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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SKELETONWITCH : DEVOURING RADIANT LIGHT】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SCOTT HEDRICK OF SKELETONWITCH !!

“Any Time My Writing Wanders Near The Territory Of “Ambient” Or “Cinematic”, Ryuichi Sakomoto Is Going To Be An Influence.”

DISC REVIEW “DEVOURING RADIANT LIGHT”

ブラックメタル、メロディックデスメタルを獰猛な原衝動、スラッシュメタルに奉呈し、”ブラッケンド-スラッシュ” の峻路を切り拓くオハイオの妖魔 SKELETONWITCH。
バンドの発するクリエイティブな変幻の瘴気は、メタル伏魔殿の魑魅魍魎を遥かな幽境へと誘います。
2004年からエピカルなメロディーと凶猛な響骨を混交し、エクストリームメタルの超克を多様に牽引し続ける変異体は、2014年にキャリアの重大な分岐点を迎えました。
アルコールの乱用を要因とする素行の悪化に堪え兼ねたバンドが、ボーカリスト Chance Garnette を解雇したのです。ギタリスト Nate の兄弟でもある創立メンバーが引き起こした問題は、徐々に存在感を増しつつあった SKELETONWITCH に暗い影を落とすかのようにも思われました。
しかし、元 VEIL OF MAYA、現 WOLVHAMMER のフロントマン Adam Clemans を迎え入れた彼らは、アトモスフェリックなブラックメタル、アンビエント、プログレッシブなどその多様性を一際研ぎ澄まし、地殻変動に端を発するネクストレベルのクリエイティビティーへと到達することになったのです。
バンドのロゴやアートワークの方向性まで変更しリリースした “Devouring Radiant Light” は、実際 “再発明” のレコードです。
アルバムオープナー “Fen of Shadows” は過去へのレクイエムにして未来へのファンファーレ。バンドのトレードマーク、クラッシックメタルのフックやメロデスのメランコリーは確かに耳孔の奥へと沈み行き、一方で幾重にもレイヤーされたポストブラックのギターオーケストラ、中盤の荘厳なるアトモスフィア、そしてプログレッシブなグランドデザインは破天荒な背教者をレコードへと招き入れるのです。
事実、「アルバムには大きく分けて二つのスタイルが存在していると思う。」と Scott は語ります。そして Nate は直線的でスラッシー、Scott は重厚でプログレッシブ。コンポジションの棲み分けを念頭に置けば、”Devouring Radiant Light” は Scott の遺伝子をより多く受け継いだ麒麟児の光明だと言えるでしょう。
切迫するトレモロの嗎とブラストの喧騒でダーク&メロディックなブラックメタルの深淵を探求する “Temple of the Sun”、PALLBEARER や MASTODON のキャッチーなドゥーム/スラッジにも共鳴するエピック “The Vault” と拡大を続ける SKELETONWITCH の魔境。
Kurt Ballou, Fredrik Nordstorm のドリームチーム、さらに JOB FOR A COWBOY, BEHEMOTH との仕事で知られるゲストドラマー Jon Rice の推進力もサウンドの深化に華を添えます。
中でも “最もバンドの進化を示している” と語るタイトルトラック “Devouring Radiant Light” は文字通り熾烈な光彩。NEUROSIS, ULVER, OPETH, さらにはカスカディアンブラックの陰影と実験性までも胸いっぱいに吸い込んだブラッケンド-スラッシュの革新的な波動は、光と闇のダイナミズムを携えながらエモーショナルなダンスを踊るのです。
“Sacred Soil” は作品の終幕、結論に相応しきインテンスの断末魔。エレガントなハーモニーとブルータルなリズムのカコフォニーは魔女の帰還と新たな旅路を祝う地下室の祝祭なのかもしれませんね。
今回弊誌では、ギターチームの片翼 Scott Hedrick にインタビューを行うことが出来ました。「坂本龍一氏はまさに僕の作曲面に多大な影響を与えているんだよ。」どうぞ！！

SKELETONWITCH “DEVOURING RADIANT LIGHT” : 9.9/10

INTERVIEW WITH SCOTT HEDRICK

PHOTO BY DANNY KOTTER
Q1: First of all, your former vocalist Chance Garnette had been fired from the band due to alcohol abuse. Off course, he is Nate’s brother. So, it was really tough, difficult decision, right?

【SCOTT】: To be completely honest it was not a difficult decision at all. It was sad, to be sure, but the decision was ultimately made by Chance’s own actions. His behavior crossed a moral line for me that he can never come back from. It’s so much more than a substance abuse problem. I suggest you, and your readers, read this recent article that goes a bit more in depth about the situation: https://pitchfork.com/thepitch/the-skeletonwitch-story-a-metal-band-kicks-out-abusive-singer-and-comes-back-stronger/ .

Q1: 前ボーカリスト Chance Garnette はアルコールの問題からバンドを解雇されたそうですね？
彼は今も重要なメンバーである Nate の兄弟ですし、タフな決断だったのではないですか？

【SCOTT】: 完全に正直になるけど、全く難しい決断ではなかったんだよ。もちろん、悲しかったけどね。だけどあの決断は究極的には Chance 自身の行動が引き金となった訳さ。
彼の振る舞いは、僕の常識のラインを超えてしまっていたし、だからバンドに復帰することはないんだよ。
まあどちらかと言えば、アルコール中毒、乱用の問題だったね。Pitchfork の記事 により深くその状況が記されているから、読んでみて欲しいな。

Q2: You chose Adam Clemans for new singer. He is known as member of ex-Veil of Maya, and Wolvhammer. What did you like him?

【SCOTT】: It was an easy decision. We toured with both Veil of Maya and Wolvhammer so we already knew that Adam was a killer vocalist and a great guy. We get along wonderfully and his intense, blacker style is more suited to the new musical direction of the band.

Q2: 後任には、元 VEIL OF MAYA, 現 WOLVHAMMER の Adam Clemans が選ばれましたね？

【SCOTT】: これは簡単な選択だったね。僕たちは VEIL OF MAYA とも WOLVHAMMER ともツアーの経験があったから、彼が傑出したボーカリストであることは分かっていたのさ。それに素晴らしい人物だってこともね。
僕たちは今、とても上手くやっているし、彼のインテンス、そしてよりブラックメタルに接近したスタイルはバンドの新たな方向性にも非常にフィットしているんだよ。

Q3: Definitely, in “Devouring Radiant Light”, Skeletonwitch began to push into new sonic boundaries. This is the darkest, deepest record that the band has made to date, and classic, past Skeletonwitch sounds are decreased. Do you agree that?

【SCOTT】: I do agree with that. As Evan, our bassist, likes to say, “punks grow up.” I’m personally quite bored with most thrash/death metal these days. It’s not to say that there aren’t good bands in those respective genres, but, in large part, those genres are littered with clones of old bands and the aesthetic tropes that are unbelievably tired to me at this point. I’m not the same person I was when we started this band and the music reflects that.

Q3: 仰るように、バンドは最新作 “Devouring Radiant Light” で間違いなく新たな領域を開拓しましたね？最も深くダークな作品で、過去の特徴は減退しています。

【SCOTT】: その通りだよ。ベーシスト Evan の言葉を借りれば、”パンクスが大人になった” ような感じかな。
個人的に僕は、近年のほとんどのスラッシュやデスメタルにすっかり退屈していたんだ。もちろん、このジャンルに敬意を払っているし、良いバンドが居ないなんて言いたい訳じゃないよ。だけどこういったジャンルの大部分は、過去のバンドの焼き直し、クローンで、僕はそういった審美眼に纏わるあやにすっかり疲れ切ってしまっていたんだ。
つまり、僕はこのバンドを始めた頃と全く同じ人物ではないからね。成長を遂げているし、それが音楽にも反映された訳さ。

Q4: “Atomospheric Black metal” is one of the key to “Devouring Radiant Light”. Some listeners, critics says it’s fresh, one and only “Blackened-Thrash” record. What’s your perspective about that?

【SCOTT】: If you have to put a label on it, it’s certainly more black than anything else we’ve done up to this point. There are 2 major writing styles at play here. Nate tends to write linear, chromatic, thrash-y songs. The old-school sound and tough stomp riffs are his doing. The longer, layered more melodic, “proggy” stuff is my doing. All the old-school thrash heads that hate our new direction? Well……that’s my fault. hahaha. I’m not sorry.

Q4: “Devouring Radiant Light” を紐解く上で、アトモスフェリックなブラックメタルは確実にキーワードの一つですよね？
前代未聞の “ブラッケンド-スラッシュ” などと称されたりもしています。

【SCOTT】: もしこの作品に何らかのレッテルを貼るとすれば、間違いなく今まで僕たちがやって来たどの音楽よりも、ブラックメタルに接近しているのは確かだね。
アルバムには大きく分けて二つのスタイルが存在していると思う。Nate はどちらかというと直線的でクロマティック、スラッシーな楽曲を書く傾向があるね。オールドスクールなサウンドとタフで激しいリフワークが彼の持ち味だね。
一方で、長く、レイヤーを重ねて、よりメロディック。つまり “プロギー” な素材は僕のものだよ。
さて、全てのオールドスクールスラッシュファンがバンドの新たな方向性を嫌っているって？それならば僕の責任だよね (笑) ごめんね！

Q5: Title track and “Sacred Soil” are sometimes really beautiful and atmospheric. It can be said even cinematic, ambient. It seems you are into Japanese composer Ryuichi Sakamoto, right? Is there his influence?

【SCOTT】: Whoa!! You kind of blew my mind with that. Best question of this entire album cycle! Sakomoto, indeed, is a massive influence on my writing even if it’s not always apparent. Any time my writing wanders near the territory of “ambient” or “cinematic” Sakomoto is going to be an influence. The other major influence, especially for the bridge in “Sacred Soil”, is Popol Vuh. One of my favorite bands of all time.

