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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THE CONTORTIONIST : OUR BONES, CLAIRVOYANT】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ERIC GUENTHER OF THE CONTORTIONIST !!

“After Being Established As a Band Securely In a Genre, It Takes a Lot Of Courage To Move Past That And Try To Evolve At The Risk Of Losing Fans, And That Was Always a Goal Of The Contortionist.”

DISC REVIEW “OUR BONES” “CLAIRVOYANT”

「Djent というジャンルの中でしっかりとバンドとして確立された後、それを乗り越えて、ファンを失うリスクを負ってまで進化しようとするには多くの勇気が必要なんだけど、だけどその進化こそ THE CONTORTIONIST の目標だったんだからね。」
プログレッシブデスメタル/Djent の傘の下で生を受けたインディアナのセクステットは、生来のブルータルな刃を徐々にムーディーでスペーシーな蜃気楼へと転化させ、”曲芸師” のイリュージョンでその名を完璧に体現しています。
「本質的に、僕たちはアトモスフィアやテクスチャーを引き出して、当時自分たちの周りで起こっていた Djent のような他の音楽と対比できることを知っていたんだよ。そうして、バンドの特徴、アイデンティティをさらに強化するため、これまでの自分自身と距離を置く必要性を感じたんだ。 」
奇しくも THE CONTORTIONIST の見つめる先は、彼らが深いリスペクトを捧げ記念すべき “Colors” 10周年のツアーにも帯同することとなった BETWEEN THE BURIED AND ME と共振の路にあるように思えます。重激から衷心へ。他者との対比を野心とした2017年のフルアルバム “Clairvoyant” は、かつての自分自身を千里の彼方に仰ぎ見る “ノースクリーム” な “Post-Whatever” の傑物でした。
“Clairvoyant” とそのプロトタイプである “Language” は、連続する壮大なアシッドトリップのオデッセイとして産み落とされています。”Language” は成長と生を、”Clairvoyant” は死を司るレコード。アトモスフィアを宿したポストロックの血縁と、ヘヴィーシンセのエニグマでボーカル Lessard が友人の薬物中毒を綴る光と陰のエピック。荘厳なクリーンボーカルは完全なる主役となり、テクニックはテクニックのためではなくストーリーのために存在することとなりました。
深遠なるテクスチャー、畝り寄せるインテンス、シンセの絶景、美麗極まるアレンジメントの宇宙。もはや比較対象は KARNIVOOL や Kscope の詩人たちなのかもしれませんね。インタビューに答えてくれたシックスマン、Eric Guenther のシネマティックなセンスは確かにバンドのイデア変えました。
ただし、最初期の “Exoplanet” や “Intrinsic” が UNEVEN STRUCTURE, TesseracT と並んで “Post-Djent” の一翼と目されていたことを鑑みれば、”Clairvoyant” の音の葉にはバンドのスピリットであったメタリックな複雑性と知的な展開美をより艶めかしく赤裸々に再創造した曲芸師の美学をも同時に感じ取れるはずです。
「僕たちのコンセプトは、新たな音楽と共に日々進化しているからね。」そうしてリリースを迎えた新 EP “Our Bones” はバンドの歴史全てを骨子とした進化のステイトメントです。
「”1979″ は楽曲として強力なムードを湛えていて良い選択に思えたね。それにプログメタルバンドは、音楽にあれほど多くのフィーリングを付与することはなかなかしないからね。」
SMASHING PUMPKINS のエモーショナルなカバーは、自らを、そしてリスナーを別次元の宇宙へと誘います。
TOOL の残影を自らの美意識と深く重ねた “Follow”、メインストリームを多彩なサウンドで抱きしめる “Early Grave”。プログメタルの典型から確かに距離を置いたしかしプログレッシブな楽曲群は、ポスト/モダンプログの旗手に相応しきチャレンジの凱歌でしょう。そうしてその音の波は、きっと LEPROUS や HAKEN,
現在の TesseracT ともシンクロし共鳴していくのです。
今回弊誌では、Eric Guenther にインタビューを行うことが出来ました。「SikTh こそがおそらく Djent というジャンルにとって最も重要な真の創造主なんだよ。SikTh は MESHUGGAH が始めたことを、よりポップでメロディックなフォーマットへと拡張していったんだ。特別名前を挙げるまでもなく、Djent バンドの全てが MESHUGGAH よりも SikTh のサウンドに寄っていたと思う。」 どうぞ!!

THE CONTORTIONIST “OUR BONES” : 9.9/10

INTERVIEW WITH ERIC GUENTHER

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about you and the band? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【ERIC】: My name is Eric Guenther, I play keyboards for The Contortionist. I started recording with the group in 2012 and joined full time in 2014 after recording the Language record. My first influences in popular music followed a path of 90s alternative and grunge (Smashing Pumpkins, NIN, Radiohead), followed by prog rock/metal (Tool, Dream Theater), and then melodic / death metal (In Flames, Opeth, Cynic). I was always into cinematic scores too, and how composers like John Williams could incorporate melody into a narrative, and as a teenager, Nobuo Uematsu’s Final Fantasy soundtracks actually were some of my first real inspirations to start writing music for myself. These days, after so many years of listening and recording rock and metal, I’ve started to branch out and try to study other types of music that introduce new artists to me, new or old, like jazz, Neo-soul, or psych rock.

Q1: 本誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか?

【ERIC】: 僕は Eric Guenther。THE CONTORTIONIST でキーボードを担当しているよ。バンドとレコーディングを始めたのは2012年で、正式に加入したのは “The Langurage” の収録を終えた2014年だったね。
90年代のオルタナティブやグランジ (SMASHING PUMPKINS, NIN, RADIOHEAD) を通過した後、TOOL や DREAM THEATER といったプログロック/メタルを吸収し、それから IN FLAMES, CYNIC みたいなメロデスやデスメタルにハマっていったんだ。
あとはずっと映画音楽のスコアにもハマっていたね。John Williams のようなコンポーザーがメロディーとストーリーを融合させるやり方に魅了されてね。それに植松伸夫氏による Final Fantasy のサウンドトラックは、10代の僕に音楽を書こうと思わせた最初のインスピレーションだったんだ。
最近では、ロックやメタルを長年聴いてきたこともあって、新旧かかわらず新たなアーティストを開拓出来るような他のジャンルを探求しているんだ。ジャズ、ネオソウル、サイケみたいなね。

Q2: What inspired you to start playing piano? Who was your musical hero at that time?

【ERIC】: I started playing piano at a young age only because my parents made me learn it, but I enjoyed it enough to develop an interest in guitar at the same time I realized that my piano teachers weren’t inspiring me. After a few years of taking piano lessons, I quit to teach myself guitar and focused on that for almost ten years. I was making recordings with my own band and others and started recording keyboard parts for those records just because I still had a basis in the theory and remembered how to play. Through these recording sessions I realized that I would be much more useful as a musician in a keyboardist role, and the session work kept coming, so I focused on keyboards full-time. I think something about what I learned as a guitarist informed my process in arranging keyboards around it. I still play guitar, so I think a general understanding of how to arrange both instruments to compliment each other created the style of keyboardist I am today. With that in mind, is tough to define my keyboard musical hero, but I can definitely cite Trent Reznor, Richard Wright, Rick Wakeman, and Nobuo Uematsu as the biggest ones that stand out for me, even though my style differs and I never sought to directly follow in those footsteps specifically.

Q2: では、ピアノを始めたきっかけ、当時のヒーローを教えていただけますか?

【ERIC】: ピアノを始めたのはまだ幼少期に、ただ両親に習わされたからなんだ。だからピアノの先生からインスパイアされていないと気づくと、ギターに興味を持ったんだ。だから何年かピアノのレッスンを受けた後、独学をやめてほぼ10年ほどギターに集中したんだよ。
自分のバンドや他のバンドでレコーディングを始めると、僕はキーボードパートもプレイするようになったんだ。それは音楽理論を理解していたのと、まだピアノの弾き方を覚えていたからなんだけど。ただ、そういったセッションを重ねるうちに、僕はキーボーディストとしての方がより “使える” ミュージシャンだと悟ったんだよ。仕事も舞い込み続けたからね。だからフルタイムのキーボーディストとしての道を選んだんだ。
ギタリストとして学んだことは、キーボードのアレンジに影響を与えているよ。僕は今でもギターをプレイするんだ。だから、両方の楽器のアレンジを理解していて互いを補完できることが、キーボーディストとしての今日の僕を作り上げたと言えるだろうね。
そう考えると、キーボードヒーローを挙げるのは難しいね。ただ間違いなく Trent Reznor, Richard Wright, Rick Wakeman, それに植松伸夫氏は自分にとって大きな存在だよ。僕とは異なるスタイルで、直接彼らの足跡を追っていないとしてもね。

Q3: The Contortionist was one of the biggest name in djent movement at that time. Looking back now, what was the movement to you?

【ERIC】: To be honest, in 2010 when Exoplanet was released, I was focused on my own projects and had not become involved yet. Djent was a ‘movement’ that I was aware of, and I loved bands like Meshuggah and, perhaps most importantly for djent, Sikth, who I think have been overlooked as the true creators of the genre. Sikth took what Meshuggah did and expanded it into a more pop and melodic format, and, without any specific names, I think every band in the genre owes more of their sound to Sikth than they do to Meshuggah (who remain the heaviest band in the universe). When I started working with The Contortionist in 2012, one of the things that excited me the most about them was that they were aware of where their influences came from and had the foresight and ability to look past it. After being established as a band securely in a genre, it takes a lot of courage to move past that and try to evolve at the risk of losing fans, and that was always a goal of The Contortionist.

Q3: THE CONTORTIONIST は Djent ムーブメントの中から登場し、ビッグネームの一つとなりましたね?

【ERIC】: 正直に言って、”Exoplanet” がリリースされた2010年には、僕はまだ自分のプロジェクトに集中していてまだ関わってはいなかったんだ。ただもちろん、”Djent” というムーブメントには気づいていたよ。MESHUGGAH みたいなバンドは大好きだったしね。
それに SikTh。ずっと見落としていたんだけど、彼らこそがおそらく Djent というジャンルにとって最も重要な真の創造主なんだよ。SikTh は MESHUGGAH が始めたことを、よりポップでメロディックなフォーマットへと拡張していったんだ。特別名前を挙げるまでもなく、Djent バンドの全てが MESHUGGAH よりも SikTh のサウンドに寄っていたと思う。それでも MESHUGGAH は未だに宇宙で最もヘヴィーなバンドだけどね。
2012年に THE CONTORTIONIST と仕事を始めた時、僕が最も興奮したのは彼らが自らの影響がどこから来たのかを認識していて、先見性と過去を見る能力を同時に持っていたことだったんだ。Djent というジャンルの中でしっかりとバンドとして確立された後、それを乗り越えて、ファンを失うリスクを負ってまで進化しようとするには多くの勇気が必要なんだけど、だけどその進化こそ THE CONTORTIONIST の目標だったんだからね。

Q4: I had an interview with Anup Sastry recently. He said “I don’t really think djent movement has gone away or anything. The entire ‘djent’ idea really just falls under the larger category of progressive metal, in my opinion.” What’s your perspective about that?

