？

【MANUEL】: 僕は両親共にミュージシャンなんだ。父はサルサグループのギタリストで、母はジャズボーカリスト。だから家にはいつも音楽が流れていたし、僕は好きな時にピアノを弾くことが出来たんだ。
そうした環境は僕にとって掛け替えのないものだったね。なぜなら、おかげで早い時期から音楽で実験を重ねることが出来たんだから。そうして僕は音楽に対する好奇心を失うことなく、遊び心を持ってアプローチすることとなったんだ。

Q3: Initially, Zeal & Ardor started your solo project. But after you released “Devil is Fine”, Zeal & Ardor expanded to a full line-up. Adding two backing vocalists is very interesting, but how did you find them? Was that natural for you to transfer from solo project to actual band?

【MANUEL】: At first I was worried that having other people involved would diminish the project’s intensity. That all changed when I asked friends of mine to join. to me it’s very important to have people playing with me that I like. Since music is like a language it makes sense to want to communicate with people you feel comfortable with. They immediately understood what the music was about and it makes itself noticeable in live shows. It is far more intense.

Q3: ZEAL & ARDOR はあなたのソロプロジェクトとしてスタートしましたが、”Devil is Fine” をリリースした後2人のバックボーカル擁する興味深い布陣のフルバンドへと拡大を遂げていますね？

【MANUEL】: 実を言うと、最初は他のミュージシャンを ZEAL & ARDOR にかかわらせることで、このプロジェクトのインテンシティーが減退するのではと心配していたんだ。だけど友人たちに参加を頼んでからは全てが変わったね。
とにかく僕にとっては、仲の良い人と一緒にプレイすることがとても重要なんだよ。というのも、音楽は言語のようなものだから、その言語で快適だと思う人たちとコミュニケーションを取りたいと思うことは理に適っているよね？
彼らは即座に僕の音楽が意図することを理解してくれるし、特にライブでは彼らが居ることで音楽がより際立つようになったんだ。むしろよりインテンスを増したと感じるね。

Q4: You offered a unique merchandise deal during your 2018 shows, fans could get free merchandise if they branded the band’s logo onto their skin. How did you come up such a unconventional idea?

【MANUEL】: The branding was more of a statement. I have problems with how musicians are in focus more than their music. It seems to me that the persona of a musician tends to be more important than the music itself. This leads to a cult of personality rather wherein people blindly follow someone they don’t even know. They basically let themselves be branded. So I thought we could offer literal brandings to illustrate this. If you do, you’re just an idiot who is following, not thinking for yourself. To my surprise people did not understand and wanted to get the branding. So they confirmed my theory.

Q4: そのライブショウでは、バンドロゴの焼印を肌に刻めば、ファンが無料でマーチを手に入れられるという試みも行われていましたね？

【MANUEL】: 焼印を肌に刻むことはより強烈なステイトメント。僕は音楽以上にミュージシャンが注目されることを問題視していてね。僕には音楽それ自体よりも、ミュージシャンのペルソナが重要視されているように思えるんだ。
ファンが知りもしない人物を盲信している様は、パーソナリティのカルト化を導いているね。彼らは基本的にそうやって自らを占有される (Branded) ことを許しているわけだよ。
だから僕はその状況を可視化するために、文字通り焼印 (Branded) をオファーしたんだ。もしそれを押せば、自らで思考せず何かに追従する愚か者だよ。驚くことに、その意図を理解しない人は焼印を押したがったんだ。ある意味、僕のセオリーが実証されたと言えるね。

Q5: So, let’s talk about your newest record “Stranger Fruit”. First of all, it seems Billie Holiday–referencing title, right? What’s the meaning behind that?

【MANUEL】: The Billie Holiday song speaks about strange fruit hanging from the poplar trees, but really means the dead bodies of lynched black people hanging.
Nowadays black Americans are being harassed and shot to lay dead in the streets. It is still a regular occurence and basically accepted as normal. I find this even stranger. That’s where the name comes from.

