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BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【W.E.T. : EARTHRAGE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ROBERT SÄLL OF W.E.T. !!

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Melodic Hard Super-Stars, W.E.T. Has Just Released Definitely One Of The Best Record In The Genre “Earthrage” !! Are You Ready For “Burn” And “Watch Their Fire” ?

DISC REVIEW “EARTHRAGE”

WORK OF ART, ECLIPSE, TALISMAN。メロディックハードの幾星霜に足跡を刻んだ三雄を頭文字に戴くスーパーグループ W.E.T. が、捲土重来を期すジャンルの王政復古 “Earthrage” をリリースしました！！瑞々しいアリーナロックの雄々しき鼓動は、地平の年輪に印されしかつての栄光を確かに呼び覚まします。
WORK OF ART と ECLIPSE。2000年代以降、メロディックハード希望の星は明らかにこの両雄でした。片や洗練の極みを尽くす AOR、片や情熱と澄明のハードロック。
しかしインタビューで語ったように、スウェーデンの同じ学校から輩出された2つの綺羅星 “W” の象徴 Robert Säll と “E” の象徴 Erik Mårtensson は、至上のメロディーを宿すシンクロニティー、宿命の双子星だったのです。実際、2人の邂逅は、AOR とハードロックの清新なる渾融を導き、ジャンルのレジェンド Jeff Scott Soto の熱情を伴って唯一無二の W.E.T. カラーを抽出することとなりました。
故に Robert の 「最初の2枚では、僕と Erik がかなりコラボレートして楽曲を書いていたんだ。だけど、今回の作品のソングライティングに僕は全く関わらなかったんだよ。」という発言はある意味大きな驚きでした。
それは何より、”Earthrage” が疑いようもなくバンドの最高傑作となり得たのは、前作 “Rise Up” で顕著であった硬質なサウンド、メタルへの接近をリセットし、Robert の得意とする80年代初頭のオーガニックなメロディックロックを指標したからに他ならないと感じていたからです。
つまり、「”Earthrage” を制作する際に Erik と話し合ってあのオーガニックなスタイルを取り戻すべきだと感じた訳さ。」と語るように、もちろん Robert から方向性についてのサジェスチョンはあったにせよ、”Earthrage” における奇跡にも思える有機的な旋律の蒸留、ハーモニーの醸造、ダイナミズムの精錬には改めて責任を一手に負った Erik Mårtensson というコンポーザーの開花と成熟を感じざるを得ませんね。
予兆は充分にありました。ECLIPSE のみならず、NORDIC UNION, AMMUNITION 等、歴戦の猛者達との凌ぎ合いは、明らかに Erik の持つ作曲術の幅を押し広げ、効果的で印象に残るコーラスパートの建築法を実戦の中で磨き上げて行ったのですから。
アルバムオープナー、”Watch The Fire” はまさに Erik とバンドが到達した新たな高みの炎。冒頭に炸裂する生の質感を帯びた強固なリズムと、期待感に満ちたギターリフはまさしく ECLIPSE 人脈から Magnus Henriksson & Robban Bäck 参加の功名。凛として行軍するヴァースでは Jeff と Erik がボーカルを分け合い、さながら DEEP PUPLE の如き伝統のインテンスを見せつけます。
コーラスパートは巨大なフックを宿す獣。トップフォームの Jeff は、久方振りに発揮する本領で徹頭徹尾リスナーのシンガロングを誘うのです。そしてパズルのラストピースは、Desmond Child 譲りのアンセミックなチャントでした。
BOSTON の奥深き音響に Robert のキーボードが映える “Kings on Thunder Road”、MR. BIG の “Nothing But Love” を彷彿とさせるストリングスの魔法 “Elegantly Wasted” を経て辿り着く “Urgent” はアルバムを象徴する楽曲かも知れませんね。
同タイトルのヒットソングを持つ FOREIGNER の哀愁とメジャー感を、コンテンポラリーなサウンドと切れ味で現代へと昇華した楽曲は、あまりに扇情的。
畳み掛けるように SURVIVOR の理想と美学を胸いっぱいに吸い込んだ “Dangerous” で、リスナーの感情は須らく解放され絶対的なカタルシスへと到達するはずです。
そうして一部の隙も無駄もないメロディックハードの殿堂は、”決して終わらない、引き返せない” 夢の続き “The Never-Ending Retraceable Dream” でその幕を閉じました。楽曲のムードが Jeff にとって “引き返せない” 夢である JOURNEY を想起させるのは偶然でしょうか、意図的でしょうか？
今回弊誌では、WORK OF ART でも活躍する稀代のコンポーザー Robert Säll にインタビューを行うことが出来ました。想像以上に明け透けな発言は、しかしだからこそ興味深い取材となっているはずです。「メロディックハードロックがまたチャートの頂点に戻れるとは思えないね。そして僕はそれで構わないと思っているんだよ。」どうぞ！！

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W.E.T. “EARTRAGE” : 10/10

INTERVIEW WITH ROBERT SÄLL

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Q1: This is our first interview with you. So, at first, could you tell us about you and W.E.T itself? What kind of music did you listen to, when you were growing up?

【ROBERT】: I grew up in Stockholm, Sweden, during the 80ies and fell in love with music pretty early. At that time melodic rock/AOR was very popular and I became an instant fan of this type of music. My first favorite band where Kiss, Bon Jovi and Van Halen. But at the same time my older brother fed me with more pop/prog stuff like Prince, Genesis, Level 42 etc so it was really a mix bag of musical styles I grew up with. Then, later on I discovered Toto which introduced me to the whole L.A. scene and all the great records produced by David Foster & Jay Graydon etc. And that is still today the music I enjoy the most. Once I started high school and got serious about studying music, I was introduced to jazz music by the teachers at school. I spent many years playing jazz, soul and funk as it was the only kind of music that was accepted at school. But I learned so much from it and I’m really glad I spent time learning jazz, even though it’s not the music I prefer to play these days, it gave me a greater understanding of music theory and arranging etc. and that is still very helpful to me. And the good thing about going to high school was meeting the other guys in Work of Art. So, I guess you could say that we studied jazz during the weeks and wrote AOR songs on the weekends in those days. Anyway, fast forward to 2008 when we released our first Work of Art Album. Serafino from Frontiers records took a shine to my song writing and wanted me to be part of a new project which became W.E.T. The original idea was to have me write six songs, Erik write six songs and then have Jeff Scott Soto to sing them. That’s was the basic concept behind W.E.T.. But we took it a bit further and turned it to a real band.

Q1: 本誌初登場です！まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話していただけますか？

【ROBERT】: 僕は80年代にスウェーデンのストックホルムで育ったんだ。そこでとても幼い頃から音楽と恋に落ちていたんだよ。当時はメロディックロック/ AOR がとても人気があってね。すぐにそういったタイプの音楽のファンになったよ。最初にハマったのは KISS, BON JOVI, VAN HALEN といったバンドだったね。
ただ、同時に僕の兄が Prince, GENESIS, LEVEL 42 などのよりプログレッシブな音楽を教えてくれていてね。だから、僕は素晴らしい音楽の素養を背景に育ったと言えるだろうね。
その後に僕は TOTO をはじめとした David Foster & Jay Graydon が手がけた偉大なレコードと L.Aのシーンを発見したんだ。そういった音楽こそ、僕が今日でも最も楽しめるものなんだよ。
高校に入ると、より真剣に音楽を学び始めたね。学校では先生からジャズを教わったんだ。僕は何年もジャズやソウル、ファンクをプレイし続けたね。それらの音楽だけが学校で認められていたからなんだけど。
ただ、そういった音楽からは本当に多くを学んだし、当時自分が好んでいた音楽ではないにしろジャズに時間をかけて良かったと思っているんだ。音楽理論やアレンジについてとても理解が深まったからね。今でもとても助けになっているよ。
それに高校に通うことで WORK OF ART の他のメンバーに巡り会うことも出来たしね。つまり当時の僕たちは、平日にジャズを学んで、週末に AOR を作曲するって感じだったんだ。
そうして、2008年には WORK OF ART のファーストアルバムをリリースすることが出来たんだ。そして、Frontiers Music の Serafino は僕のソングライティングを殊更気に入っていて、後に W.E.T. となる新たなプロジェクトに加わって欲しいと考えたんだよ。
元々のアイデアは、僕が6曲、Erik が6曲を書いて Jeff が歌うというものだったね。それが W.E.T.の基本コンセプトだったんだ。だけど僕たちはそこから更に進んでリアルなバンドになったのさ。

Q2: You’re a guitar player in Work of Art, but in W.E.T. you are credited as a keyboard player, right?

【ROBERT】: Let me start by saying that I’m not a keyboard player but a guitar player. I know this is a bit confusing because of W.E.T. where I’m credited as a keyboard player. The only reason I play keyboards in W.E.T. is because we are three guitars players in W.E.T., Erik, Magnus and myself .And someone had do play keyboards for the live shows. So the other guys said ”It will have to be you Robert because you are the only one who at least knows how to turn on a keyboard”. hahaha So, all of the sudden, I was a ”keyboard player”. But I know the basics of how a to play piano/keyboards and the W.E.T. songs a really easy to play. Anyone with a little bit of piano training could do it. For me it’s not really playing, it’s more about pressing down the right keys at the right time. At least, that’s how playing keyboards live with W.E.T. feels. But in the studio, I do a lot of keyboards on my own songs for Work of Art and any other song writing I’ve done for other artists. And Erik have heard those keyboards and wanted me to do more keyboards for W.E.T. as well. But having said that, on the W.E.T. records it’s both me and Erik doing keyboards.

Q2: WORK OF ART でのあなたはギタープレイヤーですが、W.E.T. ではキーボードプレイヤーとクレジットされていますね？

【ROBERT】: まず断っておきたいんだけど、僕はキーボードプレイヤーではなくギタープレイヤーだよ。確かに W.E.T. ではキーボードプレイヤーとクレジットされているから少し混乱を招いているかもしれないね。
僕が W.E.T. でキーボードをプレイする唯一の理由はバンドに3人のギタリストが存在するからなんだ。Erik, Magnus, そして僕だね。そして誰かがライブではキーボードをプレイしなくてはならなかったからね。だから他のメンバーが、「ねえ、Robert。少なくともキーボードのスイッチの入れ方を知っているのは君だけなんだから、君がプレイするべきだ。」と言った訳だよ。（笑）。それで突然僕は “キーボードプレイヤー” になったんだ。
まあ、僕はピアノやキーボードの基本的な演奏は知っているし、W.E.T. のキーボードパートは本当に簡単だからね。少しでもピアノのトレーニングを積んだ人なら誰でもプレイ出来るようなね。だから、僕の場合はプレイするというよりも、正しい鍵盤を正しいタイミングで押しているという感じかな。少なくとも W.E.T. のライブでのプレイはそんな感じだよ。
ただ、スタジオでは WORK OF ART の自分の楽曲や他のアーティストに提供した楽曲で沢山キーボードをプレイしているよ。Erik はそういった楽曲を聴いていたから W.E.T. でもっと僕にキーボードをプレイして欲しかったのもあるだろうね。ただ、W.E.T. のアルバムでは Erik もキーボードをプレイしているんだよ。

Q3: It’s not big secret that W.E.T is melodic hardrock supergroup From W (Work of Art), E (Eclipse), and T (Talisman). But how did the “Big Three” come to be? Have you known them each other before starting W.E.T.?

【ROBERT】: Erik, Magnus and I went to school together for a year (that’s when Magnus and Erik formed Eclipse) and me and Erik often talked about writing songs together. So when Frontiers approached us both about W.E.T. we both felt, great, this is the perfect situation that we have been waiting for to work together. And then to have Jeff Scott Soto, who we didn’t know but was such a hero to both of us, to sings those songs was like a dream come true!!!

Q3: W.E.T. がメロディックハードのスーパーグループであることは揺るぎのない事実ですが、”Big 3″ が集結した経緯について話していただけますか？3人は以前から知り合いだったのでしょうか？

【ROBERT】: Erik, Magnus, そして僕は同じ学校に一年間通っていたんだよ。そこで Erik と Magnus は ECLIPSE を結成したんだ。その当時、僕と Erik はよく共作したいねなんて話していたんだよ。
だから Frontiers Music が W.E.T. の話を持ちかけて来た時、僕たち2人は待ち望んだ共作の完璧なシチュエーションだ、素晴らしいと感じた訳だよ。
Jeff Scott Soto とは面識はなかったけど、もちろん彼は僕たち2人のヒーローだったからね。僕たちの楽曲を歌ってくれるなんて、まさに夢が実現したって感じだったよ！！！

Q4: So, let’s talk about your newest record “Earthrage”. You know, definitely it’s melodic hard masterpiece in the decade. Actually, Frontiers’s label owner Serafino Perugino said “by far one of the best records in Frontiers’s history.”. Have you expected such a great reactions?

【ROBERT】: Well, to be honest, I kind of expected it would be a success as both Erik and Jeff is such stars in this genre. And based on the songs and the performances on this record, I don’t think any fans of Jeff or Erik will be let down.

Q4: では、最新作 “Earthrage” について話しましょう。その Frontiers Music のオーナー Serafino 氏はこれまでのレーベルの歴史において最高の作品の一つだと発言していますね。
個人的にもここ10年で最高のハードロック作品だと感じています。これほど素晴らしいリアクションを期待していましたか？

【ROBERT】: そうだね。正直に言って、このジャンルにおけるスター2人、Erik と Jeff が居るんだから成功を期待していたのは確かだね。そしてこのレコードの楽曲とパフォーマンスが、Jeff と Erik 双方のファンをがっかりさせることはないと思っているよ。

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Q5: Five years have passed since you released previous record “Rise Up”. Off course, it’s natural because all members have other bands and projects. But How did the writing, recording process change? Did you three get together in the creative process?

【ROBERT】: The first two records was very much a collaborative song writing effort from Erik and me whereas this record, I didn’t get involved in the song writing process at all. But instead, Jeff has been involved and written lyrics for a bunch of the songs. So that’s a change but I think it’s a good one because I think the key to W.E.T.’s success is Eriks songwriting style and Jeff’s voice. They have a lot in common musically, Erik grew up listing to Swedish bands like, Europe, Talisman and Yngwie Mamsteen and we all know how involved Jeff has been in that scene.

Q5: 前作 “Rise Up” からは5年の月日が経過しています。もちろん、各自が様々なバンドやプロジェクトで忙しくしていて、長期のインターバルは仕方がないように思えます。
ただ今回、制作のプロセスに変化はあったのでしょうか？

【ROBERT】: 最初の2枚では、僕と Erik がかなりコラボレートして楽曲を書いていたんだ。だけど、今回の作品のソングライティングに僕は全く関わらなかったんだよ。その代わりに、Jeff が以前より多く関わって楽曲の歌詞も沢山書いたんだ。変化と言えばそのことだろうな。
だけど僕はポジティブな変化だと考えているよ。なぜなら、W.E.T. が成功するための鍵は Erik のソングライティングスタイルと Jeff の声だからね。彼ら2人には音楽的な共通点も多くて、何より Erik は EUROPE, TALISMAN, Yngwie Malmsteen といったスウェーデンのバンドを聴いて育った訳だからね。Jeff がそういったバンドやシーンに関わって来たことはみんな知ってるでしょ？

Q6: I really love “Earthrage” because I feel it’s a little bit far from metal realm compared with your previous two records. I mean, this record has definitely more early 80’s organic vibes like Foreigner, Queen, Boston, Asia, Toto. I’m not saying because of “Urgent”, haha. Do you agree that?

【ROBERT】: I know that we said going in to making Rise Up, that we wanted it to be a bit more heavy than our debut record which had a bit more ”fluffy” feeling. So with Earthrage, I remember discussing this with Erik and we felt it was time to go back to a bit more ”fluffy” style so we wouldn’t be making a ”Rise Up part two”. I think ”Earthrage” is somewhere in middle of the first two records, at least that’s how it feels to me.

