EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH HUNTER HUNT-HENDRIX OF LITURGY !!
“I Hope That The Metal Scene Learns To Have Less Of The ‘Boys Club’ Aspect And Hold Space For More Alterity. Personally I See That As The Leading Edge Of Originality For Metal”
DISC REVIEW “ORIGIN OF THE ALIMONIES”
「私は、人類の歴史が展開し始める要因となった神の中にはメタフィジカル (人間の理解や物理を超えた) な不均衡があり、その不均衡を回復するためには、解放的な政治や実験的な芸術が重要な役割を果たすと考えているのよ。」
昨年、”H.A.Q.Q.” でブラックメタルの地図に新大陸を記載した LITURGY。日本の雅楽までを飲み込み、実験と理想を両立させた音楽、芸術、哲学が三位一体のレコードは明らかにメタルの境界線を大きく押し広げました。そうして自らを “解放” しさらなる自由を得た首謀者 Hunter Hunt-Hendrix にとって、次なる超越的ブラックメタルのテーマはクラシックとグリッチを織り交ぜたメタルオペラでした。
「メタルシーンには、”ボーイズクラブ” 的な側面を減らして、もっと変幻自在になってほしいと思っているの。個人的には、それがメタルにとってのオリジナリティの最先端だと思っているから。」
LITURGY は、シンガー、ソングライター、作曲家、哲学者、そして先駆者 Hunter Hunt-Hendrixのプロジェクト。”H.A.Q.Q.” の成功の後、Hunter は様々な葛藤を乗り越え自らがトランスジェンダーであることを公表します。
体は男性、心は女性。彼女の作品の哲学的な性質を考えれば、この勇気ある公表がボーカルとアレンジメントの両方を通して、より深く、より生々しい感情的サウンドを喚起することは明らかでした。
「LITURGY の音楽には、いつもたくさんの愛、寛容さ、誠実さがある。だからといって、それがそのまま “女性的” ってことなのかしら？ そう定義するのは、あまりにも堅苦しいような気がするわね。でも、私が個人的にそういった感情にアクセスして表現するときは、それは私にとって女性的なものだと感じているんだけどね。」
性別の移行と同時に、インストゥルメンタルだった万物の起源へと誘うオペラはその神話を語る声を得ました。それはすべて、この物語の主人公が SIHEYMN という女性だったから。言葉だけでも、音楽だけでも伝えられない彼女のメタフィジカルな理想は、そうして女性性を色濃くしながら “Origin of the Alimonies” へと昇華されることとなったのです。描かれるはトラウマティックな愛によって引き裂かれた2つの神の原理 OIOION と SIHEYMN の尊き神話。
「私が Messiaen について愛していることの一つは、彼が前衛的な作曲家であると同時に、私と同じようにキリスト教徒であるということなの。この二つの側面は、私が自分の作品の中で定義し、継続しようとしている “The Ark Work” の繋がりにとって重要なものだから。」
グリッチなシンセで幕を開けた “H.A.Q.Q.” とは対照的に、”Origin of the Alimonies” はフルートの孤高が導きの灯火。フランスの現代音楽作曲家でオルガニスト Olivier Messiaen に薫陶を受けたアルバムは、ヴァイオリン、トランペット、ハープを不穏に誘い、バーストビートのラウドな宇宙と結合することで、2020年代のチェンバーメタルオペラを提示することに成功したのです。
もちろん、”Lonely OIOION” を聴けば、圧倒的なバンドパフォーマンスの不変に今も身を委ねることが可能です。それでも、グリッチやオーケストレーションとのセンセーショナルな婚約に始まり、千変万化なトラップやフリージャズのビート、”The Fall of SIHEYMN” に降臨するマイクロトーナルの絶景、Messiaen 由来の現代音楽のリズムと不協和を設計図とする “Apparition of the Eternal Church” の叙事詩まで、37分すべてが明らかにブラックメタルを超えた芸術作品の域までこのオペラを高めています。
Hunter はかつて、このアルバムで自身のリスナーは大きく減るだろうと予言しました。しかし、作品を締めくくる “The Armistice” の美しき混沌に身を委ねれば、彼女の予言がいかに的外れであったか伝わるはずです。
複雑なリズムのクラスター、ポリフォニー、そして不協和音。常識を覆す斬新なアイデアと、原始的な人間の起源を描いたことによる初演の混乱。そうこれは21世紀のストラヴィンスキー、春の祭典なのかもしれませんね。もちろん、バレーのダンサーは半狂乱でしかし軽やかにモッシュピットで踊ります。ゆえに現在制作中という、アルバムを投影した映像作品も楽しみですね。
今回弊誌では、Hunter Hunt-Hendrix にインタビューを行うことができました。「もちろん、男らしさが悪いわけではないし、私はこれからも男らしさが常にメタルを支配していくと確信しているの。それは私にとって別に構わないのよ。」2度目の登場。どうぞ！！
LITURGY “ORIGIN OF THE ALIMONIES” : 10/10
INTERVIEW WITH HUNTER HUNT-HENDRIX
Q1: After our previous interview, you came out publicly as transgender. As you say, there was fear of rejection -social rejection, romantic rejection, career rejection, rejection by your family. I admire your courage. How were you still able to come out?
【HHH】: It was a long process. I was finally able to once I found a community that would accept me, which was only very recently. It’s more complicated than at obviously. I’m sad that I wasn’t able to face this sooner but there has been a lot of support and I’ve really appreciated it.
Q2: You said “The music and ideas I compose come from a female heart”. That was very interesting to me. I’d like to ask you about femininity in art and music?
【HHH】: It’s somewhat hard to explain. I’ve always considered the burst beat technique to be feminine in some kind of cosmic sense, like fluid, cyclical and anexact unlike ordinary metal drumming, though it gets very difficult to describe what one means by ‘feminine’. Like there’s always been a lot of love, openness and sincerity in Liturgy’s music. Is that ‘feminine’ exactly? Seems like it would be too rigid to define it that way. But when I personally access and express those feelings, it feels feminine to me.
Q3: The metal world still emphasizes masculinity, and the boys’ club aspect remains strong. That’s why I’m glad you’re in the metal world. Do you think those false traditions will change?
【HHH】: I think they will, or at least I hope so. There’s nothing wrong with masculinity of course, and I’m sure masculinity will always dominate metal, which is fine by me. But I hope that the metal scene learns to have less of the ‘boys club’ aspect you mention and hold space for more alterity. Personally I see that as the leading edge of originality for metal, like fulfilling its potential, making it more complete and well-rounded, fulfilling its destiny anyway. But that’s just my philosophy – I’m sure other people want different things out of metal from me and that’s fine too.
Q4: In our previous interview, you said “I worked way, way, harder composing the music to Origin than the music for H.A.Q.Q.”. Isn’t it just the right piece for the right time you were finally broken free from some kind of compromise?
【HHH】: Yes, it really is. I made a point of not using any pronouns at all for the press stuff around H.A.Q.Q. because I had the sense that I would come out soon but wasn’t ready yet. But Origin of the Alimonies is really a culmination of who I am in a way, and the process of making it – especially the video aspect that most people havent seen yet – was a big part of what gradually put me in contact with my womanhood. For a long time I thought that the album had to be instrumental. We recorded the music before I came out (during the same session as H.A.Q.Q.), but once I began my transition I felt able to put vocals on it after all, which I did only a month before it was released, in September of 2020. That felt very meaningful to me.
Q4: 前回のインタビューであなたは、「”Origin of the Alimonies” は “H.A.Q.Q.” の何倍もハードに作曲に取り組んだ」と語っていましたね。自らを解放したあと、最初のアルバムとしてこれほど完璧な作品もないですよね？
【HHH】: そうね、本当にそう思うわ。”H.A.Q.Q.” を予告をせずサプライズリリースにしたのは、もうすぐ出るけどまだ準備ができていないという感覚があったからなの。でも、”Origin of the Alimonies” は、ある意味で自分自身の集大成で、その制作過程、特にまだほとんどの人が見ていない映像の部分は、自分の女らしさに少しずつ触れさせてくれた大きな作品だったの。
長い間、このアルバムはインストゥルメンタルでなければならないと思っていたの。私がカミングアウトする前に（”H.A.Q.Q.” と同じセッション中に）レコーディングしたんだけど、性を変え始めると、結局ヴォーカルを入れることができると感じるようになった。主人公が女性だったから。リリースのわずか1ヶ月前、2020年の9月にボーカルを入れたのよ。それは私にとってとても意味のあることだったの。
Q5: Also, you said “I’m sure the audience will be much, much smaller, because it is a lot less accessible.”. Indeed, it is their most overly lofty challenge to yourself and listeners yet. As well as the new elements of classical instrumentation that most closely correlate your sound to 19th Century Romanticism, you also reunite the sounds of black metal, trap music, gabber, electronica, noise, glitch, hip-hop production effects and much, much more. Definitely, this is the 21st century’s opera, would you agree?
【HHH】: Yeah I see it as an opera, even to the point of primarily belonging in the context of contemporary opera even more so than the context of metal, or at least equally. Like, it isn’t an ordinary opera obviously, but I really do engage deeply with that tradition here, ‘opera’ isn’t just a word pasted onto the album in order to make clear that the music is telling a story.
Q6: How did Olivier Messiaen’s music influence this work?
【HHH】: One thing I love about Messiaen is that he is both an avant-garde composer and a Christian, just like me. Those two aspects are important to the tradition of The Ark Work that I seek to define and continue in my work (though other forms of spirituality besides Christianity are ok too). One of the tracks here is literally an arrangement of a piece of his. I see it as sort of an invocation or re-incarnation of his spirit, so as to carry the torch he was carrying. To me the way he combines different rhythms in simulaneity also influences the whole album.
