EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH KRILLI & INGI OF POWER PALADIN !!
“Iceland Is Our Home, To Us , Our Landscape Is Mundane. Weirdly, We find Landscapes And Environments That Others Would Consider Mundane – Big Cities, Flat Plains, And So On – Quite Exotic And Inspiring!”
DISC REVIEW “WITH THE MAGIC OF WINDFYRE STEEL”
「パワー・メタルはすべてがファンタジーの世界だから、アイスランドの火山や氷がインスピレーションと思われがちだけど、実はそうじゃないんだよね。アイスランドは僕らの故郷で、僕らにとっては平凡な場所なんだよね。だから不思議なことに、他の人が平凡だと思うような風景や環境 – 大都市や平坦な平野など – が、とてもエキゾチックで刺激的だと感じているんだよ」
光と陰の広々としたポストロック、感情的でアトモスフェリックなブラックメタル、伝統にひねりを加えたフォーク・ロックといった音景色はすべて、スカンジナビア最西端に位置する火山と氷の荒涼としたアイスランド、その地形と違和感なくつながります。では、魔法にドラゴン、賢者でありながら剣を振るうパラディンが登場するパワー・メタルはどうでしょう？
極限の自然環境もファンタジーには不可欠、そう思われがちですが、この国で唯一のパワー・メタラー POWER PALADIN はむしろ、自国にはない大都市や平坦な平野からインスピレーションを受けています。彼らにとっては平凡こそが非日常だから。結局、創造の源は人それぞれ。出自はすべてではありません。そうして私たちにとっては当たり前の光景から啓示を受けた新鋭の描き出す音楽は、完膚なきまでに非日常のファンタジーとなりました。
「ライブを始める前にファンタジックな格好をするようなバンドになったらどうかという話もあったんだけど、最終的にそれはやめて、もっとリラックスしたメタルのアプローチでステージ衣装を選ぶことにしたよ。ステージに小道具を持ち込むことはあるけど、おそらく僕たちがあの “ドレスアップ・ゲーム” に参加するようなことはないだろうな」
パラディンとは、勇気と決意を魔法に託し、不屈の魂で業物まで振るう文武両道の勇士。メガギルド Nuclear Blast の OB が立ち上げた新ギルド Atomic Fire の先頭に立ち剣を高々と振り上げたのは、他ならぬレイキャビクの POWER PALADIN でした。弦張斧と鍵盤弓で武装した6人の高貴な戦士たちは、メタル背教者をなぎ倒しつつ、まもなく何十万ものメタル・ソルジャーをその背後に従えていくはずです。なぜなら彼らは見た目や出自よりもっと重要なものを心得ているから。真の文武両道はその精神こそ清らかです。
「僕は MEGADETH や METALLICA みたいなスラッシュ・メタルや PINK FLOYD のようなプログ・ロックで育ったから、今までもこれからも僕の曲作りにはそういった音楽が大きな影響を与えるだろうね。僕と Atli と Bjarni Egill はグラム・ロックのカバー・バンドで一緒に演奏していたから、その時代からの影響もあるだろうね」
メタルのバトル・フィールドはやはり音楽です。当然、POWER PALADIN の根幹をなすのは勇壮無比なパワー・メタル。DRAGONFORCE を想起させるシュレッドの宇宙で絶世のボーカリスト Atli Guðlaugsson が内なる Kiske と交信する “Righteous Fury” や、炎以前の RHAPSODY の如くタンデム・ギターが駆け巡る “Ride The Distant Storm”、ミッドペースの重圧 (ハンマー・フォール) に拳を突き上げざるを得ない “Evermore” など、”With The Magic Of Windfyre Steel” にはパワー・メタルに求められる要素すべてが詰まっています。GAMMA RAY や BLIND GUARDIAN が醸し出した、90年代初頭のエッセンスが各所に散りばめられているのも嬉しい限り。
ただし、POWER PALADIN は、パワー・メタルの先人たちが育んだ優れた音片を無機質なモニュメントへと単純に貼り付けたコピー・キャットではありません。DOKKEN と見紛うばかりの絢爛なコーラスと美麗なメロディーが疾走する “Kraven The Hunte” こそ彼らが特別な勇者である証。”Dark Crystal” のメロパワとは一味違った北欧的クリスタルなセンス、”Into The Forbidden Forest” のプログレッシブな展開、”There Can Be Only One” のオリエンタルなハイトーン・マジック、そのすべてが彼らの強烈な個性として爆発的な扇情力と共にリスナーを多彩な異世界へと連れ去るのです。最後の飾りつけは RPG の音細工。
今回弊誌では、ベーシスト Krilli とギタリスト Ingi にインタビューを行うことができました。「日本のものも含めて RPG にはかなり影響されているね。実際、”Righteous Fury” のソロの直前には “ゼルダの伝説” へのオマージュが込められている」どうぞ！！
POWER PALADIN “WITH THE MAGIC OF WINDFYRE STEEL” : 9.9/10
INTERVIEW WITH KRILLI & INGI
Q1: When I think of Iceland, I think first of Sigur Ros and Bjork, and then of the soccer player Eiður Smári Guðjohnsen, haha. Even in metal, there are bands like Sólstafir that are more atmospheric than technical and heavy, aren’t there? Why did you guys decide to pursue Power metal in Iceland?
【KRILLI】: I don’t really think our location had anything to do with it. We simply love power metal, so we made power metal. There certainly aren’t many other power metal bands in the country, though – We are the only active one at this time!
【INGI】: There are many atmospheric bands here for sure, and you can hear that from the black metal scene especially but we do have some very technical bands as well like Ophidian I and Cult of LIlith! Those guys play with a technicality that outshines most.
【INGI】: たしかに、アイスランドにはアトモスフェリックなバンドが多いよね。特に、ブラックメタルのシーンはそういった傾向にあるんじゃないかな。でも同時に、OPHIDIAN I とか CULT OF LILITH みたいなめちゃくちゃテクニカルなバンドも存在するんだよね。あの人たちはホント、他の人たちを圧倒するようなテクニカルなプレーをするんだよ！
Q2: But When I think of Iceland, I think of nature, both harsh and beautiful. It also fits in with your fantastic worldview. How does a world surrounded by volcanoes and ice influence your music?
【KRILLI】: I don’t think it does. Power metal is all about the fantastical. Iceland is our home, to us it is mundane. Weirdly, we find landscapes and environments that others would consider mundane – Big cities, flat plains, and so on – Quite exotic and inspiring!
【INGI】: There’s nothing more inspirational for me than forests and trees – we barely have any of that here so like Krilli said, our nature is mundane to us like trees are mundane to people on the mainland of Europe haha. Although I do get some inspiration while driving through the fjords on the east of the country – but mainly it makes me want to write atmospheric stuff – not power metal.
Q3: You’re the first artist to be released on Atomic Fire, right? Why did you decide to sign with this label?
【KRILLI】: It just kind of happened! We sent the album to our friend Þorsteinn, who organizes Wacken Metal Battle Iceland among other things. He sent it to some industry friends, including Markus from Atomic Fire and he wanted to talk to us – Things just kept rolling from there.
Q3: 話題の新レーベル、Atomic Fire 初のアーティストとなりましたね？
【KRILLI】: 気がついたらそうなっていたんだよ! Wacken Metal Battle Iceland のオーガナイザーである友人の Þorsteinn にアルバムを送ったんだ。彼はそれを Atomic Fire の Markus を含む業界の友人たちに送り、彼は俺たちと話をしたいと言ってきたわけさ。
Q4: Anyway, the band name “Power Paladin” is very strong, isn’t it? Why did you choose this name?
【KRILLI】: We were initially named Paladin – When we formed the band back in 2017 there was no active metal band with that name. The name kind of encapsulated the music, I suppose.
When it was time to release the album, another power metal band, from Atlanta in the USA, had released an album under the name – So to avoid confusion we had to change it. We eventually settled on adding something either at the end or beginning of the name, to retain what little recognition we had built up. After trying stuff out Power Paladin just had a really nice ring to it.
Q5: What is the conceptual story behind “With the Magic of Windfyre Steel?
【KRILLI】: There isn’t one, but there are some consistent themes – Heroism, doing what is right, fighting evil, fantasy, and so on. I don’t think that was a conscious decision, we were just playing into the power metal vibe!
Q5: デビュー作、”With the Magic of Windfyre Steel” では、どのようなストーリーが語られているのでしょう？
Q6: I really love the artwork and music of this record. It’s very fantastic and beautiful. Were you influenced by the world of Japanese role-playing games, for example?
【KRILLI】: Oh yes, we were influenced quite a bit by RPGs, including Japanese ones. In fact, there is a homage to the Legend of Zelda in Righteous Fury, just before the solo. The artwork is quite wonderful – It was made by the talented James Childs.
Q7: Musically, there are influences of Helloween, Rhapsody, and Dragonforce, of course, but also aspects of hair metal, thrash, and progressive, would you agree?
【INGI】: I grew up on thrash metal like Megadeth and Metallica and prog rock like Pink Floyd etc. so that has and will always have a big influence on my songwriting. Me, Atli and Bjarni Egill also used to play in a glam rock cover band together so there are some influences that followed us from that era!
【KRILLI】: I think our largest influence is power metal from the 90s and 00s – Bands like Blind Guardian, Helloween, Hammerfall, Gamma Ray, Rhapsody, and so on.
Q8: In recent years, Twilight Force and Glory Hammer have become popular for their theatrical stage productions, are you guys interested in cosplay-style productions?
【INGI】: We had the talk about if we wanted to be a band that dressed up in some fantasy gear before shows but ultimately decided against it and opted for a more relaxed metal approach to stage attire. We do sometimes bring props to the stage but we probably won’t ever go all in on the dress up game.
Q8: 近年、パワー・メタルの世界では、TWILIGHT FORCE や GLORY HAMMER のようなシアトリカルなステージング、プロダクション、衣装が人気ですよね。
あなたたちは、ああいった “コスプレ的な” パフォーマンスに興味はありますか？
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NIKITA KAMPRAD OF DER WEG EINER FREIHEIT !!
“I Somehow Always Wanted To Create an Album About The Night, About Dreams And The World Between Being Awake And Asleep.”
