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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SCOTT HENDERSON : PEOPLE MOVER】

2019年8月18日 sin23ou コメントをどうぞ

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SCOTT HENDERSON !!

“There’s Nothing Sadder Than Young Guitar Players Who Only Listen To Heavy-metal. There’s So Much Great Music Out There To Learn From, And It’s Unbelievable To Me That Someone Would Stick To Listening To Only One Style. It’s Like Being In Musical Prison.”

DISC REVIEW “PEOPLE MOVER”

「オープンマインドで音楽スタイルに囚われないことがとても重要だね。若いギタリストがメタルしか聴かないことほど悲しいことはないよ。学ぶべき音楽は沢山あるんだ。」
ジャズとブルース、クラッシックにロック、そしてファンクのスピリットを理想的にミックスし、フュージョンの翼を蒼の音空へと広げるギターレジェンド Scott Henderson は、特定のジャンルに囚われる創造のあり方を “音楽の刑務所” と断罪し包音力の重要性を語ります。
Joe Zawinul, Jean-Luc Ponty, Chick Corea といったジャズの巨匠に認められ共演を果たす一方で、TRIBAL TECH、ソロ活動、さらには Victor Wooten, Steve Smith との VITAL TECH TONES に Jeff Berlin, Dennis Chambers との HBC など豪華なサイドプロジェクトまで、Scott の音楽的な冒険は非常に多岐に渡ります。
TRIBAL TECH の登場は衝撃的でした。自身で “ギアヘッド” と語るように最新テクノロジーや MIDI を惜しげもなく投入し、複雑なコンポジションやオーケストレーションをジャズとロック、ファンクのキャンパスへと落とし込むバンドの野心は、停滞していたインスト/フュージョン世界を再始動へと導く原動力にも思えたのです。もちろん、メカニカルでロマンチック、テクニカルかつアンサンブルを極めたハイパーフュージョンの根底には、Scott とベースマン Gary Willis が誇る最高峰の知性と技術がありました。
ただし、Guitar World 誌のNo.1ギタリストをはじめとして、様々なアワードや高評価を得た TRIBAL TECH も Scott にとっては表現形態の1つにしか過ぎなかったようです。同じ音楽性を長く続けると飽きが来てしまうの言葉通り、Stevie Ray Vaughan が降臨したかのようなソロレコード “Dog Party” を契機として Scott は何年もブルースの荒野を探求することとなりました。
「僕はそれぞれ異なる理由で多くの音楽スタイルを愛しているよ。ブルースのソウルやフィーリング、ジャズのハーモニーと表現豊かなインタープレイ、ファンクをプレイする時の体感、ロックのパワー、クラッシックやプログロックの美しきコンポジション。全てが僕を幸せにするのさ。」
そうして近年、Scott Henderson は自らの音楽地図を遂に完成へと導いているように思えます。最新作 “People Mover” は実際、コンポジションにおいてマエストロの最高到達点かも知れませんね。
「僕はジャズが死んだとは思っていないんだ。けれど、ジャズのコンポジションがいくらかは失われた芸術となっているように思えるね。つまり、沢山の偉大で新たなプレイヤーは登場しているけど、偉大なライターはそんなに多くないんだよ。僕が聴く限りではね。」
ファストに絶妙にアウトする複雑怪奇なリックの数々、オーバードライブのエナジーは当然 Scott の象徴だと言えますが、彼自身はむしろリズムの魔法、洗練されたハーモニーや調性の美しさを宿した多様な作曲の妙に現在より重きを置いています。
事実、アルバムはシームレスにジャンルの境界を繋いでいます。Holdsworth と Jeff Beck の完璧なる婚姻 “Transatlantic”、TRIBAL TECH を想起させるソリッドなファンカデリックフュージョン “Primary Location”、疾走する4ビートに Wes Montgomery イズムを織り込む “Satellite”、PINK FLOYD の叙情とエモーションを封入した “Blood Moon”、ブルースの奔放をペダルの魔法で解放する “Syringe”。その緊張と緩和、繊細と躍動のダイナミズム、楽曲のバラエティーはまさに “Lost Art” に相応しき輝きを放っていますね。
今回弊誌では、Scott Henderson にインタビューを行うことが出来ました。「僕の考えでは TRIBAL TECH が唯一革新的だったのは、音楽を事前に書くことなくスタジオでジャムって、それを後のプロダクションでコンポジションに落とし込んでいくやり方だろうな。」どうぞ！！

SCOTT HENDERSON “PEOPLE MOVER” : 9.9/10

INTERVIEW WITH SCOTT HENDERSON

Q1: “People Mover” is definitely incredible, maybe kind of a culmination of your career. Jazz/Fusion and Funk/Blues is mixed naturally and seamlessly. Was that your musical goal of this record?

【SCOTT】: I don’t really have any specific goals when I sit down to write for an album. My only hope is that my playing has improved and I have some new vocabulary since my last album. Also, I’m sure I’m somewhat influenced by the music I hear, and I listen to just about everything. I’ve actually been listening to classical music more than usual so maybe that had something to do with the writing on this album.

Q1: 最新作 “People Mover” は驚異的ですね！あなたの二大テーマである、ジャズ/フュージョンとファンク/ブルースがシームレスに溶け合った最高到達点にも思えます。

【SCOTT】: アルバムを書く時、僕は特定のゴールを設けたりはしないんだ。唯一の望みは、前作に比べて僕のプレイが改善して、新たなボキャブラリーを得ることだけなんだよ。
同時に、その時々聴いていた全ての音楽にいくらかは影響されることを認めなくてはならないだろうね。今は通常よりもクラッシックをよく聴いているんだ。だからもしかしたらそれが、今回の作曲に影響したのかもしれないね。

Q2: I really love the “guitar spaceship” artwork and I feel it has 70’s feeling strongly. Does it reflects the concept of “People Mover”?

【SCOTT】: I try to create artwork which fits the title cut of the album. I’m a big science-fiction fan and I think People Mover is a futuristic sounding title. I’m writing instrumental music so I don’t have song titles before I write the song – I listen to the music after it’s done and see if it reminds me of anything. The song People Mover reminds me of travel, so I thought a spaceship in the shape of a guitar would be a cool cover. I bought a cheap Squire Strat and my daughter and I decorated it with model parts from the Millennium Falcon. The artist did the rest in Photoshop. I’m really happy with the way it came out.

Q2: ギターを宇宙船に模した70年代風のアートワークも素晴らしいですね！作品のコンセプトと関連しているのでしょうか？

【SCOTT】: アルバムのタイトルにフィットするアートワークを作ろうとしたんだよ。僕は大の SF ファンだし、”People Mover” ってタイトルが近未来感溢れるサウンドに思えたんだよ。
僕はインストゥルメンタルミュージックを書いているから、楽曲を書く前にタイトルはつけないんだ。楽曲が仕上がりそれを聴きながら考えていくんだよ。タイトルトラックの “People Mover” は宇宙旅行を思い起こさせたね。だからギターの形をした宇宙船のカバーがクールだと思ったんだ。
僕は娘に安価な初心者向けスクワイアのギターを買って、ミレニアム・ファルコン号 (スターウォーズの) のプラモデルパーツで装飾していったんだ。残りはアーティストがフォトショップて仕上げてくれたよ。こうやって仕上がってとても満足しているよ。

Q3: So, you have almost 40 year’s career, and have got so many guitar awards. But is there any new challenge in guitar technique or sound making you explore in “People Mover”?

【SCOTT】: It’s always a challenge to come up with new ideas and new sounds that I haven’t used on previous albums. I definitely went pedal shopping and found some really cool ones which are more on the unusual side. I’m a gearhead so I love experimenting in the studio with different tones. The most difficult thing is finding the right place in the music for each sound effect.

Q3: あなたはほぼ40年のキャリアを誇り、いくつものギターアワードを獲得してきました。それでも、”People Mover” でさらに新たなギターテクニックやサウンドの追求を行いましたか？

【SCOTT】: 僕はいつだって、前のアルバムでは使用しなかった新たなアイデアやサウンドを創造しようと挑戦しているんだ。”ペダルショッピング” に行って、ちょっと普通じゃないクールなサウンドを見つけるのが大好きだからね。”ギアヘッド” だからスタジオで異なるトーンを試すのもね。
最も難しいのは、そういったサウンドエフェクトをそれぞれ音楽の正しい場所に配置することだね。

Q4: I first knew you was amazing Tribal Tech’s “Illicit”. And that record changed my musical perspective strongly. Tribal Tech released “X” in 2011, and came to Japan in 2013. Was that Tribal Tech’s “Swan song”?

【SCOTT】: Thanks, I’m proud of most of the stuff I did with Tribal Tech, but In my opinion the only innovative thing we did was jamming in the studio with no pre-written music and then turning those jams into compositions in post production. I don’t think any other band did that, so for me it’s our most important accomplishment.

Q4: TRIBAL TECH の “Illicit” は私の音楽観を変えたレコードでした。バンドは2011年に “X” をリリースし、2013年には来日も果たしましたが以降活動はありませんよね？

【SCOTT】: ありがとう。僕は TRIBAL TECH で残したマテリアルの大半を誇りに思っているよ。ただ、僕の考えでは TRIBAL TECH が唯一革新的だったのは、音楽を事前に書くことなくスタジオでジャムって、それを後のプロダクションでコンポジションに落とし込んでいくやり方だろうな。同じようにやっていた他のバンドがあったとは思わないね。
だから僕にとって、あの方法論こそ TRIBAL TECH が成し遂げた最も重要な成果だったんだ。

Q5: Maybe, “Dog Party” was kind of a milestone for you. You parted ways with your trademark Jazz/fusion style, and explored Blues and Blues rock. But what made you so at that time?

【SCOTT】: The reason I made Dog Party wasn’t so much because of blues, but because of how much fun it is to go into the studio and play live to tape with no overdubbing and intricate gear. At the time, Tribal Tech was recording very complex albums with multiple keyboard tracks and midi synced to tape – kind of a technical nightmare. Dog Party allowed me to make a good old-fashioned vintage style album and play the music I grew up with. It really was like having a party!

Q5: ソロアルバム “Dog Party” はあなたにとって転機でしたよね？ジャズ/フュージョンのフィールドから離れて、ブルースの領域を探求し始めた作品でした。

【SCOTT】: “Dog Party” を作った理由の大半はブルースではなかったんだ。ブルースというよりも、オーバーダブや複雑なギアなしでスタジオに入り、ライブでプレイする楽しさを噛みしめるためだったんだよ。
あの頃、TRIBAL TECH は複数のキーボードと MIDI シンセを使用した非常に複雑なアルバムをレコーディングしていて、さながらテクニックの悪夢のような感じだったんだ。そんな時、僕が聴いて育ったような、古き良きヴィンテージな “Dog Party” を作ることで発散することができたんだよ。まさにパーティーのようにね！

Q6: Almost 10 years explore Blues, musically, personally, what did you find? And what made you come back to Jazz/Fusion realm?

【SCOTT】: I don’t really think about it much. My roots are in blues so I’ll always love that music, but I get bored playing any one style of music for very long. I love many styles of music for different reasons. The soul and feeling of blues, the harmony and expressive interplay of jazz, the feeling in my body from playing funk, the power of rock and roll, the beauty of composition in classical music and progressive rock – it all makes me happy.

Q6: あなたとブルースの冒険は10年ほど続いて、それからまたジャズの世界へ戻ってきたように感じていましたが。

【SCOTT】: あまり深く考えたことはないんだ。僕のルーツはブルースにあって、だからずっとブルースを愛してきたよ。だけど1つのスタイルをあまり長く続けてしまうと飽きが来てしまうんだよね。
僕はそれぞれ異なる理由で多くの音楽スタイルを愛しているよ。ブルースのソウルやフィーリング、ジャズのハーモニーと表現豊かなインタープレイ、ファンクをプレイする時の体感、ロックのパワー、クラッシックやプログロックの美しきコンポジション。全てが僕を幸せにするのさ。

Q7: We lost Alan Holdsworth, and lot’s of Jazz Giants are getting older. On the other hands, like Kamasi Washington, Robert Glasper, Snarky Puppy, lot’s of new talents come to the scene. What’s your perspective about “Jazz is dead” thing?

【SCOTT】: There are many new jazz artists coming up who are really great. Kids are starting to learn jazz at a much earlier age and the bar keeps getting raised. My friend Bruce Forman teaches at USC, and some of his students are in their early 20s and playing as good as anyone. I don’t think jazz is dead, though I find jazz composition to be somewhat of a lost art. Many great new players, but not many great writers that I’ve heard.

Q7: ジャズの世界は Alan Holdsworth を失いましたし、巨匠たちもやはり年齢を重ねています。
“ジャズは死んだ” というクリシェの一方で、近年 Kamasi Washington, Robert Glasper, SNARKY PUPPY といった新鋭も台頭してきていますよね？

【SCOTT】: 多くの素晴らしい新たなジャズアーティストが登場しているよね。キッズはジャズをより若い年齢から学びはじめているから、ハードルはどんどん上がっているんだ。
僕の友人 Bruce Forman が USC で教鞭をとっているんだけど、彼の生徒の何人かはまだ20代の前半なのに、他のプレイヤーと遜色ないんだからね。
僕はジャズが死んだとは思っていないんだ。けれど、ジャズのコンポジションがいくらかは失われた芸術となっているように思えるね。つまり、沢山の偉大で新たなプレイヤーは登場しているけど、偉大なライターはそんなに多くないんだよ。僕が聴く限りではね。

Q8: So, you are also teacher at MI. When young guitarists want to be professional guitar player, is there any advice for them?

【SCOTT】: The best advice I have for any young guitarist is to transcribe. You can’t learn in a bubble, you have to learn from all the great musicians who came before us. It’s also very important to be open minded and listen to more than one style of music. There’s nothing sadder than young guitar players who only listen to heavy-metal. There’s so much great music out there to learn from, and it’s unbelievable to me that someone would stick to listening to only one style. It’s like being in musical prison.

Q8: あなたも MI で教鞭をとっていますよね。プロのギタリストを目指す若者にアドバイスをいただけますか？

【SCOTT】: 全ての若いギタリストに贈る最高のアドバイスは、コピーしてみること。狭い場所からは何も学べない。僕たち以前に登場した、全ての偉大なギタリストから学ぶべきなんだ。同時に、オープンマインドで音楽スタイルに囚われないことがとても重要だね。
若いギタリストがメタルしか聴かないことほど悲しいことはないよ。学ぶべき音楽は沢山あるんだ。僕にしてみれば、ただ1つのスタイルに拘るなんて信じられないね。それってまるで音楽の刑務所に囚われているようだよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED SCOTT’S LIFE

WEATHER REPORT “TRAIL SPINNIN'”

MAHAVISHUNU ORCHESTRA “BIRDS OF FIRE”

GENTLE GIANT “POWER AND THE GLORY”

LED ZEPPELIN “LED ZEPPELIN Ⅱ”

TOWER OF POWER “TOWER OF POWER”

WEATHER REPORT の “Tailspinnin” が僕の初めて聴いたジャズ/フュージョンアルバムだった。今でも大好きなレコードさ。それ以来、沢山の WEATHER REPORT 作品のファンになったんだ。だから Joe Zawinul とプレイする機会を得たことは僕のキャリアにおけるハイライトのひとつだよ。
MAHAVISHNU ORCHESTRA の “Birds of Fire” も僕にとってとても重要なアルバムだ。ジャズ/フュージョンギターを耳にした最初のアルバムだったからね。John Mclaughlin は伝説的ギタリストで、長年リスペクトを捧げてきたよ。彼はプレイヤーとして優れているだけじゃなく、偉大なコンポーザーでもあるからね。
GENTLE GIANT の “Power And The Glory” は大いなる影響を受けたプログロック作品だね。YES も大好きなんだけど、GENTLE GIANT の方がより実際のクラッシックに近いからね。彼らのクラッシックとロックを融合するやり方には、僕のキャリアを通して影響を受けているよ。
“Led Zeppelin Ⅱ” は僕のオールタイムフェイバリットで、今でも僕は彼らが史上最も偉大なロックバンドだと信じているんだ。僕が Richie Blackmore, Jeff Beck, Johnny Winter, Jimi Hendrix といった他のギタリストを愛しているにしてもね。どんなバンドも LED ZEPPELIN ほど偉大なカタログは残していないよ。
最後のアルバムはとても難しいね。ファンクと R&B を愛しているからね。TOWER OF POWER は僕にとって重要なバンドだよ。”What is Hip” とか “Soul Vaccination” みたいな曲があるからね。SLY AND THE FAMILY STONE の “Flesh” も影響は大きいね。それに James Brown 全てのレコード。Beyonce のファンでもあるんだよ。

Weather Report “Tailspinnin” was the first jazz fusion album I ever heard and is still one of my favorite records. Since then I’ve become a fan of many Weather Report albums, and having the opportunity to play with Joe Zawinul was one of the highlights of my career. Mahavishnu Orchestra “Birds Of Fire” was very important for me because it was the first time I’d ever heard jazz fusion guitar. John McLaughlin is a legendary guitarist and someone I’ve looked up to for a long time, not just for his playing but because he’s also a great composer. Gentle Giant “Power And The Glory” is a progressive rock album that had a big influence on me. I also love Yes, but Gentle Giant is closer to actual classical music. The mixing of classical and rock has influenced me throughout my whole career. Led Zeppelin II is one of my all-time favorite albums and I still believe think that they were the greatest rock band of all time. Even though I love other rock guitarists like Richie Blackmore, Jeff Beck, Johnny Winter and Jimi Hendrix, I don’t think any band has a catalog of music as great as Led Zeppelin. The last album is very difficult because I love funk and R&B. The album “Tower Of Power” was really important to me because of the songs “What Is Hip” and “Soul “Vaccination”, both amazing songs. Sly and the Family Stone “Fresh” was also a big influence on me. The song “In Time” is one of the funkiest songs ever recorded. Also everything James Brown ever recorded, and I’m also a huge fan of Beyoncé.