Q6: Olivier Messiaen の音楽はこの作品にどう影響を及ぼしましたか？
【HHH】: 私が Messiaen について愛していることの一つは、彼が前衛的な作曲家であると同時に、私と同じようにキリスト教徒であるということなの。この二つの側面は、私が自分の作品の中で定義し、継続しようとしている “The Ark Work” の繋がりにとって重要なものだから（キリスト教以外の精神性の形でも良いけれど）。
このアルバムに収録されている曲の一つは、文字通り彼の曲をアレンジしたものよ。私はそれを、彼が背負っていた聖火を受け継ぐための、彼の精神を呼び出す生まれ変わりのようなものだと思っているの。
もっとミクロな視点で言うと、彼が様々なリズムを同時に組み合わせる方法は、このアルバム全体に影響を与えていると思うわ。
Q7: Did Pandemic affect this work in any way? You mentioned last time that this was the soundtrack to the film – it must have been difficult to make a film in Lockdown, right?
【HHH】: Well, the new version of the film I’m working I’m actually making in my living room, which I suppose is an effect of the pandemic yes.
Q8: It seems this opera tells the story of why the world was born, and its story is meant to be the aesthetic core of Liturgy. Could you please explain this in a way that is easy for our listeners to understand when they first get to know you here?
【HHH】: I believe that there is a metaphysical imbalance within God that caused human history to begin to unfold, and that emancipatory politics and experimental art have an important role to play in restoring the balance, but that each new generation has to define what that means.
“I Have Used Raw Meat In a Lot Of Pieces For a Number Of Years. It Seems To Evoke Both a Beautiful Yet Uncomfortable Reaction Which I Am Attracted To. I Think Its a Wonderful Medium To Work With.”
DISC REVIEW “ENJOY YOURSELF”
「俺は何年もの間、多くの作品に生肉を使用してきた。美しいけれど不快な反応も、両方を呼び起こすようだ。だからこそ魅了されているんだが。この作品はその2つが共に喚起される、素晴らしい触媒だと思う」
かつては固体だった肉の塊が、次にドロドロの液体になり、それから再びほとんど固体になったものが合体して、床の上で蠢き、目が皮膚の表面に浮かんで動き回る、そんなジョン・カーペンター 「遊星からの物体X」 のように気が遠くなるようなイメージを喚起させる「溶けた死体」のインパクト。
そのバンド名を体現するように、彼らは自らを「多様なアートを徐々にブレンドしたり、一つの塊にまとめたりすること。」と定義しました。
「David Lynch を挙げてくれて嬉しいね。意図的ではないにせよ、リンチの視覚的なテーマをいくつか活用していると思いたいね。無意識のうちに忍び込んでいるように思えるね。」
ただ、ミュージシャンと記すだけでは、MELTED BODIES のすべてを表すことは不可能です。生肉の造形でアートワークを描きグロテスクの中に美しさを挿入しながら、当たり前のように資本主義の文化に染み付いた大量消費の意味を問い、”Ad People” の MV では、インターネットの力を蒸留し、毎日提供されるSNSの自我と自己嫌悪をスクリーンでリスナーに反射させてみせるのですから。猟奇集団の目的は “魅せること” と “混乱させること”。
「思うに俺たちがいかに一般的で表面的なプラスチックになりつつあるかということだよね。特にソーシャルメディアを介して、同僚や知人、さらには家族に自分自身を提示するときはね。」
あるべき姿を失ったドロドロの死体にとって、世界に根付く陳腐で愚かなな常識を疑うことなど造作もありません。女性が警官たちを次々と家に招き入れ食べてしまう “Eat Cops” で、マイノリティの人々に対する国家による絶え間ない暴力をジョークに隠喩し、”Funny Commercials (And the Five Week Migraine) ではポップなパーティーキャノンで医療保険の欺瞞を叫び、さらに “The Abbot Kinney Pedophiles” では笑い話の中で 「金持ちや甘やかされた奴らの喉を切り裂け！」と目まぐるしい歌唱でアジテート。
すべての営利目的で表面的で偽善的な地獄絵図を、皮肉りながら笑い飛ばすのが彼らのやり方。そうしてキャッチーな罠でリスナーの心に疑念を抱かせるのです。
「1つ言えるのは、消費主義、後期資本主義といった表面的なものをテーマにした作品の多くは、カリフォルニアを中心とした、少なくともアメリカを中心としたものであることは間違いないと思う。」
その噛みつくようなしかし明るさを内包した音楽の塊には、世界で最も多様でエリートとサブカルチャーが蔓延るカリフォルニアという出自が少なからず影響しています。音楽的に、同郷の SYSTEM OF A DOWN や FAITH NO MORE の Mike Patton と比較されることの多い彼らですが、皮肉の中にパーティーを織り込む “Enjoy Yourself” の精神は特別LAの風景を投影しているようにも思えます。
“The Rat” が象徴するように、シンセサイザーのカラフルを武器にカリフォルニアの先達を咀嚼したオルタナティブとノイズの化け物は、そうして偽の幸福や不条理をパーティーで一つ一つ破壊していくのです。時に、シンセウェーブにポストパンク、LAメタルまで想起させるレトロフューチャーな世界観が映像を脳内まで誘う不思議。
結局、”Enjoy Yourself” とは、様々な困難を乗り越えながら、それでも自分自身を楽しむこと。ユニークな個性を曝け出し、本音を臆さず語ること。そうして彼らはその哲学を、視覚的、聴覚的な真の芸術家としてリスナーに訴えかけるのです。その姿はもはやミュージシャンというよりも、メディアでありインフルエンサーなのかもしれませんね。
今回弊誌では、MELTED BODIES にインタビューを行うことができました。「俺たちの曲の中にあるシニカルなテーマを少しでも楽しく感じさせるために、カオスなパーティーのエネルギーを好む傾向があるんだろうな。パーティーも大好きだし、いろんなところから影響を受けているから、楽しい音楽を作ろうとしているんだと思う。」 どうぞ！！
MELTED BODIES “ENJOY YOURSELF” : 10/10
INTERVIEW WITH MELTED BODIES
Q1: First of all, I was surprised by the name of your band, Melted Bodies. What is the meaning behind this name?
【MELTED BODIES】: Melted Bodies [melt – ed bod – eez]
entity
Name, domain and home to various works, music, and affections created by Melted Bodies
verb
The gradual blending or combining of divergent bodies of work into one mass: or collection
adjective
1. Distinct activity existing or occurring in an intense, sometimes sensual and generally animalistic degree. Often associated with the exchange and mixing of extreme perspiration, fluids, saliva, blood and heightened emotion between two or more human beings amidst the act of creation.
Q1: MELTED BODIES というバンド名がまず、実に強烈ですね？
【MELTED BODIES】: Melted Bodies [melt – ed bod – eez]
名詞
MELTED BODIES が制作した様々な作品、音楽、愛情の名前、ドメイン、ホーム
動詞
多様なアートを徐々にブレンドしたり、一つの塊にまとめたりすること。
形容詞
感情的な、時に官能的な、一般的には動物に存在する、または発生している活動。多くの場合、創造の行為の中で、二人以上の人間の間での極度の汗、液体、唾液、血液、感情の高まりの交換と混合に関連する。
Q2: “Enjoy Yourself” artwork is also very intense. I’m sure it’s a fake, but why did you choose to use this kind of “Melted Body” artwork?
【ANDY】: I made the piece with four cuts of meat(all beef) & shot both covers in my apartment using natural lighting, some red/blue led lights and some post work in photoshop.
I have used raw meat in a lot of pieces for a number of years. It seems to evoke both a beautiful yet uncomfortable reaction which I am attracted to. I think its a wonderful medium to work with. Here we have this abundant and readily available form of dead flesh for sale at almost any grocery store which most humans without thinking twice will happily consume & yet presenting it just slightly out of the context of “mass consumption“ & suddenly it makes a lot of us uneasy which I find fascinating.
Q3: In your bio, you said “We are here to target influencer content and engage media partners through collective storytelling and game-changing ideas.”. What did you want to convey about the Internet and social networking through “Ad People”?
【ANDY】: Lots of layers within both our “Brand Message” and the song Ad People but I think one through line is how generic and surface level plastic we are becoming especially when presenting ourselves via Social Media, to co-workers, to acquaintances and even to family to some degree.
Q4: “Eat Cops” seems to be a reflection of this year’s BLM, doesn’t it?
【ANDY】: I actually wrote Eat Cops a couple years before BLM finally came under the media spotlight. It’s a reflection on American law enforcement/Police in general.
Q5: What is the concept behind the album title “Enjoy Yourself”?
【ANDY】: It’s a bit of a double meaning which we do a lot of. Mainly, it’s a reminder which I personally needed the entire time while writing the album. I often have a difficult time loving myself or finding ways to actually enjoy what’s in front of or inside of me. I’m quite talented at being incredibly insulting to myself at times, so it’s like a post it note stuck onto the cover art. I told myself that no matter how serious, fucked up or dark some of these songs are, if I didn’t smile at least once while listening back then it wouldn’t move forward.
The other meaning is more of a cynical light shone on our increasing selfishness. Don’t think too hard, don’t challenge yourself, don’t get uncomfortable, stop thinking critically, stop contributing and just enjoy yourself.
Q6: Musically, many listeners may be reminded of System of a Down, Faith No More, Mr. Bungle, Japan’s Sigh and Tomahawk. However, you guys are more like a “Synth-party”. Does that have something to do with your California origins?
【BEN】: That’s a pretty interesting question! I’m not sure if California has much to do with it, given that two of our members are native to California and the other two from Colorado and West Virginia. Plus, System of a Down and Mike Patton are from California as well I believe. I will say however that a lot of our themes around consumerism, late-stage capitalism, and superficiality definitely feel uniquely centered around California though, or at least America. I think we just tend to like the chaotic party energy as a way to make some of the more cynical themes in our songs feel fun. We also love to party, and pull influence from a lot of places, so I think we just try to make fun music. If we lived in Bergen or Berlin or something, maybe it wouldn’t feel so fun, but hopefully it’d feel just as wild.
