タグ別アーカイブ: us

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ANUP SASTRY : ILLUMINATE】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ANUP SASTRY !!

“I Don’t Really Think “Djent” Movement Has Gone Away Or Anything. The Entire “Djent” Idea Really Just Falls Under The Larger Category Of Progressive Metal, In My Opinion. Bands Have Been Incorporating Small Pieces Of That “Djent” Style For Years.”

DISC REVIEW “ILLUMINATE”

｢両親共にインド出身なんだ。ただ、僕はワシントンDCで生まれ、そのエリアの郊外で育ったんだよ。｣
ハイテクニカルドラマー、コンポーザー、レコーディングエンジニア、プロデューサーとしてキャリアを重ねる Anup Sastry は、ワシントンエリアのプログメタルを牽引する雄心であり、世界と興起するインドメタルの地平を繋ぐ架け橋です。
プログのネットワークが彼の存在に気づいたのは2011年のことでした。Anup が YouTube にアップした PERIPHERY のカバー “New Groove” は圧倒的な異彩を放っていたからです。流麗かつ繊細なコンビネーション、革新的なタム&シンバルサウンド、体格を活かしたハードヒット、そして決定的なグルーヴ。独特のテクニックで PERIPHERY を料理したコックの手腕には理由がありました。
古くからの友人で、THE FACELESS, GOOD TIGER など数多の “Tech-metal” アクトで辣腕を振るう Alex Rudinger との切磋琢磨、さらに他ならぬ PERIPHERY の Matt Halpern, Travis Orbin への師事。置かれた環境と抜きん出た才能は、そうして Anup を “Djent” ムーブメントの最前線へと誘うことになりました。
｢僕たちは “Djent” をプレイすることにはあまり焦点を当てていなくて、ただ創造的でヘヴィーな音楽を書こうとしていたんだよ。｣
インドのライジングスター SKYHARBOR のポリリズミックグルーヴに寄与し、トロントのインストゥルメタルマスター INTERVALS のカラフルな創造性を後押しした Anup のドラミングは、”Djenty” と呼ばれるモダンなリズムアプローチの象徴にもなりました。
ただし、ムーブメントの震源地で迸るマグマとなっていたマイスター本人は、 “Djent” にフォーカスしているつもりはなかったようですね。実際、Anup はこの時期、よりメインストリームのギターヒーロー Marty Friedman や Jeff Loomis にも認められレコードやツアーに起用されています。
とはいえ、一方で Anup は “Djent” が残した功績、レガシーを高く評価もしています。｢”Djent” というジャンルについてだけど、僕は本当にムーブメントが過ぎ去ってしまったようには思えないんだ。”Djent” の包括的アイデアは、より大きいプログメタルというカテゴリーにしっかりと根付いている。僕の考えではね。つまり、ここ何年か多くのバンドは “Djent” のスタイルのピースを取り入れている訳さ。｣
過ぎ去った言われるムーブメントとしての “Djent”。しかし Anup はプログメタルという “大きな傘” の中でその理念やグルーヴが息づき進化を続けていると主張しているのです。
実際、彼がリリースした最新作 “Illuminate” は、”Djent” のレガシーとモダンメタルの多様性が溶け合った挑戦的かつプログレッシブなルミナリエ。そして、これまでインストゥルメタル道を突き進んでいた Anup が、欠けていた最後のピースとして3人のボーカルを全編に起用したマスリスナーへの招待状です。
“The World” で “Djent” の遺伝子に咆哮を響かせる Chaney Crabb、KORN をイメージさせるタイトルトラック “Illuminate” では Mike Semesky が一際陰鬱な表情を加え 、デスコアの猟奇 “Beneath the Mask” と PERIPHERY のダイナミズム “Story of Usで歌唱をスイッチする Andy Cizek の汎用性も見事。ただし最も見事なのは、ワイドで魅力的な楽曲群を書き上げ、ほぼ全ての楽器を自らでレコーディングした Anup Sastry その人でしょう。
｢僕はそのやり方を “プログラミングギター” と呼んでいたんだ。とはいえ、サウンドは本物のギターなんだよ。基本的に僕はリフを一音づつ、もしくはすごく小さいパートをプレイしレコーディングするんだ。つまり、結局編集に大きく頼って細切れを繋げているんだよ。｣
チートにも思える彼のレコーディング方法は、しかし弦楽器の達人ではないミュージシャンにとって1つの可能性なのかもしれませんね。
今回弊誌では、怪人 Anup Sastry にインタビューを行うことが出来ました。実は今年、古巣 SKYHARBOR にヘルプで参加しライブを行っています。｢プログメタルは、メタルの中でも常に新たなクリエイティブなサウンドを求める性質を持っているジャンルだ。だから僕にとって “Djent” とは、どちらかと言えば、プログメタルというもっと大きな傘の中で探求を続ける、また違った推進力になったと思えるね。｣  先日インタビューをアップした ARCH ECHO の Adam Bentley もゲスト参加。どうぞ！！

ANUP SASTRY “ILLUMINATE” : 9.9/10

INTERVIEW WITH ANUP SASTRY

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about yourself? You live in US, but it seems your background is India. Did you born and grow up in India?

【ANUP】: Thanks for reaching out! My parents are both from India. I was born in Washington, DC, and I’ve grown up right outside of the DC area ever since.

Q1: 本誌初登場です！まずはあなたの背景について知りたいのですが、ルーツはインドにあるんですよね？

【ANUP】: インタビューをありがとう！両親共にインド出身なんだ。ただ、僕はワシントンDCで生まれ、そのエリアの郊外で育ったんだよ。

Q2: What kind of music were you listening to, when you were growing up? What inspired you to start playing drums?

【ANUP】: It was a lot of random styles. I pretty much listened to whatever my parents were listening to. So it was always such a big mix of sounds. I started playing drums when I was in band class, in middle school. I think I was maybe 11 or 12. I played the clarinet, and my best friend at the time played snare. So he was the one that first got me onto a drum kit, and I was pretty much addicted ever since.

Q2: 音楽的なバックグラウンドや、ドラムを始めたきっかけについてお話ししていただけますか？

【ANUP】: わりとランダムに聴いていたね。両親が聴いているものならなんでも良く聴いていたね。だからとても多様だったんだ。
ドラムを始めたのは、中学の(マーチング)バンドの授業だったね。11歳か12歳だったと思う。僕はクラリネットを吹いて、当時の親友がスネアの担当だった。それで彼が僕をドラムキットの前に座らせたんだ。以来ずっと夢中だよ。

Q3: In early 2010’s, you were involved in two major “Djent” acts, Intervals and Skyharbor. So, you became kind of a symbol of Djenty drums, I think. Maybe, after the movement has gone, what was Djent to you?

【ANUP】: Its tough to say because it was already a thing before I got into the metal scene. I was more so just trying to play with musicians and tour. So I was trying to do my own thing more so than focusing on specifically playing ‘djent’. The entire progressive metal sound absolutely caught my attention for sure, and that’s the style of metal I personally have been most into. So it only made sense to try and seek out other musicians who were into the same thing. Again, we weren’t really focused on playing ‘djent’, but just trying to write creative and heavy music.
As for the movement….. I don’t really think the movement has gone away or anything. The entire ‘djent’ idea really just falls under the larger category of progressive metal, in my opinion. Bands have been incorporating small pieces of that style (djent) for years. Progressive metal, by nature, is all about trying to constantly push for new and creative sounds, within metal. So if anything, ‘djent’ to me was just another push for exploration into a bigger umbrella genre.

Q3: 2010年代初頭、あなたはINTERVALS, SKYHARBOR という2つのメジャーな “Djent” バンドにかかわっていましたよね。ゆえに、あなたは “Djent” ドラマーの象徴的な存在でした。
“Djent” ムーブメントは過ぎ去ったとも言われていますが？

【ANUP】: とはいえ、僕がメタルシーンに入る前から Djent はすでに存在していたからね。当時僕はもっと他のミュージシャンとプレイし、ツアーをすることを目指していたんだ。つまり、特に “Djent” をプレイすることにフォーカスしていたと言うより、自分自身の目標を達成したかったんだ。
もちろん、全てのプログレッシブメタルサウンドは間違いなく僕の注意をひいていたし、それは僕が個人的に最も興味を持ったメタルのスタイルだったんだ。だから、同じジャンルにハマっている他のミュージシャンを探したのは理にかなっていたね。
ただ繰り返すけど、僕たちは “Djent” をプレイすることにはあまり焦点を当てていなくて、ただ創造的でヘヴィーな音楽を書こうとしていたんだよ。
“Djent” というムーブメントについてだけど、僕は本当にムーブメントが過ぎ去ってしまったようには思えないんだ。”Djent” の包括的アイデアは、より大きいプログメタルというカテゴリーにしっかりと根付いている。僕の考えではね。つまり、ここ何年か多くのバンドは “Djent” のスタイルのピースを取り入れている訳さ。
プログメタルは、メタルの中でも常に新たなクリエイティブなサウンドを求める性質を持っているジャンルだ。だから僕にとって “Djent” とは、どちらかと言えば、プログメタルというもっと大きな傘の中で探求を続ける、また違った推進力になったと思えるね。

Q4: You parted ways with Monuments in 2016, but you played in their newest record “Phronesis”. Was that natural for you to play with your “ex” band?

【ANUP】: I’m still great friends with Monuments. I appreciate them giving me the opportunity to play on one of their records. I was actually disappointed when we decided to part ways because I thought I would never have the opportunity to play on one of their records. So it was an awesome turnaround when they reached out to me about Phronesis. Olly and John have such good ears for drums. So majority of the parts on the record were already written prior to me tracking. The entire experience was great, and I wish the band nothing but success going forward. Their new drummer, Daniel Lang, is also such a solid human being, both on drums and as a person.

