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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NOSOUND : ALLOW YOURSELF】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH GIANCARLO ERRA OF NOSOUND !!

“I’ve Never Been a Fan Of Being Very Good Or Even Virtuoso Or Any Instrument, I Hate Any Virtuoso Or Technical Playing, I Like Instead Emotions, That Are Always Simple And Direct.”

DISC REVIEW “ALLOW YOURSELF”

「シンプルとは究極の洗練である。」 イタリアから真なるプログレッシブを追求する現代のダヴィンチ Giancarlo Erra は、万能の天才に相応しき多様な才能を NOSOUND へと捧げます。
70年代のサイケデリカとプログの香りをコンテンポラリーなオルタナティブ、アンビエント、エレクトロニカ、ポストロックの小瓶へと封じる NOSOUND の芳醇でエクレクティックな音楽性は、ヨーロッパにおいて今最も刺激的なアートロックフォームの一つとして遂にその認知を頗る高めています。
21世紀初頭に帆を上げた NOSOUND の航海にとって、ポストプログレッシブの本営 Kscope との契約、そしてポストロックのサウンドスケープへと接近した “A Sense of Loss” のリリースは最初の転機となりました。
「僕が Kscope を気に入っているのは、プログの世界と定義を見直そうと決め、僕の新作を歓迎してくれるのはもちろん、プログ世界の外側のアーティストとも多く契約をしている点なんだ。」と Giancarlo は語ります。
事実、ANATHEMA はもとより、THE PINEAPPLE THIEF, NO-MAN といった NOSOUND と深くシンクロする Kscope ロースターは音色、響きの焦点を全て感情表現という一点へ集中させています。詩歌、奏楽、ノイズ、オーケストレーション、リズムは、音楽というレンズを通して最もエモーションを際立たせる場所へと配置されるコンポーネントの一つ。
つまり、「僕はどの楽器においても、卓越したミュージシャンやヴァーチュオーゾの大ファンだったことはないんだよ。むしろ、ヴァーチュオーゾやテクニカルなプレイを嫌っているとさえ言えるね。それよりもエモーションを愛しているんだ。」との言葉通り、NOSOUND の志向する “プログレッシブ” は、卓越した技巧を感情追求の一端とする典型的なプログレッシブロックとは全く異なる領域にあると言えるのです。
賞賛されるべきは変化を恐れない勇気だと Giancarlo は語ってくれました。そして彼らの最新作 “Allow Yourself” は自らのコンフォートゾーンからさらに針路を進め、最も創造性煌めく海原へと到達する “許し” が付与された第二の転機です。
事実、かつての音楽性は “Nosound” となったと嘯く通りその変化はドラスティック。典型的なロックの構造から離れて “ミニマル” なデザインを追求し、エレクトロニカとアコースティックの完璧なバランスを見出したアートは、カテゴライズやアナライズさえ愚かな行為に思えるほど浮世離れの絵巻物。
ただし、このエレガントでドリーミー、メランコリックで静謐で、しかし時に深々と積もる怒りの灯火やパワフルなエナジー、情熱や情念を噴出させるモナリザの万華鏡には、これまで以上に様々な感情が、より鮮やかに交錯し織り込まれていることは確かです。
もしかしたら、世界には “許し” が足りないのかもしれません。自らを愛すること、心を開くこと、変化を遂げること、理解を深めあうこと。全てに勇気を持って “許し” を与え、新たな扉を開くためのサウンドトラックとして、この作品はあまりに完璧です。
今回弊誌では、Giancarlo Erra にインタビューを行うことが出来ました。「プログというジャンルは、そもそもジャンル分けをものともしない音楽のために生まれたはずなのに、70年代を過ぎると最も閉鎖的な分野の音楽になってしまったね…”進化” するべきはずのものから、形骸化された “プログレッシブ” の形式で作られた音楽だけを受け入れるものになってしまったのさ。」ぜひドアを開けてください。どうぞ！！

NOSOUND “ALLOW YOURSELF” : 10/10

INTERVIEW WITH GIANCARLO ERRA

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about the band and yourself? What kind of music were you listen to, when you were growing up?

【GIANCARLO】: I grown up listening mainly to Beatles, electronic music (Schulze, Brian Eno) and soundtracks. Since I was a kid I had in the house a cheap keyboard and a guitar, so I remember being always curious to re-play what I was hearing. As a teenager in the mid 90s I got then into grunge and rock or metal, I started listening to Pink Floyd as well as a union between the soundtrack world and the rock one, and that is an influence that is quite clear in my first two albums. With time though I moved then to post-rock, and back to my origins, going for simpler songwriting, and more electronic/soundtrack and minimalist structures. Today with the streaming services is fantastic as I can discover new music every single day, so my listening taste became much wider and more eclectic, and definitely that helped going away from some clear influences on early albums and going on to develop my own music language.

Q1: 本誌初登場です！まずはあなたの音楽的なバックグラウンドについてお話していただけますか？

【GIANCARLO】: 僕は主に THE BEATLES, そして Klaus Schulze, Brian Eno といったエレクトロニックミュージック、それにサウンドトラックなんかを聴いて育ったんだ。子供のころは、家に安価なギターとキーボードがあったから、そうやって聴いたものをリプレイすることにいつも興味津々だったのを覚えているよ。
90年代の中頃、10代になるとそこからロックやグランジ、メタルにハマるようになったんだ。サウンドトラックの世界とロックの架け橋みたいなものが気に入って、PINK FLOYD を聴き始めたね。僕の最初の2枚のアルバムにはその影響が顕著に表れていると思うな。
さらに時を経て、ポストロックに到達し、そこから僕のルーツであるシンプルなソングライティングやよりエレクトロニカ/サウンドトラックの領域、ミニマルなストラクチャーへと回帰したんだよ。
今日のストリーミングサービスは素晴らしくて、毎日新たな音楽を発見することが可能だよ。だから僕の音楽的嗜好もより幅広く、エクレクティックになって来ているね。そしてその事実は、間違いなく僕が初期のアルバムで見せた影響を離れ、自身の音楽的言語を改良していくのに役立っているね。

Q2: So, Giancarlo, you are kind of all-rounder, utility player. Because you can sing, compose, play guitar and keyboard. What inspired you to be multi-player?

【GIANCARLO】: I’ve always been not keen on studying music theory and stuff, I always wanted to hear sounds without the knowledge, so I always developed my skills playing only by ear, and so I do today, and on all instruments. Sure with time you anyway start getting some basic notions, just because you play, but I was always more interested in being able to create all the sound I need on my own. I like to write in solitude, and I always have very clear ideas and mostly complete songs in my head, so I need a way to grab an instrument and just play and record my idea before it goes away. In my studio I have guitars, drums, bass, synths, everything is ready in a few seconds to be played and recorded. I’ve never been a fan of being very good or even virtuoso or any instrument, I hate any virtuoso or technical playing, I like instead emotions, that are always simple and direct, so I always invested and studied to learn what I needed for every instrument.

Q2: 作曲、ボーカル、ギターにキーボードをこなすあなたの才能はまさにオールラウンダーだと言えますね。いかにしてそのマルチな才能を育んでいったのでしょう？

【GIANCARLO】: 僕はいつだって音楽理論を学ぶことには熱心じゃなかったんだ。というよりも、知識なしでサウンドに接したいと思って来たんだよ。だから僕は演奏技術も耳だけで磨いて来た訳だよ。そうして今日、全ての楽器をプレイするようになったのさ。
もちろん、楽器を始める時はたいていただプレイしてみたいからだと思うんだけど、僕の場合はいつも、自身の楽曲に必要な全てのサウンドを創造してみたいからだったんだ。
一人で作曲するのが好きだし、僕の頭の中にはいつも非常に明確なアイデアとほぼ完成状態の楽曲が存在しているんだよ。だから、そのアイデアが失われてしまう前に、楽器を手にしてただプレイしそのアイデアを録音してしまう必要があるんだよ。
僕のスタジオでは、ギター、ベース、ドラムにシンセ、全てが数秒でプレイしレコーディング出来る状態で用意されているんだ。
まあ逆に言えば、僕はどの楽器においても、卓越したミュージシャンやヴァーチュオーゾの大ファンだったことはないんだよ。むしろ、ヴァーチュオーゾやテクニカルなプレイを嫌っているとさえ言えるね。それよりもエモーションを愛しているんだ。そしてそれはいつだってシンプルでダイレクトなものなんだよ。だから僕はどの楽器も、僕が必要としていることだけ学ぶ訳さ。

Q3: Nosound is kind of ironic name, because your sound is really impressive and memorable. What made you choose the name?

【GIANCARLO】: That irony was definitely one of the elements, and I somehow liked the idea of a short name, that was not a proper word but clear enough to be clear in its meaning. It happened as a joke, but then I stick with and is now here after 15 years!

Q3: それにしても NOSOUND とは少々皮肉な名前ですよね？ なぜならあなたの音楽は、いつも印象的で記憶に残るサウンドを響かせている訳ですから。

【GIANCARLO】: そのアイロニーは間違いなく僕たちを構成する要素の一つだよ。それに僕は短い名前が好きだったしね。バンドを表現するにあたって確かに適切な言葉ではないんだけど、その意味がハッキリするほど明確ではあるよね。
まあジョークのように名付けたんだけど、それから気に入って気づけば15年も使用しているよ。

Q4: Ok, let’s talk about your newest record “Allow Yourself”. Actually, there is a drastic change in this record, and it seems you left behind your early influences, prog categorization. I think that’s why you had to allow yourself literally. Do you agree that?

【GIANCARLO】: Yes absolutely, it was a process I started already in the past, I think since A Sense Of Loss I wanted this, but it was very linear from album to album. In Scintilla I think I embraced it a bit more, but I was missing the last bit…myself! I needed to commit to it without fear, to really get out of my comfort zones or whatever the others expect from my music, and I did. It was not easy, but once done is a liberation that opens hundreds of other doors. I personally think that apart from some songs in first two albums, we never were prog (just lazily categorised like that because of the record label we’re on like other acts on it that are not prog either). I never even really liked the music a listener! So yeah Allow Yourself is a the same time the result of a path that started a few years ago, and the big step that was needed to be the start of something different and more “Nosound” than anything we did in the past.

Q4: では最新作 “Allow Yourself” について話しましょう。音楽性にドラスティックな変化が起きたアルバムですね？
初期の影響、プログというカテゴリーを置き去りにして、故に文字通り自らの新たな旅を “許可する”必要があったのではないかと想像するのですが？

【GIANCARLO】: うん、完全にその通りだよ。ただこの変化はすでに過去の作品から始まっていたプロセスではあるんだ。
“A Sense Of Loss” の頃からこういったサウンドを目指していたんだけど、前作からの期間がとても短かったからね。”Scintilla” ではもう少しその要素を擁することが出来たんだけど、少し自分自身を失ってもいたね！
変化を恐れることなくコミットし、自らの快適な場所、他人が期待する僕の音楽から本当に抜け出す必要があったんだ。だからそうしたんだよ。もちろん、簡単なことではなかったけど、一度それを成せば他の “ドア” も何百と解放されるんだからね。
個人的には、最初の2枚のいくつかの楽曲を除けば、僕たちが “プログ” だったことはないと思うんだ。まあ僕たちのレコードレーベルは、プログじゃない他のバンドもプログと呼んでいるから緩いカテゴライズだとは思うよ。それに、僕はリスナーとしてプログロックが本当に好きだったことさえないんだよ！
まあ、だから、そうだね、”Allow Yourself” は何年か前に始めたことの成果でもあるし、異なることを始めるために必要な大きな一歩でもあると言えるね。つまり、過去の僕たちのサウンドは文字通り “Nosound” になった訳だよ。

Q5: Definitely, you found a new balance between organic and electronic sounds, also moved to more minimalistic realm, stepped away from rock structures. What made you evolve this new direction?

【GIANCARLO】: Very simply the fact that in the last decade or so that’s the kind of music I listen to and like the most! Apart from my teenage years, I’ve never been a huge fan of rock, or even less classic rock or prog rock, so after the start of Nosound as a teenager I then wanted to shift and move my own music in the direction I like. I write mainly for myself, so I need to be the one liking the music I do. I always like every album I do, and I always feel is the best, but then when time pass I realise I didn’t make it just exactly as I wanted…with time and arrangements, I slowly shifted again towards my comfort zone made of guitars and more rock arrangements (even if art rock).
I needed to really allow myself to do what I wanted, and take all necessary steps to be able to do so (from studio equipment used to production techniques to singing and playing technique), and I did it!

Q5: この作品であなたは間違いなく、オーガニックなサウンドとエレクトロニカの絶妙なバランスを発見しましたね？
それにロックらしい構造から離れ、よりミニマルな領域にも接近しています。

【GIANCARLO】: すごく単純な話なんだけど、その変化はこの10年かそのくらいに僕が聴いてきた音楽、そして最も好きな音楽による所が大きいね！
10代の頃を除いて、僕はロックの大ファンだったことはないんだよ。クラッシックロックやプログロックはことさらにね。だから、ティーンネイジャーの頃に NOSOUND を始めて以来、僕は好きな方向性で自分自身の音楽へとシフトし、移行しようとして来たのさ。
基本的に僕は自分自身のために作曲をするんだ。だから当然、僕の作る音楽を好きでいる必要があるね。僕はいつだって作った全てのアルバムを気に入るし、その時は最高傑作だと感じるよ。
だけど、時が経つに連れて気づくんだ。完全に思うようには作れなかったってね。なぜなら、アレンジを重ねるうちに、どうしてもゆっくりと自分のコンフォートゾーンであるギター主体のよりロックな方向、それがアートロックだとしても、に進んでしまっていたからなんだ。
だから、今回は自分の本当にやりたいことをやっていいよと許可してあげる必要があったね。そのために必要なステップは全て踏んだよ。プロダクションの技術に必要なスタジオの設備から、歌唱、演奏技術までね。そうやってやり遂げたのさ！

Q6: It seems David Bowie’s “Blackstar” and Radiohead’s “A Moon Shaped Pool” became huge inspiration of “Allow Yourself”, right?

【GIANCARLO】: Yes probably two of the best albums I discovered in recent years, and definitely probably the only two by big names. What I love of these two albums is that they come from people who could have easily been doing what they were doing before as well. Instead they decided to go for something new, breaking through, and that’s what I do really admire, and in both cases although very different albums, they achieved their best work in their careers I think. That’s the spirit, always pushing, not caring what fans or people expect.