Q6: “Earthrage” が傑作に仕上がった理由の一つは、メタルから少し距離を取った “メタル過ぎない” コンポジションだと感じました。
“Urgent” という楽曲が収録されているから言う訳ではありませんが、FOREIGNER, BOSTON, SURVIVOR や TOTO といった80年代初期のオーガニックなヴァイブが以前より増えましたよね？

【ROBERT】: 確かに僕たちは、”Rise Up” を制作する際、”ナチュラル” な感覚を持ったデビュー作より少しヘヴィーにしたかったんだよ。だから、”Earthrage” を制作する際に Erik と話し合ってあのオーガニックなスタイルを取り戻すべきだと感じた訳さ。確かなことは、”Rise Up” パート2を作る気はなかったってこと。
“Earthrage” はファーストとセカンドの中間くらいに位置していると思うんだ。少なくとも、僕にはそう感じられるね。

Q7: Actually, melodic hardrock is not popular genre like 80’s. Do you think it’s possible to make “melodic hardrock” great again?

【ROBERT】: No not really. But I think thanks to the internet, nowadays, it’s easier to for people to discover the genre and I think it really has helped keeping it alive. But for it to be back on the top lists again, no I don’t think so and that’s fine by me.

Q7: 昨今、所謂メロディックハードロック、AOR は80年代ほど人気がある訳ではありません。復興は可能だと思いますか？

【ROBERT】: 簡単ではないだろうけど、どうだろうね。ただ、インターネットには感謝しなければね。おかげで今日、このジャンルを発見することは容易になっているからね。その恩恵でこのジャンルが生かされているとさえ思うんだよ。
だけど、だからと言ってまたチャートの頂点に戻れるとは思えないね。そして僕はそれで構わないと思っているんだよ。

Q8: So, we can’t wait next Work of Art’s record. Is there any plan to release?

【ROBERT】: I’m writing the new album right now and we will finish it in September this year. So I guess it will be released probably sometime late 2018 or early 2019. Whenever Frontiers feels the timing is right!

Q8: WORK OF ART の新作も待ち切れませんね？

【ROBERT】: 今ちょうど新作を書いているところなんだ。今年の9月には完成すると思う。だから今年の終わりか、2019年の初頭にはリリースされるはずさ。Frontiers が正しいと思うタイミングでね！

FIVE ALBUMS THAT CHANGED ROBERT’S LIFE

TOTO “THE SEVENTH ONE”

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GIANT “TIME TO BURN”

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VAN HALEN “1984”

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3RD MATINEE “MEANWHILE”

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STEELY DAN “ROYAL SCAM”

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MESSAGE FOR JAPAN

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First of all, thank you so much for all the support! I really hope for all of my bands to become even more popular in your country. I have such good memories of meeting Japanese fans at different live shows around the world, always so kind and dedicated to the music. I hope to meet many more of you in the future!!!

まずは、多くのサポートを本当にありがとう！僕は関わっているバンド全てが君たちの国でもっと人気が出ることを心から願っているんだよ。
世界中の様々なライブで出会う日本のファンたちとは、素晴らしく良い思い出があるんだ。いつだってとても親切で音楽に捧げているんだからね。もっともっと多くの日本のファンと会ってみたいね！！

ROBERT SÄLL

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【GLEB KOLYADIN (IAMTHEMORNING) : GLEB KOLYADIN】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH GLEB KOLYADIN OF IAMTHEMORNING !!

Gleb

Not Only A Gifted Pianist And Keyboardist, But A Brilliant Songwriter And Arranger, Iamthemorning’s Keyboard Wizard Gleb Kolyadin Shows His Incredible Talent With His Kaleidoscope-ish Solo Debut “Gleb Kolyadin” !!

DISC REVIEW “GLEB KOLYADIN”

崇高で森厳なる夢幻世界を具現化し、知性とロマンの宝石箱でプログシーンに衝撃をもたらした iamthemorning。幽玄の歌姫 Marjana を存分に駆使するコンダクター、Gleb Kolyadin が自身の “音楽日記” を更新するソロデビュー作 “Gleb Kolyadin” をリリースしました！！
万華鏡の世界観で待望の “キーボードヒーロー” が紡ぐ豊潤で鮮やかなサウンドスケープは、弦数を増やし複雑さと重厚さで近代インストゥルメンタルミュージックの花形となったギターへと突きつけた挑戦状なのかも知れませんね。
「この作品のアイデアは何年も前から積み重ねられて来たものだということなんだ。僕は長年、”Polonuimcubes” という音楽日記のようなものを書き続けているんだよ。」セルフタイトルで自身のポートレートをアートワークに冠した作品は、Gleb の書き連ねた音楽日記と自身のパーソナリティーを投影したまさに自叙伝のようなアルバムです。
“From Stravinsky to Keith Jarrett to ELP”。クラッシック、現代音楽、ジャズ、アンビエント、そしてプログレッシブに敬意を表したマイスターの自叙伝、ワイドで限定されない豊かなイマジネーションは、まさに多様なモダンミュージックの雛形だと言えますね。グランドピアノの凛とした響きは、時に Chick Corea の流麗なエレクトリックキーボードや Brian Eno の空間の美学へと移行し、全てを抱きしめたロシアンマイスターの傑出した才能を伝えています。
つまり、Gavin Harrison, Nick Beggs, Theo Travis といったプログシーンの重鎮がドラムス、ベース、フルート&サックスで牽引し、スーパースター Steve Hogarth, Jordan Rudess がゲスト参加を果たしたこのレコードでは、しかし Gleb こそが凛然と輝く星斗。
アルバムオープナー、”Insight” は Gleb の新たな音旅への “洞察” を高めるリスナーへのインビテーション。Gleb のピアノと Gavin のドラムスは、まさに一枚岩の如く強固に同調しアルバムの骨格を形成し、サックスと弦楽器を巧みに操るシンセサイザーの躍動は印象的なメロディーの潮流と共に作品の自由と鮮度を伝えます。
万華鏡の世界観を象徴する “Kaleidoscope” はモダンとレトロの交差点。プログレッシブの遺産を濃密に宿したピアノが奏でる爽快なテーマは ELP の “Hoedown” にも通じ、Gleb の繊細かつ大胆な鍵盤捌きは言葉を失うほどにスリリングです。
Tatiana Dubovaya のエセリアルなコーラスが切れ込むと雰囲気は一変し、突如として世界は荘厳なる現代的なアトモスフィアに包まれます。そうして楽曲は、フルートの音色を皮切りにエレクトリックカーニバルの大円団へと向かうのです。もちろんここに広がる多彩な”Kscope” はレーベルの美学、ポストプログレッシブの理念とも一致していますね。
そうして “Eidolon”, “Constellation/ The Bell” といった浪漫溢れるピアノの小曲と同様に、ボーカル曲も “Gleb Kolyadin” が誇る “Kscope” の一つとなりました。
“Storyteller” で Jordan Rudess とのヒリヒリするようなインテンスを終えた後辿り着く”The Best of Days” は終幕に相応しき叙情のドラマ。MARILLION の Steve Hogarth と Gleb のコンビネーションは極上のアトモスフィアとセンチメントを創造し、ノスタルジアを深く湛えた楽曲はリスナーの過去へと旅立ち “古き良き日” を克明にイメージさせるのです。
「現在ピアノは、僕にとって自分の思考や感情を表現するためのベストなオプションなんだ。」と語る Gleb。どこまでも謙虚なピアノマンはしかし、間違いなくプログシーンのセンターに立っています。長く待ち望まれた新たな鍵盤の魔術師はロシアからの登場。Gleb Kolyadin です。どうぞ！！

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GLEB KOLYADIN “GLEB KOLYADIN” : 10/10

INTERVIEW WITH GLEB KOLYADIN

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Q1: Hi, Gleb! Thank you so much for giving us such a great opportunity! This is our flrst interview with you. So, at first, could you tell us about yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【GLEB】: Hi Sin I am also very glad to be able to be a part of this conversation with you.
I really love classical music since my childhood and this is the main source of inspiration for me so far. But my first purchased tape was a collection of tracks by Mike Oldfield when I was 11 years old. After that, I discovered the music of Brian Eno, Future Sounds of London, David Bowie, King Crimson and much more… I was interested in a lot of things, every album seemed like a real revelation back then, a whole story. I also like different ethnic music since childhood, this also influenced me a lot. In general, I have been musically omnivorous since childhood, if the music touches me in an emotional, sonic and mental aspects.

Q1: こんにちは、Gleb。素晴らしい機会をありがとうございます。本誌初登場ですね！まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話していただけますか？

【GLEB】: やあ、Sin。僕も君と話せてとても嬉しいよ。
子供のころからクラッシックが本当に大好きだったんだ。そしてクラッシックは今でも僕のインスピレーションの主な源となっているんだよ。ただ、最初に買ったカセットテープは、Mike Oldfield のベスト盤だったね。11歳の時だよ。
それから僕は、Brian Eno, FUTURE SOUNDS OF LONDON, David Bowie, KING CRIMSON なんかを発見していったんだ。どのアルバムも、当時の僕には天啓のように思えたね。
あとは、子供の頃から様々な民族音楽も、愛聴しているんだよ。これも大きな影響を与えたものの一つだね。
つまり、僕は子供の頃から音楽的には雑食だったと言えると思う。その音楽が感情や精神の琴線に触れるなら何でもね。

Q2: What inspired you to start playing piano? And how did you learn it?

【GLEB】: I really liked this instrument. Probably, because there are a lot of buttons and it sounds cool, I don’t know, haha.
I started my piano lessons when I was 6 years old.
Since then I have passed all the stages of classical music education – from the music school to the conservatory in St. Petersburg. My parents are not musicians, so I relied heavily on the taste of my teachers. Each of them was great and gave me a huge experience that I still use not only as a pianist, but also as a composer.
Now the piano for me is the best option to express my thoughts and emotions. In addition, it is an opportunity to discover a lot of new music, an opportunity to dive into the history of art in general.

Q2: では、ピアノを始めたきっかけは何だったのでしょう？ そこからピアノをどのように学んでいったのですか？

【GLEB】: 僕はこの楽器が本当に気に入っているんだ。おそらくそれは、沢山のボタンがあってサウンドがクールだからかな。分からないけど。（笑）
とにかく、ピアノのレッスンは6歳の時に始めたんだ。そこから僕は、クラッシックにおける音楽教育全てのステージを通過して来たんだよ。音楽学校からサンクトペテルブルクのコンサバトリーまでね。
両親は音楽家じゃなかったから、先生の感覚をとても信頼していたんだ。先生たちはそれぞれ偉大で、大きな経験を積ませてくれたね。その経験はピアニストとしてだけではなく、コンポーザーとしても生きているんだ。
現在ピアノは、僕にとって自分の思考や感情を表現するためのベストなオプションなんだ。加えて、それは多くの新たな音楽を発見する機会でもあるし、アートの世界へとのめり込むチャンスでもある訳さ。

Q3: So, how did you and Marjana get to know each other? And how did iamthemorning come to be?

【GLEB】: Each of us played in some music projects even before the band was created. After each of the projects collapsed, our mutual friend introduced us to each other. it was a very important and fateful meeting for both of us. At first we just met to drink tea and play some cover versions of songs that Marjana likes. But gradually we began to compose our own material and it all became really exciting. After a while we were offered to open for the Icelandic band Arstidir, who then came to Russia for the first time. And this event in many respects has forced us to make some kind of demo and promo videos. We started recording and eventually recorded our first album two years before we met Kscope in London.

Q3: あなたと iamthemorning のボーカル Marjana が出会った経緯を知りたいファンも多いと思います。

【GLEB】: バンド結成以前、僕たちは様々なプロジェクトでプレイしていたんだ。そういったプロジェクトがポシャった後、共通の友人がお互いを紹介してくれたんだよ。僕たち2人にとって非常に重要で運命的な出会いだったね。
最初は、ただ2人でお茶をして、Marjana の好きな楽曲をいくつかカバーしただけだったんだ。だけど徐々に2人で自分たちの楽曲を作り始めて、全てが実にエキサイティングなマテリアルになったんだ。
しばらく後に、アイスランドのバンド ARSTIDIR のオープニングを務めるオファーが来てね。彼らがロシアに来るのは初めてだったんだけど、とにかくこのイベントは様々な点で僕たちがデモやPVを制作する力となったんだ。
僕たちはレコーディングを開始し、ロンドンの Kscope で会ってから2年の後にファーストアルバムを完成させたのさ。

Q4: OK, your solo debut record “Gleb Kolyadin” definitely will be one of my year’s best. But what made you make solo record after two highly-praised albums with iamthemorning?

【GLEB】: First of all, I just wanted to realize the ideas that have accumulated in me for several years. I have been writing something like a music diary called “poloniumcubes” for a long time. This is instrumental music, and some tracks from there I use with iamthemorning, some for my local projects. But still there was so much unused material that I decided to collect some ideas and combine them into one album that could justify the time and effort that was spent before. However, in the end I still composed most of the music for the album anew, using only 4 old tracks.
In other words, this album was formed out of respect for my own work.

Q4: では、あなたのソロデビュー作品 “Gleb Kolyadin” について話しましょう。私にとってこの作品は年間ベストクラスの傑作です。ただ、iamthemorning の作品が好評を博す中、ソロ作品の制作に踏み切った理由を知りたいのですが？

【GLEB】: まず分かって欲しいのは、この作品のアイデアは何年も前から積み重ねられて来たものだということなんだ。僕は長年、”Polonuimcubes” という音楽日記のようなものを書き続けているんだよ。
その “音楽日記” はインストゥルメンタルミュージックで、その中から何曲かは iamthemorning に使用したし、僕のローカルなプロジェクトに使った楽曲もあるんだ。ただ、それでも未発表の楽曲が沢山残っていたから、アイデアを集めて一つのアルバムにしようと決めたのさ。それでこそ、注ぎ込んだ時間と努力が報われるってものだからね。
とは言え、結局、音楽の大半は新たに書くことになったんだ。古い楽曲は4曲だけ。言い換えれば、この作品は僕自身の作品に対する敬意から生まれたと言えるんだ。

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Q5: In the artwork, you are blindfolded on the center of piano and scores. And it’s self-titled album. Is there any concept in this record?

【GLEB】: At the heart of the album is a story about a character who sees an abandoned house in a dream. Traveling through abandoned corridors and staircases, the hero at some point understands that this location is a kind of a projection of himself. The album is also divided into two parts. If the first part is the chaos of ideas and immersion in the abyss of thoughts, then the second part is the comprehension of everything that is happening. Eventually, after walking through the puzzled stairs, the character finds a secret room in which everything that happened before is realized as a whole story, in which he himself is the narrator. This is a kind of catharsis.
Frankly, I could not find a suitable cover and title for a long time. I wanted to find something that would suit the meaning, but at the same time, something abstract, so as not to force the listener’s imagination. After a lot of ineffectual searches, I decided not to reinvent the wheel and just called the album using my name. It’s quite an autobiographical work, which reflected my image at that moment. Therefore, I found this variant with the self-title and cover appropriate and honest in its own way.

