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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【HORRENDOUS : IDOL】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH HORRENDOUS !!

“We Definitely Did Not Have Any Intention Of Sounding Like The Bands Like Cynic, Death, Atheist, And In My Mind Any Similarities Between Us And Them Are Mostly Philosophical. “

DISC REVIEW “IDOL”

2009年に Matt と Jamie の Knox 兄弟、そして Damian Herring によって産声を上げたフィラデルフィアの “ポストデスメタル” アクト HORRENDOUS。デスメタルの過去と未来を繋ぐその進化の徒花は、アルバムを重ねるごとに狂気の色を濃くしています。
USデスメタルとヨーロピアンデスメタル、もしくは古の残虐と技術革新を結ぶ “恐怖の” 架け橋。オールドスクールへの憧憬を垣間見せつつ、CYNIC や DEATH を彷彿とさせる洗練されたコンポジションとテクニックに、EDGE OF SANITY や DARK TRANQUILLITY のロマンチシズムを封入。さらにはマスロックの難解、ポストロックのアトモスフィアさえ加味した前作 “Anareta” は、新旧メタルファンから絶賛を受けたマイルストーンとなりました。
しかし、「冒険的という意味では、どの作品でも僕たちはずっと “プログレッシブ” だったつもりなんだ。ただし、ほとんどのリスナーが最新作を最もプログレッシブなアルバムだと言うのは分かるんだけどね。」 と Jamie が語る通り、進化を止めないバンドの冒険は真の意味での “プログレッシブ” を一層探求した新作 “Idol” へと結実しています。
Jamie の「Alex がライティングプロセスへと加わることでこのアルバムに違いが生まれたのは確かだけどね。というのも、彼はフィラデルフィアのシーンの中でもエクスペリメンタルやフリージャズに精通しているからね。」 との言葉が裏付けるように、長年ベースレスのトリオとして積み重ねて来たバンドの実験的フィロソフィーは、卓越したベースマン Alex Kulick の加入でその深淵を一層増すこととなりました。
CYNIC を想起させるアトモスフェリックなイントロダクション “Prescience” は作品のムードを決定付ける重要なスターター。デスメタルシーンのトレンドがオールドスクールへと傾く中、HORRENDOUS の選択はあくまでも実験性とテクニックの追求でした。もちろん、ベースラインの蠢くようなジャズダンスも Alex の鮮烈な紹介状となっていますね。
邪悪な影が際立つ “Soothsayer” はフォーピースとなったバンドの能力を最大限に見せつけたアドレナリンラッシュ。DEATH よりも複雑に、CYNIC よりも哲学的に、AUTOPSY よりも陰重に。エゴにも似た各自の煌めく技巧は、いつしか一塊りとなりバンドの飽くなき欲望を代弁していきます。
Marty Friedman はもちろん、時に Chris Poland をもイメージさせるインテレクチュアルな Matt と Damian のツインギターアタックは、アルバムを通じて MEGADETH のスリルを再現していますね。
幽玄なアルペジオと Alex のジャズダンスに導かれる “The Idolater” は、バンドの重厚で繊細なレイヤードへの拘りが体現した楽曲。まるでワーグナーに魅入られたかのように威風堂々、高尚かつ壮大なデスメタル楽劇は、リスナーをリピートの無限地獄へと陥れる好奇心の泉なのかもしれません。その中毒性は、いつしか視聴毎に訪れる新たな発見の喜びへと変化していきます。
“Divine Anhedonia” は何よりバンドの実験精神が憑依した楽曲でしょう。メインリフで祝われる Miles Davis の “Bitches Brew” にも通じるロックとジャズの婚姻は、メタルのエナジー、そして千変万化な触手の如きタイムストラクチャーをも纏って “無快楽” を快楽へと転化するのです。確かに “リズムの可能性の探求は “Idol” の大きな部分を占めて” いるようですね。
“Devotion (Blood for Ink)” のクリーンボーカルとグロウルの対比に在りし日の OPETH へと想いを馳せるファンも多いでしょう。それにしても実に多様で創造性に満ちた作品です。「CYNIC, DEATH との相似点はむしろ哲学的なものなんだ。」その言葉こそが “Idol” “偶像” の本質を射抜いているのではないでしょうか。
今回弊誌では、HORRENDOUS のメンバー全員にインタビューを行うことが出来ました。「僕にとっては大前提として、ジャズとはジャンル分けの言葉というよりも政治的な言葉なんだ。」 本誌2度目の登場。どうぞ!!

HORRENDOUS “IDOL” : 9.9/10

INTERVIEW WITH HORRENDOUS

Q1: First of all, Horrendous has been three piece band from the beginning. But after “Anareta”, bass player Alex Kulick joined in the band. What made you become quartet?

【JAMIE】: A number of reasons, really. Before Anareta we played live very rarely, maybe 3 or 4 times per year, so it didn’t make sense to find a bass player, teach him or her all the songs, and keep them practiced and ready to go. We were also located in Columbia, SC at the time, which is a small college town with a very small metal scene. In other words, we didn’t have many reasonable candidates that could join the band. Additionally, the songs on our albums before Anareta were less complicated and could, in many cases, be performed well without live bass. Our music has gradually become more complex with each album, and it got to a point that we couldn’t afford to play live without bass anymore – we were missing a large chunk of our sound. So after we moved up North and began to play live more often and on bigger shows, we decided it was time to get a live bass player. Alex ended up filling the role – he has remained with the band ever since his first show with us in early 2016, and he contributed significantly to the writing for Idol.

Q1: 結成当初から3ピースを貫いて来た HORRENDOUS ですが、新たにベーシスト Alex Kulick が加入し4人体制となりましたね?

【JAMIE】: 彼の加入にはいくつか理由があるんだよ。”Anareta” 以前、僕たちはほとんどライブ活動を行っていなかったんだ。それこそ、年に3回か4回くらいしかね。だから当時は、新たにベースプレイヤーを見つけて1から全てを教える労力が馬鹿らしかったんだ。
それに、あの頃僕らはサウスカロライナ州のコロンビアに住んでいたんだけど、小さな学園都市でメタルシーンも小規模なものだったね。つまり、あの時はベーシストを加入させる合理的な理由がなかった訳さ。
加えて、”Anareta” 以前の楽曲はそこまで複雑ではなかったから、大抵はベース抜きでもライブで上手くプレイ出来たんだ。ただ、僕たちの音楽はアルバムを重ねる毎に徐々に複雑さを増し、遂にベース無しでライブを行うことが困難になってしまったんだ。サウンドの中でチャンクを見失ってしまうようになってね。
それでアメリカ北部へ引っ越して、より大きなショウを多く行い始めた僕たちは、そろそろベーシストを加入させることに決めたのさ。
Alex はすっかりその役割を果たしてくれたね。2016年初頭に行った彼との初めてのライブからずっとバンドに帯同しているし、”Idol” のライティングにも意義深い貢献を果たしてくれたよ。

Q2: Also, after the big success of “Anareta”, you transferred from Dark Descent Records to Season of Mist. It seems step up for the band. What’s your perspective about the label and the roosters like Cynic, Gorguts and Beyond Creation?

【JAMIE】: We wanted to try something new and to potentially expose different audiences to our music, and SoM ended up being the best fit. We liked that they have a varied roster in terms of music styles, and they also include bands further on the experimental/progressive side of the metal spectrum as you mentioned – we figured that fans listening to these bands might be interested in us as well. SoM also has a big reach in Europe and internationally, which is something we’ve never had before. Our experience with the label has been great thus far.

Q2: 同時に、前作からのインターバルで Dark Descent Records から Season of Mist へと移籍を果たしましたね?
CYNIC, GORGUTS, BEYOND CREATION といったビッグネームが所属するレーベルへの移籍は、バンドにとってステップアップに思えますが。

【JAMIE】: 何か新しいことに挑戦したかったのと、僕たちの音楽を異なるオーディエンスにも届けられる可能性を増やしたかったんだ。だからこそ、Season of Mist は最高にフィットしたね。
音楽的なスタイルという意味では、彼らのロースターは幅広くて気に入っているよ。それに君が挙げたようなエクスペリメンタル/プログレッシブサイドのメタルを探求するアーティストも揃っているしね。きっと彼らのファンのみんなも、僕たちに興味を持ってくれるはずだからね。
それに、Season of Mist はヨーロッパ、そして世界的にも大きな影響力をもっているからね。それはこれまでの僕たちにはなかったものだよ。彼らとの仕事は今のところとても順調なんだ。

Q3: So, let’s talk about your newest release “Idol”. Actually, the artwork by Brian Smith and this title are really impressive. What’s the lyrical theme of this incredible record?

【JAMIE】: The album’s lyrics tend to center around the various idols in our lives that exert a negative influence on us. These idols are individuals, institutions, gods, etc. in which we place our faith and to which we relinquish our autonomy and individuality, and the album is about the harm of falling under their spell. We were influenced by a number of negative forces while creating the album, including the current geopolitical situation of the Western world, self-doubt stemming from our occupations, and even the painful creation process of our new album. We were all under significant stress while making Idol, and this feeling found its way into the album’s lyrics very directly. We feel that the music is also more paranoid and manic than on our previous albums, and this seems to complement the lyrics well.

Q3: では最新作 “Idol” について話しましょう。Brian Smith の手によるアートワーク、そしてこのタイトルには実に好奇心をそそられました。

【JAMIE】: このアルバムの歌詞は、僕たちの人生にネガティブな影響を及ぼす様々な “偶像” についてフォーカスしているんだ。その偶像は、個人であったり、団体、神など様々だよ。そこに自らの信仰を置き、自律性と個性を放棄するようなね。そしてアルバムは、彼らの術中に落ちることの害について訴えているのさ。
僕たちは、アルバムを制作する際に多くのネガティブな力に影響されたんだ。現在の西欧世界の地政学的状況、僕たちの仕事に起因する疑念、そして新作の産みの苦しみさえも含めて、”Idol” を作っている間、全員がかなりのストレスにさらされていたんだ。そしてその感覚はアルバムの歌詞へと実に直接的に封じられているのさ。
同時に、音楽的に以前の作品より偏執的で躁の状態にあると感じているから、それもこの歌詞にピッタリだと思うな。

Q4: With joining of Alex, Horrendous’s overall sound becomes more progressive. I mean, “Prescience” is nice introduction, I think he uses fretless bass, and that reminds me Prog-death giants like Cynic, Death, and Atheist. In the writing process, did you intend to explore their influences more than before?

【JAMIE】: Alex actually does not use a fretless bass – he just plays in a manner that evokes the fretless sound. I would say that we’ve become more “progressive,” in the sense that it means adventurous, consistently with each release, and I think most people would consider our newest album to be our most progressive. This progression stems from our desire to continually challenge ourselves and to try new things as we improve our technical and songwriting abilities – we don’t want to release the same album twice, and we are constantly expanding our musical interests with time as we explore new genres as listeners. From these new places, we learn how other musicians think about creating music and apply parts of these philosophies to our own. We definitely did not have any intention of sounding like the bands you mention here, and in my mind any similarities between us and them are mostly philosophical. The inclusion of Alex during the writing process did make a difference for this album since he matured in the experimental and free jazz music scene in Philadelphia – his experience brought a new perspective to our songwriting.

