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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【HARPAZO : THE CRUCIBLE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH HARPAZO !!

“Prog Metal Is Not Dead, It’s Finally Getting Recognized. Music Should Be an Experience And Something New And Our Hope Is We Deliver That.”

DISC REVIEW “THE CRUCIBLE”

「SHADOW GALLERY はいつか復活する。そう信じているよ。僕らの最初の大きなブレイクは、日本の放送局やマサ伊藤のような人たちが、最初の数枚のレコードを強く支持してくれたからこそ起きた。だから僕は、そうしたプロモーターと日本をとても愛しているんだよ。日本のファンは、それほど選り好みしないし、新たな音楽の味に飛びつく準備ができている。日本のファンは音楽とバンドに投資してくれる。HARPAZO でもチャンスを掴めたら、そして僕が持ち込まずにはいられない SHADOW GALLERY の強固な影響をここで聴いてくれたらうれしいね」
SHADOW GALLERY は誠実なバンドでした。音楽のためだけに生きたバンドでした。旋律と構成の妙を追求し尽くしたバンドでした。プログ・メタルの理想形を体現したバンドでした。だからこそ、オリジナル・ボーカル Mike Baker の死は大きな衝撃で、彼の遺産を残した2009年の “Digital Ghost” が今のところバンド最後の作品となっているこもが残念でなりません。SHADOW GALLERY は今も存続していますが、彼らの音楽は15年もの間、”石に刻まれた” ままなのです。
「プログ・メタルは死んでいない。ついに認知を得てきているんだ。DREAM THEATER はグラミー賞を受賞したばかりだし、彼らの曲はどれも6分以上ある。僕たちのファンになってくれるのは、同じようなレシピに飽きた人たちなんだ。音楽は体験であり、何か新しいものであるべきで、僕たちはそれを提供したいと願っているんだよ」
しかし例え、SHADOW GALLERY がその “遺産” の中に住み続けていようと、心配はいりません。バンドの中心人物でマルチ・プレイヤー Gary Wehrkamp が彼の一番弟子 Marc Centanini を引き連れて復活の狼煙をあげました。”プログ・メタルのレミゼラブル” と評される HARPAZO で、彼らはトレンドとは真逆の複雑性、長尺、旋律美で現代のリスナーに新たな選択肢をもたらし、ロック・オペラ、プログ・メタルの再評価を促します。
「HARPAZO のポイントは、ジャンルの枠を超えたバンドを作ることだった。ロック・オペラは、マスターするのが難しい特別な芸術形態だけど、うまくいけば、リスナーはヒット・シングルだけを聴くのではなく、アルバム全体を考慮に入れて聴かざるを得なくなる。各曲は次の曲を強化し、コンセプトを構築するものでなければならない」
例えば、AYREON の “Human Equation” のように。例えば、AVANTASIA の “The Metal Opera” のように。例えば、MEATLOAF の “Bat Out of Hell” のように。HARPAZO の “The Crucible” はまさに音楽の “るつぼ” であり、アーティストのるつぼ。FATES WARNING の Mark Zonder をドラムに、ROYAL HUNT の DC Cooper をリード・ボーカルに迎え、プログ・メタルの黄金スカッドを完成させた HARPAZO は、そこに “演者” という名の多様なボーカリストたちを加えて美しくも狂おしいメタル・オペラを上演しました。
「”ファイナル・ファンタジー7″ をプレイして完クリし、悪名高い9999の限界突破とナイツオブラウンドを手に入れた。”ファイナルファンタジー・タクティクス”、”タクティクス・オウガ”、”サガ・フロンティア”、”スター・オーシャン”、”クロノ・クロス”、”ゼノギアス”、”エルデンリング”、”ダーク・ソウル”、”ドラゴンズ・ドグマ” などに夢中になったよ。これらのゲームにはすべて、英雄と巨悪が登場する。HARPAZO のストーリーと似ているのは間違いないね」
機械の体、機械の知能を求めた人類のディストピア。さながら銀河鉄道999のようなトランスヒューマニズムなストーリー・ラインは、実際、日本のゲームやアニメから大きなインスピレーションを得ています。それだけではありません。この世界に降臨した新たなヒーロー Marc Centanini は、桜庭基や植松伸夫を筆頭とする日本のゲーム・コンポーザー、音楽家たちからも影響を受けています。つまり、この HARPAZO という未曾有のメタル・オペラは、SHADOW GALLERY を発見し育んだ日本のファンに対する素晴らしき贈り物でもあるのです。
今回弊誌では、HARPAZO にインタビューを行うことができました。「”Tyranny” は僕にとって特別なアルバムだと思う。というのも、このアルバムの制作には、バンド・メンバー全員が様々な面で全面的に関わっていたと思うからだ。僕たちの影響力の偉大さを感じることができるし、そのチームワークはいつも僕の心に語りかけてくる」 どうぞ!!

HARPAZO “THE CRUCIBLE” : 9.9/10

INTERVIEW WITH HARPAZO

Q1: You have gathered a truly amazing group of people. Can you start by telling us how Harpazo came to be?

【MARC】: Hello Sin at Marunouchi Muzik Magazine and Japan! I was a Shadow Gallery / Prog metal fan before I met Gary and I was a self-practiced writer and guitar player. I was into writing epic narrative story poetry and I was looking for a guitar teacher who could teach me guitar and songwriting. We accidentally found each other on social media and I realized that he only lived about 1 hour from my home. I decided it was worth the drive to take lessons from one of my heroes. For a few years, I took lessons from him and then I told him why I was pursuing lessons. He decided to help me make it part of guitar lessons. I brought in some riffs, lyrics, story, music and ideas for how I wanted the songs to specifically sound and he helped me bring that to life. Gary is a musical genius who is great at all instruments that I’ve seen him play. We started to discover that our fun recording sessions were becoming special and so Gary offered his services to help me bring “Harpazo” to life.

【GARY】: Marc had a grand idea to create a concept album with this story. We developed it together into songs, but it was his narrative and lyric writing. I acted as his director or producer. Clearly, we needed different singers for the various characters, so we made lists and ended up with a great cast of singers to tell Marc’s storyline..

Q1: 本当に素晴らしいメンバーが集まりましたね。まずは、HARPAZO がどのようにして誕生したのかからお話ししていただけますか?

【MARC】: やあ、Marunouchi Muzik Mag の Sin と日本のみんな!Gary と出会う前はプログ・メタル、そして SHADOW GALLERY のファンで、自己流のライター兼ギター・プレイヤーだったんだ。壮大な物語詩を書くことに夢中で、ギターと曲作りを教えてくれるギターの先生を探していたんだよね。そんなとき、僕と Gary は偶然 SNS で知り合い、彼が僕の家からわずか1時間ほどのところに住んでいることがわかったんだ。
もちろん、僕はヒーローの一人からレッスンを受けるためにドライブする価値があると思ったよ。数年間、僕は彼からレッスンを受け、その後、僕がレッスンを受けている理由を彼に話したんだ。すると彼は、ギター・レッスンの一環として作曲を手伝ってくれるようになった。僕がリフ、歌詞、ストーリー、音楽、そして具体的にどう聴かせたいかというアイデアを持ち込むと、彼はそれを実現する手助けをしてくれたんだ。Gary は音楽の天才で、僕が見た限りではどの楽器も素晴らしく操る。僕たちは、楽しいレコーディング・セッションが特別なものになりつつあることに気づき始め、Gary が HARPAZO に命を吹き込むために力を貸してくれたんだ。

【GARY】: Marc は、この物語でコンセプト・アルバムを作るという壮大なアイディアを持っていた。私たちはそのアルバムを一緒に曲にしていったんだけど、これは彼の語りであり、作詞作曲なんだ。僕は彼のディレクターやプロデューサーの役割を果たした。様々な登場人物に別々のシンガーが必要なのは明らかだったので、リストを作り、Marc のストーリーを伝えるために素晴らしいシンガーのキャストを揃えることができたね。

Q2: I have read the narrative synopsis of “The Crucible” and it is very interesting! It is a dystopian story in the near future, but it seems to incorporate things that are happening today or have happened in the past. Is this story, in a way, a lesson and a wake-up call for humanity today?

【MARC】: This story delves into the threat of the transhumanist movement that is growing in the world. It’s a movement that states they want to cut away biological realities they find undesirable and create a new world of godhood. Futurist and former head of technology direction at Google, Ray Kurzweil, a transhumanist activist, has written numerous books about how with nanobot injections we could merge humanity with machine and achieve essentially immortality. Recently, a video from Yemeni “science communicator” Hashem Al-Ghaili entitled “EctoLife: The World’s First Artificial Womb Facility” recently went viral, discussing “bioreactors” that may soon supplant mothers and enable investors to “genetically engineer” prospective children. They want brain implants that may one day soon help the blind to see and the disabled to walk, all great things but at the installation of some version of OpenAI’s ChatGPT could be used as a stand-in for thought control and rapid intelligence systems.
Right now, entertainment AI technologies such as Suno, Midjourney, PIKA, Chatgpt, and others are doing their very best impressions of us humans. AI is able to paint flawed but beautiful pictures in seconds, write our children’s college essays and produce songs about our trip to the grocery store. In the corporate world, AI is used to enhance and make up for our own communication flaws and turn them almost perfect. We see it everywhere now and the true pushers and funders of this technology have a goal and that is a world without their death.
Everything I am discussing didn’t even exist when I wrote the lyrics to Harpazo’s story but were absolutely predicted correctly by many futurists. It’s actually happening faster than I and many have expected. I don’t think there is a way to stop this powerful and growing movement but some of us may have a choice to make later on in our lives – we can either embrace it and become slaves to a new system or we can fight back and try to keep our humanity. Progressive governments want to control us and companies want control us for profit and power – and if you try to fight against that they will silence you and you will be cut off from algorithms. That’s what happened to us, Youtube’s algorithms said our music video had “gambling” and for 3 weeks our marketing campaign for our band, that we put thousands into, was stopped. Where is our restitution for what the AI did to us? It took weeks to rectify. How many people will never now know Harpazo because of that.

Q2: “The Crucible” のあらすじを読みましたよ!近未来のディストピアの物語ですが、現在起こっていること、あるいは過去に起こったことが盛り込まれているようです。この物語はある意味、現代の人類に対する教訓であり、警鐘なのでしょうか?

【MARC】: この物語は、世界で拡大しつつあるトランス・ヒューマニズム運動の脅威を掘り下げている。それは、自分たちが好ましくないと思う生物学的な現実を切り捨て、神格化された新しい世界を作りたいとする運動だ。未来学者であり、グーグルの元技術部門責任者であるレイ・カーツワイルは、トランス・ヒューマニスト運動家であり、ナノボット注射によって人類と機械を融合させ、実質的に不死を達成する方法について多くの著書を書いている。
最近、イエメンの “科学コミュニケーター “であるハシェム・アル・ガイリのビデオ “EctoLife” が公開された。”世界初の人工子宮施設” と題されたイエメンの “科学コミュニケーター”、ハシェム・アル・ガイリの動画が最近流行しているんだ。この動画では、近い将来母親に取って代わり、投資家たちが将来の子どもたちを “遺伝子操作 “できるようになるかもしれない “バイオリアクター” について論じている。彼らは、目の見えない人が見えるようになり、体の不自由な人が歩けるようになる日が近いかもしれないと、脳インプラントを望んでいるんだ。素晴らしいことではあるけれど、OpenAIのChatGPTが設置されれば、思考制御や迅速な知能システムの代用品として使われる可能性があるよね。
今現在、Suno、Midjourney、PIKA、Chatgpt などのエンターテイメントAIテクノロジーは、僕たち人間に対して最高の印象を与えてくれている。AIは、欠点はあるが美しい絵を数秒で描いたり、僕たちの子供の大学のエッセイを書いたり、食料品店への旅について歌を作ったりすることができる。企業の世界では、AIは僕たち自身のコミュニケーションの欠点を補い、ほぼ完璧にするために使われている。この技術の真の推進者と資金提供者には目標があるんだ。それは彼らの死のない世界。
僕が HARPAZO の物語の歌詞を書いたときには、僕が論じていることはすべて存在すらしていなかったけど、多くの未来学者によって正確に予測されていた。そしてそれは、実際、僕や多くの人が予想していたよりも早く実現している。このパワフルで成長し続けるムーブメントを止める方法はないと思うけど、僕たちの中には、人生の後半で選択を迫られる人がいるかもしれない。それを受け入れて新しいシステムの奴隷になるか、反撃して人間性を保とうとするか。
進歩的な政府はわれわれを支配しようとし、企業は利益と権力のためにわれわれを支配しようとする。それに対抗しようとすれば、彼らは君を黙らせ、君はアルゴリズムから切り離される。Youtube のアルゴリズムが僕たちのミュージック・ビデオを “ギャンブル” だと言って、僕たちが何千ドルもつぎ込んだバンドのマーケティング・キャンペーンが3週間も中止された。AIが僕たちにしたことに対する賠償はどうなるんだ?修正に何週間もかかった。そのせいで、どれだけの人が HARPAZO を知ることができなくなったことか。

Q3: In this day and age, we have the instant culture of social networking cutouts and music streaming. I applaud you for creating an epic 71-minute concept album in such an age. Can you tell us why you went against the flow of the times to create such a work?

【GARY】: I have never been a fan of “format.” We didn’t set out to do this project for money or fame. Simply put, we had a story to tell, and we were going to allow no restrictions within the music or songs to tell it. Remaining in an open ended progressive rock format allowed us the freedom to allow the music to match the plot.

【MARC】: When we started this project back around 2010, TikTok wasn’t really a thing. Social media was still getting started as a powerful promotion tool for bands. You will hear from many bands, such as Kamelot, say that concept albums aren’t worth their time any more because of the culture change. You also hear that people only want short songs.Yet, some of the most iconic songs live on in infamy and that aren’t 3-4 minute quick hitters (Bohemian Rhapsody, Shine on you Crazy Diamond, Freebird etc). We wrote the album the way we wanted to based on what interests us. We like arrangements, we like instrumentals, we love exploring different sounds, and we like taking our listeners on a melodic journey. We don’t want you to just listen to our singles, we want you to love our entire album because it’s a puzzle that goes together – which means it was really important that we made incredible songs and opuses that have huge payoff for the listener emotionally. Prog metal is not dead, it’s finally getting recognized. Dream Theater just won a grammy and each one of their tracks is over 6 minutes long. Of course we will advertise on all platforms but the people who are going to become our fans are those who grow tired of the same ol’ same recipe. Music should be an experience and something new and our hope is we deliver that.

Q3: 今の時代、SNSの切り抜き動画や音楽ストリーミングといったインスタントな文化が全盛です。そんな時代に71分の壮大なコンセプト・アルバムを作ったことに拍手を送りたいですよ。なぜ時代の流れに逆らってまで、こうした作品を生み出すのですか?

【GARY】: 僕は特定の “フォーマット” を好んだことはない。お金や名声のためにこのプロジェクトをやろうとしたわけでもない。単純に言えば、僕たちには語るべき物語があり、それを語るために音楽や曲の制約を課すことはないんだよ。プログレッシブ・ロックというオープン・エンドのフォーマットであり続けたことで、音楽が筋書きにマッチするような自由を得ることができるんだ。

【MARC】: 僕らがこのプロジェクトを始めた2010年頃は、TikTok なんてまだなかったんだ。SNS は、バンドにとって強力なプロモーション・ツールとして、まだ始まったばかりだった。
KAMELOT のような多くのバンドが、文化の変化によりコンセプト・アルバムはもう価値がないと言っているのを耳にする。しかし、最も象徴的な曲の中には、3~4分のクイック・ヒッターではない曲、”Bohemian Rhapsody”, “Shine on you Crazy Diamond”, “Freebird” だってある。僕たちは、自分たちが何に興味があるかに基づいて、自分たちがやりたいようにアルバムを書いた。アレンジが好きで、インストゥルメンタルが好きで、いろいろなサウンドを探求するのが好きで、リスナーをメロディックな旅に連れて行くのが好きなんだ。シングルを聴いてもらうだけでなく、アルバム全体を好きになってもらいたいんだ。アルバム全体がパズルのように組み合わさっているからね。
プログ・メタルは死んでいない。ついに認知を得てきているんだ。DREAM THEATER はグラミー賞を受賞したばかりだし、彼らの曲はどれも6分以上ある。もちろん、僕たちはあらゆるプラットフォームで広告を出すつもりだけど、僕たちのファンになってくれるのは、同じようなレシピに飽きた人たちなんだ。音楽は体験であり、何か新しいものであるべきで、僕たちはそれを提供したいと願っているんだよ 。

Q4: When one thinks of metal operas featuring many singers and guest musicians, Ayreon and Avantasia come to mind. But your music is more like a full-fledged opera, would you agree?