Q6: David Bowie の “Blackstar” と RADIOHEAD の “A Moon Shaped Pool” が “Allow Yourself” の大きなインスピレーションとなったようですね？

【GIANCARLO】: その通りだよ。おそらく、ここ何年かで出会った最高のアルバム2枚だろうね。そしてビッグネームの中で気に入ったのもこの2枚だけなんだよ。
僕がこの2枚のアルバムを愛するのは、彼らが前にやっていたことを安易になぞったって誰からも文句を言われないような人たちだからなんだ。だけどそうする代わりに、彼らは新しいものへと突き進むことを決めたんだよ。そしてその事実こそ、僕が本当に賞賛している部分なのさ。
2枚のアルバムは非常に異なる作品だけど、彼らは自身のキャリアで最高の仕事を達成したと僕は思うんだ。常にプッシュし、ファンや人々が期待していることを気にかけない。それこそが勇気なんだと思う。

Q7: “Numb and blind. Your laugh is my drug”. “My Drug” is my favorite track. Definitely, it’s just emotional… Anyway, which song shows the band’s evolution the most in this record?

【GIANCARLO】: I personally think My Drug represents the new part mostly for the lyrics and singing, while other tracks like Ego Drip or Shelter or Defy are the most daring musically speaking. Together with songs like Saviour are what represents a new direction, showing the emotional content of this music (that was always there) in a different light, that is now even more powerful. As first reviews started arriving, I noticed (with pleasure!) they were even more polarised than Scintilla. The prog people and zines really didn’t get it, as they seem to be unable to get music unless it’s rock/virtuoso/guitar/boombastic based. While all newcomers from other parts of rock or just other kinds of music, really loved it, and they actually were able to go to the essence of any music or form of art: that is feelings, not the music (or the form of art) itself.

Q7: “My Drug” はフェイバリットですよ。ただエモーショナルでそしてバンドの進化を克明に映し出していますね。

【GIANCARLO】: 個人的に、”My Drug” は歌詞と歌唱でバンドの新たな一面を見せていると思うな。一方で、音楽的に “Ego Drip”, “Shelter”, “Defy” といった楽曲は最も大胆で斬新だと思うんだ。同時に、”Savior” のような楽曲はいつも僕たちが大切にしているエモーションに異なる光を当てて、よりパワフルに新たな方向性を示しているよ。
レビューが届きはじめて嬉しい驚きだったのは、”Scintilla” の時よりもさらに評価が二分されていたことなんだ。”プログピープル” やプログ誌には本当に評価が低くてね。というのも、彼らはロック、ヴァーチュオーゾ、ギター、ブンバスティックといったベースがなければ音楽を評価出来ないからね。
一方で、別のジャンルのロックや音楽から来た全てのニューカマーたちは、実に気に入ってくれているね。彼らはどんな音楽、アートの形においても欠かせないものを知っているんだ。それは感情だよ。音楽のジャンルやアートの形それ自体ではなくね。

Q8: So, your record label Kscope is kind of symbol of “Post-progressive”. Do you think you are still “Post-progressive” band even now? What’s “progressive” to you?

【GIANCARLO】: As I said before, I think we never were, and even less now. What I like is that Kscope as well decided to go over that world and definition, they welcomed my new album and they are also signing more acts outside of that world. Although the genre was born for music that was defying music genres, it became after the 70s the most closed minded kind of music…from being something that should progress, it became something that only accepts music made in the ‘progressive’ way. For me progressive means all modern classical and electronic and non rock and non guitar music, the minimalist, everything that defies previous categorisations. But I’m aware this is not what people expect, so I simply don’t care about what they expect or what they want to listen to or call us, I just do my music, and Allow Yourself is what it is, they like it or not, haha.

Q8: ではポストプログレッシブを指標するレーベルに属し、それでもプログバンドというレッテルを貼られている現状に関してはどう感じていますか？

【GIANCARLO】: さっきも言ったように、これまでも僕たちはプログバンドだったことはないし、今では尚さらだよ。僕が Kscope を気に入っているのは、プログの世界と定義を見直そうと決め、僕の新作を歓迎してくれるのはもちろん、プログ世界の外側のアーティストとも多く契約をしている点なんだ。
プログというジャンルは、そもそもジャンル分けをものともしない音楽のために生まれたはずなのに、70年代を過ぎると最も閉鎖的な分野の音楽になってしまったね…”進化” するべきはずのものから、形骸化された “プログレッシブ” の形式で作られた音楽だけを受け入れるものになってしまったのさ。
僕とってプログレッシブとは、モダンクラシカル、エレクトロニカ、ノン・ギター、ノン・ロックミュージック、ミニマリストなど、前時代のカテゴライズに反するものすべてを意味しているよ。だけどね、僕はみんなが僕に期待するのがこういった音楽ではないことを知っているんだ。だから僕はただシンプルに、彼らが何を期待しているか、何を聴きたいのか、僕たちを何と呼びたいのか気にしないことにしたんだ。彼らが気にいろうが気に入るまいが、”Allow Yourself” はそういうアルバムなんだ。

GIANCARLO’S LIFE CHANGING ALBUMS

DAVID BOWIE “BLACKSTAR”

TOOL “AENIMA”

PINK FLOYD “THE DIVISION BELL”

Not very easy honestly…because I change my listening tastes a lot, and what I thought were albums that changed my life, they became at some point albums I was really bored of…so I really don’t know! Probably Blackstar is one of those, then I could say Aenima from Tool and The Division Bell by Pink Floyd because I was a teenager and they made me discover a completely new world, but really is difficult for me. Also I’ve always been much more a song guy than an album guy, I love vinyls and have only vinyls and I listen to full albums, but are the songs I’m interested into, not the concept (I actually get bored very soon of albums with a “concept” or even more if fictional stories etc.).

簡単じゃないね…嗜好が変わったからそういった作品も、今では退屈に感じられてしまうからね。Bowie の “Blackstar” はきっとそうだろうな。あとは、TOOL の “Aenima” と PINK FLOYD の “The Division Bell”。当時10代だったけど完璧に新たな世界を提示されたからね。僕はアルバムよりも楽曲に惹かれるんだ。だからコンセプトアルバムとかストーリーも苦手なんだよね。

MESSAGE FOR JAPAN

Japan is a country I’ve always missed visiting to play, I know my music could have a good impact there, but is not very easy somehow to reach with promotion from here, so I was really pleased and grateful to receive your request for an interview. I can only encourage Japanese fans to contact us, share our music, and let us know where we could come and play..the more you guys make our music well known, the more we’ll be able to fly over there and make a special gig for you all!

日本はずっと僕が訪れてプレイしたかった国なんだ。日本の人たちには僕の音楽が良い印象を与えるはずだと分かっているんだけど、イタリアからプロモーションをかけることはとても難しくてね。だから今回、インタビューのオファーを受けて本当に嬉しかったんだよ。
ぜひ、日本のファンのみんなには僕たちもコンタクトを取ったり、音楽をシェアしたり、ライブのオファーなんかをお願いしたいな。君たちが僕たちの音楽をより知ってくれれば、日本に飛んで特別なギグを行える可能性が高まるんだから！！

GIANCARLO ERRA

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【REVOCATION : THE OUTER ONES】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DAVID DAVIDSON OF REVOCATION !!

“Sometimes I’ll Discover Some Cool Voicings While Working On a Jazz Tune And I’ll Try To Manipulate Them In a Certain Way So That It Fits Into The Metal Framework Better.”

DISC REVIEW “THE OUTER ONES”

エクストリームメタルシーンの “名状しがたきもの”。刻々とその姿を変える轟音の支配者 REVOCATION は、神秘探求者たるリスナーの脳を時に捕捉し、時に喰らうのです。
「彼らは時代によって音楽性を少しづつ変化させていたでしょ？」David は信奉する DEATH の魅力についてそう語りましたが、自らのバンド REVOCATION にも同様の試みを投影しています。
ハイテクニカルなデスメタルの知性とスラッシュメタルの衝動の中に、オーセンティックなメタルの様式美を組み込んだ初期の煌きは眩しく、一方で鬼才 ARTIFICIAL BRAIN にも所属する Dan Gargiulo 加入以降の、前衛的で中毒性を宿した VOIVOD にも通じる不協和のカオスもまた魅力の一つだったと言えるでしょう。
そうして最新作 “The Outer Ones” でバンドが辿り着いた魔境こそ、トレードマークである演奏能力とアグレッションを拠り所とする”完璧なデスメタル”、すなわち “The Inner Ones” に、荘厳でリリカルなメロディーのイヤーキャンディーやジャズの複雑怪奇、すなわち “The Outer Ones” を織り込んだコズミックな宇宙でした。
饗宴の始まりはダークでソリッドな “Of Unworldly Origin” から。TRIVIUM の爽快さまでイメージさせる耳障りの良いファストチューンは、しかし同時にブルーノートを起点としたジャジーなコードボイシングで自らの異形をアピールします。
分解してスウィングさせればツーファイブにもフィットするウネウネとしたリードプレイから、冷徹でしかしファンタジックな DEATH の遺産、ツインリードへと雪崩れ込むギターの魔法は2人のマエストロを備える REVOCATION ならではの至宝でしょう。
実際、唯一のオリジナルメンバーとなった David Davidson のジャズに対する愛情は、先日あの TESTAMENT のジャズスラッシャー Alex Skolnick との対談でお互いが認め合ったように、本物です。ギター教師の一面も持つインテリジェントな David は、メタルにとって規格外のコード進行、ボイシング、そしてスケールを操りながらアルバムを未知の領域へと誘います。
ロマンチックとさえ表現可能な “Blood Atonement” はまさに David の異能が濃縮した楽曲でしょう。ブラッケンドな激情を叩きつける漆黒のワルツは幽かな叙情を宿し、一転して静寂の中紡がれるクリーントーンの蜜月は Joe Pass の匠を再現します。まさに David 語るところの “コントラスト” が具現化した “血の償い” は、CYNIC のアトモスフィアさえ纏って怪しくも神々しく輝くのです。
“Fathomless Catacombs” で再び DEATH への深い愛情を示した後、バンドは “The Outer Ones” で BETWEEN THE BURIED AND ME の重低音のみ抜き出したかのような不規則な蠢きでラブクラフトのホラーを体現し、さらに不気味なコードワークが映える “Vanitas” では VOIVOD はもとより ATHEIST, PESTILENCE のカオスをも須らく吸収してみせました。
アルバムを締めくくる大曲 “A Starless Darkness” はまさに名状しがたき暗闇。ドゥームの仄暗い穴蔵から這い出でし闇の化身は、勇壮なエピック、スラッシュの突心力、デスメタルの沈痛、シュレッドのカタルシスと多様にその姿を変えながら、OBSCURA と並びプログレッシブデスメタルの森を統べる者としての威厳を示すのです。
今回弊誌では、バンドのマスターマインド David Davidson にインタビューを行うことが出来ました。「ジャズの楽曲に取り組んでいる時、しばしば僕はクールなボイシングをいくつか発見するんだけど、それがメタルのフレームワークへとうまく収まるように手を加えてみるんだ。」フックと展開の目眩くクトゥルフ。今、最もハイテクニカルなギターチームが揃ったバンドの一つでしょう。どうぞ！！

REVOCATION “THE OUTER ONES” : 9.9/10

INTERVIEW WITH DAVID DAVIDSON

Q1: Hello, David! “The Outer Ones” is definitely the most death metal record for you. And also it explores death metal’s “The Outer Space” deeply. Do you agree that?

【DAVID】: Yes, it’s easily our most cosmic and death metal record to date. We wanted to go in a darker and heavier direction for this release and I’m glad everyone has taken notice.

Q1: 最新作 “The Outer Ones” は、間違いなくバンド史上最高に “デスメタル” な作品となりましたね？同時にデスメタルの “アウタースペース” も深く探求しています。

【DAVID】: うん、そうだね。明らかに僕たちにとって最もコズミックでデスメタルなレコードとなったよ。僕たちは今回のリリースでよりダークでヘヴィーな方向へと進みたかったんだ。みんなに気づいてもらえて嬉しいね。

Q2: “The Outer Ones” is off course ultra-technical, but is not difficult to digest, and catchy melody flows all through the album. That’s why your music attracts wide variety of audiences. When you were writing “The Outer Ones”, did you keep in mind for the balance between technique and ear-candy?

【DAVID】: Yeah we want to write well thought out songs and strong melodies first and foremost. While our music can be very technical at times, we also allow sections to breathe so that there’s some contrast. Every riff we write has intent behind it, we’re very mindful of how sections flow into one another and how each song fits into the bigger picture of the album as a whole.

Q2: アルバムはもちろんウルトラテクニカルですが、決して難解すぎる訳ではなく、キャッチーなメロディーが常に流れ出ていますね？
だからこそ、REVOCATION は幅広いオーディエンスにアピールしているのだと思うのですが。

【DAVID】: そうだね。僕たちは良く練られた楽曲と、強力なメロディーを何よりもまず書きたいと思っているんだ。僕たちの音楽は、時に非常にテクニカルになることもあるんだけど、息をつけるセクションも用意しているから、そこからコントラストが生まれるのさ。
僕たちが書いたすべてのリフは、そういった背景を意図しているから、それぞれのセクションがどのようにお互いの場所へと流れ込むのか、さらにそれぞれの楽曲がアルバム全体の大きな青写真にどのように収まるのかを非常に注意しながら制作しているんだよ。

Q3: Also, when I listen to “The Outer Ones” deeply, I notice your big love of Jazz and prog music from chord voicing, epic structure. In your writing process, how do you mix them with death metal’s aggression?

【DAVID】: I think it’s something that comes naturally for me. I spend a lot of time working on my jazz vocabulary so it’s been seeping into my writing and playing style more and more. Sometimes I’ll discover some cool voicings while working on a jazz tune and I’ll try to manipulate them in a certain way so that it fits into the metal framework better. The overall rhythm of jazz has had an affect on my playing as well because I’ve noticed we’ll use a lot of triplets that have a more bouncing feel, not quite swinging but maybe swinging by metal’s standards.

Q3: アルバムを注意深く聴けば、あなたのジャズやプログロックに対する大きな愛情が伺えます。

【DAVID】: 僕にとってそういった影響は実に自然に表れるんだ。僕はジャズのボキャブラリーへの取り組みに多くの時間を費やしているから、僕の作曲やプレイスタイルにジャズの影響はますます浸透しているんだよ。
ジャズの楽曲に取り組んでいる時、しばしば僕はクールなボイシングをいくつか発見するんだけど、それがメタルのフレームワークへとうまく収まるように手を加えてみるんだ。
それに、ジャズのリズム全体も僕のプレイに影響を与えているね。なぜなら、僕は REVOCATION がより弾むような感じのトリプレットを多く使用していることに気付いたからね。
もちろん、完全にスウィングしている訳ではないんだけど、ジャズスタンダードのメタル版と言えるくらいにはスウィングしているんだろうな。

Q4: Regarding Jazz, you seem to be guitar teacher when you are not touring, right? Do you think teaching makes you grow up as a guitar player?

