“The Last Death Metal I Bought Because I Was Interested Was “Domination” by Morbid Angel. That’s 1995, a Long Time Ago Now. I’m Not Saying It’s Just Been Bad Releases Since Then, Of Course Not, But That’s The Last Time I Felt Like I Wanted To Hear What’s New.”
ただし音楽を先に生み出し、後に歌詞をつけるのが Mikael のライティングスタイルです。普段は50分ほどのマテリアルで “打ち止め” する Mikael ですが、”In Cauda Venenum” のライティングプロセスでは溢れ出るアイデアは留まるところを知りませんでした。
「この作品ではこれまで以上に書いて書いて書きまくった。それで3曲もボーナストラックがつくことになったんだ。」
スウェーデン語のアイデアは、当初メンバーたちの同意を得られなかったと Mikael は語っています。ただし、何曲かのデモを聴かせるとその考えは180度変わりました。
「奇抜なアイデアと思われたくはなかったんだ。いつも通りやりたかったからね。ただ別の言語を使っているというだけでね。」
スウェーデン語バージョンと英語バージョンの違いは Mikael の歌唱のみ。「言葉がわからないからアルバムをスキップしてしまうのでは」という不安から英語でも吹き込むことを決めた Mikael ですが、彼のクリーンボイスはビロードの揺らぎで溶け出し、スウェーデン語の違和感を感じさせることはありません。むしろ際立つのは言葉に宿るシルクの美しさ。
実際、その不安はすっかり杞憂に終わりました。Billbord のハードロックアルバムチャート3位、ロックアルバム9位の健闘ぶりはそのアイデアの魅力を素直に伝えています。
どちらかと言えば Mikael はスウェーデン語のバージョンを推奨しているようです。
「スウェーデン語がオリジナルで最初に出てきたものだから、やはりイノセントだし少しだけ良いように思えるよ。まあ選ぶのはリスナーだけどね。」
故にアルバムタイトル “In Cauda Venenum” はどちらの言語にもフィットするようラテン語の中から選ばれました。「尾には毒を持つ」ローマ人がサソリの例えで使用したフレーズは、フレンドリーでも最後に棘を放つ人物のメタファー、さらには “想像もつかない驚きを最後に与える” 例えとして用いられるようになりました。
Travis Smith が描いたアートワークもその危機感を反映します。窓辺に映るはメンバーそれぞれのシルエット。ヴィクトリア建築の家屋は悪魔の舌の上に聳えます。「悪魔に飲み込まれるんだ。最後には不快な驚きを与えるためにね。」
ではアルバムに特定のコンセプトは存在するのでしょうか？
「イエスと言うべきなんだろうがノーだ (笑)。コンセプトアルバムとして書いた訳じゃない。ただ、”Dark Side of the Moon” みたいなアルバムだと思うんだ。あの作品を聴いてもコンセプトは分からないけど、循環する密接なテーマは感じられる。KING DIAMOND みたいに明確なコンセプト作じゃないけどね。だから俺は言ってみれば現代の “リアル” をテーマにしたんだと思う。」
2016年にリリースした “Sorceress” との違いについて、Mikael は前作はより “イージー” なアルバムだったと語ります。
「”Sorceress” はストレートなロックのパートがいくつか存在するね。構成もそこまで入念に練った訳じゃないし、ストリングスもあまり入ってはいないからね。」
一方で “In Cauda Venenum” は 「吸収することが難しく、”精神分裂病” のアルバム」 だと表現します。その根幹には、深く感情へと訴えかける遂に花開いた第2期 OPETH のユニークな多様性があるはずです。
さらにギタープレイヤー Fredrik Åkesson もここ10年で最も “練られた” アルバムだと強調します。
「”Watershed” 以来初めてレコーディングに入る前にバンドでリハーサルを行ったんだ。僕はいつもそうしようと主張してきたんだけどね。おかげで、スタジオに入る頃には楽曲が肉体に深く浸透していたんだ。そうして、可能な限りエピックなアルバムを製作するって目標を達成することができたのさ。」
そして Mikael からのプレッシャーに苦笑します。
「僕はギタリストにとって “トーン” が重要だと思っている。理論を知り尽くしたジャズプレイヤーでもない限り、トーンを自分の顔に出来るからね。”Lovelorn Crime” では Mikael から君が死ぬ時みんなが思い出すようなギターソロにしてくれって言われたよ。(苦笑)」
では Fredrik は現在の OPETH の音楽性をどう思っているのでしょうか？
「もし “Blackwater Park” のような作品を別のバージョンで繰り返しリリースすれば停滞するし退屈だろう。ただあの頃の楽曲をライブでプレイするのは間違いなく今でも楽しいよ。Mikael のグロウルは今が最高の状態でとても邪悪だ。だからまたいつかレコードに収録だってするかも知れないよ。」
Mikael が OPETH を政治的な乗り物に利用することはありません。それでも、スウェーデンの “偽善に満ちた” 社会民主労働党と右派政党の連立、現代の “リアル” を黙って見過ごすことは出来ませんでした。
「”Hjartat Vet Vad Handen Gor/Heart in Hand” はそうした矛盾やダブルスタンダードについて書いた。俺の社会民主的な考え方を誰かに押し付ける気はないんだけどね。アイツらと同じになってしまうから。だけど奴らの偽善だけは暴いておきたかった。」
Mikael にとってそれ以上に重要なことは、涙を誘うほどにリスナーの感情を揺さぶる音楽そのものでしょう。
「もっとリスナーの琴線にふれたかったんだ。究極的にはそれこそが俺の愛する音楽だからね。ただ暴れたりビールを飲んだり以外の何かを喚起する音楽さ。つまり、このアルバムをリスナーの人生における重要な出来事のサウンドトラックにしたかったんだ。上手くいったかは分からないけどね。」
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH GLEB KOLYADIN OF IAMTHEMORNING !!
“It Is Fascinating To Add Passion And Drive From Rock Music To The Classics. At The Same Time, Playing Rock, I Try To Make It More Sophisticated And Intellectual, Adding Many Layers And Making It More Polyphonic.”
DISC REVIEW “THE BELL”
「コフィンベルはどちらかと言えば憂鬱のシンボルなんだ。同時にとても美しいけどね。人間の残酷さについてのストーリーなんだ。何世紀も前から人間性そのものは何も変わってはいないんだよ。そしてこのベルは、例え生きたまま埋葬されたとしても周囲に生存を知らせるための最後の望みだったんだよ。」
Kscope の至宝、チェンバープログの孤高を極めるロシアのデュオ iamthemorning は、クラシカルなピアノの美麗とエセリアルな詠唱の荘厳で人に宿る残酷の花を自らの音の葉で咲かせます。
“Lighthouse” のアートワークに描かれた心許ない灯台の火は、孤独や痛み、憂鬱に翻弄される大海、人生における微かな希望の光だったのかも知れませんね。そうして今回、長年のコラボレーター Constantine Nagishkin の手によって “The Bell” の顔として描かれたのは、希望と闇、美と憂鬱のコントラストを投影したコフィンベルでした。
セイフティーコフィンベル。英国ヴィクトリア期に広まった、棺に連結されたベルは仮に生きたまま埋葬されたとしても周囲に生存を伝えられる最期の希望。
「どんなに長い間、絶望的な状況に置かれたとしても、助けを呼ぶことは出来るのよ。と言うよりも、助けが必要な時は必ず呼ぶべきなのよ。」ヴィクトリア期に心酔し探求を重ねるスペシャリスト、ボーカル Marjana はいわくのベルをテーマとしたことについてこう語っています。
21世紀において埋葬されるのは、薬物の乱用、差別、ネグレクト、社会からの疎外に苦しむ人たち。つまり、iamthemorning は何世紀も前に存在した残酷と希望を宿す “セイフティーネット” を現代に巣食う闇の部分へと重ね、人間性の高まり、進化についての疑問と真実を世界へと問いかけているのです。
「僕自身は少しずつプログのラベルから離れていると思うんだ。音楽的な境界を広げようとしているし、出来るだけ異なる音楽をプレイしようとしているからね。このアルバムでは特に顕著だと思うよ。」
人間性を率直に問いかけるアルバムにおいて、当然 iamthemorning 自身も装飾を剥ぎ取り、ナチュラルで正直、かつ本来の姿への変貌を厭いませんでした。
「”The Bell” の楽曲の大半は、正確に言えば僕たち2人のデュエットなんだ。2曲を除いて、当初全ての楽曲はデュエットの形をとっていたんだよ。その中のいくつかは、後に他の楽器を加えることになったね。だけど僕たちが持ち込みたかった雰囲気は壊さないようにしたよ。」
天性のピアニスト Gleb が語るように、”The Bell” で iamthemorning は始まりの朝焼け、2人を中心とした地平線へと再び赴くことを決断します。ゲストミュージシャンを制限し、ヘヴィーなアレンジメントを抑制することで、アルバムには以前にも増して映画や演劇のシアトリカルなイメージと衷心が産まれました。
そうして、クラッシックとチェンバーのダークで深みのある色彩を増したアルバムが、あのフランツ・シューベルトが好んだ19世紀に端を発する連作歌曲 (各曲の間の文学的・音楽的な関連性をもって構成された歌曲集) のスタイルへと到達したのはある種の必然だったと言えるでしょう。
ピアノの響きとシンフォニックなオーナメント、時折悪魔が来たりてディストーションをかき鳴らす作品中最もダイナミックかつエニグマティックなオープナー “Freak Show” で、Marjana は脆く悲痛でしかしフェアリーな歌声をもって 「誰も気にしないわ。例え私がバラバラに砕け散ったって。ただ立ったまま見つめているだけよ。だから私はもっとバラバラに砕けるの。」と数百年の時を経ても変わらぬ人の残酷を訴えます。
それでも世界に希望はあるはずです。第2楽章の始まり、エモーションとバンドオーケストラが生み出す絶佳の歌曲 “Ghost of a Story” で Marjana は、「全てに限界はあるの。あなたの悲しみにおいてさえ。少しづつ安心へと近づいていくわ。」とその目に暗闇を宿した亡霊のごとき現代人に一筋の光明を指し示すのです。
しばしば Kate Bush と比較される iamthemorning のポストプログワールド。実際、”Sleeping Beauty” のように彼女の遺伝子は今でも深くデュオの細胞へと根を張りますが、一方で Chelsea Wolfe, さらには Nick Cave の仄暗きアメリカーナにも共鳴する “Black And Blue” の濃密なサウンドスケープは特筆すべきでしょう。
そうして “Lilies” から “The Bell” へと畳み掛けるフィナーレはまさに歌曲の大円団です。Gleb の言葉を借りるなら、感情的で誠実なロックの情熱をクラッシックへと持ち込んだ “シューベルトロック” の真骨頂でしょう。
もちろん、芳醇なアレンジメントやオーケストレーションは楽曲のイヤーキャンディーとして不可欠でしょうが、その実全てを取り払ってデュエットのみでも十二分にロックとして成立するリアルがここにはあります。2人のシンクロニシティーはいったいどこまで高まるのでしょう？あの ELP でさえ、基本的にはドラムスの存在を必要としていたのですから。
今回弊誌では Gleb Kolyadin にインタビューを行うことが出来ました。「おそらく、僕は啓発的であることに固執しているとさえ言えるね。つまり、僕の音楽を聴くことでリスナーが何か新しいことを学べるように、ある意味リスナーを少し “教育” したいと思っているのかもね。」2度目の登場。どうぞ！！
IAMTHEMORNING “THE BELL” : 10/10
INTERVIEW WITH GLEB KOLYADIN
Q1: “The Bell “‘s artwork was painted by band’s favored collaborator Constantine Nagishkin. It’s really beautiful and describe a mood of the album. When you request that work, what did you tell?
【GLEB】: We collaborate with Konstantin literally from the very beginning of the iamthemorning, so this is the person who knows us well and feels what we are doing. The three of us conferred for quite some time what exactly should be represented on the cover, and agreed that it was necessary to draw the tombstone with a bell. Marjana had quite a lot of references and photos from the places that she visited in England, so it conveys what we wanted quite accurately. At the same time, Konstantin himself thought up a lot of details and composition, and we are happy with the final result. In my opinion, he outdid himself, and this is the most beautiful cover of all that we had.