【MARC】: I definitely think right now we are firmly in the rock/metal opera style because of a few key differences. When I think of opera, I think of a theatrical stage with all of us wearing wigs and capes that go whooshing around as we sing in Italian (btw Gary would totally have a rad black cape). None of the singers, at least not I am aware of, are classically trained nor do I want them to sing like that on Harpazo. I also think of full orchestration – usually guitars are not in opera which is a shame!
A musical typically has a lot of dialogue and acting on top of having music on a stage. Musicals can often include elaborate acted fight scenes and set devices like fire and smoke that actors can dramatically use to “disappear” off set – looking at you“Phantom of the Opera”! Now if you asked me what I think the show would be like on stage – definitely more of a musical – like Ayreon’s ‘Live Equation’ he did for ‘Human Equation’.
The point of Harpazo was to create a band that pushed the boundaries of the genre beyond what they are. Rock Operas are a special art form that is difficult to master but when done right, forces listeners to take the entire album into consideration to be heard rather than just the hit single. Each song should strengthen the next song and build upon the concept but also be good enough to stand on it’s own. It’s very difficult to do but we enjoyed the challenge immensely.

Q4: 多くのシンガーやゲストミュージシャンをフィーチャーしたメタル・オペラといえば、AYREON や AVANTASIA が思い浮かびます。しかし、あなた方の音楽は、より本格的なオペラに近いように思えますね?

【MARC】: いくつかの重要な違いがあるから、今の僕たちは間違いなくロック/メタル・オペラのスタイルを堅持していると思う。オペラというと、劇場のような舞台で、全員がかつらをかぶり、イタリア語で歌いながらマントがフワフワと舞うようなイメージがある(Gary なら黒いマントが似合いそうだ)。少なくとも僕が知る限り、ここにはクラシックの訓練を受けた歌手は一人もいないし、HARPAZO でそのように歌ってほしいとも思わない。また、僕はフル・オーケストラを考えている。通常、ギターはオペラには登場しないが、これは残念なことだよ!
ミュージカルは通常、舞台上に音楽がある上に、多くの台詞と演技がある。ミュージカルには、凝った演技の戦闘シーンや、俳優がセットの外に “消える “ためにドラマチックに使える火や煙のようなセットの仕掛けもよくある!さて、僕らはステージでどのようなショーになるかと聞かれたら、間違いなくミュージカルに近い。AYREON が “Human Equation” のツアーで行った “Live Equation” のようなものだよ。
HARPAZO のポイントは、ジャンルの枠を超えたバンドを作ることだった。ロック・オペラは、マスターするのが難しい特別な芸術形態だけど、うまくいけば、リスナーはヒット・シングルだけを聴くのではなく、アルバム全体を考慮に入れて聴かざるを得なくなる。各曲は次の曲を強化し、コンセプトを構築するものでなければならない。これはとても難しいことだが、僕たちはこの挑戦を大いに楽しんだよ。

Q5: Speaking of opera, Japanese games, such as Final Fantasy and Eldenring, have a sense of opera and fantasy. You are influenced by such Japanese games, music, and anime, aren’t you?

【MARC】: Absolutely! When I became a teenager I got very much into video games and was drawn to japanese role playing games. After a while, falling down a sewer hole in Mario got boring after the 50th try, I longed for a story. I find parallels to my story to a lot of these j-rpg games unintentionally. I played and beat ‘Final Fantasy 7’ and got the notorious 99:99 and the knights of the round table. I fell in love with Final Fantasy Tactics, Tactics Ogre, Saga Frontier, Star Ocean, Chrono Cross, Xenogears, Eldenring, Darksouls, Dragon’s Dogma etc. These games all feature a hero/s and a great evil. You can definitely see similarities with Harpazo’s storyline.
I didn’t just love these games, but I listened to the soundtracks and my love of the composers such as Motoi Sakuruba (who has an incredible Prog Rock music), Nobuo Uematsu, Hitoshi Sakimoto have been so inspirational. While I was writing the album, I would find mood setting tunes to help me construct the lyrical parts of the album and listen to them on repeat until I forgot they were playing. Songs like “Theme of the Black Knight”, “Antipyretic”, “Reflected Moon”, “One Winged Angel” – have so much emotion. I also love polish Adam Skorupa of the Witcher 2 game and American composer Jack Wall of Mass Effect. As for as Japanese bands, you’ve got to mention Galneryus, X Japan, Sigh, and a newer smaller band that I love, ‘Imari Tones’.
As for Anime, I was a Toonami kid and loved shows like ‘Outlaw Star’, ‘Dragon Ball’, ‘Gundam Wing’, ‘Yu Yu Hakushou’, ‘Cowboy Bebop’, ‘Attack on Titan’, ‘Vampire Hunter D’ to name a few. I occasionally check out a show here and there or a movie like ‘Demon Slayer’for example. There is just a lot to love here and a lot of these series have stellar world building, these shows make characters you care about and the stakes are always high. Again, like the Harpazo album. Speaking of which – would possibly be a great manga if someone wanted to give it a try!

Q5: オペラといえば、ファイナル・ファンタジーや Eldenring など、日本のゲームにはオペラやファンタジーの感覚を持ったものが多いですよね?

【MARC】: もちろん!10代の頃、僕はビデオ・ゲームに夢中になって、日本のロール・プレイング・ゲームに惹かれたんだ。しばらくして、マリオで下水道の穴に落ちるのが50回目くらいで飽きてきて、ストーリーに憧れるようになった。僕の書くストーリーは、知らず知らずのうちに多くのJ-RPGゲームと類似しているんだ。
“ファイナル・ファンタジー7″ をプレイして完クリし、悪名高い9999の限界突破とナイツオブラウンドを手に入れた。”ファイナルファンタジー・タクティクス”、”タクティクス・オウガ”、”サガ・フロンティア”、”スター・オーシャン”、”クロノ・クロス”、”ゼノギアス”、”エルデンリング”、”ダーク・ソウル”、”ドラゴンズ・ドグマ” などに夢中になったよ。これらのゲームにはすべて、英雄と巨悪が登場する。HARPAZO のストーリーと似ているのは間違いないね。
日本のゲームが好きというだけでなく、サウンドトラックも聴いていて、桜庭基(素晴らしいプログ・ミュージックの天才)、植松伸夫、崎元仁といった作曲家たちへの愛情をもっている。彼らは僕にとてもインスピレーションを与えてくれたよ。アルバムを書いている間、僕はアルバムのリリカルな部分を構成するのに役立つムード・セッティングの曲を見つけては、それが流れているのを繰り返し聴いていた。”Theme of the Black Knight”、”Antipyretic”、”Reflected Moon”、”One Winged Angel” のような曲はとても感情的だ。”Witcher 2″ のアダム・スコルパや “マス・エフェクト” のアメリカ人作曲家ジャック・ウォールも大好きなんだ。日本のバンドでは、Galneryus, X Japan, Sigh, そして僕が好きな新しい小編成のバンド Imari Tones がいるね。
アニメに関しては、僕は Toonami (Cartoon Tsunami) キッズで、”アウトロースター”、”ドラゴンボール”、”ガンダムW”、”幽☆遊☆白書”、”カウボーイ・ビバップ”、”進撃の巨人”、”ヴァンパイア・ハンターD” などの番組が大好きだった。時々、他の番組や、例えば “.デーモン・スレイヤー” のような映画もチェックする。こうしたシリーズの多くには素晴らしい世界観があり、気になるキャラクターが登場し、賭け金は常に高い。HARPAZO のアルバムのようにね。そういえば、もし誰かがこの作品の漫画に挑戦したければ、素晴らしいものになるかもしれない!

Q6: Shadow Gallery’s last album was “Digital Ghost” in 2009. Of course, there were some unfortunate events, such as the passing of Mike Baker and the fire in your studio, Why have you not released anything for such a long time?

【GARY】: We enjoyed focusing solelyon bringing our music to some festivals and to Europe on a couple of tours. We rewrote new endings and arrangements to segue songs together with greater zest and punch. That was a fun thing to do over the course of a few years. We planned on resuming and started writing again but have not yet since been ready to move forward with definitive material.

Q6: Gary、SHADOW GALLERY の最後のアルバムは、今のところ2009年の “Digital Ghost” ですね。もちろん、Mike Baker の死去やスタジオの火災など不運な出来事もありましたが、なぜこれほど長い間何もリリースがないのですか?

【GARY】: いくつかのフェスティバルやヨーロッパ・ツアーのため、自分たちの音楽を提供することだけに集中して楽しんだんだ。新しいエンディングやアレンジを書き直して、曲をより生き生きとパンチのあるものにまとめ直していたんだ。それは数年かけてやった楽しいことだった。僕たちは再開を計画し、再び作曲を始めたが、それ以来、決定的な曲で前進する準備はまだできていないんだよ。

Q7: “Carved in Stone” is a very important album for me, as it was my first introduction to the world of prog metal.
There are 6 albums in Shadow Gallery, can you tell us which one is your favorite and why?

【GARY】: I am honored that “Carved” was your introduction. That was an extraordinary time writing that record. As far as favorites, They are all special to me, and the first one, released just before I joined the band, has always been one of my most listened-to (aside from listening while working on it.. I think “Tyranny” is a unique record to me because I believe every bandmate was fully involved in many aspects of creating that record. I can hear this great degree of all of our influences, and that team effort has always spoken to my heart.

Q7: “Carved in Stone” は、私にとって、プログ・メタルの世界に初めて足を踏み入れた、とても重要なアルバムです。SHADOW GALLERY には6枚のアルバムがありますが、あなたはどのアルバムがお気に入りですか?

【GARY】: “Carved” が君の入門作になって光栄だよ。あのレコードを書いた時は並外れた時間だった。お気に入りの作品に関しては、どれも僕にとって特別な作品だし、僕がバンドに加入する直前にリリースされた最初の作品は、(作業中に聴くのは別として)いつも最もよく聴いている作品のひとつなんだ。
でも、”Tyranny” は僕にとって特別なアルバムだと思う。というのも、このアルバムの制作には、バンド・メンバー全員が様々な面で全面的に関わっていたと思うからだ。僕たちの影響力の偉大さを感じることができるし、そのチームワークはいつも僕の心に語りかけてくる。

Q8: Shadow Gallery was often compared to Dream Theater at the time, even though you were very different. How did you feel about that comparison? Did their Grammy win expand the possibilities of prog metal?

【GARY】: How could I not be honored to be compared to such a monumentally incredible band. Please compare away! Those guys are the best! While I couldn’t say how much, their Grammy was a great thing and hopefully opened up new doors for those who need to become more familiar with this style of music.

Q8: SHADOW GALLERY は当時、よく DREAM THEATER と比較されていましたね。その比較についてどう感じていますか?彼らのグラミー賞受賞は、プログ・メタルの可能性を広げるものてしょうか?

【GARY】: あんなに記念碑的な素晴らしいバンドと比較されて光栄じゃないわけがない!どうぞ比べてください!彼らは最高だ!どれくらいとは言えないが、彼らのグラミー賞は素晴らしいものだったし、このスタイルの音楽にもっと親しめる可能性のある人たちに、新しい扉を開いてくれることを願っているよ。

Q9: How did you feel about the Magna Carta label and its bands?

【GARY】: They put progressive rock on the map and took chances to introduce this style of music. I am grateful they were interested in Shadow Gallery.

Q9: Magna Carta のレーベルとそのバンドについてはどう感じていましたか?

【GARY】: 彼らはプログレッシブ・ロックをメタルの地図に載せ、このスタイルの音楽を紹介するチャンスを作ってくれた。彼らが SHADOW GALLERY に興味を持ってくれたことに感謝しているんだ。

Q10: Is there a possibility that Shadow Gallery will start up again? Japanese fans are really looking forward to your visit to Japan!

【GARY】: It is difficult to say, but I believe so.
Our first big rise was seeing Japanese stations and people like Masa Itoh strongly endorse our first few records. I love these promoters and Japan so much. The fans in your region are not so picky and ready to jump ship for the next fleeting flavor of music. They invest in the music and the band. I am in the band because I initially auditioned to be an extra member who would play Guitar and keyboards and sing for a tour of Japan in the early 90’s. When the label told us that the priority was finishing a second album first, the other members just asked me to join as a full member and write and record the next one. I am also grateful for that. I hope they take a chance on HARPAZO and hear the robust SHADOW GALLERY influence that I cannot avoid bringing.

Q10: SHADOW GALLERY が再び動き出して、新作をリリースする可能性はありますか?日本のファンはあなたの来日を待ち侘びていますよ!

【GARY】: 簡単には言えないけど、そう信じているよ。僕らの最初の大きなブレイクは、日本の放送局やマサ伊藤のような人たちが、最初の数枚のレコードを強く支持してくれたからこそ起きた。だから僕は、そうしたプロモーターと日本をとても愛しているんだよ。日本のファンは、それほど選り好みしないし、新たな音楽の味に飛びつく準備ができている。日本のファンは音楽とバンドに投資してくれる。
僕がこのバンドにいるのは、90年代初めの日本ツアーでギターとキーボードと歌を担当するエキストラ・メンバーとしてオーディションを受けたからだ。そしてレーベルから、まずはセカンド・アルバムを完成させることが先決だと言われたとき、他のメンバーから、正式メンバーとして参加し、次のアルバムを書いてレコーディングしてほしいと言われたんだ。そのことにも感謝している。HARPAZO でもチャンスを掴めたら、そして僕が持ち込まずにはいられない SHADOW GALLERY の強固な影響をここで聴いてくれたらうれしいね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED HARPAZO’S LIFE!!

Dream Theater “Scenes from a Memory”

When I heard ragtime in Fatal Tragedy, I was absolutely hooked. It was absolutely my favorite record for many years…until I got ‘Images and Words’ and ‘Awake’ and was introduced to the genius of Kevin Moore’s lyric writing.

“Fatal Tragedy” でラグタイムを聴いた時、完全に夢中になった。”Images and Words” と “Awake” を手に入れて、Kevin Moore の天才的な作詞作曲を知るまではね。

Ayreon “Human Equation”

this album really introduced me to rock opera’s on a completely different level. Love is a song my wife and I still sing together occasionally. It also just has really impactive poignant lyric writing that matches well with it’s folky dark sci-fi vibe that just take you into this “Black Mirror” like world where it’s just all a simulation. That was a dirty trick by Arjen haha!

このアルバムは、僕にロック・オペラを全く違うレベルで教えてくれた。”Love” は今でも妻と時々一緒に歌う曲だ。フォーキーでダークなSFの雰囲気とマッチして、すべてがシミュレーションであるという “Black Mirror” のような世界に連れていってくれる。Arjen のトリックだね!

Kamelot “Black Halo & Epica”

I have to say, I wasn’t much of a power metal fan before I heard this band in the early 2000s. Nor did I know the greatness of Roy Khan’s vocals before this band. The song writing of Thomas Youngblood and Roy was stellar, the drums by Casey were killer and fast, and the keys by Oliver and bass by Glenn – great job all around to create this modern telling of the story of faust. Black Halo/Epica are t near flawless power metal albums.

2000年代初頭にこのバンドを聴くまでは、パワーメタルのファンではなかった。このバンドを聴くまでは Roy Khan のヴォーカルの素晴らしさも知らなかった。Thomas Youngblood と Roy のソングライティングは素晴らしく、Casey のドラムはキラーで速く、Oliver のキーボードと Glenn のベースは、ファウストの物語を現代に伝える素晴らしい仕事だった。Black Halo/Epicaは、ほぼ完璧なパワー・メタル・アルバムだ。

Fates Warning “A Pleasant Shade of Gray”

This album is like poetry on a level I had never heard before. Song structures were nearly abandoned and it was just one long song. “Let nothing bleed into nothing, and do nothing”. Jim Matheos seriously is underrated writer and how could I not mention’s Harpazo’s Mark Zonders work on that album. I always hated how there wasn’t a clear storyline so I created my own in an epic 14-page poem that went along with the music. Underrated album!