【DAVID】: For sure, I’ve learned so much from teaching over the years and it forces me to stay sharp with my playing and my theory. I also teach some students that are capable of learning some pretty advanced stuff so I can bring harder pieces to the lessons which might benefit the student in one area and myself in another. A lot of my students ask great questions, when you’re forced to explain something you have to test your knowledge of the subject right on the spot, that helps me as well because I feel like I have to always be learning in order to be a good teacher.

Q4: ジャズと言えば、あなたはツアー中以外は、ギター教師としても働いているそうですね？教える中から学ぶこともありますか？

【DAVID】: もちろんだとも。僕は何年もギター教師を続ける間に沢山のことを学んで来たんだよ。教鞭を取ることで、僕は演奏や理論に先鋭的で居続けられるんだ。
それに、生徒の中には非常に高度なものを吸収出来るプレイヤーも存在するから、僕は彼らにとっても、自分自身にとっても恩恵を与えるかもしれないより難解な素材をレッスンに持ち込むことが出来るんだ。
生徒の多くは意味のある質問をぶつけてくるよ。人に何かを説明する時は、その題材について適切な知識を保持しているか試される訳で、その事実が僕の助けになっているね。だって良い先生であるために、常に学び続けなければという気持ちにさせてくれるからね。

Q5: So, speaking of Jazz, prog, maybe I think Cynic and Death are definitely pioneer of mixture in death metal field. Could you please talk about their influences?

【DAVID】: Death was a huge influence on me, but while I respect what Cynic did for the genre I was really influenced by them directly. I think I fell more into the “Death” end of the spectrum because they were more aggressive, I also found the lineup changes to be intriguing since there were different eras of Death where their sound would change up a bit. The first band I played with even did a Death cover set for Halloween way back in the day where we played a song off every record. If I had to pick a favorite record it would have to be “Symbolic” the songs were perfect on that record and I was also floored by the playing of Bobby Koelble. He has an incredibly unique style and as a soloist he was able to blend metal and jazz phrasing in a totally interesting way. Listening to his solos on that album really inspired me and definitely got the gears turning in my head on how I could incorporate similar ideas into my sound.

Q5: DEATH と CYNIC はデスメタルに多様性、複雑性を持ち込んだパイオニアと言えますよね？

【DAVID】: DEATH は僕に巨大な影響を与えているよ。だけど一方で、CYNIC がジャンルにもたらしたものもリスペクトしているんだ。彼らにも本当に直接的な影響を受けているよ。
極端という意味では、僕はより DEATH にのめり込んでいたね。というのも、彼らの方がよりアグレッシブだったからね。それにラインナップの変更にも興味をそそられたね。彼らは時代によって音楽性を少しづつ変化させていたでしょ？
実際、僕がプレイした最初のバンドはハロウィンのための DEATH のカバーバンドでさえあったんだ。当時は全てのアルバムから楽曲をプレイしたものだよ。
もし彼らの作品からフェイバリットを選ぶとしたら “Symbolic” になるだろうね。あのレコードの楽曲は完璧だし、それに Bobby Koelble のプレイには本当降参って感じだから。
彼はソロイストとして驚異的にユニークなスタイルを持っているし、メタルとジャズのフレーズを完全に興味深い方法でブレンドすることが出来ていたんだからね。
あのアルバムで彼のプレイを聴くと実にインスパイアされるし、どうやったら似たようなアイデアを自分のサウンドに織り込めるか頭の中がフル回転し始めるのさ。

Q6: It seems you uses your big love of H.P. Lovecraft’s classic horror stories as an allegory for societal critiques, right? Why are you attracted by his works?

【DAVID】: I love the whole universe of horror that he created. There’s multiple deities and creatures present throughout his stories that are all bound together in some way by his over arching mythos. He has an interesting writing style as well, sometimes he’s incredibly specific in his descriptions, other times he’s intentionally vague so that the reader’s own imagination can fill in the blanks. I do appreciate the allegorical nature of his works as well, there’s lessons to be learned about humans trying to dabble with forces that they cannot control and end up unleashing hell in the process.

Q6: インスピレーションと言えば、”The Outer Ones” は H.P. Lovecraft のホラーストーリーを現代社会が秘める闇の隠喩として使用していますよね？

【DAVID】: 僕は彼が創造したホラーストーリー全体の世界観を愛しているんだ。彼の物語の中には複数の神々や生物が存在しているね。そしてそれらは彼の神話たちの中で、包括的に結びついているんだよ。
それに、彼は興味深いライティングスタイルを築いていて、時に彼の描写には非常に明確なんだけど、一方で意図的に漠然としている時もあるから、読者自身の想像力でその空白を埋めることが出来るのさ。
僕は彼の作品の寓意的な性質も高く評価しているよ。彼の作品には学ぶべき教訓があるよね。人間が安易に、興味本位で手を出してしまった力を、結局コントロール出来ず、最終的に地獄を解き放ってしまうような例えさ。

Q7: Also, I read deep into your lyrics, it looks you think there is so much crisis happening in the world, right? Could you please tell us about the problem of the world?

【DAVID】: Greed and self interest motivates a lot of the suffering in the world. The human species is often prone to tribalism which tends to create strong, polarizing divides in society. I’m seeing the full effects of that right now here in America with what’s happening between the Republicans and Democrats, it feels like I’m living in two separate countries with completely different sets of values. The divides can either create gridlock or a total imbalance of power which particularly concerns me when it comes to policies that directly affect society. One of the biggest threats humanity faces currently is climate change so we all need to shed ourselves of this tribalism and learn to work together globally to come up with solutions to prevent this impending disaster.

Q7: では、この作品に隠喩、寓意としてしたためた、世界が直面している闇の部分についてお話していただけますか？

【DAVID】: 強欲と自己顕示欲が世界を苦しめていると思う。 人間という種は、しばしば、社会において、強く、分極した亀裂を作り出す傾向があり、部族主義になりがちなんだ。
僕は、今、アメリカの共和党と民主党の間で起こっていることは、完全にその影響だと踏んでいるんだよ。まったく異なる価値観を持つ2つの国に住んでいるように感じているね。
そういった亀裂は、暴動や全体的な不均衡を引き起こす可能性があるよ。社会に直接影響を及ぼす政策に関して、特に懸念されるね。
そして人類が現在直面している最大の脅威の1つが気候変動だね。僕たちは皆、そういった部族主義を捨て、差し迫った災害を防ぐための解決策を出すために、世界的に協力することを学ぶ必要があるんだよ。

Q8: So, Like Rivers of Nihil, Archspire, lot’s of new talents of Tech-metal are rising these days. Off course, you have toured with them, what’s your thought about new comer’s musical challenges?

【DAVID】: Well there’s been so much great music written over the years so there’s obviously a challenge to be original and find your own voice in the genre. However, I think the main challenge comes from just trying to stay afloat financially. You have to make sure you’re on top of your spending and are wise with your money because it’s really easy to stack up debt since there’s so many expenses associated with touring. You need to run your band like a business if you want to be in this for the long term.

Q8: シーンには才能を持った新鋭も増えています。RIVERS OF NIHIL や ARCHSPIRE などはあなたと共にツアーも行なっていますが、彼らのチャレンジについてはどのように思っていますか？

【DAVID】: ここ何年かの間に多くの素晴らしい音楽が生まれているね。そしてジャンルの中でオリジナルになること、自身の声を見つける事こそ彼らのチャレンジだったのは明らかだよ。
だけどね、それと同時に、若いバンドにとって本当のチャレンジは、財政的に何とかやっていくことだとも思うんだ。支出に関してしっかりと把握して、賢くお金を使う必要があるね。
というのも、バンドをやっていると本当に容易く負債を積み重ねてしまうんだ。ツアーに関する支出は非常に大きいからね。もし長い目でバンドを続けたいなら、ビジネスのように考えながら運営していく必要があるんだ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED DAVID’S LIFE

AEROSMITH “NINE LIVES”

GUNS N’ ROSES “USE YOUR ILLUSION 1+2”

PANTERA “VULGAR DISPLAY OF POWER”

MARTYR “WARP ZONE”

WES MONTGOMERY “SMOKIN’ AT THE HALHNOTE”

MESSAGE FOR JAPAN

Thanks so much for the interview! We toured Japan back in 2010 and we’ve been looking forward to playing there again ever since so hopefully we’ll be able to set something up on this current tour cycle. The fans were amazing and the hospitality that we received over there was unforgettable!

インタビューをありがとう！僕たちは2010年に日本をツアーしたんだけど、それ以来またプレイ出来る日を楽しみにしているんだ。だから、この作品のツアーサイクルで何とか実現出来ればと願うよ。
日本のファンは素晴らしいし、あの場所で僕たちが受けた歓迎は忘れることが出来ないね！

DAVID DAVIDSON

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【FREAK KITCHEN : CONFUSION TO THE ENEMY】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MATTIAS “IA” EKLUNDH OF FREAK KITCHEN !!

“I Think The Change Of Music Industry Is a Brave New World With Tons Of Opportunities. You Can’t Sit Home And Complain It Was Better Before. Adjust Or Die.”

DISC REVIEW “CONFUSION TO THE ENEMY”

急速に拡大を続ける “ギターナード” の世界。真のギターフリークの間で、最もイノベーティブかつ画期的なプレイヤーとして崇拝を浴び続ける “Freak of the Freak” Mattias IA Eklundh。
水道のホースクリップ、テレビのリモコン、櫛、大人のディルドーにラジカセアンプ。目につくもの全てを “ギミック” としてギタープレイに活用し、レフトハンドのハーモニクスから両手タッピング、ミステリアスなスケールにポリリズムの迷宮まで自在に操るマエストロのアイデアは決して尽きることがありません。
同時に、弦は錆び付いても切れるまで交換せず、スウェーデンの自然とジャーマンシェパードを溺愛し、音楽産業の利益追求主義を嫌悪する独特の思想と哲学は Mattias の孤高を一層後押ししているのです。
｢FREAK KITCHEN を立ち上げたのは少しだけコマーシャルな音楽を志したから。だけど適度にひねくれていて、様々な要素をミックスしながらね。｣ とはいえ Mattias が情熱を注ぐスリーピースの調理場は、ただ難解で複雑な訳ではなく、むしろキャッチーでフックに満ち溢れた色とりどりのスペシャリテを提供して来ました。”Pop From Hell” とも評された、甘やかでインテリジェント、Mattias の “歌心” を最大限に引き出した “Freak Kitchen” はまさにバンドのマイルストーンだったと言えますね。
ジャズからボサノバ、アバンギャルド、ブログにインド音楽と手を替え品を替えエクレクティックに食材を捌き続けるバンドは、そうして最新作 “Confusion to the Enemy” でさらなる未踏の領域へと到達したように思えます。
｢AC/DC は僕がいつも帰り着く場所なんだよ。Angus にただ夢中だし、Phil Rudd の熱狂的なファンでもあるんだ。｣ 近年、AC/DC のやり方に再びインスパイアされたことを明かす Mattias。その言葉を裏付けるかのように、作品には以前よりシンプルでスペースを活用した、ヴィンテージロックやブルースのエネルギッシュな息吹が渦巻いているのです。
例えば “Good Morning Little Schoolgirl” をイメージさせるブルースパワーにアンビエントな風を吹き込んだ “The Era of Anxiety”、スウェーデン語で歌われる “Så kan det gå när inte haspen är på” のシンプルな突進力とスライドギターのスキャット、さらにトラディショナルなブルースのクリシェをベースとしながら、愛車のボルボをパーカッションに EXTREME の “Cupid’s Dead” の要領で問答無用にリフアタックを繰り広げる “Auto” の音景は明らかに魅力的な新機軸でしょう。
もちろん、KINGS X を思わせるダークなオープナー “Morons” から胸を締め付ける雄大なバラード “By The Weeping Willow” まで、クラッシックでヴィンテージなサウンドを背景に Mattias らしいルナティックなギタープレイと甘く切ないメロディーのデコレーションを疎かにすることはありません。
圧巻はタイトルトラック “Confusion to the Enemy” でしょう。バンド史上トップ5に入ると語る楽曲は、アルバムに存在する光と闇を体現した究極なまでにダイナミックなプログレッシブ絵巻。MESHUGGAH を想起させる獰猛なポリリズムと空間を揺蕩うアンビエンス、さらにFKらしいイヤーキャンディーが交互に顔を覗かせる未曾有のサウンドスケープは、バンドが辿り着いた進化の証。
時という “敵” であり唯一の資産を失う前に成し遂げた記念碑的な快作は、そうして “We Will Not Stand Down” で緩やかにエモーショナルにその幕を閉じるのです。
今回弊誌では Mattias IA Eklundh に2度目のインタビューを行なうことが出来ました。｢ゼロから何かを生み出す作業は、未だに究極の興奮を運んでくれるんだ。ただのルーティンの練習はそうではないよね。｣ どうぞ！！

FREAK KITCHEN “CONFUSION TO THE ENEMY” : 10/10

INTERVIEW WITH MATTIAS “IA” EKLUNDH

Q1: Hello, Mattias! This is second interview with you. So, at first, could you tell us about yourself? You joined Fate at the age of 20, and your ultra-technique, Japanese radio-cassette amp surprised the world. But what kind of childhood did you have had until that time?

【MATTIAS】: I think I had a pretty good childhood in many ways. My parents always supported the frantic musical ways of the young Mattias Eklundh, something I am forever grateful for. I started bashing away on drums at an early age and to this very day I think guitar players need to get a better rhythmic grip and understanding. Too much focus on guitar solos in this business.

Q1: 二度目のインタビューです。今回はあなた自身についてより掘り下げてみたいのですが、まずはスウェーデンでの子供時代についてお話していただけますか？

【MATTIAS】: 僕は色々な意味でとても恵まれた子供時代を過ごしたと思うな。両親は若き Mattias Eklundh の様々な音楽への情熱を常にサポートしてくれたね。それは永遠に感謝し続けるよ。
幼い頃にドラムをバシバシ叩き始めてそれは今日まで続いているね。実はそれって、ギタリストがリズムを把握し理解するために必要なことだと思うんだよ。音楽シーンは、ちょっとギターソロに注目し過ぎていると思うね。

Q2: In Japanese Burrn! magazine’s interview, Sentenced from Finland said “In Scandinavia, you only have to watch television, play music, or kill yourself.”, do you agree that? haha. I mean, you definitely chose playing guitar, and become real guitar hero now. But were you into shredders like Yngwie, Vai, Van Halen, Macalpine, Nuno, Satriani along with Zappa?