【GLEB】: Constantin とは文字通り iamthemorning 最初期からコラボレートを続けているね。だから彼は僕たちをよく知っていて、僕たちの目的を感じられる人物なんだ。
僕たち3人はアルバムカバーで何を表現するべきか、かなり長い間話し合ったね。そしてベルを伴った墓碑を描く必要があるという結論で同意したんだ。
Marjana は沢山の資料と、彼女がイングランドで訪れたその場所の写真を持っていたから、僕たちが描写したかった風景は極めて正確に描かれたよ。同時に Constantin も自分で詳細を煮詰めてくれて最終的にとても満足いく結果になったね。
僕の考えだけど、彼はこれまでの自分を超えて、僕たちのアルバムで最高に美しいカバーになったね。
Q2: The artwork is beautiful, but It seems we can’t describe “The Bell” by just a word beautiful. Because, it’s safety coffin bell, right? I think “Freak Show” shows that contrast between beauty and fear, dark and hope. What made you focus on safety coffin bell in this record?
【GLEB】: Indeed, coffin bell is a rather gloomy symbol, while at the same time quite beautiful. The main narrative is described precisely in the lyrics by Marjana, which tell a lot of stories about human cruelty. Nothing changes and humanity is mostly at the same point where it was centuries ago. And the bell is an attempt to be heard even after you have been buried. Also, for me, it was interesting to contemplate a bell sound like a particular sound from our childhood. Indeed, it is precisely in infancy that people are most vulnerable, and very often, a person carries a lot of fear and pain in himself from childhood. Therefore, it is quite symbolic that even in the cemetery, among the many graves, a person turns out to be as defenseless as in childhood.
Q3: It seems “The Bell” is based on Victorian England’s art and culture. Why did you focus on England, not your country Russia?
【GLEB】: Marjana is a real specialist in this field, so much so that she can already give excursions to various thematic places in England. This experience and knowledge were reflected on the album. But I think we just do what we like and reflect what we feel at the moment. And I believe that we cannot completely get rid of our roots and still remain Russian. For our country, the topic of cruelty and injustice is especially important, but our society has not yet reached the level to recognize apparent problems and begin to resolve them. Perhaps someday we will do something that will be explicitly inspired by Russia, but even now our message is about humanity, without reference to any particular country or era. So Victorian England’s art – is an inspiring environment that has enabled us to express our ideas about human nature.
Q4: Regarding Russia, how is running prog rock band in your country? What’s like the scene there?
【GLEB】: Lately, a small communities and festivals associated with the prog have been appearing in Russia. Unfortunately, the prog scene is not as developed in our country as we would like. Despite this, we have many people who love and listen to this music. In this regard, we feel a little isolated at home and in many ways much more comfortable in Europe, where prog have been blooming for several decades. Nevertheless, it seems to me personally that we are gradually moving away from the prog label. We are trying to expand our musical boundaries and play as different music as possible, which is very noticeable specifically on the last album.
Q5: As you say, compared with “Lighthouse”, It seems there is more chamber, folk, classical, orchestral, cinematic approach in “The Bell”, I feel. Do you agree that?
【GLEB】: Absolutely right. But I did not think about how to combine the various genres – everything turned out by itself. Somewhere, we deliberately did not make the arrangement heavier, leaving the songs more chamber and more classical. And so it turned out that the album sounds a bit theatrical. Unlike Lighthouse, this album was purposely conceived as more intimate in sound. Last time we had a pre-thought out scheme, layout, and we immediately imagined how it would sound in the final. But this album came out more spontaneous, and it seems to me that it reflects us much better not only as a duet but also each of us individually.
Q5: 仰るように、前作 “Lighthouse” と比較して “The Bell” はよりチェンバー、フォーク、クラシカル、オーケストラルなアプローチでシネマティックな感覚が強調されているように感じました。
Q6: Also, title track “The Bell” is typically, I think there is more stripped-down approach like only you and Marjana. And that’s really impressive for me. There is really nice contrast with band sound, right?
【GLEB】: Well, most of the tracks on the album are performed precisely like a duet. Perhaps only two tracks on the album (Freak Show and Salute) were composed with the expectation of a huge band with a lot of musicians. All other songs we initially presented in the form of a duet. In some songs, we added extra instruments, but rather to emphasize the state that we wanted to convey. I think that this time we were very sensitive and careful about our own material, limiting the number of musicians and guests. In other words, we wanted not to break the original music idea and its chamber vibe.
Q6: 加えてタイトルトラック “The Bell” は象徴的ですが、以前よりあなたと Marjana に一層フォーカスし、飾りを取り去ったアプローチも印象に残ります。バンドサウンドとの対比も見事ですね。
Q7: It’s very unique that you use 19th century song cycle. Is it related to your big love or longing for that era?
【GLEB】: I initially wanted the new album to be not just a collection of songs, but a kind of the whole story. I thought it would be great to make a sequence where each track would be independent, but at the same time organically continue the line of the previous one. This time the music was more chamber and dark, so I began to have various associations with Schubert’s vocal cycles. And I realized that in terms of the general form, we got something like a vocal cycle in two parts. Some keynotes go from one track to another. And also every song is somehow dedicated to the theme of human cruelty, then it also unites all the music with additional semantic meaning. In other words, this is the album where the lyrics and music are equal, working in contrast and complementing each other. And this is quite typical to classical music. So, again, everything happened by itself. From the very beginning, we did not even imagine that the album would sound that way.