Q4: 2016年にあなたは MONUMENTS を離れましたが、彼らの最新作 “Phronesis” でプレイしていますね？普通、脱退したバンドのアルバムにフル参加することはなかなかありませんが。

【ANUP】: 僕は MONUMENTS とは今でも良い友人なんだ。彼らのレコードでプレイする機会をもらえて感謝しているくらいだよ。
彼らと別れた時は正直ガッカリしていたんだ。というのも、MONUMENTS のメンバーとして僕はレコードを残せていなかったからね。だから彼らが “Phronesis” で僕に声をかけてくれたのは、素晴らしきどんでん返しだったわけさ。
Olly と John はドラムスにかんして素晴らしい耳をもっている。だからレコードの大半は、僕がプレイする前からすでに出来上がっていたんだよ。最高の経験だったし、バンドの成功をただただ願っているよ。
彼らの新たなドラマー Daniel Lang も同様に素敵な人物だよ。ドラマーとしても人としてもね。

Q5: Also, you were involved in Devin Townsend’s newest record “Empath”. Definitely, it’s one of my best record of the year. Actually, I had an interview with Morgan Agren recently, and he said “Devin gave us the sections that he thought would be best for all of us, since we play different styles.”. What was working with Devin and the triple drums experience for you?

【ANUP】: It was a crazy experience, and I still don’t really know how to fully describe it properly. It honestly felt a bit surreal because the environment and approach in which we recorded the drums for the record was so different from anything I’m accustomed to. Morgan nailed it on the dot. Devin hired three different players who all contributed in suitable ways for different songs. So there are songs where its just Morgan, or just Samus, or just myself. But then there’s also songs where it might be all three of us, or maybe two of us. It was really amazing to see how it all came together in the end. Devin has a very creative approach to music, and it was very inspiring to be part of that record. It was a big learning experience.

Q5: あなたは Devin Townsend の最新作 “Empath” でもプレイしています。今年のベストアルバムの1枚だと感じています。
先日、あなたと同様、アルバムに参加していた Morgan Agren にもインタビューを行う機会があったのですが、彼は ｢Devin は彼が僕たち全員にとってベストだと思ったパートを割り振ったんだ。というのも、3人はかなり異なるスタイルを持っているからね。｣ と語っていました。

【ANUP】: クレイジーな体験だったよ。今でもあの体験をどうやって適切に表現すれば良いのか本当にわからないんだよ。正直、少しシュールな状況だと感じたんだ。ドラムをレコーディングする環境もアプローチも、慣れ親しんだものとは全然違っていたからね。
Morgan の言葉はまさにその通りだよ。Devin は3人のドラマーを起用し、全員が得意な分野で別々の楽曲に貢献したんだ。だから Morgan だけの楽曲、Sumus だけの楽曲、僕だけの楽曲が存在するわけさ。ただし、3人もしくは2人が同時に参加している楽曲もあってね。そのコラボレートの成果を確かめるのは最高だったね。
Devin は音楽に対してとてもクリエイティブなアプローチを取っている。だからこのレコードに参加できて、とてもインスパイアされたんだ。大きな学びがあった体験だったね。

Q6: OK, let’s talk about your newest record “Illuminate”. This time, you collaborated with three talented vocalists, Chaney Crabb, Mike Semesky and Andy Cizek. I think that change makes more listeners enter your progressive world. But what made you choose these three singers?

【ANUP】: I’ve always felt like my own music always lacked a certain element. “Illuminate” is the first of my releases where I felt like I wasn’t ‘practicing’ anymore. I’m not really sure how else to explain it, but all of my past releases have felt like I’m still working up to some ‘bigger picture’. Even when I listen back to previous releases, I felt like I might have only written two or three solid songs out of the 4 releases prior to ‘Illuminate’. So this new EP has been a bit of an awakening as far as the new standard I hold for myself when it comes to writing music.
Back to the question, vocals were absolutely the missing element. I don’t have interesting guitar solos or leads constantly happening in my music to make it sound full enough being instrumental. I did take more time to produce these songs much more instrumentally than I ever have with any of my material in the past, but I still think vocals were the icing on the cake to really complete things for me. Vocals felt like the glue. It brought everything together a bit more. I wasn’t originally writing with vocals in mind. I was actually unsure of whether or not I’d have the budget to pursue vocals for this EP. So I just wrote to write music like I normally do. I started to embrace the idea of vocals more and more during the writing process. Chaney, Mike, and Andy all did such an amazing job, and I really can’t thank them enough. I know some people prefer to listen to instrumental versions of music. And because I used to only release instrumental material, I decided to also include instrumental versions of these songs on the EP. This is something I’ll probably continue to do for future releases. I had such a great time hearing my music come to life that much more with vocals.

Q6: ではあなたのソロアルバム “Illuminate” について話しましょう。
これまでの Instru-metal とは異なり、3人のボーカルを起用しマスリスナーへアピールする作風に変化していますね？

【ANUP】: 僕は常に自分の音楽には何かが欠けていると感じていたんだ。だけど “Illuminate” ははじめて “これ以上練習する必要がない” と感じたレコードなんだよ。どう説明すれば良いのかわからないけど、過去の作品では “より大きな絵画” を描くためもっと努力しなければと思っていたんだ。
過去の作品を聴き返してみても、おそらく4枚のアルバムでソリッドに書けたのは2, 3曲だっただろうね。だから作曲において、新たなスタンダードを打ち出すことが出来た新EPは、ある種の気づきだったんだ。
質問に戻るけど、ボーカルは間違いなく欠けている要素の1つだったね。これまでも僕は、完全にインストだからといって、自分の音楽の中で面白いギターソロやリードを常に収録してきたわけではないんだ。今回僕は、新曲を過去のどの作品よりインスト的になるよう多くの時間をかけたんだけど、それでも僕はボーカルが全てを完成させるための、ケーキにのせる砂糖衣のようなものだったと思うんだよ。接着剤とも言えるだろうね。全てをより密着させてくれた。
もともとボーカルを念頭に置いて書いていたわけじゃないんだ。実際、このEPのためにボーカルを追求する予算があるかどうかもわからなかったし。だから僕はただ普通に音楽を書くようにしたんだ。そうすると、作曲の過程で、僕はボーカルのアイデアをますます受け入れ始めたんだよ。
Chaney、Mike、Andy、皆がとても素晴らしい仕事をしてくれたね。いくら感謝しても足りないよ。もちろん、インストの音楽を聴くことを好む人がいることも知ってるいるし、これまで僕はインストの楽曲のみをリリースしていたから、インストゥルメンタルバージョンもEPに含めることにしたんだ。
おそらく今後も同じような形でやり続けるだろうな。自分の音楽がボーカルによってさらに活気づくのを聴くのは、素晴らしい時間だったよ。

Q7: So, I think you have been making your records with programing, of course except for drums, right? It’s very surprising you make everything by yourself! Actually, how was the recording and writing process this time?

【ANUP】: I used to call it ‘programmed guitar’… But its really just real guitar. I basically play and record the riffs note for note, or in very small pieces/chunks. Its heavily dependent on editing after that. Imagine if ToonTrack handed you a bunch of audio samples of drums and cymbals, and you had to arrange them into drum grooves. That’s essentially what I’m doing with a guitar and bass DI. I then re-amp this with an Axe Fx II.
This time around, I took a different approach to writing and recording. In the past, I would normally have songs fully arranged and produced. I would track my real drums to guitars and bass that were already re-amped. It was almost like I’d try to make my pre-pro’s sound as good as they can, but then track real drums at the very end. I’d be trying to get my real drums mixed into a pre-pro that was already mixed and produced. So it always felt very backwards to how a record is ‘normally’ done. This time, I decided to write, arrange, and produce all of the songs, but I would track drums first before re-amping anything or getting too involved with production. This felt much more natural, and it really allowed me to build and evolve all of the songs. I started with real drums, both tracking and mixing. I then started to build my mix onto this drum sound.

Q7: これまであなたは、ドラムス以外の楽器をプログラミングで制作していたように思うのですが、今回はいかがでしたか？

【ANUP】: 僕はそのやり方を “プログラミングギター” と呼んでいたんだ。とはいえ、サウンドは本物のギターなんだよ。基本的に僕はリフを一音づつ、もしくはすごく小さいパートをプレイしレコーディングするんだ。つまり、結局編集に大きく頼って細切れを繋げているんだよ。
ToonTrack からドラムとシンバルのオーディオサンプルを沢山提供されて、それでドラムグルーヴにアレンジすることを想像してみて欲しい。まさに僕はそれをギターやベースでやっているんだ。そして Axe Fx Ⅱでリアンプするんだよ。
ただ今回は、ライティングとレコーディングで異なるアプローチをとったんだ。これまで僕は楽曲を先に完全にアレンジしプロデュースしてきた。僕はすでにリアンプされ、ミックスとプロデュースを終えたギターとベースに合わせて自分のリアルなドラムを重ねていったんだ。それはプリプロダクションのサウンドを出来るだけ良くするようなやり方だったね。だけど、本物のドラムは最後にレコーディングされる。だから完成したものは、とてもあべこべに感じられていたんだよ。
今回僕は、作曲、アレンジ、プロデュースの順で制作することを決めて、プロダクションの作業に入る前にドラムスをレコーディングすることにしたんだ。とてもナチュラルなやり方に感じられたし、それによって楽曲を構築し進化させる自由を得たんだよ。リアルなドラムのトラッキング、ミキシングから始めて、それにあわせて構築していったんだ。

Q8: Recently, like Pineapple Express, Bloodywood, Demonic Ressurection, lot’s of talented metal band are rising from India. What’s your perspective about the Indian metal scene now? Do you want to collaborate with them someday soon?

【ANUP】: The Indian metal scene seems to be thriving and growing. I would absolutely love to be more involved with the metal scene in India. I performed in India on numerous occasions back when I played with Skyharbor, being that Skyharbor was a band based primarily out of India when I was still in the band. Hopefully I’ll play with them again in the future, and more specifically, I hope its in India.

Q8: PINEAPPLE EXPRESS, BLOODYWOOD, DEMONIC RESSURECTION など、近年インドのメタルシーンが活況を呈しています。彼らとのコラボレートも期待したいところですが。

【ANUP】: インドのメタルシーンは、前進し成長を遂げているように思えるね。実際、僕もぜひもっとインドのメタルシーンとかかわっていきたいんだよ。SKYHARBOR とプレイしていたころは、何度もインドでプレイする機会があったね。僕がいたころの SKYHARBOR は主にインド出身のメンバーで占められていたからね。
いつかまた SKYHARBOR とプレイできたらと思っているし、それがインドならなおさら素晴らしいね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED ANUP’S LIFE

PERIPHERY “PERIPHERY Ⅱ: THIS TIME IT’S PERSONAL”

This completely changed the standard for my own writing. I’m still trying to constantly improve my song writing so I can maybe one day write songs that are this dynamic. I love this album, and this band.

