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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NOVA COLLECTIVE : THE FURTHER SIDE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DAN BRIGGS OF NOVA COLLECTIVE !!

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The Brilliant Musical Marriage Between The 70’s Fusion And Modern Prog. Definitely, Super Group Of Prog, Nova Collective Has Just Released One Of The Best Instrumental Record Of The Year, Incredible Debut, “The Further Side” !!

DISC REVIEW “THE FURTHER SIDE”

“新たな集合体” の名を冠するインストゥルメンタルスーパーバンド NOVA COLLECTIVE が、超越的でモニュメンタルなデビュー作 “The Further Side” をリリースしました!! 既成観念の “向こう側” へと辿りついた彼らの音風景は、リスナーを永遠の旅路、ミュージカルジャーニーへと誘うことでしょう。
Dan Briggs (BETWEEN THE BURIED AND ME), Richard Henshall (HAKEN), Matt Lynch (TRIOSCAPES, ex-CYNIC), Pete Jones (ex- HAKEN) というまさにモダンプログレッシブを象徴する賢哲が参集した NOVA COLLECTIVE。彼らが宿した清新なる息吹は、音楽が最も革新的で創造的だった70年代の空気を濃密に吸い込み、芸術のあり方を純粋に示しています。
1970年に Miles Davis がリリースした “Bitches Brew” は、音楽史上最も輝かしいロックとジャズの婚姻だったと言えます。”The Further Side” は、”フュージョン” という音楽概念を定義した、多様でイマジネイティブなその”マイルストーン”の精神を、凛として現代へと継承した畢生の作となりました。
アルバムは、ロシアのロマンティックかつダイナミックなバレエを想起させる “Dancing Machine” でその幕を開けます。メカニカルな BTBAM とは趣を異にする、野性的でファットな Dan Briggs のベースラインはオーガニックなボトムで自由を謳歌し、ジャズとロック、そしてメタルを華麗に行き来する Matt Lynch のドラムスと豪壮なインタープレイでアルバムを牽引して行きます。
Richard Hanshall のメロディアスでデリケートなギターワークは作品に浸透し、何より Pete Jones のガラス細工のように美麗で卓越したエレピ、オルガンサウンドは、リスナーに Chick Corea の形影を追わせ、過去と現代をリンクさせる鍵として枢要を占めていますね。
“Dancing Machine” に漂う神秘的でエスニックなムードは、インタビューでも語ってくれた通り、ワールドミュージックからの影響を反映しています。そして確実に John McLaughlin のコンポジションとも強く共鳴しているはずです。
“Bitches Brew” にも参加し、後に”フュージョン”を代表する集団となる THE MAHAVISHNU ORCHESTRA を創立した天賦のギタリストは、ロックとジャズのみならず、フラメンコ、オーケストラ、そしてインド音楽にまでその興味の幅を広げ、クロスオーバーさせた多様性の伝道師だと言えるでしょう。「フュージョン、ワールドミュージック、ジャズ、プログ、クラッシック。アイデアの全てはそこから来ている」 と Dan が語ってくれた通り、”The Further Side” にはあの奇跡のオーケストラと同様の血脈が流れてもいるのです。
実際、”Air” は日本の伝統楽器、琴をイメージして書かれた楽曲だと Dan は語ってくれました。そして、日本の陽春を鮮やかに切り取ったかのような、オリエンタルで麗しきそのサウンドグラフには、NOVA COLLECTIVE がサーカスではなく音楽のために集まった集団である証が克明に刻まれていますね。
確かにメンバーは全員が超絶技巧の持ち主ですが、アルバムにエゴを感じさせる陳腐な曲芸は一切存在しません。存在するのは、楽曲の一部と化したエレガントで流麗なリードパートとアンサンブルのみ。各自が秘める、描かれた設計図をグレードアップさせるようなインテリジェンス、即興の妙こそがまさに一流の証明だと感じました。
勿論、クラッシックなフュージョンサウンドが基幹を成している “The Further Side” ですが、”State of Flux” を聴けばバンドが “新たな集合体” を名乗った意味が伝わるでしょう。MESHUGGAH と同等の緊張感、ヘヴィネス、リズムの錯綜が、エレピを核とするレトロなフュージョンサウンドを伴って再現される Tigran Hamasyan も驚愕のニューフロンティアがここにはあります。70年代には存在し得なかった、正確無比なシュレッド、硬質でDjenty なリズム、そして Jamie King による極上のプロダクションは “フュージョン” の極地、最先端を提示し、彼らの存在意義を強くアピールしていますね。
アルバムは WEATHER REPORT や RETURN TO FOREVER への憧憬と、モダニズムを巧みに融合させたタイトルトラック “The Further Side” で神々しくもドラマティックにその幕を閉じます。
今回弊誌では Dan Briggs にインタビューを行うことが出来ました。彼のホームグラウンド BTBAM の “Colors” 10周年ツアーについても言及しています。どうぞ!!

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NOVA COLLECTIVE “THE FURTHER SIDE” : 10/10

INTERVIEW WITH DAN BRIGGS

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Q1: This is our first interview with you. So, first of all, could you tell us about your band? Nova Collective is definitely a super band. The members of Between the Buried and Me, Haken, and Trioscapes got together. How did the band come to be?

【DAN】: Nova Collective was really started by Rich and I sharing emails just talking about Haken and BTBAM and probably wasn’t too long before we just started sharing new muscial ideas. I love making a connection and knowing that something musical is about to happen, all my groups have had that same sort of beginning, more conversations about music leading to an opportunity to create together. I’m so thankful for having so many different creative people in my life.

Q1: BETWEEN THE BURIED AND ME, HAKEN, TRIOSCAPES のメンバーが集結した NOVA COLLECTIVE は間違いなくスーパーバンドと言えますね。まずはバンド結成の経緯を話していただけますか?

【DAN】: NOVA COLLECTIVE は Rich と僕が、HAKEN と BTBAM についてただ話すだけの E-mail から始まったんだ。だけど2人で新たな音楽のアイデアを出し合うようになるまで、確かそう長くはかからなかったね。
僕はコネクションを作って、音楽的な何かが起こるかどうか知るのが好きなんだよ。僕が関わっているグループは同じような始まり方をしているね。音楽について話せば話すほど、共作する機会は増えていくよ。僕は人生でこんなにも多くのクリエイティブな人たちと関わることが出来て本当に感謝しているんだ。

Q2: What’s the meaning behind your band name “Nova Collective”? I think it means a group of new wave of Prog. Do you agree with that?

【DAN】: Well thank you! For us it’s definitely the idea of the celestial creation of something new, we named it well after we had the album written so we were able to reflect and say we really didn’t know how to classify it…I mean; fusion, world music, jazz, prog, classical. The ideas are all there, but it’s never full on any one of them. I think that idea is really exciting to all of us considering the music we’ve already been a part of, and the idea of where we can go from there…just very exciting and inspiring.

Q2: バンド名 “Nova Collective” “新たな集合体” の由来は何ですか?プログロックに新たな波をもたらすグループといった意味にも取れますが。

【DAN】: ありがとう!僕たちにとって、”Nova Collective” とは、新しい絶世の何かを創造するというアイデアであることに間違いはないよ。
そう名付けたのは、アルバムを書き終えた後、何と分類すれば良いのか本当に分からなかったから、”新しい集合体” と呼ぶのが相応しいと思ったからなんだ。つまり、フュージョン、ワールドミュージック、ジャズ、プログ、クラッシック。アイデアの全てはそこから来ているんだけど、どれか一つで満たされることは決してないんだからね。だから音楽性を考えれば、”Nova Collective” という名前は、全員にとって本当にエキサイティングだった訳さ。
僕たちはすでにその “集合体” の一部な訳だけど、そのアイデアは僕たちがこれから進む道をも示しているように思えるね。本当にエキサイティングだし、インスパイアされるよ 。

Q3: How did you decide the direction of the band? What made Nova Collective stick to instrumental music?

【DAN】: It’s a good question about the initial intention of the band musically, because we had written “Dancing Machines” and “Cascades” looking at both of those songs kind of scratching our heads not knowing fully what we had just done haha. For me, I was excited at the idea of exploring world sounds but in a sort of bizarro setting, like places you wouldn’t normally think to find them, plastered against thumping rhythms in the low piano and bass or against a wall of freakout space noise; and that was kind of the vibe with Dancing; but Cascades is this really lush song that is constantly pushing with that 11/16 feel and the solo bridge which kind of is like walking on the moon, it became real otherworldly. So we just kind of kept going in the direction for what felt right for each song. I wanted to really focus in on the pentatonic sound in “Air”, trying to replicate the sound of a koto and keep that vibe throughout. I’ve kind of been surprised that the world music influence hasn’t come out more because it was a big driving and exciting influence for me personally in the writing.

Q3: バンドの方向性を “インストゥルメンタル” に決定づけたのは何でしたか?音楽性はどのように固まっていったのでしょう?

【DAN】: バンド初期の音楽的な意図に関する良い質問だね。すでに “Dancing Machines” と “Cascades” は書いていたんだ。未完成でただ仕上がっているパートを見ながら頭を掻きむしっていたんだよ(笑)
僕にとってワールドミュージックを掘り下げるというアイデアはエキサイティングだったね。だけど一風変わったというか、普段なら見つけることが出来ないような場所といった感じでもあったんだ。低音のピアノやベースがゴツンゴツンと打ち付けるリズム、もしくは訳の分からないスペイシーなノイズ。そういったヴァイブが “Dancing Machines” にはあったんだ。
“Cascades” は実に忙しない楽曲だね。常に11/16的なノリで進んで行くんだ。ソロのブリッジ部分はまるで月を歩いているかのようだね。別世界に来たような感じかな。それから僕たちは楽曲に正しいと思える方向性でただ進んで来たんだよ。
“Air” のペンタトニックなサウンドには本当にフォーカスしたかったんだ。琴のサウンドやヴァイブを再現しようとしたんだよ。ワールドミュージックの影響がもっと出なかったのが不思議なくらいだね。僕にとってそれは、個人的にコンポジションの大きな推進力でエキサイティングなインスピレーションだから。

Q4: Anyway, your incredible debut album “The Further Side” is just out now! First of all, Please tell us the meaning included in the title, and artwork.

【DAN】: We thought The Further Side just was a good way to describe what we were feeling with the music, stepping through this portal and being blasted to a world that was new and interesting. The artist Nevan Doyle had the idea of making some otherworldly settings and it was an image we really thought stood out and stood on its own in describing what was about to happen when you drop the needle on the album. The back cover art of the body being kind of torn was a direct reference to the song “Ripped Apart and Reassembled”, which was named after the idea of teleporting and your molecules being jumbled and reassembled; but I had the image in my head from the show Fringe of like the ghastly side effects of it going wrong and being rearranged all deformed and fucked up- kind of the journey the song goes on through the bridge haha.