MESSAGE FOR JAPAN

My CD’s are available in Japan through P-Vine Records, and I’ll be playing at the Cotton Club in Tokyo on October 11 and 12, 2019. I’m really looking forward to coming there and having delicious Japanese food! I live in Los Angeles and many people say that the Japanese food here is as good as in Japan. That is definitely not true.

僕の CD は P-Vine を通して購入出来るよ。東京の Cotton Club で10/11と12にライブをやるよ。本当に日本に行くのが楽しみだよ。美味しい日本食もね！
僕はロサンゼルスに住んでいるんだけど、ここの日本食は現地と遜色ないってみんな言うんだよ。絶対そんなことないけどね。

SCOTT HENDERSON

SCOTT HENDERSON Official Site

P-VINE

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BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DREADNOUGHT : EMERGENCE】

2019年8月14日 sin23ou コメントをどうぞ

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH KELLY SCHILLING OF DREADNOUGHT !!

“The Term “Female Fronted” Sensationalizes Women And Turns Us Into a Gimmick. We Are All Human Beings Creating Sound And Gender Shouldn’t Be The Focal Point. “

DISC REVIEW “EMERGENCE”

「近年、音楽はジャンルの表現を超えて日々拡大していっているわ。交配と実験が重ねられているの。だからもしかしたら、ジャンル用語自体、大まかなガイドラインとして受け止められるべきなのかもしれないわね。」
プログメタル、ブラックメタル、フォーク、ドゥーム、ジャズ、チェンバー、クラシカル、ポストメタル。コロラド州デンバーに端を発する男性2人女性2人の前衛的メタルカルテットは、”恐れを抱かず” ジャンルの境界を決壊へと導く気炎にして雄心です。
現在、メタル世界の地図において最も多様で革新的な場所の1つ、ダークなプログレッシブドゥームの領域においても、DREADNOUGHT の描き出す無限の音景は実にユニークかつシームレスだと言えるでしょう。
「メンバーのうち2人が人生の大半を木管楽器をプレイしてきたから、作曲の中に盛り込みたいと考えたのね。私は10代の頃に、フォークメタルムーブメントや民族楽器を使用するメタルバンドからインスピレーションを得ているから、フルートを楽曲に取り入れたいと思うのは自然なことだったわ。」
そのドラマティックでカラフルな音の葉の根源が、演奏者のユーティリティ性にあることは明らかでしょう。インタビューに答えてくれたボーカル/ギター/フルート担当の Kelly を筆頭に、ドラム/サックスの Jordan、キーボード/ボーカルの Lauren、そしてベース/マンドリンの Kevin。典型的なロックの楽器以外をナチュラルに導入することで、バンドは多次元的な深みと自由な翼をその筆へと宿すことになりました。
火、風、水、土。THRICE の “The Alchemy Index” から10年の時を経て、今度は DREADNOUGHT が地球に宿る四元素をそのテーマとして扱います。そうして炎の獰猛と優しさを人生へと投影した最新作 “Emergence” は、バンド史上最も思慮深くアトモスフェリック、一方で最もパワフルかつ記憶に残るアルバムに仕上がったのです。
水をテーマとした前作 “A Wake in Sacred Waves” の冒頭とは対照的に、不穏に荒れ狂う5/4で幕を開けるオープナー”Besieged” は “現在最もプログレッシブなメタルバンド” との評価を確信へと導く野心と野生の炎。デリケートなジャズ/ポストロックの低温と、高温で燃え盛るブラックメタルのインテンスはドゥームの組み木で燃焼しせめぎ合い、ダイナミズムのオーバーフローをもたらします。
兆した悲劇の業火はチェンバードゥームと Kate Bush の嫋やかな融合 “Still” でとめどない哀しみへと飛び火し、その暗澹たる感情の炎は KARNIVOOL のリズムと OPETH の劇場感を追求した “Pestilent” で管楽器の嘶きと共にクライマックスを迎えます。それは過去と現代をシームレスに行き来する、”スペースロック” の時間旅行。
とは言え、”Emergence” は前へと歩き出すレコードです。KRALLICE や SEPTICFLESH の混沌とアナログキーボードの温もり、管楽器とボーカリゼーションの絶妙なハーモニーを抱きしめた “Tempered” で複雑な魂の熱を受け入れた後、アルバムはエセリアルで力強き “The Walking Realm” で文字通り命の先へと歩みを続けるのです。
もはや10分を超えるエピックこそ DREADNOUGHT の自然。それにしてもゴーストノートや奇想天外なフィルインを駆使した Jordan のドラムスは群を抜いていますし、Lauren の鍵盤が映し出すイマジナリーな音像の数々も白眉ですね。
今回弊誌では、美麗極まる歌声に激情のスクリーム、そしてマルチな楽器捌きを聴かせる Kelly Schilling にインタビューを行うことが出来ました。「フィーメールフロンテットって用語は女性を特別で、センセーショナルにする、つまり私たちをギミックに変えるのよ。私たちはみんな音を作り出す人間であって、性別を焦点にすべきではないのよね。」どうぞ！！

DREADNOUGHT “EMERGENCE” : 10/10

INTERVIEW WITH KELLY SCHILLING

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about your band and yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【KELLY】: Dreadnought is a metal band from Denver, CO USA that we describe as eclectic and ethereal, bringing together elements of progressive metal, black metal, folk, doom, jazz, and post metal (to name a few genres). We write music that speaks to us and naturally flows from us. We all come from different musical backgrounds and influences, I myself grew up passing through a few different phases. By the time I reached middle school, I was introduced to hard rock and nu metal, and as I grew into high school, I became more interested in heavy and dark music. I have been expanding my musical interests ever since.

Q1: 本誌初登場です。まずはバンドの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか？

【KELLY】: DREADNOUGHT はコロラド州デンバーのメタルバンド。プログメタル、ブラックメタル、フォーク、ドゥーム、ジャズ、ポストメタル…それでもまだ挙げ足りないくらいだけど、そういった要素をミックスしてエクレクティックでエセリアルな音楽を描いているの。
私たちは語りかけてくる、自然と溢れ出るような音楽を書いているの。メンバーは全員が異なるバックグラウンドや影響を持っているわ。
私自身はいくつか異なる音楽的な時期を過ごして来たの。中学の頃に、ハードロックや Nu-metal を知って、高校になるとよりヘヴィーでダークな音楽に興味を持つようになったわね。私の音楽世界はそこからどんどん広がっているのよ。

Q2: There are not so much metal band having two male and two female. How did the band come to be?

【KELLY】: The band formed about 7 years ago after our first bands were at a bit of a stand still. Jordan, Kevin, and I were playing together in a band called Kastigation and Lauren in Recondite. After having a few guitarist changes in Kastigation and re-connecting with Lauren, we decided we wanted to try a different lineup and asked if she would be interested in working with us. She said yes and the new project was born.

Q2: 男性2人、女性2人という編成のメタルバンドはなかなか珍しいですよね？

【KELLY】: DREADNOUGHT は、私たちにとって最初のバンドたちが活動を休止していた7年前に結成されたの。Jordan, Kevin, そして私は KASTIGATION というバンドで一緒にやっていて、Lauren は RECONDITE にいたの。
KASTIGATION のギタリストが何人か変わったあと、Lauren と再度連絡を取って、異なるラインナップで挑戦したいから一緒にやらない？って聞いてみたの。彼女は快諾してくれて、新たなプロジェクト DREADNOUGHT が誕生したのよ。

Q3: So, Dreadnought has some multiplayers like drums and sax, guitar and flute, bass and mandolin. When you started the band and get members together, was it important for you?

【KELLY】: The woodwinds and mandolin were secondary, we had previously been playing in other metal bands so we were used to playing instruments in your traditional metal set up (guitar, bass, drums), but since a couple of us had been playing woodwinds for a large chunk of our life, we wanted to include them in our writing. I was inspired by the folk metal movement as a teen and other metal that included non traditional instrumentation, so I naturally wanted to include flute and Jordan also wanted to include his saxophone. When Lauren joined the band and Dreadnought began, we found that keyboards really gave space for other instrumentation.

Q3: DREADNOUGHT は、ドラムとサックス、ギターとフルート、ベースとマンドリンといったようにマルチプレイヤーが多いところも魅力ですよね？

【KELLY】: そういった木管楽器やマンドリンは二次的なものだったの。私たちは以前別のメタルバンドでプレイしていて、ギター、ベース、ドラムスというトラディショナルなメタルらしい編成でやっていたの。だけどメンバーのうち2人が人生の大半を木管楽器をプレイしてきたから、作曲の中に盛り込みたいと考えたのね。
私は10代の頃に、フォークメタルムーブメントや民族楽器を使用するメタルバンドからインスピレーションを得ているからフルートを楽曲に取り入れたいと思うのは自然なことだったわ。同様に Jordan もサックスを取り入れたかったの。
そうして Lauren が加わり DREADNOUGHT が始まると、キーボードが他の楽器を繋げる素晴らしい潤滑油だと気づいたのよ。

Q4: Sometimes you are called like prog-doom, or progressive post-blackdoom band, haha. What’s your perspective about the tags?

【KELLY】: We recognize it is difficult to put our music in a box, we aren’t precisely prog doom or post black doom, but we have elements of prog, black metal, doom metal. We are progressive in our songwriting, but the tags do not describe us fully and are limiting. People who read any of these terms will automatically have an idea in their head of what it sounds like, but we don’t really fit into that box. I would prefer that people listen to us without considering those blanket terms, but I understand it is also difficult to describe a band without them. Jordan likes to think of us as space metal, but even that term may give someone the wrong impression. Music is expanding more and more beyond genre descriptions these days, there is a lot of mixing and experimentation so perhaps these genre terms should only be taken as a rough guideline.

Q4: DREADNOUGHT にはプログドゥームとか、プログレッシブポストブラックドゥームなどのタグが付属しています (笑)。

【KELLY】: １つの箱に私たちの音楽を閉じ込めるのは難しいわね。私たちは正確には、プログドゥームでもポストブラックドゥームでもないのよ。だけどプログ、ブラックメタル、ドゥームの要素を持っているのは確かね。
作曲にかんしてはプログレッシブなバンドだと思うわ。だけどプログのタグが私たちの音楽全てを表現しているとは思わないし、限定的よね。リスナーはそういったタグを読めば、自動的に頭の中にその典型的なサウンドを思い浮かべるはずよ。だけど私たちの音楽はそのどれにもフィットしないのよ。
リスナーのみんなには、そういった一義的な用語に惑わされず私たちの音楽を聴いてほしいわね。とは言え、ジャンル名を使用せずバンドの音楽を語るのも難しいのだけど。
Jordan は “スペースメタル” という表現が気に入っているようね。だけどその言葉にしたって誰かには誤った印象を与えてしまうかもしれないわね。
近年、音楽はジャンルの表現を超えて日々拡大していっているわ。交配と実験が重ねられているの。だからもしかしたら、ジャンル用語自体、大まかなガイドラインとして受け止められるべきなのかもしれないわね。

Q5: OK, let’s talk about your newest record “Emergence”. As the artwork shows, it seems this record resonates with elements of flame, right? Could you tell us about the concept or lyrical themes of “Emergence”?

【KELLY】: You are correct! It does resonate with elements of flame. The album is about transforming oneself through trials and tribulations. We begin the record with a catastrophic event, then telling the tale of all the emotions we may feel when enduring an event so emotionally heavy, specifically anxiety, shock, and resentment. As the album moves forward, the theme moves forward towards a place of understanding. Instead of resentment and anger, we now tell the tale of feeling acceptance and ownership. The album closes with a song of reflection and forward motion. We can now move forward, create a new path for ourselves, and transform from where we once came.

Q5: では最新作 “Emergence” について話しましょう。アートワークが示すように、炎のエレメントに焦点を当てたアルバムのようですね？

【KELLY】: その通りよ！アルバムは炎のエレメント (変化する色、成分) をテーマとしているの。
つまりこの作品は、試練と苦難を通して自分自身を変えることについて書かれているのよ。レコードは人生における壊滅的な出来事から始まって、次に感情的に重い出来事、特に不安、ショックに耐える時に感じる全ての感情についてのストーリーへと移行するの。
それからアルバムが進むにつれて、テーマは理解へと向かって進むのよ。怒りのかわりに、受け入れること、所有することを感じる場所へとね。そうしてアルバムは内省と前へ進むための歌で幕を閉じるの。
アルバムを聴き終えると私たちは前進し、自分自身のために新たな道を作り、かつて来た場所からの変革を果たすことができるのよ。

Q6: Ten minutes over “prog heaven” is kind of trademark of Dreadnought. “Emergence” includes 3 ten minutes over songs. Is it natural for you to make long epics?

【KELLY】: It is natural, we write a piece until we feel it is complete regardless of how long or short it may end up being. 10 minutes just happens to be the average song length we end up with.

Q6: 10分を超えるような”プログヘブン” な楽曲は DREADNOUGHT のトレードマークと言えますが、今回は3曲も収録されていますね。

【KELLY】: 楽曲が10分を超えるのは、私たちにとって自然なことよ。なぜなら完璧だと感じるまで楽曲を書き続けるから。長くても短くても関係なくね。10分が平均的になったのもたまたまそれが完成形だったからよ。

Q7: I think this is the most powerful and most eclectic record in your works. Also, this is a “time machine” of rock music, because we can find from Kate Bush to Karnivool. It seems you covered long history of rock. But what made you mix classic rock and modern metal?

【KELLY】: Thank you! I don’t think we ever intended to mix the two together, but we happened to due to our backgrounds and musical tastes. Some of us grew up with classic rock and prog rock as well as modern metal and by having those influences, we automatically include them both without really thinking too much about it.

Q7: 先程エクレクティックと仰いましたが、同時に Kate Bush から KARNIVOOL まで長いロックの歴史をカバーするタイムマシンのようなアルバムだとも感じました。

【KELLY】: ありがとう！意図してクラッシックロックとモダンな要素をミックスしたわけじゃないんだけどね。だけど私たちのバックグラウンドや音楽的嗜好がそうさせたと思うのよ。
何人かのメンバーはモダンメタルと同時にクラッシックロックやプログロックを聴いて育ったからね。そういった影響を持っているから、あまり考えることなく自然と両者を融合させているんでしょうね。

Q8: When I had an interview with Larissa from Venom Prison, she said “I don’t like the term “female fronted” though because it creates some sort of sub-genre that is solely based on the gender of the front person disregarding the kind of music is being produced by bands that have female vocalists. I find it quite limiting and counterproductive.” Do you agree with her?

【KELLY】: I do agree with her. The term “Female Fronted” continues to separate women from men in the music industry instead of bringing us together as equals. It is counterproductive, as it brings focus to the bands gender rather than their music. I can see how the intention of using that term may have originally been to raise the status of women in the community of metal musicians, that it was trying to bring to light that there are talented women in metal, that it isn’t only a boys club, but instead, the term sensationalizes women and turns us into a gimmick. We are all human beings creating sound and gender shouldn’t be the focal point.

Q8: 先日、VENOM PRISON の Larissa にインタビューを行ったのですが、彼女は「私は “フィーメールフロンテット” って言葉が好きじゃないの。だってこの言葉はただフロントを務める人物のジェンダーのみによって、サブジャンルのようなものを形成してしまうから。その女性ボーカルを擁するバンドたちが生み出す音楽関係なしにね。その行為はとても限定的で、逆効果だと思うの。」と語っていました。

【KELLY】: 彼女に同意するわ。フィーメールフロンテットという用語は、音楽業界では女性を男性から分離し続けているの。平等に扱うかわりにね。バンドの音楽ではなく、性別に焦点を当てているから逆効果よね。
この用語を使用にかんしては、元々は、メタルミュージシャンのコミュニティにおいて女性の地位を向上させる意図があったのはわかるのよ。メタルシーンにも才能のある女性がいることを明らかにしようとしていたんじゃないかと思うの。ただメタルがボーイズクラブじゃないって表明するためにね。
だけど一方で、この用語は女性を特別で、センセーショナルにする、つまり私たちをギミックに変えるのよ。私たちはみんな音を作り出す人間であって、性別を焦点にすべきではないのよね。

THREE ALBUMS THAT CHANGED KELLY’S LIFE

MOONSORROW “V: HAVITETTY”

OPETH “GHOST REVERIES”

ULVER “BLOOD INSIDE”

When I was younger, Linkin Park, Children of Bodom, Behemoth, Cradle of Filth, and Dimmu Borgir were heavy influences on me and part of the reason why I explored further into heavy music.