完全に僕の作曲基準を変えたね。今でもずっと作曲を進歩させようと努力しているから、いつかきっとこれほどダイナミックな楽曲を書けるようになるよ。バンドもアルバムも愛しているよ。

ANIMALS AS LEADERS “ANIMALS AS LEADERS”

This record blew my mind when it came out. I remember this coming out when I first started getting into progressive metal. It felt like an alien wrote this entire album. I also LOVED this mix when I first heard it. I was still going to school for music and audio engineering at the time. So hearing these songs brings me back to a time where all of my decisions in life were made to further surround myself with music as much as possible, because that’s really when I decided to take the full dive.

リリースされた時は完全にぶっ飛んだね。ちょうどプログメタルにのめり込み始めた時期だったんだ。エイリアンがアルバムを書いたように思えたね。ミックスも大好きなんだ。当時僕はまだ音楽とエンジニアリングの学校に通っていたんだ。だからアルバムを聴くと、当時より音楽に関わるという決断を下した人生の時期を思い出すね。

ION DISSONANCE “MINUS THE HERD”

This album became the new standard for incredibly ugly and heavy riffs. The entire album is just so heavy, and that’s absolutely a sweet spot for my ears. I LOVE super intense, ugly, heavy, disgusting music. Its actually very difficult to write because I feel like I have to tap into some dark emotions to get some of those ideas out.

醜悪でヘヴィーな脅威のリフにとって新たなスタンダードとなったアルバムだ。アルバム全体がただとてもヘヴィーで、それが完全に僕のスイートスポットを突いたんだ。醜く、ヘヴィーで、インテンス。大好きだね。書くのはとても難しいだろうね。アイデアを出すため、ダークな感情に身を委ねなければならないだろうからね。

SLIPKNOT “IOWA”

This is probably the first full heavy metal record I was introduced to. I still listen to this record today at the gym. I was maybe 13 or 14 when I really started to get into heavy metal, and Slipknot was one of the first heavy metal bands for me. This record is so heavy.

はじめて聴いた完全なメタルのレコードだよ。今日でもジムで聴いているよ。メタルを聴き始めたのは、13, 14歳だったかな。僕にとって SLIPKNOT は最初のメタルバンドだったんだよ。とてもヘヴィーなレコードだ。

INCUBAS “MAKE YOURSELF”

I LOVE Incubus, and they’re still one of my favorite bands. Its honestly hard to pick my favorite Incubus album because I love so many of them. It definitely brings me back to the good ole days playing local shows with some of my best friends. Listening to Incubus makes me miss one of the first bands I was ever in called The Lost Tourists. Its incredibly nostalgic at this point.

INCUBAS が大好きなんだ。今でもフェイバリットバンドの一つさ。アルバムは大半が好きだから一つを選ぶのは正直難しいね。この作品を聴くと、親友たちと地元のショウでプレイしていた古きよき日を思い出すね。INCUBAS を聴くと僕の最初のバンド THE LOST TOURISTS を思い出すんだ。素晴らしきノスタルジアだよ。

MESSAGE FOR JAPAN

I hope I can come to Japan and visit and play music. I’ve never been to Japan. I’ve been to the airport, but never outside of the airport. Its top on my list for places that I must travel to at some point in my life. Thanks again for this interview.

日本に行ってプレイしたいんだ。今まで日本を訪れたことがないからね。いや、空港までは行ったことがあるんだけど、空港の外に出ることはなかったんだよ。だからいつか旅行しなければならない国のトップリストにあるんだ。インタビューをありがとう。

ANUP SASTRY

ANUP SASTRY Facebook Page
ANUP SASTRY YouTube Channel
ANUP SASTRY Bandcamp

mmmB5dvKwaCcAEznJZ

PLZ FOLLOW US ON FACEBOOK !!
BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ARCH ECHO: YOU WON’T BELIEVE WHAT HAPPENS NEXT!】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ADAM BENTLEY OF ARCH ECHO !!

“We Felt It Would Be Fun To Go Against The Typical Trends And Have Something More Comical. We Have Fun And Don’t Take Things Too Seriously, And The Artwork Reflects That.”

DISC REVIEW “YOU WON’T BELIEVE WHAT HAPPENS NEXT!”

2010年代の幕開けを前に ANIMALS AS LEADERS が放ったセルフタイトルの煌きは、”Instru-metal” シーンに劇的な転調をもたらしました。
ネクストレベルのテクニック、グルーヴ、創造性、そして多弦の魔法は、Djent ムーブメントの追い風も受けて同世代を激しく刺激し、さらに綺羅星のごとき後続を生み出すこととなったのです。
鬼才のマイルストーンを道しるべに、自らのインスト道を極める俊英たち。彼らはあたかも大樹から自在に伸長する枝葉のように、モダンプログレッシブの世界を細分化し多様に彩りました。
日本が誇る ichika や THE SURREALIST のアンビエントな冒険は出色ですし、同じく日本人 Yas Nomura が所属する THRAILKILL や THE RESONANCE PROJECT の知性と際立った完成度、さらに王道をひた走る主役 POLYPHIA, CHON のチルアウトしたマスライド、Felix Martin の踊る蜘蛛指、Sarah Longfield の眩いエレクトリックパレード、そしてもちろん素晴らしきマスコット、ヒキニート先輩とまさに多士済済、群雄割拠のインストシーン。
ただし、楽器のディズニーランドへと舞い降りた万華鏡の新世代は、トレンドを恐れず喰らい、ジャンルに巣食うマニアの呪縛をも意に介さない点で共闘し、よりマスリスナーへとワイドなアピールを続けているのです。
中でも、あの Steve Vai をして最も先進的なギタープレイヤーの一人と言わしめた Plini の出現を境として、”Fu-djent” の華麗な波が存在感を増しています。Djent のグルーヴを受け継ぎながら、より明確なメロディーとハーモニーを軸に据え、フュージョンの複雑性とキラキラ感をコーティングしたカラフルなイヤーキャンディーとでも言語化すべきでしょうか。隠し味は、音の隅から隅へと込められた類まれなるメジャー感なのかも知れませんね。
INTERVALS, OWANE, Jakub Zytecki, Sithu Aye, Stephen Taranto といったアーティストが “Fu-djent” の魅力を追求する中でも、あのバークリー音楽院から登場した ARCH ECHO の風格とオーラはデビュー作から群を抜いていたようにも思えます。
違いを生んだのは、彼らがより “バンド” だった点でしょうか。名だたるプレイヤーを起用しながら確固とした主役が存在する他のアーティストと比較して、ARCH ECHO はダブルギター、キーボード、ベース、ドラムス全員が主役でした。故に、プログからの DIRTY LOOPS への返答とも称されたコレクティブでファンキー、ウルトラキャッチーな “Hip Dipper” が誕生し得たのでしょう。
最新作 “You Won’t Believe What Happens Next!” は、さらにバンドとしてのシンクロ率を高め熟成を深めた作品です。
「僕たちはバンドを楽しんでやっているし、シリアスに物事を捉え過ぎてはいないんだよ。アートワークはそのアティテュードを反映しているんだ。」
プロデューサーとしてもシーンに一石を投じる Adam Bentley は、”次に何が起こるかきっと君は信じられないだろう！” というタイトル、プログらしさの真逆を行くコミカルなアートワーク、そしてもちろんその音楽も、全てが “楽しさ” に由来する創造性や意外性であると語ってくれました。そして確かに、彼らの新たな旅は意外性に満ちています。
「このアルバムではよりフュージョンを目指した方向性をとったんだ。それに、よりテクニカルにもなっているね。」
一見 “Hip Dipper” 同様メジャー感を前面に押し出した “Immediate Results!” でさえ、その実予測不能のポリリズム、緩急のダイナミズム、スピードの暴力、デュエルの激しさなど総合的な複雑性、テクニカルメーターは前作を大きく凌いでいます。
加えて、”Stella” が象徴するように Djeny な重量感は一層深くバンドの音の葉へと馴染み、一方で “Bocksuvfun” や “Iris” に浸透した RETURN TO FOREVER 譲りのトラディショナルなフュージョンサウンドもそのリアルを増しているのです。
すなわち、バンド全員のインストゥルメタルスーパーパワーを集結し、リラックスしたフュージョンマインドとテンション極まるチャグアタックを渾然一体に導く蜃気楼のパラドックスこそ ARCH ECHO の天性。
今回弊誌では、Adam Bentley にインタビューを行うことが出来ました。「ジャクソンのギターを使っているのは、僕のメタルとプログメタルに対する愛が故なんだよ。」名曲 “Color Wheel” を追加収録した日本盤は、7/17に P-VINE からリリース。どうやら待望の初来日も期待できそうですね。どうぞ！！

ARCH ECHO “YOU WON’T BELIEVE WHAT HAPPENS NEXT!” : 9.9/10

INTERVIEW WITH ADAM BENTLEY

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about yourself and your band? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【ADAM】: Hey my name is Adam Bentley, and I’m the guitarist for Arch Echo, and a music producer / mixing engineer. Growing up I listened to a lot of classic rock like the Beatles, Led Zeppelin, Hendrix, but my ears quickly turned to metal. Slipknot, Linkin Park, and Killswitch Engage were important guitar influences when I was a kid.

Q1: 本誌初登場です！まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか？

【ADAM】: やあ、僕は Adam Bentley。ARCH ECHO のギタリストで、音楽プロデューサー/ミキシングエンジニアもやっているんだ。
子供のころ聴いていたのは、THE BEATLES, LED ZEPPELIN, Jimi Hendrix といったクラッシックロックだったね。だけどすぐメタルにのめり込んでいった。SLIPKNOT, LINKIN PARK, KILLSWITCH ENGAGE はキッズ時代の僕のギターに重要な影響を与えたよ。

Q2: Arch Echo features four Berklee graduates, right? How did the band come to be?

【ADAM】: Yes that’s correct! Everyone except Richie Martinez (drums) met at Berklee. I collaborated with Joey Izzo (keys) quite a bit at school and after graduation he mentioned starting a band and asked me to be a part of it, and here we are!

