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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DAWN OF OUROBOROS : BIOLUMINESCENCE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH TONY THOMAS OF DAWN OF OUROBOROS !!

“We All Grew Up Near The Coastline Of California So The Pacific Ocean Has Been a Major Theme Across All Of Our Music. In The Case Of Bioluminescence, Chelsea Felt It Was a Theme She Found Beautiful, And Wanted To Express Her Admiration Of It Through The Music.”

DISC REVIEW “BIOLUMINESCENCE”

「僕たちはみんなカリフォルニアの海岸線の近くで育ったから、太平洋は僕たちの音楽すべてに共通する大きなテーマなんだ。”Bioluminescence” の場合は、Chealsea が美しいと感じたテーマで、音楽を通して生物発光の素晴らしさを表現したかった。主にアルバムのタイトル曲でね」
“Bioluminescence”(生物発光)とは、生物の体内で起こる化学反応が光を生み出すことを表します。これは、カリフォルニア州オークランドの DAWN OF OUROBOROS、その自らの尾を飲み込む円環の音蛇を実に的確に比喩した言葉なのかもしれません。様々に異なる曲作りの技法を組み合わせた彼らの虹色の輝き、それはまさにブラックメタルの生物発光。
重要なのは、彼らがそうしたインスピレーションを、自らが生まれ育った太平洋の海岸線、美しき海原と生命の神秘から受けていることでしょう。もちろん、今日ブラックメタルはその出自であるサタニズムの手を離れて、自然崇拝や少数派、弱者の代弁、スピリチュアリズムなど様々な分野に進出していますが、彼らも自らのアイデンティティを余すことなくブラックメタルに注いでいます。メタルにおける自己実現。それはきっと、とても尊いこと。
「作曲を始めるときは、いろいろなドラムのアイデアに合わせてギターを弾き、気に入ったものが出てくるまでその上で即興演奏するんだ。だから、インプロビゼーションを通して自然に生まれるものなんだよ。でも、僕たちのサウンドが人々の心に響くのは、イントロ部分の Chelsea の歌のおかげだよ。彼女もそのボーカルの多くを即興で歌うので、曲に自然なジャズ・フィーリングが生まれたんだ」
そうして唯一無二の方法で育まれた DAWN OF OUROBOROS の音楽は、当然ながら他のブラックメタルとは一線を画しています。現代的なブラックメタルとデスメタルが巧みに混ざり合う “Bioluminescence” の世界には、さながら深海を探索するようなポスト/プログのアトモスフィアが漂います。発光生物の多くが海に生息しているように、DAWN OF OUROBOROS の音色は明らかに水中のイメージを想起させ、ボーカルとギターのメロディーにはオワンクラゲのごとくみずみずしき浮遊感が存在します。
一方で、リズム・セクションが津波のようなシンセ・ラインとともに脈動し、激しいうなり声や叫び声が大空から轟いてくることもあり、この太平洋の神秘と荒波の二律背反こそがウロボロスの夜明けを端的に表しているに違いありません。
「僕たちは自分たちが好きな音楽を作ること以外を目指したことはなかったから、他のバンドがよくやること、当たり前なことなんて考えたことはなかったんだ。それに、Chelsea の声はそれ自身で彼女がいる意味を物語っていると思うし、何より彼女はハーシュ・ヴォーカルもクリーン・ヴォーカルも、他のヴォーカリストよりもうまくこなせるんだ」
そうした DAWN OF OUROBOROS の両極性を増幅させるのが、Chelsea Murphy の多面的なボーカルでしょう。ドリーミーな歌声と生々しい叫び声を瞬時に切り替える彼女の類まれな能力は、ROLO TOMASSI の Eva Korman を想わせるほどに魅力的。
“Slipping Burgundy” ではスムースでジャジーに、”Fragile Tranquility” では荒く、ほとんど懇願するようなトーンでリスナーの感情を刺激します。 先程までラウンジで歌声を響かせた歌姫が、まるで燃え盛るマグネシウムのまばゆい輝きのように耳を惹き、ハリケーンのように畏敬の念を抱かせるスクリームで世界を変える瞬間こそ圧巻。バスキングと威嚇を繰り返すウロボロスの円環はあまりにも斬新です。
今回弊誌では BOTANIST でも活躍する Tony Thomas にインタビューを行うことができました。「最近では、ALCEST や DEAFHEAVEN, 明日の叙景、LANTLOS, HERETOIR のようなポスト・ブラックメタルや、COMA CLUSTER VOID, ROLO TOMASSI, ULCERATE のようなプログレッシブ・メタルを探求しているね」 どうぞ!!

DAWN OF OUROBOROS “BIOLUMINESCENCE” : 10/10

INTERVIEW WITH TONY THOMAS

Q1: First of all, what kind of music did you grow up listening to?

【TONY】: Well music was always a big part of my home environment. My parents were always playing classic rock music when I was very young. So I was exposed regularly to the music of the Beatles, Led Zeppelin, Pink Floyd etc.
As I grew older and I started to develop my own tastes. I gravitated towards heavy music which around 1997 what I was exposed to was music such as Nine Inch Nails, and various Nu Metal bands.
Around fourteen years old I discovered extreme metal through Cradle of Filth. I explored various bands such as Dimmu Borgir Mayhem, and even Sigh. and Melodic death metal such as Dark Tranquility was also early metal I was exposed to.
When I started playing my own music I took lots of influence from Scandinavian black metal, but also progressive metal such as Cynic, Atheist, and later bands like Between the Buried and Me, and Dillinger Escape Plan.
These days I enjoy exploring lots of post black metal like Alcest, Deafheaven. Asunojokei, Lantlos, Heretoir and progressive metal like Coma Cluster Void, Rolo Tomassi, Ulcerate. .

Q1: 本誌初登場です。まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか?

【TONY】: 僕の家庭環境では、常に音楽が大きな部分を占めていたね。僕が幼い頃、両親はいつもクラシック・ロックをかけていた。だから、THE BEATLES, LED ZEPPELIN, PINK FLOYD といった音楽に定期的に触れていたよ。
ただ、大人になるにつれて、自分の好みが出てきたね。1997年頃には、NINE INCH NAILS や様々な Nu-metal バンドなどのヘヴィ・ミュージックに傾倒していった。
14歳頃、CRADLE OF FILTH を通してエクストリーム・メタルに出会った。DIMMU BORGIR, MAYHEM, SIGH など様々なバンドを探しあてたし、DARK TRANQUILLITY のようなメロディック・デスメタルも初期にハマったメタルだった。
自分の音楽を始めた頃は、スカンジナビアのブラック・メタルから多くの影響を受けたけど、同時に CYNIC や ATHEIST のようなプログレッシブ・メタル、後には BETWEEN THE BURIED AND ME や THE DILLINGER ESCAPE PLAN のようなバンドからも影響を受けた。
最近では、ALCEST や DEAFHEAVEN, 明日の叙景、LANTLOS, HERETOIR のようなポスト・ブラックメタルや、COMA CLUSTER VOID, ROLO TOMASSI, ULCERATE のようなプログレッシブ・メタルを探求しているね。

Q2: You are a well-known member of Botanist, why did you start Dawn of Ouroboros?

【TONY】: I started Dawn of Ouroboros about six months before I joined Botanist. So late 2018 is when the band started writing music.

Q2: あなたは BOTANIST のメンバーとしても知られていますが、なぜ DAWN OF OUROBOROS を始めたのですか?

【TONY】: DAWN OF OUROBOROS を始めたのは、BOTANIST に加入する半年ほど前だった。 だから2018年後半がこのバンドが曲作りを始めた時期だったね。

Q3: The band name Dawn of Ouroboros is very cool, why did you choose this name?

【TONY】: We felt the name best represented the sound of the band. As we take so many different influences and combine them in a way to make our own sound.

Q3: DAWN OF OUROBOROS というバンド名はとてもクールですが、なぜこの名前に決めたのですか?

【TONY】: OUROBOROS (自分の尾を飲み込む蛇) がバンドのサウンドを最もよく表していると思ったからだよ。様々な影響を受けて、それを組み合わせて自分たちのサウンドを作っているからね。

Q4: First of all, what makes this band so impressive is your compositions and Chelsea Murphy’s voice. Her voice is very appealing, but why did you decide to use a female vocalist, which is still not common in the field of black metal?

【TONY】: Well we never really set out to do anything other than make music we like ourselves so we never considered what is common for other bands to do. And well, I think Chelsea’s voice speaks for itself, and it can pull off harsh vocals and cleans better than most other vocalists.

Q4: まず、このバンドを印象的にしているのは、あなたの作曲と Chelsea Murphy の歌声です。
彼女の声はとても魅力的ですが、ブラックメタルの分野ではまだ一般的ではない女性ヴォーカリストを起用したのはなぜですか?

【TONY】: そうだね、僕たちは自分たちが好きな音楽を作ること以外を目指したことはなかったから、他のバンドがよくやること、当たり前なことなんて考えたことはなかったんだ。それに、Chelsea の声はそれ自身で彼女がいる意味を物語っていると思うし、何より彼女はハーシュ・ヴォーカルもクリーン・ヴォーカルも、他のヴォーカリストよりもうまくこなせるんだ。

Q5: One of my favorite tracks on the album is “Slipping Burgundy”. It’s great how lounge singing jazz is somehow swallowed by the wave of post-black metal, but how do you come up with these ideas?

【TONY】: The way I start compositions is to just play my guitar to various drum ideas and improvise over them until I hear something I like. So it just arose naturally through improvisation. However, what really makes us have the sound that really clicks with people is Chelsea’s singing for the intro section. She also improvises much of her vocals so it gave the song a real natural jazz feel.

Q5: アルバムの中で一番好きな曲のひとつが “Slipping Burgundy” です。
ラウンジで歌われるジャズがいつの間にかポスト・ブラックの波に飲み込まれていく様が素晴らしいですが、こうしたアイデアはどうやって思いつくのですか?

【TONY】: 作曲を始めるときは、いろいろなドラムのアイデアに合わせてギターを弾き、気に入ったものが出てくるまでその上で即興演奏するんだ。だから、インプロビゼーションを通して自然に生まれるものなんだよ。
でも、僕たちのサウンドが人々の心に響くのは、イントロ部分の Chelsea の歌のおかげだよ。彼女もそのボーカルの多くを即興で歌うので、曲に自然なジャズ・フィーリングが生まれたんだ。

Q6: In Botanist, you and Otrebor delve into the field of botany, and the title “Bioluminescence” is also very biological indeed. Why did you choose this title and what themes are discussed on the album?

【TONY】: We all grew up near the coastline of California so the pacific ocean has been a major theme across all of our music. In the case of Bioluminescence, Chelsea felt it was a theme she found beautiful, and wanted to express her admiration of it through the music. Primarily with the title track of the album.

Q6: BOTANIST では、あなたと Otrebor は植物学の分野を掘り下げていますが、”Bioluminescence” というタイトルも実に生物学的です。このタイトルを選んだ理由と、アルバムの中で語られているテーマを教えてください。

【TONY】: 僕たちはみんなカリフォルニアの海岸線の近くで育ったから、太平洋は僕たちの音楽すべてに共通する大きなテーマなんだ。”Bioluminescence” の場合は、Chealsea が美しいと感じたテーマで、音楽を通して生物発光の素晴らしさを表現したかった。主にアルバムのタイトル曲でね。

Q7: Regarding “Nature”, some black metal bands like Wolves in the Throne Room, Agalloch, Alcest, have an ideology of Nature Worship and spiritualism. Do you think you have some common points with them?

【TONY】: Absolutely. As I mentioned, we grew up near the coastline of Northern California. So we’ve spent a great deal of time there. But we have also explored the redwood forests of the area throughout our lives.

Q7: “自然” といえば、WOLVES IN THE THRONE ROOM, AGALLOCH, ALCEST といったブラックメタル・バンドの中には、自然崇拝やスピリチュアリズムの思想を持つバンドがいますね。彼らにシンパシーを感じますか?

【TONY】: もちろんだよ。さっきも言ったように、僕らは北カリフォルニアの海岸線の近くで育った。そこで多くの時間を過ごしてきたんだ。だけど、僕たちは生涯を通じて、この地域のレッドウッドの森も存分に探索してきているからね。

Q8: Current black metal scene is very diverse, not only in terms of music, but also in terms of themes, with some bands moving away from devil worship and dealing with the natural environment and transgenderism. I think are obviously in the diverse black metal stream. How do you feel about black metal moving away from the violence of the early murders and church arson?

【TONY】: I first got into black metal as a teenager and the satanic themes were very interesting to me at the time as it was far darker than any other music I had found till that point. Personally, I’m agnostic so spiritual themes are irrelevant to my personal life. So for us just using themes that are from our own experiences applies best to our music. Such as themes of nature, and general life experience.

Q8: 現在のブラックメタル・シーンは、音楽だけでなくテーマも非常に多様で、悪魔崇拝から離れ、自然環境やトランスジェンダーを扱うバンドも増えています。そしてあなたたちも明らかにそうした多様なブラックメタルの流れの中にあると思います。
ブラックメタルが初期の殺人や教会放火のような暴力から遠ざかっていることについてどう思いますか?

【TONY】: 僕がブラック・メタルにハマったのは10代の頃で、それまで僕が見つけていた他のどの音楽よりもはるかにダークだったから、当時はそうした悪魔的なテーマが僕にとって非常に興味深いものだった。
個人的には、私は不可知論者 (神の存在も非存在も知り得ないという立場) なので、スピリチュアルなテーマは個人的な生活には関係ないけどね。だから、僕らの音楽には、自分たちの経験から得たテーマを使うのが一番適しているんだ。例えば、自然や一般的な人生経験といったテーマがね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED TONY’S LIFE!!

Cradle of Filth “Dusk and Her Embrace”

As it was the first extreme metal album I ever heard.

初めて聴いたエクストリーム・メタルのアルバムだった。

Death “Individual Thought Patterns”

It introduced me to more progressive elements in metal and inspired me to pick up playing guitar.

このアルバムでメタルのプログレッシブな要素を知り、ギターを弾くようになった。

Emperor “Anthems to the Welkin at Dusk”

It introduced me to the unrestrained and progressive possibilities that can be achieved through black metal music.

ブラックメタルで達成できる自由でプログレッシブな可能性を教えてくれた。

Sigh “Scenario IV: Dread Dreams”

My first exposure to more Avant-garde themes used with metal music. It really broke down barriers in my mind on “what’s allowed” in metal compositions.

メタル音楽で使われるよりアバンギャルドなテーマに初めて触れた。メタル作曲において「何が許されるのか」という自分の中の障壁を本当に取り払ってくれたよ。

Lantlos “Melting Sun”

A more recent influence, but one that I find to be one of the most emotionally compelling.

より最近の影響だが、最も感情移入しやすいものの1つだと思う。

MESSAGE FOR JAPAN

I am. I first watched Akira when I was around 12 and got into anime.
For anime some of my favorites are; Serial Experiments Lain, Ergo Proxy, or even stuff like Gurren Lagann.
For manga some of my favorites are Gantz, and Kamisama no Iutoori.
With video games I’m big on RPG games. My first was Phantasy Star IV. But I’d say my favorites are all of the Shin Megami Tensei games, Xenogears, and Chrono Trigger.
Thanks for the interview, and thank you to the fans we have in Japan! We hope you enjoy our new album Bioluminescence, but also explore our other albums. We very much hope that we will be able to tour Japan in the near future!