Q6: 音楽的には、SYSTEM OF A DOWN, FAITH NO MORE, MR. BUNGLE, SIGH, TOMAHAWK といったバンドを想起させますね。
ただ、”Enjoy Yourself” のタイトルが示す通り、シンセ-パーティー的なムードが音楽に織り込まれています。カリフォルニアという出自も関係していますか？
【BEN】: 興味深い質問だね！カリフォルニアが関係しているかどうかはわからないな。メンバーのうち2人がカリフォルニア出身で、他の2人はコロラド州とウェストバージニア州出身だから。ただ、SYSTEM OF A DOWN と Mike Patton もカリフォルニア出身だったよね。
1つ言えるのは、消費主義、後期資本主義といった表面的なものをテーマにした作品の多くは、カリフォルニアを中心とした、少なくともアメリカを中心としたものであることは間違いないと思う。
俺たちの曲の中にあるシニカルなテーマを少しでも楽しく感じさせるために、カオスなパーティーのエネルギーを好む傾向があるんだろうな。パーティーも大好きだし、いろんなところから影響を受けているから、楽しい音楽を作ろうとしているんだと思う。ベルゲンとかベルリンとかに住んでいたら、そんなに楽しくはないかもしれないけど、もっとワイルドな感じになるかもね。
Q7: For example, the essence of Mike Patton’s music is his live performance, but from the music video, it seems that you are also an artist who values live performance, right? The pandemic has had a big impact on you, would you agree?
【MELTED BODIES】: Yes, we definitely value our live performance. In fact, much of our music videos is actually taken from the videos we usually play during our live show. Before the pandemic, we were playing around LA quite a bit, usually a few times a month, which is also partly why it’s taken so long for us to release Enjoy Yourself. However, as much as we absolutely miss playing live, and are eager to start touring more, particularly internationally (I’m looking at you JAPAN), our band has definitely done the most we could with a mid-pandemic album release with some of our videos. We’re lucky because we all have backgrounds in other mediums of creativity as well. Scott usually does the videos. Andy does a lot of the illustrations and merch. Ben has another project called Diamondstein, so he’s always busy with new ideas for the band. And Houda is really good at a lot of punk DIY things, since she’s been doing rad music projects in LA for a long time. So even though we miss playing live, i think it’s been really funny coming up with new and weird ways to engage with people that are either just finding out about us, or who have been friends and fans for a while. Hopefully this means that when we can play live again, we’ll be better than ever, but we’ve been lucky to have other ways to create until then. Let’s all just take this damn vaccine so we can all sweat on each other again, cool?
Q7: 例えば Mike Patton の本質はライブパフォーマンスにあると思います。MV を見れば、あなたたちも同種のアーティストだとわかります。
ゆえに、このパンデミックとロックダウンは大きな障害となったのではないですか？
Q8: It seems to me that you guys have brought the horror and cult of David Lynch into the metal pit. What are the future goals of Melted Bodies?
【SCOTT】: I love that you specified Lynch. I’d like to think that we’ve utilized a few of Lynch’s visual themes, though not deliberately. It has seemingly crept its way in subconsciously. Our videos leverage a lot of found footage and stock video. Stock video is interesting because it’s an entire marketplace of content doing its best to reflect the common world, but geared towards a level of marketability. With that in mind, it becomes this aesthetic of grotesque mundanity, depending on how you wield it or how long you look at it. I think this is very common in Lynch’s work. Where the benign appears malignant. It’s fun to ground our big sound with this visual motif, but also incorporating levels of body horror and gore to punctuate the narrative.
【SCOTT】: David Lynch を挙げてくれて嬉しいね。意図的ではないにせよ、リンチの視覚的なテーマをいくつか活用していると思いたいね。無意識のうちに忍び込んでいるように思えるね。
俺たちのビデオには、発見された映像やストックビデオが多く使われているんだ。ストックビデオは面白いよ。なぜなら、一般的な世界を反映するために最善を尽くしているけど、市場性のレベルに合わせたコンテンツが市場全体だからね。そう考えると、ストックビデオは見方や時間によって、グロテスクな俗物の美学になるわけさ。
これは Lynch の作品によくあることだと思う。良性のものが悪性に見えるところがね。この視覚的なモチーフでビッグなサウンドを表現しつつ、ボディホラーやゴアのレベルを取り入れてストーリーを盛り上げるのも楽しいよね。
FIVE ALBUMS THAT CHANGED MELTED BODIES
Refused: The Shape of Punk to Come – This is one of the first records where I heard so many influences and styles thrown together into “punk”. Truly changed the way I thought of the genre.
最初に聞いたレコードの一つ。多くの影響やスタイルを “パンク “にまとめていた。このジャンルの考え方を変えてしまった。
Meshuggah: Obzen – I just get so much satisfaction from the weird polyrhythms in this album, and this is the first time I think I really heard this kind of hyper aggressive “math” driven music. I still listen to it, and a lot of Meshuggah, as a sort of contemplative stimulation.
このアルバムの奇妙なポリリズムにとても満足しているし、この種の攻撃的な “数学”のような音楽を聴いたのは初めてだと思う。今でも聴いているよ。一種の瞑想的な刺激として。
The Faint: Wet From Birth – This album feels like my first real exposure to synths as a leading role in a more punk-oriented band. Then, I became synth obsessed.
パンク志向のバンドで、主役としてのシンセに初めて触れたような気がしする。その後、俺はシンセに夢中になった。
The Chariot: Everything Is Alive, Everything Is Breathing, Nothing Is Dead, and Nothing is Bleeding – At the time, this was the most extreme music I’d ever heard, and so I started going to every Chariot show I could. It was positive chaos, but absolutely violent chaos nonetheless. I still have never been in a more painful crowd.
当時、これは今まで聴いた中で最も過激な音楽だった。それはポジティブなカオスだったけど、にもかかわらず絶対的に暴力的なカオスだった。今でもこれほど痛々しい音の中にいたことはない。
Stereolab: Dots and Loops – This was a time when I just started exploring music outside of traditional punk and metal, and Stereolab represented a sophistication that set a mood and a tone that dominated my early 20s. I still regularly listen to this record.
伝統的なパンクやメタル以外の音楽を探求し始めたばかりの頃で、Stereolabは俺の20代前半を支配していた。洗練さを代表していたよね。今でも定期的に聴いているよ。
(BEN)
Fever Ray: Plunge – The promotional tour for this record sort of flipped a switch in my mind that no matter what the tones and content of the music, it should be presented in a visceral, but fun manner. Never miss an opportunity to make a performance a celebration.
このレコードのプロモーションツアーで、心のスイッチが入ったような気がする。お祭り騒ぎを逃さないようにしよう。
Nine Inch Nails: The Downward Spiral – I would say this is hands down the most influential record on my list and one that consistently remains listed when asked this question. It taught me music can be scary, it can be uncomfortable, it can be erotic. Masochistic, music can be masochistic through its journey.
リストの中で最も影響を受けたレコードであり、この質問をされたときに一貫してリストに残っているレコードだと言えるだろう。音楽は怖いものであり、不快なものであり、エロティックなものであることを教えてくれた。音楽はその旅を通してマゾヒスティックになり得る。
Caribou: Swim – I had grown up loving techno, trance, and house music, but also the guilty pleasure of saccharine indie bands as well. The latter fell off as I grew older, but then this album came out and I found this beautiful balance of those influences. It felt like a sound I wanted to hear was plucked from my mind and pressed for my listening pleasure.
テクノ、トランス、ハウスミュージックを聴いてで育ったが、甘いインディーズバンドも好きだった。自分が聴きたいと思っていた音が、頭の中から抜き取られて、プレスされているような感じがしたよ。
Death Grips: No Love Deep Web – I had all but stopped listening to heavier music at this point in my life, but when this album dropped, it was so raw, it was vicious, it was so… COOL. It was punk in the 21st century.
当時ヘヴィな音楽を聴くのを完全に止めていたんだけど、このアルバムが出てきたときは、とても生々しくて、悪質で、とてもクールだった。21世紀のパンクだよ。
Arca: Mutant – Film was my original love. I only got “into music” because of film scores. A large part of that love is sound design – textures, tones, feelings. To me, this album broke down a lot of structural norms and showed me that there are no “rules” and I can choose to incorporate anything I want sonically in music I’m creating.
映画は俺の源流。「音楽にハマった」のは映画のスコアのおかげだ。その愛の大部分はサウンドデザインにある。俺にとって、このアルバムは多くの構造的な規範を打ち破り、”ルール”も存在せず、自分が作っている音楽の中に自分の好きなものを取り入れることができると教えてくれたんだ。
(SCOTT)
Dead Kennedys: Give Me Convenience or Give Me Death – I finally felt like I wasn’t alone, like I wasn’t the crazy one for thinking there is something wrong and I wasn’t the only one angry about it.
最終的に一人じゃなかったような気がした、私は何かが間違っていると考えているけど、それについて怒っている唯一の人間じゃなかったの。
The Hives: Vini Vidi Vicious – Dirty tones + basement-show vibes + matching outfits = everything Houda loves
ダーティなトーン＋ベースメントショーの雰囲気＋お揃いの衣装＝ホウダの好きなものすべて
The (International) Noise Conspiracy: A New Morning, Changing Weather – just because you get older and embrace jazz groves doesn’t make you any less of a punk.
新しい朝、変化する天気–年を取ってジャズ・グローブを抱きしめたからといって、パンクになるわけではない。
Yeah Yeah Yeahs: Fever To Tell – Messy can be beautiful; art and punk can live simultaneously; three people can make bigger and fuller sounds than any wall of Marshalls
雑然としたものは美しいものであり、アートとパンクは同時に生きることができ、3人の人間はマーシャルのどんな壁よりも大きくて充実したサウンドを作ることができる。
Robyn: Body Talk What can I say, I have a thing for Swedes.The lyrical vulnerability throughout the album elevated what dance/pop music could be.
何と言っていいか、ダンス/ポップの最高到達点だろうね。
(HOUDA)
MESSAGE FOR JAPAN
We are beyond humbled by the support we’ve received from Japan, and can’t wait to come and get sweaty with all of you. We all love so much of what has come out of Japan, and are just thankful what we’re making is getting to you. Domo Mother Fucking Arigato.
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CHRIS HATHCOCK OF THE RETICENT !!
“I Wanted To Make An Album That Confronted The Horror Of The Alzheimer Illness But Also The Cruel Way We Often Treat Those That Suffer With It.”
