タグ別アーカイブ: us

MASTERPIECE REVIEW + INTERVIEW 【BOTANIST : Ⅵ: FLORA】JAPAN TOUR 2019 SPECIAL !!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH OTREBOR OF BOTANIST !!

“I Wanted To Push The Genre Further While Also Honoring Its Tradition. Making Botanist a Concept Project About Plants Felt Like The Way To Do That: 100s Of Bands Were Talking About Forests, But None Mere Taking It To a Specific, Scientific Level. “

DISC REVIEW “Ⅵ: FLORA”

邪悪や猟奇、そしてファンタジーがテーマとして掲げられるメタルワールドにとって、BLACK SABBATH, EMPEROR, DRAGONFORCE といったバンドの名こそ至当で理想的にも思えます。そんな倒錯した世界において、”植物学者” を名乗る BOTANIST はその原郷からすでに異端です。
「僕はブラックメタルというジャンルをその伝統に敬意を払いつつ、さらに先へと進めたいんだ。植物をコンセプトとした BOTANIST を立ち上げたのもまさにその想いから。これまで幾つものバンドが森については語ってきたけど、誰ももっと専門的なレベルで個別の植物については語ってこなかったよね。」2011年にサンフランシスコで Otrebor が創世したワンマンプロジェクトは、植物を科学し環境問題を追求する唯一無二の “グリーンメタル” へと開花して行きました。
これまでにも、WOLVES IN THE THRONE ROOM, AGALLOCH, ALCEST など自然崇拝をテーマとして、仄暗き森や鬱蒼と生い茂る木々を礼賛するブラックメタルの一派は確かに存在していました。しかし彼らはそのアトモスフィアに惹かれ、自然のよりスピリチュアルな領域へとフォーカスしていたはずです。
一方で、BOTANIST はよりミクロで科学的に植物への愛を貫きます。「多くのデスメタルバンドが死について書いていたけど、CARCASS は臨床的見地から死について最初に歌い、デスメタルをネクストレベルへ進めたんだ。」 CARCASS の死に対するある種ドライな向き合い方は、Otrebor が BOTANIST でより学術的に植物の姿を描き出す核心的なインスピレーションとなりました。ハナスイ、シーソラス、ヤエヤマヒルギといった耳馴染みのない植物を楽曲名に列挙する方法論はまさに CARCASS 譲り。
さらに BOTANIST はその “グリーンメタル” のコンセプトだけでなく、ハンマードダルシマーという特殊な楽器をメインに使用することでブラックメタルを未踏の領域へと導きます。
ドラマーを本職とする Otrebor にとって、スティックで弦を叩いて音を出すダルシマーは完璧なメロディー楽器でした。かつて住んでいたこの日本で運命的な出会いを果たした古のピアノは、風と共にロマンチックでエレガントな響きを運び、ギターレスのブラックメタルという倒錯と神秘的のアートを創造して行くのです。
貪欲な研究者 Otrebor は、緑の音楽を絶え間なく精製し続けます。リスナーの思考を絶え間なく促しながら、夢見心地に浮遊する陶酔と恍惚の極致 “Ⅵ: Flora” は、ソロプロジェクトとしての BOTANIST にとって一つの完成形だったのかも知れません。
一筋の新緑だったグリーンメタルの種子はそうして徐々に森を形成していきます。ローマ数字のナンバリングから “Collective” 表記へと移行し、初めてバンド形態で制作された “The Shape Of He To Come” のダイナミズム、グルーヴ、躍動感はまさしく “集団” としての生命力に満ちています。メンバーという養分を得て緑を増した聖森のざわめきは、より荘厳に、より実験的にリスナーの五感へと訴えかけるのです。
深刻な環境破壊により未曾有の危機に直面する人類と地球において、Otrebor は BOTANIST の発芽は必然だと語ります。「BOTANIST のようなプロジェクトは、地球の自己防衛メカニズムの結果であると心底信じているんだ。自然の重要性とその保存について情熱的な方法で人々に発言することを要求するようなね。」もしかすると彼らはは自然が意思を持って遣わした有機的なメッセンジャーなのかも知れませんね。
今回弊誌では、Otrebor にインタビューを行うことが出来ました。奇跡の来日が決定!「僕たちは、日本のファンがお気に入りの植物を携えて現れ、ライブで掲げてくれるのを熱望するよ!」どうぞ!!

BOTANIST “Ⅵ: FLORA” : 9.9/10

INTERVIEW WITH OTREBOR

Q1: Hi, Otrebor! Botanist’s Japan Tour is just announced! Of course, lot’s of fans are waiting for your coming. But also, there are lot’s of plants, flowers, trees you haven’t seen in Japan. You can’t wait for it, can you? haha.

【OTREBOR】: We are excited indeed. I used to live in Japan and did a tour there 10 years ago with a powerviolence band I was in (Utter Bastard. We did a split with Gesewa, a Japanese band that I loved since I saw them live), so I’ve experienced what it’s like to tour in your country. The other guys in Botanist have not and so they extra really wanted this to happen. We encourage any Japanese fans to bring their favorite plants with or on them!

Q1: 日本ツアーが発表されましたね!もちろん、日本ではファンも待っていますが、きっとあなたが見たことのない花や木々の植物も待っていますよ (笑)

【OTREBOR】: 実際僕たちは興奮しているよ。実は、僕はかつて日本に住んでいて、当時所属していたパワーバイオレンスバンドで10年前に日本ツアーも経験しているんだ。UTTER BASTARD ってバンドなんだけどね。
ライブを見てから大ファンな日本のバンド GESEWA とスプリットも出したんだ。だから君の国でツアーを行うのがどんな感じなのかはすでに経験しているんだよ。
ただ、BOTANIST の他のメンバーは経験がないから、特に日本ツアーの実現を望んでいたんだ。そして僕たちは、日本のファンがお気に入りの植物を携えて現れ、ライブで掲げてくれるのを熱望するよ!

Q2: Actually, what made you have an interest in botany, and environmental problem?

【OTREBOR】: It began with interest in botanical scientific taxonomy and classical botanical art. That’s the origin of the idea of Botanist songs told by a botanist gone insane by witnessing the destruction of the natural world. The interest in plants from being alone amongst flowers or trees ― you know, the more common story that is told by naturalistic black metal ― for sure has always resonated with me.

Q2: それにしても、ここまで植物学や環境問題にのめり込んだきっかけは何だったんですか?

【OTREBOR】: 全ての興味の始まりは、植物学の科学的分類と、芸術的な分類体系図だったね。それらが BOTANIST の楽曲アイデアの起源となったんだ。自然破壊を目の当たりにして狂った植物学者が語るという設定のね。
自然主義のブラックメタルで語られるありふれた物語だよ。もちろん、その物語はいつも僕と共鳴している。花々、木々の中で一人佇むと植物への興味が湧くんだ。

Q3: Of course, in not only black metal, but also whole metal world, no one plays “Green metal” but you. What inspired you to mix metal and botany?

【OTREBOR】: I’ve been obsessed with heavy metal since I was about 9 years old. That naturally progressed to more extreme forms of metal as I reached adulthood. It was particularly my fascination for black metal and its form of nature worship / spirituality / Romanticism that captivated me to want to make my own music. I wanted to push the genre further while also honoring its tradition. Making Botanist a concept project about plants felt like the way to do that: 100s of bands were talking about forests, but none were taking it to a specific, scientific level. It’s a topic that I feel will never get old with me. There are practically an infinite amount of plants, ecosystems, and aspects to present in an artistic context.

Q3: メタルシーン全体でも、”グリーンメタル” を掲げるのは BOTANIST のみです。メタルと植物学のミックスは非常にユニークですよね?

【OTREBOR】: 僕は9歳くらいからずっとメタルに取り憑かれているんだ。そして、大人になるにつれて、その興味はよりエクストリームな形態のメタルへと自然に移行していったんだ。ブラックメタルには特別魅了されたし、その中でも自然崇拝、崇高さ、ロマンチシズムが僕に自身の音楽を制作したいと思わせてくれたんだよ。
僕はブラックメタルというジャンルをその伝統に敬意を払いつつ、さらに先へと進めたいんだ。植物をコンセプトとした BOTANIST を立ち上げたのもまさにその想いから。これまで幾つものバンドが森については語ってきたけど、誰ももっと専門的なレベルで個別の植物については語ってこなかったよね。
この題材は僕にとって普及不滅にも思えるよ。だって世界には無限の植物、エコシステムが存在するから、それをアーティスティックに表現する方法も無限なんだ。

Q4: Regarding “Nature”, some black metal bands like Wolves in the Throne Room, Agalloch, Alcest, have an ideology of Nature Worship and spiritualism. Do you think you have some common points with them?