DISC REVIEW “NOKTVRN”
「私はずっとクラシック音楽が好きで、フレデリック・ショパンは私に多くのインスピレーションを与えてくれた作曲家の一人なんだ。特に彼のピアノのためのいわゆる “夜の小品” であるノクターンがお気に入りなんだよね」
ヘヴィ・メタルは昼の音楽でしょうか、それとも夜の音楽でしょうか？ もちろん、カリフォルニアの真夏の太陽の下、ビーチで美女と組んず解れつ大音量で聴くべきメタルも存在しますが、根本的には暗く、重く、憂鬱な夜行性の音楽であることは誰もが認めるところでしょう。夜行性とはすなわち夜と一体になることです。
夜想曲、ノクターンを書くためには、夜からインスピレーションを受けなければなりません。ポーランドのピアニストで作曲家、フレデリック・ショパンは夜を愛し、1827年から1846年の間に21曲の夜想曲を書き連ね、遂にはその超絶技巧の中で人間の心の複雑さにまで到達して表現しました。つまり、彼の “夜の小品” は、ロマン派の理想を華麗に実現し、技巧的研究の中に類稀なる夜のハーモニーとメロディーの融合を提示していたのです。
「レコードを作る場合重要なのは、バンドの文脈における楽器と音の組み合わせだということなんだ。例えば、シンフォニック・オーケストラでヴァイオリンだけを聴くのと同じように、メタルでギターだけを聴いても、全体は理解できない。”Noktvrn” では、ショパンのノクターンなどクラシックな曲との直接的なつながりはないにしても、こうしたクラシック流のアプローチが最近の私の曲作りに大きな影響を与えているんだよ」
5枚目のアルバムとなる “Noktvrn” で、DER WEG EINER FREIHEIT は独自の革命的な道を歩み始めました。ボーカル/ギターの Nikita Kamprad は、クラシックの整合性やシンフォニーが描き出す全体像の美学に影響を受けながら、さらに敬愛するショパンがのめり込んだ “夜” に心酔し、メタル・ノクターンの具現化に向けて全精力を傾けました。
「私はなんとなく、夜について、夢について、起きているときと眠っているときの間の世界についてのアルバムを作りたいとずっと思っていたんだよ」
きっかけは、深夜から早朝に白昼夢として降りてきた “Immortal” という楽曲でした。もし夢の中で作曲ができたとしたら、もし半分眠っている状態で創造的になれたとしたら。朝日がほんの少しだけ顔を出した紫色の部屋の中で Nikita はそんな夢物語を偶然にも実現し、さらに夜のリズムに惹かれていきました。作曲を夜間に限定して行うようになったのも、飽くなき夜音探求のため。そうして、プログレッシブ・ブラックメタルを指標するドイツの賢者は、そのバンド名と同様に自由を渇望し、実験と挑戦のノクターンを完成させました。
「つい数日前、ある人が DEAFHEAVEN も新しいアルバムで私たちの “Noktvrn” と似たようなテーマを扱っていると言ってきたんだ。例えば、早朝に感じる気持ちや、半分眠っているような気分といったものをね」
偶然とは重なるもので、DER WEG EINER FREIHEIT と同様にブラックメタルの世界を押し拡げる DEAFHEAVEN も奇跡的に”青の時間” をテーマとした作品を昨年リリースしています。ただし、音楽的には双方リスクを犯しながらも DER WEG の “夜” の方がより多彩で実験的なのかもしれませんね。
オープニングを飾る “Finisterre II” のアトモスフェリックな音響はアルバムを侵食し、”Monument” のオーケストラアレンジとホーンセクションが妖しくも美しい夜の音を召喚。別世界を醸し出す “Immortal” のフォーク、”Haven” の夢のようなシューゲイズ、”Gegen Das Lichtの徹頭徹尾アバンギャルドなアートロックと、彼らの夜会は迷宮のように深く入り組みながら、混迷の中に人の複雑を描き出します。
「私たちの社会では、メンタルヘルスや心の病気はいまだに過小評価され、話したくないタブーのような問題とされているように感じているんだ。だから私たちがそれについて話さなければ、精神的な病に苦しむ人々の助けにはならないだろうと思ってね」
“Noktvrn” は一般的なブラックメタルとは異なり、人間の心のあり方を投影した作品です。睡眠時や夢を見ている時の脳の働き、パニック障害、幽体離脱体験にフォーカスしたリリックはショパンのように夜で心を哲学して、パズルのピースのようにアルバムの音楽へと寄り添いました。
暗く、孤独で、憂鬱な夜は、だからこそ時には優しい時間にも変化します。遂にマイルドな英語を解禁すると共にクリーンな歌声を解き放ち、実験的なブラックメタルを多層的なハーモニーの輝きで装飾した彼らの新たな挑戦は、まさに弱さや儚さをも抱きしめる夜の包容力をも認めた結果ではないでしょうか。
今回弊誌では、Nikita Kamprad にインタビューを行うことができました。「音楽を書いたり、ライブで演奏したりすると、ほんの一瞬だけど、自由な気持ちになる。言論、プライバシー、宗教などの自由が制限され、しばしば紛争、腐敗、戦争を引き起こしているのを見ると、今の世界にはあまり自由を感じないからね。だから、音楽とこのバンドは、私にとっての “自由への道” であり、好きなことができる安全な空間に逃避する方法なんだよ」 どうぞ！！
DER WEG EINER FREIHEIT “NOKTVRN” : 9.9/10
INTERVIEW WITH NIKITA KAMPRAD
Q1: First of all, what did you think of the Japan tour with Downfall of Gaia in 2018? What kind of place was Japan for you?
【NIKITA】: This was definitely one of the best things we have ever done with the band! The tour was in September 2018, and even though it was a whole week we’ve been to Japan, it’s been only two shows we’ve played, one in Osaka and one Tokyo. We’d really have loved to play more, but unfortunately it wasn’t possible. However, at these two shows we’ve met to lovliest and most welcoming people we have ever met. People say Japan is a very hospitable country and we can only confirm this, as we’ve been treated so nice by the fans, the promoter team, even at the customs when entering the country! It’s been an experience we will never forget for sure and we hope to return one day, of course.
Q1: まずは、2017年に行われた、DOWNFALL OF GAIA との日本ツアーの感想を聞かせていただけますか？
Q2: I think Der Weg Einer Freiheit means The Way Of A Freedom in English, but it’s cool to hear it in German because it has a different feel to it. Why did you choose this name?
【NIKITA】: Yes, the name can be roughly translated to “The Way of a Freedom”, but we’ve never liked any of the translations we came across, as it actually only makes sense for us in German. Writing and playing music live makes me feel free even though it’s just for a short moment. I don’t feel so much freedom in the world today looking at limitations in freedom of speech, privacy, religion etc. which often causes conflicts, corruption and war. Music and this band in particular is my personal “Way of (a) Freedom”, a way to escape into a safe space where I can do whatever I like. In music, writing and art in general I find my very own personal and individual freedom, but certainly every human being has a different view on this. Some love doing sports, reading, cooking, martial arts or whatever. You can find freedom and creativity in many things, you just have to be open and find your own way.
Q2: バンド名の DER WEG EINER EREIHEIT を英語に直訳すると “The Way of a Freedom”、自由への道のりとなるそうですが、ドイツ語にするとまた違ったクールな感覚がありますね？
Q3: As we can see from your band name, you have consistently sung in German. But this time, for the first time, you sang “Haven” in English, also in a high-pitched falsetto, right? Why did you decide to take on this new challenge?
【NIKITA】: “Haven” is a very special song for me, being the first (at least own written) song I sang in English. So this is where it started for me trying to get comfortable singing in another language. I also tried out this very different vocal style, being this falsetto kind of high-pitched clean vocals for the very first time. Eventually, this song turned out to be our favourite on this album, which was very surprising as I wrote this song not having in mind I would actually use it for DWEF. But that makes it so special, also probably because no one would expect a song like this from us.
Honestly I have never really felt comfortable singing clean vocals in German since the German language is mostly a very harsh sounding language – that fits perfectly for the screaming vocals, which kind of get even angrier and even more edged. For clean vocals, however, I had the impression that it sometimes distorts the flow and the melodies a bit, so the idea was using the English language, which in comparison has a smoother vibe to it, thus having a more natural and cleaner flow of the vocal’s melodies. It was an experiment, yes, but I did some demo recordings using English vocals and found out fairly quick that it worked pretty well for me, so I went on and finally did these two songs in English. Of course English is not my mother tongue but I’m speaking English since many many years now and feel safer and safer in this language. Still German lyrics will always remain important to me and I don’t think they will ever vanish from our music, obviously because it’s still my mother tongue and I can express myself the best way through it.
Q4: Speaking of new challenges, I heard that you composed and recorded only at night this time. Why did you do that?
【NIKITA】: For me songwriting and being creative has always been a daytime activity, so switching to a nighttime rhythm for being creative, writing lyrics, recording demos and stuff like that was like a nice twist, something I wanted to try out. We still recorded the album at daytime in the studio, but most of the creative work this time has been done in the night.
Q5: Noktvrn is famous for Fredrik Chopin, are you influenced by his works?
【NIKITA】: I always had a faible for classical music and Frédéric Chopin is one of the composers that inspired me a lot, especially his so-called “night-pieces” for Piano – the Nocturnes. I see music, also metal, rather like an orchestration of different, carefully composed elements/instruments that create a certain image and vibe only when consumed in the whole picture. Working in the studio a lot over the past years I found out that an instrument might sound great and beautiful when played alone, but if you’re doing records what is important is the combination of instruments and sound in the band’s context. If you listen to just the guitar tracks alone, you will never understand the whole, same as you just listen to only the violins in a symphonic orchestra for example. This classical kind of approach influenced my songwriting lately a lot, even though on “Noktvrn” there’s not a direct musical connection to classical pieces like Chopin’s Nocturnes. With the albumtitle I just wanted to pay kind of tribute to the great composer that Chopin was.
Q6: For example, it would be very interesting to be able to compose music while half asleep or in a dream. Did you also do this in an unusual way?
【NIKITA】: Yes, indeed! I somehow always wanted to create an album about the night, about dreams and the world between being awake and asleep. I remember there was one night or rather morning in particular some time in 2019. I got up in the very early morning hours and I was somehow still asleep but also awake and it might sound odd, but in this state of mind the basic structure of the song “Immortal” came to my mind. Like the very basic bassline with the simple drumbeat and actually the whole buildup from the intro, the first verse until the second chorus. It was like half an hour or even an hour when I was lying in bed, the first rays of sun shining through the window’s shades, trying to find a way to my half-opened eyes and filling the room with this kind of purple early morning light – a mood that we also wanted to express through the colours and gradients in the album artwork. It was kinda surreal but interesting to experience that my half-awake mind was apparently able to write a song and I found this experience so weird but also inspiring at the same time that you could say it was the very initial point when I decided to base the whole album theme around the night.
Q7: In terms of lyrics, it’s very different from the usual black metal occult. You also approach the scientific aspects of the human mind, such as how the brain works during sleep, and panic attacks, right?
【NIKITA】: Yes, definitely. However, to be clear about this first: I didn’t have any first person experiences myself but I witnessed different kinds of panic and anxiety attacks with persons being close to me that impacted me to think and later write about this. It was rather the realisation of how much the human body is actually connected to the human mind and how it tries to express itself not through words but through automatic-like body reactions that are hard or often even impossible to keep under control. I have the feeling that in our society mental health/illness is still a very very underestimated topic and like a taboo issue you don’t want to speak about. It won’t help people who suffer from mental illness if we don’t talk about it. I wouldn’t say, it’s not the main lyrical theme on „Noktvrn“, but this awareness sure had some kind of effect on my general thoughts and approaches when writing the lyrics of this album.
Q8: Musically, the shoegaze, folk, and avant-garde aspects stand out this time, right? This year’s release of Deafheaven’s “Infinite Granite” was highly praised, and it seems like your ambitions are somewhere close to theirs. Would you agree?
【NIKITA】: Just a few days ago someone brought up to me that Deafheaven also deals with kind of similar subjects on their new album as we do on „Noktvrn“. Like these very early morning feelings and moods you have, being half-asleep and such. I didn’t know about this and it was funny to realize, since the works for our album were completed months before the new Deafheaven album was actually announced. So it’s crazy that their album and ours seem to be interconnected, although we didn’t know! It’s true that they are one of the bands always pushing the boundaries, now releasing an album without any screams for example. It’s a big risk to do new things like this, because you never want to scare away your fans by doing completely new things. For us, however, it has been important as well to try out new things on „Noktvrn“. I mean, you can still clearly hear it’s a DER WEG EINER FREIHEIT record with all the trademarks people love about us. But with songs like „Immortal“ and „Haven“ for example, we wanted to try out new things, such as using synthesizers and implementing new vocal styles, open new doors for our future as we don’t want to be a band that stands still. We always want to evolve musically, as we evolve as human beings.
【NIKITA】: つい数日前、ある人が DEAFHEAVEN も新しいアルバムで私たちの “Noktvrn” と似たようなテーマを扱っていると言ってきたんだ。例えば、早朝に感じる気持ちや、半分眠っているような気分といったものをね。
DEAFHEAVEN の新作が発表される数ヶ月前に、僕らのアルバムの制作は完了していたから、もちろんこのことは知らなかったし、偶然だけど面白いよね。だから、彼らのアルバムと僕らのアルバムが相互に関連しているように見えるのはクレイジーなんだよ！
確かに、彼らは常に限界を押し広げているバンドの一つで、例えば今、スクリームを一切使わないアルバムをリリースしているよね。このように新しいことをするのは大きなリスクだ。まったく新しいことをすることで、ファンを怖がらせたくはないからね。
同様に、僕らにとっても、”Noktvrn” で新しいことに挑戦することは重要だったんだ。もちろん、これが DER WEG EINER FREIHEIT のレコードであることは明らかだし、僕らが好きなトレードマークもすべて揃っている。でも、例えば “Immortal” や “Haven” のような曲では、シンセサイザーを使ったり、新しいボーカルスタイルを取り入れたり、新しいことに挑戦したかったんだよね。人間としても進化していくように、音楽的にも常に進化していきたいと思っているからね。
FIVE ALBUMS THAT CHANGED NIKITA’S LIFE
EMPEROR “ANTHEM TO THE WELKIN AT DUSK”
LEPROUS “MALINA”
NAGELFAR “HUNENGRAB IM HERBST”
ARCHIVE “YOU ALL LOOK THE SAME TO ME”
DAFT PUNK “RANDOM ACCESS MEMORIES”
MESSAGE FOR JAPAN
Thanks to everyone reading this, picking up a copy or just listening to „Noktvrn“ and generally supporting us in any way! We will always cherish our first visit to Japan and hope to come back as soon as possible. All the best and see you soon!