Q5: タイトルトラックや “Sacred Soil” は特に美しくアトモスフェリックな表情を宿します。シネマティックでアンビエントと言えるほどに。
あなたは坂本龍一氏に大きな影響を受けているそうですが、彼の影響が反映されているようにも思えます。

【SCOTT】: マジで？！この質問にはぶっ飛んだよ！今回のアルバムに対するインタビューの中で最高の質問だね！坂本龍一氏はまさに僕の作曲面に多大な影響を与えているんだよ。常に表層化しているとは限らないにしてもね。
ただ、僕のライティングがアンビエントとかシネマティックの領域に近く時は、間違いなく坂本龍一氏が影響としてある訳だよ。あとは大きな影響として、特に “Sacred Soil” のブリッジなんかは POPOL VUH だね。僕の最も好きなバンドの一つだよ。

Q6: Maybe, your first single “Fen of Shadows” is the most “proggy” song in your works. It’s kind of milestone that you become really eclectic band, I think. Do you agree that?

【SCOTT】: I think the title track is our furthest departure, sonically speaking. But “Fen” is a great example of the current sound of Skeletonwitch: a massive amount of layered guitars, copious melodies, classic song construction (as opposed to linear, in the past) and a bit of ambience. And it’s rather long, as my songs tend to be.

Q6: ファーストシングル “Fen of Shadows” は実に “プロギー” でバンドの多様性を証明するマイルストーンとなりましたね？

【SCOTT】: 僕は音楽的には、タイトルトラックが最もバンドの進化を示していると思うんだ。だけど、”Fen of Shadows” も現在の SKELETONWITCH のサウンドを表す素晴らしい例だと思うね。
何重にも重ねられたマッシブなギター、夥しいメロディー、過去のストレートな作曲とは真逆のクラッシックな楽曲構成、そして少しのアンビエンス。これまでの楽曲よりも長くなってもいるよね。

Q7: So, did Kurt Ballou and Fredrik Nordstrom help you to improve this record? It’s Really gorgeous, dream sound team, right?

【SCOTT】: Absolutely! I can’t think of two better individuals to work on the sonics of a metal record. It’s ridiculous!! Like all Skeletonwitch records, we entered the studio with the material written. So there weren’t many, if any, compositional changes. But those two really molded the overall sound of the record. We worked with Kurt on “Serpents” and going back provided a foundation/familiarity that enabled us to stretch out our sound, experiment, and take some risks.

Q7: そして Kurt Ballou, Fredrik Nordstorm のサウンドチームはまさにドリームチームでしたね？

【SCOTT】: まさにね！メタルレコードを作る上で、彼ら2人以上の人物は考えられないね。最高だよ！
全ての SKELETONWITCH の作品と同様に、僕たちは作曲を終わらせてからスタジオに入ったんだ。だからライティングプロセスの変更自体は、そんなに多くはなかったんだけどね。だけど彼ら2人こそがレコード全体のサウンドを構築したと言っても過言ではないね。
Kurt とは “Serpents Unleashed” でも一緒に働いていたから彼とのやり方は分かっていたし、親密であったからこそサウンドを拡大し、実験し、リスクを犯すことが可能だったんだよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED SCOTT’S LIFE

PHAROAH SANDERS “KARMA”

PETER GABRIEL “PETER GABRIEL”

POPOL VUH “EINSJAGER UND SIEBENJAGER”

NICK CAVE AND THE BAD SEEDS (I CAN’T CHOOSE JUST ONE!)

KEITH JARRETT “THE KOLN CONCERT”

 

MESSAGE FOR JAPAN

Arigatou Gozaimasu!! I really hope Skeletonwitch has the opportunity to tour Japan some day!

ありがとうございます！！いつか SKELETONWITCH が日本でプレイ出来るよう本当に望むよ！

SCOTT HEDRICK

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NIGHT VERSES : FROM THE GALLERY OF SLEEP】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH REILLY HERRERA OF NIGHT VERSES !!

“Diversity Is Definitely Key For Us, And We Don’t Ever Want To Overdo Or Repeat Anything More Than Necessary. “

DISC REVIEW “FROM THE GALLERY OF SLEEP”

プログメタルのサルバドール・ダリが草創せし夢幻画廊。ファンタジーとリアリティー、テクニックとアトモスフィア、モダンとオーガニックのダイナミズムを、”夢” という自由な空想世界で交差させる無言の詩聖はインストゥルメンタルミュージックのドラスティックな再構築を試みています。
例えば Tilian Pearson を失った TIDES OF MAN が、故に音に語らせる創意工夫を磨き上げポストロックの妙手となったように、詩人の喪失は時に音楽それ自体の革新を誘います。そして急遽リードボーカル Douglas Robinson がバンドを離れることとなった NIGHT VERSES も同様に、彼の遺した “スペース” を埋めるチャレンジの中で一際精華な創造の翼を得ることとなったのです。
RED HOT CHILI PEPPERS, TOOL, RAGE AGAINST THE MACHINE、そして近年では INTRONAUT とある種独創性を追求したアートの都 L.A. で、NIGHT VERSES の資質が育まれたのは必然なのかも知れませんね。
実際、ポストロックのソニカルな音景とハイパーテクニカルな Djent の相反をオーガニックに融解し、ダウンテンポのエレクトロニカを織り込む前人未到のドリームスケープは、超現実的なダリのシュルレアリスムにも通じる倒錯と魅惑のアートです。
フルブラストで幕を開ける夢への廻廊 “Copper Wasp” こそ “From the Gallery of Sleep” への強烈なインビテーション。多彩なリムショットやハイハットの魔術で複雑怪奇なポリリズムを支配する Aric のドラム劇場は、Nick の雄弁なギターワークと Reilly のアグレッシブなベースサウンドの独壇場。
ANIMALS AS LEADERS を想起させるファストでメカニカルな衝動から、RUSSIAN CIRCLES の重厚荘厳なグルーヴ、そして TYCHO の瑞々しいアンビエントまで自在に操る弦楽隊のテクニック、創造性はあまりに気高く孤高。
さらにサンプリングやエレクトロサウンドを加えて完成に導いたエクレクティックモンスターは、”夢” という自由な空間に花開いた崇高のアート、対比とダイナミズムのエキサイティングな奇跡に違いありませんね。
フレーズ、モチーフの巧みなリピートで、奇抜なテーマを鮮やかに印象付ける独特の手法は “Trading Shadows”, “Vice Wave” でより際立ちます。実際、「異なる音楽的な要素、アートをミックスして僕たちが伝えたい感情を具現化することこそ最も重要なことなんだ。歌詞というガイドがなくなったからね。」とインタビューで語るように、言葉を失った詩人は試行錯誤を経て、その感情を以前よりもビビッドに雄弁にリスナーのスピリットへと届けているのです。
バンドはそこからさらに多様性の扉を開き探求していきます。
パーカッシブでトライバルな “Vantablonde”、ポストロックの壮麗なサウンドスケープを掘り下げた “Lira”、hip-hop のグルーブに照らされた鮮烈のシュレッド “No Moon”、静謐な美しきアコースティックのレリーフ “Harmonic Sleep Engine”。
そうしてその全ての多様性、創造性はギターペダルの可能性を極限まで追求したプログレッシブで trip-hop なエピック “Phoenix IV: Levitation” へと集束していくのです。
アルバムは、幽玄なる白昼夢 “Infinite Beach” で TYCHO や BONOBO の理想とも深くシンクロしながら、メランコリックにノスタルジックにその幕を閉じました。
今回弊誌では、ベースプレイヤー Reilly Herrera にインタビューを行うことが出来ました。ちなみにドラマー Aric は絶賛売り出し中 THE FEVER 333 のメンバーでもあります。
Instru-Metal の最新形こそ彼ら。「”多様性” は間違いなく僕たちにとって鍵だと言えるね。これまでも同じことをやり過ぎたり、必要以上に繰り返したりすることを望んだりはしなかったからね。」どうぞ！！

NIGHT VERSES “FROM THE GALLERY OF SLEEP” : 10/10

INTERVIEW WITH REILLY HERRERA

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about yourself and band itself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【REILLY】: My name is Reilly Herrera and I play bass in Night Verses. We’ve been playing together for over 15 years, but under the name Night Verses since 2012. From The Gallery Of Sleep is our first full length instrumental record and came out earlier this Summer on Equal Vision Records.
Nick, Aric and I all grew up listening to different music to be honest – as kids it varied for each us from Tool to New-Wave to old school Punk. We all had more similar tastes when we were teenagers, and that’s when we started writing music together. It’s still that same way today and I think that helps keep it fresh for each of us – the spot where all our tastes converge into one sound.

Q1: 本誌初登場です！まずはあなたの音楽的なバックグラウンドから聞かせていただけますか？

【REILLY】: 僕は Reilly Herrera。NIGHT VERSES でベースを担当しているよ。僕たちはもう15年も一緒にプレイしているんだ。だけど NIGHT VERSES という名前になったのは 2012年からだね。
“From The Gallery Of Sleep” は僕たちにとって初めてのインストゥルメンタルレコードさ。初夏に Equal Vision Records からリリースされたよ。
正直に言って、Nick, Aric そして僕は子供の頃、全員が異なるタイプの音楽を聴いて育ったね。それこそ TOOL からニューウェーブ、オールドスクールなパンクまで色々だったよ。ただ、10代になるとそれぞれの嗜好が似通ってきて、それで音楽を一緒に作り始めたんだ。
三者三様の音楽のテイストは今日でも変わっていないし、だからお互いに新鮮でいられるんだと思うな。全員のテイストが一つの場所、サウンドへと集束していくんだよ。

Q2: What inspired you to start playing bass guitar? Who was your musical hero at that time?

【REILLY】: I initially started playing guitar but I’ve always been enamored with music in general. I switched to Bass about 10 – 11 years ago out of necessity. We couldn’t find anyone else we wanted to play with us and Nick and I were both playing guitar. The way we started writing then was the beginning of what became Night Verses, and it was a real natural switch. As a bassist – Justin Chancellor, Jeff Caxide, Victor Wooten, and Matt Freeman were the first heavy influences that came to mind.