【ERIC】: I would totally agree with Anup. Djent hasn’t gone away, it was/is a stylistic fad within the larger genre of progressive metal. As I suggested above, Meshuggah was a huge influence, but Sikth really tore the doors down to a new dimension all the way back in 2003, giving ‘djent’ an identity. In my opinion, Meshuggah has remained it’s own rock of identity… Nobody has yet to outdo them at their game, and to qualify them as “djent” is like categorizing Nirvana as British Pop from the 60s. They were a huge influence in the birth of “djent”, but remain their own monster.

Q4: 最近 Anup Sastry にインタビューを行う機会があったのですが、彼は 「”Djent” というジャンルについてだけど、僕は本当にムーブメントが過ぎ去ってしまったようには思えないんだ。Djent の包括的アイデアは、より大きいプログメタルというカテゴリーにしっかりと根付いている。」 と語っていました。

【ERIC】: Anup に完全に同意するよ。Djent は過ぎ去ってなどいない。Djent はより大きなプログメタルというジャンルの中にあった、そして今もある熱狂的に流行ったスタイルなんだよ。
さっきも言ったけど、MESHUGGAH は大きな影響を与えたけど、SikTh こそが新たな次元へとジャンルのドアを打ち壊したバンドなんだ。2003年に Djent にアイデンティティーを与えたんだよ。
僕の考えでは、MESHUGGAH は自らのロックのアイデンティティーに留まり続けている。未だに誰も、彼らのゲームで彼らを負かすことなんて出来ていないんだよ。だから彼らを Djent と見なすのは、NIRVANA を60年代のブリットポップだと言い張るようなものなんだ。つまり、MESHUGGAH は Djent の誕生には大きく関与しているけど、ただ自らが怪物であり続けているだけなのさ。

THE CONTORTIONIST “CLAIRVOYANT” : 10/10

Q5: It seems “Clairvoyant” was turning point for the band to go to more moody and atmospheric rock acts like Karnivool, Deftones, Katatonia. What made you change the direction somehow?

【ERIC】: It wasn’t necessarily a conscious decision, rather I think we were being honest with our tastes at the time and letting it happen naturally. We were trying to dig deep into textures and atmosphere because we realized we could do it very well, and lots of musical decisions were made to best use the strengths we have as a band. Essentially, we knew we could pull something like that off to contrast other music happening around us at the time, and felt the need to do so in order to distance ourselves and create an even stronger character identity for the band.

Q5: THE CONTORTIONIST にとって “Clairvoyant” は、KARNIVOOL や DEFTONES, KATATONIA にも通ずるアトモスフィアを探求し始めたターニングポイントにも思えますが。

【ERIC】: 意識して決断を下す必要はなかったね。それよりも、ただ当時の自らの音楽的嗜好に正直になって、自然と成り行きにまかせたんだ。
僕たちはテクスチャーとアトモスフィアをより掘り下げようと試みたね。それをとても上手くやれるのは分かっていたから。音楽的決断の多くは、バンドとして自らの強みを最大限に引き出すよう成されたんだ。
本質的に、僕たちはアトモスフィアやテクスチャーを引き出して、当時自分たちの周りで起こっていた Djent のような他の音楽と対比できることを知っていたんだよ。そうして、バンドの特徴、アイデンティティをさらに強化するため、これまでの自分自身と距離を置く必要性を感じたんだ。

Q6: Even so, it was big surprise that you covered Smashing Pumpkins “1979”. What was the reason of that?

【ERIC】: We had a long list of cover songs that we had joked about trying for years or experimented with in rehearsal. 1979 seemed like a good choice because it holds such a strong mood as a song, and prog/metal bands often have a hard time lending that much feeling to their music. It felt like a song that we could expand on and avoid sounding too clinical. In the end, you answered the question yourself, we wanted it to be a surprise to some people but still believable that it fits into The Contortionist musical universe.

Q6: そうは言っても、最新 EP “Our Bones” で SMASHING PUMPKINS の “1979” をカバーしたのは驚きでした。

【ERIC】: ジョークみたいにリハーサルで何年も試していたカバーソングは沢山あったんだ。”1979″ は楽曲として強力なムードを湛えていて良い選択に思えたね。それにプログメタルバンドは、音楽にあれほど多くのフィーリングを付与することはなかなかしないからね。
だからより自分たちの領域を拡大できる楽曲だと感じたし、冷静なサウンドになりすぎないようにしたよ。それに結局、答えは君自身が出しているんだ。つまりリスナーを驚かせたかったんだ。もちろん、それでも THE CONTORTIONIST の音楽宇宙の中にフィットすると信じていたんだけどね。

Q7: There have been circle or sphere in your artworks since “Exoplanet”. And it seems “Our Bones” describes kind of dark flower. Is there any change in your concept?

【ERIC】: That’s great that you noticed that. I’ll have to stop there, though, as our concepts are evolving every day as we work on new music, and I won’t spoil anything for the future.haha.

Q7: “Exoplanet” 以来、バンドのアートワークには常に印象的な球体や円が描かれていましたね。”Our Bones” では、ダークな花が円として描かれています。

【ERIC】: よく気づいたね。ただ、球体や円はもうやめようと思っているんだ。僕たちのコンセプトは、新たな音楽と共に日々進化しているからね。とは言え、未来のことは分からないよ (笑)

Q8: So, are you interested in Japanese culture like animations, video games, or something like that?

【ERIC】: As I mentioned earlier, I was and still am a Final Fantasy fan… I’ll be playing the FF7 remake and once in a while will bring out a classic like FF6 while I’m on the tour bus. I wish they would do a Xenogears remake or at least remaster. As for things like anime, I’ve seen a few of the classics like Neon Genesis Evangelion, Akira, Kenshin… The only reason I bring those very common examples up is that I recently saw an old, relatively unknown ‘anime’ called The Belladonna of Sadness, which was only recently released in the US, and it’s presentation blew my mind. I also remember an old anime that had an incredible mood and atmosphere to it’s soundtrack and presentation, Serial Experiments Lain.

Q8: 先程、植松氏の名前が出ましたが、それ以外にも日本のゲームやアニメ文化から受けた影響はありますか?

【ERIC】: とにかくこれまでも、そして今も僕は Final Fantasy のファンなんだ。”FF7″ のリメイクはプレイするだろうし、FF6みたいなクラッシックを持ち出してはツアーバスでプレイしているんだ。ゼノサーガのリメイク、少なくともリマスターを出してくれれば嬉しいんだけど。
アニメに関しては、エヴァンゲリヲン、アキラ、るろうに剣心といったクラッシックは見ているよ。いや、こういったメジャーな作品を挙げたのは、最近見た “哀しみのベラドンナ” って日本の古くて比較的知られていないアニメにぶっ飛ばされたからなんだ。アメリカだけでリリースされたんだけど、凄い存在感だよ。
あとは驚異的なムードとアトモスフィアをサウンドトラックにまで湛えていた serial experiments lain も覚えているよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED ERIC’S LIFE

RADIOHEAD “OK COMPUTER”

THE SMASHING PUMPKINS “SIAMESE DREAM”

NINE INCH NAILS “THE DOWNWARD SPIRAL”

DREAM THEATER “METROPOLIS PT.2: SCENES FROM A MEMORY”

PINK FLOYD “WISH YOU WERE HERE”

MESSAGE FOR JAPAN

We talk about coming to Japan all the time and hope to see you soon! Thank you for your support!

僕たちはいつも日本に行きたいって話しているんだよ。近々会えればいいね!サポートをありがとう!

ERIC GUENTHER

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【RICHARD HENSHALL (HAKEN) : THE COCOON】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH RICHARD HENSHALL OF HAKEN !!

“With The Digital Revolution And The Advent Of Streaming, The Musical Market Has Become Extremely Oversaturated, Which Can Often Make It a Little Overwhelming When Looking For New Music. However I Do Think There’s Wealth Of Great Music Out There If You Dig Deep Enough. I’m Always Hugely Appreciative That Anyone Gives Their Precious Time To Listen To Our Music, Especially Since There’s Some Much Amazing Stuff Out There.”

DISC REVIEW “THE COCOON”