Q5: アートワークであなたはピアノとスコアに囲まれ目隠しをされています。そして自身の名を冠したアルバム。コンセプトやテーマが気になりますね。

【GLEB】: アルバムの中心は、夢の中で放置された家が見える人物のストーリーなんだ。 放棄された廊下や階段を通って旅をするヒーローは、ある時点でこの場所が自分自身をある種投影したものであることを理解するに至るんだよ。
また、このアルバムは2つのパートに分かれていてね。 最初の部分が思考の混乱、思考の深淵に浸る場面だとするなら、後半はそこで起こる全てに対する理解だと言えるね。
最終的には、困惑した階段を歩いた後、以前に起こった全てが物語として実現された秘密の部屋が見つかる訳さ。つまり、そこでは彼自身がナレーターだったんだ。 これは一種のカタルシスだよね。
正直、僕は適切なアートワークとタイトルをなかなか見つけることが出来なくてね。先述のストーリーに適したタイトルが欲しかったんだよ。同時に、抽象的でリスナーのイマジネーションを喚起するようなタイトルがね。
だいぶ遠まわりをしたんだけど、結局、”車輪の再発明” はやめて、ただ僕の名前をタイトルに冠することに決めたのさ。
まさに自叙伝のような作品だよね。その時々の僕のイメージを反映している訳だから。そうして、そのバラエティーこそがセルフタイトルとセルフカバーが適切で正直に思えたのさ。

Q6: “Insight”, “Kaleidscope” and “The Room” is typically, compared with iamthemorning, there are more prog/fusion style’s songs like ELP, Chick Corea in this album. Also, Nick, Theo and Gavin played important role in the album. Do you agree that?

【GLEB】: In truth, I did not think about any comparisons and styles. I just composed music in the way that I like, combining those genres that I love. Of course, each of the participants made a significant contribution to the overall sound. Despite the fact that I made a very detailed demo, it is unlikely that this album could be characterized as “prog” without the participation of such amazing musicians.
The first who responded and agreed to participate in the recording was Gavin Harrison. This is the only musician to whom I almost did not send any references of the drums, sending only piano scores and explaining in words what I would like to hear. As a result, his parts sound as monolithic as possible with the grand piano. This gave some new life to all music, sharpening the climax point. And this became a solid frame in the entire arrangement, which was then layered with the rest of the instruments.

Q6: “Insight”, “Kaleidscope”, “The Room” といった楽曲は典型的ですが、iamthemorning と比較してこの作品には、よりプログやフュージョンへと接近した場面が多いように思います。もちろん、Nick や Theo, Gavin の貢献も素晴らしいですね？

【GLEB】: 正直に話すと、僕はどんな比較やスタイルについても深く考えたことはないんだよ。ただ僕は、愛するジャンルを結びつけながら好きなように音楽を作っているだけだからね。
もちろん、アルバムに参加したプレイヤーそれぞれが全体のサウンドに意義深い貢献を果たしてくれているよ。僕が本当に詳細なデモを制作したという事実にも関わらず、彼らのような素晴らしいミュージシャンの参加がなければこのアルバムが “プログ” に位置づけられたかどうかは怪しいところだからね。
最初に呼びかけに反応し、レコーディングへの参加を了承してくれたのは Gavin Harrison だったね。彼は僕がドラムスについてほとんど指示を送らなかった唯一のミュージシャンで、ピアノのスコアだけを送って言葉で僕が聴きたいイメージを説明したんだ。
結果として、彼のパートはグランドピアノと強固な一枚岩のサウンドを築き上げたね。それによって、全ての音楽には何らかの新たな命が吹き込まれ、クライマックスを形成することに繋がったんだ。
同時にそのコンビネーションは全体のアレンジメントの骨子となり、そこから残りの楽器が配置されていったんだよ。

Q7: Steve Hogarth, Mick Moss gives unmistakable voice and lyrics to the record. But why did you add vocals to your solo record?

【GLEB】: This is due to several reasons. Firstly, I originally planned one vocal track in the beginning of the album, which could tell a story with which the listener could associate the rest of the music. I’m very glad that Mick Moss agreed to add his story to the general outline. But when the album was almost completely recorded, people from the Kscope advised me to write to Steve Hogarth with whom we met when we were performing with iamthemorning on Marillion Weekend last year. I wrote him a letter, putting a few tracks from the album, and suddenly he agreed to record vocals for both tracks. Surprisingly, it turned out that all the vocal tracks are located in the beginning, middle and end of the album, thereby making the overall shape of the album more seamless. In addition, it turned out to be little stories about the problem of self-perception. It was important for me to add some “text code” to the instrumental music.

Q7: Steve Hogarth と Mick Moss のボーカル、リリックも作品にさらなる深みをもたらしていますね？

【GLEB】: 彼らの参加にはいくつかの理由が存在するんだ。当初僕はアルバムの冒頭に一曲だけボーカル曲を収録しようと考えていたんだ。ストーリーを伝える事が出来て、リスナーが以降の音楽に浸れるようにね。
Mick Moss が彼のストーリーを作品のアウトラインへ加えることを了承してくれて、僕はとてま嬉しかったんだ。だけど、アルバムのレコーディングを殆ど終えた時に、Kscope のスタッフが Steve Hogarth と共作してみては？とアドバイスをくれたんだよ。Marillion Weekend で昨年共演していたからね。そこで僕は彼に手紙を書いて、アルバムから何曲かを送ってみたんだよ。すると突然彼はあの2曲にボーカルを吹き込むことを承諾してくれたんだ。
驚くことに、ボーカル曲はアルバムの序盤、中盤、そして終盤に配置されているんだ。それによってアルバム全体のシェイプをよりシームレスに作成することが出来たんだ。
さらに、ボーカル曲が自己認識の問題を物語るショートストーリーとなったことは明らかだよ。僕にとって、このインストゥルメンタルミュージックにいくつかの “テキストコード” を加えることは重要だったんだ。

Q8: And…Jordan Rudess! Definitely keyboard wizard. Was his guest appearance dream come true for you?

【GLEB】: Jordan Rudess is a terrific musician and a very friendly person. The track with his participation (Storyteller) is the final point of the character’s journey inside his own thoughts. I’m happy that Jordan agreed to play his solo, passing the state of some agony while accompanying piano plays a repetitive rhythm, something like a mantra. This is a surprising combination and it seems to me that no one could play better than JR in this track.

Q8: キーボードウィザード Jordan Rudess のゲスト参加は夢が叶ったような瞬間だったのではないですか？、

【GLEB】: Jordan は驚異的なミュージシャンで、とてもフレンドリーな人物なんだ。彼が参加した楽曲、”Storyteller” は主人公が彼の思考の中で辿り着いく最後の地点なんだ。彼がソロをプレイしてくれて嬉しいよ。
マントラのようにピアノが反復的なリズムを奏でる中、ある種の苦痛を経験しながらね。本当に驚きのコンビネーションだし、この楽曲では誰も彼より上手くプレイ出来なかっただろうね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED GLEB’S LIFE

MIKE OLDFIELD “AMAROK”

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BRIAN ENO & ROBERT FRIPP “EVENING STAR”

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MICHAEL BROOK “COBALT BLUE”

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FUTURE SOUND OF LONDON “DEAD CITIES”

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Still waiting the fifth album for this list…

MESSAGE FOR JAPAN

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The last months have turned out to be extremely tense, but we plan to prepare a new material with iamthemorning which should be released next year. This year we are also releasing another very interesting project, but this is still a secret. I’m sure you’ll like it.
Thank you for the opportunity to talk with you. To be honest, I have long dreamed of visiting Japan and I hope that it will be possible not only to visit you like a tourist but also to play a concert in the near future.
Sayonara

ここ何ヶ月かは究極に忙しかったのは明らかだけど、僕たちは来年リリースする予定である iamthemorning の新たなマテリアルの準備を始めるよ。同時に、今年僕たちは、別のとても興味深いプロジェクトをリリースするんだ。これはまだ秘密なんだけどね。きっと気にいるはずだよ。
君と話せて良かった。ありがとう。正直に言うけど、僕は日本を訪れるのが長年の夢だったんだ。近い将来、ただ旅行者として訪れるだけではなく、コンサートも行えたら嬉しいね。 さようなら。

GLEB KOLYADIN

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THE MESSTHETICS : THE MESSTHETICS】JAPAN TOUR 2018 SPECIAL !!

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JOE LALLY OF THE MESSTHETICS !!

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PHOTO BY ANTONIA TRICARICO

Lally And Canty, Splendid Rhythm Section Of Fugazi Reunite As The Messthetics With New Guitar Virtuoso Anthony Pirog! D.C. Creates New Wave Of Artistic Instrumental Music!

DISC REVIEW “THE MESSTHETICS”

音楽と思想、攻撃性と実験性。FUGAZI は緊張感を原動力に、瞬刻も停滞することなく前進を続けたアンダーグラウンドアイコンでした。
80年代、”ハードコアの首都” でもあったワシントン D.C.で、カリスマ MINOR THREAT 解散の後、暴力や政治に辟易した “レボリューションサマー” を通過し結成された FUGAZI。モッシュやダイブなど危険行為を嫌悪し自由に根差したライブパフォーマンスを敢行、同時に “産業” としての音楽ビジネスから距離を置き DIY に拘るその姿勢は、既成の価値観へと強烈に”F××K”を叩きつける完璧なまでにパンクなアティテュードでした。
もちろん、その音楽もユニークで独創的。かつて ｢ハードコアは好きだけど進化したい。｣ と Ian MacKaye が語ったように、FUGAZI は典型的なハードコアのモチーフやスピードを避け、よりダイナミックで複雑に探求を重ねたグルーヴィーなアートを創造したのです。レゲエ、ファンク、ジャズ、ダブまで抱きしめたバンドの混沌と多様性は、まさにポストハードコアのパラゴンとして現在まで君臨し、およそ15年間の活動を通してその理想をアップデートし続けました。
もちろん、FUGAZI のスターは Ian MacKaye と Guy Picciotto でしたが、彼らのシグニチャーサウンドとしてまずあの独特のグルーヴを想起するファンは多いでしょう。つまり、Joe と Brendon が創造する豊潤かつ知的なリズムこそがバンドの肝であったことは明らかです。
2002年にバンドが無期限の活動休止を告げた後、今回の主役 Joe Lally は FUGAZI の延長にも思えるインプロヴィゼーションの世界を掘り下げ続けています。ソロワーク、John Frusciante との ATAXIA を通してインディー/オルタナ界隈とも溶け合った Joe が、かつての同僚 Brendon と再度巡り会い辿り着いた場所こそ THE MESSTHETICS だったのです。
新たに結成されたインストゥルメンタルスリーピースは当然 FUGAZI とは異なります。何より、FUGAZI が唯一避けてきたギターシュレッドを前面に押し出している訳ですから。しかし、それ故に愉絶な存在足り得る因果は、2人が船を降りてから独自の歩みを続けた成果にも他なりませんね。
THE MESSTHETICS のスターはギタリスト Anthony Pirog。子供の頃 FUGAZI を聴いていたというワシントンエリアの新鋭は、ジャズ、インディー、アヴァンギャルドまでポケットへと詰め込み D.Cの潮流をさらに先のステージと進めます。
残響やノイズへのアプローチ、マジカルなエフェクトボードにクロスオーバーな世界観は、確かに Bill Frisell の遺伝子を宿しているようにも思えます。Nels Cline に近いのかも知れません。ただ、同時に Eric Johnson や Jeff Beck の煌めくフレーズ、瞬間の美学をも素晴らしく引き継ぐ傑出した才能は、瑞々しい音の絵の具をベテランが築いた味のあるパレットへと注ぎ込んで行くのです。
アルバムオープナー、”Mythomania” はまさしく三傑が魅せる化学反応の証です。オリエンタルな響きやジャズのアウトフレーズをノイズの海へと撒き散らす Anthony の柔軟でエキサイティングなギターワークは、Hendrix の神話を現代へと伝える奇跡。テクニックに特化したジャズスタイルのリズム隊には想像もつかないであろう淡々とした8ビートにより、ミステリアスな楽曲はさらに緊張感を増し、トライバルなギミックと抑揚が徐々に知性の勝利を謳います。
3者のバランスとアンバランスは、アートワークが示すようにヒリヒリとした綱渡りのインテンスで成り立ち、スピードよりもグルーヴに主眼を置いた方法論は確かに FUGAZI の遺伝子を受け継いでいるのです。
もちろん、長年のファンは、”Serpent Tongue” や “Quantum Path” で RUSH やマスロックにも接近した複雑なリズムの波を自在に泳ぎつつ、シンクロし推進力となる Joe と Brendon のアグレッションを懐かしく思うはずです。
一方で、ジャズの幽玄かつ美麗なスピリットもバンドの魅力へと投影されます。ロマンティックな “Inner Ocean” のミニマリズムとアトモスフィア、際立つ強弱のコントラストはポストロックにも通じ、ストリングスにブラシ、ダブルベースで紡がれるクローサー “The Weaver” の荘厳なる美しさは Pat Metheny の理想にも通じます。構成すらもあまりに出来過ぎ、至高の一作。
全てがライブレコーディングで収録された “The Messthetics”。幸運なことに、日本のファンはUS外では世界で初めて彼らのそのライブを目撃するチャンスに恵まれます。「僕たちの仕事は、創造する作品で自分自身に挑戦することなんだよ。」 5月に始まる来日ツアーは、公開された FUGAZI の映画と共に必見です。Joe Lally です。どうぞ！！

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THE MESSTHETICS “THE MESSTHETICS ” : 10/10

INTERVIEW WITH JOE LALLY

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Q1: First of all, Fugazi have been inactive, “indefinite hiatus” since 2003. So, what made you collaborate with Brendon again after 15 years sleep?

【JOE】: Brendan and I never played live together after Fugazi went on hiatus, because he became busy with other projects and I eventually moved to Italy for 8 years. Some time after I moved back in 2015, Brendan suggested we get together and play my solo music with a guitarist he invited, Anthony. After playing one afternoon I thought it was a waste to play my solo music, which I had not been focused on for some time, with these particular people.
A few months later Anthony asked us if we would be his rhythm section on an album he was making. Brendan and I were both happy to do it and that project slowly turned into the Messthetics.

Q1: FUGAZI は2003年から15年もの長い眠りについています。なぜこのタイミングで、FUGAZI の同僚 Brendon と新たなバンドを始めることに決めたのでしょう？

【JOE】: 僕と Brendon は FUGAZI が活動を休止してからライブで一緒にプレイしたことはなかったんだ。なぜなら、彼は他のプロジェクトで多忙だったし、僕は8年間イタリアに引っ越していたからね。
2015年に D.C. に戻ってからしばらく後、Brendon がまた集まって僕の音楽をギタリスト Anthony を招いてプレイしようと言って来たんだよ。ある午後、彼らとプレイした後に僕は自分の音楽だけをプレイするのは勿体ないぞと思ったんだ。しばらく集中していなかった音楽をこういった特別な人たちとプレイするのはね。
何ヶ月かして、Anthony が彼の作っているアルバムで僕と Brendon にリズム隊を務めてくれないかと頼んで来たんだよ。僕たちは2人とも喜んで引き受けたね。そしてそのプロジェクトが徐々に THE MESSTHETICS へと変わっていったのさ。

Q2: So, I read another recent your interview. You said, Fugazi play music together in private, right? Off course, lot’s of fans are waiting for your reunion. Also, MacKaye reiterated that Fugazi has “been offered insane amounts of money to play reunions. But it seems there are a little hopes up for a reunion even you get together every once in a while. What’s the reason of that?

【JOE】: For Fugazi to play live again we would have to spend a lot of time together finding out who we are musically now. We would not feel right getting together to rehearse an hour and a half of our music just so we could go out on a tour or play festivals with it. It’s not something we have to talk about, we know what the band is demanding of us and we don’t have the time required to honor all that it would entail. It’s like a hibernating animal that we are not going to wake up if we can’t properly take care of it.