Q5: では最新作 “Stranger Fruit” について話しましょう。このタイトルは Bille Holiday に関連していますよね？

【MANUEL】: Bille Holiday の楽曲 (Starange Fruit) は表面上はポプラの木から”Strange Fruit” おかしな果実がぶら下がっていると歌っているけど、実際にはリンチを受けた黒人の死体がぶら下がっていることを隠喩していたんだ。
今日でも、アメリカの黒人はハラスメント行為を受け、街角でも撃たれて死んでいっているのが現状だよ。そうしてそういった差別や事件は、未だに当たり前で普通の出来事として受け入れられてしまっているんだ。僕は差別を当然と思うそっちの感覚の方が “Stranger” おかしいと思うんだよ。だからこのタイトル (Stranger Fruit) を思いついたんだ。

Q6: Regrading lyrical themes, words like gravedigger, servants are, at first glance, they seem like a past, historical story, but actually it also overlaps with the current story or political climates, right?

【MANUEL】: That was exactly what I was trying to accomplish. The fact that it is unclear if the lyrics talk about the past or current times is both interesting and very saddening. I always had a fascination for things that can be viewed in more than one way and thought it interesting to try my hand at it.

Q6: そういった視点で歌詞を紐解くと、例えば墓掘り人や奴隷といった過去の遺物に思えるテーマも、実は現代の社会問題にオーバーラップさせているようにも思えます。

【MANUEL】: まさにそれこそ僕がこのアルバムで成し遂げたかったことなんだ。実際、このアルバムの歌詞が過去について歌っているのか、現在について歌っているのか不確かな事実はとても興味深く、そしてまた非常に悲しいことだと思うんだ。だってそれって人が進化していない証明でもあるからね。
とにかく、僕は常に複数の方法で見ることが出来るものに魅力を感じ、それを自らの手で成し遂げれば面白いと思ったのさ。

Q7: We always talk about your Black metal and Spiritual aspects. But definitely, there is lot’s of inspirations outside of those two realms in “Stranger Fruit”. Actually, more synth sounds and electronic elements is one of them, I feel. Do you agree that?

【MANUEL】: Yes. I was inspired by Wendy Carlos, a synthesizer pioneer, who reimagined Bach pieces on early Moog synthesizers. At the time (the 1960s) synthesizers were not considered real instruments and in an effort to have them be taken seriously Wendy turned to classical music. I tried to expand on the idea and incorporated elements inspired by Erik Satie and Claude Debussy. I adore both those composers’ work.

Q7: 音楽的には、常にブラックメタルとスピリチュアルの融合が取り沙汰される ZEAL & ARDOR ですが、今作には間違いなくそれ以外にも多数のエレメントが流入しています。シンセサウンドやエレクトロニカの要素もその一つですよね？

【MANUEL】: その通りだよ。僕は Wendy Carlos にインスパイアされたんだ。シンセサイザーのパイオニアで、バッハの楽曲を初期のムーグシンセでリイメージした人物なんだけどね。1960年代当時、シンセサイザーはリアルな楽器とは考えられていなかったんだけど、Wendy がクラッシックに落とし込むことによってシリアスに捉えられる道筋がついたのさ。
僕はそのアイデアをさらに拡大し、サティやドゥビッシーにインスパイアされた要素を織り込んだわけさ。僕は彼ら2人のコンポーザーとしての仕事を崇拝しているからね。

Q8: Kurt Ballou mixed the record, and you opened for Prophets of Rage for two shows in London and Germany in 2017. Definitely, big names and the world pay huge attention to you. Actually, I feel you have similar mood, attitude and possibility when Rage Against the Machine, Tool, Deftones, System of A Downemerged to the scene. I think metal scene needs young heroes. Do you think you can be the “Savior” of metal scene?

【MANUEL】: I think thinking I can be a savior of anything would be arrogant. There is a great development in metal right now with bands like Igorrr, Batushka and Schammasch where the boundaries are being experimented with. I would not say that I am alone in this, but I am glad to be a part of it. We will see if any saving happens.