Q2: ARCH ECHO はかのバークリー出身者が4人を占めていますよね？

【ADAM】: うん、その通りだよ！ドラムスの Richie Martinez を除いて全員がバークリーで会ったんだ。
キーボードの Joey Izzo とは学生時代によくコラボレートしていたんだけど、卒業してから彼がバンドを始めたいと言い出してね。それで僕にメンバー入りを打診してきたんだ。そうやって ARCH ECHO が結成されたのさ！

Q3: What inspired you to start playing guitar? You are touring with Tony MacAlplne now. Is he one of your guitar hero?

【ADAM】: My dad taught me how to play guitar and showed me his favorite rock records so that was my jumpstart into the guitar world.
When I got into prog guitar Tony was one of the names I heard about through word of mouth, and of course his skills are unreal. Getting to tour with him inspires me to practice more.

Q3: ギターを始めたきっかけは何だったのでしょうか？ 現在、Tony MacAlpine とツアー中ですが、あなたにとって彼はギターヒーローの一人でしたか？

【ADAM】: 父がギターの弾き方を教えてくれたんだ。それに彼の大好きなロックのレコードたちも聴かせてくれたね。だから僕はギターの世界に飛び込むこととなったんだ。
プログギターにのめり込むようになると、Tony が凄いって評判も伝わってきたんだ。そして、もちろん彼のスキルは絶品だったよ。実際、彼とツアーをはじめてから、より練習を積むようになったね。

Q4: OK, let’s talk about your newest record “You Won’t Believe What Happens Next!”. You know, it’s really impactful album title. Also, compared with debut-full, the mood of artwork have changed significantly, right?

【ADAM】: Thank you! It feels like a good next step for the band and I still enjoy the final product. With the album artwork, we felt it would be fun to go against the typical trends and have something more comical. We have fun and don’t take things too seriously, and the artwork reflects that.

Q4: では最新作 “You Won’t Believe What Happens Next!” について話しましょう。
非常にインパクトのあるタイトルですね。アートワークの雰囲気も、デビュー作に比べると随分と変わりましたが。

【ADAM】: ありがとう！”次に何が起こるかきっと君は信じられないだろう！” ってタイトルは、文字通りバンドにとって良い次のステップだと感じたんだ。今でも完成品には満足して楽しんでいるよ。
アートワークについてだけど、僕たちは典型的なトレンドと真逆を行き、コミカルなムードを取り入れた方が楽しいと思ったんだ。僕たちはバンドを楽しんでやっているし、シリアスに物事を捉え過ぎてはいないんだよ。アートワークはそのアティテュードを反映しているんだ。

Q5: Your debut-full “Arch Echo” was very well accepted to the scene. Actually, in Japan, lot’s of instrumental music fans were really excited, and thought you were “gamechanger” like Animals as Leaders. So, it seems there was kind of “pressure”, when you started making next record. How did you make your band evolve from “Arch Echo”?

【ADAM】: That’s great to hear! We didn’t want to think about pressure and we simply wrote what we thought sounded fun to play. We want it to feel like a journey, but this album felt much more collaborative then the first one.

Q5: デビュー作 “Arch Echo” はシーンに大きな衝撃を与えました。日本のファンも大注目で、ANIMALS AS LEADERS のような “ゲームチェンジャー” の登場だと興奮していましたよ。
一方で、次の作品の制作には大きなプレッシャーもあったと思いますが？

【ADAM】: そんな評判があったんだね、耳にできて嬉しいよ！プレッシャーについては考えないようにしていたし、単純にプレイして楽しめる音楽を書こうと考えたんだ。
このアルバムを旅のように感じて欲しかったね。ただ違いがあるとすれば、前作にくらべてこの作品はよりコラボレーションの成果だと感じているんだ。

Q6: You are often called as “Metal meets Jazz/Fusion” or “Fu-djent”, haha. But compared with AAL, Polyphia, David Maxim Micic, I think you are more Jazz/Fusion artist, and that character of Arch Echo have become stronger in “You Won’t Believe What Happens Next!”. Do you agree that?

【ADAM】: I definitely agree that this 2nd album took more of a fusion direction and is a bit more technical. Who knows how the 3rd will sound!

Q6: ARCH ECHO はしばしば “Metal meets Jazz/Fusion” とか、”Fu-djent” などと称されていますね。
ただ、特に今回のアルバムは同系統のインストゥルメタルバンドと比較して、よりフュージョン色が濃いようにも感じます。

【ADAM】: 間違いなく同意するよ。この “You Won’t Believe What Happens Next!” ではよりフュージョンを目指した方向性をとったんだ。
それに、よりテクニカルにもなっているね。次のアルバムではどうなるだろうね！

Q7: Adam Rafowitz uses Strandberg, and that seems natural to me. Because AAL, Plini, lot’s of up and coming guitar players have used Strandberg. But Adam Bentley’s main guitar is Jackson, right? Jackson is more “Metal”, I feel. But what made you choose the brand?

【ADAM】: Yes I am a Jackson artist. It does tie into my love for metal and progressive metal – the way they craft guitars attracts metal guitarists and I feel very comfortable playing them. I’m also fortunate enough to know some very kind people on the Jackson team and I’m excited to keep that relationship going.

Q7: パートナー Adam Rafowitz は Strandberg のギターを使用していて、音楽性を鑑みればそのチョイスは自然に感じます。
ただ、あなたはもっとメタルらしい Jackson をメインギターに使用していますね？

【ADAM】: うん、僕は Jackson のロースターなんだ。このギターを使っているのは、僕のメタルとプログメタルに対する愛が故なんだよ。彼らのギターの製作法はメタルギタリストを惹きつけるんだ。それに僕はこのギターがとても快適なんだよ。
それに、Jackson社のとても親切な人たちと知り合えたのも実に幸運だったね。この関係を続けることに興奮しているんだ。

Q8: Also, Adam (Bentley) have been working as sound engineer, producer. Recently, Adam have managed lot’s of great records, like Anup Sastry, Felix Martin, Thrailkill, Pineapple Express. Actually, Adam has become “Key person” of modern prog scene, right?

【ADAM】: I’ve never really stopped to reflect on it that way, but that’s very flattering. I’m fortunate to have the chance to work with these talented musicians. It’s taken many years of hard work, and I’m always pushing to do better.

Q8: 冒頭でも仰いましたが、あなたは腕利きのサウンドマンとして、Anup Sastry, Felix Martin, THRAILKILL, PINEAPPLE EXPRESS などを手がけ素晴らしいアルバムを世に送り出しています。
モダンプログシーンにとってキーパーソンにも思えますが。

【ADAM】: そんな風になりたいと思ったことはないけど、嬉しい賛辞だね。幸運なことに、君が挙げたような才気溢れるミュージシャンたちと仕事をすることが出来ている。何年ものハードワークの賜物だろうな。
いつももっと良くなりたいと思って自分をプッシュしているんだ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED ADAM B’S LIFE

DREAM THEATER “IMAGES AND WORDS”

TesseracT “CONCEALING FATE EP”

SLIPKNOT “VOL.3 (THE SUBLIMINAL VERSES)

KILLSWITCH ENGAGE “AS DAYLIGHT DIES”

RUSH “THE SPIRIT OF RADIO (GREATEST HITS 1974-1987)

MESSAGE FOR JAPAN

We’re so excited to perform for you all, and it has always been a dream of mine to visit! Can’t wait and recommend me some places to see while I’m there!

君たちみんなのためにプレイするのが楽しみだよ。とてもエキサイトしているね！ずっと日本を訪れるのが夢だったんだ！待ちきれないね！
僕が日本にいる間、オススメの場所をぜひ教えて欲しいな！

ADAM BENTLEY

ARCH ECHO Facebook Page
ARCH ECHO Official Site
ARCH ECHO Bandcamp
日本盤のリリース情報はこちら。P-VINE

1.Daybreak
2.Immediate Results!
3.Stella
4.Aurora
5.Mukduk
6.Tempest
7.Bocksuvfun
8.Iris
9.Color Wheel *日本盤限定ボーナストラック
ARCH ECHO「You Won’t Believe What Happens Next!」国内盤
日本盤限定ボーナストラック / 日本語解説付き
2019.7.17 In Stores
¥2,400(w/o tax) / PCD-24858
P-VINE

mmmB5dvKwaCcAEznJZ

PLZ FOLLOW US ON FACEBOOK !!
BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PAUL MASVIDAL (CYNIC) : MYTHICAL】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH PAUL MASVIDAL OF CYNIC !!

“Chuck Gave His Life To Music And Was Always Interested In Learning New Things And Expanding His Art. I Think That Is Where We Connected As Artists. He Found In Me a Creative Young Spirit Looking To Try New Things.”