Q4: Alex のフレットレスベースが加わったことで、方向性的としては CYNIC, DEATH, ATHEIST といったプログデスの巨人へと近づいた印象です。

【JAMIE】: 実は Alex はフレットレスベースは使用していないんだ。ただフレットレスのサウンドを喚起させる方法でプレイしているだけなんだよ。
冒険的という意味では、どの作品でも僕たちはずっと “プログレッシブ” だったつもりなんだ。ただし、ほとんどのリスナーが最新作を最もプログレッシブなアルバムだと言うのは分かるんだけどね。
この進化は、僕たちの常に新たなものへチャレンジし続けたいという欲求から来ているんだ。テクニックやソングライティングの能力を向上させたいというね。同じようなアルバムは2枚と作りたくないし、リスナーとしても音楽的な好奇心を常に拡大したいと思っているんだ。そうやって新たな領域を拡大すれば、他のミュージシャンのクリエイティブな考え方も学べるし、その哲学を僕たちの音楽へと還元することも可能だからね。
ただ、君が挙げたようなバンドのサウンドを狙った訳では決してないよ。僕の中で、僕たちと彼らの相似点はむしろ哲学的なものなんだ。
まあ確かに、Alex がライティングプロセスへと加わることでこのアルバムに違いが生まれたのは確かだけどね。というのも、彼はフィラデルフィアのシーンの中でもエクスペリメンタルやフリージャズに精通しているからね。だから、彼の経験が僕たちのソングライティングに新たな視点をもたらしたのは確かだよ。

Q5: Compared with “Anareta”, I think there are definitely much more layered sounds and diversity about harmony, melody line and atmosphere in “Idol”. Do you agree that?

【DAMIAN】: Yes, I’d agree that Idol is probably our most layered album. With every album, we spend time during the recording process writing additional leads to lay over top the main songs, and on Idol, we took this even further. We take great pleasure when people tell us that they discover something new with every listen, and even when we ourselves are listening back to the album, we end up hearing things that we forgot we added in, haha. I think that, combined with some of the the more adventurous and experimental parts on the album, these details really add to the atmosphere.

Q5: “Anareta” と比較して、”Idol” はハーモニーやメロディーライン、アトモスフィアが細部までより多重にレイヤーされているようにも感じました。

【DAMIAN】: うん、同意するよ。おそらく “Idol” は僕らの作品で最も多重にレイヤーされたアルバムだと思う。どのアルバムでも、僕たちはレコーディングの最中に、楽曲へと重なり合うリードパートを書いて加えていくんだけど、”Idol” ではその作業をさらに突き詰めたのさ。
僕たちは、リスナーが楽曲を聴くたび新たな発見を伝えてくれるのがとても嬉しいし、僕たちでさえ聴き返した時に加えていた要素を忘れているくらいだからね。(笑)
そうやって実験的で冒険的な要素がアルバムにより加味されたことで、様々なアトモスフィアが生まれたんだと思うな。

Q6: Regarding Progressive, lot’s of Jazz inspired sounds like phrase, rhythm approach and code progression in this record. What’s Jazz to you?

【ALEX】: Aha! The big question. I’m really happy to be able to try and answer this in a discussion about metal. First and foremost, jazz is a political word rather than a descriptive term, so it means something pretty different to everyone (I’m sure we could talk about this in terms of “metal” as well!). For me, when I’m talking about “jazz,” I’m talking about the world of sounds, ideas, and approaches that come from the Black Music tradition. We’ve spent a lot of time listening to records that come out of that and talking about what’s going on in the music there. That said, I actually don’t think there’s anything on the surface of the music on Idol that’s trying super hard to be “jazzy,” but I can think of a few aspects of it that point in the direction of that influence on us all. For instance, the exploration of rhythmic possibilities is a big part of the music on Idol which, for me, comes from the tradition we’re talking about. Rhythm and Time are such central considerations in “jazz” musics, and I think our listening has opened us up to new ways of phrasing, syncopating, constructing, and feeling pulses. Another thing is the style of bass playing all over the album, where instead of just playing the foundational riffs I’m often dancing around with my own melodic lines. A lot of those were improvised in the studio, and they definitely have a character that recalls some “jazz” playing (the Jaco Pastorius influence is probably pretty obvious!). Bass as a lead instrument that can explore in addition to holding things down definitely comes in part from that stuff. Also, the way the bass and drums converse with each other―sometimes in unison and others in counterpoint and often away from what the guitars are doing―is something that I think also pulls from this. In terms of harmony, you hear a really wide range of note/chord choices in “jazz” stuff that opens us up to new considerations, but I don’t think we go terribly far outside of metal’s bounds on that front. We’re all super willing to experiment though, and we always do. For me, at the root of all these ideas, there’s a freedom in terms of what an instrument can do in an ensemble context. Of course implied then is also a freedom in terms of what people can do. That comes from “jazz,” Black Music, that’s part of what I think it’s all about. It’s a vision of what’s possible. Matt once said to me that metal was about being “larger than life, if only for a moment,” and I see a connection there between “jazz” and the best things metal has to offer.

Q6: プログレッシブと言えば、”Idol” ではフレーズ、リズムアプローチ、コードプログレッションなど、ジャズからの影響が色濃く感じられましたが、バンドにとってジャズとはどういった存在ですか?

【ALEX】: これは凄い質問だね!(笑) いや、メタルに関するディスカッションの中でジャズについて話せるのはとても嬉しいね。
まず僕にとっては大前提として、ジャズとはジャンル分けの言葉というよりも政治的な言葉なんだ。だからみんなの考え方とは全然違うと思うんだ。まあメタルに関しても同様なんだけどね!
僕がジャズについて話すときは、ブラックミュージックの伝統を由来とするサウンド、アイデア、アプローチの世界なんだ。僕たちは多くの時間共にそういったレコードを鑑賞し、その音楽の中で何が起きているのか話し合って来たんだ。だからね、”Idol” の表面全体を “ジャジー” にすることはとても困難だと思ったんだけど、僕たち全員ジャズからの影響があるんだからいくつかの側面でジャズを取り入れることは可能だと思ったんだ。
例えば、リズムの可能性の探求は “Idol” の大きな部分を占めているんだけど、僕にとってそれはさっき話したようなブラックミュージック由来のものなんだ。リズムとタイムストラクチャーはジャズの音楽で柱となる考え方だよ。そして僕たちはジャズを聴き込むことで、フレージング、シンコペーション、構成力、それにフィーリングの面で新たな道を切り開いたんだ。
アルバムを通してベースプレイのスタイルにも変化が起こったね。基本となるリフをただ反芻する代わりに、僕はしばしば自身のメロディーラインを踊るんだ。それらの大半はスタジオでインプロヴァイズされたもので、確かにジャズを想起させる性質をもったものなんだ。特に Jaco Pastorious からの影響はおそらくとても顕著だね!
そしてリード楽器としてのベースもその延長上で探求出来るはずなんだ。それにユニゾン、カウンターポイント、ギターから離れたフレージングといったベースとドラムスの会話的な演奏も、そういったジャズの哲学から引き出すことが可能だと思うな。
さらに、ハーモニーという視点で見れば、ジャズにおいて音やコードの選択は実に幅広いことが分かると思う。その選択の幅が新たな思考を生み出すんだ。ただし、僕たちはそんなに大袈裟にメタルの領域から離れたつもりはないよ。ただ心底実験的なことがしたいし、いつもそうやって来ただけなんだ。
僕にとって、これらすべてのアイデアの根底には、楽器がアンサンブルの状況でも自由が保障されているという考えがあるんだ。もちろん、人々が行うことに関してもまた自由があるよ。そしてその考え方は “ジャズ”、ブラックミュージックから来ているんだ。何が可能かについてのビジョンとも言えるね。
Matt はかつて僕に、「メタルは一瞬かもしれないけど、間違いなく伝説となった。」と言ったんだ。僕はそのメタルの中にある最良のものをジャズと繋げようとしているのさ。

Q7: “Devotion (Blood for Ink)” has incredible contrast. And ethereal clean vocal becomes key of this song. Do you think such a clean part will increase next records?

【JAMIE】: That is hard to say for sure, but we always love experimenting with cleaner vocals and we certainly did so a bit more on Idol than previous albums. I suspect we’ll consider experimenting with them more as time goes on. There is a large group of extreme metal traditionalists that does not appreciate clean vocals, and we’ve definitely heard from some of these people regarding Idol. But there are certainly others who said they want us to incorporate even more clean singing in the future. We’ll end up doing it to the degree that it feels natural.

Q7: “Devotion (Blood for Ink)” で見せるコントラストは驚異的です。エセリアルなクリーンボーカルは間違いなく楽曲の鍵となっていますね?こういったクリーンボイスは今後増えて行くのでしょうか?

【JAMIE】: どうだろう、確かなことは言えないなあ。ただ僕たちは、いつもこういったクリーンボイスで実験するのが気に入っているし、”Idol” では以前よりも確かに少し増えているよね。きっと時が経つにつれて、その実験は増えていくんだろうと考えているよ。
クリーンボーカルを認めないエクストリームメタル保守派の大きな勢力が存在するのは知っているよ。そしてそういった人たちが “Idol” をどう見ているかもね。だけど、将来的にクリーンボーカルをもっと聴きたいと言っているファンも確かにいるんだよ。まあだから、自然だと思える程度に入れていくよ。

Q8: There are so many guitar solos in this album. Regarding lead guitar, who are your heroes?

【MATT】: My all time favorite guitar hero is definitely Marty Friedman. His playing is so distinct, and he is always focused more on melody and building a drama with his soloing rather than playing a million notes at light speed. He also tends to avoid typical patterns that you hear most metal guitarists playing–the tried and true patterns we learn on guitar and play mechanically for hours with a metronome–instead opting for unique phrasing and interesting rhythmic choices to create something memorable. His playing influenced me so much growing up because he embodied the soul of the greats before him who focused on crafting these huge, larger than life solo sections while also having a foot firmly planted in the heyday of shred guitar from his contemporaries in the late 80s. I think he has the perfect balance of the two, and I’ve always admired that.
In addition to him, I can’t help but be influenced by the usual suspects-Tipton/Downing, Murray/Smith, Dimebag, Randy Rhodes, etc. Some less obvious influences include the Amott brothers (I still adore the solos on Burning Bridges!) and Bill Steer.
Lately, I’ve also been gathering influence from jazz players (many of them not guitarists!), though I’m still pretty new to really digging into what these players are accomplishing with their solos.

Q8: アルバムには多くのスリリングなリードギターが収録されています。あなたのギターヒーローについて語っていただけますか?

【MATT】: 僕のオールタイムフェイバリットのギターヒーローは、Marty Friedman だよ。彼のプレイはとても個性的で、ギターソロはいつもメロディーとドラマを構築することにフォーカスしているんだ。100万の音を光の速さでプレイする代わりにね。
それに、彼は大半のメタルギターで耳にする典型的なパターンを避けようとしているよね。メトロノームに合わせて何時間も練習して学んだ絶対安全のパターンをね。その代わりに、ユニークなフレーズ、リズムのチョイスを配置して印象深い何かを創造しているんだ。
彼のプレイは僕の成長期に大きな影響を与えたよ。それは、彼が80年代後半のシュレッドギター全盛期にしっかりとそのルーツを置きながらも、彼以前に存在した巨大で伝説的なソロイストの魂を体現しているからなんだ。両者の完璧なバランスを保っていると思うな。そして僕はその点をとても崇拝して来たんだよ。
彼以外にも、Tipton / Downing, Murray / Smith, Dimebag Darrell, Randy Rhodes からの影響を挙げない訳にはいかないだろうね。彼らよりは影響が少ないけど、Amott 兄弟 (“Burning Bridges” のソロには今でも心酔しているよ) や Bill Steer もね。
最近はジャズプレイヤーからの影響も増えているんだ。彼らの多くはギタリストじゃないんだけどね!だけどそういったプレイヤーが成し遂げたソロワークは、今でも実に新鮮で惹き込まれるよ。

JAMIE’S RECENT THREE FAVORITE ALBUMS 

DAUGHTERS “YOU WON’T GET WHAT YOU WANT”

TOMB MOLD “MANOR OF INFINITE FORMS”

KURT VILE “BOTTLE IT IN”

MESSAGE FOR JAPAN

Thanks so much to any and all fans out there in Japan―I’ve wanted to visit Japan for as long as I can remember, and I hope we get the chance to play out there someday!