Nowadays, thanks to streaming services, people are less and less listening to the whole album, preferring to listen to individual tracks. In this regard, we wanted to specifically create something that could make you stop and listen carefully to these 45 minutes of music.
Q8: When you play classical music and rock music, what have you changed or been different about technical or emotional wise?
【GLEB】: First of all, classical music is certainly more introverted and complex. In each segment of time, there are a lot of musical and emotional layers. It’s not always possible to immediately see what the author wanted to say. And in any case, you often spend a lot of time and energy before achieving comfort and freedom performing a classic piece. You have to go a long way to achieve the right balance between what the author wanted to say and self-expression. Rock music is more emotional and sincere but more superficial and accessible to understanding. Therefore, I like to combine these two polar genres. It is fascinating to add passion and drive from rock music to the classics. At the same time, playing rock, I try to make it more sophisticated and intellectual, adding many layers and making it more polyphonic. Perhaps I even adhere to some edifying goal. That is, I would like to educate my and our listener a bit so that they learn something new.
Most of them are not new, This is just the last five albums I listened a lot these days.
ZBIGNIEW PREISNER, LESZEK MOZDZER “10 EASE PIECES FOR PIANO”
BRAD MEHLDAU “FINDING GABRIEL”
BRIAN ENO “APOLLO: ATMOSPHERES & SOUNDTRACKS”
DAVID SYLVIAN, HOLGER CZUKAY “PLIGHT & PREMONITION FLUX & MUTABILITY”
PAT METHENY “OFFRAMP”
MESSAGE FOR JAPAN
I have been thinking for so long that it would be great to visit Japan, that I hope this really happens soon.
I was happy to answer your questions. Thank you so much for listening to our music. Arigatou gozaimasu
“Our Message To The World Via Our Music Is Reminding The Importance Of Showing Gratitude To Your Parents, Loving Your Homeland, Protecting The Nature, Loving And Respecting Women, Respecting Your Country History And a’ncestors, And Finally Giving Individuals An Inner Power And Belief For Their Future.”
DISC REVIEW “THE GEREG”
「僕たちの音楽を通して送る世界へのメッセージ。それは両親への感謝、生まれ育った地を愛する心、自然の保護、女性への愛と敬意、母国の歴史や祖先への愛などの重要性を思い起こさせることなんだよ。そうして最終的には、リスナーそれぞれの内なる力を目覚めさせ、未来を信じられるようにしたいんだ。」
モンゴルの大草原に示現したロックの蒼き狼は、遊牧民のプライドと自然に根差す深い愛情、そして西洋文明に挑む冒険心全てを併合する誇り高き現代のハーンです。
80年代後半から90年代にかけて、ソヴィエト連邦の崩壊と共にそのサテライトであったモンゴルにも、西側からの影響が津波のように押し寄せました。そうしてモンゴルの音楽家たちは、伝統を保護しつつ否応無しに新たな波への適応を迫られたのです。
エスニックなプライドと冒険のダンス。社会的、政治的、そしてもちろん音楽的にもモンゴリアンミュージックはその両極を自らの舞踏に組み込み進化を続けて来ました。それは西欧音楽のコピペではなく、ルーツを大樹に影響の枝葉を伸ばすアジアの審美。
「”Hu” という言葉をバンド名に選んだのは、それが包括的には自然を意味するからなんだ。誰も除外することなく、世界中全ての “人間” に僕たちの音楽をシェアしたかったからね。」
まるで英雄チンギスハーンのように、登場から僅かな時間で西洋を飲み込んだ THE HU は間違いなく現代モンゴル音楽の最高傑作と言えるでしょう。
東洋と西洋、伝統と革新の過激なコントラストが世界を惹きつけたのは確かです。一つ “Yuve Yuve Yu” (“What’s Going On?)” のMV は象徴的でしょう。「偉大なモンゴルの祖先の名を抱きながら、長い間無意味に暴飲暴食を貪るだけ。裏切り者よ、跪け！」現代文明とモンゴルの大自然は皮肉と共に相対し、モンゴルの伝統楽器や彼ら自身は意図的にロックの煌びやかなイメージに彩られています。もちろん、かつてのモンゴル帝国がアジアとヨーロッパの大半を支配下に置いていたのはご存知の通り。
そう、THE HU は西洋に端を発するロック/メタルのフォーマットにありながら、ドラムス以外のクラッシックなロックインストゥルメントを極力廃しています。
官能的な西洋のアピアランスを与えられたモリンホールやトップシュールは、ギターの嗎をアグレッシブに、フォーキーに、美麗にモンゴルの流儀で世界に響かせ、さらに伝統的な喉歌ホーミーはハーモニーの恩恵を与えながらメタルのグロウルを代弁してアジアの歴史、底力を伝えるのです。そうして生まれるは異国情緒のダイナミズム。
「ホーミーとは、僕たちが誰なのか、僕たちが何を知っているのか、僕たちがどこから来たのか指し示すものさ。ホーミーは “正直な人間の地” から来ていて、それこそが僕たちにとって心地よく誇れるものなんだ。」
THE HU が提示する “Hunnu Rock” “匈奴ロック” の中で主役にも思えるホーミーは、もしかすると西洋文明に潜む欺瞞や差別を暴く “正直な” メッセージなのかも知れませんね。なぜなら彼らは、”誰も除くことなく世界中全ての人間に” 自らの音楽、モンゴルの魂を届けたいのですから。
デビューアルバムのタイトル “The Gereg” とは、モンゴル帝国のパスポートを意味しています。多くのモンゴル人にとって、ロマンチックに美化された騎馬の遊牧民や自由を謳歌するモンゴル帝国のヒーローは西洋のストーリーテラーによって描かれた征服者のフィクションなのかも知れません。
しかし、ステレオタイプなメタルファンを惹きつけるそのイメージを入り口に、THE HU は “The Gereg” をパスポートとして、モンゴル本来のスピリチュアルで愛と敬意に満ちた美しき文化、景色、音の葉を少しづつでも伝えていきたいと願っているのです。
今回弊誌では THE HU にインタビューを行うことが出来ました。「祖先から受け継がれるホーミーを僕たちは真にリスペクトしていて、このテクニックをマスターする時は光栄な気持ちになるんだよ。」一人ではなく、メンバー全員からの回答と表記して欲しいとのこと。YouTube 動画再生数は3000万を軽くオーバーするモンスター。どうぞ！！
THE HU “THE GEREG” : 9.9/10
INTERVIEW WITH THE HU
Q1: First of all, Actually, Japan and Mongol have some common points like Sumo, instruments. So, we Japanese are really proud that The Hu from Asia has conquered Europe. Download, Graspop…how do you feel playing such a big festival in Western world?
【THE HU】: Thank you so much! We love Japan and Sumo!
After playing in front of so many amazing crowds in Europe and the UK, we feel so much connection, love and support. Our fans chant with us, they sing with us and they mosh with us. After our headline shows we are so exhausted but we still go to the merch booth so we can meet and take pictures with every single fan and supporter of our music because we love them and we want them to know our gratitude. We want them to know that they’re important to us.
Q1: 相撲や伝統楽器など、モンゴルと日本にはいくつか共通点があります。
故に、THE HU がアジアの蒼き狼として Download, Graspop といった欧州のビッグフェスを軒並み制圧したことを嬉しく思いますよ。
Q2: So, it seems “Hu” is the Mongolian root word for human beings, right? What made you choose it for your band name?
【THE HU】: We chose the HU because of the inclusive nature of the word. We want to share our music to every human being in the world without any exclusion.
Q3: It’s incredible your great mixing metal/rock and Mongolian folk music. I think it’s one of the reason you get big attention from world. What made you start your unique blend of “Hunnu rock”?
【THE HU】: It started with our producer Dashka. 8 years ago, he travelled back to his parent’s birthplace in the mountains and got this idea of combining traditional Mongolian music with rock music. In 2016, the four band members together with Dashka started working on the first few songs. Creating and arranging these songs helped us find the sound we were looking for.
Q4: When you were growing up, what kind of music were you listening to? Were there Mongolian instruments on your side?
【THE HU】: We grew up listening to Mongolian traditional music, Pink Floyd, Led Zeppelin, Metallica, Slipknot, Lamb of God and etc. We all studied Mongolian traditional instruments growing up. Gala and Temka were classmates at Mongolian State Music and Dance Conservatory since they were 12 years old. In the past years Gala, Enkush and I were in a Mongolian folk band Altain Orgil and toured together. As being folk musicians in Mongolian music scene, we’ve known each other for over a decade.