【MATTIAS】: Yes, of course. I have listened to the same guys as everybody else and was floored by Van Halen, Malmsteen, Vai and the rest of them legends when I started out. And yeah, Scandinavia can be harsh at times but I adore our climate and change of seasons. Without nature I wouldn’t function. It’s raining like crazy right now and I keep the studio door open a bit so I don’t miss a thing.

Q2: 以前 Burrn! 誌のインタビューで SENTENCED が、「北欧ではテレビを見るか、音楽をやるか、自殺するかしか選択肢がない。」といった趣旨の発言をしていました。 (笑)
あなたはそこでギターを選択し、Frank Zappa と同時に Yngwie, Vai, Van Halen, MacAlpine といったシュレッダーにハマっていたんですよね？

【MATTIAS】: うん、もちろんだとも。僕も他の人と同じようにシュレッダーにハマっていたし、ギターを始めた頃は Van Halen, Yngwie , Vai、それに他のレジェンド達にもノックアウトされていたんだよ。
確かにスカンジナビアは時に厳しい環境だと思う。だけど僕は、ここの気候と四季の移り変わりに心酔しているんだよ。この自然がなければ僕はきっと機能しないね。
ちょうど今も狂ったように雨が降っているよ。僕はちょっとした変化も見逃さないよう、いつもスタジオのドアをちょっとだけ開けているからね。

Q3: How did you create your own guitar realm from there? What kind of practices did you do at that time? Meshuggah’s drum master Tomas Haake says he rarely practises now. How about you?

【MATTIAS】: Without sounding arrogant I must confess I never really practiced. I have played a lot but always with the intent of making music and coming up with ideas. I loathe the metronome and believe in my legs to keep time in a more natural way. I still play a lot and have been noodling around on my precious Apple Horn 8 neck today looking for what is lurking around the corner from a songwriting perspective. Creating something out of nothing is still the ultimate kick. Practice routines are not.

Q3: では、シュレッダーにハマっていた時期から、どのように独自の領域へと進んだのでしょう？
MESHUGGAH のドラマー Tomas Haake は、今はほとんど練習らしい練習をしないと発言していましたが、あなたはどうですか？

【MATTIAS】: ちょっと傲慢に聞こえるかもしれないんだけど、僕は “練習” をしたことがないと告白しなければならないね。これまでも沢山ギタープレイを重ねて来たけど、それはいつだって音楽を作り、アイデアを思いつくための意図の下に行われて来たんだよ。
そもそも僕はメトロノームを嫌っているんだ。それは僕の足でリズムを取る方がより自然にタイム感を保てると信じているからなんだけどね。
僕は今でも沢山ギターを弾いているよ。今日だって、僕の大事な Apple Horn の8弦でずっと指慣らしをしながら、ソングライティングに何か有益なものが潜んでいないか探っていたところさ。
つまり、ゼロから何かを生み出す作業は、未だに究極の興奮を運んでくれるんだ。ただのルーティンの練習はそうではないよね。

Q4: You lived in Copenhagen in your Fate era, and learned about touring, music business, and industry. It seems that made you choose almost DIY way, right? Internet, SNS, Streaming service have changed music industry a lot recently. What’s your perspective about the change?

【MATTIAS】: For me personally it has only been a blessing. I think it is great to make actual copies of your music because it important to manifest your work into something physical but the money certainly comes from downloads and streaming and it isn’t bad at all. I think it is a brave new world with tons of opportunities. You can’t sit home and complain it was better before. Adjust or die.

Q4: FATE でデビューして以降、しばらくデンマークに居を構えていましたよね？そこで音楽ビジネスの基礎を養い、DIY に拘るようになったと伺いました。
近年、インターネット、SNS、ストリーミングサービスは音楽産業を大きく変えましたが、あなたはその変化をどのように捉えていますか？

【MATTIAS】: 個人的には、ただ有難い、祝福すべき変化だと思っているよ。もちろん、実際に音楽をフィジカルとして残すことは大事だよ。明白な記録になるからね。だけどお金は間違いなく、ダウンロードやストリーミングから入って来る訳さ。それって決して悪いことじゃないでしょ？
僕が思うにこの変化は、山ほどのチャンスを携えた素晴らしい新世界の幕開けなんだ。家でじっとして、昔は良かったなんて不満をたれている場合じゃないよ。つまり適応するか、死ぬかの二択なんだ。

Q5: OK, let’s talk about your new record “Confusion to the Enemy”. As artwork shows, I feel it’s darker and more serious record than your past works. Do you agree that? What’s “the Enemy” to you?

【MATTIAS】: Time is the worst enemy as it is the only true capital we have. I would say the record is both dark and light. It has, at least to me, some highlights in the title track and a bunch of other songs I am proud of. Not everything can be top notch but it is a tremendous success every time you have nailed and wrapped up the production of an album. If people like it, it’s even more satisfying, needless to say. The response so far has been overwhelming.

Q5: では最新作 “Confusion to the Enemy” について話しましょう。アートワークが示すように、以前よりもダークでシリアスなムードが漂っていると感じました。あなたにとっての “Enemy” “敵” とは何を指しているのでしょう？

【MATTIAS】: 時間が最大の敵だね。だって時だけが僕たちの持つ唯一真の資産なんだからね。僕はこのレコードには光と闇が存在すると思うんだ。少なくとも僕にとって、その対比はタイトルトラックでハイライトを迎えるし、他にも誇れる楽曲は沢山あるね。
もちろん、全てが最上級って訳にはいかないかもしれないけど、毎回必死に取り組みアルバムを完成させているんだから大きな成功だよ。その上で、みんなが気に入ってくれたら一層満足出来るけどね。言うまでもないけれど。今のところ反響は素晴らしいね。

Q6: “Auto”, “The Era of Anxiety” is especially, but all through the album, blues and 70’s vintage, dark rock sound is definitely key to “Confusion to the Enemy”, right? Off course, these elements aren’t normal blues style, I mean you mixed blues and your own sounds in a unique way. But what made you open the door to blues and vintage rock this time?

【MATTIAS】: Haha, I like that you hear vintage rock and blues in the music. No one ever told me that before but I really see your point. When it comes to writing songs I have no formula but do what feels right and blend any ingredient I like in. So… although I may be the worst blues player on the planet, you may be right. But it is all unintentional.

Q6: “Auto”, “The Era of Anxiety” は象徴的ですが、今回はアルバムを通してブルースやビンテージロックからの影響が色濃く反映されているように感じました。もちろん、ユニークなあなたのやり方で、ですが。

【MATTIAS】: ははは (笑)。君がビンテージロックやブルースからの影響に言及したのは嬉しいね。今まで誰も僕にそれを伝えた人はいなかったけど、君の言っていることは本当によく分かるんだ。
ライティングプロセスにおいて、僕は何の制限も設けないし、ただ正しいと感じることを行い、どんな成分だって気に入ればブレンドする訳さ。
だから…もしかしたら僕は地球上で最低のブルースプレイヤーかもしれないけど、君はきっと正しいと思う。ただし、全ては意図的に行ったことではないんだけどね。

Q7: Along with the “Change”, your guitar playing seems to go to new realm. I really love your bottle neck like gimmick, maybe horse crip and organic sounds. OK, what was your new “gimmick” or brand new challenge in the guitar playing?

【MATTIAS】: I do fake a little bottleneck on a tune or two. There are sounds from my Volvo (steering wheel, doors, hood) on Auto and other things I felt the need to use to decorate the songs properly. You do what you do. Don’t think too hard and overanalyze. Sometimes you are great. Sometimes you are downright terrible. It’s life.

Q7: ブルースと言えば、ボトルネックのようなギミック、もしくはホースクリップも効果的ですね？ あなたのトレードマークである “ギミック” もさらに増えたようですが？

【MATTIAS】: 確かに1, 2曲でフェイクの小さなボトルネックを使用したね。あとは、僕の愛車ボルボのハンドル、ドア、ボンネットなんかの音を “Auto” に収録しているし、他にも必要だと思った場所にギミックを正しく “デコレート” しているよ。
まあ、あんまり深く考えすぎないで、分析しすぎない方が良いよ。良い時もあれば酷い時もあるし。やるべき事をやるだけさ。それが人生だよ。

Q8: Title track is really complex, sometimes catchy, and sometimes ambient, and sometimes aggressive. Polyrhythm is one of your trade mark, but this song reminds me Meshuggah’s ferocity. Actually, you and Fredrik Thordendal are from the same country and also generations are close too. So, can you relate to their musical endeavor?

【MATTIAS】: Fredrik is a friend and Meshuggah certainly is an amazing band with no equals. I tried to paint with many different colors on Confusion To The Enemy. It is most likely one of my five top Freak Kitchen songs of all time because it is creating a vibe… and that’s what I go for. I made the mix in Copenhagen late one evening early summer with the lovely Tor Bach Kristensen, left it overnight and bounced it in the morning. I was so happy and still am, I managed to flesh out the true meaning, the core, of the track somehow. It was a slippery one and didn’t have a clear structure. I told Bjorn and Chris I needed to let the track take me where it needed to go. Took a good while.

Q8: 先程作品のハイライトと仰られたタイトルトラックの多様性は素晴らしいですね！
もちろん、ポリリズムはあなたのトレードマークですが、この楽曲では MESHUGGAH のような獰猛さが伺えました。Fredrik Thordendal はあなたと同郷で年齢も近いですよね？

【MATTIAS】: Fredrik は友人だし、MESHUGGAH は並ぶものの無いほど素晴らしいバンドだよ。
僕は多くの異なる色をこの楽曲に描こうとしたね。そうして “Confusion to the Enemy” は僕にとってトップ5に入る FREAK KITCHEN の楽曲になったんだ。本当にクリエイティブなヴァイブが存在するからね…そしてそれこそ僕の求めるものなんだ。
ある初夏の遅い夕方、僕はコペンハーゲンで Tor Bach Kristensen と共にミックスを行い、一晩中寝かしておいて朝にミックスダウンしたんだよ。僕はとても幸せだったし、今でもそう思っているよ。トラックの真の意味、核心を何とか具現化することが出来たんだからね。それは捉えるのが困難で、明確な構造を持たなかったから。
僕は Bjorn と Chris に、この楽曲はなすがままにあるべき場所へと誘われるべきだと言ったんだ。良い時を過ごしたね。

MATTIAS’S RECENT FAVORITE ALBUMS

ゲームのサウンドトラックはたくさん聴いているね。最近はゲームのサントラを書くのにハマっていてね。最高にインスパイアされるよ。もちろん、新旧かかわらずジャズやクラッシックも聴いているね。それにDean Martin, Frank Sinatra みたいなクルーナーミュージックも。AC/DC は僕がいつも帰り着く場所なんだよ。Angus にただ夢中だし、Phil Rudd の熱狂的なファンでもあるんだ。

Lots of game soundtracks. Dead inspiring stuff. (I would love to write for a video game one of these years). I listen to jazz and classical music, old and contemporary. Lots of crooner music; Dean Martin, Sinatra. AC/DC are always something I return to and am plain ecstatic Angus has gathered the forces again. I am such a rabid fan of Phil Rudd’s drumming it’s ridiculous.

MESSAGE FOR JAPAN

WE are really looking forward to come back and play! With a new record company on board it might very well happen. You wonderful people have been so exceptionally supportive over the years and I love you for it. May our paths cross soon. Until then, stay freaky.

僕たちは本当に日本へ戻ってプレイしたいんだ！新しいレコード会社に移ったから、とても実現に近づいているように思えるね。
日本の素晴らしいファンは何年も並外れたサポートを続けてくれているね。本当に大好きだよ。すぐに僕たちの歩む道が交わりますよう。それまで、Stay Freaky!

MATTIAS “IA” EKLUNDH

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SOUTHERN EMPIRE : CIVILISATION】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SEAN TIMMS OF SOUTHERN EMPIRE !!

“When I Was 14, My Father Bought Me a Copy Of “Journey To The Centre Of The Earth” By Rick Wakeman. That Album Changed My Life!”

DISC REVIEW “CIVILISATION”