日本のファンのみんな、本当にありがとう!ずっと日本を訪れたいと願っているんだ。そのチャンスがいつか訪れると良いね!

ALEX (HORRENDOUS)

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THRAILKILL : EVERYTHING THAT IS YOU】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH WES THRAILKILL FROM THRAILKILL !!

“Labeling Can Only Get Us In Trouble. Every Band Or Album We Come In Contact With Should Be Viewed As It’s Own Entity, To Be Digested As Art.”

DISC REVIEW “EVERYTHING THAT IS YOU”

ハリウッドに居を構える楽器演奏者の登竜門 Music Institute。その過酷な虎の穴とも言える通称 MI で結成され、Instru-metal 道を追求していた MAMMOTH が THRAILKILL と名を改めリリースした “Everything That Is You” は、バンドの過去と現在、そして未来全ての作品を繋ぎ、与えられたギフトへと感謝を捧げる人間讃歌です。
自らが考案した “Cream Theater” の異名を追い求めた黎明期から、ストイックなトリオは音楽の旅を続けています。実際、MAMMOTH として最後にリリースした “Deviations” は、ANIMALS AS LEADERS を思わせるコンテンポラリーなヴァイブと、LIQUID TENSION EXPERIMENT にも通じる Tech-metal の王道、そして THE ARISTOCRATS のジャズ精神を巧みにミックスし、プログメタルシーンのリスナーを思考させ唸らせた快作でした。
ただ、HAKEN との有意義なツアーの後、同名バンドの乱立により改名を余儀なくされた彼らは、ギタリストで中心人物 Wes Thrailkill のラストネーム THRAILKILL を看板として掲げることに決めたのです。
「同じようなアルバムは2枚と作りたくない」と語る Wes の言葉を裏付けるかのように、”Everything That Is You” は MAMMOTH からのさらなる深化を封じる作品です。
「最新作はよりプログメタルにフォーカスした作品だよ。過去には各ソロイストを強調したジャズ/フュージョン寄りのアルバムも作ってきたけどね。」 と Wes は語りますが、彼の言うジャズ/フュージョンとはより個としてのソロイストを強調した作風、そしてプログメタルとはより全体のビジョンを統一した絵画のような作風と理解するべきでしょう。
そのコンセプトを考慮に入れて作品と向き合えば、THRAILKILL の目指す場所がより鮮やかに伝わって来るはずです。
Djent の季節を過ぎ、近年インストゥルメタル界隈では、ロックとジャズを融合させた難解とも言えるフュージョンというジャンルをより多様に、ポップに、現代的なサウンドでハイクオリティーにディフォルメする動きが高まりを見せています。
出自は Djent である INTERVALS や PLINI, さらに OWANE や ARCH ECHO といった超新星までそのカラフルなサウンドに込められた共通項は、知的でありながらキャッチーの粋を集めたその煌びやかなデザインでしょう。
実際、彼らは全て超一流のソロイストを揃えていますが、決して複雑怪奇なリードプレイ、それに “0000” を延々と奏でることはありません。ミニマルとさえ言える印象的なメロディーやリフを膨らませながら、R&B、ポストロックやエレクトロニカ、時にヒップホップまで飲み込んでリスナーにフックの洪水を投げかけるのです。
彼らと比較すれば存分にメタリックですが、THRAILKILL も確かにその大渦の中にいます。実際、”Consciously” でゲストプレイヤー Ryan Cho が奏でるヴィオラの響きがシネマティックなアルバムの幕開けを告げると、そこには Instru-metal のディズニーランドが広がって行くのです。
Final Fantasy のスリルをイメージさせる “Aware”、ポストロックの多幸感がヘヴィーフュージョンと溶け合った “Before”、デジタルの響きがエモーションを加速させる “Everything’s”、TRIBAL TECH のファンクを受け継ぐ “Gone”、そしてマスロックの洗礼を大いに浴びたタイトルトラックまで、躍動感を持った楽曲群はシームレスに繋がりそのエンターテインメント性を解き放っていきます。
一方で、もはや “Dream Rush” のニックネームこそ適切に思える奇想天外なオッドタイムの荒波で、しっかりと舵を取るリズム隊の貢献に触れない訳にはいかないでしょう。特に日本人である Yas Nomura の溢れるフレーズアイデアと巧妙な指捌き、ジャズの鼓動は、和製 Jaco Pastorius の形容もきっと過称ではないはずです。(余談ですが彼はギタリストとしても素晴らしい腕前で、Allan Holdsworth を彷彿させるプレイを聴かせます)
もちろん、ARCH ECHO の Adam Bentley がミキシングを手がけたことも偶然ではないでしょう。今回弊誌では Wes Thrailkill にインタビューを行うことが出来ました。「Yas は日本から来たんだよ。最初僕たちが会った時、彼が話すことの出来た英語は “Dream Theater….” だけだったくらいさ。」 どうぞ!!

THRAILKILL “EVERYTHING THAT IS YOU” : 10/10

INTERVIEW WITH WES THRAILKILL

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about the band and yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【WES】: I became addicted to playing guitar when I picked it up around the age of 11. Slowly, writing music became an obsession. My first record I ever bought was Dookie by Green Day and palm muted guitars quickly invaded my bedroom. The sonic palette began to shift when my dad introduced me to Rush. To this day, Hemispheres has to be my favorite record of all time. I started the band when I was about 13 in our buddies garage, mostly playing Van Halen covers. My compositions became more complex upon discovering guys like Allan Holdsworth and Between the Buried and Me in high school and ever since I sought to always push myself to produce music that challenged what I knew about boundaries. The band has seen quite a few different lineups, which in hand has always morphed our sound.

Q1: 本誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドについてお話していただけますか?

【WES】: 11歳の頃にギターを始めてすぐ、僕はギターの中毒になったんだ。そして徐々に音楽を書くことへと取り憑かれていったんだ。
人生で初めて買ったレコードは GREEN DAY の “Dookie” だったね。すぐにパームミュートのギターサウンドが僕のベッドルームを侵略するようになったんだ。そんな音のパレットが変化を始めたのは、父が RUSH を教えてくれた時だったね。その日以来、”Hemispheres” は僕のオールタイムフェイバリットとなったんだ。
バンドを始めたのは13歳の時だったな。友人のガレージで、たいていは VAN HALEN のカバーをプレイしていたね。それから僕の作曲方法はより複雑になっていったんだ。高校時代に Allan Holdsworth, BETWEEN THE BURIED AND ME のようなバンドを見つけてね。以来僕は、境界を押し広げるような音楽を生み出そうと、自分をプッシュし続けているのさ。
僕のバンドはかなりのメンバーチェンジを経て、その度にサウンドを変化させて来たんだよ。

Q2: What made you start playing a guitar? Who was your musical hero at that time?

【WES】: I started playing guitar when I moved to Los Angeles at age 11. One of the first kids I met in school had a squire bass and I used to cruise over all the time, jam and I guess that’s what put the bug into me. I begged my parents to get me a bass and my dad told me he’d get me a guitar instead. Looking back, I’m glad he did because my life probably would have looked drastically different otherwise. My mom gave me her Van Halen cassettes and when I heard the ‘eruption’ I shit myself. It was a musical epiphany for me because I had no idea a guitar could make that type of sound. Eddie quickly became my hero. I also thought “damn, my mom is actually pretty cool!”

Q2: では、ギターを始めた理由、当時のヒーローを教えてください。

【WES】: ロサンゼルスに引っ越した11歳の時にギターを始めたんだ。そこの学校で初めて会った子の1人がスクワイアのベースを持っていたんだよ。彼とはいつもつるんでいて、僕もベースをやるべきだと感じたんだ。それで両親にベースを買って欲しいと頼んだんだ。だけど父は代わりにギターを与えてくれたんだよ。
思い返せば、父がそうしてくれて良かったよね。もしベースを与えられていたら、僕の人生は劇的に違ったものとなっていただろうから。
母は VAN HALEN のカセットテープをくれたんだけど、”Eruption” を聴いてぶっ飛んだよ。あれは僕にとって音楽的なエピファニー (閃き) だったね。ギターであんなサウンドが作れるなんて思いもしなかったんだから。Eddie はすぐに僕のヒーローになったよ。それに 「ママはなんてクールなんだ!」 とも思ったね。

Q3: It seems all members of your band studied at the Musicians Institute in Hollywood, CA. How did Mammoth come to be at the school?

【WES】: Yea, I met the current dudes while going to MI in Hollywood. I had recently graduated with an undergraduate in Economics from UC Santa Cruz and wanted to explore more of my passion of the instrument. It was an incredibly humbling experience being surrounded by absolute monsters on a daily basis. My professor Jinshi Ozaki had a lasting impact on me, always keeping me focused on continuing the journey. Mammoth came to be at school from auditioning new players until it sounded right. Aliyar from Germany and Chase from Canada were the original trio and Yas and Lang were always friends that became apart of the band when those guys moved away.

Q3: THRAILKILL の前身バンド MAMMOTH はハリウッドの MI で結成されたようですね?

【WES】: うん、今のメンバーと会ったのはハリウッドの MI に通っていた時だったね。当時はカリフォルニア大学サンタクルーズ校の経済学部を卒業したばかりで、楽器への情熱をもっと探求したかったんだよ。
あの学校では、毎日モンスターのようなプレイヤーに囲まれてある意味圧倒されたね。僕の先生だった Jinshi Ozaki は今でも僕にインパクトを与え続けているよ。探求の旅を続けさせてくれる存在だね。
MAMMOTH はそんな学校で、正しいサウンドとなるまでオーディションを続けた結果誕生したんだ。ドイツから来ていた Aliyar と、カナダから来ていた Chase がオリジナルメンバーだったんだけど、今のメンバーである Yas と Lang とはいつも友人だったから、彼らがバンドを離れたあと MAMMOTH に加わることになったんだ。

Q4: It seems your bass player Yas Nomura is Japanese or has Japanese blood, right?

【WES】: Yea, Yas is from Japan. When we first met one of the only things he could say in English was ‘Dream Theater’…he’s one of the best players I’ve ever seen, as well as being a terrifying guitar player.

Q4: そのベースプレイヤーである Yas さんは日本人のようですね?

【WES】: うん、Yas は日本から来たんだよ。最初僕たちが会った時、彼が話すことの出来た英語は “Dream Theater….” だけだったくらいさ。だけど僕が見た中でもベストベーシストの1人さ。ギタリストとしても驚異的なんだ。

Q5: So, after “Deviations”, you changed your band name from Mammoth to Thrailkil. What was the reason of that?