日本文化についてだけど、まず12歳頃に初めて “AKIRA” を見て、アニメにハマったんだ。それから好きになったのは、”serial experiments lain”、”Ergo Proxy”、”天元突破グレンラガン” などだね。
漫画では “Gantz” や “神さまの言うとおり” などが好き。
ゲームではRPGが好きだね。 初めてやったのは “ファンタシースターIV”。 でも一番好きなのは、”真・女神転生”、”ゼノギアス”、”クロノ・トリガー” かな。
インタビューをありがとう!そして日本のファンのみんな、ありがとう! ニューアルバム “Bioluminescence” を楽しんでもらえるとうれしいし、他のアルバムもぜひ聴いてみてほしいな。近い将来、日本ツアーができることを願っているよ!

TONY THOMAS

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【FROGG : ECLIPSE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SKY MOON CLARK OF FROGG !!

“Obviously I LOVE Tech Death, But Yes, One Has To Admit There’s a Formulaic Approach To Both Production And Songwriting In The Genre.”

DISC REVIEW “ECLIPSE”

「特定のサブジャンルにこだわる必要なんてなくて、どんなアイデアも排除したくなかったんだ。 だから “Eclipse II” にはメタル・コア、Djent、フュージョンの要素があり、Will が演奏した何十種類もの楽器を使ったギター・ソロ・セクション、特にファースト・ソロで目立つタブラの妙技、そして黒く染まったシンフォニック・デスメタルのアウトロまでがある。 まさにそれが僕たちが感じていたものだった」
“Frogging the Horses” という SikTh の狂った名曲がありますが、Frogg の二つ名はプログ世界にとってはどうやら僥倖。”どんなアイデアも排除しない” という意味で、明らかにニューヨークのセンセーション FROGG はあの SikTh の魂を受け継いでいます。いや、SikTh だけではありません。00年代、SikTh と “カオス” の覇権を激しく争った PROTEST THE HERO の高鳴るギター・メロディ。ANIMALS AS LEADERS の超重低音とシステマティックな陶酔。BETWEEN THE BURIED AND ME の驚異的で雑多な構成力。NECROPHAGIST の性格無比な超速暴威。そうした21世紀を代表するプログ・メタルを養分として蓄えた巨大なカエルが今、メタルの境界をすべて飲み込みます。
「間違いなく Alexi Laiho だね。 僕がギターを弾き始めたのは高校1年生のときで、かなり後発組だった。 でも、ギター中毒になってしまって、ギターを弾くのを止められなかったよ。僕はPCゲーマーだったから、ネットで独学する方法を知っていたんだ。 Ultimate Metal Forums と sevenstring.org は、当時ギターを学ぶのに人気のサイトだった。まだYoutubeのコンテンツが豊富ではなかったから、フォーラムとギター・タブが主流だったね。僕は地元でフルタイムのインストラクターを雇う余裕がなかったから、Guitar Proが最初の先生だったよ」
そうした21世紀の多様性に FROGG はギター・ヒーローの魂を持ち込んでいます。奔放でカラフル、まるでメインストリームのポップ・ミュージックのように光り輝く “Wake Up” においても、Alexi Laiho から受け継いだ高速の “ピロピロ” がメタルの証を主張します。
実際、”フロッゲンシュタイン” などと例えられるパッチワークな FROGG の音楽において、Sky Moon Clark と Brett Fairchild のシュレッドがすべてを縫い合わせている、そんなイメージさえリスナーは感じることになるでしょう。Alexi Laiho と Guitar Pro の遺産が実りをもたらす時代になりました。”Double Vision Roll” なんて実に COB ですよね。
そうして紡ぎ出されるのは、テクニカル・デスメタルらしからぬスケール感と意外性、そしてお洒落なムード。空想的なメロディ、短いポップなブレイク、奔放な音楽的ショーマンシップに自由を見出した薔薇色のメタル。今の時代、”テック” だけでメタル世界の水面に波紋を広げることはできません。しかし、FROGG の棲む水面にはステレオタイプに飽きたリスナーが渇望する、ぞわぞわとしたカタルシスとカエルが舌を伸ばすようなお茶目な驚きと遊び心が混じった何かが渦を巻いています。まさに新時代のメタル両生類。
今回弊誌では、ボーカルも務める Sky Moon Clark にインタビューを行うことができました。「Will(ドラマー)はこのアルバムのもう一人の主要なソングライターで、BTBAM や SikTH に影響を受けている。 THE FACELESS, COB, SCAR SYMMETRY にはもっと影響を受けたと思う。 FFO (For Fans Of) にBTBAMに入れたのは、彼らが DIABLO SWING ORCHESTRA や UNEXPECT と並んで Will に大きな影響を与えたからなんだ」 UNEXPECT!!ARSIS の名盤を挙げているのも嬉しい。また Emma のショルキーが最高よね。どうぞ!!

FROGG “ECLOPSE” : 10/10

INTERVIEW WITH SKY MOON CLARK

Q1: First of all, what kind of music did you grow up listening to?

【SKY】: This might surprise you but when I was very young I was big into gangster rap but my world shifted when I heard As The Palaces Burn by Lamb of God sometime in 2004. That was kind of my gateway drug into the heavy metal universe. I started with the classics y’know (Death, Megadeth, Iron maiden etc…) but about a year later I got really into Children of Bodom, and that’s pretty much stuck ever since. COB is still one of my favorite bands today.

Q1: 本誌初登場です!まずは、あなたの音楽的バックグラウンドからお話ししていただけますか?

【SKY】: 驚かれるかもしれないけど、僕は若い頃、ギャングスタ・ラップに夢中だったんだ。でも、2004年のある日、LAMB OF GOD の “As The Palaces Burn” を聴いて世界が変わった。それがヘヴィ・メタルへの入り口だった。
DEATH, MEGADETH, IRON MAIDEN といったクラシックから入ったんだけど、その1年後くらいに CHILDREN OF BODOM にハマって、それ以来ずっとメタルから抜け出せないでいる。COBは今でも大好きなバンドのひとつだよ。

Q2: Frogg is a band full of technicians, what made you start playing an instrument? Who were your heroes back then?

【SKY】: efinitely Alexi Laiho. I was a pretty latecomer to the guitar playing party only starting things up freshman year of highschool. I just got addicted, I couldn’t stop playing the damn thing and I was so bad too. But I was a young degen pc gamer so I knew how to teach myself things online. Ultimate Metal Forums & Sevenstring.org were popular websites back then for learning guitar. There wasn’t as rich of a moat in the Youtube content universe yet, so forums & guitar tabs were the way. Guitar Pro was my first teacher, as I wasn’t able to really afford a full time instructor local to me..

Q2: FROGG は非常にテクニカルなバンドですが、ギターを始めたきっかけは何だったんですか?当時のヒーローは誰でしたか?

【SKY】: 間違いなく Alexi Laiho だね。 僕がギターを弾き始めたのは高校1年生のときで、かなり後発組だった。 でも、ギター中毒になってしまって、ギターを弾くのを止められなかったよ。
僕はPCゲーマーだったから、ネットで独学する方法を知っていたんだ。 Ultimate Metal Forums と sevenstring.org は、当時ギターを学ぶのに人気のサイトだった。まだYoutubeのコンテンツが豊富ではなかったから、フォーラムとギター・タブが主流だったね。僕は地元でフルタイムのインストラクターを雇う余裕がなかったから、Guitar Proが最初の先生だったよ。

Q3: How did Frogg come to be? What’s the meaning behind your band name Frogg?

【SKY】: So we founded the band back in 2008/9 in highschool. My sister was our co-lead singer at that time and she coined the term and it kind of just stuck. There’s no real deep meaning to it other than that. It was between frogg with two Gs or cheeese with three e’s. We were teenagers back then, young and unaware.

Q3: FROGG という名前はとてもユニークですね?

【SKY】: バンドを結成したのは2008年のことで、高校生の時だった。 当時、僕の妹がコ・リード・ボーカルだったんだけど、彼女がこの言葉を作って、それがそのまま定着したんだ。 それ以外に深い意味はないんだよね。 Gが2つある FROGG か、Eが3つある Cheeese で迷ったんだ。 当時の僕たちはティーンエイジャーで、若くて何も知らなかった。

Q4: “Eclipse” is an album full of real surprises. It’s basically technical death metal, but without the niche feel characteristic of that genre, and with a much freer, more diverse and major cathy feel, would you agree?

【SKY】: You know, I’m not really sure what genre Eclipse really is, but I don’t think that matters. Like yeah, obviously I LOVE tech death, but yes, one has to admit there’s a formulaic approach to both production and songwriting in the genre. I’m a sucker for blast beats, and counterpart guitars. Eclipse was designed to be more of a journey, if we played a dope riff in the room Will (drummer) & I would just include it. We didn’t want to exclude any ideas because we needed to be a specific subgenre and stick to it. Hence why Eclipse II has elements of metalcore, djent, fusion guitar solo section with dozens of real world instruments that Will played, especially the prominent tabla chops during the first solo, and then a blackened symphonic death metal outro. It was just what we were feeling. This sort of mentality is pretty progressive but there’s definitely the constant “you guys are riff salad”, but when you work on a song for ~14 years or so, it’s a very conscious decision. The band is full Berklee folk, so we know how music is supposed to be, especially in these genres. But on the other hand, I wouldn’t say we made something different just to make a statement or be contrarian. To be completely honest with you, I didn’t think many people would like this thing. I was super stressed out leading up to the release thinking we’d just get torn apart by the community. While there’s still some criticism on the genre-blending that Eclipse does, it’s been pretty awesome to see us sell out almost half our physical CDs within the first week of orders being up. I mean hey, we’re a small unknown band right now, so we’re not talking big numbers here, but it still felt pretty insane to us.

Q4: “Eclipse” は本当に驚きに満ちたアルバムですね! 基本的にはテクニカル・デスメタルですが、このジャンル特有のニッチな感じはなく、もっと自由で多様でメジャー、キャッチーな感覚があります。

【SKY】: “Eclipse” がどんなジャンルなのかよくわからないけど、どんなジャンルでも構わないと思う。 僕はテクデスが大好きだけど、このジャンルにはプロダクションとソングライティングの両面で定型的なアプローチがあることは認めざるを得ないよね。 僕はブラストビートと対になるギターが大好きなんだ。
“Eclipse” はもっと旅に出るような音楽として作られていて、もしWill Brown(ドラマー)と僕が部屋でドープなリフを演奏したら、それを取り入れていくだけだった。 特定のサブジャンルにこだわる必要なんてなくて、どんなアイデアも排除したくなかったんだ。 だから “Eclipse II” にはメタル・コア、Djent、フュージョンの要素があり、Will が演奏した何十種類もの楽器を使ったギター・ソロ・セクション、特にファースト・ソロで目立つタブラの妙技、そして黒く染まったシンフォニック・デスメタルのアウトロまでがある。 まさにそれが僕たちが感じていたものだった。
こういったメンタリティはかなりプログレッシブで、”君たちはリフ・サラダだ” と常に言われるのは確かだけど、14年とか曲を作っていると、それはとても意識的なことなんだ。 このバンドはバークリー出身だから、特にこういうジャンルの音楽がどうあるべきかは分かっている。でもその一方で、ただ主張するために、あるいは逆張りするために違うものを作ったとは言いたくないんだ。
正直に言うと、多くの人がこの作品を気に入ってくれるとは思っていなかった。 リリースに至るまで、コミュニティからボロクソに言われるんじゃないかと超ストレスを感じていたよ。”Eclipge” でやっているジャンル・ブレンドにはまだ批判もあるけれど、注文開始から1週間でフィジカルCDの半分近くが完売したのは、とても素晴らしいことだよ。 僕たちは無名の小さなバンドだから、ここで大きな数字は語れないけど、それでも僕らにとってはかなり信じられないことだった。

Q5: In that sense, your music reminded me of bands like SikTh, Periphery, BTBAM, The Contortionist, and Scale the Summit. How do you feel about the comparison to them?

【SKY】: It’s interesting to hear the comparisons. Will (drummer) was the other major songwriter on the record, has more BTBAM & SikTH, I think I have more Contortionist, Scale The Summit. I think The Faceless, Children of Bodom & Scar Symmetry influenced me a lot more. We put that FFO inclusive of BTBAM because they are a big influence of Will’s along with Diablo Swing Orchestra & Unexpect, but the majority of the songs I gotta be honest… I don’t know who the hell influenced me on some of this stuff. The comparison is a positive though, because anybody who’s able to compare us to names like that is a huge compliment. Those bands are all killer in my book.

Q5: “どんなアイデアも排除しない” という意味で、あなたの音楽は SikTh, PERIPHERY, BTBAM, THE CONTORTIONIST, SCALE THE SUMMIT といったバンドを思い出させてくれます。 彼らとの比較についてどう感じますか?

【SKY】: そうした比較を聞くのは面白いね。 Will(ドラマー)はこのアルバムのもう一人の主要なソングライターで、BTBAM や SikTH に影響を受けている。 THE FACELESS, COB, SCAR SYMMETRY にはもっと影響を受けたと思う。
FFO (For Fans Of) にBTBAMに入れたのは、彼らが DIABLO SWING ORCHESTRA や UNEXPECT と並んで Will に大きな影響を与えたからなんだ。でも大半の曲は、正直に言うと…一体誰に影響を受けたのか分からないんだ。
でもそうした比較はとてもポジティブに受け止めるよ。というのも、そのようなバンドと僕らを比較してくれるってことは、とても褒め言葉だからだ。 僕の中では、君があげたようなバンドはみんなキラーだからね。

Q6: What kind of movement was Djent for you?

【SKY】: I think Djent for me as a guitar player was a moment of guitar technique expansion with techniques evolving, techniques used on bass being incorporated into the extended range of 7 or 8 string guitars. A lot of good came out of the Djent movement. I think the trap there is, there’s a lot of production & similar songs. To me there’s great “djent” records but there’s a lot of staleness– but that’s just my picky ear. Disperse’s Living Mirrors was one of my favorite records for a while.

Q6: では、Djent というムーブメントはあなたにとってどんなものでしたか?

【SKY】: ギタリストとしての僕にとっての Djent は、ベースで使われていたテクニックが7弦や8弦ギターの拡張された音域に取り入れられるなど、ギターのテクニックが進化して拡張された瞬間だったと思う。 Djentムーブメントからは多くの良いものが生まれた。 そこにある罠は、多くのやりすぎたプロダクションと似たような曲があることだと思う。 僕にとっては、素晴らしい “Djent” のレコードがある一方で、陳腐なものが多い。DISPERSE の “Living Mirrors” は、そんな中でもお気に入りのレコードのひとつだったね。

Q7: “Eclipse” deals with the mythology of various places, doesn’t it? Why did you decide to make such an album?

【SKY】: So lyrically and thematically, yes there’s some pretty on the nose references to different mythologies from Native American, to Greek, to Filipino to Warhammer (lol we are nerds that love warhammer). But each song had a specific intention, you could know jack about each one and still connect with the lyrics. The songs can be interpreted in many ways but the main two are 1)The Mythologic Angle or 2) The Emotional Implications. I think we just wanted each song to be part of a unique journey and it sat right.

Q7: “Eclipse” ではさまざまな土地の神話を扱っていますね。 なぜそのようなアルバムを作ろうと思ったのですか?

【SKY】: 歌詞やテーマ的には、ネイティブ・アメリカン、ギリシャ神話、フィリピン神話、ウォーハンマー(僕らはウォーハンマーが大好きなオタクなんだ。)などを扱っているね。 それぞれの曲には特定の意図があり、それぞれのテーマについて知っていなくても歌詞に共感することができる。 曲はいろいろな解釈ができるけど、主な2つは1)神話的な角度、2)感情的な意味合いかな。 それぞれの曲がユニークな旅の一部となることを望んでいたし、それがうまくはまったんだと思う。

Q8: The music world has changed dramatically over the past 20 years. With the rise of instant culture like streaming and social networking, prog, which takes time, intelligence, and practice to create, has never been more current. Why do you still continue to play this “Prog” music?

