タグ別アーカイブ: Modern Prog

MASTERPIECE REVIEW + INTERVIEW 【BETWEEN THE BURIED AND ME : COLORS】10 YEARS ANNIVERSARY !!


METAL SUCKS PRESENTS: INTERVIEW WITH DAN BRIGGS OF BETWEEN THE BURIED AND ME !!

08f0717a-ade9-4623-b739-fd6f0bf41d47

Between The Buried And Me Are Currently Out On Tour Celebrating The Tenth Anniversary Of Their Landmark Album “Colors” By Playing It From Start To Finish Every Night. Bassist Dan Briggs Talks About A Retrospective Essay About How The Band Wrote Was Has Come To Be Considered As A Landmark Modern Progressive Metal Record !!

DISC REVIEW “COLORS”

“We are Between The Buried And Me, and this is Colors.”
“Colors Live” のオープナー “Foam Born (A) The Backtrack” が厳かに幕を開け、ピアノのイントロが一旦静まると Tommy Rogers はそう呟きます。
不朽の名作 “Colors” から10年。Tommy, Paul, Dustie, Dan, Blake の5人で紡ぐ BETWEEN THE BURIED AND ME は確かにこの場所から始まり、その豊かな色彩のスペクトルは現在でも決して色褪せることを知りません。
振り返ってみれば、2003年にリリースした “The Silent Circus” における “Mordecai” はバンドのターニングポイントだったのかも知れませんね。トレードマークであった直感的な衝動のカウンターとして崇高なメロディーを発見した彼らは、”Alaska” でエクスペリメンタルなエクストリーム領域の下地を示した後、現在の5人 “ファンタスティック・ファイブ” を揃えて素晴らしき “Colors” へとたどり着くことになります。そして、この64分の万華鏡が放つプリズムは、バンド自身のみならず、現在のモダンメタル/プログレッシブシーンにとってあまりに鮮烈かつ至高のマイルストーンとなりました。
“モダン=多様性” と定義するならば、”Colors” ほど “モダン” なレコードは未だかつて存在しないでしょう。TOOL の “Lateralus”、THE MARS VOLTA の “Frances the Mute”、PROTEST THE HERO の “Kezia”、SikTh の “Death of a Dead Day”、COHEED AND CAMBRIA の “Good Apollo, I’m Burning Star IV, Volume One: From Fear Through the Eyes of Madness”、MESHUGGAH の “Catch Thirtythree”, ISIS の “Panopticon”、THE DILLINGER ESCAPE PLAN の “Miss Machine”、GOJIRA の “From Mars to Sirius”。ミレニアムを迎え、モダンメタル/プログレッシブに多大な影響を与えたエクレクティックな作品が続々と登場する中で、変革の決定打となったアルバムこそ “Colors” だったのかも知れませんね。
実際、メタル、ハードコア、メタルコアをルーツとしながらも、”Colors” には数え切れないほど豊かな色彩が織り込まれています。ジャズ、クラッシック、プログレッシブ、ワールドミュージック、ブルース、ポルカ、ブルーグラス、デスメタル、ブラックメタル…精密かつ大胆に配置されたインフルエンスの数々は、彼らのルーツとナチュラルに混ざり合い、時にエクストリームに、時にテクニカルに、時にアトモスフェリックに、時にメロディックにリスナーの元へとこの偉大なるエピックを届けるのです。
この作品が後続にとってインフルエンタルであることは、何よりあの DREAM THEATER のマスターマインド John Petrucci でさえ、彼らのセルフタイトルのアルバムが PERIPHERY, ANIMALS AS LEADERS と並んで BTBAM から「影響を受け、インスピレーションとアルバムを形作る助けになった。」 と語っていることからも明らかです。
ギタリスト Paul Waggoner は、「重要なのは、”Colors” の究極なまでにエクレクティックな音楽の数々は、誰か1人のメンバーが思いついた訳ではなく、全員が貢献して達成された点だよ。」 と語っています。確かに Dan もインタビューで、「僕は彼らに OINGO BOINGO とか GENTLE GIANT のようなバンドを紹介したし、彼らは EMPEROR や ULVER を教えてくれたんだ。」 と語ってくれました。ファンタスティック・ファイブがジグソーパズルのピースのごとく完璧に、奇跡的にフィットし補完し合い起こった化学反応。それが “Colors” の本質だと言えるのかも知れませんね。
よりミクロな観点で見れば、ギターリフのフレキシビリティを飛躍的に高めたこともこのレコードの功績だと言えるでしょう。メタルコアの興隆により、リードプレイのようにテクニカルなリフワークは徐々に浸透して行きましたが、それでもやはり “リフ” と “リード” の境界線は確実に存在したはずです。
あくまでも “リフ” はボーカルの伴奏として繰り返されるもの。”リード” は自由な自己表現の舞台。そんなトラディショナルな考え方を根底から覆したのが “Colors” であり、PROTEST THE HERO の “Kezia” であり、SikTh の “Death of a Dead Day” だったのではないでしょうか?
“Colors” のリフワークを聴けば、低音弦ではパターンやリズムを細かく変えながら、高音弦では自由自在にフレットを駆け巡る、フレキシブルかつ創造性豊かな “バッキング” が伴奏として見事に成立していることが分かります。そして、AAL 革命、Djent 前夜に繰り広げられたあまりに重要なこのコペルニクス的転回は、言うまでもなく様々なメタルジャンルにおいて今では定石として根付いているのです。
Dan は “Colors” を収録曲 “White Walls” になぞらえ “空間や考え方に限定されず、僕らの周りにある壁を全て壊してしまうように色彩たちがが鮮やかさを増していく” アルバムだと語ります。バンドは当時プログやメタルの既成概念を破壊した後、夜空に美しき虹をかけました。そして10年を経た今、”Colors” 10周年を祝う完全再現ツアーを終えた後、バンドは再び “未来” へと向かい新たな色彩のマジックを掲げてくれるでしょう。
今回弊誌では、US Metal Sucks, Gear Gods 誌と連携してベーシスト Dan Briggs の “Colors” 製作秘話を完全掲載することが出来ました。NOVA COLLECTIVE に続き今年2度目の登場です。「僕たちはいかにして “Colors” を制作したのか」どうぞ!!

Between_The_Buried_y_Me-Colors-Frontal

BETWEEN THE BURIED AND ME “COLORS” : ∞/10

INTERVIEW WITH DAN BRIGGS

Between-the-Buried-and-Me-6

The year 2007 began with a creative burst and a case of mononucleosis. I was 22 years old, sleeping on a futon mattress in a turn of the 20th century home in Greensboro, NC where I lived with one other guy and four girls, all of us 20-22. I wasn’t home much between 2005-2006, and when I wasn’t on the road I was usually going up to Pittsburgh or my old hometown of Erie, PA to visit family, friends and my significant other. I didn’t feel like my roots were quite in place in North Carolina yet, but the beginning of the new year was the perfect time to finally sink in. If memory serves, we were home from January until July to write and record our follow up to the Alaska LP, our second with the line up that has stayed in place since 2005. There was a lot of pent up creative energy, there were 14 hours and a country border between my ex-girlfriend and I, and the fact that we in the band were pretty broke and trying to stretch our tour earnings from earlier that fall out for about seven months all added up to no distractions and a lot of alone time in the bedroom to explore and adventure before meeting up at the practice space to grow our ideas. However, that would have to wait three weeks for me to have the energy to do anything other than change Dawson’s Creek DVDs (on the first of about 100 Dell laptops I owned between 2007 and 2011) and trips to the grocery store for soup and fruit.

2007年は創造性の爆発と、単核症への感染から始まったんだ。
僕は22歳で、ノースカロライナ州グリーンズボロの20世紀初頭に建てられた家で、モノに感染して布団にくるまって寝ていたんだよ。そこで男二人、女四人で住んでいたのさ。全員が20~22歳だったね。
2005年から2006年の間はあまり家にいなかったんだよ。ツアーを行っていない時は、たいていピッツバーグか、故郷ペンシルベニアのエリーで家族や友人を訪ねたりしていたんだ。未だに僕のルーツがノースカロライナにあるとはあまり思えなかったんだよ。ただ、その年の始まりは、遂にノースカロライナに馴染む完璧なタイミングだったんだ。
僕の記憶が正しければ、僕たちは1月から7月まで “Alaska” の次作を制作するためノースカロライナで過ごしたんだよ。2005年から定着していたラインナップでね。
そこには充分に鬱積したクリエイティブなエナジーが存在したよ。僕と元カノの間には14時間と国境の壁が鎮座していたからね。さらに実際、バンドとしての僕たちは本当にお金に困っていて、結局ツアーを7ヵ月も延長して稼ぐ必要があったんだ。つまり気晴らしもなく、ベッドルームで1人の時間が多かったから、練習場所に集まってアイデアを膨らませる前に音楽を探求する時間が充分にあった訳さ。
とは言え、ドーソンクリークの DVD を見続けること以外にエナジーを使うようになるには3週間かかったけどね。

With the heavy schedule we had during the Alaska touring cycle I felt like we all had a lot of time to grow. When we wrote Alaska we had basically three factions of people coming together; Tommy (24) and Paul (26) who had written the first two BTBAM albums together, Dustie (19) and Blake (20) who wrote all the music for their band Glass Casket, and myself (20) who had been the main writer in the groups I was in before joining. We all met up in the basement of Blake’s parents’ house and wrote the album at full volume in his old bedroom, where we lined the cabs and amps along the walls facing towards an actual drum riser Blake’s dad had built him in the corner of the room. It’s incredible we were able to do anything let alone write an album. I’ve always seen it as completely disjointed probably because of the memories of writing it. But we were able to expose each other to new sounds and groups we loved at the time, I showed the guys stuff like Oingo Bonigo and Gentle Giant, they showed me Emperor and Ulver. We found similarities and differences, the same as we’d find in our personalities over the next two years of touring on the album. We all went through relationships starting and ending on the road for the first time, good tours and bad tours, and we learned to gel together. What we would produce next would be a result of this growth and bonding.

とにかく、”Alaska” ツアーのハードなスケジュールをこなす間に、僕たちは大きく成長するための時間を得たと僕は感じたね。
“Alaska” を書いている最中、僕たちは基本的に3つの派閥に別れていたんだ。Tommy (24) と Paul (26) は一緒に BTBAM 最初の2枚のレコードを書いたね。Dustie (19) と Blake (20) は彼らのバンド GLASS CASKET のアルバム全てを書いていたんだ。そして、僕自身もバンドに加わる前はメインソングライターだったんだよ。
僕たち全員は、Blake の両親の家にある地下室で合流し、そこは彼が昔寝室として使っていたんだけど、キャブとアンプを Blake の父が息子のために部屋の隅に作ったドラムセットと向かい合うように並べてフルボリュームでアルバムを書いたのさ。
僕たちがアルバムを書く以外何もしなかったなんて驚きだよね。アルバムを書いたことだけで、本当にとりとめのない思い出しかないんだよ。だけど、お互いの新しいサウンドや当時気に入っていたグループを晒し合うことは出来たよね。
僕は彼らに OINGO BOINGO とか GENTLE GIANT のようなバンドを紹介したし、彼らは EMPEROR や ULVER を教えてくれたんだ。僕たちは2年に及ぶ “Alaska” のツアーで人間的にも音楽的にもお互いの類似性と相違点を発見したんだよ。
このメンバーの関係性で、ツアーを初めから終わりまで経験したのは最初だったし、良い事も悪い事もあったんだけど、バンドとして一つになることを覚えたのは確かさ。次に生みだすものがこうした成長と交流の成果となることは明らかだったね。

colors-era-btbam

Sometimes you bond in times of joy, and others in times of shared misery. One of the last tours we did on the Alaska cycle was Ozzfest 2006, one of the final years it was a full on traveling circus/festival. Victory Records used some insane amount of money to put us on this tour where we weren’t getting paid (also further making sure we never saw any royalties) and where we stuck out like a sore thumb. Playing between 9am and noon to a few rows of people in the absolute blistering heat and blinding sun and selling one or two t-shirts a day, losing weight rapidly as they were the one American traveling underground tour that wouldn’t cater specifically to vegans (of which we had three), and generally being treated by the people running the fest like we were subhumans was all the motivation we needed to write like we wanted to distance ourselves from that festival. We wanted to write something where the idea of a playing a 20 minute slot for a whole summer just wouldn’t make sense. This was never really spoken, but just came from that shared experience. A few weeks after the tour came to an end late that August, we got together for a weekend and wrote “Ants of the Sky,” and I can’t think of any better song to drive that ideology home and get the next record started.