【WES】: We toured with Haken after ‘Deviations’ came out there seemed to be a lot of confusion to who we were on the road. Many other bands shared the same name, so it only made sense to change the name. Being blessed with a ‘unique’ last name gave us our new name.

Q5: MAMMOTH として “Devitations” をリリースした後、バンド名を THRAILKILL へと変更しましたね?

【WES】: “Deviations” をリリースした後、HAKEN とツアーをしたんだけど、そのロードで僕たちが何者なのか多くの混乱が生まれていることに気づいたんだ。
というのも、他の多くのバンドも MAMMOTH という名前を使用しているからね。だから名前を変えるしかなかったんだよ。有り難いことに僕はユニークな苗字だったから、それをバンド名に据えることにしたんだ。

Q6: With that name change, I feel you shifted your musical direction from prog metal to more contemporary fusion music like Intervals, Plini, Arch Echo. Do you agree that?

【WES】: I think every album is different because my musical vision is always changing. I’ve never liked to create two records that sound remotely the same. I would actually say the newer record is more on the progressive metal side, where as in the past we were going for more of a jazz fusion sound with emphasis on each soloist. This in hand would get us called ‘wankers’ by particular sound guys in a live scenario where improvisation was rampant. I guess I wanted a listening experience that felt more uniform compositionally. I had never wrote a concept record that involved a theme that goes through harmonic variations from beginning to end so I wanted to do that.

Q6: 名前の変更に伴って、音楽的な方向性もプログメタルの領域から、INTERVALS, PLINI, ARCH ECHO のようなメタルの香りを残したコンテンポラリーなフュージョンへと変化したようにも思えますが?

【WES】: というよりも、全てのアルバムが異なっていると言えるだろうね。僕の音楽的ビジョンはいつも変化しているから。同じようなサウンドのレコードは2枚と作りたくないからね。
僕に言わせれば、最新作はよりプログメタルにフォーカスした作品だよ。過去には各ソロイストを強調したジャズ/フュージョン寄りのアルバムも作ってきたけどね。
プログメタルに寄せることで、即興が蔓延するライブシナリオで僕らは “オナニー野郎” と呼ばれるかも知れないね。たぶん僕はもっと統一感のあるリスニング体験へと向かいたかったんだろうな。アルバムを通して、ハーモニーのバリエーションが貫かれたコンセプト作品は作ったことがなかったから、やってみたかったのさ。

Q7: Especially “Consciously”, also from your artwork, I feel a lot of influences from Japanese video game like Final Fantasy in your music. What’s your perspective about that?

【WES】: I’ve actually never dove too deep into Japanese video game music. Although, watching all the Final Fantasy my girlfriend plays may be seeping into my creativity. I’ve always been big into movies and science fiction though. Conceptually, a lot of the music I’ve done in the past has a cosmic vibe to it. I created ‘Everything That Is You’ to remind myself to be appreciative of what we are given with this life, to live in the now but also take into consideration where we have been and that nothing is permanent. As of late, the majority of the progressive metal scene in particular has been falling into the generic ‘let’s talk about space and existence with a name that ends in an s’. I see it no different than people creating art to fit in and be accepted, turning a genre of what we love into a pop culture scenario where putting headphones on can be equivalent to ordering a Big Mac from Mcdonalds – Intellectually, checking out while checking musical boxes to be deemed genre acceptable. The reason we all choose to listen to this type of music is because it does in fact take chances and at times leaves us replaying a certain segment saying ‘how in god’s name did they come up with that?’ Labeling can only get us in trouble. Every band or album we come in contact with should be viewed as it’s own entity, to be digested as art.

Q7: “Consciously” “Aware” は象徴的ですが、THRAILKILL の音楽性には日本のビデオゲームと通じる場面も多いような気がします。

【WES】: 僕自身は日本のゲーム音楽にのめり込んだことはないんだよ。だけど僕のガールフレンドがプレイする全ての Final Fantasy を見ていたから、それが僕の創造性に浸透した可能性はあるね。
僕がいつも大いに入れ込んでいるのは映画とSFの世界なんだ。だからコンセプト的には、僕が過去に生み出してきた音楽の多くがコズミックなヴァイブを持っているはずだよ。
“Everything That Is You” (その全てが君なんだ) を創造したのは、僕自身もこの人生で与えられたもの、才能に対して感謝を忘れないためなんだよ。今を生きることは確かに重要さ。だけど同時に僕らがどういった道を辿って来たのか、そして永遠に続くものはないという事実を考慮することも大切なんだ。
とにかく、ラベル付けは僕たちにとってトラブルの種なんだよ。僕たちが触れるすべてのバンドやアルバムは、ジャンルではなくそれ自身唯一の存在として扱われるべきなんだ。アートとして消化されるためにね。

Q8: So, you are sometimes called like “Cream Theater”. Off course, it means Dream Theater-esque trio. Do you feel comfortable about that nickname?

【WES】: I think I wrote that as a joke online back when being an adolescent overrode maturity. When we toured in Germany a few years ago we played a small club in Frankfurt that actually put that next to our name on the bill and we all had a good laugh at that.

Q8: “Cream Theater” という例えは出色でしたね。もちろん、DREAM THEATER を彷彿とさせるトリオの意でしたが。

【WES】: あれを書いたのはオンライン上のジョークだったんだけど、何というかあの頃は中2病を拗らせていたんだろうな。
何年か前にドイツをツアーした時、フランクフルトの小さなクラブでプレイしたんだけど、僕たちの名前の横に “Cream Theater” と書かれていたんだよ。あれは笑ったよね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED WES’S LIFE

That’s a tough one. I feel like there is always one album at anytime of my life that I absolutely wear out before I can’t stand to hear it anymore. I guess it’s kind of like reading the same book over and over before the pages start to fall out.

BETWEEN THE BURIED AND ME “COLORS”

GREG HOWE “PARALLAX”

RUSH “HEMISPHERES”

VAN HALEN “VAN HALEN”

KING CRIMSON “DISCIPLIN”

MESSAGE FOR JAPAN

I would love to visit your country one day and finally get some real sushi and ramen!

いつか君たちの国をぜひ訪れたいね。そして遂に本物の寿司とラーメンを食べるんだよ!

WES THRAILKILL

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Yas Nomura Twitter

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NITA STRAUSS : CONTROLLED CHAOS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NITA STRAUSS !!

“I Think DEFINITELY The Time Has Come!! When I Was a Young Guitar Player, There Were Very Few Women Playing Guitar, And The Ones That Were Didn’t Really Play “Shred”.”

DISC REVIEW “CONTROLLED CHAOS”

男性が支配するロック/メタルのコミュニティーにおいて、数少ない女性パフォーマーの存在は、拒絶や差別との戦いを強いられた嵐の航海だったと言えるでしょう。
そして、フロントウーマンはもちろん、Orianthi, Yvette Young, Sarah Longfield などギターヒロインまで台頭し浸透した2010年代になっても、性的なコメントや挑発に対処する必要は未だなくなってはいないのです。
オーストリアのクラッシック音楽家ヨハン・シュトラウス2世の血を引くシュレッダー Nita Strauss は、その高い知性と敏腕で轟天と荒波を潜り抜け、シーンにおける女性の地位確立に大きな貢献を果たして来ました。
「”間違いなく” 遂に女性の時代が来たと感じているのよ!!メタルシーンにとって素晴らしい時代になったのよ。」AS BLOOD RUNS BLACK, THE IRON MAIDENS, FEMME FATAL そして Alice Cooper。女性の存在がまだ極少だった時代から、華麗にキャリアを紡いで来た開拓者の精神はそして実にポジティブです。
「有名な哲学者の言葉に、”幸運とは、しっかりと準備する者の上に舞い降りる” というものがあるわ。そして私は心からその言葉を信じているのよ。私は全ての人生を通して、Alice Cooper のようなレジェンドと共にプレイするため準備を続けて来たの。出来るだけ様々なバンドとツアーをしながらね。」Nita はどんなギグであろうと、観客に彼女の名を刻みたいと語っています。そして、そうした努力と前向きな姿勢がショックロックレジェンドの右腕という場所へ彼女を誘ったのでしょう。
さらに Nita のソロアーティストとしての船出には、ヴァーチュオーゾ Steve Vai もその力を貸しています。Steve がエグゼクティブプロデューサーを務めた、ギターヒロインのみから成るコンピレーション “She Rocks, Vol. 1″。ここに収録された “Pandemonium” は、Lita Ford, Jeniffer Batten といった先達の楽曲をも凌ぐインパクトとパワーに満ちていました。
メタルコア、デスコア、Djent といったモダンメタルを抱擁する新鮮なビジョンと、ワーミーペダル、ハーモニクス、ファストなアルペジオをトレードマークとするコンビネーションの妙技。
実際、ルーツである Shrapnel 直系のシュレッドを、クラシカルな出自、コンテンポラリーでダークなアグレッションと結び付けた Nita の野心は、彼女の言葉を借りれば “Leave No Doubt” 疑いようもなく傑出していて、心ないファンの挑発を黙らせるだけの才能と実力を見せつけていますね。
そして何より、アルバムを締めくくる QUEEN のカバー “The Show Must Go On” で提示するストリングスとの甘やかな共闘、ダイナミズムの香り、メロディーを操るセンスには未来への可能性が存分に詰まっているはずです。
今回弊誌では、Nita Strauss にインタビューを行うことが出来ました。「私は学校にもほとんど友人がいなくてね。だから、私は授業の間の休み時間も一人でギターを弾いて過ごしていたのよ。一見不幸にも思えるけど、長い目で見ればそういった境遇によって私はより良いギタープレイヤーになれたの。」リリースは Sumerian Records から。どうぞ!!

NITA STRAUSS “CONTROLLED CHAOS” : 9.8/10

INTERVIEW WITH NITA STRAUSS

Q1: We know you comes from a long line of classical musicians – one of your ancestors on your father’s side of the family is the Austrian composer Johann Strauss II. Born in such a great music family, how did you spend your childhood and school life?

【NITA】: Like a lot of guitar players, I wasn’t the most social kid. I didn’t have a lot of friends in school, so I spent my time playing guitar by myself during recess, between classes, etc. I think it made me a better guitar player in the long run!

Q1: あなたは長く連なるクラッシック音楽の家系出身で、父方の先祖にはオーストリアの作曲家ヨハン・シュトラウス2世も含まれるようですね?
そういった出自の中で、子供時代や学生生活をどのように送ったのでしょう?

【NITA】: 多くの他のギタープレイヤーと同様に、私は全く社交的な子供ではなかったのよ。学校にもほとんど友人がいなくてね。
だから、私は授業の間の休み時間も一人でギターを弾いて過ごしていたのよ。一見不幸にも思えるけど、長い目で見ればそういった境遇によって私はより良いギタープレイヤーになれたのよ。

Q2: What inspired you to start playing guitar? Who was your musical hero at that time?

【NITA】: I started playing guitar after seeing Steve Vai in the movie “Crossroads”. I was instantly drawn to his style, how he had such perfect technique but at the same time so much joy and passion in his playing.

Q2: では、ギターを始めたきっかけや、当時のヒーローについてお話していただけますか?

【NITA】: 私は Steve Vai の出演していた映画 “Crossroads” を見てギターを始めたのよ。すぐに彼のスタイルにのめり込んでいったわ。
あれほど完璧なテクニックを持っているのに、彼のギタープレイには同時に沢山の感情、喜びや情熱が存在しているのよ。

Q3: I first knew you was As Blood Runs Black, and after that The Iron Maidens. Since then, how did you meet and come to play with legendary shock-rock icon Alice Cooper?