Q8: PROPHETS OF RAGE のオープニングを務めたり、Kurt Ballou がミキシングを手掛けたりとビッグネームやシーンからの注目も巨大なものがありますね。
実際、メタルシーンが若い “救世主” を求めているとしたら、あなたにはその風格と才能が備わっているように感じます。

【MANUEL】: 僕が何かしらの “救世主” になれるなんて考えることはちょっと傲慢だと思うよ。メタルは今まさに偉大な進化を遂げようとしているんだ。それこそジャンルの境界線で実験を重ねる IGORRR や BATUSHUKA、SCHAMMASCH のようなバンドと共にね。
だから決して僕一人で革新を担っているわけではないんだよ。ただし、その一端を担っているのは嬉しいね。さて、メタルが救われるか見てみようじゃないか。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED MANUEL’S LIFE

TOM WAITS “RAIN DOGS”

WINTERSUN “WINTERSUN”

MR. BUNGLE “CALIFORNIA”

PREFUSE 73 “ONE WORD EXTINGUISHER”

PORTISHEAD “DUMMY”

MESSAGE FOR JAPAN

Hi there! I can’t believe I get to do interviews with Japan! We would be thrilled to play there and would jump at the chance to!

やあ、みんな！日本からインタビューを受けるなんて信じられないね！僕たちは日本でプレイしたくてたまらないし、チャンスがあれば飛んでいくよ！

MANUEL GAGNEUX

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SVALBARD : IT’S HARD TO HAVE HOPE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SERENA CHERRY OF SVALBARD !!

Definitely, It’s Hard To Have Hope Now, But Svalbard’s Protest Music Represents a Turning Point In This Dark World !!

DISC REVIEW “IT’S HARD TO HAVE HOPE”

越流するエモーションをプロテストミュージックへと昇華し、英国ブリストルから咆哮を貫く至宝 SVALBARD。熾烈なメタル/ハードコアにポストロックの叙情と風光、ポストメタルの思索と旅路を織り込みさらなる多様化の波動を導いた新作 “It’s Hard to Have Hope” はシーンの革新であり、同時に閉塞した世界が渇望する変化への希望です。
2015年にリリースしたデビューフル “One Day All This Will End” でアグレッション極まるメタル/ハードコアに仄かなアトモスフィアを帯同したバンドは、新作までの道程で困難な時を経験します。Serena がインタビューで語ってくれた通り、メンバー間の恋愛が終焉を迎え、それに伴う心身の病、さらにはベーシストの離脱と、一時は同じ部屋で過ごすことですら苦痛を伴うほどにバンドの状況は崩壊していたのです。
しかし、メンバーのバンドに対する強い愛情は見事に SVALBARD を死の淵から救いました。見方を変えればバンドには、希望を持つことすら困難な世界に対して果たすべき重要な仕事が残っていたとも言えるでしょう。