南半球、オーストラリアの南方アデレードから、プログレッシブな帆を掲げ天海へと漕ぎ出す “南の帝国”。SOUTHERN EMPIRE の紡ぐ物語はあまりに雄弁かつ壮大、圧倒的なパノラマです。
豪州のプログロックにとってアンバサダー的な存在だった UNITOPIA の解散は、旋律の魔法とアートロックの知性を愛するリスナーに茫漠たる喪失感を与えた出来事でした。
後にフロントマン Mark Trueack は元 UNITOPIA とヨーロッパのミュージシャンを集め UNITED PROGRESSIVE FRATERNITY を結成。一方でキーボーディストの Sean Timms はオーストラリアからのみ卓越した人材を選び抜き SOUTHERN EMPIRE を創設したのです。
そして Sean がインタビューで 「別のシンガーを入れた UNITOPIA だと思われないように、Mark のやっている事とは出来るだけ別の事がやりたかったんだ。」と語る通り、SOUTHERN EMPIRE は確かに異色で魅惑のサウンドスケープを深くその帝都に宿します。
30分の大曲を含む全4曲、68分のランニングタイムを携えた最新作 “Civilisation” は一見 “プログマナー”、トラディショナルなプログロックの遺産を存分に受け継いだレトロなレコードにも思えます。
しかし、実際は “プログヘブン” の領域にコンテンポラリーなプロダクション、硬質で鋭利な斬れ味、甘やかでポップなイヤーキャンディーを大胆に織り込みながら、躍動感溢れるハイエンドの造形美を提示したマグナムオパスと言えるのです。
スチームパンクなアートワークは革新を追い求める人類の象徴。ジュール・ヴェルヌの “地球から月へ” を引用したブックレットはイマジネーションへの憧憬。レトロとフューチャー、SFとリアルが入り混じるエピックに、ペリシテの巨人兵器ゴリアテに纏わる “Goliath’s Moon” 以上の幕開けはないでしょう。
ファンクのグルーヴ、モダンでシャープなリフワークに、浮遊する鍵盤の音色、陰影を帯びたロマンチックなボーカルハーモニーが折り重なればそこは異郷のシャングリラ。MOON SAFARI や FROST* にも重なるリリカルでハーモニックなメロディーのオーケストラは、リスナーを誘う優雅なオープニングセレモニーにも思えます。
「このアルバムでは、メンバー全員がライティングとアレンジのプロセスに関わったんだ。その結果は如実に現れているよね。」デビュー作と比較して “Civilisation” には瑞々しく現代的な感性が確かに宿っています。そして、”Goliath’s Moon” をシーンの新たなギターマスター Cam Blokland が作曲し、Sean がアレンジを手がけたという工程こそ、温故知新を具現化したアルバムの肝だと言えるのかも知れませんね。
同様に、ドラマー Brody Green が作曲を行い、Sean が磨き上げた “Cries for the Lonely” もユーティリティーなバンドの本質を明らかにします。NIGHTWISH や劇場音楽にインスピレーションを得た楽曲は確かに絢爛でシアトリカル。SAMURAI OF PROG の Steve Enruh が奏でるヴァイオリン、さらにはフルートの登場も相まって、楽曲はシンフォプログの夢劇場の様相を呈しているのです。
夢劇場と言えば、エレクトロニカやミニムーグ、壮麗なコーラスと共に散りばめられた DREAM THEATER への憧憬は白眉。20分の叙情ストーリーにきっと “A Change of Seasons” の華麗なデザインを思い浮かべるファンも多いでしょう。
プログメタルの大ファンではないと語った Sean 一人では辿り着けなかったであろう多様性の高みへは、Petrucci も舌を巻く鮮烈でロングスプリントな Cam のソロワークがしなやかに連れ去って行くのです。音の選択、配置、ストーリーの描写、グラウンドデザイン、全てにおいて Cam のギターワークはヒーローに相応しい煌めきを灯していますね。
元々は UNITOPIA のために書かれた大作 “The Crossroads” は SOUTHERN EMPIRE との出会いで完璧なるユートピアへと到達したのかも知れませんね。
TOTO のポップセンスに始まり、オリエンタル、フラメンコ、クラッシック、パーカッション、ホルン、ジャジーなサクスフォンにジプシーミュージック。幾重にも折り重なるエクレクティックな音楽の波は、タイトル通りここで交わり、そうしてバンドの大半が備える高い歌唱力を伴ってどこまでも前進を続けて行くのでしょう。
今回弊誌では、バンドのマスターマインド Sean Timms にインタビューを行うことが出来ました。例えば FROST* の “Milliontown”、MOON SAFARI の “Lover’s End” と同等のリスペクトを受けるべき作品だと信じます。
「僕はとても長い楽曲を書く傾向があるんだ。それは僕の歌詞でストーリーを伝えるのが好きだからなんだけどね。」どうぞ！！

SOUTHERN EMPIRE “CIVILISATION” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SKELETONWITCH : DEVOURING RADIANT LIGHT】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SCOTT HEDRICK OF SKELETONWITCH !!

“Any Time My Writing Wanders Near The Territory Of “Ambient” Or “Cinematic”, Ryuichi Sakomoto Is Going To Be An Influence.”

DISC REVIEW “DEVOURING RADIANT LIGHT”

ブラックメタル、メロディックデスメタルを獰猛な原衝動、スラッシュメタルに奉呈し、”ブラッケンド-スラッシュ” の峻路を切り拓くオハイオの妖魔 SKELETONWITCH。
バンドの発するクリエイティブな変幻の瘴気は、メタル伏魔殿の魑魅魍魎を遥かな幽境へと誘います。
2004年からエピカルなメロディーと凶猛な響骨を混交し、エクストリームメタルの超克を多様に牽引し続ける変異体は、2014年にキャリアの重大な分岐点を迎えました。
アルコールの乱用を要因とする素行の悪化に堪え兼ねたバンドが、ボーカリスト Chance Garnette を解雇したのです。ギタリスト Nate の兄弟でもある創立メンバーが引き起こした問題は、徐々に存在感を増しつつあった SKELETONWITCH に暗い影を落とすかのようにも思われました。
しかし、元 VEIL OF MAYA、現 WOLVHAMMER のフロントマン Adam Clemans を迎え入れた彼らは、アトモスフェリックなブラックメタル、アンビエント、プログレッシブなどその多様性を一際研ぎ澄まし、地殻変動に端を発するネクストレベルのクリエイティビティーへと到達することになったのです。
バンドのロゴやアートワークの方向性まで変更しリリースした “Devouring Radiant Light” は、実際 “再発明” のレコードです。
アルバムオープナー “Fen of Shadows” は過去へのレクイエムにして未来へのファンファーレ。バンドのトレードマーク、クラッシックメタルのフックやメロデスのメランコリーは確かに耳孔の奥へと沈み行き、一方で幾重にもレイヤーされたポストブラックのギターオーケストラ、中盤の荘厳なるアトモスフィア、そしてプログレッシブなグランドデザインは破天荒な背教者をレコードへと招き入れるのです。
事実、「アルバムには大きく分けて二つのスタイルが存在していると思う。」と Scott は語ります。そして Nate は直線的でスラッシー、Scott は重厚でプログレッシブ。コンポジションの棲み分けを念頭に置けば、”Devouring Radiant Light” は Scott の遺伝子をより多く受け継いだ麒麟児の光明だと言えるでしょう。
切迫するトレモロの嗎とブラストの喧騒でダーク&メロディックなブラックメタルの深淵を探求する “Temple of the Sun”、PALLBEARER や MASTODON のキャッチーなドゥーム/スラッジにも共鳴するエピック “The Vault” と拡大を続ける SKELETONWITCH の魔境。
Kurt Ballou, Fredrik Nordstorm のドリームチーム、さらに JOB FOR A COWBOY, BEHEMOTH との仕事で知られるゲストドラマー Jon Rice の推進力もサウンドの深化に華を添えます。
中でも “最もバンドの進化を示している” と語るタイトルトラック “Devouring Radiant Light” は文字通り熾烈な光彩。NEUROSIS, ULVER, OPETH, さらにはカスカディアンブラックの陰影と実験性までも胸いっぱいに吸い込んだブラッケンド-スラッシュの革新的な波動は、光と闇のダイナミズムを携えながらエモーショナルなダンスを踊るのです。
“Sacred Soil” は作品の終幕、結論に相応しきインテンスの断末魔。エレガントなハーモニーとブルータルなリズムのカコフォニーは魔女の帰還と新たな旅路を祝う地下室の祝祭なのかもしれませんね。
今回弊誌では、ギターチームの片翼 Scott Hedrick にインタビューを行うことが出来ました。「坂本龍一氏はまさに僕の作曲面に多大な影響を与えているんだよ。」どうぞ！！

SKELETONWITCH “DEVOURING RADIANT LIGHT” : 9.9/10

INTERVIEW WITH SCOTT HEDRICK

PHOTO BY DANNY KOTTER
Q1: First of all, your former vocalist Chance Garnette had been fired from the band due to alcohol abuse. Off course, he is Nate’s brother. So, it was really tough, difficult decision, right?

【SCOTT】: To be completely honest it was not a difficult decision at all. It was sad, to be sure, but the decision was ultimately made by Chance’s own actions. His behavior crossed a moral line for me that he can never come back from. It’s so much more than a substance abuse problem. I suggest you, and your readers, read this recent article that goes a bit more in depth about the situation: https://pitchfork.com/thepitch/the-skeletonwitch-story-a-metal-band-kicks-out-abusive-singer-and-comes-back-stronger/ .

Q1: 前ボーカリスト Chance Garnette はアルコールの問題からバンドを解雇されたそうですね？
彼は今も重要なメンバーである Nate の兄弟ですし、タフな決断だったのではないですか？

【SCOTT】: 完全に正直になるけど、全く難しい決断ではなかったんだよ。もちろん、悲しかったけどね。だけどあの決断は究極的には Chance 自身の行動が引き金となった訳さ。
彼の振る舞いは、僕の常識のラインを超えてしまっていたし、だからバンドに復帰することはないんだよ。
まあどちらかと言えば、アルコール中毒、乱用の問題だったね。Pitchfork の記事 により深くその状況が記されているから、読んでみて欲しいな。

Q2: You chose Adam Clemans for new singer. He is known as member of ex-Veil of Maya, and Wolvhammer. What did you like him?

【SCOTT】: It was an easy decision. We toured with both Veil of Maya and Wolvhammer so we already knew that Adam was a killer vocalist and a great guy. We get along wonderfully and his intense, blacker style is more suited to the new musical direction of the band.

Q2: 後任には、元 VEIL OF MAYA, 現 WOLVHAMMER の Adam Clemans が選ばれましたね？

【SCOTT】: これは簡単な選択だったね。僕たちは VEIL OF MAYA とも WOLVHAMMER ともツアーの経験があったから、彼が傑出したボーカリストであることは分かっていたのさ。それに素晴らしい人物だってこともね。
僕たちは今、とても上手くやっているし、彼のインテンス、そしてよりブラックメタルに接近したスタイルはバンドの新たな方向性にも非常にフィットしているんだよ。

Q3: Definitely, in “Devouring Radiant Light”, Skeletonwitch began to push into new sonic boundaries. This is the darkest, deepest record that the band has made to date, and classic, past Skeletonwitch sounds are decreased. Do you agree that?

【SCOTT】: I do agree with that. As Evan, our bassist, likes to say, “punks grow up.” I’m personally quite bored with most thrash/death metal these days. It’s not to say that there aren’t good bands in those respective genres, but, in large part, those genres are littered with clones of old bands and the aesthetic tropes that are unbelievably tired to me at this point. I’m not the same person I was when we started this band and the music reflects that.

Q3: 仰るように、バンドは最新作 “Devouring Radiant Light” で間違いなく新たな領域を開拓しましたね？最も深くダークな作品で、過去の特徴は減退しています。

【SCOTT】: その通りだよ。ベーシスト Evan の言葉を借りれば、”パンクスが大人になった” ような感じかな。
個人的に僕は、近年のほとんどのスラッシュやデスメタルにすっかり退屈していたんだ。もちろん、このジャンルに敬意を払っているし、良いバンドが居ないなんて言いたい訳じゃないよ。だけどこういったジャンルの大部分は、過去のバンドの焼き直し、クローンで、僕はそういった審美眼に纏わるあやにすっかり疲れ切ってしまっていたんだ。
つまり、僕はこのバンドを始めた頃と全く同じ人物ではないからね。成長を遂げているし、それが音楽にも反映された訳さ。

Q4: “Atomospheric Black metal” is one of the key to “Devouring Radiant Light”. Some listeners, critics says it’s fresh, one and only “Blackened-Thrash” record. What’s your perspective about that?

【SCOTT】: If you have to put a label on it, it’s certainly more black than anything else we’ve done up to this point. There are 2 major writing styles at play here. Nate tends to write linear, chromatic, thrash-y songs. The old-school sound and tough stomp riffs are his doing. The longer, layered more melodic, “proggy” stuff is my doing. All the old-school thrash heads that hate our new direction? Well……that’s my fault. hahaha. I’m not sorry.

Q4: “Devouring Radiant Light” を紐解く上で、アトモスフェリックなブラックメタルは確実にキーワードの一つですよね？
前代未聞の “ブラッケンド-スラッシュ” などと称されたりもしています。

【SCOTT】: もしこの作品に何らかのレッテルを貼るとすれば、間違いなく今まで僕たちがやって来たどの音楽よりも、ブラックメタルに接近しているのは確かだね。
アルバムには大きく分けて二つのスタイルが存在していると思う。Nate はどちらかというと直線的でクロマティック、スラッシーな楽曲を書く傾向があるね。オールドスクールなサウンドとタフで激しいリフワークが彼の持ち味だね。
一方で、長く、レイヤーを重ねて、よりメロディック。つまり “プロギー” な素材は僕のものだよ。
さて、全てのオールドスクールスラッシュファンがバンドの新たな方向性を嫌っているって？それならば僕の責任だよね (笑) ごめんね！

Q5: Title track and “Sacred Soil” are sometimes really beautiful and atmospheric. It can be said even cinematic, ambient. It seems you are into Japanese composer Ryuichi Sakamoto, right? Is there his influence?

【SCOTT】: Whoa!! You kind of blew my mind with that. Best question of this entire album cycle! Sakomoto, indeed, is a massive influence on my writing even if it’s not always apparent. Any time my writing wanders near the territory of “ambient” or “cinematic” Sakomoto is going to be an influence. The other major influence, especially for the bridge in “Sacred Soil”, is Popol Vuh. One of my favorite bands of all time.

Q5: タイトルトラックや “Sacred Soil” は特に美しくアトモスフェリックな表情を宿します。シネマティックでアンビエントと言えるほどに。
あなたは坂本龍一氏に大きな影響を受けているそうですが、彼の影響が反映されているようにも思えます。

【SCOTT】: マジで？！この質問にはぶっ飛んだよ！今回のアルバムに対するインタビューの中で最高の質問だね！坂本龍一氏はまさに僕の作曲面に多大な影響を与えているんだよ。常に表層化しているとは限らないにしてもね。
ただ、僕のライティングがアンビエントとかシネマティックの領域に近く時は、間違いなく坂本龍一氏が影響としてある訳だよ。あとは大きな影響として、特に “Sacred Soil” のブリッジなんかは POPOL VUH だね。僕の最も好きなバンドの一つだよ。

Q6: Maybe, your first single “Fen of Shadows” is the most “proggy” song in your works. It’s kind of milestone that you become really eclectic band, I think. Do you agree that?

【SCOTT】: I think the title track is our furthest departure, sonically speaking. But “Fen” is a great example of the current sound of Skeletonwitch: a massive amount of layered guitars, copious melodies, classic song construction (as opposed to linear, in the past) and a bit of ambience. And it’s rather long, as my songs tend to be.

Q6: ファーストシングル “Fen of Shadows” は実に “プロギー” でバンドの多様性を証明するマイルストーンとなりましたね？

【SCOTT】: 僕は音楽的には、タイトルトラックが最もバンドの進化を示していると思うんだ。だけど、”Fen of Shadows” も現在の SKELETONWITCH のサウンドを表す素晴らしい例だと思うね。
何重にも重ねられたマッシブなギター、夥しいメロディー、過去のストレートな作曲とは真逆のクラッシックな楽曲構成、そして少しのアンビエンス。これまでの楽曲よりも長くなってもいるよね。

Q7: So, did Kurt Ballou and Fredrik Nordstrom help you to improve this record? It’s Really gorgeous, dream sound team, right?