【THE HU】: もちろん、モンゴルの伝統音楽は聴いて育ったよ。それに PINK FLOYD, LED ZEPPELIN, METALLICA, SLIPKNOT, LAMB OF GOD 他にも沢山ね。全員がモンゴルの伝統楽器も学びながら育ったんだ。Gala と Temka モンゴルの音楽/舞踊学校で12歳の頃からクラスメイトだったしね。
過去数年、Gala, Enkush, そして僕はモンゴリアンフォークバンド ALTAIN ORGIL で共にツアーを行なっていたんだ。モンゴル伝統音楽のシーンでフォークミュージシャンをやっていたから、お互いに出会うことが出来たんだよ。
Q5: OK, let’s talk about your amazing debut-full “The Gereg”. When I had an interview with Nature G. of Tengger Cavalry (R.I.P), he said his songs are “It’s all about (Mongolian) Shaman, history, nature, horse and warrior spirit.”. How about you? Is there any concept or lyrical themes on this record?
【THE HU】: The inspiration behind our lyrics are from our Mongolian history and culture. Some of our songs contain old Mongolian rock inscription and war cries. Our message to the world via our music is reminding the importance of showing gratitude to your parents, loving your homeland, protecting the nature, loving and respecting women, respecting your country history and ancestors, and finally giving individuals an inner power and belief for their future.
Q5: では素晴らしきデビューフル “The Gereg” について話しましょう。
残念ながら亡くなってしまった TENGGER CAVARLY の Nature G. に以前インタビューを行ったのですが、彼は「僕たちの楽曲は、全てがシャーマン、自然、馬、そしてウォーリアースピリットについてなんだからね。」 と語っていました。
Q6: We know some Mongolian folk instruments close to Japanese traditional instruments. Actually, what kind of traditional instruments did you use in “The Gereg”?
【THE HU】: We use Morin Khuur, Tovshuur, Tumur Khuur, Tsuur, and Khengreg. They all have their own unique sounds and they’re all crucial to our genre.
Q7: So, we didn’t know how emotional it becomes when Хөөмий (Khöömii) meets/metal world. But in the Western music industry, It seems singing in Mongolian and using Throat-singing is big challenge I think. Was it natural for you?
【THE HU】: Throat singing has been a Mongol technique for generations. Our grandfathers, fathers, mentors always did it. We genuinely respected that it came from our ancestors and wanted to respect and honor them while attempting to master the technique. We practiced this style for years since we were kids to be able to control it, apply it and now we’re infusing it into our songs because it feels natural to us. It’s who we are, it’s what we know, it’s where we come from. It comes from an honest human place that we’re proud of and comfortable with.
Q8: Regarding traditional music, in Europe, there are great folk metal bands such as Finntroll, Turisas and Korpiklaani who draw on their own culture and mythology through their music. Do you think you are influenced by their spirit somehow?
【THE HU】: Sure, we love and respect every genre of the bands and musicians because we know that what it takes to be successful musicians.
祖先が作った世界で初めてのパスポートだよ。13世紀、Gereg を持つものは沢山の国を妨げられたり傷つけられたりすることなく旅ができたんだ。アルバムを “The Gereg” と名付けたのは、僕たちが世界の国々を自由に旅し、音楽をみんなにシェア出来るからなんだ。つまり僕たちのアルバムこそが世界へのパスポートなんだよ。
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH TAICHI NAGURA OF ENDON & KAPO OF SWARRRM !!
“To Me, Extreme Music In Japan Seems To Have a Spirit Kind Of “Fuck While Being Fucked” And Yeah…I Can Hear It. The Situation Is Often Forgotton Unconsciously.” By Taichi Nagura
“I’m Not Sure What The Punk / Hardcore Spirit Specifically Refers To. The Spirit Should Be Different For Each Individual.” By Kapo
【NAGURA】: I’ve been “good listener” since I was a teenager and have really loved A split with BLOODRED BACTERIA, “Nise Kyuuseisyudomo” and “BLACK BONG”.
My career started with the fusion of GRIND and noise / industrial, free form. You know that SWARRRM advocates “CHAOS & GRIND”. But for me, they are important Merkmal who maintains playing without relying on free-form / improvisation and the superiority of traditional guitar rock while arranges the state of bustle.
In that sense, it becomes great opportunity to emulate and learn from a skilled person.
Although it is already a dimension of fiction, I enjoyed producing this sound source as a split of domestically produced GRIND.
【KAPO】: This is a proposal from Mr. Hamada Daymare. Of course I like ENDON, and I had a long relationship with them. Yeah, and I love their changes from the beginning which were always exciting and pleasing.
There are groups that share values that are said to be cool at each time. It may be a scene.
I think that it is one of the bands that can refuse to be influenced by such values, so I love them.
You may know ourselves, but we has always been here without related “scene” or “movement” for many years.
Q2: “How to accept and digest the rock / punk produced by white people and what to put out as a Japanese?” Is the big theme in this split, right?
【NAGURA】: Rather than a big theme, the idea of having a band in Japan is already “Made in Occupied Japan”. I’m not particularly aware of dissidents or anarchism. “Made in Occupied Japan” represents the fact that we Japanese are fucked by the United States.
On the other hand, the moment when the blast beat, the symbol of grind, bursts seems to be the starting scene of a machine gun battle, and it represents a much more ejaculating pleasure. To me, extreme music in Japan seems to have a spirit kind of “fuck while being fucked” and I can hear it. The situation is often forgotton unconsciously. So I wrote it down.
Considering overseas distribution as a matter of course , we first decided the balance between Japanese and English languages used around the package.
I have shared with SWARRRM that the title of the split is in Japanese and “Made in Occupied Japan” is engraved and the cover of the foreigner’s song is recorded.
ENDON first decided to make the song title English and the lyrics mixed with Japanese and English, and to include a cover of the song made by white people.
This was decided in consideration of my career as a listener of J-POP / ROCK from the 90s to the zeros.
In the end, SWARRRM also chose a white song, and only Japanese was used for the title and lyrics.
【KAPO】: In the textbook of rock / punk, the spirit of “dissent” and “anarchism” was a driving force of rock / punk in Europe and America, but was it true?
I do not seek anything special about the relationship between rock and politics. I think that the assertion and the direction of the left and right winds should change with the times.
I don’t think past claims and spirits are valid in the present day, I do not beautify past things at all, and I do not believe in any beautifully-textured romantic rock textbooks. The four of us with low group consciousness will not unite and criticize or express anything.
Q3: On the other hand, ironically, I feel that the unhealthy Japanese right-tilization and totalitarianism are accelerating recently. In that sense, it seems that we need a punk / hardcore spirit right now?
【NAGURA】: I don’t think that is necessary, and reading is better, maybe.
It’s not something that requires spirit, but something that comes naturally. Kind of identity, right? In that sense, I am not in a position to enlighten it. Because we are not hardcore.
Is it necessary to have the spirit of others to deny the current government or discriminators?
Also, I think the punk and hardcore minds are completely different. Punk is not directly linked to enlightenment. It’s common for punk rock music lovers to find on hardcore spirituality. However, punks are worn with aesthetic judgment with some kind of flirtyness of that era. I don’t think the current punks always take the position of leftists or liberals. Rather, there may be more punk now in the otaku.
The current left / liberal is “conservative” in its original sense and appears to have a very high affinity with the hardcore mind.
【KAPO】: I’m not sure what the punk / hardcore spirit specifically refers to. The spirit should be different for each individual. We consider that when you say punk / hardcore spirit is always left, that’s punk totalism .In the past, the idea of being free to move left and right up and down was only heard in textbooks that have passed time and are romantic, and as a result, punk totalitarianism has become a natural scene. I understand that the left looks better than the right for the rock. It is necessary to have an environment where it is natural to understand that each person has a different opinion. In other words, I, middle aged, can’t really hold the attitudes of young people at that time.
Q4: I think there are many different ways to put politics into music. ENDON sending a strong message on your SNS account, right? On the other hand, there is little disclosure about the political stance of SWARRRM, right?
【NAGURA】: Oh, yes. But I don’t think it’s a very strong message. However, a lot of DMs were sent by Netouyo-like people.
We don’t know much about what is ENDON’s sound in, and we aren’t even thinking about it. Because it is not our art form that makes social problems into works. Of course, it would be easy to find politics in us if analyzed.
Rather than incorporating politics into music, I just have a political opinion.
The SNS discourse is personal to me, but I have never discussed with other members whether this is the official view of ENDON. However, I think that they have positive views of our current situation that I represent.
【KAPO】: We have always ignored many questions about SWARRRM’s political stance regarding the incorporation of politics into music, but I would like to answer it because MMM has been indebted before. I have been a member of the Communist Party Federation organization for over 20 years and inevitably donate.