このアルバムは、今まで聴いたことのないレベルの詩のようだ。曲の構成はほとんど放棄され、ただ1つの長い曲になっている。”何もないところに何も出血させず、何もしない”。Jim Matheos は過小評価されている作家であり、HARPAZO の Mark Zonder のこのアルバムでの仕事の素晴らしさを挙げないわけにはいかない。ただ、明確なストーリーがないのがいつも嫌だったので、音楽に合わせて14ページの壮大な詩を自分で作ったんだ。過小評価されているアルバムだ!

(MARK)

PINK FLOYD “THE WALL”

was my most extensive game-changing record. Combining a concept album with diverse styles, sounds, and sound effects – all seamlessly running one song directly overlapping the next- has been endlessly inspiring to me.

僕の人生を変えた最も広範なレコードだった。コンセプト・アルバムに多様なスタイル、サウンド、サウンド・エフェクトを組み合わせることで、1つの曲が次の曲とシームレスに重なり合う。

MEATLOAF “BAT OUT OF HELL”

showed me that you didn’t need a three-minute song to make a strong impact. Having a dozen different sections of music that returned creatively to any other part was not only acceptable, but it was also invigorating and inviting. You will hear that on albums like Amaran’s Plight’s “VOICE IN THE LIGHT” or this new HARPAZO record, as well as some SHADOW GALLERY songs.

強いインパクトを与えるのに3分の曲は必要ないことを教えてくれた。他のどのパートにも創造的に戻ってくるような、何十もの異なるセクションを持つ音楽は、それでも人々に受け入れられるだけでなく、爽快で魅力的だった。Amaran’s Plight の “VOICE IN THE LIGHT” やこの HARPAZO の新譜、SHADOW GALLERY の曲のようなアルバムでそれを聴くことができるだろう。

AYREON “THE ELECTRIC CASTLE”

This was back in the day when I would get a lot of music from fans, magazines, and their writers by cassette in the mail. A writer named Larry Daglieri sent me some cassettes in 1998 with bands such as SAVATAGE and many others I didn’t know. One group of songs moved me. When I asked him about that, he told me I was referring to a new AYREON album that came out around the same time as Shadow Gallery’s “TYRANNY” record. I contacted Arjen Lucassen to tell him how much I liked it, and we became terrific friends and made numerous appearances on each other’s albums and side projects.

これは、ファンや雑誌、そのライターからカセットテープでたくさんの音楽を郵送してもらっていた頃の話だ。ラリー・ダグリエリというライターが1998年に送ってくれたカセットには、SAVATAGE をはじめ、僕の知らないバンドがたくさん入っていた。その中の一組の曲に僕は感動した。彼にそのことを尋ねると、SHADOW GALLERY の “TYRANNY” と同じ頃に出た AYREON の新譜のことだと教えてくれた。 僕は Arjen に連絡を取り、このアルバムがどれほど気に入ったかを伝え、僕たちは素晴らしい友人となり、お互いのアルバムやサイド・プロジェクトに何度も参加するようになった。

QUEEN “NIGHT AT THE OPERA”

I heard “Bohemian Rhapsody” on the radio when I was about to leave for the school bus stop in the morning in 1975. I was in Kindergarten. I wouldn’t leave the house until the song was over. My mother may have been impatient, but she saw something in my eyes and let me listen to the whole thing. Of course, neither of us expected it to go on for so long. Still, this song remains a game-changer for me. “The Prophet’s Song” would also be a solid motivating song for me years later.

1975年、朝、スクールバスのバス停に向かおうとしていた時、ラジオから “Bohemian Rhapsody” が流れてきた。僕は幼稚園児だった。でも僕はその曲が終わるまで家を出ようとしなかった。母はせっかちだったのかもしれないが、僕の目に何かを見たのか、最後まで聴かせてくれた。もちろん、二人ともこんなに長く続くとは思っていなかった。それでも、この曲は僕にとってのゲームチェンジャーであり続けている。”Prophet’s Song” もまた、数年後、僕のモチベーションを高める曲となった。

JELLYFISH’S “SPILT MILK”

is a classy pop album different from the bands above but has an adventurous recording spirit and fantastic vocals.

上記のバンドとは異なる上品なポップ・アルバムだが、冒険的なレコーディング・スピリットと素晴らしいヴォーカルを持っている。

(GARY)

MESSAGE FOR JAPAN

GARY: Thanks for taking the time to listen to progressive music. I hope many of you accept and adopt this album as much as we have. Thank you always for your support!

MARC: Hello to our friends in Japan! We are Harpazo, and we are thrilled to share our new progressive metal epic rock opera with you: “The Crucible.” This album is a powerful blend of intricate rhythms and evocative melodies, crafted to take you on a profound musical journey. “The Crucible” is a story told through music, filled with emotion and intensity that we hope will resonate deeply with you. Each track is designed to offer something unique, revealing new layers and surprises with every listen. We warmly invite you to join us and embrace this musical adventure that your incredible culture helped inspire. We are excited to connect and make new fans in Japan and look forward to sharing this experience with you. Open your hearts to our music, and let “The Crucible” become a part of your life. We welcome you with open arms.

GARY: プログレッシブ・ミュージックを聴いてくれてありがとう。みんなが、僕たちと同じようにこのアルバムを受け入れ、気に入ってくれることを願っているよ。いつも応援ありがとう!

MARK: 日本の友人のみんな、こんにちは!僕たちは HARPAZO で、この新しいプログレッシブ・メタルのロック・オペラをみんなと分かち合えることに興奮しているよ。このアルバムは、入り組んだリズムと喚起的なメロディーの力強いブレンドで、君たちを深遠な音楽の旅へと誘うように作られている。”The Crucible” は、音楽を通して語られる物語であり、感情と激しさに満ちている。どの曲もユニークで、聴くたびに新たな層と驚きを与えてくれる。
君たち日本の素晴らしい文化がインスピレーションの源となったこの音楽の冒険を、ぜひ僕たちと一緒に楽しんでほしいな。僕たちは、日本で新しいファンを作り、みんなとこの経験を分かち合えることを楽しみにしているんだ。僕たちの音楽に心を開き、”The Crucible” を君たちの人生の一部にしてほしい。僕たちは両手を広げて君たちを歓迎するよ。

HARPAZO

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CRIMSON GLORY : TRISKAIDEKA】 REUNION 2024 !!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JEFF LORDS OF CRIMSON GLORY !!

“To Me, Progressive Suggests Innovation, But If a Given Band Tries To Innovate Or Change Too Much, They Will Be Discredited Because They Ventured Too Far Out Of The “Prog” Box. I Find That As Sad As I Do Ironic.”

DISC REVIEW “TRISKAIDEKA”

「”プログレッシブ” と呼ばれるロックやメタルのファンの多くは、自分が聴くものに関しては決してその主張を曲げないということだ。私にとっては、プログレッシブとは革新的であることを意味するのだが、もしあるバンドが革新的であったり変化しすぎたりすると、”プログレ” の枠からはみ出しすぎたという理由で信用されなくなる。それは皮肉であると同時に悲しいことだと思う。しかし要するに、音楽は主観的なものであり、誰もが自分の好きなものを好むということなんだよね」
80年代後半、メタルの多様性が花開く瞬間の前夜。”正統派” の枠組みの中で、いかにメロディックに、いかにプログレッシブにメタルは進化できるのかという挑戦を重ねたバンドが登場し、人気を博しました。FATES WARNING の “Perfect Symmetry” や IRON MAIDEN の “Seventh Son of a Seventh Son”、そしてもちろんその筆頭が QUEENSRYCHE の “Operation: Mindcrime” であったことに疑いの余地はありません。
いわゆる “プログ・パワー” の誕生。そしてその “プログ・パワー” の定着と拡大に、QUEENSRYCHE の傑作と同じくらいの貢献を果たした作品があります。CRIMSON GLORY の “Transcendence” です。
「Todd は QUEENSRYCHE に参加するために CRIMSON GLORY を去ったのではなく、バンドの “惰性” のために去ったのだよ」
“Transcendence” の音楽は、QUEENSRYCHE と比較してもずば抜けて完璧な “プログ・パワー” でした。まさに “超越的”。あまりに壮大で、あまりにメロディックで、知性を抱擁し、緩急自在、実にプログレッシブ。驚異のシンガー Midnight が持ち込んだ、次作のよりカラフルで実験的な傑作 “Strange & Beautiful” につながるアルバム後半の LED ZEPPELIN 的な実験も魅力的で、これほど好奇心を誘う80年代のメタル・アルバムはそう多くはないでしょう。
しかし、残念ながらこのミステリアスな仮面集団はあまりに “怠惰” でした。活動休止期間も長く、1983年から2013年の30年で残したアルバムはわずか4枚だけ。シアトリカルなファーストからエスニックな “Astronomica” まで、そのすべてがいかに素晴らしくとも、バンドは徐々に忘れ去られ、バンドの顔だった超絶ハイトーンの Midnight は亡くなり、新たな才能 Todd LaTorre は QUEENSRYCHE へと引き抜かれ、ピカピカだったシルバーの仮面は色褪せていきました。
「新しい CRIMSON GLORY は、最初に私たちをメタルの地図に載せたスタイルに意図的に戻ることになるだろう。しかし、同時に私たち全員がミュージシャンとしてどのように成長したかを明らかにし、現代的なエッジを加えながらもルーツに忠実であることが可能であることを示すことができればと思うよ。過去を再現することばかりにこだわっていては、アーティストとして成長できない。逆に、トレンディであること、時流にこだわりすぎるのも欠点がある。だから、バランスを取ることが大切なんだ」
それでも、仮面と薔薇の騎士は時を超えて戻ってきました。ここには Midnight も、Wade Black も、Jon Drenning もいませんが、それでも歴戦の強者たち、リズム隊とギターの片翼は今も健在。そして新たな血となるボーカリスト Travis Wills とギタリスト Mark Borgmeyer が加わりました。特に、Midnight の超絶ハイトーンからアペアランス、ペルソナまで完全にコピーして、”超越” を志す Travis の存在は驚異的。プログ・パワーの勇壮や正義、そしてファンタジーが必要とされる時代に、CRIMSON GLORY は再びその神秘と審美を世界に注ぐため復活を決めたのです。
今回弊誌では、ベーシスト Jeff Lords にインタビューを行うことができました。「日本食は大好きだよ!音楽では、BAND MAID は素晴らしいバンドだと思う。とくにドラマーの Akane は尊敬しているよ。和楽器バンドも好きでね。とてもクールなアクトだ。三味線奏者が好きなんだ」 どうぞ!!

CRIMSON GLORY “TRISKAIDEKA” : 10/10

INTERVIEW WITH JEFF LORDS

Q1: I am very happy you are back! Can you start by telling us why you decided to come back after 10 years?

【JEFF】: There was never really a decision to not come back. But we know that in order to do so it requires timing and of course the right singer. Ten years prior to now after having toured Scandinavia with Todd LaTorre as our singer, we had plenty of momentum, so the plan was to take a short break and then to jump straight into songwriting mode. However, not all parties involved chose to be present for these writing sessions. Over time, this led to frustration for those of us who were present, mainly Todd, who was eager to write new songs with the band. When it became apparent that we were forced yet once more into hiatus, a few of us stayed occupied with our various solo and side projects. It wasn’t until a mutual friend of the band introduced us to a Greek singer who could not only mimic Midnight, but he copied his whole persona, mask and all. We’d do Zoom meetings and this guy would be in full stage garb. As one could imagine, we found it a bit odd, but the bottom line is that there was some friction when it came to the direction of the material. There was also some overreach, which we saw as a red flag.

Q1: CRIMSON GLORY が戻ってきとてもうれしいですよ!まず、10年ぶりに復帰を決めた理由から教えていただけますか?

【JEFF】: 復帰しないという決断はなかった。ただ、そうするためにはタイミングが必要で、もちろん適切なシンガーが必要だということも分かっていた。
10年前、Todd LaTorre をシンガーに迎えてスカンジナビア・ツアーを行った後、私たちには十分な勢いがあったから、少し休んでから曲作りに入るつもりだったんだ。しかし、関係者全員がこの作曲セッションに立ち会うことを選んだわけではなかった。そのため、バンドと一緒に新曲を作りたいと思っていた Todd を中心に、その場にいた人たちの不満が募っていった。
そしてまたしても活動休止を余儀なくされたことが明らかになったとき、私たちのうちの何人かは、さまざまなソロ・プロジェクトやサイド・プロジェクトで忙しくしていた。バンドの共通の友人が、Midnight のモノマネができるだけでなく、マスクも含めて彼のペルソナ全体をコピーできる風変わりなシンガーを紹介してくれるまでは。
私たちがズーム・ミーティングをすると、この男は完璧なステージ衣装に身を包んでいた。想像できるように、私たちはそれを少し奇妙に感じたが、要するに、素材の方向性に関しては多少の摩擦があったということだ。私たちが赤信号と見たのは、いくつかの行き過ぎがあったということだ。

Q2: Crimson Glory has broken up and reunited several times, but when you last split up in 2013, was it because Todd LaTorre was brought over by Queensryche?

【JEFF】: As mentioned in my previous answer, Todd had become discouraged over a situation in which not every band member was making new songs a priority in their life. This is not to say that the rest of us were not disappointed as well; we were, but sadly, this was not the first time that the plug had gotten pulled on the band because of certain lifestyle choices that are sadly common in this business. Unfortunately, a hiatus was nothing new to us. But about the time that it became clear that things would once again become stagnant, we found out that, yes, Todd in fact agreed to team up with some of the guys in QR who had sought him out, or he sought them out, I’m not sure which. But it’s a moot point, because to answer your question, Todd did not leave CG to join QR; he left because of the “inertia” of CG, which I believe is actually the word that Todd himself used to describe it.

Q2: では、Todd が QUEENSRYCHE に引き抜かれたから解散したというわけでもなかったんですね?

【JEFF】: 前の答えでも述べたように、Todd はバンド・メンバー全員が新曲を生活の優先事項にしていない状況に落胆していた。しかし、悲しいことに、この業界ではよくあるライフスタイルの選択のせいで、バンドのプラグが抜かれたのは今回が初めてではなかったね。残念ながら、活動休止は私たちにとって目新しいことではなかった。
そうして、事態が再び停滞することが明らかになった頃、Todd が QUEENSRYCHE と組むことに同意したことがわかったんだ。だから、君の質問に答えるなら、Todd は QUEENSRYCHE に参加するために CRIMSON GLORY を去ったのではなく、バンドの “惰性” のために去ったのだよ。

Q3: Speaking of Queensryche, you guys have always been compared to them. How did you feel about that comparison?

【JEFF】: I don’t mind it. We have similarities, so naturally there will be comparisons.

Q3: QUEENSRYCHE といえば、CRIMSON GLORY はいつも彼らと比較されてきましたね。その比較についてはどう感じていますか?

【JEFF】: 特に気にしてないよ。僕らにはいくつか共通点があるから、比較されるのは自然なことだ 。

Q4: Speaking of prog metal, after you guys came Dream Theater and Meshuggah, and in recent years the Djent movement. How do you feel about the evolution of such technical music and prog metal?

【JEFF】: While I’m keenly aware of how recording and producing music has evolved over the years, honestly, I’ve been out of the loop when it comes to how it’s changed stylistically. The truth is, I stopped listening to heavy music long ago. I know that may seem strange, but this is just how things have evolved for me. One thing I do notice is that many fans of what’s termed “progressive” rock or metal are unbending when it comes to what they listen to. To me, progressive suggests innovation, but if a given band tries to innovate or change too much, they will be discredited because they ventured too far out of the “prog” box. I find that as sad as I do ironic. But the bottom line is that music is subjective and everybody likes what they like.

Q4: プログ・メタルといえば、あなたたちの後に DREAM THEATER や MESHUGGAH が登場し、近年では Djent ムーブメントが起こりました。
そうしたテクニカル・ミュージックやプログ・メタルの進化についてはどう感じていますか?