MESSAGE FOR JAPAN

Haha yes! We love Zelda, that is no secret. Thank you our Japanese friends for taking the time to read this and listen to our music! We look forward to performing for you one day!

私たちはゼルダの伝説を愛しているのよ！秘密でも何でもないわ。日本の友人のみなさん、時間をとってインタビューを読み、私たちの音楽を聴いてくれてありがとう！いつか日本でプレイする日を楽しみにしているわ！

KELLY SCHILLING

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MAGMA : ZËSS】JAPAN TOUR 2019 SPECIAL !!

2019年8月9日 sin23ou コメントをどうぞ

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CHRISTIAN VANDER OF MAGMA !!

“ZËSS Is The Culmination Of a Great Cycle Including All My Previous Compositions. It Opens To a New Space And Other Perspectives. What I Had Sensed For Many Years: Multidirectional Music. It’s Another Way Of Feeling, Of Living Music.”

DISC REVIEW “ZËSS-Le Jour Du Néant”

「”ZËSS” は過去私の全ての作曲の中でも最高到達点と言えるだろうね。新たな場所や別の価値観へのドアを開いたよ。”ZËSS” によって私は “無限” へと歩み始めたんだ。音楽がそうさせたんだよ。」
結成50年。フランスに兆した異端の音楽組織 MAGMA の主宰にして、偉大なるドラマー/コンポーザー Christian Vander は未完の大曲 “ZËSS” が、自らの理想である複数の音楽性を持つ “マルチディレクショナルミュージック” への素晴らしき入り口であったことを認めました。
ジャズとロックの蜜月に、オペラやクラッシック、アヴァンギャルド、そしてミニマリズムの玄妙を封じた邪教 MAGMA は、Christian が天啓を受けたというコバイアの宇宙奇譚と仮想言語によりその禍々しき中毒性を一際増しています。
もちろん、MAGMA がメインストリームに位置することはありませんでしたが、そのカルトな表現方法はハードコアなマニアを生み続けています。ドキュメンタリー “To Life, Death And Beyond: The Music Of Magma” を見れば分かる通り、Trey Gunn, Jello Biafra, Robert Trujillo といった卓越したミュージシャンも実はバンドの熱烈な信徒なのです。
Christian も認めるように、MAGMA が “ズール” と呼ばれるその音楽スタイルを完成させたのは、3rdアルバム “Mekanik Destruktiw Kommandoh” 通称 “M.D.K.” でした。ベーシスト Jannick Top の加入により世界最高峯のスキルと “圧” を備えたリズムセクションを宿したバンドは、さらにコーラスの “圧”、複雑怪奇の “圧”、コバイアの “圧” で圧倒的なパワーとエナジーを纏う独創性を確立したのです。ズール “Zeuhl” とはすなわち “振動する音楽” の意。
Christian は時代を先取っていたと語ってくれましたが、甲高い狂気の叫びと入り乱れる無慈悲な拍子記号、そしてアヴァンギャルドな音楽性のコンビネーションは、もはやクラッシックロックの枠組みに対する破壊からの再創造であったとも言えるでしょう。
Christian が “ZËSS” の発想を得たのは1977年 “Attahk” のセッションにおいてだと言われています。それはファンク/ソウル色を増し、よりキャッチーなボーカリゼーションへと向かい始めた変革の時期でした。故に、Christian の言葉通り多様で自由な世界へのドアを開ける重要な鍵こそが “ZËSS” であったのは確かでしょう。ただし、楽曲はしばしばライブで披露されライブアルバムにも収録されましたが、スタジオアルバムに収録されることはなく故に未完成の伝説と語られるようになったのです。
「スタジオでレコーディングされていない最重要の音楽が “ZËSS” だったね。そして私たちは過去にリリースした “ZËSS” のライブバージョンとは全く異なるスタジオテイクを成し遂げたかったんだ。」
2019年、遂にベールを脱いだ38分のズールエピックは、シンフォニックでとめどなくスピリチュアルな有機的実験でした。序盤、Christian のナレーションが響き渡る反復の呪術を聴けば、彼の敬愛する John Coltrane が “Love Supreme” で世界に届けた深き瞑想と至上の愛を想起するファンも多いでしょう。
ただし、徐々にインテンスを増して、コーラスハーモニーとピアノのコード、シンコペーションのリズムにオーケストラのスペクタクルが複雑な糸のごとく絡まりあうと、カール・オルフやリチャード・ワグナーの虚影と共に様々な情景やエモーションがマグマのように溢れ出していきます。
光と影、天と地、想像と現実、歓喜と悲哀。それは恍惚を誘う魂の精神世界、形而上の峰。そうして、クラッシック、スピリチュアルジャズ、ゴスペルにソウル、そしてミニマルな舞台背景に踊るズールのダンスは、あまりに壮大なスペースオペラとして伝説の伝説たる所以を威風堂々提示するのです。さてこの作品は彼らのスワンソングとなるのでしょうか？少なくとも、信徒はきっとアンコールを望むはずです。
今回弊誌では、Christian Vander にインタビューを行うことが出来ました。「本当に勧めたいのはバンドのライブを見ることなんだ！！！私たちのパワーやエナジーを理解するためには、MAGMA のライブを見に来る必要があるよ！！もちろん、”Magma Live” アルバムもそうやってこのバンドを理解する良い方法だと思うね！」”50年後” と銘打たれた9月の来日も間近。どうぞ！！

MAGMA “ZËSS-Le Jour Du Néant” : 10/10

INTERVIEW WITH CHRISTIAN VANDER

Q1: First of all, for about 40 years, you had no opportunity to do studio recording because of incomplete music “Zess”. What made you release the complete version of “Zess” in this timing?

【CHRISTIAN】: We were very tired after 3 years of continuously touring around the world and decided to take a kind a sabbatical year, we decided that we won’t be on the road in 2018. After a few weeks resting, we realized that it was the perfect timing to record a new album.
The last important piece of music that haven’t been recorded in studio was ZËSS. We wanted to achieve a totally different version from the live versions we already released in the past. Stella had the idea of a symphonic version and manage to find the ressources to hire an orchestrator and the Prague orchestra. It’s been a huge amount of work but we’re very proud of this new album!

Q1: “ZËSS” は未完成を理由に、40年もスタジオでレコーディングされることがなかった伝説の楽曲でした。今回その完全版を遂にリリースしようと決めたのはなぜですか？

【CHRISTIAN】: 私たちは3年も絶え間無く続いた世界を回るツアーにとても疲れていたんだ。だからサバティカル、休暇のような1年を作ろうと決めたんだ。つまり、2018年はツアーに出ないとね。そうして数週間休息を取った後、私たちはこの休みが新作をレコーディングする完璧なタイミングだと悟ったんだ。
スタジオでレコーディングされていない最重要の音楽が “ZËSS” だったね。そして私たちは過去にリリースした “ZËSS” のライブバージョンとは全く異なるスタジオテイクを成し遂げたかったんだ。妻の Stella (Vander) がシンフォニックバージョンのアイデアを持っていて、編曲家とプラハオーケストラを手配してくれたんだよ。確かに膨大な仕事量だったけど、この新たなアルバムを誇りに思っているよ！

Q2: So, what’s the legendary song “Zess” to Magma?

【CHRISTIAN】: ZËSS is the culmination of a great cycle including all my previous compositions. It opens to a new space and other perspectives. What I had sensed for many years: multidirectional music. It’s another way of feeling, of living music. Perhaps this sensation must be experienced by divers who swim in the deep sea: a kind of weightlessness, there is no more top or bottom: an insituable positioning. It is this work that I begin towards infinity, what music offers.

Q2: 長年未完のままだった伝説の楽曲 “ZËSS” は、MAGMA にとってどのような位置を占めていますか？

【CHRISTIAN】: “ZËSS” は偉大なサイクルにおける過去私の全ての作曲の中でも最高到達点と言えるだろうね。新たな場所や別の価値観へのドアを開いたよ。
その場所とは何年も私が目指し、感じてきたものなんだ。”マルチディレクショナルミュージック”、複数の方向性を持つ音楽。感情や生の音楽の別の道なんだ。
例えばこの感覚は、おそらく深海に潜るダイバーもきっと経験しているだろうね。重量を感じなくなり、上も下もなくなる自由なポジションさ。”ZËSS” によって私は “無限” へと歩み始めたんだよ。音楽がそうさせたんだ。

Q3: Simon Goubert, Morgan Agren joined the recording session, and even you use real orchestra. What made you invite these guests?

【CHRISTIAN】: We couldn’t think about anyone else that those two excellent musicians. Simon played Zess in the past, he knows how to make it sound perfectly on an acoustic piano, he knows the in-depths of the piece , Morgan is an incredible drummer and we wanted to work with him since a longtime. The drum part is very challenging, we really need someone like Morgan!

Q3: あなたの右腕とも言える Simon Goubert、さらにドラムマイスター Morgan Agren がレコーディングに参加していますね？

【CHRISTIAN】: そうだね。私たちにとって、この2人の卓越したミュージシャン以外の人選は考えられなかったね。Simon は過去にも “ZËSS” をプレイしているから、アコースティックピアノをこの曲で完璧に響かせる術を心得ているからね。彼は本当に深い部分まで “ZËSS” を理解しているんだ。
Morgan は驚異的なドラマーで、私たちは長い間彼と仕事がしたいと思っていたんだ。この曲のドラムパートは実にチャレンジングだから、本当に Morgan のようなプレイヤーを欲していたんだよ！

Q4: It seems Kobaïan is a phonetic language made by elements of the Slavonic and Germanic languages to be able to express some things musically, right? What’s the reason you haven’t use French or English in your songs?

【CHRISTIAN】: French wasn’t expressive enough for the sound of the music I had in my head. I’m not fluent in English, not able to write proper lyrics in English. Kobaïan is a language that is constantly evolving and the sounds/words come organically when I am composing.

Q4: MAGMA の代名詞とも言える仮想言語コバイア語はスラブ語-ドイツ語を基盤として、音楽的な表現方法を広げるために使用されていると理解しています。
例えばあなたの母国語であるフランス語、もしくは英語でその表現は不可能なのでしょうか？

【CHRISTIAN】: フランス語は、私の頭の中にある音楽を鳴らすのに充分に表現的とは言えなかったね。そもそも英語は流暢には話せないから、適切な歌詞を英語で綴ることはできないんだ。
コバイア語は常に進化を続ける言語で、そのサウンドや言葉は私が作曲を行っている間に自然と生まれて来るんだよ。

Q5: Regarding Kobaïan, Zeuhl is a style of prog rock that originated in France in the 1960s and born from Kobaïan. But lot’s of Japanese bands like Ruins, Happy Family, Koenji Hyakkei inherit the legacy. What’s your perspective about these bands?

【CHRISTIAN】: First of all they all are very skilled musicians. I like their approach of Zeuhl music. It’s at the same time very respectful for the music of Magma and still, very original.

Q5: ジャズ/プログロックにオペラ、クラッシック、ミニマリズムを導入した MAGMA の音楽は、ズールというジャンルを生みました。
日本にもそのレガシーを受け継ぐ、RUINS, HAPPY FAMILY, 高円寺百景といった優れたバンドが存在しています。

【CHRISTIAN】: まず述べて置くべきは、彼ら全員が非常に優れたミュージシャンである点だね。私は彼らのズールに対するアプローチが気に入っているんだ。というのも、彼らは MAGMA の音楽にとても敬意を払いながら、同時にとてもオリジナルだからね。

Q6: Your Japan tour will be soon! So, you have really huge discography, but when music fans jump into Magma’s world, what do you recommend them?

【CHRISTIAN】: I would recommend to start with Felicité Thosz where you can find all Magma different colors and ambiances. It is also very easy to listen too, easy to get into. Then I would move to the most popular piece which is M.D.K, the to Kohntarkosz, written in 1974 but still ahead of its time. But mostly I would recommend to see the band live!!! You need to see Magma live to understand the power and the energy!! Of course the album MAGMA LIVE is a good way to discover the band as well!

Q6: 日本でのライブも控えています。MAGMA には膨大なディスコグラフィーがあるわけですが、未聴のリスナーがズールの世界へと飛び込む時に、あなたがまずオススメするのはどのアルバムでしょう？

【CHRISTIAN】: 私ならまず、”Felicité Thosz” をオススメしたいね。というのも、MAGMA に備わる全ての異なる色合いや雰囲気を堪能できるからね。それにとても聴きやすいアルバムだから、私たちの世界に入りやすいだろうな。
それから最も有名な作品に移れば良いと思う。”M.D.K” そうして “Kohntarkosz” へね。1974年に書かれたアルバムだけど、先進的で時代を先駆けていたよね。
まあでも、本当に勧めたいのはバンドのライブを見ることなんだ！！！私たちのパワーやエナジーを理解するためには、MAGMA のライブを見に来る必要があるよ！！もちろん、”Magma Live” アルバムもそうやってこのバンドを理解する良い方法だと思うね！

Q7: Could you tell us about five albums that changed your life?

【CHRISTIAN】: To sum up in five discs what has changed my life seems to me insufficient. John Coltrane changed my life … and my vision of things. Record after record, he surprised me, took me each time into other worlds, constantly evolving. Otherwise, I discovered the first quartet (before Jimmy Garrison) with “My favorite things”. The album “Transition” (unpublished during John’s lifetime) is a true music lesson, a true example of multidirectional music, which he develops on several levels. A record with several floors, to be listen to in depth …

Q7: 人生を変えた5枚のアルバムを教えていただけますか？

【CHRISTIAN】: 私の人生を変えたアルバムを5枚に絞るのは難しいね。John Coltrane は私の人生を変えたよ…それに物事の見方もね。どのレコードを聴いても驚かせてくれたし、別の世界へも誘ってくれた。常に進化を続けていたんだ。”My Favorite Things” で最初のカルテット (Jimmy Garrison が加わる前の) を発見してからずっとね。
彼の生前にはリリースされなかった (没後3年の70年リリース) “Transition” は真の音楽的なレッスンだと思う。真の “マルチディレクショナル” な音楽の例で、彼はいくつものレベルを駆け上がっているんだ。様々な階段があるレコードで、深く深く聴くことができるね。

MESSAGE FOR JAPAN

Dear Japanese friends, I think very often of you, of your deep and magical country. I am very happy to go to Japan soon. I wish you the best, infinite happiness. May the gods protect you. May the land of the Rising Sun live forever.
Your friend of heart , Christian Vander.

日本の友人たちへ。君たち、そして深くマジカルな君たちの国をとてもよく思い浮かべているよ。日本にまたすぐに行くことができて実に嬉しいね。君たちの無限の幸せを祈っているよ。神さまが守って下さいますように。日出ずる国が永遠でありますように。あなたの友人、Christian Vanderより。

CHRISTIAN VANDER

Acoustic Version
2019/9/20 (Fri) 東京・Shibuya WWW
OPEN 18:00 START 19:00
スタンディング前売り:￥8,000

2019/9/21 (Sat) 東京・EX シアター六本木
OPEN 17:00 START 18:00
全席指定前売り:￥9,000

2019/9/22 (Sun) 大阪・サンケイホールブリーゼ
OPEN 17:00 START 18:00
全席指定前売り:￥9,000

公演の詳細はこちら。SMASH

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ALARMIST : SEQUESTERER】

2019年8月6日 sin23ou コメントをどうぞ

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ALARMIST !!

“‘Post-rock’ Used To Be a Useful Catch All Term That Included All Of The Things You Just Listed To Describe Our Sound, Particularly For Bands Like Tortoise, Stereolab, Slint, But Now Seems It’s Gotten Very Specialised To a Certain Type Of Slow-burning Reverby Sound.”