【OTREBOR】: Although I’ve enjoyed music by all those bands, I won’t presume to understand the nature of their spiritualism. For sure the nature worship aspect is an easy one to presume.

Q4: 仰るように、WOLVES IN THE THRONE ROOM, AGALLOCH, ALCEST など自然崇拝やスピリチュアリズムを掲げたブラックメタルバンドはいくつか存在します。BOTANIST はより科学的で彼らとは一線を画すという想いですか?

【OTREBOR】: だけど僕はそういったバンドの音楽を楽しんで聴いているんだ。ただあえて彼らのスピリチュアリズムの本質まで理解しようとしないだけでね。確かに自然崇拝はその中でも分かりやすいテーマだけどね。

Q5: Also, Botanist is really unique because you are no-guitar band. Inspite of guitar, you use hammered dulcimer. What’s the reason of that?

【OTREBOR】: The hammered dulcimer has an elegant, timeless sound to it. My using it to make records also is a simple case of necessity. I’m a drummer originally, and I originally wanted to make albums at my own pace in my own vision. The hammered dulcimer was maybe the best way to apply my skill set to a melodic instrument almost immediately.

Q5: さらに BOTANIST がユニークなのは、ギターレスでハンマードダルシマーを使用している点です。

【OTREBOR】: ハンマードダルシマーはエレガントでタイムレスな響きをもたらしてくれるよ。それにこの楽器を使用してレコードを制作する理由は、必要に駆られてという単純な面もあるんだ。
僕はもともとドラマーで、自分のペース、自分のビジョンでアルバムを作りたかったんだ。僕のドラマーとしてのスキルを即座にメロディックな楽器へと活かすには、ハンマードダルシマーがおそらくベストな選択だったんだよ。

Q6: Hammered dulcimer is said to be predecessor of piano. How did you find the instrument? And could you please introduce the instrument to Japanese fans who will come to your show?

【OTREBOR】: I in fact first learned about the hammered dulcimer in Japan! As I said, I used to live in your country. I was attending Kokudai at the time, and one day out in Tokyo (it was probably Kichijoji), I encountered an American hammered dulcimer player who had come to Japan to busk (play music on the street for donations). His name was Dave Neiman. He played largely folk-style songs and some classical pieces best adapted to the dulcimer, which he played in a traditional, acoustic style. I loved the music, stopped to listen for a long while, talked to the man and bought his CD. About 10 years later, after being in more traditional metal bands, when I felt it was time to make my own records, I remembered Dave Neiman and his dulcimer, and wondered if that was the instrument for my new project. It is probably in part thanks to Neiman that Botanist exists.
The hammered dulcimer is a Celtic instrument. It’s trapezoid shaped with strings over its face. You hit the strings with sticks. Botanist is the first band to take this acoustic instrument and adapt it to a metal context, which we have done by adapting magnetic pickups to the instrument and running the signal through distorted guitar amplifiers.

Q6: ピアノの祖先とも言われる打弦楽器ハンマードダルシマーとの出会い、そしてこの楽器の特色を教えていただけますか?

【OTREBOR】: 実はハンマードダルシマーを初めて習ったのは、日本だったんだ!先程も言ったけど、僕は日本に住んでいたからね。当時僕は横浜国大に通っていたんだけど、ある日東京、確か吉祥寺だったと思うんだけど、に出かけたんだ。そこでアメリカからストリートパフォーマーとして日本に来ているハンマードダルシマー奏者と会ったんだ。
彼の名前は David Neiman。伝統的なアコースティックスタイルで、大まかに言ってフォークスタイル、そしてクラシックの楽曲をプレイしダルシマーに完璧にハマっていたね。僕は彼の音楽が気に入って立ち止まり、長い間聞いて、話し、CDを買ったよ。
それから10年が経ち、僕はもっとトラディショナルなメタルバンドに居たんだけど、そろそろ自分自身のレコードを作る時だと感じたんだ。その時思い出したのが David Neiman と彼のダルシマーで、僕のプロジェクトに使えないかなと思ったわけさ。だから BOTANIST があるのは David のおかげてある部分もあるんだよ。
ハンマードダルシマーはケルトの楽器なんだ。台形で表面に弦を張っていて、スティックで叩いて音を出すんだよ。BOTANIST はこのアコースティック楽器をメタルの文脈に初めて取り入れたバンドなんだ。ただ、ピックアップをつけてギターアンプにシグナルを送っているんだけどね。

Q7: When I listened to “VI: Flora”, I was really surprised. I can’t believe you played everything in the progressive record. When the title moved from “Roman Numeral” to “Collective”, Botanist come to have more band like creative process, right? Which do you think Botanist is still your one man band, or full band now?

【OTREBOR】: It’s both! I like both the aspects of making records solo under the Botanist name, and having the project be a live entity that also records studio albums as a band.
I’m intending to continue to make solo albums, which will be noted with Roman numerals (for full-lengths) and “EPx” (1, 2, 3, etc…) for shorter albums. This is important for me to do as I write and record very quickly, and love to do so. It’s my favorite aspect of being a musician: the feeling of hearing something I recorded for the first time, right after recording it, and getting the sensation of that thing somehow having come from me. Starting Botanist was more than anything else out of a need to satisfy my huge desire to create music that spoke to something deep within me ― to stop make solo albums would for sure lead to the same frustrations that I was having before I started the solo project.
I also love the feeling of being in a band, taking that band on the road, and experiencing new places, cultures and people. It’s a very special way to travel, one that you don’t get by doing more typical tourist stuff. People come out to see you, and you get to have unique interactions based on that.
I also feel that opening up the originally solo project to other people allows for creation that I wouldn’t normally make simply because it isn’t all me! The first “collective” record is a perfect example: that album has a vibe and energy that is unique in the Botanist discography. It’s something that none of the six people on the album, myself included, would have been able to make on our own… and yet it is still undeniably Botanist in my view.
I want to continue the “collective” notion, and make albums with the people who are in Botanist. The part I regret about the first “collective” album, “The Shape of He to Come,” is that it’s a purely studio album that was never played on stage: all the other people on it (other than me) were no longer in the band when the album was released, and so the ideal of making an album as a band and then playing that material as a band, on stage, didn’t happen.
This year, Botanist will be releasing another “collective” album, which features the members of the live band, and which will be played on stage. We mixed the album with engineer god Fredrik Nordström (At the Gates, Arch Enemy), and it not only came out amazing, it came out amazing in a way that sounds unlike any other Botanist album in a big way. We’re intending to premiere a couple of the songs on stage for Japan!

Q7: “VI: Flora” を全てあなた一人で制作されたと聞いて驚きました。アルバムタイトルが、ローマ数字から “コレクティブ” 表記に変わり、現在はソロプロジェクトからよりバンド的な制作プロセスとなっているようですね?