【JEFF】: 音楽のレコーディングやプロデュースが長年にわたっていかに進化してきたかについては痛感しているけど、正直なところ、音楽のスタイル的な変化に関しては蚊帳の外だった。実のところ、ヘヴィ・ミュージックを聴かなくなって久しいんだ。変に思われるかもしれないが、これが私にとっての進化なんだ。
ひとつ気になるのは、”プログレッシブ” と呼ばれるロックやメタルのファンの多くは、自分が聴くものに関しては決してその主張を曲げないということだ。私にとっては、プログレッシブとは革新的であることを意味するのだが、もしあるバンドが革新的であったり変化しすぎたりすると、”プログレ” の枠からはみ出しすぎたという理由で信用されなくなる。それは皮肉であると同時に悲しいことだと思う。しかし要するに、音楽は主観的なものであり、誰もが自分の好きなものを好むということなんだよね。

Q5: However, I also love “Strange and Beautiful” and “Astronomica,” which are away from such “prog metal” style of music. How would you rate the earlier and later albums?

【JEFF】: On S & B, the stylistic change came about mostly because of two reasons, the first of which was Midnight’s voice having suffered because of lifestyle choices he made that affected him physically. The other reason is that he and Jon were living together during that time period, and thus, they were collaborating the most. Given that one of Midnight’s influences was Led Zeppelin, this might explain how/why when the two of them started writing together, the songs on S & B had more of a bluesy feel, versus the style that was established on CG 1 & 2. Of course, another crucial factor was Jon’s aspiration to be the only guitarist at that time. As far as rating our albums, I’m not really in the business of rating my own works, but I do prefer the style we established on 1 & 2 more. All of my contributions for the upcoming return of CG should reveal that I prefer that style, a style that I injected into the band from the onset. As for Astronomica, that album captured a little bit of that style, but it seems like it didn’t appease the diehard Midnight fans enough, albeit, Wade did the songs justice with the style he brought to the table.

Q5: そういう意味で、私は “Strange and Beautiful” や “Astronomica” のような、典型的な “プログ・メタル” スタイルから離れた音楽も大好きなんですよ。
初期のアルバムと後期のアルバムをどう評価しますか?

【JEFF】: “Strange & Beautiful” でスタイルが変わったのは主に2つの理由がある。ひとつは Midnight の声が、ライフスタイルの選択によって身体的な影響を受け、苦しくなったこと。もう1つの理由は、その時期、彼と元ギタリストの Jon Drenning は一緒に住んでいて、そのため、彼らは最もコラボレーションしていたからだよ。Midnight の影響のひとつが LED ZEPPELIN であったことを考えると、2人が一緒に作曲を始めたとき、ファーストとセカンドで確立されたスタイルに対して、S&Bの曲はよりブルージーなフィーリングを持っていたことが説明できるかもしれないね。
もちろん、もうひとつの決定的な要因は、当時 Jon が唯一のギタリストになることを熱望していたからだ。
私たちのアルバムの評価に関しては、まあ私は自分の作品を評価するような仕事はしていないけど、ファーストとセカンドで確立したスタイルの方が好きだね。今度の CRIMSON GLORY の復活のために私が提供したすべての曲は、私がそのスタイルを好んでいることを明らかにするはずだよ。”Astronomica” に関しては、再びそのスタイルを少し取り入れたアルバムだったけど、熱心なミッドナイト・ファンを十分に満足させることはできなかったようだね。

Q6: Crimson Glory has been wonderful with all the singers over the years as the musical style has changed. But maybe, Midnight, who has passed away, is still very popular. How would you feel the individuality of each vocalist?

【JEFF】: Few people realize that Midnight was originally intended to sing on some of the Astronomica demos. He declined. We sought out Wade when we saw him perform with his band Lucian Blaque. Jon got his number and kept it. When Midnight declined, we called Wade. As mentioned, I think Wade did the songs on Astronomica justice. But I think our new singer, Travis Wills, is a better fit, especially if we’re making comparisons with our original vocalist, Midnight.

Q6: そうして、CRIMSON GLORY は、音楽スタイルが変化するにつれ、長年にわたって様々なシンガーを起用してきました。もしかしたら、亡くなった Midnight が今でも最も人気があるかもしれませんね。
それぞれのボーカリストの個性をどう理解していますか?

【JEFF】: Midnight がもともと、”Astronomica” のデモのいくつかで歌う予定だったことを知る人は少ない。彼は断ったんだ。かつて Wade Black が彼のバンド LUCIAN BLAQUE で演奏するのを見たとき、私たちは Wade を探したよ。Jon は彼の電話番号を手に入れ、そのままにしておいたんだ。そして Midnight が断ったとき、私たちは Wade に電話したよ。うん、Wade は “Astronomica” の曲を正しく歌ったと思う。
しかし、特にオリジナルのヴォーカリストである Midnight と比較するのであれば、新しいヴォーカリストである Travis Wills の方が合っていると思う。

Q7: “Triskaideka,” the first song to be resurrected, is a really wonderful piece of music! Can you talk about the new Crimson Glory, reborn with new members, your new musical and lyrical philosophy?

【JEFF】: As mentioned, the new CG will be a deliberate return to the style that put us on the map to begin with. However, it will also reveal how we’ve all grown as musicians, as will it hopefully demonstrate how it’s possible to stick to one’s roots while adding a contemporary edge. To stay strictly focused on recapturing the past would not allow growth as an artist. Conversely, to stay strictly focused on being trendy and current would have its drawbacks, too. So, it’s definitely a balancing act. Right now my musical philosophy is to partake in this balancing act. In my other band, Gods of Centaurus, I don’t have to think in terms of a certain time period. Not that doing so is a bad thing, there’s just certain things I have to keep in the back of my mind when writing CG material. Between both bands, I get my creative needs met. I consider the balancing act in CG a challenge, and with new singer Travis Wills and new guitarist Mark Borgmeyer, there should be no looking back. Everyone is a seasoned player, and equally if not more importantly, everyone is down to earth. That goes a long way in this business.

Q7: 復活第一弾の “Triskaideka” は本当に素晴らしいですね!
新メンバーで生まれ変わった新生 CRIMSON GLORYの新しい音楽的、作詞的哲学について話してもらえますか?

【JEFF】: 新しい CRIMSON GLORY は、最初に私たちをメタルの地図に載せたスタイルに意図的に戻ることになるだろう。しかし、同時に私たち全員がミュージシャンとしてどのように成長したかを明らかにし、現代的なエッジを加えながらもルーツに忠実であることが可能であることを示すことができればと思うよ。
過去を再現することばかりにこだわっていては、アーティストとして成長できない。逆に、トレンディであること、時流にこだわりすぎるのも欠点がある。だから、バランスを取ることが大切なんだ。今、私の音楽哲学は、このバランスを取ることにある。私のもうひとつのバンド、GODS OF CENTAURUS では、特定の時代にとらわれる必要はない。そうすることが悪いというわけではないが、CRIMSON GLORY の素材を書くときには頭の片隅に置いておかなければならないことがある。そうやって両方のバンドの間で、私は創造的な欲求を満たしているんだ。
CRIMSON GLORY でのバランス感覚は挑戦だと思っているし、新しいシンガーの Travis Wills と新しいギタリストの Mark Borgmayer がいるので、後ろを振り返ることはないはずだよ。みんなベテランのプレイヤーだし、それ以上に重要なことは、みんな地に足がついているということだ。それがこの業界では大きな意味を持つのだから。

Q8: Crimson Glory is famous for its masks, but this time the area of the mask has been reduced, giving the impression of being more stylish. Why did this mask change happen?

【JEFF】: The original masks were full face and were the brainstorm of Jon and our former manager. At the time, it seemed like a publicity stunt. However, it did create a mystique which got us the cover of many music magazines. The problem was that we looked like mannequins because of the complete lack of facial expressions. When we were traveling in a van somewhere in Europe on our first tour, there was a music magazine with the band Duran Duran on the cover sitting on the seat. This was before cell phones, mind you, so, sitting there bored out of my mind I grabbed a silver sharpie, started doodling and drew half-faced silver masks on each guy, making each one a little different than the other. I showed this to somebody, I forget who, but they thought it was a good idea. Going forward we started cutting our full face masks diagonally, each one a little differently than the other. This was the era between the release of our debut and Transcendence, hence, the evolution of the full face masks to the stylized half face masks on Transcendence. With the return of CG, it just seemed appropriate to return to the look of the era in which the masks were born, except with a more modern look.

Q8: CRIMSON GLORY といえばマスクが有名ですが、今回はマスクの面積が小さくなり、よりスタイリッシュな印象を受けました。
このマスクの変更はなぜ起こったのですか?

【JEFF】: オリジナルのマスクはフルフェイスで、Jon と前マネージャーの発案だった。当時は少し売名行為のようにも思えたね。しかし、それによって神秘性が生まれ、多くの音楽雑誌の表紙を飾ることができたんだ。
問題は、表情がまったくないため、私たちがマネキンのように見えることだった。最初のツアーでヨーロッパのどこかのバンに乗って移動していたとき、DURAN DURAN というバンドが表紙の音楽雑誌が座席に置いてあった。まだ携帯電話を持つ前のことで、私は退屈しのぎに銀色のシャープペンを手に取り、落書きを始めた。これを誰かに見せたんだ(誰かは忘れたが)。それから、フルフェイスのマスクを斜めにカットするようになった。
これがデビュー作と “Transcendence” の間の時代で、フルフェイス・マスクから “Transcendence” では様式化されたハーフフェイス・マスクに進化した。CRIMSON GLORY が復活したことで、より現代的なルックで、マスクが生まれた時代に戻るのが適切だと思ったんだ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED JEFF’S LIFE!!

Rush “2112”

Black Sabbath “Heaven and Hell”

Van Halen “S.T.”

Iron Maiden “Number of the Beast”

Metallica “Ride the Lightning”

MESSAGE FOR JAPAN

In Anime, and video games, not so much. Japanese food? I love it. As for music, I think Band Maid is a great band, with special props to their drummer, Akane. And I like Waggakki, too. Very cool act. I dig the Shamisen player.
We’ve been to Japan before and we love it there! Quite a few stories, not all of which I’m at liberty to go into, but there was one incident where a few Japanese fans actually flew back to the states with us just so they could be seated next to us for the ride. Now that’s devoted fans! We love the Land of the Rising Sun and hope to return!

アニメ、ビデオゲームはあまりしらないけど、日本食は大好きだよ!音楽では、BAND MAID は素晴らしいバンドだと思う。とくにドラマーの Akane は尊敬しているよ。和楽器バンドも好きでね。とてもクールなアクトだ。三味線奏者が好きなんだ。
日本には以前行ったことがあるし、大好きだよ!いろいろなエピソードがあって全部は言えないんだけど、日本のファンが僕らの隣の席に座りたすぎて、一緒に飛行機に乗ってアメリカに帰ってきたことがあったんだ。熱心なファンだよね!私たちは日出ずる国が大好きだし、ぜひまた行きたいと思っているよ!

JEFF LORDS

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COVER STORY 【MASTODON : LEVIATHAN】 20TH ANNIVERSARY !!


COVER STORY : MASTODON “LEVIATHAN 20TH”

“If You Play Jazz, You Should Listen To Metal. If You Play Metal You Should Listen To Jazz. If You Play Country You Should Listen To Classical, You Know What I Mean?”

LEVIATHAN

「地上の愚かさで人間の狂気に勝るものはない。水にはすべての人を惹きつける魔力がある」
2004年。今から20年前の夏、メタル・リフに革命をもたらし、リフの歴史を変えた2枚のアルバムがリリースされました。MASTODON の “Leviathan” と LAMB OF GOD の “Ashes of the Wake”。奇しくもその20年後、2つのバンド、2つのアルバムは邂逅し、共に旅をはじめます。

MASTODON のセカンド・アルバム “Leviathan” は2004年8月31日にリリースされました。その衝撃は津波のように伝わり、ジョージア州アトランタとその周辺のDIYシーンからバンドを大舞台へと連れ出しました。2004年の Unholy Alliance ツアーで SLIPKNOT, SLAYER のサポートを務め、2005年のOzzfest ではセカンド・ステージに登場。ライターや掲示板のユーザーたちは、彼らが次の METALLICA ではないかと推測し始めました。
この比較は、音楽的成長の質の高さからいえば適切なものでした。もちろん、2002年にリラプス・レコードからリリースされたファースト・アルバム “Remission” は、見事なまでにニヒルで野心的なデビュー作でした。バンドはヘヴィ・メタルの頂点に臆することなく立ち向かい、奇妙で伸びやかなメロディック・パッセージ、恐ろしいほどヘヴィな血の激流、そして先見性のある歌詞のアプローチなど、独自の特徴的なサウンドを見せつけていました。
しかし、”Leviathan” はそれ以上のまさに津波でした。傲慢、強迫観念、狂気を描いたハーマン・メルヴィルの古典小説 “白鯨” を軸にしたこのコンセプト・アルバムは、よりフォーカスされた、より大胆な作品となりました。IRON MAIDEN から THIN LIZZY, MELVINS まで、様々な影響が渦潮のごとく渦巻いていながら、彼らのリフやサウンドは完全にオリジナルでした。そして、オープナーのエクストリーム・アンセム “Blood and Thunder” から、海の底から蘇ったエイリアン的コーダ “Joseph Merrick” まで、モダン・メタルの叙事詩はリスナーを冒険の船旅へと誘います。

今では、”21世紀最高のメタル・アルバム” と呼ばれることも少なくない “Leviathan”。20年経った今、ドラマーでボーカリストの Brann Dailer はこのアルバムを “僕らのディスコグラフィーの柱のひとつであり、僕らのすべてを変えたアルバム” だと語っています。
「”Leviathan” で自分たちが新しい場所に行ったような気がして興奮したんだ」
興味深いことに、MASTODON はこのアルバムの制作にあたって、特に強い音楽的野心を持っていたわけではありませんでした。彼らが出すアルバムはどれも、”その時たまたま取り組んでいた曲” を反映しているだけなのです。楽曲で十分にジャムり、強力だと判断した時、バンドはアルバムをレコーディングします。”Leviathan” の音楽は比較的早くまとまりました。そして彼らの音楽的ヒーローである NEUROSIS の例に倣い、彼らは2004年初頭に CLUTCH をサポートしたアメリカの東海岸から西海岸にまたがるツアーを利用して、狂気の試みを実行に移しました。
「よし、”Leviathan” の全曲を演奏しよう。そして、基本的に毎晩、ライブの観客の前でアルバムのリハーサルをするんだ。レコーディング地、シアトルに着くまでに、すべてを把握しよう!」
サポート・アクトとして、メインのバンドの観客にまったく未知の曲をぶつけるのは、狂気か天才かのどちらかでしょう。MASTODON の場合は、おそらくその両方でした。そのツアーでバンドが “Blood and Thunder” をジャムっている動画が出回っていますが、ベーシスト兼シンガーの Troy Sanders は、この曲のリード・ボーカルの音程を試しながら、大混乱の中で歌詞にもならない無意味なことを叫んでいるだけでした。
2、3ヶ月のツアーを終えてシアトルに着く頃には、エンジニアの Matt Bayles はこうぶっきらぼうに言ったそうです。
「2度とこんなことはするな。オマエらもうヘトヘトじゃねーか!」

メルヴィルの小説の中で、エイハブ船長がモビー・ディックと呼ばれる巨大な白いマッコウクジラを追い求めざるを得なかったように、彼らは自らの可能性を追い求めました。
「何が自分たちの地平線の上にあるのか、見当もつかなかった。でも、僕たち全員が、自分たちの想像力のさまざまな面や、自分たちが好きなさまざまな影響を実験することに興味を持っていたんだ」
後年のリリースで MASTODON はより表現力豊かな “プログ” に接近したといわれています。しかし、このプログレッシブな感覚は、マストドン・プロジェクトに最初から備わっていたものでした。”Leviathan” は、型にはまらないという意味でも間違いなくプログレッシブなレコードです。長年ライヴで愛されている “Megalodon” では、ギタリストの Brent Hinds が中盤でブルー・グラスの長めのリリックを披露し、その後、急転直下、METALLICA の “Welcome Home (Sanitarium)” の後半を強く想起させる怒涛のスラッシュ・パートに突入する場面はその象徴でしょう。
「奇妙な並置が僕らのお気に入りなんだ。リスナーの意表をつくようなことは何でも大歓迎だ」
MASTODON はメタルなのでしょうか?
「有機的でヘヴィでソウルフル。音楽的に複雑で挑戦的なものもあれば、頭脳的な意味でヘヴィなものもある。自分たちがメタルだと言うことを恐れてはいない。メタルというジャンルには、いろいろな形があると思う。たぶん、世の中にある他のどんな種類の音楽よりも多くの形があると思う。ダイナミックに、メタル・ミュージックでできることはたくさんある。本当にソフトに演奏することもできるし、クソほどヘヴィに演奏することもできる。ハードの中のハードとヘヴィの中のヘヴィが同時に存在できる。メタルではそれが可能なんだ」