「作曲に関して僕たちは、これがプログなのかメタルなのか考えすぎて特定の方向性へ舵を切ったりはしないようにしているよ。特定の影響に重きを置かないことが重要なんだ。ただ自分たちが聴きたい音楽を書いて、ただ望むのはファンが楽しんでくれることだけなのさ。」
今年の Progressive Music Awards で “UK Band of the Year” を獲得したもはやプログレッシブ世界を代表するバンド HAKEN。精密と重猛の並行世界を実現するプログ最後の希望を牽引するギターヴァーチュオーゾ Richard Henshall は、ソロプロジェクトの船出に “The Cocoon” 実験の “繭” の名を与えました。
Richard が RADIOHEAD を引き合いに出した様に、プログレッシブの言霊が例えばブラックメタル、スラッジ、オルタナティブ、ジャズといった異世界によりフィットするようにも思える現代において、クラッシックなプログの鼓動を21世紀にアップデートする HAKEN のレトロフューチャーな音楽観は実に貴重で尊い孤高です。プログサウンドの海に漂うアンビエント、djent, ソウル、ジャズ、ミニマリズム、シンセポップの漂流物は、音の航海を退屈から程遠い冒険へと導いています。
「ここ何年か、HAKEN は作曲の面で以前よりもメンバー間のコラボレートが増えているんだ。だから “The Cocoon” をリリースする完璧なタイミングに思えたんだよ。」
2013年のマイルストーン “Mountain” を境に、歌詞、そして音楽の面でもコラボレートを進めてきた HAKEN はバンドとして絶対的な完成の域へと達しています。ただし、故に創立者 Richard でさえ、創造物全てを吐き出すことはもはや許されないほどに高潔な存在へと進化したのかもしれませんね。だからこそこの “繭” の羽化は Richard 自身の解放であり、自由な羽ばたきです。
「ピアノは僕が初めて恋に落ちた楽器だし、創造性の解放を求める時しばしば重点を置く楽器でもあるんだよ。同時に、家にあったアコースティックギターでギターの基礎を学んで行ったんだ。」
不穏なピアノの絶景から荒れ狂ポリリズムギターの雪崩へと繭を開くオープナー “Pupa” はプレイヤー、コンポーザーの両面から Richard のユーティリティー性を描写する絶佳の招待状です。
演奏者としてのハイブリッドな才能は続くタイトルトラック “Cocoon” で一層露わになります。「僕は BON IVER や James Blake の大ファンなんだけど、彼らからボコーダーのインスピレーションを得たんだよ。」Richard を歌の地平へと駆り立てたのは、真のプログレッシブを音楽面、テクノロジーの面でも開拓するコンテンポラリーなアーティストでした。
「作曲やレコーディングにおいて、音楽の境界を少しでも広げるなら、僕はモダンなテクノロジーも楽しんで使用しているんだ。」その言葉は CHON のチルグルーヴを帆に受ける “Silken Chains”、アンビエントやエレクトロニカを存分に抱きしめた風光 “Limbo”、hip-hop を咀嚼する “Lunar Room” が証明しています。
同時に “Cocoon” の繭は彼の中の “ジャズ” を開花させました。敬愛する DREAM THEATER のトリッキーで複雑怪奇な遺伝子を受け継ぎながら、Eric Dolphy のサクスフォンで21世紀のプログメタル異常者を演じる Richard の異能、インテンスのダンスは THANK YOU SCIENTIST と肩を並べます。
「僕は別バンド NOVA COLLECTIVE ではよりジャズの方向を目指していて、HAKEN はもちろんプログメタルの領域にあるね。だからこのソロプロジェクトで両方の影響を等しく祝えるのはクールだよね。」
そうして、彼の中のジャズとプログメタルを並列に並べたパラレルワールド “Twisted Shadows” はまさしく現在の Richard を投影した交差する音影だと言えるでしょう。”Djent Reinhardt” よろしくメタルとジャズを交互に繰り出す Richard の両刃は、鍵盤の魔術師 Jordan Rudess のロックなアグレッションとしなやかに同化し未曾有のカタルシスを創出します。さらに HAKEN の盟友 Ross Jennings の憂いを帯びた “ゴキブリ王” の歌唱と LEPROUS を想起させるシンコペーションのリズムを伴った楽曲は、21世紀プログメタルの理想形とも言える多様性と冒険心を具現化していくのです。
David Maxim Micic, Marco Sfogli といったモダンギターヒーロー、新進気鋭 BENT KNEE のメンバー、さらに CYNIC の新ドラマーに任命された Matt Lynch の参加によって、”The Cocoon” が一際強力な現代プログレッシブの怪気炎、目眩く桃源郷となっていることを付け加えて置きましょう。
今回弊誌では、Richard Henshall にインタビューを行うことができました。「僕はいつだって貴重な時間を割いて僕たちの音楽を聴いてくれる誰にでも大きな感謝を捧げているんだよ。だって世界は素晴らしい音楽に充ちていて、その中から選んでくれているんだからね。」 どうぞ!!

RICHARD HENSHALL “THE COCOON” : 10/10

INTERVIEW WITH RICHARD HENSHALL

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【RICHARD】: I was lucky enough to grow up in a musical environment. My Mum was a piano teacher, so I naturally owe a lot of my musical growth to her. I vividly remember waking up at the weekends to the soothing tones of Chopin, Bach and Debussy being taught downstairs, which most certainly got the musical cogs turning in my head. I would say this is essentially where my relationship with music started. I soon moved on to some heavier influences through digging around in my Dad’s record collection. He regularly listened to large amount of Queen, Pink Floyd and Led Zeppelin, which undoubtedly inspired me to pursue a career in a band.

Q1: 本誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか?

【RICHARD】: 僕はかなり恵まれた音楽環境で育ったんだ。母はピアノの先生だったから、彼女から自然と多くの音楽的な素養を学ぶこととなったね。
今でも鮮明に覚えているけど、週末の朝目覚めると下の階から母がショパンやバッハ、ドゥビッシーを教えている心地よい音が聴こえてくるんだよ。間違いなく頭の中を巡る音楽の歯車を形成したね。音楽との関係を始めるにあたって不可欠な影響だったよ。
そこからすぐに、父のレコードコレクションからよりヘヴィーな領域を探り始めたんだ。彼はいつも QUEEN, PINK FLOYD, LED ZEPPELIN を沢山聴いていたからね。バンドでキャリアを追求するにあたってあの時期が大きなインスピレーションになったのは疑う余地もないね。

Q2: Actually, I’m also big To-Mera fan and you were keyboard player there. What inspired you to start playing guitar, keyboard and using Strandberg? Who was your musical hero at that time?

【RICHARD】: It’s great to hear that you’re a fan of To-Mera! Unfortunately, due to life getting in the way, it’s been quite a while since we’ve been active, but I have fond memories of playing with those guys. It was great to be in a band where I could focus solely on my keyboard playing and not worry about jumping between instruments. As I mentioned before, Piano was my first love with music and is often something I gravitate toward when I’m looking for some kind of creative release. When growing up, I also had an acoustic guitar lying around in my house, which I ended I ended up using to teach myself the basics. When I was around 16 I discovered the likes of Dream Theater and Opeth and decided to take the guitar more seriously in a disciplined, samurai-like fashion. John Petrucci’s Rock Discipline and Guthrie Govan’s Creative Guitar books were instrumental in my musical growth around that time. Over the last five years I’ve been using Strandberg Guitars and I couldn’t be happier. They are incredibly light and ergonomic which suits my style of playing perfectly. I also love how portable they are, which is perfect for the amount of travelling I do.

Q2: 私は TO-MERA の大ファンでもあるのですが、あなたはあのバンドではキーボードをプレイしていましたよね?

【RICHARD】: 君が TO-MERA のファンだと聞けて嬉しいよ。残念ながら色々と障害があって、かなり長い間活動はしていないんだけど彼らとプレイしていた思い出は大事にしているよ。楽器を行ったり来たりせず、キーボードだけに集中出来るバンドに加われて良かったよ。
さっきも言ったけど、ピアノは僕が初めて恋に落ちた楽器だし、創造性の解放を求める時しばしば重点を置く楽器でもあるんだよ。同時に、家にあったアコースティックギターでギターの基礎を学んで行ったんだ。
16歳くらいの頃、DREAM THEATER や OPETH を発見してより真剣にギターに取り組むことを決めたんだ。それこそ侍のように訓練を重ねてね。John Petrucci の “Rock Discipline” と Guthrie Govan の “Creative Guitar Books” はあの頃の僕の音楽的な成長にとって重要な役割を果たしたね。
ここ5年ほどは Strandberg のギターを使っていてとても満足しているんだ。信じられないくらい軽くて人間工学に基づいているから、僕のプレイスタイルに完璧にフィットするんだよ。それに持ち運びしやすくて、旅行に適しているのも気に入っているよ。

Q3: Definitely you are the moving spirit of Haken. So, I think you can do almost everything you want in the band. But what made you making your solo record this time now?

【RICHARD】: Making a solo record is something that’s been bubbling away in my brain for some time now. Over the last few years Haken has started to collaborate a lot more with the writing, so it felt like the perfect time to release ‘The Cocoon’. I’ve been working a lot of the ideas for around 4 years in the small pockets of time between all the touring I’ve been doing recently, and have recently found the inclination and drive to bring it to fruition over the last year or so. Not working to any specific deadline and having no one to bounce the ideas off was definitely a double-edged sword. On one hand, it allowed me to fully engross myself in the music and be as creative and elaborate with my ideas as desired, but on the other hand, it was often difficult to know when a song was finished! Ultimately, I found the process extremely liberating.

Q3: もちろん、あなたは HAKEN の中心人物で原動力です。音楽的な望みは HAKEN でほぼ叶うようにも思えるのですが、なぜこのタイミングでソロアルバムを制作したのでしょうか?

【RICHARD】: ソロアルバムのアイデアはしばらく前から僕の頭の中をふつふつと巡っていたんだ。ここ何年か、HAKEN は作曲の面で以前よりもメンバー間のコラボレートが増えているんだ。だから “The Cocoon” をリリースする完璧なタイミングに思えたんだよ。
僕は4年間、忙しいツアーの合間を縫って沢山のアイデアを試していたんだ。昨年かそのくらいから、アルバムを制作しようという意欲を得たんだよ。
特別な締め切りもなく、アイデアを否定する人がいないって状況は間違いなく諸刃の剣だったね。一方では、音楽に夢中になり、思い通りに創造力を発揮し、アイデアに精通することができたんだけど、その反面、楽曲の完成を判断するのが難しくてね! 最終的に、このプロセスは非常に自由で解放的だと気づいたんだ。

Q4: I really love Eric Dolphy-esque saxophone in “Cocoon” and Djenty Django like jazz guitar in “Twisted Shadows”. Actually, “The Cocoon” is one of the most perfect record mixing jazz and prog/metal, I think. What’s your perspective about that?

【RICHARD】: Thanks so much. I was totally going for that vibe with ‘Twisted Shadows’. I wanted there to be a strong sense of juxtaposition between the quirky jazz sections and the hard hitting metallic parts, so I tried to emphasise them as much as possible for dramatic effect. I’m glad it came across well. I’ve always enjoyed injected some zanier, experimental influences in my music, and I’ve definitely have channelled a lot of that stuff into this track.
The Saxophone solo in ‘Cocoon’ by Adam Carrillo is one of my favourite parts of the album. He added a looser dimension to the music, which really helped take it to some unchartered territories. I will definitely be exploring this freer approach as I move forward with the next album. My other band Nova Collective leans more toward the jazz end of the spectrum, and Haken in arguably more in the prog/metal camp, so it was cool to have this project where I could celebrate all my influences equally.

Q4: 例えば、”Cocoon” の Eric Dolphy ライクなサクスフォンや、”Twisted Shadows” の Djenty な Django といった趣のギターリックを聴けば、”The Cocoon” がジャズとプログメタルの完璧なミックスだと感じます。

【RICHARD】: どうもありがとう。僕は “Twisted Shadows” で間違いなくそういったヴァイブを求めていたね。つまり風変わりなジャズセクションと、ハードなメタリックパートを強く並列に置きたかったんだよ。だからその対比を強調してドラマティックな効果を可能な限り生みたかったんだ。だからそういった印象を与えられて嬉しいよ。僕はいつも風変わりだったり、実験的な影響を音楽に抽出して楽しんでいるんだ。特にこの曲には、間違いなく多くの挑戦的なマテリアルを組み込んだよ。
“Cocoon” のサックスソロは Adam Carrillo がプレイしていて、アルバムの中でもフェイバリットパートの一つだよ。彼はアルバムによりゆったりした次元を加えてくれたね。そうして未踏の領域へ進む手助けをしてくれたんだ。次のアルバムでは、間違いなくより自由な領域へと進むつもりだよ。
僕は別バンド NOVA COLLECTIVE ではよりジャズの方向を目指していて、HAKEN はもちろんプログメタルの領域にあるね。だからこのソロプロジェクトで両方の影響を等しく祝えるのはクールだよね。

Q5: Sometimes, there is vocoder like effect, but your voice adds great atmosphere to this record. Maybe, singing is new challenge for you, right?