【SKY】: Well, great art takes hard work and dedication. It’s an honor to be able to spend time honing skills, and putting blood sweat and tears into something you love. I think this is a lifelong journey for the current guys and myself in the band. It’s not something we pursue for instant gratification, it’s deeper than that. To me, it’s almost part of connecting with my human spirit, which is ironic I’m sure to people unfamiliar with extreme metal… like if you told a grandma on the street that “this artist is connecting with his inner self” and popped an earbud in her ear she’d probably run away.

Q8: この20年で音楽世界は劇的に変化しました。ストリーミングや SNS のようなインスタント・カルチャーの台頭により、創作に時間と知性と修練が必要なプログはトレンドとは程遠い場所にいます。それでもなお、”プログ” を追求し演奏し続けるのはなぜですか?

【SKY】: 素晴らしい芸術には努力と献身が必要だ。 時間をかけて技術を磨き、好きなことに血と汗と涙を注ぐことができるのは名誉なことだ。
今のメンバーや僕自身にとって、これは生涯の旅だと思う。 すぐに満足するために追求するものではなく、もっと深いものなんだ。 僕にとっては、ほとんど自分の魂と繋がっているというかね。それってエクストリーム・メタルに馴染みのない人にとっては皮肉な話だろうけど……道行くおばあちゃんに “このアーティストは自分の内面とつながっているんだよ” と言ってイヤホンを耳に突っ込んだら、きっと逃げ出すだろうけどね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED SKY’S LIFE!!

CHILDREN OF BODOM “Follow The Reaper”

SCAR SYMMETRY “The Singularity Phase II -Xenotaph”

GALNERYUS “Resurrection”

THE FACELESS “Autotheism”

ARSIS “Starve For The Devil “

MESSAGE FOR JAPAN

Yes! My girlfriend & I watch some popular anime like To Your Eternity, Solo Leveling, JJK etc… I’m also huge into video games, really dug the Sekiro series. I definitely have my hand of Japanese artists I love both in music and visual arts, lots of insanely talented painters from Japan.
Our message to Japan: One day, we will be in Japan playing a show. Come see us, let’s go f*cking crazy!

僕と彼女は、”不滅のあなたへ” 、”俺だけレベルアップな件”、”呪術廻戦” などの人気アニメを見ているし、ゲームも大好きで、 “Sekiro” シリーズは本当に面白かった。 音楽でもビジュアル・アートでも、大好きな日本のアーティストがたくさんいるんだ。いつか日本でライブをやるよ。僕たちに会いに来て、クレイジーに盛り上がろう!

SKY MOON CLARK

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MASTERPIECE REVIEW + INTERVIEW 【ATHEIST : PIECE OF TIME, UNQUESTIONABLE PRESENCE】 JAPAN TOUR 25′


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH KELLY SHAEFER OF ATHEIST !!

“In My Opinion, Death Has Zero To With The Pioneering Aspect Of Tech-metal, That Title Belongs To Atheist.”

DISC REVIEW “PIECE OF TIME” “UNQUESTIONABLE PRESENCE”

「もともとプログレッシブ・バンドや複雑な音楽が好きだったし、エクストリーム・メタルも好きだったから、そのふたつを組み合わせるのは自然なことだった。でも、それは決して意図的なものではなく、他の誰かになりたかった訳でもないんだよ。ただ自分たちがそうでありたかっただけで、でもありがたいことに、人々は私たちのユニークなアプローチを徐々に認めてくれるようになった。そして、私たちは自分たちの道を見つけたんだ。人々が最終的にそれを理解するまでには何年もかかったけどね」
デスメタルはその黎明期においてさえ、骨子である過激さに忠実であると同時に、境界を押し広げ、さまざまなサウンドを探求するジャンルとして進化を模索していました。それは、フロリダを一挙にデスメタルのメッカへと押し上げた MORBID ANGEL, OBITUARY, CANNIBAL CORPSE といった黎明期の偉人からの伝統。彼らにしても十二分に異様な音楽を叩きつけていましたが、それでも殻を破るバンドはいつの時代も出てくるものです。
特に90年代初頭には、デスメタルをそのコンフォート・ゾーンから脱却させ、よりプログレッシヴでテクニカルな道へと押し進めようとするバンドの波が押し寄せました。DEATH, CYNIC, PESTILENCE, NOCTURNUS といったバンドが、この奇抜でしかしあまりにも好奇心を誘う音楽の中心にいました。そして、そうしたバンドの “パイオニア” と自負するバンドこそ、ATHEIST です。
「CYNIC は私が契約するのを手伝ったバンドで、私は彼らのデモを Scott Burns と一緒に作った。Paul Masvidal と私は今でも数十年来の素晴らしい友なんだよ。
私の意見では、DEATH はテック・メタルのパイオニアという側面とは全く関係がない。そのタイトルは ATHEIST にこそ相応しい。DEATH は違う種類のメタルのパイオニアであり、プログレッシブになったのは CYNIC の私の子たちが Chuck Schuldiner と一緒になってからだ。それ以前の Chuck はとてもベーシックなプレイヤーだったからね」
もはや伝説となった CYNIC の Paul Masvidal や DEATH の Chuck Schuldiner をこのジャンルにおいては “ひよっこ” 扱いする ATHEIST の心臓 Kelly Shaefer。しかしその言葉に異論を唱える人は誰もいないでしょう。それだけ、ATHEIST と Kelly の功績はずば抜けていました。
「私にとってのお気に入りは、”Unquestionable Presence” だね。このアルバムでプレーしているすべての音を誇りに思う。でも、そうだね、4枚ともまったく違うアルバムだ。 そうなるべきだったんだ。だって、誰も同じアルバムを何度も聴きたくはないだろう。 でも、ATHEIST の雛形は “Unquestionable Presence” だと思うよ」
今年35周年を迎えた ATHEIST のデビュー・アルバム “Piece Of Time” は驚異的なテクニカル・スラッシュとデスメタルの要素をミックスした、オールドスクールでありながら破天荒、非常に狂暴なアルバムで、テクニカルな華やかさとプログレッシブな屈折がふんだんに盛り込まれた名品でした。
それでも ATHEIST の最高傑作に次の “Unquestionable Presence” を推す声が多いのは、おそらくプログレッシブ・デスメタル、テック・メタルというジャンルそのものの雛形を作り上げたから。この作品で彼らはオールドスクールなスラッシュ、デスメタルから離陸し、ジャズ/フュージョンがメタルといかに親密になれるかをその一音一音で証明していきました。
とはいえ、ソリッドなリフと辛辣なヴォーカルは健在。迷宮の中を浮遊して探索するような音楽の中で、リフはより複雑に、ギター・ソロは巧みさを増し、ベースとドラムは以前より遥かに印象的になりました。まだ Kelly はその巧みなギターを弾くことができましたし、ベーシスト Roger Patterson は悲劇的な死を遂げる寸前、このアルバムのためにベース・パートを書きあげていました。そうして、Roger の後任、CYNIC, PESTILENCE, ATHEIST を渡り歩いた稀代のベースマン Tony Choy の独特の音色はこのアルバムを真に特別なものへと昇華したのです。
今回弊誌では、Kelly Shaefer にインタビューを行うことができました。「テック・メタルは私たちから始まったのだけど、多くの人が私たちのアプローチを取り入れ、複雑な新天地へと進んでいったんだ。残念なことに、ジャズ・フュージョンとメタルを最初に激しく融合させたという点で、私たちが評価されることはほとんどないのだけどね」テック・メタルの起源、奇跡の初来日決定。どうぞ!!

ATHEIST “PIECE OF TIME” “UNQUESTIONABLE PRESENCE” : 10/10

ATHEIST ARE: Kelly Shaefer – lead vocals (1987–1994, 2006–present), guitars (1987–1994)
Dylan Marks – drums (2023-present)
Yoav Ruiz Feingold – bass (2019–present)
Jerry Witunsky – guitars (2023–present)
Alex Haddad – guitars (2023–present)

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【LUNAR : TEMPORA MUTANTUR】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ALEX BOSSON OF LUNAR !!

“I Distinctly Remember Staring At My Boombox In Disbelief While Hearing Blackwater Park For The First Time, Learning That It Was Possible To Combine Such Beauty With Such Brutality So Seamlessly, And I Have Been Drawn To Attempting To Achieve That Myself Ever Since.”

DISC REVIEW “TEMPORA MUTANTUR”

「”Eidolon” は、僕の心の中で特別な位置を占めているのは確かだよ。Ryan が亡くなったとき、僕はバンドを続けるかどうかでずいぶん悩んだんだ。当時はまだスタジオ・プロジェクトで、僕たち2人が中心となって必死に取り組んでいたからね。だから、彼なしで続けるべきかどうか、あるいは続けることができるのかどうかさえも疑問に思った。言うまでもなく、僕は子供の頃からの親友の一人の死と向き合っていた。 そのとき、僕のその悲嘆の過程についてアルバムを書くというアイデアが閃いた。それは強く、力強く、感情的で、そう、彼の思い出を称えるものになると思った」
ヘヴィ・メタルは聴くものの痛み、悲しみ、孤独を優しく抱きしめる音楽です。そのメタルに宿る並外れた包容力と湧き出でる回復力の源泉は、きっと音楽を生み出す者もまた喪失や痛みを抱えた経験があるからに他なりません。
カリフォルニア州サクラメントを拠点とする LUNAR は、長年の友人である Alex Bosson(ドラムス/パーカッション)と Ryan Erwin(ギター/ヴォーカル)が2013年に結成したプログレッシブ・メタル・バンドでした。しかし、2018年の春に Ryan が突然他界。Alex は悲しみに暮れ、一時は LUNAR を終わらせることも考えましたが、Ryan の遺志を継ぎ、Ryan の偉業と思い出を称えるためにバンドの存続を決意しました。
「このリストは、僕の意見では、この世に存在する偉大なバンドやミュージシャンばかりだ。 また、僕が個人的に尊敬し、ファンであるバンドばかりだ。 だから、彼らの組み合わせと言われるのはとても名誉なことなんだ。 それに、僕にとってプログはすでに音楽全般の “るつぼ” なんだ。 だから、メルティング・ポットのメルティング・ポットになることは、僕にとって本当にクールなことなんだよ」
CALIGULA’S HORSE や WILDRUN のオペラ的な部分、HAKEN のトラディショナルでメロディアスな部分、TOOL や THANK YOU SCIENTIST の数学的な部分、BETWEEN THE BURIED AND ME の超絶テクニカルな部分、そのすべてを飲み込んだプログというメルティング・ポットの “メルティング・ポット”。そんな LUNAR の音楽を Ryan なしで再現するために Alex はまさにそうした敬愛するヒーローたちの力を借ります。
HAKEN, CALIGULA’S HORSE, LEPROUS, THANK YOU SCIENTIST, FALLUJAH…Ryan の思い出と共に人間の生と死を描いた “Eidolon” はそうして、メタルの包容力と回復力に魅せられた18人のゲストミュージシャンからなる一時間超の壮大なプログ・シアターとして多くの人の心を震わせたのです。
「OPETH の “Blackwater Park” を初めて聴いたとき、信じられない思いでラジカセを見つめたのをはっきりと覚えている。あのような美しさと残忍さをシームレスに融合させることが可能なのだと知り、それ以来、自分もそれを達成しようとすることに惹かれるようになった」
親友の死をも乗り越え、Alex がメタルを諦めなかったことで LUNAR は始祖 OPETH の血を受け継ぎながらも、よりシアトリカルでより多様なプログ・メタルの構築に成功します。もちろん、OPETH が生み出した美と残忍のコントラストはもはやプログ・メタル全体の基盤となっていますが、LUNAR はその場所にマス、オペラ、Djent といった新たな血脈、WILDRUN, CALIGULA’S HORSE, THANK YOU SCIENTIST の人脈を加え、そこにかの Peter Gabriel を想起させるプログレッシブ・ドラマを投影していきます。人生を四季に例えた “Tempora Mutantur” は、そうしてまさにプログすべての季節をも内包することとなったのです。
今回弊誌では、Alex Bosson にインタビューを行うことができました。「DREAM THEATER や GOJIRA のようなバンドがグラミー賞を受賞したことは、この音楽に対する世間の認識の変化をすでに示している。 今後もそうなることを願っているよ。
ただ、僕の考えでは、プログは常にミュージシャンのための音楽だ。 万人受けする音楽ではないよ。 ほとんどの人はシンプルな音楽を楽しんでいて、それはそれでいいんだけど、僕らがやっていることは一般的にもっと複雑なんだ」どうぞ!!

LUNAR “TEMPORA MUTANTUR” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【BUMBLEFOOT : …RETURNS!】”THE ADVENTURES OF BUMBLEFOOT” 30TH ANNIVERSARY


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH RON “BUMBLEFOOT” THAL !!

“I Always Loved To Learn, Explore, Experiment…I Love Astronomy, Science, Physics… The Things I Love, The Way I Feel, The Way I Live, This Is What Comes Out In My Music.”

DISC REVIEW “…RETURNS!”

「あの作品はシュラプネル・レコードにとっては異質なものだったけど、僕にとってはごく普通のものだった。 フィルターを通さず、不完全で、若く、無邪気で、とても正直で、自分が何者であるかをありのままに表現したものだったんだ。レコーディングとミックスのためのツールは生々しく、洗練されていなくて、でもそれがアルバムの個性に拍車をかけている! もちろん、アートワークも!だから、何も変えたくないんだ。人生のある時期の一人の人間の写真集のようなものだよ。全ての瞬間は僕たちにとって一度しかないからね」
“The Adventures of Bumblefoot”。今からちょうど30年前、1995年のこのレコードと、”Bumblefoot” “趾瘤症” という猛禽類の足の病気を名乗るギタリストの登場はあまりにも衝撃的でした。楽曲名はすべて動物の病気の名前。足やチーズを模した異様なギター。そして、ギター世界の常識である24フレット以上のハイフレットを操り、時にはフレットレスまで駆使した超常的サウンド。指抜きなどのトリッキーな技も冴え渡り、複雑怪奇に入り組んでファストなフレーズが絡み合うその楽曲群は、ギター虎の穴シュラプネルにおいてもあまりに異質だったのです。
革命児のそんな評判は瞬く間に業界の目に止まり、ソロ・キャリアを重ねる中で GN’R、ASIA といった巨大なバンドの一員にも抜擢され、一方では Mike Portnoy のような大物と共に SONS OF APOLLO というスーパー・バンドを立ち上げるに至りました。
「完全なインストゥルメンタルなので、ギターが “声” になるスペースが増え、さまざまなムード、さまざまなサウンド、さまざまなエネルギー……など、より多くのことができるようになったんだ。僕は自分の直感に従っただけで、それぞれの曲は独自の方法で発展していった。ある曲はより過激で対照的で、ある曲はより予想された方法で発展していった…ゴールはその瞬間の正直なフィーリングを捉えることだったんだ..」
その歌声も高く評価される鬼才ですが、ただやはり彼の本質はギタリズムにあります。デビュー作から30年、”復活の Bumblefoot” を冠したアルバムで彼は再び始まりの地、”Bumblefoot の冒険” へと回帰しました。30年ぶりにオール・インストゥルメンタルで制作されたアルバムには、ギターに対する愛情、情熱があふれています。ただし、30年前とは異なる点も。それは、彼がギターをより自身の “声” として自由自在に操っているところでしょう。
オープナー “Simon in Space” を聴けば、90年代にはなかった瑞々しいメロディの息吹が感じられるはずです。とはいえもちろん、以前の混沌や荒唐無稽、ヘヴィな暗がりも失われるはずもなく、結果として両者のコントラストが耳を惹く前代未聞のギター作品が完成をみました。
「進化、革新、進歩するテクノロジーやコミュニケーション、そしてそれを使って自分たちの活動を共有する方法については、私は別にかまわないと思っているよ。15秒の動画からフルアルバムまで、今の世の中には誰もが楽しめるものがある!そうやって私たちは皆、自分が選んだ様々な方法で自分の才能をシェアするべきだし、そうできる世界になったことを嬉しく思うよ」
何よりも、Bumblefoot はギター世界において最も “オープンな” メンターのひとり。新しいもの、異質なものを取り入れることになんの躊躇もありません。当時のヒーローの多くがヴィンテージに回帰する中で嬉々として Helix を愛用。表現力豊かでメロディアスなリック、お馴染みのショパンやリストへの傾倒、ウイスキーを注ぎたくなるようなカントリー、微睡のスローなブルース、異国の香り、Djent も真っ青なチャグチャグ・リフと、場所も時間も飛び越えて、自らの直感とテクニックだけで広大なギター世界を築き上げていきます。
Brian May, Steve Vai, Guthrie Govan という、時代の異なる情熱のギターヒーローがここに集ったことも付け加えておきましょう。Vai 参加の “Monstruoso” など、”Fire Garden” 時代の彼を思い出して歓喜すること必至。そう、彼らのアイデアは今でも、アートワークのギター船のように宇宙高く飛び立ちます。ギター世界にはまだまだ情熱と探求の余地が残されているのです。
今回弊誌では、Ron “Bumblefoot” Thal にインタビューを行うことができました。「世界には素晴らしいミュージシャンがたくさんいるし、その中でも日本はとても注目に値するよ! 才能に溢れている!日本の音楽にはずっと注目してきたんだ。Akria (Takasaki) のアルバム “Tusk of Jaguar” までさかのぼると、リリースされた当時、子供のころは本当に聴き入っていたよ。14歳の時には、僕のバンドが LOUDNESS の曲をたくさんカバーしていたんだ。”Girl”, “Crazy Doctor”, “Esper”…もう少し経ってからは “Run For Your Life” もね!」  二度目の登場。どうぞ!!