【OTREBOR】: いや、両方なんだ!僕は BOTANIST の名前でソロの作品を作るのも、バンドとしてスタジオアルバムを作りライブを行うのも両方好きなんだ。
だから今でもソロアルバムを作り続けようと思っているよ。ソロアルバムの目印はタイトルで判別出来て、フルアルバムにはローマ数字が、短い EP だと数字がナンバリングされているんだ。
アルバムをとても速く書いて録音するのは僕にとって重要で、そうするのが好きなんだよ。ミュージシャンであることの喜びを享受するためと言うか。録音した直後、初めてその作品を聴いて、なんとかして自分の中から生まれたものの感覚を得る。
BOTANIST を始めたのは、自分の中から深く語りかける音楽を作りたいという、僕の大きな欲望を満たすために生まれた以外の何物でもないんだからね。ソロアルバムの制作をやめてしまうと、BOTANIST を始める前に抱えていたフラストレーションが再び溜まるのは間違いないね。
同時に、バンドとしてロードに出て、新たな場所、文化、人びとを知ることも大好きなんだ。典型的な旅行しか知らない人にとって、バンドでのツアーはちょっと特別だと思うよ。みんなが会いに来てくれて、ユニークな相互作用を得ることが出来るんだから。
それに、元々のソロプロジェクトだったものを他のミュージシャンにも解放することで、僕が通常では出来ないような創造が可能になるとも思っているんだ。最初の “コレクティブ” なレコードはその完璧な例だね。アルバムは、BOTANIST のディスコグラフィーの中でユニークな雰囲気とエネルギーを持っているんだ。僕自身も含めて、アルバムに関わった6人の誰もが一人では作ることができなかったということだね…それでも僕の見解では疑いようもなく BOTANIST のアルバムなんだ。
僕はこの “コレクティブ” な概念を続けて、BOTANIST のミュージシャンと一緒にアルバムを作りたいんだ。僕が最初の “コレクティブ” アルバム “The Shape of He to Come” について後悔しているのは、それがステージで演奏されたことのない純粋なスタジオのアルバムだということだね。僕を除いて、アルバムがリリースされた時のメンバーはもうバンドにいないからね。だからアルバムをバンドとして作成し、そのマテリアルをバンドとしてステージ上で演奏するという理想は起こらなかったんだ。
BOTANIST は今年、新しい “コレクティブ” のレコードをリリースするよ。ライブバンドのメンバーがプレイして、しっかりステージでも再現されるレコードをね。ARCH ENEMY, AT THE GATES を手がけたエンジニア神 Fredrik Nordström がミキシングを行ってくれてね。そのサウンドは他のどの BOTANIST 作品とも大きく異なっていて、驚きを与えるはずさ。何曲か日本のステージで初披露するよ!

Q8: I’m convinced that you are influenced by Ulver. But, it seems you also influenced by Angra, Helloween, and Carcass. They are still big in Japan. Do you know that?

【OTREBOR】: Ulver’s first three albums, and “Bergtatt”, their first album in particular, is maybe the single biggest *direct* influence on Botanist. Within black metal, it’s lovely and timeless, and perfectly incorporates every element that I want the most in black metal: it’s raging, it’s calm and introspective, it’s harsh, it’s beautiful, it’s organic. It sounds like the forest speaking through the metal pantheon. If there’s one album i would play as introduction to anyone curious about the genre, it’s “Bergtatt.”
I’m influenced by Carcass more by what they did with their concept. As I see it, they decided to make a band based on opening the medical dictionary and writing songs about autopsies and diseases from a scientific standpoint. Many death metal bands were writing about death, but Carcass took it to the next level by being the first to sing about it from a clinical standpoint. This for sure enabled me to say “if someone did it about scientific pathology, how about doing it about scientific botany?” And apply that to my own version of it.
I love Helloween, Angra, and a bunch of old school style “European” power metal bands. But you won’t hear power metal influence in Botanist so much ― it’s more power and prog metal’s arrangements, structures, and time signatures that inspire Botanist. Here’s another one that is a big influence: Lost Horizon. I’ve studied that bands’ two albums’ arrangements a lot, to the point where they have greatly influenced the creation of two notable Botanist solo albums to come. You won’t know it when you hear it, though! I take elements of the structure, focus on some aspects that I think will work very well for my uses, and create Botanist’s own thing over the groundwork that the masters have already made.

Q8: ULVER は BOTANIST にとって一つ大きな影響元だと思いますが、意外なことに CARCASS, HELLOWEEN, ANGRA といったバンドからもあなたは影響を受けているそうですね? 日本では今でもとても人気があるバンドですが。

【OTREBOR】: ULVER 最初の3枚は、ファーストアルバム “Bergtatt” は特にだけど、BOTANIST に最も大きな直接的影響を与えているね。ブラックメタルの中でもラブリーでタイムレスだよね。そして僕がブラックメタルに求める全ての要素が完璧に盛り込まれているんだ。
激怒していて、静かで、内省的で、過酷で、美しく、そしてオーガニック。まるで森がメタルのパンテオンを通して話しているように聞こえるよね。ブラックメタルに興味がある人への紹介として聴かせるアルバムが1つあるとすれば、それは“ Bergtatt”なんだ。
CARCASS にはそのコンセプトにより影響を受けたね。つまり、彼らは医学的な辞書を開いて剖検や病気に関する歌を、科学的な観点から書くことに基づいてバンドを作ることにしたわけだよ。
多くのデスメタルバンドが死について書いていたけど、CARCASS は臨床的見地から死について最初に歌いデスメタルをネクストレベルへ進めたんだ。彼らのおかげで「誰かがデスメタルを科学的病理学に適用したなら、科学的植物学についても出来ない訳がない。」と僕は主張することが出来たんだ。そうして僕自身のバージョンに適用したんだよ。
僕は HELLOWEEN, ANGRA といったオールドスクールな “ヨーロピアン” パワーメタルバンドが大好きなんだ。ただ、BOTANIST の音楽にパワーメタルの影響を垣間見ることはあまり出来ないだろうな。アレンジメント、ストラクチャー、拍子なんかにはインスパイアされているんだけどね。
他にプログパワーだと、LOST HORIZON には大きな影響を受けたね。あのバンドの2枚のアルバムのアレンジメントからは沢山学ぶところがあったね。BOTANIST 2枚のソロアルバムが生まれるのに多大な影響を与えたと言えるほどにね。きっと聴いても分からないだろうけど!構成から要素を抽出し、僕の音楽にハマるようアジャストしているからね。

Q9: Of course, we are at the edge of crisis because of environmental issues. Do you think music and your Green metal can change the situation somehow?

【OTREBOR】: Maybe in some way, it can. I truly believe that projects like Botanist are as a result of the Earth’s self-defense mechanism ― that it compels and commands people to speak out in a compulsive, passionate way about the importance of Nature, its preservation and the lessons that teaches us as a species. Not just artists, this expression of the self-defense mechanism is said through activists and writers. In my case, art and music is the way I can most effectively do this, and the best way I can make something that in some way can have a positive impact on every living thing. If what I do can influence any amount of people, and if that in turn can influence any amount of people, then we are indeed talking about something that collectively can change the world.

Q9: 世界は環境問題によって危機に直面しています。”グリーンメタル” はこの状況をいくらか改善へと導くことが出来るでしょうか?

【OTREBOR】: おそらく、いくらかは出来るんじゃないかな。僕は、BOTANIST のようなプロジェクトは、地球の自己防衛メカニズムの結果であると心底信じているんだ。自然の重要性とその保存について、情熱的な方法で人々に発言することを要求するようなね。
この自己防衛メカニズムの表現は、芸術家だけじゃなく活動家や作家を通しても行われているよ。僕の場合、芸術と音楽がこの表現を最も効果的に行うための方法であり、すべての生物にポジティブな影響を与える最善の方法なんだ。
僕のしていることがいく人かに影響を及ぼし、そしてその人たちが次にまたいく人かに影響を与えることが出来るのであれば、僕たちは実際、集団として世界を変えることが出来るんじゃないかな。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED OTREBOR’S LIFE

DAVE NEIMAN “EARLY WORKS”

Even though I wouldn’t normally include Dave Neiman “Early Works” in my list, this interview has made me realize I should include it in the list.

Dave Neiman の “Early Works” は含めなきゃならないね。

IRON MAIDEN “SOMEWHERE IN TIME”

the heavy metal album I heard at age 11 that for sure made me a slave to the genre for life.

11の時に聴いてメタルに一生ハマると確信したよ。

IMMORTAL “AT THE HEART OF WINTER”

the album that enabled me to go from someone who felt black metal was weird and unapproachable to something I could really get into. I first heard this at Disk Union in Kichijoji at a listening station. I went back every day for a week to listen to it, and it became more and more interesting. Since, my love of the genre has encompassed so much.

奇妙で親しみがたいものだったブラックメタルにハマることを可能にしたアルバム。最初にこの作品を聴いたのは吉祥寺のディスクユニオンのリスニングステーションだったね。僕はそれを聴くために一週間毎日通ったよ。そしてますます面白くなったね。それ以来、このジャンルに対する僕の愛はどんどん増しているよ。

RUSH “MOVING PICTURES”

Neil Peart was the first and most important influence on me to start being a musician and playing drums. “Moving Pictures” was the first Rush album that I listened to over and over.