Q4: そういった経緯を経てリリースされたデビュー作 “The Further Side” ですが、実にアーティスティックで素晴らしいですね!まずはアルバムのコンセプトやアートワークについて教えてください。

【DAN】: “The Further Side” とは、まさに僕たちが音楽に対して感じていた感情を表現するのに良い言葉だと思ったんだ。NOVA COLLECTIVE の新しく興味深い世界に圧倒されるための入口としてね。
アートワークは Nevan Doyle というアーティストが異世界のアイデアを生み出してくれたんだ。このイメージは、レコードに針を落とした時、まさに何が起きようとしているのか際立って表現しているね。
身体が引き裂かれたようなバックカバーは、“Ripped Apart and Reassembled” という楽曲に直接的な関連があるんだ。テレポートをテーマに名付けられたんだけど、分子がごちゃ混ぜになって再構成されるというアイデアさ。頭の中にあったイメージは、TV番組 “フリンジ” のように不気味なエフェクトから誤って再構成され、全てが醜く歪められた様で、それを楽曲が描いているんだよ(笑)。

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Q5: My first impression about “The Further Side” was upgrade 70’s Fusion, or 70’s Prog in 2017. You know, definitely there is the amazing vibe of “Bitches Brew”, “Return to Forever” and “The Inner Mounting Flame”. Do you agree that? If so, what inspired you to be into the direction?

【DAN】: Oh we are surely hugely influenced by fusion of all eras, but mainly the 70s and 80s sounds. Those groups were making future sounds at that point in time and that’s the same kind of idea we’re trying to explore now and really it’s a forever journey of trying to expand ourselves as musicians and composers and see how out there we can get within the context of a song and album. It’ll be real exciting to see what we can produce next.

Q5: アルバムからは70年代のフュージョンやプログロックの影響を強く感じました。言うならば現代的にアップデートされた “Bitches Brew”, “The Inner Mounting Flame” のようなイメージです。

【DAN】: そうだね、僕たちは全ての時代のフュージョンから影響を受けているんだけど、メインは70’s と80’s サウンドだね。
君が挙げたようなグループは、当時未来のサウンドを創造していたし、それは僕たちが現在探求しているアイデアと同種のものなんだ。
ミュージシャン、コンポーザーとして自己を広げて行くことは、本当に永遠の旅だと言えるね。楽曲やアルバムという文脈の中から、いかにそれを得ることができるのか見てみようじゃないか。次に僕たちが生み出すものを見ることは実にエキサイティングなはずさ。

Q6: Also, sometimes the record reminds me David Lynch’s soundtracks. Definitely, “The Further Side” is extremely Technical, but there is no flashy circus like lead plays. Ego as a musician seems to be free from Nova Collective, isn’t it?

【DAN】: Yeah you know, we really approached it trying to keep within the song and whatever it called for at that particular moment while maintaining the idea of the overall composition. Our backgrounds are all in technical music, it’s just our upbringing and we have those things to explode into when the song calls for a unison lead or solo section, but even I feel like those parts are still kept within the song. I loved keeping the solo sections feel loose and improvised within the context of the song, at least from the perspective of my bass solos.

Q6: “The Further Side” には映画のサウンドトラックを思わせるムードも存在しますね。David Lynch の作品を思い出しましたよ。非常にテクニカルですが、サーカスのようなソロパートは存在しませんね?

【DAN】: まさにその通りだよ。僕たちはソロパートが楽曲に収まるよう、ある特定の瞬間に要求されるものを収録するというアプローチを取ったんだ。楽曲全体のアイデアを保ちながらね。
僕たち全員のバックグラウンドは確かにテクニカルな音楽だよ。だけどそれは背景にしかすぎないんだ。勿論、楽曲がユニゾンリードやソロセクションを必要とするならばテクニックを炸裂させる時もあるね。楽曲に沿った形でね。
コンテキストの中でルーズだったり、インプロヴァイズしたソロを取るのは大好きだよ。少なくとも僕のベースプレイに関してはね。

Q7: How was the writing process? Off course, There are two Britons and two Americans in the band. Which do you think Nova Collective is the “Band” or “Project”? Do you have a plan to have shows near future?

【DAN】: Oh it’s a full on band for sure! We’re trying to get that idea across to people in these interviews because I think people get excited at the sounds and the idea of people from bands they already enjoy getting together to make a record, but for us it’s as serious as anything else we’re apart of musically and so the desire to make it real and make it happen in a live setting is our number one priority. Right now we are getting the album into people’s ears and trying to spread the word to agents and the suits that were are out there and trying to support some friends and like-minded bands on the road.

Q7: NOVA COLLECTIVE は異なるバンドに所属するイギリス人2人とアメリカ人2人で構成されています。これはバンドですか?それともプロジェクトですか?

【DAN】: 間違いなく完全にバンドだよ!僕たちはこういったインタビューでそれをみんなに伝えようとしているんだ。なぜならリスナーは、集まり楽しんでレコードを制作するバンドのアイデアやサウンドにエキサイトすると思うからね。
僕たちにとって何よりも深刻なのは、音楽を離れて制作しなければならないという点だね。だからこそ、ライブを行うことが僕たちに今一番必要とされているんだよ。
現在、僕たちはアルバムをリスナーの耳に届けたところで、エージェントや会社の人たちに広めようとしているんだ。友人や同士のライブをサポート出来たらと思っているよ。

Q8: 2017 is anniversary year for both BTBAM and Haken. You know, masterpiece “Colors” becomes 10th anniversary and Haken is also 10th anniversary of the band. Japanese Prog fans really waiting for you to come. Is there any possibility of these anniversary Japan tour?

【DAN】: If we got a really good offer I’m sure it would happen! It’s super expensive for an American band, or I assume most bands not on that side of the world, to get over there, so I know we’d like to for our next album as well…if a Colors tour tied into it, you know…it’d just have to be a good offer is all! The same goes with the rest of the world. It’s not a huge priority of ours to play Colors all over, but if the offers come in and are good enough we’ll play it anywhere of course.

Q8: 2017年はあなたのメインバンド BETWEEN THE BURIED AND ME がリリースした名作 “Colors” が10周年を迎えます。バンドはアニバーサリーツアーを行うようですが、来日の可能性はありますか?

【DAN】: 本当に良いオファーをもらえたら、勿論日本に行くよ!アメリカのバンドにとって日本ツアーを行うのはとても費用がかかるんだ。おそらくアメリカだけじゃなく、アジア以外の大抵のバンドにとってね。
次のアルバムでは行きたいと思っているけど…”Colors” の完全再現をそれと結びつけたりしてね…とにかく全ては良いオファーにかかっているんだよ!
世界の他の地域に関しても同じことが言えるね。僕たちにとって “Colors” 完全再現はそんなにプライオリティーが高くないんだけど、充分に良いオファーが届けば、勿論どこでだってプレイするよ。

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FIVE ALBUMS THAT CHANGED DAN’S LIFE !!

PINK FLOYD “THE DARK SIDE OF THE MOON”

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NIRVANA “NEVERMIND”

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DREAM THEATER “METROPOLIS PART 2: SCENES FROM A MEMORY”

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KING CRIMSON “DISCIPLINE”

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OINGO BOINGO “ONLY A LAD”

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MESSAGE FOR JAPAN

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Konnichiwa! I’ve loved coming to Japan with BTBAM, the crowds always embrace us and are so passionate for the music we’ve created. I’m real hopeful I’ll be able to get over there with Nova Collective in the future! I hope everyone digs the record and hopefully see you soon. Thanks!

こんにちは!BTBAM で日本に行くのが大好きだよ。観衆はいつだって暖かく迎えてくれるし、僕たちが作ってきた音楽にもとても情熱的だね。NOVA COLLECTIVE でもいつか行くことが出来たらと本当に思っているんだ!みんながレコードを気に入ってくれたらいいな。近いうちに会おうね。

DAN BRIGGS

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DISPERSE : FOREWORD】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JAKUB ZYTECKI OF DispersE !!

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With “Foreword”, Poland Based Progressive Quartet, DispersE Invite You To Set Sails On A Imaginative Musical Journey !!

DISC REVIEW “FOREWORD”

“Heart of Europe”、ポーランドに降臨した、モダンプログシャイニングスター DispersE がジャンルの枷を解き放つ新たなマイルストーン “Foreword” をリリースしました!!”Progressive” というワードの真意について再考を促すような意義深き作品は、鮮やかなポップセンスとミニマルなサウンドを研ぎ澄まし、規格外のアウトラインを提示しています。
2016年に行われた DispersE 初の日本ツアー。DESTRAGE とのカップリングで大成功を収めた彼らのショウでは、新作に対する自信が顕在化していましたね。未だ作品がリリースされていないにもかかわらず、セットリストの大部分は “Foreword” からの楽曲で占められていたのですから。そこで日本のファンは、ギターと同時にサンプラーを駆使して躍動するマイスター Jakub Zytecki の姿に “Foreword” な変化の兆しを見定めることとなりました。
アルバムはイノセントな歌声をサンプリングし、審美的でアンビエンスな空気を多分に抱きしめた秀曲 “Stay” で幕を開けます。Rafal Biernacki の歌唱は傑出していて、FROST* の John Mitchell や TesseracT の Dan Tompkins にも比肩し得るほど、色鮮やかで表情豊かな歌声、旋律、ハーモニーを披露していますね。
「メタルは少々平坦に思えてきた。」 インタビューで Jakub が語る通り、このレコードには獰猛なグロウルも、Chug-Chug とした定常的なギターリフも存在しません。貫かれるのは “Progressive-Pop” とも描写可能なノスタルジックで情味のある、しかし同時に創造的なモダニズムが溢れる崇高な世界観。
多幸感に満ちヒプノティックで、光のサウンドスケープを見事に切り取った “Stay” の核心は、紛れもなくそのアトモスフェリックなサンプリングと Rafal が紡ぐポップなメロディーです。しかし Jakub のプログレッシブなセンスが惹起する、絶妙なバランス、コントラストが楽曲を新天地へと誘っていることを忘れる訳にはいきませんね。
7拍子、ポリリズムが生み出す神秘的な夢幻世界、忽然と急襲するスリリングかつテクニカルなシュレッディング。アルバムオープナーにして作品を象徴する “Stay” の新感覚はまさに革命と呼べるほどにリスナーへ驚嘆をもたらします。
新感覚と言えば、TAME IMPALA にも通じるレトロなムードを持つ”Bubbles” では、Strandberg の極限までダウンチューンしたディストーションサウンドが至高のダイナミズムを提供し、新たな個性を主張していますね。
“Tether” は、「TYCHO にはいつも心酔している」 と語る Jakub の多極化する好奇心が浮き彫りとなった楽曲かも知れませんね。エゴとは無縁の緻密でミニマルな設計図に、穏やかなエレクトロニカサウンドを乗せたドリーミーな極上のポップチューンを聴けば、確かに TYCHO の持つ瑞々しいセンスが宿っていることに気づくでしょう。新加入、達人 Mike Malyan のゴーストノート一音一音が透けて見えるほどに繊細な楽曲は、Rafal の別格でエモーショナルな歌唱を導き、音楽の本質を伝えています。
とは言えインタビューにもあるように、Jakub は決してギターへの探究、野心も捨てることはありません。アルバムで最も Djenty な “Surrender” の躍動美溢れるスリルは華麗ですし、”Sleeping Ivy” で見せるメカニカルなクリーントーンの洪水も一級品。さらに9分を超える壮大な “Does it Matter How Far” の前半部分では、サンプリングと巧みにリンクさせて純粋にチャレンジングなインストゥルメンタルミュージックを奏で、Jakub Zytecki が未だに世界トップのモダンギタリストであることを強烈なまでに証明していますね。
“Foreword” は DispersE、さらにはプログレッシブワールドにとって新たなチャプターの幕開けとなるでしょう。実際、プログレッシブロックとは様式ではなく概念であるべきです。インディーロックとクラブミュージックを巧妙にクロスオーバーさせた Bonobo は、バンドにとって或いは象徴かも知れません。自らのアイデンティティを保持したまま、TYCHO や TAME IMPALA のフレッシュな感性、インパクトを血肉とした DispersE のインテリジェントな手法は全面的に肯定されるべきだと感じました。
今回弊誌では Jakub Zytecki にインタビューを行うことが出来ました。3回目の登場となりますね。どうぞ!!