【SCOTT】: Absolutely! I can’t think of two better individuals to work on the sonics of a metal record. It’s ridiculous!! Like all Skeletonwitch records, we entered the studio with the material written. So there weren’t many, if any, compositional changes. But those two really molded the overall sound of the record. We worked with Kurt on “Serpents” and going back provided a foundation/familiarity that enabled us to stretch out our sound, experiment, and take some risks.

Q7: そして Kurt Ballou, Fredrik Nordstorm のサウンドチームはまさにドリームチームでしたね？

【SCOTT】: まさにね！メタルレコードを作る上で、彼ら2人以上の人物は考えられないね。最高だよ！
全ての SKELETONWITCH の作品と同様に、僕たちは作曲を終わらせてからスタジオに入ったんだ。だからライティングプロセスの変更自体は、そんなに多くはなかったんだけどね。だけど彼ら2人こそがレコード全体のサウンドを構築したと言っても過言ではないね。
Kurt とは “Serpents Unleashed” でも一緒に働いていたから彼とのやり方は分かっていたし、親密であったからこそサウンドを拡大し、実験し、リスクを犯すことが可能だったんだよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED SCOTT’S LIFE

PHAROAH SANDERS “KARMA”

PETER GABRIEL “PETER GABRIEL”

POPOL VUH “EINSJAGER UND SIEBENJAGER”

NICK CAVE AND THE BAD SEEDS (I CAN’T CHOOSE JUST ONE!)

KEITH JARRETT “THE KOLN CONCERT”

 

MESSAGE FOR JAPAN

Arigatou Gozaimasu!! I really hope Skeletonwitch has the opportunity to tour Japan some day!

ありがとうございます！！いつか SKELETONWITCH が日本でプレイ出来るよう本当に望むよ！

SCOTT HEDRICK

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【URIAH HEEP : LIVING THE DREAM】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MICK BOX OF URIAH HEEP !!

“We Are a Family Away From Our Family So To Speak. I Have Always Said a Working Band Is a Happy Band And That Is Why We Smile a Lot. “

DISC REVIEW “LIVING THE DREAM”

凛々しきハードロックとプログの幻想が交差する、プロト-メタルの “桃源郷” URIAH HEEP。
波瀾万丈、紆余曲折を潜り抜け、半世紀の年輪を刻んだ今も未来への雄渾なる熱情を宿し続ける不死鳥は、ただ純粋にロックへの殉教に焦がれます。
悪魔の叫び David Byron、ハモンドの魔術師 Ken Hensley、そして Mr. ブルーノート Mick Box。三者三様の個性で織り上げるエピカルでシアトリカルなバンド初期のレガシーは、ヒストリーオブロックの一ページ、秘伝の黄金律として今も色褪せることはありません。
実際、Mick の野性味溢れるハードドライブと、Ken の翳りを帯びたプログレッシブなミステリーは David の艶やかな表現芸術を携えてこの上ないカタルシスを創出し、至高の “夢幻劇” は静の “July Morning” から動の “Easy Livin'” まで “対自核” のダイナミズムを深くその舞台に刻んだのです。
そしてもちろん、彼らの分厚くゴージャスなボーカルハーモニーは、しばしば比較を受ける DEEP PURPLE には存在しないものでしたね。
ただし、バンドのマスターマインド Mick Box は、その両翼を徐々に欠いた後も偉大なスピリットを穢すことは決してありませんでした。
アメリカの空を仰ぎ始めた John Lawton との冒険においても “Sympathy” では “哀れみの涙” をしめやかに流し、Peter Goalby を迎えたNWOBHM とのシンクロ二ティーでもそのキャッチーな魅力は些かも陰ることなく、そして何より Bernie Shaw との現行ラインナップが “Sea of Light” で見せたロマンチシズムは、バンド本来の魅力を存分に主張する新たなる決意の欠片だったのですから。
そして Mick は 長年バンドに貢献を続けた Lee Kerslake を健康問題で、Trevor Bolder に至っては逝去という悲しい理由で欠きながらも遂に更なるマイルストーンを築き上げました。
「まさに僕たちはロックに宿る夢を実現しているよね。そしてそれ故にアルバムタイトルになったんだ。」と語るように最新作 “Living the Dream” は、自らが辿った栄光と自由の軌跡。
オープナー “Grazed by Heaven” を聴けばリスナーは、来年結成50周年を迎えるバンドがこれほどまでにフレッシュでエネルギッシュな音楽を奏でることに驚愕を憶えるはずです。
Phil Lanzon が過去のレガシーを礼賛するハモンドの魔法を奏でれば、浮かび上がるはバンドの心臓、Mick の荒々しくも硬質なリフアタック。そうしてダイナモ Russell Gilbrook の卓越したパワーとテクニックは、Bernie を中心とする壮麗なる5ウェイハーモニーをも誘ってロックとプログの濃密なる交差点を作り上げていくのです。
一方で、クリアー&パーフェクトなプロダクションの妙は、今を生きるバンドの挑戦的でコンテンポラリーな姿をも浮き彫りにしていますね。
言ってみれば “Living the Dream” こそがブリティッシュハードの桃源郷なのかも知れません。タイトルトラックの QUEENにも匹敵する重層のコーラス、ZEP のフォークが花開く “Waters Flowin'”、 GENESIS への敬意を表明した “It’s All Been Said”、想像力を掻き立てる8分のプログエピック “Rocks in the Road” にメランコリックで壮大な “Dreams of Yesteryear”。枚挙に暇がありません。
そうして、キャッチーでフックに満ちた英国のバスストップにおいて、”Falling Under Your Spell” は特別な一曲となりました。
70年代から数えても、バンドにとって屈指のキラーチューン。もちろん、”Easy Livin'” を想起させるビッグなコーラス、ターボを積みこんだシャッフルビートに荒れ狂うオルガンサウンドはある意味ヴィンテージな “幻想への回帰” にも思えます。
しかし、「バンドのキャラクターを保つことはもちろん、同時に新鮮味を持ち込むことも重要だったんだ。」と語るように、サウンドのトータルバランスは群を抜いてモダンでダイナミック、不思議な程にフレッシュで現在を写す煌きのポートレートに思えるのです。テンポチェンジ、転調に静と動のコントラスト。アルバムを通してそうしたフックと緩急は常に新たな驚きと喜びをリスナーへと届けます。
きっとそれは巧みの熟練、そして “情熱” の成せる技なのかもしれませんね。常に音楽シーンの変化に目を光らせているという Mick の言葉は真実です。そして “悪魔と魔法使い” が出会う25回目の “魔の饗宴” は、新たなファンという更なる “罪なきいけにえ” を一層増やすに違いありません。
今回弊誌では、レジェンド Mick Box にインタビューを行うことが出来ました。「いつも言っているんだけど、よく働くバンドはハッピーなバンドだと思うんだ。僕たちもそうだし、だからこそたくさん笑えるんだよ。」どうぞ！！

URIAH HEEP “LIVING THE DREAM” : 10/10

INTERVIEW WITH MICK BOX

Q1: First of all, how was the live in Japan 2016? Actually, you played with focusing on “Look at Yourself” album at that time. Almost 50 years have passed since it’s release, but it has been very special record for you and fans, right?

【MICK】: It was great experience. We actually played ‘Demons & Wizards” in its entirety before and it was a lot of fun. And off course, ‘Look At Yourself’ is a very special album and it did have great impact in Japan when it was released.

Q1: まずは、アルバム “Look at Yourself” にフォーカスした2016年の来日公演について、感想を聞かせていただけますか？
作品のリリースからおよそ50年が経ちましたが、ファンやバンドにとって今でも特別なレコードのようですね？

【MICK】: 素晴らしい体験だったよ。実際、あのコンサートの前の来日では “Demons & Wizards” の完全再現を行って、とても楽しめたんだ。
もちろん、”Look at Yourself” はとても特別なアルバムで、特に日本ではリリース当時大きなインパクトを残したよね。

Q2: Also, Lucifer’s Friend was a special guest of the show. And John Lawton appeared to the anchor. Lot’s of fans were really excited about that! Anyway, have you or band keep contact with ex-members like John, Ken Hensley, Lee Kerslake?

【MICK】: I talk with Lee a lot on the phone and we occasionally go out to dinner. John and Ken, it is usually emails when there is something to discuss about our historical business.

Q2: LUCIFER’S FRIEND との共演、そして John Lawton を招き入れてのアンコールも大好評でしたね？
John や Ken Hensley, Lee Kerslake など過去のメンバーとはしばしばコンタクトを取っているのでしょうか？

【MICK】: Lee とは電話で良く話しているよ。時には夕食も共にする程の仲なんだ。John と Ken に関しては、大抵 E-mail で連絡を取っているね。バンドの歴史、権利関係のビジネスについて話し合う時にね。

Q3: Regarding ex-member, we lost John Wetton last year. Only two albums with Uriah Heep, but I think he is also important part of band’s history. Do you agree that?

【MICK】: Yes, most definitely! John had a powerful presence within the band and he contributed well.

Q3: 歴史、元メンバーと言えば、昨年 John Wetton が亡くなりましたね…バンドとは2枚のアルバムを残したのみですが、彼も重要な歴史の一部でしたね？

【MICK】: うん、間違いなくね！バンドの中でパワフルな存在感を放っていたし、とても良く貢献してくれたからね。

Q4: Now, let’s talk your newest record “Living the Dream”. Actually, succeeded in music industry, gained lot’s of fans, and keep continue the great band almost 50 years, I feel that is exactly “Living the Dream”, isn’t it?

【MICK】: Absolutely, it really is living the dream, hence the album title. We have a lot of new fans as well as those that have been with us from the beginning on this wonderful journey. We do have the greatest fans in the world.

Q4: では最新作 “Living the Dream” について話しましょう。実際、音楽で成功し、多くのファンに愛され、50年もバンドを続けるあなたの生き様こそ “Living the Dream” “夢を実現” しているのではないでしょうか？

【MICK】: 本当にそうだよね。まさに僕たちはロックに宿る夢を実現しているよね。そしてそれ故にアルバムタイトルになったんだ。実際、最初から僕たちを応援してくれているダイハードなファンに加えて、新たなファンも沢山開拓しているんだからね。素晴らしい旅だよ。世界で最も偉大なファンベースさ。

Q5: Actually, this is my favorite heep’s record as well as “Sea of Light” since 1986. I can’t believe you can still rock hard and make such an amazing, flesh record in 2018. What’s your driving force, or inspirations?

【MICK】: I guess the word would be Passion! We still have the same passion for our music as we have always had and this gives us the energy to keep on doing what we love.

Q5: それにしても “Living the Dream” は、1986年以降の作品では “Sea of Light” と並んで私の大のお気に入りとなりましたよ。
バンドは今でもハードにロックしていて、作品にフレッシュなエナジーを注いでいます。その原動力や、インスピレーションの源はどこにあるのでしょう？

【MICK】: 一言で言えば情熱だね！僕たちは今でも、これまで持ち続けてきたのと同じ情熱を音楽に注いでいるんだよ。そうすることで、僕たちが愛する音楽を続けるためのエナジーを得ることが出来るんだよ。

Q6: It seems Canadian engineer, Jay Ruston played important role in the record, right? I think Uriah Heep has always spirits of Rock and intelligent of Prog. When you making music, do you intend the balance between the two?

【MICK】: When Phil Lanzon our keyboard player and I got together to start writing songs for the album we decided that if we were writing something that needed to grow we would let it develop, rather than go to the normal formula of verse, bridge, middle, chorus. This happened on ‘Rocks in the Road,’ and ‘It’s All Been Said’ and it worked perfectly, bringing those songs into the prog genre. With Jay at the helm as the producer it was important for him to keep the character of the band but bring a freshness to it, which he did very well. He was a pleasure to work with and he has a good pair of ears for separation on instruments and yet keeping it sounding very powerful.

Q6: “Living the Dream” にも、URIAH HEEP のトレードマークであるロックスピリットとプログレッシブな知性はしっかり息づいていますね？

【MICK】: キーボードプレイヤーの Phil Lanzon と僕で集まって、新作のための曲作りを始めた時に決めたことがあってね。マテリアルを膨らましていくならば、それをどんどん進化させていこうとね。ヴァース、ブリッジ、ミドル、コーラスといったノーマルな形式に落ち着けるよりもね。
この方法論は “Rocks in the Road”, “It’s All Been Said” で使用され完璧に機能したね。ある意味楽曲をプログの領域へ導くことが出来たと思うな。
プロデューサーとして舵を取った Jay についてだけど、彼にとってバンドのキャラクターを保つことはもちろん、同時に新鮮味を持ち込むことも重要だったんだ。それに関して彼は本当に良くやってくれたね。一緒に働いていて楽しめたし、楽器ごとの音の分離にも良い耳を持っていて、とてもパワフルなサウンドを構築してくれたね。

Q7: Lee was health issue, and Trevor passed away… But basically, band’s lineup haven’t changed since 1986. You know, considering lot’s of member changes in 70’s～80’s, that’s really drastic change. What’s the reason of the stability of line-up?

【MICK】: We are in a situation that we all enjoy. We are the best of friends that like writing and playing music together. We play concerts in 61 countries around the world and so we are a family away from our family so to speak. I have always said a working band is a happy band and that is why we smile a lot.

Q7: Lee は健康面の問題から、Trevor は亡くなってしまいましたが、基本的にバンドのラインナップは 1986年から変わっていませんよね。
70年代から80年代初頭にかけての多数のメンバーチェンジを考えれば、このラインナップの安定は驚きかも知れませんね？

【MICK】: 僕たちは今、メンバー全員が楽しめる状況にいるんだよ。お互いに親友と言える間柄だし、それは作曲や音楽を共にプレイしている時も同様だよ。僕たちは世界中61ヶ国でコンサートを行ってきたし、だからこそ言ってみれば家族から離れていても、バンドのメンバーが家族のようなものなんだよ。
いつも言っているんだけど、よく働くバンドはハッピーなバンドだと思うんだ。僕たちもそうだし、だからこそたくさん笑えるんだよ。

Q8: So, Internet, SNS, digital recording, streaming service… the surroundings of Rock music have been changed drastically. What’s your perspective about the “change”?

【MICK】: To be honest we just have to embrace it and find our niche and make it work for us. There is good and bad about it all, but there is no use moaning about it because that is the way of the world. The way we buy and listen to music has changed drastically and very little is tactile now, as it is all on one button on your computer. Out of choice, I personally still listen to my music on Vinyl on my record player, but I also have to use what is out there too to keep a handle on everything and understand how our audience is listening to their music, so I keep in touch. Our new album ‘Living The Dream’ is on Vinyl which I am delighted with.