君が喜びの時を過ごす時、他人は悲惨な状況にあるなんて事はしばしば起こり得るよね。”Alaska” のアルバムサイクルで最後のツアーの一つが Ozzfest 2006 で、こんなにも長くツアーと旅を続けたのはこれが最後だったかも知れないね。
Victory Records はこのツアーに僕たちをブッキングするため途方もない金額を使ったけど、僕たちがサラリーを受け取ることはなかったね。加えてローヤリティも一切見たことがなかったよ。本当に酷い状況だったな。
猛烈な熱気と日差しの中、朝の9時から正午まで少ない観客の前でプレイし、1日に1枚か2枚のT-シャツを売る。別に菜食主義者用のケータリングではなかったのに、みるみるうちに痩せていったよ。さらに、フェスの運営には大抵人間以下の扱いをされていたから、このフェスから逃避したいという気持ちが作曲へのモチベーションとなったんだ。
僕たちはこの夏を繰り返さないために、20分のスロットで演奏出来ないような大曲を書きたかったんだ。これは今まで話したことがなかったんだけど、みんなで分かちあった経験から生まれた訳だよ。
8月の終わりにツアーが漸く終わりを迎え、数週間後の週末に僕たちは集まって “Ants of the Sky” を書いたんだ。これ以上にあの悲惨なツアーのイデオロギーを体現した楽曲はないと思うね。そうやって次のレコードが始まったんだ。

Paul shared a Power Tab file with us on that tour or right before the tour of what you could call the “verse,” pre chorus and chorus for what would become “Ants,” and I’d start filling in some gaps in the back lounge of our bus that summer, eventually leading to what would account for the gnarliest 1:30 ever to the beginning of one of our songs. A lot of the first half of the song was arranged in that three weeks at home before we were in the same place, kind of the first time we were putting big chunks together without all being in the same room. The energy was there as soon as the four of us (Tommy was living in Louisiana at the time) got there and I just remember plowing through this piece. We got to the ending chorus reprise and Paul had jokingly been playing the bluegrass variation on it and we were like that is THE perfect segue between this long clean section and the chorus, and he was on the fence at first! It seems crazy to me that we had to talk him into using his own part, but I knew he was into it once we got it laid out in the context of the song. The song ended with a ring out on a major chord, and we alluded to how great it would be to just pick up right there with a series of ring outs and a mid tempo rock feel and keep it going. It took us 14 minutes to get our point across, but our mission statement was laid out. We were writing a musically conceptual, no rules, nothing left on the table record. We weren’t only going to write a record, we were going to live in it; eat, sleep and breathe it. We were going to push ourselves and no one was going to hear from us until we’d brought the album full circle and delivered it as a complete piece.

ツアー中かその直前だったか、Paul が Power Tab のファイルをみんなに配ったんだ。それは所謂 “ヴァース”、プレコーラスとコーラスで、それが “Ants of the Sky” になったのさ。僕はあの夏のツアーバスのバックラウンジにおけるギャップを埋めようとしていたね。それは僕たちの楽曲で最高にクールな始まり方の一つである、出だしの1分30秒に繋がったんだよ。
“Ants” の前半部分は、僕たちが集まる前の家にいた三週間でたくさんのアレンジが加えられたんだ。こんなに大きな情報の塊を、集まる前に共有したのは初めてだったね。
当時ルイジアナに住んでいた Tommy を除く4人が集まるとすぐにエナジーが溢れたよ。この楽曲はゆっくりと作ったことを覚えているな。エンディングのコーラスリプライズに辿り着いた時、Paul がジョークでそのブルーグラスバージョンをプレイしていたんだ。僕たちはそれをとても気に入ってね。長いクリーンセクションとコーラスを繋ぐ最高のセグエだと思ったよ。最初は彼が使うかどうか迷っていたんだけどね!作った本人をそれ以外のメンバーが説得するなんてクレイジーだと思ったね。だけど、一度楽曲のコンテクストにそのパートをレイアウトすれば、彼が気に入ることは分かっていたよ。
この曲はメジャーコードが鳴り響いて終わるよね。僕たちはこの部分だけ切り取って、ミッドテンポのロックソングとして成立させれば素晴らしいだろうねと言っていたんだ。僕たちの場合は、ここにたどり着くまで14分かかる訳だよ。だけど僕たちのミッション、ステートメントは展開させて行くことだったね。
概念的な音楽を書いていたんだ。ルールも決定事項もなかったよ。僕たちはただアルバムを書こうとしていただけじゃなくて、アルバムの中に生きようとしていたんだ。食べ、眠り、息をするようにね。自分たちをプッシュしようとしていたし、完璧なピースとしてアルバムが完成するまで誰にも聴かせる気はなかったね。

After writing “Ants” we left for a grueling nine week long American tour followed after just three days at home by our first trip to England which took us right up to the holidays, so we had a lot of time to listen to the demo we’d done and all the people we were on tour with had heard rumors of this 14 minute long song that we were kicking our album off with. Well, it ended up in the middle. We kind of figured that, and we ended up writing to the end of the record first as soon as we got back to it after the holidays. We had one session where Tommy came to town and we wrote “Prequel to the Sequel,” a song that continued on the ideas we established in the 14 minutes before it. We wanted to hear what it would be like if we took a Rush sounding riff and put screaming over it, a fucked up 5/4 French accordion stutter waltz with our first character voice over it. We wanted to take some of the tempo tricks we learned writing metal and hardcore songs and apply it to the end of the song where we drop back into our melodic theme from the intro to the song. I feel like this was the first song that started with a prolonged multi-part melodic section that fed into the rest of the song. For a band rooted in metal and hardcore, that was a big step.

“Ants” を書いた後、休暇を含むイングランドへの初旅行があって、家では3日間だけ過ごした後、9週間の飢えるような長いUSツアーに旅立ったんだよ。だから仕上げたデモを聴く時間は充分にあったね。僕たちとツアーを回っていた人は皆、その14分の長い楽曲の噂を聞いていたね。
“Ants” はアルバムの中盤に収録される。それはなんとなく分かっていたんだ。そして、イングランドの休暇から戻るやいなや僕たちはアルバムの最後からまず作曲することにしたんだよ。Tommy がノースカロライナに来てくれてセッションを行い、”Prequel to the Sequel” を書いたんだ。この楽曲は14分の “Ants” で確立したアイデアを引き継いでいるね。
もし僕たちが RUSH のようなサウンドのリフを取り入れたらどうなるか聴いてみたかったんだよ。そこにスクリームを乗せて、5/4拍子でガタガタにしたフレンチアコーディオンのワルツをキャラクターの声を入れて加えたんだ。
さらにメタルやハードコアを書くうちに覚えたテンポのトリックを使いたかったんだ。そのトリックは、楽曲の終盤にイントロのリプライズからメロディックなテーマに立ち返る場面で使用しているよ。長く延長したマルチパートなメロディックセクションから始まり、残りの楽曲へ波及した初めての楽曲だと感じるよ。メタルとハードコアをルーツとするバンドにとって、この楽曲は大きな一歩だったね。

Somewhere along the writing Tommy said he kept hearing our good friend Adam Fisher from Fear Before the March of Flames, a band we’d just spent nine weeks traveling the country with, singing a small handful of sections in the song. Fear had their The Always Open Mouth album come out right when that tour started and I’d never heard the band before, but we all fell in love with that album. I listened to it almost every day on that tour and for a while after the tour had ended. Adam couldn’t believe we wanted him to sing on our album, he thought we were like mad scientists or something, but he quit smoking as soon as we asked him so that he could start getting his voice in perfect working order when we needed it. Funny because after this session, I started writing an album with my friend Ashley and I played her Adam’s parts on “Prequel” and the Mouth record and we started a band called Orbs right then and there, writing over an hour’s worth of music together in the months after Colors was written. The Fear Before connection also led to us working with Brandon Proff on the art for this album and The Great Misdirect after loving his work on The Always Open Mouth. This was the first track on the record where all of us were writing parts and hearing ideas we would reference at different points in the record. It’s one of my favorites from the album, and one we played on tour with bands as varied as Coheed and Cambria and Meshuggah.

作曲の途中で、Tommy が、ちょうど US ツアーを共に回ったばかりで僕たちの良き友人である Fear Before the March of Flames の Adam Fisher がこの曲のちょっとしたセクションで歌いたいと話していると言ったんだ。FEAR BEFORE は彼らの “The Always Open Mouth” をツアーの始めにリリースしたばかりで、僕はそれまで彼らの音源を聴いたことがなかったんだよ。だけどバンド全員があのアルバムと恋に落ちたね。あのツアーの間、ツアーが終わってもしばらくはほとんど毎日アルバムを聴いていたよ。
Adam は僕たちがアルバムで歌って欲しいと言っても信じなかったんだ。彼は僕たちをまるでマッドサイエンティストか何かのように思っていたからね。だけど、依頼してすぐにタバコを止めてくれたから、必要な時に完璧な声の状態で用意してくれていたんだよ。
面白いことに、このセッションの後、僕は友人 Ashley とアルバムを書き始めたんだけど、僕は彼女に “Prequel” と FEAR BEFORE のアダムのキーボードパートをプレイしてもらったんだ。そして、僕たちは ORBS と呼ばれるバンドをすぐそこに立ち上げ、”Colors” が書かれた後数ヶ月で一緒に1時間分の音楽を書いたんだよ。
FEAR BEFORE のコネクションは、”Colors” と “The Great Misdirect” のアートワークを書いてくれた Brandon Proff との繋がりも導いてくれたんだ。彼は “The Always Open Mouth” の素晴らしきアートワークを手がけていたからね。
“Colors” でバンド全員が作曲に貢献したのはこの曲が初めてだったね。ここで聴けるアイデアは、レコードの他の場所でも参照することが出来るね。僕にとってはアルバムでフェイバリットの一つだよ。そしてこの曲は COHEED AND CAMBRIA や MESHUGGAH とのツアーでプレイしたんだ。

When we were in England at the end of 2006, Paul had played me a chord sequence that was really nice, and I suggested when it resolved at the end to C# minor that he play a sequence in some sort of 11 pattern to fit as a lead in to a riff I had written in that time signature (he ended up with a 4 3 4 pattern), and “Viridian” was born, as well as knowing where “White Walls” would begin. Jaco Pastorius wasn’t a bass hero to me growing up but I definitely connected to him as soon as I heard his playing on the Bright Size Life record he did with Pat Metheny while I was in college. Needless to say, I was mirroring him in some of the licks and off the fretboard harmonics I did in “Viridian.” Paul originally had the idea of titling the record Meridian, but after that was scratched and Colors was adopted as the title we figured we should name this little instrumental track after a color and amazingly there was one that sounded like Meridian.

2006年の末はイングランドにいたんだ。そこで Paul がとても素晴らしいコード進行を聴かせてくれてね。僕は、最後がC#マイナーで解決されるなら、11拍子のパターンで僕が書いたリフにフィットする、リードのようなシーケンスをプレイするように提案したんだ。(最終的に彼は4 3 4のパターンを選択したね。) そうやって “White Walls” の始まりとしても知られる “Viridian” が生まれたのさ。
Jaco Pastorius は僕にとって最初のベースヒーローという訳ではなかったんだ。でも、大学生の時に、彼と Pat Metheny が制作した “Bright Size Life” を聴いてすぐに強く彼と繋がったんだよ。言うまでもないけれど、”Viridian” で僕が使ったいくつかのリックやブレッドボードハーモニクスは、彼を真似しているんだよ。
Paul は元々このレコードのタイトルを “Meridian” にするつもりだったんだ。だけど一旦白紙に戻した後、このインストゥルメンタルの小曲がメリディアンに響きが似たヴィリディアンという “色” であることから、タイトルを “Colors” “色彩たち” に決めたんだよ。

“White Walls” was the first song we tackled after we got together in late January 2007 after I broke out of my bedroom/quarantine zone. A lot of the material in that song was written by Paul and I, riding that same wavelength from putting together the end of “Viridian” ― referencing the 4 3 4 chord pattern from the end of “Viridian” as the ending pattern for the lead section of this song, and Blake had a big hand in arranging. Blake kind of works in mysterious ways to this day. He can find a way to take a riff that feels weird, or a chunk of a song, and either by just deleting it or rearranging a few pieces and writing transitions he can make it suddenly work perfectly, which is a great asset to have when you’re putting such a long song together! This was the first song where we started referencing musical ideas from earlier in the record; the build up into the breakdown at 9:33 came from a fleeting section at 2:30 in “Ants,” just at a slower tempo and different time signature. And the key change at 12:57 is the same progression as 5:52 in “Ants.” Variations like those are examples of how deep into the smallest parts we were getting. The song ends on a G#m chord, but it wasn’t until after we wrote “Sun of Nothing” (the last song we finished) that we added the piano outro to the album, which not only helped connect it to the middle of the album, but the beginning by ending on a G# (which opens the album as well).