BUMBLEFOOT “…RETURNS!” : 10/10

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【DREAM THEATER : PARASOMNIA】


COVER STORY : DREAM THEATER “PARASOMNIA”

“Not Every Band Survives, Right? Bands Break Up, Members Leave. We Know How Lucky We Are To Have a 40-year Career!”

PARASOMNIA

DREAM THEATER の新作 “Parasomnia” は、睡眠障害にちなんだタイトルです。しかしこのアルバムは、40年の歴史を持つプログ・メタル・レジェンドのファンにとってはむしろ “夢” を叶えるアルバムだといえます。
“Parasomnia” は、2009年の “Black Clouds & Silver Linings” 以来初となる、ドラマーで共同創設者 Mike Portnoy がバンドに復帰した作品です。ボストンのバークリー音楽大学で出会い、1985年に MAJESTY としてこのバンドをスタートさせたギタリスト(兼アルバム・プロデューサー)の John Petrucci、ベーシストの Jonh Myung とは久々の再会となります。
DREAM THEATER は Portnoy が脱退後に5枚のスタジオ・アルバムをリリースしていますが、それでも Petrucci は 「Mike が復帰し、僕らが再び一緒になることの重大さを十分に理解している」 と語ります。
Portnoy にとっても DREAM THEATER はずっと帰りたかった “おうち” でした。
「”オズの魔法使い” でドロシーがかつて言ったように、ずっとおうちに帰りたかった。オリジナルのラインナップではないけど、”クラシック” なラインナップだ。このメンバーでアルバムを作っていた時代、基本的に99年から2009年までは、いろんな意味でこのバンドの黄金時代だったと思うし、DREAM THEATER の歴史の大きな部分を占める音楽だった。だからこのラインナップが再結成されることは、本当に特別なことなんだ」

もう一人の “幼馴染” John Myung も Portnoy の復帰を祝福します。
「バンドでミーティングをしたんだ。その要旨は、 “Mike と話したところ、彼は家に戻る準備ができている” というものだった。あの頃バンドは本当にうまくいっていたし、音楽的にも Mike と一緒にいたときが一番強かったと思う。だから彼が戻ってくるのは理にかなっていたね。レコーディングも本当に順調だった。何の問題もなかった。Mike が元々バンドにいた頃を思い出すような感じだ。彼が戻ってきて、かつてのようなケミストリーが生まれたのは本当に素晴らしいことだった。彼が脱退してからはいろいろなドラマーをオーディションして彼らの個性を知ることができたし、一方で Mike がバンドに戻ってきてくれたことは、僕らにとって本当に素晴らしいことだった。僕たちは本当にいい場所にいて、すべてが少しずつ理解できるようになった。振り返って、当たり前だと思っていたことに気づくことができた。だから、バンドと今のケミストリーをより理解できるようになったんだ」

かつて、Portnoy との確執も噂されたボーカリスト James LaBrie も今回の再結集を祝います。
「Mike と僕が久々に出会ったのは……ニューヨークのビーコン・シアターでのライブだった。それがきっかけで、僕たちみんなが本気で考え始めることができたんだ。Mike はすでに John のソロ・アルバムに参加していて、その後 LIQUID TENSION EXPERIMENT では John と Jordan とも仕事をした。だから、そうしたすべてのことが、彼が再びメンバーとして活動できるように、ゆっくりと、でも確実に、その扉から歩みを進めていたんだ。
だから Mike が復帰して、実際にそうなったときは、とても自然だった。本当にうまくいくのか?このバンドでいいのか?といった不安は絶対になかった。正直に言うと、Mike の脱退はまるで彼がコーヒーを飲みに出かけて、戻って来てから作曲を始めたような感じだったと冗談交じりにインタビューで話したこともある。でも、とてもスムーズで、隙がなかった。実際にその環境に入ってアルバムを書き始めると、しっかり感じ取れるようなケミストリーを思い出し始めるからね。
“Parasomnia” を書き始めて最初の日か2日くらいですでに、冗談を言い合ったり、笑ったりしていた。あのやりとりや、曲に対する分析的なアプローチや、それらがゆっくりと、でも確実に、完全な構成へと進化していく様子を覚えているよ。だから、一歩も踏み外していないように思える。非常に楽だった。13、14年前とは思えないほど、”よし、ここから続けよう” という感じだった。とても本能的で自然な感じで、スタジオに入って何か新しいものを作ろうという、自分たちが一番得意とすることに没頭できたんだ。僕ら5人がスタジオに入ったらどうすればいいか、わかっていることをやっただけなんだ」
LaBrie は Portnoy の前任 Mike Mangini への感謝も忘れてはいません。
「彼はとてもプロフェッショナルだった。とても立派な人だった。つまり、明らかに動揺していたと思う…動揺していたに違いないが、彼はそれを受け止めて”なんだか納得したよ、みんな” みたいなことまで言ったんだ。なぜこうなるのか、なぜ必然的にこうなるのかがわかった。バンドにとっても、君たちがともに歩んできた歴史にとっても、理にかなっている。自然なことだってね。そう、彼は上品な男だった。上品なね」

Portnoy は脱退から “いくつかのフェンスを修復しなければならなかった” と認めていますが、彼と Petrucci は2020年の Petrucci のソロ・アルバム “Terminal Velocity” で共にに働き、一緒にツアーを回りました。それから2人は、2021年に LIQUID TENSION EXPERIMENT 3枚目のスタジオ・アルバムに Rudess, ベーシストの Tony Levin と参加することになります。 しかし Petrucci はそうした動きを “予行演習” ではなかったと主張します。
「ああしたコラボレートは、Mike が戻ってくる可能性を示唆するものではなかった。Mike Mangini はバンドにとても強い存在だったからね…”Portnoy はいつ戻ってくるのか?” と常に聞かれたけど、僕たちはグラミー賞を初めて受賞したばかりでツアーも順調だった。
どんな理由であれ、2023年の秋、あの瞬間に星が一直線に並んだだけなんだ。 Portnoy が戻ってくるだけでなく、また一緒にスタジオに入るという発表をすることで、ファンが熱狂することは理解していた。 それをアルバムで聴いてもらえると思う」

全8曲、71分のこのアルバムは、ロングアイランドにあるDREAM THEATER のDTHQスタジオでレコーディングされ、バンドにとって通算16作目。ビルボードのトップ・ハード・ロック・アルバム、トップ・ロック・アルバム、インディペンデント・アルバム・チャートでトップ10入りを果たした2021年の “A View From the Top of the World”に続く作品となりました。複雑なアレンジ、超常的ダイナミクス、ウルトラ・テクニカルな演奏、長大な構成(6曲が7分を超え、エンディングを飾る大曲 “The Shadow Man Incident” は19分32秒にも及ぶ)により “Parasomnia” は過去の DREAM THEATER すべてを包み込みながら、リフのタイム感やサウンドの立体感は明らかに現代的に仕上がっています。
「モダンでありながらクラシックなサウンドにしたかったんだ」と Petrucci は語ります。 「1999年から2009年の間に作られたアルバムのいくつか、そしてその時期は、ファンにとても愛されている。だから、 Mike が再加入することで、そのノスタルジーが戻ってくることを期待しているんだ。確かにあの雰囲気はある。ああ、これは “Scenes from a Memory” や “Train of Thought” からの曲っぽいなと思っても、それを捨てたりはしなかった。クールだ、これで行こうって感じなんだ。僕らは僕らなんだ。
プロデューサーとしては、今までのどのアルバムよりもいいサウンドを作りたいと思っている。 だから、レコーディングの方法で限界に挑戦するんだ。 モダンなテクニックを使いながら、ヴィンテージの機材を使って、それらを完璧な形でマッシュアップするという組み合わせなんだ。まだ新しいレコーディング・テクニックを試しているところだ。1991年や1995年に使っていたような機材を使うことで、レトロなサウンドではなく、モダンだけどヴィンテージで暖かく、居心地の良いフィーリングを含んだレコードを作ることが目標だった。この組み合わせはとても意図的だったよ。8弦と7弦のギターを使ったリズム・サウンドで、よりモダンなアプローチを作る。ヘヴィでアグレッシブだ。今のメタル事情に合うようなサウンドだ。でもリード・サウンドを聴くと、オールドスクールな Santana の雰囲気がある。ドラムのミックスの仕方も含めて、アルバムではそういう並置をたくさんやった。アンディ・スニープと話し合ったんだけど、Mike のドラム・サウンドはとても独特なんだ。オーバー・プロセスやオーバー・プロデュースはしてほしくない。彼がドラムを叩いているようなサウンドにしたいんだ。それが、僕らが最初から目指していたことだった。そうして、ジミー・T、アンディ・スニープ、マーク・ギッツといった素晴らしい人材を起用することで、レコーディングを未来へと導き、モダンなサウンドに仕上げている。 新旧のバランスが完璧なんだ」

伝説的なアーティスト、ヒュー・サイム(2005年の “Octavarium” 以来、DREAM THEATER のほぼ全アルバムのアートワークを担当)がデザインした “Parasomnia” のメイン・イメージは、LPの包括的なテーマであるパラソムニアを見事に体現しています。 サイムはかつて、DREAM THEATER の音楽は「”ありえない現実と夢の状態” の世界を楽しむ僕のアートにぴったりだ!」と述べています (ただし最近、ORION というプログ・メタル・バンドのアートワークへの使い回しが問題視されている)
興味深いのは、サイムのアプローチが、バンドの金字塔1992年の “Images and Words” を意識したものに思えるところ。 どちらの写真もナイトガウンを着た少女がベットからほんの数フィート離れて立っています。もちろん、DREAM THEATER のエンブレムも両方に写っており、このつながりはあの記念碑的な作品への独創的な回帰と見ることも、とてもクールな偶然の一致と見ることもできるのです。さらにブックレットの中には、かつての作品のアートワークが壁にかけられていたりもします。
そう、過去の作品への回帰もこの作品の愛すべき側面のひとつ。彼らのコンセプチュアルな大作 “Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory” への言及が複数あるのもダイハードなファンへの贈り物。 例えば、 “Parasomnia” の3枚目のシングル “Midnight Messiah” で LaBrie はこう歌っています。”In my dreams, there’s a song I oncе knew / Like an uncanny strange déjà vu”、”For all eternity / It’s calling me back to my home” 。当然、私たちは “Strange Déjà Vu” と “Home” の両方を思い出すでしょう。
同様に、”Dead Asleep “の8分あたりには “Beyond This Life” を彷彿とさせるインストゥルメンタル・ブレイクもあり、最後の大曲のイントロで “Metropolis Pt.1” を思い出すファンは少なくないでしょう。 “Midnight Messiah” に戻ると、LaBrie はこうも歌っています。”In my life / I’ve lost all self-control / Like a sword piercing this dying soul”。そう、彼らはまさにこの作品で自らの伝説と抱擁を果たしたのです。

Petrucci によれば、”Parasomnia” のコンセプトは、ずっと温めていたものだそう。
「ずっとポケットにしまっておいたんだ。この言葉の響きが好きでね。 夢や DREAM THEATER との結びつきも好きだし、題材がとても不気味でダークでヘヴィになるのも好きだった」
“Parasomnia” は DREAM THEATER のレコードのタイトルとしては謎めいていて素晴らしいものですが、ただ Petrucci はこのタイトルの由来を自分の手柄とは言えないと告白します。
「ある日、息子と話していて彼がこのタイトルを口にしたんだ。彼はただ “パラソムニア” と言っただけだけど、すぐにこれはクールなアルバム・タイトルになると思って、数年間頭の片隅に置いておいたんだ。まさに DREAM THEATER の完璧なタイトルだ。息子には認めていないんだ。そろそろ息子に言わないとね(笑)」
Petrucci は、夢遊病、夜驚症、夜間麻痺など、さまざまな睡眠時随伴症を研究し、それらを曲の礎にしました。そのうちのひとつ、”Dead Asleep” は、侵入者と戦っている夢を見ているうちに、誤ってベッドで妻の首を絞めてしまった男の実話から引用したもの。
一方、組曲のような “The Shadow Man Incident” は、Petrucci によれば、”悪魔や暗い人物” の存在を感じるという目覚める前の現象に基づいています。
「パラソムニアとは、夢遊病、睡眠麻痺、夜驚症など、睡眠に関連した破壊的な障害を指す言葉だ。 僕らのバンド名は文字通り、夢を見ている時に流れる劇場なんだから、これをもっと早く思いつかなかった方がおかしいよ」

このアルバムが特別なのは、パラソムニアの不穏な性質がシークエンス全体に浸透していることでしょう。 全曲のタイトルや歌詞が睡眠、悪夢などに何らかの形で関連して、まるでつながったビジョンのように展開させる聴覚的な戦術がとられています。
具体的には、オープニングのインスト・オーヴァーチュア “In the Arms of Morpheus” は、不気味なギター・ライン、時を刻む時計、誰かがベッドに入る音で始まり、それに呼応するように、壮大なクローザー “The Shadow Man Incident” では、不吉な声が “目を覚ませ” と囁きながら、冒頭のサウンドを再現して終わります。”Dead Asleep” も “In the Arms of Morpheus “と同様の始まり方。そして、”Are We Dreaming? ” はその名の通り、心地よい声とキーボードのコードで構成された夢のような楽曲です。そして何より、白昼夢のように美しき “Bend the Clock”。もちろん、メインテーマとなるメロディがアルバムを通して何度も顔を出すのは彼らが慣れ親しんだやり方。
「このアルバムはテーマ性のあるコンセプト・アルバムなんだ。 僕たちはそういうことが大好きなんだ。 コンセプトを加えることで、アルバムが別の次元に引き上げられると思うんだ。より壮大で、よりクラシックで、より特別なものになる。とても楽しいよ。
このアルバムに取りかかったとき、Mike が “もう一歩踏み込んで、もっとコンセプチュアルな作品にしたらどうだろう” と言ってくれたんだ。だから、さまざまな曲で繰り返されるテーマを持つようになったし、耳触りのいい曲を追加して、すべての音楽をつなげ、序曲を持つようになった。だからこそ、DREAM THEATER のアルバム体験が期待できるんだ」