Neil Part は、ミュージシャンを志しドラムをプレイする僕に最初のそして最も重要な影響を与えてくれたね。最初に何度も何度も聴いた RUSH のアルバムさ。

VADER “BLACK TO THE BLIND”

At first, I could listen to death metal and Vader only in small does of a few minutes before I got tired. But I was still fascinated. Doc’s drumming was one of the ones that made me want to specifically play in a *metal* style. He’s still one of my favorites ever.

Docのドラミングは、僕が特に “メタル” スタイルでプレイしたいと思ったものの1つ。彼は今でも僕のお気に入りの1人だよ。

MESSAGE FOR JAPAN

We can’t wait to experience the unique enthusiasm and passion that Japanese metal and music fans bring! I’m personally so excited to see my bandmates experience your fascinating country and your people for the first time, and to hear their reactions. I know for sure it will make very important life experiences for them. Maybe we will be able to offer the same for some of you who come to our shows?
The happiest man is he who learns from Nature the lesson of worship . — Ralph Waldo Emerson

僕たちは日本のメタル、音楽ファンがもたらすユニークな熱意や情熱を経験するのが待ちきれないんだ!個人的には、バンドメイトに君たちの魅力的な国や人びとを初めて経験させてあげられて興奮している。反応が楽しみだよ。彼らにとってとても重要な人生経験となるだろうね。読者のみんなも、ライブに来れば同じように重要な経験が出来るはずさ。自然から教訓を学ぶ人こそ最も幸福だ。

OTREBOR

チケットの詳細はこちら。Birushanah Facebook
BOTANIST Facebook Page
BOTANIST Official Site
BOTANIST Bandcamp
AVANTGARDE MUSIC Facebook Page

mmmB5dvKwaCcAEznJZ

PLZ FOLLOW US ON FACEBOOK !!

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JOURNAL : CHRYSALIS ORDALIAS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JOE VAN HOUTEN OF JOURNAL !!

“I Have Always Been Fascinated By Emotional And Memorable Music That I Would Hear In Certain Video Games – Particularly JRPGs Like Final Fantasy And Chrono Trigger, As Well As High-Fantasy Action Adventure Games Like The Legend of Zelda Series.”

DISC REVIEW “CHRYSALIS ORDALIAS”

サクラメントに居を置く JOURNAL が “Unlorja” で2010年に奏でたテクニックとカオスのエクストリームな二重奏は、ゲーム音楽のエピカルな薫りも纏いながらプログメタル/マスコアの “日誌” に確かな足跡を刻みました。
8年の後、遂に帰還を遂げた JOURNAL が掲げたのは、幼少期から馴れ親しみ愛し続ける “JRPG” 日本のロールプレイングゲームを彷彿とさせる世界観の更なる拡大でした。
「僕のフェイバリットコンポーザーは、ファイナルファンタジーの植松伸夫さんとゼルダの近藤浩治さんなんだ。疑いようもなく、僕が聴いて来たどのメタルバンドよりも強く影響を受けているね。」ゲームの話となると明らかに饒舌さを増すコンポーザー Joe。彼のゲームに対する強い愛情は、そのまま JRPG とそのサウンドトラックのスペクタクル、壮大な世界観、ストーリー展開の妙、そして溢れる感情を最新作 “Chrysalis Ordalias” へと投影することになりました。
もちろん、そこには Joe が養ってきた THE DILLINGER ESCAPE PLAN, TRAINING FOR UTOPIA, CANDIRIA, PROTEST THE HERO, CAR BOMB といったカオティックなメタル/ハードコアの素養が基盤して存在しています。さらに160ページに渡るストーリーを反映する歌詞の深みは COHEED AND CAMBRIA 譲りでしょうか。
そうして、Joe が言うところの 「複雑なタイムシグニチャーと突拍子もないテンポをユニークにブレンドし、同時に様々な感情や景色を運ぶ作曲の妙を得ることが出来たんだ。僕たちの音楽を RPG のボス戦みたいだって言う人もいるくらいでね!」 という独創性極まるユニークブレンドのコンセプトアルバムは完成を見たのです。
JOURNAL の音楽に一際個性を生んでいるのが、ファストで難解なチップチューンサウンドの楽器による完全再現でしょう。確かに8bitサウンドをメタルワールドへと取り込んだバンドは少なからず存在していますが、人の手で半ば強引に勇敢に導入する JOURNAL の姿はまさに開拓者。
実際 Joe も、「8-bit のビデオゲームサウンドを取り入れているバンドも素晴らしいんだけど、僕は人が楽器をプレイしたサウンドの方が好きなんだ。」 と語っていますし、その試みがより生々しいサウンドスケープと、複雑でアグレッシブな迫真のインテンスを共存させているのは明らかです。
事実、”Calamity Smile” はバンドのエクストリームな実験が未曾有のダイナミズムを創造するマイルストーン。FFシリーズのバトルを想起させるスリリングな音符の連鎖、リズムの荒波を、全て演奏で具現化する狂気のハイテクニックは圧倒的な混沌と緊迫感を放ち、一方で中盤のファンキーなパートではチョコボに乗って旅をしているかのような優しい錯覚を抱かせます。
もしかすると、SikTh がゲーム音楽を制作すれば同様の景色に到達するのかもしれませんね。音の先にイメージが宿る無上のサウンドスケープ。
さらに、Joe 自身、ex-CONDUCTING FROM THE GRAVE の Drew Winter 等4人を起用したマルチボーカルシステムも完璧に機能しています。ロールプレイングゲームのキャラクターのように生き生きと適材適所で語りかける彼らの声はグロウル、スクリーム、クリーンに分厚いハーモニーまで自由自在。
特にゼルダのカラフルで牧歌的世界観が表出するタイトルトラック “Chrysalis Ordalias” では、ワイドなボーカルレンジが鮮やかに楽曲の多様性、コントラストを引き立てていますね。
ゲームとエクストリームミュージックの魅力が収束した日誌の1ページ。今回弊誌では、ギタリスト、コンポーザー、そしてボーカルも務める Joe Van Houten にインタビューを行うことが出来ました。
「例えば “FF10” の悲哀極まるシーンで、実に悲しいピアノの調べが流れ出すようにね。そうして僕たちは、ティーダとユウナがいつか結ばれることをただひたすらに願うんだ!大好きなストーリーだよ。」 どうぞ!!

JOURNAL “CHRYSALIS ORDALIAS” : 9.9/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JOURNAL : CHRYSALIS ORDALIAS】

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【HORRENDOUS : IDOL】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH HORRENDOUS !!

“We Definitely Did Not Have Any Intention Of Sounding Like The Bands Like Cynic, Death, Atheist, And In My Mind Any Similarities Between Us And Them Are Mostly Philosophical. “

DISC REVIEW “IDOL”