“Leviathan” で MASTODON は現代的なリフの可能性、つまりリズミックな挑戦を追求しました。言いかえれば、MASTODON と LAMB OF GOD の登場で、一般的なメタルのリスナーまでも複雑さを包容し、欲しがり始めたともいえます。そうした意味でも、”モダン・メタル” における MASTODON の貢献は計り知れません。では、そうした複雑さ、”プログレッシブ” な影響はどこから現れたのでしょうか?
「特に70年代のプログレッシブ・ロックに影響を受けた。例えば、”Colony of Birchmen” という曲名が “The Colony of Slippermen” へのオマージュであるように。GENESIS の “The Lamb Lies Down on Broadway”。あのコンセプト・アルバムは僕の一番好きなアルバムなんだ。
赤ん坊の頃から僕の人生の大部分を占めている。僕の両親は初期の GENESIS に夢中だった。母の昔のバンドは “Supper’s Ready” をよくカバーしていたんだ。僕にとって GENESIS はおばあちゃんのミートローフのようなもので、最初の数音をピアノで聴くと心が安らぐんだ」
Brann はドラマーとしても Phil Collins の大ファンです。
「彼のドラミングは大好きだし、彼が出した Peter Gabriel 以降のアルバム、”Abacab” も好きだ!GENESIS のドラマーとして、彼は驚異的だと思う。
多くの人が彼のことを “GENESIS をダメにした男” としか思っていなかったり、偉大で革新的なドラマーというよりは、ジャケットとネクタイ姿のラウンジ・シンガーとしてしか知らなかったりする。
僕が Phil Collins と Stevie Wonder が好きな2人のドラマーだと話すと驚かれるよ。多くの人は Stevie Wander が自分のアルバムでドラムを叩いていることさえ知らないんだ。ドラムは彼が最初に手にした楽器なんだ。Stevie は、Peter Gabriel, David Bowie と並んで、僕の一番好きなミュージシャンだ」

加えて、ジャズからの影響が MASTODON の複雑さと重さの架け橋になっています。
「ジャズで影響を受けたのは Elvin Jones, Billy Cobham, Tony Williams。この3人がトップ3だね。この3人のキットの動かし方が好きなんだ」
まさにモダン・メタルの多様性。では、メタル・プレイヤーにとって、ジャズを学ぶことは重要なのでしょうか?
「僕も勉強したことはないけれど、ミュージシャンとして一般的に何でも聴くべきだと思う。ジャズを演奏するなら、メタルを聴くべきだ。メタルをやるならジャズを聴くべきだ。カントリーをやるならクラシックを聴くべきだ。もし音楽をやっているのなら、音楽的な状況やセッティングに入るときに、自分が何を話しているのかを知っておくべきだからね。そうすれば、何が何に合うかを頭の片隅に置いておくことができる。あらゆる種類の音楽について一般的な知識を持っておくべきだ。世の中にはどんなジャンルにも宝石がある。それを探すんだ。Willie Nelson のように、多くの人がその音楽について語り、クラシック・アーティストとして賞賛されていれば、きっとその音楽は素晴らしいものであるはずだ。今はピンとこないかもしれないけど、後でピンとくるかもしれない。
若いうちは少し閉鎖的になりがちかもしれないけれど、あるスタイルの音楽に対して “絶対ダメ” とは言わない方がいいと思う。たとえ好きでなくても、その音楽について何か知っておくべきだと思う。13歳か14歳の頃、スラッシュ・メタルをよく聴いていたんだけど、その時は家では他のものを聴いていることを認めることができなかった。聴いていたけど、カッコつけてたんだよな」
THE MARS VOLTA のメンバーだった Jon Philip Theodore と比較されることも多い Brann。
「Jon は僕の相棒なんだ!ライブで知り合ったんだ。彼は僕の親友で、よく話をする。僕らのスタイルは絶対に似ていると思う。初めて Jon の演奏を聴いたとき、いろんな意味で自分を思い出したよ。似ているところがたくさんあると思うし、彼のスタイルが大好きなんだ。彼は本当に流動的で、最高においしいビートを持っている。彼がキットを動き回る様子はとても流動的で、でも僕には彼がやることすべてが正しい場所にあるように思える。ドラマーに聴かせたいものは何でも、彼がやってくれる。彼は私を幸せにしてくれるんだ」

とはいえ、MASTODON と Brann は別段突拍子もない特別なことをしたわけではありません。解放弦を多用したカントリー風のリック、ツインギターのハーモニー、バディ・リッチのような手数の多いドラム・マシンガン、幾何学的な変拍子。彼らはこれまであったものを活用し、うまく溶け合わせることで難解でヘヴィでありながらオーガニックという MASTODON のユニーク・スキルを築き上げました。特に、当たり前のようなリフ、古臭いカントリーのリック、シンメトリーなパターンを、雷のようなドラミングで磨き上げ、リズムのトリックを生み出し、現代的に仕立て上げる Brann の手練手管はもはやリフの一部でした。
こうした音楽にしては、Brann のドラムは驚くほどルーズでしなやか。死ぬほどハードに叩いているわけではないのに、ブルータルなサウンドを生み出しているのは驚異的です。
「すべてのパートで基本的なビートを作ってからいじくり回す。基本の枠にはとらわれない。ストレートなビートでないとうまくいかないリフもある。でも、多くの曲では、自分のやりたいことをやって、2秒後にそれを戻すことができるんだ。
若い頃、たぶん16歳か17歳の頃、ツーバスに頼りすぎていると感じていた。シングルベースだけでビートをフルにするようにしたんだ。ツーバスは、必要なときにアクセントとして入れるんだ。軍艦や戦車が転がってくるようなリフもあって、そこで必要になる。
僕が演奏しているときの目標は、飛び立つことなんだ。飛び立ってどこかに行く。毎回そうなるわけではない。でも、もしその場所に行くことができたら、音楽を演奏することで得られる、ほとんど体の外にいるような体験がしたいんだ」

当時、スピードと”正確性” へと向かっていたメタルのトレンドを揺り戻したのも MASTODON でした。
「演奏にもっと多様性が出てくるといいよね。僕は超高速のツーバスが得意じゃないから、手を開発したんだ。手を鍛えるのと一緒に、クレイジーなフィルとかもたくさんできるようになった。僕のドラムの多くは、僕ができなかったことを許容した結果なんだ(笑)。そういうプレイをする連中が一番上手いんだから、わざわざ僕がいじろうとする必要はないだろう。僕はただ自分のことをするだけで、自分自身のオリジナリティを保ち、できる限り挑戦し、自分がプレーできる最もクールなものを考えるようにしたい。時には AC/DC のPhil Rudd になることも必要だ。僕はただ、自分が演奏しても面白いし、リスナーが聴いても面白いパートを作るように心がけている。音楽を中心にビートを組み立てているんだ。その時に鳴っているリフからインスピレーションを受けるんだ。そうすると、トランジションを作りたくなるし、クレッシェンドを作りたくなる。ドラマーとして求めている激しさが曲の中で起こるようにしたいんだ。次のレベル、”ランナーズ・ハイ” のようなものをね。それをいつも探しているんだ」
Brann はそれでも “ただドラムを叩いていただけ” と自身の貢献を軽視しますが、”Iron Tusk” の冒頭のドラム・ブレイクは、明らかに MASTODON が偉大なメタル・バンドの仲間入りを果たした瞬間でした。しかし、Brann にとってより重要だったのは、”感情にフックする” ことであり、偉大なヘヴィ・ミュージックを生み出した “原始的な場所” に行くことでした。そして、Brann にはその夢を分け合った盟友が存在したのです。
「彼は僕のハイハット・スタンドにメモをテープで貼っていた。演奏する前にね。それは、”Seabeast”…”Seabeast”はやらないの?せめて最後のリフだけでも……お願い……”って感じだった」
SLIPKNOT とツアーを共にした際、Joey Jordison がBrann のサウンドチェックを見ていた時の話。モダン・メタル界で最も偉大なドラマーである2人が、互いのプレイを見守り、賞賛し合っていたのです。両者とも “忙しない” ドラマーとして名を馳せましたが、スネアを鳴らして楽曲を作り上げた Brann に対して、足とバスドラで主張する Joey はまさに好対照の好敵手でした。
ともあれ、Joey の懇願は十分に理解できます。”Seabeast” は、異世界のように蛇行したギターラインとのトリッピーで漂うようなボーカルから、一風変わった音階の轟音コーラスで推進力を得て進む海獣。最後のリフは、そのギザギザの牙で強襲しながらバンドが今日まで忠実に守っている激しさを見せつけます。
「他の作品がよりポップになったり、スーパー・プログレッシヴになったとしても、少なくとも1枚のアルバムに2、3回は、常に牙を見せようとしているんだ」

とはいえ、MASTODON には怒りや激しさだけがあるわけではありません。
「妹は僕が15歳の時に自殺した。妹は14歳だった。それから13年。僕が心の中に抱えていたすべての痛み。姉を失った痛みはいつもそこにあった。TODAY IS THE DAY では怒りが込み上げてきた。それ以降は、怒りたくない。MASTODON で活動を始めてアトランタに移ったとき、個人的に大きな癒しがあった。それには MASTODON が大きく関係している。それが、”Remission” を作った大きな理由のひとつだ。Remission とは、許しと癒しという意味だ。MASTODON が助けてくれた。人生に起こった多くのことを許してくれた」
彼らの音楽が複雑になるにつれ、バンドは “Leviathan” ほど直接的な攻撃性を見せることはほぼなくなりました。だからこそ、シンプルかつ強烈な “Blood and Thunder” のメイン・リフを思いついた瞬間は、まさに奇跡でした。MASTODON 流 “Paranoid”, “Enter Sandman”, “Highway Star” のようなアンセムで、シンプルで、即効性があり、誰も否定することはできません。
「”Blood and Thunder” の最初のリフが出来上がったとき、全員が部屋に集まって、100時間演奏し続けたよ!」
Brann に言わせれば、バンドはあのリフで宝くじに当たったようなもので、そこからリスナーは MASTODON に病みつきになるのです。
“Blood and Thunder” が天才的なのは、その原作である “白鯨” のエッセンスを巧みに抽出しているところでもあります。”Blood and Thunder!” という絶叫自体が、18世紀に一種の誓いとして生まれたもの。小説では、ペレグ船長が叫び、彼が所有するペコッド号の乗組員たちに、エイハブ船長の指揮の下、急いで出港するよう促す呼びかけの言葉でした。
1984年の “Powerslave” に収録された IRON MAIDEN の名曲 “Rime of the Ancient Mariner” が、基本的にコールリッジの同名の詩を自分たちのために書き直したのとは異なり、MASTODON は白鯨をテーマのバックボーンとして使用しています。”Aqua Dementia” (ボーカルは NEUROSIS の Scott Kelly)では、彼らはさらに踏み込んで、船室の少年ピップがクジラ船から飛び降り、一時的に海に捨てられている間に精神に異常をきたした経験を詳しく説明しています。
「水とか火とか、いろんなものを使いたかった。純粋な攻撃性も欲しかったし、美しさも欲しかったし、すべてが混ざり合っていたかった」

この曲のもうひとつのイメージである “大地を燃やす完璧な火” は、アルバムの水のテーマに反するもの。MASTODON の最初の4枚のアルバムがそれぞれ元素のひとつをテーマにしているのは、”Remission” のリリース後に考案されたものでした。”Remission” の火のシンボルを認め、そして彼らは、次の作品に水を求めたのです。
水というテーマは、その性質上、絞り込むのが難しく、Brann は2003年のハワイ滞在中に “白鯨” を購入しました。この本がハワイに由来することも、ハワイの火山の女神ペレの燃えるようなイメージがリヴァイアサンの歌詞に残っていることもそれが理由。また、このアルバムの中で最も過酷で不協和音が多い “ĺsland” に描かれているように、1973年にアイスランドのハイマエイ島で起きた噴火にも言及しています。
そして “Hearts Alive”。この曲は言葉ではとても言い表せません。まるで海そのもののようなサウンド。海水は揺れ動き、沸騰し、重厚なリフと揺らめくアルペジオが互いに重なり合う。そして高揚感あふれるギター・ソロ。さながらメルヴィルの小説の最後に出てくるペコッド号の沈没に対する鎮魂歌のように、最後の3分間で鳴り響く勝利の和音と湧き上がるリズムの波動。白鯨とマストドンが共に水面を突き破り、海は墓場となり、空に向かって上昇していきます。
さらに白鯨と鯨狩りの道具は、Brann とジャケット・アーティストのポール・ロマーノとの会話に完璧なインスピレーションを与えました。バンドは、”M” の後ろに交差した銛をバンドのロゴ兼海上の紋章のように使用。ロマノがこのアルバムのために制作したアートワークは、MASTODON の歌詞と音楽に加え、小説や関連する原典、学術的なリサーチなど、多くの素材に恵まれました。そうして、船を背負った巨大な白鯨の威厳は、音楽史上最も壮大なアルバム・ジャケットのひとつとなったのです。
「アルバムが完成したとき、駐車場に座ってビールを1ケースくらい飲みながら、”Leviathan” を何度も何度も聴いたのを覚えている。出来上がりにとても興奮していた。みんながどう思うかはわからなかった。”Blood and Thunder” については、シンプルでストレートすぎると怒っていた人たちがいたのを覚えている。でも、自分たちが書きたいこと、好きなことを書いていただけなんだ」
そうして “白鯨” を捕まえた “Leviathan” から20年。結成から四半世紀が経とうとしていますが、MASTODON のもうひとつの特筆すべき点は、2000年以降メンバーを一人も失っていないことでしょう。エイハブのような執念が、彼らをこれまで以上に強く結び付けているのです。
「同じ4人組がずっと活動を続けているのは、確かに最近では珍しいことだと思う」

参考文献: INK19:An Interview with Brann Dailor of Mastodon

LOLIPOP MAG: MASTODON

KNOTFEST:Of Fire and Water: Twenty years of Mastodon’s ‘Leviathan’

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SAIDAN : VISUAL KILL: THE BLOSSOMING OF PSYCHOTIC DEPRAVITY】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SPLATTERPVNK OF SAIDAN !!

“Our Goal Was To Have Something Similar In Style To Suehiro Maruo. One Of My Favorite Bands “BALZAC” Used His Art On One Of Their Early Albums And It Really Stood Out To Me And I Wanted Something Like That.”