DISC REVIEW “SEQUESTERER”

「アイルランドは小さな国だけど、沢山の有名なインストゥルメンタルバンドを輩出しているよね。その大きな理由は、おそらく00年代初期に THE REDNECK MANIFESTO がこの国でとても人気があったからだと思うんだ。」
THE REDNECK MANIFESTO, GOD IS ASTRONAUTS, ADEBISI SHANK, AND SO I WATHCH YOU FROM AFAR, ENEMIES。00年代初期に勃興したアイルランドのインストゥルメンタル革命は、ポストロックの情景とマスロックの知性を巧みに組み込みながらそのユニークな音脈を紡ぎ続けています。
「”ポストロック”は、僕たちのサウンドを説明するための便利なフレーズだったね。ただ、今となってはリバーブをかけた緩やかに燃えるような特定のサウンドを指すようになっていると思う。」
穏やかに多幸感を運ぶアトモスフェリックなサウンドスケープのみを追求せず、実験性、多様性、複雑性を同時にその理念へと宿す ALARMIST はまさにアイルランドに兆した特異性の申し子だと言えるでしょう。
“ポストマスロック”。モダンなインスト音楽の領域にとって不可欠なポストロック、マスロックのみならず、エレクトロニカ、ジャズ、チェンバー、サウンドトラックにゲーム音楽まで貪欲に飲み込む騒々しき野心家 ALARMIST に付属したタグは、そうして自らが呼称する “インスト過激主義者” のイメージと共に新時代の到来を激しく予感させています。
「僕たちはパートをスワップするのが好きなんだ。パートごとよりもアンサンブル全体を考えて作曲しているからね。」
ALARMIST が過激派たる由縁は、担当楽器のユーティリティー性にもあると言えます。カルテットからトリオへと移行する中でツインドラムの奇抜は失われましたが、それでもメンバー3人は全員が鍵盤を扱えますし、ギタリストとキーボーディストの境界さえ曖昧。さらに管楽器やアナログシンセ、トイピアノにダルシマーまで駆使してその音のキャンパスを豊かに彩っているのです。
「僕たちは1つのジャンルのラベルで完全に満足することは決してないだろうね。だけど “エクスペリメンタルロック” は曖昧だけど使える言葉だと思う。」
実際、バンドのセカンドアルバム “Sequesterer” に封じられた楽曲は、かつてポストロックに備わっていた実験性、真の意味での “ポスト” ロックを体現する魔法です。
例えば Tigran Hamasyan がジャズからの MESHUGGAH への返答だとすれば、オープナー “District of Baddies” はポストロックからの MESHUGGAH への返答なのかも知れません。ANIMALS AS LEADERS を想起させるシーケンシャルなメロディーとポリリズミックなリズムアプローチの現代建築は、アナログシンセサイザーの揺蕩う揺らぎや多様な楽器の音色との交わりで緩やかに溶け出し、風光明媚な情景の中へと見事に同化を果たします。それはメタルの方法論とはまた異なるスリル。時間もジャンルも楽器の垣根までも飛び越えまたにかける音旅行。
同様に、”Boyfriend in the Sky” はトロピカルトライバルに対する、”Lactic Tang” は FLYING LOTUS に対する、そして “Expert Hygience” はゲーム音楽に対するポストロックからの強力な返答だと言えるのかも知れませんね。ポストロックの一語である程度音像が理解できてしまう現在のシーンにおいて、TORTOISE, STEREOLAB, SLINT といったバンドはもっと多様で、挑戦的で、アヴァンギャルドな理想を追っていたよね？という ALARMIST の救いにも似たメッセージは、”ポスト” の停滞と飽和から脱却する万華鏡の音魂として世界を席巻するはずです。
今回弊誌では ALARMIST のメンバーにインタビューを行うことが出来ました。「日本にはクールな音楽が沢山あるよね。Mouse on the Keys, Cornelius, Perfume みたいな J-Pop に武満徹のような現代音楽まで。それに、任天堂、セガ、コナミみたいなゲーム音楽からも大きな影響を受けているんだよ。」リリースはジャンル最重要レーベルの一つ Small Pond から。どうぞ！！

ALARMIST “SEQUESTERER” : 9.9/10

INTERVIEW WITH ALARMIST

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【ALARMIST】: The roots of the band go back to when we met as teenagers in early 00s Dublin. As kids before that, some of us would have been playing instruments at an early age and others immersed in stuff like art and writing, that would have fed into our musical creativity later.
Osgar, Elis and Barry played in several versions of the same lineup which evolved along with their tastes and abilities. When we started playing together as teenagers, alt-rock bands like Radiohead, Deftones, Tool, Oceansize were very influential, and I think that interest led us all towards post rock and electronic music, as well as jazz and classical music. So by the time we were 17/18 our music evolved into an instrumental trio, inspired by acts like Explosions in The Sky and Redneck Manifesto. That version ended as each of us went to study music in college.
In 2007/8 we reformed and Neil joined, and this is where Alarmist properly began. By this time artists like Tortoise, Battles, Múm, Sigur Rós, Aphex Twin, Squarepusher, Bjork, Sufjan Stevens, Mice Parade, Jaga Jazzist were major shared influences. But we have all developed lots of wider tastes since then. Some artists we’ve enjoyed more recently include Oneohtrix Point Never, Disasterpiece, Kneebody, Andy Shauf, Beak and Broadcast.

Q1: 本誌初登場です。まずはバンドのバックグラウンドからお話ししていただけますか？

【ALARMIST】: バンドのルーツは、まだ僕たちがティーンネイジャーでダブリンで出会った00年代初頭まで遡るね。それ以前の子供時代、メンバー各自は楽器をやったり、アートや小説に没頭したりして後のクリエイティビティーを養っていたんだ。
Osgar, Elis, Barry の3人は、同じラインナップで音楽のテイストとアビリティーを進化させていったね。10代で共にプレイし始めたころは、RADIOHEAD, DEFTONES, TOOL, OCEANSIZE といったオルタナティブなバンドにとても影響を受けたよ。そういった興味の源流が、ポストロック、エレクトロニカ、ジャズやクラッシックへと導いてくれたと思っているんだ。
そうして、17歳か18歳になるころまでに、僕たちはインストトリオへと進化していたんだ。EXPLOSIONS IN THE SKY, REDNECK MANIFEST にインスパイアされたようなね。その時のバンドは、メンバーが大学で音楽を学ぶために終焉を迎えたんだけど。
07年/08年ころに僕たちは再結集して Neil を加えたんだ。おそらくこれが ALARMIST の始まりだと言えるだろうね。そのころには、TORTOISE, BATTLES, MUM, SIGUR ROS, APHEX TWIN, SQUAREPUSHER, BJORK, Sufjan Stevens, MICE PARADE, JAGA JAZZIST が大きなインスピレーションとなっていたね。
それからよりワイドなテイストを加えて、最近ではONEOHTRIX POINT NEVER, DISASTERPIECE, KNEEBODY, Andy Shaf, BEAK AND BROADCAST といったアーティストを楽しんでいるよ。

Q2: How did Alarmist come to be? What instruments are you three playing?

【ALARMIST】: Between us, we studied composition and performance of contemporary classical music, jazz and rock in college, so along with the artists listed above, this was a major factor in our ensemble approach to composition and arrangement.
In the early four-piece, we wanted a big, multi-instrumental sound. So we had Osgar on drum kit, Neil on second drums and keys , Barry and Elis on both guitars and keys. Osgar decided to take a break from music last year, so now Neil is the dedicated drummer. Generally, Elis is more the keyboard player and Barry the guitarist, but we like to swap things around, and in composing we think of the whole ensemble rather than just our own parts.
Live, we play keys through Ableton for lots of different sounds, as well as triggering samples and using some backing track elements. In studio, there are fewer restrictions. We sometimes play wind instruments that we wouldn’t play live, such as clarinets, trumpet, flute, sax, and all sorts of other things like analogue synths, toy pianos and dulcimers.

Q2: ALARMIST 結成の経緯と、メンバー3人の担当楽器を教えていただけますか？

【ALARMIST】: 3人とも大学で、コンポジションと、現代音楽、ジャズ、ロックの演奏を学んでいるんだ。だからさっき挙げたようなアーティストと並んで、そういった同じ素養、コンポジションやアレンジに対する同じアプローチが僕たちを集結させたと言えるだろうね。
初期の4人編成時代、僕たちはビッグでマルチなインストゥルメンタルサウンドを求めていたんだ。だから Osgar がドラム担当で、Neil がセカンドドラムとキーボード、Barry と Elis がキーボードとギター2つの楽器を互いにプレイしていたんだ。
昨年、Osgar が音楽活動の休止を決めたから、今は Neil が完全にドラムに集中しているよ。基本的に、Elis はよりキーボーディストで、Barry はよりギタリストだよ。ただ、僕たちはパートをスワップするのが好きなんだ。パートごとよりもアンサンブル全体を考えて作曲しているからね。
ライブでは Ableton を使用して様々なサウンドを出しているよ。トリガーやサンプル、バッキングなんかをね。スタジオでは制限が少なくなるから、ライブでは演奏しないクラリネット、トランペット、フルート、サックスといった管楽器を使うこともあるよ。他にもアナログシンセやトイピアノ、ダルシマーなんかもね。

Q3: What inspired you to start your instrument? Who was your musical hero at that time?*

【BARRY】: Some teenage guitar heroes inspiring me at the beginning were Tom Morello, Jonny Greenwood, later Tortoise for general musical impact.

【ELIS】: Bass used to be my main instrument in early bands, after playing piano growing up, so probably Flea when I was a kid, and Bjork later for electronics/synths and other things.

【NEIL】: I played piano as a kid but picking up drums aged 14 the biggest hero was probably Travis Barker. Later on Dave King from the Bad Plus would have been a more sophisticated influence.

Q3: 楽器を始めたきっかけや、当時のヒーローを教えていただけますか？

【BARRY】: 10代の頃、Tom Morello, Jonny Greenwood といったヒーローにインスパイアされてギターを始めたんだ。後に、TORTOISE が大きなインパクトとなったね。

【ELIS】: 最初はベースがメインの楽器だったんだ。後にピアノを弾くようになったんだ。だから子供の頃は Flea で、それからエレクトロニカやシンセの分野で Bjork から影響を受けたんだ。

【NEIL】: 僕は子供の頃ピアノをやっていて、14歳でドラムを始めたんだ。だから Travis Barker がおそらく最大のヒーローだね。それから THE BAD PLUS の Dave King からは細かい部分で影響を受け続けているね。

Q4: ASIWYFA, Enemies, Adebisi Shank, Ireland is one of the biggest math rock country in the world. What’s the scene there to you? Are you influenced by them?

【ALARMIST】: For a small country Ireland has had a lot of well-known instrumental bands , a big reason why is probably because the Redneck Manifesto were very popular locally in the early 00s with all kinds of audiences and not just post rock fans, and they influenced many acts including ourselves.
It’s kind of bittersweet because it is easy to make your name known in Ireland if you are a good band, and instrumental bands get more attention than they might elsewhere. But because of the small population it’s difficult to do a lot of touring or sell records, and leaving the island with gear to play gigs in other countries is expensive. But we have been lucky to get a small but keen international following through the internet, and we tend to look for nice opportunities like festivals overseas instead of touring every month close to home.
I think rather than being influenced by the bands you mentioned , we share similarities. We were already quietly a band for some time when those bands like Adebisi and Enemies started doing some great stuff and getting a reputation. We are friendly with those guys, and played some early gigs with them, we definitely share an audience but we all appeared in different pockets of the country. I think we, and probably they, have felt more part of an international scene. It is nice that Ireland still gets recognised, especially when it has become difficult to sustain a physical community around music with venues disappearing and cities getting too expensive

Q4: ASIWYFA, ENEMIES, ADEBISI SHANK など、アイルランドは世界でも最もマスロックが盛んな国の一つだと感じます。ALARMIST も彼らの血脈を受け継いでいますよね？

【ALARMIST】: 確かに、アイルランドは小さな国だけど、沢山の有名なインストゥルメンタルバンドを輩出しているよね。その大きな理由は、おそらく00年代初期に THE REDNECK MANIFESTO がこの国でとても人気があったからだと思うんだ。ポストロックファンからだけじゃなく、全てのオーディエンスからね。彼らは僕たちも含めて多くのアイルランドのバンドに影響を与えているんだよ。
アイルランドのシーンは一言で言えば “ビタースイート” だろうね。ここでは良いバンドなら名前を知ってもらうのは簡単だよ。それに世界のどこよりもインストゥルメンタルのバンドが注目を集めている。だけど一方で、人口が少ないからツアーを沢山こなしたり、レコードを沢山売ることは難しいんだ。この島を離れて他国に機材を持ち込みライブを行うのはお金がかかるしね。
ただ、僕たちは幸運にもネットを通して小さいけれど熱烈なフォロワーを得ることが出来ている。だから毎月家の近所でライブを行う代わりに、海外のフェスなんかでプレイする機会を得られているんだけどね。
君が挙げたようなバンドから影響を受けたというよりも、類似点をシェアしていると僕は考えているんだ。というのも、ADEBISI とか ENEMIES が偉大な作品を出して評判を得始めたころ、僕たちはすでにこのバンドをやっていた訳だからね。彼らとは仲が良いし、初期のころはライブも一緒にやっていたよ。だから僕たちはアイルランドの別々の場所から登場したけど、間違いなくオーディエンスはシェアしているんだ。
僕たちは、もしかしたら彼らも、どちらかと言えばインターナショナルなシーンの一部だと感じているように思うね。特に、都市の地価が高騰しライブハウスが消えていき、音楽にまつわる物理的なコミュニティを維持することが難しくなった今でも、アイルランドがまだこうやって認識され続けているのは素晴らしいね。

Q5: OK, let’s talk about your newest record “Sequesterer”. First of all, what’s the meaning behind the album title “Sequesterer”? Is there any concept in this record?

【ALARMIST】: Sequesterer is word we invented and enjoyed the sound of. ‘To sequester’ means ‘to hide away or isolate something’ , or in chemistry ‘to form a stable compound with an atom or molecule so it is no longer available for reactions’. We’ll leave it to people to interpret for themselves, and to create their own meaning or journey in the music.

Q5: では最新作 “Sequesterer” について話しましょう。まずはこのタイトルに込められた意味や作品のコンセプトについて伺いたいのですが。

【ALARMIST】: “Sequesterer” とは僕たちが発明した言葉で、その語感を楽しんでいるんだ。”To Sequester” には隠すとか隔離するとか、あとは化学の分野で原子や分子で安定した化合物を形成するから化学反応は得られないって意味があるんだ。
まあ僕たちとしては、その解釈はリスナーにお任せするって感じかな。そうして自らの意味や旅を音楽の中に見つけて欲しいな。

Q6: Sometimes, you are called “Post-math rock” band. Actually, you are blending from math rock to post-rock, electronic, jazz, movie soundtrack and contemporary chamber music together. Definitely, you are really eclectic band, but what’s the tag “Post-math rock” to you?

【ALARMIST】: ‘Post-rock’ used to be a useful catch all term that included all of the things you just listed to describe our sound, particularly for bands like Tortoise, Stereolab, Slint, but now seems it’s gotten very specialised to a certain type of slow-burning reverby sound. ‘Post-math’ at least tells people to expect unusual arrangements and rhythmic activity, but I think we are never totally comfortable with one genre label. Sometimes words like ‘progressive’ and ‘math’ put too much emphasis on technique and virtuosity, so ‘Experimental rock’ is a vague but useful term. I think a lot of the ‘math’ in our sound comes as much from electronic music influences as from math rock, but when we perform it as a band the rhythmic activity appeals to math listeners.

Q6: マスロック、ポストロック、エレクトロニカ、ジャズ、チェンバーミュージックとバンドの音楽性は非常に多岐に渡っています。しばしば ALARMIST に付属する “ポストマスロック” というタグについてはどう感じていますか？

【ALARMIST】: “ポストロック”は、僕たちのサウンドを説明するため、君が今リストアップしたもの全てを含む便利なフレーズだったね。特に TORTOISE, STEREOLAB, SLINT といったバンドにとってはね。ただ、今となってはリバーブをかけた緩やかに燃えるような特定のサウンドを指すようになっていると思う。
“ポストマス” という言葉は、少なくとも驚くようなアレンジやリズミカルな構成を期待するように人々には訴求するだろうけど、僕たちは1つのジャンルのラベルで完全に満足することは決してないだろうね。僕たちにとって “プログレッシブ” や “マス” といった言葉はテクニックと妙技をあまりに強調しすぎているから、”エクスペリメンタルロック” は曖昧だけど使える言葉だと思う。
僕たちのサウンドの中にある “マス” 成分の多くは、マスロックからと同じくらいエレクトロニックミュージックからも影響を受けているんだけど、結局それをバンドとして演奏するときはそのリズミカルな要素はマスロックのリスナーにアピールするんだよ。

Q7: Especially, opening track, “District of Baddies” reminds me Animals as Leaders. Is there any influence from prog/metal artists?

【BARRY】: I think prog and metal are not huge influences but as a group we have sometimes enjoyed songs by acts like Meshuggah and Animals As Leaders, without being very active listeners. Some very early influences on band members include acts like Tool, Deftones, King Crimson and maybe this still expresses itself in our approach to rhythm.
I think when we have a passage in our music that sounds ‘prog metal’, we like to combine it with something very contrasting and a little strange in order to defamiliarise it, such as the floating background synth over the heavy ending of ‘District’, or the twangy surf-like guitar in the heavy part of ‘Kalite Quest’.