DISC REVIEW “MYTHICAL”

テクニカル/プログレッシブデスメタルの祖 DEATH がジャンルのリミットを解除したトリガーにして、CYNIC がメタルに宇宙とアトモスフィアをもたらした根源。Paul Masvidal は現代メタル史の筆頭に記載されるべき偉人です。
「Chuck はその人生を音楽に捧げ、いつも新たなことを学ぶ意欲を持ち、自身のアートを広げていったんだ。そういう点が、アーティストとしての僕たちを結びつけたんだと思う。きっと彼は僕の中にも、新たなことに挑戦する若きクリエイティブなスピリットを見つけていたんだろうな。」今は亡きデスメタルのゴッドファーザー Chuck Schuldiner の眼差しには、自身と同様に既成概念という亡霊に囚われない眩いばかりの才能が映っていたはずです。
実際、DEATH の “Human” でメタルとプログレッシブ、ジャズの垣根をやすやすと取り払った後、Paul は CYNIC をはじめ GORDIAN KNOT, ÆON SPOKE といった “器” を使い分けながら野心的な音旅を続けて来たのです。
咆哮と SF のスペーシーな融合 “Focus”、幽玄でアンビエントなアートメタルの極地 “Traced in Air” “Carbon-Based Anatomy”、そして THE BEATLES の精神を受け継ぐアビーロードメタル “Kindly Bent to Free Us”。そうしてもちろん、Paul がメスを握り執刀する音楽の臨床実験は、ソロ作品においても同様に先鋭と神秘の宇宙でした。
「分かっていたことが2つあってね。1つはアコースティックのレコードを作りたかったこと。もう1つは、ヒーリング体験を伴う新たなサウンドテクノロジーに深く興味を惹かれていたこと。」
サウンドスケープを探求するスペシャリストが “MYTHICAL” で到達したのは、音楽と治療の未知なる融合でした。
もちろん、これまでもロックとエレクトロニカを掛け合わせる実験は幾度も行われて来ましたし、ヒーリングを目的とした環境音楽も当然存在しています。
しかし Paul Masvidal が遂に発想した、シンガーソングライター的アコースティックな空間に、集中やくつろぎ、そして癒しを得るためのアイソクロニック音やバイノーラルビートを注入する試みは前代未聞でしょう。
「Lennon/McCartney を愛しているからね。彼ら二人はソングライティングにおいて、最大のインスピレーションなんだ！」
Paul が語るように、シンガーソングライターというルーツ、”家” に回帰した MASVIDAL の音楽は、THE BEATLES への愛情に満ち溢れています。仄かに RADIOHEAD も存在するでしょうか。
コード進行、旋律や歌い回しは “Fab Four” の魔法を深々と継承し、”Kindly Bent to Free Us” からメタリックな外観を取り払ったオーガニックな木造建築は居心地の良い自由で快適な空間を謳歌します。特に CYNIC のメランコリーまで濃密に反映した “Parasite” の美しさは筆舌に尽くしがたいですね。
そして、このアーティスティックな建造物にはスピリチュアルな癒しの効果も付与されています。表となり、裏となり、アルバムを通して耳に届くアイソクロニック音やバイノーラルビートは、不思議と Paul の演奏に調和し、音の治療という奇跡を実現するのです。”メタルが癌に効く” より先に、心と体に “効く” 音楽を作り上げてしまった鬼才の凄み。
「そういった “治療用トーン” や “脳を楽しませるトーン” を音楽に組み込むことができれば、音楽の効果と治癒力を高めることができると思った訳だよ。」音の葉と感情の相互作用を追求し続けるマエストロはそうして最後に大きなサプライズを用意していました。
“Isochronic Tone-Bath”。音浴、つまり音のお風呂体験。EPに用意された5曲から、Paul の演奏を剥ぎ取りヒーリングのトーンのみをレコードの最後に据えたマエストロの真の目的は、”聴く” と “感じる” の同時体験を瞑想と共にリスナーへ提供すること。そうして 「信念を曲げず、信念の元に」 進み続ける冒音者は、再度真に常識に逆らう道を進み、革命的な作品を完成へと導いたのです。
今回弊誌では、Paul Masvidal にインタビューを行うことが出来ました。「Chuck とは素晴らしい思い出が沢山あるよ。その思い出の大半は、僕を笑顔にしてくれるんだよ。僕は彼が充実した作品とインスピレーションを、これからミュージシャンとなる世代に残してくれたことが嬉しいんだ。」 きっと真の音楽は時の荒波にも色褪せません。どうぞ！！

MASVIDAL “MYTHICAL” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PAUL MASVIDAL (CYNIC) : MYTHICAL】 →

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SPIRIT ADRIFT : DIVIDED BY DARKNESS】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NATE GARRETT OF SPIRIT ADRIFT !!

“There Is Nothing New Under The Sun. Pretty Much Everything In Rock Music Has Already Been Done. BUT I’m Providing My Own Interpretation Of The Things That I Love, So In That Way It Is New!”

DISC REVIEW “DIVIDED BY DARKNESS”

「SPIRIT ADRIFT は僕が音楽を書いている。GATECREEPER の音楽を書いているのは Chase と Eric だよ。つまり、僕が SPIRIT ADRIFT を運営し、Chase が GATECREEPER を運営しているんだ。」
2015年から、Nate Garrett は GATECREEPER と SPIRIT ADRIFT、二隻の船に乗船しています。そして、GATECREEPER がデスメタルの新たな地平を目的地とするのに対して、SPIRIT ADRIFT は Nate のカタルシス、すなわち、培った音楽的背景、溢れる感情、現代社会への想い、自らの成長、全てに舵を切っているのです。
「政府やメディアは僕ら全員にくだらないことで互いに争わせようとしているんだ。真の問題や崩壊したシステムから目を逸らさせるためにね。だから僕たちはヘイトや恐れ、分断を与えられている訳さ。”Divided By Darkness” はそういった策謀を、愛、知識、結愛、しかし必要ならば暴力的な革命で克服するストーリーなのさ。」
闇に分断される世界の分水嶺 “Divided By Darkness” に光明というコントラストを与えたのは、Nate 自らの内なる進化でした。現代社会の悪習、悪癖から距離を置き達成された4年間のソブライエティー、しらふ状態は Nate の自信と創造力を活性化し、皮肉にも近年世界を覆う不信感がテーマのレコードに光を注ぐ結果となったのです。
「ドゥームはいつも僕の血管に存在するよ。」総帥 BLACK SABBATH を筆頭に、SAINT VITUS, TROUBLE, PENTAGRAM, そして同郷ニューオリンズの誇り CROWBER まで、禍々しくも鈍重なドゥームの遺伝子は SPIRIT ADRIFT の根幹にして “Divided By Darkness” の文字通りダークサイドを司ります。
一方で、アリーナメタルの高揚感、メロディックメタルの旋律美、そしてプログロックの知性はアルバムの “愛、知識、結愛” を象徴しているのです。
「もはや新たに白日の下に晒されることはないよ。ロック音楽の本当に大部分はもう成されてしまっているからね。だけど僕は、自身の解釈を愛する音楽に加えているからね。だからある意味では新しいと言えるんだ！」
そう、Nate が SPIRIT ADRIFT において追求し、そのミステリアスな音の葉を斬新たらしめるものはクロスオーバーの個性と美学です。沈鬱で陰気な “Abyss” “深淵” に端を発し、Ozzy Osbourn のアリーナメタルや Tony Martin 時代の様式美サバスをイメージさせる “Angel” を呼び込む “Angel & Abyss” のコントラストには、Nate が解釈するロックの光と影が如実に投影されています。
それはロックやメタルに残された仄かな可能性なのかもしれません。賛美歌にも似た “Living Light” の荘厳は人生を照らす煌めき。さらにアルバムを締めくくるエピック “The Way of Return” では、BLACK SABBATH と PINK FLOYD, CROWBER と TANGERINE DREAM, そして MEGADETH と Roky Erickson といった、禁断でしかし魅惑の異種族間の交配が Nate の “パーソナリティーやスタイル” を基盤として行われ、”死んだ” と謳われるロックの先行きを灯台のような暖かい光で照らしているようにも思えるのです。
今回弊誌では、Nate Garrett にインタビューを行うことが出来ました。「僕は、過去に利用されてきた音楽の要素を取り入れ、それらを今までにない個性的な方法で組み合わせることによって、ユニークな何かが出来上がると感じているんだ。」その航路はきっと HAUNT や KHEMMIS とも交わるはずです。どうぞ！！

SPIRIT ADRIFT “DIVIDED BY DARKNESS” : 9.9/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SPIRIT ADRIFT : DIVIDED BY DARKNESS】 →

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【POSSESSED : REVELATIONS OF OBLIVION】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH EMILIO MARQUEZ OF POSSESSED !!

“Seven Churches” Was The Creation Of Death Metal In My Opinion. There Was Never a Band Who Used The Words “DEATH METAL” In Any Song Title Or Claiming That Category When “Seven Churches” Was Released. “Seven Churches” Was Very Raw And Wierd In Structure And Lyrics. Just So Dark For Its Time. Very Unique!”

DISC REVIEW “REVELATIONS OF OBLIVION”

先日、かの Rick Rubin が SLAYER をしてブラックメタルの創案者と呼んだように、ジャンルの朝未きはいつも朧げで、故にそのミステリアスなアルカイックパズルの最適解は常に議論の的となってきました。
1983年に降誕した POSSESSED は “ゴッドファーザー・オブ・デスメタル” の称号を贈られる邪悪の根源。85年にリリースしたデビュー作 “Seven Churches” が、DEATH の “Scream Bloody Gore” をはじめ CANNIBAL CORPSE, DEICIDE, OBITUARY, MORBID ANGEL といったフロリダの魑魅魍魎に少なからず影響を与えたことは想像に難くありません。
実際、今は亡き Chuck Schuldiner は、DEATH の前身バンド MANTAS が当初 VENOM/MOTORHEAD 的な方向性を志向していながら、POSSESSED の登場で全てが変わったことを認めています。
「POSSESSED は当時登場したどんなバンドとも異なっていた。その音楽は純粋なノイズではなく、様々な要素、アイデアを作曲に取り入れていたんだ。彼らの進化は、他のバンドの挑戦や拡大の下敷きとなったんだよ。」
しかし、例え楽曲やデモのタイトルに “デスメタル” の文言を掲げようとも、”Seven Churches” の音楽性は決してデスメタルの完璧な “模範解答” であった訳ではありません。むしろ、スラッシュメタルとデスメタルのダークな架け橋との評価が一般的だと言えるかも知れませんね。ただし、POSSESSED の理念は完璧なまでにデスメタルでした。
「スラッシュはクリーンボーカルで歌われる生々しくファストな音楽だ。決して難しいソングライティングのスタイルではないよ。ブラックメタルも好きだけど、限られた少しのバンドだけだ。なぜならブラックメタルバンドの大半は、サタニックでさえなく、トレンドに追従しているだけだからね。デスメタルはもっともっとチャレンジングな音楽だよ。そしてコンセプチュアルでもある。バラエティー豊かだしね。」
新生 POSSESSED の栄誉あるドラマー職に任命された Emilio Marquez は、ジャンルの交差点に対して鋭い観察眼を発揮します。
確かに、クロスオーバーの禁忌を発動せずとも、デスメタルはスラッシュやブラックメタルと比較してより猟奇でカオスで挑戦的なジャンルであるように思えます。そして、その美学を主導したバンドこそ POSSESSED だったのです。
新生。そう、POSSESSED は不死鳥の如く蘇ったバンドです。後に BLIND ILLUSION, そして PRIMUS を結成する Joe Satriani が一番弟子 Larry LaLonde の絶妙に捻くれ絶妙に知的なギターワークを軸に据え、今では心理学の学位を取得しカウンセラーとなった Mike Sus の奔放で奇々怪界なドラムダンス、Jeff Becerra の狂猛なる咆哮を三位一体の阿鼻叫喚とした10代の POSSESSED は、さながら奇想画のごとくジャンルの脱俗と自我意識を備えた異端でした。
2枚のアルバムと1枚のEPを遺して解散したバンドの復活は2007年。トリビュートアルバムから実現した再起のオリジナルメンバーは Jeff Becerra のみでしたが、それでも車椅子の Jeff が牽引するパフォーマンスはファンの熱狂を呼びました。
そして、それから12年の後に届けられた最新作 “Revelations of Oblivion” には、Emilio の言葉を借りれば “POSSESSED のレガシーをしっかりと受け継いだ” ネクストレベルの無慈悲な倒錯が封じられていたのです。
“Seven Churches” と同様に荘厳な SE で幕を開ける伏魔殿には、確かにあの POSSESSED の背徳が投影されています。GRUESOME や ex-DRAGONLORD でならすシュレッダーをリクルートした効果は絶大で、当時のリフの迷宮はドラマ性とエキサイトメントを充填し迫ります。
もちろんチープだったプロダクションも大きく改善され、Emilio の正確無比なドラムアタックは Sus の異様を懐かしむ暇さえ与えませんし、何より Jeff の鬼気はその迫真を増しています。
特に、スラッシュの疾風とデスメタルの迅雷を共存させた “Demon” の刻々と移りゆくペースチェンジの妙、”Abandoned” や “Shadowcult” の絶妙に捻くれながらもギターハーモニーまで披露するリフドラマは、アップデートされた POSSESSED 2.0 の脅威を見せつけるに充分の攻撃でしょう。
今回弊誌では、Emilio Marquez にインタビューを行うことが出来ました。「僕の考えでは、”Seven Churches” こそがデスメタルを創造したと思うね。実に生々しく、構成や歌詞も風変わりだったよね。あの時代にしてはただ本当にダークだった。とてもユニークだよ！」 偶然にも、近年の KREATOR と非常に近い場所へと着地した可能性もありますね。どうぞ！！