DISC REVIEW “VISUAL KILL: THE BLOSSOMING OF PSYCHOTIC DEPRAVITY”

「このアルバムは、僕らのファースト・アルバム以来、最もJ-Rockの影響を受けたリフを持っているかもしれないね。ちょうど X JAPAN, L’arc-en-Ciel, Versailles, その他多くのヴィジュアル系バンドをよく聴いていて、それがアルバム・タイトルにもインスピレーションを与えたんだ。でも、BALZAC や Hi-STANDARD のような日本のパンク・バンドも、このアルバムの多くの部分に影響を与えているよ」
SAIDAN は、その名の通りプリミティブなブラック・メタルの祭壇に、日本の音楽やアートの生け贄を捧げ、メロディックな恐怖と狂気を錬金する米国の司祭。まさにスタイルを創造し、カテゴライズを無視し、規範からの逸脱を掲げる21世紀のブラック・メタルを象徴するような存在でしょう。
実際、彼らの創造物が発散する波動にステレオタイプなものは何もなく、ブラック・メタルの新たなオルタナティヴの形として唯一無二の呪怨を放っています。このアルバムには、ドメスティックでメロディックな J-Rock の純粋が、嘔吐を誘うような害虫スプラッターに染まる瞬間が克明に映し出されています。言いかえれば、”生の” ブラック・メタルが “生” でなくなる前に、どれほどメロディックになれるのか?そんな命題に “Visual Kill: The Blossoming of Psychotic Depravity” は挑戦しているのです。
「アートワークを丸尾末広に似たようなスタイルにすることが目標だったんだ。僕の大好きなバンド BALZAC の初期のアルバムに丸尾末広のアートが使われていて、それがすごく印象的で、ああいうのが欲しかったんだよね」
“見てはいけないもの” ほど人の関心をかうのは世の常でしょう。それはアートにおいても同じ。そして、純粋無垢が穢れる、悪意に染まる、発狂する瞬間ほど、”見てはいけないもの” やタブーとなりやすいものは他にないのかもしれませんね。丸尾末広のアートはまさにそんな瞬間をまざまざと描いていました。だからこそ、旋律美に蟲が沸き、血が滴る SAIDAN の音楽に、彼をオマージュしたアートワークは必要不可欠だったのです。
「”SICK ABDUCTED PURITY” という曲は、古田順子さんが殺害された事件 (1989年に足立区で起こった女子高生コンクリート詰め殺人事件) を題材に書いたもの。その事件を初めて知ったとき、僕は本当に心が傷つき、大きな悲しみを覚えたんだ…そしてずっとあの事件について書きたかった。もし歌にするのであれば、ある種の敬意を表しつつも、彼女に起こったことから逃げないようにしたいと思ったんだ」
そんな SAIDAN にとって、最も “見てはいけないもの” のひとつが、日本の足立区で起こった悍ましき “女子高生コンクリート詰め殺人事件” でした。人間はこれほどまでに獣になれるのか。そもそもは純粋だったはずの若者たちが、狂気と悪意に突き動かされ残酷残忍を極めたこの事件から、彼らは目を背けることができませんでした。
切り刻まれ、冒涜され、熱を帯びたシンフォニックな恐怖は、人間の貪欲さ、悪意、獣性、狂気によって複雑化されたメロディックな暴力によって蹂躙されていきます。いえ、きっと目を背けてはいけないのです。忘れてはいけないのです。風化とはすなわち、あまりにも無惨な被害者の魂を忘れ去ってしまうこと。きっと私たちは、この残忍なブラック・メタルと華麗な X JAPAN のアーティスティックな交差点で、人の残忍と純粋をいつまでも噛み締めておくべきなのでしょう。誰だって、ほんの少しの掛け違えで堕落の底まで落ちてしまう可能性をはらんでいるのですから。
今回弊誌では、SAIDAN にインタビューを行うことができました。「ブラック・メタルは、パンクのように他のジャンルのヘヴィ・ミュージックにも応用できる能力を持った、数少ないジャンルのひとつだと思う。僕の意見は、”メタル” の部分がメタルである限り、そのジャンルを自分のものにするために、好きなことをすればいいと思っているよ」 二度目の登場! どうぞ!!

SAIDAN “VISUAL KILL: THE BLOSSOMING PSYCHOTIC DEPRAVITY” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【OMERTA : CHARADE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH OMERTA !!

“Even Many Of The Biggest Japanese Mainstream Hits Tout Musical Penmanship With Such Finesse That It Makes Western Music Look Amateur And Incompetent By Comparison.”

DISC REVIEW “CHARADE”

「日本のメディアは欧米のメディアよりも常にエッジが効いているんだ。だから、オルタナティブな文化に憧れを抱いて育った子供時代には、当然その方が魅力的だった。題材がより成熟していたのか、アートスタイルがそうだったのか、何にせよ、欧米で普通に見られるものよりも奥深さや意図があるように思えた。また、僕たちはインターネットとともに成長し、日本のメディアは多くのオンライン・コミュニティに信じられないほど強い影響力を持っている。日本の技術力は言うまでもないしね。だから自然と、今日のインターネット文化は、日本にルーツがあるだろうものの下流にある作品が多くなったんだよ」
先日、来日を果たし大盛況のうちにツアーを終えた BLIND EQUATION が最も影響を受けた音楽が、ZUN による東方サウンド・トラックでした。そう、現代ほど日本のサブカルチャーやアンダー・グラウンドの文化が世界中に “飛び火” し、花開いた時代はなかったはずです。なぜそんな状況が訪れたのか。今、日本のネット音楽界隈で最も “バズって” いるアメリカのバンド OMERTA は、その理由を日本のアートが異質で尖っていたから、そうした日本文化を敬愛するオンライン・コミュニティで育ったから、そしてそんなファンタジーの世界が、メタルと同様に暗い世界で増えつつある心を病んだ “メンヘラ” な人たちの逃避場所となっているからだと説明します。つまり、同時多発的な日本文化礼賛バンドのバイラルは、決して偶然ではなく必然なのでしょう。
「アメリカで育ってきた僕にとって、アメリカのメインストリーム音楽はとても “安全” な傾向があるんだよ。西洋音楽と非西洋音楽の断絶は驚くほど明白だよ。平均して、西洋の曲は不協和音、調の変化、半音階的表現、ポリリズムなどを避け、非常に無難な旋律とリズムの慣習に従っている。これとは対照的に、日本の音楽は曲作りやプロダクションのデフォルト・モードとして複雑さやテクニックを用いることが多い。日本ではメインストリームの大ヒット曲の多くでさえ、西洋音楽が素人や無能に見えるほど精巧な音楽的巧妙さを売り物にしている」
さらに、ラテン系やアジア系をルーツに持つ OMERTA にとって、欧米のメインストリーム・ミュージックはあまりに安全で、耳に馴染まず、冒険心のない音楽に聴こえました。移民の国アメリカのメインストリームは、すでに誰からも愛される音楽ではありません。
一方で、吸収と研究が得意な日本。様々な場所から無節操に思えるほど多くの影響を取り入れ、コード感や変調、リズムの豊かさを強調し、それでいて日本らしいポップなメロディを備える  J-Rock やアニメ、ゲームの音楽こそ、OMERTA にとってはよほど魅力的な挑戦に見えたのでしょう。
「メタルコアや Nu-metal、あるいは僕たちより前に存在していたかもしれない他のジャンルの既存の基盤の上に、僕たちの音楽を構築することではない。これらのジャンルにはそれぞれ理論的な天井があり、それを突破することはできないから。僕たちの作曲に対するアプローチは、ラベルを無視して、最も適切と思われるものをただ書くというもの。僕たちは、アーティストとは神のインスピレーションを直感し、解釈し、伝える媒介物に過ぎないと固く信じている。ジャンルの枠に自分を縛ることは、唯一無二の美しさを歪めてしまう危険性があるからだ」
そんな、BLIND EQUATION や OMERTA といった日本文化の “下流“ にある Z世代のアーティストが口を揃えて主張するのが “ジャンルの破壊” です。実際、OMERTA の音楽にジャンルのラベルを貼ることは決して簡単ではないでしょう。巨大なバイラルを得た最新シングル “Charade” を聴けば、メタルコアや Nu-metal はもちろん、プログレッシブ、J-Rock, K-Pop, ボカロやアニメ、ヒップホップなど実に多様な音のパレットが反発することもなく耳下に広がっていきます。
そう、ネット世代の若さは壁をたやすく突き破りました。彼らの使命は、芸術とはこうあるべきだという期待やステレオタイプに挑戦すること。結局、暴力的な芸術とは慣例の破壊。粉々に吹き飛ばされた瓦礫の上に、何か美しいもの、何か新しいものを構築することこそ “Hyperviolence” なのです。
今回弊誌では、OMERTA にインタビューを行うことができました。メタル魔法少年オメルたん。薄い本にも期待です。Vincente Void が生んだ、アメリカで “一番嫌われている” ボーイズ・バンドだそうですよ。どうぞ!!

OMERTA “CHARADE” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【EXIST : HIJACKING THE ZEITGEIST】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MAX PHELPS OF EXIST !!

“I’d Say I Acquired Language From Listening To Cynic And Death Which Seeped Its Way Into Many Of My Musical Tendencies, I Listened To That Stuff a Ton Because It Spoke To Me On a Deep Level.”

DISC REVIEW “HIJACKING THE ZEITGEIST”

「Paul Masvidal はまさに師匠のような存在で、僕が初めて行ったツアーは CYNIC と一緒だったし、彼や Sean Reinert と関わるようになって、僕の世界は大きく広がった。そして僕は CYNIC と DEATH を聴くことで、今自分の音楽的傾向の多くに染み込んでいる “言語” を身につけたと言える。本当に何度も何度も聴いたからね。それは、深いレベルで彼らの音楽が僕に語りかけてきたからなんだ」
Max Phelps は今や、プログレッシブ・デスメタルの宇宙にとってなくてはならぬ存在です。それはもちろん、DEATH TO ALL の声として亡き Chuck Schuldiner の影を追い、CYNIC では Paul Masvidal をメンターとしてその師事を受けているからだけではありません。Max はその二大巨頭から受け継いだ哲学やスピリットを、自らのやり方で羽ばたかせようとしています。
「ヘヴィーとキャッチー、テクニカルとシンプル。本当にそれ自体が目的だったのかどうかはわからない。なぜなら、それが僕たちの書き方にとってごく自然なことだと思うからね。でも、そういった要素を、より伝統的な曲構成で、よりタイトで短いアレンジに落とし込むというのは、ひとつの目標だったと言えるかもしれないね」
Max はカルト・ヒーローたちの遺伝子を色濃くその身に宿しながらも、より幅広い層にアピールしたいと願っています。そしてその願いは、EXIST の最新作 “Hijacking the Zeitgeist” で成就するはずです。濃縮還元されよりコンパクトとなった曲構成、耳を惹くメロディとフックの応酬、それでいてジャンルの門番をも唸らせるテクニックと複雑性を兼ね備えたアルバムはまさに、プログレッシブ・デスメタルの前代未聞。
実は、その EXIST の新たな冒険は Max もうひとつのヒーロー RUSH の影響で幕を開けました。プログ・デスと同じくらいに RUSH を愛し、RUSH オタクと公言する Max は、このアルバムは彼らにとっての “Permanent Waves” であり、”Moving Pictures”、さらにいえば “Power Windows” であると明言しています。それらは、RUSH にとっての “プログレッシブ” が変化した瞬間。そして、RUSH により幅広いリスナーへの “窓” が開いた瞬間。
「メリーランド州出身ということで、PERIPHERY や ANIMALS AS LEADERS がスタートするのを見ることができたし(昔、地元で一緒にライヴをやったこともある)、それは本当にクールで刺激的だった。Djent という言葉は、コピー商品ばかりで過飽和になり、軽蔑的な言葉になってしまったと思う。でも、そのムーブメントを牽引していたバンドは本当に素晴らしくて、みんな自分の声を持っていた。好むと好まざるとにかかわらず、現代のギター・プレイにも非常に大きな影響を与えたと思う」
アルバムに収録された “Window to the All” が仄めかす通り、この作品はすべての人への窓となりえます。それは、プログ・デスはもちろん、RUSH のようなキャッチーなプログ・ロック、PINK FLOYD や TOOL のような浮遊するサイケデリア、そして THE CONTORTIONIST や PERIPHERY のようなポリリズミックで現代的な Djent の流れまで組み込んだ膨大なる窓。
そこで歌われるのは、人類の新たな “窓” となったインターネット、SNS への執着とそこにある欺瞞。
「多くの人が、SNS で自分と関係のない物事の状況について非常に落ち込んだり、怒ったりしているのは、それが常に自分の目の前にあるからだと思う。自分の身の回りのことや、自分が実際にコントロールできることにもっと集中した方がいいこともあるし、少なくともそこでバランスを取る方がいいのかもしれないよね」
我々はあまりにも、無関係なものごとに左右されすぎるようになりました。それはきっと、ネットという窓が常に覗きすぎているからでしょう。ヘヴィ・メタルという窓は常に開いていますが、覗こうが覗くまいがそれはリスナーの自由。楽器だって、真摯に深く取り組もうが、ネットに動画をアップするだけだろうがそれはプレイヤーの自由。そんな今の寛容なメタルのあり方を Max Phelps はきっと、世界の理想としているのです。
今回弊誌では、Max Phelps にインタビューを行うことができました。「昨年末、CYNIC で来日したとき、僕は初めて日本に行ったんだ。妻も一緒に来てくれて、東京と京都で過ごしたんだけど、本当に楽しかった。正直、今までで一番好きな旅行体験のひとつで、今はいつも日本に引っ越したいと冗談を言っているくらいだよ。日本文化が本当に好きで、僕たちが慣れ親しんでいるカオスと比べて、みんなが親切で礼儀正しく、すべてがスムーズに進んでいることが信じられなかった。また何度も訪れたいよ!」OBSCURA, EQUIPOISE, そしてエンジニアに Anup Sastry という最強の布陣。どうぞ!!

EXIST “HIJACKING THE ZEITGEIST” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CHET THOMPSON : STRONG LIKE BULL】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CHET THOMPSON !!

“On The Piano The Bass Lines Are Played With The Left Hand And Treble Lines Are Played With The Right Hand. I Had To Turn The Guitar Upside Down On Its Headstock So I Could Tap Out The Lines The Same Way a Pianist Would.”

DISC REVIEW “STRONG LIKE BULL”

「僕のサウンドは、人と違う音を出したいという欲求から生まれているんだ。僕のギターはアクションが高く設定されていて、とても弾きにくいんだ。アクションを低く設定すると、他の多くのプレイヤーと同じような演奏になってしまうからね。僕はスケールやアルペジオ、弦のスキッピングをとても速く弾けるから、もし弾きやすいギターを自由に弾かせたら、他の人と同じようなサウンドになってしまう。だからその代わりに、自分が欲しいトーンを得るためにギターと戦わなければならないようにしている。自分にとって弾きにくいギターを作るんだ。もしそれが、太いトーンのためにリードの流動性を犠牲にすることを意味するなら、そうすればいいとね」
SNSやストリーミングの普及によって、ギターの探求はより身近で、簡単なものへと変わりました。音や弾き方の正解がそこかしこにあふれる世界で、ギターの敷居はかつてないほどに下がり、誰もが最速で上達できる環境が整っています。しかし、正解だけが、効率だけが、ステレオタイプだけが求められるギター世界は、本当に魅力的なのでしょうか?
「1980年、兄がピアノでモーツァルトを弾いているのを聴いているときに、逆さ両手タッピング奏法を思いついたんだ。ピアノでは低音は左手、高音は右手で弾く。だから私は、ピアニストと同じようにラインをタッピングできるように、ギターのヘッドストックを逆さまにしなければならなかったんだよ」
Randy Rhoads の弟子として知られる Chet Thompson は、決して効率的なギタリストではありません。ギターは重くて速弾きに向かないレスポール。太い弦を張り、さらにその弦高をわざと高く設定して、流動性を犠牲にしながらファットなトーンを追求します。それはギターとの戦い。効率や正解などクソ食らえ。自分が思い描いた理想を具現化することこそがギタリズム。そこから生まれる個性こそがギターの楽しさであり、多様性。そうして、Chet の類まれなる個性、反効率の精神はついにギターを担ぐことに集約しました。
ギターをピアノに模して弾く。Stanley Jordan をはじめ、両手タップでギターを奏でるプレイヤーは何人かいます。しかし Chet はそれだけでは飽きたりません。ピアノと同様、右手で高音を、左手で低音を奏でるためにギターを肩へと担ぎ上げたのです。効率は最悪でしょう。誰もそんなことはやりません。しかし、誰もやらないからこそ意味がある。すぐに彼の音だとわかる。それは、今のギター世界から失われてしまった魔法なのかもしれません。
「Youtuber から音楽を学ぶことについてどう思うか、という質問に対する僕の答えは簡単。ただ楽しんで曲を覚えるだけならいいけど、自分のスタイルを作りたいなら、自分だけのサウンドとスタイルを作る長い旅に出なければならない。Randy Rhoads はいつも、彼から学んだことを自分のものにしなさいと言っていた。だから、Randy のそのアドバイスを受けとることを勧めるよ」
妻の死に衝撃を受け、セラピーのため久々にギターを手に取り生み出したソロアルバム “Strong Like Bull”。アルバムには、喪失に打ち勝つ牛のような強さと共に、教えを受けた Randy Rhoads, Eddie Van Halen の哲学が織り込まれています。Djent やギターの進化を認めながらも、記憶に残るソロや耳に最も心地よいノーマルチューニングでのグルーヴにこだわる Chet のギタリズムは、よりポップに、流麗に、その歌声と共に明らかな進化を遂げています。実際はそんなにギターを担がないけれど、それでも十二分に個性的かつ魅力的。あの時代にこれをやっていれば、また違う未来もあったのかもしれません。それでも Chet はまだギターを置いてはいません。もしかすると、それだけで十分なのかもしれませんね。
今回弊誌では、Chet Thompson にインタビューを行うことができました。「Randy に学んでいたとき、ジャムったときにとてもクリエイティブなリードを思いついたから、彼に最高の生徒だと言われたんだ。どうやってアイデアを思いつくのかと聞かれたから、クラシック・ギターも勉強していると答えたよ。すると彼は目を輝かせて、そのクラシック・ギターの先生を紹介してくれと言ったんだ。僕は Randy にクラシック・ギターの先生を紹介し、彼はその先生に師事することになった。だから Randy の Ozzy とのプレイや、HELLION の “Screams in the Night” のレコードに収録されている僕の曲のいくつかには、クラシックの影響が見て取れるわけさ」 どうぞ!!