【NITA】: A famous philosopher said “Luck is when preparation meets opportunity” and I truly believe that. I worked my whole life to be ready to play with a legend like Alice Cooper, touring with any band that I could. It was Kip Winger who first recommended me to Alice in 2014 and I am extremely grateful for that.

Q3: あなたを初めて知ったのは AS BLOOD RUNS BLACK に加入していた時でした。その後 THE IRON MAIDENS でブレイクを果たし Alice Cooper とタッグを組むことになったと記憶しています。
その伝説のショックロックアイコン Alice とはどの様に出会ったのですか?

【NITA】: 有名な哲学者の言葉に、”幸運とは、しっかりと準備する者の上に舞い降りる” というものがあるわ。そして私は心からその言葉を信じているのよ。
私は全ての人生を通して、Alice Cooper のようなレジェンドと共にプレイするため準備を続けて来たの。出来るだけ様々なバンドとツアーをしながらね。
最初に私を Alice に推薦してくれたのは Kip Winger だったわ。2014年のことね。だから Kip には最高に感謝しているのよ。

Q4: So, what’s Alice to you now? What have you learn while playing with him?

【NITA】: We all look up to Alice so much!! He’s an amazing example of a legend who has remained humble, kind and generous throughout his career.

Q4: では、あなたにとって Alice はどの様な存在ですか?

【NITA】: 私たちバンドのメンバーはみんな Alice をとても尊敬しているわ!!彼は自身のキャリアを通して、謙虚で親切、寛大なレジェンドとしての素晴らしい模範であり続けているの。

Q5: Like Nita, Yvette Young, Sarah Longfield, lot’s of guitar heroins hit the scene now. Actually, recently, Fender study reveals 50% of new guitar players are women. Do you think finally, “Women’s era” comes to guitar scene?

【NITA】: I think DEFINITELY the time has come!! When I was a young guitar player, there were very few women playing guitar, and the ones that were didn’t really play “shred”. So I didn’t really have a female hero to look up to, until I discovered Jennifer Batten. But that was still only one out of thousands of men in the industry. Now there is a new female hero everywhere you look. It’s an amazing time to be in the industry.

Q5: あなたや Yvette Young, Sarah Longfield など、近年多くのギターヒロインがシーンに登場しています。
実際、フェンダーの調査では新たにギターを始める人の半分が女性になっているそうですね。遂にギターシーンにも “女性の時代” が到来したと思いますか?

【NITA】: 私はね、”間違いなく” 遂に時が来たと感じているのよ!! 私がまだ若いギタープレイヤーだった頃、女性のギタリストなんてほとんどいなかったの。ごく少数いた女性ギタリストにしても、”シュレッド” といえるプレイをしている人は皆無だったわ。
だから、Jennifer Batten を発見するまで、私には尊敬出来る女性プレイヤーが本当に存在しなかったのよ。だけど彼女にしたって、当時何千もいた男性ギターヒーローの中で唯一の女性だった訳だからね。
今では新たなギターヒロインが色んな場所に登場しているわ。つまり、メタルシーンにとって素晴らしい時代になった訳よ。

Q6: OK, let’s talk about your debut full-length “Controlled Chaos”. “Leave no doubt”, the title represents your musical approach and challenge in this record, right?

【NITA】: I find that the human mind can be an incredibly chaotic place at times. You can choose to harness that chaos and make something productive out of it, or let it destroy you. I’m glad I was able to do the first one.

Q6: ではあなたのソロデビュー作品 “Controlled Chaos” について話しましょう。
コントロールされたカオス。”疑いようもなく”、このタイトルはあなたの音楽的アプローチを表現しているように思いますが?

【NITA】: 私は、時に人の心は、信じられないくらいカオスな状態になり得ることに気づいたの。そうして人は、そのカオスから生産的なアートへと繋げることが出来るのよ。もしくは自分自身を壊してしまうかのどちらかね。
私の場合、そのカオスをアートへと繋げることが出来て良かったわ。

Q7: it seemed Steve Vai’s offer that first motivated you to pursue a solo career, right? I mean, the song “Pandemonium” appears on “Controlled Chaos” in its updated form as “Pandemonium 2.0”. Do you think that heavy & classical song represents your own style the most?

【NITA】: It’s definitely a great representation of me as a musician. It’s aggressive and dark, but has a melody and a resolution. I’m glad it was my solo introduction to the world.

Q7: Steve Vai がギターを始めたきっかけだと仰いましたが、あなたのソロキャリアの始動にも彼が関わっているようですね?
彼が纏めたコンピレーションに収録されていたあなたの楽曲 “Pandemonium” は、”Pandemonium 2.0″ として “Controlled Chaos” にも収録されています。クラシカルでヘヴィーなあなたのスタイルを象徴していますね?

【NITA】: 間違いなく、”Pandemonium” はミュージシャンとしての私を実に良く表現した楽曲よ。アグレッシブでダークだけど、メロディーと断固とした決意があるわ。
この楽曲が、私のソロワークの世界へ向けた最初のイントロダクションとなって嬉しかったわ。

Q8: You started to make appearances on WWE shows. Among them, your appearance at WrestleMania, and playing guitar in a live performance Shinsuke Nakamura’s entrance theme was really honor for us, Japanese! Actually, is it important for you to open up a new area, audience?

【NITA】: It was an honor and a privilege to play Shinsuke’s music!! Here’s something that might surprise you- Shinsuke was actually the second Japanese wrestler I played to the ring!! The first ever was the Great Muta at PCW Ultra in Los Angeles!! It’s a great honor to be a small part of the Japanese Puroresu world, and I hope to participate more in the future!

Q8: 最近は WWE にも出演していますよね?レッスルマニアで、中邑 真輔選手のテーマソングをライブで演奏されていましたが、日本人にとっては嬉しい瞬間でしたよ。

【NITA】: 真輔のテーマを演奏出来て誇りに思うわ!!日本のみなさんを驚かせるかも知れないけど、私がリングで日本人レスラーのために演奏したのは、実は真輔が2人目なの。最初にプレイしたのは、グレート・ムタだったのよ!! PCW ULTRAのロサンゼルスのリングでね。
私は本当に、日本のプロレスワールドの一部に加われてとても光栄に思っているの。将来的にはもっと参加して行きたいわね!

FIVE ALBUMS THAT CHANGED NITA’S LIFE

STEVE VAI “PASSION AND WARFARE”

MARTY FRIEDMAN “TRUE OBSESSIONS”

JASON BECKER “PERPETUAL BURN”

JEFF LOOMIS “PLAINS OF OBLIVION”

ANGEL VIVALDI “SYNAPSE”

MESSAGE FOR JAPAN

Arigatou Gozaimasu for all of your support over the years!! I can’t wait to come back and play more shows in Japan and experience more of the amazing Japanese culture- and food!

長年に渡る全てのサポートを本当にありがとうございます!!もっと多くのショウを行うため、そしてもっと素晴らしい日本文化や食事を体験するため日本に戻るのが待ちきれないわ!

NITA STRAUSS

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【AZUSA : HEAVY YOKE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CHRISTER ESPEVOLL & DAVID HUSVIK OF AZUSA !!

“I Think The Whole Metal Genre Needs An Alteration, And The Domination Of Male Energies Comes With Certain Limitations And Lacks Dynamics. In General, We Need More Females Involved.”

DISC REVIEW “HEAVY YOKE”

Kate Bush がフロントウーマンの SLAYER。Chelsea Wolfe 擁する THE DILLINGER ESCAPE PLAN。もしくは Joni Mitchell と CYNIC の邂逅。
ネイティブアメリカンの透明な少女、ヒーラーの名を冠する AZUSA は、様々な “If” を浄化と知恵、調和と変化のダイナミズムで実現しながら、飛躍するフィーメールフロンテッドの潮流を一層確かなものとします。
多国籍のスーパーバンド AZUSA の始まりは、THE DILLINGER ESCAPE PLAN の Liam Wilson が EXTOL に送った一通のメールでした。昨年終焉を迎えたカオティックハードコアの首謀者を牽引したベースマンは、明らかにノルウェープログメタルの至宝に激しく惹かれていました。
一方はヴィーガンでヨガを嗜む探求者。一方はキリスト教の中でも特に精霊の加護を掲げる一派で育った、クリスチャンメタルの求道者。もしかすると、両者の間には “スピリチュアル” という共通項が存在したのかも知れませんね。
そして David が「男性のエナジーがシーンを支配することで、リミットやダイナミクスの欠如が生まれていると思う。だから一般的に、僕たちはもっと女性を取り込んで行く必要があるんだよ。」と語る通り、AZUSA の更なる独自性は女性ボーカル Eleni Zafiriadou の加入で決定的なものとなりました。
ハードコアを経由し、現在はインディーポップデュオ SEA + AIR で魅惑の歌声を響かせる Eleni の、ブルータルからドリーミー、そしてポップを行き来する万華鏡のアプローチは、それでも未だ男性が大半を占めるエクストリームの声に鮮やかな新風を吹き込んでいます。
もう一つの重要なトピックは、EXTOL から袂を別ったギタリスト Christer Espevoll がドラマー David Husvik と再度邂逅を果たしたことでしょう。
CYNIC や DEATH の知性と神秘のアグレッションを、北欧からキリスト世界のイメージと共に発信していた EXTOL の異能。ボーカル Peter の兄弟で、そのデザインを支えていた Christer が従兄弟である一族の David と再び創作を始めたことは、バンドやシーンにとって実に歓迎すべき出来事であるはずです。
実際、アルバムオープナー “Interstellar Islands” で2人のケミストリーは、瞬く間にかつての輝きを取り戻します。メロディックにリズミカルに、思慮深く構築される Christer の幾何学的ギターワークは、15年の時を超え David の放つ正確無比なグルーヴと見事に交差し調和していきます。もちろん、複雑に連なるオッドタイムの基幹となるは Liam のベースノート。
「特に Liam と Eleni が AZUSA に加わってから僕たちは全く異なる場所にいると言えるだろうね。実際、”Heavy Yoke” の作曲とレコーディングのプロセスは、思いもしなかった場所に僕たちを誘ったんだ。僕たち2人が始めた時は想像もつかなかったような場所にね。」 と Christer が語る言葉は真実です。
スラッシュの凶暴からサイケデリックワルツ、そして甘やかなポップをシームレスに接続し、刻々とタイムワープを繰り返すスリリングな楽曲で、Eleni の魔法は冴え渡ります。
そうしてそのエクレクティックな才能は、入り組んだ迷宮のような “Heavy Yoke”、一方でよりストレートなハードコア賛歌 “Heart of Stone”、そして初期 CYNIC のアトモスフィアを纏った “Spellbinder” までリアルタイムで適応し、バンドの目的地である美しき不協和、メタルホライゾンの向こう側を煌々と照らすのです。
相互に織り成す人間関係のより暗い側面、現実に蔓延る感情的な重さへと焦点を当てたアルバムで、Eleni は 「私の夢を一瞬で踏みにじる準備は出来た?」 と唄います。シーンは彼女の叫びにどう反応するのでしょうか?
今回弊誌では、元 EXTOL の Christer と現 EXTOL の David にインタビューを行うことが出来ました。「僕たち2人がハードロックやメタルを聴き始めたのは12, 13歳のころだったね。僕等の両親はその行為にとても懐柔的だったんだけど、ただしクリスチャンロック、クリスチャンメタルのバンドはキリスト教の教えを歌詞に盛り込んでいるから許されていたんだよ。」 どうぞ!!

