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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DIMHAV : ONDINE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DIMHAV !!

“As for direct inspiration on this album (Ondine), or thinking about those records, those were probably not directly on our mind. However, when it comes to writing concept albums we hold especially Symphony X’s “V” album and Angra’s “Temple Of Shadows” in very high regard!”

DISC REVIEW “ONDINE”

「このアルバム “Ondine” の制作において、SYMPHONY Xの “V” と ANGRA の “Temple Of Shadows” は、直接的なインスピレーション源として意識していたわけではなくてね。だけど、コンセプト・アルバムを作る上で、SYMPHONY Xの “V” と ANGRA の “Temple Of Shadows” は特に高く評価しているんだ。どちらのアルバムも独自のストーリーを語っているけど、音楽の邪魔になるような、あまりにも露骨な、あるいは “ありきたりな” 表現は一切ない。素晴らしい楽曲が収録されていて、全体的に非常にインスピレーションに満ち溢れているよね」
プログ・メタルの金字塔が DREAM THEATER の “Images and Words” だとすれば、”プログ・パワー” の金字塔とは何でしょうか？少なくともその選考に、SYMPHONY X と ANGRA の作品がノミネートされることは確かでしょう。
プログの知性やアートと、パワー・メタルのファンタジーや希望、勇壮な旋律を見事に溶け合わせたプログ・パワーの王者二組。そんな彼らの作品の中でも、オーケストレーションと壮大なコンセプトを組み合わせた作品は、まさにこのジャンルの殻を破る記念碑的作品となりました。SYMPHONY X でいえば、”V” や “Odyssey”。ANGRA でいえば、”Holy Land” や “Temple of Shadows”。そのナラティブなストーリーを重厚かつ濃密なオーケストレーションで彩る彼らのやり方は、明らかにエポック・メイキングでした。そして、スウェーデンの Lindroth 兄弟が指向する “プログ・パワー” の理想もまた、その英雄の血を継いでいるのです。
「Jens Johansson、そして彼の演奏スタイルに夢中になった。もちろん Yngwie Malmsteen との共演は聴いていたけど、その後彼のソロ・アルバム（”Fission”, Fjäderlösa Tvåfotingar”、そして JOHANSSON BROTHERS “Sonic Winter” ）がリリースされ、大きな影響を受けたんだ」
美しきオーケストレーションと舞い上がるメロディ、そして知性溢れる複雑な建築。プログ・パワーの黄金比をすべて纏った DIMHAV がさらに一際輝くのは、その技巧の凄まじさでしょう。Staffan Lindroth は心酔する Shawn Lane のように、キーボードとギターを巧みに操る二刀流。Michael Romeo や Kiko Loureiro が憑依したフラッシーなギターソロを聴かせたと思えば、Jens Johansson 直伝の流麗なキーボード・ソロを奏でる。きっと天才とは、彼のような人のことを言うのでしょう。何より、この弦高盤低時代のメタル世界に、鍵盤の音を再び高らかに響かせる…その心意気に私たちは大きな感謝を捧げずにはいられません。
「LOST HORIZON の2枚のアルバムがリリースされた当時、僕たちは二人とも何度も聴き込み、間違いなくインスピレーションを受けていたね。”The Boreal Flame” の曲が完成した時、彼の声がこの音楽にぴったりだと思い、彼に連絡を取ったんだ。Daniel はスウェーデン南部に住んでいるので、ずっとリモートでのコラボレーションだったけど、とてもうまくいっているよ」
このプログ・パワーという芸術 “Ondine” の最後のピースとなったのが、パワー・メタルのレジェンド Daniel Heiman の “声” でした。LOST HORIZON が残した2枚のアルバムで Heiman が刻んだ歌声は、メタル史上最高のボーカル・パフォーマンスのひとつと言えるでしょう。その Heiman の、いやメタル・ファンの夢の続きこそが “Ondine” です。Heiman の圧倒的なハイトーンと驚異的な感情を湛えた中低音が、Lindroth のカタルシス溢れるプログ・パワーと出会う時
、失われた地平の偉業は時を超えます。プログ・パワーの “オデッセイ” は決して潰えることなく、コンセプト・アルバムというアートはこうして受け継がれていくのです。
今回弊誌では、DIMHAV にインタビューを行うことができました。「僕たちの音楽に込められたパワー・メタルの本質は、音楽が持つポジティブな精神、そして音楽が伝えるエネルギーと力強さにある。メタル世界は世界の大きな流れを変えることはできないかもしれないけど、少なくとも終末のサウンドトラックをより良いものにすることはできるだろうね！」 どうぞ！！

DIMHAV “ONDINE” : 10/10

INTERVIEW WITH DIMHAV

Q1: What kind of music did you and your brother grow up listening to?