Q2: 最近あなたは他誌のインタビューで、FUGAZI のメンバーはプライベートで集まったり、共に音楽をプレイしたりしていると述べています。
Ian MacKaye は FUGAZI のリユニオンに途方もない金額のオファーがあったことを認めていますし、もちろん、多くのファンがそれを望んでいるはずです。にもかかわらず、バンドがリユニオンを果たすことは近々にはなさそうですよね？

【JOE】: FUGAZI がライブでまたプレイするためには、僕たちが集まって長い時間を共に過ごし、僕たちの現在の音楽的な位置を探さなければならないんだ。1時間半のツアーやフェスティバルに出演するためだけに、集まってリハーサルを行うのは正しくないような気がしているんだよ。
話すべきことではないかも知れないけど、僕たちはバンドに求められていることを理解しているんだ。そして、バンドが必要とするすべてのものを尊重するための充分な時間が取れないんだよ。 例えるなら FUGAZI は、適切に世話しなければ目を覚まさない、冬眠中の動物のようなものなんだ。

Q3: OK, so, Anthony Pirog is definitely splendid guitar wizard in a decade. How did you find him and come to a band together?

【JOE】: Anthony is from Vienna, VA. which is outside of Washington, DC. He’s been playing guitar locally for quite a while. Brendan knew of him and invited him to play with us as I mentioned above. We are very lucky he was not already involved in a full time project or band.

Q3: それにしても、THE MESSTHETICS のギタリスト Anthony の才能には目を見張るものがありますね？

【JOE】: Anthony はバージニアのヴィーナ出身なんだ。つまり僕たちのホームタウン、ワシントン D.C. の外から来ているんだよ。かなり長い間、地元でギターをプレイしていたんだけど、Brendon が彼を知っていてバンドに招いたんだ。彼がすでにフルタイムのバンドやプロジェクトに関わっていなくて、僕たちはとても幸運だったね。

Q4: I think “The Messthetics” means eclectic or chaotic. Sometimes, escaping from perfect beauty strongly attracts people. Did you want some kind of “chaos” in this band?

【JOE】: Doesn’t everyone want some chaos in their band? That’s why.

Q4: バンド名の “The Messthetics” ですが、カオティックとかエクレクティックという意味に理解しています。FUGAZI も混沌を示唆する “Fucked Up, Got Ambushed, Zipped In” の略でしたね。
人は完璧な美から離れた場所、混沌にこそ惹かれたりするものですが、バンドにはそういった “カオス” が必要だったのでしょうか？

【JOE】: アーティスト全員がバンドにカオスを求めている訳じゃないからね。だからこそだよ。

Q5: Speaking of eclectic, musically, I feel “The Messthetics” have lot’s of elements like punk, post-hardcore, 70’s rock, fusion, etc… Maybe, “End Hits” is closer in Fugazi’s works. One thing I can say is this is very experimental, creative record. What was the inspiration of “The Messthetics”?

【JOE】: We listen to all kinds of music so hopefully you are hearing the variety of that.

Q5: こういった “ごった煮感” クリエイティブな実験性は、FUGAZI の “End Hits” にも通じる気がするのですが？

【JOE】: 僕たちは本当に全てのジャンルを聴くからね。だから君たちがその豊かなバラエティーを感じてくれているなら嬉しいね。

Q6: Regarding creativity, Fugazi had a huge freedom, but Ian’s “Straight Edge”, “Business Practices” “are typically, Fugazi was strict with yourself, I feel. Compared with Fugazi, The Messthetics seem to have more natural, free attitude. I think “live recording” was one of the symbol of The Messthetics’s attitude. Do you agree that?

【JOE】: Straight Edge was a song Ian wrote when he was 18 in a band called Minor Threat. Although people spoke about it constantly over the last 30 years I do not identify with it as an official movement or philosophy of any kind. It is a very good song, but it had nothing to do with Fugazi. The Messthetics are conscious of what we are doing, but we are not the 4 members of Fugazi. There is no need to try to be anything but ourselves. We make some boundaries for ourselves to
make sure we cultivate our art the best we can. There are certainly parameters to what we do in The Messthetics and we will designate them to allow ourselves to flourish.

Q6: 創造性と言えば、FUGAZI は非常にクリエイティブであると同時に、Ian の “ストレートエッジ” や反商業主義、モッシュやダイブの禁止といった厳格なアティテュードも存在していました。
作品の “ライブレコーディング” が象徴するように、対して THE MESSTHETICS にはよりフレキシブルなムードを感じます。

【JOE】: “Straight Edge” は Ian が18の時に MINOR THREAT で書いた楽曲だね。30年間に渡って、人々は “Straight Edge” を常に話題として来たけど、僕はそれを公式にムーブメントや哲学といったものと見なしたことはなかったんだ。確かにとても良い楽曲だけど、FUGAZI とは全く関係ないんだよ。
THE MESSTHETICS は自分たちのやっていることをしっかり理解しているよ。当然、メンバーは FUGAZI の4人ではないけどね。だからこそ、僕たちは他の何者かになろうとする必要がなかったわけだけど。
出来る限り僕たちのアートを育てるために、自分たちにいくつかの境界は設けているんだ。つまり、THE MESSTHETICS でやるべきことの特徴、特色は確かに存在する訳さ。それを明確にすることで僕たちは花開くことが出来るんだよ。

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Q7: Anyway, Japan Tour will start in May. It will include the tribute show of Hideki Yoshimura from bloodthirsty butchers. And you’ll visit lot’s of places. What do you expect about the tour?

【JOE】: As with any tour, it is mainly about getting the chance to play for people. It’s always been a pleasant experience being in Japan. People are very kind and the food is excellent!! I’ve always tried to get back to Japan with any project I was doing. This is the first time we are playing overseas and it is because I began seeking out the possibility of getting there as soon as we had a record coming out.

Q7: では、5月に始まる THE MESSTHETICS ジャパンツアーに期待することを話していただけますか？

【JOE】: どのツアーでもそうだけど、ツアーは主にみんなのためにプレイするチャンスを得ることだと理解しているよ。 日本ではいつも楽しい経験が出来ているね。 人々はとても親切で、食事も素晴らしい！！
僕はいつも手掛けてきたプロジェクトで日本に戻ろうとしていたんだ。 僕たちが海外でプレーしているのは今回が初めてなんだよ。というのも、アルバムが出てすぐ日本に行く可能性を探し始めたからなんだけどね。

Q8: Also, “Instrument: Documentary” is released now in Japan with Japanese subtitles. What points do you want to focus us on the movie?

【JOE】: Nothing in particular, we are happy it can be presented in Japanese, maybe there would be a complete understanding of the film that way. It’s not easy to have it translated into many different languages. We’re glad that was accomplished.

Q8: さらに日本では、ちょうどFUGAZIのドキュメンタリー映画 “INSTRUMENT フガジ：インストゥルメント” が初の日本語字幕付で上映が開始されています。この映画の見所を教えていただけますか？

【JOE】: 特別なことは何もないよ。日本語の字幕がついて嬉しいね。そうすることで、おそらく映画を完璧に理解してもらえるだろうからね。たくさんの言葉に翻訳するのは容易いことではないよ。だから完成して嬉しいね。

Q9: Could you tell us five albums that changed your life?

【JOE】: 5 albums is far too limiting for me to make a list of. I will tell you that at this moment I am listening to Sun Ra (Strange Celestial Road). I can say that I listen to whole albums not individual songs so much, that is true. Particular albums or the body of work by an artist is something that I continue to study and get inspiration from. I find that this changes and old ones return over time and appear differently in my listening landscape.

Q9: 人生を変えた5枚のアルバムを教えてください。

【JOE】: 5枚のアルバムではリストを作るのにあまりにも制限されすぎているね。 この瞬間、僕は Sun Ra（Strange Celestial Road）を聴いているんだ。 一つ言えるのは、僕は個々の楽曲よりもアルバム全体を聴くということだね。これは確かだよ。
特定のアルバムやアーティストの作品は、今でも学び続けインスピレーションを得ているものなんだからね。そうやって僕は古い作品が時間の経過とともに変化を遂げ戻ってくるのを感じて、僕が聴いている風景に違った見方を付け加えたりするんだよ。

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Q10: Finally, you lead up punk and hardcore scene from the late 1980s to early 00’s. Definitely, one of the pioneer. So, what’s your perspective about the scene now?

【JOE】: I don’t see myself or Fugazi as a leader of anything. There is perception from the outside of what one is doing and there is perception from the inside. I don’t have to accept any titles or genres, good or bad reviews, that is not music. Our work is to challenge ourselves with what we can create. I am also much older now then when I went to so many shows in the 80’s and 90’s. I don’t get out to see as many bands. I enjoy the shows that take place here in smaller venues because I like that kind of experience best. There is always something interesting going on. It doesn’t have to have a logo or a banner to follow it. The important thing is to recognize what moves you and incorporate something of that into your life. It is not so simple to understand what music does for us. It’s not just looking
at pretty pictures, at least it is not that way for me.

Q10: 最後に、あなたはポストハードコアシーンを牽引したパイオニアの一人ですが、現在のシーンについて思うことを聞かせていただけますか？

【JOE】: 僕は自分自身や FUGAZI を何かのリーダーとしても見なしたことはないんだよ。 自分が何をしているのかについて、外部からの認識があるのと同時に内部からの知覚も存在する訳だからね。 僕はどんなタイトルやジャンル、良いレビュー悪いレビューも受け入れる必要はないと思っているんだ。それは音楽ではないからね。僕たちの仕事は、創造する作品で自分自身に挑戦することなんだよ。
同時に、80年代と90年代は多くのショウへ顔を出していたけど、その頃に比べるとずっと年老いてしまったね。 今はあの頃のように多くのバンドを見ることは出来ていないんだ。 僕が楽しめるのはここ (D.C.)の小さな会場で行われるショウなんだ。 そういった体験が最高に好きだからね。何か面白いことがいつも起こっているし。 フォローするロゴやバナーも必要ないよ。
重要なことは、君を動かすものを認識し、その何かを君の人生に取り入れること。 音楽が僕たちに果たす役割を理解するのは、そんなにシンプルではないんだよ。 単に綺麗な絵を眺めるだけじゃなくてね。少なくとも僕のやり方ではないね。

THE MESSTHETICS JAPAN TOUR 2018

東京 5/25(金) 新代田 FEVER
北海道 5/27（日）札幌 Sound Lab mole
“NAVYO presents『nocon vol.13』 We love b.t.b !We love hideki yoshimura!”
w/ bruvs / cinema staff / Crypt City / Discharming man / discotortion / PANICSMILE
奈良 5/30(水)奈良 NEVERLAND (LOSTAGE企画)
大阪 5/31(木)PANGEA
愛知 6/1(金)名古屋 HUCKFINN
福岡 6/3(日)福岡 UTERO
東京 6/4(月) 渋谷 TSUTAYA O-nest

チケットの詳細はこちら。DUM-DUM LLP

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【BAND-MAID : WORLD DOMINATION】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH KANAMI OF BAND-MAID !!

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Welcome Home, Master & Princess. Band-Maid Are Back With Their Second Full Length Record “World Domination”. Literally, They Are Ready For World Domination!

DISC REVIEW “WORLD DOMINATION”

｢お帰りなさいませ、ご主人様お嬢さま！」国内、海外で数多の “お給仕” を行い格段の進化を遂げた日本が誇る戦うメイド集団 BAND-MAID が、世界征服を目論む挑戦状 “WORLD DOMINATION” をリリースしました！！ヴァレンタインに届いた57分の峻烈なる宣告は、ワールドクラスの自信と決意に満ちています。
まさに有言実行。前回のインタビューで ｢次の作品も、その次の作品も自分たちの作詞作曲を増やしていきたいと思っています！｣ と語ったように、最新作 “WORLD DOMINATION” は3つの共作曲を含め全てがオリジナルの楽曲で占められています。そしてその事実はまさしく本物の証。5人を包むメイド服は貫禄さえ纏い、徹頭徹尾 BAND-MAID 色に染め上げられた純粋なハードロックチューンの数々は、瑞々しさと共に偉大な先人たちのスピリットや美学を濃密に継承しているのです。
アルバムオープナー “I can’t live without you.” の圧倒的な躍動感はもはや事件です。KANAMI の創造する不穏で重厚なリフワークはまさに世界征服の狼煙。斬れ味鋭いリズム隊が牽引するファスト&ソリッドな楽曲は、扇情力を増しながら SAIKI の激情を込めたコーラスで制御不能のカタルシスを浴びせます。
｢終わらぬ夢を見たいんだ 終わらぬ夢を見たいんだ 音もなく 堕ちていく それでも まだ… I can’t live without you. ｣ 同時に MIKU の投げかける熱情の詩は、男女間の恋愛以上にバンドとファンの間に存在する熱い想いを代弁し、渦巻くロックのロマンの中で互いに不可欠な関係であることを宣言しているのでしょう。これ以上ないほどに素晴らしき闘いの幕開けです。
“DOMINATION” や “CLANG” を聴けば、バンドの一体感やテクニックの飛躍的な向上が伝わるはずです。楽曲の複雑なデザインを掻い潜り、小節ごとにパターンを変えながら豊かなバリエーションを生み出す AKANE と MISA のアレンジメントは卓越していて、勿論、ファストなフレーズからアウトラインのスケールまで自由自在の KANAMI を加えバンドの創造性はかつて無いほどに沸騰しています。
“One and only” や “Carry on living” は象徴的ですが、散りばめられたブレイクダウン、四つ打ち、エレクトロニカといった現代的なフックの数々もバンドの広がる可能性を示唆していますね。
何より、根幹にブルーズが存在する BAND-MAID のハードロック道は、WHITESNAKE や MR. BIG の持っていたマジックを濃厚に共有しています。同時に、和の精神、J-POP の豊かなメロディーをも引き継いだ5人の戦士は、先述のコンテンポラリーなメタルやラウドの方法論まで総括しながら唯一無二の “メイド・イン・ジャパン” を築き上げているのです。
アルバム後半、連続して収録されたバラードタイプの心揺さぶる2曲、”Daydreaming”, “anemone” はその証明なのではないでしょうか。相川七瀬、B’z、JUDY AND MARY から延々と連なるジャパニーズロックの血脈はフックに満ちたバラードなしでは語れません。モダンなアレンジとセンス、過去と未来のバランス感覚、そして空間の魔法を駆使した多幸感まで誘って聴かせる “BAND-MAID のハードロック” はここに極まっているのかも知れませんね。
今回弊誌では、KANAMI さんにインタビューを行うことが出来ました。”BAND-MAID が世界征服に向け、先に進む1枚”、ハードロックの Up to Date。どうぞ！！

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BAND-MAID “WORLD DOMINATION” : 9.8/10

INTERVIEW WITH KANAMI

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Q1: First of all, your newest record “WORLD DOMINATION” is definitely perfect “Hard Rock” record, right?

【KANAMI】: Thank you so much!! As you say, this album was made with the spirit of hard rock.
But also, It is often said that we are a metal band, and I myself listen to metal and loud music, so I think that I’m influenced by these without noticed.
It is difficult to find the boundaries of the music genre, but I am making the music as we are hard rock band.
If you think “This is a hard rock of BAND-MAID!”, that’s true!

Q1: 最新作 “WORLD DOMINATION” 拝聴させていただきました。MR.BIG やWHITESNAKE のスピリットを受け継ぐ、ハードロックの美学が貫かれた素晴らしい作品ですね！
実際、作品を紐解くキーワードはメタルでもポップでもラウドでもなく”ハードロック”だと感じましたがいかがですか?

【KANAMI】: そんな風に言っていただき恐れ多いですが、とても嬉しいです。ありがとうございます！ 仰る通りで、今回のアルバムはハードロックを意識して制作しました。
BAND-MAID の場合、メタルバンドと言われることがよくありますし、私自身がメタルもラウドも聴いているので気づかない内に影響されていると思います。
音楽ジャンルの境界線をみつけるのが難しいのですが、私は「BAND-MAID の音楽はハードロックだ」と思って作っています。
このアルバムは「これが BAND-MAID のハードロックか！」と思って聞いていただければ幸いです。

Q2: As Album title shows, are you ready to dominate the world?