AZUSA “HEAVY YOKE” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DAUGHTERS : YOU WON’T GET WHAT YOU WANT】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ALEXIS MARSHALL OF DAUGHTERS !!

“The Title Definitely Serves As a Disclaimer. A Reminder To Everyone, Ourselves Included, Expectations Tend To Be More Of a Hindrance Than Aide. “

DISC REVIEW “YOU WON’T GET WHAT YOU WANT”

“欲しいものは手に入らないよ”。音楽に限って言えば “叶わぬ望み”、それは決して悲観すべき状況とのみは言い切れないのかも知れませんね。
ロードアイランドの州都プロビデンスで、最も不遜にして刺激的な音圧を刻み続ける実験のエクストリームアクト DAUGHTERS は、リスナーの期待に易々と添うことを良しとせず、臆す事なくジャンルの壁を粉砕し、サディスティックにそのクリエイティブなビジョンと牙を研ぎ澄ましています。
実際、8年振りのご褒美 “You Won’t Get What You Want” のタイトルは、かつての姿を望む全てのファンに向けた警告であり、放棄の証とも言えるのです。「このタイトルはディスクレーマーさ。期待は時に助けよりも妨げになるという事実を、みんなに思い起こしてもらうためのね。僕たち自身も含めてね。」 Alexis Marshall がそう語る通り、バンドは常に変化の中から内なるモンスターを覚醒させていくのです。
事実、躁の一極へと振り切った初期のマスコアイズム、グラインドコアのアドベンチャーは、時と共に成熟を遂げバンドのアグレッションをより狂気の方角へと導いていきました。
そうして、2010年にリリースされた前作 “Daughters” は培ったノイズロックの息吹を全面に開花させ、アンチメロディーからアクセシブルの地平へと舵を切ったマイルストーンへと仕上がったのです。
しかし、高まる人気、注目の一方でバンドは疲弊していました。「多くのことが一度に起こりすぎて、充分に内省、考慮することが出来なかったんだろうな。何年もずっとツアーを続け、些細なことでも深刻な問題となってしまったね。だから時間を置いて離れる必要があったのさ。」 と語るようにバンドは活動の休止を余儀なくされます。中でもバンドの要であるボーカル Alexis とギタリスト Nicholas Sadler の対立は深刻で、傑作リリースの裏舞台では Alexis、そしてベーシスト Samuel Walker までもが一時バンドを離れる事態にまで発展していたのです。
2013年、故郷のローズアイランドで再集結を果たした DAUGHTERS。プロビデンスの黒ダイヤをこのまま眠らせて置く訳にはいかないと、Robotic Empire レーベルの Andy Low が一肌脱ぎ実現したシークレットライブで、バンドは初めてサードアルバム “Daughters” の楽曲をオーディエンスに向けてプレイすることとなりました。そこでファンの変わらぬ熱狂を浴びた2人にとって、過去のいざこざはもはや取るに足らない小事となっていたのです。
Hydra Head から Ipecac への移籍、産みの苦しみを経て、”You Won’t Get What You Want” は遂に陽の目を見ることとなりました。リスナーが手に入れたのはもちろん、初期の凶暴な源衝動でもなければ前作の受け入れ易い躍動するアグレッションでもありません。
ロウテンポからミッドテンポの真中を蠢くノイズの海に、グラインドとミニマル成分を注入したムーディーな戦慄。この切迫した焦燥感、アトモスフィアはさながら Stephen King の映画のように、リスナーの神経をジリジリと蝕んでいきます。
ミニマルに、ノイジーに、スラッジーにインテンスを導く “City Song” で予兆を与えた後、”Long Road, No Turns”, “Satan in the Wait” の流れはバンドの禍々しきメタモルフォーゼを完膚なきまでに具現化します。
オリエンタルに、トライバルに、ゴシカルに、耳を惹くフックを盛り込みながら、不協和音のエッジ、無慈悲なマスビート、ハーモニーの崩壊を究極まで突き詰め全てを漆黒に塗り潰すバンドの方法論、アートロックのセレモニーはあまりに異形。
もちろん、同郷の THE BODY は比較対象の一つでしょう。しかし、Nick Cave のダークアメリカーナや Trent Reznor の内省的な実験を想起させる “Less Sex”、シンセとエフェクト、そしてファナティックなビートによってホラー映画の悪夢が再現される “The Flammable Man”、コンテンポラリーなパンクロックにも思える “The Reason They Hate Me” など作品に育まれた多様なコントラストとダイナミズムはやはり唯一無二。そしてその潮流は、きっと此の地日本の ENDON や、Sargent House のロースターとも密に繋がって行くはずです。
全てを聴き終えた後、とめどない疲労感と共に、まるで何かの呪詛をかけられたかのようにも感じる実に強烈なレコード。今回弊誌では Alexis Marshall にインタビューを行うことが出来ました。「ただ言えるのは、僕が従来の、慣習的なメロディーには興味がないってこと。僕たちはただ自分たちにとって良いと思えるサウンドにフォーカスしているだけなんだ。」 どうぞ!!

DAUGHTERS “YOU WON’T GET WHAT YOU WANT” : 10/10

INTERVIEW WITH ALEXIS MARSHALL

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about yourself and band? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【ALEXIS】: I’m Alexis, we are Daughters. Providence based noises, post-everything band of degenerates. I grew up with various musical influences in my life. My brother exposed me to NYHC and thrash bands, while my father was a big fan of people like Arlo Guthrie, country singers like Hank Snow, Waylon Jennings and the like. My mother wasn’t much for music, but she was Cure fan and I got into them at a young age. A bit of everything.

Q1: 本誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話いただけますか?

【ALEXIS】: 僕は Alexis。DAUGHTERS だよ。US、プロビデンスを拠点とするノイズ、そしてポストエブリシングが退廃したバンドとでも言おうかな。
僕は人生において様々な音楽的影響を受けて来たね。兄は NYHC やスラッシュメタルに触れさせてくれたし、一方で父は Arlo Guthrie やカントリーシンガーの Hank Snow、Waylon Jennings といった人たちの大ファンだったんだ。
母は特に音楽ファンという訳ではなかったけど、CURE が好きだったね。だから幼い頃は僕も彼らにハマっていたよ。そういった影響が少しづつ全て投影されているよ。

Q2: Eight years have passed since you had released “Daughters”. When you released that album, it seems you were almost breaking-up, right?

【ALEXIS】: We were in a state of flux; maybe too much coming and going and not enough reflecting. All the years and tours and little things became too heavy and we needed time away.

Q2: 前作 “Daughters” をリリースしてから8年という長い時間が経ちました。
作品は素晴らしかったものの、当時バンドの状態は決して良いとは言えませんでしたよね?

【ALEXIS】: 当時僕たちは変動の状態にあったと言えるね。おそらく、多くのことが一度に起こりすぎて、充分に内省、考慮することが出来なかったんだろうな。
何年もずっとツアーを続け、些細なことでも深刻な問題となってしまったね。だから時間を置いて離れる必要があったのさ。

Q3: On September, 2013 Daughters reformed for one show in Rhode Island. That was the first step for your reunion. But what made you get together again at that time?

【ALEXIS】: Our friend Andy Low orchestrated that. He spoke with Nick and I separated and set up a dinner between the two of us. It was slick move on Andy’s part. It paid off. Nick and I fell right back into Daughters talk.

Q3: 2013年の9月に、ローズアイランドで行ったライブは、DAUGHTERS のリユニオンに向けた最初の一歩となりました。あの時、再び集まることとなったきっかけを教えて下さい。

【ALEXIS】: 僕たちの友人、Andy Low が会合をセッティングしてくれたんだ。彼は Nick と僕と別々に話して、僕たち2人のディナーを実現してくれたのさ。
Andy の巧妙で賢いやり方が功を奏したね。彼は報われたよ。だって Nick も僕も、再び DAUGHTERS の話をすることが正しいと感じられたんだからね。

Q4: It seems you started making new record in 2014. But “You Won’t Get What You Want” is released after almost five years, Also, you transferred from Hydra Head to Ipecac in this interval. What was the reason of that?

【ALEXIS】: We had been demoing songs for quite a while, but we didn’t get serious about it until a couple years ago. I’d say we spent 18 months really working openly on YWGWYW and talking seriously about a full length. Hydra Head stopped being an active label several years ago. We knew HH wasn’t going to be an option. Our relationship with Ipecac started when we had Dalek with on a few dates in ‘17. We were informed by Will of Dalek that Patton was asking about us, what we were like, how touring with us was going, and it all grew from there.

Q4: 2014年にはレコーディングに入ったと思われましたが、実際に最新作 “You Won’t Get What You Want” がリリースされたのはそれからほぼ5年の後でした。
同時に、レーベルも Hydra Head から Ipecac に移行しています。

【ALEXIS】: 僕たちはかなり長い間、楽曲のデモを制作していたんだよ。だけど、2年くらい前までその成果に真剣になることが出来なかったんだ。
ただ、確かに言えるのは、それから18ヶ月の間、僕たちは本当にオープンにこの “You Won’t Get What You Want” に取り組んだし、新たなフルアルバムについて真摯に話をして来たんだよ。Hydra Head は何年か前にレーベルとしての活動を止めてしまったね。だから彼らと契約することは選択肢になかったね。
Ipecac との関係は、2017年に数回、実験的なヒップホップグループ DALEK と共演したことから始まったんだ。DALEK の Will が、(Ipecac の) Mike Patton が僕たちについて彼に色々聞いていると伝えてくれたんだよ。僕たちが好きなものや、僕たちとのツアーはどうかとかね。そうやって全ては今の良い関係へと繋がっていったのさ。

Q5: OK, let’s talk about “You Won’t Get What You Want”. Low-tempo, minimalistic and moody, I think new Daughters is not the same as the old Daughters. I mean, I feel this title is for fans who wants old Daughters, haha. Anyway, what’s the meaning or message behind the title, and lyrical themes?

【ALEXIS】: The title definitely serves as a disclaimer. A reminder to everyone, ourselves included, expectations tend to be more of a hindrance than aide. I don’t have any obvious or overarching themes happening lyrical. There are some commonalities in the content, but I wasn’t tell a grand story by any stretch.

Q5: ではその最新作 “You Won’t Get What You Want” について話しましょう。
ローテンポでミニマルかつムーディー。過去の DAUGHTERS とは一線を画す作品ですね。つまり、”欲しいものは手に入らない” というタイトルはファンに投げかけた言葉にも思えますね。(笑)

【ALEXIS】: このタイトルは間違いなく、ディスクレーマー、免責事項の役割を負っているよ。期待は時に助けよりも妨げになるという事実を、みんなに思い起こしてもらうためのね。僕たち自身も含めてね。
歌詞に関しては、特に明確な、重要なテーマを持っている訳じゃないんだ。確かに内容にはいくつかの共通点があるんだけど、それを拡げて大きなテーマとして語ることはしなかったんだ。

Q6: You are often described as grindcore, noise rock and even mathcore. But your new record is more rich, cinematic and atmospheric. I mean this is the most diverse album in your works. Do you agree that?

【ALEXIS】: Yeah, I’d have to agree with that.

Q6: グラインドコア、ノイズ、さらにはマスコアにも例えられる DAUGHTERS の音楽ですが、最新作ではそこにシネマティック、アトモスフェリックな要素が加味されたようにも思えます。バンド史上最も多様な作品と言えそうですね?