Q7: 特にオープナー “District of Baddies” からは ANIMALS AS LEADERS のようなプログ/メタルの雰囲気も感じたのですが、そういった分野からのインスピレーションはありますか？

【BARRY】: 僕自身はプログやメタルはそんなに大きな影響ではないと思うんだけど、グループとしては MESHUGGAH や ANIMALS AS LEADERS といったバンドも楽しんで聴いているよ。積極的なリスナーって訳じゃないけどね。とは言え、バンドのメンバーには初期に TOOL, DEFTONES, KING CRIMSON から影響を受けたメンバーもいて、おそらくそれは今でもリズムのアプローチに表出しているだろうね。
僕たちの音楽の中にプログメタルのように聴こえる部分があるとしたら、それは対照的で少し奇妙なものを組み合わせることが好きだからだろうな。”District of Baddies” のヘヴィーエンドに対する浮遊するシンセとか、 “Kalite Quest” のヘヴィーパートに潜む鋭いサーフライクなギターなんかはまさにそうだよね。

Q8: Regarding math rock, Japan has lot’s of great math rock acts like Lite, toe. Are you interested in Japanese music scene?

【ALARMIST】: There’s a lot of cool Japanese music we’ve enjoyed like Mouse On the Keys, Cornelius, J Pop like Perfume and classical composer Toru Takemitsu. And we have to acknowledge the huge influence that Japanese video game composers have had on our music (Nintendo, Sega, Konami, etc….). Lite are a great band and we are lucky to have played with them on several occasions in Ireland and the UK.

Q8: アイルランドと同様に、日本も LITE や toe など偉大なマスロックバンドを数多く輩出しています。

【ALARMIST】: 日本にはクールな音楽が沢山あるよね。Mouse on the Keys, Cornelius, Perfume みたいな J-Pop に武満徹のような現代音楽まで。それに、任天堂、セガ、コナミみたいなゲーム音楽からも大きな影響を受けているんだよ。
Lite は素晴らしいバンドで、幸運なことに僕らはアイルランドと UK で何度か彼らとプレイする機会があったんだ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED ALARMIST’S LIFE

TORTOISE “TNT”

EFTERKLANG “TRIPPER”

BATTLES “MIRRORED”

JAGA JAZZIST “WHAT WE MUST”

FLYING LOTUS “LOS ANGELES”

MESSAGE FOR JAPAN

We love Japanese music, film, food, culture in general so it’s very nice that people are listening to us over there. We would really like to get over for a tour in the near future, and it would be great to hear more from Japanese fans/artists/promoters who enjoy our music.

僕たちは日本の音楽、映画、食事や文化を愛しているんだ。だから日本の人たちが僕たちの音楽を聴いてくれているなんてとても嬉しいよ。
近い将来、ツアーで日本に行きたいから僕たちの音楽を楽しんでくれるファン、アーティスト、プロモーターがもっと増えたら嬉しいね。

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BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【RUSSIAN CIRCLES : BLOOD YEAR】

2019年8月1日 sin23ou コメントをどうぞ

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH BRIAN COOK OF RUSSIAN CIRCLES !!

ALL PHOTOS BY TEDDIE TAYLOR

“I Would Much Rather Listen To a Darkthrone Album That Sounds Like It Was Recorded On a Boombox Than Hear Some Over-produced, Over-polished, Over-wrought Album.”

DISC REVIEW “BLOOD YEAR”

｢ライブの宣伝をするためにレコードを作るのか、それともレコードを売り込むためにライブを行うのか。個人的にはライブの方がより重要だと感じるね。｣
THESE ARMS ARE SNAKES, SUMAC、そして RUSSIAN CIRCLES で重厚な音の石段を積み重ね続けるシーンきってのベースマン、Brian Cook は前作 “Guidance” リリース時のインタビューでそう話してくれました。
緩と急、厳粛と轟音、膨張と収縮。ポストロック/ポストメタルのトレードマークであるダイナミズム、対比の美学を誰よりも深く追求してきた RUSSIAN CIRCLES は、同時にライブに宿る刹那の奇跡、生の感情、迫真のサウンドを誰よりも深く愛しています。
Brian とギタリスト Mike Sullivan、そしてドラマーの Dave Turncrantz。ステージへ上がるのはたったの3人ですが、ライブに鳴り響く彼らの轟音は “leave them all behind 2014” の初来日がまざまざと示したように、バンド名の由来となったアイスホッケーを想起させるほど強烈にフィジカルでダイレクトな “接触” です。
一方で、モダンなアーティストとしての多様性を咀嚼し血肉とする万華鏡の音楽性も魅力の一つ。メタル、ドゥーム、ハードコア、ノイズ、クラウトロックそしてプログロックまで千変万化に分裂を続けるバンドの音楽細胞は絶え間なくその体内を駆け巡っているのです。
およそ5年間、3枚の長い音旅を終えて RUSSIAN CIRCLES は岐路に立っていました。
“Guidance” リリース時のインタビューで、アーティストとして生きることの儚さ、不安定さを言及していた Brian はそうして今回、経済面よりもむしろ “普通” を外れて生きることのプレッシャーや困難が彼らのバンド、ひいてはミュージシャン全体を圧迫していると語り音楽活動に熱意を保つことの難しさを吐露してくれました。
“What’s next…?”。混乱と葛藤の中にあった RUSSIAN CIRCLES を蘇らせたのはやはりライブでした。
“Guidance” のツアーで世界を回り、リフ&ビートを刻み続けるうちバンドの創作意欲は充填され遂には溢れ出したのです。
「僕たちは全員がアグレッシブなレコードを作りたかったんだ。もちろん、厳粛でアトモスフェリックな楽曲をアルバムに収録するのも大好きなんだけど、ライブではただ “ロック” な楽曲をプレイしたいんだ。静かな楽曲はとてもデリケートで、だからこそライブでは様々な “拘束” を受けてしまうからね。」
バンドが新たな旅の目的地に選んだのはよりオーガニックでダイレクトなロックの地平でした。確かにこの “レコード” は両面共に、”Hunter Moon”、”Ghost on High” という情緒さえ感じさせる、緩やかで静謐を湛えた美麗なサウンドスケープに端を発します。
とは言え、Dave Turncrantzのスティック一閃、ボンゾやキース・ムーンのスネアの重みを右頬に、骨をも砕くベースアタックを左頬に受けたリスナーは、アルバムがジャンルを超越したただ唯一無二の “ロック” であることを確信するはずです。そうして浮遊するミステリアスなギターの旋律が激しくドライブを始めると、あたかも有史以前の怪しい儀式のごとく最高潮に達したバンドのグルーヴは、津波のようにリスナーの脳天へと押し寄せるのです。
さらに、”Milano” や “Quartered” のダークで不穏、激しい感情の胎動を聴けば、Brian の言葉通り “Blood Year” が怒りに根ざしたアルバムであることも伝わるはずです。
その怒りとは、全てを賭して不安定な芸術家稼業を邁進する彼らの状況、そしてその彼らとはあまりに相反する人工的で画一的、インスタントなサウンドを量産するシーンにも向けられていたのかもしれませんね。さらには現在アメリカを覆う政治の暗い陰までも。
「ギタリストの Trevor ともアルバムについて少し話したんだけどね。それでやっぱり PELICAN と僕等の新作にはいくつか相似点があると思ったんだ。両バンド共に、近年はライブをより積極的に行って来たね。だから僕たちはライブのエナジーを捉えたアルバムを作りたかったんだと思うんだ。それに “Nighttime Stories” は現在のアメリカに漂う政治的不満を代弁するアルバムだと理解しているんだけど、僕たちも現在の政権に対する不満や敵意をシェアしているんだよ。」
PELICAN と RUSSIAN CIRCLES。ポストメタルの黎明期から苦楽を共にしてきたインストゥルメンタルの両雄は、ライブ感と体制への怒りの両面で志を共にし、その暗く不穏な音の葉までもシンクロさせることとなったのです。
そのダークでダイレクトなシンクロニティーは、もしかすると Sunn O))) の最新作 “Life Metal” にも波及しているのでしょうか。実際、前作同様 Kurt Ballou がレコーディングを手掛けた “Blood Year” は、彼との共同作業の中で初めて地元シカゴにあるスティーヴ・アルビニ所有のエレクトリカル・オーディオ・スタジオにてベーシック・トラックを録音。同様に、Sunn O)))の “Life Metal” もアルビニのスタジオでこちらはアナログテープまで使用してフィジカルなサウンドに拘っているのですから。
アナログの哲学。「過剰にプロデュースされ、磨かれすぎて、鍛造されすぎたアルバムを聴くなら、僕はラジカセで録ったような DARKTHRONE のアルバムを聴くよ。」Brian の言葉は、RUSSIAN CIRCLES と “Blood Year” が指し示すシーンの先行き、さらにはオルタナティブなベテランたちが奇しくも孕んだ同調性の起因をこれ以上ないほど鮮明にしています。
では弊誌二度目となる Brian のインタビューです。どうぞ！！

RUSSIAN CIRCLES “BLOOD YEAR” : 10/10

INTERVIEW WITH BRIAN COOK

Q1: We lost Caleb Scofield last year. Maybe, it seems you were acquainted with him, and you know, Mike Sullivan had an car-accident in 2016. When you heard the sad news, how did you feel?

【BRIAN】: We were on tour in Canada when we woke up to the news that Caleb had passed away. We had a long day of driving the day before, and at one point we had randomly listened to Cave In’s Until Your Heart Stops album, which was unknowingly an hour or two after the accident. I had known Caleb since 1998 and played a bunch of shows with Cave In over the years, so he felt like one of those casual friends I was going to see once every year or two as long as we were both making music. I was already upset by the news, but the grief intensified as I reached out to check in on our mutual friends. His death left a huge void in a lot of lives.
Mike’s car accident was really intense. I don’t want to go into too much detail about it because the situation was really fucked up, but we’re thankful he came out of it with relatively few injuries.

Q1: 昨年、CAVE IN の Caleb Scofield が車の事故で亡くなりましたね。おそらく、あなたも彼とは繋がりがあったと思いますし、RUSSIAN CIRCLES 自体も2016年に Mike Sullivan が交通事故にあっています。

【BRIAN】: Caleb が亡くなったというニュースを聞いたのは、カナダをツアーしている時だったね。僕たちはその前日に長い間運転していて、偶然にもそのドライブの途中で CAVE IN のアルバム “Until Your Heart Stop” をかけていたんだよ。おそらく事故の1,2時間後なんだけどね。
僕は Caleb のことを1998年から知っていて、何年にも渡って CAVE IN とはツアーも共に行って来たからね。だからお互い音楽を作っていれば、1,2年に1度は会うカジュアルな友人の1人って感じだったね。
彼の死には動転していたんだけど、共通の友人たちと分かち合うことでその悲しみはさらに増していったんだ。彼の死は多くの人生に大きな穴をあけてしまったんだよ。
Mike の車の事故も危なかったよ。クソみたいなシチュエーションだったからあんまり詳細は話したくないんだけどね。だけど彼が少しの負傷で戻ってこられたことには感謝しているんだ。

Q2: After “Guidance”, Brian came to Japan with Sumac, and connected lot’s of Japanese artists like Endon, Friendship, Keiji Haino. Did you get inspirations from them?

【BRIAN】: We’re all big fans of Japan and its music scene. Actually, the first time I heard ENDON was when Russian Circles played with them in Tokyo back in 2014, and afterwards I interviewed them for VICE/Noisey. One of Russian Circles’ first shows ever was with Melt Banana. We did a few shows with Mono when they toured with Pelican in the States, and we did two tours with Boris. Dave went to Japan to do a drum clinic with Ludwig last summer and came back to vacation in Tokyo. So all this is to say that we’ve always felt a kinship with Japanese artists and we’ve always enjoyed what Japan has to offer both musically and culturally. And yes, I find ENDON, Friendship, and Keiji Haino to all be very inspiring.

Q2: “Guidance” をリリースした後、あなたは SUMAC で来日を果たし、ENDON, FRIENDSHIP, Keiji Haino といった日本のアーティストたちと繋がりを持ちましたよね？

【BRIAN】: 僕たちは全員、日本とその音楽シーンの大ファンなんだよ。実際、僕が初めて ENDON を聴いたのは RUSSIAN CIRCLES が日本で彼らとプレイした 2014年だったんだけど、その後 VICE/Noisey のために彼らにインタビューしたくらいだからね。
RUSSIAN CIRCLES の最初のショウの1つは Melt-Banana とだったし、MONO が PELICAN とアメリカを回っている時に一緒になったこともあるね。それに BORIS とは二度のツアーを経験しているよ。Dave は昨年の夏にラディック主催のドラムクリニックで日本へ行って、東京でバケーションも楽しんで来たしね。
だからその全てを鑑みても、僕たちは日本のアーティストにいつも親近感を持っているし、日本が生み出す音楽や文化を楽しんでいるんだよ。もちろん、君が挙げた ENDON, FRIENDSHIP, Keiji Haino からはインスパイアされたしね。

Q3: In our last interview, Brian said “We’re very aware of our frailty and the instability of living the artists’ life. Guidance just seemed like a good term to address our uncertain futures.”. Actually, “Guidance” was really well accepted to the scene, critics and fans. Do you think that success changed band and your enthusiasm about music somehow?

【BRIAN】: We’re very lucky that people continue to follow our work. As I get older and as we put out more records, there are fewer and fewer artists I can look to as our peers in terms of longevity. In some ways that’s exciting because it feels like we’re charting our own path, but it’s also a little disconcerting because being an artist sometimes feels like a postponement of responsibility. But that quote about Guidance isn’t necessarily about the instability of the artist life in terms of financial success as much as it’s about the uncertainty of living outside of the normal routine. It’s hard to make any sort of longterm plan for your life because its bound up in the schedule of the band. Like, it’s probably easier to block out a chunk of time for vacation or for medical treatment or for moving homes when you have a normal office job than when you’re a touring musician, because you never know when the next festival offer or tour option comes up, and you can’t call in sick for that stuff. But that quote went beyond those logistic concerns… there was just a general sense of “what’s next?” when we finished Guidance, and that was really what I was trying to articulate.

Q3: 前回のインタビューであなたは前作 “Guidance” について、｢アーティストとして生きることの儚さや、不安定さを強く実感しているんだよ。”Guidance” とは、僕達の不確かな未来を表現するのに適当な言葉に思えたのさ。｣と仰っていましたね。
一方で “Guidance” はファンや批評家に大好評で迎えられた作品でした。あのアルバムの成功が、今回バンドやその音楽を変えた部分はあるのでしょうか？

【BRIAN】: まず、アルバムをフォローし続けてくれるファンが居て、僕たちはとてもラッキーだと思っているんだ。歳をとり、レコードを重ねるうちに、僕たちほど長く続けている仲間はどんどん減っていっているんだからね。だからある意味では、僕たち自身の道筋を進んでいるようでエキサイティングなんだけど、アーティストであることが責任を先延ばししているようにも感じたりして、少し混乱しているんだ。
つまり “Guidance” について僕が語った内容は、必ずしもアーティストの経済的な不安定さのみを言及している訳じゃなくて、むしろ普通の生き方から外れてしまう不安の方が大きいんだろうな。だってアーティストの生き方だと、バンドのスケジュールに左右されて長期的な人生計画を立てることが難しいからね。
どう考えても、ツアー続きのミュージシャンより普通のサラリーマンの方が旅行や治療、引越しなんかの計画が立てやすいでしょ？だって僕たちはいつフェスティバルやツアーのオファーが舞い込むか分からないんだから。体調が悪いから休みますなんて通用しないよ。
だけど、あの言葉を発した時はそういった論理的なことは超越していたと思うんだ。ただ普通に、”Guidance” を終えて、次はどうしよう…と思っていたんだろうな。それが率直な気持ちだったんだ。

Q4: Your last three albums “Empros”, “Memorial”, and “Guidance” are connected strongly like trilogy. But it seems “Blood Year” is new journey for the band, right?

【BRIAN】: I would agree with that, but that wasn’t our intention and I don’t know if Mike or Dave necessarily feel that way. Empros was a very raw record. It was a struggle to make it sound the way we wanted, and by the time we were done with it I think we were all a little burned out on the recording. Memorial was recorded at Steve Albini’s Electrical Audio studio, which meant that we had a much easier time getting good sounds right away, but the music was less planned out when we started recording, so for some of the songs we didn’t really know what they were going to sound like until we were done tracking. On songs like “Ethyl”, i recorded three or four bass tracks, not knowing which one was going to be the primary bass line. In some ways, it felt like we’d made a really nice demo because we’d get the mixes back and we’d be like “oh… so that’s what the song sounds like! Cool!” It can be fun to make a record that way because you’re still being very creative in the studio instead of just hammering out your parts, but it also meant there were a lot of impulse decisions being made, and that can lead to a lot of doubt. Guidance had a lot of similar musical dynamics as Empros and Memorial, but the songs were much more planned out before we started recording, so there wasn’t a lot of trial-and-error in the studio. We went in and made the record with a minimum of fuss. It’s like it took us three attempts to make a record we could all walk away from feeling satisfied.