Q8: インターネットや SNS、ストリーミングサービスの普及により、音楽産業やロックシーンはドラスティックな変化を遂げました。
長年シーンを見守り続けるあなたの目には、その変化はどの様に映っていますか？

【MICK】: 正直に言って、僕たちはそういった変化に対して前向きに適応して行かなければならないと思う。僕たちにとって適した部分を見つけて、上手く機能させていけばいいんだよ。
当然だけど、全てのことには良い面も悪い面もある。だけど不平を口にしても仕方がないからね。だってそれが世界の進んでいる道だから。
確かに僕たちが音楽を買ったり聴いたりする方法はドラスティックな変化を遂げて来たね。現在では、ほとんど CD のようなフィジカルそのものに触れることはなくなったし、ただコンピューターのボタンを一押しすれば音楽を聴くことが出来るようになっているからね。
個人的な好みで言えば、僕は未だにレコードプレイヤーでヴァイナルを聴いているよ。だけど同時に、僕はそういった変化の中から生まれたものを使用して全てを把握しておくべきなんだ。オーディエンスがどの様に僕たちの音楽を聴いているのか理解するためにね。だから僕は常に変化を追い続けているんだよ。
ただ、新作 “Living the Dream” がヴァイナルでもリリースされたのは嬉しいよね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED MICK’S LIFE

THE JEFF BECK GROUP “TRUTH” or “BECK-OLA”

VANILLA FUDGE “VANILLA FUDGE” or ROCK & ROLL”

NEIL YOUNG “AFTER THE GOLDRUSH” or “HARVEST”

  

THE WHO “LIVE AT LEEDS”

GRAHAM NASH “SONGS FOR BEGINNERS”

I am a Gemini so what I choose today I will change tomorrow but for today here is my list.

MESSAGE FOR JAPAN

We love playing concerts in Japan and we cannot wait to come to Tokyo and Osaka on March 2019 in support of our new album ‘Living the Dream.’ It is always a great pleasure to play for our Japanese fans and we will bring 100% of our passion and energy to play the best live concerts ever. We hope to see you all there for a magical evening of music. Thank you so much for your support over the years as it means the world to us. ‘Appy days! Mick Box URIAH HEEP

僕たちは日本でコンサートを行うのが大好きなんだ。来年の3月に、東京と大阪で最新作 “Living the Dream” をサポートするツアーを行うのが待ちきれないよ。
日本のファンのためにプレイするのはいつだって大きな喜びだし、僕たちは情熱とエナジーを100%持ち込んで、今までで最高のコンサートにするよ。そんなマジカルな音楽の夜に、みんなに会いたいね。本当に長年に渡るサポートをありがとう。僕たちにとって掛け替えのないものだよ。”Appy Life!” 幸せな日々を！ (Happy の H が落ちているのは、バンド名 URIAH HEEP の出自であるディケンズの小説 “David Copperfield” の描写に由来し、しばしば使用している)

MICK BOX

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NIGHT VERSES : FROM THE GALLERY OF SLEEP】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH REILLY HERRERA OF NIGHT VERSES !!

“Diversity Is Definitely Key For Us, And We Don’t Ever Want To Overdo Or Repeat Anything More Than Necessary. “

DISC REVIEW “FROM THE GALLERY OF SLEEP”

プログメタルのサルバドール・ダリが草創せし夢幻画廊。ファンタジーとリアリティー、テクニックとアトモスフィア、モダンとオーガニックのダイナミズムを、”夢” という自由な空想世界で交差させる無言の詩聖はインストゥルメンタルミュージックのドラスティックな再構築を試みています。
例えば Tilian Pearson を失った TIDES OF MAN が、故に音に語らせる創意工夫を磨き上げポストロックの妙手となったように、詩人の喪失は時に音楽それ自体の革新を誘います。そして急遽リードボーカル Douglas Robinson がバンドを離れることとなった NIGHT VERSES も同様に、彼の遺した “スペース” を埋めるチャレンジの中で一際精華な創造の翼を得ることとなったのです。
RED HOT CHILI PEPPERS, TOOL, RAGE AGAINST THE MACHINE、そして近年では INTRONAUT とある種独創性を追求したアートの都 L.A. で、NIGHT VERSES の資質が育まれたのは必然なのかも知れませんね。
実際、ポストロックのソニカルな音景とハイパーテクニカルな Djent の相反をオーガニックに融解し、ダウンテンポのエレクトロニカを織り込む前人未到のドリームスケープは、超現実的なダリのシュルレアリスムにも通じる倒錯と魅惑のアートです。
フルブラストで幕を開ける夢への廻廊 “Copper Wasp” こそ “From the Gallery of Sleep” への強烈なインビテーション。多彩なリムショットやハイハットの魔術で複雑怪奇なポリリズムを支配する Aric のドラム劇場は、Nick の雄弁なギターワークと Reilly のアグレッシブなベースサウンドの独壇場。
ANIMALS AS LEADERS を想起させるファストでメカニカルな衝動から、RUSSIAN CIRCLES の重厚荘厳なグルーヴ、そして TYCHO の瑞々しいアンビエントまで自在に操る弦楽隊のテクニック、創造性はあまりに気高く孤高。
さらにサンプリングやエレクトロサウンドを加えて完成に導いたエクレクティックモンスターは、”夢” という自由な空間に花開いた崇高のアート、対比とダイナミズムのエキサイティングな奇跡に違いありませんね。
フレーズ、モチーフの巧みなリピートで、奇抜なテーマを鮮やかに印象付ける独特の手法は “Trading Shadows”, “Vice Wave” でより際立ちます。実際、「異なる音楽的な要素、アートをミックスして僕たちが伝えたい感情を具現化することこそ最も重要なことなんだ。歌詞というガイドがなくなったからね。」とインタビューで語るように、言葉を失った詩人は試行錯誤を経て、その感情を以前よりもビビッドに雄弁にリスナーのスピリットへと届けているのです。
バンドはそこからさらに多様性の扉を開き探求していきます。
パーカッシブでトライバルな “Vantablonde”、ポストロックの壮麗なサウンドスケープを掘り下げた “Lira”、hip-hop のグルーブに照らされた鮮烈のシュレッド “No Moon”、静謐な美しきアコースティックのレリーフ “Harmonic Sleep Engine”。
そうしてその全ての多様性、創造性はギターペダルの可能性を極限まで追求したプログレッシブで trip-hop なエピック “Phoenix IV: Levitation” へと集束していくのです。
アルバムは、幽玄なる白昼夢 “Infinite Beach” で TYCHO や BONOBO の理想とも深くシンクロしながら、メランコリックにノスタルジックにその幕を閉じました。
今回弊誌では、ベースプレイヤー Reilly Herrera にインタビューを行うことが出来ました。ちなみにドラマー Aric は絶賛売り出し中 THE FEVER 333 のメンバーでもあります。
Instru-Metal の最新形こそ彼ら。「”多様性” は間違いなく僕たちにとって鍵だと言えるね。これまでも同じことをやり過ぎたり、必要以上に繰り返したりすることを望んだりはしなかったからね。」どうぞ！！

NIGHT VERSES “FROM THE GALLERY OF SLEEP” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NIGHT VERSES : FROM THE GALLERY OF SLEEP】 →

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SATYRICON : DEEP CALLETH UPON DEEP】JAPAN TOUR 2018 SPECIAL !!

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH FROST OF SATYRICON !!

“Black Metal Is All About Attitude, Spirit And Feeling, Pretty Much Like Punk And Blues. It Doesn’t Have To Be Connected To One Very Particular Philosophical Direction. Claiming That Is Has To Be Satanic Is Simply Childish.”

DISC REVIEW “DEEP CALLETH UPON DEEP”

ブラックメタル第二の波として、EMPEROR, DARKTHRONE, ENSLAVED, IMMORTAL, MAYHEM 等と共闘しシーンを確固たるものとしたノルウェーの重鎮 SATYRICON。9年振りに決定した来日公演で、常に進化を続けるバンドのスピリットは鮮明になるはずです。
獰猛でファストな典型的ブラックメタルからは久しく距離を置く SATYRICON。確かに “Now, Diabolical” はゲームチェンジングなブラックメタルレコードでしたが、”Deep Calleth Upon Deep” で辿り着いた境地はまさしく前人未到です。
「僕はね、ブラックメタルにおけるスピードの重要性は過大評価され、大きく誤解されていると思うんだ。スピードは音楽にインテンスと極端さを持ち込む多くの方法の一つに過ぎないんだよ。」と Frost が語るように、SATYRICON の “今” を表現するブラックメタルは究極にダークで不吉なアトモスフィアをただ徹頭徹尾追求する、複合的なアート。
不穏なヴィンテージロック、ゴス、ドゥーム、アバンギャルドをブラックメタルの深淵に落とし込むダイナミックで豊かな表現性のパレットは、ある意味オリジネーター CELTIC FROST の方法論、スピリットにもシンクロしながらリスナーの酩酊を誘い、エクストリームメタルに内包された贖い難い中毒性を再確認させてくれますね。
それは乱歩の世界や百鬼夜行にも通じる複雑怪奇な狂気の乱舞、スロウバーン。
今回弊誌では FROST にインタビューを行うことが出来ました。「ブラックメタルは、パンクやブルースと同様にアティテュード、スピリット、そしてフィーリングが全てなんだよ。だから、必ずしもある特定の哲学と繋がっていなければならない訳ではないんだ。サタニズムに拘る姿勢は、単純に子どもじみているよ。」どうぞ！！

SATYRICON “DEEP CALLETH UPON DEEP” : 9.9/10

INTERVIEW WITH FROST

Q1: Once your Japan Tour was postponed, but you’ll come back to our country next month! It’s first time in 9 years. Actually, I saw your incredible performance at Loud Park 2007, 11 years, wow! How do you feel now? What’s do you like Japan?

【FROST】: We feel very good, and quite exited as well, about going to Japan again. To us Norwegians Japan feels quite exotic in a good sense, given the geographical distance and the huge differences in culture, spirit and mentality. At the same time we will get to have most of the amenities that we’re used to when being in Japan, which is practical when performing shows and wanting good working facilities. Last but not least, Japanese fans have always been responsive and fantastic according to our experience.

Q1: Loud Park 07の素晴らしいパフォーマンスを覚えていますよ。そして延期もありましたが、遂に久しぶりの日本ツアーが開始しますね？

【FROST】: 日本をまた訪れることが出来てとても嬉しいし、エキサイトしているよ。僕たちノルウェー人にとって、日本は良い意味でとてもエキゾチックなんだ。地理的にもとても離れているし、文化、精神、そしてメンタリティーも大きな違いがあるからね。
それに、日本にいる時は本当に快適なんだ。ショウの手際も頗る良いしね。そして何より、日本のファンは僕たちの経験によれば、いつも反応が良いしね。

Q2: Lot’s of Japanese fans worried about Satyr’s brain Tumor. It seems really tough decision to not have surgery, I feel. What’s his current prognosis?

【FROST】: Satyr is doing very well, and seems to be in a better and more spirited place than ever. He has proven to be far stronger than his condition. I do indeed hope that he will continue to stay in good health; I dare say that the signs are good for the time being.

Q2: 日本のファンは Satyr の脳腫瘍を心配しています。手術に踏み切らない決断もなかなかタフだったと思いますが…

【FROST】: Satyr の状態は非常に良いよ。以前より回復して、元気になったように思えるね。彼はこれまでの状態よりもはるかに強くなったと証明してきたね。
僕は本当に彼が健康で居続けるよう願っているんだ。当分の間は良いはずだと言いたいね。

Q3: I was really impressed about your new record “Deep Calleth Upon Deep”. Actually, Satyricon has progressed constantly. But it’s a record of reinvention, another realm. Is it a kind of new beginning for you?

【FROST】: Yes, it does actually feel like we have found a new, different and strange way for Satyricon to go. I believe that we managed to find the key to this new musical world as we were creating our previous, self-titled album, and realized how we could incorporate dynamics into our compostions and sound in order to gain a richer and more vital musical palette. Where we did merely scratch the surface with the “Satyricon”-album, we managed to go a lot further and deeper with “Deep calleth upon Deep” and thus truly enter new territory.

Q3: 最新作 “Deep Calleth Upon Deep” には非常に感銘を受けましたよ。
常に進化を続ける SATYRICON ですが、再度新たなスタートラインに立ったような “再発明” のアルバムですね？

【FROST】: そうだね。僕たちは確かに新しく、異なっていて、バンドにとってある意味ストレンジな方向に辿り着いた感じだね。
この新たな音楽世界へなんとか辿り着けたのは、前作のセルフタイトル “Satyricon” の制作が鍵だったと信じているんだ。その作品で僕たちは、ダイナミズムを楽曲に落とし込む方法や、よりリッチで不可欠な音楽のパレットを得る方法を理解した訳さ。
ただし、”Satyricon” では、その発見の上っ面くらいしか落とし込むことが出来なかったんだけど、今回の “Deep calleth upon Deep” ではさらにより深く探求することが出来たんだ。そうして真に新たなテリトリーへと侵入した訳だよ。

Q4: I feel “Deep Calleth Upon Deep” is kind of the record like, Vintage rock, goth, sludge, doom, avant-garde mixed together in your black metal hole, and refined with intensity. In short, it’s really incredible, eclectic art. Do you agree that?

【FROST】: You seem to enjoy the album a lot for its diversity and expressfulness, so I shall not say that I disagree with you. Personally I think of the album as very loaded with spirit, presence, energy, emotions and atmosphere. And it is beyond doubt our darkest and most sinister album to this date.

Q4: 端的に言って、”Deep calleth upon Deep” はヴィンテージロック、ゴス、ドゥーム、アバンギャルドといった多様な要素をブラックメタルの深淵に落とし込んだ、エクレクティックなアートだと感じました。

【FROST】: 君はこのアルバムをとても楽しんでくれたようだね！多様性、豊かな表現性の部分でね。だから君に同意できないなんて言うことは出来ないな。
僕個人としては、この作品は魂、存在、エナジー、感情、そしてアトモスフィアを大量に搭載したアルバムさ。そして疑いようもなく、バンド史上最もダークで不吉なアルバムさ。

Q5: How was the writing process? Actually, you cancelled Japan Tour of 1349 due to the recording schedule of Satyricon, right?

【FROST】: Trying not to be too tedious about it, what I can say is that we put down a lot of effort in order to facilitate a creative and stimulating working environment when making Deep calleth upon Deep. We all gave of ourselves in every way to make the album become the very best it could possibly be.