【RICHARD】: I’m relieved to hear that the vocals have come across well. I’ve never really seen myself as a vocalist; so diving headfirst into something like this pushed me completely out of my comfort zone. I’ve sung backing vocals live for Haken over the last few years, but recording lead vocals for a full album was an entirely different ball game. I definitely found the whole process challenging and a little daunting, but it ultimately became extremely rewarding in the end. I’m huge fan of Bon Iver and James Blake, which is where I got the inspiration for the vocoder effects. I’ve generally always enjoyed embracing modern techniques when it comes to composition and recording as it allows you to push the musical boundaries a little further.

Q5: 時にボコーダーのエフェクトを纏ったあなたの声もアルバムに異質なアトモスフィアを加えています。
ボーカルもあなたにとっては新たなチャレンジですよね?

【RICHARD】: 僕のボーカルが機能していると聞いて安心したよ。まあ自分のことをボーカリストだと思ったことはないんだけどね。だから頭からダイビングするように完全に未知の領域へと飛び込んでいったんだよ。
ここ何年か、HAKEN ではライブのバッキングボーカルはやっていたんだけど、アルバムを通してリードボーカルを歌うのは全く別のチャレンジだからね。全てが困難な挑戦だと悟ったよ。だけど最終的には究極に報われたんだ。
僕は BON IVER や James Blake の大ファンなんだけど、彼らからボコーダーのインスピレーションを得たんだよ。作曲やレコーディングにおいて、音楽の境界を少しでも広げるなら、僕はモダンなテクノロジーも楽しんで使用しているんだよ。

Q6: Jordan Rudess played in “Twisted Shadows”. Also, you played Mike Portnoy’s Shattered Fortress before. So, it seems you have good connection with Dream Theater members now. What’s playing with them to you?

【RICHARD】: Dream Theater have been a huge influence on me over the years. They were essentially one of the reasons we decided to form Haken. Jordan’s first album with them was ‘Scenes from a Memory’, and it still remains one of my favourites of all time. His writing and playing has certainly had a huge impact on me, so to have him on one my own tracks is the greatest honour.
Same goes for Mike. Some of my fondest memories of seeing them live were with Mike in the band at Hammersmith Apollo in London. Mike always projected so much passion into his performance, which is something I always strive to achieve. Being invited to play some of my favourite songs with him was a dream come true. It was amazing to share and celebrate Dream Theater’s amazing music with the fans.

Q6: “Twisted Shadows” では DREAM THEATER の Jordan Rudess がプレイしていますね。
あなたは以前 Mike Portnoy の SHATTERED FORTRESS でプレイしていましたし、DREAM THEATER との繋がりも深いようですね?

【RICHARD】: DREAM THEATER は僕に何年もずっと巨大な影響を与え続けてきたね。実際、僕たちが HAKEN を結成した不可欠な理由の一つが DREAM THEATER なんだから。Jordan が DT に加入してはじめてのアルバムが “Scenes From A Memory” だったね。そしてあのアルバムは今でも僕のフェイバリットの一つなんだ。彼の作曲と演奏は、間違いなく僕に大きなインパクトを与えたよ。だから僕のアルバムの一曲に彼が参加してくれてとても光栄なんだ。
同じことは Mike にも言えるね。彼らのライブを見た思い出の中で最高なものが、彼がいた時代のロンドンのハマースミスアポロだから。Mike はいつも溢れる彼の情熱をそのパフォーマンスに投影していたね。その姿はいつも僕が追い求めているものなんだ。
僕の大好きな DT の楽曲を彼とプレイする機会が得られたことは、まさに夢が叶ったって感じだったね。ファンと DT の素晴らしい音楽をシェアし祝えて最高だったよ。

Q7: Guest appearance, Marco Sfogli and David Maxim Micic are new generations of guitar hero as well as you. From your perspective, what’s the difference between you three?

【RICHARD】: David and Marco are two of my favourite guitarists so to have them feature on ‘The Cocoon’ was a huge honou. I first became aware of David’s work after hearing his mind blowing Bilo 3 album. It’s an incredibly dynamic musical odyssey that really completely grabbed my attention. I’ve since recorded on a couple of his releases, so it was great to finally have him on something I’ve written.
I first heard Marco’s jaw dropping guitar work on James Labrie’s solo album, ‘Elements of Persuasion’, and soon after heard his insane fusion chops on ‘Ego’ by Alex Argento. I finally met him on Cruise to the Edge last year, when he joined Haken on stage for a cover of 21st Century Schizoid Man. They’re both inspiring players and I couldn’t be happier with their performances on ‘The Cocoon’.

Q7: さらに Marco Sfogli と David Maxim Micic のゲスト参加で、あなたを含め新世代ギターヒーロー揃い踏みの作品にもなっています。プレイヤーとしての3人にはどの様な特徴がありますか?

【RICHARD】: David と Marco は僕のフェイバリットギタリスト2人なんだ。だから彼らを “The Cocoon” にフィーチャー出来てとても光栄だよ。僕がはじめて David を知ったのはあの素晴らしき “Bilo 3” アルバムだったね。信じられないくらいダイナミックなミュージカルオデッセイで、完全に僕の心を掴んだんだ。それから何度か彼の作品に参加したから、遂に今度は彼を僕の作品に招くことができて嬉しいね。
Marco の驚異的なギターワークをはじめて聴いたのは、James Labrie のソロアルバム “Elements of Persuasion” だったね。それからすぐ、Alex Argento との狂気のフュージョン “Ego” を聴いたんだ。昨年の Cruise to the Edge で遂に彼と会うことができて、あの時は彼が HAKEN に加わって “21st Century Schizoid Man” をプレイしたんだよ。
両者からインスパイアされているし、アルバムでの彼らのパフォーマンスにはとても満足しているんだ。

Q8: So, it seems Haken and you are last hope of prog scene. Most of prog giants are getting older, and the term “Progressive” fits more to other genre’s young stars like Black metal, Sludge metal, Alternative, and Jazz. Do you want to prog rock/metal great again?

【RICHARD】: Thanks for your kind words! It’s great to know that people are supporting what we’re doing. The continued support we’ve from our fans over the years is something we’re hugely grateful for. When it comes to writing, we try not to steer the music in any specific direction by thinking too much about whether it’s “prog” or “metal”. It’s important to us that we don’t let any weight of expectation influence our music, we just write want we want to hear and can only hope that people will enjoy it.
With the digital revolution and the advent of streaming, the musical market has become extremely oversaturated, which can often make it a little overwhelming when looking for new music. However I do think there’s wealth of great music out there if you dig deep enough. I’m always hugely appreciative that anyone gives their precious time to listen to our music, especially since there’s some much amazing stuff out there.

Q8: プログの巨人たちは歳を重ね、さらに “プログレッシブ” という言葉自体も現在は他のジャンルにこそよりフィットするようにも思えます。そんな中、HAKEN はプログワールド最後の希望ではないでしょうか?

【RICHARD】: ありがとう!みんなが僕たちの活動を支持してくれていて嬉しいね。何年にも渡ってファンから受けているサポートには、本当に感謝しているんだよ。作曲にかんして僕たちは、これがプログなのかメタルなのか考えすぎて特定の方向性へ舵を切ったりはしないようにしているよ。特定の影響に重きを置かないことが重要なんだ。ただ自分たちが聴きたい音楽を書いて、ただ望むのはファンが楽しんでくれることだけなのさ。
デジタル革命とストリーミングの進化によって、音楽マーケットは究極に過飽和の状態になっていて、新たな音楽を探す時に少し圧倒されたりもするよね。だけど、充分に深くディグれば、必ず豊富な偉大な音楽と出会えると信じているんだ。
だから、僕はいつだって貴重な時間を割いて僕たちの音楽を聴いてくれる誰にでも大きな感謝を捧げているんだよ。だって世界は素晴らしい音楽に充ちていて、その中から選んでくれているんだからね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED RICHARD’S LIFE

This is a tricky one! My music tastes are always changing but here are five albums that have really inspred me over the years:

OPETH “STILL LIFE”

Still life is a masterclass in juxtaposition and balance that is realised in such a clean and precise way. It’s been 18 years since I first heard Still Life, and it continues to inspire me each time I hear it.

精密でクリーンに並行性とバランスを実現したマスタークラスのレコード。初めて聴いてから18年経つけど今でも聴くたびにインスパイアされつづけているね。

TIGRAN HAMASYAN “SHADOW THEATER”

‘Shadow Theater’ is a polyrhythmic jazz odyssey that continues to melt my brain time after time in the best possible way.

ポリリズミックなジャズオデッセイで、僕の脳を最高のやり方で溶かしつづけているよ。

DEVIN TOWNSEND “TERRIA”

‘Terria’ is a broad, multifaceted and deeply atmospheric record that always evokes a number of emotions in me, which is why it will always be one of my favourite albums of all time.

幅広く、マルチな顔を持つアトモスフェリックなレコード。いつも沢山の感情を掻き立ててくれるね。だからこそオールタイムフェイバリットの一つなのさ。

RADIOHEAD “KID A”

Kid A really embodies the limitless and viciously experimental spirit of Radiohead’s music, which is what I essentially find so appealing about them. It’s a special album that came at just the right time for me.

限界なき Radiohead ミュージックの実験的な精神を体現しているね。それは僕にとって彼らの音楽に欠かせないものだ。人生の完璧なタイミングに現れた特別なアルバムさ。

DREAM THEATER “METROPOLIS PT.2: SCENES FROM A MEMORY”

Scenes from a Memory is a perfectly realised prog album that continues to inspire me. It’s undoubtedly their piece de resistance!

完璧なプログアルバムを体現して僕をインスパイアし続けている。疑いようもなく彼らの反抗の証しさ!

MESSAGE FOR JAPAN

Thanks you for reading. I travelled around Japan for a month last year with my family and fell in love with your culture and jaw dropping landscapes. It definitely left a lasting impression on me. I would love to one day and play some music for you guys!

インタビューを読んでくれてありがとう!昨年僕は一月ほど家族と日本を旅行して、文化や素晴らしい景観の虜になったんだ。間違いなく僕の中に不朽のインパクトを残したね。いつか君たちのためにプレイしたいよ!

RICHARD HENSHALL

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COVER STORY + FUJI ROCK FESTIVAL 19′ 【KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD】


COVER STORY : KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD

“What Is Psych? Is It Psyche? Is It Psychedelic? If It’s An Exploratory Approach To Music Then Perhaps We Are. If It’s About Creating Huge Walls Of Glistening, Phased-Out Guitars Then We Are Not. I’ve Always Felt More Like a Garage Band Than Anything. We Don’t Write Songs About Space, Either.”

WHAT IS PSYCH? WHAT IS KING GIZZ?