Q2: ベースを始めたきっかけ、当時のヒーローについて教えてください。

【REILLY】: 僕は最初ギターを始めたんだ。ただ、僕はいつだってテクニックよりも音楽それ自体に魅了されて来たんだよ。ベースにスイッチしたのは10年か11年くらい前かな。必要に迫られてね。
その頃、僕たちはなかなか一緒にプレイしたい人物を見つけられずにいたんだ。Nick と僕が2人ともギターをプレイしていて、だから僕がベースを弾くことにしたんだよ。そうやって作曲を始めたのが NIGHT VERSES の幕開けとなったね。とても自然なスイッチだったよ。
ベーシストとしては、Justin Chancellor, Jeff Caxide, Victor Wooten, Matt Freeman が最初に大きな影響をもたらした人たちだよ。

Q3: The unity of you three seems to be very strong, isn’t it?

【REILLY】: Yes. Essentially we were the only ones left who kept writing music together relentlessly through-out the years. So, influence-wise, I comes from a punk and emo (first wave) background, Nick has this endless obsession with anything heavy and Aric spend most of his time listening to anything from trip-hop to 80s post-punk. I think progressive rock and metal were the only two genres we all shared an interest in throughout the years.

Q3: バンドに残った3人の絆はとても強固なようですね?

【REILLY】: そうだね。重要なのは僕たち3人だけがバンドに残り、何年も徹底的に音楽を作り続けているということだよ。
普段僕はパンクやエモのファーストウェーブ、Nick はヘヴィーなものなら何でも、Aric は大抵トリップホップや80年代のポストパンクを聴いているね。だからプログロックとメタルが唯一僕たちが何年も興味を共有しているジャンルなんだ。

Q4: So, it was big surprise that Douglas left the band, and you decided to become an instrumental band. We think it’s drastic move, but was that change natural for you?

【REILLY】: It was a drastic move from an outside perspective but for all of us it actually was very natural and neutral. Douglas leaving was completely mutual and we had already composed most of our music prior to him writing vocals in the past. It was difficult filling all the space where Douglas would normally be singing, but that was the whole point of deciding to continue on as an instrumental band.

Q4: 仰るように、ボーカリストであった Douglas がバンドを離れましたね。そこからインストゥルメンタルミュージックへの移行はドラスティックにも思えますが、バンドにとっては自然だったのでしょうか？

【REILLY】: 確かにバンドの外から見ればドラスティックな移行だろうけど、僕たち全員にとっては実に自然でニュートラルな変化だったんだよ。
完全にお互いが納得して Douglas はバンドを離れたんだけど、その時点で僕たちはすでに彼がボーカルを入れる事を想定してアルバムの楽曲をほとんど書き終えていたんだ。
通常なら Douglas が歌っているはずのスペースを全て埋めるのは難しかったね。だけどその試みこそが、インストゥルメンタルバンドとして続けることを決めたきっかけになったのさ。

Q5: What made you choose “From the Gallery of Sleep” as a title of your new begging record?

【REILLY】: It’s a kind of written way to represent the albums’ theme – encompassing dream states and the idea of exploring different states of consciousness etc… The title is a example of how we wanted to channel those feelings as any artistic representation of that possible – song titles, album title, samples, and artwork, for example.

Q5: “From the Gallery of Sleep” というタイトルが意味するところを教えていただけますか？

【REILLY】: From the Gallery of Sleep” というタイトルはアルバムのテーマを反映しているんだ。言ってみれは、夢の状態をもたらし、異なる意識を探求するアイデアなんかだね。
このタイトルは、僕たちがそういった感情に、出来るだけアーティスティックな表現方法で繋がろうとした結果の一つを表しているのさ。楽曲のタイトル、楽曲毎に語られるサンプリングボイス、アートワークなどと同様にね。

Q6: Musically, “From the Gallery of Sleep” is perfect art for me. It’s really beautiful, dynamic, intelligent, and eclectic. Definitely, Cult of Luna, Russian Circles, Animals As Leaders, Tool, Brian Eno, and many other elements are mixed very unique your own way. Do you think such a diversity is “Key” of this record?

【REILLY】: Thank you so much for such a compliment. The fact that you listened that closely and were able to pull out those references is very flattering and means a lot. Diversity is definitely key for us, and we don’t ever want to overdo or repeat anything more than necessary. We love writing music and constantly getting new influences and finding ways to implement them. Thanks again, and I think the diversity you mentioned is a testament to us constantly looking for different elements to bring into our art in general.

Q6: 音楽的にアルバムは、CULT OF LUNA, RUSSIAN CIRCLES から ANIMALS AS LEADERS, TOOL, TYCHO  に Brian Eno まで内包し融解させたユニークで完璧なアートだと感じます。
“多様性” という単語は一つのキーワードでしょうか？

【REILLY】: ありがとう！君がそうやって熱心に聴いてくれて、影響の一つ一つを発見してくれたのは実に嬉しいし、大きな意味があるよ。
“多様性” は間違いなく僕たちにとって鍵だと言えるね。これまでも同じことをやり過ぎたり、必要以上に繰り返したりすることを望んだりはしなかったからね。
僕たちは音楽を書くこと、そして新たな影響をコンスタントに取り入れながら楽曲に活かしていくのが好きなんだ。
だから君が多様性に触れてくれたのは本当に嬉しいし、僕たちがアートの中にいつも異なる要素を持ち込んでいることの証拠でもあると思う。

Q7: Regarding eclectic, the contrasts between Prog and Post-rock, Tech and Atmosphere, Fast and Slow, Modern and Organic are really stand out in this record. In other words, Djent and Post-rock are really worn-out methods, but once they are mixed, it becomes very new to me. Did you intend that when you were writing the album?

【REILLY】: It’s never our intent to sound like something else, even one genre in particular. I understand how certain parts can lean towards a certain genre but mixing different elements of music, art and general feelings we want to convey is the most important thing to us. That part is definitely intended, especially since we switched to being an instrumental band as there is no exact lyrical guide for anyone to follow.
The hard part about music today is people want to understand you right away. They want to sum you up based off of your name, artwork and the first 30 seconds of the first song they hear. So it’s weird being an instrumental act because there are such specific factions. So we are kinda just floating between right now, excited to see what types of music listeners connect with this new record.

Q7: さらにその “多様性” を掘り下げますが、テクニックとアトモスフィア、ファストとスロウ、モダンとオーガニックなど対比が生み出すダイナミズムも作品では際立っていますね。言い換えれば、Djent や Post-rock といったある種使い古されたメソッドも、融合させることで新鮮に聞こえます。

【REILLY】: 僕たちは意図して何かのようなサウンドを狙うことはないし、特別なジャンルに拘りもないよ。確かにある特定のジャンルのように聴こえるパートがあるのは理解しているんだけど、異なる音楽的な要素、アートをミックスして僕たちが伝えたい感情を具現化することこそ最も重要なことなんだ。
この部分は本当に大事なんだよ。なぜなら僕たちはインストゥルメンタルバンドへ移行し、リスナーがフォローする歌詞というガイドがなくなった訳だからね。
今日の音楽シーンで難しいのは、リスナーがすぐにバンドを理解した気になることだろうね。アートワーク、バンド名、そしてアルバムの最初の楽曲の最初の30秒で要約し理解しようとする訳さ。だから多様な僕たちはある意味捻くれているよね。まあだから、今はどんなタイプのリスナーがこのアルバムと繋がってくれるのか楽しみにしている部分もあるんだけどね。

Q8: Maybe, Trip-hop, Electronic, and movie soundtracks also become inspiration of “From the Gallery of Sleep”. So, how about Japanese video game soundtracks?

【REILLY】: We’d love to! Have them contact us if you know who to talk to, haha.

Q8: Trip-hop やエレクトロニカもアルバムを彩る重要なファクターですが、例えば日本のゲームミュージックなどはインスピレーションになりましたか？

【REILLY】: というかぜひゲームのサントラを作ってみたいね！興味がある人はぜひコンタクトをとってみて！(笑)

FIVE ALBUMS THAT CHANGED REILLY’S LIFE

AT THE DRIVE-IN “RELATIONSHIP OF COMMAND”

THE LAWRENCE ARMS “OH, CALCUTTA”

ELLIOTT SMITH “ROMAN CANDLE”

TOOL “LATERALUS”

FELA KUTI “BEST OF THE BLACK PRESIDENT”

MESSAGE FOR JAPAN

Night Verses loves you, Japan!

NIGHT VERSES は日本が大好きだよ！

REILLY HERRERA

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MICHAEL ROMEO (SYMPHONY X) : WAR OF THE WORLDS / PT.1】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MICHAEL ROMEO OF SYMPHONY X !!

“I’ll Take a Great Song Over Anything Else. The Technique And All That Stuff Is Fine, But Using It In a Tasteful And Musical Way Is What Is Important. “

DISC REVIEW “WAR OF THE WORLDS / PT.1”