Q5: タフなライティングプロセスだったのでしょうか？実際あなたは 1349 の日本ツアーをキャンセルしてまでこのアルバムの制作に当たっていましたよね？

【FROST】: ライティングプロセスに関しては、とにかく冗長で飽きてしまわないよう努力したよ。
僕が言えるのは、”Deep calleth upon Deep” を制作する時は、創造的で刺激的な作業環境を促進するために多くの努力を払ったということだね。僕たちは、アルバムを最良のものにするために、あらゆる面で自分たちを捧げたんだよ。

Q6: So, you and Satyr have been playing together very long time now. What is the secret of your relationship?

【FROST】: Respect for each other, our common project and our lives’ work. And a genuine passion for music and black metal.

Q6: あなたと Satyr は本当に長い間共にプレイしています。その蜜月の秘訣はどの辺にあるのでしょう？

【FROST】: お互いを、そして僕たちのプロジェクト、ライブを尊重することだね。そして音楽とブラックメタルへの真なる情熱も。

Q7: Blast beats and tremolo riffs are one of the symbol of black metal. But recently, you have not used them so often. What’s the reason of that?

【FROST】: I disagree that blast beats and tremolo riffs are symbols of black metal. Where are the blast beats in Venom’s music (that band were the originators of the genre, after all), or in Celtic Frost? Not even Bathory had blast beats in a modern sense of the expression. I think that the importance of speed in black metal has become overrated and misunderstood by many. Speed is just one of many ways to bring intensity and extremity into the music, and the way I see it, uncritical use of blastbeats is highly counterproductive. Blast beats don’t really have a more natural place in our music of today than in the songs of Celtic Frost, for instance, and you wouldn’t want a lot of blast beats in Celtic Frost’s music, would you? Then again, we still apply blastbeats in Satyricon, like we do in Midnight Serpent and Black Wings and Withering Gloom, so we don’t rule out the possibility and potency of having fast elements in our songs.

Q7: ブラストビート、トレモロリフはブラックメタルのある意味象徴だと思うのですが、近年 SATYRICON はあまりその2つを多用していませんね？

【FROST】: 僕はブラストビートとトレモロリフがブラックメタルの象徴だとは思わないな。じゃあ、ブラックメタルのオリジネーターである VENOM、そして CELTIC FROST がブラストビートを使用していたの？さらに言えば、BATHORY でさえ、モダンな表現法でのブラストは使用していなかったよね。
僕はね、ブラックメタルにおけるスピードの重要性は過大評価され、大きく誤解されていると思うんだ。スピードは音楽にインテンスと極端さを持ち込む多くの方法の一つに過ぎないんだよ。そして、僕が思うに不要なブラストビートの使用は非常に非生産的なんだ。
ブラストビートは今の僕たちの音楽には、CELTIC FROST の楽曲よりもその居場所がないと言えるね。もちろん、CELTIC FROST にブラストビートは望まないでしょ？
ただ、それでも “Midnight Serpent” や “Black Wings and Withering Gloom” でやったように僕たちのやり方でブラストビートを使用することはあるよ。だからこれからファストな要素を使用する可能性を除外したりはしないんだ。

Q8: Off course, you are kind of legend who came out from Norway in 1991, alongside fellow second-wave giants Emperor, Immortal and Burzum. Recently, like Alcest, Deafheaven have parted ways with satanism and open the door to diversity. Do you think black metal needs to have roots in satanism still now?

【FROST】: Black metal is all about attitude, spirit and feeling, pretty much like punk and blues. It doesn’t have to be connected to one very particular philosophical direction, but the dark dimension has to be present somehow, in one form or the other. Claiming that is has to be satanic is simply childish.

Q8: SATYRICON はノルウェーブラックメタルのレジェンドです。
近年、ALCEST や DEAFHEAVEN といったバンドがサタニズムから離れ多様性へのドアを開けていますが、あなたから見てそういった試みはどう映っていますか？

【FROST】: ブラックメタルは、パンクやブルースと同様にアティテュード、スピリット、そしてフィーリングが全てなんだよ。だから、必ずしもある特定の哲学と繋がっていなければならない訳ではないんだよ。
だけど、ダークな領域はいくらか掘り下げるべきだろうね。サタニズムに拘る姿勢は、単純に子どもじみているよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED FROST’S LIFE

MOTORHEAD “IRON FIST”

The song Iron Fist from the album with the same name was what truly caught my attention first and made me become interested in hard music.

BATHORY “BATHORY”

My first and defining meeting with darkness in combination with hard and intense music.

MAYHEM “DE MYSTERIIS DOM. SATHANAS”

A soulmate in the musical world, nothing less.

THORNS “THE GRYMYRK TAPES”

Actually some demo tracks rather than an album, but still. Without this fantastic collection of dark, cold and sinister musical works, neither I nor the Norwegian black metal movement could have been the same.

DARKTHRONE “UNDER A FUNERAL MOON”

The raw essence of Norwegian black metal.

MESSAGE FOR JAPAN

Come out to one of our shows in Osaka or Tokyo and create and experience live magic with us.

東京か大阪のショウに来て欲しいね。そして僕たちとライブのマジックを創造し体験しようぜ！

FROST

日本ツアーの詳細はこちら。SMASH

9/11 (火) 大阪 / Umeda TRAD
OPEN 18:00 START 19:00
9/12 (水) 東京 / 代官山UNIT
OPEN 18:00 START 19:00

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CONJURER : MIRE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH BRADY DEEPROSE OF CONJURER !!

“Dan And I Bonded Over Our Mutual Frustration With How Shit The Local Scene Had Become And How Bored We Were With Metalcore. Conjurer Ended Up Being The Product Of This.”

DISC REVIEW “MIRE”

2015年、英国ミッドランズに突如として現れた魅力的なエクストリームミュージックの醸造所 CONJURER は、刺激に飢えたメタル中毒者を酔わせ、瞬く間に熱狂の渦を巻き起こしています。
スラッジ、ドゥーム、ハードコア、プログ、そしてブラック&デスメタル。香り高き金属片の数々をエクレクティックに調合し精製する芳醇なるアマルガムは、Holy Roar 主導で進められる Neo-New Wave of British Heavy Metal の象徴として踏み出す大胆で鮮烈な一歩です。
「僕にとっては GOJIRA と THE BLACK DAHLIA MURDER こそがスターティングポイントだった訳だからね。そして決定的な瞬間は YOB をライブで見た時だった。」
インタビューで Brady が語ってくれた通り、CONJURER が創成したのは圧倒的に面妖で不穏なスラッジ成分、神秘と思索のプログ成分に、相隔相反するファストで激烈なメタルコアの獰猛を配合した超俗の美酒 “Mire”。その崇高なる多様性の香気は、レーベルの理念とも完璧にシンクロしながら厳かに新時代の幕開けを告げています。
アルバムオープナー “Choke” は、この混沌と斬新を見渡す眺望。濾過以前の純粋な憤激。あまりにハングリーなテンポチェンジの妙。
GOJIRA と NEUROSIS の遺伝子を纏った野太くもエッジーな唸りは、不協和音の沼沢、閉所恐怖症のハーモニーを彷徨いながら瞬時にファストで狂乱のブラックメタルへとその色を変えていきます。さらにその底流は Frederik Thordendal のプライドとも合流し、ただ陰鬱で悲惨な音景を表現するためのみに結束を強くするのです。
実際、泥と霧に覆われた不気味で不透明な原始沼をイメージさせる “Mire” というタイトルは、明らかに限られたリスニングエクスペリエンスでは全貌を掴めない、繰り返しの再生を要求するアルバムの深みと間口、そして芸術性を象徴していますね。
「多くのバンドは一つか二つのメジャーな影響を心に留めながら作曲していると思うんだけど、僕たちはどの瞬間も30ほどの影響を考慮しながらやっているんだ。」との言葉を裏付けるように、バンドは様々な風景をリスナーの脳裏へと刻み続けます。
“Hollow” で示されたドゥーミーなメランコリー、クリーントーンの旋律はポストロックの景観さえ抱きしめた、陰鬱なアルバムに残る微かな希望。しかしその幽寂なるサウンドスケープは、やがて宿命の如く地の底から襲い来るブラッケンドハードコアの波動、濁流に巻き込まれ押し流されてしまうのです。その落差、静と動、速と遅が司るダイナミズムの効果はまさしく無限大。
それにしてもバンドの落差を支えるリズム隊は破格にして至妙。特に様々なリムショットを華麗に使い分け、楽曲のインテンスを高める Jan Krause のドラムワークは新たなヒーローの名に相応しい創造性に満ちていますね。
“Thankless” で敬愛する MASTODON に感謝なき感謝を捧げ、”The Mire” で再びホラー映画のテンポチェンジをショッキングに見せつけた後、アルバムは終盤にハイライトを迎えます。
静謐の谷と激情の山脈を不穏に繰り返し行き来する “Of Flesh Weaker Than Ash” で 「GOJIRA はデス/ブラックメタルの要素を作曲に活用しながら、ヘヴィーな音楽を実にキャッチーに変化させることが出来ると教えてくれた訳さ。」の言葉通りエクストリームメタルのフック、イヤーキャンディーを張り詰めたテンションの中で実現し、SLEEP のファズサウンドをフューネラルドゥームの寂寞とプログスラッジのエピックに封じた “Hadal” でレコードは新世界への扉を開きながらは威風堂々その幕を下ろすのです。
今回弊誌では、ギター/ボーカル Brady Deeprose にインタビューを行うことが出来ました。「ギター/ボーカルの Dan Nightingale と僕は、当時同じようなフラストレーションを抱えて仲良くなったんだ。ローカルシーンがいかにクソになったか、メタルコアがいかに退屈かという鬱憤だよ。」 どうぞ！！

CONJURER “MIRE” : 9.9/10

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BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MICHAEL ROMEO (SYMPHONY X) : WAR OF THE WORLDS / PT.1】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MICHAEL ROMEO OF SYMPHONY X !!

“I’ll Take a Great Song Over Anything Else. The Technique And All That Stuff Is Fine, But Using It In a Tasteful And Musical Way Is What Is Important. “

DISC REVIEW “WAR OF THE WORLDS / PT.1”

Michael Romeo は自己超克を命題に刻む、ストイックなギターウィザードです。一定のスタイルを確立した後、そのクオリティーを安住の地とするプレイヤーが多い中、SYMPHONY X のマスターマインドはイノベーションを続けます。
90年代初頭、Yngwie Malmsteen と John Petrucci のハイブリッドとしてシーンに登壇した Michael は、プログメタル第ニの波にシンクロした SYMPHONY X 共々着実にその地位を築いて行きました。
PANTERA の獰猛かつ理知的なリフエージを自らのファンタジーへと取り込んだ “The Divine Wings of Tragedy” は序章にしてエレガントなマイルストーン。”ユリシーズ” をテーマにシンフォニックな24分の大曲をリリカルに演じる “The Odyssey”、そして TOOL や DISTURBED のコンテンポラリーで数学的なリフロマンスが冴え渡る “Paradise Lost”。
「僕にとっては、異なることに挑戦したり、新しく興味深い何かを創造したりといったことの方が大きな意味があるんだよ。」と語る通り、Michael は SYMPHONY X を通してその豊潤なビジョンと、アップデートを重ねた先鋭なる時代性を表現して来たのです。
94年に、今は亡きゼロ・コーポレーションからリリースしたクラシカルな “The Dark Chapter” をノーカウントとしてソロデビュー作の肩書きを得た “War of the Worlds/Pt.1” は、まさにそのビビッドな開拓的スピリットを体現した作品だと言えるでしょう。
インタビューで、「僕はこのアルバムでメタルに映画音楽の要素をミックスしたかったんだ。」 と語ったように、実際 “War of the Worlds/Pt.1” こそが、チャレンジングかつ前人未到のオーケストラルなシネマティックメタルであることは明らかです。
もちろん、RHAPSODY のようにクラッシックや民族音楽を、オーケストラルにメタルファンタジーへと落とし込む手法はこれまでもありました。しかし、Bernard Hermann や John Williams, Hans Zimmer といった、コンテンポラリーなシネマミュージックの息吹を濃厚に抱きしめる Michael の手法と慧眼は、近年の多様でカラフルなモダンメタルレボリューションの中でも際立っていますね。
アルバムを通して奏でられる印象的なテーマ、モチーフを内包した、ダークで荘厳な “Introduction” はスターウォーズメタルのファンファーレ。アルバムのテーマは “Conflict” “紛争”。”彼ら” と “私たち”、立場、人種、種族、生い立ち、様々な違いにより争いを余儀なくされる無慈悲なドラマはそうしてオーケストラルにその幕を上げます。
刹那、プログメタルのカタルシスを満載した “Fear of the Unknown” が鳴り響くと、リスナーは慣れ親しんだ “X のシンフォニー” に酔いしれるでしょう。ただし、Russell Allen に比べてよりデリケートでメロディックな Rick Castellano のボーカルアプローチは喝采と共に新鮮に映るはずです。
よりシリアスで陰鬱な領域を探求する “Black” はスターウォーズメタルの象徴かもしれませんね。壮大なオーケストレーションとギターの共闘で迫り来る闇を表現したイントロから、ファストにイマジネーティブに畳み掛けるメタルの牙はあまりにスリリング。
さらに、EDM/dubstep を大胆にそのメタルオーケストラへと導入した “Fucking Robots” は創造性と享楽の両面からアルバムのハイライトと言えるかも知れません。プログメタル、オーケストラ、EDM が三位一体となり、ビッグでキャッチーなコーラスを伴いながら畳み掛けるそのインパクトはまさに圧巻のトライデント。
シンフォニックなインタルードでシームレスに繋がり映画の体をしたアルバムは、オリエンタルトライバルな “Djinn”、胸を打つ壮大なパワーバラード “Believe”、TOOL のメソッドをメロディックメタルに封入した”Oblivion” と、いくつかのモチーフを音楽的に拡大し、オーケストラとメタルのシンクロ度をさらに高めながらエピックな世界を創り上げて行くのです。
そうしてアルバムは、”Constellations” で二者を完璧なまでに融合し、その幕を閉じました。
ARK, Yngwie との仕事で知られる達人 John Macaluso, 実は同じ学校に通っていたというBLSの John JD DeServio のオールスターキャストもファンにはたまりませんね。今回弊誌では、マエストロ Michael Romeo にインタビューを行うことが出来ました。「テクニックとか、ギターに纏わる様々な事柄も良いけど、それを絶妙に、音楽的な方法で使用することこそ重要なんだ。」どうぞ！！

MICHAEL ROMEO “WAR OF THE WORLDS / PT.1” : 10/10

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