「ロックは死んだ。」もう何十年も議論され続けるクリシェです。インターネットやストリーミングサービスの普及によって、今日ではより容易く多様なジャンルへとアクセス可能で、例えば iTunes を開けばロック/メタルのみならず、クラッシック、ジャズ、ポップ、ワールドミュージック、エレクトロニカ、オルタナティブ、R&B、ヒップホップなど様々な世界への入り口が並んでいます。
もちろん、そのストリーミングサービスにおいてエレクトロニカやヒップホップがロック/メタルを大きく凌駕している事実も今や常識と言えるでしょう。
とはいえ、70年代、80年代には及ばないものの、ロック/メタルはライブの分野では善戦していますし “死んだ” と判断するには早計にも思えます。ただ、ジャンルを定義した巨人たちに代わる新たなビッグアクトが望まれているのもまた事実でしょう。
しかし、新世代にとってロック/メタルという形式を取りながら、新たな領域を開拓し世界に衝撃を与える仕事は決して簡単ではありません。なぜならこのフィールドでは、何十年もかけて数えきれないほど多くのバンドが様々な実験を試みてきたからです。さらにネットの登場で過飽和となったシーンには両方の意味で、新星に残されたスペースはほぼないも同然だと言えるでしょう。
ただし、それでもその難題を解決する救世主、キング、もしくはウィザードがオーストラリアに君臨しています。KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD です。

あの TAME IMPALA との繋がりも深く、風変わりな名 (多大な影響を受けた Jim Morrison の呼称 “The Lizard King” が関係している) を持つメルボルンのバンドは真なるジャムセッションへの愛から誕生しました。ほぼ10年のキャリアですでに14枚のフルアルバムと2枚の EP を制作。ギター、キーボード、サックス、フルート、クラリネット、シタールなどその他様々な楽器を操るフロントマン Stu Mackenzie を中心に、ギター、キーボード、ハーモニカ、ボーカル担当の Ambrose Kenny-Smith、さらにCook Craig & Joey Walker 2人のギタリストを加え、ベーシスト Lucas Skinner、そして Michael Cavanagh と Eric Moore のダブルドラマーという異様な編成も、ジャムセッションへの執心、ライブバンドとしての矜持を考慮すれば実に自然な流れだと言えます。
バンドの音楽性を定義するなら、サイケデリックロック、プログレッシブロックが最も近いラベルなのかも知れません。ただし、むしろそれは建前とでも言うべきで、実際はカラフルな虹色の多様性をキャンパスに描くエクレクティックな音画家です。そしてそのアティテュードは、モダン=多様性の進化した音楽シーンに完璧にフィットしそこからさながら流動体のごとくさらに限界を超えていきます。実際、Stu Mackenzie は根本的な疑問を口にします。「ところで、サイケって何なんだい?もしそれが音楽への探索的なアプローチを意味するならば確かに俺たちはサイケだよ。だけど、歪んだギターの壁を作ったり、宇宙についての歌詞を意味するなら俺たちはサイケとは言えないね。」
事実、サイケ-ソウル-サーフ-ファズ-ガレージ-ジャズ-スペースロックなどと称される彼らの音とスタイルは年月とアルバムによって変化を続けています。2011年にリリースした4曲入りの EP “Anglesea” はかつてのニューウェーブ/ポストパンクのようにも聴こえましたし、典型的なリバイバルのようにも思えましたが、振り返ってみればそれは始まりに過ぎませんでした。

劇的な化学反応は2015年の “Quarters!” で発生しました。タイトル通りアートワークも4区分、楽曲も10分10秒ピッタリの4つで40分40秒のランニングタイムとクオーターに拘った作品はジャズロックの実験室を解放した初のアルバムでした。
Stu は当時、”Quarters!” について、「俺らは叫んじゃいけないレコードを作りたかった。長くてミニマル、反復を多用した構造の中でね。だから普段のようなブルータルなギターペダルも封印したんた。」と語り PINK FLOYD への敬意も覗かせています。
進化は止まりません。”Paper Mâché Dream Balloon” でフォークロックへ接近した後、アルバム最後の音と最初の音が見事に繋がりエンドレスにループする2016年の “Nonagon Infinity” から基盤となるサイケデリックロックに様々な刺激を注入し “King Gizz のサイケ” を創造し始めます。マイクロトーナル (微分音) もその刺激の一つ。


2017年にはそうしてアルバム全編をマイクロトーナルで統一した “Flying Microtonal Banana” を製作します。アルバムタイトルは Stu ご自慢のマイクロトーナルギターの名前。作品に収録された “Sleep Drifter” は今でも最大の人気曲の一つとなっています。
2017年は KING GIZZ にとって実に重要な一年でした。リリックに環境問題を取り上げ始めたのもこの年から。さらに、2月から12月にかけてバンドは5枚のフルアルバムをリリースします。ほぼ2ヶ月に1枚のデスマーチによって、しかし彼らは多くのファンを獲得し自らの価値を証明しました。

前述の異端 “Flying Microtonal Banana”、ナレーションを配した本格コンセプト作 “Murder of the Universe”, 奇妙でしかしキャッチーな “Skunsches of Brunswick East”、サイケデリックでポリリズミック TOOL の遺伝子を配合する “Polygondwanaland”、そして環境問題とプログロックのシリアスな融合 “Gumboot Soup”。
特に “Polygondwanaland” は KING GIZZ の最重要作と言えるのかもしれませんね。オープナー “Crumbling Castle” はまさしくバンド進化の歴史を11分に詰め込んだ濃密な楽曲ですし、何より彼らは作品を自らのウェブサイトで無料公開し、驚くべきことにその著作権さえ主張しなかったのですから。
バンドのメッセージは明瞭でした。「レコードレーベルを始めたいと思ったことはあるかい?さあやってみよう!友人を雇ってフィジカルを制作して出荷するんだ。僕たちはこのレコードの権利を主張しない。楽しんでシェアしてくれよ!」
そうして KING GIZZ は、ファンやインディーレーベルにオーディオファイルやアートワークもフリーで公開してそれぞれにフィジカルのディストリビュートを促したのです。それは衰退したレコード、CD文化を保護し復権を願うバンドが取った驚天動地の奇策でした。彼らほどのビッグネームの、しかも最高傑作のフィジカルをマージンなしで配給出来るチャンスなどなかなか飛び込んでくるはずもありません。作品は世界中88のレーベル、188のフォーマットで販売されることとなりました。

そういった大胆な行動は、彼らが全ての作品を自身のインディペンデントレーベルからリリースしていることにより可能となっています。レーベルはドラマー Eric Moore によってスタートし、彼が全てのマネージメントスタッフを仕切っているのです。もはやレーベルとのビッグディールを目指す時代は終焉を迎えました。若く意欲的なバンドにとって KING GIZZ のやり方は理想的なモデルケースでしょう。なぜなら、彼らはクリエイテビィティー、レコードの権利、リリースの計画、バンドの未来まで全てを完全に掌握しているのですから。

さすがに1年に5枚リリースの反動が訪れたのか、新作 “Fishing for Fishies” のリリースには2019年まで時間がかかりました。アルバムについて Stu は、「俺たちはブルースのレコードを作りたかったんだ。ブルースやブギー、シャッフルとかそんな感じのね。だけど楽曲はそのテーマと戦って、自らのパーソナリティーを獲得している。」と語っています。
実際、荒々しきブルーグラスのタイトルトラックを筆頭に、類稀なるグルーヴと RUSH の影響を宿す “The Cruel Millennial”、さらにエレクトロニカに満たされながらミツバチの重要性を語り継ぐ”Acarine” などアルバムは千変万化で充実を極めています。

驚くべきことに、そうして KING GIZZ は8月にリリースされる新作 “Infest the Rat’s Nest” で次の標的をメタルへと定めました。
公開された “Planet B” は誰も想像だにしなかったスラッシュメタルチューン。さらに “Self-Immolate” は初期の METALLICA, SLAYER と MUSE や ROYAL BLOOD を変拍子の海でミックスした奇々怪界。彼らが新たな領域で披露するエクレクティックな獰猛性が待ちきれませんね。

KING GIZZ の持つ多様性、プログ/メタルの新聖地オーストラリアというグローバルな出自はモダンなロック世界の原則を見事に内包しています。Stu はそのバンドの多様性について、「音楽は探検なんだ。僕がまだ探索していない音楽の作り方、レコードの作り方が何百万も残っている。言うまでもなく、学んでいない楽器、聴いていない音楽、探求していない文化もね。」と語っていますが、それでも父に Neil Young を歌い聞かされ、60年代のガレージコンピレーションから、敬愛する FLOWER TRAVELLIN’ BAND 含む70年代に勃興した東洋のサイケロックまで、Stu の知識と好奇心に際限はありません。驚くべきことに、彼は毎年一つ新たな楽器の習得を自らに課しています。

もちろん、彼らの特異なサウンドや”健全な” 4/4の錯覚を誘うポリリズムの魔法、そしてカメレオンの美学は、古くからのリスナーが慣れ親しんだプログロックやメタルの法則には乗っ取っていないかもしれません。一方で、故に革新的で創造性溢れ、前時代へのカウンターとして新たなビッグアクトの資格を得ているとも言えるはずです。バンドは自由自在に自己表現を繰り出すアートの極意を恐れてはいませんし、それでもなお、ロック/プログ/メタルの領域を住処としているのですから。遂に FUJI ROCK FESTIVAL 19′ で初来日を飾る KING GIZZ のモットーは、”No Slowing Down”。サイケ、プログ、ジャズ、エレクトロ、フォークにスラッシュとその境界を破壊し自由に泳ぐ魔法の王様は、きっとこれから何十年もロックミュージックの進化を担っていくはずです。

参考文献: The Guardian:King Gizzard & The Lizard Wizard: can the psych band release five albums in one year?
The Quietus:No Slowing Down: King Gizzard & The Lizard Wizard Interviewed
Ultimate Guitar :Why King Gizzard & the Lizard Wizard Are the Future of Rock Music We’ve Been Waiting for

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FUJI ROCK FESTIVAL 19′

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NEW DISC REVIEW + COVER STORY 【BARONESS : GOLD & GREY】


COVER STORY: BARONESS “GOLD & GREY” !!

“John Baizley And Baroness have battled through Life-Threaten Bus Accident to make a life-affirming record “Gold & Grey”. Baroness’s Color Cycle Has Come To An End, But Their Art Journey Will Not Stop!”