Michael Romeo は自己超克を命題に刻む、ストイックなギターウィザードです。一定のスタイルを確立した後、そのクオリティーを安住の地とするプレイヤーが多い中、SYMPHONY X のマスターマインドはイノベーションを続けます。
90年代初頭、Yngwie Malmsteen と John Petrucci のハイブリッドとしてシーンに登壇した Michael は、プログメタル第ニの波にシンクロした SYMPHONY X 共々着実にその地位を築いて行きました。
PANTERA の獰猛かつ理知的なリフエージを自らのファンタジーへと取り込んだ “The Divine Wings of Tragedy” は序章にしてエレガントなマイルストーン。”ユリシーズ” をテーマにシンフォニックな24分の大曲をリリカルに演じる “The Odyssey”、そして TOOL や DISTURBED のコンテンポラリーで数学的なリフロマンスが冴え渡る “Paradise Lost”。
「僕にとっては、異なることに挑戦したり、新しく興味深い何かを創造したりといったことの方が大きな意味があるんだよ。」と語る通り、Michael は SYMPHONY X を通してその豊潤なビジョンと、アップデートを重ねた先鋭なる時代性を表現して来たのです。
94年に、今は亡きゼロ・コーポレーションからリリースしたクラシカルな “The Dark Chapter” をノーカウントとしてソロデビュー作の肩書きを得た “War of the Worlds/Pt.1” は、まさにそのビビッドな開拓的スピリットを体現した作品だと言えるでしょう。
インタビューで、「僕はこのアルバムでメタルに映画音楽の要素をミックスしたかったんだ。」 と語ったように、実際 “War of the Worlds/Pt.1” こそが、チャレンジングかつ前人未到のオーケストラルなシネマティックメタルであることは明らかです。
もちろん、RHAPSODY のようにクラッシックや民族音楽を、オーケストラルにメタルファンタジーへと落とし込む手法はこれまでもありました。しかし、Bernard Hermann や John Williams, Hans Zimmer といった、コンテンポラリーなシネマミュージックの息吹を濃厚に抱きしめる Michael の手法と慧眼は、近年の多様でカラフルなモダンメタルレボリューションの中でも際立っていますね。
アルバムを通して奏でられる印象的なテーマ、モチーフを内包した、ダークで荘厳な “Introduction” はスターウォーズメタルのファンファーレ。アルバムのテーマは “Conflict” “紛争”。”彼ら” と “私たち”、立場、人種、種族、生い立ち、様々な違いにより争いを余儀なくされる無慈悲なドラマはそうしてオーケストラルにその幕を上げます。
刹那、プログメタルのカタルシスを満載した “Fear of the Unknown” が鳴り響くと、リスナーは慣れ親しんだ “X のシンフォニー” に酔いしれるでしょう。ただし、Russell Allen に比べてよりデリケートでメロディックな Rick Castellano のボーカルアプローチは喝采と共に新鮮に映るはずです。
よりシリアスで陰鬱な領域を探求する “Black” はスターウォーズメタルの象徴かもしれませんね。壮大なオーケストレーションとギターの共闘で迫り来る闇を表現したイントロから、ファストにイマジネーティブに畳み掛けるメタルの牙はあまりにスリリング。
さらに、EDM/dubstep を大胆にそのメタルオーケストラへと導入した “Fucking Robots” は創造性と享楽の両面からアルバムのハイライトと言えるかも知れません。プログメタル、オーケストラ、EDM が三位一体となり、ビッグでキャッチーなコーラスを伴いながら畳み掛けるそのインパクトはまさに圧巻のトライデント。
シンフォニックなインタルードでシームレスに繋がり映画の体をしたアルバムは、オリエンタルトライバルな “Djinn”、胸を打つ壮大なパワーバラード “Believe”、TOOL のメソッドをメロディックメタルに封入した”Oblivion” と、いくつかのモチーフを音楽的に拡大し、オーケストラとメタルのシンクロ度をさらに高めながらエピックな世界を創り上げて行くのです。
そうしてアルバムは、”Constellations” で二者を完璧なまでに融合し、その幕を閉じました。
ARK, Yngwie との仕事で知られる達人 John Macaluso, 実は同じ学校に通っていたというBLSの John JD DeServio のオールスターキャストもファンにはたまりませんね。今回弊誌では、マエストロ Michael Romeo にインタビューを行うことが出来ました。「テクニックとか、ギターに纏わる様々な事柄も良いけど、それを絶妙に、音楽的な方法で使用することこそ重要なんだ。」どうぞ！！

MICHAEL ROMEO “WAR OF THE WORLDS / PT.1” : 10/10

INTERVIEW WITH MICHAEL ROMEO

Q1: First of all, off course, you are a mastermind of Symphony X. So, it seems you can make anything you want in the band, I think. What made you create your own solo record in this timing?

【MICHAEL】: The band was taking a break last year, as some of the guys were doing other things, so this gave me the time to work on a solo album. It is something I’d been thinking about doing over the years, but never really had the time… as I had always spent alot of time writing, recording and touring with Symphony X. So, with the band taking a little break, as well as having alot of ideas for the music, I did this album.

Q1: あなたは SYMPHONY X の中心人物で、バンドの方向性をある程度自由に決定出来る立場にあると思います。まずは、そういった立場にありながら、このタイミングでソロアルバムをリリースすることに決めた理由から伺えますか？

【MICHAEL】: 昨年、SYMPHONY X は休息を取っていたんだよ。メンバーの内、何人かが別のプロジェクトをやっていたからね。だからソロアルバムを制作する時間が取れることになったんだ。
実際、ソロアルバムは何年も前から作りたいと思っていたんだ。ただ、時間がなかなか取れなかったんだよ…というのも、僕はいつも SYMPHONY X での作曲、レコーディング、そしてツアーに多くの時間を割いて来たからね。
だから、今回バンドが休息を取るタイミングで、音楽的なアイデアも沢山浮かんでいたからソロ作品を作ろうと決めたのさ。

Q2: I remember “The Dark Chapter” which was released in Zero Corporation, 1994. But your new record “War of the Worlds / Pt.1” is announced first official solo record, right?

【MICHAEL】: Yeah, The Dark Chapter was more of a demo to me. It was something I had done, way back when, in my old apartment with not much gear… just me having fun playing. Shortly after Symphony X released our first CD, our label at the time, Zero Corp., asked me about putting that demo out, I said ‘sure’… but to me it was always just a demo. I consider this as my first real solo album, – with real players, proper production, and all that stuff.

Q2: あなたが1994年にゼロ・コーポレーションからリリースした “The Dark Chapter” というソロ作品を覚えていますよ。しかし、公式には今回の “War of the Worlds / Pt.1” が初のソロアルバムとアナウンスされていますよね？

【MICHAEL】: うん、”The Dark Chapter” は僕にとってよりデモに近い作品だったんだ。確かに僕の作品だけど、振り返ってみるとあのアルバムは、昔のアパートで機材もほとんど無い状況で制作したんだ…ただプレイを楽しみながらね。
SYMPHONY X がファーストアルバムをリリースした直後、当時のレーベルだったゼロ・コーポレーションがそのデモをリリースしないかと持ち掛けて来た訳さ。僕は “もちろん” と答えたよ。だけど、僕にとってあのアルバムはあくまでもデモなんだ。
だから僕はこの “War of the Worlds / Pt.1” を真の最初のソロアルバムだと考えているんだよ。リアルなプレイヤー、適切なプロダクションを備えたね。

Q3: Perhaps, lot’s of fans anticipated your solo record would be instrumental album. But we can get almost vocal oriented, year’s best record! Along with that, it’s a perfect mix between metal and cinema, right?

【MICHAEL】: I really wanted to do a record like this, with songs and vocals… and with a very cinematic feel. That was the idea from day one. When I first started wrting for this album, I wanted it to be very orchestral, very cinematic. There would be the usual big heavy riffs, guitar stuff, and progressive elements, but alot more interplay with the guitar and orchestra. And I wanted that orchestral flavor to have a ‘sci-fi’ or an ‘epic space’ vibe. You know… a bit of the ‘Star Wars’ thing. I wanted to give some of the music a ‘film score like’ quality. So, I wasn’t too worried about not doing an instrumental album because I knew with this stuff, the guitar was still going to be very upfront… even within the songs and within the orchestral sections, there is alot of guitar happening.

Q3: 多くのファンはインストゥルメンタルのアルバムを予想していたでしょうが、実際はボーカルを起用し、メタルと映画が素晴らしく融合した最高のレコードが届けられましたね？

【MICHAEL】: 僕は本当にこういったレコードを作りたかったんだよ。非常にシネマティックな感覚を持ったボーカル入りの楽曲たちをね。このアイデアは制作の最初期から変わっていないんだ。
このアルバムの作曲を始めた時、僕は作品をとてもオーケストラルでシネマティックにしたかったんだ。もちろん、ビッグでヘヴィーなギターリフ、プログレッシブなエレメントを使用しながら、だけど同時に沢山ギターとオーケストラが絡み合うインタープレイがあるようなね。
そして僕は、そういったオーケストラルなフレイバーに、SF とか宇宙譚のバイブを持たせたかったのさ。まあ言ってみれば、”Star Wars” のような感じかな。そしていくつかの楽曲には、映画音楽のようなクオリティーを与えたかったんだ。
だからインストゥルメンタルじゃないからといって特に心配はしなかったね。なぜなら僕はこのマテリアルを完全に理解していて、ギターはそれでも非常に前面に出ているからね。リード以外の楽曲やオーケストラセクションの中でさえね。本当に沢山のギターが詰まっているからね。

Q4: It seems you paid homage to film score giants Bernard Hermann and John Williams. And your film score influence fits the theme “conflict” inspired by the novel by H.G. Wells perfectly. Do you agree that?

【MICHAEL】: I think it all works together in a cool way. Like I said, I wanted the music to have a bit of that film-score element mixed with metal, so I looked to the guys who have inspired me over the years and tried to incorporate some of that into this album. John Williams and his music for Star Wars is one of my favorites, so putting this album together and knowing I was working with the War of the Worlds as the title, it all seemed to fit together perfectly.

Q4: 映画音楽の巨匠 Bernard Hermann と John Williams への素晴らしいオマージュだとも言えそうですね。さらに、作品のテーマである “紛争” は、H.G. Wells の小説 “宇宙戦争” からインスピレーションを得たそうですが？

【MICHAEL】: 本当に、この作品はそういったインスピレーションの数々が全てクールに噛み合った結果だと思うよ。さっきも言ったけど、僕はこのアルバムでメタルに映画音楽の要素をミックスしたかったんだ。
だから、僕を何年にも渡り感化し続けてくれた偉人たちをある意味当てにしたし、彼らから影響を受けた要素を作品に取り込もうとした訳さ。
John Williams と彼が “Star Wars” に提供した楽曲は僕のフェイバリットの一つなんだよ。だからこのアルバムに取り入れたし、”War of the Worlds” (宇宙戦争) というタイトルにも当然完璧にハマった訳さ。

Q5: In this colorful, eclectic record, EDM/dubstep elements are really surprising! It’s really great that you don’t fear the challenge, but are you big fan of EDM?

【MICHAEL】: Not a big fan, although some of what I’ve heard it pretty cool. Years ago, I overheard my kids listening to some electronic music, the dubstep stuff. I thought it would be cool to try something like that with the solo album, but maybe add some guitars, a little orchestra and a vocal. Just trying to put things together and try to create something different.