【ALEXIS】: そうだね。その批評には同意しなくてはならないだろうね。

Q7: Also, it seems you continued to change your sound from the beginning. Definitely, in your self titled album, you moved from anti-melody to more accessible one. In the fierce, dark, heavy sound, what’s melody to you?

【ALEXIS】: I don’t know. I don’t care about conventional melody. We are focused on what sounds good to us, what keeps us interested and passionate about this pursuit. A focus on structure is binding; we’ve no use for that.

Q7: 変化を続けるバンドですが、前作 “Daughters” ではアンチメロディー的な姿勢から、よりアクセシブルなメロディーを取り入れたように感じます。
獰猛でダークな DAUGHTERS のサウンドにおいて、メロディーとはどの様な役割を負っていますか?

【ALEXIS】: わからないよ。ただ言えるのは、僕が従来の、慣習的なメロディーには興味がないってこと。僕たちはただ自分たちにとって良いと思えるサウンドにフォーカスしているだけなんだ。
そうすることで、僕たちは音楽に興味を持ち続け、情熱を持って追求することが出来るんだからね。まあとにかく、ストラクチャーにあまり固執しすぎることは、縛られることにも繋がるんだ。僕たちはそういったやり方はしないんだよ。

Q8: SNS, Internet, streaming service have changed music industry. Among them, especially, Rock, guitar music is on the decline. Do you think that is a defined fate? What’s your perspective about that?

【ALEXIS】: It’s all in cycles. We just wrote a guitar heavy record, so I like to think it’s not going anywhere.

Q8: インターネット、SNS、ストリーミングサービス は音楽産業を劇的に変化させました。
中でも特に、ロック、ギターミュージックの減退は特筆すべきでしょう。この状況は、定められた運命だったのでしょうか?

【ALEXIS】: 全てはサイクルの中にあって繰り返すんだよ。僕たちはただギターがヘヴィーなレコードを書くだけさ。だからギターミュージックはどこにも行かないさ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED ALEXIS’S LIFE

AGNOSTIC FRONT “LIBERTY AND JUSTICE FOR…”

SCOTT WALKER “DRIFT”

LEONARD COHEN “SONGS FROM A ROOM”

PJ HARVEY “RID OF ME”

DEATH “LEPROSY”

MESSAGE FOR JAPAN

I want you, forever.

ALEXIS MARSHALL

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CULT LEADER : A PATIENT MAN】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ANTHONY LUCERO OF CULT LEADER !!

“I Do Feel The Weeping Skull Represnts The Concept Of The Album. Musically And Lyrically We Want The Band To Be An Expression Of The Negativity In Our Lives.”

DISC REVIEW “A PATIENT MAN”

ソルトレイクに兆すエクストリームミュージックの胡乱なニューリーダー。異端の唱道者 CULT LEADER が掲げる教義は、陶酔を誘う魔性のカオスとノワールです。
グラインドコアとスラッジの蜜月を象徴したバンド GAZA の解散は、アンダーグラウンドの世界にとって二重の意味でショッキングな出来事でした。鋭利で野放図なその独創性が途切れることはもちろん、当時のボーカリストが起こしたスキャンダルもまた、リスナーの大きな落胆を誘ったことは確かでしょう。
しかし障害の根源を断ち切り、ベーシスト Anthony をボーカルに据えて再始動を果たした CULT LEADER のある種麻薬的で、妖気振りまく夜叉の佇まいは、GAZA の悲劇を振り払って余る程に鮮烈かつ混沌です。
もちろん、2014年のデビュー EP “Nothing for Us Here” 以来、CULT LEADER はメタリックでブルータルなハードコアの鼓動に、プログレッシブやドゥーム/スラッジの息吹と悲哀の情操を投影し、カオティックで多様な宇宙を創造して来ました。
実際、インタビューで Anthony も 「もし僕たちがある特定のジャンルに限定されてしまったら、もはやバンドとして機能しないとさえ思うんだ。それほど僕たちの音楽性は多岐に富んでいるんだよ。」 と語っています。
ただし、それでも黒の指導者が提示する新たなバイブル “A Patient Man” は、敬虔な信者にこれまで以上の圧倒的驚愕とカタルシスをもたらす大いなる預言書、もしくは洗礼だと言えるでしょう。
CONVERGE と Chelsea Wolfe,  Nick Cave の薄幸なる婚姻。涙するスカルをアートワークにあしらったこの作品を、端的に表せばこういった表現になるでしょうか。
言い換えれば、ランニングタイムのおよそ半分はグラインドとハードコアのカオス。一方で残りの半分はバリトンボイスで紡がれるデリケートなノワールへと捧げられているのです。
ブラストビートに導かれ、ポリリズミックなメロディーと無節操なブレイクダウンが花開くオープナー “I Am Healed” や、不協和のシャワーとスラッジのスロウバーンがしのぎを削る “Isolation in the Land of Milk and Honey” が慣れ親しんだ CULT LEADER の経典だとすれば、連続する “To: Achlys”, “World of Joy” の2曲はさながら新経典でしょうか。
Nick Cave, Chelsea Wolfe, DEAD CAN DANCE のプリミティブでノワールな世界観。NEUROSIS の放射線状にも位置する13分間の穏やかなフューネラルは、哀しみと闇、美しき孤独と終焉を反映しながら、ダークアメリカーナにフォークやゴスまで内包し作品に傑出したデュエル、コントラストをもたらしました。
「音楽的にも詩的にも、僕たちはこのバンドを人生におけるネガティブな部分の代弁者としたいんだよ。」と Anthony が語るように、黒雲の途切れないアルバムにおいて、ただ “テンション” という素材を主軸としてこれほどの落差、ダイナミズムを創出するレコードは極めて稀だと言えるでしょう。
「頼むから俺を癒してくれ。」Anthony の咆哮、絶唱はリアルな苦痛、苦悶を掻き立てるマスターの所業。一方で、「愛に満ちた光が世界中の人間に注いでも、俺の下には来ないだろう。」と孤独を綴るその声は、全てを受け入れ語りかけるような慰めと寂寞のトーンでした。
孤高の唱道者は墓標の上で踊る。もしかすると、彼らの新たな教義は、THOU や CONVERGE の最新作とも根底ではシンクロしているのかも知れません。Kurt Ballou のプロダクション、リリースは Deathwish Inc. から。
今回弊誌では、Anthony Lucero にインタビューを行うことが出来ました。「自分たちのコンフォートゾーンの外へと冒険することを、僕たちはいつも心掛けているんだよ。」どうぞ!!

CULT LEADER “A PATIENT MAN” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SARAH LONGFIELD : DISPARITY】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SARAH LONGFIELD !!

“I’m Just So Happy To See It Getting Normalized. I Remember Starting Out There Were No Women On YouTube Or The Guitar Community, Which Was Always Disheartening.”

DISC REVIEW “DISPARITY”

Fender が行った調査によると、近年新たにギターを始める人の半数が女性であるそうです。その傾向を裏付けるように、Yvette Young, Nita Strauss, Orianthi Panagaris などテクニカルなロックやメタルの世界においてもギターヒロインの存在感、輝きは増す一方だと言えるでしょう。
Sarah Longfield。仄暗く凍える湖と森を抱くアメリカ中西部の最北、ウィスコンシンから登場した25歳の美姫は、さながらギターシーンのジャンヌダルクなのかも知れませんね。
2016年、Guitar World 誌による “世界最高の7弦、8弦ギタープレイヤー15人” の中に選された革新のハイテクニックビューティーは、驚くべきことにチャンネル登録者数20万を超える人気 YouTuber でもあるのです。(Rob Scallon とのコラボレートの数々は秀逸)
「マルチなプラットフォームを築き、ミュージックコミュニティーの様々な側面で名前が売れることは、素晴らしいプロモーションにもなって来たのよ。」と Sarah が語るように、ソロ活動、バンド THE FINE CONSTANT、そして YouTube と新世代らしく現代的なプラットフォームを意欲的に活用することで、彼女は Season of Mist との契約を手にすることになりました。
インタビューで、「私はまずピアノを8歳の時に始めて、それからヴァイオリンを10歳の時に始めたの。遂にギターを手にしたのは12歳の時だったわね。」と語るようにその音楽的素養は実に深くそして多様。弊誌に何度か登場している Yvette Young が似たようなバックグラウンドを持つことも興味深いシンクロニシティーではないでしょうか。
魔女か英雄か。さらにはチェロ、パーカッションまで嗜む才女のエクレクティックな素養とオープンマインドは、メタルの様式、伝統、アグレッションを地図にない未踏の領域へと導くのです。
「最新作は実際、前作とは全く異なるアルバムになったわね。焦点がよりオーガニックなマテリアルにシフトされ、私の持つ様々な影響を探求することが出来るようになったのよ。」 と語る Sarah。つまり、不均衡や差異を意味するタイトルを冠した最新作 “Disparity” は、遂に彼女本来の魅力を余す事なく伝えるマイルストーンに仕上がったと言えるはずです。
人生で初めて手にしたピアノの響きをイントロダクションに、幽玄荘厳、夢見がちでアトモスフェリックな独特の世界はその幕を開けます。”Embracing Solace”。慰めを抱擁する。プログレッシブなデザインからエレクトロニカの実験にジャズの恍惚まで、全てをシームレスに、壮麗優美に、そして時に幽冥に奏でるサウンドスケープは実にユニークかつ濃密。
Kate Bush を想起させる嫋やかな Sarah 自身のボーカルとエモーションを増したギター捌きの相性も極上。自らの音楽旅行を通して経験した光と影はこうして楽曲、作品へと見事に投影されて行きます。
ANIMALS AS LEADERS のショウを見た翌日に書かれたという、ヘヴィーでマスマティカルなデジタルのルーツを探求する “Cataclysm” が Tech-metal、ギターナードの心を激しく打つ一方で、”Departure” のオリエンタルな情緒や “Citrine” のオーガニックなポストロックの音景、”Miro” のアヴァンギャルドなジャズ精神は、二胡やハープ、サクスフォンの導入も相俟って、リスナーをカラフルで刺激的な非日常の絶景へと誘うのです。
今回弊誌では、Sarah Longfield にインタビューを行うことが出来ました。「私は女の子がギターをプレイすることがいたって普通な世の中になってただ本当に嬉しいのよ。」ウィスコンシンの乙女は果たして高潔か異端か。それは歴史が語るでしょう。どうぞ!!

SARAH LONGFIELD “DISPARITY” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【REVOCATION : THE OUTER ONES】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DAVID DAVIDSON OF REVOCATION !!

“Sometimes I’ll Discover Some Cool Voicings While Working On a Jazz Tune And I’ll Try To Manipulate Them In a Certain Way So That It Fits Into The Metal Framework Better.”