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DispersE “FOREWORD” : 10/10

INTERVIEW WITH JAKUB ZYTECKI

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Q1: Hi, Jakub! First of all, how was your Japan Tour 2016? It was your second Japan Tour, but the first time was with Plini. It must be different touring your own band, isn’t it?

【JAKUB】: Hello! The Japan tour was incredible, I was so happy when I found that I’d be able to visit your beautiful country again.
It was a bit different this time yeah, mainly because I came to Osaka with my girlfriend like a week before the first show, so we had a lot of time to see places and get lost in the subways here and there.
It was great to experience such a warm welcome of DispersE in Japan, that was really something special.

Q1: まず、昨年の日本ツアーはいかがでしたか?あなたにとっては2度目の来日となりましたが、初来日は Plini のバンドとしてでしたから、ご自身のバンド DispersE での来日はやはり格別だったのではありませんか?

【JAKUB】: こんにちは!日本ツアーは素晴らしかったね。また君たちの美しい国を訪れることが出来ると分かった時は、本当に嬉しかったんだ。
うん、確かに今回は少し違っていたね。その主な理由は、最初のショウの一週間前にガールフレンドと大阪に前乗りしていたからなんだけど。だから色んな場所を見て回ったり、地下鉄で迷子になったりする時間が持てた訳さ。
日本で DispersE がこんなに暖かい歓迎を受けるなんて最高だったよ。本当に特別な経験だったね。

Q2: I have been wanting to ask you, but what’s the meaning of your band name “DispersE”? You know, TesseracT also make last t capital T. Is it thall? haha.

【JAKUB】: Nearly ten years ago, when me and Rafał were looking for a new members to play progressive music, we’ve found Marcin Kicyk (ex bass player) who also came out with the name and it basically stayed until this day.
At the beginning, we kinda thought it might reflect our music, as we wanted to ‘disperse’ others people attention with surpiring motif changes and weird musical expressions i guess haha.
The name sounds cool as we’ll so why not to keep it?

Q2: ずっとお聞きしたかったんですが、DispersE というバンド名の由来は何ですか?

【JAKUB】: もうほとんど10年前になるかな。僕と Rafał はプログレッシブミュージックをプレイする新しいメンバーを探していたんだ。それで前のベーシスト Marcin Kicyk を見つけたんだけど、彼が思いついたんだよ。そして基本的にはそれを今日まで名乗っている訳さ。
最初は、僕たちの音楽を反映していると思ったんだよ、確か。リスナーの注意を、驚くべきモチーフの変化と奇妙な音楽表現で、文字通り “分散させ” たかったからね。
クールな名前だから、名乗り続けるのが当たり前でしょ?

Q3: Anyway, there was a member change in DispersE. Bartosz Wilk and mighty Mike Malyan were in. Could you tell us about the story behind the alternation? What did they bring in the band?

【JAKUB】: Me and Mikey started working on some tunes for his solo project back in March of 2015. We were seeing each other a few times since then and suddenly, our drummer Maciek Dzik decided to leave the band. Mike was absolutely happy to fill his shoes, while we were even more than happy to have him for sure. Right after Maciek’s departure, bass player Wojtek Famielec also decided to leave, so Rafał, Mike and me were part of Disperse back then. We decided not to look for any other bassist, because we were not even touring – there was an album that we had to make.
Bartek Wilk is an old friend of mine, we know each other since I moved to Cracow 5 years ago. He basically was there with us through the whole album making process, he knew what the band was going through that time, he felt the emotions that we tried to express. It just made so much sense to have him. Although he’s a great guitar player, he never played bass before, he never actually played a gig. His first one was in a sold out show in London, that we played in July, so that was a good start haha! He nailed it.

Q3: 前作からのインターバルで、バンドにはメンバーチェンジがありましたね?ベースに Bartosz Wilk、そしてあの超絶ドラマー Mike Malyan が加入しました。

【JAKUB】: 僕と Mike は2015年の3月に、彼のソロプロジェクトのため何曲か作り始めたんだ。それまでにもお互い何度か会ったことはあったんだけどね。そんな折、突然僕たちのドラマー Maciek Dzik がバンドを離れることを決めたんだよ。Mike は喜んで彼の穴を埋めてくれたし、それ以上に間違いなく僕たちは彼を迎えることが出来て嬉しかったんだ。
Maciek が辞めた後、ベースプレイヤーだった Wojtek Famielec もバンドを離れる決断を下したね。だから当時は、僕と Rafał, Mike だけが DispersE のメンバーだったんだ。その頃はツアーも行っていなかったから、新たなベーシストを探さないでアルバムを作ることに決めたんだよ。
Bartek Wilk は僕の古い友人なんだ。僕が5年前にクラクフへ移った時に知り合ったんだよ。彼は基本的に、アルバム全ての制作過程を通して僕たちと居たね。だから彼は、その時バンドが経験したことを知っているし、僕たちが表現したかったエモーションも感じていたよ。故に彼をメンバーに迎えられたことはとても意味があるんだ。
Bartek は偉大なギタープレイヤーなんだけど、実はベースはプレイしたことがなかったんだ。それ以前にライブも経験したことがなかったんだからね。彼の初ライブは昨年7月、ロンドンでのソールドアウトショウだったよ。良いスタートになったね!(笑) 彼はやってのけたよ。

Q4: So, your newest album “Foreword” is just out now! DispersE had a lot of new songs from “Foreword” on the Japan Tour. That is to say, it seems that you are very confident of new songs, do you agree that?

【JAKUB】: I think so, yeah! They just sound better, they’ve got a better flow and we love to play them.
Since the album release date was delayed for some reason, we didn’t want to wait and play the same old songs again.

Q4: そうした経過を経て最新作 “Foreword” がリリースされました。日本ツアーでは、当時アルバムがまだリリースされていなかったにもかかわらず、この新作から多くの楽曲がプレイされましたね。”Foreword” に対する自信の現れだと感じましたが?

【JAKUB】: うん、まさにそうだね!新曲はサウンドも良いし、流れも良くなっているから、プレイするのが大好きなんだよ。
いくつかの理由からアルバムのリリースが遅れたんだけど、だからと言って待てなかったし、また昔の曲ばかりプレイしたくはなかったからね。

Q5: When you named it “Foreword”, what was in your mind? Could you tell us about the concept or lyrical themes of “Foreword”?

【JAKUB】: ‘Foreword’ is just basically about the new chapter that this band is stepping into.
I personally was aiming for creating that uplifting and also nostalgic vibe, which was definitely easier to reach through sound desing and melodies rather than guitar shred haha. Don’t get me wrong, I still love ambitious guitar playing, i love to practice, but this album was about something else. It was about creating a certain mood. Lyricly it speaks from a different place than the last record. It’s not about sharing the certain truth as it was before, it’s more about embracing the lack of truth, getting lost in the way of reaching for it and finding it beautiful and romantic at some point .

Q5: アルバムを “Foreword” と名付けた時、心に在ったこと、併せて作品や歌詞のテーマを教えていただけますか?

【JAKUB】: “Foreword” とはただ、基本的には、このバンドが踏み入る新たなチャプターのことなんだ。
個人的には、高揚するような、それでいてノスタルジックなヴァイブをクリエイトしたかったんだ。ギターシュレッドよりもそういったサウンドデザインやメロディーを手に入れる方がよっぽど簡単だったからね。(笑)
誤解しないで欲しいんだけど、僕は今でも野心的なギタープレイを愛しているよ。練習も好きだし。ただ、このアルバムは何か他のものなんだと思う。前述のムードを創造することにフォーカスしたんだよ。
歌詞の内容は、前作とは異なる領域を語っているよ。以前のようにある真実をシェアするのではなく、真実にたどり着くまでの過程、そこで迷い葛藤することにこそ美しさやロマンを見つけているんだ。

Q6: “Foreword” is one and only, outstanding record in the scene. You know, There’s not a throaty scream, palm-muted chug or grindy riff to be heard. Clearly, “Foreword” is a amazing progressive pop album. Why did the band pick up the direction? Was “heaviness” things of the past for you?

【JAKUB】: For some time now, metal became a bit of a flat thing in terms of dynamic and expression for me. Especially from the production point of view – there’s so much more to say without having the guitar gain kranked up to 10000 all the time. The change just happened naturally.
I love haeavyness and agressiveness in music but I would love to find out a new ways to express that sonically, without using the traditional chug-chug set of tools haha!

Q6: 仰る通り、”Foreword” は唯一無二、シーンでも際立って独特なレコードです。グロウルやヘヴィーなリフワークは影を潜め、明らかに”プログレッシブポップ”と呼べる音像が作品を支配しています。

【JAKUB】: しばらく前から、メタルは僕にとって、ダイナミズムや表現力の面で少々平坦に思えていたんだ。特にプロダクションの視点からね。つまり、ギターのゲインをいつも10.000まで上げなくても、意味のあるものは作れるってことさ。変化は自然に起こっていったね。
僕だって音楽におけるヘヴィネスやアグレッションを愛しているよ。だけど新たな音の表現方法を見つけたかったんだ。伝統的なチャグチャグしたセットアップを使うことなくね。(笑)

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Q7: It was so impressive that you used synth-pad(?) with guitar in the show. But you looked so busy, haha. Anyway, the instrument plays very important role in “Foreword”. “Stay”, “Bubbles”, “Tether” symbolize new DispersE, and Synth part makes them have nice atmosphere, good pop feeling. What made you give a great deal on the Synth parts?

【JAKUB】: Thank you! It’s because the new album is mostly based on samples that I took or simply stole from anything I could haha.
We thought it would be cool to not have it all being played from laptop, but some of these can be jammed out of the sampler and that’s what I try to do.
It’s super simple setup but I’m hoping to develop it in the future a bit more, to the point where I’d be able to modulate the sounds live and jam with it. Like a DJ progressive metal act thing haha!