But I’m not just a communist. I feel or agree with the role of the Communist Party in the capitalist society. There is currently no support for specific political parties. I agree with this bill for the Liberal Democratic Party, but there is also opposition to other bills. Of course, the same applies to other parties.
What is rock band political participation? Assistance on SNS or raising your thoughts? Are you going to participate in the demo? Is it a donation that is considered effective in a capitalist society? Each of them has its own values and opinions.
If it’s “It ’s better to say than not to say” like mind, I don’t say nothing.
If the stance of young people in their early 20s in the 70s and 80s is the same as the middle age of the 21st century, it cannot be said that the value is the same.
【NAGURA】: I haven’t made the idea of “Japaneseness” for ENDON. What is it? A scale yona nuki?.
【KAPO】: I have never been conscious of Japaneseness in my long activities. MMM had a similar question in previous interviews, so you felt the necessity of Japaneseness strongly, but I am not interested at all. Still, if you can feel the Japanese style, you can only think of it as a habit that permeates ourself.
Q6: ENDON selected Johnny Thunders “Cosa Nostra”, SWARRRM selected THE STOOGES “I Wanna Be Your Dog”, and THE MONKEYS was the original song, SEX PISTOLS, and Sid also covered “Steppin ‘Stone”.
【NAGURA】: The song is selected by koki. We really like Johnny Thunders. Johnny Thunders has many stories other than music. It seems that Koki chose it because it was a song that such a person made it only with images. Please listen to the original song. A song that just says the name of a Sicilian gang several times. Did he think of it as the source of his favorites? It’s definitely Koki’s way that he chose a song that has enough room for such an appropriate image. Well, in the end, it’s on impulse.
【KAPO】: It’s just on impulse..I wanted to combine it and write “I Wanna Be Your Stone”, but we couldn’t do that due to copyright.
Q6: ENDON は Johnny Thunders “Cosa Nostra” を、SWARRRM は THE STOOGES “I Wanna Be Your Dog”, それから THE MONKEYS が原曲で SEX PISTOLS, シドもカヴァーした “Steppin’ Stone” をそれぞれカヴァー曲に選んでいます。
【KAPO】: 単純に思いつきです。合体させて”I Wanna Be Your Stone”と表記したかったのですが、著作権的に無理でした。
Q7: Finally, what part of the new song reflects the phrase “There still have room to update rock”?
【NAGURA】: The wording of the press release is an evaluation by others. But of course we have responsibility on it. That song was told by my close friend that “hardcore territorialization break”.
By the way, I don’t talk about music at all, is this interview okay?
【KAPO】: I think there is non partly. I haven’t done any special arrangements that should be noted. Still, if you listen to it, you will feel the answer. All the members are proud of the best results of our activities in over 20 years.
ENDON
01. Cosa Nostra (JOHNNY THUNDERS) 02. Constellation for Triumph
SWARRRM
03. 涙
04. I Wanna Be Your Dog (THE STOOGES)
~Steppin’ Stone (THE MONKEES/SEX PISTOLS etc)
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ERIC GUENTHER OF THE CONTORTIONIST !!
“After Being Established As a Band Securely In a Genre, It Takes a Lot Of Courage To Move Past That And Try To Evolve At The Risk Of Losing Fans, And That Was Always a Goal Of The Contortionist.”
Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about you and the band? What kind of music were you listening to, when you were growing up?
【ERIC】: My name is Eric Guenther, I play keyboards for The Contortionist. I started recording with the group in 2012 and joined full time in 2014 after recording the Language record. My first influences in popular music followed a path of 90s alternative and grunge (Smashing Pumpkins, NIN, Radiohead), followed by prog rock/metal (Tool, Dream Theater), and then melodic / death metal (In Flames, Opeth, Cynic). I was always into cinematic scores too, and how composers like John Williams could incorporate melody into a narrative, and as a teenager, Nobuo Uematsu’s Final Fantasy soundtracks actually were some of my first real inspirations to start writing music for myself. These days, after so many years of listening and recording rock and metal, I’ve started to branch out and try to study other types of music that introduce new artists to me, new or old, like jazz, Neo-soul, or psych rock.
Q1: 本誌初登場です！まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか？
【ERIC】: 僕は Eric Guenther。THE CONTORTIONIST でキーボードを担当しているよ。バンドとレコーディングを始めたのは2012年で、正式に加入したのは “The Langurage” の収録を終えた2014年だったね。
90年代のオルタナティブやグランジ (SMASHING PUMPKINS, NIN, RADIOHEAD) を通過した後、TOOL や DREAM THEATER といったプログロック/メタルを吸収し、それから IN FLAMES, CYNIC みたいなメロデスやデスメタルにハマっていったんだ。
あとはずっと映画音楽のスコアにもハマっていたね。John Williams のようなコンポーザーがメロディーとストーリーを融合させるやり方に魅了されてね。それに植松伸夫氏による Final Fantasy のサウンドトラックは、10代の僕に音楽を書こうと思わせた最初のインスピレーションだったんだ。
最近では、ロックやメタルを長年聴いてきたこともあって、新旧かかわらず新たなアーティストを開拓出来るような他のジャンルを探求しているんだ。ジャズ、ネオソウル、サイケみたいなね。
Q2: What inspired you to start playing piano? Who was your musical hero at that time?
【ERIC】: I started playing piano at a young age only because my parents made me learn it, but I enjoyed it enough to develop an interest in guitar at the same time I realized that my piano teachers weren’t inspiring me. After a few years of taking piano lessons, I quit to teach myself guitar and focused on that for almost ten years. I was making recordings with my own band and others and started recording keyboard parts for those records just because I still had a basis in the theory and remembered how to play. Through these recording sessions I realized that I would be much more useful as a musician in a keyboardist role, and the session work kept coming, so I focused on keyboards full-time. I think something about what I learned as a guitarist informed my process in arranging keyboards around it. I still play guitar, so I think a general understanding of how to arrange both instruments to compliment each other created the style of keyboardist I am today. With that in mind, is tough to define my keyboard musical hero, but I can definitely cite Trent Reznor, Richard Wright, Rick Wakeman, and Nobuo Uematsu as the biggest ones that stand out for me, even though my style differs and I never sought to directly follow in those footsteps specifically.
Q2: では、ピアノを始めたきっかけ、当時のヒーローを教えていただけますか？
【ERIC】: ピアノを始めたのはまだ幼少期に、ただ両親に習わされたからなんだ。だからピアノの先生からインスパイアされていないと気づくと、ギターに興味を持ったんだ。だから何年かピアノのレッスンを受けた後、独学をやめてほぼ10年ほどギターに集中したんだよ。
自分のバンドや他のバンドでレコーディングを始めると、僕はキーボードパートもプレイするようになったんだ。それは音楽理論を理解していたのと、まだピアノの弾き方を覚えていたからなんだけど。ただ、そういったセッションを重ねるうちに、僕はキーボーディストとしての方がより “使える” ミュージシャンだと悟ったんだよ。仕事も舞い込み続けたからね。だからフルタイムのキーボーディストとしての道を選んだんだ。
ギタリストとして学んだことは、キーボードのアレンジに影響を与えているよ。僕は今でもギターをプレイするんだ。だから、両方の楽器のアレンジを理解していて互いを補完できることが、キーボーディストとしての今日の僕を作り上げたと言えるだろうね。
そう考えると、キーボードヒーローを挙げるのは難しいね。ただ間違いなく Trent Reznor, Richard Wright, Rick Wakeman, それに植松伸夫氏は自分にとって大きな存在だよ。僕とは異なるスタイルで、直接彼らの足跡を追っていないとしてもね。
Q3: The Contortionist was one of the biggest name in djent movement at that time. Looking back now, what was the movement to you?
【ERIC】: To be honest, in 2010 when Exoplanet was released, I was focused on my own projects and had not become involved yet. Djent was a ‘movement’ that I was aware of, and I loved bands like Meshuggah and, perhaps most importantly for djent, Sikth, who I think have been overlooked as the true creators of the genre. Sikth took what Meshuggah did and expanded it into a more pop and melodic format, and, without any specific names, I think every band in the genre owes more of their sound to Sikth than they do to Meshuggah (who remain the heaviest band in the universe). When I started working with The Contortionist in 2012, one of the things that excited me the most about them was that they were aware of where their influences came from and had the foresight and ability to look past it. After being established as a band securely in a genre, it takes a lot of courage to move past that and try to evolve at the risk of losing fans, and that was always a goal of The Contortionist.
Q3: THE CONTORTIONIST は Djent ムーブメントの中から登場し、ビッグネームの一つとなりましたね？
Q4: I had an interview with Anup Sastry recently. He said “I don’t really think djent movement has gone away or anything. The entire ‘djent’ idea really just falls under the larger category of progressive metal, in my opinion.” What’s your perspective about that?