2009年に Matt と Jamie の Knox 兄弟、そして Damian Herring によって産声を上げたフィラデルフィアの “ポストデスメタル” アクト HORRENDOUS。デスメタルの過去と未来を繋ぐその進化の徒花は、アルバムを重ねるごとに狂気の色を濃くしています。
USデスメタルとヨーロピアンデスメタル、もしくは古の残虐と技術革新を結ぶ “恐怖の” 架け橋。オールドスクールへの憧憬を垣間見せつつ、CYNIC や DEATH を彷彿とさせる洗練されたコンポジションとテクニックに、EDGE OF SANITY や DARK TRANQUILLITY のロマンチシズムを封入。さらにはマスロックの難解、ポストロックのアトモスフィアさえ加味した前作 “Anareta” は、新旧メタルファンから絶賛を受けたマイルストーンとなりました。
しかし、「冒険的という意味では、どの作品でも僕たちはずっと “プログレッシブ” だったつもりなんだ。ただし、ほとんどのリスナーが最新作を最もプログレッシブなアルバムだと言うのは分かるんだけどね。」 と Jamie が語る通り、進化を止めないバンドの冒険は真の意味での “プログレッシブ” を一層探求した新作 “Idol” へと結実しています。
Jamie の「Alex がライティングプロセスへと加わることでこのアルバムに違いが生まれたのは確かだけどね。というのも、彼はフィラデルフィアのシーンの中でもエクスペリメンタルやフリージャズに精通しているからね。」 との言葉が裏付けるように、長年ベースレスのトリオとして積み重ねて来たバンドの実験的フィロソフィーは、卓越したベースマン Alex Kulick の加入でその深淵を一層増すこととなりました。
CYNIC を想起させるアトモスフェリックなイントロダクション “Prescience” は作品のムードを決定付ける重要なスターター。デスメタルシーンのトレンドがオールドスクールへと傾く中、HORRENDOUS の選択はあくまでも実験性とテクニックの追求でした。もちろん、ベースラインの蠢くようなジャズダンスも Alex の鮮烈な紹介状となっていますね。
邪悪な影が際立つ “Soothsayer” はフォーピースとなったバンドの能力を最大限に見せつけたアドレナリンラッシュ。DEATH よりも複雑に、CYNIC よりも哲学的に、AUTOPSY よりも陰重に。エゴにも似た各自の煌めく技巧は、いつしか一塊りとなりバンドの飽くなき欲望を代弁していきます。
Marty Friedman はもちろん、時に Chris Poland をもイメージさせるインテレクチュアルな Matt と Damian のツインギターアタックは、アルバムを通じて MEGADETH のスリルを再現していますね。
幽玄なアルペジオと Alex のジャズダンスに導かれる “The Idolater” は、バンドの重厚で繊細なレイヤードへの拘りが体現した楽曲。まるでワーグナーに魅入られたかのように威風堂々、高尚かつ壮大なデスメタル楽劇は、リスナーをリピートの無限地獄へと陥れる好奇心の泉なのかもしれません。その中毒性は、いつしか視聴毎に訪れる新たな発見の喜びへと変化していきます。
“Divine Anhedonia” は何よりバンドの実験精神が憑依した楽曲でしょう。メインリフで祝われる Miles Davis の “Bitches Brew” にも通じるロックとジャズの婚姻は、メタルのエナジー、そして千変万化な触手の如きタイムストラクチャーをも纏って “無快楽” を快楽へと転化するのです。確かに “リズムの可能性の探求は “Idol” の大きな部分を占めて” いるようですね。
“Devotion (Blood for Ink)” のクリーンボーカルとグロウルの対比に在りし日の OPETH へと想いを馳せるファンも多いでしょう。それにしても実に多様で創造性に満ちた作品です。「CYNIC, DEATH との相似点はむしろ哲学的なものなんだ。」その言葉こそが “Idol” “偶像” の本質を射抜いているのではないでしょうか。
今回弊誌では、HORRENDOUS のメンバー全員にインタビューを行うことが出来ました。「僕にとっては大前提として、ジャズとはジャンル分けの言葉というよりも政治的な言葉なんだ。」 本誌2度目の登場。どうぞ!!

HORRENDOUS “IDOL” : 9.9/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【HORRENDOUS : IDOL】

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THRAILKILL : EVERYTHING THAT IS YOU】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH WES THRAILKILL FROM THRAILKILL !!

“Labeling Can Only Get Us In Trouble. Every Band Or Album We Come In Contact With Should Be Viewed As It’s Own Entity, To Be Digested As Art.”

DISC REVIEW “EVERYTHING THAT IS YOU”

ハリウッドに居を構える楽器演奏者の登竜門 Music Institute。その過酷な虎の穴とも言える通称 MI で結成され、Instru-metal 道を追求していた MAMMOTH が THRAILKILL と名を改めリリースした “Everything That Is You” は、バンドの過去と現在、そして未来全ての作品を繋ぎ、与えられたギフトへと感謝を捧げる人間讃歌です。
自らが考案した “Cream Theater” の異名を追い求めた黎明期から、ストイックなトリオは音楽の旅を続けています。実際、MAMMOTH として最後にリリースした “Deviations” は、ANIMALS AS LEADERS を思わせるコンテンポラリーなヴァイブと、LIQUID TENSION EXPERIMENT にも通じる Tech-metal の王道、そして THE ARISTOCRATS のジャズ精神を巧みにミックスし、プログメタルシーンのリスナーを思考させ唸らせた快作でした。
ただ、HAKEN との有意義なツアーの後、同名バンドの乱立により改名を余儀なくされた彼らは、ギタリストで中心人物 Wes Thrailkill のラストネーム THRAILKILL を看板として掲げることに決めたのです。
「同じようなアルバムは2枚と作りたくない」と語る Wes の言葉を裏付けるかのように、”Everything That Is You” は MAMMOTH からのさらなる深化を封じる作品です。
「最新作はよりプログメタルにフォーカスした作品だよ。過去には各ソロイストを強調したジャズ/フュージョン寄りのアルバムも作ってきたけどね。」 と Wes は語りますが、彼の言うジャズ/フュージョンとはより個としてのソロイストを強調した作風、そしてプログメタルとはより全体のビジョンを統一した絵画のような作風と理解するべきでしょう。
そのコンセプトを考慮に入れて作品と向き合えば、THRAILKILL の目指す場所がより鮮やかに伝わって来るはずです。
Djent の季節を過ぎ、近年インストゥルメタル界隈では、ロックとジャズを融合させた難解とも言えるフュージョンというジャンルをより多様に、ポップに、現代的なサウンドでハイクオリティーにディフォルメする動きが高まりを見せています。
出自は Djent である INTERVALS や PLINI, さらに OWANE や ARCH ECHO といった超新星までそのカラフルなサウンドに込められた共通項は、知的でありながらキャッチーの粋を集めたその煌びやかなデザインでしょう。
実際、彼らは全て超一流のソロイストを揃えていますが、決して複雑怪奇なリードプレイ、それに “0000” を延々と奏でることはありません。ミニマルとさえ言える印象的なメロディーやリフを膨らませながら、R&B、ポストロックやエレクトロニカ、時にヒップホップまで飲み込んでリスナーにフックの洪水を投げかけるのです。
彼らと比較すれば存分にメタリックですが、THRAILKILL も確かにその大渦の中にいます。実際、”Consciously” でゲストプレイヤー Ryan Cho が奏でるヴィオラの響きがシネマティックなアルバムの幕開けを告げると、そこには Instru-metal のディズニーランドが広がって行くのです。
Final Fantasy のスリルをイメージさせる “Aware”、ポストロックの多幸感がヘヴィーフュージョンと溶け合った “Before”、デジタルの響きがエモーションを加速させる “Everything’s”、TRIBAL TECH のファンクを受け継ぐ “Gone”、そしてマスロックの洗礼を大いに浴びたタイトルトラックまで、躍動感を持った楽曲群はシームレスに繋がりそのエンターテインメント性を解き放っていきます。
一方で、もはや “Dream Rush” のニックネームこそ適切に思える奇想天外なオッドタイムの荒波で、しっかりと舵を取るリズム隊の貢献に触れない訳にはいかないでしょう。特に日本人である Yas Nomura の溢れるフレーズアイデアと巧妙な指捌き、ジャズの鼓動は、和製 Jaco Pastorius の形容もきっと過称ではないはずです。(余談ですが彼はギタリストとしても素晴らしい腕前で、Allan Holdsworth を彷彿させるプレイを聴かせます)
もちろん、ARCH ECHO の Adam Bentley がミキシングを手がけたことも偶然ではないでしょう。今回弊誌では Wes Thrailkill にインタビューを行うことが出来ました。「Yas は日本から来たんだよ。最初僕たちが会った時、彼が話すことの出来た英語は “Dream Theater….” だけだったくらいさ。」 どうぞ!!

THRAILKILL “EVERYTHING THAT IS YOU” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THRAILKILL : EVERYTHING THAT IS YOU】

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NITA STRAUSS : CONTROLLED CHAOS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NITA STRAUSS !!

“I Think DEFINITELY The Time Has Come!! When I Was a Young Guitar Player, There Were Very Few Women Playing Guitar, And The Ones That Were Didn’t Really Play “Shred”.”