【STAFFAN】: There is a ten year gap between us, so it differs slightly between the two of us. In my case (Staffan) I started out listening to the mainstream hard rock that was popular when I was a kid, bands like Europe, Bon Jovi etc, but also music that my parents played like The Beatles, Santana and some jazz and classical. When I got more into guitar playing, a few years later, I was heavily into Yngwie Malmsteen and bands like Judas Priest, Testament and heavier music.

【OLLE】: When I (Olle) was merely a youngster Staffan had already plunged deeper into the more progressive metal and jazz-fusion. I was exposed to Dream Theater early on, among various solo guitarists such as Tony MacAlpine and Allan Holdsworth (the latter not so easily digested at that age). Symphony X became a favourite band quickly. As Staffan practiced the Chopin etudes and preludes and our father listened to classical music I explored more of that genre as well, which made me learn to play the piano from the age of 10.

Q1: あなたたち兄弟は、どんな音楽を聴いて育ったんですか？

【STAFFAN】: 僕たち兄弟は10歳違いなので、好みが少し違うんだ。僕は、子供の頃に流行っていた EUROPE や BON JOVI といったメイン・ストリームのハード・ロックを聴いて育ったね。両親がよく聴いていた THE BEATLES や SANTANA、ジャズやクラシックなども聴いていたよ。数年後、ギターを本格的に弾き始めてからは、Yngwie Malmsteen や JUDAS PRIEST, METALLICA といったヘヴィな音楽に夢中になったんだ。

【OLLE】: 僕がまだ幼かった頃、兄は既にプログレッシブ・メタルやジャズ・フュージョンに深く傾倒していたんだ。僕は DREAM THEATER を早くから聴いていたけど、Tony MacAlpine や Allan Holdsworth といった様々なソロ・ギタリストの音楽にも触れていたんだ（後者は当時、あまり理解しやすかったとは言えないけど）。それから、SYMPHONY Xはすぐに僕のお気に入りのバンドになった。あとは、Staffan がショパンのエチュードやプレリュードを練習し、父がクラシック音楽を聴いていたことから、僕もそのジャンルを深く探求するようになり、10歳からピアノを習い始めたんだ。

Q2: Why did you and your brother decide to form a Progressive-Power metal band called Dimhav?

【DIMHAV】: This happened very organically, as we had a range of songs ready that were intended for our previous band, which was put on ice around 2014. We then decided to pursue completing this music ourselves, and this became our first album – The Boreal Flame (2019). The word “Dimhav” translates to “sea of fog” in Swedish, and appeared somewhere along the way. We feel that this word corresponds to our artistic vision very well, as it hints at an unknown world, hidden in the fog, ready to explore.

Q2: あなたたち兄弟が、プログレッシブ・パワーメタルバンド DIMHAV を結成した敬意を教えてください。

【DIMHAV】: それはごく自然な流れだった。以前所属していたバンドのために作った曲がいくつかあったのだけど、そのバンドは2014年頃に活動を休止していたんだ。そこで、自分たちでこれらの曲を完成させることに決め、ファーストアルバム “The Boreal Flame”（2019年）をリリースした。
“Dimhav” とはスウェーデン語で “霧の海” という意味で、いつの間にかバンド名に決まっていたんだよね。霧の中に隠された未知の世界を暗示し、探求する準備ができている、というイメージが、僕たちの音楽的ビジョンに非常にあっていると感じているよ。

Q3: Daniel Heiman of Lost Horizon is truly a legend in this world. How did you meet him? What made you decide to have him as your vocalist?

【DIMHAV】: Yes, Daniel is truly an awesome singer, and we’re very happy to have worked with him for both our albums! We both listened extensively to Lost Horizon when those two records came out, and they have certainly been an inspiration. When the songs for The Boreal Flame were finished, we thought that his voice would fit that music very well, and got in touch with him. Daniel lives further south in Sweden, so this has always been a remote collaboration, which has worked out very well.

Q3: LOST HORIZON の Dan/el Heiman は、この世界ではまさに伝説的な存在です。彼とはどのように出会ったのですか？また、彼をボーカリストに迎えることに決めた理由は何だったんですか？

【DIMHAV】: そうだね、Daniel は本当に素晴らしいシンガーで、彼と僕たちの2枚のアルバムで一緒に仕事ができたことをとても嬉しく思っているよ！
LOST HORIZON の2枚のアルバムがリリースされた当時、僕たちは二人とも何度も聴き込み、間違いなくインスピレーションを受けていたね。”The Boreal Flame” の曲が完成した時、彼の声がこの音楽にぴったりだと思い、彼に連絡を取ったんだ。Daniel はスウェーデン南部に住んでいるので、ずっとリモートでのコラボレーションだったけど、とてもうまくいっているよ 。

Q4: Symphony X’s “The Odyssey” is a landmark album that elevated the prog power genre to art, but “Ondine” is a masterpiece that rivals that album! There were also moments that reminded me of Angra’s “Holy Land.” In fact, were there any moments when you were consciously thinking about those albums while writing the songs or doing the orchestration?