Q5: そういったメタルと映画音楽をミックスする試みの中で、EDM/dubstep の要素には驚かされました。チャレンジを恐れない姿勢が素晴らしいですね！実際、あなた自身 EDM のファンなのでしょうか？

【MICHAEL】: 大好きという訳ではないよ。だけど今まで聴いて来たものの中で、とてもクールな音楽もあったね。
何年か前のことだけど、僕の子供たちがエレクトロニカやダブステップを聴いているのをふと耳にしたんだよ。それで、こういった要素もソロアルバムでトライしてみたらクールだろうなと思ったんだ。
ただし、ギターやちょっとしたオーケストラ、ボーカルも加えた方が良いだろうなと。それでそういった要素を纏めて、普段と異なる感覚を生み出そうとしたんだよ。

Q6: Rick Castellano is definitely rising star. He has wide range of voice, emotion. And it seems more melodic compared with Russell Allen. How did you find him?

【MICHAEL】: I met Rick about 7 years ago. I was jamming with some old friends, just hanging out, a few beers, having fun one weekend. It was here a friend introduced me to Rick. We spent the day jamming on some tunes – Sabbath, Priest, Rush… all that kinda stuff. I thought Rick was really great and we stayed in touch. I remember thinking… ‘if I ever did a solo project or something, I’d give Rick a call’… so I did, and we all had a great time recording this record.

Q6: 作品でボーカルを務めた Rick Castellano はライジングスターと呼べそうですね？レンジも幅広く、Russell Allen に比べてよりメロディックなアプローチを取っているようにも思えます。

【MICHAEL】: 初めて Rick に会ったのは7年くらい前になるね。その時僕は旧友たちとジャムっていたんだ。ただみんなでたむろって、ビールを飲みながら楽しい週末を過ごしていたんだよ。それでその中の友人の1人が Rick を紹介してくれたのさ。その後僕たちは、一日中色んな曲を一緒にジャムったんだ。BLACK SABBATH, JUDAS PRIEST に RUSH…そんな感じの楽曲をね。
それで僕は Rick は本当に素晴らしいシンガーだと感じて、連絡を取り合うことにしたんだよ。こう考えたのを覚えているよ。「もし僕がソロプロジェクトのようなものをすることがあれば、Rick に電話しよう。」とね。だからそうしたのさ。そしてメンバー全員が今回のレコーディングを心から楽しんだんだ。

Q7: Definitely, your guitar playing has been evolved still now! So, guitar music has gone through djent movement. Among them, new talents like Animals As Leaders, Plini was born. On the other hand, some people says guitar music is old fashioned or dead. What’s your perspective about the future of guitar music?

【MICHAEL】: Ah yes… the ‘guitar is dead’ thing. Ha! There is some truth to it in that, mindless technical guitar noodling has lost it’s appeal. But I think guitar music can still be great and interesting if the music has something to say. I’ll take a great song over anything else. The technique and all that stuff is fine, but using it in a tasteful and musical way is what is important. Trying different things and creating something new and intersting is more important to me. Just be creative with the tools you have.

Q7: あなたのギタープレイは現在でも進化を続けていますね。ギターミュージックはここ数年、Djent ムーブメントを経て ANIMALS AS LEADERS のような新たなタレントを生み出しました。一方で、ギターミュージックは古臭い、死んだと言及する音楽ファンもいますよね？

【MICHAEL】: あぁ、そうだね…うん、所謂 “ギターは死んだ” ってやつだよね。笑わせるよね！いや、確かに真実もいくらかは含まれているよ。スピリットの感じられない即席のテクニカルギターはその魅力を失って来ているよ。
だけどね、それでも僕はギターミュージックは、そこに伝えたいメッセージが込められているならば、今でも偉大で興味深い存在になれると思っているんだ。
僕は何よりも、素晴らしい楽曲を作りたいと思っているよ。テクニックとか、ギターに纏わる様々な事柄も良いけど、それを絶妙に、音楽的な方法で使用することこそ重要なんだ。だから僕にとっては、異なることに挑戦したり、新しく興味深い何かを創造したりといったことの方が大きな意味があるんだよ。
つまり道具は道具さ。君が持っているツールを活用して、ただクリエイティブになろうぜ！

Q8: Anyway, Is “Pt.2” and Symphony X’s new record cooking up? What’s your plan?

【MICHAEL】: When I first started writing music for this, I just kept writing every day for about 5 months. When I went back and looked at everything I had, there was enough music written for two albums. At that point I knew it was going to be broken down into two seperate parts, but we went ahead and recorded the drums, bass, and most of the guitars and vocals for everthing. So, although alot of it is recorded, there is still some work to be done. About Symphony X, we’ve been talking alot lately and will have some plans soon.

Q8: “War of the Worlds” の “Pt.2″、そして SYMPHONY X の新作もファンは待っていますよ。

【MICHAEL】: この作品に取り掛かったころ、僕は5ヶ月に渡って毎日ただ作曲を続けていたんだよ。その5ヵ月が終わり、仕上がったマテリアル全てを考慮すると、アルバム2枚分の音楽はゆうにあることに気づいたんだ。
その時点で、この作品は2つの別々のパートに分かれることはわかっていたんだけど、僕たちは先んじて全体のドラムス、ベース、そしてギターとボーカルの大半をレコーディングしてしまったんだ。まあ、大半のレコーディングが済んでいるとは言え、まだ “Pt.2” の完成までには色々とやらなければならない仕事があるんだけどね。
SYMPHONY X については、僕たちは最近、新たな動きについて沢山話しているんだよ。だからこれからの計画もすぐに明らかになると思うよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED MICHAEL’S LIFE

KISS “ALIVE Ⅱ”

(For Making Me Want To Play Guitar In The First Place)

OZZY OSBOURNE “BLIZZARD OF OZZ”

YNGWIE MALMSTEEN “RISING FORCE”

RUSH “HEMISPHERES”

STAR WARS (ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK)

MESSAGE FOR JAPAN

Yes, we had a great time at Loud Park and hope to see everyone again soon! And, off course, a big thanks to all the fans and friends in Japan, Symphony X definitely got it’s start there and I will always be grateful for that… so thank you!

Loud Park では素晴らしい時間を過ごせたし、みんなにまたすぐ会えたらと願うよ！ そしてもちろん、日本のファン、友人全員に大きな感謝を伝えたいね！
SYMPHONY X は間違いなく日本から始まったんだ。そして僕はその事実をこれからも感謝し続けるだろうね…とにかく、ありがとう！

MICHAEL ROMEO

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【FRONTIERER : UNLOVED】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH PEDRAM VALIANI OF FRONTIERER !!

“I Find Reviewers, Fans And Critics Are Often Guilty Of Wanting To Consume a Record On a Commute. That Attitude Of Convenience Doesn’t Resonate With Me And I Listen To My Records The Way I’d Like To Listen To a Record As a Fan.”

DISC REVIEW “UNLOVED”

2015年、”世界で最も醜悪なマス-プロブレム” の異名と共にデビューフル  “Orange Mathematics” で来臨したスコットランドとセントルイスの混成軍 FRONTIERER は、即座にシーンのセンセーションとなりました。
「愚かなほどにヘヴィーな音楽を創造する。」ただそれだけの目的と欲望のために生を受けた騒音の開拓者が切り開くフロンティアは、まごう事なきネクストレベルの Tech-metal です。
難解な数式を深々と組み込んだ変拍子の渦、ブレイクビーツとジャングルテクノの鋭き破片、ブラッケンドの無慈悲なアグレッション。Pedram 言うところの “コントロールされたランダム”、予測不能の方程式は THE DILLINGER ESCAPE PLAN 亡き後のマスコアワールドを支配する威厳と光輝に満ちています。
SECTIONED のギタリスト Pedram Valiani と A DARK ORBIT のスクリーマー Chad Kapper がサイドプロジェクトとして開始した FRONTIERER は、そうして活性化する活動を背景にフルバンドとなった今、最新作 “Unloved” で不穏で剣呑な進軍を再開するのです。
橙から赤へと危険指数を増したアートワークそのままに、オープナー “Tumoric” からバンドは一気呵成にカオスの洪水を叩きつけます。Chad の切迫したスクリームを狼煙に、狂気を宿したエレクトリックギターのワーミーなサイレンは、不規則な規則性を持つアグレッションの海で一触即発、物騒なダンスを踊ります。
実際、途切れる事なく襲いかかるアルバムの序盤は脅威でしかありません。パンチドランカーの如くその痛みに酔いしれたリスナーは、電子ノイズを塗した”Flourescent Nights”, “Designer Chemtrails” と聴き進めるうちに、Pedram のペダル、EarthQuaker Devices のハーモナイザーこそ怪物で、暴力と知性、エナジーとデジタルの狭間で快楽の拷問を享受しているようにも感じるかも知れませんね。
一方で、Pedram が 「僕は最後にピークを迎えるレコードを書くのではなく、実験の大半が中央に配されたレコードを書きたいと思っているんだ。」と語るように、 “Heartless 101” を分岐とした中盤の鮮烈な実験性は FRONTIERER のパレットに挿された色彩の拡がりを証明します。
実際、ノイズマスター CAR BOMB の Michael Daffener, Greg Kubacki とのコラボレートから誕生した “Heartless 101” はあまりに異彩を放つマスコアの新天地です。近年の CONVERGEをも想起させるメロウで憂鬱、ドゥーミーなムードから一変、Chad の咆哮 “Die Slowly” で世界はノイズの混沌、黙示録へとその色を変えます。
その名状しがたき不確かなデジタルハードコアの萌芽は、”Unloved & Oxidized” で光のアトモスフィアさえ放出しながらグロテスクに前時代の腐敗を促し、”Electric Gag” に投影されたバンド史上最もスロウなグルーヴとグリッチーなエレクトロニカの霞は、遂に使い古されたマスコアのクリシェへ望み通りの緩やかな死を与えるのです。事実、普遍的なブレイクダウンさえ、彼らの手にかかれば瑞々しき未踏のスロウバーンへとその姿を変えています。
マスコア、ノイズ、スラッジにグリッチなエレクトロニカを調合し、飲み干せばスリルが口一杯に広がる予測不能の危険なカクテル。「大きな変化への一歩が作品をほとんど消化不能にすることだと思うんだ。」と語るように、少なくとも “コンビニエンス” に作品を消費するリスナーがこのグラスで酩酊することはないでしょう。
今回弊誌では、ギタリストで首謀者 Pedram Valiani にインタビューを行うことが出来ました。
「僕は、レビュワー、ファン、評論家が時に通勤、通学でレコードを消費する罪を犯していることに気づいたんだ。そういった “コンビニエンス” なアティテュードは少なくとも僕には響かないよ。」どうぞ！！

FRONTIERER “UNLOVED” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【3.2 : THE RULES HAVE CHANGED】TRIBUTE TO KEITH EMERSON

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ROBERT BERRY OF 3.2 !!