DISC REVIEW “THE OUBLIETTE”
「アルツハイマーが生み出す地獄。僕は家族と一緒にその光景を目の当たりにしたんだ。アルツハイマーは高齢者が大半を占めているから、病気を主張できないことが多く、社会的には見捨てられ、忘れ去られてしまうことだってよくあるんだ。僕はこの病気の恐ろしさと同時に、この病気で苦しむ人たちへの残酷な接し方にも向き合うアルバムを作りたいと思ったんだよ。」
65歳以上の6%が何らかの影響を受けるアルツハイマー病。ゆっくりと、しかし確実に重症度が増していく慢性的な神経変性疾患です。ゆるやかに自分自身を失っていく恐ろしい病。
プログメタルプロジェクト THE RETICENT の首謀者 Chris Hathcock は実際にその恐怖を目の当たりにし、その視点と経験を音の書へと綴ることを決意したのです。
「絶望と鬱を永続的に克服する道を知っていればいいのにと心から思うよ。僕たちの多くにとって、それはある意味生涯をかけた戦いになるからね。」
THE RETICENT は音楽に仄暗い感情を織り込む天才です。2016年の “On The Eve of a Goodbye” では、幼馴染だったイヴが自ら死を選ぶまでの悲愴を、すべてを曝け出しながら綴りました。徐々に近づいていく決断の刻。湧き出るような感情と共に迎えるクライマックス “Funeral for a Firefly” の圧倒的な光景は、聴くものの心激しくを揺さぶったのです。
「こんな悲しいテーマのアルバムを書いたのは、アルツハイマー病や認知症についての音楽がほとんどないからだよ。一般的に、多くの人は特に後期の段階でアルツハイマー病がいかに衰弱を強いる残酷な病気であるか、完全に認識していないよね。患者は記憶を失うだけでなく、さらに話すことも、移動することも、食べることも、飲み込むことさえ出来なくなるんだよ。」
そして THE RETICENT は再度真っ暗な感情の海へと旅立ちました。”The Oubliette” はアルツハイマーの7つの進行状況を7つの楽曲へと反映したコンセプトアルバムです。オープニングで、病院で自分の病状にさえ気付かず至福の時を過ごす主人公ヘンリーを紹介されたリスナーは、彼の静かな戦い、容赦のない悪夢を追体験していきます。
「僕はいつも、伝えたいことの感情に合ったサウンドを見つけようとしているんだ。それは伝統的なバンド（ギター、ベース、ドラム）のセットアップであることもあれば、ジャズのコンボやダルシマー、あるいはブラックメタルのようなワイルドな異なるジャンルへの挑戦の時もあるね。」
実際、ほぼすべての楽器を1人でこなす Chris のコンポジションとリリックは完璧に噛み合っています。OPETH のアグレッション、PORCUPINE TREE のアトモスフィア、RIVERSIDE のメランコリーに NEUROSIS の哲学と実験を認めた多様な音劇場は、エセリアルなメロディーやオーセンティックなジャズの響きに希望を、激烈なグロウルとメタルの方法論に喪失を見定めて進行していきます。亡き妻の生存を信じながら、時に彼女の死を思い出す動揺は、天秤のようなコントラストの上で悲しくも描かれているのです。挿入されるスポークンワードやトライバルなパーカッションも、ストーリーの追体験に絶妙な効果をもたらしていますね。
クライマックスにしてタイトルトラック、Oubliette とはヨーロッパ中世に聳え立つ城郭の秘密の地下牢。高い天井に一つの窓。ヘンリーはその唯一の出口、すなわち死を絶望的な懇願と共に迎えるのです。ただし今際の際に垣間見るは遂に訪れた平穏。
「それは複雑で “勝ち目のない” 状況と言えるだろうな。だからこそ、このアルバムが病気の現実に対する認識を高め、病気を経験している人やこれから経験するかもしれない人たちに小さな慰めを提供できたらと願っているんだよ。」
THE RETICENT はアルツハイマー病の認知度を高めるために、そして病と戦う患者や家族のために、またしても悲哀を呼び起こす感情的な傑作を創造しました。Chris Hathcock は音楽でただ寄り添い、世界へ訴えかけるのです。
今回弊誌では、その Chris にインタビューを行うことができました。「この病気で苦しんでいる人たちの世話をする人たちは、真のヒーローだよ。実に困難な仕事だからね。時にはほとんど不可能なくらいに。心が痛むし、イライラするし、意気消沈するし、とにかく絶え間ない葛藤が続くんだ。このアルバムで僕は、そんなヒーローたちにそれでも誰かが理解してくれるとメッセージを直接伝えたかったんだ。」 Jamie King のプロデュースはやはりプログメタルに映えますね。どうぞ！！
THE RETICENT “THE OUBLIETTE” : 10/10
INTERVIEW WITH CHRIS HATHCOCK
Q1: First of all, what kind of music were you listening to, when you were growing up?
【CHRIS】: I grew up listening to a lot of Metallica, Megadeth, and Slayer as a young child. When I was a teenager, i discovered metal bands like Emperor, Cannibal Corpse, and my favorite band Neurosis as well as greats of jazz like Miles Davis and Duke Ellington and classical like Beethoven and Stravinsky. The genres of music I consumed continuously expanded each year as I got older. There is hardly a genre of music I don’t enjoy to some degree at this point.
Q1: まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか？
【CHRIS】: 幼い頃は、METALLICA, MEGADETH, SLAYER を聴きまくって育ったんだ。ティーンエイジャーになると、EMPEROR, CANNIBAL CORPSE, NEUROSIS といったメタルバンドや、Miles Davis, Duke Ellington などのジャズ、それにベートーベンやストラヴィンスキーみたいなクラシックの名曲を聴くようになったね。
僕が楽しむ音楽のジャンルは、年を重ねるごとにどんどん広がっていったんだ。そうして、楽しめない音楽のジャンルはほとんどなくなったのさ。
Q2: I was really blown away by your newest record “The Oubliette”. The album is divided into seven chapters, and it’s illustrated with the progression of Alzheimer’s disease, right? Why did you choose to deal with this subject?
【CHRIS】: Correct. The seven tracks are meant to represent the seven stages of Alzheimer’s disease – though the narrative and lyrics are meant to follow a more personal journey of the main character, Henry. I chose to write an album about such a sorrowful subject because there is very little music out there about Alzheimer’s or dementia. In general, many people are not entirely aware of how debilitating and cruel the disease can be particularly in the later stages. Patients not only lose their memories but further lose their ability to communicate, to move, to eat, or even to swallow. Consider that we are our memories and our experiences. Imagine losing those memories. In the midst of your body shutting down, you don’t even have your memories to console you – that is the hell that Alzheimer’s patients may be condemned to. I watched this firsthand with a family member. Because the majority of those afflicted with this malady are the elderly, they often cannot advocate for themselves and, as a society, we tend to shove them aside and forget about them. I wanted to make an album that confronted the horror of the illness but also the cruel way we often treat those that suffer with it.
Q2: “The Oubliette” には本当に驚き、心を揺さぶられましたよ。7つの章がアルツハイマーの進行に合わせて展開するのですから。なぜこのテーマを選んだのですか？
Q3: Japan’s population is aging at an accelerated rate with a declining birthrate, and the elderly make up the majority of the population. Many young people are tired of taking care of the elderly. Alzheimer’s disease is not only difficult for them, but also for their families. In this context, what was the message you wanted to get across from this story?
【CHRIS】: The caretakers of those suffering from the disease are true heroes. It is a difficult job – sometimes almost impossible. It is heartbreaking, frustrating, disheartening, and it is a constant struggle. I want this album to convey a message directly to those people that someone out there understands. That the experience of watching a loved one suffer from this disease is harrowing. The torment that those with the disease must endure can only be speculated by those of us on the outside – but even the thought is terrifying – yet the heartbreak of watching a loved one go through those stages is devastating and if often feels like no one understands. It’s a complex “no-win” situation. Hopefully, in some small way this album can help increase awareness of the reality of the illness and provide some small comfort to those that have been through or are going through this.
Q4: In your last album, you dealt with the suicide of your close friend. I think you’re a genius at putting deep emotions to music. In fact, Japan has a very high suicide rate. Many artists and actors have committed suicide. Are there any useful ways to overcome such despair and depression?
【CHRIS】: I truly wish I knew the path to permanently overcome despair and depression. For many of us, it will be a lifelong battle of sorts. The good news is that there are things that can be done to lessen its impact and to break the cycle. Small accomplishments are important – like getting up, getting dressed, brushing your teeth, etc. – these tiny victories help prevent one from getting completely immobile. Attempting to see things from a different perspective is another beneficial practice – because we often get somewhat trapped in our cyclical depressive perspectives. Revisiting positive memories is another good thing because it reminds that not every moment of our lives has been suffering therefore it stands to reason that not every moment ahead of us will be suffering – this is where small joys in hobbies, friends, nostalgia, etc. can be very helpful. Finally, I think talking/expressing the feelings is essential but we also must be willing to not cling to those negative thoughts. Pour them into poetry, music, prose, videos, etc. and allow yourself to let go.
Q5: Aggression by Opeth, Atmosphere by Porcupine Tree and Melancholy by Riverside. The Oubliette” is undoubtedly a 21st century prog-metal masterpiece. Are these three important music teachers for you?
【CHRIS】: Each of those bands are certainly bands I admire and have enjoyed. The most significant influence on me – especially from a philosophical perspective – has undoubtedly been Neurosis.
Q5: 音楽的には、OPETH のアグレッション、PORCUPINE TREE のアトモスフィア、RIVERSIDE のメランコリーを極上のブレンドで届ける、プログメタル21世紀の決定版にも思えます。
Q6: On the other hand, your own uniqueness is amazing, like tribal percussion and authentic jazz, female voice, spoken words. It’s definitely a new era of prog metal. That kind of non-metal element is essential for a truly progressive band, isn’t it?
【CHRIS】: The wonderful thing about progressive music as a genre is that there is so much room to explore, combine, and reimagine. I think that the inclusion and subversive use of “non-metal” elements can be an essential part of continuing to explore the genre. For me, I always just try to find the sound that fits the emotion of what I want to get across; sometimes that is a traditional band set up (guitars, bass, drums) and other times it’s a jazz combo or a dulcimer or going into a wildly different genre like black metal.