“White Walls” は僕たちが2007年の1月後半に集まった後、初めて取り組んだ楽曲だよ。僕は漸く隔離されたベッドルームから抜け出したんだ。この楽曲の多くのマテリアルは Paul と僕が書いているんだ。”Viridian” の最後を纏めあげた同じ波長に乗ってね。”Viridian” の最後、4 3 4 のコードパターンについて言えば、”White Walls” のリードセクションにおけるエンディングパターンも同じなんだ。Blake がアレンジで重要な仕事を果たしたね。
Blake は今日まで神秘的な方法で仕事をして来たんだ。彼は奇妙に感じるリフ、または曲の塊を取りだして、ただ削除したり、いくつかのリアレンジを施したり、トランジションを書いたりすることで、唐突に楽曲を完璧に動作させることが出来るんだよ。このような長い楽曲を一緒に作る場合、これは非常に有用な財産だよ!
“White Walls” はレコード初期のアイデアを引き合いに出した初めての楽曲。9分33秒から組み立てられたブレイクダウンは、”Ants” の2分30秒から始まるつかの間のセクションを引用しているね。ただテンポを遅くして、拍子を変えただけなんだけどね。12分57秒からのキーチェンジは、”Ants” の5分57秒からと同じ展開なんだ。こういったバリエーションは、僕たちがどんな細かなパートにも深く拘っていたかを示す良い例だと思う。
この曲はG#mのコードで終わっているけど、”Sun of Nothing”(僕たちが最後に作り終えた曲)を書き、ピアノのアウトロをアルバムに追加するまではそうじゃなかったんだ。そうすることで作品の中盤と繋がっただけじゃなく、アルバムの最初と最後がはG#になったんだ。

This is probably a good time to mention that I was wildly excited to finally be a part of writing a concept album, even though we knew lyrically it wouldn’t be connected. Of course we were all inspired by Dark Side of the Moon, but in high school three of my favorite albums were The Ugly Organ (Cursive), Yoshimi Battles the Pink Robots (Flaming Lips) and Scenes From a Memory (Dream Theater), so I had been locked in and ready to do this for years, I just never had the opportunity. It’s funny mentioning Dark Side; Tony, the head of Victory, initially said he didn’t like our cover because it was too similar to Pink Floyd’s album cover (black + rainbow colors?), but later when he flew us up to the office before the album was released to do a series of meetings with every branch at the label he’d tell us that we were going to be the Pink Floyd of metal and this was going to be our Dark Side or some bullshit. He was the king of blowing smoke up your ass. I guess it turned out that our fans probably would consider this album similar to that one in terms of its place in our catalog, so kudos. Oh, I didn’t mention, that meeting we had? Everyone that was at them was gone when the album came out… but that wasn’t too atypical.

遂にコンセプトアルバムを制作出来て、僕がどれほどエキサイトしていたか記すには良いタイミングかも知れないね。歌詞の面では繋がっていないにしても。
勿論、僕たち全員が “The Dark Side of the Moon” からインスパイアされているよ。だけど高校時代、僕のお気に入りの3枚は、CRUSIVE の “The Ugly Organ”、FLAMING LIPS の “Yoshimi Battles the Pink Robots”、そして DREAM THEATER の “Scenes From a Memory” だったんだ。だから何年もコンセプトアルバムを作る準備は出来ていたんだよ。その機会がなかっただけなんだよ。
“The Dark Side of the Moon” に言及したのは面白いね。Victory Records のトップだった Tony は最初 “Colors” のアートワークを気に入らなかったんだ。虹と黒の配色が PINK FLOYD のあのアルバムに似すぎているからってね。
後にアルバムがリリースされる前に彼が私たちをオフィスに連れて来て、レーベルの各支店との一連のミーティングをした時、彼は僕たちはメタルシーンの PINK FLOYD になるし、”Colors” は僕たちの “The Dark Side of the Moon” となるとか何とか宣ったんだ。大口を叩く王様だったよ。僕は、ファンのみんなが僕たちのカタログに置ける “Colors” の位置という意味で、”The Dark Side of the Moon” に似ていると考えるだろうと思っているんだ。それならば僕たちも賞賛と受け取れるよ。

BTBAM-Colors-Recording-Dan

PHOTO BY Chuck Johnson

I’m foggy if we started working on “Foam Born” or “Informal Gluttony” next, but we’ll just start from track 1 and work to the middle. Tommy had written the great intro into the very Weezer sounding burst that opens the album. To my knowledge this was the first section he’d written on the keys, besides maybe “Reaction” from Silent Circus. Remember that song?! We just had to find a way to get from that to the very metal sounding section Dustie had written to start the B part of the two-song opener, a not very atypical BTBAM problem to have. I could probably play the 5/4 tribal chorus on a loop for an hour, I had written so many variation grooves on that rhythm. I don’t think Dustie did much soloing before joining the band, or really before this record, but listening to the end of the song it’s a style that is still inline with what he does today which I think is cool to see. It’s kind of like the moment he found his style and phrasing and ran with it. “Informal” was built around a 6/8 percussion idea Blake had been talking about. He, Dustie and I got together one day and I found a phrase on the bass I liked and we looped it for a while for Dustie to find melody ideas that fit over top. Then we took that tonality and based a lot of the song around it, which was new and cool. We wouldn’t get back to that idea until Parallax II, finding a tonality and carrying it through the song. We had the intro-verse in place and Paul came in with the chorus idea, a simple Floydy three chord progression, still one of my favorite choruses. The original demo idea was pretty different and the reprised chorus I think didn’t come back in for another three minutes or so. There was a ton of noodly stuff we cut out that never resurfaced, but it was definitely for the better of the song. As atypically arranged as the songs on the album were I still felt like they flowed really well. We were still cautious even though we were taking big creative leaps headfirst into progressive rock and whatever else to make sure it was all for the better of the song.

ぼんやりと次は “Foam Born” か “Informal Gluttony” に取り掛かると思っていたんだけど、結局、僕たちはアルバムの1曲目から中盤へと進んで行くことにしたんだ。Tommy がまさに WEEZER のサウンドでバーストする、アルバムの幕開けに相応しい素晴らしいイントロを書いていたんだよ。おそらく “Silent Circus” の “Reaction” を除いては、僕の知る限り彼がキーボードで書いた初めてのセクションだよ。
“Foam Born” を覚えているかい?Dustie が書いた非常にメタルなサウンドのBパートオープニングにたどり着くために僕たちは何とかしなければならなかったんだ。これについては、BTBAM には良くあることなんだけどね。
僕はあの5/4のトライバルなコーラスをおそらく一時間は続けてプレイしたかもしれないね。あのリズムでたくさんグルーヴのバリエーションを作ってみたんだ。
Dustie はバンドに加わるまで、むしろこのレコードまであまりソロを取ったことがなかったんだ。だけどこの曲の最後のパートを聴けば、今日彼のスタイルとなっているものの片鱗が伝わると思うよ。クールだよね。このパートは、ある意味彼が自分のスタイルとフレーズを発見し、楽曲に反映する方法を見つけた瞬間だったのかもしれないね。
“Informal Gluttony” は、Blake が良く提案していた6/8のパーカッションパターンを中心に考えられたんだ。Blake と Dustie、そして僕がある日集まったんだけど、僕が考えたそのリズムのお気に入りのベースフレーズがあってね。僕たちがそれを元にしてジャムっていたら、Dustie が最高にフィットするメロディーのアイデアを見つけたんだ。そこから調やコードを考えて、楽曲のベースとして肉付けしていったんだ。新しくてクールなやり方だよね。とは言え、その手法は “Parallax II” まで使うことはなかったんだけどね。
僕たちはイントロとヴァースまでは完成させていたんだよ。そこに Paul がシンプルな PINK FLOYD 的スリーコードのコーラスのアイデアを持って来たんだ。今でも僕の大好きなコーラスの一つさ。
デモの時点では大分異なっていたんだけどね。最後にコーラスパートが戻ってくるけど、そこに到達するまであと3分くらいはあったと思う。カットして日の目を見なかったアイデアもたくさんあるんだよ。だけどこの曲のためには間違いなくその方が良かったんだ。
かなり特異なアレンジを施して来たにもかかわらず、僕はまだアルバムが本当にうまく流れているように感じたんだ。プログの領域へ向かうような激しく創造的な飛躍を進めていても、僕たちはあくまで慎重だったね。アイデアが何であれ全てが楽曲を良くするためだったんだ。

Sun of Nothing” was the last song we wrote for Colors and it was the only one where we really knew we had to end it in a certain way, a bizarre thing to work towards. The beginning of “Ants” already sounds like a run that is in motion from something beforehand, but it was actually written with the beginning of the track being the first thing Paul wrote. So in working backwards, I wrote the whole last section as a build into “Ants,” one of those sections I mentioned earlier that I wrote on the bus the summer of Ozzfest. I wrote this section and 10:14 of “White Walls” at the same time, kind of helping give a cohesive feel between those three tracks. “Sun” was another fun track where everyone was on board writing riffs, and aside from the very opening riff (which I believe Blake had written the drums to start the song and Paul wrote the opening riff after hearing the fill), once the acoustic interlude happens at 2:00 the song takes a more melodic and focused turn through the end of it, definitely a hint at the future of things to come and probably why it’s found its way into so many different sets over the years. 4:10-6:48 was the first material I remember writing for the album, back on said futon in between some of my first tours with the band in 2005. Sometimes it just happens that a writing session comes full circle to the ideas that initially began the whole thing.

“Sun of Nothing” は “Colors” に書いた最後の曲。僕たちはこの楽曲でレコーディングを終わらせなくてはならないと知っていたんだ。
“Ants” の始まりは動きのある走るようなサウンドだったけど、実はあのイントロはこの曲のイントロと一緒に Paul が最初に書いたんだ。振り返ってみれば、僕は “Ants” 最後のセクションを組み立てて書いたよね。そのうちの一つは、先に述べた Ozzfest の夏にバスに書いたもの。僕はこのセクションと “White Walls” の10分14秒からを同時に書いたんだ。そうやってこれらの3つのトラックの間に緊密なフィーリングをを与えることになったのさ。
“Sun” も全員がリフの作曲に参加した楽曲の一つだよ。オープニングのリフを除いてね。あれは確か Blake が書いたオープニングのフィルインを聴いて Paul が書いたんだよ。
2分過ぎにアコースティックのインタルードが入ると楽曲はよりメロディックになり、その方向にターンし焦点を当てていくことになるよ。間違いなくあのインタルードは、これから起こることのヒントだね。
4:10-6:48 のマテリアルは、確か僕がこのアルバムのために最初に書いたパートだと思う。布団から2005年のバンドとの初めてのツアーの間くらいにね。

The recording of the album was significant in that Jamie King was just moving into a new house/studio and was really rushing things along to make sure we were the first band to record in there. I remember going in a handful of days before we actually started to track drums and we were just listening through some demos with him as he was finishing getting the vocal booth put together, something that seemed so luxurious after the way we’d made Alaska in his parents’ basement! We’ve done a lot of work in that room now between a number of groups we’re involved in, and ten years later as I’m writing this we’ve just wrapped up recording another record there, our tenth as a band.

このアルバムのレコーディングは、Jamie King が新しい家/スタジオに移り変わったばかりで、僕たちがそこを使用する最初のバンドであり、非常に急いでいたという点で、意義深いものだったんだ。実際にドラムのトラッキングを始めるまでには、ほんの数日しかかからなかったことを覚えているよ。僕たちは彼がボーカルブースを完成させている間にデモを聞かせていたからね。
とは言え、”Alaska” を彼の両親の地下室でレコーディングしたことを考えれば、それでも贅沢に思えたね!
それから僕たちはこの部屋で、関わっているいくつかのグループで多くの仕事をこなして来たんだ。そして10年後、僕はバンドとして10枚目のレコードに取り掛かっているこの部屋で、これを書いているんだ。

I remember leaving the studio. We did a short run up the East Coast and into Canada, but when it came time to leave in September I don’t think there was even much of a conversation that we’d be going on tour playing anything but Colors. There were myriad discussions involving managers and booking agents weighing in on when it makes the most sense to play a full concept album in relation to when it’s released. The album came out on September 18th and ten days later we were on tour playing it. I think we were all just so excited about it and knew that it was absolutely the best hour of music we could present at that time and we didn’t think twice about playing it all live. Between 2007 and 2008 we probably played the album in full 60 or so times between three tours in the States, Canada and Mexico. We were fortunate enough to have it place us on the progressive rock/metal scene for the first time: we did tours with Dream Theater, Opeth, Meshuggah… it exposed us to an audience that wouldn’t have known about us or have really cared for us or had much in common with our music beforehand. It felt like our music was really evolving as we were growing, and ten years later it’s still an unspoken goal to always be moving forward and not to look back when we’re writing.