【KANAMI】: Actually, after releasing the CD, until I see the reaction of audiences in the show, I’m always worried about whether new music is accepted.
Through domestic one-man tours and overseas tours last year, I felt that the music we made was enjoying for our listeners, and I got confidence.
And I am glad that this album named “World Domination” became ninth place for the first appearance of Oricon! ! I thought that the direction of our music is not wrong.

Q2: “WORLD DOMINATION” を聴けば、タイトル通りバンドの “世界征服” の準備が整ったことが伝わります。
BAND-MAID にとって飛躍の年となった昨年の国内ワンマンツアー、海外ツアーを通して身についた自信、手応えがこのタイトルを導いたとも言えそうですね？オリコン初登場9位はまさに快挙です！

【KANAMI】: 実はCDを発売して、お給仕(ライブ)でご主人様、お嬢様の反応を観ないと、この作っている音楽が受け入れてもらえるかどうかがいつも心配なんです。
昨年の国内ワンマンツアーや海外ツアーを通して、自分たちのやっている音楽がご主人様お嬢様にとって、 楽しんでいただけているんだと実感しましたし、自信に繋がりました。
そして、今回の”世界征服”を掲げたこのアルバムがオリコン初登場9位となり本当に嬉しいです！！自分たちの音楽の方向性は間違っていないと思いました。

Q3: So, how is your “Maid-Style” accepted in the abroad?

【KANAMI】: The audiences in the abroad seem to accept our “Maid-Style” as well as animation and cartoon of Japanese culture.
In overseas, lot’s of fans came to our shows with maid’s clothes! haha.

Q3: 海外ツアーも大盛況だったようですね？アニメや漫画の文化が根付く日本ではわりとすんなり定着したように思えるそのメイドスタイルですが、海外では現在どのように受け止められているのでしょう？

【KANAMI】: 海外のご主人様、お嬢様は、アニメや漫画の文化と同じように BAND-MAID のようなメイドスタイルを日本の文化として受け入れてくれているようです。
海外公演では、メイド服を着てお給仕へ来てくれるお嬢様や、ご主人様 (笑) もたくさんいらっしゃいました！

Q4: In our previous interview, you said “I think that the we’d like to increase our songwriting composition in the next record!” and that comes true, right?

【KANAMI】: It seems like a dream to be able to record our own songs so much! !
In domestic tours, overseas tours, a lot of music production…Although it was quite a hard schedule, it is truly glad that our songwriting composition has been put so much.
Actually, there were a lot of songs that couldn’t be a part of this album.
SAIKI said that she wanted songs like Kentaro Akutsu who produced “Thrill” which became a trigger for BAND-MAID ‘s hard rock. However, I could not make songs that satisfied the expectations of SAIKI quite well, and I am supposed to cooperate with Mr. Akutsu this time!
Also, although it was decided to make one out of boxed song in the album, I could not get OK from SAIKI · · so, we offered to TIENOWA who helped “Puzzle” recorded in “Just Bring It”.
This time, I was able to produce songs with people other than the members, and I was able to broaden my composition.

Q4: 前作 “Just Bring It” リリース時のインタビューで KANAMI さんは「次の作品も、その次の作品も自分たちの作詞作曲を増やしていきたいと思っています！」と仰いましたが、実際その通りになったようですね？
全ての楽曲が BAND-MAID のクレジットで阿久津健太郎さん、TIENOWAとの共作も3曲のみです。

【KANAMI】: 自身の作品がこんなに詰められるなんて、夢のようです！！
国内ツアーや、海外ツアーの中、大量の楽曲制作・・なかなかのハードスケジュールでしたが、本当にこんなに自分たちの作詞作曲が入れられて嬉しいです。
実は今回のアルバム制作でボツになった楽曲もたくさんありました。
BAND-MAIDのハードロックという方向性のきっかけになった ”Thrill” を制作してくれた阿久津健太郎さんのような楽曲が欲しいとVo.SAIKI にずっと言われていました。ただ、なかなか SAIKI の期待に応える曲が作れず、 今回阿久津さんにご協力いただくことになりました！
また、アルバムの中で一つ変化球の曲を作ろう!ということになりましたが、SAIKI からのOKが貰えず・・ “Just Bring It” に収録されている “Puzzle” でも、制作のお手伝いをいただいたTIENOWAさんにオファーをしました。
今回は、メンバー以外の人と一緒に一つの曲を制作させていただき、自分の作曲の幅の広げることができました。

Q5: You also produced demos this time, and then started to inflate the idea as a band from there, right?
Even so, did you say that the demands on the rhythm section becomes more harsh, like “Collorado Bulldog” of Mr. Big. Do you agree that?

【KANAMI】: Is it the same type of madness as “Colorado Bulldog”! haha.
Although I wanted to make a song that was extreme anyhow in any case in “DOMINATION”, it seems that there were a lot of drum phrases that human beings can’t play in my demos (laugh), so drum’s AKANE can beat It arranged to.
Since the bass included only the root note almost at the stage of the demo, the bass player MISA was coolly arranged!
But, It is not only my fault that the rhythm section is harsh … ? !
They seem to be good at arranging songs rather than producing from 0, they are trying to do things a bit above their marginal line at the same time as they are steadily improving their arrangement ability, so they are getting harsh I think, haha.

Q5: 今回も KANAMI さんがデモを制作され、そこからバンドとしてアイデアを膨らませていったのですよね?
それにしても、特にリズム隊への要求が過酷と言うか、かなり複雑で入り組んだエキサイティングなプレイが増えましたよね？ “DOMINATION” “CLANG” などでは、全く曲調は異なりますが MR.BIG の “Colorado Bulldog” と同種の狂気を感じました(笑)

【KANAMI】: “Colorado Bulldog”と同種の狂気ですか・・！(笑)
“DOMINATION” は、とにかくめっちゃ攻めた楽曲にしたかったんですが、そのせいでデモの段階でドラムが人間業ではないようなフレーズが多くなってしまったようで (笑)、ドラムの AKANE が叩けるようにアレンジしてくれました。
ベースはデモの段階でほぼルート音しか入れていなかったので、ベースの MISA がかっこよくアレンジしてくれました！
リズム隊が過酷になっているのは、私のせいだけではないんですよ・・？！
二人は0から作り出すよりも楽曲をアレンジするという方が得意みたいで、どんどんアレンジ能力が上がっているのと同時に自分の限界ラインよりちょっと上のことをやろうとしているので、過酷になっているんだと思います (笑)

Q6: “Daydreaming” & “Anemone”, Why did you record ballad songs in a row?

【KANAMI】: Actually I am specializing in making songs. Deciding the songs on the album, deciding the order of the songs, and attending MIX are basically is the vocal SAIKI and the guitar vocal Kobato.
So, I asked Kobato directly about this!
“When considering the order of songs, I’d like you to feel like you’re coming to our show when you heard our record, through a single album. This album is have a concept of “World Domination”. Because we cherished momentum to feel battle and a strong will under the concept of first, since we started listening to continuously tuneful musical songs, probably once it was full of furiousness with fierce , I want you to listen slowly and resonate in your heart, so continuously recorded these two songs. “.

Q6: “Daydreaming” は KANAMI さんが見せる JUDY AND MARY の TAKUYA さんを彷彿とさせるバッキングがクリエイティブでとても気に入っているのですが、”Daydreaming” “anemone” という毛色の違うしかしバラードタイプの楽曲を続けて収録したのはなぜですか?

【KANAMI】: TAKUYA さんを思い浮かべていただけて光栄です!
昔、JUDY AND MARY のギターをコピーしていた時期もあったので、それが影響されていたら嬉しい限りです。
収録した理由ですが・・実は私は曲を作る専門で、アルバム収録曲を決めたり、曲順を決めたり、MIX に立ち会ったりをするのは基本的にボーカルの SAIKI と、ギターボーカルの小鳩なんです。
そこで、こちらについては小鳩に直接聞いてみました！
「曲順を考える際、アルバムを一枚通して聞いたときに私達のお給仕 (ライブ) にご帰宅しているように感じてほしいと思い考えていますっぽ。
今回のアルバムは世界征服というコンセプトの元、戦いや強い意志を 感じてもらえるよう勢いを大切にしていたので、まずは初めから連続して勢いのある曲達を聞いてもらい、 おそらく一旦、激しさでお腹いっぱいになったところで、ゆっくり聞いて心に響いてもらいたいこの2曲を続けて収録しましたっぽ。」
・・小鳩はいつも語尾に「ぽ」が付くのですが、そこは気にしないでくださいね (笑)。

Q7: I felt that the content of the lyrics was more radical and instantaneous, right?

【KANAMI】: I agree! I also felt that Kobato’s lyrics of this time had lots of extreme words. Even here, I asked Kobato directly!
“As I was thinking about packing the declaration and feelings of the world domination for us in the lyrics this time, I was more conscious of the impressive words than usual. Sometime I was writing lyrics during the tour last year, “I want to increase call and response in this part” or “It would be cool if Saiki sings this word” There are many places I wrote while imagining the reaction of audiences.”
Kobato always adds lyrics afterwards with melody precedence, but puts words so as not to destroy the melody. And it is thought that SAIKI sings lyrics of Kobato, so I feel that one song will be completed for the first time by SAIKI singing.

Q7: 歌詞は全て小鳩ミクさんが手がけています。 “DOMINATION” の 「黙れ」 とか 「叫べ」 は象徴的ですが、 さらに過激で扇動的な内容が増えているように感じました。
ライブでのパフォーマンス、オーディエンスの反応をより考慮したバンドの総意のように思えるのですが、いかがですか？

【KANAMI】: そうですね！私も今回の小鳩の歌詞は、過激な言葉が多いと感じていました。
こちらについても、私から小鳩へ直接聞いてみました！
「今回はやはり私達にとっての世界征服の宣言や気持ちを歌詞の中にも詰め込もうと考えていたので、いつもより更に強く印象的な言葉を意識しましたっぽ。昨年のツアー中に歌詞制作をしていたこともあり、『この部分はコールアンドレスポンスを増やしたいな」とか「SAIKIがこの言葉を歌ったら凄くかっこいいだろうな』とかお給仕中のご主人様お嬢様の反応をイメージしながら書いたところが多いですっぽ。」
いつも、メロディ先行でそのあとに小鳩が歌詞を付けてくれるのですが、メロディを壊さないように言葉を入れてくれます。そして、小鳩の歌詞は SAIKI が歌うことも考えられているので、SAIKIが歌うことで初めて一つの楽曲が完成すると感じています。

Q8: Which songs, riffs do you like the most in this record?

【KANAMI】: This time, SAIKI wanted me to make the most difficult bass phrase so far, so, “DICE ” was produced. Always MISA plays the phrases I make easily, but she seems to fought quite a bit about this song, it got as expected and I said “great!!” haha. Therefore, the riff is quite favorite for me!!

Q8: 個人的にはオープナー “I can’t live without you.” が本当に気に入っています。国内外を問わずここ何年かで最もリピートを重ねているハードロックチューンの1曲です。
KANAMI さんが “WORLD DOMINATION” で最も気に入っている、もしくはチャレンジングだった楽曲、リフ、ソロについて話していただけますか?

【KANAMI】: 今回、SAIKI から今までで一番難しいベースフレーズを作ってほしいと言われて制作したのが、”DICE” でし た。 いつも、MISAは私が作るフレーズを余裕でこなしてしまうのですが、この曲に関してはかなり苦戦したようで、思惑通りになり「よっしゃ！」となっていました (笑) そのため、このリフについてはかなりお気に入りであります!！

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KANAMI’S RECENT FIVE FAVORITE ALBUMS

Aimer “Ref:rain / 眩いばかり”

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Ed Sheeran “Divide”

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中田ヤスタカ “Digital Native”

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coldrain “FATELESS”

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People In The Box “Kodomo Rengou”

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MESSAGE FOR THE READERS

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Major 2nd album “WORLD DOMINATION” has become one piece for BAND-MAID to advance to world domnation.
If you hear it, you can feel our strong will headed for our future. Also, with this album I’m glad if we become energy of mind of listners!

メジャー2ndアルバム”WORLD DOMINATION” は、BAND-MAID が世界征服に向け、先に進む1枚になりました。
聴いていただければ、この先に向かう私たちの強い意志が伝わるかなと思います。 また、このアルバムでご主人様、お嬢様の心のエネルギーになれば嬉しいです。 そしてそして、BAND-MAIDは4月から東名阪のツアーを行います！
その名も BAND-MAID WORLD DOMINATION TOUR 2018【宣告】です！
・2018年4月4日(水)愛知・ダイアモンドホール
・2018年4月6日(金)大阪・なんばHatch
・2018年4月13日(金)東京・ZEPP TOKYO
是非このアルバムをたくさん聴き込んでご帰宅していただければと思います。 メンバー一同、世界征服に向けて頑張りますので、これからも応援よろしくお願いいたします!！

KANAMI

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JYOCHO : 互いの宇宙 (A PARALLEL UNIVERSE)】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DAIJIRO OF JYOCHO !!

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Japanese Math/Post-Rock Icon, Daijiro Of Jyocho Has Just Released The Most Imaginative, Delicate, and Emotional Record To Date “A Parallel Universe” !!

DISC REVIEW “互いの宇宙”

｢JYOCHO は自由な存在です。聞きたい時、あなたが必要な時に聞いてください。｣ もはや宇宙コンビニの看板は不要でしょう。日本随一のギターシェフ、だいじろー氏が京都から世界へ和の “情緒” を伝える集合体 JYOCHO。アニメ “伊藤潤二『コレクション』” のエンディングテーマを含む “互いの宇宙 e.p” には、”鮮度” を何よりも愛おしむ料音人の拘りと力量が思うままに詰め込まれています。
デビュー作 “祈りでは届かない距離” から程なくして届けられた前作 “碧い家で僕ら暮らす” には、確かな変化と進化の証が封じ込められていました。童話やお伽噺、夢のある空想の物語から、よりリアルで自然体な世界観へとシフトした作品は、”碧い家” すなわち地球に暮らす私たちの刹那性とそれでも守るべきものについて、住人たちへナチュラルに寄り添い対話をはかります。
rionos から猫田ねたこに引き継がれたボーカルは変化の象徴かも知れませんね。｢少年ぽい質感の声が好み｣ とだいじろー氏が語るように2人の声質は共に中性的なイメージを特徴とします。ただし、rionos のドリーミーで凛とした歌唱に対して、猫田ねたこの紡ぐ歌は時に繊細で危うい印象を与えます。”悪いベクトルで良すぎない” 彼女の持つ不安定な人間らしさは JYOCHO の定めた新たな方向性とリンクしながら心地よい感情の揺らぎをリスナーへと届けるのです。
現実の大地へと降り立った JYOCHO にはその楽曲にも変化が訪れました。”情緒”、日本的な侘び寂びと歌心により焦点を定めたのは、大海へと漕ぎ出す彼らにとっては必然だったのでしょう。もちろん、トレードマークの数学的なリズムやテクニカルなフレーズは変わらず存在していますが、より自然でオーガニックに楽曲の一部として溶け込んだ目眩くプログレッシブな要素は、バンドの一体感と共に楽曲第一主義の立場を鮮明に知らしめているのです。
“互いの宇宙 e.p.” にはさらに鮮度を増した JYOCHO の今が込められています。
だいじろー氏と伊藤潤二氏、2人の宇宙を昇華する試みは、謀らずしも “互い” の意味を深く掘り下げることへと繋がりました。全てが “互い” で成り立つ宇宙。マクロの視点で世界を俯瞰した結果、だいじろー氏が感じたものはミクロの自分自身と孤独、寂寞でした。
その感情が見事に反映されたタイトルトラック “互いの宇宙”。繊細なドラムワークと美麗なアトモスフィアは斯くも見事に複雑なリズムを隠し通し、ピアノのアンビエンスとだいじろー氏の豊かなオブリガートは、桜の花びらの如く徐々に楽曲を淡く色付け、咲き誇り、そして儚く散るのです。猫田ねたこが強弱やシンコペーションで生み出すメロディーのバリエーションも全てはキャッチーなサウンドスケープのために広がる宇宙の一部分。
特にだいじろー氏の有機的なギターは狭義のマスロックから飛び出して、お気に入りにも挙げている Vahagni のフラメンコやジャズ、現代音楽まで包括したさらなる高みへと達しているように感じます。
もしかしたら、ここに収録された4つの楽曲はそのまま春夏秋冬を、”情緒” を表現しているのかもしれませんね。受け取り方は自由です。確かに言えるのは、”互いの宇宙 e.p.” は円環であるという事実でしょう。｢一つのテーマから派生させて、また一つに帰還させるという方法をとりました。｣ とだいじろー氏が語るように、作品には共通して流れる歌詞やメロディーが存在します。
寂寞と微かな希望を内包した “互いの宇宙” を起点に、フルートの躍動感を陽の光に重ねた壮大な JYOCHO 流ポストロック “pure circle”, 郷愁のマスエモ絵巻 “ユークリッド”、そしてアコースティックの響きが胸に迫る “互いの定義” まで、印象的な一つのテーマが千々に形を変え純粋な円環を流動する様はまさしく圧巻です。見方を変えれば、この EP 自体が18分の巨大なエピックと言えるのかも知れませんね。
相変わらずだいじろー氏は感覚でした。ただし、その瞬間の積み重ねは、悠久にも思える音楽との対話、思考の末に生まれた唯一無二の感覚なのです。彼がこの作品に落とし込んだ孤独や寂寞は、もしかしたら “互い” を感じる対象が究極的には音楽だけだからなのかも知れません。
今回弊誌では、だいじろー氏にインタビューを行うことが出来ました。｢JYOCHOは、触れた人によって形を変える仕組みを持たせています。｣ SNSにアップされる演奏動画も、楽曲へ繋がることがあり見逃せませんね。どうぞ！！

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JYOCHO “互いの宇宙” : 10/10

INTERVIEW WITH DAIJIRO

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Q1: First of all, could you tell us about the wonderful performance videos you have posted to SNS? I really love them, but Is that what you are composing momentarily?