Q6: 一方で、トライバルなパーカッション、女性ボーカル、スポークンワード、オーセンティックなジャズの導入など THE RETICENT 特有のユニークさはプログメタル新時代の到来を告げています。
こうしたノンメタルな要素は、これからのプログメタルにとって不可欠にも思えますが？
Q7: When I had an interview with Countless Skies recently, they said “Maybe, Some Of The People Who Miss The Death Metal Elements Will Enjoy Us. I Think If Nothing Else, It Has The Diversity That Was Found In Early Opeth.”. You guys use elements of growl and death metal to great effect, so I’m sure the same can be said for you. What do you think of Opeth’s decision to stop the growl?
【CHRIS】: I believe Opeth did what was best for them – and I respect them for that. The Reticent started out as an acoustic side project so I went from only clean, soft music to incorporating more and more heavy/aggressive elements. Just like them, I made the decision that was best for me. It would appear that some folks who miss the old days of Opeth’s heavier output seem to like what we do now. But I have never begrudged Opeth for their change – we only have so long to write and play so write and play what makes you happy.
Q8: In the last song, the heart stops beating after the peace that has come at last. What about the speech at the end?
【CHRIS】: That small snippet at the end is from a talk given by biochemist Dr. Gregory Petsko who has been trying to warn people for years of the rising epidemic of Alzheimer’s.
Take care of yourselves and take care of one another. Please do not forget the elderly, particularly those that suffer – we will be those very people one day. Thank you so much for allowing me to talk with you and thanks to any and all that choose to listen to The Reticent!
「”Light of Day, Day of Darkness” は多くの点で “すべてを備えて” いるよね。まさに過剰な創造性だったよ。そして幸運にも僕たちはすべてをまとめて、音楽の長いリストとしてだけじゃなく1つの曲として見られるように仕上げることができたんだ。」
ノルウェーの闇皇帝 EMPEROR にも血を分けた Tchort 率いる翠色のカーネーションは、00年代に咲いたプログメタルの徒花にも思えました。しかし、音花のラボラトリーで生育された越境の種子は後続の遺伝子へと刻まれ、14年の時を経て遂に GREEN CARNATION 本体の再生をも誘ったのです。「このアルバムで僕たちにとって最も重要なことの1つは、GREEN CARNATION 最高の面をすべて1つのアルバムに取り込むことだったね。解散以前は5枚のアルバムで何度も実験を繰り返したんだけど、すべてのアルバムに “典型的なグリーンカーネーションの瞬間” があったわけさ。」
目眩く音旅を経て、経済的な不遇とモチベーションの喪失により2007年に活動を休止した GREEN CARNATION。しかし、マイルストーン “Light of Day, Day of Darkness” のワンオフショウを契機として再び翡翠の撫子に血が通い始めます。
5曲45分。最新作 “Leaves of Yesteryear” に純粋な新曲は3曲しか収録されていません。残りの2曲は “My Dark Reflections of Life and Death” の再録と BLACK SABBATH “Solitude” のカバー。しかし、過去曲の再訪を含め、この内容に不満を感じるファンはいないでしょう。
「早い段階で、これまでよりもさらに強くメロディのセンスを活用して、自分たちの直感に挑戦する必要があると気付いたんだ」
テクニカルかつアトモスフェリックなデスメタルとして高い評価を得ているUlcerate。その6作目となる『Stare Into Death And Be Still』は、彼らにとっては挑戦的な作品となりました。20年以上のバンド生活で養った本能は、いつしか「混沌」や「醜さ」「汚さ」に偏っていたようです。その偏りを「雪崩のように大量の素材を書いては捨てた」ことで洗い流したあとに芽生えてきた、異質なリフやパターン。そこには「力」や「美しさ」「明瞭さ」がはっきりと宿っていました。
彼らはその異質さをしっかりと捉え、さまざまな角度から強化していきます。もっともわかりやすいのがプロダクションの方向性でしょう。「今回のライティングとプリプロダクションの哲学は、混沌よりも力を優先すること」。そう語るJamieのことば通り、本作の音は明瞭で太く、暖かみさえ感じます。また、彼のドラミングにも変化がありました。メタルからジャズ、ファンクと、さまざまなジャンルのドラマーからそのスタイルを吸収してきたエクストリームメタル界きっての名手の彼ですが、本作では人生の大半をかけて磨いてきたそのテクニックを抑制し、曲そのものを活かすパフォーマンスを志向したのです。
「僕はこのプロジェクトを自分の中にある別の影響を吐き出す場所にしたかったんだ。普段、僕がかかわっている音楽から離れてね。そうすることで、アーティストとしての別の一面を表現することができるから。」
前身バンドも含め、ボストンの名状しがたきデスメタル REVOCATION で2000年から活動を続ける Dave Davidson は、究極に複雑なリフ、慄くようなスクリーム、そしてブラストの嵐の中で20年を過ごしてきました。つまり、自らの全てをエクストリームメタルへと捧げることで、シーン随一のギタープレイヤーという威名を得ることとなったのです。DEATH や CYNIC の正当後継者、魂の継承は彼にこそ相応しい。ただし、それは Dave という多面体の音楽家にとってほんの一面にしか過ぎませんでした。
「自分たちが影響を受けたものにオマージュを捧げたいという気持ちはあったと思うけど、それは自分たちのやり方でやる必要があったんだ。 俺たちは過去を振り返るバンドになろうとしているのではなく、影響を受けてそれを発展させることができるバンドになろうとしているからね。」
AYAHUASCA のギター/ボーカル Luke Roberts を巻き込み立ち上げた新たなプロジェクト GARGOYL で、Dave は自らが多感なスポンジだった90年代の音景を、培った20年の発展を注ぎながら再投影してみせました。グランジ、ゴス、オルタナティブ。具体的には、ALICE IN CHAINS や FAITH NO MORE の面影を、Dave らしいプログレッシブやジャズの設計図で匠のリフォームの施したとでも言えるでしょうか。ALICE IN CHAINS ＋ OPETH, もしくは MARTYR という評価は的を得ているように思えますし、プログレッシブ・グランジという Dave が失笑したラベルにしても、少なくとも作成者の苦悩と意図は十分に伝わるはずです。
「ロックダウンが始まったとき、俺たちはバンドをやっているように思えなかった。何しろ俺たちはデフォルトが自尊心の欠如で、自信を持つためには何かをしていなければならないから。だから、4ヶ月間何もしなかったことと、アルバムの発売が延期になったことで、本当に不安になったんだ。言葉にするのは難しい。3人で音楽を作っている時の方が安心感があるんだよね。」
“A Celebration of Endings” は叫びの結集です。鬱病とともに生き、自信を取り戻すため戦ってきた Simon Neil は、2016年の自由奔放な “Ellipsis” ではじめて自分自身の外に目をやり外界からインスピレーションを取り入れました。
「若い頃は、政治と個人的な事柄をわけて考えていたけど、今の世界ではそうはいかない。世界は正しい方法で変わる必要がある。」
それまでは、自らの政治思想さえ芸術へこぼれ落ちることはありませんでした。時を同じくして、世界の闇を具現化したようなコロナウィルスによる “混乱と不安” が襲い掛かります。
「現実は当分の間、俺たちの手から引き剥がされているんだ。僕らはいつもこのバンドをスピリチュアルで家族的なものだと考えてきたんだ。だから、それを壊すようなことが起こると、悲嘆にくれる時期がある。それに加えて、Brexit、不安の増大、分裂など、当時の世界で起きていたことが加わって、足元から完全にカーペットか引き剥がされたように感じたんだ。俺の歌詞のほとんどは、かなり暗いところから始まっていると思う。まあ創作をしているときのモチベーションには本当に悲しかったり、怒ったりすることが必要なんだろうな。それは必ずしも健康的なことではないけど….とにかく、俺たちの基盤が変化し、社会がひねくれていると感じたんだ。」
“A Celebration of Endings” は “強制された変化” をさまざまな角度から探るレコードだと言えるのかもしれません。”North Of No South” で世界の指導者たちを “嘘つき、クソ独裁者” と非難し、”Opaque” では Simon の創作意欲を削ぐ音楽のビジネスのフラストレーションを拾い上げました。
「これまでは暗いレコードだよね。俺に光が差し込むのは、たいていしばらくしてからなんだ。このアルバムのポジティブさは、自分の代わりに何かをしてくれる人はいないということに気付いて生まれたんだ。」
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SHANE MCCARTHY OF WAYFARER !!
“Thematically We Wanted To Make Something That Ties Into Where We Are From. We Are From Colorado, Which Was At One Point a Frontier Territory On The Expanding American West. That History, And The Legends That Come With It Are Sort Of Ingrained Here And We Have Grown Up With Them.”