ABOUT COLOR WHEEL AND “GOLD & GREY”

「全ては色相環、カラーホイールから始まったんだ。」
アートメタルを切り開く BARONESS のフロントマン John Baizley は、色彩をテーマとしたアルバムタイトル、アートワークの起源をそう明かします。赤、青、黄緑、紫と色を紡ぎ続ける音画家がそうして次に選んだ輝きは黄金の灰でした。
「俺はアートスクールでアートの歴史や理論を学んだんだ。」驚くことに、John Baizley は全てのアートワークを自らで描いてもいます。
「普通のアーティストなら、カラーホイールは赤、紫、青、緑、黄、オレンジとなっているだろう。だけどオレンジがこのアルバムに相応しい色だとは思えなかった。それに “Gold & Grey” の方がソフィスティケートされているだろ?」
その音楽と同様に、”Gold & Grey” のアートワークは John の最高傑作と言えるでしょう。何百時間を費やし、ダリの万華鏡を封じたそのアートは、2007年 “Red” に端を発する色物語を終わらせる完璧なピースでした。
もちろん、WEEZER をはじめ色をテーマとしたアルバムの作り手は決して少なくありません。ただし、BARONESS はそのコンセプトをネクストレベルへと進めています。
「アートワークはリスニング体験と切っても切り離せないものだ。PINK FLOYD の “The Dark Side of the Moon” を聴けばリスナーは必ずすぐにあのプリズムとレインボーを思い出すだろう。音楽以外でリスナーを惹き付けるアートワークは、ただ聴くだけの体験とは別次元の体験を生み出すんだよ。」
アートワークに注がれる全ては、個人的な、特別な理由であると John は語っています。
「俺はいつだって人生からアートを描いている。モデルを使って、俺が描きたいものを探していくのさ。そのプロセスがまるで火花が散るように俺の興味を刺激するのさ。」
人生の変化、バンドの進化を象徴するものこそがアートワーク。
“Gold & Grey” は長年ギタリストを務めた Peter Adams 脱退後初のアルバムとなりました。2015年、”Purple” で大成功を収めたバンドは、新たに Gina Gleason を起用することに決めたのです。
「Gina とはフィラデルフィアで出会ったんだ。俺たち両方が住んでいる場所だ。Peter とは実に良い別れ方だったから、後任を探す時間も充分で、結果として最高にオーガニックな移行となったね。」
元 Cirque du Soleil のギタリストで、Santana にも起用されていたジャムのスペシャリスト Gina の加入は “Gold & Grey” をアートワークのように多様で入り組んだ螺旋の作品へと昇華させました。
温かみや憂いを湛えるシンセサイザーが重要な役割を果たす一方で、オールドスクールなインプロジャムも作品の肝となりました。何より、Gina のドリーミーなコーラスワークはバンドの新たなウェポンです。
モダン=多様性のポストミレニアムメタルにおいて、プログ、スラッジ、サイケデリック、エレクトロニカ、マスロック、インディーロック、デリケートなピアノの響きにスペイシーなサウンドエフェクト、そしてノイズの洪水までエクレクティックを極めたアルバムは “複雑なパズル” だと John は語ります。
「注意深く聴けば、全ての楽曲が何かで繋がっていることが分かるはずさ。メロディーであったり、リズムであったり、1箇所以上繋がっている楽曲だってあるよ。まるでオーディオのイースターエッグが隠されているようなものだよ。」
John はジャンルの話を好みませんが、1つのジャンルに固定されることほど彼を苛立たせるものはありません。実際、アンセミックでエナジーに満ち溢れ、静謐から轟音まで支配するこの作品はストーナーはもちろん、もはやメタルの狭い枠にすら収まることはないでしょう。
「ストーナーメタルの一言だけで全てをカバーできるアルバムではないよ。ロックバンドと名乗るかメタルバンドと名乗るかだけでも、リスナーに相当異なる印象を与える。だけどストーナーメタル?そんなの分かる人いるのかな?」
BARONESS の色円は終わりを迎えますが、彼らの旅が終わる訳ではありません。
「色をテーマとしたアルバムが6枚も続くなんてね。だけど、俺はこれからも描き続けるよ。アートに終わりはないんだから。」

BARONESS “GOLD & GREY” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ARCH ECHO: YOU WON’T BELIEVE WHAT HAPPENS NEXT!】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ADAM BENTLEY OF ARCH ECHO !!

“We Felt It Would Be Fun To Go Against The Typical Trends And Have Something More Comical. We Have Fun And Don’t Take Things Too Seriously, And The Artwork Reflects That.”

DISC REVIEW “YOU WON’T BELIEVE WHAT HAPPENS NEXT!”

2010年代の幕開けを前に ANIMALS AS LEADERS が放ったセルフタイトルの煌きは、”Instru-metal” シーンに劇的な転調をもたらしました。
ネクストレベルのテクニック、グルーヴ、創造性、そして多弦の魔法は、Djent ムーブメントの追い風も受けて同世代を激しく刺激し、さらに綺羅星のごとき後続を生み出すこととなったのです。
鬼才のマイルストーンを道しるべに、自らのインスト道を極める俊英たち。彼らはあたかも大樹から自在に伸長する枝葉のように、モダンプログレッシブの世界を細分化し多様に彩りました。
日本が誇る ichika や THE SURREALIST のアンビエントな冒険は出色ですし、同じく日本人 Yas Nomura が所属する THRAILKILL や THE RESONANCE PROJECT の知性と際立った完成度、さらに王道をひた走る主役 POLYPHIA, CHON のチルアウトしたマスライド、Felix Martin の踊る蜘蛛指、Sarah Longfield の眩いエレクトリックパレード、そしてもちろん素晴らしきマスコット、ヒキニート先輩とまさに多士済済、群雄割拠のインストシーン。
ただし、楽器のディズニーランドへと舞い降りた万華鏡の新世代は、トレンドを恐れず喰らい、ジャンルに巣食うマニアの呪縛をも意に介さない点で共闘し、よりマスリスナーへとワイドなアピールを続けているのです。
中でも、あの Steve Vai をして最も先進的なギタープレイヤーの一人と言わしめた Plini の出現を境として、”Fu-djent” の華麗な波が存在感を増しています。Djent のグルーヴを受け継ぎながら、より明確なメロディーとハーモニーを軸に据え、フュージョンの複雑性とキラキラ感をコーティングしたカラフルなイヤーキャンディーとでも言語化すべきでしょうか。隠し味は、音の隅から隅へと込められた類まれなるメジャー感なのかも知れませんね。
INTERVALS, OWANE, Jakub Zytecki, Sithu Aye, Stephen Taranto といったアーティストが “Fu-djent” の魅力を追求する中でも、あのバークリー音楽院から登場した ARCH ECHO の風格とオーラはデビュー作から群を抜いていたようにも思えます。
違いを生んだのは、彼らがより “バンド” だった点でしょうか。名だたるプレイヤーを起用しながら確固とした主役が存在する他のアーティストと比較して、ARCH ECHO はダブルギター、キーボード、ベース、ドラムス全員が主役でした。故に、プログからの DIRTY LOOPS への返答とも称されたコレクティブでファンキー、ウルトラキャッチーな “Hip Dipper” が誕生し得たのでしょう。
最新作 “You Won’t Believe What Happens Next!” は、さらにバンドとしてのシンクロ率を高め熟成を深めた作品です。
「僕たちはバンドを楽しんでやっているし、シリアスに物事を捉え過ぎてはいないんだよ。アートワークはそのアティテュードを反映しているんだ。」
プロデューサーとしてもシーンに一石を投じる Adam Bentley は、”次に何が起こるかきっと君は信じられないだろう!” というタイトル、プログらしさの真逆を行くコミカルなアートワーク、そしてもちろんその音楽も、全てが “楽しさ” に由来する創造性や意外性であると語ってくれました。そして確かに、彼らの新たな旅は意外性に満ちています。
「このアルバムではよりフュージョンを目指した方向性をとったんだ。それに、よりテクニカルにもなっているね。」
一見 “Hip Dipper” 同様メジャー感を前面に押し出した “Immediate Results!” でさえ、その実予測不能のポリリズム、緩急のダイナミズム、スピードの暴力、デュエルの激しさなど総合的な複雑性、テクニカルメーターは前作を大きく凌いでいます。
加えて、”Stella” が象徴するように Djeny な重量感は一層深くバンドの音の葉へと馴染み、一方で “Bocksuvfun” や “Iris” に浸透した RETURN TO FOREVER 譲りのトラディショナルなフュージョンサウンドもそのリアルを増しているのです。
すなわち、バンド全員のインストゥルメタルスーパーパワーを集結し、リラックスしたフュージョンマインドとテンション極まるチャグアタックを渾然一体に導く蜃気楼のパラドックスこそ ARCH ECHO の天性。
今回弊誌では、Adam Bentley にインタビューを行うことが出来ました。「ジャクソンのギターを使っているのは、僕のメタルとプログメタルに対する愛が故なんだよ。」名曲 “Color Wheel” を追加収録した日本盤は、7/17に P-VINE からリリース。どうやら待望の初来日も期待できそうですね。どうぞ!!

ARCH ECHO “YOU WON’T BELIEVE WHAT HAPPENS NEXT!” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【AVANDRA : DESCENDER】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CHRISTIAN AYALA OF AVANDRA !!

“The Kevin Moore-era Dream Theater Has Had The Biggest Impact On Me, Since It’s When They Really Elevated My Soul To a Whole Different Level Of Emotion And Taught Me What Music Can Do To Really Transform You As a Person. “

DISC REVIEW “DESCENDER”