Q4: “Guidance” までの3作はトリロジーのように強く繋がっていたようですね？故に最新作 “Blood Year” はバンドにとって新たな旅立ちにも思えますが。

【BRIAN】: うん、そう思うよ。だけど意図してそうなった訳じゃないし、Mike と Dave も同じように感じているかは分からないな。”Empros” はとても生々しいレコードで、僕たちの望むああいったサウンドを作るのはある種苦しみだったね。そうして完成するころには、全員がレコーディングに少し燃え尽きたように感じていたんだ。
“Memorial” は Steve Albini の Electrical Audio Studio でレコーディングを行ったんだけど、良いサウンドを直ちに得られるという意味では “Empros” の時より時間的な余裕があったんだ。一方で、音楽的にはレコーディング開始時にはあまり練られていなかったね。だから何曲かは、トラッキングが終わるまでどんなサウンドになるかも本当に分からなかったんだよ。”Ethyl” のような楽曲では、どれが最終的なベースラインになるのか分からないままに3~4のベーストラックをレコーディングしたしね。だからある意味、本当に良いデモテープを作ったって感じだったね。だってミックスを終えてから、｢こんな感じの楽曲だったのか！クールだ！｣って感じだったんだから。ああいったやり方でレコードを作るのも楽しいよね。だってただ自分のパートを黙々とレコーディングしていくんじゃなくて、スタジオでもクリエイティブになれるんだから。だけど同時に、衝動的な決断が多く成される訳で、故に疑念も多く湧いてくる訳さ。
“Guidance” は “Empros”, “Memorial” と大分似た音楽的ダイナミクスを持っていたね。だけどレコーディングを始める前から楽曲はより練られていたんだよ。だからスタジオでの試行錯誤、無駄は最小限に抑えられたんだ。全員が満足感を得られるのに、3度くらいのトライでレコードを作れた感じだね。

Q5: So, it seems album title “Blood Year” is very personal to the band. What kind of emotions, feeling did you put into the title “Blood Year” and music itself?

【BRIAN】: We were all committed to making an aggressive record. We really enjoy writing the more solemn and atmospheric pieces on our albums, but when we play live, we just want to play the “rock” songs. The quieter stuff is just so delicate, and requires so much restraint that it forces us to think when we play it, instead of just tuning everything out and getting lost in the music. We toured so much on Guidance that by the time it was done we were all ready to go into the studio and just beat on our instruments. Both sides of the record still start with more subdued tracks, but overall, the intent of the album was to make a very physical, assertive body of music. I suppose in that sense it’s a pretty angry record. Maybe we were all very angry when we made it.

Q5: “Blood Year” “血の年月” というアルバムタイトルは、とてもパーソナルなものに思えます。アルバムにはどの様な感情が込められているのでしょう？

【BRIAN】: 僕たちは全員がアグレッシブなレコードを作りたかったんだ。もちろん、厳粛でアトモスフェリックな楽曲をアルバムに収録するのも大好きなんだけど、ライブではただ “ロック” な楽曲をプレイしたいんだ。静かな楽曲はとてもデリケートで、だからこそライブでは様々な “拘束” を受けてしまうからね。
全員のスタジオに入る準備が整うまで、僕たちは “Guidance” で多くのツアーを回ったよ。そしてただ楽器を鳴らすことにしたんだ。
それでも “Blood Year” はレコードの両面とも、落ち着いた雰囲気で始まるね。だけど全体的に見れば、このアルバムの意図がとてもフィジカルで、肉体的な音楽を主張しているのは明らかさ。だからある意味ではとても怒れるレコードだと思う。たぶん全員が、制作時にとても怒っていたんだろう。

Q6: Musically, I think it’s the most organic, direct, dynamic record in your works. Actually, in “Blood Year” creative process, it seems you got together in one room as complete takes without click tracks. That recording style is maybe close to Sunn O)))’s “Life Metal”. Perhaps, the key was Steve Albini’s recording studio. But in this digital age, what made you choose old-school creative process?

【BRIAN】: A lot of our music is based on Mike building loops with multiple guitar parts, and when we record those songs, we have to reverse-engineer them because when we play them live Dave is playing the drums in time to a guitar loop, but in the studio, the guitar loop is just going to be a scratch track, and we’ll never get an overdubbed guitar loop to match the original loop. So we did a lot of recording to click tracks in the past, which meant beat-mapping entire songs and doing everything bit by bit. It takes a lot of time and it doesn’t necessarily feel fulfilling, so this time around we figured out ways for us to all track together at the same time. The songs on Blood Year were more conducive to this process than the songs on Memorial or Guidance, but I think we were also just a lot more confident. I’m not the kind of audiophile to argue whether analog sounds better than digital, but our friend Greg Norman at Electrical Audio made a good point when he mentioned that artists who record to tape tend to treat each take like it’s the most important thing they’re doing that day, whereas people who record into ProTools tend to treat a take like it can always be fixed or edited or overdubbed later. We didn’t record to tape, but we tried to take the analog philosophy of playing every note and beat like it was going to be THE final version that people heard on the album, and i think it made the whole record feel much more honest and urgent.

Q6: 仰る通り、”Blood Year” はダイレクトでダイナミック、非常にフィジカルなレコードです。Albini の流儀でクリックもなし、1つの部屋に集まってレコーディングを行ったそうですが、Sunn O))) の最新作 “Life Metal” と通じる部分も多そうですね？

【BRIAN】: 僕たちの音楽の大半は、Mike が重ねたギターパートのループから始まるんだ。そういった楽曲をレコーディングする時は、ギターループを逆行分析しなきゃならないんだよ。なぜならライブだと Dave はギターループに合わせてプレイするんだけど、スタジオにおいてギターループはただのスクラッチトラックだからね。だから過去にはクリックを沢山使用してレコーディングを行ってきたんだ。これは楽曲全体のビートマッピングとしての意味を持ち、少しずつ作業を続けるのに役立ったね。ただとても時間がかかるし、充実感もあまり得られないやり方だったから、今回は全てのトラックを同時にレコーディングする方法を取ったんだ。
“Blood Year” に収録した楽曲のタイプも、”Memorial” や “Guidance” に比べればこのプロセスの助けになったね。ただ僕たち全員が以前よりも自信に溢れていたことも大きいね。
僕はアナログサウンドがデジタルより良いなんて語るマニアじゃないんだけど、Electrical Audio の友人 Greg Norman は良い指摘をしていると思ったね。彼は、テープでレコーディングするアーティストはどのテイクもその日の最重要みたいに扱うってね。一方で、ProTools を使用するアーティストはいつでも修正、編集、オーバーダブを後から出来るって心持ちな訳さ。
まあ僕たちもテープは使わなかったけど、そのアナログの哲学で臨み、全ての音やビートをリスナーが耳にする最終バージョンのようにプレイしたんだ。そうすることで、アルバム全体がより正直で、真に迫ったものとなったよ。

Q7: Also, I feel this is very dark, and heavy record, even there are so many emotions and musical diversity. I mean, it’s more riff attacks and less atmosphere. Coincidentally, Pelican’s new record “Nighttime Stories” is also so metallic and doomy. It’s really interesting two instrumental “post-metal” (I know you don’t like this word) legends are headed in the close directions. Have you heard their new record?

【BRIAN】: We have a long, close history with Pelican. We’ve done tours together and used to share a practice space, so they are very good friends of ours. Their new record is great. I wrote the bio for Nighttime Stories, so I talked with their guitarist Trevor about the album quite a bit, and I do think there are some parallels between our records. Both of our bands have been much more active in playing shows in recent years, and I think both bands wanted to make albums that captured our live energy. But I also know that Nighttime Stories is meant to convey frustration towards the current political climate in America, and while we share in that frustration and animosity towards the current administration, Blood Year isn’t meant to be interpreted as political commentary.
I think the sonic nature of Blood Year is a negation of the current notion of beauty with regards to music. For me personally, I I’m really tired of studio magic and headphone candy, and I feel like a lot of artists in the instrumental world are getting so hung up on atmosphere and tone and making these really lush-sounding recordings that they’re spending more time on chasing specific sounds than writing compelling music. I would much rather listen to a Darkthrone album that sounds like it was recorded on a boombox than hear some over-produced, over-polished, over-wrought album. It’s so easy to make a really good sounding record on a laptop these days that i’m just not impressed by all the studio trickery people foist on rock bands. All that shit sounds so plastic, so artificial. There’s no real dimension to it. We wanted to get good sounds in the studio, but we didn’t want to manipulate things or over-layer anything. Blood Year is the sound of the three of us banging shit out together, and that’s it—that’s why it’s an angry-sounding album.

Q7: 音楽的には非常にダークでヘヴィーな側面が強調されています。もちろん様々な感情と多様な音楽性は健在ですが、リフアタックはより強烈に、厳粛なアトモスフィアは減少したように感じました。
偶然にも、PELICAN がリリースした最新作 “Nighttime Stories” はメタリックかつドゥーミーで、RUSSIAN CIRCLES の最新作とシンクロしているようにも感じました。

【BRIAN】: PELICAN とは長く、親密な歴史があるんだ。共にツアーを重ねて来たし、練習場所もシェアして来た。だから彼らはとても親しい友人なんだよ。彼らの新作は素晴らしいね。実は “Nighttime Stories” のライナーも僕が書いたんだ。だからギタリストの Trevor ともアルバムについて少し話したんだけどね。それでやっぱり PELICAN と僕等の新作にはいくつか相似点があると思ったんだ。
両バンド共に、近年はライブをより積極的に行って来たね。だから僕たちはライブのエナジーを捉えたアルバムを作りたかったんだと思うんだ。それに “Nighttime Stories” は現在のアメリカに漂う政治的不満を代弁するアルバムだと理解しているんだけど、僕たちも現在の政権に対する不満や敵意をシェアしている。とは言え、”Blood Year” は政治的な主張として解釈されるようには意図されていないんだけどね。
“Blood Year” の音の性質は、音楽に関する現在の美の概念の否定だと思う。個人的には、スタジオマジックとヘッドフォンキャンディには本当にうんざりしているし、インストゥルメンタルの世界の多くのアーティストがアトモスフィアとトーンと過剰で豪華なサウンドの録音に拘りすぎている気がするんだ。そうして、説得力のある音楽を書くよりも、特定のサウンドを追いかけるために多くの時間を費やしているんだろう。
過剰にプロデュースされ、磨かれすぎて、鍛造されすぎたアルバムを聴くなら、僕はラジカセで録ったような DARKTHRONE のアルバムを聴くよ。
最近のラップトップは本当に良いサウンドを録音するのはとても簡単だから、スタジオでエンジニアが注ぐトリッキーな技術に感銘を受けることもないね。そういったクソなサウンドは全てがとてもプラスチック、とても人工的に聴こえるよ。僕らはスタジオで良い音を出したいと思っていたけど、物事を操作したり何かを重ねたりしたくなかったよ。
“Blood Year” は、僕たち3人が一緒に叩き鳴らした音。うん、そしてそれこそが、怒っているように聞こえる理由だと思う。

Q8: Russian Circles creates incredible emotion, intense, and dynamism, even compared with vocal bands. But commercially, instrumental bands maybe have limited number of listeners than vocal oriented bands. Of course, you sometimes use vocals, but basically why are you particular about instrumental band?

【BRIAN】: I don’t think someone could sing over our songs without diminishing the overall impact of the music. That’s really the only reason we’re an instrumental band.

Q8: もちろん、RUSSIAN CIRCLES の発するエモーションやダイナミズムはボーカルソングになんら引けをとりません。ただ、ボーカルを全編に起用すればより商業的な成功を得られるという考え方もあるかと思いますが、それでもインストゥルメンタルに拘る理由を教えていただけますか？

【BRIAN】: 音楽の全体的なインパクトを減らすことなく、誰かが僕たちの曲を歌うことはできないと思う。それが僕たちがインストゥルメンタルバンドである唯一の理由さ。

BRIAN’S RECENT FIVE FAVORITE ALBUMS

FETID “STEEPING CORPOREAL MESS”

JOSHUA ABRAMS & THE NATURAL INFORMATION SOCIETY “MANDATORY REALITY”

LINK WRAY “LINK WRAY”

BADBADNOTGOOD “Ⅲ”

UNDERGANG “MIANTROPOLOGI”

MESSAGE FOR JAPAN

We hope to see you next year!

BRIAN COOK

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ARCTIC SLEEP : KINDRED SPIRITS】

2019年7月29日 sin23ou コメントをどうぞ

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH KEITH D OF ARCTIC SLEEP !!

“So Much Metal Out There These Days Just Sounds Like a Bunch Of Random Riffs Pasted Together, With No Concern For Melody Or Song Structure Or Dynamics. It’s Just Not Memorable And So Much Of It Sounds The Same To Me.”

DISC REVIEW “KINDRED SPIRITS”

「僕は自分の音楽を表現する時、”ビタースイート” って言葉をよく使うんだけど、それは僕の音楽が憂鬱や悲しみと、心地よさや慰めのコンビネーションだからだと思う。」
“プログレッシブアトモスフェリックドゥーム”。ARCTIC SLEEP の音楽は、その耳慣れないラベルに反して実に雄弁です。スロウ＆ドゥームとプログレッシブ&ビューティフル。相反する真逆の理念を見事に調和させるパラドックスの具現化は、ARCTIC SLEEP が結成当時からビッグテーマとする “生と死” を投影した対比の美学を源流としています。
ミルウォーキーのマルチ奏者 Keith D のソロプロジェクトとして2005年に産声をあげた ARCTIC SLEEP は、バンドとなり様々な紆余曲折、メンバーチェンジを繰り返して今再び Keith の手中へと戻ってきました。
ボーカル、ギター、ベース、チェロ、キーボード、ジャンベ、パーカッションなど多種多様な楽器をほぼ一人でこなす鬼才は、もはや人事やコミュニケーションに割く時間すらも惜しみながら荘厳壮大なエピックの建築を続けています。
「僕と愛猫 Yoda はとても強い絆で結ばれていたんだ。その絆がアルバムに影響を及ぼしているね。ただ、このテーマを世界中で “喪失” に苦しんでいる全ての人に届けたいという思いもあるんだよ。」
そうして完成をみた7枚目のフルアルバム “Kindred Spirits” は、亡き Keith の愛猫 Yoda に捧げられた作品であり、”喪失” に苦しむ全ての人々へ差し伸べられた救いの精神。そして、彼の根幹である “生と死” を再度見つめ直すレコードに添えられたアートワークの崇高美は、そのまま音の景色へと反映されているのです。
「僕はスロウでヘヴィーな音楽を愛している。だけど同時に、メロディックでキャッチーなソングライティングも愛しているんだ。」暗くドゥーミーに沈み渡るリフの波、雲間をかき分け差し込むメロディーの光明、荘厳なるチェロの響き、そして押し寄せるハーモニーの洪水。バンド史上最も “聴きやすい” と語るアルバムにとって、明確なコントラストとフックを宿すオープナー “Meadows” は完璧な招待状となりました。
ANATHEMA の多幸感と KATATONIA の寂寞を同時に抱きしめるタイトルトラックで独特の牛歩戦術を披露して、OPETH の静謐を深々と “Connemara Moonset” に委ねたバンドは、8分のエピック “Cloud Map” でアートワークの黒烏と美姫の逢引を素晴らしく音で描いてみせました。それは例えば PORCUPINE TREE と ALICE IN CHAINS の理想的な婚姻。幽玄でどこか危うく、美麗でしかし憂鬱な交わりの音の葉は、全てを黒と白に決して割り切ることのできないあやふやで愛すべき世界の理をも投影しながらリスナーの感情を穏やかに喚起するはずです。
今回弊誌では、Keith D にインタビューを行うことができました。「最近は沢山のリフをランダムにコピペしたようなメタルバンドが多いけど、彼らはメロディーや構成、ダイナミズムには無関心だよ。だから記憶に残らないし、僕にとっては全部同じように聴こえるんだ。」どうぞ！！

ARCTIC SLEEP “KINDRED SPIRITS” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JOLLY : FAMILY】

2019年7月25日 sin23ou コメントをどうぞ

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JOE REILLY OF JOLLY !!

“I Remember When We First Started Making Music And People Comparing Us To Bands Like Porcupine Tree And Riverside. I Had Never Heard Of These Bands Before, So I Was Confused By The Comparison, And Realized There Was a Whole World Of Music To Learn About.”