DISC REVIEW “A ROMANCE WITH VIOLENCE”
「自分たちがどこから来たのかということを意識したものを作りたかったんだ。俺たちはコロラド出身で、ここはアメリカ西部の開拓地だった。その歴史と、それに伴う伝説がこの地に根付いていて、俺たちはそれを背負って育ってきたんだから。」
アメリカ西部の土には血が染み込んでいます。何世代にも渡り、赤土や山や平原の埃にも。植民地支配者の手によって原住民から流れ落ちた血潮は、そのままアメリカ西部を赤く染め上げたのです。それは発展でも運命でもなく、古代の文化や土地を冷酷に搾取した虐殺でした。
「西部のイメージに浸透している貪欲さや暴力の誘惑を描くことが目的だったと思う。それはすべてが魅力的に見えて、ある種の優雅さを持っているんだけど、俺たちはこのアルバムでその絵を描きつつ、それを取り巻く闇を掘り下げたいと思ったわけさ。」
アメリカ創世の神話には二つの大きな傷があります。奴隷制とそして西部開拓の名の下にネイティブアメリカンの土地と生命を奪ったこと。残念ながら、アメリカの西部進出から1世紀半が経過しその比較的短い時間の中で、闇を闇へと隠蔽する機運はますます強まっています。
コロラド州デンバーの WAYFARER にとって、アメリカーナとウェスタンフォークを散りばめた彼らのエクストリームメタルは、自らの場所に宿る歴史の捻じ曲げ、溶解に抵抗する手段とも言えるのです。
「俺は北欧の音楽や文化を楽しんでいるけど、アメリカ人としては北欧神話をテーマにしたアルバムを書いたり、それを自分たちのイメージとして取り入れたりすることはできないような気がするんだ。だから、彼らとアプローチは似ているんだけど、俺らの祖国の歴史や伝説、そしてこの場所の代名詞とも言える音楽からメタルを創造しているんだ。」
“フォークメタル” という言葉は、例えば、アンティークの木製楽器をメタルに持ち込み、ヴァイキングの夜会を再現する音景をイメージさせます。ただしこのジャンルの起源と本質は、その国の民族史をメタルサウンドで探求することにあるはずです。アメリカにも、血と煙と混乱に満ちた豊かなフォークの歴史があり、そして2020年にそれを最も深く探求しているバンドは間違いなく WAYFARER でしょう。
「映画のようなクオリティーを目指していた。バンドが様々な要素を混ぜ合わせて、キッチュなギミックのようなものを生み出すのは簡単なことだからね。もっと純粋な方法でアプローチすることが重要だったんだ。」
実際、彼らの最新作 “A Romance With Violence” は、アメリカ西部の血なまぐさい歴史を映画のように描き出し、勧善懲悪の善と悪を入れ替えながら、その真実を葬り去ろうとする企みに贖い痛烈に暴露しています。
カウボーイのラグタイムで幕を開ける “The Curtain Pulls Back” でサルーンの情景を映し出した彼らは見事にレコードの映画的なトーンを設定します。
“The Crimson Rider”、”The Iron Horse” で、ガンマンや無法者、大陸横断鉄道の出現について真実を伝え、10分間のフィナーレ “Vaudeville”では、暴力と偽りの希望を煽った貪欲と野心、つまりマニフェストデスティニー時代の現実を鮮明に映し出すのです。DREADNOUGHT の Kelly Schilling、KRALLICE の Colin Marston のゲスト参加もアルバムのストーリーを完璧に補完していますね。
「この時代は君を引き込む世界だけど、同じように簡単に君を堕落させ、内面まで曝け出させる。」
世界中に知られるアメリカの象徴となったカウボーイの原型が、この巨大な国の過去の非常に辛辣で、悲惨で、恐ろしい出来事とどのように関連しているのか。WAYFARER はさながらエンニオ・モリコーネとメタルのいいとこ取り、文字通り暴力とロマンスの対比によって、その難題を如実に描き切ってみせました。
西部開拓はもちろん、ヴァイキングや世界大戦の血生臭い暴力をロマンに変えた、人工の汚れたカーテンを一枚一枚剥ぎ取っていくように。美しい歴史の絵画には必ず血の匂いが添えられているのですから。
今回弊誌では、ギター/ボーカル Shane McCarthy にインタビューを行うことが出来ました。「Red Dead Redemption との比較は公平に思えるね。西部劇のサブジャンルに取り組んだ、近年ではよりメジャーなメディアリリースの一つだからね。」 どうぞ！！
WAYFARER “A ROMANCE WITH VIOLENCE” : 10/10
INTERVIEW WITH SHANE MCCARTHY
Q1: Could you start by telling us how you came to marry metal with the American Wild West?
【SHANE】: It’s something we have been building towards over our time as a band, as our sound has kind of progressed to include the influence of Gothic Country and Americana, but we are still a metal band. It has been important to us that those element work together, and are ingrained into every bit of the sound – not thrown in as a gimmick. Thematically we wanted to make something that ties into where we are from. We are from Colorado, which was at one point a frontier territory on the expanding American West. That history, and the legends that come with it are sort of ingrained here and we have grown up with them, so it seemed something compelling for us to dive into. Also, I have always had a deep interest in films like those of Sergio Leone that flesh out this mythology on screen in a fascinating way. These are things we wanted to carry over into the feel of our music, to make something truly American, and exploring the history and myth of the west.
Q2: Generally speaking, when we think of folk metal, we think of Vikings and Norse mythology, but your metal, reflecting the light and shade of American history, is another kind of folk metal, isn’t it?
【SHANE】: Yes, I think that’s definitely accurate. The crossing of folk and metal over the years has taken a lot of different forms, some of it is kind of sillier and more low-brow, and some deeply ingrained and interesting. For us, we approach it from our own cultural background – the influence of the folk music of the place we are from, and the subject matter as well. As Americans, I feel like we would have no place writing albums about Nordic mythology or adapting that as our image, despite enjoying some of that music and culture. So we are taking a similar approach, but from our own homeland’s history and legend, and the music that is synonymous with this place.
Q3: But I think that when we portray history and tradition in metal in this way, it tends to be gimmicky and fake. But your album is as real and sincere as a film, would you agree?
【SHANE】: I am glad to hear you say so! That’s certainly more toward what we were going for with the album. It’s as much about “the western” as it is about the west, and we wanted it to have that cinematic quality and come off as a big bloody western film in itself, all the while kind of pulling back the curtain on the blood and dirt on the hands behind it. So I am glad it has come off this way, as yes it is too easy for bands to mash together different elements and make it a kitsch-y gimmick sort of of thing. It was important to us to approach it in a more genuine way.
Q4: The world of Red Dead Redemption may be similar to the world of A Romance With Violence. Have you played that game?
【SHANE】: Ha, I have seen the memes! But yeah the comparison seems fair, its one of the more major media releases tackling the western subgenre of late. I haven’t really played the new game aside from trying out the opening couple hours. But I played the first game in the series many years ago. I would like to give it a proper try some time, video games just aren’t often my entertainment of choice.
Q4: ゲーム、Red Dead Redemption と “A Romance With Violence” の世界観には通じるものもありそうですね？あのゲームはプレイしましたか？
Q5: It was a world where violence was kind of the norm. Was it your aim to contrast that dark side with romance?
【SHANE】: I think the aim was to paint the seduction of the greed and violence that pervades the image of the west. It’s all made out to be so appealing, and have some kind of elegance about it in its own way, and we wanted the album to paint that picture, while also delving into the darkness surrounding it. It’s a world that pulls you in, but will just as easily corrupt and spit you out. The album puts this all in the light of a performance, or a film, and covers the archetypes associated with it.
Q5: 西部開拓時代は、ある意味暴力が日常で、当たり前に存在する世界だったと思われます。”A Romance With Violence” ではそのダークな日常と、また日常のロマンスを対比させる意図があったのでしょうか？
Q6: This year, the United States seems to have seen further divides in the Corona and BLM. Some people seem to think that the origins of this are in the Wild West. What’s your perspective about that?
【SHANE】: It’s been a strange year. And while these things you bring up are global issues, the way the United States has handled them may speak a bit more to the country’s character. I haven’t heard the comparison drawn much myself, but I guess the “get what’s mine no matter the cost to others” does trace back to the time of expansion, and the genocide that took place in it’s name. That certainly reflects the despicable racism and greed that still unfortunately flourishes today, and why protests for the lives, rights, and respect for people from so many races are still necessary today.
Q7: There is something darker and spiritual in American folk music like, country, blues and Americana, and black metal seems to resonate wonderfully with this. For example, Zeal & Ardor also seems to be exploring that dark place as much as you are. How about that?
【SHANE】: There is a certain darkness to a lot of it, I agree. This has always drawn us in, we are heavily influenced by bands like Wovenhand, Munly and the Lee Lewis Harlots – legendary bands from Colorado that explore that side of American music. And yes we are not the only ones to see the parallel and the natural fit with certain sides of metal. I think it works when done with care, and it’s interesting. As far as Zeal and Ardor – I had heard the self titled album when it was released and was really into parts of the record, especially the parts that presented that crossover. But it was a little all over the place as an album to me – and I was surprised to leard that the man behind it was actually operating out of Switzerland! I should probably dive into their newer output and check that out as well though, certainly seem to be some interesting ideas on display.
【SHANE】: たしかに、アメリカのフォークミュージックの多くにはある種の暗さがあると思うよ。俺らはいつもそこに惹かれてきたんだからね。俺らは WOVENHAND や MUNLY, Lee Lewis Harlots といったコロラド出身の伝説的なバンドから多大な影響を受けているんだ。そして、メタルのある側面と平行してアメリカンフォークを自然にフィットさせているのは俺たちだけじゃないからね。注意を払ってやればうまくいくと思うし、面白いよ。
ZEAL & ARDOR に関しては、セルフタイトルのアルバムがリリースされた時に聴いたんだけど、このアルバムの一部、特にクロスオーバーを提示している部分にとても興味を持っていたんだ。ただ、アルバムとしてはちょっと全体的にまとまりがない感じがしたね。このアルバムを作った人が実はスイスで活動していて驚いたよ！俺は彼らの新しい作品に飛び込んで、それもチェックしてみるべきかもね。面白いアイデアがいくつか出てきそうだから。
Q8: I feel that Pantera, especially in the later years, brought a lot of the American history to metal. What do you think of them?
【SHANE】: Well, they certainly have that Texan spirit, for better or worse heh. I think with them it was largely aesthetic, but there was a bit of the attitude fused in the music as well. It’s pretty far from what we are doing, but I grew up on that band and still have a love for some of those albums. Not everyone in the band can agree on that though, hahaha!
It is a dream of ours to come and play in Japan. We hope the circumstances will arise where this is possible, as we have always wanted to visit and would be more than honored to play for a Japanese audience!