Q7: ライブではギターは勿論、サンプラーもプレイしていましたが、忙しそうでしたね?(笑)ああいったシンセパートやサンプルがアルバムでは重要な役割を果たしています。

【JAKUB】: ありがとう!新作はほとんどが、僕が作ったり、単に何かからパクッたサンプルを元にしているからなんだけどね。(笑)
全てがラップトップから自動的に流れるのはあまりクールじゃないと思ったんだよ。いくつかはサンプラーで演奏出来ると分かったからやってみたのさ。
凄くシンプルなセットアップなんだけど、将来的には少し改善したいな。つまりサウンドを生で変化させて演奏出来るようにね。プログメタルDJのようにね。(笑)

Q8: So, you use Musicman and Strandberg. I think Music man is definitely the influence of John Petrucci, haha. Anyway, how do you separate these two when you use in the songs?

【JAKUB】: Of course, John Petrucci has always been a big influence, probably the biggest if it comes to playing the guitar.
Strandberg and MusicMan are a bit different worlds but I think they work great together!

Q8: ギターは MusicMan と Strandberg を使い分けていましたが、この2つのメーカーを使用しているのはなぜですか?勿論、あなたが John Petrucci に心酔しているのは知っていますが。

【JAKUB】: そうだね、John Petrucci からはいつも大きな影響を受けてきたね。もしかしたらギターをプレイしている最大の理由かもしれないね。
Strandberg と MusicMan は少し異なる世界を持っていて、だからこそこの2つを使用することで素晴らしく機能するんだよ!

FAVORITE MUSIC★

JAKUB’S CURRENT FAVORITES !!

BONOBO “MIGRATION”

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TAME IMPALA “CURRENTS”

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TYCHO

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FLUME

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Currently I’m into the new Bonobo ‘Migration’ record, Flume stuff is sick, Tycho has always been the one that I really adore. Also Tame Impala new album is amazing too!

MESSAGE FOR JAPAN

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You Japanase people are literally the most lovely creations of the planet. I can’t even describe how much I love the way how shy sometimes you are, how helpful and curious you are too.
I can’t wait to see you again!
Much love,

君たち日本のファンは、地球で最も愛すべき創造物だよ。時にシャイで、協力的で、好奇心旺盛な日本の人たちを僕がいかに愛しているか、表現のしようもないくらいだね。また会えるのが待ちきれないよ!

JAKUB ZYTECKI

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【FELIX MARTIN : MECHANICAL NATIONS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH FELIX MARTIN!!

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Felix Martin’s Twin-Neck 14&16 Strings Guitar And Two Hand Tapping Technique Opens The New Realm Of Instru-metal Music With Incredible New Record “Mechanical Nations” !!

DISC REVIEW “MECHANICAL NATIONS”

南米ベネズエラが生んだギターウィザード Felix Martin が、ラテンの風とモダンな色彩を投影した最高傑作 “Mechanical Nations” をリリースしました!!14&16弦のダブルネックが紡ぐ鮮烈で独創的なその調べは、鸞翔鳳集な昨今の Instru-metal シーンにおいても一際光彩を放っています。
Felix の楽器は独特です。Warr Guitar や Chapman Stick など確かに10弦を超える多弦楽器は存在します。ただ、それらはベースの色合いが濃く、ベースにメロディー用の弦、レンジが付属しているといった考え方を基調としています。
対して、Felix のダブルネックギターは、インタビューにもあるように、同じレンジのギターを2つ合わせただけのある意味シンプルな構造。しかし同じレンジの7、8弦ギターを2本使用するため、既存の多弦楽器 (スケールが長い物もあるので一概には言えませんが) に比較して、よりギターの領域にフォーカスした立体的な演奏を味わうことが出来るのです。
勿論、ギターやベースに比べれば、双方のギターをタッピングで奏でるため両手の自由度は高く、遥かに多くの音を同時にプレイすることが可能。パーカッシブなピアノとも称される彼のテクニック、アプローチは、まさしくモダンギターイノベーションのフロントランナーだと言えますね。
その先鋭的なスタイルに反し、クラシカルなトリオという編成で制作された “Mechanical Nations” は、母親が手がけ、自らのギターをあしらったその芸術的で大胆なアートワークが示すように、南米大陸への深い愛情を包み込んだ芳醇な作品に仕上がりました。南米をツアーし、大陸の多種多様な都市の空気、エネルギー、文化、景観に触れた Felix は、街ごとに受けたインスピレーションを楽曲へと反映して行ったのです。
“Barquisimetal” は彼のホームタウン Barquisimeto を、そして “Canaima” はベネズエラが誇る世界最後の秘境カナイマ国立公園を心象として生まれた楽曲です。そしてアルバムでも最もメタリックかつメカニカルな、タンゴのリズムを纏った前者と、最も穏やかでノスタルジックな、フォークミュージックのイメージを具備した後者のコントラストは、そのままベネズエラの豊かな音楽文化の写し鏡となっているのです。
カリビアン、ネイティブ、 アフリカ系、ヨーロッパ系。 まさに人種のるつぼと言える社会主義国家はレゲトン、サルサ、ホローポ、ガイタ、カラカスのメレンゲなど、ロマンティックから複雑な拍子を持つ音楽までラテンミュージックを象徴する雑多なバックグラウンドを宿しています。そしてそのラテンのルーツは Felix の内面世界にも強く共鳴し、唯一無二の Instru-metal、グローバルフュージョンへと昇華しているのです。
メタル、ジャズ、プログ、ファンク、そしてラテンの雄弁なカクテルと言える “Mechanical Nations”。インタビューで語ってくれた通り、”Santos” にゲスト参加した Angel Vivaldi のリードを除いて作品にはソロパートが存在しません。それでも作品が至上のスリルを常に纏っているのは、バークリーで学んだトリオの傑出した技術と、緩急を巧みに配置したコンポジションの賜物だと言えますね。
つまり、”Eight Moon Headdress” が象徴するように、クリーントーンの詩情豊かなサウンドスケープと、エキサイティングで攻撃的なパーカッシブテクニックが目まぐるしく交互する魅力的な楽曲群は、手数の多いエキゾチックなドラミングとスラップを交えたダイナミックなベースプレイが牽引し、タイトなバンドの推進力となっているのです。
ANIMALS AS LEADERS, KING CRIMSON, PRIMUS, 或いは Stanley Jordan。Felix のマジックタッチと彼のバンドが生み出すドラマティックな芸術は、偉大な先人にも比肩し得るクオリティーと独創性を秘めています。今回弊誌では、Felix Martin にインタビューを行うことが出来ました。日本でライブを行うのか昔からの夢だそう。どうぞ!!

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FELIX MARTIN “MECHANICAL NATIONS” : 9.5/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PERSEFONE : AATHMA】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CARLOS LOZANO OF PERSEFONE !!

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Andorran Prog Metal Titan, Persefone Has Just Released Infinity Technical, Highly Progressive, And Supremacy Spiritual Record “Aathma” !!

DISC REVIEW “AATHMA”

フランスとカタルーニャの狭間に位置する欧州の小国アンドラから示現した、プログメタルの俊傑 PERSEFONE が待望の新作 “Aathma” をリリースしました!!ギターチームの片翼とドラマーを刷新し、音楽性、テーマ、リリック共に陶冶され深みを増したアルバムは、すでに2017年のモダンプログシーンを代表する作品に位置づけられつつあります。
2013年にリリースした前作 “Spiritual Migration” は、技巧とロマンチシズム、幻想とアグレッションを巧妙に対置させた Tech/Prog Death Metal の佳篇であり、バンド史上最良の成功を収めたマスターワークとなりました。奔流となって押し寄せる、過密なまでに濃厚なサウンドの粒子が印象的な作品でしたね。
日本、アジアを含む長期のツアーを経て、4年という熟成期間が宿した結晶 “Aathma” は、”Spiritual Migration” に比べて、よりスピリチュアルで空間的。英俊 Jens Bogren のタクトの下、アートとしての完成度、統一感を精髄まで突き詰めた、ニューフロンティアへと到達しています。
「勇気を持って偽の自己を解放せよ。」 アルバムはスピリチュアルメタルの先駆者、CYNIC の Paul Masvidal が語りかける哲学的なスポークン・ワードで幕を開けます。インタビューにもあるように、”Aathma” とは魂の探求。全てが白か黒に分類される、性急で物質的な現代社会に対するアンチテーゼ。リスナーは Paul の言葉に導かれ、PERSEFONE の深遠なる精神世界へと誘引されて行くのです。
小曲 “One of Many…” でバンドは作品のシンフォニックでメロディアスな世界観を暗示し、ドラマティックな “Prison Skin” へと進行します。ミステリアスで優美なピアノの調べから一転、速急でテクニカルなリフワーク、ダブルギターとキーボードが織り成す濃密なサウンド、複雑で緻密なリズムアプローチ、そして Marc Martins の激烈なガテラルが PERSEFONE の帰還を高らかに告げると、同時に楽曲はバンドの二面性をも明瞭に開示するのです。
今回、キーボーディストでクリーンボーカル、Miguel “Moe” Espinosa のタスク、重要性は確実に過去作を遥かに凌いでいると言えます。ポストロックの影響すら感じさせるアトモスフェリックで幽玄な “Cosmic Walkers” はその象徴でしょう。”Prison Skin” では典型的な PERSEFONE の顔と、Moe が躍動することで生まれる、スペーシーでメロディアスなテリトリーを調和させ、緩急織り交ぜたスリリングなキラーチューンへと昇華しているのです。
再度 Paul Masvidal が登場し、特徴的なボコーダーとリードギターを聴かせる “Living Waves” はアルバムのハイライトだと言えるでしょう。Djenty とも形容出来るモダンで幾何学的なギターリフと、色彩を抑えた淡彩のシンセサウンドが創造するスピリチュアルメタルに、崇高で凛としたメロディーがレイヤーされると、そこには現代社会とは最も離れた場所にある観念的な夢幻世界が広がります。Paul と Moe のボーカルパフォーマンスは傑出していて、リスナーの深層心理に語りかけるような宗教的崇高感すら感じさせますね。
アルバムは4部編成、20分のエピカルなタイトルトラックで幕を閉じます。インタビューにもあるように、レコードの縮図、シネマティックとさえ言える作品を象徴する大曲。作品で最もエクストリーム、デスコア的な質量を纏った “Part III: One With The Light” と女性ボーカルとピアノ、オーケストレーションのみで奏でられる詩情豊かなフィナーレのコントラストはまさにこの傑作の持つ二面性を端的に物語っていると言えるでしょう。
今回弊誌ではギタリスト Carlos Lozano にインタビューを行うことが出来ました。シュラプネル直系の彼独特のシュレッドは、昨今のメタルシーンにおいては逆に強力な武器となっているような気がします。Moe に続いて弊誌2度目の登場。どうぞ!!