CHET THOMPSON “STRONG LIKE BULL” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【FRIKO : WHERE WE’VE BEEN, WHERE WE GO FROM HERE】FUJI ROCK 24!!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH FRIKO !!

“I Personally Am Obsessed With Whatever That Magic Is That Makes Records “Classic”. So I Spent a Lot Of Time Over The Past Few Years Listening To All These Records That We Give This Honor And Taking In What They Had To Say.”

DISC REVIEW “Where we’ve been, where we go from here”

「レコードを “クラシック” にする魔法、それが何であれ、それに取り憑かれている。だから、ここ数年、僕たちはそうした “名盤” だと思えるレコードを聴き、そのレコードが語っていることを受け止めることに多くの時間を費やしてきた。僕にとって、これらの “名盤” たちに共通しているのは、彼らが何かを語っているということ。それが言葉であれ音楽的なものであれ、そこには目に見える即効性があった。”Pet Sounds” における即効性は、”OK Computer” における即効性とはまったく違うけれど、それでも僕の中では同じカテゴリーのものなんだ」
“friko4u”。みんなのためのFRIKO。それはシカゴのインディー・ロック・シーン、HalloGallo 集団から登場し、瞬く間に世界を席巻した FRIKO のインスタグラムにおけるハンドル・ネーム。FRIKO が何者であろうと、彼らの音楽は世界中から聴かれるために、つまり音楽ファンの喜びのために作られているのです。
そのために、FRIKO のフロントマン Niko Kapetan とドラマー Bailey Minzenberger は、THE BEACH BOYS から RADIOHEAD まで、自らが名盤と信じる作品を解析し、”目に見える即効性” という共通点へとたどりつきました。カラフルであろうと、難解であろうと、先鋭であろうと、名盤には必ずある種の即効性が存在する。そうして彼らは、その信念を自らのデビュー・フル “Where we’ve been, where we go from here” へと封じ込めました。
「シカゴのシーンがとにかくフレンドリーであるところだと思う。たとえば他の3つのバンドと一緒にライブをすると、みんなお互いのセットに残って見てくれる。みんなコラボレーションしたり、他のバンドで演奏したりする。シカゴは、LAやニューヨークのような他のアメリカの主要都市と違って、20代から30代前半の人たちが手頃な家賃で住めるということもあると思う。だから、ここでの生活をエキサイティングなものにしようとする若者がたくさんいるんだよ」
アルバムに込められた想い。それは、”私たちがいた場所、そしてここから進む場所”。シカゴのインディー・シーンは決してLAやNYCのように巨大ではありませんが、それを補ってありあまるほどのエナジーと優しさがありました。競争ではなく共闘。その寛容さが彼らを世界規模のバンドへと押し上げました。DINASOUR JR? ARCADE FIRE? THE CURE? レナード・コーエン?ショパンにワグナー?!比較されてもかまわない。彼らは “名盤” のタイムマシンでただ世界を笑顔にしたいだけなのです。
FRIKO のオフィシャル・サイトの URL は “whoisfriko.com”。そこには ARCTIC MONKEYS が2006年に発表したEP “Who the Fuck Are Arctic Monkeys” を彷彿とさせる不敵さがあります。きっとFRIKO って誰?の裏側には、誰だって構わない、私たちは私たちだという強い信念が存在するはずです。
「SQUID, BLACK MIDI, BLACK COUNTRY, NEW ROAD の大ファンなんだ。彼らは、私たちよりもっとヴィルトゥオーゾ的なミュージシャンだと思うし、だから技術的なレベルでは太刀打ちできないから、エモーショナルでタイトなソングライティングの面でアクセントをつけようとしているんだ (笑)。でも、そうした新しいエネルギーが再びロック・ミュージックに戻ってきているのを見るのは素晴らしいことだし、若い人たちにとってはエキサイティングなことだと思う」
そうして FRIKO は、ポスト・ロックやプログまで抱きしめた新たな英国ポスト・パンクの波とも共闘します。いや、それ以上に彼らの寛容さこそが、長年すれ違い続けたアメリカと英国のロックの架け橋なのかもしれません。なぜなら、そこには David Bowie や QUEEN、そして THE BEATLES の魂までもが息づいているのですから。FRIKO は誰?その質問にはこう答えるしかありません。大西洋を音楽でつなぐエキサイティングな時計の “振り子” だと。
今回弊誌では、FRIKO にインタビューを行うことができました。「僕は宮崎駿の映画で育った。ジブリ映画は、僕が書く音楽に、音楽以外のどの作品よりも影響を与えている。宮崎駿には、世界中の人々に通じる特別な何かがあるんだ」 どうぞ!!

FRIKO “WHERE WE’VE BEEN, WHERE WE GO FROM HERE” : 10/10

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COVER STORY 【REMEMBERING VITALIJ KUPRIJ (ARTENSION, RING OF FIRE, TRANS-SIBERIAN ORCHESTRA)】


REMEMBERING VITALIJ KUPRIJ (ARTENSION, RING OF FIRE, TRANS-SIBERIAN ORCHESTRA)

“Knowledge, Experience, and Confidence Are The Tools That I Use To Improve Myself. Knowledge Is Something You Gain As You Do It. You Apply Your Knowledge And Get Experience Out Of It. Confidence Is Something You Need In Your Vision To Survive And To Defend Your Point Of View As An Artist. Otherwise You Are Just a Copy Machine Or a Shallow Artist.”

HIGH DEFINITION

ウクライナ系アメリカ人のマエストロ、Vitalij Kuprij が亡くなりました。享年49歳。Vitalij は、コンサートホールのグランド・ピアノでベートーヴェンの協奏曲第4番を弾くのも、アリーナでフル・ロック・バンドに囲まれてネオクラシカル・メタルを披露するのも、両方お手のものでした。
Vitalij はクラシック、メタル、どちらのジャンルにも精通しており、クラシックの楽曲を演奏するソロ・アルバムと、コルグのキーボードでロックするプログ・メタル ARTENSION や RING OF FIRE でも存在感を発揮。のちに、あの TRANS-SIBERIAN ORCHESTRA にも加わり、メタル世界にとって不可欠な存在となっていきました。ARTENSION のファーストは本当に斬新で、キャッチーで、変態で、あの時代に消えかけていたプログ・メタルの炎を再燃させてくれました。
特筆すべきは、彼が教育をしっかりと受けたプロのクラシック奏者だったことで、当時メタル世界の演奏者に彼のような背景を持つ人物はほとんどいませんでした。だからこそ斬新で、個性的な作曲術、特殊なミキシング、鍵盤を打ちのめすような演奏、強烈なアイデンティティまで愛されるようになりました。アルバムを聴けば、音を聞けば、クレジットを見るまでもなく彼だとわかる。
だからこそ、あまりに早すぎるのです。ただでさえ、メタル世界にカリスマ的キーボーディストはほとんど残されていませんし、新たに登場してもいません。Jens Johansson, Andre Anderson, Jordan Rudess, Derek Shrenian…残念ながら、明らかに両手に収まるほどの人数です。Vitalij がこれから残すはずだった音楽、育てるはずだった人たち…あまりにも大きな喪失です。せめて、彼の言葉、ストーリー、メソッドをここに残しておきましょう。音楽は永遠に消えませんが、物語は語り継がねば消えてしまうのですから。

Vitalij の家はミュージシャンの家系でした。
「父はプロのトロンボーン奏者だった。彼はたくさんの役割があってね。トロンボーンが主な楽器だったけど、音楽教師でもあり、音楽学校の校長でもあり、文化会館の館長でもあった。 自分のバンドも持っていて、ベース奏者でもあったね。父は私をトラブルに巻き込んだ張本人さ (笑)。
最初は父の親友が、私にアコーディオンを習わせようとしたんだ。アコーディオンは、ウクライナではとてもとてもポピュラーな楽器だこらね。父はその年の9月のアコーディオン・レッスンに申し込んだ。レッスンを始める前日、父は私を仕事場に連れて行った。そこでフォーク・バンドのために作曲をしていて、私はそこにあったアップライト・ピアノに駆け寄ったんだ。後で父に聞いたんだけど、私はそこでジャムを始めたらしい!私の指は自然にピアノの鍵盤に触れた。 父はその友人に電話して、私をアコーディオンのレッスンからピアノのレッスンに変えることを告げた。 私の人生は完全に変わったんだ! 本当に感謝しているよ。アコーディオンは嫌いじゃないけど、ピアノは王様だからね!」
そうして Vitalij は、ウクライナでクラシックの訓練を受けることになりました。
「クラシックの訓練は基本的に伝統的な西洋音楽だったね17~18世紀の偉大な作曲家を学んでいった。モーツァルト、ベートーヴェン、ブラームスとかね。ウクライナにも偉大な作曲家が何人かいて、学校では彼らの曲も教わったよ。 その中には今日まで心に残っている素晴らしいピアノ曲がいくつかある。 もちろん影響を受けたよ。 レフコ・レヴツキーという偉大な作曲家がいた。彼の音楽は、とても民俗的なものだ。とはいえ、私の訓練の主な基礎はドイツとフランスの音楽だったね」

最も影響を受けたクラシックの作曲家は誰だったのでしょう。
「いつも変わるんだ。自分の楽器や真のクラシック・トレーニングの技術をマスターしたければ、視野を広げ、一つのことに集中しないこと。ただ私にとって際立っていた作曲家はショパンかな。 ショパンは主にピアノのために作曲した。幼い私にとって、ショパンは憧れの存在だったよ」
11歳の時、Vitalij は音楽的訓練を続けるために家を出てモスクワに行き、その後、全ユニオン・ショパン・コンクールに史上最年少で出場して優勝しました。
「当時のソ連では、どんな訓練を受けてもスパルタだった。軍事であれ、音楽であれ、絵画であれ何であれ、軍隊のように行われていたんだ。とても厳しかった。 狭い部屋に5人という寮生活で、プライバシーはなく、すべてが公開されていた。シャワーは週2日。それは最も奇妙なことだったけど、同時に感謝しているんだ。私は必要な規律を得たからね。レッスンは、西欧やアメリカで行われているような週1回ではなかった。私は1日に2、3時間のレッスンを2日おきに受けていた。残りの時間は練習に充てたね。
すべての作曲家を勉強したけど、先ほども言ったようにこの頃の私はショパンに惚れ込んでいて、他の曲は弾きたくなかった。 それは政府に “ファック・オフ” と言っているようなものだった。 先生に “他の曲は弾きたくない” と言ったので、学校の先生たちは、ショパンだけに専念させていいかどうかで議論になった。最終的に、学校の代表としてショパン・コンクールに出場するなら、ショパンの曲だけに専念してもいいということになったよ。
そのコンクールで優勝したことで、本当に道が開けた。 13歳の時に3ヶ月間、列車でソ連をツアーしたんだ。
ショパン・コンクールはロシアの北にあるカザンで開催されてね。私は初めて飛行機に乗ったのだけど、ひどい吹雪の中だったよ。まあだから、良い思い出もあるんだけど、ロシア人と思われることもあるのは困るね。私はウクライナ出身だから」

そんなクラシックの申し子が、他のジャンルに目を向けるきっかけが、Yngwie Malmsteen でした。
「たしかに父がフォーク・バンドで演奏したりするのは見ていたけれど、私は完全にクラシック・オタクだった。 当時、ソ連にはメロディヤというレコード会社しかなかったんだ。兄が Yngwie のアルバム “Trilogy” を買ってきてくれたんだ。それをかけて、あの素晴らしき “Liar” を聴いた。 すぐにバンドを組みたくなった。友達に頼み始めたんだ。
Yngwie のアルバムに心を掴まれたけど、THE BEATLES の “A Taste of Honey” というアルバムもあったし、QUEENのアルバムもあった。 それらすべてをいつも聴くようになったんだ」
Yngwie のどこに惹かれたのでしょう?
「Yngwie はそれほどキーボードをフィーチャーしていなかった。 初期のアルバムではもっと多かったかもしれないけどね。だから結局は、Yngwie の演奏だった!とてもテクニカルで、同時にメロディアスだった。表現力とハーモニーが大好きだった。
それから何年も経ってから、イングヴェイから電話があって、彼のバンドに誘われたんだ。彼のアルバム “Alchemy” に参加してくれってね。彼は電話してきて、私をフロリダに呼んで、このアルバムでキーボードを弾いてくれと言ってくれたんだ。
でも当時私はすでにソロアルバムを2、3枚出していて、ARTENSION のアルバムも2、3枚出していた。そしてクラシックの世界でもブレイクしようとしていたんだよね。だから、そのオファーを丁重に断ったんだ。
Yngwie と一緒に仕事をしたかったけど、彼がシュレッドしている間に2つか3つのコードを弾くために、自分のレコードや ARTENSION のレコードでやっていたことを諦めたくなかったんだ。でも、ギターとキーボードの革命的なシュレッドでネオ・クラシックのモンスターを作れたら最高だと思う!そのレコードは音楽的に素晴らしいと思う。
ただね、気がつくと、彼は日本のマスコミで私のことを “経験がない” と酷評していた。私はロックの世界に入ったばかりで、まだ何も発表していないとね。彼は私のことをよく知りもしなかった。私が “イエス” と言わなかったからって、マスコミで私をゴミ扱いしないでよ (笑)」

ウクライナやソビエトでは、メタルを学ぶことも簡単ではありませんでした。
「徐々に学んで行ったよ。私の国では何でも手に入るわけではなかったからね。西洋のロックバンドのほとんどは、ずっと後になってから来るようになった。私の国にはロック文化がなかったんだ。 でも結局、兄が洋楽をたくさん集めていたので、それを聴いて自分の音楽スタイルを確立していったんだ」
コンクールで優勝した後、Vitalij はソビエトで国内ツアーを行いその後、スイスでさらに修行を積みました。
「バーゼル音楽院で4年間、全額奨学金をもらって勉強したよ。有名なオーストリアのピアニスト、ルドルフ・ブッフビンダーに師事してね。彼は西洋の演奏スタイルや規律について多くのことを教えてくれたんだ。私はロマン派的でロシア的な環境で育ったので、ブッフビンダーは西欧的な規律ある態度で私を磨いてくれたんだよ」
ARTENSION のギタリスト Roger Staffelbach に出会ったのもスイス留学中でした。
「Roger はもう25年来の友人だよ。夏の間、スイスの小さな町に住んでいたんだけど、そこにピアノ・バーがあって、よく通ってジャムっていたんだよ。そこに Roger が入ってきて、自己紹介してくれたんだ。私はドイツ語が話せなかったから、少し言葉の壁はあったけど、彼はキーボード奏者を探していてね。彼と私は意気投合し、一緒に演奏するようになった。月曜日から金曜日まで、私は電車で1時間のところにある音楽アカデミーで音楽を学び、金曜日の夜、電車で Roger の家に行き、週末は彼のガレージでリハーサルをした。 日曜の夜はまたアカデミーに戻る。
Roger と私は、さらに2人のスイス人奏者と素晴らしいインストゥルメンタル・カルテットを結成したんだ。ATLANTIS RISING という名前だった。私はネオクラシックの曲を書き始め、カセットテープを作るためにお金をつぎ込んだ。カセットテープを300本は作ったと思う。私たちはスカンクのように無一文で、CDを作りたいだけのハングリーな少年だった!」