スタジオを離れた時のことを覚えているよ。東海岸からカナダにかけて短いツアーを行うことになったんだ。9月にスタジオを離れる時は、”Colors” のアルバムだけをプレイすることばかり話していたよ。マネージャーやブッキングエージェントと様々なディスカッションが行われ、リリース時にこのコンセプトアルバムの完全再現を行うことが最も理にかなっているのではないかと熟考したんだ。
9/18にアルバムはリリースされ、10日後には僕たちはツアーでアルバムをプレイしていたよ。僕たちは全員がただとても興奮していて、当時表現出来た最高の音楽、一時間だと知っていたね。2回も完全再現ツアーをやるとは思っていなかったけど。
2007年から2008年にかけて、僕たちはおそらくこのアルバムをフルで60回くらいプレイしたよ。US、カナダ、メキシコの3ツアーでね。
幸運なことに、このアルバムで僕たちは初めてプログロック、プログメタルのシーンに基盤を作ることが出来たんだ。DREAM THEATER, OPETH, MESHUGGAH ともツアーを行ったね。そのツアーによって、僕たちを知らなかったり、気にもとめていなかったり、しかし共通点を持つリスナーたちに存在を知らしめることが出来たんだよ。
僕たちの成長に伴って、音楽も本当に進化していると感じるね。10年経ったけど、作曲について前に進み続けて振り返らないことが、語られていないゴールなんだ。

I’m proud of this record and what it stands for, which comes back to “White Walls:” not being confined in a space or mindset, letting the colors be so vibrant that the walls burst all around us. We’re gonna have some fun this fall playing the record and reminiscing on the last ten years before we blast full steam into the new year and our new album. I’m thankful that there’s remained such an interest in this album ten years later and in our band in general, allowing us to grow as much as we have with the time needed to do so naturally. Here’s to the future!

僕はこのレコードを誇りに思っているよ。それは “White Walls” “白き壁たち” が象徴しているよね。空間や考え方に限定されず、僕らの周りにある壁を全て壊してしまうように色彩たちがが鮮やかさを増していく。
今年の秋にこのレコードをプレイし、この10年間を振り返り、新年と新しいアルバムを盛り上げようと思っているんだ。10年後にもこのアルバムやバンドがこんなに関心を集めていることに感謝しているよ。僕たちが自然に成長出来るよう見守ってくれてありがとう。ここから未来へと繋がるんだ!

18922224_10155520163763189_7266996499487438026_n

BETWEEN THE BURIED AND ME Facebook Page
BETWEEN THE BURIED AND ME Official Site
BETWEEN THE BURIED AND ME Official Twitter
METAL SUCKS
METAL SUCKS Facebook Page
GEAR GODS
METAL BLADE RECORDS

mmmB5dvKwaCcAEznJZ

PLZ FOLLOW US ON FACEBOOK !!

COVER STORY 【STEVEN WILSON : TO THE BONE】INTERVIEW WITH NICK BEGGS & TRACK BY TRACK REVIEW


EXCLUSIVE INTERVIEW WITH NICK BEGGS & TRACK BY TRACK OF STEVEN WILSON’S “TO THE BONE” !!

IMG_7877-Medium-1024x683

Steven Wilson’s New Adventure “To The Bone” Is Inspired By The Hugely Ambitious Progressive Pop Records That He Loved In His Youth !!

18301966_1463769026976688_356276697010771194_n-2

TRACK BY TRACK “TO THE BONE”

「最も大きなチャレンジは、楽曲重視のレコードを作ることだよ。メロディーにフォーカスしたね。」 モダンプログレッシブの唱導者 Steven Wilson はそう語ります。モダン=多様性の申し子である世界最高の音楽マニアが、至大なる野心を秘めて放つ5作目のソロワーク “To The Bone” は、自身が若き日に愛した偉大なるポップロックレコードの瑞々しいメロディー、その恩恵を胸いっぱいに浴びた新たなる傑作に仕上がりました。
Steven は “To The Bone” のインスピレーションを具体的に挙げています。Peter Gabriel “So”, Kate Bush “Hounds of Love”, TALK TALK “Colour of Spring”, TEARS FOR FEARS “Seeds of Love”, そして DEPECHE MODE “Violator”。勿論、全てが TOP40を記録したメインストリーム、知的で洗練されたポップロックの極み。
同時に彼は自身のプログレッシブなルーツも5枚提示しています。TANGERINE DREAM “Zeit”, Kate Bush “Hounds of Love”, THROBBING GRISTLE “The Second Annual Report”, PINK FLOYD “Ummagumma”, ABBA “Complete Studio Albums” (全てのスタジオアルバム)。
非常に多様で様々なジャンルのアーティスト、レコードが彼の血肉となっていることは明らかです。ポップサイドでも、フックに溢れた音楽的な作品を、プログレッシブサイドでも、難解なだけではなくサウンドスケープやメロディーに秀でた作品を撰するセンス。両方に含まれる Kate Bush の “Hounds of Love” はある意味象徴的ですが、すなわち、レコード毎にその作風を変化させるマエストロが今回探求するのは ナチュラルにその二者を融合させた “プログレッシブポップ” の領域だったのです。
実際、2011年からレコーディング、ツアーに参加し続けているロングタイムパートナー、チャップマンスティックの使い手 Nick Beggs はこの稀有なるレコードを “クロスオーバー” でそれこそが SW の探求する領域だと認めています。そしてその “違い” こそが様々な批判、賛美を生んでいることも。
「プログレッシブロックのオーディエンスって、実は最もプログレッシブじゃないように思えるんだ。プログレッシブミュージックは、プログレッシブな考え方であるべきなんだよ。」 盟友の心情を代弁するかのように Nick はシーンのあるべき姿をそう語ります。いとも容易くミッドウイークの UK チャートNo.1を獲得したアルバムは、決して “プログレッシブロックの逆襲” “プログの帰還” などというシンプルな具象ではなく、イノベーターの強い意志、情念なのかもしれませんね。

21056110_1573652572654999_4346687322844470712_o

TRACK 1 “To The Bone”
タイトルトラックにしてオープナー、”To The Bone” はこの芳醇なるレコードの絶妙にして正確なるステートメント。XTC の Andy Partridge が歌詞を手がけた楽曲は、”骨の髄まで” 現在の状況を突き詰め、核となる真実を探し出すことについて歌っています。
言うまでもなく、これはドナルド・トランプ時代の産物です。先のアメリカ大統領戦で私たちが経験したように、真実は時に異なる物の見方を生み出し、事実をねじ曲げてしまう可能性があるのですから。
コンセプトアルバムの形は取らなかった “To The Bone” ですが、どの楽曲にも共通するテーマは存在します。それは現在の世界を決して素晴らしいものとは思わないという視点。Steven はその要因の一つが基本的なマナーの欠如だと述べています。世界には敬意や思いやりに欠く人間があまりに多すぎると嘆いているのです。
そういった背景を鑑みれば、ダイナミックでパワフルなアルバムオープナーがトラディショナルである意味オーソドックスなブルースロックを基調としたことにも頷けますね。勿論、寛容さに欠く時代の真理を独白するアメリカの教員 Jasmin Walkes のスポークンワードで全ての幕が開けることにも。
確かにパワーコードやハーモニカ、自身のラフなリードギター、Jeremy Stacey のファンクなドラミングと Pete Eckford のハンドパーカッションは Steven のイメージとそぐわないかも知れません。ただし、アウトロのアトモスフェリックでエセリアルな表情はまさに彼の真骨頂。つまり Steven の核となる真実、音楽の探求と融合を実証した楽曲。”プログレ” じゃない? Nick Beggs はこう一言 “So What?”

TRACK 2 “Nowhere Now”
ライティングプロセスで Steven が心掛けたのは、複雑性を捨て去り、よりミュージックオリエンテッドな楽曲を生み出すこと。”Nowhere Now” の気に入っていたパートをマエストロはいとも容易く捨て去りました。楽曲のデモバージョンは現在の彼にとって、複雑で長すぎると感じられたのです。
「僕は楽曲の、感情の、メロディーの “ハート” にフォーカスする必要があるんだ。ただし今でも興味深い楽曲を制作したいという願望はあるよ。」 そう語る Steven の “プログレッシブ” は、幾重にもレイヤーされた美麗なるプロダクションやアレンジメントに主張されています。勿論、以前に比べてエレクトロニカサウンドが増している点もそこに繋がるはずですね。
複雑性やテクニカルを極力廃すというアルバムの方針は、お抱えのギターマイスター Dave Kilminster の出番も無くしました。Steven はより自身の感情を反映するため、自らのプレイをギターの軸に据えたのです。とはいえ、面白いことに Dave のボーカルハーモニーは必要とされ4曲にコーラスを挿入しているのですが。
“地下6フィート(墓穴の深さ)、僕たちは今、後方へと進んでいる” というファーストラインは、人類が退化の真っただ中にあることを諮詢しています。しかし、浮遊感を伴う極限にキャッチーなコーラスでは美しき地球を宇宙から俯瞰で見下ろし、ポジティブで広い視野を得るのです。

TRACK3 “Pariah”
ドリーミーなシンセサイザーのシーケンスに幕を開け、エセリアルなシューゲイザーで幕を閉じるコンテンポラリーなドリームポップチューンは Steven とイスラエルのフィーメイルシンガー Ninet Tayeb の優艶なるデュエット。”Hand. Cannot. Erase.” から続く2人のコラボレーションは円熟の域に達し、あざといほど典型的に、諦めないことを、ポジティブなメッセージを届けるのです。

TRACK4 “The Same Asylum As Before”
Steven は “To The Bone” でテレキャスターと恋に落ちたと語ります。”The Same Asylum As Before” のトレブリーで細く硬質なギターサウンドは、まさにテレキャスターソングの典型だと言えるでしょう。
ドライブやディストーションをあまり加えることなくロック出来るテレキャスター。その真の魅力に気づいたと Steve は語ります。勿論、これが Pete Townshend のサウンドであるとも。
ボーカルの延長としてよりレイドバックし、メロディーやキャッチーさを強調する彼のギターワークは鮮彩に躍動していますね。詩情豊かなファルセットは楽曲に陰影をもたらし、”Kashmir” を想起させるコーラスパートも出色です。

TRACK5 “Refuge”
フランス北部の港町カレー。ヨーロッパ最大規模の難民キャンプは治安も衛生状態も悪化していました。経済的に豊かな英国へ渡ろうと、トラックや列車に飛び移り命を落とす難民も現れたのです。Steven は政治的な楽曲を書くつもりはないと語ります。あくまで人間のストーリーを描きたいとも。Refuge では愛する家族や母国から切り離されることの痛みについて歌っているのです。
ポリフォニックシンセサイザー Prophet-6 のアルペジエーターが、この実験的でアンビエントなエレクトロニカチューンのベースとなっていることは明らかです。ポストプログレッシブなイメージが強調された楽曲には Robert Wyatt が “Rock Bottom” で使用したキーボード、Paul Stacey のギターソロも収録され、独特な世界観の構築に貢献しています。

TRACK6 “Permanating”
「どのレコードでも僕は多様性を創造しようとしているんだ。僕にとってはそれこそが本当に満足出来るアルバムを作る秘訣さ。」 “Diversity”, “Eclectic” というワードがモダンミュージックのベースとなっていることは言うまでもありませんが、Steven Wilson が “Permanating” で提示した眩い音楽はそれにしても驚きだと感じます。
ビッグシングルにしてメインストリームなポップフィールで満たされた楽曲には、彼の70年代ディスコミュージック、ABBA への強い愛情が込められているのです。PINK FLOYD と Donna Summer を等しく愛する Steven は「セルアウトと言われるかも知れないけど、ポップスを愛しているんだから仕方がない。」 と語っています。
人生の大半は喜びでも悲しみでもなく、ただ存在するだけだと話す Steven。故にクリスタルのような輝かしい瞬間を保持して生きるべきだと。”Permanating” はまさにその究極に幸せで楽しい時間を切り取った楽曲なのです。

TRACK7 “Blank Tapes”
“Permanating” での華やかな雰囲気から一変、”Blank Tapes” は悲しみと嘆きのバラードです。男女の別れを描いた楽曲は、Steven が男性の視点で、Ninet が女性の視点でストーリーを紡いでいきます。
Ninet の Rod Stewart を思わせる情感豊かな歌唱は、ギター、ピアノ、メロトロンというシンプルな演奏に良く映えていますね。

TRACK8 “People Who Eat Darkness”
パンキッシュで衝動的な “People Who Eat Darkness” はパリの Bataclan シアターでのテロの後に書かれた楽曲です。テロとその後のメディア報道に Steven は、穏やかな隣人が突然テロリストとなる狂気に戦慄を覚えます。彼はいつも、宗教、政治といったマクロなテーマそれ自体よりも、その中で翻弄される人間に着目するのです。
「階段でよくすれ違っていたんだけど、彼はいつもニコニコと笑顔で挨拶してくれたの。買い物を持ってくれたりしてね。普通の素敵な若い男性だったわ。」 インタビューを受けた隣人の言葉には 、”普通” に見える人間が、怒り、憎しみ、狂気を抱え闇に飲まれている可能性を諮詢しています。分断された現代社会で、果たして誰がそれに気づくことが出来るのでしょうか?