【DAIJIRO】: Thank you very much, as a top chef, I’m happy if you can say so! I am doing it at an unreasonable timing instantly … haha.
Originally I was doing things that “thinking in two seconds”, so it is a remnant of it! So I compose it still momentarily. Those who have a long history with me may feel some extent, but I am doing quite reasonably and enjoying well. haha.
Phrases come out like boxer (instantaneous power), because it is a phrases I often use, and it is a no arrangement

Q1: まず最初にお聞きしたいのは、だいじろーさんがしばしば SNS に投稿される演奏動画が大好きで楽しみにしているのですが、”体操選手に黒胡椒を削り続けるスパイの感動秘話” とか “両耳にたくあんを詰めて、白ご飯を食べ続ける人の曲” とか摩訶不思議でシュールなタイトルがつけられていますよね？
それを見て私たちはなるほどなんとなく分かるとか、なんでたくあんを素直に食べないで耳に入れたんだろうとか思う訳ですが、あの動画ってその場の思いつきでパッと投稿されているのですか？

【DAIJIRO】: 有り難うございます、一流シェフとして、そう言って頂けると嬉しいです!！瞬発的に無理のないタイミングでやってるので…（笑）
もともとは、二秒でタイトル考えるシリーズというものをやっていたのですが、それの名残ですね！なので思いつきで未だにパッと考えております。だいじろー歴が長い方は、ある程度感じているかと思いますが、かなり適当に楽しくやっています。（笑）
フレーズは出て来た手グセで、ノーアレンジなのでもっとボクサー(瞬発力)です。

Q2: Like you said you are a “Top Chef”, you seem to take care of freshness in your music, right?

【DAIJIRO】: I feel that freshness is very important. That is one of the reasons why I do not basically make complete music stocks.
Although the word “moment” came out, it is the important theme that I have exactly. In JYOCHO, I am trying to put down the “moment” and express “pile of the moment”.
It is magnificent, but it should be like a memory record factory with keeping calm. That’s why I do not take the time much with composing and arranging …

Q2: 先程の質問を投げかけたのは、楽曲はもちろん普段の SNS の投稿や言動からだいじろーさんがとてもその “瞬間” とか “衝動” “閃き” を大切にされているアーティストだと感じるからです。前回のインタビューでも ｢JYOCHOは自由な存在です。聞きたい時、あなたが必要な時に聞いてください。｣ と語っていただきましたし。
音楽にもし “鮮度” という概念が存在するなら、”シェフ” だいじろーさんは時間を掛けて調理するよりも、より閃きと鮮度に拘る料理人なのかもしれませんね？

【DAIJIRO】: 鮮度ってとっても大事だと感じています。それが自分が完成形の楽曲ストックを基本的にしない理由の一つです。
“瞬間” という言葉が出ましたが、まさしくそれは大事にしているテーマです。JYOCHOでは、その “瞬間” を落とし込んだり、”瞬間の積みかさね” を表現する挑戦をしています。
壮大だけど、落ち着きを保つ、記憶記録工場みたいになればなと。 作曲やアレンジ時間をかけるということは、あまりしないですね…

Q3: Regarding creativity, you have huge freedom about that. So, what inspired you to make what yourself now?

【DAIJIRO】: Regarding influenced artist, I am basically not only an artist, but it is affected by everything that I felt, so I can not even choose to be honest.
“My style” … I think it is very difficult. Because I think that it is experiences and accumulation of things I’ve been feeling, I can not say anything about that. I am expressing like “what I got from myself” is “Daijiro-style”.
I first touched the guitar with my brother’s influence. I couldn’t play F chord at all, at that time it was frustrated once … haha. But then, with the influence of my father, folk songs and blues first play with acoustic guitar. After that, my passion for the guitar returns, I will start to get interested in rock and funk with electric guitar.
At that time, I realized initially that my hands are smaller than women and junior high school students, and because my some joints do not bend from birth, the seizing playing type is not very suitable.
When I was a high school student, I encountered Oshio Kotaro and Mr. Pierre Ben Susan’s solo guitar and found odd tuning and special playing style. At that time, I shocked with that I had never felt in myself, such as “If I change tuning, I can reach my finger!” Or “I saw this kind of playing for the first time!”. After that, I started making original songs, I also started bands that were influenced by progressive, jazz, emo, etc. I think that it will lead to now.
It will take 26 years to start answering like this. That is what we saw and felt, it is being reduced from all experiences.

Q3: そういった “自由” なだいじろーさんを形作ったものについて掘り下げたいのですが、前回のインタビューでは人生を変えた5枚のアルバムを教えていただきました。
今回はだいじろーさんがギターと作曲を始めたきっかけや、プレイスタイル、アティテュードで影響を受けたアーティストについて話していただけますか？

【DAIJIRO】: 影響を受けたアーティストですが、自分は基本的にアーティストだけで無く、感じたもの全てに影響を受けているので、正直選ぶことすら出来ないです。
“自分のスタイル” …とても難しいと思います。 感じたり見てきたものの経験や積み重ねだと思っているので、無いといえば無いです。”自分から出たもの” が “だいじろースタイル” だと思って表現しているつもりです。
自分は、はじめ兄の影響でギターを触りました。 Fが全然弾けなくて、その際に一度挫折したんです…（笑）しかしその後に、父の影響で、フォークソングやブルースをアコースティックギターで遊びはじめて、ギター熱が戻りエレキギターでロックやファンクに興味を持ち始めます。
その時に、女性や中学生に勝てないくらい手が小さすぎるのと、一部関節が生まれつき曲がらない為、握りこむタイプの弾き方はあまり向いていないな、と当初悟りました。
高校生くらいの時に、押尾コータローさんや、ピエールベンスーザンさんのソロギターに出会い、変速チューニングや特殊奏法に出会いました。 その時に、「チューニング変えれば、指届くやん！」とか「こんな弾き方初めて見た！」 とか、自分の中で感じたことの無い発見と衝撃を受けました。 それからオリジナル曲を作り始め、プログレッシブやジャズ、エモなどに影響されたバンドも始め、今に至るかと思います。
こんな感じで答え始めると26年かかるんです。それは見たものや、感じたもの、全ての経験から還元されているということです。

Q4: OK, let’s talk about your recent releases. Your previous record “The Blueish House” was really focused on literary “Jyocho” as a band, right?

【DAIJIRO】: I feel happy if you feel so! The things I want to express as JYOCHO have become clearer. There is a feeling that the theme that I originally listed, the blurred outline has emerged more and more. Factors that I did live performances or talk with fans are also made it clearly.
As you can see, I feel that it is the result of external stimulations from various directions.

Q4: では、作品について話していきましょう。前作 “碧い家で僕ら暮らす” は、デビュー作 “祈りでは届かない距離” と比較して JYOCHO としての方向性が鮮明に定まったように感じます。
特に “tree, stone” からのオーガニックな流れは絶妙で、文字通り “情緒” により焦点が絞れた作品だと感じました。その進化は JYOCHO がある程度、だいじろーさん個人のプロジェクトからバンドへと成熟した結果とも言えそうですね？

【DAIJIRO】: そう感じて頂けると嬉しいです! JYOCHO として表現したいことは、よりクリアになって来ました。 当初掲げているテーマ、ぼやけていた輪郭がさらに浮かび上がって来た感覚があります。ライブをしたり、お客さんと触れたり出来たという要因も大きいです。
なので仰る通り、外的な刺激を各方面から頂いた結果と感じています。

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Q5: I feel new singer, Netako Nekota is more sensitive, delicate compared with rionos. Do you agree that?

【DAIJIRO】: I also had the same impression. Her voice really truly inspires my heart, and there are also clumsy and security, and I feel shaky and unstable. But it is comforting to me that it is strange.
Fearlessly speaking, I feel that the goodness of Nekota is “a bad vector is not too good” in my own preference. I also feel very happy because she gives me great effort to cuddle up the songs I make now.
The voice of 1st record, rionos was also very nice, isn’t it?.

Q5: シンガーが rionos さんから猫田ねたこさんに変わりました。前回のインタビューで ｢少年ぽい質感の声が好み｣ と仰っていましたが、確かに猫田さんにも中性的な魅力が備わっていますね。
ただ、rionos さんに比べてよりセンシティブというか、繊細で危うい感覚を持っているように感じました。前作から猫田さんを起用している理由を教えていただけますか？

【DAIJIRO】: 自分も同じ印象だったんです。 本当に心にぐさっと働きかけてくるし、安心感のある不器用さもあり、かと思いきや不安定に感情揺さぶられるんですよね。 でも自分には、それが不思議と心地よいんです。
語弊を恐れず言うと、猫田さんの良さは、”悪いベクトルで良すぎない” ところだと自分の中の好みで感じています。 猫田さん自身も、自分が今作る楽曲に寄り添う努力をとてもして下さるのでとても嬉しく感じています。
1stの rionos さんの声もとっても素敵ですよね。

Q6: And finally, your newest record “A Parallel Universe” is out now! The title track was used as ending theme of TV animation “Ito Junji Collection”. Did you emphasize with that animation?

【DAIJIRO】: I tried making this song one time by eliminating the form of snuggling along the animation. As I exchanged various ideas, I felt it was not easy to get to Mr. Junji Ito’s world view. I want to hit two universe with myself and Ito san! The result I thought was “Tagai No Uchuu” “A Universe for Each Other”.
About the work of Mr. Junji Ito, all the stories are waiting for an unexpected end, there were things that I was very attracted and sympathized with that sensibility. Even at twitter’s DM, although I personally interacted the other day, he said that “Ito Junji collection can not be anymore without this song!”, OK, my interpretation was not wrong! I was convinced.

Q6: そして最新作 “互いの宇宙 e.p.” が遂にリリースとなりました。タイトルトラックはあのTVアニメ “伊藤潤二『コレクション』” のエンディングテーマに使用されています。ど
こか切なく、どこか懐かしい曲調は伊藤さんの世界観と見事にリンクしていますが、この楽曲はアニメをイメージして制作されたものなのでしょうか？ だいじろーさんは伊藤さんの作品についてどのような感想をお持ちですか？

【DAIJIRO】: この楽曲は、作品に寄り添うという定型を一度排除して作ってみました。 様々なやり取りを進めていくうちに、安易に伊藤潤二さんの世界観に寄せると勿体ないと感じてしまったんです。 自分と先生との二つの宇宙をぶつけたい！と思ってしまった結果が “互いの宇宙” です。
伊藤潤二先生の作品については、全話全く想像のつかない結末が待っていて、その感性にとても惹かれ共感できるものもありました。 DMでも、先日個人的にもやり取りさせて頂いたのですが、「伊藤潤二コレクションは、もはやこの曲なしでは語れません！」 と言っていただき、自分の解釈は間違ってなかった！と確信しました。

Q7: So, could you tell us about the lyrical themes or concept of “Tagai No Uchuu”, “A Parallel Universe”?

【DAIJIRO】: “Tagai” “Each Other” means an abstract meaning extending infinitely. In a clearly visible form, as is stated, men and women also apply, although I intend to have “Each Other” within the scope of my consciousness, such as chorus work, lyrics, artwork, compositions.
This universe is also made up of “Each Other”, and clearly speaking, we are “Each Other” from the beginning without having to make “Each Other” by ourselves. When I noticed this, I myself thought that I’m truly faint and fleeting. So I think that there is an aspect that lonely feeling and isolation feeling has bleeding out in this E.P., haha.

Q7: EPは “互いの宇宙” で始まり “互いの定義” で幕を閉じます。前者はバンドアレンジで後者はアコースティックアレンジですが、ボーカルメロディーはほぼ共通して対となる楽曲に思えます。
ある意味この構成も “互い” ですし、だいじろーさんと伊藤潤二さんの宇宙も “互い”、男女の関係も互いですし、世界は “互い” で成り立っているようにも感じられますね？

【DAIJIRO】: 互いは、無限に広がる抽象的な意味合いで包ませています。 はっきりと見える形で言うと、仰るように男性と女性も当てはまりますし、コーラスワークや歌詞、ジャケット、 楽曲構成等、自分の意識が及ぶ範囲に、互いを持たせたつもりです。
この宇宙も互いで構成されているし、はっきり言って、互いなんて自分が作るまでも無く初めから全て互いになっているんです。 これに気づいた時、自分って本当にちっぽけで儚い存在だなって思いました。 なので孤独感や隔絶感のある雰囲気が、このEPで滲み出てしまった側面があるかと思います。（笑）

Q8: “pure circle” and “Euclid” “Tagai No Teigi” are songs that you have inflated the lyrics and melodies of the title track, aren’t they?

【DAIJIRO】: Strictly, we took the method of deriving from one theme and returning it to one. Although our music include the word “Jyocho” emotion, I feel that the definition of JYOCHO is a bit more abstract, and I intend to make it in that direction.
JYOCHO has a mechanism to change the shape depending on the person who listen to our music. So, the last time “JYOCHO is a free presence, please listen to our music when you want to listen, when you need it” is such a meaning!