DISC REVIEW “CONTROLLED CHAOS”

男性が支配するロック/メタルのコミュニティーにおいて、数少ない女性パフォーマーの存在は、拒絶や差別との戦いを強いられた嵐の航海だったと言えるでしょう。
そして、フロントウーマンはもちろん、Orianthi, Yvette Young, Sarah Longfield などギターヒロインまで台頭し浸透した2010年代になっても、性的なコメントや挑発に対処する必要は未だなくなってはいないのです。
オーストリアのクラッシック音楽家ヨハン・シュトラウス2世の血を引くシュレッダー Nita Strauss は、その高い知性と敏腕で轟天と荒波を潜り抜け、シーンにおける女性の地位確立に大きな貢献を果たして来ました。
「”間違いなく” 遂に女性の時代が来たと感じているのよ!!メタルシーンにとって素晴らしい時代になったのよ。」AS BLOOD RUNS BLACK, THE IRON MAIDENS, FEMME FATAL そして Alice Cooper。女性の存在がまだ極少だった時代から、華麗にキャリアを紡いで来た開拓者の精神はそして実にポジティブです。
「有名な哲学者の言葉に、”幸運とは、しっかりと準備する者の上に舞い降りる” というものがあるわ。そして私は心からその言葉を信じているのよ。私は全ての人生を通して、Alice Cooper のようなレジェンドと共にプレイするため準備を続けて来たの。出来るだけ様々なバンドとツアーをしながらね。」Nita はどんなギグであろうと、観客に彼女の名を刻みたいと語っています。そして、そうした努力と前向きな姿勢がショックロックレジェンドの右腕という場所へ彼女を誘ったのでしょう。
さらに Nita のソロアーティストとしての船出には、ヴァーチュオーゾ Steve Vai もその力を貸しています。Steve がエグゼクティブプロデューサーを務めた、ギターヒロインのみから成るコンピレーション “She Rocks, Vol. 1″。ここに収録された “Pandemonium” は、Lita Ford, Jeniffer Batten といった先達の楽曲をも凌ぐインパクトとパワーに満ちていました。
メタルコア、デスコア、Djent といったモダンメタルを抱擁する新鮮なビジョンと、ワーミーペダル、ハーモニクス、ファストなアルペジオをトレードマークとするコンビネーションの妙技。
実際、ルーツである Shrapnel 直系のシュレッドを、クラシカルな出自、コンテンポラリーでダークなアグレッションと結び付けた Nita の野心は、彼女の言葉を借りれば “Leave No Doubt” 疑いようもなく傑出していて、心ないファンの挑発を黙らせるだけの才能と実力を見せつけていますね。
そして何より、アルバムを締めくくる QUEEN のカバー “The Show Must Go On” で提示するストリングスとの甘やかな共闘、ダイナミズムの香り、メロディーを操るセンスには未来への可能性が存分に詰まっているはずです。
今回弊誌では、Nita Strauss にインタビューを行うことが出来ました。「私は学校にもほとんど友人がいなくてね。だから、私は授業の間の休み時間も一人でギターを弾いて過ごしていたのよ。一見不幸にも思えるけど、長い目で見ればそういった境遇によって私はより良いギタープレイヤーになれたの。」リリースは Sumerian Records から。どうぞ!!

NITA STRAUSS “CONTROLLED CHAOS” : 9.8/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NITA STRAUSS : CONTROLLED CHAOS】

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【AZUSA : HEAVY YOKE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CHRISTER ESPEVOLL & DAVID HUSVIK OF AZUSA !!

“I Think The Whole Metal Genre Needs An Alteration, And The Domination Of Male Energies Comes With Certain Limitations And Lacks Dynamics. In General, We Need More Females Involved.”

DISC REVIEW “HEAVY YOKE”

Kate Bush がフロントウーマンの SLAYER。Chelsea Wolfe 擁する THE DILLINGER ESCAPE PLAN。もしくは Joni Mitchell と CYNIC の邂逅。
ネイティブアメリカンの透明な少女、ヒーラーの名を冠する AZUSA は、様々な “If” を浄化と知恵、調和と変化のダイナミズムで実現しながら、飛躍するフィーメールフロンテッドの潮流を一層確かなものとします。
多国籍のスーパーバンド AZUSA の始まりは、THE DILLINGER ESCAPE PLAN の Liam Wilson が EXTOL に送った一通のメールでした。昨年終焉を迎えたカオティックハードコアの首謀者を牽引したベースマンは、明らかにノルウェープログメタルの至宝に激しく惹かれていました。
一方はヴィーガンでヨガを嗜む探求者。一方はキリスト教の中でも特に精霊の加護を掲げる一派で育った、クリスチャンメタルの求道者。もしかすると、両者の間には “スピリチュアル” という共通項が存在したのかも知れませんね。
そして David が「男性のエナジーがシーンを支配することで、リミットやダイナミクスの欠如が生まれていると思う。だから一般的に、僕たちはもっと女性を取り込んで行く必要があるんだよ。」と語る通り、AZUSA の更なる独自性は女性ボーカル Eleni Zafiriadou の加入で決定的なものとなりました。
ハードコアを経由し、現在はインディーポップデュオ SEA + AIR で魅惑の歌声を響かせる Eleni の、ブルータルからドリーミー、そしてポップを行き来する万華鏡のアプローチは、それでも未だ男性が大半を占めるエクストリームの声に鮮やかな新風を吹き込んでいます。
もう一つの重要なトピックは、EXTOL から袂を別ったギタリスト Christer Espevoll がドラマー David Husvik と再度邂逅を果たしたことでしょう。
CYNIC や DEATH の知性と神秘のアグレッションを、北欧からキリスト世界のイメージと共に発信していた EXTOL の異能。ボーカル Peter の兄弟で、そのデザインを支えていた Christer が従兄弟である一族の David と再び創作を始めたことは、バンドやシーンにとって実に歓迎すべき出来事であるはずです。
実際、アルバムオープナー “Interstellar Islands” で2人のケミストリーは、瞬く間にかつての輝きを取り戻します。メロディックにリズミカルに、思慮深く構築される Christer の幾何学的ギターワークは、15年の時を超え David の放つ正確無比なグルーヴと見事に交差し調和していきます。もちろん、複雑に連なるオッドタイムの基幹となるは Liam のベースノート。
「特に Liam と Eleni が AZUSA に加わってから僕たちは全く異なる場所にいると言えるだろうね。実際、”Heavy Yoke” の作曲とレコーディングのプロセスは、思いもしなかった場所に僕たちを誘ったんだ。僕たち2人が始めた時は想像もつかなかったような場所にね。」 と Christer が語る言葉は真実です。
スラッシュの凶暴からサイケデリックワルツ、そして甘やかなポップをシームレスに接続し、刻々とタイムワープを繰り返すスリリングな楽曲で、Eleni の魔法は冴え渡ります。
そうしてそのエクレクティックな才能は、入り組んだ迷宮のような “Heavy Yoke”、一方でよりストレートなハードコア賛歌 “Heart of Stone”、そして初期 CYNIC のアトモスフィアを纏った “Spellbinder” までリアルタイムで適応し、バンドの目的地である美しき不協和、メタルホライゾンの向こう側を煌々と照らすのです。
相互に織り成す人間関係のより暗い側面、現実に蔓延る感情的な重さへと焦点を当てたアルバムで、Eleni は 「私の夢を一瞬で踏みにじる準備は出来た?」 と唄います。シーンは彼女の叫びにどう反応するのでしょうか?
今回弊誌では、元 EXTOL の Christer と現 EXTOL の David にインタビューを行うことが出来ました。「僕たち2人がハードロックやメタルを聴き始めたのは12, 13歳のころだったね。僕等の両親はその行為にとても懐柔的だったんだけど、ただしクリスチャンロック、クリスチャンメタルのバンドはキリスト教の教えを歌詞に盛り込んでいるから許されていたんだよ。」 どうぞ!!

AZUSA “HEAVY YOKE” : 9.9/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【AZUSA : HEAVY YOKE】

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DAUGHTERS : YOU WON’T GET WHAT YOU WANT】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ALEXIS MARSHALL OF DAUGHTERS !!