このカセットの一つが、シュレッドの総本山、シュラプネル・レコードに届くことになりました。
「シュラプネルの Mike Varney が聴いてくれたよ。Roger と私は2人ともアメリカに行くことになった。Roger が西海岸にいる間に、私はカーティス音楽院のオーディションを受けるためにフィラデルフィアに行ってね。 オーディションの後、私は Roger のところへ飛んで行き、その後2人でカリフォルニアのノバトへ飛んで Mike に会ったんだ。当時、シュラプネルは、私たちがやっていることと似たような音楽をたくさんリリースしていたからね。そして彼らは私たちと契約し、それが ARTENSION となったんだ」
世界でも有数の難関音楽学校に入学し、ARTENSION を結成してファースト・アルバムをリリースし、翌年にはファースト・ソロ・アルバムをリリース。カーティスに通いながら、どのようにすべてのバランスをとっていたのでしょう。
「大きなキャリアを築くのは、2つの分野を情熱的にターゲットにすると難しい。でも、私はそれがどんなに難しいことであっても気にしなかった。学期を終えて、他の学生が休みに入っている間、私はピアノで作曲をし、自分が何を書いていたかを思い出す。そしてカリフォルニアに飛び、ARTENSION でレコーディングをし、また戻ってクラシックの勉強に戻る。カーティスは厳しい学校で、おそらく世界ナンバーワンだろうな。
ARTENSION だと、”Phoenix Rising” は素晴らしいと思うし、もちろん “Into the Eye of the Storm” は最も印象に残る作品だけど、私は “Forces of Nature” が本当に好きなんだ。新しいベーシストとドラマー (John Onder と Shane Gaalaas が加わって、また違った雰囲気になった」

ARTENSION でツアーは行ったのでしょうか?
「いや、ARTENSION はライブをやったことはないんだよ。でも、日本での成功が大きかったので、ほとんどやれそうだった。ファースト・アルバムはゴールドになるところだったからね。日本でのツアーを計画したんだけど、ツアー・マネージャーが私の書類をめちゃくちゃにしたんだ。 当時私はまだ若く、ソ連のパスポートを持っていて、アジアを旅行するときにどんな特典があるのか知らなかった。 私はサンフランシスコのホテルで就労ビザが下りるのを待っていた。で、結局私はそのツアーに出られなかったので、他のメンバーはプロモ出演をして、飛行機で帰ってきたんだ」
ARTENSION のアルバムには、”I Don’t Care”, “I Really Don’t Care”, “I Really, Really Don’t Care” というピアノ曲が収録されていました。
「最初のアルバムでは “I Don’t Care” だった。座ってジャムったんだ。Mike が私の才能を高く評価してくれていたから、ちょっと披露したかったんだ。アルバムにピアノ・ソロの曲を入れなければならなかった。 そして次の作品では、そのコンセプトを続けたいと思った。安っぽいけど面白い(笑)」
2001年にボーカリストの Mark Boals のソロアルバム “Ring of Fire” で彼と一緒に仕事をするようになりました。
「Mark とやれることで興奮はしなかったが、もちろん賞賛はした!彼は僕にとってとても重要なアルバム “Trilogy” で歌っていて、一緒に演奏しようと誘ってくれたんだからね!楽しかった。そのソロ・アルバムにちなんで、実際のバンドになったんだ。私が曲を書き、Mark が歌詞とメロディーを書いた」

バンドは2枚のスタジオ・アルバムと、日本で録音された2枚組の素晴らしいライヴ・アルバムをリリースしました。ただ、Vitalij が参加していない作品もあります。
「Mark と私はいくつかの点で誤解しあっていた。大げさなことではなく、私たちが同意できなかったことがあっただけなんだ。ARTENSION は、キャリアの始まりという点で、私の心に少しだけ近かったので、私は ARTENSION と自分の作品に集中し続ける一方で、Mark には他のプレイヤーと一緒にやるように伝えたんだ」
Vitalij のソロアルバムはほとんどがインストゥルメンタルで、ソロのための十分なスペースがあり、鍵盤を前面に出しています。ARTENSION はボーカルを起用していますが、RING OF FIRE ほど大人しくはありません。
「ソロ作は私がほとんどの曲を書いたので、常にキーボード中心だ。ボーカルを書く機会も模索していたけどね。ボーカルものでは、私が派手になるという点では限界があったかもしれないけれど、ソロ・アルバムを通してならそれができる。 アルバムが進むにつれて、バンド自体のパワーに集中するようになったから、私が目立つことは少なくなった。でも、どのアルバムにも必ず私らしさがあるよ。
それに、ARTENSION では John West の音域を知り、バンドのスタイルを知り、バンド内のプレイヤー同士の相性を知りながら書くことも意識した。RING OF FIRE でも同じだ。
今は、ただ書いて、とてもパワフルでエモーショナルな感じの音楽にしたいと思っている。より作曲に集中し、より成熟したレベルに持っていく。自分が経験したことから集めた知識をすべて活用し、特定のバンドやプロジェクトをターゲットにすることなく、淡々と書いている。私はただ自分の書いたものを捕らえ、保存し、発展させ、変化させ、また戻ってきたいだけなのだ。 音楽を書くことは、とにかく驚異的だ。とても無邪気なプロセスで、新しい情報が生まれるから大好きだ。 何もないところから始めて、音楽的でスピリチュアルな情報を得る」

例えば、RING OF FIRE アルバムの中を見ると、”All music written by Vitalij Kuprij” と書かれていますが、ギター、ベース、ドラムのパートも Vitalij が書いているのでしょうか?
「すべての曲、すべてのパートをキーボードで書いているよ。だから、ギター、ドラム、ベースがキーボードで演奏され、他のメンバーが何を演奏すべきかの明確な方向性を示しているんだ。 特に後期のアルバムでは、より考え抜かれたものになっている。即興的なものはなるべく省いて、自分自身に任せるようにしている。 だからレコーディングのためにメンバーが集まったときには、構造的にはかなり練られているんだ。
ただ、決まった公式があってはならないと考えている。何かを目指さなくてはならないが、物事は自然に起こるものだ。それがあなたなのだから」
TRANS-SIBERIAN ORCHESTRA での最初のツアーは2009年のイースト・ツアーでした。
「あれは完全に “青天の霹靂” 。ある朝起きてコーヒーを飲み、メールをチェックした。彼らのマネジメントから、Paul O’Neill と会うためにフロリダまで来てほしいというメールが来ていた。 彼らがどのようにして私のことを知ったのかはわからない。Paul が何でもできてフレキシブルなキーボーディストを探していたのは知っている。彼はレコード業界で一緒に仕事をしたことのある人に電話して、その人が私を推薦してくれたんだ。数週間後、私はそこにいた」

TSOや SAVATAGE のことは知っていたのでしょうか?
「SAVATAGE は知っていたよ!なんて素晴らしいバンドなんだ!Burrn! 誌の SAVAGAGE 特集に載ったこともあるんだ。SAVAGAGE の曲を演奏するのは楽しいよ。もし彼らと一緒にツアーに出て、彼らの曲だけを演奏できるのなら、今すぐにでもやりたいよ。とてもロックで楽しくて、本当に僕の好みなんだ。Chris Caferry は John West と仲が良かったので、彼のことはよく聞いていたしね」
2015年の Wacken では、その SAVATAGE の一員とさはてプレイしました。
「うれしい依頼だった!私は彼らと彼らの音楽が大好きなんだ。これも私にとって忘れられない瞬間だった。それが Wacken だったことも、イベントの規模も忘れて。SAVATAGE の音楽を演奏することは、僕にとってとてもスリリングなことだった。Roger と初めて会って、ATLANTIS RISING を結成したときのことを思い出すよ。フロリダでリハーサルをやっていたんだけど、演奏しながら文字通り飛び跳ねていたよ。
“Jesus Saves” を演奏しているとき、私は飛び跳ね、汗をかき、ただとても楽しかった。2014年のヨーロッパTSOツアーで SAVATAGE の曲を演奏したのは素晴らしかったけど、SAVATAGE の一員として、SAVATAGE を愛し、SAVATAGE を観に来てくれたファンのためにここで演奏するのは本当に特別なことだった」

ウォームアップのルーティンなどはあるのでしょうか?
「楽屋にキーボードがあって、指の運動をして血の巡りをよくするんだけど、それはクラシックで訓練されたキーボード奏者としてはごく普通のことなんだ。でも、本番前の精神集中が大事なんだ。 ステージに上がる10分くらい前からシャットダウンして、目を閉じてアドレナリンと責任感に苛まれるモードに入るんだ」
Vitalij のアルバムのライナーノーツには、たいてい、”知識、経験、自信” を使っていると書かれています。
「それは私が自分自身を向上させるために使うツール。知識はやっていくうちに得られるもの。知識を応用して経験を積む。自信は、アーティストとして生き残り、自分の視点を守るために必要なものだ。そうでなければ、ただのコピーマシンか、浅薄なアーティストになってしまう」
クラシックの方だけに専念して、クラシックのピアニストとして名を馳せることを考えたことはあるのでしょうか?
「もちろん、若い頃はね!ヴラジミール・ホロヴィッツは私のアイドルだからね!ヨーロッパでオーケストラと共演したこともある。リサイタルもやったし、マスタークラスも開いた。ブラームスのピアノ協奏曲第1番、ラフマニノフの第2番、ベートーヴェンの第4番を演奏したよ!でも、そう、私は木のように自分を広げている。 私は音楽の力と喜びを感じられることをしたいんだ。私はクラシックの訓練を受けているので恵まれているけど、選択肢はたくさんある。クラシックを演奏することもできるし、ネオクラシカルなシュレッドを演奏することもできる。 私に音楽の喜びをもたらしてくれるものなら何でもいいんだ」

ホロヴィッツをアイドルとして挙げていますが、ロック面では誰に影響を受けているのでしょうか?
「ロックをあまり聴くことができなかった国から来たので、そのような影響という点では、本当にスクエア・ゼロからのスタートだった。尊敬する偉大なロック・キーボードのレジェンドたちのディスコグラフィーを研究していたら、自分自身の何かを失ってしまうということに気づいたんだ。私は完全に暗闇の中で狩りをするような気持ちでやっている。 偉大な音楽の一部が無意識のうちに沁み込んでしまい、”生の自分” を少し失ってしまうことが怖いんだ。
確かに Keith Emerson, Jon Lord, Rick Wakeman には大きな愛と敬意を抱いている。そして現役のプレイヤーでは、Jens Johansson を尊敬している。昔の彼はとても面白くて、とてもクールだった。彼自身も素晴らしい。Mike Pinella の大ファンでもある。Jordan Rudess も大好きだ。以前は、テクノロジーに重点を置く彼の芸術へのアプローチに懐疑的だった。 私は作曲してからスタジオでレコーディングするのが好きなんだ。しかし、そうしたプレーヤーに憧れているにもかかわらず、私は彼らから影響を受けてはいない。よくアーティストに尋ねると、”この人やこの人がいなかったら、私は今やっていない” と言うだろうが、私はそうではない。 自分の要素に集中する余地がなくなるから、頭の中にあまり詰め込みたくないだけなんだ」
メタルで好きな作品はあるのでしょうか?
「私は DREAM THEATER が大好きだ。すべてのアルバムを知っているし、メンバー全員にも会ったことがある。まだスイスにいた1993年に彼らのアルバム “Images and Words” にハマったんだ。Gary Moore, QUEEN, Sting も大好きだ」
クラシック以外の音楽を探求したことはありますか?
「もちろん。 常にね。ジャズでもヒップホップでも何でも、いろいろなジャンルの音楽を探求するのが好きなんだ。私はいつも作曲をしているし、これらのスタイルの音楽を演奏したり書いたりしてきた。音楽に限界はないんだよ」 安らかに…


参考文献: MUSIC AND ART: INTERVIEW VITALIJ KUPRIJ

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SOULMASS : PRINCIPALITY OF MECHANICAL VIOLENCE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SOULMASS !!

“Gundam’s Anti-war Message Has Endured Long Enough To Affect Many Generations Now And We Are Glad If We Introduced Others To It With This Album.”

DISC REVIEW “PRINCIPALITY OF MECHANICAL VIOLENCE”

「僕たちが年を重ねるにつれて、ガンダムを厳密に善と悪の物語として見なくなった。例えば、EFSFとジオンの二項対立だけじゃなく、その両組織内のさまざまな人々の人間ドラマは、良い例だと思う。”どちらの側にも良い人がいる” という議論ではなく、腐敗はどのようなスペクトラムにも起こり得るというテーマ。それは最初からメタルにおいてかなり語られていたと言えるね。権力を持つことによる腐敗、戦争に誇りなどないこと。今のところ、KREATOR と METALLICA が思い浮かぶね」
数あるロボット・アニメ/特撮ものの中で、ガンダム・シリーズが常にトップを走り続ける理由。それは、善と悪で割り切れる単なる勧善懲悪のストーリーではなく、何層にも折り重なる複雑かつ深淵な世界設定の中で、権力や腐敗に振り回される、抑圧を受けて苦悩する近未来の私たちの姿が描かれているから。ガンダム・シリーズはそして、例えばバスク・オムの暴走で、例えばミハルの悲惨な最後によって、権力の腐敗と戦争の無惨を浮き彫りにしていきました。
これはまさに、KREATOR が “Flag of Fate” で、METALLILA が “One” で語ってきたテーマそのものでしょう。すなわち、反戦、反権力、反抑圧はガンダムとメタルの間で長く共有されてきた重要なミノフスキー・核融合炉だったわけです。だからこそ、デスメタルのホワイトベースであるフロリダから、”ガンダムのメタル” を描く SOULMASS がこの時代に登場することは、ある意味必然でした。
「こうした世界で絶望を感じたり、無力感を感じたりするのは普通のことだよ。ガンダムの曲を作ることは、権威主義や社会的不公正の問題を現実に直接取り上げることに、間違いなく最も近いところにいる。ガンダムの反戦のメッセージは、今や多くの世代に影響を与えるほど長く続いているし、このアルバムで他の人たちにそれを紹介できたならうれしいね」
オープナーの “Jet Stream Attack” は、まさに権力が暴走し、抑圧が放置される2024年に向けて繰り出された黒い三連星の強撃。そうしてアルバムは、星の屑作戦からのコロニー落としで、平穏な暮らしを営む普通の人々が、いかに権力の欲望や歪んだ理想の犠牲となるのかをドゥーム・デスの獰猛で描き出していきます。
「力強さや残虐さを描いていることもあるけれど、僕らのアルバムの根底にあるのは、想像を絶する恐怖に直面してもアイデンティティーの感覚を保つということで、それは偶然にもガンダムと見事に合致していると思う」
バンドは BOLT THROWER や ENTOMBED、そしてもちろん往年のスラッシュやドゥーム・クラシックにインスパイアされていますが、それ以上に人間の暗い思考を反映した陰鬱と冷徹、そして暴力性をその身に宿しています。以前彼らがテーマとした “Bloodborne” 的死にゲーを思わせるその中毒性の高さは、まさに “重力に魂を惹かれた” 者たちの心も、”地球を知らぬ” 者たちの心もを鷲掴みにしていきます。
スペースノイドにも、アースノイドにも、いや誰にだってそれぞれの主張があり、それぞれに一理があるのは当然。重要なのは、どんな理不尽や恐怖に晒されても、一人一人が人間性を失わないこと。自分であり続けること。いつでも調和を目指すこと。ソロモンよ、SOULMASS は帰ってきた。
今回弊誌では、SOULMASS の二人にインタビューを行うことができました。「”Ζガンダム” は全シリーズの中で最も美しく、大仰な音楽だけど、最近の “鉄血のオルフェンズ” や “水星の魔女” の音楽も大ファンだね。Man With A Mission の “Raise Your Flag” は間違いなく僕の心に残るアンセムだ。アイナ・ジ・エンドの “Red:birthmark” も大好きだね」 どうぞ!!

SOULMASS “PRINCIPALITY OF MECHANICAL VIOLENCE” : 10/10

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