ゴーストの物語は、フロリダ州レイクワースから始まりました。パームビーチから南に8マイル、サンシャインステートの郊外に広がる小さな町。ただし、Eric の記憶は父親の影によって暗く沈んでいます。
Eric が生まれる直前、ニューヨークからこの地に転勤した血液技師の父親は、Eric が4歳の時に交通事故で負傷し、それ以来ソファーと杖に拘束されていました。そうしておそらくはその苦境、その結果としてのオピオイド依存症が父親による Eric への支配を引き起こしたのです。Eric はその “暴君のような、ヘリコプターのような親” の複雑な記憶を歌詞の中で 「巨大な手を持った大きな怖い男たちが、僕の胸に指を突っ込み、何をすべきか命令した」と鮮明に振り返ります。
町の下層中流階級で育った Eric の青春は目立たないものでした。アメフトの男らしさも、オシャレへの努力も、行動的になることも、喉の奥で抑圧されていたからです。
「僕はとても内向的だった。友達も全然いなかったしね。学校じゃ、クールなブランドなんて身につけない子供さ。自分以外の何かになりたい、学校以外の何かをやりたい、ここ以外のどこかに行きたい、彼ら以外の誰かといたい、そんな圧倒的な衝動に駆られた10代だったな。いつも本当の自分との折り合いをつけようとしてるんだ。」
17歳の時に父親を亡くしたことが、Eric の感情的地滑りの引き金となりました。「ソーダのボトルを振ってキャップを開けたようなものさ。」
高校卒業後についた営業職で高額な年俸を得ていた Eric ですが、結局、閉所恐怖症のオフィスは彼が夢見ていた人生ではありませんでした。最初の逃避先はハードコアパンクでした。
「NEMESIS でギターを弾き、スラッジメタル SEVEN SERPENT ではドラムを叩いた。それで楽器のマルチな技術と友情が培われたんだ。今でも僕のキャリアには欠かせないものだ。家のようなものだったんだ。」
スピリチュアリティと仏教も Eric の閉ざした心を開かせました。ハーメティシズムと20世紀初頭の書物キバリオンの発見が彼を突き動かしたのです。
「それは宗教だけど、本当に科学に基づいている。僕にとって宇宙物理学は究極のスピリチュアリティなんだ。何より、僕たちが宇宙の中心じゃなく、もっと大きな存在の証を証明してくれるからね。僕にとって、別の領域への逃避でもあったんだよ。間違いなく今、世界は燃えている。ただ、世界には3つのタイプの人がいてね。僕は世界を売った人でも、世界を燃やした人でもない、ただそれを報告するためにここにいるだけなんだ。」
父親からもらった Dr.Dre の傑作 “The Chronic” を除いて、Eric のヒップホップな要素はこの時点まで皆無でした。しかし、NEMESIS のフロントマン Sam のレコードコレクションがその領域への道を開いたのです。DE LA SOUL, OUTKAST, HIEROGLYPHICS のようなアーティストの軽妙な創造性はまず Eric を魅了しました。それからメンフィスの大御所 THREE 6 MAFIA, マイアミの RAIDER KLAN のダークなライムを発見し、遂に Eric はヒップホップと真に心を通わせます。
「夢中になったよ。理解するべきは、僕が感じる闇や重苦しさは必ずしもヘヴィネスやラウドネスと同義ではないってことだった。それはね、ムードなんだよ。」
インダストリアルな暗闇とメタリックなエッジ、それに NINE INCH NAILS の不気味さはもちろん当初から明らかに存在していました。ただし、”Anti-Icon” には新たな地平へ向かいつつ自らの精神を掘り下げる、縦と横同時進行のベクトルにおける深遠な変貌が見て取れます。2年というこれまでにない長い制作期間はその証明でもありました。
「多くのことを経験してきたよ。人生で最も変革的な時期だった。僕は自分の中にあるクソを全部取り出して作品に投影したんだ。みんな僕を羨んでいるけど、正直正気を保って自分が何者か忘れないようにすることに苦労してるから。」
“Anti-Icon” へのヒントは Eric の多種多様なサイドプロジェクトにありました。
“アンチ・ミュージック” と呼ばれるノイズプロジェクト GASM は、拷問のような不安感に苛まれていましたし、SWEARR の叩きつけるようなエレクトロは束縛なき陶酔感の中で脈動していました。BAADER-MEINHOF の生々しいブラックメタルは刃をつきつけ、GHOSTEMANE ブランドでリリースした 2019年ハードコアEP “Fear Network” は闘争、そのダークなアコースティックカウンターパート “Opium” は絶対的な虚無感を捉えており、そのすべては “Anti-Icon” への布石とも取れるのですから。
もちろん、2020年において “Anti-Icon” というタイトルはそのまま、”AI” というワードに直結します。人工知能。近未来のディストピア的イメージは、心を開いた Eric と親の威圧感からくる強迫観念、妄想被害の狭間で揺れ動いているのです。
「オピオイドなんて自分には関係ないと思ってた。中毒者のものだってね。だけど困難な時を経験した人なら誰だってそうなり得るんだ。僕はハイになったとさえ感じなくなった。気分が悪くならないように、ただそのために必要だったんだ。」
偽りの愛を繰り返し嘆く “Fed Up”, 「I DON’T LOVE YOU ANYMORE!」のマントラを打ち鳴らす “Hydrochloride”。疑心暗鬼は怒りに変わり、中毒で盲目となった Eric にとってこれはオピオイドへの別れの手紙でもあるのです。どん底へと落ちた Eric を引き止めたのは、まず父親と同様の行動を取った自身への嫌悪感だったのです。つまり、Eric は大の NIN ファンでありながら、ダウンワードのスパイラルではなく、ダウンワードからの帰還を作品へと刻んだと言えるでしょう。古い自分を終わらせ、新たな自分を生み出す。MVで示した燃える霊柩車は過去の灰。”N/O/I/S/E” からの解放。
「不死鳥は灰の中から蘇るだろ？古い自分を壊し、殺し、そこから新たな人間になるんだよ。」
前作はただ痛みと苦悩を記し続けた作品だったのかも知れません。
「”N/O/I/S/E”をレコーディングした時、僕は自由で真実味のある音楽を作りたかった。言葉は不器用で解釈を誤ることがあって、芸術の無形の資質を損なうものだと思っているからね。僕は自分の脳と骨の中を深く掘り下げて、これまで感じてきたあらゆる苦悩や、自分を含め多くの人に襲いかかるあらゆる惨劇を扱ったアルバムを作ったんだ。”N/O/I/S/E” は独自の言語であり、痛みと哀れみの出血する舌であり、恐怖の遠吠えであり、光や地上の音をすべて見失うほど深いところにある。世界が内側から自分自身を引き裂く音だった。」
“It Was Thus Natural For Us To Try To Describe a Unique Event In Our History That Has Returned, After Almost Two Thousand Years, The Photograph Of a City That Has Remained Crystallized Over Time, To Reach Us Telling Us Stories Of Our Distant Ancestors”
“We All Grew Up Loving BTBAM And While We Never Sit Down And Attempt To Write Anything That Sounds Like Them, Their Philosophy Of Letting a Song Take Any Twist Or Turn That It Wants Is Certainly Present In Our Music. If Anything, Our Bands Are Most Similar In Our Liberated Attitude Toward Writing Music.”
DISC REVIEW “THE ANGEL OF HISTORY”
「ポストメタルは間違いなく僕たちのサウンドの大きな部分を占めているね。たしかに完全にポストメタルとは呼べないかもしれないけど、でも同時に、完全にプログレッシブメタルとも呼べないかもしれないよね。」
音の革新は、概しておぼろげであやふやな秘境に端を発します。プログレッシブメタルコアをアステカの魔法とカオスで異次元へと導いたトリックスター、VEIL OF MAYA に見出された NYC の海獣 CRYPTODIRA は、その名の通り深海で数万年もの異種族交配を繰り返したモダンメタルモンスターです。
「僕らはみんな BETWEEN THE BURIED AND ME を愛して育ったからね。楽曲を自由自在に捻くれさせる彼らの哲学は、僕らの音楽にも確かに存在しているんだ。どちらかと言えば、僕たちのバンドは彼らと、音楽を書くことに対する自由な姿勢が最も似ているんじゃないかな。」
BTBAM の名作群を手がけた Jamie King をプロデューサーとして迎えたように、たしかに CRYPTODIRA は難解と容易、混沌と明快、暴虐と安寧、激音と静謐の狭間に巣喰いながらメタルの荒唐無稽を自由自在に謳歌しています。
「彼はとてもオープンマインドなプロデューサーで、僕たちのアイデアをより商業的にに手なずけようとするのではなく、可能な限りクレイジーなことをしてサウンドに自分たちの息を吹き込ませるよう促してくれたんだからね。」
実際、マルクス主義、精神分析、フェミニストやポストコロニアル理論など人類史におけるテーマを哲学的な視点から俯瞰し、理想と現実の狭間を示唆する “The Angel of History” は、常軌を逸したメタルの歴史書だと言えます。プログ、ポストメタル、ハードコア、デスメタル、スラッジ、マスコア、ジャズの豊潤なるアマルガムは、深海で熟成されためくるめくテクニックや多彩な歌唱スタイルで人と音の歴史を投影するのです。それは万年海獣のみに許された秘法。
もちろん、”Dante’s Inspiration” を聴けば、瞬きと同時にテンポや拍子が移り行く THE DILLINGER ESCAPE PLAN の数学が、千変万化な歴史の授業に欠かせない教科書の一つであることは揺るぎません。ただしその一方で、ポストメタルの申し子は嫋やかで美麗な対比の魔法を忘れることはないのです。それは歴史に宿る儚さでしょうか。
“Self-(Affect/Efface)” で “Alaska” のような精神病的グロウルが高らかなクリーンボイスに磨き上げられる瞬間、”The Blame For Being Alive” で Pat Metheny がオルタナティブやデスメタルに蹂躙される瞬間、天使とのデュエット、”The White Mask Speaks” に宿る荘厳なポストメタルのシネマトグラフィー。あまりにドラマティックな場面転換はさながら猫の目のごとく。リスナーは予想不可能なメタルと人類の未来に幾度も思いを馳せるはずです。
今回弊誌では、CRYPTODIRA にインタビューを行うことが出来ました。「日本のアーティストは、様々なジャンルを日々聴いているよ。ちょっと頭に浮かんだだけで、toe, Tricot, Mouse on the Keys, Passepied, ゲスの極み乙女, Indigo la End, 水曜日のカンパネラ, Snail’s House なんかをよく聴くよ。」 どうぞ！！
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH GUILLAUME CAZALET OF NEPTUNIAN MAXIMALISM !!