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PERSEFONE “AATHMA” : 10/10

【INTERVIEW WITH CARLOS LOZANO】

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Q1: Hi, Carlos! Thanks a lot for accepting our interview again! First of all, “Spiritual Migration” definitely becames your most successful album to date. How did the album change the band and yourself? Did you have any kind of pressure about making the next record?

【CARLOS】: Hi Sin! Thank you so much for having me! Every “Persefone” album has been one step forward in our career, but it’s a fact that “Spiritual Migration” was able to reach to more people than any of the old ones. We feel the band as a continuum, as part of ourselves, so the success of “Spiritual Migration” was added to every experience we have been dealing with in our personal lives all these four years. All that created the reality we were when we started writing “Aathma”. Making a new album is always something really special for us as human beings, since we are able to express ourselves through music and use everything
we have learned since the las one and create something as real and honest as we possibly can. I can say that, when the moment of writing the new material arrived, we just tried to feel the present moment and let everything go out in musical and lyrical form, the only pressure was about being able to choose the right notes and words to express ourselves the right way.

Q1: 前作 “Spiritual Migration” は間違いなく PERSEFONE にとって最も成功を収めた作品となりました。”Spiritual Migration” はバンドやあなた自身をどのように変えましたか?
また、次の作品を作るに当たってプレッシャーはありましたか?

【CARLOS】: 僕たちは全てのアルバムで一歩ずつ歩みを進めて来た訳だけど、事実として “Spiritual Migration” は過去のどの作品よりも多くの人に届いたことは確かだね。
このバンドは連続体であり、僕たち自身の一部だと感じているよ。だから “Spiritual Migration” の成功は、この4年間の生活に加えられて素晴らしい経験となったね。
新しいアルバムを作ることはいつだって特別だよ。というのも、僕たちはそこで音楽を通して自身を表現出来るし、前作以降に学んだことを全て投影し、可能な限りリアルで正直な作品を創造する機会な訳だからね。
新たなマテリアルを書く時は、”今”を感じて、全てを音楽や歌詞に注ぎ込むようにしているんだ。唯一のプレッシャーは、僕たち自身を表現する正しい音、正しい言葉を正しい方法で選べるかどうかだね。

Q2: During the time, your first Japan tour achieved a great success! Off course, Persefone is Pro-Japanese, “Shin-Ken” was the record about Japan, and Musashi Miyamoto. So, Please let me know how Japan was. What did you find here?

【CARLOS】: We have always felt connected with Japan for many reasons during our lives, and playing in Japan was one of the goals we really wanted to achieve, so when the time arrived we were so pumped up about it and we lived the whole experience with intensity. Japan was everything we expected and much more. We were fascinated about the beauty of the country, but was the Japanese people what made us feel really amazed. Everyone there was so passionate about the music that made us feel really grateful for being able to share all that emotions with
them. We played Tokyo twice in two consecutive days, and the place was full both of them with people smiling, headbanging, singing and enjoying the music. When the second show was over, I couldn’t help but throw my guitar in the backstage and run to the venue’s front door to personally thank everyone that took the time to come to see the show. It was a really lovely and beautiful moment to talk and spend some time with the audience after the show.

Q2: 新作までのインターバルでは、初来日公演も成功させましたね!勿論、PERSEFONE は “Shin-Ken” で宮本武蔵を取り上げるほどの日本通な訳ですが、この国で見つけたものを教えていただけますか?

【CARLOS】: ライブの最中は、多くの理由からいつも日本と繋がっていると感じていたよ。日本でプレイすることは本当に達成したいゴールの一つだったんだからね。だから日本に着いた時はとても気合いが入ったし、全ての経験が強烈なものだったね。
日本は全てが期待した通りかそれ以上だったよ。勿論、日本の美しさには魅力されたけど、本当に感銘を受けたのは日本の人たちからだったね。全員が音楽に対して非常に情熱的なんだ。彼らと全てのエモーションを共有出来て本当に感謝しているんだ。
東京で連続して2回のショウを行った訳だけど、会場は笑顔で、ヘドバンし、歌って音楽を楽しむ人たちで溢れていたね。最後のショウが終わると、僕はギターをバックステージに放り投げて会場のドアへと走っていたよ。時間をとってライブに来てくれた全員に、個人的に感謝を伝えるためにね。観客のみんなと話して過ごせたのは、本当に愛すべき、そして美しい瞬間だったよ。

Q3: In the mean time, Marc & Jordi left the band, and Filipe & Sergi was in. Could you tell us about the story behind this member change? Please let us introduce two new members!

【CARLOS】: Marc Mas left the band just after our last Asian tour. Marc is a very talented person and somehow, he was tired of all that involved touring and working with a band so he wanted to pursue others endeavours in life other than playing in “Persefone”. That was a difficult moment for us as a band, but we knew we wanted to keep going, so, after getting some offers from great drummers, we decided to find the right human being to work with rather than focusing everything on the musical skill. With that on mind, we found that our long time friend Sergi
Verdeguer had in him both of the requirements with were looking for and after some time working together, he is now a crucial part of this new era in “Persefone”. About Jordi leaving, he became father of a beautiful girl and asked us for some time to focus on the family life. We asked Filip Baldaia to take his place temporarily since he was a guitar student of mine and I knew he was so capable to play Jordi’s parts. After one year without him, the band continued growing up with more shows and responsabilities so Jordi decided that his time as a musician with “Persefone” was over and wanted to start a new journey as father and husband. After sharing all these years with him, I can say that he will be the best at it, Jordi is one of the best persons I’ve ever met in my life

Q3: バンドにはメンバーチェンジがありましたね?Marc と Jordi がバンドを離れ、Filipe と Sergi が加入しました。

【CARLOS】: Marc Mas はアジアツアーが終わったあとバンドを離れたんだ。とても才能のある人間だから、ツアーやバンドに関わることにいくらか飽きてしまったのさ。PERSEFONE でプレイするよりも、他のことを追い求める人生を選んだんだよ。
バンドとしては困難な時期だったね。ただバンドとして前に進み続けたいことは分かっていたから、何人か素晴らしい候補の中から、ドラマーとしての音楽のスキルよりも共に働くべき正しい人物を選ぶ決断を下したよ。そういった観点から、長年の友人である Sergi Verdeguer を選んだんだ。今では PERSEFONE の新たな時代に欠かせない人物となっているね。
Jordi に関しては、美しい女の子の父親になったから、しばらく家族に時間を注ぎたいと頼んできたんだ。僕たちは一時的な代役を Filip Baldaia にお願いしたよ。彼は僕のギターの生徒だったから、Jordi のパートをプレイ出来ることは知っていたんだ。
Jordi 無しで一年が経ち、バンドはショウを重ね成長を続け、責任も増していたね。だから彼は PERSEFONE でのミュージシャンとしての時間を終えることに決めたんだ。父親、夫として新たな旅を始めたかったんだよ。何年も彼と居たから分かるけど、彼は最高の家庭人になるよ。僕が会った中でも最高の人物の一人だからね。

Q4: Anyway, your newest album “Aathma” is just out now! It’s really masterpiece, and lot’s of medias, fans really well accepted. At first, what was your direction, goal of “Aathma”?

【CARLOS】: Domo arigatou! As I said, in the beginning, there was not an specific direction other than trying to continue with this journey that is “Persefone” for us. We just walked right into this new album with the passion of making new music and write about all the experiences we had on those 4 years. Everything was falling into place in a very smooth way as we were paying attention to every little detail. In the middle of the writing process we started feeling inspired by the music itself and let it to walk in the direction anyone will find by listening the album. I remember that we were so focused on the songwriting trying to not let any note happen without a reason, trying make every second listening worthy.
In the end we feel very satisfied with the way everything worked and fortunately it seems like more peolpe is sharing our musical vision as well

Q4: そういった経過を経て最新作 “Aathma” がリリースされた訳ですが、素晴らしいアルバムですね!メディアやファンからも非常に高い評価を得ています。ます、この作品で目指した方向性、ゴールを教えてください。

【CARLOS】: Domo Arigatou!冒頭でも話したけど、 “PERSEFONE” という旅を続ける以外に特別な方向性というものはないんだ。ただ新たな音楽に情熱を注ぎ、この4年間で得た経験を全て生かすという意気込みで新作に望んだんだ。
僕たちはどんなに小さなディテールにも拘っていたから、全てはとてもスムースに構築されて行ったね。ライティングプロセスの中盤に差しかかると、制作した音楽自体から僕たちがインスパイアされていることを感じ始め、音楽が導く方向性に委ねたんだ。
ソングライティングでは、理由のない音を配置せず、毎秒価値のある音楽を作ることにフォーカスしていたことを覚えているよ。
最終的に、僕たちは全てにとても満足し、幸運なことに、より多くの人が僕たちの音楽的ビジョンをシェアしてくれているように思うね。

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Q5: It seems that “Aathma” is magnificent concept record. Surprisingly, album closer, consisted by four parts, dramatic quadrilogy “Aathma” has about twenty minutes long. So, could you tell us about the title, concept, and artwork of “Aathma”? Why did you post “Aathma” album closer?

【CARLOS】: “Aathma” is a sanskrit word that means “Soul”. With”Spiritual Migration” there was a deep change in the lyric approach of the band as we wanted to use the music we were writing with “Persefone” to share a message with it, an message about the way we live our spiritual lives. We feel that spirituality is something that is sometimes forgotten in this time and era we are living in. We live in a very materialistic way, everything is so fast and we don’t have time
to ask ourselves the important questions, no time to meditate about what is this life about, about just “who am I?”, “what am I?”, “Is there any relation between me and everything else?”, or just, “what does ‘me’ means anyway? We wanted to write about that, about what we feel we are in this world, and give to that message the best music we possibly can. The whole album is about this one concept and I always like to summarize it with some lyrics from the song “Prison Skin”, we start the album by saying to the listener “…. you are not yor face, you are not the name you have been given, break this walls and see the light, transcend your senses, be…” The song “Aahtma” summarize all the journey, so it was really mandatory to close the album with it since the last words on it are the closure to all the lyrical concept.

Q5: アルバムは壮大なコンセプト作品のように思えます。驚くことに、アルバムクローサー “Aathma” は4部構成、20分の大曲ですね。

【CARLOS】: “Aathma” とはサンスクリット語で “Soul” 魂の意味なんだ。”Spiritual Migration” から、バンドの歌詞に対するアプローチには深い変化があったんだ。PERSEFONE で書いている音楽を、メッセージをシェアするために使いたかったからね。そのメッセージとはいかにしてスピリチュアルな人生を送るかについてだよ。
僕たちの生きている時代は、時としてそういった精神性が忘れられがちだよね。僕たちは非常に物質的な世界に生きていて、全てがとても早く動いている。少し立ち止まって自分自身に重要な問いかけをしたり、人生の意味を瞑想する暇もないほどにね。
「僕は誰?」 「僕は何者?」「僕と世界の関係は?」「そもそも自分ってどういう意味?」とかつまりはそういったことに焦点を当てたかったんだ。僕たちが今、世界に感じていることを、可能な限り最高の音楽に乗せてメッセージとして伝えたかったんだよ。
作品全体はそのコンセプトのもとに作られているんだ。”Prison Skin” の歌詞がそれを要約しているよ。僕たちはアルバムをリスナーにこう語りかけて始めるんだ。「それは本当の君の顔じゃない。与えられた名前も本物じゃない。壁を壊して生まれ変わるんだ。感覚を超えて…」
タイトルトラック “Aathma” は全ての旅を象徴しているね。だからアルバムを締めくくるのはこの曲でなくてはならなかったんだよ。歌詞の最後の言葉は全てのコンセプトを締めくくるものになっているからね。

Q6: Paul Masvidal’s vocoder was impressing guest spot on the album. But off course, Persefone has wonderful clean voice of Moe. What made you need another
vocal in the album? And how did you get in touch with the prog legend and Oysten of Leprous?