POSSESSED “REVELATIONS OF OBLIVION” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【POSSESSED : REVELATIONS OF OBLIVION】 →

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JORDAN RUDESS : WIRED FOR MADNESS】【DREAM THEATER : DISTANCE OVER TIME】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JORDAN RUDESS OF DREAM THEATER !!

“I Believe The Keyboard World Can Move To Higher Level Much Like The World Of The Electric Guitar In The Last 50 Years. The Keyboard And The Keyboardist Have Incredible Potential For Music Making. “

DISC REVIEW “WIRED FOR MADNESS”

「僕は “Jordan Rudess” が経験してきたこと全てをこの作品に注ぎたかったんだ。完全に自由になって、ロックのフォーマットで僕の音楽精神全てを表現することが重要だったんだよ。」
現代キーボードヒーローの代名詞。そして巨人 DREAM THEATER にとって心臓にして中枢となった鍵盤の魔術師は、それでもなお音の自己証明をソロアルバムに求めます。
アーティストにとってソロ作品の利点は、所属する集団から隔離された天性のスペース、実験のラボラトリー、”完全なる自由”。
「”The Astonishing” は素晴らしい音楽的なチャレンジで、僕は本当に楽しめたんだ。一方で、新しい DREAM THEATER のアルバムは、ファンの愛する要素を全て取り入れた作品だと感じているよ。まさにプログとメタルのクールなミックスさ！！」
Jordan は “Distance Over Time” の即効性、穿った言い方をすれば素晴らしき “ファンへの贈物” を完全にポジティブに捉えています。しかし一方で “人生を変えたアルバム” を見れば伝わるように、彼のエクレクティックな影響の海原において原点、精髄があくまでもプログレッシブロック、”The Astonishing” に集約された挑戦の美学にあることは明らかでしょう。
コンテンポリーなクラシカルミュージック、ソロピアノ作品、奇想天外なカバーアルバムとその多様なバックボーンをソロアルバムとして昇華してきたマエストロ。そうして到達した個性の極み “Wired For Madness” は、”自分を完全に表現” した “本当にプログレッシブな作品” となったのです。
35分の組曲で、2つの楽章がさらに10のパートに分かれる一大エピック “Wired For Madness” は、Jordan にとっての “Tarkus” であり “Karn Evil 9” ではないでしょうか。それは、人生をより良くするため自己の一部をコンピューター化する男の物語。
もちろん、彼の Keith Emerson に対する心酔はよく知られるところですが、音楽のみならず楽曲の題材、テーマまでSF狂 EMERSON LAKE & PALMER へのリスペクトに溢れたエピック “Wired For Madness” のプログレッシブスピリットは圧倒的です。
加速するテクノロジーへの依存、現実世界との分断。コンピューターボイスとデジタルワールドをプロローグに、オッドタイムと鍵盤のパラダイムで近未来の特異点を描く Jordan は現代の吟遊詩人なのかも知れませんね。
興味深いことに、Jordan 自らが歌い紡ぐテクノロジーの詩は時に親交のあった David Bowie をも想起させます。ジギー・スターダストの方法論で警鐘を鳴らす鬼才の声と慧眼は、ロックの庭内でジャズやオーケストラ、エスノ、エレクトロをクロスオーバーさせながら “楽曲によりスペーシーでメロウな感覚を持たせる” ことに成功しています。
故に、例えば THE BEATLES と LIQUID TENSION EXPERIMENT, GENTLE GIANT と APHEX TWIN が入り乱れるこのレトロフューチャーな実験を奏功へと導いたのも、演者を自由に選択可能なソロ作品のアドバンテージであったと言えるのかも知れません。そして事実、彼のSFオペラには、自らのマルチプレイを含め適材適所なキャスティングがなされています。
DREAM THEATER の同僚 John Petrucci, James LaBrie、さらに Marco Minnemann, Guthrie Govan, Vinnie Moore, Joe Bonamassa, Rod Morgenstein, Elijah Wood, Jonas Reingold, Alek Darson, Marjana Semkina。ベテランから新鋭まで、ロックワールドの要人をこれほど巧みに配した作品は決して多くはないでしょう。
組曲を離れても、DIRTY LOOPS にインスパイアされた “Perpetual Shine”、意外性のヘヴィーブルーズ “Just Can’t Win”、さらに絶佳の叙情を湛えた珠玉のバラード “Just For Today” と聴きどころは満載。そうして壮大なプログ劇場は、5/8 と 6/8 を往来するコズミックなプログチューン “When I Dream” でその幕を閉じるのです。
今回弊誌では、Jordan Rudess にインタビューを行うことが出来ました。「僕はキーボードの世界は、エレキギターがこの50年で作り上げた世界に匹敵する高いレベルへ移行することが可能だと信じているんだよ。キーボード、そしてキーボーディストは、音楽制作において驚異的なポテンシャルを秘めているんだ。」 どうぞ！！

JORDAN RUDESS “WIRED FOR MADNESS” : 9.9/10

DISC REVIEW “DISTANCE OVER TIME”

DREAM THEATER がいなければ今日のプログメタルは存在しなかったでしょう。
メタルの転換期にして、モダンメタルにとって架け替えのない重要なピリオドとなった80年代後半から90年代前半の “ポストファーストメタルタイム”。ある者は複雑なリズムアプローチを、ある者はプログレッシブロックを、ある者はデスメタルを、ある者はエクストリームな残虐性を、ある者はフォルクローレを “ベーシック” なメタルに加えることで、彼らはモダンメタルの礎となる多様性を築き上げていきました。
様々なバンドがより幅広いスペクトルの音楽を聴くことで、メタルに “意外性” を加えていった変革の時代に、DREAM THEATER は別世界のテクニック、精密繊細なコンポジション、洗練されたデザイン、静謐と激重のダイナミズムでプログメタルの雛形を作り上げたのです。
特筆すべきは、QUEENSRYCHE を除いて、商業的なアピールに乏しかったそれまでのプログメタルワールドに、コマーシャルな新風を吹き込んだ点でしょう。複雑で思慮深くありながら、幅広いオーディエンスにアピールするフック、メロディー、テンションの黄金比は確実にプログメタルのあり方を変えました。
30年を経て、現在も DREAM THEATER はプログメタルの顔であり続けています。ただし、30年前のように崇高なる革命家であるかどうかについては議論が分かれるのかも知れませんね。
もちろん、DREAM THEATER に駄作は存在しません。Mike Portnoy の離脱、Mike Mangini の加入は、テクニック的には寧ろ向上にも思えますし、マスターマインド John Petrucci が聴く価値のない楽曲を制作するはずもないでしょう。ただし一方で、Mangini の加入以降、バンドの行先が “ロボティック” でアートよりもサイエンスに向いているという指摘が存在したのも確かです。
だからこそ、誤解を恐れずに言えば、前作 “The Astonishing” は傑作になり損ねたレコードでした。メロディーやエモーション、インストゥルメンタルなアプローチに関しては、群を抜いていたとさえ言えるでしょう。壮大なロックオペラというコンセプトも実にチャレンジングでしたが、故に引き算の美学を行使できず、結果として冗長な2時間超のアルバムに着地してしまったようにも思えます。
言いかえれば、プロデューサー John Petrucci 一頭体制の限界だったのかも知れませんね。少なくとも、Mike Portnoy は取捨選択のエキスパートでした。
対照的に、バンド全員でライティング&レコーディングを行った一体化と有機性の最新作 “Distance Over Time” は、Jordan の言葉を借りれば、「ファンの愛する要素を全て取り入れた作品だと感じているよ。まさにプログとメタルのクールなミックス」のレコード。
“Images & Words” のようにコンパクトでキャッチー、そして “Train of Thought” のようにダークでヘヴィーなアルバムは、RUSH と METALLICA の婚姻という原点をコンテンポラリーに再構築した快作です。
エセリアルな天使が鍵盤と弦上を華麗に踊る “Untethered Angel”、TOOL ライクなグルーヴの海に LaBrie の技巧が映える “Paralyzed”、”Black Album” meets カントリーな “Fall into the Light”、”Barstool Warrior” に開花する Petrucci の溢れるエモーション、”S2N” で炸裂する John Myung のアタッキーな妙技、そして “At Wit’s End” の LIQUID TENSION EXPERIMENT を彷彿とさせるトリッキーなシーケンシャルロマン。聴きどころに不足することは間違いなくないでしょう。
そうして、アルバムは DREAM THEATER らしいリリックの巧妙でその幕を閉じます。”Pale Blue Dot”。カール・セーガンへのオマージュで彼らは、殺戮や憎悪まで生命の営み全てが詰め込まれた碧き “点” への再考とリスペクトを促すのです。
“Distance Over Time” には、プログメタル革命の新たな旗が描かれているわけではないかも知れません。ただし、バンドの秘めたる野心の牙はきっとその鋭さを増しています。革命家の DREAM THEATER を求めるのか、政治家の DREAM THEATER を求めるのか。リスナーの需要や願望によってその評価が分かれる作品なのかも知れませんが、クオリティーは最高峰です。

DREAM THEATER “DISTANCE OVER TIME” : 9.8/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JORDAN RUDESS : WIRED FOR MADNESS】【DREAM THEATER : DISTANCE OVER TIME】 →

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【INFERI : THE END OF AN ERA: REBIRTH】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MIKE LOW OF INFERI !!