“The Idea Comes From The Fact That a Scientific Community Agrees That If Humans Had Not Occupied The Leading Place In The Food Chain, Then Probably It Would Be The Elephants Who Would Occupy Our Place.”
DISC REVIEW “EONS”
「もし人間が食物連鎖の頂点を占めていなかったとしたら、おそらく象が我々の場所に位置するという科学的なコミュニティも同意した事実から来ているんだけどね。」
叡智を育むゾウの生命に支配される地球の風景。避けがたきホモ・サピエンスの破滅を受け継ぐポスト・ヒューマンの存在。それはベルギーの実験音楽集団 NEPTUNIAN MAXIMALISM が思い描くディストピアな未来です。
「マキシマリズムという概念は、芸術の歴史に直結しているよ。それはまず、無駄を省いたミニマリズム（”less is more”）への反発であり、20世紀の現代美術に強い影響を与えた工業生産コードの回復が、アート市場の堕落を許したことに起因しているんだ。つまり、今日のアートが直面しているこの人間原理、アントロピアに対抗するためには、逆の意味を喚起する何かが必要だったんだよ。それは、現在の市場にある多くの芸術作品が示す安易さに反発して、より多くの仕事、より多くの音楽的レイヤー、さらなる寛大さへと向かうことが必要だったのさ。」
ミニマルな機能美が崇拝された20世紀へのアンチテーゼとして最大限の趣向、装飾、音数が注がれた3枚組2時間超のアルバム “Éons” は、儀式的なドローンのファンファーレで壮大な終末を手招きし、他の動物が高度な知性を得る未来への招待状。海王星の最大主義者を名乗る集団は、宇宙線に魂を貫かれ、自らの分子が散乱し、宇宙の広がりに飲みこまれるような体験を当然のように提供します。
「”サピエンス” という地位に到達するための動物の能力に気づいて欲しかったからなんだ。
言い換えれば、動物は潜在的な “人間” であり、そうなるのも時間の問題なんだ。だからこそ、僕たちは動物を対等な存在として考えなければならないよね。人間が進化の過程で非常にユニークな存在であると考えるのは間違いだと判明している。進化の過程が非常に長く（ホモ・サピエンスでは約３０万年）、他の種でそれを観察する時間がなかったからわからなかっただけなんだよ。」
人類は特別な存在ではない。ただ他の動物より早く進化を遂げただけ。その主張と同様に、NEPTUNIAN MAXIMALISM の音楽は前人未到です。メタルとドローンの領域に足を踏み入れ、前衛ジャズの混沌とした自由を謳歌し、トライバルで異質な触手を持つこのグループのサウンドは、連続的な渦巻きの宇宙的ハイブリッドというべきものかも知れませんね。
もちろん、メタル世界は過去40年の間にジャズの血脈をしばしば取り入れてきました。CYNIC のコズミックなプログレッシブデス、PANZERBALLETT の迷宮と技巧、SHINING の異端。しかしかし、”Éons” はそんなユニークなアプローチの末裔というよりも、劇的な再解釈であると言えるでしょう。ジャズメタルではなく、ドゥームジャズでもなく、むしろ神秘的でオリンポス火山のようなドローンノワール。
「最初、僕とルチアーノ（I、Voidhanger Records）は金子富之のこの作品にすっかり惚れ込んでしまったんだ。そのサイケデリズム、配色の多さ、複雑さ、空間の彩度などなどにね。僕たちの音楽に響くものがたくさんあったんだよ。特に怒りに満ちた複数の顔と犠牲になる牛の頭は、確かに我々の宇宙論と関係があったんだよ。」
“大威徳明王の大太鼓” でバーストするサックスの嘶きは、しなやかな即効性と強度を持って終末の儀式を開き、脈動するバリトンは渦巻く炎の中心で静かに輪廻からの解放を誘います。それは、128分の広大で予測不可能な宇宙の凛とした箱庭。
「ジャズかメタルかだって？それは君たちが考えることだよ。まあ僕にとっては、ヘヴィートライバル、時々はオペラドローンと言えるかな。」
世間一般の定義では “メタル”ではありませんが、NEPTUNIAN MAXIMALISM は、あらゆるジャンル、あらゆる意味での重力とヘヴィネスを想起させる絶対的に巨大なブラックホールを生み出しています。
“NGANGA – Grand Guérisseur Magique de lre Probocène” のひりつくようなグルーヴ感とリズム感、”PTAH SOKAR OSIRIS – Rituel de l’Ouverture de la Bouche dans l’Éon Archéen”ではミニマルなドゥームメタルの轟音にホーンが虹彩のカウンターポイントを与え、”ENŪMA ELIŠ – La Mondialisation ou la Création du Monde. Éon Protérozoïque” に至ってはカルトなジャズメタルの生け贄をサイケデリックなラーガロックへと再構成しているのですから。
SUN RA, John Coltrane, EARTH, SUNN O)))、クラウトの化身 EMBRYO, それにインドやアラブのフォークミュージック。”Éons” で想像される世界は、たしかに基本的にはどんなメタルバンドにも備わる暗黒のビジョンであり、荒涼としたファンタジーに満ちています。 しかし、NEPTUNIAN MAXIMALISM のアポカリプスはスピリチュアルで感動的、そして美しく混沌としていて、著しく奇妙なのです。
今回弊誌では、 バリトンギターからシタール、フルート、トランペットと音の自由を謳歌する Guillaume Cazalet にインタビューを行うことが出来ました。「進化したゾウは、彼らの黄金時代の間に動物の太陽都市（HELIOZOAPOLIS）を建立しているんだ。クローサーは、完全な静けさの中で僕たちの有限性を喚起するグループ BONG の歌のタイトルから取られているよ。僕たちの後継となる世界は美しいものになるからね。」 どうぞ！！
“We Agree That There Are Not Many Women Seen In This Particular Genre Of Music, But There Is, Without a Doubt, a Vastly Overlooked List Of Women Pioneering The Genre With Amazing Talent, And Doing a Lot For Metal And Rock Music As a Whole.”
DISC REVIEW “LIMBO”
「このメタルという特定の音楽ジャンルに女性があまりいないことには同意するけど、このジャンルを開拓し、素晴らしい才能を持ち、メタルやロック音楽全体のために多くのことを成してきた女性は、間違いなく大きく見落とされているわね。Hayley Williams (PARAMORE) みたいなボーカリストや、素晴らしい友人 Adrienne Cowan (SEVEN SPIRES) , Elizabeth Hull がいなければ、今のような自信を得ることはできなかったと思う。そしてもちろん、母である Sandy Casey の指導と助言がなければ、私はどこにも居場所がなかったでしょうね。彼女は私の人生に影響を与えてくれた、最も刺激的なシンガーよ。」
ロックやメタルの世界における女性の躍動は、間違いなく21世紀におけるメジャーなトピックの一つです。ただし、その開拓には古くはジャニスにスージー・クワトロ、アニー・ハズラムから、アンネケ、ターヤ、エイミー・リーまで、ゼロから土壌を培った幾人もの献身が捧げられています。Casey Lee Williams の母 Sandy Casey もその一人。そうして今、引き継がれた遺産はプログメタルの世界を変革へと導きます。
実は、Casey はすでに有名人です。あの全世界で1億再生以上を記録し第8シーズンまで継続されているモンスターコンテンツ、大ヒット3DCGアニメ “RWBY” のサウンドトラックでメインシンガーを務めているのですから。それだけではありません。彼女の父は Jeff Williams。”RWBY” シリーズのコンポーザーで音楽監督。母との共演もそのサウンドトラックで実現。サラブレッドの血と才能は、そうしてさらなるアーティスティックな飛躍を求めました。
「最初のリハーサルの時から、彼女はこのプロジェクトに参加したいと思っていたし、非常に複雑だけど美しい音楽の上に歌を乗せるという挑戦を受け入れたいと思っていたんだ。」
バークリーの知的な複雑怪奇と、アニメの甘やかな表現力。昼と夜、二つの異世界が出会う逢魔時にはきっとこの魔法の言葉が似合います。OK, GOODNIGHT。
「アルバムのコンセプトは、奇妙な扉が開かれ、地球を荒廃させ、誰でも何でも破壊する異世界の巨人がやってきたような巨大な黙示録の中で生き残ろうとしている若い女の子を中心に展開しているよ。」
デビューフル “Limbo” でバンドが語るのは異世界からもたらされた辺獄のストーリー。幼い頃から日本の文化やアートを愛しアニメを見続けた異能のギタリスト Martin と、映画のサウンドトラックを養分とする鍵盤奏者 De Lima、そして “RWBY” で近未来の理不尽な御伽草子を紡ぐ Casey が交わるにはあまりに完璧な舞台です。
「アトモスフェリックなサウンドとピアノを、大きな作品の一部として使用することで、リスナーの心を掴み、より集中して聴くことができるようになると思う。ヘヴィーなギターリフと優雅なテクスチャーの並置は、このバンドのサウンドの大きな部分を占めているよ。」
ストーリーへの没入感を加速する対比のダイナミズムと、メタルとサントラのマリアージュが投影を加速する音映像。もちろん、その難題はバークリーのカラフルなテクニックと、Casey の伸びやかでムード満載な歌声によって実現されていくのです。
クラッシックやジャズ、ポストロックのキメラさえ基本。ここには PROTEST THE HERO も、DREAM THEATER も、PLINI も、RADIOHEAD も、ほんの少しの Djent も、CASIOPEA のようなジャパニーズフュージョンだって、それにアニメのイントロやアウトロのドラマティシズムまでもが繊細に大胆に織り込まれているのですから。最新 EP “Under the Veil” の幕引きに流れる Casey の気高きソプラノは、20年代プログメタルの辿る道をほんのりと照らしているのかも知れませんね。
今回弊誌では、OK GOODNIGHT にインタビューを行うことが出来ました。「僕たちは皆、好きな音楽や音楽を演奏するようになった経緯が全く違っていて、それがアーティスティックな選択にも表れていると思うよ。それに、長所と短所もそれぞれ違っているよね。」どうぞ！！