19400439_1504341176252806_2773399854835888943_o

TRACK9 “Song of I”
スイス人女性シンガー Sophie Hunger とのデュエットは、アルバムで最もエレクトロニカサウンドをセンターに据えた楽曲に仕上がりました。「最近のラップはロックより革新的だよ。」 と嘯いた Steven。”Song of I” には Rihanna をフィーチャーした Kendric Lamar の “Loyality.” を想起させる瞬間が確かに存在します。
ある種淡々とした音像の中で、淡々と伝えられるのは以外にもロマンティックなメッセージ。「タバコも、アルコールも、ギャンブルも、オールだって何だって諦めるけど、あなただけは諦められないよ。」 こういった強迫観念に男女の差異は存在せず、故にデュエットという形がフィットするのかもしれませんね。

TRACK10 “Detonation”
エレクトロビートと Jeremy Stacey のダイナミックなドラムスが目まぐるしく交差するイレギュラーな楽曲は、時にポピュラー音楽史上最も成功した作曲家 Paul McCartney and WINGS の “Live and Let Die” をイメージさせます。”Detonation” には二つの意志が存在するのかも知れません。
楽曲はフロリダの同性愛者クラブで起きたテロリズムに触発されて書かれました。犯人は確かに「アッラーフ・アクバル」 と叫び神に忠誠を誓ったように犯行を行いましたが、実際は自分自身の偏見や憎しみを正当化するためにイスラム教の皮を被っていたようにも思えます。
“Detonation” の最初の一行、「神よ、私はあなたを信じませんが、あなたが望むことはやり遂げます。」 とはすなわち、信じないものの力を借りた自身の正当化です。Steven はこの歪んだ現代社会において、自己に潜む嫌悪感や憎しみを隠すため、宗教へと目を向ける人が存在すると信じているのです。
ともあれ、”Detonation” は Steven の作品でも秀逸なロングピースで、スロバキアのギタリスト David Kollar のマクラフリン風ギターが炸裂するアウトロは実にエキサイティングだと言えますね。

TRACK11 “Song of Unborn”
“Unborn” とはまだ生誕していない命、胎児。Steven はこの感動的なアルバムクローサーで、生まれくる命に子宮の外の危うさを伝えます。ただし、これが彼の典型的なバラード “Routine” や “The Raven that Refused to Sing” と決定的に異なるのは、究極的には希望を宿している点です。”Don’t be afraid to live” 生きることを恐れないでと Steven は歌います。確かに残念な世の中だけど、それでも全ての命はユニークで、時には本当にスペシャルなものへと変わることもあるんだよと。
自分の人生を抱きしめれば、命は深遠に達するという美しいメッセージは、オプティミズムの象徴とも思える美麗なるクワイア、コーラス隊を誘って世界へと降り注ぐのです。

18671358_1479737782046479_4053030977934371690_o

Steven は、”To The Bone” には以前のレコードにはないエモーション、人々の心を動かす感動が存在すると語ります。ビートルズ、ストーンズ、ゼップ、フロイド、ディラン…彼が崇拝するレコードの大半は、アーティストが20代で制作したもの。しかし、自分は30代から花開き、どんどん良くなっていると Steven は語ります。”To The Bone” が最高傑作だと信じて疑わないことも。「僕は歳を重ねるほど、音楽のコア、真実のエモーションが掴みやすくなるからね。」

参考文献「Steven Wilson :To The Bone: A track-by-track guide 」2017年8月17日

STEVEN WILSON “TO THE BONE” : 10/10

18209134_1457727930914131_1187154849242582209_o

INTERVIEW WITH NICK BEGGS

main_9

Steven Wilson のロングタイムパートナーにして、チャップマンスティックの使い手 Nick Beggs。KAJAGOOGOO でキャリアをスタートし、Steve Hackett, John Paul Jones など錚々たるアーティストとコラボレートを果たして来た現代プログレッシブシーンの重要人物が、Steven の最新作 “To The Bone”, 二人のパートナーシップ、Marco Minnemann, Roger King とタッグを組んだ”自分のための”バンド THE MUTE GODS” について語ってくれました。どうぞ!!
Q1: The Mute Gods is definitely amazing. The trio’s musicianship and it’s diverse sound are beyond description. I feel Steven Wilson and Steve Hackett seems to be key persons for the band’s birth. How did the partnership between you three start?

【NICK】: It was after working extensively with both Steve Hackett and Wilson that I was offered a number of record deals. But it was Thomas Waber at Inside Out that I decided to sign to. I’m sure it had a lot to do with the profile I had received during my time with these artists.
My choice to work with Marco and Roger was born from the experience of being in different bands with them.
I saw what contribution their work made to the records we had made and felt they would be perfect for the mute gods.

Q1: THE MUTE GODS は実に素晴らしいバンドですね。その高いミュージシャンシップと豊かな音楽性は群を抜いています。Steve Hackett と Steven Willson に関わって来た3人が集まった形になりましたね?

【NICK】: Steve Hackett, Steven Wilson との仕事が終わった後、沢山レコード契約の打診があったんだ。その中から Inside Out の Thomas Waber と契約することに決めたんだよ。彼らの様なアーティストと仕事をしていたから、そういったオファーが来たのは確かだろうね。
Marco、そして Roger と組むことにしたのも、Hackett や Wilson との仕事からなんだ。彼らの貢献こそが THE MUTE GODS のレコードを作り上げているし、だからこそ完璧なる人選だったね。

Q2: What’s the musical goal for The Mute Gods? You have been involved in lot’s of project. I mean, is this the band that reflects what you are now?

【NICK】: For me the musical goal is quite simple and that is a writing vehicle for my own compositions.
I felt that after writing and collaborating with many other people it is time for me to write on my own.
Although there are a couple of other people I wrote with in the first album, the majority of the writing is mine.

Q2: あなたは多くのプロジェクト、バンドに関わって来ましたが、THE MUTE GODS こそが現在のあなたを反映しているようにも思えます。バンドの目指す場所について話していただけますか?

【NICK】: 僕にとって THE MUTE GODS の音楽的なゴールはとてもシンプルで、つまり自分自身の楽曲を発表する乗り物のようなものなんだ。多くの人たちと作曲やコラボレートをして来て、そろそろ自分自身のために書かなければと感じたんだよ。
ファーストアルバムでは何人かと共作しているけど、大半は僕の手によるものさ。

Q3: Since Kajagoogoo era, you started to use Chapman stick. I’ve interviewed with many stick players like Tony Levin, Colin Marston, Jem Godfrey. I feel they each have their own usage about Chapman stick. So, what made you use the instrument? And what’s your distinction?

【NICK】: I was offered the opportunity of playing stick by Kajagoogoo. They suggested that if I became the new lead singer they would have a stick made for me and I could become the new singer and stick player to. So I did.
I agree. I think all stick players have their own unique sound and approach.
But I think it would be for other people to identify what mine maybe.

Q3: あなたは KAJAGOOGOO 時代からチャップマンスティックを使用していますね。Tony Levin, Colin Marston, Jem Godfrey など何人かその楽器を扱うアーティストにインタビューして来ましたが、それぞれが独特のプレイスタイルを持っていました。あなたはこの楽器のどこが気に入っていますか?

【NICK】: KAJAGOOGOO 時代にスティックを弾いてみないかと言われたんだ。新しいリードシンガーになってくれるなら、スティックを作ってあげようってね。だからそうしたんだよ。
確かに君が言う通り、全てのスティックプレイヤーは独自のユニークなサウンドやアプローチを持っているね。ただ、僕の特徴については、他の人から見た方が分かりやすいんじゃないかな。

Q4: From “Grace For Drowning”, you participated in Steven Wilson’s band. What did he like about you? Why is that relationship going on for so long?

【NICK】: Steve Wilson had invited me to contribute to The Grace for Drowning album and shortly after joined the Steve Hackett Band on stage in London. Once the record was released he asked me to tour with him. He told me he liked what I’d done on the record and after seeing me live with Hackett he must have thought I’d be suitable for his project. We had dinner at my house one night and we just talked about music for hours. We have a lot in common actually.
I am local to him. We are both vegetarians and have dogs. We have a similar world view and taste in music. Our sense of humour is similar and also we like a lot of the same films. I also think I am able to interpret what he wants and some times give him some thing surprising for his live shows and recordings. But other than that I don’t know.

Q4: あなたは “Grace For Drowning” から Steven Wilson のバンドに参加し続けています。彼とのパートナーシップがこれ程長く続いているのはなぜでしょう?

【NICK】: Steven Wilson が “Grace For Drowning” のアルバム制作に招待してくれたんだ。それは Steve Hackett のロンドンでのステージに参加したすぐ後だったね。レコードがリリースされると、彼はツアーにも誘って来たんだよ。
彼は “Grace For Drowning” での僕のプレイが気に入ったと話していたね。 Steve Hackett とのライブを見て、僕が彼のプロジェクトに適任だと考えたに違いないんだよ。
ある晩、僕と Steven は僕の家でディナーを取ったんだ。僕たちは音楽についてだけ、何時間も話したね。実際、2人には多くの共通点が存在するんだよ。
僕たちは地元が同じだし、2人共ベジタリアンで犬を飼っているよ。世界の見方や音楽のテイストも似ているし。後はユーモアのセンスも似ているね。大好きな映画もほとんど同じだったな。
一つ言えるのは、僕は彼の望むことを上手く解釈出来るということだね。ライブやレコーディングでは、時に驚きも彼に与えることが出来るんだ。それ以上は分からないけどね 。

25942835214_948522c963

Q5: “To The Bone” seems to more “Nick Beggs” album. Actually, it’s definitely progressive pop album Influenced by like Peter Gabriel, Depeche Mode. So, what do you like the record?

【NICK】: Yes I like the record very much. It is a cross-over album and that’s what SW is after. We talk about pop music a lot but he also likes most music (other than PROG). Some times I worry that the Progressive audience are the most unprogressive audience. Which is ironic. To the bone has caused a lot of mixed responses because it’s sighted as being different. What’s wrong with that?.

Q5: “To The Bone” は、より “Nick Beggs” なアルバムにも思えます。明らかに Peter Gabriel や DEPECHE MODE からの影響を昇華した “プログレッシブポップ” アルバムですよね?

【NICK】: その通りだよ。僕はこのレコードを本当に気に入っているんだ。これは “クロスオーバー” アルバムだし、それこそが Steven Wilson の探求しているものなんだ。
僕たちはポップミュージックについて本当に沢山話したよ。彼はプログ以外の音楽もほとんど好きなんだ。時々心配になるんだけど、プログレッシブロックのオーディエンスって実は最もプログレッシブじゃないように思えるんだ。これって皮肉なことだよね。
確かに “To The Bone” は様々なレスポンスを生んでいるよ。それは “異なる” 作品だからだろうね。でもだから何だって言うんだい?

Q6: How is the recording process with Steven? For example, how does it different from the collaboration with Steve Hackett?

【NICK】: The process is always different. He likes to find a home to record from. So he will pick a studio and encamp there for a set time. He will have pieces written and recorded and then tell us which pieces he wants us to work on. Very often he will have a number of players attempt the same part, then decide which version is best.
Steve Hackett’s albums are delegated by Roger King and that is the reason we decide to continue working together the way we did on the Mute Gods albums.
It’s basically file sharing. Mix then master and submit to the record label. It’s cost affective but a little lacking in physical interaction. But this is the way a lot of modern records are made.

Q6: Steven とのレコーディングはどのように行われるのですか?例えば Steve Hackett と比べてどのような違いがありますか?

【NICK】: レコーディングプロセスは毎回異なっているんだよ。彼はレコーディングのための “家” を見つけるのが好きなんだ。だからまず彼はスタジオを選び、決められた時間だけそこで “キャンプ” をするのさ。
すでに作曲やレコーディングされたマテリアルは持ってきているから、それから僕たちにどのピースでプレイして欲しいか伝えるのさ。とても頻繁に、彼は何人かに同じパートをプレイさせるんだよ。それでベストのバージョンを決めるのさ。
Steve Hackett のアルバムは、Roger King が指揮をとっていて、それこそが僕たちが今 THE MUTE GODS でやっているように、コラボレートを続けることに決めた理由なんだけどね。
とにかく、Steve とのレコーディングは基本的にファイルシェアリングなんだ。それをミックス、マスタリングしてレーベルに送るんだよ。確かにコストの面では優秀だけど、少し直接的なコミュニケーションには欠けるよね。まあだけど、現代のレコードは大半がこの方法で作られているんだよ。

15380599_605952556274199_3533008047466609901_n

Q7: I feel Post-punk, New wave conquered early 80’s, and extinguished Prog rock at that time. But strangely, you started your career with Kajagoogoo, but now you are in the center of prog scene. At first, did you expect to come to a prog rock scene?