【CARLOS】: There is no secret about how deep Paul’s music has inspired us through the years. We met Paul at 2015 Euroblast festival in Germany where we also performed with “Persefone”, and during the writing process of “Aathma”, we felt that Paul’s philosopy about life and spirituality matched with the new music in a very perfect way. Then we approached him with what it would become the very first sentence of the album. A deep and meaningful sentence that we thought we would like, and he did. After that, Paul was really supportive all the time and
his collaboration inspired us a lot to put even more effort on “Aathma”. He also performed a great guitar solo on the song “Living Waves” as well as his amazing voice. About Oystein, “Persefone” and “Leprous” toured Europe together in 2013. On that tour Oystein and I just spent a lot of time just playing guitar together and, by the end of the tour, we really become friends and we kept the contact over the next years. I remember telling him on that tour that I wanted him to play a guitar solo on the new album, and years later, he was kind enough to play a beautiful one and the song “Aathma”. He has an amazing talent.

Q6: アルバムには CYNIC の Paul Masvidal、LEPROUS の Oysten がゲスト参加しています。

【CARLOS】: 何年も、いかに深く Paul の音楽が僕たちをインスパイアしてきたかについては秘密でも何でもないよ。彼とは2015年に、ドイツで行われた Euroblast Festival で会って共演したんだ。
“Aathma” のライティングプロセスの間、僕たちは Paul の人生や精神性に対する哲学が、新しい音楽に完璧にマッチすると感じていたね。そこで、彼にアルバムの幕開けをお願いしたいとアプローチしたんだよ。僕たちは深く意味のある文章を考え、彼が演じてくれたんだ。
その後も Paul は常にとても協力的でね。何より、彼とのコラボレーションによって多くのインスピレーションを受け、それが “Aathma” に注がれたんだよ。彼は “Living Waves” でも素晴らしいボーカルとギターを披露してくれているよ。
Oysten については、2013年に PERSEFONE と LEPROUS が共にヨーロッパをツアーしたんだけど、そのツアーで僕と彼はかなりの時間を共にギターを弾いて過ごしたんだ。ツアーが終わるころには、真の友人になっていてそれからずっと連絡をとっていたんだ。
あのツアーで彼に、新作でギターソロを弾いて欲しいと伝えたことを覚えているよ。何年か経ったけど、親切なことに “Aathma” で美しいソロを弾いてくれたね。驚異的なタレントだよ。

Q7: I feel “Aathma” has more spacey, atmospheric sounds than your past works. That is to say, piano melodies, ethereal synth sounds play very important role in the album. That made the album more spiritual, more symphonic, more beautiful. Why did you choose the direction this time?

【CARLOS】: I think that Moe ( Miguel ) was specially inspired on this one! As the songs were shaping up, we welcomed lots of synths and keyboards layers on them since all that big and spacey feeling matched perfectly with the lyrical concept. We always try to keep the balance between agressiveness and melodic content, but it seems like on “Aathma” we took the melodic side further this time.

Q7: “Aathma” は過去作に比べて、よりスペーシーでアトモスフェリックスなサウンドだと感じました。ピアノの調べとシンセサウンドが重要な役割を果たしていますね。スピリチュアルでシンフォニックな美しさを得たように思えます。

【CARLOS】: それについては Moe (Miguel) が特にインスパイアされたと思うよ!楽曲を形作る時に、シンセやキーボードを多くレイヤーすることに僕たちは賛成だったんだ。というのも、ビッグでスペイシーな感覚は、歌詞のコンセプトと完璧にマッチしたからね。
僕たちはいつもアグレッションとメロディーのバランスを保とうと努力しているんだけど、今回の “Aathma” ではメロディーに重点が置かれたように思えるね。

Q8: The last interview, you said you wanted to work with Jakob Hansen next time. But, “Aathma” is mixed and mastered by Jens Bogren. Why did you change the role from Jakob to Jens? What did Jens bring the album?

【CARLOS】: It was all about the music itself again. Jacob Hansen did an amazing work on “Spiritual Migration” and I’m sure we will work with him again in the future. With “Aathma”, we felt that all that spacey sound, all that layers needed another treatment on the mix, and after discussing a lot about it, we decided that Jens Bogren was the best option for this one. We spent three days in Sweden with Jens working on the final touches for the album and Jens was really helpful with all the decisions we had to deal with. He has an amazing experience and
knows perfectly what is the best for the final sound of the album. It was very inspiring to work with him.

Q8: 前回のインタビューで Moe は次作も Jakob Hansen をプロデューサーに起用したいと語っていましたが、蓋を開けて見れば Jens Bogren がタクトを握っていましたね?

【CARLOS】: 全ては音楽が理由なんだ。Jakob Hansen は前作 “Spiritual Migration” で素晴らしい仕事をしてくれたし、将来的には彼とまた仕事をするに違いないね。
“Aathma” はスペイシーなサウンドだと感じたから、その手法にはミキシングで別のテイストが必要だったのさ。何度も話あった結果、Jens Bogren が最高のオプションだという結論に至ったね。
スウェーデンで3日間、Jens とアルバムの最後の詰めを行うために働いたよ。Jens は僕たちの全ての決断に対して実に協力的でね。驚異的な経験を持っているし、完璧にアルバムの最後のタッチに何がベストが完璧に知っていたよ。彼と働いてすごくインスパイアされたね。

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【FIVE ALBUMS】

FIVE ALBUMS THAT CHANGED CARLOS’S LIFE!!

CACOPHONY “SPPED METAL SYMPHONY” “GO OFF!”

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MARTY FRIEDMAN “DRAGON’S KISS”

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MEGADETH “RUST IN PEACE”

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SYMPHONY X “DIVINE WINGS OF TRAGEDY”

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TORI AMOS “LITTLE EARTHQUAKES”

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【MESSAGE FOR JAPAN】

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We are happy to think you feel about us as ambassadors of your beautiful country! My message is, to anyone that is reading this interview, be happy, enjoy your life, enjoy music, be kind with everyone, meditate, and never stop learning and improving. We really wish to visit Japan again and play music for all of you very soon. Domo arigatou!

君たちの美しい国のアンドラ親善大使だなんて思ってくれているそうだけど、嬉しいね。
このインタビューを読んでくれた人たちへのメッセージは、幸せであれ、人生を楽しんで、音楽を楽しんで、みんなに優しくしよう。そして学ぶこと、改良することを止めないで。本当にまた日本を訪ねてみんなのためにプレイ出来たらいいな。すぐにね。どうもありがとう!

CARLOS LOZANO

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SOEN : LYKAIA】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MARTIN LOPEZ OF SOEN !!

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Swedish Modern Prog Super Group, Soen Has Just Released The Masterpiece, The Prog Standard Of 2017, “Lykaia” !!

DISC REVIEW “LYKAIA”

スウェーデンが誇るモダンプログスーパーグループ SOEN が自らのアイデンティティー確立に挑む3rdアルバム “Lykaia” をリリースしました!!プログレジェンド OPETH のドラマーとして名を馳せた Martin Lopez 率いる腕利き集団は、常に比較され続けてきた自らの出自 OPETH や TOOL の影から離れるのではなく新たな要素を導くことでバンドの進化を鮮やかにに見せつけています。
“Lykaia” とは古代ギリシャ、”狼の山”で行われていた古の祭り、秘密の儀式。 人肉を捧げ食した者は人狼に姿を変えるという、身の毛もよだつような神事に擬した残虐なカニバリズムは、悲しいことに現代社会にも通じます。インタビューで Martin が語ってくれたように、未だにお互いが啀み合い殺し合う人の世の有り様は、実はその頃と何も変わっていないのかもしれませんね。
人類の恥部とも言えるダークで陰鬱なテーマを冠したアルバムは、しかしそのコンセプトに反するが如く極上の知性と美しさを備えます。つまり SOEN は人類が生み出した最も誇り高き遺産、至高のアートで暗い影を語ることにより、人間という天使と悪魔を宿す生き物の姿を克明に描き出しているのです。
両義性と言えば、デビュー作 “Cognitive” と前作 “Tellurian” で明らかな違いが存在した SOEN。”Cognitive” が強く TOOL を意識したオルタナティブかつアトモスフェリックスなアプローチ、精神世界に重点を置いていたのに対し、”Tellurian” は OPETH を想起させるよりプログレッシブで綿密な方向性、哲学世界に接近していたのは明らかでしょう。
“Lykaia” はその2つが自然に溶け合い、さらに新たな色として70年代のオーガニックでサイケデリックなサウンド、暖かみや哀愁のエモーションが加わることでバンドのマイルストーンとして燦然と輝くレコードに仕上がりました。
“Opal” は SOEN の過去と未来がクロスするまさに宝石のような一曲です。OPETH 由来の呪術的でデモニックなギターリフと、TOOL や KARNIVOOL を想起させるマスマティカルで現代的なコンポジションが混ざり合った極上のスープは、Joel Ekelof の叙情味極まるボーカルを得て奇跡のスペシャリテとしてリスナーの元へと届きます。後半にサーブされる、サイケデリックで Martin お特異のパーカッションが映える、70年代へガラリとタイムワープした夕焼け色の美風なデザートがテーブルに加われば、リスナーは “Opal” が SOEN の確固たる進化の証であることに遂に気がつくはずです。
実際、この PINK FLOYD と KING CRIMSON のハイブリッドのような叙情味豊かで有機的なサウンドはアルバムを紐解く重要な鍵となっていますね。オリエンタルなムードをアクセントとした緩やかで壮大な “Jinn” では、そのオーガニックでエモーショナルなサウンドがポストメタルの領域まで拡大したかのようにリズムヘヴィーなドラマ性を高めていますし、”Paragon” に至ってはハモンドまで使用してアグレッシブな “Shine On You Crazy Diamond” とも言えるサイケデリックワルツを完成させているのですから驚きです。さらに “Paragon” で聴けるブルージーで素晴らしく感情を湛えたギルモアライクなリードプレイも作品には要所で登場し、レコードを彩る新機軸として見事に機能しています。
極めつけは KING CRIMSON “Fallen Angel” と同種の悲哀、耽美、プログ性を湛えたイマジネイティブな楽曲 “Lucidity” でしょう。Lake / Wetton / Akerferdt 直系の深みと粋を秘めた情感豊かな Joel の歌唱はここに来て遂に独特のオーラ、威容を誇るようになり、バンド全体に透徹した凛とした美意識も相俟って2017年ベストチューンの可能性すら保持した名曲が生み出されたのです。
同様に70年代を意識していながらも、SOEN は現在の OPETH に比べ鋭く重い呪術リフを多用し、モダンなコンポジションの中でレトロフューチャーなサウンドを構築しています。つまり “Orison” のような現代的な楽曲の中に味わい深いビンテージサウンドを潜ませることで、幅広く多様な世界を実現しているのです。故にインタビューでも語ってくれた通り、”Lucidity” がバンドの探求すべき未来であるならば彼らの更なる躍進は約束されているように感じました。
今回弊誌では再度 Martin にインタビューを行うことが出来ました。決して饒舌なレジェンドではありませんが、いつものように核心をついた話をしていただけました。どうぞ!!