“Don’t Get Me Wrong, A Lot Of Bands Are Putting Out The Same Album Over And Over, And Rehashing Shit That Has Been Done For Years. This Is Really Doing Nothing For The Growth Of The Death Metal Scene. Incorporating Your Own Unique Flavor Is Key In Growing And Sustaining a Healthy Music Genre.”

DISC REVIEW “THE END OF AN ERA: REBIRTH”

ナッシュビルを居とするテクニカルデスメタルの抒情詩人 INFERI は、シンフォニックな情景描写と緻密な音章技巧を融合し、モダンなエクストリームミュージックの可能性とあり方を明示する特異点です。
ネクロマンサーを出自に命名されたバンド名が示すように、当初はゴーセンバーグスタイルとテクニカルな牙を邪悪にミックスしていた INFERI ですが、徐々に壮大なオーケストレーションと流麗なシュレッドをその看板として掲げていきます。その審美のキャンバスに、昂然たる神話の荘厳やダークファンタジーのストーリーを描くことでバンドは、モダンメタルの石碑へと自らの名を深々と刻むこととなったのです。
「ジャンルの限界は毎日のように拡張されている。ミュージシャンが自らのユニークなスタイルで音楽を作り続ける限り、そしてリスナーが飽きてしまわない限りね。」
ギタリスト Mike Low はテクニカルデスメタルに潜む無限の可能性を信じて疑いません。そして、その言葉通り昨年リリースされた “Revenant” は、シーンの絶賛と共にジャンルのリミットを解除する貴重な “鍵” となったのです。
ARSIS の James Malone と THE BLACK DAHLIA MURDER の Trevor Strnad。INFERI のメンバーが長年愛聴し、バンドのサウンドを形成する骨子となった2人の偉人をゲストに迎えたレコードは、故にファンの望むテクデスヘヴンを体現しつつ、一方で自らのユニークスキルであるストリングスやオルガンの崇高神秘とギターロマンを究極まで突き詰めたマイルストーンとなりました。
それは「独自のユニークなフレイバーを加味することが、シーンの成長とヘルシーなジャンルを保つための鍵だと言えるだろうね。」の言葉を己の手で証明する、クロスオーバーの正義だったのです。中でも、RHAPSODYも慄く死のプログレッシブ歌劇 “Thy Menancing Gaze”や、猫の目のアヴァンギャルド “Smolder in the Ash” における開明性、斬新さは圧倒的でした。
バンドのアイデンティティーが具現化したのが、2009年にリリースされたセカンドアルバム “The End of an Era” であることは明らかでしょう。ダンテの “神曲” をモチーフにメロディーと複雑性のダンスを踊る先駆的なレコードは、現在の INFERI にとってまさに基盤となりました。
「僕たちは今回の試みでいくつか新たな要素や機材を持ち込むことが出来たし、オリジナルのレコーディングには現れていなかった新たな息吹を楽曲へ吹き込むことが出来たからね。」
前任ボーカル Sam Schneider の離脱に伴い、新進気鋭 EQUIPOISE の Stevie Boiser をリクルートし新体制で “The End of an Era” のリレコーディングを行なったのは、リリースから10年を経て成熟洗練したバンドの現在でその偉業を語り紡ぐため。
トレモロリフ、デュアルギター、オーケストレーション、アトモスフィアの階層が巧みに交差する偉大なデスメタルの神殿は、”前時代”を終結させるほどのクオリティーを誇りながら、ノウハウの欠如、プロダクションの未熟さ、知名度の低さにより受けるべき賛辞を受けていなかったと言えるでしょう。
そうして全ての弱点が克服された “The End of an Era: Rebirth” を一つの端境に、INFERI は文字通り新たな生を得るはずです。「僕たちはすでに次のアルバムに着手しているんだ。君が言ったような、ファンが望むであろう要素を保ちながら、さらに僕たちのサウンドを拡大するのが本当に楽しみなんだ。」リスナーも新たな叙事詩に封じられる音の葉を待ち侘びます。
最後に、ENFOLD DARKNESS, EQUIPOISE, WARFORGED, FLUB, AUGURY といった Tech-metal の特異点を呼集しシーンを牽引するレーベル The Artisan Era が、INFERI のギターチームによって運営されていることは記して置くべきでしょう。
今回弊誌では、Mike Low にインタビューを行うことが出来ました。「多くのバンドは同じような作品を何度も何度も繰り返し作って、クソみたいな焼き直しを何年も生み出し続けているんだよ。こういった行為は、デスメタルシーンの成長に本当に何も寄与しないんだ。」どうぞ！！

INFERI “THE END OF AN ERA: REBIRTH” : 9.8/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【INFERI : THE END OF AN ERA: REBIRTH】 →

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DEVIL MASTER : SATAN SPITS ON CHILDREN OF LIGHT】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH HADES APPARITION OF DEVIL MASTER !!

“I Think The Desire To Find The Most Chaotic And Moribund Sound Is What Drew Us To Japan’s Underground Music Scene. It Has Had a Huge Impact On Us Musically And Aesthetically.”

DISC REVIEW “SATAN SPITS ON CHILDREN OF LIGHT”

「僕たちのライティングプロセスにおいて、禁止されていることは何もないし、創造的なプロセスを阻害するいかなる意図も働かないよ。」
エクストリームミュージックの世界において、ジャンルの “純血” を守るためのみに存在する特有の “ルール” はもはや過去のものへとなりつつあります。ヴァンパイアの血を引く “漆黒のプリンス” を盟主に仰ぎ、フィラデルフィアから示現したオカルト集団 DEVIL MASTER は、天衣無縫な怪異の妖気でメタル、ハードコア、ゴス、ポストパンクといったジャンルのボーダーラインをドロドロに溶かしていきます。
｢ G.I.S.M., ZOUO, MOBS, GHOUL, GASTUNK…間違いなく彼らの影響は、僕たちが成そうとしていることの基礎となっているね。最も混沌とした、瀕死のサウンドを見つけたいという願望が、日本のアンダーグラウンドミュージックシーンに僕たちを引き寄せたんだと思うよ。｣
ブラックメタルの歪みと混沌、スラッシュの突進力、衝動的なハードコアのD-beat、ゴシックロックの濃密なメランコリー、揺らぐポストパンクのリバーブ、そしてクラッシックメタルの高揚感。モダンメタルの多様性を究極に体現する DEVIL MASTER の音の饗宴。その骨子となったのは驚くことに、ここ日本で80年代に吹き荒れたハードコアパンクの凶悪な嵐、いわゆるジャパコアでした。
確かに、ZOUO のサタニックなイメージをはじめとして、パンクらしからぬ高度な演奏テクニック、ノイジーでメタリックなサウンドメイクなど、良い意味でガラパゴス化した当時のジャパコアシーンの異端なカオスは、DEVIL MASTER の原点としてあまりに符号します。
そして皮肉なことに、DEVIL MASTER が極東の前世紀アンダーグラウンドを起点として、多彩な阿鼻叫喚を創造したのは、今現在 ｢大半のモダンメタルが陥っている一種の停滞から自身をしっかり識別、認識させたいという願望｣ にありました。
｢サタニズムに纏わる事柄は、間違いなく僕たちの音楽に内包されているね。だけど、僕たちのアプローチは確実に典型的な意味では用いられていないんだ。｣
ギターの片翼 Hades Apparition も固執する “典型” を嫌うマスターの哲学。さらにマスターマインド Darkest Prince は、｢サタンは世界を前進させる力だと思う。神にも似て…いや神なんてものはいない。それは”フォース”の名称であるだけさ。邪悪だって存在しない。ただ、”道義心” が社会を形作っているだけなんだよ。｣ と語ります。
つまり、彼らのサタンは “生を肯定” する存在。サタニズムを邪悪や悲惨のネガティブな一元論で語るバンドが多い中、”Devil Is Your Master” に示された通り DEVIL MASTER は、”マスター” という “フォース” の栄光を讃えることで、サタニズム由来のメランコリズムと高揚誘う勝利のサウンドを見事に両立しているのです。
EP のコンピレーションを経て Relapse からリリースとなったデビューフル “Satan Spits on Children of Light”。ピアノに始まりピアノに終わるレコードは、”Skeleton Hand” でハイテンションのホラーパンクを、”Desperate Shadow” で MERCYFUL FATE の劇場感を、”Dance of Fullmoon Specter” では古の日本の伝承を探求し、70年代のオカルト映画に通じる退廃的な邪悪をシアトリカルに体現するスペクタクルとなりました。それは聴覚とそして視覚からリスナーを地獄の底へと誘う旅。
CODE ORANGE, POWER TRIP を手がけた Arthur Rizk のプロデュースはまさしくクロスオーバー最先端の証でしょうし、もちろん、GHOST の手法を想起するリスナーも多いでしょう。
今回弊誌では、Hades Apparition にインタビューを行うことが出来ました。｢一つの旗の下に音楽を創作するという典型的な “近視” の状態ではなく、僕たちの全ての影響を出したいと願うよ。そうすることで、僕たちの音楽に住む混沌とした性質をさらに加速させることが出来ると思うんだ。｣ どうぞ！！

DEVIL MASTER “SATAN SPITS ON CHILDREN OF LIGHT” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DEVIL MASTER : SATAN SPITS ON CHILDREN OF LIGHT】 →

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【QUEENSRŸCHE : THE VERDICT】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MICHAEL “WHIP” WILTON OF QUEENSRŸCHE !!