“The Title Definitely Serves As a Disclaimer. A Reminder To Everyone, Ourselves Included, Expectations Tend To Be More Of a Hindrance Than Aide. “

DISC REVIEW “YOU WON’T GET WHAT YOU WANT”

“欲しいものは手に入らないよ”。音楽に限って言えば “叶わぬ望み”、それは決して悲観すべき状況とのみは言い切れないのかも知れませんね。
ロードアイランドの州都プロビデンスで、最も不遜にして刺激的な音圧を刻み続ける実験のエクストリームアクト DAUGHTERS は、リスナーの期待に易々と添うことを良しとせず、臆す事なくジャンルの壁を粉砕し、サディスティックにそのクリエイティブなビジョンと牙を研ぎ澄ましています。
実際、8年振りのご褒美 “You Won’t Get What You Want” のタイトルは、かつての姿を望む全てのファンに向けた警告であり、放棄の証とも言えるのです。「このタイトルはディスクレーマーさ。期待は時に助けよりも妨げになるという事実を、みんなに思い起こしてもらうためのね。僕たち自身も含めてね。」 Alexis Marshall がそう語る通り、バンドは常に変化の中から内なるモンスターを覚醒させていくのです。
事実、躁の一極へと振り切った初期のマスコアイズム、グラインドコアのアドベンチャーは、時と共に成熟を遂げバンドのアグレッションをより狂気の方角へと導いていきました。
そうして、2010年にリリースされた前作 “Daughters” は培ったノイズロックの息吹を全面に開花させ、アンチメロディーからアクセシブルの地平へと舵を切ったマイルストーンへと仕上がったのです。
しかし、高まる人気、注目の一方でバンドは疲弊していました。「多くのことが一度に起こりすぎて、充分に内省、考慮することが出来なかったんだろうな。何年もずっとツアーを続け、些細なことでも深刻な問題となってしまったね。だから時間を置いて離れる必要があったのさ。」 と語るようにバンドは活動の休止を余儀なくされます。中でもバンドの要であるボーカル Alexis とギタリスト Nicholas Sadler の対立は深刻で、傑作リリースの裏舞台では Alexis、そしてベーシスト Samuel Walker までもが一時バンドを離れる事態にまで発展していたのです。
2013年、故郷のローズアイランドで再集結を果たした DAUGHTERS。プロビデンスの黒ダイヤをこのまま眠らせて置く訳にはいかないと、Robotic Empire レーベルの Andy Low が一肌脱ぎ実現したシークレットライブで、バンドは初めてサードアルバム “Daughters” の楽曲をオーディエンスに向けてプレイすることとなりました。そこでファンの変わらぬ熱狂を浴びた2人にとって、過去のいざこざはもはや取るに足らない小事となっていたのです。
Hydra Head から Ipecac への移籍、産みの苦しみを経て、”You Won’t Get What You Want” は遂に陽の目を見ることとなりました。リスナーが手に入れたのはもちろん、初期の凶暴な源衝動でもなければ前作の受け入れ易い躍動するアグレッションでもありません。
ロウテンポからミッドテンポの真中を蠢くノイズの海に、グラインドとミニマル成分を注入したムーディーな戦慄。この切迫した焦燥感、アトモスフィアはさながら Stephen King の映画のように、リスナーの神経をジリジリと蝕んでいきます。
ミニマルに、ノイジーに、スラッジーにインテンスを導く “City Song” で予兆を与えた後、”Long Road, No Turns”, “Satan in the Wait” の流れはバンドの禍々しきメタモルフォーゼを完膚なきまでに具現化します。
オリエンタルに、トライバルに、ゴシカルに、耳を惹くフックを盛り込みながら、不協和音のエッジ、無慈悲なマスビート、ハーモニーの崩壊を究極まで突き詰め全てを漆黒に塗り潰すバンドの方法論、アートロックのセレモニーはあまりに異形。
もちろん、同郷の THE BODY は比較対象の一つでしょう。しかし、Nick Cave のダークアメリカーナや Trent Reznor の内省的な実験を想起させる “Less Sex”、シンセとエフェクト、そしてファナティックなビートによってホラー映画の悪夢が再現される “The Flammable Man”、コンテンポラリーなパンクロックにも思える “The Reason They Hate Me” など作品に育まれた多様なコントラストとダイナミズムはやはり唯一無二。そしてその潮流は、きっと此の地日本の ENDON や、Sargent House のロースターとも密に繋がって行くはずです。
全てを聴き終えた後、とめどない疲労感と共に、まるで何かの呪詛をかけられたかのようにも感じる実に強烈なレコード。今回弊誌では Alexis Marshall にインタビューを行うことが出来ました。「ただ言えるのは、僕が従来の、慣習的なメロディーには興味がないってこと。僕たちはただ自分たちにとって良いと思えるサウンドにフォーカスしているだけなんだ。」 どうぞ!!

DAUGHTERS “YOU WON’T GET WHAT YOU WANT” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DAUGHTERS : YOU WON’T GET WHAT YOU WANT】

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CULT LEADER : A PATIENT MAN】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ANTHONY LUCERO OF CULT LEADER !!

“I Do Feel The Weeping Skull Represnts The Concept Of The Album. Musically And Lyrically We Want The Band To Be An Expression Of The Negativity In Our Lives.”

DISC REVIEW “A PATIENT MAN”

ソルトレイクに兆すエクストリームミュージックの胡乱なニューリーダー。異端の唱道者 CULT LEADER が掲げる教義は、陶酔を誘う魔性のカオスとノワールです。
グラインドコアとスラッジの蜜月を象徴したバンド GAZA の解散は、アンダーグラウンドの世界にとって二重の意味でショッキングな出来事でした。鋭利で野放図なその独創性が途切れることはもちろん、当時のボーカリストが起こしたスキャンダルもまた、リスナーの大きな落胆を誘ったことは確かでしょう。
しかし障害の根源を断ち切り、ベーシスト Anthony をボーカルに据えて再始動を果たした CULT LEADER のある種麻薬的で、妖気振りまく夜叉の佇まいは、GAZA の悲劇を振り払って余る程に鮮烈かつ混沌です。
もちろん、2014年のデビュー EP “Nothing for Us Here” 以来、CULT LEADER はメタリックでブルータルなハードコアの鼓動に、プログレッシブやドゥーム/スラッジの息吹と悲哀の情操を投影し、カオティックで多様な宇宙を創造して来ました。
実際、インタビューで Anthony も 「もし僕たちがある特定のジャンルに限定されてしまったら、もはやバンドとして機能しないとさえ思うんだ。それほど僕たちの音楽性は多岐に富んでいるんだよ。」 と語っています。
ただし、それでも黒の指導者が提示する新たなバイブル “A Patient Man” は、敬虔な信者にこれまで以上の圧倒的驚愕とカタルシスをもたらす大いなる預言書、もしくは洗礼だと言えるでしょう。
CONVERGE と Chelsea Wolfe,  Nick Cave の薄幸なる婚姻。涙するスカルをアートワークにあしらったこの作品を、端的に表せばこういった表現になるでしょうか。
言い換えれば、ランニングタイムのおよそ半分はグラインドとハードコアのカオス。一方で残りの半分はバリトンボイスで紡がれるデリケートなノワールへと捧げられているのです。
ブラストビートに導かれ、ポリリズミックなメロディーと無節操なブレイクダウンが花開くオープナー “I Am Healed” や、不協和のシャワーとスラッジのスロウバーンがしのぎを削る “Isolation in the Land of Milk and Honey” が慣れ親しんだ CULT LEADER の経典だとすれば、連続する “To: Achlys”, “World of Joy” の2曲はさながら新経典でしょうか。
Nick Cave, Chelsea Wolfe, DEAD CAN DANCE のプリミティブでノワールな世界観。NEUROSIS の放射線状にも位置する13分間の穏やかなフューネラルは、哀しみと闇、美しき孤独と終焉を反映しながら、ダークアメリカーナにフォークやゴスまで内包し作品に傑出したデュエル、コントラストをもたらしました。
「音楽的にも詩的にも、僕たちはこのバンドを人生におけるネガティブな部分の代弁者としたいんだよ。」と Anthony が語るように、黒雲の途切れないアルバムにおいて、ただ “テンション” という素材を主軸としてこれほどの落差、ダイナミズムを創出するレコードは極めて稀だと言えるでしょう。
「頼むから俺を癒してくれ。」Anthony の咆哮、絶唱はリアルな苦痛、苦悶を掻き立てるマスターの所業。一方で、「愛に満ちた光が世界中の人間に注いでも、俺の下には来ないだろう。」と孤独を綴るその声は、全てを受け入れ語りかけるような慰めと寂寞のトーンでした。
孤高の唱道者は墓標の上で踊る。もしかすると、彼らの新たな教義は、THOU や CONVERGE の最新作とも根底ではシンクロしているのかも知れません。Kurt Ballou のプロダクション、リリースは Deathwish Inc. から。
今回弊誌では、Anthony Lucero にインタビューを行うことが出来ました。「自分たちのコンフォートゾーンの外へと冒険することを、僕たちはいつも心掛けているんだよ。」どうぞ!!