DISC REVIEW “FAMILY”

「僕は JOLLY が音楽を作り始め、そして人々が僕らを PORCUPINE TREE や RIVERSIDE のようなバンドと比較し出した時のことを覚えているよ。それまで僕はそういったバンドを聞いたことがなかったから、その比較にわりと混乱して、学ぶべき音楽の新たな世界があることに気づいたのさ。」
プログワールドの外界から訪れたポジティブな侵略者 JOLLY は、そのオルタナティブな感性でジャンルの境界を拡大します。
「当初、僕たちにプログのラベルがつけられるのには時間がかかったんだ。それはプログが、ELP みたいにスーパーテクニックとか父の世代のキーボードを使ったバンドであることに関係していたからだと思うんだけど。どちらも JOLLY らしくはないよね。」
JOLLY のカラフルなサウンドスケープと濃密なエモーションを司る、音彩の魔術師 Joe Reilly は、バンドの “プログ” タグがジャンルの象徴だったハイテクニックよりも、現代的な多様性や実験性によるものだと認めています。
実際、Joe は、アトモスフィアの概念に目覚めテクニックの意味を問う “モダンプログ” を定義した PORCUPINE TREE や RIVERSIDE でさえ、認知したのはごく最近のことだったのですから。プログの世界にありながらプログをルーツとしない JOLLY の光芒はジャンルにとってかけがえのない特異点であるはずです。
RADIOHEAD や SMASHING PUMPKINS, そして STONE TEMPLE PILOTS といった90年代の偉大な血脈を出発点としながら、サウンドトラックやシンガーソングライター、R&B、アンビエントにチップチューンまで野心的に咀嚼し、MESHUGGAH 由来の重量感とメインストリームのポップなセンスの両極性を吐き出す JOLLY の多様性、実験精神が、結果として実に “プログレッシブ” なサウンドを紡ぎ出す逆転のパラダイム。その革命的な発想の転換は、バンドのテーマやコンセプトにも如実に現れています。
“The Audio Guide To Happiness”、”幸せになるためのオーディオガイド” から6年のインターバルでリリースされた最新作のタイトルはシンプルに “Family”。ダークでアンハッピーなテーマが踊るロックの世界で彼らのタイトルはポジティブで確かに異端です。
ただし、そこにも JOLLY の持つ二面性、両極性がしっかりと反映されています。「基本的にロックカルチャーのオーラってダークでアンハッピーなものだよね。ただ、そういったダークでアンハッピーなオーラも、君が言及したようなポジティブなムードを存在させるために早くから JOLLY の文化に共存しているんだよ。常に反対側は必要だからね。だから僕たちの歌詞の多くは、美しい瞬間とダークなセンスが共存しているんだよ。」
この6年でバンドはハリケーンに機材を破壊され、愛する友人たちも失いました。同時にメンバーは新たな命も授かっています。JOLLY が提示した “家族” の意味がより深い場所にあることは明らかです。
R&B の息吹を宿す “Lie to Me”、オリエンタル&スペーシーな Devin “Jolly” Townsend “Lazarus (Space Marsala)”, チップチューンと80年代への憧憬を込めた “Ava”、夢幻の天国 “Circuit Heaven”。そうして JOLLY の冒険は、音楽的な “家族” であった RIVERSIDE のギタリスト Pitor に捧げる “Let Go” へと収束します。
ノスタルジックでエモーショナル、COLDPLAY のように繊細かつダイナミックな壊れ物のメロディーを宿す楽曲は、しかし11分の一大プログレッシブ絵巻として傑出した存在感を放っています。その悲壮と叙情、静謐と重厚のハーモニーは必ずや聴くものの心を打つはずです。
「彼との友情は僕たち全員に永久的な影響を与えたんだよ。」プログレッシブとオルタナティブのキメラとして異端の扱いを受けたバンドを “ファミリー” として受け入れてくれた Pitor の優しさは、きっと時を経ても失われることはないでしょう。
今回弊誌では、Joe Reilly にインタビューを行うことが出来ました。「僕たちの音楽スタイルは非常に複雑というわけじゃないと思うけど、少し多様だから、プログレッシブやオルタナティブのみの説明では不十分だと感じる人がいるだろうから両方を言わなければならないんだ。」どうぞ！！

JOLLY “FAMILY” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DIAMOND HEAD : THE COFFIN TRAIN】

2019年7月21日 sin23ou コメントをどうぞ

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH BRIAN TATLER OF DIAMOND HEAD !!

“Once I Had Heard Some Of The Other NWOBHM I Usually Thought We Were Better. We Compared Ourselves To The Biggest Rock Bands In The World Not Just To The Bands In This New Movement. Even Now I Try To Write a ‘Great’ Song.”

DISC REVIEW “THE COFFIN TRAIN”

「今でも俺は “偉大な” 楽曲を書こうとしている。過去の焼き直しを行わず、ダイナミズムをアレンジに持ち込もうとしているんだ。」
来年、自主制作のデビューアルバム “Lightning to the Nations” リリース40周年を迎える NWOBHM レジェンド DIAMOND HEAD は、ほぼ半世紀の活動を経てもその創造性、野心、チャレンジングスピリットに陰りを見せず進化を続ける稀有なるバンドです。
70年代後半、世界を支配していたパンク/ニューウェーブへのカウンターとして勃興した NWOBHM。しかし、”オールドウェーブ” として追いやられていたハードロック/メタルの圧倒的な逆襲には、振り返ると “典型的” なメタルサウンドを掲げるバンドは少なく、重金属のユニークなおもちゃ箱の様相を呈していたようにも思えます。
IRON MAIDEN のプログレッシブな感性、DEF LEPPARD のメジャーなセンス、ANGEL WITCH, WITCHFINDER GENERAL のドゥームな息吹、そしてエクストリームミュージックの雛形となった偉大なる VENOM。ムーブメントに兆したメルティングポットの理念は、今日のモダンメタルの地平まで受け継がれています。
あの Steve Harris をして “Next Zeppelin” と言わしめた DIAMOND HEAD の才能は、新たな波においても抜群の光芒と独自性を放っていました。Lars Ulrich も認める “スラッシュのオリジネーター” Brian Tatler が生み出すヘヴィーなリフの数々は「俺自身はプログバンドの大ファンだった」と語る通り BUDGIE のごとく見事に屈折し、Sean Harris のオジーが ZEP をソウルフルに歌ったような不思議な歌唱と不思議にマッチすることで、メタル本来のミステリアスでダークなカタルシスを創生していたのです。
ブームの終焉と共に消えてしまったバンドは、METALLICA によるクールなカバーと Dave Mustaine の助力により復活を遂げます。オリジナルメンバーは Brian のみとなってしまいましたが、ポジティブに新たな血を取り入れ最高傑作とも言える “The Coffin Train” を2019年に完成へと導きました。
バンドのトレードマークであるエキサイティングな暴走特急 “Belly of the Beast” で発車する “柩列車” はしかしタイトルトラック “The Coffin Train” でその色を変えます。
「Ras のおかげで DIAMOND HEAD は新たな地平を拡大して、よりモダンなサウンドを得ることができたんだ。この作品は、言ってみれば21世紀のための DIAMOND HEAD さ。」
そう、Brian が語るようにこれは21世紀の NWOBHM そのものです。デンマークに生まれロンドンを拠点とする加入2作目のシンガー Rasmus Bom Andersen の類稀なる才能と Brian のプログレッシブな理想はここで奇想天外に噛み合いました。
ダークでムーディー、そして重くプログレッシブな曲調は、Ras の Chris Cornell を想起させる卓越した歌唱を導き絶大なるエモーションを創出します。実際、Ras が披露するレンジの広さと豊かな声量、込められた感情の素晴らしさ、さらにコンポーザー&プロデューサーとしての高い技量は Chris の正当後継者として完璧な資質を備えていますね。
「俺はこういった、70年代のクラッシックロックにインスピレーションを得たエピックを愛しているし、DIAMOND HEAD がデビュー以来やり続けてきたことでもあるね。俺は “Kashmir”, “Child in Time”, “Victim of Changes”, “Xanadu”, “Watcher of the Skies” といったエピックを聴いて育ったんだから。」
事実、”The Coffin Train” はエピックの宝庫です。オーケストレーションを施した “The Sleeper”、”Until We Burn” のフックに満ちた英国のドラマ性、叙情性は筆舌に尽し難く、その陰影のダンスは Brian が楽曲に最も求めるダイナミズムを濃密に映し出しているのです。
さらに、オリエンタルな “Shade of Black”, グランジーな “Serrated Love” では、オルタナティブやインディーまで新鋭のサウンドもしっかり受け止める Brian の包容力と、瑞々しい感性で SOUNDGARDEN, Chris を愛する Ras のモダンな感覚が完璧に融合し、NWOBHM のユニークな精神を現代へと昇華することに成功しています。
偉大なバンドの偉大なレコード。今回弊誌では、伝説 Brian Tatler にインタビューを行うことが出来ました。「NWOBHM は DIAMOND HEAD にとって便利なムーブメントだった。当時他の NWOBHM バンドを聴くと、俺は大抵俺らの方が良いなと思っていた。と言うよりも、あの新たなムーブメントの中にいるバンドより、世界でもビッグなバンドと比肩していると考えていたんだよな。」どうぞ！！

DIAMOND HEAD “THE COFFIN TRAIN” : 10/10

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COVER STORY + FUJI ROCK FESTIVAL 19′ 【KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD】

2019年7月18日 sin23ou コメントをどうぞ

COVER STORY : KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD

“What Is Psych? Is It Psyche? Is It Psychedelic? If It’s An Exploratory Approach To Music Then Perhaps We Are. If It’s About Creating Huge Walls Of Glistening, Phased-Out Guitars Then We Are Not. I’ve Always Felt More Like a Garage Band Than Anything. We Don’t Write Songs About Space, Either.”

WHAT IS PSYCH? WHAT IS KING GIZZ?

「ロックは死んだ。」もう何十年も議論され続けるクリシェです。インターネットやストリーミングサービスの普及によって、今日ではより容易く多様なジャンルへとアクセス可能で、例えば iTunes を開けばロック/メタルのみならず、クラッシック、ジャズ、ポップ、ワールドミュージック、エレクトロニカ、オルタナティブ、R&B、ヒップホップなど様々な世界への入り口が並んでいます。
もちろん、そのストリーミングサービスにおいてエレクトロニカやヒップホップがロック/メタルを大きく凌駕している事実も今や常識と言えるでしょう。
とはいえ、70年代、80年代には及ばないものの、ロック/メタルはライブの分野では善戦していますし “死んだ” と判断するには早計にも思えます。ただ、ジャンルを定義した巨人たちに代わる新たなビッグアクトが望まれているのもまた事実でしょう。
しかし、新世代にとってロック/メタルという形式を取りながら、新たな領域を開拓し世界に衝撃を与える仕事は決して簡単ではありません。なぜならこのフィールドでは、何十年もかけて数えきれないほど多くのバンドが様々な実験を試みてきたからです。さらにネットの登場で過飽和となったシーンには両方の意味で、新星に残されたスペースはほぼないも同然だと言えるでしょう。
ただし、それでもその難題を解決する救世主、キング、もしくはウィザードがオーストラリアに君臨しています。KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD です。

あの TAME IMPALA との繋がりも深く、風変わりな名 (多大な影響を受けた Jim Morrison の呼称 “The Lizard King” が関係している) を持つメルボルンのバンドは真なるジャムセッションへの愛から誕生しました。ほぼ10年のキャリアですでに14枚のフルアルバムと2枚の EP を制作。ギター、キーボード、サックス、フルート、クラリネット、シタールなどその他様々な楽器を操るフロントマン Stu Mackenzie を中心に、ギター、キーボード、ハーモニカ、ボーカル担当の Ambrose Kenny-Smith、さらにCook Craig & Joey Walker 2人のギタリストを加え、ベーシスト Lucas Skinner、そして Michael Cavanagh と Eric Moore のダブルドラマーという異様な編成も、ジャムセッションへの執心、ライブバンドとしての矜持を考慮すれば実に自然な流れだと言えます。
バンドの音楽性を定義するなら、サイケデリックロック、プログレッシブロックが最も近いラベルなのかも知れません。ただし、むしろそれは建前とでも言うべきで、実際はカラフルな虹色の多様性をキャンパスに描くエクレクティックな音画家です。そしてそのアティテュードは、モダン＝多様性の進化した音楽シーンに完璧にフィットしそこからさながら流動体のごとくさらに限界を超えていきます。実際、Stu Mackenzie は根本的な疑問を口にします。「ところで、サイケって何なんだい？もしそれが音楽への探索的なアプローチを意味するならば確かに俺たちはサイケだよ。だけど、歪んだギターの壁を作ったり、宇宙についての歌詞を意味するなら俺たちはサイケとは言えないね。」
事実、サイケ-ソウル-サーフ-ファズ-ガレージ-ジャズ-スペースロックなどと称される彼らの音とスタイルは年月とアルバムによって変化を続けています。2011年にリリースした4曲入りの EP “Anglesea” はかつてのニューウェーブ/ポストパンクのようにも聴こえましたし、典型的なリバイバルのようにも思えましたが、振り返ってみればそれは始まりに過ぎませんでした。

劇的な化学反応は2015年の “Quarters!” で発生しました。タイトル通りアートワークも4区分、楽曲も10分10秒ピッタリの4つで40分40秒のランニングタイムとクオーターに拘った作品はジャズロックの実験室を解放した初のアルバムでした。
Stu は当時、”Quarters!” について、「俺らは叫んじゃいけないレコードを作りたかった。長くてミニマル、反復を多用した構造の中でね。だから普段のようなブルータルなギターペダルも封印したんた。」と語り PINK FLOYD への敬意も覗かせています。
進化は止まりません。”Paper Mâché Dream Balloon” でフォークロックへ接近した後、アルバム最後の音と最初の音が見事に繋がりエンドレスにループする2016年の “Nonagon Infinity” から基盤となるサイケデリックロックに様々な刺激を注入し “King Gizz のサイケ” を創造し始めます。マイクロトーナル (微分音) もその刺激の一つ。

2017年にはそうしてアルバム全編をマイクロトーナルで統一した “Flying Microtonal Banana” を製作します。アルバムタイトルは Stu ご自慢のマイクロトーナルギターの名前。作品に収録された “Sleep Drifter” は今でも最大の人気曲の一つとなっています。
2017年は KING GIZZ にとって実に重要な一年でした。リリックに環境問題を取り上げ始めたのもこの年から。さらに、2月から12月にかけてバンドは5枚のフルアルバムをリリースします。ほぼ2ヶ月に1枚のデスマーチによって、しかし彼らは多くのファンを獲得し自らの価値を証明しました。

前述の異端 “Flying Microtonal Banana”、ナレーションを配した本格コンセプト作 “Murder of the Universe”, 奇妙でしかしキャッチーな “Skunsches of Brunswick East”、サイケデリックでポリリズミック TOOL の遺伝子を配合する “Polygondwanaland”、そして環境問題とプログロックのシリアスな融合 “Gumboot Soup”。
特に “Polygondwanaland” は KING GIZZ の最重要作と言えるのかもしれませんね。オープナー “Crumbling Castle” はまさしくバンド進化の歴史を11分に詰め込んだ濃密な楽曲ですし、何より彼らは作品を自らのウェブサイトで無料公開し、驚くべきことにその著作権さえ主張しなかったのですから。
バンドのメッセージは明瞭でした。「レコードレーベルを始めたいと思ったことはあるかい？さあやってみよう！友人を雇ってフィジカルを制作して出荷するんだ。僕たちはこのレコードの権利を主張しない。楽しんでシェアしてくれよ！」
そうして KING GIZZ は、ファンやインディーレーベルにオーディオファイルやアートワークもフリーで公開してそれぞれにフィジカルのディストリビュートを促したのです。それは衰退したレコード、CD文化を保護し復権を願うバンドが取った驚天動地の奇策でした。彼らほどのビッグネームの、しかも最高傑作のフィジカルをマージンなしで配給出来るチャンスなどなかなか飛び込んでくるはずもありません。作品は世界中88のレーベル、188のフォーマットで販売されることとなりました。

そういった大胆な行動は、彼らが全ての作品を自身のインディペンデントレーベルからリリースしていることにより可能となっています。レーベルはドラマー Eric Moore によってスタートし、彼が全てのマネージメントスタッフを仕切っているのです。もはやレーベルとのビッグディールを目指す時代は終焉を迎えました。若く意欲的なバンドにとって KING GIZZ のやり方は理想的なモデルケースでしょう。なぜなら、彼らはクリエイテビィティー、レコードの権利、リリースの計画、バンドの未来まで全てを完全に掌握しているのですから。

さすがに1年に5枚リリースの反動が訪れたのか、新作 “Fishing for Fishies” のリリースには2019年まで時間がかかりました。アルバムについて Stu は、「俺たちはブルースのレコードを作りたかったんだ。ブルースやブギー、シャッフルとかそんな感じのね。だけど楽曲はそのテーマと戦って、自らのパーソナリティーを獲得している。」と語っています。
実際、荒々しきブルーグラスのタイトルトラックを筆頭に、類稀なるグルーヴと RUSH の影響を宿す “The Cruel Millennial”、さらにエレクトロニカに満たされながらミツバチの重要性を語り継ぐ”Acarine” などアルバムは千変万化で充実を極めています。

驚くべきことに、そうして KING GIZZ は8月にリリースされる新作 “Infest the Rat’s Nest” で次の標的をメタルへと定めました。
公開された “Planet B” は誰も想像だにしなかったスラッシュメタルチューン。さらに “Self-Immolate” は初期の METALLICA, SLAYER と MUSE や ROYAL BLOOD を変拍子の海でミックスした奇々怪界。彼らが新たな領域で披露するエクレクティックな獰猛性が待ちきれませんね。

KING GIZZ の持つ多様性、プログ/メタルの新聖地オーストラリアというグローバルな出自はモダンなロック世界の原則を見事に内包しています。Stu はそのバンドの多様性について、「音楽は探検なんだ。僕がまだ探索していない音楽の作り方、レコードの作り方が何百万も残っている。言うまでもなく、学んでいない楽器、聴いていない音楽、探求していない文化もね。」と語っていますが、それでも父に Neil Young を歌い聞かされ、60年代のガレージコンピレーションから、敬愛する FLOWER TRAVELLIN’ BAND 含む70年代に勃興した東洋のサイケロックまで、Stu の知識と好奇心に際限はありません。驚くべきことに、彼は毎年一つ新たな楽器の習得を自らに課しています。

もちろん、彼らの特異なサウンドや”健全な” 4/4の錯覚を誘うポリリズムの魔法、そしてカメレオンの美学は、古くからのリスナーが慣れ親しんだプログロックやメタルの法則には乗っ取っていないかもしれません。一方で、故に革新的で創造性溢れ、前時代へのカウンターとして新たなビッグアクトの資格を得ているとも言えるはずです。バンドは自由自在に自己表現を繰り出すアートの極意を恐れてはいませんし、それでもなお、ロック/プログ/メタルの領域を住処としているのですから。遂に FUJI ROCK FESTIVAL 19′ で初来日を飾る KING GIZZ のモットーは、”No Slowing Down”。サイケ、プログ、ジャズ、エレクトロ、フォークにスラッシュとその境界を破壊し自由に泳ぐ魔法の王様は、きっとこれから何十年もロックミュージックの進化を担っていくはずです。

参考文献: The Guardian:King Gizzard & The Lizard Wizard: can the psych band release five albums in one year?