Q8: さらに、”pure circle” と “ユークリッド” もタイトルトラックの歌詞やメロディーを膨らませた楽曲ですよね？それにしても、見事に風景を映し出す JYOCHO流のポストロックはあまりに壮大で圧倒されました。
ちょうど曲調が1曲目から順に春夏秋冬のようにも感じられて、まさに “情緒” だと感心したのですが、一つのテーマから異なるものを生み出す、膨らませるというのが今回のチャレンジだったのでしょうか？

【DAIJIRO】: 厳密には、一つのテーマから派生させて、また一つに帰還させるという方法をとりました。 情緒という言葉も含みますが、JYOCHO の定義はもう少し抽象的なものだと感じていますし、その方向へ作り上げているつもりです。
JYOCHO は、触れた人によって形を変える仕組みを持たせています。 なので前回の「JYOCHO は自由な存在です。聞きたい時、あなたが必要な時に聞いてください。」 とは、そういった意味です！

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DAIJIRO’S RECENT FAVORIT FIVE ALBUMS

TIPOGRAPHICA “TIPOGRAPHICA”

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TANGLED HAIR “WE DO WHAT WE CAN”

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CHEMISTRY “ALL THE BEST”

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くるり “くるりの20回転”

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VAHAGNI “IMAGINED FREQUENCIES”

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MESSAGE FOR THE READERS

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I am pleased if you find “Tagai” “Each Other” in yourself, “Each Other” out of of yourself, spreading out. Check JYOCHO’s highest point, “A Parallel Universe” EP, out, thank you!

自分の中の互い、自身の輪郭外の互い、広がる気付きがあれば嬉しいです。 JYOCHO 最高地点、“ 互いの宇宙 e.p.”、よろしくお願いいたします！

DAIJIRO

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DUKES OF THE ORIENT : DUKES OF THE ORIENT】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ERIK NORLANDER FROM DUKES OF THE ORIENT !!

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John Payne & Erik Norlander, A Journey That Started With The Supergroup Asia Gives You The Next Chapter Of Legacy, With Dukes Of The Orient !!

DISC REVIEW “DUKES OF THE ORIENT”

誇り高きプログレッシブの遺産と、陰りを帯びた伝統のメロディーを受け継ぐ稀代のミッシングリンク John Payne & Erik Norlander。両雄の鼓動と哲学が交差する DUKES OF THE ORIENT は、凛とした王の血脈を真率に後の世へと伝えます。
巨星 John Wetton の逝去こそが DUKES OF THE ORIENT 生誕のきっかけでした。長らく Wetton の後任として ASIA を牽引し孤軍奮闘を重ねた勇夫 John Payne は、厳しく比較され続けたマエストロの死を機縁に ASIA の金看板を降ろす決断を下します。それは遂に訪れた、彼に巣食う潜在的重圧からの解放だったのかも知れません。
ご存知の通り、ASIA は Payne がフロントを務めた “Paysia” の不遇もあり2006年にオリジナルメンバーでのリユニオンを果たしています。マザーシップから突如として下船を余儀なくされた Payne は、Geoff Downes を除く後期 “Paysia” のメンバー Guthrie Govan, Jay Schellen を伴い、日本が誇る鍵盤の大家、奥本亮氏をリクルートし新たなプロジェクト GPS を立ち上げ唯一のアルバム “Window to the Soul” をリリースしたのです。
“Paysia” の作品となるはずだった “Architect of Time” から楽曲を流用した “Window to the Soul” はメンバーの卓越した技量を反映した充実作でしたが、結局は Payne が ASIA の呪縛から解き放たれることはなく、GPS はオリジナル ASIA の了承を経て ASIA の楽曲をプレイする ASIA Featuring John Payne へと形を変えて存続することになったのです。
ASIA Featuring John Payne で John と運命の邂逅を果たしたのがキーボードウィザード Erik Norlander でした。妻 Lana Lane の作品をはじめ、自身のバンド ROCKET SCIENTISTS, DIO の落胤 LAST IN LINE 等でスマートかつロマンティックな鍵盤捌きを披露するツボを十二分に心得た名コンポーザーとの出会いは、10年という遥かなる時を超え ASIA の名と別れを告げた素晴らしき DUKES OF THE ORIENT の音楽へと繋がることとなりました。(但し、ASIA Featuring John Payne もライブアクトとしては存続するそう。)
異論は多々あるでしょうが、Payne をフロントに据えた ASIA は、少なくとも音楽的には充実したスティントでした。Downes/Payne のコラボレーションは、90年代から00年代初頭というメロディック/プログロック不毛の時代に、確かに命を繫ぐ質実なる実りをもたらしました。ただ、ASIA らしいロマンチシズムから意図的に距離を置き、Payne の野性味溢れる声質をハード&キャッチーに活かす選択は、忠実なファンやレーベルからのサポートをも遠ざける結果になりました。プログレッシブポップが花開く近年を鑑みれば或いは時期尚早だったのかも知れませんね。
ASIA の名を返還した DUKES OF THE ORIENT で John Payne は自由でした。John Wetton との差異を殊更強調する必要もなく、自らの内なる ASIA 全てを表現することが出来たのかも知れませんね。
実際、”血の絆” を響かせるオープナー “Brother In Arms” はオリジナル ASIA と “Paysia” がナチュラルに融合したバンドのマイルストーンだと言えるでしょう。ハードでダイナミックなアレンジや Payne のトレードマークとも言える重厚なコーラスワークは “Aria” の頃の “Paysia” を、溢れ出る哀愁に叙情、ロマンチシズムはオリジナル ASIA をそれぞれ喚起させ双方の美点を5分間のドラマへと昇華します。
同様に “True Colors” の劇的なメロディーを宿す “Strange Days” では、繊細なアレンジメント、アンセミックなキーボード、Guthrie Govan の傑出したギターワークで “Aura” で示した “Paysia” の可能性をも明確に示唆します。
勿論、オリジナル ASIA のコードセクエンスや “ダウンズサウンド” を惜しみなく披露する “Time Waits For No One” “Fourth of July” 等はやり過ぎの感もありますが、同時に荘厳にして華麗、好き者には堪らない胸踊る完成度であることも事実。
加えて、Erik が ｢僕は ELP, YES, KING CRIMSON, JETHRO TULL, PROCOL HARUM といった偉大なバンドたち、70年代のブリティッシュプログと共に育ったんだ。それこそが僕の音楽的なルーツだよ。同じようなルーツを ASIA も持っているんだ。｣ と語るように、”Fourth of July” のドラマティックな後半部分では、ASIA よりも “プログレッシブ” な先人達の遺産を巧みに消化し、8分間のエピックに相応しき構成と展開を築き上げているのですから感服の一言です。
“A Sorrow’s Crown”, “Give Another Reason” で魅せるチャーチオルガンやスパニッシュギターの躍動感も DUKES OF THE ORIENT の存在感を一際掻き立て、Jay Schellen のコンテンポラリーかつ安定感のあるドラミング、Rodney Matthews の美しきアートワークと共に UK プログレッシブの伝統と血の繋がりを強く主張しています。
少なくとも、90年代からシーンを見守って来たファンであれば、Payne & Norlander 2人の才能や存在自体があまりにも過小評価されていることは憂慮しているはずです。”Dukes of the Orient” にはその評価を覆すだけの稀有なる魔法が存在するのでしょうか？”Only Time Will Tell”。時が来ればその答えは出るはずです。きっと良い方向に。
今回弊誌では、Erik Norlander にインタビューを行うことが出来ました。奥様からもメッセージをいただけましたので、Lana Lane ファンも必読です。どうぞ！！

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DUKES OF THE ORIENT “DUKES OF THE ORIENT : 9.8/10

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WORLD PREMIERE “WHILE THIS WAY” 【ÁRSTÍÐIR : NIVALIS】

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WORLD PREMIERE: ÁRSTÍÐIR “WHILE THIS WAY” FROM “NIVALIS”

ÁRSTÍÐIR redefine their sound and take an evolutionary quantum leap that will catapult the eclectic Icelandic band from a highly praised phenomenon at the fringe straight to the centre of international attention. ÁRSTÍÐIR were never an ugly duckling, but now their musical swan has emerged in its full glorious beauty on ‘Nivalis’.

エクレクティックな音のダンス。アイスランドの美しき白鳥 ÁRSTÍÐIR が飛躍的進化を果たす新作 “NIVALIS” を6/22にりりーすします！インディー、プログ、フォーク、チェンバー、クラシカル、ポストロック。ÁRSTÍÐIR を定義する要素は多々ありますが、彼らはそのどの場所にも止まってはいません。アイスランド語で四季を意味するバンド名。アコースティックの美しき響きはミニマルなエレクトロニカのカウンターパーツとして、儚い壊れ物の感情とメランコリーを喚起します。

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Those inevitable comparisons with fellow countrymen SIGUR RÓS will most likely not go away with ‘Nivalis’, although ÁRSTÍÐIR have clearly developed a style very much their own. Yet other parallels drawn about past references such as SIMON & GARFUNKEL or PENTANGLE are bound to make way to fresher and more recent names pointing way past the also previously mentioned RADIOHEAD.

もちろん、同郷の　SIGUR RÓS との比較は避けがたい事象でしたが、それさえも振り払うほどの革新が “Nivalis” には存在します。同様に過去多く比較を繰り返された SIMON & GARFUNKEL, PENTANGLE, そして RADIOHEAD の幻影からも歩みを進めているのです。

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“We are so pleased to finally be able to present to you the first single from our upcoming album ‘Nivalis’, entitled ‘While this Way’. This song was in the works for over a year before it came to be what you’re hearing now. If you managed to catch us on the Sólstafir tour at the end of 2017, it might sound familiar. We kind of ‘tested’ this song out on you, the audience, every night and fine-tuned it to exactly the point where we wanted it to be. We hope that you love it as much as we do!”

遂に新作 “Nivalis”からファーストトラック “While This Way” を公開することが出来て嬉しいよ。この楽曲には今の形になるまでに一年以上の月日を注いだんだ。SOLSTAFIR との昨年のツアーで、毎晩この楽曲をテストしていたくらいでね。おかげで目指す形へと辿り着いたよ。僕らと同じくらい気に入ってくれたらいいな！

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【KINO : RADIO VOLTAIRE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JOHN MITCHELL OF KINO !!

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A Sleeping Prog Supergroup, Kino Emerges For The First Time In 13 Years With Incredible Prog Pop Drama “Radio Voltaire” !!

DISC REVIEW “RADIO VOLTAIRE”

至高の幻影 “Picture” を残し忽然と姿を消したプログワールドの蜃気楼、KINO が甦生の返り花 “Radio Voltaire” を海外で3/23に、日本では4/25にリリースします！！奇蹟にも思える陽炎13年振りの再臨は、残像に支配された長年の空寂をいとも簡単に切り裂きます。
MARILLION の Pete Trewavas、IT BITES の John Beck、ARENA の John Mitchell、PORCUPINE TREE の Chris Maitland が集結しリリースした KINO のデビューアルバム “Picture” は、プログレッシブ第二世代以降の才腕を凝縮し遺憾無く発揮したスマートかつメロディアスな洗練の極みだったと言えるでしょう。しかしスーパーバンドは一夜限りの砂上の楼閣。音もなく崩壊し、各自己のキャリアへと踵を返した経緯はごく自然にも思えました。
ただ、プログロックのファンは決して名作を忘れません。燻り続けた新作を望む声はレーベルを、やがては ｢KINO を復活させることは考えてもいなかった。｣ と語るメンバー本人たちをも動かしました。
復活作のキャストは期待通り、ほぼオリジナルメンバーが揃いました。ただ、ドラマー Chris は不参加で後任を FROST*/Steven Wilson の Craig Blundell が務め、John Beck は Fish との仕事の為にゲスト参加扱いですが。
気鋭のアーティスト Paul Tippet の手による色鮮やかでしかしどこかシニカルなアートワークは、”明白な真実” のみを語るレディオショウへとリスナーを存分に誘い、1920年代ドイツのラジオアナウンスメントで幕開けの準備は整いました。
リスナーの胸の高鳴りに応えるように、冒頭から鳴り響く John Beck の暖かくどこか懐かしいキーボードの音色は John Mitchell のエモーションに満ちたギターメロディーと溶け合い、タイトルトラック “Radio Voltaire” のエセリアルな浮遊感と共にバンドの帰還を鮮烈に告げます。Mitchell の親しみやすいボーカルは成熟と深みを増し、リズムマスター Pete & Craig のドライブに導かれ流動するハーモニーの海を開拓していくのです。
｢確かにこのアルバムはポップソングを集めたものだと言えるかもしれないね。ただ、僕たちが充分に手を加えたポップソングだよ。｣ と Mitchell が語るように、Steven Wilson が提唱するプログポップの領域へと接近したかにも思える “Radio Voltaire”。
確かにキャッチーなタイトルトラックですが、勿論この知性はラジオで流れる定型的なポップソングとは異なります。つまり、オープンマインドと表現の自由を主張したフランスの哲学者ヴォルテールの名を冠することで、彼らは音楽産業への皮肉と共に自らの率直なクリエイティビティを宣言しているのです。
感傷と希望を等しく宿す “Idlewild” は、2人の John のメロディーセンスが知的で絶妙のアレンジメントと完璧に融合した、アルバムを象徴する楽曲かも知れませんね。実際、John Wetton の魂が降臨し3人の John が奏でたようにも思える旋律と感情の美麗なる邂逅は、英国の “荒野” に雲間から差し込む光の如く神秘なる審美です。
THE WHO の “Won’t Get Fooled Again” をメランコリックに再構築する “I Won’t Break So Easily Any More” でバンドのエナジーを見せつける一方、”Temple Tudor” ではバロックで牧歌的なイメージを提示するなど楽曲のバラエティー、緩急のインパクトも巧妙。
そうして辿り着く、アルバムを締めくくる叙情のロマンティック三連撃は圧倒的です。美しく翳りを宿した切ないメロディーの洪水は、優しくしかし深々とリスナーの胸を抉り感傷の痕跡を残していきます。
実際、”Grey Shapes On Concrete Fields” で見せる Craig の実力を活かしたパーカッシブなアレンジメントやポリリズムなどは非常に複雑かつプログレッシブ。同時に究極にドラマティックで、しかし短編映画を思わせるコンパクトなデザインを実現した濃密なフィナーレはまさにプログポップの理想を体現していると言えるのではないでしょうか。
今回弊誌では John Mitchell にインタビューを行うことが出来ました。ギタープレイヤーとしても音の選択が非常にクレバーだと感じます。｢また13年したら新しいアルバムを作るよ！｣ 本誌2度目の登場です。どうぞ！！

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KINO “RADIO VOLTAIRE” : 9.8/10

INTERVIEW WITH JOHN MITCHELL

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Q1: Hi, John! Thanks a lot for accepting our interview again! Actually, you look so busy with It Bites, Frost*, Lonely Robot, and Kino, right? haha. First of all, could you tell us about the recent situations of these bands?

【JOHN】: Well I haven’t done anything with It Bites since 2012, until last year I hadn’t done anything under the name Kino since 2006 and I’m about to start a new Lonely Robot record. I’ve also been finishing off the new Arena album..as for Frost, you’d have to ask Jem as that’s his baby really.

Q1: お久しぶりです！最近のあなたは IT BITES, ARENA, FROST*, LONELY ROBOT, そして KINO にも所属していてとても忙しそうですね？

【JOHN】: そうだなあ、まあ IT BITES は2012年から何も活動していないし、2006年から去年まで KINO の名前も封印していたからねえ。
僕のソロプロジェクト LONELY ROBOT は新作に向けて動き出したところだよ。ARENA の新作も完成間近。FROST* に関しては Jem に聞いた方がいいね。あのバンドは本当に彼の子供みたいなものだから。

Q2: So, Kino was inactive from 2006-2018 like the band was sleeping. What made you awake from that long asleep?

【JOHN】: The suggestion came from my record label really. I hadn’t thought about resurrecting the notion of Kino until that time although Pete and I joked about it on occasion.

Q2: 仰る通り KINO は2006年から長い眠りについていましたね？ 目覚めのきっかけは何だったのでしょう？

【JOHN】: 僕のレコードレーベルからサジェスチョンがあったんだよ。その時まで僕は KINO を復活させることは考えてもいなかったんだ。時々、僕と Pete でジョークにしていたくらいでね。

Q3: Keyboard player John Beck, who is also a bandmate of you in It Bites was fully involved on the debut album, but this time his role is that of a guest musician. Also, the task of drummer this time fell to Craig Blundell. What was the reason of this “Change”?