“I Could Not Get Keith To Overcome The Fan Criticism. He Was Done With It For The Next 28 Years.”

A LABOR OF LOVE

Robert Berry は数奇なる運命と共に音楽カルチャーを漂流した有能なるバガボンドなのかもしれません。シンガーソングライターにして、マルチ奏者、そしてプロデューサー。
サンジョゼに居を構える Soundtek Studios のオーナーとして Robert は、数多のアーティストとイマジネーションを共有し、同時にミュージシャンとしてもベイエリアのレジェンドとしてプログ&AORの脈流に深くその存在を刻み続けています。
Geffen の A&R John Kalodner、JOURNEY のマネージャー Herbie Herbert との出会いが Robert の翼を80年代の空へさらに羽ばたかせるきっかけとなりました。Steve Howe & Steve Hackett のコンビで成功を収めた GTR への参加、Sammy Hagger, Joe Lynn Turner との仕事など、2人の口利きは Robert の世界を広げてマルチな才能の飛翔を可能にしたのです。
キャリアのハイライトは1988年だったのかも知れませんね。Geffen とのコネクションは、彼を Keith Emerson, Carl Palmer 2人のプログレジェンドと引き合わせ、新プロジェクト 3 の結成へと導きました。ELP リユニオンの頓挫、商業的成功への渇望。舞台の裏側には確かに様々な “大人の事情” が絡んでいたのかも知れません。しかし、リリースされたバンド唯一の作品 “To The Power of Three” には現在まで語り継がれるプログポップの萌芽が確かに息づいていたのです。
Keith の繊細かつ複雑な鍵盤捌き、Carl の芸術肌に、Robert のモダンでアクセシブルなソングライティングが噛み合った作品は、振り返ってみれば瑞々しくも確固とした音楽的なアドベンチャーだったと言えるでしょう。しかし、”Talkin’ Bout” のヒット、好調なツアーにもかかわらず、バンドは僅か2年でその活動に終止符を打ってしまうのです。
その背景には、Emerson, Lake and Palmer を崇拝するルナティックからの激しい批判がありました。インタビューで Robert が 「問題は、ELP のファンはただ長尺の楽曲と Greg Lake のボーカルが聴きたかっただけだという点だったね。」と語るように、メインストリームへと接近した 3 のサウンドは、残念ながらプログロックの狂信者にとって耐えられないものだったのかも知れません。そしてその負の重圧には Keith も耐えることが出来なかったのです。華麗なプログエピック “Desde la Vida” もすっかり焼け石に水でした。
以降も途絶えることなく連絡を取り続けた2人。故に、「僕は Keith をファンの批判から守り、克服させることが出来なかったんだ。彼はそこから28年間もその批判を我慢し続けることとなったんだからね。」という Robert の言葉には想像を絶する重みがあります。
2016年に Keith が自ら命を絶った後、Robert は2人で再度着手していた 3 のセカンドアルバムを諦めようとも考えたと明かしてくれました。当然でしょう。しかし、「Keith の遺産を届けたい。」その想い、一念が 3.2 の名の下に際立ったプログポップの快作 “The Rules Have Changed” を完成へと導いたのです。
Keith がコンポジションに20%関与したアルバムで、マルチプレイヤー Robert はまさに Carl, そして亡き Keith が彼の身体に憑依したかのような演奏を披露しています。ここには確かに、30年の月日を経た 3 の新たな物語が生き生きと映し出されているのです。
リスナーは、Robert の持ち味である類稀なるポップセンスが、プログレッシブな波動、クラッシック、ケルト、ジャズ、フォークと見事なまでに融合し、多様なアートロックとしての威厳までをも仄めかす絶佳のトリビュートに歓喜するはずです。
オールドスクールのプログロックとは一線を画すキャッチーでコンパクト、知的でいながらコマーシャルなアルバム。それはまさに 3 のレガシーにして失われた聖杯。
もちろん、Keith が抱えることとなった闇の部分をダークに描写するタイトルトラックなど、全てが耳馴染みの良いレコードではないかも知れません。しかし、だからこそ、この作品には真実の愛、語りかける力があります。
日本盤ボーナストラックにして美しきアルバムクローサー “Sailors Horn Pipe” にはきっと Keith が降臨しています。しかし、残念ながら彼がこの世界に降り立つのはこれが最後の機会となってしまいました。SNS等が普及しよりダイレクトに様々な “声” が届くようになった今、音楽を “受け取る” 側の私たちも、再度アーティストとの接し方、心の持ちようを考えるべきなのかも知れませんね。
今回弊誌では、Robert Berry にインタビューを行うことが出来ました。作品で最も希望に満ちた “Powerful Man” は父親賛歌。「偉大な、最も才能に秀でた友人を失ってしまった訳だからね。もちろん、世界的な損失でもあったよね…」12歳の孫の Ethan は驚くほどに Keith の才を受け継いでいるそうです。弊誌が必ず行わなければならなかった取材。どうぞ！！

3.2 “THE RULES HAVE CHANGED” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【YOB : OUR RAW HEART】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MIKE SCHEIDT OF YOB !!

PHOTO BY JIMMY HUBBARD

“There Is No Doubt The Near-death Experience Is a Part Of The Music, But In a Triumphant Way. It’s a Survival Album, Not a Sickness Album. “

DISC REVIEW “OUR RAW HEART”

オレゴンの悠久からコズミックなヘヴィネスと瞑想を標榜し、ドゥームメタルを革新へと導くイノベーター YOB。バンドのマスターマインド Mike Scheidt は2017年、自らの終焉 “死” と三度対峙し、克服し、人生観や死生観を根底から覆した勝利の凱歌 “Our Raw Heart” と共に誇り高き帰還を遂げました。
2017年1月に地元の食料雑貨店で重度憩室炎を発症した Mike は、6時間にも及ぶ大手術、ブドウ球菌感染症、さらなる合併症の併発で3度の死地をくぐり抜けました。想像を絶する苦痛、薬の副作用、幻覚、そして様々な不安からメタルシーンの “禅マスター” を救い、心の平安をもたらしたのはマントラと創作活動だったのです。
「死に近づいたことで僕の人生はとても深みを帯びたと感じるよ。」と Mike は語ります。実際、”楽しむこと”、創作の喜びを改めて悟り享受する Mike と YOB が遂に辿り着いた真言 “Our Raw Heart” で描写したのは、決して仄暗い苦痛の病床ではなく、生残の希望と喜びを携えた無心の賛歌だったのですから。
事実、ミニマルで獰猛な2014年の前作 “Clearing the Path to Ascend” を鑑みれば、全7曲73分の巡礼 “Our Raw Heart” のクリエイティビティー、アトモスフィアに生々流転のメタモルフォーゼが訪れたことは明らかでしょう。
作品のセンターに位置する16分の過重と慈愛の融合 “Beauty in Falling Leaves” はまさに YOB が曝け出す “Raw Heart” の象徴です。甘くメランコリックなイントロダクションは、仏教のミステリアスな響きを伴って Mike の迫真に満ちた歌声を導きます。それは嵐の前の静けさ。ディストーションの解放はすなわち感情の解放。ベースとドラムスの躍動が重なると、バンドの心臓ギターリフはオーバートーンのワルツを踊り、濃密なビートは重く揺らぐリバーブの海で脈動していくのです。
煌めくダイナミズムの中で、Mike は亡き Chris Cornell の抑揚ともシンクロしトランス状態にその身と感情を委ねます。「ずっとこんな感じだったよ。人生を通じてね。だけど君の心だけが僕を家へと連れ帰ってくれる。そう、落葉の美しさを眺めている間、僕らの世界は永遠なんだ。」バンド史上最もエモーショナルでドラマティックなエピックは、死生の悲哀と感傷から不変の光明を見出しているのです。
ゆえに、蘇った YOB の作品を横断するスロウバーン、全てを薙ぎ倒す重戦車の嗎は決して怒りに根ざしたものではありません。むしろそれぞれの人生や感情を肯定へと導くある種の踏み絵、あるいは病室で眺望と光陽を遮っていたカーテンなのかも知れませんね。
結果として YOB はドゥームに再度新風を吹き込むこととなりました。例えば CATHEDRAL の闇深き森をイメージさせるオープナー “Ablaze” ではジャンルのトレードマークにアップリフティングでドリーミーなテクスチャーを注入しドゥームの持つ感情の幅を拡大。
さらに “The Screen” では自身の臨死体験を通して経験した苦痛や恐怖を苛烈なギターチャグで表現しながら、メランコリックな神秘の息吹にも思えるキャッチーな歌唱でネガティブをポジティブへと変換しているのですから。
そうしてアルバムは僅かな寂寞とそして希望に満ちた光のドゥーム “Our Raw Heart” でその幕を閉じます。人生と新たな始まりに当てた14分のラブレターは、バンドに降臨した奇跡のマントラにしてサイケデリックジャーニー。開かれたカーテンから差し込むピュアな太陽。ポストメタルの領域にも接近したシネマティックでトランセンドな燦然のドゥームチューンは、彼らとそしてジャンルの息災、進化を祝う饗宴なのかも知れませんね。
今回弊誌では、魂の探求者 Mike Scheidt にインタビューを行うことが出来ました。「今の状態を不満や苦痛に思ったりはしていないんだ。僕はこの経験から多くを学んだし、今生きていることに感謝しているからね。」なお、彼が Chris Cornell の死にかんして読者に送ったメッセージは、自身もうつ病、拒食症に悩まされた過去を持つが故。どうぞ！！

YOB “OUR RAW HEART” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ZEAL & ARDOR : STRANGER FRUIT】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MANUEL GAGNEUX OF ZEAL & ARDOR !!

“Nowadays Black Americans Are Being Harassed And Shot To Lay Dead In The Streets. It Is Still a Regular Occurence And Basically Accepted As Normal. I Find This Even Stranger. That’s Where The Name “Stranger Fruit” Comes From.”