一方、Portnoy は、”Parasomnia” で DREAM THEATER をコンセプチュアルな方向に押し進めたことを誇りに思っています。
「僕らにとってとても重要なアルバムだから、単なる曲の集まり以上のものにする必要があると思ったんだ。映画を観たり、本を読んだりするように、最初から最後まで消化するような1つの作品という観点でアルバムを作り始めたんだ。その方向で行くと決めてから、このアルバムを特別なアルバムにするための扉が本当に開いたんだ」
Petrucci が言っていることの典型的な例が、アルバムからのセカンド・シングル “A Broken Man” でした。この曲は、戦争帰還兵の体験を詳述していて、戦後ストレス障害、PTSD が彼らの睡眠パターンを大きく乱し、ひいては戦闘から帰還した後の彼らの生活の質に悪影響を及ぼす可能性があることに焦点を当てています。
「James LaBrie が “A Broken Man” の歌詞を書いたんだ。基本的に、このアルバムのために歌詞のガイドラインは、パラソムニアの出来事や経験について書くというものだった。僕の場合は、夜驚症や睡眠麻痺について書いた。
James は、退役軍人が睡眠不足によってどのような影響を受けるか、PTSD が元戦闘員の心理をどのように混乱させるか、それが彼らの睡眠パターンや生活にどのような影響を与えるか、それがどれほどフラストレーションになるかを書くことにした。それを彼は “Parasomnia” の話題と結びつけて書くことにしたんだ」

“Night Terror” は彼らが再び集まって最初に書いた曲だったと Petrucci は回想します。
「”Night Terror” は、スタジオに入って最初に書いた曲なんだ。だから、僕らが感じていたことをそのまま反映した曲となった。ファンにとっては、その興奮やエネルギーを感じ取ることができたと思う。また、このアルバムがどのような作品になるかというトーンも示してくれたと思う。つまり、確かにヘヴィで、僕らが大好きな DREAM THEATER の様々な要素、プログの要素、リフの要素、そういったものをすべて含んでいるんだ。
40周年記念ツアーでこの曲を披露するのは最高だったよ。この曲に入ると、ずっとカタログに載っている曲のように感じるんだ。それに、夜驚症の人たちが経験する本当に怖い感覚を表現するような歌詞を書くのも楽しかった」
今回のツアーではニュー・アルバムからの曲もいくつか演奏されますが、そのほとんどは、昨年海外で始まった DREAM THEATER 40周年記念を継続するためのもので、今年後半にはより “Parasomnia” 中心のツアーが予定されているといいます。その時にニュー・アルバムを全曲演奏したいと彼らは計画しています。
そのツアーで Portnoy が再び管理していることのひとつが、セットリストであり、Petrucci にとってそれは大きな安心材料となっています。
「Mike は本当にセトリを作るのが上手で、いつ、どこで、どの曲を演奏したかを一番把握しているんだ。彼は音楽やバンドのファンだから、ファンの視点からもアプローチしてくれる。繰り返しになるけど、彼はそれが本当にうまいんだ。僕はその仕事から解放され、彼が戻ってきたことをうれしく思っている。それって、僕らが見逃していたものだと思う。彼がそうしていたこと、そしてセットリストが興味深いものであったこと。僕たちのファンは、彼が戻ってくると聞いたとき、おそらく彼がその担当に戻ってくることを望んでいたはずだ。だから、今回も彼の担当なんだ」

40年バンドを続けること…それは生半可なことではありません。
「12歳の時に出会った中学の同級生と、18歳の時に出会った大学に入りたての男と、まだ同じバンドをやっているなんて信じられないよ。僕らはみんな、バンドをやるのが大好きなんだ。楽器を演奏するのも、一緒に曲を作るのも、一緒にレコーディングするのも、一緒にツアーするのも大好きなんだ。ケミストリーと兄弟愛がとても強いんだ。それに加えて、国際的で広く、忠実で献身的なファンベースがある。それを当然だとは思っていない。
すべてのバンドが生き残るわけではないだろ?バンドは解散し、メンバーは去っていくもの。40年のキャリアを持つことがどれだけ幸運なことか、そして、メンバーが脱退しても、また戻ってきて、幸せと興奮に包まれながら再合流できることを、僕たちは知っている。それはみんながこのバンドを愛している証拠であり、お互いに愛し合っている証拠なんだ」
実際、Petrucci が40年以上にわたってこのバンドに在籍しているという事実は、いまだに彼の心を揺さぶっています。
「ワイルドだよ。自分の好きなバンドを考えてみても、そんなに長く続くバンドはそうそうない。R40、つまり RUSH の40周年について考えても、”もうそんな時期なのか!”と思う。
John Myung とは12歳のときに知り合ったんだ。今でも同じメンバーで同じバンドをやっていて、まるで家族のようであり、兄弟のようであり、みんなこのポジションにいることを本当に幸運だと思っている。ファンもずっと応援してくれる。そうしたすべてが当たり前だとは思っていないよ」


参考文献: WALL OF SOUNDS: John Petrucci – Dream Theater ‘Four Decades of Living the Dream’

BILLBOARD : Dream Theater Open Up About Reuniting With Mike Portnoy on New Album

BLABBERMOUTH :DREAM THEATER’s JOHN MYUNG On Reunion With MIKE PORTNOY: ‘It Made Sense To Bring Him Back’

UCL:HOW DREAM THEATER EMBRACED THEIR LEGACY WITH ‘PARASOMNIA’

COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【ALL THAT REMAINS : ANTIFRAGILE】


COVER STORY : ALL THAT REMAINS “ANTIFRAGILE”

“The Biggest Thing That’s Happened To Us Was Oli Passed Away… It Was a Really, Really Big Deal.”

ANTIFRAGILE

「人間には不屈の魂が必要だ」
そう語るのは、ALL THAT REAMINS のバンドリーダーでボーカリストの Phil Labonte です。彼はメタルの “回復力” を知っています。
Labonte は、ATR が前作 “Victim of the New Disease” をリリースした2018年後半から、待望の10枚目のスタジオLP “Antifragile” の登場となる2025年初頭までのこの6年間、心が折れるような悲劇を含め、多くの障害に直面してきました。
現在、Labonte とギタリストの Mike Martin を除けば、バンドのラインナップは6年前とはまったく異なっています。最も深刻だったのは、2018年、リード・ギタリスト、Oli Herbert がコネチカット州スタッフォード・スプリングスの自宅敷地内、池のほとりで遺体で発見されたことでしょう。彼はまだ44歳でした。この事件は現在も未解決のまま。
Jason Richardson(元 CHELSEA GRIN、BORN OF OSIRIS)が Herbert の後を継ぎ、最初はツアー・メンバーとして、その後フルタイムのリード・ギタリストとなります。しかし、パンデミックにより、ALL THAT REMAINS の再始動、その勢いはすぐに止まってしまったのです。
2022年、ライブ・サーキットがようやく再開されると、グループは “The Fall of Ideals” のアニバーサリー・ツアーを行い、遅ればせながらアメリカン・メタルコアの画期的なレコード15歳の誕生日を祝いました。
さらにそこから大きな変化が待ち受けていました。Labonte 個人としては、ポッドキャスト Timcast IRL の共同司会とプロデュースを始めました。ALL THAT REMAINS としては元レコード・レーベルと友好的に決別。2024年春、ベーシストの Matt Deis とドラマーの Anthony Barone を加えた5人組は、自分たちだけで独立し、オール・ザット・リメインズ・レコーズという名の独立レーベルを設立したのです。

それでも、Labonte は彼とバンドメンバーが乗り越えてきたすべてのことに活力を感じています。そしてそれこそが新譜のテーマとなりました。
「僕は、ポジティブで高揚感のあるコンセプトが欲しかった。人生で経験する苦難は、実は私たちをより強くしてくれるものなのだからね。
人には目的が必要だ。ビーチでマルガリータを飲みながらぶらぶらするだけでは十分じゃない。”喜びは目的地ではなく旅にある” という古いことわざは、真実だ」
つまり、ALL THAT REMAINS の新作は、近年の苦難の旅の中で鍛え上げられた、正真正銘の銘刀であり、バンドが輩出した初期の西マサチューセッツ・メタルコア・シーン、その特徴的なサウンドを想起させながら、ウルトラ・テクニカルなギター・プレイから精巧に磨き上げられたヴォーカル・フックに至るまで、現代的なタッチが加えられているのです。
ではこのバンドのリーダー Labonte にとって、この6年間で最大の苦難は何だったのでしょう。
「そうだね、いろいろあったよ。一番大きかったのはやっぱり Oli が亡くなったことかな…本当に、本当に大きな出来事だった。Oli は ALL THAT REMAINS に加入した最初の男だった。まだフルバンドになる前だった。ギタリストの Mike がやってきて、リフを弾いてみたんだけど、当時はまだうまく弾けなかったからね。Mike が彼の先生に会うべきだって言うんだ。それで Oli に会って意気投合したんだ。彼は最初から僕と一緒だった…
だから彼を失ったとき、彼なしで ALL THAT REMAINS をやれるのか、Oli Herbert 抜きの ALL THAT REMAINS とはどういうものなのかという大きな疑問が湧いたんだ。バンドののサウンドに欠かすことのできない存在だった彼抜きで何をやるのか?それを乗り越えるには長い時間がかかったね」

人として、Oli はバンドにとってどんな存在だったのでしょう?
「Oli はまるで家族のようだった。僕たちみんなを笑わせてくれた変なこととかがすぐ思い浮かぶんだけど、個人的なことだからあまり話したくないんだ。でも、みんなが変だと思うようなくだらないことこそ、家族みたいで大好きだったんだ。Oli が僕たちの1人か2人にイライラすることもあったけど、今振り返ると笑ってしまう。
昔の写真なんかを見ていると、ツアー中に彼が変なところで気絶しているのがたまらなく好きだ。空港とかホテルのロビーとか、変な格好で寝ている Oli の写真がフォルダに入っているんだ。バスを降りてすぐの草むらで気絶している Oli の写真もある。彼は “草の感触を味わいたかったんだ” って言ってた。僕らはそうだな!と笑ってた。
Oli について考えるとき、私はそういうことを思い出すのが好きなんだ。奇妙で風変わりなことが、彼をユニークで特別な男にしていたからね」
Oli の跡を継ぐ Jason Richardson と Labonte は本当に気が合うようです。
「彼はギターのサイボーグだからね!(笑) そう、彼はコンピュータープログラムなんだ。頭の中は1と0だけ。それだけ。あの子とは何度も一緒に出かけたけど、”彼は本物のロボットだ” って結論に達した (笑)。彼の演奏で本当に素晴らしいのは……彼は音楽理論や何やらについて深く膨大な知識を持っていて、小さなアイデアでもそれを発展させることができるんだ。僕たちは彼に2つのリフを渡して、”さて、どうしよう?”と言うことができる。そうすると彼は、曲全体で使える6、7種類のパートと、そのバリエーションとかを考えてくれるんだ。
ちょっとしたアイディアが浮かんだら、それを音楽理論に詳しい人に持っていくと、そのアイディアだけでなく、そのキーの他のスケールとの関係や、別のキーに移動させる方法などを教えてくれるんだ。それらはすべて、バンドが開いて実験できるドアなんだ。そういう人と一緒に仕事ができるのは本当に素晴らしいことだ。それが、僕たちが仲良くなれる理由のひとつだと思う。
もちろん、それは Oli が得意としていたことの1つであり、Jason が Oli と共有していることの1つだと思う。とにかく彼はワールドクラスのプレイヤーだが、ワールドクラスの知識も持っているんだ」

Labonte にとって、Oli の “モノマネ” をするギタリストは必要ではありませんでした。
「あの子は最高だよ。もし死後の世界があったとして、Oli が自分の場所に立っているのが Jason だとわかったら納得するだろうね。だから、それが重要なんだ。Oli になりすまそうとするようなヤツは獲りたくなかった。Oli は Oli だった。彼のリフの書き方、彼の個性。長髪でひげを生やしている人を断ることはなかったけど、長髪でひげを生やしてなければならないとは言わなかった。そんなことは求めていなかった。僕らが一番避けたかったのは、オーリーになりきってもらおうとしたように思われることだった。もう誰も Oli にはなれないんだから」
Richardson がギター・サイボーグになれたのはふたりの天才のおかげでした。
「Alexi が亡くなってから、CHILDREN OF BODOM をまた聴き始めたんだ。DREAM THEATER 並んで、僕が最も影響を受けて育ったバンドのひとつだからね。彼のギターは僕の嫌いなものばかりだけど、ずっと欲しかったんだ。 とんがっているのは好きじゃないし、EMG のファンでもないし、ノブは1つだし、ロッキング・ナットがついているし、フロイド・ローズもついている。 でも大人になってからは、Alexi か Petrucci かのどちらかが欲しかったんだ。周りの楽器屋には Petrucci のギターしか置いてなかったんだ」
Richardson にとって、ALL THAT REMAINS への加入は驚きでした。
「明らかに予想外だった。前任のギタリスト、Oli は20年間バンドに在籍していたんだけど、その Oli が亡くなったんだ。 ネットで見て、”なんてこった” って思った。彼は僕の友達で、以前一緒にツアーを回ったし、ジャムも一緒にやった。何時間も話をした。
それから1週間半後くらいだったと思うけど、彼らはインスタグラムにメッセージをくれた。”ちょっと聞きたいことがあるんだけど、僕らはすでにツアーを予約していて、アルバムのリリースも決まっているんだけど、このツアーの代役をやってもらえないかな?” ってね。ATR とは過去に何度か他のバンドでツアーをしたことがあったから、すぐにイエスと答えたよ。時間さえかければ曲は弾けると思っていた。幸運なことに、Oli はすべてを譜面に書き起こしていた。当時の新譜からの最新曲以外は、耳コピの必要はなかった。正直なところ、耳コピすることが唯一の不安だったんだ。それ以外のことは、もう一人のギタリストの Mike がビデオを送ってくれたりして、それで曲を覚えることができた」

Richardson は奇抜なソロキャリアと王道の ATR 、その二刀流を楽しんでいます。
「ATR は何枚もアルバムを出しているし、彼らのサウンドを評価する大勢のファンがいる。だから、彼らと一緒に曲を書いている間は、そのことを100%念頭に置かなければならない。でも幸いなことに、彼らには超クレイジーなテクニカル・メタルの旧作もたくさんあるし、”What If I Was Nothing” のようなストレートなロック・ヒット曲もある。意図的にラジオ用に書かれた曲が1、2曲ある。だから、よりシンプルで消化しやすいサウンドになっているのは明らかだ。
僕のソロをミュージシャンでない人が聴いて、”ああ、これは最高だ!” とは思わないだろう。僕のソロを聴くのは、ギタリストやミュージシャン・オタクだけだよ。ミュージシャンでなくても、”What If I Was Nothing” を聴けば、すぐにそれに惹きつけられるだろう。この曲は本当にキャッチーで、すぐに頭に残るから、バンドのために曲を書くときはいつも、もっとビジネス的な帽子をかぶらなければならない。その両方ができるようにならないとね。狂気的なメタルの曲も作りたいし、ラジオ向けのバラードも作りたい」
新メンバー、Richardson とドラマーの Anthony に加え、旧メンバーのベーシスト、Matt Deis もバンドに復帰しました。
「素晴らしいよ。2005年に Matt が脱退したときも、彼は僕らと仲が悪かったわけじゃないんだ。彼は CKY で演奏する機会を得たんだ。彼は大ファンだった。彼はそのバンドが大好きで、彼らのやっていることが大好きだった。ATR の2004年のセカンド・アルバム “This Darkened Heart” は発売されたばかりか、発売されて間もなかった。”The Fall of Ideals” はまだ出ていなかった。だから、僕らと一緒にいてもまだ何が起こるかわからないという状態だった。”Darkened” が少し成功して、みんなが僕たちを見て “これは誰だ?” という感じになったけど、それがキャリアになるかどうかは明らかではなかったんだ。
だから、彼が “こんなチャンスをもらったよ “と言ったとき、僕たちは “わかったよ。僕らにとっては最悪だけど、それでも君を愛している” って感じだった。連絡は取り続けたよ。彼はマサチューセッツ州西部の出身だから、幼馴染みみたいなものさ。Matt のことはずっと好きだったから、彼が戻ってきてくれて嬉しいよ。僕たちはいつも本当に仲が良かった。
それに素晴らしいミュージシャンなんだ。ピアノもベースもギターも弾く。音楽理論にも詳しいしね」