確かに “It’s Hard to Have Hope” は怒れるアルバムで、中絶、性的暴力、リベンジポルノ、インターンシップの無賃雇用など不条理でダークな社会問題をテーマとして扱っています。
さらには、「このアルバムは、ステージに女の子が立つことにネガティブなコメントを寄せる人たちに対する私からの返答よ。”女性をメタルから追い出せ！” と言うような人たち、コンサートで女性にハラスメント行為を行う人たち。これは彼らに対する私からの恐れなき怒りの返答なの。」と語るように、女性フロントマンとして Serena が長年メタルシーンで苦しんできたハラスメント行為の数々も、作品の持つ怒りの温度を “フェミニストのメタルアルバム” の名の下に上昇させていることは明らかです。
とはいえ、この類稀なる感情と表情の結晶が、唯一怒りにのみ根ざすわけではないこともまた事実でしょう。実際、Serena はこの作品の目的が “人々にこういった社会的不公平を伝えるだけではなく、なぜそういった問題が起き続けるのか疑問を投げかけることだった” と語っています。「誰が正しいのか互いに主張し合うのを止めてこう尋ねるの。一緒に前進するために何ができるだろう？より良き変化のためお互い助け合えないだろうか？とね。」とも。
そうして世界のターニングポイントとなるべくして示現した “It’s Hard to Have Hope” に、一筋の光明にも思える尊きアトモスフィア、荘厳なる音の風景がより深く織り込まれていることはむしろ当然の進化だと言えるでしょう。
勇敢にリベンジポルノの卑劣に怒り、勇敢にハードコア、ブラックメタル、そしてポストロックをブレンドした “Revenge Porn” はまさにその光と陰を見事に体現した楽曲です。バンドが近年注目されるネオクラストの領域を通過していることは明らかです。
静謐なイントロダクションから一転、バンドは正々堂々とハードコアの強さで怒りの鉄槌を下していきます。突如降臨する Serena の慈愛に満ちた歌声はさながら蜘蛛の糸でしょうか。CULT OF LUNA や MY BLOODY VALENTINE のイメージこそ深化の証。そうしてポストブラックの激しさと光明を背負った彼女は悲痛な叫びを投げかけます。「いったい誰が女性を守ってくれるの？」
一方で、もちろんよりストレートな激情も彼らの魅力。何より、無給で酷使されるインターンの憤怒を代弁するオープナー “Unpaid Intern” では、Serena と Liam のボーカルデュエルが牙の鋭さで迫り、沸騰する千変万化なギターリフ、ブラッケンドのリズムセクションを従えてポストハードコアとブラックゲイズの境界を恍惚と共に熔化させていくのですから。
とはいえ、やはりアルバムの肝は Serena が創出する神々しきアトモスフィアと激情の稀有なるコントラストです。アルバムを締めくくるエピック “Try Not To Die Until You’re Dead” でバンドは再びその陰影を鮮明に浮き上がらせた後、美しきインストゥルメンタルのブックエンド “Lorek” で負の感情のみを綺麗に洗い流し、リスナーに思考の為の優しき残余を与えました。
今回弊誌では、ボーカル/ギターのフロントウーマン Serena Cherry にインタビューを行うことが出来ました。メッセージとエモーション、そして音楽がこれほどまでに融解しシンクロする作品はまさしく珠玉。そしてぜひ真摯な彼女の言葉に耳を傾けてください。「感情こそが私たちにとって最も重要なものだから。」リリースは MØL と同じく Holy Roar Records から。どうぞ！！