【ERIC】: I would totally agree with Anup. Djent hasn’t gone away, it was/is a stylistic fad within the larger genre of progressive metal. As I suggested above, Meshuggah was a huge influence, but Sikth really tore the doors down to a new dimension all the way back in 2003, giving ‘djent’ an identity. In my opinion, Meshuggah has remained it’s own rock of identity… Nobody has yet to outdo them at their game, and to qualify them as “djent” is like categorizing Nirvana as British Pop from the 60s. They were a huge influence in the birth of “djent”, but remain their own monster.
Q5: It seems “Clairvoyant” was turning point for the band to go to more moody and atmospheric rock acts like Karnivool, Deftones, Katatonia. What made you change the direction somehow?
【ERIC】: It wasn’t necessarily a conscious decision, rather I think we were being honest with our tastes at the time and letting it happen naturally. We were trying to dig deep into textures and atmosphere because we realized we could do it very well, and lots of musical decisions were made to best use the strengths we have as a band. Essentially, we knew we could pull something like that off to contrast other music happening around us at the time, and felt the need to do so in order to distance ourselves and create an even stronger character identity for the band.
Q5: THE CONTORTIONIST にとって “Clairvoyant” は、KARNIVOOL や DEFTONES, KATATONIA にも通ずるアトモスフィアを探求し始めたターニングポイントにも思えますが。
Q6: Even so, it was big surprise that you covered Smashing Pumpkins “1979”. What was the reason of that?
【ERIC】: We had a long list of cover songs that we had joked about trying for years or experimented with in rehearsal. 1979 seemed like a good choice because it holds such a strong mood as a song, and prog/metal bands often have a hard time lending that much feeling to their music. It felt like a song that we could expand on and avoid sounding too clinical. In the end, you answered the question yourself, we wanted it to be a surprise to some people but still believable that it fits into The Contortionist musical universe.
【ERIC】: ジョークみたいにリハーサルで何年も試していたカバーソングは沢山あったんだ。”1979″ は楽曲として強力なムードを湛えていて良い選択に思えたね。それにプログメタルバンドは、音楽にあれほど多くのフィーリングを付与することはなかなかしないからね。
だからより自分たちの領域を拡大できる楽曲だと感じたし、冷静なサウンドになりすぎないようにしたよ。それに結局、答えは君自身が出しているんだ。つまりリスナーを驚かせたかったんだ。もちろん、それでも THE CONTORTIONIST の音楽宇宙の中にフィットすると信じていたんだけどね。
Q7: There have been circle or sphere in your artworks since “Exoplanet”. And it seems “Our Bones” describes kind of dark flower. Is there any change in your concept?
【ERIC】: That’s great that you noticed that. I’ll have to stop there, though, as our concepts are evolving every day as we work on new music, and I won’t spoil anything for the future.haha.
Q8: So, are you interested in Japanese culture like animations, video games, or something like that?
【ERIC】: As I mentioned earlier, I was and still am a Final Fantasy fan… I’ll be playing the FF7 remake and once in a while will bring out a classic like FF6 while I’m on the tour bus. I wish they would do a Xenogears remake or at least remaster. As for things like anime, I’ve seen a few of the classics like Neon Genesis Evangelion, Akira, Kenshin… The only reason I bring those very common examples up is that I recently saw an old, relatively unknown ‘anime’ called The Belladonna of Sadness, which was only recently released in the US, and it’s presentation blew my mind. I also remember an old anime that had an incredible mood and atmosphere to it’s soundtrack and presentation, Serial Experiments Lain.
【ERIC】: とにかくこれまでも、そして今も僕は Final Fantasy のファンなんだ。”FF7″ のリメイクはプレイするだろうし、FF6みたいなクラッシックを持ち出してはツアーバスでプレイしているんだ。ゼノサーガのリメイク、少なくともリマスターを出してくれれば嬉しいんだけど。
アニメに関しては、エヴァンゲリヲン、アキラ、るろうに剣心といったクラッシックは見ているよ。いや、こういったメジャーな作品を挙げたのは、最近見た “哀しみのベラドンナ” って日本の古くて比較的知られていないアニメにぶっ飛ばされたからなんだ。アメリカだけでリリースされたんだけど、凄い存在感だよ。
あとは驚異的なムードとアトモスフィアをサウンドトラックにまで湛えていた serial experiments lain も覚えているよ。
FIVE ALBUMS THAT CHANGED ERIC’S LIFE
RADIOHEAD “OK COMPUTER”
THE SMASHING PUMPKINS “SIAMESE DREAM”
NINE INCH NAILS “THE DOWNWARD SPIRAL”
DREAM THEATER “METROPOLIS PT.2: SCENES FROM A MEMORY”
PINK FLOYD “WISH YOU WERE HERE”
MESSAGE FOR JAPAN
We talk about coming to Japan all the time and hope to see you soon! Thank you for your support!
KORN Embraces The Sound Of Grief, The Abyss Of The Void, And The Balance Between Darkness And Light With Their 13th Record “The Nothing”
THE GRIEF BEHIND “THE NOTHING”
「”The Nothing” は完全に悲嘆と追悼のレコードだよ。嘆きの曲もあれば、怒りの曲もある。全ては俺が経験したことだ。
俺が経験した感情や物事はまるで共謀してレコードの製作を阻んでいるかのようだった。本当に人生で最悪の年だったよ。
計画はなかったよ。青写真もなし。取り乱した男が自分の身に降りかかったただ酷い何かを理解しようとしていたんだ。正直な作品さ。実は妻の2ヶ月前に母も亡くなっているんだよ…。
だから姉以外全ての女性を人生で失っているんだ。俺はいつも音楽制作をセラピーと捉えているんだけど、だからこそ自分の人生を音楽で水に流してしまう必要があったんだ。ソロツアー、”Follow the Leader” の20周年プランが終わると、俺はひたすら音楽を書いて書いて、書きまくったんだよ。」
深淵、暗黒、虚無。その場所こそが “The Nothing” 生誕の地。そしてその場所こそ Jonathan Davis が、妻の Deven Davis を亡くした2018年の8月以来孤独に沈んでいた闇だったのです。
オープナー “The End Begins” でリスナーはそのアビスの淵を覗き込むことになります。「なぜ俺を置いていくんだ？」”終わりの始まり” で聴くことができるのは、Jonathan の嗚咽、絶望、嘆願、そして叫び。レコードのため意図的に作られた感情とは真逆の完全なリアル。”正直な作品” の言葉通り、Jonathan は今回の作品に偽りのない純粋な苦痛を反映させました。
「フェイクなエモーションなんて試したくもなかった。これはファーストテイクなんだよ。俺は時々感情的になりすぎるんだ。もちろん泣きたくなんてなかったよ。だけどそうもいかなくてね。ライブでもそうなることがある。このツアーで何回泣いたか知っているかい？俺はミスターマッチョじゃないんだ。泣きたい時は泣くんだよ。」