Labonte は作詞家として、”人間の条件に関する歌が最も説得力がある “と言っています。
「”Kerosene” は10月7日のイスラエル同時多発テロの直後に書かれたもので、パレスチナ人とイスラエル人の間で起こっている戦闘をアウトサイダーとして解釈したものなんだ。双方の言い分を聞けば、どちらにもそれぞれの物語があり、それぞれの理解の仕方がある。そのため、双方がそれぞれの理解の仕方を持っている。この確執は長い間続いている。1948年だけでなく、何千年もさかのぼるものなのだ。
彼らが相手側を少なくとも正当なものとして認め、同意することができない限り、このような事態はさらに続くだろう。”言葉がただの灯油になるとき” というサビのセリフがある。10月7日に実際に起こったことを聞いて、本当に、本当につらかった。控えめに言ってもね。2015年にパリの会場で行われた EAGLES OF DEATH METAL のコンサート中にバタクランで起きたテロ事件を思い出したよ。いろいろなものを見ていて、バタクランのことを考えずにはいられなかった。バタクランにいた人たちを知っていたから。
“Kerosene” を書いたのは、10月7日の事件の次の週末だったと思う。プロデューサーのジョシュ・ウィルバーとロサンゼルスにいて、そのことを話し始めたんだ。ただ会話が流れていて、”これを曲にできるかもしれない” と思ったんだ。この曲の出来栄えには本当に満足しているよ」
特に、ライブを楽しんでいただけの罪のない人々が巻き込まれたのですから、人ごとだとは思えませんでした。
「”Cut Their Tongues Out ” について話そうか。もっと怒っている曲だから (笑)。レコードのために最初に作った曲は “Divine”だった。Jason が曲を提供してくれて、僕とジョシュが一緒になって、アルバムのメッセージをどうしたいかを話し始めたんだ。このアルバムはパンデミック以来の作品だったから、全体的にダウナーな雰囲気にはしたくなかったんだ。この2年間、ロックダウンや抗争、そして多くの人たちが互いに罵り合ったりして、みんなもう十分に打ちのめされていたからね。
だから “Divine” は、自分が好きなことを何でもやっていて、自分が有能で、どうすればそれができるかを知っているとき、すべてがうまくいっているときに感じる感覚を表現しようとしたんだ。スポーツの世界では、それを “ゾーンに入る ” と呼ぶ。マイケル・ジョーダンがミスを一切許さなかったときのようにね。僕はその映像を覚えている。マイケル・ジョーダンが素晴らしいスリーポイントを決めたとき、彼は振り返ってコーチのフィル・ジャクソンの方を見るんだよな。”神 “とは、自分が着手しているどんなことでも、そのやり方を学ぶために全力を注いできたおかげで、ほんのちょっとだけ手に入れることができる小さな神性のかけらなんだよ。全てを注げば最高に有能になれるし、その結果には疑問の余地はない」

そうした揺るぎない “好き” “得意” を作ることはまさに “Antifragile” “こわれにくいもの” のミッション・ステートメントと一致しています。どんなことでも、自分が充実していると感じられればいい。だからこそ、ATR は独立の道を選んだのでしょうか?
「レーベルに所属し、レーベルを通じてライセンス契約を結ぶという選択肢もあったけど、レーベルに付随する多くのネガティブな要素に煩わされることなく、自分たちの手で作品を作り上げるというアイディアがとても気に入ったんだ。もうね、今となっては、レーベルは単なる広告代理店に過ぎないから。
もし君たちが若いバンドなら、レーベルに所属したいと思うのは分かるよ。でもね、ALL THAT REMAINS にとって、これは10枚目のリリースなんだ。僕らには歴史がある。”Fall of Ideals” のアニバーサリー・ツアーをやったんだけど、20年近く前にリリースされたレコードの曲を聴きに来てくれたんだ。そうした影響力を持ち、人々がまだ気にかけてくれていることは、とても幸運なことだ。でも、もし僕らのようなカタログや歴史がなかったら、”何か突破口を見つけ、人々の注目を集める方法を見つけなければならない” と思うのは自然なことだからね」
Lebonte のもう一つの仕事、ティム・プールとのTimcast IRLの共同司会とプロダクションの仕事は、どのように始まったのでしょう?
「ツイッターだよ。2013年に彼が “ウォール街を占拠せよ” を取材していた時に、彼の番組をいくつか見たんだ。それから、ティムの毎日の番組を見るようになった。彼はただビデオを作るだけで、基本的にただカメラを回して自分自身を撮影するだけだった。
僕がレガシーな、大きなメディアから離れ始めたのは、彼らが僕が魅力的だと思うものを本当に表現していなかったからだ。9.11の直後、僕はニュース中毒になった。なぜ起きたのか、何が起きているのか、そういったことを知りたかった。YouTubeが普及し始めたこともあって、インターネットでいろいろなものを見るようになり、自分の関心のあることについて話している人たちを見つけるようになった。ティムもその一人だった。
2016年頃、ツイッターでティムと交流するようになり、その後、バンドがきっかけでIRLのゲストに招待されたんだ。そしてある日、彼から電話がかかってきて、”お願いできる?” ってね」

Lebonte は明らかに、政治的に非常に率直な人物ですが、ATR は決して政治的なバンドではないでしょう。
「僕は常に分けて考えようとしてきた。その理由は、ATR には常に異なる政治的意見を持つ人々がいたからだ。僕と元ベーシストは、かなりはっきりした政治的意見を持っていた。Jason と僕は、政治的な意見の違いがはっきりしている。でも僕は、これまでの人生で、政治的なことが誰かとの友達付き合いをやめる理由になると思ったことは一度もない。だから僕にとっては、”ステージに上がって説教することはできない” という感じだった。ATR のライヴでやったことのある政治的なことといえば、2012年にロン・ポールのシャツを着たことくらいかな。
あと、マリファナに耽溺していた頃、コロラド州でマリファナが合法化されたばかりだったと思うんだけど、そのときに言ったんだ。コロラド州がマリファナを合法化したのはいいことだ。もちろん、今となっては全く議論の余地はない。
バンドには、僕と同じ考え方のヤツもいれば、僕と全然違う考え方のヤツもいる。それが普通だと僕は思う。意見が合わない友達がいないなら、そっちのほうが異常な気がする」
反対意見を持ちにくい時代になった?
「そうだと思う。でもそれは変わりつつあると思う。マーク・ザッカーバーグは昨日、5年ほど前に行った自由な意見交換についてのスピーチを撤回した。
結局のところ、アメリカでは誰もが相違点よりも共通点の方が多いんだよ。そして、隣人を敵視するよう人々を駆り立てる衝動は、もう限界だと思うし、ほとんどのアメリカ人はそれにうんざりしていると思う。僕らは反対する人の意見にも耳を傾けるべきだ。
僕は、とてもとても “生かされて生きる” タイプの男だ。極端な政治的意見は持っていない。非常に穏健だ。正直に言うと、90年代の民主党的なんだ。ナチス呼ばわりされたことは数え切れないほどあるが、同時にナチスからユダヤの回し者、イスラエルの回し者として攻撃されたことも数え切れないほどある。両側からそう言われているのなら、どちらの側にもそこまで極端にはなれないはずだ」

キャンセル・カルチャーは滅びるのでしょうか?
「その力があるかどうかを決めるのは、一般人である僕たちだ。炎上時に起こることは、誰かが何かを言って、”ああ、この人はこんなことをしたんだ” となる。そしてネットで大騒ぎになる。
それが社会にとって良いことだとは思わない。特に、意図的にやっていない人の場合はね。だから、もし誰かが何かを言っていて、それが侮辱的であったり、分断的であったり、偏見に満ちていたりするつもりはなく、何かについて話していて、それがただ無慈悲な言葉でないなら、人々が自分の人生に悪影響を及ぼす理由はない。誰かが誰かを罵倒したりするのであれば、企業が “あなたとはもう付き合いたくない” と言うのは理にかなっているかもしれないけどね。
でも、軽はずみなキャンセル・カルチャーはもう終わりだと思う。でも、他人の行動に影響を与える方法として暴挙を利用しようとする人々がいる限り、常に暴挙は続くと思う。ただ、人々は絶え間なく憤慨し続けることに飽きているのだと思う。だから、少なくともしばらくの間はね…」


参考文献: REVOLVER MAG:HOW TRAGEDY AND TURMOIL MADE ALL THAT REMAINS ANTIFRAGILE

GUITAR WORLD :Jason Richardson on his love of Alexi Laiho, soundtracking Lifetime movies and how his late pet pug’s progressive drinking habits shaped his new album

NEW ENGLAND SOUNDS :Jason Richardson On Filling Big Shoes In All That Remains

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PROFESSOR CAFFEINE & THE INSECURITIES : S.T.】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH PROFESSOR CAFFEINE & THE INSECURITIES !!

“Everyone Forgets That Yamcha And Tien Are The Unsung OG Heroes Of Dragon Ball, By The Time You Get Around To Dragon Ball Z Everybody Is So Overpowered You Lose That.”

DISC REVIEW “PROFESSOR CAFFEINE & THE INSECURITIES”

「Thank You Scientist はあまり聴いたことがなかったんだ。2019年に彼らのオープニングを飾ったし、本当に素晴らしい人たちだったからあまり言いたくないけど、彼らにハマったのは僕らがすでに地位を確立したずっと後だったんだ。その時点で、僕たちの2枚目のリリース “The Video Game EP” は少なくとも1年前にリリースされていたからね。でも今聴くと、確かに似ているところがあるね」
2011年、ニュージャージー州モントクレア。Thank You Scientist は “The Perils of Time Travel” でジャジー&サックスを前面に押し出した複雑性と、エモーショナルで人を惹きつけるパワーポップのメロディが同居した革命的で魅力的なデビューEPをリリースしました。彼らはキャリアの道のりでますますジャズ・フュージョンの影響に傾き、ますます複雑なインストゥルメンタルと、メロディアスでありながらより複雑なソングライティングを聴かせてくれています。しかし、もしTYSが複雑なジャズよりも、音楽性をキャッチーでエモいコーラスをシームレスに折り込むという天性の才能に集中していたとしたら?ニューイングランドを拠点とするプログ/ポップ/マス/エモ・アンサンブル、Professor Caffeine & the Insecurities のセルフタイトルはまさにその “IF” を実現します。
「SEVENDUST, ALTER BRIDGE, ANIMALS AS LEADERS といったバンドに出会ったとき、彼らは僕にもっと音楽を追求するよう背中を押してくれたんだ。CALIGULA’S HORSE からビリー・アイリッシュへ、CARBOMB から BOYGENINUS へ、といった具合だ」
印象的なフックや曲作りと、興味深く進歩的な音楽的アイデアのバランスを取る最高で最初のバンドが RUSH だとしたら、Professor Caffeine はこの指標で非常に高いスコアを獲得するはずです。それはきっと、彼らを “プログ” の世界に誘った偉人たち、CALIGULA’S HORSE や ANIMALS AS LEADERS が常に複雑性とメロディの美しさを両立させていたから。
リスナーは、どうしようもなくキャッチーで甘ったるくなりそうなコーラス、”Wolf Fang Fist!” や “Astronaut” を口ずさむ一方で、ほぼすべての曲にまるでクッキーの中のチョコレート・チップのように、トリッキーで小さなアルペジオが隙間なくちりばめられていることに気づくはずです。
“The Spinz” に組み込まれた狂ったようなピアノ・ランや、陽気なサウンド “Dope Shades” のバックボーンを形成する驚くほど複雑なジャズ・ハーモニーのように、時には繊細なものもあれば、”That’s a Chunky” でのクランチーなリフとシンセの爆発的なバーストや、”Make Like a Tree (And Leave)” のコーラスに充満する不条理なほどヌケの良いギター・リードなど、より明白な場合も。リスナーが一瞬でも、このバンドのパワー・ポップの才能に導かれてプログであることを忘れてしまうたびに、彼らはまた複雑なユニゾン・ラン、突然のテンポ・シフトや様々な小道具で絶妙のバランスを構築していきます。
そう
「この曲はヤムチャにちなんでいるんだ!ヤムチャはDBZサーガではあまり活躍しなかったけれど、子供の頃から大好きなキャラクターだった。ヤムチャは悟空に対抗できる最初のキャラクターの一人で、彼が “狼牙風風拳” という拳の技をキックから始めるのがいつもコミカルだと感じていたんだよね (笑)。僕たちはドラゴンボールの世界が大好きだから、Dan もこのネーミングを気に入ってくれると思ったんだ。バンドに見せたオリジナルのデモはBPMが20も速くて、想像するのも乱暴なんだけど、もともと最初のアイデアは、ぶっ飛んだ、容赦のない “Kick You In the Face” なライブ・ソングやアルバムのオープニングを作ることだったんだ」
アルバムのハイライトは、ドラゴンボールのヤムチャをテーマとした “Wolf Fang Fist!” “狼牙風風拳” でしょう。物語が進むにつれてインフレしていくキャラクターの強さと “気”。しかし、私たちは原点を忘れてはいないだろうか?ヤムチャの狼牙風風拳や天津飯の気功砲が、ドラゴンボール初期のコミカルな笑いの中で、シリアスに絶妙なバランスを生み出していました。アルバムはフック対複雑、光と影、ユーモアとシリアスの対立が常に存在していますが、まさにドラゴンボール初期のように絶対にどちらかが勝ちすぎることはないのです。
今回弊誌では、Professor Caffeine & the Insecurities にインタビューを行うことができました。「放課後はDBZのセル編やゾイドを見るために急いで家に帰ってたし、サムライチャンプルーは夜遅くまで見てたよ。植松伸夫は、ダークソウル、メトロイド、バイオハザード、そしてソニーと任天堂のほとんどすべてのゲームとともに、作曲家として僕に大きなインスピレーションを与えてくれた」 どうぞ!!

PROFESSOR CAFFEINE & THE INSECURITIES “S.T.” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【RETURN TO DUST : RETURN TO DUST】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH RETURN TO DUST !!

“It’s All Music And It’s All Beautiful In Its Own Way – In Fact, I’d Say It’s More Beautiful When You Can Mix Metal And Grunge In The Right Way.”