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CHERI MUSRASRIK & DEREK WEBSTER OF SUCCUMB !!
“Including a Song About The Boxer Rebellion Was a Personal Choice Though It Does Have a Tie To The Album In Its Being Against Westernization And Christianity In Their Rejection Of Ancestor And Nature Deity Worship.”
DISC REVIEW “XXI”
「私には、リアルな部分でとても男性的な面があって、それが演奏するときに姿を現すことは認めるわ。そうやって生の感情や暴力的な態度を表現する自由があることに感謝しているのよ。ただ、ジェンダーを考慮することで私は男性と女性の興味深いダイナミクスを加えることができるわけだけど、だからといってジェンダーを考慮することが常に必要だとは思っていないわ」
人生の選択、クリエイティブな仕事をする上での選択、音に対する選択にかんして、SUCCUMB のボーカリスト Cheri Musrasrik は女性であることに囚われることはありません。それ以上にもはや、エクストリーム・メタル界の女性をめぐる会話は少し陳腐だと言い切る彼女の喉には、性別を超越した凄みが宿り、”The New Heavy” の旗手としてアートワークの中性神のように自信と威厳に満ち溢れています。
「ベイエリアとカナダのシーンから受けた影響を否定することはできない。この2つのシーンに共通しているのは、彼らは常にそれぞれのアートを新しい領域に押し上げる努力をしているということだよ」
超越といえば、SUCCUMB の放出するエクストリームな音像もすべてを超越しています。ベイエリア、カナダというヘヴィな音楽のエルドラドを出自にもつメンバーが集まることで、SUCCUMB は突然変異ともいえる “The New Heavy” を創造しました。洞窟で唸るブラストビートと野蛮なデスメタルから、ハードコアの衝動と五臓六腑を締め付けるノイズまでスラッシーに駆け抜ける SUCCUMB の “エクストリーム” は、最新作 “XXI” においてより混迷の色合いを増し、くぐもっていた Cheri の声を前面に押し出しました。同時に、BRUTAL TRUTH や NAPALM DEATH のようなグラインドコアから、フューネラル・ドゥームの遅重までエクストリームなサブ・ジャンルを網羅することで、遅と速、長と短、獰猛と憂鬱をまたにかける不穏な混沌を生み出すことに成功したのです。
「様々なジャンルのある種のお決まりをコピーペーストするだけでは、あまりにあからさまだし、必ずしも素晴らしい曲作りになるとは限らない。その代わりに、僕たちはそれらの異質なサウンドの間に存在する音の海溝を掘り下げようとしているんだ」
とはいえ、SUCCUMB の “クロスオーバー” は単なる “いいとこ取り” ではありません。だからこそ彼らの発する “無形の恐怖” はあまりに現代的かつ唯我独尊で、基本的はよりアンビエントで実験的なアーティストを扱うレーベル The Flenser にも認められたのでしょう。そう、このアルバムにはリアルタイムの暴力と恐怖が常に流れているのです。その源流には、環境破壊や極右の台頭、世界の分断といった彼らが今、リアルタイムで感じている怒りがありました。
「義和団の乱を選んだのは個人的な選択だけど、祖先や自然の神への崇拝を否定する西洋化やキリスト教に反対しているという点では、このアルバムの趣旨と関係があるのよね。私は太平洋の小さな島の出身なんだけど、その島は恐ろしい宣教師と彼らの間違った道徳によって、固有の文化や習慣の多くが一掃されてしまったの」
アルバムの中心にあるのは、自然や大地を守っていくことの大切さ。アルバム・タイトル “XXI” は21番目のタロットカード “The World” を指し示していますが、正位置では永遠不滅、逆位置では堕落や調和の崩壊を意味するこのカードはまさに SUCCUMB が表現したかったリアルタイム、2021年の “世界” を象徴しているのです。
特に、義和団の乱を扱った “8 Trigrams” には彼らの想いが凝縮しています。中国の文化や貿易だけでなく、自然崇拝や宗教まで制圧し植民地化した列強と、それに激しく対抗した義和団。中でも、道教の自然や四元素へのつながりと敬愛を基にした八掛結社は、先住民の文化や習慣を抑圧し軍事基地や核実験の場として使用された太平洋の島を出自にもつ Cheri にとっては共感をせずにはいられない歴史の一ページに違いありません。そうして、世界がまた抑圧を強いるならば、私たちが音楽で義和団になろう。そんな決意までも読み取れる壮絶な7分間でアルバムは幕を閉じるのです。
今回弊誌では、太平洋の島からベイエリアに移住した Cheri Musrasrik とカナダ出身 Derek Webster にインタビューを行うことができました。「90年代は音楽業界で “成功する” 可能性についての妄想を捨てるというメタル界の考え方の変化により、多くの実験が行われたんだよ。アーティストが自分たちのサウンドを進歩させるために外部のインスピレーションを求めるようになり、その結果、TYPE O NEGATIVE などのバンドが大成功を収めることになったように思えるね」どうぞ！！
SUCCUMB “XXI” : 10/10
INTERVIEW WITH CHERI & DEREK
Q1: The Bay Area is the most important place for thrash and death metal, and of course Canada has produced many unusual metal bands such as Voivod and Martyr. It seems to me that Succumb was born from a mixture of these two roots. Would you agree?
【DEREK】: You could definitely say that! Even though we don’t put any geographic restrictions on where we draw our inspiration, there is no denying the influence that the Bay Area and Canadian scenes have had on our sound. We draw from the both the more technical bands such as Severed Savior and the bestial bands such as Nuclearhammer and everything in between. Obviously, Voivod has a huge influence on me as a guitarist and songwriter. The common thread here between the two scenes is that they always strive to push their respective art into new territory, which is what we aim to do in Succumb.
Q2: Black metal, thrash, death, hardcore and punk, with various sub-genres further subdivided, Succumb’s music is truly genre-less and fascinating. Where do you find your most important roots? Did you have crossover in mind when you started the band?
【DEREK】: When we started as Cloak, our objective was to start a simple project that worships classic black metal like Blasphemy, Darkthrone and Cultes Des Ghoules. Even then, the end result of that initial demo was something that sounded nothing like either of those bands. As we started to write for our first full length album, I started to inject my influences from brutal death metal and grindcore into our sound, which then became more prominent on XXI. So there is a crossover, however the process in which that crossover materializes isn’t entirely premeditated, instead it flows very naturally. If you just copy paste certain tropes from various genres, it’s very obvious and does not always make for great songwriting. Instead, we try to dig into the sonic trenches that exist between those disparate sounds.
Q3: Cheri Musrasrik’s vocals are very intense and destructive. Not many people would recognize her as a woman just by listening to her voice. This is proof that there is no gender gap in the world of extreme metal, and that women are becoming more and more commonplace, would you agree?
【CHERI】: When I first started doing vocals it was for a noise punk band called PIG DNA and my main inspirations were people like Chitose of The Comes / The Wretched or Sakevi. I will admit that I have a very real male side to me that reveals itself when I perform. I am grateful to have the freedom to display raw emotion and violent attitudes. To consider gender can add some interesting dynamics, but I do not feel it is always necessary to address.
Q4: 21 is the card number for “The World” in the Tarot, right? Is this album about a divided world that was radically changed by the pandemic and climate change?
【CHERI】: While writing lyrics the state of planet Earth was what concerned me most. The themes of the album are related to the four elements: air, water, fire, earth. The importance of respecting and caring for our land and nature was a recurring thought that I had. The World card defines these ideas well.
Q5: The title of the song is in English, but it uses mysterious words about primordial gods, mythological spirits, and cosmological symbolism, right? How did you decide on this?
【CHERI】: I was attracted to ancient texts, knowledge, mythologies, and cosmogony for their feeling of greater potency. When speaking about the origin of our world and the worship of elements it made sense to look at these early conceptions of things.
Q6: The last song has the theme of the boxer Rebellion, right? At that time, Japan was one of the countries that participated in the colonization of China. Currently, the world is witnessing the rise of fascists and right-wingers again, is it meant to rebel against such a situation?
【CHERI】: Including a song about the Boxer Rebellion was a personal choice though it does have a tie to the album in its being against westernization and Christianity in their rejection of ancestor and nature deity worship. I come from a small Pacific island that has had much of its native culture and customs wiped out by hideous missionaries and their false morality. There are times when I consider an alternate reality where the missionaries that landed there were killed.
Q7: This album has a more effective contrast between long and short songs compared to your previous albums.I also felt a strong influence from Grindcore. Would you agree?
【DEREK】: Absolutely! On this album, I wanted to put a darker shade on some of the grind bands that have influenced me such as The Kill, Parlamentarisk Sodomi, Brutal Truth, Mortalized, Flesh Parade and old Gridlink. I feel like we have only begun to explore that side of our sound.
Q8: Your music reminds me of the adventurous and ambitious works of the 90s, like “Bloody Kisses” by Type O Negative, “34.788%… Complete” by My Dying Bride, “City” by Strapping Young Lad… Is The 90’s a special time and spirit for you?
【DEREK】: The 90s was undoubtedly a special time in metal. If the 80s were a time of rapid evolution, with all of its various sub genres emerging in a relatively short span of time, then the 90s were a time where those genres defined who they were and were truly able to stretch their legs. This led to a great deal of experimentation due to a changing mindset in the metal community, which cast aside any delusions of the possibilities of “making it” in the music industry. Ironically, it seems like this commitment to the underground also led to artists seeking outside inspiration to progress their sound in a way that was not often seen in the 80s outside of bands like Voivod and Celtic Frost, which in turn led to bands like Type O Negative hitting the big time. History lessons aside, metal in the 90s, in all its various forms have left an impression on us as musicians.