これほど彼が、自らに巣食う内なる悪魔を曝け出したアルバムはないでしょう。ギタリスト Brian “Head” Welch も “The Nothing” の制作が究極に直感的だったと認めています。
「Jonathan にとって作詞と作曲はまさにセラピーなんだ。苦しみを音楽と創造性に変えるようなね。彼が昨年経験したのは最悪の出来事としか言いようがないものばかりだった。こんな風に誰かを失うなんてね。だからこそ他のレコードとは別のレベルだと言える。特別で、とても生々しく、究極に本物の作品なんだよ。」
Jonathan は今も喪失と向き合い続けています。「今でも癒しを求めているよ。だけど対処法も学んでいるんだ。ツアーや音楽は俺の避難場所で、逃げ道で、教会なんだよ。確かに楽しいレコードではなかったけど、傑作だと感じている。精神科医に通う代わりに俺には音楽があるんだ。」
ただし、”The End Begins” のバグパイプについては実にポジティブです。「バグパイプは世界最高の楽器さ！とはいえ、全部のアルバムでやりたいって訳じゃない。特別じゃなくなっちゃうからね。だけど “Issues” のレコードを聴いてインスパイアされたんだ。俺が経験した全ての苦しみがこのインタルードに詰まっているよ。」
Jonathan は “The Nothing” の楽曲たちは、全て異なる悲しみのサイクルでステージだと主張しています。
「時間を切り取ったスナップショットみたいな感じだよ。例えば “Cold” は力強く反抗的な曲。苦しみや運命を跳ね返すようなね。一方で “The Darkness is Revealing” は不確かで疑いを抱くような楽曲だよ。つまりこのアルバムは全体が波のように押したり引いたりを繰り返すんだ。小さな、静かな、瞑想的な瞬間は、津波が砂に衝突するような騒々しいコーラスとブレイクダウンに拐われるんだ。 」
その2曲では特に顕著ですが、驚くべきことにこのダークなアルバムでそのメロディーの叙情味、ロマンチシズムは一層輝きを増しています。それはもしかすると、Jonathan がシリアルキラーや幽霊といった “死” の存在に圧倒され、魅了される一面が関連しているのかもしれません。
「俺は確かにダークな世界に魅了されてきた。ただ、年齢を重ねるに連れて “バランス” の重要性に気付き始めたんだ。俺の家ではしょっちゅうおかしな怪奇現象が起きるけど、実際は極めて平和な場所さ。つまり、光と闇の良いバランスが保たれているんだよ。俺にとって平穏とは、その２つが交わる場所にある。」
“Finally Free” は Deven Davis が長き薬物中毒との戦いから解放された安堵と悲痛を込めた葬送歌だと言及したのは James “Munky” Saffer。「中毒と戦った者を知っていれば、もしくは経験したことがあれば、もちろん俺もバンドのメンバーも大抵そうなんだけど、悪魔には贖えないって思う時もあるんだ。彼女は遂に自由になった。だからこのタイトルに決めたんだよ。」
クライマックスは KORN 史上最重とも言える “Idiosyncrasy” で訪れます。「神は俺をバカにしている。奴は笑って見ているんだ。」とそれでも彼が叫び、怒り、絶望を向けるのはしかし虚無に対してだけではなく、むしろ自分自身にでした。
“I failed”。 当然 Jonathan を責める人間など一人もいないでしょう。しかしアルバムにはクローサー “Surrender to Failure” まで、彼の “失敗” を犯してしまったという思いが貫かれています。涙を流しながら不安定に呼吸し、話し、歌い、贖罪の感情をぶちまけます。愛する人を救えなかった、上手くやれなかった。その感覚、トラウマはレコードを支配し、圧倒的な敗北感を植えつけるのです。アルバムが終わる瞬間、嗚咽の後の沈黙がその敗北感を乗り越えた証だとするのは少々希望的観測かもしれませんね。
TWENTY ONE PILOTS も手がける TNSN DVSN が情熱を注いだアートワークも素晴らしく KORN の音楽的感情的カオスと混線を反映していると Brian は語ります。
「沢山のビジュアルアートの中で俺らの目を引いたのが、このギターケーブルか何かのワイヤーのカオスだった。気に入ったと伝えたら、さらに磨きをかけ、ワイヤーで吊られた男はただ敗北し、荒廃しているように見えたんだ。何か大きなものを失えば、大きなトラウマに直面することになる。完璧なアートワークだよ。」
リリースデイトにも実は深い意味が込められています。「13枚目のレコードが13日の金曜日にリリースされる。しかも満月の日で、さらに水星逆行だ。つまり現実的にも比喩的にも、”星が並んで” いるんだよ。」
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH RICHARD HENSHALL OF HAKEN !!
“With The Digital Revolution And The Advent Of Streaming, The Musical Market Has Become Extremely Oversaturated, Which Can Often Make It a Little Overwhelming When Looking For New Music. However I Do Think There’s Wealth Of Great Music Out There If You Dig Deep Enough. I’m Always Hugely Appreciative That Anyone Gives Their Precious Time To Listen To Our Music, Especially Since There’s Some Much Amazing Stuff Out There.”
DISC REVIEW “THE COCOON”
「作曲に関して僕たちは、これがプログなのかメタルなのか考えすぎて特定の方向性へ舵を切ったりはしないようにしているよ。特定の影響に重きを置かないことが重要なんだ。ただ自分たちが聴きたい音楽を書いて、ただ望むのはファンが楽しんでくれることだけなのさ。」
今年の Progressive Music Awards で “UK Band of the Year” を獲得したもはやプログレッシブ世界を代表するバンド HAKEN。精密と重猛の並行世界を実現するプログ最後の希望を牽引するギターヴァーチュオーゾ Richard Henshall は、ソロプロジェクトの船出に “The Cocoon” 実験の “繭” の名を与えました。
Richard が RADIOHEAD を引き合いに出した様に、プログレッシブの言霊が例えばブラックメタル、スラッジ、オルタナティブ、ジャズといった異世界によりフィットするようにも思える現代において、クラッシックなプログの鼓動を21世紀にアップデートする HAKEN のレトロフューチャーな音楽観は実に貴重で尊い孤高です。プログサウンドの海に漂うアンビエント、djent, ソウル、ジャズ、ミニマリズム、シンセポップの漂流物は、音の航海を退屈から程遠い冒険へと導いています。
「ここ何年か、HAKEN は作曲の面で以前よりもメンバー間のコラボレートが増えているんだ。だから “The Cocoon” をリリースする完璧なタイミングに思えたんだよ。」
2013年のマイルストーン “Mountain” を境に、歌詞、そして音楽の面でもコラボレートを進めてきた HAKEN はバンドとして絶対的な完成の域へと達しています。ただし、故に創立者 Richard でさえ、創造物全てを吐き出すことはもはや許されないほどに高潔な存在へと進化したのかもしれませんね。だからこそこの “繭” の羽化は Richard 自身の解放であり、自由な羽ばたきです。
「ピアノは僕が初めて恋に落ちた楽器だし、創造性の解放を求める時しばしば重点を置く楽器でもあるんだよ。同時に、家にあったアコースティックギターでギターの基礎を学んで行ったんだ。」
不穏なピアノの絶景から荒れ狂ポリリズムギターの雪崩へと繭を開くオープナー “Pupa” はプレイヤー、コンポーザーの両面から Richard のユーティリティー性を描写する絶佳の招待状です。
演奏者としてのハイブリッドな才能は続くタイトルトラック “Cocoon” で一層露わになります。「僕は BON IVER や James Blake の大ファンなんだけど、彼らからボコーダーのインスピレーションを得たんだよ。」Richard を歌の地平へと駆り立てたのは、真のプログレッシブを音楽面、テクノロジーの面でも開拓するコンテンポラリーなアーティストでした。
「作曲やレコーディングにおいて、音楽の境界を少しでも広げるなら、僕はモダンなテクノロジーも楽しんで使用しているんだ。」その言葉は CHON のチルグルーヴを帆に受ける “Silken Chains”、アンビエントやエレクトロニカを存分に抱きしめた風光 “Limbo”、hip-hop を咀嚼する “Lunar Room” が証明しています。
同時に “Cocoon” の繭は彼の中の “ジャズ” を開花させました。敬愛する DREAM THEATER のトリッキーで複雑怪奇な遺伝子を受け継ぎながら、Eric Dolphy のサクスフォンで21世紀のプログメタル異常者を演じる Richard の異能、インテンスのダンスは THANK YOU SCIENTIST と肩を並べます。
「僕は別バンド NOVA COLLECTIVE ではよりジャズの方向を目指していて、HAKEN はもちろんプログメタルの領域にあるね。だからこのソロプロジェクトで両方の影響を等しく祝えるのはクールだよね。」
そうして、彼の中のジャズとプログメタルを並列に並べたパラレルワールド “Twisted Shadows” はまさしく現在の Richard を投影した交差する音影だと言えるでしょう。”Djent Reinhardt” よろしくメタルとジャズを交互に繰り出す Richard の両刃は、鍵盤の魔術師 Jordan Rudess のロックなアグレッションとしなやかに同化し未曾有のカタルシスを創出します。さらに HAKEN の盟友 Ross Jennings の憂いを帯びた “ゴキブリ王” の歌唱と LEPROUS を想起させるシンコペーションのリズムを伴った楽曲は、21世紀プログメタルの理想形とも言える多様性と冒険心を具現化していくのです。
David Maxim Micic, Marco Sfogli といったモダンギターヒーロー、新進気鋭 BENT KNEE のメンバー、さらに CYNIC の新ドラマーに任命された Matt Lynch の参加によって、”The Cocoon” が一際強力な現代プログレッシブの怪気炎、目眩く桃源郷となっていることを付け加えて置きましょう。
今回弊誌では、Richard Henshall にインタビューを行うことができました。「僕はいつだって貴重な時間を割いて僕たちの音楽を聴いてくれる誰にでも大きな感謝を捧げているんだよ。だって世界は素晴らしい音楽に充ちていて、その中から選んでくれているんだからね。」 どうぞ！！
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH PHIL RIND OF SACRED REICH !!
“Slayer And Metallica Have Always Been Our Main Musical Influences. I Think They Are Two Of The All-Time Great Metal Bands. The Success The Metallica Has Had Is Mind Blowing!”