DISC REVIEW “RETURN TO DUST”

「Kurt Cobain はたぶん TikTok カルチャーを認めないような気がする。でも、有意義な芸術的選択をしている限り、芸術を共有する媒体は重要ではない気がするね。ソーシャルメディアは瞬間を捉えるための器に過ぎない。だから、今流行っているものではなく、自分が共有したいと思うものを共有するべきなんだ」
ロサンゼルスを拠点とする RETURN TO DUST が今、世界を席巻しています。彼らのシングル “Belly Up” は TikTok で瞬く間に拡散され、複数のプラットフォームで310万回以上のストリーミング、Spotifyの月間リスナー数5万人以上という、世に出たばかりのバンドとしては驚異的な数字を叩き出しました。そして Welcome to Rockville, Sonic Temple といったメジャーなフェスティバルへの切符を手にして、彼らはまさに上昇気流の真っ只中にいるのです。
今や、音楽プロモーションの手段としての TikTok は当たり前のものとなっています。確かに、TikTok は誰も知らない古い曲を掘り起こし新しい聴衆に届けたり、ベッドルームプロデューサーの未熟な作品を届けたりすることにきっと大きな意義があるはずです。つまり、Kurt Cobain が否定しようとも、RETURN TO DUST のシンデレラ・ストーリーが才能を磨けば誰にでも起こりうる幸運な時代なのかもしれませんね。
「僕たちのセルフタイトル・アルバムは、90年代にとても影響を受けている。ノスタルジックなフィーリングを体現しつつ、サウンドを前進させようとしたんだ。これは、レコーディングを重ねるにつれて、バンドの継続的なフィロソフィーになっていると思う」
RETURN TO DUST は、90年代風のグランジのタイムカプセルにファンを誘いながらも、その場所に立ち止まってはいません。LED ZEPPELIN のようなクラシック・ロックから、NOTHING BUT THEIVES のようなモダンなロックまで、足早に時を駆けながら、メタルやハードコア・パンクの哲学、エナジーまで貪欲に吸収していきます。HELMET や NIGHT RIOTS との仕事で知られる Jim Kaufmann のプロデュースも、そんな彼らの “超越性” を引き立てていきました。
「ある時期にはメタルとグランジは反発しあっていたけれど、そんなことはくだらないことだ。実際、適切な方法でメタルとグランジをミックスすることができれば、より美しい音楽ができるんだ」
“もしこれが夢なら、私はいつ目覚めるのだろう?”。誰もが “こんな人生、夢であってほしい” と望む瞬間はありますが、そんな “Black Road” の絶望感に幕を開ける暗い90年代と20年代の架け橋。弊誌でも過去に取材した、SEEDS OF MARY や GARGOYL のように、そのふたつのじだいにシンパシーを感じるメタル・バンドは確実に増えています。
アルバムの前半だけでも充分に素晴らしい “Return to Dust” ですが、後半に入ると RTD クルーはさらに輝き始め、その才能を発揮し始めます。彼らほど、グランジを様々な形に変化させ、操ることに長けているバンドは他にいないでしょう。何より、彼らは反発しあっていたグランジとメタルを同じまな板の上に載せました。もちろん、賢明なリスナーなら、ALICE IN CHAINS や SOUNDGARDEN といったグランジを代表するようなバンドが、実はヘヴィ・メタルを養分としていたことを知っています。グランジの勃興と衰退から30年経って、ようやくその二つの個性的で美しい音楽は “Dust” を触媒として交わることができたのです。
今回弊誌では、RETURN TO DUST にインタビューを行うことができました。「メタルもグランジも、社会、政治、個人的な葛藤など、多くの人々が感じている不満やフラストレーションを代弁してくれる、時代を超越した何かを持っているよね。そうした要素をすべて織り交ぜることで、過去を再訪するだけでなく、それを押し進めるようなものを作ろうと僕らはしているんだ」 High & LOW のツインボーカルがたまりませんね。どうぞ!!

RETURN TO DUST “S.T.” : 10/10

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NEVERMORE REUNION 2025 “A NEW CHAPTER RISES”


NEVERMORE REUNION 2025 “A NEW CHAPTER RISES”

RESURRECTION THE DREAM

特大のお年玉。NEVERMORE が2025年に復活することを発表しました。ギタリストの Jeff Loomis とドラマーの Van Williams は、”Resurrecting The Dream(夢の復活)” と “A New Chapter Rises(新たな章の幕開け)” というフレーズを使用したティーザーを彼らの SNS ページで発表したのです。
「僕は自分たちを何かのカテゴリーに分類したことはないんだ。パワー・メタル、プログ・メタルと呼ぶかどうかもわからない。ただ、僕らの頭から飛び出したものだと思う。僕たちは、できる限りオリジナリティを出そうとしているだけなんだ。僕らがオリジナルに見えるという点では、多くの人を納得させることができると思う。普通のメタルバンドとはかなり違うサウンドだと思う- Jeff Loomis」
NEVERMORE は、プログレッシヴ・メタル界で最もユニークで前衛的でエモーショナルなバンドのひとつでした。1990年代初頭、シアトルのスラッシュ・ムーブメント、その灰の中から生まれた彼らはプログ・メタル、スラッシュ、陰鬱でアトモスフェリックな楽曲とメロディを融合させることでその個性を確立し、テクニカルな芸術性、深遠な歌詞、激しく感情を揺さぶる送葬の音楽でたちまち評判を確立しました。伝説的な両巨頭、Warrel Dane と Jeff Loomis のもと、バンドは新たなメタルの道を切り開き、後の世代にインスピレーションを与え、永遠の遺産を残したのです。
「確かに私たちは、今流行っているものを演奏しているわけではない。NEVERMORE の音楽はメロディックなエッジを持ったヘヴィ・メタルで、それこそが私たちが常に夢中になってきたものなんだ。多くのバンドが売れっ子になって、流行に乗っかっている。成功している大物バンドほど、軟化し、より受け入れられるようになっているように思えるし、自分たちが始めたときに信じていたこと全てに逆らっている。彼らは、自分たちがなりたくなかったものになってしまった。
だからメタルは停滞した。これからは、より多くのバンドが、自分たちのジャンルの中で、周りで起こっていることよりももっと独創的なサウンドで、違うことをしていくと思う-Warrel Dane」

NEVERMORE のルーツは、Warrel をリード・ヴォーカルに、Jim Sheppard をベースに迎えた1980年代後半のスラッシュ・バンド SANCTUARY に遡ります。SANCTUARY は、MEGADETH の Dave Mustaine がプロデュースした1988年のデビュー作 “Refuge Denied” でなかなかの成功を収めます。しかし、90年代初頭、グランジの台頭により、彼らのスラッシュ・メタル・スタイルはレコード会社から不評を買い、バンド内部も緊張状態に陥ることに。1992年に解散に至りました。
「僕はスウェーデンのバンドに夢中なんだ。特に MESHUGGAH!オフタイムのものとポリリズムが大好きなんだ。それ以外は、70年代の音楽、ジャズ、クラシック…… 16歳のときに MEGADETH のオーディションに挑戦したんだ。皮肉なもんだよ。彼らのような過激なバンドに入るには若すぎるけど、がんばればキラー・プレイヤーになれると丁寧に言われたんだ-Jeff Loomis」
Warrel と Jim はそれでも共に音楽を創り続けたいと考え、まだ10代だったギターの新星 Jeff Loomis と手を組み、メタルの限界に挑戦する新しいバンドを結成したのです。それが NEVERMORE でした。プログ・メタルの複雑さと実験性、スラッシュの激しさ、そして Warrel の送葬の旋律を融合させたサウンドを生み出すべく、彼らはドラマーの Van Williams と共に1992年に新たな旅に出たのです。

NEVERMORE は1995年、センチュリー・メディア・レコードからセルフタイトルのデビュー・アルバムをリリース。このアルバムで彼らは、ヘヴィでグルーヴ感溢れるリフ、複雑怪奇なギターワーク、そしてデインの怪しくもオペラティックなボーカルというバンドの特徴的な組み合わせをお披露目しました。特に、”What Tomorrow Knows” や “Garden of Gray”, “C.B.F.” といった曲は、伝統的なプログ・メタルよりもヘヴィでダークでありながら、典型的なスラッシュよりもメロディアスで複雑な、バンド独自のスタイルをファンに知らしめました。
「トレンドは、私の好みからすると本当に平凡なんだ。ギターソロがある音楽の方が好きなんだ。今の時点では、それが NEVERMORE の使命かもしれないと思っている。クラシックなギター・ソロを復活させつつ、その中に現代音楽の要素を取り入れること。それをやり遂げるのに、ここに十分なギタリストがいるのは確かだ-Warrel Dane」
セカンド・アルバム “The Politics of Ecstasy” (1996年)のリリースで、彼らの音楽は新たな高みに達します。この作品で彼らは、実存主義、社会的操作、個人の自由といったテーマを、より力強く、テーマ性を重視した形で取り上げました。”Next in Line” や “The Seven Tongues of God” といった楽曲では、より凝ったソロや複雑なアレンジで Jeff の卓越したギター・スキルが開花します。後に CANNIBAL CORPSE で頭角を表すギタリスト Pat O’Brien も参加。

「とても親しかった人を亡くしたことがあったんだ。私は幸運にもその出来事を乗り越えて、前に進み、対処することができた。でも、私がここで触れたかったのは、人は時として、そのようなトラウマ的な経験を乗り越えることができず、基本的に一生を台無しにされてしまうこともあるということ。アウトプットはただそれを吐き出すための方法なんだ、ということが伝われば同じような問題を抱えた人たちの心に響いて、気持ちが楽になるかもしれない。これは奇妙な精神療法であり、私にとってはちょっとしたカタルシスなんだと思う-Warrel Dane」
そして、”Dreaming Neon Black”。1999年にリリースされたアルバムで、彼らはついに飛翔します。精神的な危機、悲しみ、喪失をテーマにした作品は、親しい友人の死のような Warrel の個人的な体験が、アルバムの陰鬱なトーンと重苦しい歌詞のインスピレーションとなり、批評家とファンの両方にアピールしたのです。”Beyond Within”, “The Death of Passion”, そしてタイトル曲 “Dreaming Neon Black” で彼らは、技術的な熟練と純粋な情熱、感情を結びつけることに成功します。しかし、ストーリーの結末は悲劇的。
「悲劇的な結末は、常に私が望んでいたことなんだ。憂鬱で暗い話だとは思うけれど、暗い題材を書く方が面白いんだ。エンディングはもっと明るいものにすべきだったと言われるけど、どうして?人生はいつもそうなるとは限らない。人生のちょっとした問題が悲劇的な結末を迎えることもある-Warrel Dane」
このアルバムは、恋人を失った男の狂気へのスパイラルを描いたストーリー。NEVERMORE が深く感情的でテーマ性のある複雑な音楽を生み出せるバンドであることを世界に知らしめました。Jeff が織りなす速度と旋律のイリュージョン、そして Warrel の不気味に印象的なストーリーテリングの脳裏は、NEVERMORE を最もアヴァンギャルドでしかしキャッチーなメタル・バンドのひとつに押し上げたのです。Jeff が振り返ります。
「まあ、間違いなく最高の作品だったよ。”Politics” とは少し違って、より歌に重点を置いた作品だと思う。かなり誇りに思っているよ。一番好きなのは、 “Deconstruction” で Tim のソロの前にやったフラメンコ・ギターだね。あれは本当にクールだった。あれは自然発生的なものだった。あの曲にいい色を加えてくれたと思う。”No More Will” のソロもそうだ。いろいろなタイム・チェンジがあるんだ。本当にクールだよ-Warrel Dane」

2000年の “Dead Heart in a Dead World” で彼らは新機軸を打ち出しました。をリリースした。7弦ギターの使用によって、より複雑な曲構成とメロディックな深み、劇場型の低音を追求し続けたこのアルバムは、彼らのスタイルに大きな変化をもたらしました。特に、The River Dragon Has Come”, “Narcosynthesis”, “We Disintegrate” など、複雑なリズム、高らかに歌い上げるヴォーカル、変化に富んだリフを含む曲では、Jeff の卓越したギター・ワークが主役の座を得たのです。
「”Dreaming Neon Black 2″ を作るのは簡単だったし、多くの人がそれを期待していたのかもしれない。でも、Chuck Schuldiner の不朽の名言を借りれば、 “人々は予想外のことを期待すべきだ” ということ。このバンドでは、人々が期待するようなことは決してしない。私たちは常に前へ進もうとしているし、レコードを出すたびに少し違ったものを作ろうと自分たちを駆り立てている。安全策を取ることもできたが、それのどこが楽しいんだ?安全策を取ることに楽しみはないと思う。メタルが境界線を本当に広げるべきなのであれば、安全策を取ることは正しいアプローチではないと思う」
このアルバムはさらに広く称賛を浴び、NEVERMORE を世界のメタル・シーンにおける脇役から主役へと引き上げました。同時に、実存的な恐怖、社会の腐敗、内面の混乱といった暗いテーマの探求は、リスナーの共感を呼び心を打ちました。実際、”Dead Heart in a Dead World” は、しばしば史上最高のプログレッシブ・メタル・アルバムのひとつとして挙げられ、プログ・パワーというジャンルを確立し、無数のバンドやミュージシャンに影響を与えたのです。
「この世界にいると、誰もが常に何かを与えようとしているし、人々は常にいろいろなクソを手渡してくる。酒やドラッグ。そしてシラフになると、現実それ自体が大きなドラッグになるんだ。”Enemies of Reality” にこんな歌詞がある。”現実ほど大きな麻薬はない”。これは麻薬中毒のときに書いたんだけど、皮肉なもんだね。他にも知ってる?私はいつもショーの前に少しの酒に頼っていたんだけど、ショー中に完全にシラフで歌っていると、ずっと歌がうまくなることがわかった。私は、バンドの他のメンバーもそうであるように、完全にめちゃくちゃな酔っ払いだった。でもこれまで散々飲んできたから、もし私が止めなかったら、これから生まれてくる若い子たちは何も飲めなくなる。だから今、誰かからウォッカのボトルを渡されるたびに、CHILDREN OF BODOM に渡しているんだ (笑)-Warrel Dane」

2003年の “Enemies of Reality” は怒りのアルバム。アルバム・ジャケットに描かれているミミズは、タイトル曲 “Enemies of Reality” の歌詞を直接引用したもので、Warrel は “大きく口を開いて敵のミミズを食べよう” と歌っています。NEVERMORE のメンバーにとって個人的にも仕事上でも激動の時期に書かれ、レコーディングされた作品で、Warrel は、このアルバムのサウンドはバンド・メンバーがこの時期に直面した試練が反映されたと語っていました。
「”Enemies Of Reality” は作るのがクソ難しいアルバムだった。私たちはみんな本当にクソ怒りっぽい人間で、それがこのアルバムに表れていると思う」
CDブックレットの最後のページには、DEATH の亡きフロントマン Chuck Schuldiner に捧げる言葉が書かれています。 “このレコードはチャックに捧げる。メタルは永遠へと流れるだろう…”。
「実は Chuck から “Control Denied” のアルバムで歌ってほしいと頼まれたんだ。でも、私は NEVERMORE に忠誠を誓っているからね。当時はとても忙しかったし…。彼はすべてのデモと歌詞を送ってくれた。ああ、もちろんやりたかったさ。でも残念ながら、結局は時間がなかったんだ。もし過去に戻って何か違うことができるとしたら、あのレコードで歌いたいね-Warrel Dane」
トラック “Noumenon” は、物事がどのように見えるかという現象の概念と比較して、物事が実際に存在するという哲学的概念にちなんで名付けられました。この言葉はイマヌエル・カントによって広められ、カントは超越論的観念論の哲学を説明するためにこの言葉を使ったのです。