Q8: SUCCUMB の音楽を聴いていると、野心的で冒険的だった90年代の作品を思い出しますよ。
TYPE O NEGATIVE の “Bloody Kisses” や MY DYING BRIDE の “34.788%… Complete”、それに STRAPPING YOUNG LAD の “City” とか…あの時代の空気はあなたにとってやはり特別ですか？
「ARCHSPIRE の音楽は、正確で、数学的で、冷たく、残忍で、容赦なく、人間離れした速さで、怒りに満ちていて、極めてよく計算されている。対して FIRST FRAGMENT の音楽は、折衷的で、有機的で、時に緻密で、時に即興的で、陽気で、時に楽しくて痛快で、時に悲劇的でメランコリックなんだ。だから私は FIRST FRAGMENT を “エクストリーム・ネオクラシカル・メタル” と呼び、ARCHSPIRE を”テクニカル・デスメタル” と呼んでいる」
現在、メタル世界で最高峰のテクニック、そしてシュレッド・ファンタジーをもたらす場所がカナダであることは疑う余地もありません。ARCHSPIRE がメカニカルな技術革新の最先端にいるとすれば、FIRST FRAGMENT はシュレッドのロマンを今に伝える黄金の化石なのかもしれませんね。奇しくも同日にリリースされた “Bleed The Future” と “Gloire Éternelle” は、正反対の特性を掲げながら、テクニカルなエクストリーム・メタルの歩みを何十歩、何百歩と進めた点でやはり同じ未来を見つめています。
「私たちのリフはすべて、ネオクラシカルなパワーメタルのコード進行で構成されている。デスメタルは砕け散り、重く、邪悪で残忍だ。FIRST FRAGMENT はインテンスの高い音楽だけど、これらの特徴はどれも持っていないし、その気もないんだよね。ゆえに、デスメタルではない」
バロックやロマン派のクラシック音楽から、フラメンコ、ジャズ、スウィングやファンク、ネオクラシカルなパワーメタル、デスメタル、プログレッシブ・メタル.。ジャンルを踊るように融合させ、大きなうねりを呼び起こすという点で、FIRST FRAGMENT の右に出るバンドはいないでしょう。
「僕は今でも “ブルータル” な音楽が大好きだけど、今の僕たちの生活の中では、そういった音楽は正直な気持ちで書けるものではないし、自分たちの音楽として聞きたいと思っていたものでもないんだよね。だから少なくとも、このアルバムにお決まりのブルータルは存在しないのさ」
“Board Up the House” から13年の時を経て届けられた “Dream Weapon”。パンデミックの喧騒に、人類と地球の “重さ” を天秤にかけるレコードで彼らが戻って来たのは、きっとある種の運命でしょう。
さながら列車の分岐器のように、時おり流れを変えるレコードがレールの上へと現れますが、まさに “Board Up the House” はそういった類の作品でした。エクストリーム・メタルとエレクトロニカ究極のアマルガム。グラインドコアに絡みつくコンピューターの鼓動。反復を重ねるドゥームとシリアスなメロディーまで血肉としたこのアルバムが、以降の重音と電子音という両極端の甘やかな婚姻に果たした役割は決して少なくありませんでした。
「”Dream Weapon” のヘヴィネスは、ダークなメロディー、ヒプノティックなリズム、歌詞の内容といったソングライティングそのものから来るもので、プロダクション・スタイルから来るものではないんだよね」
13年という時間はバンドの多様性を洗練へと導き、サウンドの大きな変化をもたらしました。ただし、GENGHIS TRON がソフトになったという評価はおそらく間違いでしょう。彼らはただ、ヘヴィーの真理を追求しながら、没入感のある音楽世界という当初からの目標へとまた一歩近づいたに過ぎないのですから。
アルコール依存症、結婚生活の困難、そして悪化する実存的危機と闘いながら、EVERY TIME I DIE のフロントマン Keith Buckley はどん底に落ちていました。バッファローの英傑たちが満を持して発表した9枚目のアルバム “Radical” はそんな地獄からの生還を綴ったロードマップであり、Keith にとって重要な人生の変化を追った作品と言えます。
「80年代、90年代にアメリカで育って、結婚とはクソみたいなものだと信じ込まされていたんだ。女は満たされず、子供を産んで笑顔でいる。俺は人と結婚しているのではないことに気づいたんだ。結婚という制度と結婚していたんだよ。それにアルコール。俺は飲んでいるときの自分が好きだった。おしゃべりで面白くて、正直な人だったからな。でもやがて、自分はいつもそういう人間なのだと気づいたんだ。アルコールただ、彼を引き出すための道具に過ぎなかった。酒を飲むと、心が落ち着き、自分自身の波動に戻ることができたんだ。俺は、”よし、この感覚だけを大切にしよう” と思った。つまり “飲まずにそうなるにはどうしたらいいんだろう？” と。酒をやめてからは、”何が好きで、何が嫌いか” をひたすら追い求めたよ」
ハードコア・シーンの人たちが政治を担当したら、すべてがうまくいく。少なくとも、進歩や社会正義に向けた、新しい素晴らしい旅に向けた前向きなスタートになるはずだと Keith は信じています。
「俺は15歳で動物愛護のデモに参加した。16歳のときには社会民主主義の本を読んでいた。それってハードコア・シーンがこれまで扱わなかったようなことではないんだ。ハードコア・シーンにいる人たちはとても親切で思いやりがあって、実際に政治を担当しているところを見たいような人たちなんだよな」
こうした Keith の価値観の根底にあったのは、2017年初頭に亡くなるまでレット症候群を患っていた妹の Jaclyn との関係であり、彼女への献身でした。
「妹が生まれたとき、俺はまだ5歳だった。つまり突然、俺は共感する必要が出てきたんだ…たくさんの共感をね。そして、妹が大きくなり、俺も大きくなるにつれて、その共感力にはより磨きがかかってきた。彼女とのつながりはますます強くなっている。彼女が亡くなったからといって、もう彼女との関係をやめるということはないんだよな。俺はとてもスピリチュアルな人間なんだよ。妹はしゃべれないほどの障害をもっていたから、俺はいつも彼女と非言語的な関係を持っていたわけだよ。それは、彼女がここにいないからといって変わるものではない。このアルバムを作っているときは、彼女と一緒にいることが多かったと思う」
「ブラックメタルでは、ピアノはトレモロ・リフのような音のパターンを開拓しながら、より豊かな音楽性を維持することができると思うんだ。サスティーンのあるギターと違って、ピアノは弾いたらすぐに音が消えてしまう。そのために必要となる運動性の高さも魅力だよね。膨大なエネルギーの雲を作るためには、動き続けなければならない。これは、ギターにはできないピアノの特徴だよ」
“もしもブラックメタルで、トレモロ・リフを弾くギターの代わりにピアノを使ったら？” WRECHE の “All My Dreams Come True” は、そんな荒唐無稽でしかし好奇をそそる If の音夢を文字通り実現する物怪の幸いです。それだけではありません。アルバムにはピアノだけでなく、現実的な絶望苦悩に満ちたボーカル、シンセサイザーの神秘的で壮大なレイヤーが敷きつめられて、ブラックメタルでありながらブラックメタルの常識をすべて覆す、ジャンルにとって青天の霹靂ともいえる領域にまで到達しているのです。とはいえ、あくまでも手段は手段。儚さ、苦しみ、怒り、そして神秘的な体験という感情の肝は、たしかにこの場所に同居しています。
「僕はブラックメタルのファンタジーや逃避的な側面にはあまり興味がないんだよね。貧困と絶望が蔓延し、宗教指導者とそれを支持する政治家に騙され、いたるところにテント村があり、残酷な行為が行われているという、僕の身の回りにある世界をこのアルバムで表現したかったんだ」
「そうだね、部屋から出ないというのはほとんどまちがってないよ。自分の部屋で一人で生きているというかね。だって、そこが一番快適な場所だから」
Matt King は、自分の部屋から出るのが好きではなく、 一日中パソコンに向かいながらオースティンの PORTRAYAL OF GUILT で “クソ悲しい音楽” を作ることが使命だと表明しています。それでも、「僕はなるべく楽観的にいようとしているよ。でも、同時に現実的でもあるんだよ」 との言葉通り、彼は自身が落ち込んでいるわけではないと、少なくとも本人はそう考えています。
たしかに孤独の中で社会と馴染まず生きているとしても、少なくとも Matt はクリエイティブであり続けています。実際、彼は自分のアンニュイな気持ちを表現することに長けており、最も激しいスクリーモ/ポスト・ハードコア作品の1つを生み出すことに成功しました。
「結局、自分以外に頼れる人はいないんだよ。これは僕の意見だけどね。一人でいること、一人で何かをしなければならない状況によって、時に多くの視点を得ることができる。孤独をネガティブにとらえる人もいるけど、僕はポジティブでもネガティブでもないと思っているんだ。それよりもむしろ、人生の教訓を得られると考えているよ」
PORTRAYAL OF GUILT で語られるテーマは Matt のカタルシスを表現しており、世界に対する不満や無力感を叫んでいます。Matt の人生観とはまさに新たな作品のタイトル通り “We Are Always Alone”、自分以外に頼れる人がいないこと、そしてそれが現実であること。
結局、他人は何もしてくれない。つまり、世界で起こっているパンデミック、大統領が誰であるかとか、狂ったようなサイコな事象に対して私たち一人一人はあまりに無力であるという感覚…何よりもただ一人であるという感覚が、このアルバムの世界観を締めつけています。それでも Matt はただ “悲しい” 男だとは言えません。自分はわざわざ誰かに話しかけたりしない。誰かと一緒にいるよりも、一人でいる方が好きだから。
ウィガンのスラッジマスター BOSS KELOID は、10年以上英国のアンダーグラウンドで活動していますが、ORANGE GOBLIN や ELECTRIC WIZARD ようなシーンのリーダーから期待される麻薬的な打撃というよりも、最近では実験的な曲構成で巧妙なプログへとその歩みを進めます。
「もっとプログ寄りのファンからは、CAMEL, GENESIS, KING CRIMSON を想起させるなんて言われているしね。」 もしかすると、古の巨人が宿したプログレッシブな魂は、ジャンルの後進よりも BOSS KELOID のようなバンドこそが正しく継いでいるのかも知れませんね。
ある意味では、”Family The Smiling Thrush” という不可解なタイトルの作品は、2018年にリリースされた同様に突飛な “Melted On The Inch” が捨て去った場所をも論理的に拾っています。アルバムの7曲が再生されるにつれて、本作がこれまでよりもはるかに明晰な BOSS KELOID のひねくれたヴィジョンを実現したものであることが明らかとなるのですから。
「僕たちの音楽は、最初は奇妙なリフやグルーヴにフォーカスしていたんだけど、今ではよりダイナミズム、エモーション、メロディー、そして多様性を加えているね。最近では、より実験的で、両極性を持つアプローチで音楽を創造し楽しんでいるんだ」
34. MOON UNIT “DIFFERENCES IN LANGUAGE AND LIFESTYLE”
「日本の音楽の何が好きかって？多くのメタルバンドは非常に重苦しくてシリアスだけど、SEX MACHINEGUNS と MAXIMUM THE HORMONE は正反対だから。彼らの曲は、シリアスで大きなテーマに取り組むのではなく、みかんや料理のレシピのような生活の中のありふれた普通のことを扱っている。同時に自分たちの音楽に対してとても真面目で強烈な印象を持っていて、それがとても魅力的だと感じたんだよね。クリエイティブでタイトな曲作り、優れた音楽性、ポジティブなエネルギー、とにかく全てが揃っていて、何かに挑戦することを恐れていないように感じられるんだ」
現在、プログの未来と絶賛される MOON UNIT は、東欧クロアチアからその音楽に対する哲学をなんと日本に学んでいました。”Differences in Language and Lifestyle” は、プログレッシブ・ロックやメタルのような “真面目” な世界では見落とされがちな、”楽しむ” ことを究極のテーマとしています。音楽面ではもちろん、DREAM THEATER や BETWEEN THE BURIED AND ME といった大御所の血がたしかに流れている一方で、MOON UNIT は未来のディストピアや昏睡状態の自己反省よりも、土曜日の朝のアニメやビデオゲーム、50年代の冒険シリーズをモチーフにしたタペストリーで成り立っていて、最も陰鬱なテーマにしても “スタートレック：ボイジャー” の下っ端として働くことの単調さと疲労についての瞑想という、メタルやプログの陰鬱とはかけ離れた日常の延長にあるのです。
「自分がやっていることがブラック・メタルのルールに則っているかどうかは、あまり意識していない。もちろん、NAGELFAR 時代にもそうしていたんだけど、THE RUINS OF BEVERAST は最初から巨大な音の風景を構築することを目的としていたから、限界を感じるものは直感的に無視しようとしていたのだと思うな。そして、何よりもまず制限となるのは、ジャンルのルールだからね」
ジャーマン・ブラック・メタルの伝説。Alexander von Meilenwald の落とし胤 THE RUINS OF BEVERAST は、長い間メタルの海岸線を侵食しながらアンダーグラウンドの美学を追求してきました。ブラック、デス、ドゥームに、サイケデリックな装飾や多彩なサウンドスケープ、サンプルを宿しながら綴る、音のホラー小説。
デビューアルバム “Unlock the Shrine” の広大なアトモスフィアから、15世紀ドイツの異端審問を描いた “Blood Vault – The Blazing Gospel of Heinrich Kramer” のコンセプチュアルな作品まで、Alex の言葉を借りれば、自然や世界を聴覚的に表現する音楽はアルバムごとにそれぞれの独特な感性を備えています。
「俺はいつもゼロからのスタートなんだ。いつも、新しいアルバムのためのビジョンを描き、それが創造的なプロセス全体の地平線として設定される。そして、先ほど言ったように、それは以前の作品とは全く関係がないんだ」
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ALEX HADDAD OF DESSIDERIUM !!