CULT LEADER “A PATIENT MAN” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CULT LEADER : A PATIENT MAN】

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SARAH LONGFIELD : DISPARITY】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SARAH LONGFIELD !!

“I’m Just So Happy To See It Getting Normalized. I Remember Starting Out There Were No Women On YouTube Or The Guitar Community, Which Was Always Disheartening.”

DISC REVIEW “DISPARITY”

Fender が行った調査によると、近年新たにギターを始める人の半数が女性であるそうです。その傾向を裏付けるように、Yvette Young, Nita Strauss, Orianthi Panagaris などテクニカルなロックやメタルの世界においてもギターヒロインの存在感、輝きは増す一方だと言えるでしょう。
Sarah Longfield。仄暗く凍える湖と森を抱くアメリカ中西部の最北、ウィスコンシンから登場した25歳の美姫は、さながらギターシーンのジャンヌダルクなのかも知れませんね。
2016年、Guitar World 誌による “世界最高の7弦、8弦ギタープレイヤー15人” の中に選された革新のハイテクニックビューティーは、驚くべきことにチャンネル登録者数20万を超える人気 YouTuber でもあるのです。(Rob Scallon とのコラボレートの数々は秀逸)
「マルチなプラットフォームを築き、ミュージックコミュニティーの様々な側面で名前が売れることは、素晴らしいプロモーションにもなって来たのよ。」と Sarah が語るように、ソロ活動、バンド THE FINE CONSTANT、そして YouTube と新世代らしく現代的なプラットフォームを意欲的に活用することで、彼女は Season of Mist との契約を手にすることになりました。
インタビューで、「私はまずピアノを8歳の時に始めて、それからヴァイオリンを10歳の時に始めたの。遂にギターを手にしたのは12歳の時だったわね。」と語るようにその音楽的素養は実に深くそして多様。弊誌に何度か登場している Yvette Young が似たようなバックグラウンドを持つことも興味深いシンクロニシティーではないでしょうか。
魔女か英雄か。さらにはチェロ、パーカッションまで嗜む才女のエクレクティックな素養とオープンマインドは、メタルの様式、伝統、アグレッションを地図にない未踏の領域へと導くのです。
「最新作は実際、前作とは全く異なるアルバムになったわね。焦点がよりオーガニックなマテリアルにシフトされ、私の持つ様々な影響を探求することが出来るようになったのよ。」 と語る Sarah。つまり、不均衡や差異を意味するタイトルを冠した最新作 “Disparity” は、遂に彼女本来の魅力を余す事なく伝えるマイルストーンに仕上がったと言えるはずです。
人生で初めて手にしたピアノの響きをイントロダクションに、幽玄荘厳、夢見がちでアトモスフェリックな独特の世界はその幕を開けます。”Embracing Solace”。慰めを抱擁する。プログレッシブなデザインからエレクトロニカの実験にジャズの恍惚まで、全てをシームレスに、壮麗優美に、そして時に幽冥に奏でるサウンドスケープは実にユニークかつ濃密。
Kate Bush を想起させる嫋やかな Sarah 自身のボーカルとエモーションを増したギター捌きの相性も極上。自らの音楽旅行を通して経験した光と影はこうして楽曲、作品へと見事に投影されて行きます。
ANIMALS AS LEADERS のショウを見た翌日に書かれたという、ヘヴィーでマスマティカルなデジタルのルーツを探求する “Cataclysm” が Tech-metal、ギターナードの心を激しく打つ一方で、”Departure” のオリエンタルな情緒や “Citrine” のオーガニックなポストロックの音景、”Miro” のアヴァンギャルドなジャズ精神は、二胡やハープ、サクスフォンの導入も相俟って、リスナーをカラフルで刺激的な非日常の絶景へと誘うのです。
今回弊誌では、Sarah Longfield にインタビューを行うことが出来ました。「私は女の子がギターをプレイすることがいたって普通な世の中になってただ本当に嬉しいのよ。」ウィスコンシンの乙女は果たして高潔か異端か。それは歴史が語るでしょう。どうぞ!!

SARAH LONGFIELD “DISPARITY” : 9.9/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SARAH LONGFIELD : DISPARITY】

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【REVOCATION : THE OUTER ONES】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DAVID DAVIDSON OF REVOCATION !!

“Sometimes I’ll Discover Some Cool Voicings While Working On a Jazz Tune And I’ll Try To Manipulate Them In a Certain Way So That It Fits Into The Metal Framework Better.”

DISC REVIEW “THE OUTER ONES”

エクストリームメタルシーンの “名状しがたきもの”。刻々とその姿を変える轟音の支配者 REVOCATION は、神秘探求者たるリスナーの脳を時に捕捉し、時に喰らうのです。
「彼らは時代によって音楽性を少しづつ変化させていたでしょ?」David は信奉する DEATH の魅力についてそう語りましたが、自らのバンド REVOCATION にも同様の試みを投影しています。
ハイテクニカルなデスメタルの知性とスラッシュメタルの衝動の中に、オーセンティックなメタルの様式美を組み込んだ初期の煌きは眩しく、一方で鬼才 ARTIFICIAL BRAIN にも所属する Dan Gargiulo 加入以降の、前衛的で中毒性を宿した VOIVOD にも通じる不協和のカオスもまた魅力の一つだったと言えるでしょう。
そうして最新作 “The Outer Ones” でバンドが辿り着いた魔境こそ、トレードマークである演奏能力とアグレッションを拠り所とする”完璧なデスメタル”、すなわち “The Inner Ones” に、荘厳でリリカルなメロディーのイヤーキャンディーやジャズの複雑怪奇、すなわち “The Outer Ones” を織り込んだコズミックな宇宙でした。
饗宴の始まりはダークでソリッドな “Of Unworldly Origin” から。TRIVIUM の爽快さまでイメージさせる耳障りの良いファストチューンは、しかし同時にブルーノートを起点としたジャジーなコードボイシングで自らの異形をアピールします。
分解してスウィングさせればツーファイブにもフィットするウネウネとしたリードプレイから、冷徹でしかしファンタジックな DEATH の遺産、ツインリードへと雪崩れ込むギターの魔法は2人のマエストロを備える REVOCATION ならではの至宝でしょう。
実際、唯一のオリジナルメンバーとなった David Davidson のジャズに対する愛情は、先日あの TESTAMENT のジャズスラッシャー Alex Skolnick との対談でお互いが認め合ったように、本物です。ギター教師の一面も持つインテリジェントな David は、メタルにとって規格外のコード進行、ボイシング、そしてスケールを操りながらアルバムを未知の領域へと誘います。
ロマンチックとさえ表現可能な “Blood Atonement” はまさに David の異能が濃縮した楽曲でしょう。ブラッケンドな激情を叩きつける漆黒のワルツは幽かな叙情を宿し、一転して静寂の中紡がれるクリーントーンの蜜月は Joe Pass の匠を再現します。まさに David 語るところの “コントラスト” が具現化した “血の償い” は、CYNIC のアトモスフィアさえ纏って怪しくも神々しく輝くのです。
“Fathomless Catacombs” で再び DEATH への深い愛情を示した後、バンドは “The Outer Ones” で BETWEEN THE BURIED AND ME の重低音のみ抜き出したかのような不規則な蠢きでラブクラフトのホラーを体現し、さらに不気味なコードワークが映える “Vanitas” では VOIVOD はもとより ATHEIST, PESTILENCE のカオスをも須らく吸収してみせました。
アルバムを締めくくる大曲 “A Starless Darkness” はまさに名状しがたき暗闇。ドゥームの仄暗い穴蔵から這い出でし闇の化身は、勇壮なエピック、スラッシュの突心力、デスメタルの沈痛、シュレッドのカタルシスと多様にその姿を変えながら、OBSCURA と並びプログレッシブデスメタルの森を統べる者としての威厳を示すのです。
今回弊誌では、バンドのマスターマインド David Davidson にインタビューを行うことが出来ました。「ジャズの楽曲に取り組んでいる時、しばしば僕はクールなボイシングをいくつか発見するんだけど、それがメタルのフレームワークへとうまく収まるように手を加えてみるんだ。」フックと展開の目眩くクトゥルフ。今、最もハイテクニカルなギターチームが揃ったバンドの一つでしょう。どうぞ!!

REVOCATION “THE OUTER ONES” : 9.9/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【REVOCATION : THE OUTER ONES】