「メディアは世界を支配している。テレビで見たことをすべて信じるのか?なぜなら、そのほとんどは真実ではないからだ。特に、私たちが大きな国家に向かい始めていることが気になる。ヨーロッパにはこのようなものがたくさんあるし、アメリカのある都市では実施され始めている。いたるところにCCTVカメラが設置され、スピード違反をした車の写真が郵便で送られてくる。時間とともにエスカレートしていくだろう。それが唯一の論理的な結論であり、クソ危険なことだ。個人の自由が徐々に奪われていき、人々は手遅れになるまでそれに気づかないのだから-Warrel Dane」
2005年にリリースされた “This Godless Endeavour” を彼らの最高傑作に推すファンはすくなくありません。この作品は明らかにもうひとつの重要なアルバムであり、NEVERMORE の勢いをさらに加速させました。名人アンディ・スニープがプロデュースしたこのアルバムは、複雑なアレンジメントと哲学的なテーマが組み合わされ、テクニックに宇宙的な奥深さがくわわりました。”Born”, “Final Product”, そして壮大なタイトル曲 “This Godless Endeavour” など、破壊的な激しさと内省的で示唆に富んだ歌詞の組み合わせで、彼らはバンドとしての成熟を示したのです。
「Andy Sneap はある意味、NEVERMORE の6人目のメンバーと言っていい。彼はいつも、バンドがレコードに求めているサウンドを最終ミックスで出すことができる。彼は NEVERMORE サウンドに必要なセパレーションを得ることができるんだ。僕は7弦ギターを弾くんだけど、とても低くて泥臭い音だから、彼の作り出すセパレーションは本当に素晴らしくて、僕らのサウンド全体にとって極めて重要だ。一度こんな素晴らしい人と仕事をしたら、他のところに行くのは難しいよ。彼は最高のメタル・プロデューサーのひとりだ-Jeff Loomis」

テーマはまさに今日本で話題となっている “オールドメディア”、そして権力によって個人のアイデンティティが失われる恐怖。そして、そのアイデンティティの喪失、私たちが生きるシステム、人生の意味、世界のさまざまな地域でさまざまな宗教によって引き起こされた紛争など、すべての問題と神の関係性を問います。
“Sentient 6″ の途中で、”私は終焉をもたらす者、恐れよ、私はテクノロジーという獣だ” というメッセージが逆再生されます。”センティエント6 “とは、人類を絶滅させるためにプログラムされたロボットやアンドロイドのこと。つまり、彼らは AI の時代も先取りしていました。感情や魂を持っている人類を羨む機械。内容は逆説的で、機械の視点から歌詞は書かれました。
そうしてこのアルバムは、比類なき音楽性、心を揺さぶる詩的な歌詞、プログレッシブで驚異的にヘヴィなサウンドなど、NEVERMORE のすべてを象徴するものとなり、バンドにとって決定的なステートメントとなったのです。VICIOUS RUMORS でならしたSteve Smyth の参加もバンドの音楽にアクセントを加えました。
「私たち4人はとても気難しい性格なんだけど、みんな彼ととても仲良くなった。彼はバンドの大ファンでね。曲作りを始めたとき、彼は新曲を出してきたんだけど、最初に驚いたのは、彼が提供してくる曲がとても NEVERMORE に似ていることだった。Jeff が書きそうな曲だった。私にとってはそれが決め手になった-Warrel Dane」
“This Godless Endeavour” が成功を収めた後も NEVERMORE は幅広く活動を続けましたが、ここにきて内部対立が表面化し始めます。”The Obsidian Conspiracy” は、2010年にリリースされたバンドの7枚目にして今のところ最後のスタジオ・アルバム。このアルバムは、”Without Morals” や “The Day You Built the Wall” のような素晴らしい曲があるにもかかわらず、他の作品ほど高くは評価されませんでした。一部のファンや批評家は、バンドのダイナミクスやサウンドに変化を感じたのかもしれませんね。とはいえ、タイトル・トラックのギターは圧巻の一言。

「”Godless Endeavor II” を簡単に作ることもできたけど、アーティストとしては常に何か違うことをやりたいと思うものだ。特に NEVERMORE では、これまでリリースしたアルバムはどれも違うものだった。でも、そうだね、ちょっとクレイジーだった。どのようなアプローチを取りたいのかよくわからなかったし、2009年は正直なところ、”もういいや” と思って、スタジオに座って、自分の中から出てくるものを何でも書いたんだ。心から魂を込めて演奏し、出てきたものをそのままレコーディングしたんだ。それが “The Obsidian Conspiracy” になったんだ-Jeff Loomis」
時を同じくして、個人的・芸術的意見の相違により、Jeff Loomis と Van Williams がリリース直後にバンドを脱退。こうして NEVERMORE は活動休止に入りました。再結成の可能性や新曲について話し合いがもたれたものの、バンドが正式に再結成することは2025年までなかったのです。
ブラジルで2枚目のソロ・アルバムに取り組んでいた Warrel Dane は、2017年12月13日に心臓発作で56歳の若さで悲劇的に亡くなりました。メタル世界で最も識別しやすいその声は、オペラのような音域と感情の激しさ、そして祈りと痛みを兼ね備えていたのです。
2014年、Jeff Loomis は ARCH ENEMY に加入していました。Warrel の死によって、NEVERMORE 再結成の芽は永遠に潰えたかのように思えたのです。しかし、奇跡は起こりました。NEVERMORE の物語はまだ終焉を迎えてはいなかったのです。

「QUEENSRYCHE と自分たちの間にある類似点は、出身地が同じことにも起因するのだろう。Jeff がデスメタルのバックグラウンドを持っていて、私たち全員が常に様々なスタイルの音楽を聴いているという事実が、その多くを生み出していると思う。私は1つのスタイルの音楽だけを聴いているわけではない。デスメタルもブラックメタルもたくさん聴く。皮肉なことに、あまり興味がないのは最近のパワー・メタルだ。すべてがハッピーすぎると思う。ヘヴィ・メタルはハッピーであるべきだとは思わない!ダークであるべきだ!Tony Iommi が “Black Sabbath” のリフを書いたとき、彼はこのような大きなものになるとは思ってもみなかっただろうね。たぶん彼に電話して、この音楽形態が生んだ1万もの HELLOWEEN のクローンについてどう思うかと聞いたら、吐き気を催すだろうね-Warrel Dane」
誰がボーカルを務めるにせよ、Warrel との比較はさけることができないでしょう。しかし、そこに NEVERMORE の芸術的、技術的、感情的な DNA が受け継がれている限り、きっと彼らはまた世界を驚かせてくれるはずです。
「NEVERMORE は死んでいない。秘密の計画があるんだ。Jeff と Van がバンドを脱退すると決めたとき……バンドは解散しなかった。彼らはバンドを去ったんだ。私は次のアルバムのために歌詞を書いた。それはコンセプチュアルなもので、NEVERMORE のすべての歌詞が進化し、永遠の物語になっていくという伝統を引き継ぐものだった。そして、次の(アルバムが)出る可能性もある。でも、Jeff がいないとやらないよ。我々は敵同士じゃないからね。絶対に敵じゃない。仲が悪いわけでもないし……そのうちわかるよ」


参考文献: BRAVEWORDS:NEVERMORE REMEMBERED IN DREAMING NEON BLACK INTERVIEW

METAL SUCKS: LESS IS NEVERMORE

CHRONICLE OF CHAOS: NEVERMORE INTERVIEW 2005

GUITAR WORLD: NEVERMORE WHAT DOESN’T KILL

Van と Jeff からのオープンレター。
NEVERMORE のティーザーは、多くの肯定的な意見と、予想された否定的な意見を呼び起こした。私(Van )はまず否定的な意見に対処させてほしい。
ベーシストの Jim を巻き込まず、私たちの計画を知らせないのは失礼だと考える人もいる。でも、そう感じる人たちは、このバンドの歴史やこの決断に至った舞台裏の力関係を知らないんだ。最も理想的な方法ではなかったかもしれないが、現実には彼とのコミュニケーションは何年もなかった。
私たちは、新たなスタートのためには、もはや成長や新たな出発につながらないかもしれない関係から離れることも時には必要だと感じた。 私たちは、バンドのレガシーを尊重しながら、その時の私たちにとって正しいと思える方法で前進するつもりで、この決断を下したんだ。
とはいえ、私たちは彼の健康を祈っているし、彼がどんな道を選ぼうと自由だ。あまり詳しく説明するのはやめておくが、リスペクトは双方向のものであり、ある種のことは私たちにとって時間の経過とともに和解できないものとなった。私の人生の現時点では、これ以上説明する必要はないと思っているので、好きなように解釈してほしい。
なぜNEVERMOREを再結成するのかというと、単純な話、このバンドはずっと私の夢だったからだ。一緒にバンドをやる仲間を見つけて、世界中を旅しながら音楽を作ること。オーディションから加入が決まった瞬間まで、音楽、芸術、創造性、冒険、楽しみ、仲間意識の渦だった。
何年もの間、私たちは一緒に素晴らしい音楽と素晴らしい思い出を作った。しかし、時が経つにつれ、物事は制御不能になり、信頼、尊敬、そしてその喜びが消え始めた。
最終的な分岐点は、SYMPHONY Xとのヨーロッパ・ツアーの最後に訪れた。何年もかけて自分たちで最高のバンドを作り上げてきたのに、それを修正するために同じページに立つことができなかった。Jeff と私、そして Warrel と Jim は別の道を歩んだ。和解はなかった。Warrel はブラジルに行き、Jim はアラスカに引退し、連絡を取らないまま何年も過ぎた。
この間、妻が卵巣がんと診断され、私の私生活は壊滅的な状況に陥った。私たちは幼い息子のために平穏な日々を送れるようあらゆる手を尽くし、妻が快適に過ごせるよう最善を尽くした。
Warrel は時折ブラジルから電話をかけてきて、その際に優しい言葉を交わしたが、過去を消し去ることはできなかったし、ある種のことは変わっていないと言える。でと彼は2020年に他界してしまった。その喪失感は私と息子に大きな衝撃を与えた。私自身は、本当のことを言えば、昏睡状態から覚め始めたところだと感じていて、神に感謝しながら、ようやく光が見えてきたような感じだ。
暗黒の日々を乗り越え、私と家族を助けてくれた家族、親しい友人、そしてファンへの感謝の気持ちは、言葉では表せないだろう。辛い時期を乗り越えさせてくれて、本当にありがとう。
そんな中でも Jeff はいつも私の強力なサポーターであり続け、私たちの絆は深まった。時が経つにつれ、私たちは共に創作し、演奏する喜びを懐かしむようになった。NEVERMORE はその喜びの大きな一部であり、私はそれを非常に誇りに思っている。
これを “金目当て “だと言う人たちには、同意しかねる。ほとんどのミュージシャンは、お金のためにやっているわけではない。ただ好きだから、汗を流し、リハーサルをし、演奏し、レコーディングしてきた。これが私たちが人生で選んだことなんだ。音楽への情熱、ファンとのつながり、創造的なプロセス、それが私たちを突き動かしている。もしそこからお金が生まれるなら、それは素晴らしいことだけど、それが焦点になったことは一度もない。
Jeff と私は、Warrel と Jim がバンドにもたらしたものを尊重しつつ、新しい章を築く手助けをしてくれるミュージシャンを見つけることで、NEVERMORE の遺産を尊重したいと考えている。Warrel の代わりを探すことではない。それは誰にもできないことなんだ。しかし、彼の作品に敬意を払いつつ、新しいことに貢献できる人を見つけたい。私たちは、ファンが集まり、音楽を祝福し、あの素晴らしい歌詞を再び歌うチャンスを与えたい。そして願わくば、クラシックと肩を並べるような新しい音楽を作りたい。
Jim の状況が違っていればよかったのだが、過去が私たちをここまで連れてきてしまった。私自身はポジティブさとポジティブな人々に焦点を当てており、過去のネガティブな感情に絡め取られることは拒否するつもりだ。Jeff と私が適切なヴォーカリストとベーシスト、つまり遺産を尊重し、私たちとともに前進したいと思うミュージシャンを見つけることができれば、この新しい章は、私たちとともに来ることを選んだすべての人にとって、本当に特別なものになるだろう。これはカヴァー・バンドでもトリビュート・バンドでもなく、NEVERMORE と呼ばれるバンドの旗を掲げ、それを受け継いでいくことを決意したバンドの次の進化・章になるんだ。
またみんなに会えるのを楽しみにしているよ。
Van Williams

Van の発言に同意するよ。NEVERMORE の過去の歴史には、明らかに多くの浮き沈みがあった。Van と共にバンドの新たなレベルへと聖火を運びながら、良いことだけを覚えていたい。
私の心はいつも音楽、ツアー、パフォーマンスのためにある。この10~11年間、他のミュージシャンと一緒に演奏して素晴らしい時間を過ごしてきたけど、NEVERMORE は、僕がこれまでしてきたこと、そして創り上げてきた最高の音楽への個人的な入り口であり、これからもずっとそうあり続けるだろう。
誰も Warrel Dane の代わりにはなれない。それが結論。彼の興味深いメロディーとステージ上でのカリスマ性で、彼は詩的にも精神的にもバンドの大きな部分を占める力だった。だから彼のクローンを探しているわけではない。
私たちは、彼のヴォーカル・スタイルで古い NEVERMORE の曲を歌いこなせる人、そしてバンドの次の章に何か新しく新鮮なものを加えられる人を探しているんだ。明らかに、これは最も簡単なことではないだろう。
以上のことから、私たちは2人の並外れたミュージシャンを求めてWORLD SEARCHを行うよ。1人はメイン・リード・ヴォーカリスト、もう1人はベース奏者で、私たちの遺産を受け継いでくれる人。その後、2人目のギタリストのポジションも埋まりましたが、それについてはまた後日、別の更新で!
Jeff Loomis

ヴォーカリストのオーディション
NEVERMORE は激しい感情的共鳴で知られており、それは明らかに Warrel のユニークなヴォーカル・ダイナミクスによってもたらされている。私たちは、幅広いトーンとエモーションを巧みかつ真正に表現できるヴォーカリストを探している。
ダイナミック・レンジ: 高音と響く低音を歌い分けることができ、曲の要求に応じて力強さと弱さをブレンドできる。
表現の深さ: 技術的なスキルだけでなく、NEVERMORE の音楽の特徴である生の感情や心を揺さぶるテーマを取り入れることができる人を求めている。
ステージでの存在感: 観客との協調性があり、ライブで音楽の激しさを体現できる人を求めています。
ベーシスト・オーディション
私たちは、NEVERMORE のアレンジメントに深みと推進力を生み出す方法を理解している、揺るぎないプレーヤーを探しています。正確さ、グルーヴ、そしてヴァンとタイトにロック・インする能力があれば大歓迎です。もしあなたがバッキング
ヴォーカルができれば、それも素晴らしい。リズムセクションをタイトにキープできる人、それが私たちが求めるすべてです。
両方の役割に求めるもの
前向きな姿勢…バンドのダイナミズムに良いエネルギーをもたらしてくれる人を求めています。
集中力、プロ意識、音楽への敬意を保てる人を求めています。信頼でき、準備ができ、仕事熱心な人。
現在有効なパスポートを所持し、世界各地へのツアーに積極的に参加できる人。創造的に協力し合い、お互いをサポートし合い、ステージの上でも外でも誠実さをもってネヴァーモアを代表する意欲のある人。
オーディション方法
ボーカリスト: アルバム “This Godless Endeavor”から “Born” と “Sentient 6” を歌ったビデオを提出してください。好きなだけ歌ってください。全曲を歌わない場合は、少なくとも全節を歌ってください。少なくとも、それぞれの曲の全節とコーラスを歌ってください。また、あなたの経歴、影響を受けたこと、あなたがバンドにもたらすことができることについて、簡単な自己紹介を添えてください。あなたの可能性を最大限に発揮してください。
ベーシスト: “Enemies of Reality” と “Inside Four Walls” を、タイトさ、テクニック、フィーリングに焦点を当て、立ったまま演奏してください。
オーディションのYouTubeリンクを officialnevermoreinfo@gmail.com まで送ってください。
あなたからの連絡をとても楽しみにしています。世界中のファンの皆さん、本当にありがとうございます。素晴らしい2025年に乾杯!