The Quietus:No Slowing Down: King Gizzard & The Lizard Wizard Interviewed

Ultimate Guitar :Why King Gizzard & the Lizard Wizard Are the Future of Rock Music We’ve Been Waiting for

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【EMPLOYED TO SERVE : ETERNAL FORWARD MOTION】

2019年7月16日 sin23ou コメントをどうぞ

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JUSTINE JONES OF EMPLOYED TO SERVE !!

“We’re Humanitarians Who Write About Things We’ve Experienced And What a Lot Of Other People We Love Experience, Whether That Be Mental Illness All The Way To The Misuse Of Social Media.”

DISC REVIEW “ETERNAL FORWARD MOTION”

「どちらかと言えば、私たちは自分たちの経験や、他人の愛すべき経験を楽曲にする人道主義者なのかもしれないわね。それこそメンタルの問題から SNS の誤用まで扱うようなね。」
沸騰する英国のライジングスター EMPLOYED TO SERVE。フロントウーマン Justine Jones は、獰猛なメタリックハードコアの刃に希望の “ヒューマニティー” を抱懐し、現代社会の歪みと真摯に対峙しています。
「”Suspended in Emptiness” は SNS を額面通りに受け取るなって曲なの。休日の楽しそうな出来事をポストしているけど、その裏側ではみんな苦しんでいるのよ。SNS だけを見て、他人が自分より優れているとか、幸せだとか考えるのはバカげているわ。」
ポケットの中のほんの小さな長方形の物体は、いつしか大きく社会を支配し “ドーパミン中毒者” の文明へと世界を塗り替えてしまった。Justine は、数分おきにその物体を見つめ、ハートのタップを確認する “承認の渇望” 状態が永続的かつ健全だとは考えていません。
むしろ、そうして発生する怒りや憂鬱、混乱の悪循環が、メンタルイルネス、自己陶酔、セクシズムといった負の連鎖を生んでいると彼女は主張し、ハードコアのカオスと Nu-metal のブルータリティー、そしてオルタナティブなスピリットで代弁者として悲壮な咆哮を放つのです。
彼らが雇われ、使役するのは歪な社会の犠牲者のみ。そしてその強固な決意は “Eternal Forward Motion” “永遠に前へと進む” 最新作へグルーヴと共に深々と刻まれています。
「人生と同じように、音楽も結局は元の場所へと戻るの。そうして私たちは偶然その巡り合わせでムーブメントの一部となったのよ。」
Justin と彼女のフィアンセでギタリスト Sammy Urwin の小さなアパートメントで産声をあげた EMPLOYED TO SERVE は、今やメタリックハードコアの新たな大渦を巻き起こす原動力の一つです。
CHARIOT や NORMA JEAN, CONVERGE, THE DILLINGER ESCAPE PLAN といったカオテイックなハードコアと、SLIPKNOT, KORN, DEFTONES の Nu-metal 遺伝子を配合し猛襲するバンドの牙は、同世代の CODE ORANGE, VEIN といったエクストリームな野心家の理念や創造性と激しくシンクロしていたのです。
数学的な混沌と、マスリスナーへ訴求するキャッチーなグルーヴのキメラこそが世界を席巻するバンドのブースター。TDEP の複雑怪奇と SLIPKNOT のホラー映画をミックスした “Dull Ache Behind My Eyes”、 KORN の憂鬱とヘヴィネスに Justin のハードコアな咆哮が響く “Harsh Truth”。獰猛な狂気を纏いながらしかしフックに満ちた楽曲は、リアルなリリックを携えて数知れない “奪われた” 若者たちの声なき声を代弁して世界へと突きつけるのです。
そうしてアルバムは、10曲のブルータルでダークな告発の後、”Bare Bones Of A Blue Sky” で一筋の光明を見出します。DEFTONES とシューゲイザーの穏やかで美しき邂逅は、Justin が繰り返す “Open Your Eyes” のスクリームと共にリスナーへ明日への希望を届けるのです。
今回弊誌では、Justine Jones にインタビューを行うことができました。「結局のところ、生きていく中で何を学ぶかが重要で、自分を堕落させようとする人間に同調しないことが大事だと思うわ。人はその生い立ちで判断されたり虐待を受けるべきではないのよ。私はそういった悲しい出来事が徐々に減ってきていると感じているの。だからうまくいけば、時間の経過とともにいつか消えればいいのだけど。」
UKに巻き起こっているエクストリームな新風を牽引するレーベル Holy Roar のレーベルマネージャーも務める才女。どうぞ！！

EMPLOYED TO SERVE “ETERNAL FORWARD MOTION” : 10/10

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SCOTT HENDERSON !!

“There’s Nothing Sadder Than Young Guitar Players Who Only Listen To Heavy-metal. There’s So Much Great Music Out There To Learn From, And It’s Unbelievable To Me That Someone Would Stick To Listening To Only One Style. It’s Like Being In Musical Prison.”

DISC REVIEW “PEOPLE MOVER”

SCOTT HENDERSON “PEOPLE MOVER” : 9.9/10

INTERVIEW WITH SCOTT HENDERSON

Q1: “People Mover” is definitely incredible, maybe kind of a culmination of your career. Jazz/Fusion and Funk/Blues is mixed naturally and seamlessly. Was that your musical goal of this record?

Q1: 最新作 “People Mover” は驚異的ですね！あなたの二大テーマである、ジャズ/フュージョンとファンク/ブルースがシームレスに溶け合った最高到達点にも思えます。

Q2: I really love the “guitar spaceship” artwork and I feel it has 70’s feeling strongly. Does it reflects the concept of “People Mover”?

Q2: ギターを宇宙船に模した70年代風のアートワークも素晴らしいですね！作品のコンセプトと関連しているのでしょうか？

Q3: So, you have almost 40 year’s career, and have got so many guitar awards. But is there any new challenge in guitar technique or sound making you explore in “People Mover”?

Q3: あなたはほぼ40年のキャリアを誇り、いくつものギターアワードを獲得してきました。それでも、”People Mover” でさらに新たなギターテクニックやサウンドの追求を行いましたか？

Q4: I first knew you was amazing Tribal Tech’s “Illicit”. And that record changed my musical perspective strongly. Tribal Tech released “X” in 2011, and came to Japan in 2013. Was that Tribal Tech’s “Swan song”?

Q4: TRIBAL TECH の “Illicit” は私の音楽観を変えたレコードでした。バンドは2011年に “X” をリリースし、2013年には来日も果たしましたが以降活動はありませんよね？

Q5: Maybe, “Dog Party” was kind of a milestone for you. You parted ways with your trademark Jazz/fusion style, and explored Blues and Blues rock. But what made you so at that time?

Q5: ソロアルバム “Dog Party” はあなたにとって転機でしたよね？ ジャズ/フュージョンのフィールドから離れて、ブルースの領域を探求し始めた作品でした。

Q6: Almost 10 years explore Blues, musically, personally, what did you find? And what made you come back to Jazz/Fusion realm?

Q6: あなたとブルースの冒険は10年ほど続いて、それからまたジャズの世界へ戻ってきたように感じていましたが。

Q7: We lost Alan Holdsworth, and lot’s of Jazz Giants are getting older. On the other hands, like Kamasi Washington, Robert Glasper, Snarky Puppy, lot’s of new talents come to the scene. What’s your perspective about “Jazz is dead” thing?

Q7: ジャズの世界は Alan Holdsworth を失いましたし、巨匠たちもやはり年齢を重ねています。 “ジャズは死んだ” というクリシェの一方で、近年 Kamasi Washington, Robert Glasper, SNARKY PUPPY といった新鋭も台頭してきていますよね？

Q8: So, you are also teacher at MI. When young guitarists want to be professional guitar player, is there any advice for them?

Q8: あなたも MI で教鞭をとっていますよね。プロのギタリストを目指す若者にアドバイスをいただけますか？

FIVE ALBUMS THAT CHANGED SCOTT’S LIFE

WEATHER REPORT “TRAIL SPINNIN'”

MAHAVISHUNU ORCHESTRA “BIRDS OF FIRE”

GENTLE GIANT “POWER AND THE GLORY”

LED ZEPPELIN “LED ZEPPELIN Ⅱ”

TOWER OF POWER “TOWER OF POWER”

MESSAGE FOR JAPAN

SCOTT HENDERSON

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH KELLY SCHILLING OF DREADNOUGHT !!

“The Term “Female Fronted” Sensationalizes Women And Turns Us Into a Gimmick. We Are All Human Beings Creating Sound And Gender Shouldn’t Be The Focal Point. “

DISC REVIEW “EMERGENCE”

DREADNOUGHT “EMERGENCE” : 10/10

INTERVIEW WITH KELLY SCHILLING

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about your band and yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

Q1: 本誌初登場です。まずはバンドの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか？

Q2: There are not so much metal band having two male and two female. How did the band come to be?

Q2: 男性2人、女性2人という編成のメタルバンドはなかなか珍しいですよね？

Q3: So, Dreadnought has some multiplayers like drums and sax, guitar and flute, bass and mandolin. When you started the band and get members together, was it important for you?

Q3: DREADNOUGHT は、ドラムとサックス、ギターとフルート、ベースとマンドリンといったようにマルチプレイヤーが多いところも魅力ですよね？

Q4: Sometimes you are called like prog-doom, or progressive post-blackdoom band, haha. What’s your perspective about the tags?

Q4: DREADNOUGHT にはプログドゥームとか、プログレッシブポストブラックドゥームなどのタグが付属しています (笑)。

Q5: OK, let’s talk about your newest record “Emergence”. As the artwork shows, it seems this record resonates with elements of flame, right? Could you tell us about the concept or lyrical themes of “Emergence”?

Q5: では最新作 “Emergence” について話しましょう。アートワークが示すように、炎のエレメントに焦点を当てたアルバムのようですね？

Q6: Ten minutes over “prog heaven” is kind of trademark of Dreadnought. “Emergence” includes 3 ten minutes over songs. Is it natural for you to make long epics?

Q6: 10分を超えるような”プログヘブン” な楽曲は DREADNOUGHT のトレードマークと言えますが、今回は3曲も収録されていますね。

Q7: I think this is the most powerful and most eclectic record in your works. Also, this is a “time machine” of rock music, because we can find from Kate Bush to Karnivool. It seems you covered long history of rock. But what made you mix classic rock and modern metal?

Q7: 先程エクレクティックと仰いましたが、同時に Kate Bush から KARNIVOOL まで長いロックの歴史をカバーするタイムマシンのようなアルバムだとも感じました。

THREE ALBUMS THAT CHANGED KELLY’S LIFE

MOONSORROW “V: HAVITETTY”

OPETH “GHOST REVERIES”

ULVER “BLOOD INSIDE”

MESSAGE FOR JAPAN

Haha yes! We love Zelda, that is no secret. Thank you our Japanese friends for taking the time to read this and listen to our music! We look forward to performing for you one day!

私たちはゼルダの伝説を愛しているのよ！秘密でも何でもないわ。日本の友人のみなさん、時間をとってインタビューを読み、私たちの音楽を聴いてくれてありがとう！いつか日本でプレイする日を楽しみにしているわ！

KELLY SCHILLING

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CHRISTIAN VANDER OF MAGMA !!

“ZËSS Is The Culmination Of a Great Cycle Including All My Previous Compositions. It Opens To a New Space And Other Perspectives. What I Had Sensed For Many Years: Multidirectional Music. It’s Another Way Of Feeling, Of Living Music.”

DISC REVIEW “ZËSS-Le Jour Du Néant”

MAGMA “ZËSS-Le Jour Du Néant” : 10/10

INTERVIEW WITH CHRISTIAN VANDER

Q1: First of all, for about 40 years, you had no opportunity to do studio recording because of incomplete music “Zess”. What made you release the complete version of “Zess” in this timing?

Q1: “ZËSS” は未完成を理由に、40年もスタジオでレコーディングされることがなかった伝説の楽曲でした。今回その完全版を遂にリリースしようと決めたのはなぜですか？

Q2: So, what’s the legendary song “Zess” to Magma?

Q2: 長年未完のままだった伝説の楽曲 “ZËSS” は、MAGMA にとってどのような位置を占めていますか？

Q3: Simon Goubert, Morgan Agren joined the recording session, and even you use real orchestra. What made you invite these guests?

Q3: あなたの右腕とも言える Simon Goubert、さらにドラムマイスター Morgan Agren がレコーディングに参加していますね？

Q4: It seems Kobaïan is a phonetic language made by elements of the Slavonic and Germanic languages to be able to express some things musically, right? What’s the reason you haven’t use French or English in your songs?

Q5: Regarding Kobaïan, Zeuhl is a style of prog rock that originated in France in the 1960s and born from Kobaïan. But lot’s of Japanese bands like Ruins, Happy Family, Koenji Hyakkei inherit the legacy. What’s your perspective about these bands?

Q6: Your Japan tour will be soon! So, you have really huge discography, but when music fans jump into Magma’s world, what do you recommend them?

Q6: 日本でのライブも控えています。MAGMA には膨大なディスコグラフィーがあるわけですが、未聴のリスナーがズールの世界へと飛び込む時に、あなたがまずオススメするのはどのアルバムでしょう？

Q7: Could you tell us about five albums that changed your life?

Q7: 人生を変えた5枚のアルバムを教えていただけますか？

MESSAGE FOR JAPAN

Dear Japanese friends, I think very often of you, of your deep and magical country. I am very happy to go to Japan soon. I wish you the best, infinite happiness. May the gods protect you. May the land of the Rising Sun live forever. Your friend of heart , Christian Vander.

CHRISTIAN VANDER

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ALARMIST !!

“‘Post-rock’ Used To Be a Useful Catch All Term That Included All Of The Things You Just Listed To Describe Our Sound, Particularly For Bands Like Tortoise, Stereolab, Slint, But Now Seems It’s Gotten Very Specialised To a Certain Type Of Slow-burning Reverby Sound.”

DISC REVIEW “SEQUESTERER”

ALARMIST “SEQUESTERER” : 9.9/10

Q5: ソロアルバム “Dog Party” はあなたにとって転機でしたよね？ジャズ/フュージョンのフィールドから離れて、ブルースの領域を探求し始めた作品でした。

Q7: ジャズの世界は Alan Holdsworth を失いましたし、巨匠たちもやはり年齢を重ねています。
“ジャズは死んだ” というクリシェの一方で、近年 Kamasi Washington, Robert Glasper, SNARKY PUPPY といった新鋭も台頭してきていますよね？

Dear Japanese friends, I think very often of you, of your deep and magical country. I am very happy to go to Japan soon. I wish you the best, infinite happiness. May the gods protect you. May the land of the Rising Sun live forever.
Your friend of heart , Christian Vander.