DISC REVIEW “AWAKENING”
「SLAYER と METALLICA はいつだって俺らにとってメインの音楽的影響だったね。彼らは全時代のメタルバンドの中でも最も偉大な2つのバンドだと思う。」
オールドスラッシュ復権の年。POSSESSED や DEATH ANGEL, FLOTSAM AND JETSAM, OVERKILL が圧倒的な作品で先陣を切り、EXHORDER, HEATHEN, DARK ANGEL といった古豪の帰還も控える今年のスラッシュワールドは間違いなく高まる期待感と熱情に支配されています。”伝説” と呼ばれたカルトなヒーローたちの同時多発的再臨は、再び押し寄せる鋭利な波の震源地となっているのです。
興味深いことに、永遠の氷河が溶け出すように長い眠りから目覚めたスラッシュの魂は、大半が SLAYER や METALLICA の血脈を直に受け継いだ “第2世代” の英傑でした。中でも、最も復活作が期待されたバンドの一つが SACRED REICH だと言えるでしょう。
80年代初頭から中頃にかけて、アリゾナで “第1世代” の太陽を全身に浴びたヤングガンズは、しかし先達の真似事に終わらない独自の道を模索します。アグレッシブかつダークなデビューフル “Ignorance” からすでに、ベイエリアとは一線を画すハードコアな一面を垣間見せていた彼らは、南米におけるアメリカ帝国主義を痛烈に皮肉った EP “Surf Nicaragua” でその政治性を開花させます。時代の変遷と共に、音楽的にもファンクやグルーヴの領域まで探求した彼らは、以降一貫してその政治的風刺、アメリカンドリームのダークサイドを描き続けたのです。
2000年の活動休止、2006年のリユニオンを経て、MACHINE HEAD を離脱したオリジナルドラマー Dave McClain を加えた SACRED REICH は不死鳥のスピリットで実に23年ぶりとなる復活作 “Awakening” を世に送り出しました。ニカラグアでの波乗りは、30年の時を超えメタルの津波となってリスナーへと襲いかかります。
オープナー “Awakening” で Wiley Arnett のクラッシックかつ独特なシュレッドとリフパンチの少し奇妙な応酬が繰り広げられると世界は SACRED REICH の帰還を確信します。ただし、同時に23年の時が刻んだ変化と進化の証も感じられるはずです。
「大半はポジティブで励ますようなアルバムなんだ。」ボーカル/ベースを兼任し、SACRED REICH の推進力とも言える Phil Rind は、アートワークやレノンへの愛が示すように、長い空白の間チベット仏教に心酔しスピリチュアルな世界の見方を身につけました。憎しみを捨て去り前へと進む断捨離の心は、時に ANTHRAX の Joey Belladonna を想起させるほどメロディックに歌い上げる新たな武装を Phil へと施し、以前よりも飛躍的にワイドなパフォーマンスをその身に宿すこととなったのです。
吐き捨てる叫けびと伸びやかな歌唱のコントラストが際立つ “Divide & Conquer” はその新武装が最も輝く瞬間でしょう。さらに IRON MAIDEN の誇り高きツインリードを受け継いだエピック “Salvation”、スラッシュアタック “Manifest Reality”、バンドの軌跡である PANTERA のグルーヴをモダンに昇華した “Death Valley”、ハードコアパンクとの架け橋 “Revolution” などアルバムは “メタルの領域” において Phil の言葉通り成熟を遂げ実にバラエティーに富んでいます。
もちろん、デビューフルほどの無鉄砲な突進力やエナジーは存在しませんが、きっと同様に年齢を重ね成熟を遂げたリスナーにとって居心地の良い恐怖を運ぶレコードではあるはずです。何より、ここには Phil が最も憧れる METALLICA と同種の耳に絡みつく “危険な” フックが溢れているのですから。併せて百戦錬磨、Dave McClain の華麗なタム回しが作品に素晴らしきアクセントをもたらしていることも付け加えておきましょう。
今回弊誌では Phil Rind にインタビューを行うことが出来ました。「俺は今こそ音楽にとって偉大な時だと思っているし、生きるのに最良の時代さ。」 新鋭 IRON REGAN とのスプリットも躍動感がありましたね。どうぞ！！
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CHRIS BAY OF FREEDOM CALL !!
“We Just Used The Word “Metal“ For This Common Threat. In This Moment We Got This Vision. If All People Around The World Would Be Metal Fans…We Would Have Peace On Earth!”
DISC REVIEW “M.E.T.A.L.”
「今日の世界において全ての元凶の一つは、全員が共通の価値観やバランスの上で生きていないことなんだ。異なる興味、宗教間の行き違い、そして政治家は金の亡者さ。だから僕たちは “メタル” という言葉を共通点に提案したんだ。もし世界中全ての人たちがメタルファンだったら…きっと世界に平和をもたらすことができるはずさ。」
白砂糖に蜜を敷きつめたウルトラブライトなメロディー、劇画的王道ファンタジーな世界観、そしてディフォルメを加えたユーモアの精神。FREEDOM CALL は自らが掲げる “ハッピーメタル” のクルセイダーとして20年ものキャリアを積み上げてきました。
十字軍の魔法は、マスターマインド Chris Bay の演奏者、メロディーメイカー、そしてプロデューサーとしての卓越した能力を三叉撃として発動しています。
例えば SAXON 中期の快作 “Metalhead” のキーボードを聴けば Chris のマルチな才能と音算能力が伝わるはずです。さらに、根からはオールドスクールを、葉脈からはコンテンポラリーを吸収したポップの大樹 “Chasing the Sun” で花開いた光の音の葉は、メロディーの騎士に相応しい壮麗と華美を誇っていたのですから。
「”車輪の再発明” を行うつもりはないんだよ。音楽において最も重要な部分は、リスナーを心地よくすることなんだから。例え1人でも FREEDOM CALL の楽曲を聴いて幸せになってくれる人がいるなら、僕は完全に満足なんだ。」
ポジティブに振り切れたハッピーメタルの真髄は全てがこの言葉に集約しています。メタルをただキャッチーの極みへと誘う Chris の大願は、そうして10枚目の記念碑 “M.E.T.A.L.” で完璧に実現へ至ることとなりました。
メタルの数字である “666” を敢えて避け、エンジェルナンバー “111” をタイトルへと掲げたメタルとゴスペルの白き調和 “111 – The Number of the Angels” で FREEDOM CALL はリスナーを “ハッピーメタル” の領域へと巧みに誘い込みます。
記念碑としてリアルなメタルアルバムを目指した作品において、タイトルトラック “M.E.T.A.L.” はまさにメタルの予想可能性、完成された様式を現代的に具現化した楽曲でしょう。Brian May の遺伝子を引き継いだギターの魔法はクラッシックな隠し味。実際、「新曲を全部シンガロングするのが聴きたいね。」 という Chris の言葉は伊達ではありません。一聴しただけで全て口ずさみたくなるほど、”M.E.T.A.L.” の “11” 曲は突き抜けてキャッチー&ハッピーです。
ただし、人生を変えたアルバムに ELP, SUPERTRAMP が含まれていることからも、楽曲の豊富なバラエティーやフックが他の平面的なメタルレコードとは異なることが伝わるはずです。「ただメタルを書いて生み出し続ける “メタルマシーン” みたいにはなりたくないからね。」 “Sail Away” を筆頭に、キーボードやシンセサイザーのエフェクトが醸し出す音の風景も時に神々しい奇跡、無類のドラマを演出します。
そして何より、ソロアルバムの影響は絶大でした。”The Ace of the Unicorn” などは特に顕著ですが、「おそらく、両方の感覚があるんだろうな。僕は間違いなくオールドスクールなソングライターなんだけど、同時にモダンな音楽にも合わせていこうとしているからね。」 の言葉が示す通り、メンバーの変遷と共に再生を果たした FREEDOM CALL のポップセンスはモダンにアップデートされていて、典型的なロック/メタルのイヤーキャンディーにメインストリームの計算された洗練を巧みに練り込んでいるのです。
もちろん、FREEDOM CALL に宿る “光” の正体とは、”Keeper” を継ぐ者の使命であるメジャーキー、メジャーコードの完璧なる支配でしょう。陽光と哀愁のコントラストこそドイツの誇り。ダーク&シンフォニックに統一された前作 “Master of Light” はむしろ異端でした。しかしそれ以上にコンテンポラリーな音の葉までも抱きしめるポジティブなスピリットこそが核心なのかもしれませんね。
それにしても、FREEDOM CALL 然り、MAJESTICA 然り、FROZEN CROWN 然り、GLORYHAMMER 然り、TWILIGHT FORCE 然り、今年は推進力と旋律の二重奏が革命的なメロディックパワーメタルの快作が多数降臨していますね。
今回弊誌では、Chris Bay にインタビューを行うことが出来ました。「僕たちは “ハッピーメタル” の十字軍で、自らが光の…マスターなんだから。」どうぞ！！