【NICK】: One never knows what turns life and career will take. In the 80s Prog was so unhip you dare not speak it’s name. But as time has passed it’s come out of the closet. I’m glad about that. But I also believe the Prog Scene needs to remember where it came from and that Progressive Music should be about progressive thinking. Although I am involved in the prog scene, I am also involved in other scenes and have been for thirty five years. “I want to evolve not revolve.” (Thanks Alan Partridge.)
Maybe that’s why Steve Wilson calls me the Leonard Zelig of the music business;-

Q7: それにしても、KAJAGOOGOO でキャリアをスタートし、現在はプログシーンの中心に存在するあなたのキャリアはかなり異色ですよね?

【NICK】: 人生やキャリアに何が起こるかなんて誰にも分からないんだよ。80年代、プログは全然ヒップじゃなかったんだよ。だからその名前を語ることは出来なかったんだ。だけど時間の経過とともに、プログは再びその姿を現すことになったんだ。
それについては嬉しく思っているよ。だけどね、同時に僕はプログシーンはその出自を思い出す必要があると信じているんだ。プログレッシブミュージックは、プログレッシブな考え方であるべきなんだよ。僕は確かにプログシーンにも関わっているけど、同時に35年間も他のシーンにも関わって来ているんだ。僕は循環するより進化したいんだよ。(ありがとう、Alan Partridge。)
だからこそ Steven Wilson は僕をミュージックビジネスにおける Leonard Zelig と呼ぶんだろうね。

Q8: John Paul Jones’s “The Thunderthief” is still one of my favorite record. Actually the power trio was really strong and impressive. Anyway, in your big discography, please tell me about your favorite record.

【NICK】: I don’t have a favourite. I have good memories but it’s had to pick one. But working with John Paul Jones was definitely my most challenging experience. Technically and psychologically.

Q8: 最後に、あなたの膨大なディスコグラフィーの中でフェイバリットの作品を教えていただけますか?

【NICK】: 特別フェイバリットな作品というのはないんだよ。それぞれに良い思い出があって、一つを選ぶのは難しいよね。だけど John Paul Jones との作品は間違いなく僕にとって最もチャレンジングな経験だったよ。 技術的にも精神的にもね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED NICK’S LIFE

DEEP PURPLE “MADE IN JAPAN”

Deep_Purple_Made_in_Japan-3

YES “CLOSE TO THE EDGE”

Yes-close-3

PINK FLOYD “DARK SIDE OF THE MOON”

Dark_Side_of_the_Moon-5

XTC “BLACK SEA”

41X1C9E675L

BILL NELSON’S RED NOISE “SOUND ON SOUND”

Sound-on-Sound.jpeg

MESSAGE FOR JAPAN

11873414_420960448106745_1499296809380434552_n

I love Japan.
It is my favourite country to visit.
I love the food, the culture the people and the design.
And also the insanity.
The film Lost in Translation captures so much of Tokyo
and it reminds me of my very first visit in 1984.
Japanese fans have always been very kind to me.
I can’t wait to come back.

僕は日本が大好きなんだ。訪れるのが一番好きな国だよ。食事、文化、人間、デザイン。全てが気に入っているね。
同時に狂気も孕んでいるよね。映画 “Lost in Translation” は見事に東京の大部分を捉えていたよ。あの映画を見ると、初めて日本を訪ねた1984年を思い出すんだ。
日本のファンはいつだって僕に親切にしてくれるね。
戻るのが待ちきれないよ。

NICK BEGGS

THE MUTE GODS Facebook Page
THE MUTE GODS Official Site
STEVEN WILSON Facebook Page
STEVEN WILSON Official Site
Hostess Entertainment “To The Bone” 日本盤

mmmB5dvKwaCcAEznJZ

PLZ FOLLOW US ON FACEBOOK !!

LOUD PARK 17′ SPECIAL INTERVIEW 【PER NILSSON : MESHUGGAH, SCAR SYMMETRY, KAIPA, NOCTURNAL RITES】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH PER NILSSON OF MESHUGGAH, NOCTURNAL RITES, KAIPA, AND SCAR SYMMETRY !!

19894647_10156615974834616_4186633892520889604_n

Now, The Most Notable Guitar Virtuoso In The Scene, Per Nilsson Will Come To Japan With Meshuggah At Loud Park 17′ !! The Busiest Man Talks Everything About His New Adventure !

ABOUT PER NILSSON

スウェーデンが誇る異能のギターマイスター Per Nilsson。現在、彼こそがメタル/プログコミュニティーで最も注目を集める怪物であることに異論を唱える向きはないでしょう。
モダンメタルの父、MESHUGGAH のマスターマインド Fredrik Thordendal が突然の “休暇” を申請したのは6月初頭のことでした。インタビューにもあるように、スタジオの建設とソロキャリア追求のためバンドを離れた求道者の代役として指名されたのが今回の主役、Per だったのです。実際、彼ほどの適任者は存在しないように思えます。
10代後半から MESHUGGAH を聴き漁り、リスペクトを捧げて来たという Per のギタープレイには、例えば彼のホームグラウンド SCAR SYMMETRY を聴けば分かるように、複雑でマスマティカルなリフワークや、レガートで滑らかにアウトするリードプレイなど、モダンメタルの巨人を想起させる場面が確かに存在します。
何より、亡き Allan Holdsworth の遺産を相続するのみならず、独自に進化させるプレイヤーはメタルの領域においてあまりに稀有で、オーディションも行わず Per を指名したバンドの英断には頷くばかりですね。
さらに Per が注目を集める理由。それは彼のフレキシブルな才能が可能とした、多方面での雄渾なる活躍です。多様でエクストリーム、実験性を秘めたモダンメタルを中枢としながらも、Per のセンス、スケール、そしてテクニックは様々な分野のアーティストを惹き付けてきました。
特にここ日本で絶大な人気を誇るメロディックメタルアクト NOCTURNAL RITES もその一つ。10年という長い沈黙を破るバンドの復活作 “Phoenix” で、ソロイストとして白羽の矢を立てたのが Per だったのです。インタビューにもあるように、トラディショナルでメロディーによりフォーカスした Per の新たな冒険は、バンドのマスターピースとして結実したようですね。9月のリリースを待ちましょう。
加えて、9月にはもう1枚 Per の参加したレコードがリリースされます。KAIPA の新作 “Children of the Sounds” です。70年代から活動を続ける、北欧シンフォプログの雄 KAIPA に Per が加入した事実はシーンに大きな驚きを与えました。実際、Per 自身が語るように、Roine Stolt の色彩と気品をメタルシュレッダーが引き継げるのだろうかという懐柔的な見方も多かったようですね。
しかし KAIPA の同僚で天賦のスティックマン Morgan Agren が、「Per は非常に滑らかなタッチと完璧なコントロールを持っているね。彼が演奏するときは、すべてが簡単に聞こえるんだ。素晴らしいプレーヤーだよ。」と語るように、Per のモダンなテクニックはバンドに新たな”血”をもたらし、スピードを備えたクラシカル、フォーキーなパッセージが壮麗なる推進力を生んでいるのは間違いないでしょう。
また、Per にはプロデューサーとしての顔も存在します。今ひとつ伸び悩んでいた自身のメインバンド SCAR SYMMETRY が、遂にそのステージを1歩進めた最新作 “The Singularity (Phase I – Neohumanity” では、Per がコンポジション、プロデュース、ミックス、マスタリング全てを手がけているのです。
非常にメロディックかつプログレッシブな方向へとシフトした作品が、脱退したギタリスト Jonas Kjellgren メインのプロダクションに比べよりクリアーで立体感を有していることは明らかですね。インタビューにもあるように、Per のスタジオも完成しトリロジーの第2章が幕を開ける瞬間も間近です。期待しましょう。
最後に Per がソロアルバム、ETERNITY’S END のプロダクションを手がけたテクニカルデスメタルシーンきってのテクニシャン Christian Muenzner は彼について 「Per Nilssonはこれまでの10年間で最もエキサイティングなギタープレイヤーだよ。美しいフレーズとインテリジェントなノートの選択は、素晴らしい音色を運び完璧なまでに楽器のテクニカルな要求を満たすんだ。僕がギタリストのプレイに探しているものすべてを彼は持っているんだよ。」と語っています。インテリジェンスを感じるのは当然かも知れません。Per の IQ は156を超えるとも言われており、あの高IQクラブ “メンサ” のメンバーなのですから。
型破りな知性が導くフレキシビリティ。今回弊誌では、Per Nilsson にインタビューを行うことが出来ました。遂にあの鬼才が MESHUGGAH として Loud Park にやって来ます!どうぞ!!

続きを読む LOUD PARK 17′ SPECIAL INTERVIEW 【PER NILSSON : MESHUGGAH, SCAR SYMMETRY, KAIPA, NOCTURNAL RITES】

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【IGORRR : SAVAGE SINUSOID】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH GAUTIER SERRE A.K.A. Igorrr !!

12138621_10153323164293049_8068511680173862933_o

Mastermind Of Modern Metal Revolution, Igorrr Sets A New Standard Across Styles Of Music, With His New Masterpiece “Savage Sinusoid” !!

DISC REVIEW “SAVAGE SINUSOID”

多様性をランドマークとするモダンメタルシーンの最前線に立ち続ける、フランスの鬼才 Igorrr が待望の最新作 “Savage Sinusoid” をリリースします!!メガレーベル Metal Blade Records と契約を果たし、自身の最高峰を更新する傑作を完成させた Igorrr の世界制覇は目前です。
Igorrr とは誇り高きフランスのコンポーザー/マルチプレイヤー Gautier Serre のソロプロジェクト。ブレイクコア、グリッチホップ、トリップホップ、バロック、クラシカル、ワールドミュージック、サイバーグラインド、デスメタル、ブラックメタルなど百花斉放、極彩色のインスピレーションを濃縮し、時代もジャンルも超越したそのサウンドスケープは即ち規格外のモンスターだと言えるかもしれませんね。そして、インタビューにもあるように Gautier は、その至高の怪物を各ジャンルのスペシャリストを招集することで制御し、自らの意のままに操っているのです。”Savage Sinusoid” のアートワークに描かれた結合のスフィアは、まさにそのシンボルだった訳ですね。
アルバムオープナー、”Viande” は Igorrr の野蛮な “Savage” サイドを象徴する楽曲です。エクストリームメタルの新たなエイリアン、奇妙な咆哮を宿した2分弱のエレクトロブラッケンドデスメタルは、息を呑むほどに野蛮で斬新。邪悪で過重な質量を纏うギターリフと、鋭利なグリッチサウンドが交差し、リズムの主導権を奪い合う様はまさしく圧巻の一言で、同時に呪詛のごときシアトリカルなスクリームは地球上で最も多様な Igorrr 劇場の開幕を告げています。
Igorrr の多様性、 “Sinusoid” サイドを体現する “ieuD”, “Houmous” の流れがシーンに与えるインパクトは絶大でしょう。ハープシコードとエレクトロビート、バロック音楽とエレクトロニカ。400年の時を超えて邂逅した、17世紀と21世紀を象徴するサウンドとジャンルは、4世紀のギャップなど存在しないかのように “ieuD” で魅惑の融合を果たしています。
中盤、荘厳なる美の結晶、狂気すら入り交じる Laure Le Prunenec のオペラティックな歌唱をコアとして、ブラストビートとブレイクビーツが入り乱れる魔展開は確かにカオティックですが、テクニカルで深層まで注意深くデザインされたそのコントラスト、タペストリーサウンドは、奔放、野性味というよりはコントロールされたカオスといった印象を与えていますね。つまり、彼のエクレクティックなチャレンジは、決して客寄せのサーカスではなく、自身の創造性、シネマティックな絵画を完成させるための絵の具や技法であるとも言えるでしょう。
“Houmous” で Igorrr のサウンドはさらにその世界を広げて行きます。”ieuD” で時空を超えた彼の音楽は軽々と地平をも飛び越えて進化を続けます。バルカン半島へとたどり着いた彼のイマジネーションは、バルカン音楽とエレクトロニカ、そしてブラストビートを結びつけ異形のエモーションを創出します。
音楽も多様なら舞台に上がる楽器の種類も実に多様。アコーディオンにサックス、フルート、そして楽曲の後半にはニンテンドーの実機を使用したチップチューン8bitサウンドまで登場するのですから、インタビューで “No Limits, No Boundaries” と断言するのも頷けますね。何より、今回の作品では全ての楽器が、サンプルではなく実際にプレイされており、その繊細かつオーガニックなサウンドはアルバムのリアリティーを飛躍的に高めていると同時に、作品のディレクションさえ以前よりソリッドにフォーカス成し得ていると感じました。アコースティック楽器とエレクトロニカサウンドのシュールなコントラストはアルバムの特筆すべき場面の一つでしょうね。
ムーブメントとしての djent が終焉を迎えシーンに定着した中で、Igorrr の”Savage” と “Sinusoid” を融合させる時代も空間も超越したユーフォリアは EDM や hip-hop が席巻する現在の音楽シーンだからこそ、新たなトレンドとしてモダンメタルをさらに前進させる可能性を多分に孕んでいます。インタビューでも語ってくれた通り、少なくともこのジャンルは未だに進化を続けているのですから。最後に、CATTLE DECAPITATION の Travis Ryan が3曲で無慈悲なグロウルを披露し、作品の “Savage” をより際立たせていることを付け加えておきましょう。
今回弊誌では、Gautier Serre にインタビューを行うことが出来ました。ほとんど多様性とコントラストについてしか言及しない Marunouchi Muzik Magazine ですから当然この作品こそ2017年上半期の最重要アルバムだと断言いたします。どうぞ!!