DISC REVIEW “STRANGER FRUIT”

過酷な奴隷制、差別の中から産声を上げた嘆きと抵抗、そして救いを包含するゴスペル、ブルース、ソウル。スピリチュアルで魂宿る黒人音楽をエクストリームメタルへと織り込み、刻下の不条理を射影する ZEAL & ARDOR はヘヴィーミュージック未踏の扉を開く真なる救世主なのかもしれません。
全ての始まりはインターネットの功罪を象徴する匿名掲示板でした。スイス人の父とアフロ-アメリカンの母を持つ Manuel Gagneux は 4chan のメッセージボードである募集を行いました。2つの異なるジャンルをミックスして音楽を作るのでその候補を挙げて欲しいと。
彼の目にとまったのは、ネット上に一定数存在する所謂 “ヘイター” からの投稿でした。「 “ブラック” メタルと “黒人” 音楽をミックスしてみろよ。」その人種差別主義者からの言葉は、アフロ-アメリカンの血を引くアーティスト Manuel を掻き立てるに十分の悪意を纏っていたのです。
そうして Manuel は、”もし黒人奴隷がイエスではなくサタンを信仰していたら？” をコンセプトにブラックメタルとスピリチュアルを融合し、ZEAL & ARDOR のデビュー作 “Devil is Fine” を完成させました。つまり、エクストリームミュージックにとって肝要な未踏の領域への鍵は、皮肉にも人種差別主義者に対する究極の “Fxxk You” だったと言えますね。
Manuel のソロプロジェクトだった ZEAL & ARDOR をフルバンドへと拡大し、リスナーのみならず PROPHETS OF RAGE や CONVERGE といったメガアクトからの注目までをも一身に集めた最新作 “Stranger Fruit” は、作品のテーマ、音楽共に更なる進化を果たしたマイルストーンに仕上がりました。
「今日でも、アメリカの黒人はハラスメント行為を受け、街角でも撃たれて死んでいっているのが現状だよ。そうしてそういった差別や事件は、未だに当たり前で普通の出来事として受け入れられてしまっているんだ。僕は差別を当然に思うそっちの感覚の方が “Stranger” おかしいと思うんだよ。」とインタビューで Manuel は語ります。Bille Holiday が “Strange Frute” でおよそ80年前に告発した人種差別の陰惨は、現代でも決して消え去ることはなく、むしろ完全な日常として定着してしまっている。
Manuel のそうした想いは墓掘り人、奴隷、隠者といった歴史のトラウマ、過去の遺物にも思える存在を墓場から掘り起こし、現代社会が抱える闇と巧みに対比しオーバーラップさせながら人に備わる罪と不条理を浮き彫りにしています。「このアルバムの歌詞が過去について歌っているのか、現在について歌っているのか不確かな事実はとても興味深く、そしてまた非常に悲しいことだと思う。」
対比と言えば、「2つを融合することで、それぞれのインテンスはさらに高まりを見せるんだ。」 と語るように、もちろん ZEAL & ARDOR の顔であるブラックメタルとスピリチュアルのコントラストは鮮やかさを増しています。そしてそのインテンスが、拡大するバンドの多様性に導かれていることは明らかです。
トレモロリフがブルースとポストブラックの境界を消失させる荘厳なイントロダクションから、エスカレートするピアノの響きがソウルフルなコール&レスポンス、重厚なコーラスハーモニー、唸りを上げるギターノイズを導く “Gravedigger’s Chant” への流れはダークで濃密、エクレクティックなバンドの伸長するサウンドステージを決定づけます。
サティとドゥビッシー。惹かれあったファンタジックなフランス印象派のイメージを Wendy Carlos のフィルターでエレクトロニックに昇華した至高のインストゥルメンタルピース “The Hermit”, “The Fool”, “Solve”。SYSTEM OF A DOWN をも想起させるドライブする狂気のゴスペル “Row Row”。Tom Waits のポップセンスとドローンの実験性を同時に抱きしめる “You Ain’t Coming Back”。
3分台のコンパクトな楽曲が大半を占めるアルバムは、各トラックがユニークなシグニチャーサウンドを披露しながらも、トータルで浸ることの出来る映画のような48分間を実現しているのです。
そうしてアルバムは、ブルースにゴスペル、究極にポップなエモーションとポストブラックの激情を詰め込んだ心揺さぶるフェアウェルソング “Built on Ashes” で、完璧なまでにリスナーの感情と同調しその幕を閉じました。
今回弊誌では、バンドのマスターマインド Manuel Gagneux にインタビューを行うことが出来ました！「メタルは今まさに偉大な進化を遂げようとしているんだ。」どうぞ！！

ZEAL & ARDOR “STRANGER FRUIT” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【RIOT V : ARMOR OF LIGHT】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NICK LEE OF RIOT V !!

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The Pride of NYC, Legend of Metal History, Riot V is Still Alive And Kickin’!! “Armor Of Light” Unites Their Early Hard Rock Sounds With The Magic Of Power Metal ! Shine on!

DISC REVIEW “ARMOR OF LIGHT”

不撓不屈の不沈獣、終天のメタルウォーリアー RIOT V が、ハードロックの血潮とパワーメタルの魔法を等しく装填した光の英雄譚 “Armor of Light” をリリースしました！！メタルの教科書 “Thundersteel” 30周年に刻む新たな闘志の刻印は、40年のキャリアで通過した嵐、凪、そして帰天まで全ての逆境を力に変える躍動と眩耀に満ちています。
ブラックビューティ、黒のレスポールを抱えて独特の艶美な憂いと異国の薫りを奏でた Mark Reale はまさにバンドの心臓でした。2012年、Mark の逝去を受けて RIOT の存続を信じたファンは決して多くはなかったはずです。しかし絶佳なる遺言 “Immortal Soul” “不滅の魂” に Mark が刻んだ通り、バンドが立ち止まることは決してありませんでした。
70年代に生を受け、英国ハードロックにアメリカンな風を吹き込んだ RIOT のターニングポイントは徹頭徹尾パワーメタルへと変貌を遂げた “Thundersteel” だったと言えます。そして類稀なる鋼鉄の “道標” リリース時のベーシスト Don Van Stavern と、89年に加入して以降、Mark と共に流麗なツインリードでクラシカルオリエンタルのカタルシスを提供し続けたトリッキーなギターの名手 Mike Frintz は英雄抜きでバンドの存続を決断します。
MOON TOOTH でモダンなヘヴィープログレッシブを追求する Nick Lee、Tony Moore をフレキシブルに進化させた Todd Michael Hall、VIRGIN STEEL のダイナモ Frank Gilchriest を加えて2014年に日本以外では RIOT V の名でリリースされた復活作 “Unleash the Fire” には確かに Mark の魂が深く宿った鎮魂の焔でした。そして完全に RIOT V 名義でリリースされた “Armor of Light” は亡きギタリストと共に歩む新たなる歴史の幕開けです。
IRON MAIDEN の “Trooper” をイメージさせるエナジーに満ちた勝利のギャロップ “Victory”、ボーカル/ギターハーモニーが正しい場所に正しく配置されたウルトラキャッチャーで由緒正しき哀愁の”リアリズム” “End of the World”、”Thundersteel” のスピードデーモンに真っ向から立ち向かう “Messiah”。オープニングの三連撃はまさにアザラシ無双。KORN の最新作等でエンジニアを務めた Chris “The Wizard” Collier を得て SABATON にも匹敵する現代的なメタルプロダクションを纏った RIOT V は、目まぐるしくもダイナミックなパワーメタルの大斧で作品の冒頭を切り裂きます。
一方で、「Mike と Donnie は Mark の遺産を称えながら素晴らしい仕事を果たしていると思うな。楽曲やリフ、メロディーの中に初期 RIOT のハードロックサウンドと、後期のパワーメタルサウンドをミックスしながらね。」と Nick が語るように、新生 RIOT V の肝は初期と後期の融合。右手にパワーメタルの斧を握りしめ、左手にハードロックのシールドを携えたジョニーの勇姿はさながら無敵の獣神。
奇しくも今年は JUDAS PRIEST の “Firepower”、SAXON の “Thunderbolt”、そして RIOT V の “Armor of Light” と長年メタルを支え続けたベテランが、初期のキャッチーなハードロックテイストをナチュラルに復刻し復活の狼煙を上げています。
実際、後期 RAINBOW を彷彿とさせるロマンティックな “Burn the Daylight”、THIN LIZZY の美学を受け継ぐ神秘的な “Set the World Alight”、初期の RIOT らしいブルーズな響きとホーンセクションが溶け合った “Caught in the Witches Eye” など作品にはオーガニックでユーティリティーな色彩が調和し魅惑のコントラストが渦巻いているのですから。
それにしても、威風堂々の新たなアンセム “Angel’s Thunder, Devil’s Reign” や “Heart of Lion” を聴けば、ツインリードとボーカルハーモニーに加えて、リズムを捻ったクールなキメフレーズの数々がバンドのトレードマークであることを改めて再確認できますね。
後期 RIOT のアイデンティティーともなった、フォークトラッド、クラシカル、ケルトの響きを堪能できるドラマティックな “San Antonio” や “Ready to Shine” も出色の出来。そうしてアルバムは瑞々しい “Thundersteel” の再創生で大円団を迎えます。
まさに珠玉の逸品。今回弊誌では、バンドのレガシーを受け継ぐギタリスト Nick Lee にインタビューを行うことが出来ました。意外にも Sargent House の作品が並ぶプレイリストにも注目です。「アザラシのパワーを感じるんだ！」弊誌2度目の登場。どうぞ！！

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RIOT V “ARMOR OF LIGHT” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【W.E.T. : EARTHRAGE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ROBERT SÄLL OF W.E.T. !!

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Melodic Hard Super-Stars, W.E.T. Has Just Released Definitely One Of The Best Record In The Genre “Earthrage” !! Are You Ready For “Burn” And “Watch Their Fire” ?