“Video Game Soundtracks Have To Be Addictive To Be Good. You Have To Be Able To Listen To Them For Hours On End And Still Enjoy It, And That’s Something I Strive For In My Own Music As Well”
DISC REVIEW “ARIA”
「あの頃の僕は全然正しい道を歩んでいなかったんだよね。自分の好きなことを追求しないことで、鬱屈とした感情を抱え、何かから逃れようと必死になっていた時期だった。それで、自分の夢に深く執着するようになったんだ。日記に記録したり、一日中夢のことを考えたりして夢はどんどん鮮明になり、離れられなくなっていったんだ」
DESSIDERIUM は、ロサンゼルスのサンタモニカの山で生まれ、アリゾナの砂漠と太陽の下で活動を続けている Alex Haddadの音楽夢日記。自らを熱狂的な音楽オタクと称する Alex は、生き甲斐である音楽を追求できずに悩み、そして自身の夢に囚われていきました。それは彼にとってある種の逃避だったのかもしれませんね。
“妄想は自己犠牲を招き、その苦しみは、外側の世界に自分の内なる感情を反映させたいという願いから、慰めを傷つきながら求めるようになる”。壮大なエクストリーム・プログ絵巻”Aria” のテーマは、アルバムの中で最もシネマティックな “Cosmic Limbs” なは反映されています。バンド名 DESSIDERIUM とは、ラテン語で “失われたものへの熱烈な欲望や憧れ” と訳される “Desiderium” が元になっています。そして彼は今、夢の中から自身の夢を取り戻しました。
「JRPG は長い間、僕の生活の一部だった。日本のロールプレイング・ゲームから得られる経験は、他の種類のゲームから得られるものとは全く別のものなんだよ。普段はゲームを楽しむためにプレイしているんだけど、JRPG はストーリー、雰囲気、アート、キャラクターとの関係、そしてもちろん音楽が好きでプレイしている。ビデオゲームという枠を超えているんだ。別世界へのバケーションのようなもので、そこまで没頭していれば、もちろん僕の書く音楽にも影響を与えているに決まっているよね」
日本のロールプレイング・ゲームの熱狂的な信者である Alex にとって、ゲーム音楽には何時間聴いても飽きない中毒性が必須です。彼の愛するゼノギアス、ファイナル・ファンタジー、ドラゴンクエストにクロノ・トリガーはそんな中毒性のある美しくも知的な音楽に満ち溢れていました。
DESSIDERIUM の音楽にも、当然その中毒性は深く刻まれています。そして彼の目指した夢の形は、狭い箱にとらわれず、ビデオゲームの作曲家、映画音楽、プログロックにインスパイアされた幻想と荘厳を、メタルのエナジーと神秘で表現して具現化されたのです。メランコリーと憧憬を伴った、まだ見ぬ時への期待と淡いノスタルジアを感じさせる蒼き夢。
「OPETH は、僕が最も影響を受けたバンドだろうな。OPETH を知ってから2年ほどは、彼らしか聴かない時期があったくらいでね。彼らの初期の作品は非常に悲劇的でロマンチックで、若くて繊細だった僕の心に深く響いたんだよ」
オープニングの “White Morning in a World She Knows” のアコースティックな憂鬱とメランコリックな美声の間には、明らかに OPETH の作品でも最も “孤独” で Alex 最愛の “My Arms, Your Hearse” の影を感じます。しかし、そこから色彩豊かなシンフォニック・プログレへと展開し、後に KRALLICE ライクなリフが黒々とした “複雑な雑音” を奏でると DESSIDERIUM の真の才能が開花していきます。さながら WILDERUN のように、DESSIDERIUM は OPETH との親和性をより高い次元、強烈な野心、多様なメタルの高みに到達するためのプラットフォームとして使用しているのです。
“Aria” が現代の多くの” プログデス” 作品と異なるのは、”The Persection Complex” が象徴するように、そのユニークで楽観的なトーンにあるとも言えます。Alex は、暗さや痛みの即効薬であるマイナースケールをあまり使用せず、より伝統的なメロディーのパレットを多様に選り分けて描いていきます。
パワー・メタル的な “ハッピー” なサウンドとまでは必ずしも言えないでしょうが、醸し出すドラゴンと魔法のファンタジックな冒険譚、その雰囲気は、ほとんどのエクストリーム・メタルバンドが触れることのできない未知の領域なのですから。そうして陰と陽のえも言われぬ対比の美学がリスナーを夢の世界に誘うのです。
今回弊誌では、Alex Haddad にインタビューを行うことができました。「スーパー・ドンキーコングを差したゲームボーイ・カラーを持ち歩き、ヘッドフォンをつないでゲームの一時停止を押すと、ゲームをプレイしなくてもサウンドトラックが流れ続けたのを鮮明に覚えているよ。僕はヒップホップのアルバムを聴いているようなふりをして、実はゲームの音楽に合わせて架空のラッパーが詩を歌うことを想像していた」もし、OPETH と YES と WINTERSUN が日本のロールプレイング・ゲームのサウンドトラックを作ったら。G(ame) 線上のアリア。そんな If の世界を実現するプロジェクト。どうぞ！！
DESSIDERIUM “ARIA” : 9.9/10
INTERVIEW WITH ALEX HADDAD
Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?
【ALEX】: I’m a passionate music nerd who was born in Alabama, grew up in California, and currently resides in Arizona. The earliest types of music I enjoyed were video game soundtracks, hip hop, and disco. I distinctly remember carrying around my Gameboy Color loaded up with Donkey Kong Country, having headphones inserted, and pressing pause on the game so the soundtrack would keep playing without me having to play the game. I’d pretend I was listening to a hip hop album and would have imaginary rappers doing verses over the game’s music. It was really fun (laughs).
Rap/Hip Hop was mainly what I grew up listening to because it’s what my oldest sister listened to, and she was like a goddess to me when I was little. In all sincerity though, I did love the music. I still regularly visit my favorite hip hop albums from childhood. As for disco, my Mom got me really into it by showing me albums from Earth Wind and Fire, The Bee Gees, and Michael Jackson. I still adore all that stuff as well.
Q2: It seems you are a multi-instrumental player, but what inspired you to start playing music? Who was your musical hero at that time?
【ALEX】: I began with bass guitar at age 11. Geddy Lee from Rush is probably the biggest reason I wanted to learn bass over guitar at the time. That and I thought the bass was just downright cooler since not as many people played it. I loved (and still do love) the bass, but I knew I needed to officially pick up the guitar when I found myself muting my bass’s volume and pretending to play along to Slash’s solos while jamming to Guns N Roses. So that’s when I started to play the guitar as well. My musical hero at the time was Dave Mustaine from Megadeth. I wanted to play like him, look like him, be him… I thought he was pretty sick.
Q2: あなたはマルチ奏者のようですが、楽器の演奏はどうやって覚えていったのですか？
【ALEX】: 11歳の時にベースを始めたんだ。当時、ギターよりもベースを学びたいと思った最大の理由は、RUSH の Geddy Lee だろうな。それと、ベースを弾く人が少ないから、ベースの方が断然カッコイイと思ったのもあるね。
ベースは大好きだったけど（今でも大好きだけど）、GUNS’ N’ ROSES をジャムっているときに、ベースのボリュームをミュートして Slash のソロに合わせて弾くフリをしている自分に気づいたとき、正式にギターを手に入れる必要があると思ったんだよね。それで、僕もギターを弾くようになったんだ。当時の僕のヒーローは、MEGADETH の Dave Mustaine 。彼のように弾きたい、彼のようになりたい、彼になりたい……と思っていたよ。彼は最高にイカしていると思っていたね。
Q3: Dessiderium is your solo project, why did you decide to make music by yourself instead of a band? Why did you choose the name Dessiderium for the project?
【ALEX】: When I started writing music, I didn’t know of a single metal musician in town or how I could go about finding any. Because of that, I was basically forced to start a solo project. With that said I quickly fell in love with working on music alone. So much so that when I joined my first few bands I was pretty turned off by the idea of collaborating when writing. I was too stubborn and not used to having critiques of what I wrote, and was also too uncomfortable with giving feedback to others. Over time though I’ve worked with bands that have shown me that collaborations can work beautifully with the right combination of people. I feel that way currently with Arkaik, for example. Anyways, at this point Dessiderium will always be around and will always be something I write for. It’s become very important for me to have an outlet for my ideas to grow without any restriction.
Q4: In your bio, you wrote that you were influenced by Japanese role-playing games when creating your music. Are Japanese games and anime culture important to you? What works have influenced you?
【ALEX】: JRPGs have been a part of my life for a long time, and the experience I have with those games is completely separate from the takeaway I get from any other kinds of games. Usually I play video games for fun, but I play JRPGs for the story, atmosphere, art, character relationships, and of course the music. They’re just so much more than “video games.” They’re like a vacation to another world, and if I’m immersed in something that deeply then it’s bound to affect the music I write. The same could be said for anime. I especially love psychological anime, and some of those shows have left permanent impressions in my mind that have also surely inspired me.
As for specific JRPGS, I’d say that Xenogears, Final Fantasy 7 and 8, Chrono Trigger, and Dragon Quest 11 have all influenced my music in one way or another. For anime, it’d be shows like Tatami Galaxy, Welcome to the N.H.K., Elfen Lied, or Neon Genesis Evangelion. I’ve also been deeply inspired by Hayao Miyazaki movies. In fact, before this project was called Dessiderium it was called Laputa (named after the floating castle from Castle in The Sky.).
Q5: Musically, have you been influenced by Japanese game soundtracks or Japanese artists?
【ALEX】: Absolutely. Koji Kondo, Nobuo Uematsu, Yasunori Mitsuda, Masato Nakamura, Shoji Meguro, all of these composers have influenced me a great deal through the soundtracks from The Legend of Zelda, Mario, Final Fantasy, Xenogears/Xenosaga, Chrono Trigger/Chrono Cross, Sonic The Hedgehog, and Persona games for example. Video game soundtracks have to be addictive to be good. You have to be able to listen to them for hours on end and still enjoy it, and that’s something I strive for in my own music as well.
As for other Japanese artists, I really can’t say I know too much. I do love a band called Toe that I know is from Japan. Incredibly nice instrumental, math rock kind of stuff. I’ve spent a ton of time with all three of their full lengths. I’ve also found myself addicted to almost anything produced by Yasutaka Nakata. Capsule, Perfume, Kyary Pamyu Pamyu. I enjoy the hell out of those projects. That ridiculously infectious, ultra clean, hyper-pop music just hits the spot for me.
Q6: “Aria” is an amazing musical journey, and it says on Bandcamp that it was written between 2013-17. What is the theme of this work?
【ALEX】: That’s right. It’s an older album I wrote during my school years at University. Looking back, I was not at all on the right path during that time. Not pursuing what I was passionate about left me with feelings of depression during that time, and I was desperate for any form of escape. I became deeply attached to my dreams. I’d record them in a journal and think about them all day, and through doing that the dreams became more and more vivid and harder to detach from. Romantic dreams were especially potent, and I think those were what really inspired the music and words on Aria.
Q7: Dessiderium is, of course, based on black metal and death metal, but your diverse and progressive music doesn’t really fit into that narrow category, right? Your ambition seems to be very close to Opeth, what do they mean to you?
【ALEX】: Opeth is probably my biggest influence in general. There was a period of two or so years after I discovered them where they were the only band I listened to. Their early work is intensely tragic and romantic, which touched me deeply at that young and sensitive age. They just had this magical flow to everything they wrote where every song just felt so grand and cinematic without ever being overbearing. They also opened to the door for me to explore old progressive rock, black metal, and some doom, which are genres that have also shaped my sound greatly.
Q8: The drums are probably programmed, but if Gene Hoglan or Mike Mangini had played, it would have been a more perfect album. If you could use anyone, who would you use for the drummer?
【ALEX】: Honestly, I would probably just choose to have Brody Smith (the one who programmed the drums) record them. He’s a brilliant musician. It’s amazing working with him because the stuff he programs sounds exactly like his actual drumming. He just has a very distinct style that I love and he can play what he programs. It would be a real treat to have him record live drums for a future album, but he’s a busy man so we’ll have to wait and see!
Q8: アルバムのドラムスは打ち込みだと思うのですが、例えば Gene Hoglan や Mike Mangini が叩いていたら、もっと完璧な作品になったようにも感じました。誰でも選べるとしたら、誰をドラマーに起用しますか？
I have many warm memories of Japan from a trip I took there years ago with my Father. I actually got to see Obscura perform in Tokyo during that trip, and ever since that show it has always been a dream of mine to perform in Japan one day. The first Dessiderium album has a song called Land of the Rising Sun, and it’s about viewing Japan as a sort of symbol for all of the adventures I’d hoped music would take me on. With all that said, hopefully we can all party together one day!