DISC REVIEW “THE OUTER ONES”

エクストリームメタルシーンの “名状しがたきもの”。刻々とその姿を変える轟音の支配者 REVOCATION は、神秘探求者たるリスナーの脳を時に捕捉し、時に喰らうのです。
「彼らは時代によって音楽性を少しづつ変化させていたでしょ?」David は信奉する DEATH の魅力についてそう語りましたが、自らのバンド REVOCATION にも同様の試みを投影しています。
ハイテクニカルなデスメタルの知性とスラッシュメタルの衝動の中に、オーセンティックなメタルの様式美を組み込んだ初期の煌きは眩しく、一方で鬼才 ARTIFICIAL BRAIN にも所属する Dan Gargiulo 加入以降の、前衛的で中毒性を宿した VOIVOD にも通じる不協和のカオスもまた魅力の一つだったと言えるでしょう。
そうして最新作 “The Outer Ones” でバンドが辿り着いた魔境こそ、トレードマークである演奏能力とアグレッションを拠り所とする”完璧なデスメタル”、すなわち “The Inner Ones” に、荘厳でリリカルなメロディーのイヤーキャンディーやジャズの複雑怪奇、すなわち “The Outer Ones” を織り込んだコズミックな宇宙でした。
饗宴の始まりはダークでソリッドな “Of Unworldly Origin” から。TRIVIUM の爽快さまでイメージさせる耳障りの良いファストチューンは、しかし同時にブルーノートを起点としたジャジーなコードボイシングで自らの異形をアピールします。
分解してスウィングさせればツーファイブにもフィットするウネウネとしたリードプレイから、冷徹でしかしファンタジックな DEATH の遺産、ツインリードへと雪崩れ込むギターの魔法は2人のマエストロを備える REVOCATION ならではの至宝でしょう。
実際、唯一のオリジナルメンバーとなった David Davidson のジャズに対する愛情は、先日あの TESTAMENT のジャズスラッシャー Alex Skolnick との対談でお互いが認め合ったように、本物です。ギター教師の一面も持つインテリジェントな David は、メタルにとって規格外のコード進行、ボイシング、そしてスケールを操りながらアルバムを未知の領域へと誘います。
ロマンチックとさえ表現可能な “Blood Atonement” はまさに David の異能が濃縮した楽曲でしょう。ブラッケンドな激情を叩きつける漆黒のワルツは幽かな叙情を宿し、一転して静寂の中紡がれるクリーントーンの蜜月は Joe Pass の匠を再現します。まさに David 語るところの “コントラスト” が具現化した “血の償い” は、CYNIC のアトモスフィアさえ纏って怪しくも神々しく輝くのです。
“Fathomless Catacombs” で再び DEATH への深い愛情を示した後、バンドは “The Outer Ones” で BETWEEN THE BURIED AND ME の重低音のみ抜き出したかのような不規則な蠢きでラブクラフトのホラーを体現し、さらに不気味なコードワークが映える “Vanitas” では VOIVOD はもとより ATHEIST, PESTILENCE のカオスをも須らく吸収してみせました。
アルバムを締めくくる大曲 “A Starless Darkness” はまさに名状しがたき暗闇。ドゥームの仄暗い穴蔵から這い出でし闇の化身は、勇壮なエピック、スラッシュの突心力、デスメタルの沈痛、シュレッドのカタルシスと多様にその姿を変えながら、OBSCURA と並びプログレッシブデスメタルの森を統べる者としての威厳を示すのです。
今回弊誌では、バンドのマスターマインド David Davidson にインタビューを行うことが出来ました。「ジャズの楽曲に取り組んでいる時、しばしば僕はクールなボイシングをいくつか発見するんだけど、それがメタルのフレームワークへとうまく収まるように手を加えてみるんだ。」フックと展開の目眩くクトゥルフ。今、最もハイテクニカルなギターチームが揃ったバンドの一つでしょう。どうぞ!!

REVOCATION “THE OUTER ONES” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SKELETONWITCH : DEVOURING RADIANT LIGHT】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SCOTT HEDRICK OF SKELETONWITCH !!

“Any Time My Writing Wanders Near The Territory Of “Ambient” Or “Cinematic”, Ryuichi Sakomoto Is Going To Be An Influence.”

DISC REVIEW “DEVOURING RADIANT LIGHT”

ブラックメタル、メロディックデスメタルを獰猛な原衝動、スラッシュメタルに奉呈し、”ブラッケンド-スラッシュ” の峻路を切り拓くオハイオの妖魔 SKELETONWITCH。
バンドの発するクリエイティブな変幻の瘴気は、メタル伏魔殿の魑魅魍魎を遥かな幽境へと誘います。
2004年からエピカルなメロディーと凶猛な響骨を混交し、エクストリームメタルの超克を多様に牽引し続ける変異体は、2014年にキャリアの重大な分岐点を迎えました。
アルコールの乱用を要因とする素行の悪化に堪え兼ねたバンドが、ボーカリスト Chance Garnette を解雇したのです。ギタリスト Nate の兄弟でもある創立メンバーが引き起こした問題は、徐々に存在感を増しつつあった SKELETONWITCH に暗い影を落とすかのようにも思われました。
しかし、元 VEIL OF MAYA、現 WOLVHAMMER のフロントマン Adam Clemans を迎え入れた彼らは、アトモスフェリックなブラックメタル、アンビエント、プログレッシブなどその多様性を一際研ぎ澄まし、地殻変動に端を発するネクストレベルのクリエイティビティーへと到達することになったのです。
バンドのロゴやアートワークの方向性まで変更しリリースした “Devouring Radiant Light” は、実際 “再発明” のレコードです。
アルバムオープナー “Fen of Shadows” は過去へのレクイエムにして未来へのファンファーレ。バンドのトレードマーク、クラッシックメタルのフックやメロデスのメランコリーは確かに耳孔の奥へと沈み行き、一方で幾重にもレイヤーされたポストブラックのギターオーケストラ、中盤の荘厳なるアトモスフィア、そしてプログレッシブなグランドデザインは破天荒な背教者をレコードへと招き入れるのです。
事実、「アルバムには大きく分けて二つのスタイルが存在していると思う。」と Scott は語ります。そして Nate は直線的でスラッシー、Scott は重厚でプログレッシブ。コンポジションの棲み分けを念頭に置けば、”Devouring Radiant Light” は Scott の遺伝子をより多く受け継いだ麒麟児の光明だと言えるでしょう。
切迫するトレモロの嗎とブラストの喧騒でダーク&メロディックなブラックメタルの深淵を探求する “Temple of the Sun”、PALLBEARER や MASTODON のキャッチーなドゥーム/スラッジにも共鳴するエピック “The Vault” と拡大を続ける SKELETONWITCH の魔境。
Kurt Ballou, Fredrik Nordstorm のドリームチーム、さらに JOB FOR A COWBOY, BEHEMOTH との仕事で知られるゲストドラマー Jon Rice の推進力もサウンドの深化に華を添えます。
中でも “最もバンドの進化を示している” と語るタイトルトラック “Devouring Radiant Light” は文字通り熾烈な光彩。NEUROSIS, ULVER, OPETH, さらにはカスカディアンブラックの陰影と実験性までも胸いっぱいに吸い込んだブラッケンド-スラッシュの革新的な波動は、光と闇のダイナミズムを携えながらエモーショナルなダンスを踊るのです。
“Sacred Soil” は作品の終幕、結論に相応しきインテンスの断末魔。エレガントなハーモニーとブルータルなリズムのカコフォニーは魔女の帰還と新たな旅路を祝う地下室の祝祭なのかもしれませんね。
今回弊誌では、ギターチームの片翼 Scott Hedrick にインタビューを行うことが出来ました。「坂本龍一氏はまさに僕の作曲面に多大な影響を与えているんだよ。」どうぞ!!

SKELETONWITCH “DEVOURING RADIANT LIGHT” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NIGHT VERSES : FROM THE GALLERY OF SLEEP】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH REILLY HERRERA OF NIGHT VERSES !!

“Diversity Is Definitely Key For Us, And We Don’t Ever Want To Overdo Or Repeat Anything More Than Necessary. “

DISC REVIEW “FROM THE GALLERY OF SLEEP”

プログメタルのサルバドール・ダリが草創せし夢幻画廊。ファンタジーとリアリティー、テクニックとアトモスフィア、モダンとオーガニックのダイナミズムを、”夢” という自由な空想世界で交差させる無言の詩聖はインストゥルメンタルミュージックのドラスティックな再構築を試みています。
例えば Tilian Pearson を失った TIDES OF MAN が、故に音に語らせる創意工夫を磨き上げポストロックの妙手となったように、詩人の喪失は時に音楽それ自体の革新を誘います。そして急遽リードボーカル Douglas Robinson がバンドを離れることとなった NIGHT VERSES も同様に、彼の遺した “スペース” を埋めるチャレンジの中で一際精華な創造の翼を得ることとなったのです。
RED HOT CHILI PEPPERS, TOOL, RAGE AGAINST THE MACHINE、そして近年では INTRONAUT とある種独創性を追求したアートの都 L.A. で、NIGHT VERSES の資質が育まれたのは必然なのかも知れませんね。
実際、ポストロックのソニカルな音景とハイパーテクニカルな Djent の相反をオーガニックに融解し、ダウンテンポのエレクトロニカを織り込む前人未到のドリームスケープは、超現実的なダリのシュルレアリスムにも通じる倒錯と魅惑のアートです。
フルブラストで幕を開ける夢への廻廊 “Copper Wasp” こそ “From the Gallery of Sleep” への強烈なインビテーション。多彩なリムショットやハイハットの魔術で複雑怪奇なポリリズムを支配する Aric のドラム劇場は、Nick の雄弁なギターワークと Reilly のアグレッシブなベースサウンドの独壇場。
ANIMALS AS LEADERS を想起させるファストでメカニカルな衝動から、RUSSIAN CIRCLES の重厚荘厳なグルーヴ、そして TYCHO の瑞々しいアンビエントまで自在に操る弦楽隊のテクニック、創造性はあまりに気高く孤高。
さらにサンプリングやエレクトロサウンドを加えて完成に導いたエクレクティックモンスターは、”夢” という自由な空間に花開いた崇高のアート、対比とダイナミズムのエキサイティングな奇跡に違いありませんね。
フレーズ、モチーフの巧みなリピートで、奇抜なテーマを鮮やかに印象付ける独特の手法は “Trading Shadows”, “Vice Wave” でより際立ちます。実際、「異なる音楽的な要素、アートをミックスして僕たちが伝えたい感情を具現化することこそ最も重要なことなんだ。歌詞というガイドがなくなったからね。」とインタビューで語るように、言葉を失った詩人は試行錯誤を経て、その感情を以前よりもビビッドに雄弁にリスナーのスピリットへと届けているのです。
バンドはそこからさらに多様性の扉を開き探求していきます。
パーカッシブでトライバルな “Vantablonde”、ポストロックの壮麗なサウンドスケープを掘り下げた “Lira”、hip-hop のグルーブに照らされた鮮烈のシュレッド “No Moon”、静謐な美しきアコースティックのレリーフ “Harmonic Sleep Engine”。
そうしてその全ての多様性、創造性はギターペダルの可能性を極限まで追求したプログレッシブで trip-hop なエピック “Phoenix IV: Levitation” へと集束していくのです。
アルバムは、幽玄なる白昼夢 “Infinite Beach” で TYCHO や BONOBO の理想とも深くシンクロしながら、メランコリックにノスタルジックにその幕を閉じました。
今回弊誌では、ベースプレイヤー Reilly Herrera にインタビューを行うことが出来ました。ちなみにドラマー Aric は絶賛売り出し中 THE FEVER 333 のメンバーでもあります。
Instru-Metal の最新形こそ彼ら。「”多様性” は間違いなく僕たちにとって鍵だと言えるね。これまでも同じことをやり過ぎたり、必要以上に繰り返したりすることを望んだりはしなかったからね。」どうぞ!!

NIGHT VERSES “FROM THE GALLERY OF SLEEP” : 10/10

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