SVALBARD “IT’S HARD TO HAVE HOPE” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MAGNUM : LOST ON THE ROAD TO ETERNITY】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH BOB CATLEY OF MAGNUM !!

With “Lost On The Road To Eternity”, Magnum Have Reached The Landmark Of 20 Albums And 40 Years Career, But They Are Still Just Moving On !!

DISC REVIEW “LOST ON THE ROAD TO ETERNITY”

40年のキャリアが純化した彫琢。英国の伝統と幽玄を織り込んだ匠のシグニチャーサウンドは、記念すべき20枚目のアルバム “Lost on the Road to Eternity” でさらなる高みからリスナーの迷霧を晴らす尊き光明となるはずです。
よりワイドな音色を有する鍵盤の名手 Mark Stanway が加入し、初めて Rodney Matthews がアートワークを手がけた叙事詩 “Chase the Dragon” こそが全ての源流でした。生まれながらに感傷と情緒をその喉へと宿す唯一無二の歌聖 Bob Catley。そして Bob の歌唱を完璧なまでに駆使するギタリスト/コンポーザー Tony Clarkin。翼を得た MAGNUM のコア2人は、80年代を自在に羽ばたきました。
プログの知性とハードロックの鼓動を見事に融合し、フォークとファンタジーのエッセンスを織り込んだ浪漫の頂 “On A Storytellers Night”。Polydor へと移籍を果たしメインストリーム AOR への洗練された扉を開いた “Wings of Heaven”。「新しくエキサイティングな音楽を見つけていくことが、僕たちの存在を異なるものにしていたんだろうな。」と Bob が語る通り、難局の90年代に投下したブルージーな実験 “Rock Art” まで、バンドのクリエイティブな冒険は旋律の魔法を誘いながら濃密な景色を残していったのです。
Bob が「当時はメンバーの何人かが難しい時間を過ごしていたんだ。だから正しいムードを得るために常に戦っていなければならなかったんだよ。」と回顧するように、バンドは時代の潮流にも翻弄されながら95年に解散し、Bob, Tony, Al の HARD RAIN、さらに TEN のメンバーを起用した荘厳なる Bob のソロプロジェクトで雌伏の時を過ごします。
そうして2001年に Tony が THUNDER の Harry James をリクルートし MAGNUM をリフォームすると、彼らはその音の歴史を誇り高く掲げながらも、よりセールスやプレッシャーから開放されて、ただ偉大な作品を製作することのみへと没頭することになるのです。
バンド史上最長、62分のランニングタイムを誇る最新作 “Lost On The Road To Eternity” は各時代のアイコニックなマグナムサウンドを巧みに分配しながら、枯れない泉のごときメロディーの清流を至高のデザインへと注入し何度目かの最高到達点へと導かれています。
アルバムオープナー “Peaches and Cream” は、初期のオーガニックなクラッシックロックをハイクオリティーなプロダクションとアップリフティングなコーラスワークで現代に蘇らせたベテランシェフのスペシャリテ。ヒロイックな8分のエピック “Welcome To Cosmic Cabaret” にも言えますが、さらに深みを増したボーカルの陰影とトーンコントロールの妙は彼らが残り少ない名匠の一群であることを確かに証明していますね。
AVANTASIA で Bob と共演している Tobias Sammet がゲスト参加を果たしたタイトルトラック “Lost On The Road To Eternity” は、オーケストレーションやストリングスを大胆に使用して “On A Storytellers Night” からのロドニーマシューズサーガの続編を生き生きと描きます。
一方で、ファンタジーの世界から一転するポップな “Without Love” ももちろん彼らの得がたき魅力の一つでしょう。今年、JUDAS PRIEST が “Firepower” で、SAXON が “Thunderbolt” で初期のハードロックテイストをキャッチーにリヴァイブさせ英国の矜持を雄々しく取り戻していますが、”Without Love” を聴けば彼らもまたロックにフックを回帰させるガーディアンであることが伝わるはずです。続く “Tell Me What You’ve Got To Say” にも言えますが、バンドがかつて天空へと広げた翼はよりしなやかに、よりポップにリスナーの心を包みこむのです。
アルバムは “Chase the Dragon” のプログレッシブな世界観と知性を反映した “King of the World” でその幕を閉じました。Mark, Harry を失おうとも、依然として MAGNUM のロマンティックなファンタジーが悠久であることを示唆するエナジーに満ち溢れながら。
今回、弊誌では巨匠 Bob Catley にインタビューを行うことが出来ました。「バンドがリスナーの興味を惹く楽曲を作り続けられる限り、リスナーが聴きたいと想い続けてくれる限り僕たちは続けて行くんだよ。」どうぞ！！

MAGNUM “LOST ON THE ROAD TO ETERNITY” : 9.8/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THE SEA WITHIN : THE SEA WITHIN】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JONAS REINGOLD OF THE SEA WITHIN !!

New Art Rock Collective, The Sea Within Goes To Fantastic Maiden Voyage, With Flexible And Diverse Debut Record “The Sea Within” !!

DISC REVIEW “THE SEA WITHIN”