喪失、戦争、そして天災。時に芸術は悲劇の灰から降誕します。2017年に襲来した髑髏のハリケーン、マリアはプエルトリコに壊滅的な被害をもたらしました。しかしその神の所業は、皮肉にも AVANDRA のボーカリスト/ギタリスト Christian Ayala に至芸 “Descender” の偶成をも促すこととなったのです。
ハリケーンの爪痕、長期停電の困難はしかし Christian に音楽と詩歌へ没頭する常闇と情念をあてがうことにもなりました。そうして、銀灰色の憂鬱とアンビエンスに彩られた “Descender” の凛々しき純潔は、その荘厳を極めることとなったのです。
「DREAM THEATER と CYNIC の理想的な婚姻」 “Descender” を評する際、プログメタルの二傑について触れない訳にはいかないでしょう。
「Kevin Moore 時代の DREAM THEATER は僕に最も大きなインパクトを与えたんだ。僕の魂を完全に異なる感情域まで高め、人として真に変革するため音楽に出来ることを教えてくれたんだよ。だから Kevin とは何とかして音楽人生の中で共演したかったんだ。まさに彼にしか作り得ない満載の感情とアンビエンスを持ち込んでくれたね。」
Christian が語るように、Kevin Moore こそが初期の DREAM THEATER に類稀なる陰影と叙情、そして唯一無二のアトモスフィアとアンビエンスをもたらしていたことは明らかです。Kevin の脱退以降 “Lifting Shadows Off a Dream” のような冷厳でしかしどこか温もりのある暗紫色の景色を垣間見ることは叶いませんし、”Space-Dye Vest” の幽玄については語るまでもないでしょう。
AVANDRA の音楽には Kevin の天性が確かに存在しています。そしてそれ故に半ば隠棲状態の Kevin も “Derelict Minds” へのゲスト参加を決めたのでしょう。
興味深いことに、多くのリスナーが “Cynic-y” だと感じた “Derelict Minds” の印象的なリフワークは、実際は DREAM THEATER のデビュー作 “When Dream and Day Unite” がインスピレーションの源でした。CYNIC のトレードマークとなっている連続した2音、3音を繋げていくシンメトリーな音数学は、実は DREAM THEATER のデビュー作にも多数使用されています。
音質や Charlie Dominici の繊細すぎるボーカルパフォーマンスには評価が分かれるところでしょうが、”When Dream and Day Unite” に漂う蒼の叙情は比類なきロマンでもありました。そしてもちろん、CYNIC の SF を由来とするエアリーなアトモスフィア、アンビエンス。
二大巨頭の共通点と天稟をレガシーして受け継いだ AVANDRA の方程式は、プログメタルの軌跡においてむしろ遅すぎたと言えるほどに必然だったのかも知れませんね。
「DREAM THEATER, OPETH, PORCUPINE TREE を僕の “ホーリートリニティー” (聖三者) と呼ぶことにしたんだよ。」
加えて、AVANDRA の運命的な旅路は、モダンプログレッシブの領域に不可欠なコントラスト、ダイナミズムをしっかりと伴っています。DREAM THEATER の “Breaking All Illusions” を思わせるイントロが耳を惹く2部構成のエピック “Beyond the Threshold” を聴けば、温和で情感豊かな鍵盤の響きに Kevin Moore を夢想し、その起伏を帯びたシネマティックな世界線に圧倒されるでしょう。
“The Narrowing of Meaning” に漂うメランコリーとアグレッションの鍔迫り合い、ポストロックの洗礼を浴びた “Even You”、さらに “Adder’s Bite” に流れるダーククリーンとプログヘヴィーの対峙はまさに OPETH の錬金術で、現代を闊歩する女神の矜持を見せつけていますね。CULT OF LUNA の Magnus がマスタリングを担当した事実にも頷けます。
きっと、10年、20年の後、DALI’S DILEMMA の “Manifesto for Futurism” のような評価を得るアルバムなのかも知れませんね。
今回弊誌では、Christian Ayala にインタビューを行うことが出来ました。「もし僕が死んでしまっても何かを残しておきたいという気持ちからだったね。作品を作っておけば、世界に僕の “創造性” を残しておくことが出来る。バカげているかもしれないけどね。(笑) だけどそれがレコーディングやヴァーチャルスタジオテクノロジーを学ぶモチベーションになったんだ。」 どうぞ!!

AVANDRA “DESCENDER” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + MORGAN AGREN INTERVIEW 【DEVIN TOWNSEND : EMPATH】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MORGAN ÅGREN FROM DEVIN TOWNSEND !!

“It’s Funny Cause I Got An Email From Devin When He Asked Me ”Can You Play Quietly?” ”I Want Spooky Country Drums With Low Volume”

DISC REVIEW “EMPATH”

「”Empath” とはまさに Devin そのものだから、彼の心に従い、彼が本心から望むようにプレイしたんだ。彼はこのアルバムで遂に完全なる自由を手に入れたね。」
カナダのサウンドウィザード Devin Townsend が最も信頼を置くアーティストの一人、Morgan Ågren は確信を持ってそう答えました。
DEVIN TOWNSEND PROJECT の最終作となった “Transcendence” は、以前より大幅にメンバーのインプットを盛り込み、バーサタイルに探究を重ねたグループの長き旅路を集約する名品でした。
ただし、”集大成” とはすなわち “繰り返し” へと、”メンバーの固定化” とはすなわち “マンネリズム” へと繋がる危険をも孕みます。Devin Townsend の溢れる∞の創造性は、予測可能な全てを一度リセットし、演奏者も音像も自在に選択する絶対的に自由な翼を欲したのです。
「現在の Devin Townsend が持つ音楽的な興味全てが、一つの場所へ収まったとしたらどうなるだろうか?」
フォーク、シンフォニック、ポップ、プログ、ファンク、ブラックメタル、ジャズ、ニューウェーブ、アメリカーナ、ワールドミュージック、そして EDM。Devin の中に巣食うマルチディメンショナルな音楽世界を一切の制限なく投影したレコードこそ “Empath” です。そして “エンパス” “感情を読み取る者” のタイトルが意味する通り、Devin がアルバムに封じた万華鏡のエモーションを紐解くべきはリスナーでしょう。
オーディエンスがエンパスなら、もちろん、アルバムに集結したアーティストも Devin の百花繚乱な感情を読み取るエンパスです。
Mike Keneally をミュージックディレクターに、Morgan Ågren, Samus Paulicelli (DECREPIT BIRTH), Anup Sastry (ex-MONUMENTS) と三者三様の技巧派ドラマーを揃え、さらに Steve Vai, Anneke van Giersbergen (VUUR), Ché Aimee Dorval, Chad Kroeger (NICKELBACK) など錚々たる顔ぶれが翼となり、Devin が今回提唱する “ヘヴィーな音楽でも多様になり得る” の精神を実現していきます。
“Castaway” に広がる海の景色、ジャジーなギター、そして荘厳な女声コーラスは歴史的プログエピックへの完璧なエントランス。そうして幕を開ける “Genesis” はアルバムの全貌を伝える “Empath” の小宇宙でしょう。
神々しいほどにエセリアルで、毒々しいほどにアグレッシブ。シンフォニーとエレクトロ、オペラとスクリーム、ディスコビートとブラストビート、アンビエントとエクストリーム。一見相反するようにも思える何色もの絵の具は、幾重にも重なり奇跡のダイナミズムを描きながらプログメタルのキャンバスを彩り、時には逸脱していきます。その瑞々しきカオスは “創世記” の名に相応しい “Hevy Devy” 新時代の到来を確かに告げています。
レコードが進むに連れて、リスナーは「最初はどこに向かうのか、この作品が何なのかさえ分からなかった。」と語る Devin が見出した “意図” を感じるはずです。
“Spirits Will Collide” を聴けば “Z²-Sky Blue” よりもポップなアルバムを、”Sprite” を聴けば “Infinity” よりもスピリチュアルなアルバムを、”Hear Me” を聴けば SYL の “Alien” よりもヘヴィーなアルバムを、そして “Why?” を聴けば “Ghost” よりも優美なアルバムを巨匠が目指していたことを。DEVIN TOWNSEND PROJECT という枠組みから解放された鬼才は、そうして様々な領域で “限界突破” を実現して “プログレッシブ” の定義すら軽々と破壊していくのです。
「確かに Zappa コネクションがこの作品には生きているね。Keneally, Steve, Devin。ただし、Devin はそこまで Zappa の音楽に入れ込んだことはないんだけどね。」
11分の “Borderlands”、そして23分の “Singularity” で Devin は “現代の Frank Zappa” の地位を揺るぎのないものにしたのかも知れませんね。穏やかに、残酷に、しなやかに、カラフルに、哲学的に、何より冒険的に。ほとんど忘れ去られて苦境の最中にある “芸術” を救い、リスナーに “エンパシー” を喚起する Devin のやり方は、無限の想像力と比類無き多様性でした。
今回弊誌では、Frank Zappa、そして盲目の天才ピアニスト Mats Öberg とのデュオ Mats/Morgan でもお馴染み Morgan Ågren にインタビューを行うことが出来ました。「Fredrik は遂に新作へと着手しているよ。実は、僕は彼のその作品のためにすでに沢山のマテリアルをレコーディングしているんだ。」MESHUGGAH の心臓も遂に動き出したようです。どうぞ!!

DEVIN TOWNSEND “EMPATH” : ∞/10

THE STORY BEHIND “EMPATH”

ヘヴィーミュージックの世界では、アーティストが非常に狭い、限定された箱の中へと押し込められる傾向にあるね。音楽業界だって、カテゴライズや販売戦略のためにアーティストに特定のジャンルへ留まることを要求する。つまり、メタルの背景を持っているミュージシャンがジャンルの外に出て注目を集めるのは不可能に近いんだ。
じゃあ、広いパレットの中で”色”としてジャンルを使用しているアーティストはどうするの?ジャンルを遥かに超えた知識と経験を持つアーティストは?
それにメタルが恥ずべき音楽じゃなく、尊敬に値すると考えているアーティストは?
見世物ではなく、多様性によってあらゆる音楽的感情を表現したいなら、追求するべきでしょう。
“Empath” の真の意味はリスナーに様々な音楽的感情、体験を感じさせることにあるね。そうして、彼らに人生を美しく、挑戦的にする全てに恐れず参加して欲しいと伝えたいんだよ。
どのセクションもリスナーに”歓迎”されるよう心がけ、感情のジェットコースターとしてサウンドスケープをより効果的に繋げていったね。そうして、願わくば他のミュージシャンがこの方法にインスパイアされればと思うようになったんだ。
アルバムは、喜びと人々の助けになりたいという思いに根ざしている。楽曲に多様性を持たせたのは、”Empath” “共感”が弱さと捉えられてきた歴史の中で、人生を様々な観点から見る必要性を表現したかったから。僕にとっても長い間狭い場所に閉じ込められていた創造性を解き放ち、恐怖から脱却するためのやり方だったね。多様性が増す時代において、他人の気持ちになって物事を見ることは他者を理解する上で欠かせないプロセスさ。
そうして “Empath” という不可能を可能にしたんだよ。

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【O.R.k. : RAMAGEHEAD】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH LEF OF O.R.k. !!

“Bill Laswell Passed a Copy Of The Record On To Tankian Who Was So Impressed, He Then Checked Out All My Stuff, Website And Other Material. This Led Directly To Serj.”