DISC REVIEW “EARTHRAGE”

WORK OF ART, ECLIPSE, TALISMAN。メロディックハードの幾星霜に足跡を刻んだ三雄を頭文字に戴くスーパーグループ W.E.T. が、捲土重来を期すジャンルの王政復古 “Earthrage” をリリースしました！！瑞々しいアリーナロックの雄々しき鼓動は、地平の年輪に印されしかつての栄光を確かに呼び覚まします。
WORK OF ART と ECLIPSE。2000年代以降、メロディックハード希望の星は明らかにこの両雄でした。片や洗練の極みを尽くす AOR、片や情熱と澄明のハードロック。
しかしインタビューで語ったように、スウェーデンの同じ学校から輩出された2つの綺羅星 “W” の象徴 Robert Säll と “E” の象徴 Erik Mårtensson は、至上のメロディーを宿すシンクロニティー、宿命の双子星だったのです。実際、2人の邂逅は、AOR とハードロックの清新なる渾融を導き、ジャンルのレジェンド Jeff Scott Soto の熱情を伴って唯一無二の W.E.T. カラーを抽出することとなりました。
故に Robert の 「最初の2枚では、僕と Erik がかなりコラボレートして楽曲を書いていたんだ。だけど、今回の作品のソングライティングに僕は全く関わらなかったんだよ。」という発言はある意味大きな驚きでした。
それは何より、”Earthrage” が疑いようもなくバンドの最高傑作となり得たのは、前作 “Rise Up” で顕著であった硬質なサウンド、メタルへの接近をリセットし、Robert の得意とする80年代初頭のオーガニックなメロディックロックを指標したからに他ならないと感じていたからです。
つまり、「”Earthrage” を制作する際に Erik と話し合ってあのオーガニックなスタイルを取り戻すべきだと感じた訳さ。」と語るように、もちろん Robert から方向性についてのサジェスチョンはあったにせよ、”Earthrage” における奇跡にも思える有機的な旋律の蒸留、ハーモニーの醸造、ダイナミズムの精錬には改めて責任を一手に負った Erik Mårtensson というコンポーザーの開花と成熟を感じざるを得ませんね。
予兆は充分にありました。ECLIPSE のみならず、NORDIC UNION, AMMUNITION 等、歴戦の猛者達との凌ぎ合いは、明らかに Erik の持つ作曲術の幅を押し広げ、効果的で印象に残るコーラスパートの建築法を実戦の中で磨き上げて行ったのですから。
アルバムオープナー、”Watch The Fire” はまさに Erik とバンドが到達した新たな高みの炎。冒頭に炸裂する生の質感を帯びた強固なリズムと、期待感に満ちたギターリフはまさしく ECLIPSE 人脈から Magnus Henriksson & Robban Bäck 参加の功名。凛として行軍するヴァースでは Jeff と Erik がボーカルを分け合い、さながら DEEP PUPLE の如き伝統のインテンスを見せつけます。
コーラスパートは巨大なフックを宿す獣。トップフォームの Jeff は、久方振りに発揮する本領で徹頭徹尾リスナーのシンガロングを誘うのです。そしてパズルのラストピースは、Desmond Child 譲りのアンセミックなチャントでした。
BOSTON の奥深き音響に Robert のキーボードが映える “Kings on Thunder Road”、MR. BIG の “Nothing But Love” を彷彿とさせるストリングスの魔法 “Elegantly Wasted” を経て辿り着く “Urgent” はアルバムを象徴する楽曲かも知れませんね。
同タイトルのヒットソングを持つ FOREIGNER の哀愁とメジャー感を、コンテンポラリーなサウンドと切れ味で現代へと昇華した楽曲は、あまりに扇情的。
畳み掛けるように SURVIVOR の理想と美学を胸いっぱいに吸い込んだ “Dangerous” で、リスナーの感情は須らく解放され絶対的なカタルシスへと到達するはずです。
そうして一部の隙も無駄もないメロディックハードの殿堂は、”決して終わらない、引き返せない” 夢の続き “The Never-Ending Retraceable Dream” でその幕を閉じました。楽曲のムードが Jeff にとって “引き返せない” 夢である JOURNEY を想起させるのは偶然でしょうか、意図的でしょうか？
今回弊誌では、WORK OF ART でも活躍する稀代のコンポーザー Robert Säll にインタビューを行うことが出来ました。想像以上に明け透けな発言は、しかしだからこそ興味深い取材となっているはずです。「メロディックハードロックがまたチャートの頂点に戻れるとは思えないね。そして僕はそれで構わないと思っているんだよ。」どうぞ！！

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W.E.T. “EARTRAGE” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DUKES OF THE ORIENT : DUKES OF THE ORIENT】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ERIK NORLANDER FROM DUKES OF THE ORIENT !!

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John Payne & Erik Norlander, A Journey That Started With The Supergroup Asia Gives You The Next Chapter Of Legacy, With Dukes Of The Orient !!

DISC REVIEW “DUKES OF THE ORIENT”

誇り高きプログレッシブの遺産と、陰りを帯びた伝統のメロディーを受け継ぐ稀代のミッシングリンク John Payne & Erik Norlander。両雄の鼓動と哲学が交差する DUKES OF THE ORIENT は、凛とした王の血脈を真率に後の世へと伝えます。
巨星 John Wetton の逝去こそが DUKES OF THE ORIENT 生誕のきっかけでした。長らく Wetton の後任として ASIA を牽引し孤軍奮闘を重ねた勇夫 John Payne は、厳しく比較され続けたマエストロの死を機縁に ASIA の金看板を降ろす決断を下します。それは遂に訪れた、彼に巣食う潜在的重圧からの解放だったのかも知れません。
ご存知の通り、ASIA は Payne がフロントを務めた “Paysia” の不遇もあり2006年にオリジナルメンバーでのリユニオンを果たしています。マザーシップから突如として下船を余儀なくされた Payne は、Geoff Downes を除く後期 “Paysia” のメンバー Guthrie Govan, Jay Schellen を伴い、日本が誇る鍵盤の大家、奥本亮氏をリクルートし新たなプロジェクト GPS を立ち上げ唯一のアルバム “Window to the Soul” をリリースしたのです。
“Paysia” の作品となるはずだった “Architect of Time” から楽曲を流用した “Window to the Soul” はメンバーの卓越した技量を反映した充実作でしたが、結局は Payne が ASIA の呪縛から解き放たれることはなく、GPS はオリジナル ASIA の了承を経て ASIA の楽曲をプレイする ASIA Featuring John Payne へと形を変えて存続することになったのです。
ASIA Featuring John Payne で John と運命の邂逅を果たしたのがキーボードウィザード Erik Norlander でした。妻 Lana Lane の作品をはじめ、自身のバンド ROCKET SCIENTISTS, DIO の落胤 LAST IN LINE 等でスマートかつロマンティックな鍵盤捌きを披露するツボを十二分に心得た名コンポーザーとの出会いは、10年という遥かなる時を超え ASIA の名と別れを告げた素晴らしき DUKES OF THE ORIENT の音楽へと繋がることとなりました。(但し、ASIA Featuring John Payne もライブアクトとしては存続するそう。)
異論は多々あるでしょうが、Payne をフロントに据えた ASIA は、少なくとも音楽的には充実したスティントでした。Downes/Payne のコラボレーションは、90年代から00年代初頭というメロディック/プログロック不毛の時代に、確かに命を繫ぐ質実なる実りをもたらしました。ただ、ASIA らしいロマンチシズムから意図的に距離を置き、Payne の野性味溢れる声質をハード&キャッチーに活かす選択は、忠実なファンやレーベルからのサポートをも遠ざける結果になりました。プログレッシブポップが花開く近年を鑑みれば或いは時期尚早だったのかも知れませんね。
ASIA の名を返還した DUKES OF THE ORIENT で John Payne は自由でした。John Wetton との差異を殊更強調する必要もなく、自らの内なる ASIA 全てを表現することが出来たのかも知れませんね。
実際、”血の絆” を響かせるオープナー “Brother In Arms” はオリジナル ASIA と “Paysia” がナチュラルに融合したバンドのマイルストーンだと言えるでしょう。ハードでダイナミックなアレンジや Payne のトレードマークとも言える重厚なコーラスワークは “Aria” の頃の “Paysia” を、溢れ出る哀愁に叙情、ロマンチシズムはオリジナル ASIA をそれぞれ喚起させ双方の美点を5分間のドラマへと昇華します。
同様に “True Colors” の劇的なメロディーを宿す “Strange Days” では、繊細なアレンジメント、アンセミックなキーボード、Guthrie Govan の傑出したギターワークで “Aura” で示した “Paysia” の可能性をも明確に示唆します。
勿論、オリジナル ASIA のコードセクエンスや “ダウンズサウンド” を惜しみなく披露する “Time Waits For No One” “Fourth of July” 等はやり過ぎの感もありますが、同時に荘厳にして華麗、好き者には堪らない胸踊る完成度であることも事実。
加えて、Erik が ｢僕は ELP, YES, KING CRIMSON, JETHRO TULL, PROCOL HARUM といった偉大なバンドたち、70年代のブリティッシュプログと共に育ったんだ。それこそが僕の音楽的なルーツだよ。同じようなルーツを ASIA も持っているんだ。｣ と語るように、”Fourth of July” のドラマティックな後半部分では、ASIA よりも “プログレッシブ” な先人達の遺産を巧みに消化し、8分間のエピックに相応しき構成と展開を築き上げているのですから感服の一言です。
“A Sorrow’s Crown”, “Give Another Reason” で魅せるチャーチオルガンやスパニッシュギターの躍動感も DUKES OF THE ORIENT の存在感を一際掻き立て、Jay Schellen のコンテンポラリーかつ安定感のあるドラミング、Rodney Matthews の美しきアートワークと共に UK プログレッシブの伝統と血の繋がりを強く主張しています。
少なくとも、90年代からシーンを見守って来たファンであれば、Payne & Norlander 2人の才能や存在自体があまりにも過小評価されていることは憂慮しているはずです。”Dukes of the Orient” にはその評価を覆すだけの稀有なる魔法が存在するのでしょうか？”Only Time Will Tell”。時が来ればその答えは出るはずです。きっと良い方向に。
今回弊誌では、Erik Norlander にインタビューを行うことが出来ました。奥様からもメッセージをいただけましたので、Lana Lane ファンも必読です。どうぞ！！

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DUKES OF THE ORIENT “DUKES OF THE ORIENT : 9.8/10

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