日本には、何年も前に父と行った旅行で、たくさんの温かい思い出があるんだ。その旅行中に東京で OBSCURA のライブを見ることができて、それ以来、いつか日本でライブをすることが僕の夢だった。DESSIDERIUM のファーストアルバムに “Land of the Rising Sun” という曲があるんだけど、この曲は日本を、僕が音楽に連れて行ってほしいと願っていた冒険の象徴のように捉えているんだよ。というわけで、いつかみんなでパーティーができるといいね！
“This Record Is Just Very Pro-good Human Being. Pro Spirituality. Pro progress…”
RADICAL
アルコール依存症、結婚生活の困難、そして悪化する実存的危機と闘いながら、EVERY TIME I DIE のフロントマン Keith Buckley はどん底に落ちていました。バッファローの英傑たちが満を持して発表した9枚目のアルバム “Radical” はそんな地獄からの生還を綴ったロードマップであり、Keith にとって重要な人生の変化を追った作品と言えます。
前作 “Low Teens” からの数年間で、Keith は自分の人生と目標を再評価する時間を得られました。それは Keith にとって大きな転機となり、より健康的で楽観的な生活態度を取り戻すことにつながりました。同時にその変化は新譜にも深く刻まれ、プロジェクトに新鮮な音楽的アプローチをもたらすこととなるのです。”Radical” は、バンドのスタイルにおける限界を押し広げると同時に、彼らの特徴である視点を、より賢明で全体的な世界観へと再構築することになりました。鮮やかなカバーアート、狂気じみた新曲、そして迫真の演奏のすべてが、”ラディカル” な時代の “ラディカル” な心に寄り添う、2021年に相応しい作品でしょう。
あまりにも長い間、Keith Buckley は自分自身よりも、バンドやソング・ライティングに対して正直で居続けてしまいました。2020年3月に9枚目のアルバム “Radical” の制作を終えたとき、EVERY TIME I DIE のフロントマンはまだ酒に飲まれていて、家庭生活の静かな平穏とツアーの喧騒なる混沌を調和させるのに苦労し、何かが正しくないという逃れられない感覚と格闘し苦戦していました。ニューヨーク州バッファローにある GCR Audio の赤レンガの要塞の中で、信頼するプロデューサー、Will Putney と共に彼が絞り出した歌詞は、閉所恐怖症と限界に達した魂の不満が滲んでいましたが、それでも彼はまだなされるべき変化と折り合いをつけたばかりであったのです。
「自分の居場所がないことを知るために、自分の人生の惨めさを書く必要があったんだ」
Keith は率直に語ります。「一度アルバムが出たら、以前の自分には戻れないとわかっていた。だからこそ、”急進的な革命” なんだよ」
2016年にリリースした8枚目のLP “Low Teens” まで時を巻き戻しましょう。当時の妻Lindsay と娘 Zuzana の命を救った緊急帝王切開は成功しましたが、そのストレスと不安によって煽られた節目、その感情と衝動は Keith の曲作りに対する鮮明さと即応性を変化させました。彼は、アイデアをバラバラにするのではなく、生きたシナリオ、あるいは潜在意識の奥底から抜き出したシナリオを描くようになったのです。そうして彼は、これからの作品には引き金となる何か同様のトラウマ的な出来事が必要だろうとつぶやいていました。
2019年後半には EVERY TIME I DIE にとってのルーティンである2～3年のアルバム・サイクルは終了していました。一見、そのようなトラウマや傷は存在しないようにも思えましたが、Keith が自分の皮膚の下を掻きむしると、刺激の欠如がより深く、より深い不満の症状であることを伝え始めたのです。
「自分を見つめ直し、自分がどん底のアルコール依存症であることに気づいた。最悪の夫であり、おそらく最悪の父親だった。間違いなく最悪の自分だったんだ」
19ヵ月後、すべてが変わりました。Keith は1年間断酒を続け、妻とは別居しています。晴れた日の午後、都会から100マイル離れた森の中で娘の Zuzana とキャンプを楽しんでいます。そして、”Radical” がようやく日の目を見ることができたのは、16曲のアルバムに込められた自分の意志による変化を完全に理解し、それを実現する時間があったからだと、彼は強調するのです。「以前の自分に戻るつもりはなかったんだ…」と。
“AWOL”（「私たちの間の空間は、血も指紋もない犯罪現場のようだ」）や “White Void”（「暖かさが消えれば、終わりはただ永遠に続く／ここにいる必要はない、このまま生きる必要はない」）といったトラックには、ほとんど解釈の余地はありません。
「正直なところ、このアルバムには、自分が答えを出さなければならないと思って書いたことがあるんだ。このアルバムには道徳的な宣言が詰まっているよ。曖昧さがないんだ。脇道へそれることもない。花形的な比喩もない。俺は、人々がクソのように扱われ、俺自身もクソのように扱われることにうんざりしていると言っているんだよ」
当初、このパンデミックは立ち止まって考えるきっかけになりました。Keith は何年も前から家族を残してツアーに出ることを心配していました。だからこそ、今5歳になる Zuzana とロックダウンで一緒に過ごす時間は、次にいつ荷物をまとめなければならないかという心配をせずに済むとてもほっとするものだったのです。
「自分の人生を思い切って変えてみたんだよ。パンデミックですべてが頭打ちになったんだ。というのも、このアルバムはその時すでに作曲とレコーディングを終えていたからね。パンデミックは、実際にはレコードにまったく影響を与えなかったけど、レコードの生き方には影響を与えたよ。”Post-Boredom” のような曲は、パンデミックの後、新しい意味を持つようになった。”Dark Distance” のような曲は、パンデミックの前に、疫病が起こるように頼んでいることを今思えば少し奇妙に見えるな。
これらの曲は、俺が抱いていた恐れを顕在化させなければ、充実した人生を送れないと思ったことを歌っている。俺はパンデミックに耐え、その間に自分の人生を本当に変える必要があることに気づいたんだ。何かが間違っていると思った。そして、自分自身の真実を見つけ、それを受け入れ、それに従って生きていこうと決めたんだよな。まさにラディカルな時期だった」
実際、”Post-Boredom” は、バンドがこれまでに作った曲の中で、最も奇妙で最もキャッチーな曲かもしれません。パンク・ロックのエネルギーに満ちたこの曲は、異世界のブリッジセクションを誇り、強烈なクレッシェンドと “私の消滅” というリフレインがリスナーの精神に深く入り込むサビが特徴的で、絶対的に耳に残る曲。Keith はこのフレーズを信頼できる歌詞ノートに書き留め、ずっと曲の中で使いたいと考えていました。
「正直言って、このフレーズを歌うのは楽しいんだ。FALL OUT BOY のJoe Trohman と Andy Hurley と一緒に THE DAMMNED THINGS に参加して学んだことの一つは、彼らは文字通りナンバーワンのヒットシングルを出していて、時に人々は言葉の意味より語感を好むということを理解しなければならないということ。曲の意味という十字架に、いつも釘付けになる必要はないんだ。このフレーズは俺にとってとても中毒性があるように思えたし、それを使うことができてうれしいよ」
Keith はボーカリストですが、ゲストボーカルを招いてアルバムをさらに向上させることに躊躇がありません。
「MANCHESTER ORCHESTRA の Andy Hull は俺の世代におけるアート・ガーファンクルのような存在だから、本当に感謝している。サイモン＆ガーファンクルが大好きだから、これは最高の賛辞として言っているんだ。Andy と俺との間には、友達以上の深いつながりがあるように感じるんだ。何に対しても同じような視点を持っているんだ、わかるだろ？それで、”Thing With Features” ができたんだ。Andy はスピリチュアルな人だし、たぶん宗教的でもあると思うんだ。この曲は亡くなった俺の妹のことを歌っているんだ。だから彼が参加することは俺にとって重要だった。なぜなら、彼なら歌詞を理解し、その内容を伝えれば、それを感じてくれると思ったからだ。そう、彼はそれを感じてくれたんだ。スタジオでそれを聴いた人たちはみんなそれを感じて、涙が出ていたよ。だから、本当に素晴らしい経験だったよ」
かつて、Keith は、EVERY TIME I DIE は最高のアルバムを作ったと確信し、以前にも増してバンドに誇りを持ち、その勢いがツアーで失われる心配もしていませんでした。しかし内省の時間が長くなるにつれ、彼は、自分を酒に走らせ続け、家族の絆を失い、自分の家の中で皮膚が這いずり回るほどになってしまった根本的な原因は、バンド生活よりも家庭で起きていることにあると気づき始めたのです。
Keith は、TALKING HEADS のフロントマンの象徴的な”Once In A Lifetime” の歌詞 “This is not my beautiful house” (これは僕の素晴らしい家じゃない。あのような素晴らしい家はどこにあるんだ？) を引用しながら、”David Byrne の瞬間” に気付いたと言い、さらに鋭い比喩で続けます。
「（同じ路線の）列車が爆発していたら、ハブに戻って誰が爆弾を付けているか探さなければならないんだ！」
そんな時に、Keith が “奇跡的な行動” と呼んだのは、10代からの旧友である Angie が突然手を差し伸べてくれたことでした。「ねえ、どうしてる？しばらく話していなかったから……」「俺は本当に…酷い状態だよ…」結婚生活は、名誉から義務へと歪み、息苦しいほどの重荷になっていました。
「80年代、90年代にアメリカで育って、結婚とはクソみたいなものだと信じ込まされていたんだ。女は満たされず、子供を産んで笑顔でいる。俺は人と結婚しているのではないことに気づいたんだ。結婚という制度と結婚していたんだよ。それにアルコール。俺は飲んでいるときの自分が好きだった。おしゃべりで面白くて、正直な人だったからな。でもやがて、自分はいつもそういう人間なのだと気づいたんだ。アルコールただ、彼を引き出すための道具に過ぎなかった。酒を飲むと、心が落ち着き、自分自身の波動に戻ることができたんだ。俺は、”よし、この感覚だけを大切にしよう” と思った。つまり “飲まずにそうなるにはどうしたらいいんだろう？” と。酒をやめてからは、”何が好きで、何が嫌いか” をひたすら追い求めたよ」
Keith と Angie は、意気投合し、ロマンチックな火花を感じながら、新たな一歩を踏み出しました。二人の着地は、今のところ、至って順調です。
「俺はこれまで、自分自身から離れること、逃げることについて書いてきたんだ。だけど今、俺はこのレコードを文字通り生きていて、生きていることの現れであることを望んでいるんだよ。俺は自分自身の真実から遠く離れ、アルコール依存症や罪悪感、恥、責任、義務などで徹底的に問題を複雑にし、本当の自分を見失っていたんだよな。それをすべて取り払うことができたら、”俺は何を愛しているのか？” と問うことができるようになったんだ。俺は旅行が大好きで、子供と一緒にいるのも大好きで、Angie と一緒にいるのも大好きだ。犬を飼いたい。そして、ずっと RV 車が欲しいと思っていた。よし！今すぐ手に入れるんだ！そしてAngie と俺は RV車 でフルタイムで暮らしてる。これでツアーをするんだ。バッファローの郊外に土地を持っててぶらぶらしたりいつもキャンプしてるんだよ。もっと多くのミュージシャンがそうしないのが信じられないくらいだ。いつもツアーに出てるんだから、家も一緒に持っていけばいいのに。トラックの後ろに停めるだけでいいんだ。簡単だよ」
彼自身の説明によると、本当の Keith Buckley について知るべきことは3つだけ。まず第一に、彼は絶対にゴミを散らかしません。次に、彼は根っからの犬好きで、話の最初に現在の愛犬リプリーを紹介し、ずっとフレンドリーな4本足の毛玉に囲まれて生きてきたと語ります。そして3つ目は、今でも「CM 見て泣いてしまう」ような人間であること。
Keith は、インターネットが普及する前に育ち、デジタル革命が起こったときにはオンラインID “Civ1” （NYHCの伝説的バンド Gorilla Biscuits の Anthony ‘Civ’ Civarelli にちなんで）を使っていたと説明し、「今でも時々子供のように感じるけど、俺の子供時代はもっと激烈だった」と語っています。
「もともと動物愛護に関心があったんだ。自分を守ることができないものを守る義務があると、いつも感じてたんだよな。俺の子供時代は、RAGE AGAINST THE MACHINE や EARTH CRISIS といったハードコア・バンドによって形作られたよ。彼らは “権力なんてクソ食らえ、弱い人々のために立ち上がるんだ” というようなバンドだった。その姿勢は、今でも俺の中にあるんだよね。
ハードコア・シーンの人たちが政治を担当したら、すべてがうまくいくような気がするんだ。少なくとも、進歩や社会正義に向けた、新しい素晴らしい旅に向けた前向きなスタートになるはずだ。
俺は15歳で動物愛護のデモに参加した。16歳のときには社会民主主義の本を読んでいた。それってハードコア・シーンがこれまで扱わなかったようなことではないんだ。ハードコア・シーンにいる人たちはとても親切で思いやりがあって、実際に政治を担当しているところを見たいような人たちなんだよな」
こうした Keith の価値観の根底にあったのは、2017年初頭に亡くなるまでレット症候群を患っていた妹の Jaclyn との関係であり、彼女への献身でした。
「妹が生まれたとき、俺はまだ5歳だった。つまり突然、俺は共感する必要が出てきたんだ…たくさんの共感をね。そして、妹が大きくなり、俺も大きくなるにつれて、その共感力にはより磨きがかかってきた。彼女とのつながりはますます強くなっている。彼女が亡くなったからといって、もう彼女との関係をやめるということはないんだよな。俺はとてもスピリチュアルな人間なんだよ。妹はしゃべれないほどの障害をもっていたから、俺はいつも彼女と非言語的な関係を持っていたわけだよ。それは、彼女がここにいないからといって変わるものではない。このアルバムを作っているときは、彼女と一緒にいることが多かったと思う」