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SOEN “LYKAIA” : 10/10

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EXCLUSIVE INTERVIEW 【COLIN MARSTON : KRALLICE, GORGUTS, BEHOLD…THE ARCTOPUS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH COLIN MARSTON OF KRALLICE, GORGUTS, BEHOLD…THE ARCTOPUS, AND MORE !!

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New York’s Own All Around Dynamic Cult Metal Super-Hero, Colin Marston Talks About Krallice, Gorguts, Behold…The Arctopus, And More!!

ABOUT “COLIN MARSTON”

Colin Marston は34歳にして既にメタル、アヴァンギャルドシーンのカルトヒーローだと言えます。変質的でありながら高い賞賛を浴び続ける、4つの価値あるバンドを牽引する人物であることがその第一の要因でしょう。
盟友 Micc Barr と立ち上げた KRALLICE は NYC の個性的なブラックメタルシーンを代表するバンドです。2011年にリリースした “Diotima” はアトモスフェリックブラックの金字塔として今も語り継がれる名盤ですし、2015年には複雑なリズムやテクニックにフォーカスしたテクニカルデスメタルへと接近し、界隈のトレンドをお膳立てするフラッグシップ的役割、影響力を見せつけましたね。昨年は VAMPILLIA 他日本のバンドたちと共演するジャパンツアーも行い、その高いミュージシャンシップと鬼気迫るパフォーマンスが話題となりました。
BEHOLD…THE ARCTOPUS は実験性を極めた真のカルトインストスリーピース。奇想天外、一見無機質でツギハギのようなカオスの中に、メロディーや叙情味を織り込んで行くそのスタイルはまさしく唯一無二でしょう。”地獄の12弦ハープ”などと称される特異な楽器 Warr Guitar のベースとギターの領域をカバーする広いレンジを駆使し、嵐のようにフレットをタップする Colin の姿はアックスマンの称号に相応しい壮絶なオーラを纏っています。
Colin はカナダの暗黒神、アヴァンデスメタルレジェンド GORGUTS にも参加しています。インタビューにもある通り、ここではベースプレイヤーとして影となり日向となり、奇才 Luc Lemay を支えているようですね。彼らもまた KRALLICE と同様に ULCERATE や PYRRHON といったモダンで深みのある新鋭デスメタルアクトたちに多大な影響を与えたオリジネーターだと言えますね。
DYSRHYTHMIA はその GORGUTS のギタリスト Kevin Hufnagel とタッグを組んだこちらもインストスリーピース。BEHOLD…THE ARCTOPUS とは異なり、リフの迷宮、カオスの魔窟といった風体のよりダークで引き摺るような重さを纏ったバンドです。Kevin がプログレッシブドゥームの英雄 WHILE HEAVEN WEPT に所属していたこともあり、”Thrak” 期の KING CRIMSON をさらに陰鬱で重厚なサウンドに仕上げたような魅力が存在します。
インタビューにもあるように、Colin は昨年この4バンド全てで新作をリリースしただけでなく、他にも4、5プロジェクトに参加し作品を世に送り出しているのです。驚くべきハイペース、創作の鬼、羅刹。
特に近年 Colin の仕事からは音楽は勿論、何者も恐れない崇高な実験精神 まで KING CRIMSON の影を強く感じます。”知恵の館”をテーマとし、イスラムアッバース朝の繁栄から衰退までを描いた33分の大曲のみを収録し、プログレッシブデスメタルの新たな領域を開拓したと各所で絶賛された GORGUTS の “Pleiades’ Dust” をはじめとして、昨年リリースされたレコードは全てが音楽的冒険の末辿り着いた比類なきクオリティーを誇るのですから、そのストイックに研ぎ澄まされた感性や人となりからももはや”現代の Robert Fripp” の称号を得ても何ら不思議ではないですね。
Colin の”ワーカホリック”はとどまる事を知りません。彼がカルトヒーローである第二の理由。それは自身が所持する Menegroth: The Thousand Caves in Queens スタジオで辣腕を振るう優れたプロデューサー/エンジニアであるからに他ならないのです。ARTIFICIAL BRAIN, LITRUGY, KAYO DOT, EAST OF THE WALL, WOE, DEFEATIST, CASTEVET など多様性をアイデンティティーとした NYC の革新的なメタルの波はこのスタジオを起点として生まれたと言っても過言ではないでしょう。
インタビューでも自身がベジタリアンであることを認めていますが、シーンきってのナチュラリストとして知られる Colin のサウンドから生命、人間、感性を捉える能力が界隈のミュージシャンたちに強く信頼されリスペクトを受けていることは間違いないでしょうね。
今回弊誌では、二つの顔を持ち、アンダーグラウンドメタルシーンで今最も多忙かつ尊敬を集める Colin にインタビューを行うことが出来ました。あの Skrillex より先にサイドカットに手を染めた冒険者 Colin Marston 解体新書のようなインタビュー。どうぞ!!

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PROTEST THE HERO : PACIFIC MYTH】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH TIM MACMILLAR OF PROTEST THE HERO !!

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Legendary Canadian Prog-Core Outfit, Protest The Hero Has Just Released Innovative New EP “Pacific Myth” !!

DISC REVIEW “PACIFIC MYTH”

高いテクニックと、モダン=多様性に富んだその音楽性で、Modern Metal を象徴する存在となっているカナディアンレジェンド PROTEST THE HERO が新たなメンバー、販売戦略を携え挑んだ新作 “Pacific Myth” をリリースしました!!革新的な音楽性で驚きをもたらしたヒーローは、マーケティングにおいてもシーンをリードしようとしています。
今日のメタルシーンでは当たり前のように行われているクラウドファンディングキャンペーン。有名、無名に関わらず現在多くのバンドを支える、このレーベルを介さずファンと直接繋がる販売戦略は、PROTEST THE HERO が前作 “Volition” で勇気を持って踏み出した一歩が発端だったと言えるでしょう。バンドはクリエイティブな可能性とモチベーションを手に入れ、ファンは音源以外にも特別なアイテムやマーチを手に入れられる、全てが Win-Win な “Volition” での試みは確かな成功を収めました。しかし、彼らはその場所にも満足せず、さらに合理的な一手を打って来たのです。
“Pacific Myth” で彼らが打ち出した新たな戦略は、サブスクリプションプラットフォームという手法でした。定額を支払ってくれたファンのみに、毎月フレッシュな新曲を配布するという野心的なその試みは、再び成功を収めたと言えます。7500人以上のファンが “Pacific Myth” のキャンペーンに参加し、バンドのエクスクルーシブなコンテンツに12$、25$の私財を投入したのですから。6ヵ月に渡る長いキャンペーンが終了した後、バンドは “Pacific Myth” にリマスター、リミックスを施し EP として新たにリリースすることを決断します。
オリジナルラインナップが崩壊し、ベーシスト Cam McLellan、ドラマー Mike Ieradi を新たに迎えて制作されたこの EP は、”Fortress” 以前、”Fortress” 以降と時にそのキャリアを分けて語られるバンドの命題に抗うかのような強い意志を発する作品です。
確かに “Fortress” は完璧で、同時にモダンの意味を定義するようなマイルストーンでもあります。さらに昨年行われた、オリジナルラインナップでのデビューフル “Kezia” 10周年記念ツアーの盛況を見れば、この作品の若々しいエナジーも同様に愛されていることが分かりますね。
故に、BETWEEN THE BURIED AND ME にとっての “Colors” と同様に、”Fortress” 以降の作品は、ハードコア色が薄れ、よりトラディショナルでメロディー重視の方向に舵を切った “Sucrrilous”, さらにはピンチヒッターで LAMB OF GOD の剛腕 Chris Adler の推進力を生かした強力な “Volition” を持ってしてもその高き頂きを超えるまでには至らないという評価に落ち着いてしまっているように思えます。
実際、PROTEST THE HERO の現状を憂うファンの多くは、おそらく若さが原動力の一つとなった “Kezia” “Fortress” の瑞々しく、型破りで、予測不能な一面を愛しているのでしょう。しかしバンドは必ず成熟して行きます。Rody はダーティーに奔放に歌うよりもしっかりと丁寧にキャッチーなメロディーを追う場面がほとんどですし、楽曲も様々な要素をエクレクティックに吸収しつつも 、予測不能なカオスよりも、インテリジェンスを感じる構成美で驚きを演出する方向へとシフトしています。
インタビューで Tim が”2つを融合させる方法を見つけた”と語るように、”Pacific Myth” では10年という月日が生んだジレンマを、バンドの過去と未来を自然に繋ぐことで跳ね除けるチャレンジが行われているのです。
“Harbinger” のエピカルなピアノイントロを聴けば、誰もが “Kezia” のマジックを想起するはずです。そしてこの楽曲に存在する、クラシカルでテクニカルでカオティックなサウンドは、まさに2006年の衝撃をリスナーに蘇らせる役割を果たします。
穿った見方をすればファンへ擦り寄ったとも思える原点回帰ですが、元来 PROTEST THE HERO が売りにしていたこの種のキャッチーさ、テクニカルなフックを敢えて再提示したのは、自らの遺産すら武器へと変換する余裕の表れと見るべきではないでしょうか。実際、アグレッシブな曲風に刹那挿入されるピアノとボーカルだけの美しき共演は、現在の彼らだからこそ生み出せる極上の瞬間です。
同様に、”Cold Water” で聴けるサルサのようなリズミックなアプローチ、”Cataract” のスピードとエナジーの中でみせる黒くソウルフルなアイデアもバンドの新たな領域を開拓していますね。
作品で最も意義深いトラックはアルバムクローサー “Caravan” だと言えるでしょう。構成美に拘るが故長尺化している昨今の楽曲においても、バンド史上最長の8分39秒は新鮮な驚きだと言えます。”安全な場所”から離れ、未来へ向けて船出を果たしたキャラバンは、トレードマークとも言える複雑なアルペジオや狂気のシュレッドに頼らずグルーヴ重視でフックを生み出すと共に、意外性に満ちた後半では、キーボード、クリーンギターを巧みに使用し見事なアトモスフィアさえ具現化。彼らの成熟を伝えていますね。
メロディーの美しさも白眉で、DREAM THEATER さえ想起させる壮大なフィナーレには圧巻の一言。実際、”Caravan” での Rody は、近年あまり感じられなかった生き生きとした表情豊かな歌唱を披露し、バンド全体が成熟と共に自然と自信を取り戻したようにも思えますね。
全てを総括し、未来へと舵を切った伝説。今回弊誌では、ギタリストでコンポーザー Tim MacMillar にインタビューを行うことが出来ました。昨年、Realising Media の招聘により行われた、8年振りの素晴らしい来日公演は記憶に新しいところですね。どうぞ!!