7624025

Igorrr “SAVAGE SINUSOID” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【IGORRR : SAVAGE SINUSOID】

NEW DISC REVIEW【JASON RICHARDSON : I】INTERVIEW WITH LUKE HOLLAND, JAPAN TOUR SPECIAL !!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH LUKE HOLLAND !!

Jason_Richardson__Luke_Holland_-_2016

Jason Richardson & Luke Holland, One Of The Most Talented Young Guns Will Come To Japan With Game Changing Debut Record “I” !!

DISC REVIEW “I”

24歳と23歳。瑞々しくハイセンスなモダンメタルフロンティアが輩出した俊英2人、Jason Richardson と Luke Holland がタッグを組んだ宿命の別世界 “I” のリリースは、至大のインパクトと共にユニットを遥かなる日いづる国、日本へと導くことになりました。
若干20代前半にして、2人の履歴書はすでに驚くほど充実しています。バークリー入学を蹴って ALL SHALL PERISH でツアーを経験し、BORN OF OSIRIS, CHELSEA GRIN では名作のキーパーソンとなったギタープレイヤー Jason Richardson。最先端の10指が紡ぐ印象的でコズミックなフレーズの数々は、まさに Djent/デスコアミュニティーの発展に欠かすことの出来ないフラッグシップであると言えますね。
一方のドラマー Luke Holland は、インタビューにもあるように、16歳で YouTube チャンネルを開設しセルフプロモートを開始します。今日までに総計で5500万ビューという驚くべき数字を叩き出した彼のプレイスルーカバー集は、Djent, メタルからプログ、エモ、パンク、ポップに EDM までまさに百花繚乱な世界観を独自のアレンジメントと精緻なテクニックで華麗に彩り、今では自らの価値を証明する Luke の貴重な名刺がわりとなっているのです。
実際、動画を見た TEXAS IN JULY から代役を頼まれ、ついには2013年に THE WORD ALIVE の正式メンバーに任命されたのですから、例えば日本の川口千里さんにも言えますが、プレイスルー動画の持つ力、インパクトは音楽シーンのあり方を変えて来ているのかも知れませんね。
“究極的には毎晩ソールドアウトのスタジアムでプレイしたい” と語る Luke が次なるチャレンジとして選んだ “I” は、同時に Jason Richardson がただギターマイスターであるだけでなく、コンポーザーとしても多様かつ至妙であることを証明した一級品に仕上がりました。Luke の言葉からは寧ろ、コンポーザーとしても優れていることが、参加を決意させたようにも読み取れますね。
ダークでシンフォニックな世界観を携え、難解なリズムアプローチと美麗なリードプレイがアトモスフィアの波を掻き分ける “Omni” でアルバムは幕を開けます。不安を煽るようなオーケストレーション、ギターとシンセサイザーの一糸乱れぬ華麗なダンス、そして見事にコントロールされたチャグワークは確かに BORN OF OSIRIS の設計図をイメージさせ、まさに楽曲が Jason Richardson を象徴する”I”であることを宣言していますね。
勿論、現在2人だけでツアーを行っていることからも分かるように Jason と Luke のコンビネーションも抜群。ギターの細かなフレーズまでユニゾンしてしまう Luke の繊細でアイデア豊富なドラムワークはアルバムを確実に一段上の領域へと誘っています。Luke の THE 1975 や THE CHAINSMOKERS をメタルと同列で愛してしまう軽快さこそ彼を際立たせているのです。
粒立ち群を抜いているピッキングの驚異的な正確性、選択する音や音符の意外性、タッピングとオルタネイト、スイープを巧みに使い分けるアルペジオの豊かなバリエーション、そしてストーリーを持った構成美。ソロワークに目を移せば、すでに Jason が世界のトップであると誰もが確信するはずです。メカニカルなシュレッダーのイメージが強いかも知れませんが、”Omni” 中間部の静謐なパートで炸裂するベンド、ビブラートのエモーションは実に扇情的で崇高とさえ表現したくなりますね。全く非の打ち所がありません。
PERIPHERY の Spencer Sotelo がゲストボーカルで参加した “Retrograde” からさらに “I” の世界は広がっていきます。これまでスクリームとのコンビネーションがほとんどだった Jason のギターですが、クリーンボーカルとの相性も決して悪くはありません。Spencer の突き抜けるように爽快でキャッチーなトレードマークは Jason のポップセンスをも見事に開花させ、VEIL OF MAYA の Lukas Magyar, PERIPHERY の Mark Halcomb というオールスターキャストで贈る名曲 “Fragments” にその成果を結実させています。
ポストロックやクラシカル、ブルースにサーフロックの感覚すら包み込んだ “Hos Down” の多様性から生じる魔法はまさに別格です。現代の Guthrie Govan と形容したくなるほどマジカルでエクレクティックな奇跡のコンポジションは、Jason の未来、 “Next Stage” にも多大な期待をいだかせてくれますね。
Nick Johnston, Rick Graham など様々なゲストを迎え、才能が時に融合し、時に火花を散らしたアルバムは、巨匠 Jeff Loomis とのクラシカルな乱舞 “Chapter Ⅱ” でまさに “Ⅱ” の存在を予感させつつ幕を閉じました。
今回弊誌では、7月に来日が決定した Luke Holland にインタビューを行うことが出来ました。POLYPHIA, さらには先日インタビューを掲載した12歳の天才美少女ギタリスト Li-sa-X も出演しますよ。どうぞ!!

13312852_1170572569659445_2980779850710030736_n

JASON RICHARDSON “I” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW【JASON RICHARDSON : I】INTERVIEW WITH LUKE HOLLAND, JAPAN TOUR SPECIAL !!

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NOVA COLLECTIVE : THE FURTHER SIDE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DAN BRIGGS OF NOVA COLLECTIVE !!

nova-collective

The Brilliant Musical Marriage Between The 70’s Fusion And Modern Prog. Definitely, Super Group Of Prog, Nova Collective Has Just Released One Of The Best Instrumental Record Of The Year, Incredible Debut, “The Further Side” !!

DISC REVIEW “THE FURTHER SIDE”

“新たな集合体” の名を冠するインストゥルメンタルスーパーバンド NOVA COLLECTIVE が、超越的でモニュメンタルなデビュー作 “The Further Side” をリリースしました!! 既成観念の “向こう側” へと辿りついた彼らの音風景は、リスナーを永遠の旅路、ミュージカルジャーニーへと誘うことでしょう。
Dan Briggs (BETWEEN THE BURIED AND ME), Richard Henshall (HAKEN), Matt Lynch (TRIOSCAPES, ex-CYNIC), Pete Jones (ex- HAKEN) というまさにモダンプログレッシブを象徴する賢哲が参集した NOVA COLLECTIVE。彼らが宿した清新なる息吹は、音楽が最も革新的で創造的だった70年代の空気を濃密に吸い込み、芸術のあり方を純粋に示しています。
1970年に Miles Davis がリリースした “Bitches Brew” は、音楽史上最も輝かしいロックとジャズの婚姻だったと言えます。”The Further Side” は、”フュージョン” という音楽概念を定義した、多様でイマジネイティブなその”マイルストーン”の精神を、凛として現代へと継承した畢生の作となりました。
アルバムは、ロシアのロマンティックかつダイナミックなバレエを想起させる “Dancing Machine” でその幕を開けます。メカニカルな BTBAM とは趣を異にする、野性的でファットな Dan Briggs のベースラインはオーガニックなボトムで自由を謳歌し、ジャズとロック、そしてメタルを華麗に行き来する Matt Lynch のドラムスと豪壮なインタープレイでアルバムを牽引して行きます。
Richard Hanshall のメロディアスでデリケートなギターワークは作品に浸透し、何より Pete Jones のガラス細工のように美麗で卓越したエレピ、オルガンサウンドは、リスナーに Chick Corea の形影を追わせ、過去と現代をリンクさせる鍵として枢要を占めていますね。
“Dancing Machine” に漂う神秘的でエスニックなムードは、インタビューでも語ってくれた通り、ワールドミュージックからの影響を反映しています。そして確実に John McLaughlin のコンポジションとも強く共鳴しているはずです。
“Bitches Brew” にも参加し、後に”フュージョン”を代表する集団となる THE MAHAVISHNU ORCHESTRA を創立した天賦のギタリストは、ロックとジャズのみならず、フラメンコ、オーケストラ、そしてインド音楽にまでその興味の幅を広げ、クロスオーバーさせた多様性の伝道師だと言えるでしょう。「フュージョン、ワールドミュージック、ジャズ、プログ、クラッシック。アイデアの全てはそこから来ている」 と Dan が語ってくれた通り、”The Further Side” にはあの奇跡のオーケストラと同様の血脈が流れてもいるのです。
実際、”Air” は日本の伝統楽器、琴をイメージして書かれた楽曲だと Dan は語ってくれました。そして、日本の陽春を鮮やかに切り取ったかのような、オリエンタルで麗しきそのサウンドグラフには、NOVA COLLECTIVE がサーカスではなく音楽のために集まった集団である証が克明に刻まれていますね。
確かにメンバーは全員が超絶技巧の持ち主ですが、アルバムにエゴを感じさせる陳腐な曲芸は一切存在しません。存在するのは、楽曲の一部と化したエレガントで流麗なリードパートとアンサンブルのみ。各自が秘める、描かれた設計図をグレードアップさせるようなインテリジェンス、即興の妙こそがまさに一流の証明だと感じました。
勿論、クラッシックなフュージョンサウンドが基幹を成している “The Further Side” ですが、”State of Flux” を聴けばバンドが “新たな集合体” を名乗った意味が伝わるでしょう。MESHUGGAH と同等の緊張感、ヘヴィネス、リズムの錯綜が、エレピを核とするレトロなフュージョンサウンドを伴って再現される Tigran Hamasyan も驚愕のニューフロンティアがここにはあります。70年代には存在し得なかった、正確無比なシュレッド、硬質でDjenty なリズム、そして Jamie King による極上のプロダクションは “フュージョン” の極地、最先端を提示し、彼らの存在意義を強くアピールしていますね。
アルバムは WEATHER REPORT や RETURN TO FOREVER への憧憬と、モダニズムを巧みに融合させたタイトルトラック “The Further Side” で神々しくもドラマティックにその幕を閉じます。
今回弊誌では Dan Briggs にインタビューを行うことが出来ました。彼のホームグラウンド BTBAM の “Colors” 10周年ツアーについても言及しています。どうぞ!!

a1735671005_10

NOVA COLLECTIVE “THE FURTHER SIDE” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NOVA COLLECTIVE : THE FURTHER SIDE】

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DISPERSE : FOREWORD】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JAKUB ZYTECKI OF DispersE !!

SOM401-Disperse-bandpicture

With “Foreword”, Poland Based Progressive Quartet, DispersE Invite You To Set Sails On A Imaginative Musical Journey !!