バッファロー大学で文学の修士号を取得し、高校で英語教師をしてたこともあり、2015年の “Scale” と2018年の “Watch” という2冊の本の著者でもある Keith は、モダン・ハードコアの考える人というイメージもあります。彼はそのレッテルに納得しているのでしょうか？
「確かに、たくさん考えてきたよ。そうやって考える人間であり、長年にわたって多くの本を読んできたおかげで、今の俺があるんだよな。それを誇りに思うよ。旅をしている間、俺は本を読み続け、分析し続けてきた。だから、旅をしていることで、俺は苦しみを理解し、そこから美を生み出すことができるようになったんだ。俺はただ、人々が俺がみんなとは違うなんて思わないように願っているよ。俺は他の人と同じレベルにいて、ただもっと深いところにいるだけだから」
教師時代にも、Keith らしさは存分に発揮されていました。
「なぜ人々が過去を繰り返すのが好きなのか理解できないんだ。本当に驚かされるよ。俺は過去を認めて、”ああ、あれはクールだった” と思えるようになりたいんだ。でも、それを再現しようとするのは、俺個人にとっては不自然なことなんだ。多くの人にとって不自然なことだと思うけど、同じショーをすること、同じようは作品を2回出すこと……そんなことは考えられないんだよな。俺が高校の教師だったときでさえ、 毎時間シラバスを変えていたんだ。他の先生たちは、そんなことはしなくていいと言うんだけどね。でも俺は “いや、毎日5回も同じクソ授業をするのは嫌だ” と思っていた。そのアプローチは常に EVERY TIME I DIE を貫いている。 俺らは常に自分自身と他の人々に挑戦しようとしている。俺はバンドが新しい曲を演奏することを望んでいるんだ。何十年もの間、音楽ファンがそれを理解していないのはとても奇妙なことだ」
また、最近 Keith は知性とスピリチュアリティの出会いに惹かれているようです。その心境を現在の再認識と関連づけながら、 “Radical” のリリックができたのは、一種の “透視能力” があったからだと説明します。また、”とても信頼できる霊媒師” によって行われた “浄化” で、白いろうそくが黒い煙を上げて爆発したことに唖然としたと、皮肉交じりに語っています。
「変に聞こえるだろうけど、本当なんだ。これは第六感だけど、君たちや俺が素晴らしいユーモアのセンスを持つことができるのと同じように、通常の感覚では認識できないものも認識できるようになる。Angie や娘との関係は、これまでで最高のものだよ。たとえ俺が間違っていたとしても、神が存在しないとしても、家族は上手くいっているんだ」
“Radical” の幅広いテーマを掘り下げてみると、キースが非常に鋭い洞察力をもっていることに気づくはずです。例えば “Dark Distance” は、「疫病を与えてください…でも私が愛する人だけは助けてください」というリクエストでパンデミックを先取りしていました。”We Go Together” で彼は、自分の理想を実現するために行動する人々を批判することはしないが、実行する前にもう一度よく考えるように促しています。
「ワシントン D.C. の革命家？なるほど、政府を転覆させる必要があるのは正しいかもしれない。でも、QAnonの人たちに一歩下がってもらって彼らの知識の探求、答えへの渇望、調査能力がどこで間違ったのかを見てみようよ。それが正しく使われれば、素晴らしいことなのだから」
絶対的な “悪” と戦うことが、Keith にとっての生き甲斐ともなりつつあります。
「悪い人はいるもので、それに応じた接し方を学ばなければならないのは確かだよ。俺たちは政府というもっと大きくて手ごわい敵によって、めちゃくちゃにされていることを心に留めておくことが重要だ。でもね、人々の感じ方には、とても多くの共通点がある。今、世界では誰もがより強い権力に不信感を抱いているよ。権力に不信感を抱くのは、自分自身にも不信感を抱いているから。キャピトル暴動のようなことをなぜやっているのか、本当に焦点を当てる必要がある。政府やネット上のカルトに真実を求めても、誰も幸せになれないんだ。世の中がクソなのはわかるけどさ。でも、まずは自分がどういう人間なのか、できるだけ正直に、できるだけ裸で外に出てみれば、自分の周りで変化が起こり始めるはずだ。わかるかい？結局、もし変化が起きるとすれば、それは労働者階級の革命であって、与党にも野党にも望みを託すことはできないんだ。このアルバムはそれを体現していると思う。”Planet Shit” は、あの時まだ起こっていなかったキャピトル暴動のことさ。キャピトルでの暴動が起こるずっと前から、暴動や革命のアイデアを書いていただけなんだ」
まずは自分を信じることから始めるべきだと Keith は訴えます。
「なぜ誰も君を信用しないかって？自分自身が信用できないからだよ。それを元に戻して、自分が何者なのか、どうすれば自分を信じられるのかを学ぼう。そして前に進もう。俺も今、その過程にいるから。それは EVERY TIME I DIE を大切に思っている人たちが、強く歩んでいく旅だと思うんだ。俺のゴールは、今まで話してきた人たちに、違う方法で話して、物事を変えられるように、自分自身を変えられるようにインスパイアすることなんだ」
それでも、EVERY TIME I DIE 特有の皮肉も完全には失われてはいません。
「”The Whip” はドMとサドの性行為を歌った曲だ。俺と彼女のことだよ。このアルバムを書き始めたとき、マゾヒズムとかサディズムとか、そういうものをたくさん読んでいたんだ。でも、もっと感情的な部分にのめり込んでしまって、ちょうど性的な支配のような、所有と服従の相互作用のようなものにものめり込んでしまったんだ。そういう関係には寝室だけでは終わらないダイナミックさがあるんだよな。政府とか、支配者と被支配者の関係とか、そういうものまで含めてね。でも、この曲は支配と服従をストレートに歌っているんだ。それだけなんだ」
ただ、EVERY TIME I DIE のシニカルなユーモアに惹かれていたファンは、この “高揚感のある” アルバムをどう受け止めればいいのでしょう？
「このアルバム自体は、より良いものを実現するために書いたもの。”Radical” での俺は、とても存在感がある。”Low Teens” よりもユーモアがあるのは、俺が良い気分だったからだよ。そうさ、このレコードは高揚感と希望に満ちたレコードだ。”Low Teens” はあまり楽しいレコードではなく、とてもシリアスなレコードだったから、楽しくしたかった。今作ではもっと楽しさを取り戻したいと思っていたんだよ。俺は昔の俺がそうだったことを知っている。俺は彼を誇りに思っているよ。彼は正しいことをすべてやったと思う。過去の俺は、今の俺を育ててくれているんだよ。今なら、ひどい状況から抜け出した人間として、それを読み取ることができる。”Radical” を振り返って、”ああ、これはうまくいったから、とても高揚感のあるレコードになった” と言えるんだ」
8月26日、EVERY TIME I DIE は532日ぶりにライブを行いました。バッファローの400人収容の Rec Room を支配した彼らは、キャリアを横断する23曲のセットを猛烈に焼き尽くし、誰が見てもハードコアで最も猛烈なバンドの一つとしての資格を簡単に更新しました。それ以来、彼らはさらに数回ライブを行っていて、中でも21周年記念のFurnace Fest では、CAVE IN, CONVERGE, GLASSJAW, KILLSWITCH ENGAGE といったベテランのヒーローや同世代のバンドと共に、最も意義深いライブを行いました。
「何か違うことをしようとしたわけじゃないんだ。だけどあの夜はマジカルな感じがしたんだ」
1年半の沈黙の後、音楽的なアイデンティティを取り戻したという側面もあります。
「本当に、ライブを戻すのは赤ん坊の歩みだよ。でも、パンデミックから抜け出せるかどうかわからない時期があったことを考えると、大きな一歩に感じられるね。小さいけど着実な一歩を踏み出すことができたという事実が、大きな飛躍につながるんだ！」
ライブは、EVERY TIME I DIE のメンバーが、キャリアで最も長い休止期間を経て再会する機会にもなりました。その間に、創設者でギタリストの Andy Williams は、プロレスラーとしてのセカンドキャリアを華々しくスタートさせ、AEWではとんでもない口髭を生やしモノクルをつけた悪党ザ・ブッチャーとして有名になりました。
「Andy の活躍ぶりは誰もが知っている。彼がまだショーに出演しているという事実には驚かされるよ！」
Keith の弟でギタリスト Jordan は現在も多作なビジュアルアーティストとして活躍し、ベーシスト Stephen Micciche はいくつかビジネスを経営しています。一方、ドラマーの Clayton ‘Goose’ Holyoak は、彼にとってはじめての ETID 作品 “Radical” のレコーディングに参加し、セットアップにますます欠かせない存在になっています。
Keith は、自身の再生と改革を受けて、バンドメンバーが自分に対して “当然警戒している” と感じていますが、彼は新しい可能性を両手を広げて歓迎しています。
「次にみんなで集まるときに何が起こるか正直わからないよ (笑) でも、楽しみなんだ」
26日間の米国ツアーが迫り、2022年初頭には英国・EUでの公演が予定されています。そんななか、ツアー中のライフスタイルを持続可能なものにするための本格的な計画が進められています。Keith は、2021年夏の終わりに行われた短期間の公演を “試運転” だと考えています。BLINK-182の伝説的人物である Matt Skiba をはじめとする賛同者を探し、心を閉ざした否定的な人々や酒を押し付ける人々の有害なエネルギーを取り除くことが極めて重要だったのです。前述のトラックでバンドのバンの後ろを走ることで、Keith はしばしば酔っぱらっていつも無秩序なロードライフのサイクルから自分を切り離すことができ、同時に自分が落ち込んだときに退避できる安全な空間を確保することができました。
「正直言って、ちょっと不安なんだ。まだ完治していないからな。自分では気づいていない潜在的な地雷があるんだよ。バンドの世界は熱いんだ。みんな酔っていたり、疲れていたり、怒っていたり、自分のことで精一杯だったり。感情が沸騰している。でも、俺は今、そういう秘密の引き金が引かれたとしても、それにどう対処すればいいかを知っている。安全な場所を確保することが重要なんだよ」
自身の弱さを受け入れ、行動に注意を払い、女性主導の関係といった新しいライフスタイルの概念を学ぶことは、再建を続ける上で極めて重要なこと。
「この精神状態と今の生き方は、俺にとって何よりも大切なことなんだ。娘、Angie、両親、友人、そして自分自身との関係がね」
SNS の否定的なコメントにはどのように対処しているのでしょう？
「正直なところ、これは俺がいつも使っている方法なんだけど、無視するようにしたら全くなくなったよ。ただ無視するんだ。一切認めないんだよ。そうすると、やがて収まる。個人的にイライラしたのは、”いつになったら新作が手に入るんだ” と言われることだった。これは奇妙に聞こえるだろうけど。でも、俺がこのレコードと歌詞を書いた2019年とは、大統領政権が変わっていて、いろんなことが変わっていた。だから、今頃は “Medicare For All” があるんじゃないかとか、最低賃金が上がっているんじゃないかとか、レコードが出る頃には俺が書いていることが全部時代遅れになっているんじゃないかと、ただただ期待していたんだよな。でも、それが実現しなかったことで、このアルバムはより身近で話題性のあるものになってしまった。一人の大統領がクソみたいなオフィスから叩き出されたからと言って、問題がなくなるわけではないんだ。政権が変わったからって何の意味もないんだよ。人々はまだ人種差別主義者なんだよ。アメリカ人は相変わらずクソだ」
Twitch でのストリーミング配信も Keith にとって重要な “説法” の場になっています。
「俺はただ、心のままに話すだけだよ。どんなものが出てくるかな。面白いこと、素敵なこと、良いこと。決して人種差別的なものはない、それは確かだ。
配信に誰を呼べばいいんだ？EVERY TIME I DIE のライブに来る人たちを招待すればいい。彼らは有害じゃないからな。そこから始めよう。ビデオゲームをしてたら客が来た。 素晴らしい奴らだ。 クソすばらしいコミュニティができ、それが広がっていく。番組がなくても、このコミュニティがあることをみんなに伝えているんだ。ショーのための、本当に健全な場になっているんだよ。もし俺がステージですべてを捧げることができないとしても、この椅子からすべてを捧げることができるかもしれないだろ？俺はただ話すだけで、本当にひどいことは何も出てこないと信じている。なぜなら、俺はひどい考えを持たないから」
Keith はバンドを離れてもこの福音の話をするつもりです。来年2月のETIDのライブの後に6日間の “An Evening With Keith Buckley” UKツアーを行い、さらに彼は、ツアー中に公園に車を停め、ソーシャルメディアを通じてそこにいることを公表し、ファンを招待してキャンプファイヤーを囲んで話をすることを提案しています。
「言いたいことはたくさんあるし、これは俺にとってとても意味のあることだから、ライブで話ができないなら公園でってね」
しかし、最終的には EVERY TIME I DIE の音楽が彼の最大のプラットフォームであることに変わりはなく、Keith はそれがますます正義の仲間を集める道標になることを望んでいます。
「”美徳の象徴” という考え方は、多くの善良な人々を震撼させたと思うんだ。でも、徳のある人を見分けるには、徳の高い人のサインは必要だ。そういう人たちと一緒にいたいんだよね。物事を変えていくのは彼らだから。俺は、 ETID がどこに行こうとも、世の中に良いことがないことに不満を持つ人々のサポートシステムになることを望んでいる。みんなで集まって、話し合えばいいんだよ。ここにいくつか歌があるから、それについて歌おう。どうせ行くならモッシュピットで盛り上がろうぜ！」
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH EDMOND “HUPPOGIAMMOS” KARBAN OF DORDEDUH !!