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PROTEST THE HERO “PACIFIC MYTH” : 9.4/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MUTE THE SAINT : MUTE THE SAINT】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH RISHABH SEEN OF MUTE THE SAINT !!

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Sitar Fronted Instru-metal Four Piece From India, Mute The Saint Has Just Released Indian Classical Music Meets Modern Prog Metal Record “Mute The Saint” !!

DISC REVIEW “MUTE THE SAINT”

世界で初めてインドのフォークミュージックとモダンプログを融合させた、新たな開拓者 MUTE THE SAINT が記念すべきセルフタイトルのデビュー作 “Mute the Saint” をリリースしました!!トラディショナルなシタールの響きと、近未来感溢れるテクニカルメタルのフュージョンは、時間も文化も越えて世界中のリスナーに新鮮な驚きを与えています。
バンドのリードシタール奏者でコンポーザー、Rishabh Seen が大きな注目を浴びたのはインターネットの世界からでした。推しも押されぬ Modern Prog Metal のリーディングヒッター、ANIMALS AS LEADERS の楽曲をシタールでミステリアスにカバーした Rishabh の動画は瞬く間に評判を呼び、海外の大手メタルサイトなどで大々的に取り扱われることとなったのです。
しかし、あくまでもカバーはカバー。彼が真に評価されるべく立ち上げたオリジナルバンドこそが MUTE THE SAINT でした。シタール、ギター、ベース、ドラムスという前代未聞のインストゥルメンタルバンドは、驚くことに1度もメンバー同士会ったことがありません。しかしながら、インタビューにもあるように、”Mute the Saint” を聴けば、インドの古典音楽とプログメタルの架け橋となるべく集結したこのユニークな音楽集団に大きな可能性、未来が広がっていることは明らかでしょう。
アルバムオープナー、”Welcome the Change” はまさにリスナーを変化に誘う予告状。オリエンタルなシタールのイントロが鳴り響くと、目の前には確かにタージマハルの壮観や雄大なガンジスが広がります。しかし、同時に MUTE THE SAINT は架け橋でありバンドです。そこにプログメタル由来の奇数拍子、Djenty なギターリフ、4人のタイトな演奏、複雑な構成美が登場し溶け合うと、遂に彼らの斬新かつ魅力的な全体像、ビジョンが顕になるのです。
実際、”Mute the Saint” は驚くほどバンドらしい作品です。Rishabh の個性的なサウンドに一歩も引けを取らない Josh Seguin のギター捌きは白眉で、毛色の違うリード楽器が交互に主役を務める様は実に壮観だと言えますね。さらには “Calypso” のようにバンド全員の高い技量を個々にフィーチャーした楽曲まで存在するため、アルバムには時に偉大な THE MAHAVISHNU ORCHESTRA や、DIXIE DREGS を想起させる瞬間まで訪れるのです。
5曲という曲数ながら、多様性=モダンな魅力に満ちていることは作品のもう一つの鍵だと言えるでしょう。”Sound of Scars” はそのマイクロトーナルな響きが誘うダークでカオティックな音像が驚くことに Black Metal さえイメージさせますし、最後には “In Silence We Will Remain” の METALLICA へのリスペクトと共にアグレッシブでスラッシーな一撃でアルバムを締めくくります。
今回弊誌では、雄弁なシタールプレイヤー Rishabh Seen にインタビューを行うことが出来ました。来日ツアーの経験もある Rishabh。インターネットから生まれたこの素晴らしき”シタールメタル”が、日本とインドの架け橋にもなることを願います。どうぞ!!

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MUTE THE SAINT “MUTE THE SAINT” : 9.2/10

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WORLD PREMIERE !! FULL ALBUM STREAM【VIPASSI: SUNYATA】


FULL ALBUM STREAM : VIPASSI “SUNYATA”

THE MEMBERS OF AUSTRALIAN SHOOTING STAR, NE OBLIVISCARIS & HADAL MAW HAS JUST LAUNCHED “EXTREME INSTRU-METAL” BAND VIPASSI !!

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With ‘Sunyata’, VIPASSI offer such a rare album that combines ecstatic technical virtuosity with a love of creating atmospheric soundscapes, sparkling melodies, and captivating passages.
VIPASSI were birthed in 2009 by guitarist Ben Boyle and members of Australian shooting stars NE OBLIVISCARIS, which marked the beginning of a long journey of writing and rehearsing. They soon settled on an instrumental style that captured the openness aimed for to allow any listener to interpret and connect with the material subjectively. Their project represents a desire to explore beauty and darkness in all its shades, through melodic and complex compositions that are bemused in themes of the struggles of the human experience, exploring nature, spirituality and science.
The roots of their sound reach back into a time when bands such as ATHEIST and CYNIC began to reform extreme music by infusing jazz and progressive elements into death metal. Now VIPASSI add a new chapter to the story with the instrumental highlight ‘Sunyata’. Dig deep into this musical treasure trove spilling over with shiny details, glittering melodies, and wealth of rhythm patterns.

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オーストラリアンシューティングスター、NE OBLIVISCARIS, HADAL MAW のメンバーが所属する別バンド VIPASSI は BLOTTED SCIENCE, CONQUERING DYSTOPIA, EXIVIOUS といった Extreme Instru-Metal に連なる新たな才能です。
1/20 にリリースするデビューフルレングス “Sunyata” は、ツインギターが織りなすテクニカルでレイヤーされたリフワーク、フレットレスベースのフレキシブルなサウンド、そしてクリエイティブなリズムを併せ持ったエポックメイキングな作品です。
凶悪なブラストビートからアトモスフェリックなサウンドまで自在に操るコンポジションの妙は、確かにあの NE OBLIVISCARIS のメンバー3人が所属することを示唆しています。しかし同時に VIPASSI はよりユニークでプログレッシブなコンポジションへと特化されており、インストルメンタルでありながら Death Metal を新たな領域へと推し進めた CYNIC, ATHEIST にモダンなフレイバーを加えたような音像と言えるかもしれません。
今回弊誌では、世界に先駆けて自然や科学、精神性にフォーカスした “SUNYATA” のフルストリームを行うことが出来ました。NE OBLIVISCARIS と併せてぜひチエックしてみてくださいね!!

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ONI : IRONSHORE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ONI !!

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Prog Metal Newcomers From Hell! Canadian Sextet ONI Has Just Released Sensational Debut Album “Ironshore”!!

DISC REVIEW “IRONSHORE”

カナダから現れた6人組のプログモンスター ONI がセンセーショナルなデビューアルバム “Ironshore” をリリースしました!!究極の狂気と洗練された美しさが同居する作品は、彼らの名を世界に知らしめることとなるでしょう。
アルバムオープナー “Barn Burner” は複雑怪奇、魑魅魍魎が跋扈する鬼の世界への ONI からの招待状です。何よりもまず ONI を特別で奇抜な物の怪にしているのは、やはり Xylosynth の存在でしょう。この画期的で新しい、”木琴シンセ”といった風体の楽器は間違いなく楽曲、そしてメタルシーンに刺激的なヴァイブをもたらしています。
Johnny D の奏でるその未来的なインストゥルメントは、時にサイエンスフィクションの香りを漂わせるシンセサイザーの役割を果たし、一方で圧倒的でギターライクなシュレッドをも炸裂させているのです。”Barn Burner” が示すように、元々リズムマスターが集まったダブルギターのバンドに、Xylosynth のメロディックなシュレッドと近未来的なシンセサウンドが同時にバンドに加わることで、ONI のプログ感覚は飛躍的に高まっているといえるでしょう。
その効果は続くドラマティックな “Eternal Recurrence” にも現れています。中間部に配置された、全ての楽器が参加するクラシカルなユニゾンプレイは、スリリングで壮絶で美しく、驚異的。アルバムで何度も聴かれるように、彼らの卓越したトレードマークとなっていますね。
バンドのプログレッシブな一面は、 11分を超える “The Science” に集約されています。冒頭から、非常に複雑でマスマティカルなリフを提示する楽曲は、百鬼夜行さながらにその形を変えていきます。BETWEEN THE BURIED AND ME を彷彿とさせるヘヴィネスとアトモスフィア、クリーンボーカルとグロウル、プログレッシブとエモーションの対比、そこから導かれる構成力、場面転換の妙は実に見事で、感動的な大円団までリスナーを楽曲へと惹きこんで離しません。
反面、”The Only Cure” ではメタルバンドとしての矜持、ONI の残忍な一面を強く見せつけています。LAMB OF GOD や GOJIRA を手がける名プロデューサー Josh Wilbur が紹介したという誰あろう LoG のボーカル Randy Blythe 本人が参加した楽曲は、まさに救いのない地獄の風景を映し出していますね。タイトで重量感のあるリズム隊は、同時にテクニカルで時にリード楽器の役割をも果たし、アルバムを通して本当に良い仕事をしています。
インタビューでメンバーが強調するように、バラエティー豊かなレコードを目指したという “Ironshore” で、”Chasing Ecstacy” は重要なアクセントだと言えます。クリーンボーカルにフォーカスした楽曲は、作品中でも群を抜いてメロディックで、ロマンチックとさえ表現出来るような哀愁を体現しています。ここでも強調されるテクニカルでクラシカルなメロディーは、POMEGRANATE TIGER を聴けば Martin Andres のセンスだと分かるはずです。そして残念ながら何年も沈黙を貫いている、Prog-MetalCore の重要バンド THE HUMAN ABSTRACT と重なる部分も多いように感じました。
モダンメタルの根幹を成す3連リフ、リズムに特化したアプローチのオリジネーター LAMB OF GOD。そして奇しくもそのドラマーの力を借りたカナダのプログレッシブな先人 PROTEST THE HERO。ONI はすでにこの二大アクトからその実力を認められています。そして確かにその2組や先に挙げた偉人たちの遺伝子を受け継ぎつつ、様々な影響、そこには “Spawn and Feed” で聴ける和風のメロディーも存在する、を取り入れデビュー作にしてオリジナリティーを確立した彼らの将来は約束されたもののようにも思えますね。
今回弊誌では、ONI のメンバー6人全員にインタビューを行うことが出来ました。驚異的な新人の登場です。どうぞ!!

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ONI “IRONSHORE” : 9.7/10

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