【JOHN】: John was busy with Fish at the time it came to do keyboards so he wasn’t AS involved as he was last time and Craig took over on drums as Chris Maitland said he couldn’t commit to the project back in 2005 as he had been offered a tour with the musical We Will Rock You.

Q3: IT BITES の同僚でもあるキーボードプレイヤー John Beck は、前回は正式メンバーでしたが今回はゲストプレイヤー扱いですね？

【JOHN】: John はキーボードをレコーディングするタイミングにちょうど Fish との仕事で忙しかったんだ。だから前回ほどは関わることが出来なかったんだよ。
さらに今回は Chris Maitland に代わって Craig Blundell がドラムスを叩いているんだ。というのも、彼は 2005年にミュージカル “We Will Rock You” のオファーを受けてこのプロジェクトにはコミット出来ないと発言したからなんだけどね。

Q4: The title “Radio Voltaire” reminds me amazing UK’s Cabaret Voltaire. Anyway, what’s the meaning or themes behind the title?

【JOHN】: The theme is a radio station from which you only ever hear the glaring truth. The French philosopher Voltaire was fairly anti-establishment at the time he was around and it was a wonder he wasn’t executed by the bourgeois for his outspoken views in deference to what they stood for. The title is a tongue in cheek homage to the man. Plus the title sounded cool! I’ve never heard Cabaret Voltaire.

Q4: 新作のタイトル “Radio Voltaire” は UK の素晴らしき CABARET VOLTAIRE を想起させますが、なぜこの言葉を選んだのですか？

【JOHN】: アルバムのテーマが “明白な真実” のみを聞く事の出来るラジオステーションだったんだ。
フランスの哲学者ヴォルテールは当時かなりの反体制的な人物だったんだけど、その率直な発言は確かに敬意も宿していたからブルジョワジーから処刑されることはなかったんだ。
つまりこのタイトルはユーモアを込めたヴォルテールへのオマージュなんだ。響きもクールだしね！CABARET VOLTAIRE は聴いたことがないんだよ。

Q5: So, 13 years have passed since you released amazing debut full-length. Very long interval. How have Kino’s music changed or evolved in “Radio Voltaire”?

【JOHN】: Well I hope from my point of view that I have evolved as a lyricist and singer more than anything. I was 31 when we did the first record and it was my first time properly singing and fronting a band. Now I’m 44 and I’m old and cynical lol. Hopefully that means I’ve learned a bit more about life and indeed writing about my views on it. Oh and this record definitely sounds more polished than the first one, I’ve got a way better studio now, haha.

Q5: それにしても13年はとても長いインターバルです。高い評価を受けたデビュー作から、長期の休止を経てバンドの音楽性はどのような変化を遂げましたか？

【JOHN】: そうだね、これは僕の願望でもあるんだけど、僕は何より作詞家、シンガーとして進化を遂げてきたと思うんだ。ファーストアルバムをレコーディングした頃僕は31歳で、フロントマンとしてちゃんと歌うのはあれが初めての経験だったんだ。
今僕は44歳で、年齢を重ねシニカルになった。（笑）まあ、それによって僕が人生について少しでも学んでいて、僕の人生観をライティングに活かせていればいいんだけどね。
そうそう、後このレコードのサウンドは、間違いなくファーストアルバムに比べて磨き上げられているよね。僕はどうやらスタジオでのやり方も熟練したようだね。（笑）

Q6: I feel “Radio Voltaire” consisted by shorter, Prog-Pop songs, there is no “epic” therefore you seem to focus on more accessible side of Kino, right? Steven Wilson’s “To The Bone” is typically, progressive scene takes more Pop elements now a days. Do you agree that?

【JOHN】: I hadn’t really thought about it. I don’t go out of my way to write long or short on in-between songs, I just write songs. I’ll ask Steve if he deliberately waved goodbye to prog next time I see him. He probably just made the album he wanted to make at the time, such is the way with creative people. It is a collection of pop songs. But ones we have messed around with. I might make a reggae album next…or an album that contains just one song, haha.

Q6: 楽曲に関して言えば、よりコンパクトな “プログポップ” ソングが多数を占めていますよね？実際作品に所謂 “エピック” は存在しませんし、KINO のポップサイドに焦点を当てたように感じます。近年、Steven Wilson や FROST* にもそういった傾向がありますよね？

【JOHN】: それについては本当に考えたことがなかったね。僕は故意に長い曲や短い曲を書くことはないんだよ。ただ楽曲を書くだけさ。
次に Steven と会うときには、彼が計画的に “プログ” と別れを告げたのか聴いてみるよ。おそらく彼は、その時作りたかったアルバムを作っただけじゃないかな。それこそがクリエイティブな人間のやり方なんだよ。
確かにこのアルバムはポップソングを集めたものだと言えるかもしれないね。ただ、僕たちが充分に手を加えたポップソングだよ。僕だって次はレゲエのアルバムを作るかも知れないし、1曲こっきりの大作をつくるかも知れないよ。（笑）

Q7: Anyway, we’d love to know whether Kino’s comeback is one time reunion or continue permanently. What’s your perspective about that?

【JOHN】: We’ll probably make another album 13 years from now!

Q7: 次のアルバムと仰いましたが、実際ファンは KINO をパーマネントに続けて欲しいと思っていますよ？

【JOHN】: そうだね、また13年したら新しいアルバムを作るよ！

FIVE ALBUMS THAT CHANGED JOHN’S LIFE

PINK FLOYD “THE WALL”

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YES “90125”

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THE POLICE “OUTLANDOS D’AMOUR”

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CARPARK NORTH “ALL THINGS TO ALL PEOPLE”

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A-HA “HUNTING HIGH AND LOW”

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MESSAGE FOR JAPAN

Kino press shots, with John Mitchel, Pete Trewavas, Craig Blundell

Japan, I miss you and I want to visit you very soon. Some of my best concert experiences and experiences in general have happened in Japan. I hope to come back sooner rather than later!

日本のみんなが恋しいし、本当に近々訪れたいと思っているんだ。僕の中で最高のコンサートも、ロックの最高のコンサートもいくつかは日本で行われたんだから。遅かれ早かれ日本に戻れたらいいね！

JOHN MITCHELL

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THOUSAND EYES : DAY OF SALVATION】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH KOUTA OF THOUSAND EYES !!

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Japanese Metal Super Group, Thousand Eyes Mixed Extreme Melanchory And Aggression With Their New Masterpiece “Day Of Salvation” !! Don’t Fear The Rampage Tyrant !

DISC REVIEW “DAY OF SALVATION”

LIGHTNING, UNDEAD CORPORATION, YOUTHQUAKE, TEARS OF TRAGEDY, GALNERYUS。ジャパニーズエクストリームの粋を集めた哀士 THOUSAND EYES が救済の慈光に慟哭を刻む雄編 “Day of Salvation” をリリースしました！！狭義のメロディックデスメタルから飛翔し変貌を遂げた破竹の一撃は、”荒れ狂う暴君” の名に相応しき真なるメタルの王道です。
ARCH ENEMY, IN FLAMES, AT THE GATES といったゴーセンバーグ鋼鉄騎士団の大いなる遺産を受け継いだジャパニーズヒーローは、90年代に受けた薫陶を紋章にその領地を華麗に拡大しています。
威風堂々のインストルメンタル “Dawn of Despair” に導かれ来臨するオープナー、救済の日 “Day of Salvation” はまさにバンドが理想とする “メタル” を具現化した会心のキラーチューン。まるで “Hellion～Electric Eye” を2018年に甦らせたかのような完璧なメタルドラマは、荘厳なツインリードを切り裂く覇者のデスラッシュで幕を開けます。
AT THE GATES の遺伝子を確かに宿す激烈なリフワークは、トレモロの洪水へと流動し、遂には美麗なギターメロディーと “歌える” シャウトの巧みに交差するカタルシスへと到達するのです。
実際、Dougen 氏のシャウトは以前よりも生々しく感情的で、メロディーを抱いた “歌” へと接近しており、綿密にデザインされたギターワークと双璧を成すことで時に絶声のシンガーをも上回るエモーションを創出し、千の眼に映る覇道を見せつけていますね。
｢ピュアなメタルサウンドを追求する一方で、ブルージーなもの、グルーヴのあるもの、ジャズ的なアプローチなど、 非メタル的要素も散りばめられています。｣ と Kouta 氏が語るように、”Day of Salvation” で示された拡大するバンドの可能性は無限大です。
SikTh や THE DILLINGER ESCAPE PLAN のカオスを感じさせる “Dead Again” の難解なメインリフは実にコンテンポラリーですし、”Dread My Brain” では LAMB OF GOD をイメージさせる重く鋭いモダンメタルの牙でリスナーを威嚇します。特筆すべきは、アルバムに息づく伝統とモダンは極めてナチュラルに溶け合い THOUSAND EYES の色へと染まり “正統派メタルでありながら先鋭的な雰囲気を持つメタルアルバム” を実現している点でしょう。
事実、ある特定の色 、侘び寂びと哀愁を湛えた繊細なる “千眼色” が存在することはバンドにとってこの上ない強みに思えます。そしてその “色” の一端は日本の異端とも言えるメタル文化が育んだようにも感じます。
例えば、”Lost Forever” のイントロで聴くことの出来るメロディックハードロックの胎動、風薫る凛とした音の風景などは海外のデスメタルバンドには逆立ちしても真似出来ないでしょうし、何より、”Astral Skies” のあの ASIA を想わせる豊潤なるメロディーはバンドが至高にしてこのジャンルの貴重な特異点だと強く確信させてくれるはずです。
勿論、Kouta & Toru のギターチームは時に調和し、時に鬩ぎ合い、クラッシックの香り引き立つリードギターで流麗の限りを尽くします。｢クラシックとロックの中間点というのは、まさに僕の理想とするギタースタイルです。｣ と語る通り、Kouta 氏が楽曲に織り込むシェンカーライクなトーンとパッセージの数々は白眉で、まさにギターでしか表現出来ない五線紙と魂の中間点でリスナーの感情を喚起するのです。
当然、彼らの千眼色は細部まで吟味を重ねこだわり抜いた職人のコンポジションに支えられています。欲しい場所に欲しいメロディーを、フックにフックを重ねた日本画のように綿密な音の色彩は “インテレクチュアル・メロディックデスメタル” とでも称せるほどに知的で艶やかです。確かにここには MEGADETH の理想が刻印されています。そしてそのイデアルを実現たらしめたのが、切れ味鋭きエクストリーム手数王 Fumiya 氏の存在であることは明らかでしょう。
アルバムは究極にメランコリックな PANTERA、”Devastated Moment” で短くしかし一切無駄のない43分の救済を締めくくりました。
今回弊誌では、Kouta さんにインタビューを行うことが出来ました。｢正直僕はメロデスにそこまで詳しくありませんし、コピーしたこともほとんどなく、インスピレーションよりも方法論としての影響が大きいと思います。｣ 飛翔伝説の幕開けです。どうぞ！！

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THOUSAND EYES “DAY OF SALVATION” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【INTO THE GREAT DIVIDE : INTO THE GREAT DIVIDE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ZACK ZALON OF INTO THE GREAT DIVIDE !!

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Incredible Multi-instrumental Player, Zack Zalon Creates Pure Prog-metal Epic “Into The Great Divide” With Dream Theater’s Maestro Mike Mangini !!

DISC REVIEW “INTO THE GREAT DIVIDE”

マルチインストゥルメンタリスト、伏竜 Zack Zalon が提唱し、Mike Mangini, Richard Chycki の DREAM THEATER 人脈が入眼へと導いた “ロックノベル” プロジェクト INTO THE GREAT DIVIDE が渾身のデビュー作をリリースしました！！プログメタルのレガシーを存分に咀嚼し忠実に新構築する彼らの純粋なる流儀は、細分化極まるモダンメタルの風土へ却って新鮮な風を運びます。
プログロックの中でも特に RUSH や YES の持つエピカルなメロディー、繊細なテクニック、数学的な変拍子、壮大なオーケストレーションをメタルと融合させたプログメタル。DREAM THEATER, FATES WARNING の二大巨頭を始祖とするジャンルは黎明期から様々にユニークなバンドを多く輩出しています。
SHADOW GALLERY, LIQUID TENSION EXPERIMENT, MAGELLAN, ICE AGE, DALI’S DILEMMA。プログメタル、シュレッドに特化した偉大な Magna Carta, Shrapnel 両レーベルが残した遺産は決して安易に風化させてしまうべきではないはずです。(余談ながら ICE AGE デビュー作のタイトルは奇しくも “The Great Divide”。)
｢これは疑いようもなくプログミュージックだよ。自分自身で聴きたいような作品を作ることに決めたんだ。だから、ある意味この作品は僕が聴いて育ったバンドたちへのオマージュの意味も持つわけさ。｣ Zack が語るように、INTO THE GREAT DIVIDE は確かにプログメタルの原点とも言えるトラディショナルなポリリズム、クラッシックロックのメロディー、フラッシーなギターとエピックなキーボードに彩られ、無類の遺産を相続するに相応しきヴィジョンを提示しています。
同時により洗練されたデリケートなアレンジメント、ピアノやストリングが生み出す静と動のダイナミックなコントラスト、幻想的でシネマティックなオーケストレーションは ｢それでいてフレッシュで異なるものに仕上がっていればと思う。｣ というマスターの言葉を裏付けますね。
オープナー、”The Crossing” や冒険へ誘う “A Call to Adventure” はまさにレガシーとコンテンポラリーが交差するグランドライン。Zack がドラムス以外全ての楽器を手がけることで、楽曲のデザインはより密にその完成度を高めます。
冒頭にピアノやギターで示される魅力的な楽曲のテーマが、リズムや音階を少しづつ変えながら優美に展開していく様は実に音楽的で圧巻。鬼才 Brendon Cassidy のオーケストラアレンジメントも呼応し溶け合い、プロジェクトが提唱する小説や映画のようなプログメタルは見事にリスナーの想像力を喚起するのです。
フレッシュと言えば、インストゥルメンタルでありながらアルバムに濃密なストーリーを抱かせる “ロックノベル” のアイデアに触れない訳にはいきませんね。楽曲毎に用意されたイントロダクション、ディープボイスのナレーションは雄弁にして簡潔に逆境に打ち勝つ勝利の道筋を語ります。確かに全曲に解説が付与されたインストルメンタルアルバムは前代未聞で、特に英語をネイティブとするリスナーにとっては画期的なコンセプトでしょう。
Zack の全く弾き控えしないシュレッドも本作の重要なセールスポイントです。Lukather や Huff にリスペクトを捧げる Zack。経過音を豊富に組み込んだリズミックでジャジーなマエストロの滑らかなギター捌きは真に卓越しています。
加えて、折に触れて出現する様々な Shrapnel ロースターをイメージさせる場面、パッセージも好き者には溜まりませんね。Petrucci は元より、Steve Morse や MacAlpine, ロマンチックなフレーズは Neil Zaza、さらには Michael Lee Firkins のカントリーテイストまで垣間見ることが出来るのですからあの時代を愛するリスナーにとっては堪えられない贈り物となるはずです。
“Challenge Accepted” で披露するトライバル&マシナリー、刻刻と移行する拍子の魔法を完全掌握した性格無比なプレイが代弁するように、クリエイティブかつ的確に楽曲を支える手数王の素晴らしさは最早語るまでもないでしょう。
今回弊誌では、Zack Zalon にインタビューを行うことが出来ました。｢Mikeはプロジェクトの熱心な支持者として参加し、彼の並外れたスタイルと能力をアルバムにもたらしてくれたんだ。｣ どうぞ！！

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INTO THE GREAT DIVIDE “INTO THE GREAT DIVIDE” : 9.7/10

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