“We Like To Experiment With Traditional Instruments. We Use Them In an Unconventional Way, With Changed Tunings, Intentionally Playing Them In a “Wrong” Way”
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CONNIE SGARBOSSA OF SEEYOUSPACECOWBOY !!
“The Romance of Affliction” Is The Satirical Side As a Call Out To The Romanticization Of Things Like Mentel Health Struggles And Addiction That I Feel Aren’t Things To Be Romanticized Cause I Live With It And Its Not Something Anyone Should Look At Positively.”
DISC REVIEW “THE ROMANCE OF AFFLICTION”
「このアルバムでは、バンドを始めたばかりの頃に持っていたカオスや奇妙さ、それに生意気さや皮肉を取り戻したいと思っていたの。その予測不能な奇妙さにメロディと美しさを融合させられるかどうか、自分たちに挑戦したかったのよね」
混沌と厳しさと審美の中で生きる宇宙のカウボーイが放った最新作 “The Romance of Affliction”。EVERY TIME I DIE の Keith Buckley、UNDEROATH の Aaron Gillespie、If I Die First、そしてラッパー Shaolin G といった幅広いゲストが象徴するように、この苦悩のロマンスではデビューLP “The Correlation Between Entrance and Exit Wounds” で欠落していた初期の混沌と拡散、そして予測不可能性が再燃し、見事に彼らの美意識の中へと収束しています。ドロドロと渦巻くマスコアの衝動と、ポスト・ハードコアの甘くエモーショナルな旋律との間で、両者の軌道交わる最高到達点を目指した野心の塊。
初期のEPと数曲の新曲を集めた “生意気” に躍動するコンプ作品 “Songs for the Firing Squad” と比較して “Correlation” は暗く、悲しく、感情的に重い作品だったと言えるでしょう。それはおそらく、ボーカル Connie Sgarbossa の当時の状況を反映したものでした。重度の薬物依存性、体と心の不調、そしてそこに端を発する人間関係の悪化。大げさではなく、オーバードーズで死にかけたことさえありましたし、友人は亡くなりました。
「多くの依存症者は、社会的な汚名を被ることを恐れてそれを口にすることができず、一人で苦しみ、不幸にも人生を壊してしまうか、ひどい時は死んでしまう。私は、この汚名を少しでも払拭し、人々が一人で負担を背負う必要がないと感じられるように、この問題について話し助けを与えることができるようにしたいのよ。誰かがオーバードーズで亡くなった後にはじめて、その人が薬物の問題を抱えていたと知ることがないようにね」
Connie は今も依存症と戦い続けています。最近では、SNS で自身が重度の依存症であることを明かしました。それは、依存症が一人で抱えるには重すぎる荷物だから。同時に自らが悲劇と地獄を経験したことで、薬物依存が映画の中の、テレビの中の、クールなイメージとはかけ離れていることを改めて認識したからでした。
「メンタルヘルスや依存症といったものがロマンチックに語られることに警鐘を鳴らす意味があるの。私はそれを抱えて生きているからこそ、肯定的に捉えてはならないものだと感じているのよ」
自分のようにならないで欲しい。そんな願いとともに、”The Romance of Affliction” は Connie にとってある種セラピーのような役割も果たしました。音楽に救われるなんて人生はそれほど単純じゃないと嘯きながらも彼女がこれほど前向きになれたのは、弟の Ethan 以外不安定だったバンドの顔ぶれが、オリジナル・メンバー Taylor Allen の復帰と共に固まったことも大きく影響したはずです。そしてそこには、KNOCKED LOOSE の Isaac Aaron のプロデューサーとしての尽力、貢献も含まれています。
依存症者が依存症者に恋をするという、三文オペラのような筋書きの、それでいて興味を示さずにはいられないオープナー “Life as a Soap Opera Plot, 26 Years Running”。Connie はこの曲で、ドラッグやセックスに溺れる依存症の実態を描き、「みんなは結局こういう話が好きなんでしょ？でもそんなに良いものじゃない」 と皮肉を込めてまだまだ緩い、炎の中で燃えたいと叫び倒します。まるでパニックのような激しいギターとスクリームの混沌乱舞は、あの FALL OF TROY でさえ凌いでいるようにも思えますね。
“Misinterpreting Constellations” や “With Arms That Bind and Lips That Lock” では、今回バンドが追い求めた予測不能と予定調和の美しき融合が具現化されています。狂気の暗闇を縦糸に、メロディックな光彩を横糸に織り上げたカオティック・ハードコアのタペストリーはダイナミックを極め、3人のボーカリストがそれぞれ個性を活かしながら自由にダンスを踊ります。もちろん、ジャズ、メタルコアのブレイク・ダウン、唐突のクリーン・トーン、本物のスクリーム、そしてデチューンされたギター・ラインが混在する “Anything To Take Me Anywhere But Here” を聴けば、彼らのアイデアが無尽蔵であることも伝わるでしょう。
重要なのは、宇宙のカウボーイが、往年のポスト・ハードコア、メタルコア、マスコアのサッシーなスリル、不協和音、エモポップのコーラス、メロディックな展開に影響を受けつつ、人間らしさを失わずに洗練されている点でしょう。Connie の想いが注がれたおかげで。
今回弊誌では、Connie Sgarbossa にインタビューを行うことができました。「カウボーイ・ビバップ” のエンドカードとフレーズは私にとって常に印象的で、私はずっとあのアニメのファンでもあったから名前をとったのよ」 どうぞ！！
SEEYOUSPACECOWBOY “THE ROMANCE OF AFFLICTION” : 9.9/10
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH BRANDON CRUZ OF SO HIDEOUS !!
“Why Waste Opportunity Trying To Do Laurestine or Last Poem Part 2 The Sequel To Please a Small But Loud Subset Of Closed Minded Internet Message Board Music “purists” Clinging To The Past? That’s a Terrible Way To Live.”
DISC REVIEW “NONE BUT A PURE HEART CAN SING”
「アルバムをリリースするのは、自己表現という意味では一生に数回しかないチャンスだ。なぜ “Laurestine” や “Last Poem” の Part 2 みたいな “続編” を作って、インターネット掲示板で少数だけど喧しい “音楽純粋主義” 集団を喜ばせなきゃならないのか？それはひどい生き方だよ」
例えば政治であれ、例えば社会であれ、例えば音楽であれ、純粋さが失われた現代において、真っ直ぐに愛する音楽を奏で、正直に言葉を紡ぐ SO HIDEOUS がいなければ、世界はさらに “とても醜い” ものになってしまうでしょう。
「このバンドは基本的に “エクストリーム・ミュージック・コミュニティ” に向けて売り出されていて、彼らは実際に “極端な” 音楽と呼ばれる音楽を掲げているにもかかわらず、最も保守的なリスナーであることが多いんだよね。どのジャンルやレーベルの下で活動すべきかということに非常に固執し、それを武器にバンドに牙をむいたりね。そんなのクソくらえだよ」
SO HIDEOUS が長い休止期間を経て戻ってきたのは、ポストブラックやブラックゲイズといったジャンルの掟を踏襲するためでも、プライドだけが肥大化したファンという名の何かを満たすためでもなく、ただ自由に望んだ音楽を追求するため。前回のインタビューで Brandon 自らが “コンサート・ホールでシンフォニーが奏でるような完全で妨げる余地のないリスニング体験” と呼んだ、きらびやかで感情的、そしてオーケストレーションを極めた傑作 “Laurestine” さえ過去にする最新作 “None But A Pure Heart Can Sing” には、メタル世界で最も想像力に富んだバンドの野心と矜持と反骨が詰まっているのです。
「叙情的なオーケストレーションではなく、リズムに根差した曲を演奏するのがとても自由なことに思えたんだ。Mike、DJ、Kevin が活動してきたバンドやプロデュースしたバンドに人々はこだわると思うんだけど、実際のところ、彼らはマス／ポストカオティック・ハードコアとか、そういうジャーナリストによって入れられた箱よりもずっと多様なミュージシャンなんだよ」
ポスト・ハードコアの混沌をリードする THE NUMBER TWELVE LOOKS LIKE YOU のリズム・セクション Mike Kadnar と DJ Scully の参加、そして THE DILLINGER ESCASE PLAN の Kevin Antreassian のサウンドメイクは、結果として SO HIDEOUS の宇宙を果てしなく拡げる重要な鍵となりました。獰猛と静寂の邂逅。整合と混沌の融合。
「このバンドのメンバーは、LITURGY と Hunter Hendrix の作品をとても楽しんでいて、絶大な敬意を払っているんだ」
オーケストラやシンフォニックな要素を取り入れている点で SO HIDEOUS は同じニューヨーク出身の LITURGY にも似ています。さらに今回、彼らはより多くのリズムを求めて、フェラ・クティやトニー・アレンのアフロビート、ジェームス・ブラウンのホーン・セクション、オーティス・レディングやサム・クックのバラードなど色彩を多様に吸収して、雅楽までをも抱きしめる LITURGY の哲学に一層近づきました。ただし大きな違いもあります。LITURGY が “超越したブラックメタル” を追求するのに対して、SO HIDEOUS はもはやブラックメタルのようにはほとんど聞こえません。
「以前は、”Screaming VS Orchestra” というシンプルなバンドの “アイデア” にこだわっていたように思うんだよね」
アルバムは、CONVERGE, CAVE IN, ENVY あるいは THE DILLINGER ESCAPE PLANE のようなポスト・ハードコア、メタルコア、マスコアのスタイルにはるかに近く、ブラックゲイズの慣れ親しんだ荘厳とは明らかにかけ離れています。重要なのは、彼らがネオクラシカルなサウンドとこの新しいポスト・ハードコア／メタルコアのスタイル、そして中近東からアフリカに西部劇まで駆け巡るワールド・ミュージックとの間に絶妙な交差点を見つけ出した点で、ストリングスとホーンの組み合わせがヘヴィーなリフと無尽蔵のリズムを際立たせ、苦悩から熱狂を創造する “The Emerald Pearl” の緊張感と即興性はアルバムを象徴する一曲だと言えるでしょう。
今回弊誌では、Brandon Cruz にインタビューを行うことができました。「僕がギターを弾いているのは、Envy の 河合信賢と MONO の Taka Goto のおかげなんだよ。僕は彼らを恩師だと思っていて、彼らの音楽には人生で永遠に感謝し続けるだろうね」 ニ度目の登場。どうぞ！！
SO HIDEOUS “NONE BUT A PURE HEART CAN SING” : 10/10