“If We Were To Write Another Conceptual Album It Would Always Be Judged And Compared To The Original “Operation:Mindcrime” Album. Sequels Rarely Outshine The Original !!”

DISC REVIEW “THE VERDICT”

「QUEENSRŸCHE には37年の歴史があるんだ。だからね、どの時代にも大きなインパクトを与えられた、人生を変えてくれたっていう情熱溢れるファンがいる訳だよ。」
Chris DeGarmo も Geoff Tate もいない QUEENSRŸCHE に何を期待し求めるのか。
デジタルな叫びにプログレッシブの本能を込めた “Rage for Order”、メタル史に残るコンセプトアルバムの金字塔 “Operation: Mindcrime”、ラジオのエアプレイを支配した洗練の帝国 “Empire”、哲学と内省の楽園 “Promised Land”、そして時代の影を生き生きと描写した開拓地 “Hear In the Now Frontier” まで、2人の主役が牽引したレコードは全てが知性と冒険心でメタルの可能性を培養する妙想のシャーレだったのですから、その疑問はある種当然です。
DeGarmo が去り、齟齬を孕んだ Tate とバンドのアンバランスな営みが終焉を迎えた後、しかし QUEENSRŸCHE は Todd La Torre の輝かしき才能と原点回帰で長きアイデンティティークライシスを解消へと導きました。
「僕たちはどんなトレンドも追いかけたりはしないし、自分たちにとって正しいと感じる音楽だけを追求しようとしているんだ。」
おそらく、”女王の王国” を設立した Michiel Wilton の中には中途半端なトレンドの追求が不遇の時代招いたという想いがあるのでしょう。とは言え、過去にはトレンドを巧みに司って音の稜線を拡大していた時期もある訳で、この発言には近年の Tate の半端なセンスに対する鬱憤と後悔が透けて見えるようにも思えますね。
ただし、Geoff Tate がその歌唱力において唯一無二であったのは確かです。故に、バンドが完璧に QUEENSRŸCHE の声を代弁し余りある Todd を見出すことが出来たのはただただ行幸でした。
最新作のタイトル “The Verdict” とはすなわち “評決”。或いは、Todd 加入後の2作は “審議” 期間だったのかも知れませんね。つまり、この作品で現在の QUEENSRŸCHE に対する是非の判断が下されるのです。そしてきっと間違いなく、正義はここにありました。
もちろん、QUEENSRŸCHE という名前の裏に、張り巡らされた迷宮のような知性や背景を期待するならば現在の彼らには物足りない部分もあるでしょう。ただし、”The Verdict” にはそれを補って余りある瑞々しくも圧倒的エナジーと、研ぎ澄まされた充実の旋律美が存在するのです。
オープナー “Blood of the Levant” の重量感は、HATEBREED や BORN OF OSIRIS との仕事で名を上げた売れっ子プロデューサー ZEUSS との相乗効果でグルーヴの新風を吹き込みます。一方で、シンコペーションやハーモニーの美学はまさしく QUEENSRŸCHE の流儀で、結果として Michiel 言う所の 「バンド史上最もメタルかつプログレッシブな作品」を具現化しているようにも思えます。
あのビッグバンとも言える成功を経験した Michael と Eddie にとって、原点、QUEENSRŸCHE サウンドとは “Operation: Mindcrime” と “Empire” を指すはずです。実際、コンパクトに設計された作品には、当時の躍動感やロマンチシズムが明らかに戻って来ています。
ただ面白いことに、例えばエニグマティックな “Light-Years” を聴けば “Rage For Order” を、サイケデリックでシュールな “Inside Out” を聴けば “Promised Land” を、ボーカルエフェクトもグランジーな “Propaganda Fashion” を聴けば “Hear In the Now Frontier” を想起する “ライチアーミー” は多いはずで、つまり “The Verdict” には QUEENSRŸCHE が刻んだ長い旅路の集大成といった側面も確かに存在するのです。
アルバムは、｢永遠に続くものは無い。ただ回転ドアのように入れ替わっていくんだ。｣ とメンバーチェンジの悲喜交々を隠喩する “Dark Reverie” を境に Michael 語るところの “進化” の結晶を畳み掛けていきます。
それは、Todd の絶唱ハイトーンとシンセサウンドを活用したダークでドラマティックな世界。息つく暇もなく押し寄せる、劇的で静動、陰影濃くするダイナミズムの波は完璧なチームワークの賜物。名曲の目白押し。
そうして、評決の行方を見るまでもなくリスナーは、エレガントでアトモスフェリックな感情のポートレート “Portrait” に大きな喝采を送るのです。
オリジナルメンバーの一人であるドラマー Scott Rockenfield の不参加によりボーカルの Todd がドラムスも兼任していることは記して置くべきでしょう。ただし心配は無用。トレードマークのダブルチャイナ、ライドとハイハットの華麗な使い分けはまさしく Scott のそれですから。
今回弊誌では印象的なフックを刻み続ける Michael “Whip” Wilton にインタビューを行うことが出来ました。｢もし今の QUEENSRŸCHE が気に入らないなら立ち去れば良いだけさ。｣ どうぞ！！

QUEENSRŸCHE “THE VERDICT” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【QUEENSRŸCHE : THE VERDICT】 →

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【LEE MCKINNEY (BORN OF OSIRIS) : INFINITE MIND】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH LEE MCKINNEY FROM BORN OF OSIRIS !!

“I Love Metal Just Like The Rest Of Us, But It’s SUCH a Shame When I See “Metal Heads” Talk Shit On Things That Aren’t Metal Or a Band Changing Their Sound. How Sad Of a World It Must Be To Only Love ONE Style Of Music.

DISC REVIEW “INFINITE MIND”

「全てはシカゴの小さなシーンから始まったんだ。僕たちは本当に才能とインスピレーションに溢れたミュージシャン、グループに囲まれていただけなんだよ。僕は MESHUGGAH さえ聴いていなかったんだから。僕が聴いていたのは友人の VEIL OF MAYA と AFTER THE BURIAL だったんだ。」
例えば VEIL OF MAYA の “The Common Man’s Collapse” が、例えば AFTER THE BURIAL の “Rareform” が、そして例えば BORN OF OSIRIS の “The New Reign” が、後のプログレッシブデスコア/メタルコア、Djent シーンに与えた影響は計り知れないものがあります。
シカゴ周辺に兆したプログレッシブでポリリズミックなグルーヴの胎動。中でも、オリエンタルなテーマと荘厳なシンセサウンドを背景に紡がれる BORN OF OSIRIS のドラマティックな宇宙観は、新時代の神秘と野心に満ちていました。
BORN OF OSIRIS のギタリスト Lee McKinney は、一時期バンドに参加していた Jason Richardson や Tosin Abasi ほどの英名や声価を得ている訳ではないのかも知れません。しかし遂に完成を見たソロデビュー作 “Infinite Mind” で、Lee に備わった多彩なエモーショナルジャーニー、シュレッドロマンが証明されるはずです。
実際、メインストリームのロックフィールドへと接近した IN MOTIVE の結成を皮切りに、Lee はここ数年 “クリエイティブモード” の最中にあります。BORN OF OSIRIS では、初期の鼓動と傑作 “The Discovery” 以降培った多様性を周到にミックスした最新作 “The Simulation” を1月にリリースし、さらにその仮想現実へと警鐘を鳴らすビッグテーマを引継いだ作品が今年中に完成予定。そして3月にはソロレコード “Infinite Mind” が到着。
実は、Lee のその旺盛な創作意欲は以前のハードなツアー生活がもたらした “不安感” に対処するある種のセラピーで、薬物中毒から抜け出す平穏への道こそ “Infinite Mind” のテーマとなりました。
「僕はあらゆるジャンルを取り入れたいのさ。なぜかって？ 僕はジャンルの意味さえ見出せないんだよ。ジャンルの役割って、リスナーが中にとどまるための箱を提供することだけだと思うからね。」
BORN OF OSIRIS で否が応にも期待されるメタルコア/デスコアサウンドは、Lee のカラフルな音の絵の具の一色にしか過ぎません。オープナー “Clock Without A Craftsmen” を聴けば、Lee のシグニチャーサウンドであるシンメトリーな旋律に悠久のサクスフォンが溶け合って、有機と無機の絶妙なバランスを描き出していることに気づくでしょう。
実際、サクスフォンが醸し出す官能の音色は、”Rising Tide” や “A Neverending Explosion” においてもアンビエントなサウンドスケープを創出し、メカニカルメタリックなパレットの中でダイナミズムのダンスを踊ります。
ジャズやアンビエントの絵の具以外にも、”The Sun and The Wind” ではトレンドでもある Fu-djent のイメージを追求し難解なリズムをキャッチーに因数分解し、”Astrolabe” ではエスニックでクラシカルな描写が情緒の陰影をより色濃く時の回廊へと刻みます。
「一つの音楽スタイルしか愛せない世界なんて間違いなく悲しいじゃないか！」
Lee の率直な叫びは平穏を実現するアルバムクローサー “Infinite Mind” “制限のない心” へと収束して行きます。カントリーをも想起させるオールドスタイルのリックを芽生えとして、近未来感溢れるシンセサイザーとギターの狂想曲へと展開する楽曲で Lee が提示したのは、ジャンルも時間も超越したまさに無限の可能性でした。
今回弊誌では、Lee Mckinney にインタビューを行うことが出来ました。「”メタルヘッズ” を自称する野郎が、これはメタルじゃないとか、メタルじゃなくなったなんてクソみたいな批判をしているのを見ると、本当に残念すぎるって感じるね。」どうぞ！！

LEE MCKINNEY “INFINITE MIND” : 9.9/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【LEE MCKINNEY (BORN OF OSIRIS) : INFINITE MIND】 →