キャプテン Roine Stolt のプログレッシブな航海はスーパーグループ THE SEA WITHIN と共に新たなアドベンチャーを創成します。荒波や暴風にも屈しない最上級の乗組員を揃えたフラッグシップは、フレキシブルな風を受け未踏の音景へと舵を切るのです。
実際、伝説のプログ船長 Roine のもとへと集結したのはマスタークラスの名だたる船乗りばかり。THE FLOWER KINGS で補佐官を務めるシーンきってのベースヒーロー Jonas Reingold。その TFK にもかつて在籍したプログメタルの至宝、PAIN OF SALVATION のマスターマインド Daniel Gildenlöw。RENAISSANCE, YES の寵児、キーボーディスト Tom Brislin。さらに Steven Wilson, THE ARISTOCRATS などで知られるトップドラマー Marco Minnemann を招聘したキャプテンは、盤石の布陣にもかかわらずゲストのスカウトにも余念がありませんでした。
Jonas のインタビューにもある通り、 レコーディングのみの参加となる Daniel の影武者には FLYING COLORS の Casey McPherson を配置。加えて YES の Jon Anderson、DREAM THEATER の Jordan Rudess、Steve Hackett Band の Rob Townsend までをも乗船させた まさに “All-Aboard” なラインナップは、出航と同時に世界中のプログファンからヨーソローな期待と注目を集めたのです。
ボーナストラックまで含めると77分にも及ぶ長駆の処女航海 “The Sea Within” はそしてその遥かなる熱量に充分応えた雄飛なる冒険となりました。一つキーワードとして挙げるべきは “フレキシブル” というアイデアなのかも知れませんね。
事実、この豪華な母船の船員に選ばれたのは全てがユーティリティーなプレイヤーだったのですから。「このバンドのメンバーは全員が歌えるし、複数の楽器をこなすことが出来るんだ。」インタビューで語ってくれた通り、ボーカル、ギター、キーボードをこなす船長 Roine を筆頭にフレキシブルな才能を誇るバンドの航路は、全員がコンポーザーという奇跡まで備えながら鮮やかな多様性に満ちています。中でもドラマー Marco Minnemann のパーカッションはもちろん、ギター、ボーカルまでこなすマルチな才能はこの偉大な航海の大きな推進力となっていますね。
THE FLOWER KINGS とは異なる進路を目指すというキャプテン Stolt の野望は、オープナー “Ashes of Dawn” を聴けば伝わるでしょう。アルバムで最もダーク&ヘヴィー、Roine と Daniel の歌声導く苦悩とアグレッションが印象的な楽曲は、世界経済のカオスをテーマに据えています。
故に、Roine と Jonas が TFK のファンタジックな殻を破り、深海のアビスをリアルに映し出すかのようなサウンドを選択したことも驚きではないでしょう。KING CRIMSON の “Red” にもシンクロするこのインテリジェントな音の幽暗は、Tom のサクスフォンを得てより深部までその混沌を浸透させるのです。
その Tom がイニシアチブを取った物憂げでコーラスも鮮やかなクラッシックアート “They Know My Name”、KARMAKANIC を想起させる Jonas の幻想的でシネマティックな作曲術が Daniel の PAIN OF SALVATION とは一味違うオーガニックな声色を引き出した “The Void”。そして辿り着く “An Eye for an Eye for an Eye” はアルバムのハイライトと言えるかも知れませんね。
ラインナップの中で最もロッカーの佇まいを備えた Marco が作曲を手がけたことにも頷ける、ファストでアグレッシブな楽曲は THIN LIZZY とプログがモダンな風を受けてハイブリッドを果たしたようなユニークでしかしフックに満ちたキラーチューン。潮目の変化はフォービートとジャズロックの海風を運び華麗なソロワークが美しく華を添える中、楽曲は再びメロディックなブリッジへと回帰しロックのエナジーを胸いっぱいに吸い込みながら大円団を迎えるのです。
そうしてその多様性の濁流は、5人の主要メンバーが共作した “Goodbye” へと流れ込んでいきます。そこはポップとエモーションが乱れ咲く桃源郷。アルバムには確かにキャッチーという名の子午線が貫かれていますが、7/8拍子のファンキーなリズムを起点に光の放射を放つ素晴らしくリリカルな楽曲は飛び抜けてプログポップの期待感に満ち溢れているのです。
Jon Anderson も参加してオールスターキャストで贈る14分のプログ劇場 “Broken Cord”。キャプテン Stolt は “Sgt. Pepper” から YES までプログロックのイデアを体現したエピックを THE FLOWER KINGS のファンへとしっかり捧げてその旅路を終えるのです。
今回弊誌では、ベースヒーロー Jonas Reingold にインタビューを行うことが出来ました。プログ、ポップ、ジャズ、アートロック、クラッシックロック、そしてシネマティックな離島を繋ぐフレキシブルで魅惑的な航海。エースを揃えた SONS OF APOLLO が正統的なスーパーグループなら、ユーティリティーの極み THE SEA WITHIN もまた異なるスーパーグループのあり方でしょう。どうぞ！！

THE SEA WITHIN “THE SEA WITHIN” : 9.8/10

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