DISC REVIEW “RAMAGEHEAD”

オルタナティブとプログレッシブの稜線に位置するスーパーバンド O.R.k. は、さらに音楽と映画の境界すら霧の中へ誘いユニークな “O.R.k.estration” サウンドで魅了します。
イタリア生まれの声楽家で、映画音楽のコンポーザーとして受賞歴も有する LEF こと Lorenzo Esposito Fornasari。彼が過去に OBAKE でバンドメイトだった ex-PORCUPINE TREE のベースマン Colin Edwin、BERSERK! で共演した KING CRIMSON のスティックマン Pat Mastelotto、さらにイタリアンフォークのビッグネーム MARTA SUI TUBI から Carmelo Pipitone を召喚し結成したプログコレクティブこそ O.R.k. でした。
「ビジュアルアートと音楽がお互いに補い合うやり方がとても好きなんだ。だからね、O.R.k のディスコグラフィーはまだ撮影されていない映画音楽と解釈することも可能だと思うんだよ。」
2015年の結成以来、O.R.k. はプログとオルタナティブを主役として起用しながら、同時にエレクトロ、ジャズ、アンビエントにオペラといった名脇役を見事に配置し、その絶妙な脚本、演出、カメラワークで造形豊かなシネマティックワールドを音楽の中へと投影して来ました。
「アルバムは、様々な側面からもたらされる情報の波に呑まれる潜在的な感情について描いているんだ。僕たち人間の関係性、感じ方、考え方、それに生活全てが、今日では実に深くインターネットとテクノロジーに影響されているのは明らかだよ。」
新世代プログレッシブの旗手 Kscope と手を結びリリースした勝負の最新作 “Ramagehead” で、O.R.k. がフィルムの舞台に選んだのはインターネット/テクノロジーに支配される現代とその社会でした。
深刻なテーマとシンクロするように、彼らの新たなサウンドトラックはダークな畝りが跋扈する重々しい世界。作品を象徴するオープナー “Kneel to Nothing” には、明らかに ALICE IN CHAINS や SOUNDGARDEN が90年代にもたらした悲憤の刻印が印され、一方で極上のリズムチームが創生するパーカッシブな数学の躍動感には TOOL の遺伝子が宿っているのです。
実際、スポンティニュアスで魂宿る Lef の歌唱には Chris Cornell が降臨し、アートワークのデジタルが支配する深淵は TOOL の Adam Jones がデザインを行っています。
暗澹と叡智のフレームはそうして様々なカオスを切り取っていきます。RADIOHEAD を想起させる幽玄とメタルの狂気が同居する “Signals Erased”、クリムゾンの叙情と不穏が類稀なるコントラストを生み出す “Time Corroded”、豊潤なオーケストレーションで完璧なシネマを具現化する組曲 “Some Other Rainbow”。
場面転換の妙は、ネオレアリズモの生々しくも痛烈な説得力を纏ってリスナーをビジュアルとサウンドの水平線へと誘うのです。
「Serj は僕の全ての作品をチェックしてくれたそうだよ。ウェブサイトや他のマテリアルまでね。」
Bill Laswell が聴かせた音源を出発点に、そうして O.R.k. の透徹した美意識は遂に SYSTEM OF A DOWN のマエストロ Serj Tankian のキャスティングへと繋がりました。”Black Blooms” に描かれた地続きの善と悪、国もジャンルも超越して咲き誇る黒の才華は完璧なまでにプログの新たな地平、情景を示唆しているのでしょう。
今回弊誌では、Lef にインタビューを行うことが出来ました。彼の鍵盤捌き、Carmelo のシーケンシャルなフレージングも聴きどころの一つ。「映画のためにスコアを書くことで、僕の音楽に対するアプローチは大きく変化したんだ。」どうぞ!!

O.R.k. “RAMAGEHEAD” : 9.8/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DILEMMA : RANDOM ACTS OF LIBERATION】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH COLLIN LEIJENAAR OF DILEMMA !!

“I Believe That Prog Music Should Not Only Be Clever And Virtuoso, But Also Moves Your Emotions And Your Heart. And It Should Surprise You, Taking You On a Musical Journey.”

DISC REVIEW “RANDOM ACTS OF LIBERATION”

「オランダ人はいつも交易と開拓を掲げてきたよ。この精神は、音楽にも反映されているんだ。なにせオランダのプログシーンは小さいから、成功を収めたいなら手を広げなければならないんだ。だからこそ、オランダのプログロックバンドはよく世界的な注目を集めるんだろうね。」
オランダに根づく交易と開拓の精神は、文化、芸術の歩みをも伴うこととなりました。そしてそのスピリットは、”交易” と “開拓” を音で体現するプログレッシブロックの海原と無謬にシンクロしているのです。
FOCUS, EARTH & FIRE, TRACE, KAYAK, AYREON, TEXTURES, VUUR。潮風の交差点で脈々と重なるダッチプログの渦潮は、DILEMMA を呑み込み、23年の長い間仄暗き水の底へと沈めました。しかし、90年代に素晴らしき “Imbroccata” でプログシーンに深々と爪痕を残した船乗りたちは甦り、遅れて来た大航海時代 “Random Acts Of Liberation” で文字通り自由を謳歌するのです。
ただし、乗組員は船長の鍵盤奏者 Robin Z を除いて大きく変化を遂げています。特筆すべきは、Neal Morse, KAYAK との仕事でも知られる百戦錬磨のドラマー Collin Leijenaar と、ex-FROST*, DARWIN’S RADIO の Dec Bruke を加えたことでしょう。オランダでプログ雑誌のライターも務める Collin の理想と、FROST* の血脈に繋がる Dec の個性は、バンドを一際カラフルでアクセシブルなプログレッシブポップの海域へと誘うこととなりました。
「プログロックはただクレバーでバーチュオーソ的だけであるべきではないと信じているんだ。同時に感情や心を動かすべきだってね。そうしてそこには驚きや音楽的な旅への誘いがあるべきだってね。人は心の底から音楽と繋がる必要があるんだよ。」
実際、Collin のこの言葉は、”Random Acts Of Liberation” が強固に裏付けています。
DREAM THEATER の “Pull Me Under” を彷彿とさせる緊張感とキャッチーなメロディーラインのコントラストが鮮やかなオープナー “The Space Between The Waves” が、より”自由”なプログロックの風波としてアルバムの趨勢を占えば、14曲72分の DILEMMA シアターの幕開けです。
“Amsterdam (This City)” を聴けば、一番の理解者 Mike Portnoy が 「SPOCK’S BEARED, FROST*, FLYING COLORS, HAKEN, Steven Wilson と並ぶとても味わい深いモダンプログ」 と DILEMMA を評した理由が伝わるはずです。デジタルサウンドとストリングスを効果的に抱擁する多様で甘やかなホームタウンのサウンドスケープは、Steven Wilson や FROST* が提示するプログレッシブポップのイメージと確かにシンクロしているのです。
“Aether” では PINK FLOYD と、”All That Matters” では ELO とのチャネリングでさらにプログポップの海域を探求したバンドは、しかし12分のエピック “The Inner Darkness” でスリリング&メタリックなルーツを再び提示し対比の魔術で魅了します。
“Spiral Ⅱ” からのシアトリカルに、コンセプチュアルに畳み掛ける大円団は、まさに Neal Morse と Mike Portnoy の申し子を証明する津波。中でも、”Intervals”, “Play With Sand” の激しく胸を打つ叙情、音景、エモーションはあまりに尊く、リスナーの心を “音楽” へと繋げるはずです。
今回弊誌では、Collin Leijenaar にインタビューを行うことが出来ました。時にトライバル、時にジャズ、時に Portnoy の影響を組み込んだドラミングの妙は、アルバムのデザインを華麗に彩ります。「このアルバムでは、プログロックをよりオープンで直接的な表現とすることに成功したと思うよ。プログをプログたらしめている興味深い要素を失うことなく、ポップな感覚を加えているね。」 どうぞ!!

DILEMMA “RANDOM ACTS OF LIBERATION” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SHOKRAN : ETHEREAL】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ANDREW IVASHCHENKO OF SHOKRAN !!

“Oriental Elements Decreased In This Album. But The Compositions Matured, We’ve Gone More Progressive, Less Djent!”

DISC REVIEW “ETHEREAL”

プログレッシブメタルコアのモーゼ、SHOKRAN はジャンルを約束の土地へと導く預言者なのかも知れません。ロシアから世界を窺う指導者は、文字通り天上の美を体現する最新作 “Ethereal” で海を割ります。
ギタリスト Dmitry Demyanenko のソロプロジェクトとして始まった SHOKRAN は、デビューフル “Supreme Truth” で BORN OF OSIRIS の革新にオリエンタルで壮大なサウンドスケープをもたらし、遅れて来た “Djent スター” として一躍脚光を浴びました。
リリース後にはボーカル、リズムギター、ベーシストの脱退という非常事態に見舞われますが、グレードアップしたメンバー、さらにキーボーディストを加え盤石の体制でセカンドアルバム “Exodus” をドロップします。
そうしてバンドは旧約聖書に記された “出エジプト記” をテーマとしたコンセプト作品で、シンセサイザーの煌びやかな響きと、一際エクレクティックなビジョンを携え自らのオリエンタルドラマティックなサウンドを確立することとなったのです。
最新作 “Ethereal” は、メロディーと多様でプログレッシブな方向性をさらに追求し、バンドのドラマ性を飛躍的に高めたマイルストーンです。
「確かにこのアルバムでオリエンタルな要素は減ったと思うよ。だけどコンポジションはより成熟を遂げているね。つまり、僕たちはよりプログレッシブに、Djent の要素を減らして進化を果たしたんだ!」レジェンド THE HAARP MACHINE にも請われて参加することとなったシーンきってのシンガー Andrew Ivashchenko が語るように、典型的な Djent サウンドやあからさまなオリエンタルフレーズを減退させ、”エセリアル” なムードを研ぎ澄ますことで、アルバムは結果として唯一無二のダイナミズム、エピック世界を得ることとなりました。
実際、冷ややかで透明なリードギターとシンセサイザーの景色、ミステリアスなオリエンタルフレーズ、複雑でメカニカルなグルーヴ、スポークンワード、クリーン、グロウルを自在に行き来する声の表現力、全てで荘厳を体現したオープナー “Unbodied” がバンドの DNA をしっかりと受け継ぐ一方で、”Ascension” のサウンドスケープは完璧なコントラストを創出します。
「”Ascension” はアルバムで最も多様な楽曲さ。まさにドラマさ。緩やかに実にメロディックに始まり、メロディーが躍動し始め、アグレッションが加わり、ハッピーなコーラスが流れ出し、突如ヘヴィネスで期待を激しく裏切るんだ。まさに楽曲で最もドラマティックな瞬間だね。そうしてドラマを繰り返し、感情をもたらす訳さ!」Andrew の言葉通り、多幸感や神秘性を抱きしめた夢見心地の崇高美は、メジャー感を伴って SHOKRAN 劇場の素晴らしきアクセントとなっていますね。
そうして SHOKRAN が描く多次元の自己探求は、DREAM THEATER からハチャトリアンまで Tech-metal の粋を尽くした “Superior”、PERIPHERY や MONUMENTS の最新作にも通じるキャッチーさとヘヴィーグルーヴの対比を封じた “Golden Pendant” と、まさにマルチディメンショナルな世界観を提示していくのです。
幕引きは “Destiny Crucified”。ロシアの血が育んだ絶対零度のメランコリーは、ストリングスやアコースティックの蜃気楼を写しながら夢幻泡影のワルツを踊るのです。
今回弊誌では、Andrew Ivashchenko にインタビューを行うことが出来ました。THE HAARP MACHINE の新作についても語る Tech-metal ファン必読の内容だと思います。「今では大きな感情の変化を音楽で表現出来るんだ。僕たちは成熟を遂げ、集団として働けるようになったのさ。」 どうぞ!!

SHOKRAN “ETHEREAL” : 9.9/10

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