DISC REVIEW “FOREWORD”

“Heart of Europe”、ポーランドに降臨した、モダンプログシャイニングスター DispersE がジャンルの枷を解き放つ新たなマイルストーン “Foreword” をリリースしました!!”Progressive” というワードの真意について再考を促すような意義深き作品は、鮮やかなポップセンスとミニマルなサウンドを研ぎ澄まし、規格外のアウトラインを提示しています。
2016年に行われた DispersE 初の日本ツアー。DESTRAGE とのカップリングで大成功を収めた彼らのショウでは、新作に対する自信が顕在化していましたね。未だ作品がリリースされていないにもかかわらず、セットリストの大部分は “Foreword” からの楽曲で占められていたのですから。そこで日本のファンは、ギターと同時にサンプラーを駆使して躍動するマイスター Jakub Zytecki の姿に “Foreword” な変化の兆しを見定めることとなりました。
アルバムはイノセントな歌声をサンプリングし、審美的でアンビエンスな空気を多分に抱きしめた秀曲 “Stay” で幕を開けます。Rafal Biernacki の歌唱は傑出していて、FROST* の John Mitchell や TesseracT の Dan Tompkins にも比肩し得るほど、色鮮やかで表情豊かな歌声、旋律、ハーモニーを披露していますね。
「メタルは少々平坦に思えてきた。」 インタビューで Jakub が語る通り、このレコードには獰猛なグロウルも、Chug-Chug とした定常的なギターリフも存在しません。貫かれるのは “Progressive-Pop” とも描写可能なノスタルジックで情味のある、しかし同時に創造的なモダニズムが溢れる崇高な世界観。
多幸感に満ちヒプノティックで、光のサウンドスケープを見事に切り取った “Stay” の核心は、紛れもなくそのアトモスフェリックなサンプリングと Rafal が紡ぐポップなメロディーです。しかし Jakub のプログレッシブなセンスが惹起する、絶妙なバランス、コントラストが楽曲を新天地へと誘っていることを忘れる訳にはいきませんね。
7拍子、ポリリズムが生み出す神秘的な夢幻世界、忽然と急襲するスリリングかつテクニカルなシュレッディング。アルバムオープナーにして作品を象徴する “Stay” の新感覚はまさに革命と呼べるほどにリスナーへ驚嘆をもたらします。
新感覚と言えば、TAME IMPALA にも通じるレトロなムードを持つ”Bubbles” では、Strandberg の極限までダウンチューンしたディストーションサウンドが至高のダイナミズムを提供し、新たな個性を主張していますね。
“Tether” は、「TYCHO にはいつも心酔している」 と語る Jakub の多極化する好奇心が浮き彫りとなった楽曲かも知れませんね。エゴとは無縁の緻密でミニマルな設計図に、穏やかなエレクトロニカサウンドを乗せたドリーミーな極上のポップチューンを聴けば、確かに TYCHO の持つ瑞々しいセンスが宿っていることに気づくでしょう。新加入、達人 Mike Malyan のゴーストノート一音一音が透けて見えるほどに繊細な楽曲は、Rafal の別格でエモーショナルな歌唱を導き、音楽の本質を伝えています。
とは言えインタビューにもあるように、Jakub は決してギターへの探究、野心も捨てることはありません。アルバムで最も Djenty な “Surrender” の躍動美溢れるスリルは華麗ですし、”Sleeping Ivy” で見せるメカニカルなクリーントーンの洪水も一級品。さらに9分を超える壮大な “Does it Matter How Far” の前半部分では、サンプリングと巧みにリンクさせて純粋にチャレンジングなインストゥルメンタルミュージックを奏で、Jakub Zytecki が未だに世界トップのモダンギタリストであることを強烈なまでに証明していますね。
“Foreword” は DispersE、さらにはプログレッシブワールドにとって新たなチャプターの幕開けとなるでしょう。実際、プログレッシブロックとは様式ではなく概念であるべきです。インディーロックとクラブミュージックを巧妙にクロスオーバーさせた Bonobo は、バンドにとって或いは象徴かも知れません。自らのアイデンティティを保持したまま、TYCHO や TAME IMPALA のフレッシュな感性、インパクトを血肉とした DispersE のインテリジェントな手法は全面的に肯定されるべきだと感じました。
今回弊誌では Jakub Zytecki にインタビューを行うことが出来ました。3回目の登場となりますね。どうぞ!!

15220222_10154326241134751_2498972392523305459_n

DispersE “FOREWORD” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DISPERSE : FOREWORD】

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PERSEFONE : AATHMA】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CARLOS LOZANO OF PERSEFONE !!

14199744_10154455593499328_2938928792495100548_n

Andorran Prog Metal Titan, Persefone Has Just Released Infinity Technical, Highly Progressive, And Supremacy Spiritual Record “Aathma” !!

DISC REVIEW “AATHMA”

フランスとカタルーニャの狭間に位置する欧州の小国アンドラから示現した、プログメタルの俊傑 PERSEFONE が待望の新作 “Aathma” をリリースしました!!ギターチームの片翼とドラマーを刷新し、音楽性、テーマ、リリック共に陶冶され深みを増したアルバムは、すでに2017年のモダンプログシーンを代表する作品に位置づけられつつあります。
2013年にリリースした前作 “Spiritual Migration” は、技巧とロマンチシズム、幻想とアグレッションを巧妙に対置させた Tech/Prog Death Metal の佳篇であり、バンド史上最良の成功を収めたマスターワークとなりました。奔流となって押し寄せる、過密なまでに濃厚なサウンドの粒子が印象的な作品でしたね。
日本、アジアを含む長期のツアーを経て、4年という熟成期間が宿した結晶 “Aathma” は、”Spiritual Migration” に比べて、よりスピリチュアルで空間的。英俊 Jens Bogren のタクトの下、アートとしての完成度、統一感を精髄まで突き詰めた、ニューフロンティアへと到達しています。
「勇気を持って偽の自己を解放せよ。」 アルバムはスピリチュアルメタルの先駆者、CYNIC の Paul Masvidal が語りかける哲学的なスポークン・ワードで幕を開けます。インタビューにもあるように、”Aathma” とは魂の探求。全てが白か黒に分類される、性急で物質的な現代社会に対するアンチテーゼ。リスナーは Paul の言葉に導かれ、PERSEFONE の深遠なる精神世界へと誘引されて行くのです。
小曲 “One of Many…” でバンドは作品のシンフォニックでメロディアスな世界観を暗示し、ドラマティックな “Prison Skin” へと進行します。ミステリアスで優美なピアノの調べから一転、速急でテクニカルなリフワーク、ダブルギターとキーボードが織り成す濃密なサウンド、複雑で緻密なリズムアプローチ、そして Marc Martins の激烈なガテラルが PERSEFONE の帰還を高らかに告げると、同時に楽曲はバンドの二面性をも明瞭に開示するのです。
今回、キーボーディストでクリーンボーカル、Miguel “Moe” Espinosa のタスク、重要性は確実に過去作を遥かに凌いでいると言えます。ポストロックの影響すら感じさせるアトモスフェリックで幽玄な “Cosmic Walkers” はその象徴でしょう。”Prison Skin” では典型的な PERSEFONE の顔と、Moe が躍動することで生まれる、スペーシーでメロディアスなテリトリーを調和させ、緩急織り交ぜたスリリングなキラーチューンへと昇華しているのです。
再度 Paul Masvidal が登場し、特徴的なボコーダーとリードギターを聴かせる “Living Waves” はアルバムのハイライトだと言えるでしょう。Djenty とも形容出来るモダンで幾何学的なギターリフと、色彩を抑えた淡彩のシンセサウンドが創造するスピリチュアルメタルに、崇高で凛としたメロディーがレイヤーされると、そこには現代社会とは最も離れた場所にある観念的な夢幻世界が広がります。Paul と Moe のボーカルパフォーマンスは傑出していて、リスナーの深層心理に語りかけるような宗教的崇高感すら感じさせますね。
アルバムは4部編成、20分のエピカルなタイトルトラックで幕を閉じます。インタビューにもあるように、レコードの縮図、シネマティックとさえ言える作品を象徴する大曲。作品で最もエクストリーム、デスコア的な質量を纏った “Part III: One With The Light” と女性ボーカルとピアノ、オーケストレーションのみで奏でられる詩情豊かなフィナーレのコントラストはまさにこの傑作の持つ二面性を端的に物語っていると言えるでしょう。
今回弊誌ではギタリスト Carlos Lozano にインタビューを行うことが出来ました。シュラプネル直系の彼独特のシュレッドは、昨今のメタルシーンにおいては逆に強力な武器となっているような気がします。Moe に続いて弊誌2度目の登場。どうぞ!!

16864836_10155005917204328_304908153232995139_n

PERSEFONE “AATHMA” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PERSEFONE : AATHMA】

NEW DISC REVIEW + ANATOMY 【ichika : forn】


EXCLUSIVE: ANATOMY OF ichika !!

unnamed-25

This Is The Next Level !! The Most Talented Contemporary Guitar Artist In Japan, ichika Has Just Released Amazing, Astonishing, Awe-inspiring Debut EP “forn” !!

DISC REVIEW “forn”

Toshin Abasi 以来の衝撃!クリスタルのように清廉なサウンドと研ぎ澄まされた感性で ichika は日本のみならず海外からも高い注目を集める新たなギターマエストロです。想像力を掻き立て感情を揺さぶる瑞々しい楽曲の数々は、フレッドボードを駆け巡る独創的で絢爛たる奇跡のテクニックから生み出されます。
Instagam, Twitter など SNS における圧倒的な動画の視聴数、シェア。さらに Tosin Abasi, Jason Richardson といった海外のモダンギターヒーローから注がれる熱い視線を追い風に受けリリースした待望のデビューEP “forn” はまさにインストゥルメンタルシーンに新たな時代の幕開けを告げるエポックメイキングな作品に仕上がりました。
アルバムのフォルムは想像を遥かに超えたものでした。おそらく多くのファンが思い描いた作品は、バンド形態の Instru-metal アルバムだったのではないでしょうか?しかしリスナーの元に届いた “forn” のサウンドは、ギター一本、清澄で無垢なクリーントーンが奏でる水晶彫刻のような崇高な美景、世界観だったのです。
ただ、ichika が今回弊誌に語ってくれた「人生を変えた5枚のアルバム」を念頭に置き、存慮すればこのディレクションは深く頷けるものだと思います。”Waltz for Debby”。彼が志向しデザインしたこの透徹した美意識によるスペクトルは、孤高のジャズピアニスト Bill Evans がかの歴史的傑作で提示したアーティスティックな表現世界と真に深く通じているのです。
実は幼少期に “Waltz for Debby” に感銘を受け、ジャズピアニストを志していたという ichika。静と動のダイナミズムが白眉で、詩情豊かな美しきワルツ “resolution” は “Waltz for Debby” への追憶かも知れません。 残響までをも計算した限りなく繊細で透明な、しかし同時に自身のペルソナ、小宇宙、エモーションを余すことなく描き出す若きマエストロの手法、秀絶な初演には、確かに巨匠の息吹が濃密に感じられますね。
ヴォイシングの妙、独演という観点から見れば、Bill Evans の “Alone” や Joe Pass の “Virtuoso” にも共振する部分はあるでしょう。そして勿論、彼が挙げている Russell Malone にも。ichika のどこか温かみのあるトーン、ベースラインと旋律の巧みな双饗、ハーモニクスやタッピングのナチュラルな浸透には Russell の遺伝子がしっかりと脈打っています。
さらにツーバスでスウィングする不世出のジャズドラマー Kendick Scott。”a bell is not a bell” を聴けば、コンテンポラリージャズを代表するリズムマスターのポリリズム、変拍子、モダンなアプローチをしっかりと消化し、自らの血肉としていることが分かりますね。
とは言え、”forn” はジャズレコードではありません。そしてジャズレコードでないことこそが ichika の ichika たる由縁だと言えるのではないでしょうか。VEIL OF MAYA の “The Common Man’s Collapse”、”the cabs” の “一番はじめの出来事”をジャズの名盤と共にピックアップしていることが表象するように、彼の音楽にはジャズと同様にモダンプログやマスロックといった現代的なアプローチもしっかりと根付いています。
そして日本人らしい叙情性。”戦場のメリークリスマス” にも通じるようなリリシズムを備えた “flowers” はジャズとコンテンポラリーギターの完璧なる融合であり、同時に日本らしい四季や侘び寂びを感じさせる絶佳のサウンドスケープを有した ichika を象徴する一曲だと感じました。
ichika の旅路、音楽的探求は “forn” で遂にその幕を開けました。少なくとも、今まで日本のアーティストに欠けていた世界で戦うに充分なオリジナリティー、インテリジェンス、そしてアピアランスを備えていることは確かです。”have a nice dream”、応援しましょう!!

a2323765957_10-2

ichika “forn” EP: 9.9/10

【FIVE ALBUMS THAT CHANGED ICHIKA’S LIFE】

BILL EVANS “WALTZ FOR DEBBY”

Bill_Evans_Trio_-_Waltz_for_Debby

KENDRICK SCOTT ORACLE “CONVICTION”

kendrickscott_conviction_mt.jpg

RUSSELL MALONE “RUSSELL MALONE”

21HFDDRRXTL

VEIL OF MAYA “THE COMMON MAN’S COLLAPSE”

The_common_man's_collapse

the cabs “一番はじめの出来事”

71dGiKK2P1L

【MESSAGE FOR JAPAN】

0009371710_10

“forn” EPを聴いていただいてありがとうございます。このEPを皮切りに、次の作品のリリースも予定していて、そこからライブを初めていこうとも思っています。皆さんにお会いできるのを心待ちにしています。

Thanks a lot for listening to “forn” EP. Starting with this EP, I plan to release the next work and I’m thinking of my first live from there. I am looking forward to seeing you all!

ichika

ichika Twitter
ichika Instagram
ichika Bandcamp
ichika iTunes
VIVIX Official Twitter

mmmB5dvKwaCcAEznJZ

PLZ FOLLOW US ON FACEBOOK !!