【DIMHAV】: Thank you so much for the kind words! We are sure it is no surprise to you that we have listened a lot to Symphony X over the years, and certainly “The Odyssey” as well. The same goes for Angra, where “Holy Land” was probably the first record we listened to, although we found “Angel’s Cry” early on as well.
As for direct inspiration on this album (Ondine), or thinking about those records, those were probably not directly on our mind. However, when it comes to writing concept albums we hold especially Symphony X’s “V” album and Angra’s “Temple Of Shadows” in very high regard! Both those albums tell their own stories, but not in any overly obvious or “cliche” way that gets in the way of the music. They also have such great songs on them and feel very inspired over all.

Q4: SYMPHONY Xの “The Odyssey” はプログレッシブ・パワーというジャンルを芸術の域にまで高めた金字塔的アルバムですが、”Ondine” もそれに匹敵する傑作ですね！同時に、ANGRA の “Holy Land” を彷彿とさせる瞬間もありました。
実際、曲作りやオーケストレーションの際に、そうしたアルバムを意識することはありましたか？

【DIMHAV】: 温かいお言葉をありがとう！僕らが長年にわたり SYMPHONY Xを聴き続けてきたことは、きっとみんなも驚かないだろうね。もちろん “The Odyssey” も聴き込んでいるよ。ANGRA についても同様で、”Holy Land” はおそらく僕たちが最初に聴いたアルバムのひとつだね。”Angel’s Cry” も早い段階で見つけていたよ。
このアルバム “Ondine” の制作において、SYMPHONY Xの “V” と ANGRA の “Temple Of Shadows” は、直接的なインスピレーション源として意識していたわけではなくてね。だけど、コンセプト・アルバムを作る上で、SYMPHONY Xの “V” と ANGRA の “Temple Of Shadows” は特に高く評価しているんだ。どちらのアルバムも独自のストーリーを語っているけど、音楽の邪魔になるような、あまりにも露骨な、あるいは “ありきたりな” 表現は一切ない。素晴らしい楽曲が収録されていて、全体的に非常にインスピレーションに満ち溢れているよね。

Q5: Daniel Heiman has sung in several bands since leaving Lost Horizon, but honestly, I think this album is his best work yet. His incredible vocal range, from low notes to amazing high notes, is brilliantly utilized! Did you construct the album with those characteristics of his in mind?

【DIMHAV】: That is wonderful to hear! And we of course agree that Daniel does an extraordinary job on this album. The fact that this is our second album, and now wrote the music with his voice in mind, meant that we could tailor the vocal lines more specifically to his voice and range. And as you point out, we did want to include a great deal of variety when it came to the vocals – from low to high and from soft to aggressive.
It is a very fun and challenging part of the process to construct vocal parts that interweave seamlessly with the arrangements, as we also have very “active” instrumental work, but we are really, really happy with the end result!

Q5: Daniel Heiman は LOST HORIZON 脱退後、いくつかのバンドでボーカルを務めてきましたが、正直なところ、このアルバムは彼の最高傑作だと思いますよ。彼の驚異的な声域、低音から素晴らしい高音まで、見事に活かされていますよね！アルバム制作にあたって、彼のそうした特徴を念頭に置いていたのですか？

【DIMHAV】: そう言ってもらえて嬉しいよ！もちろん、Daniel がこのアルバムで素晴らしい仕事をしてくれたことに僕たちも同感だよ。今回が2枚目のアルバムで、彼の声を意識して作曲したことで、ボーカル・ラインを彼の声と声域に合わせてより細かく調整することができたんだよね。君の指摘の通り、ボーカルには低音から高音、ソフトな歌声から力強い歌声まで、幅広いバリエーションを取り入れたかったからね。
アレンジとシームレスに融合するボーカル・パートを構築するのは、非常に楽しくもあり、やりがいのある作業だったよ。というのも、このアルバムはインストゥルメンタルも非常に “アクティブ” なサウンドになっているからね。でも、最終的な仕上がりには本当に満足しているよ！

Q6: Your technique is truly amazing! For example, in “Tides Immemorial,” it’s incredible how you incorporate not only guitar but also full-fledged jazz/fusion keyboards! Unfortunately, there are hardly any metal bands these days with skilled keyboard players, but you’re different! Are both keyboards and guitar important to you?

【STAFFAN】: Thank you! Yes, both keyboards and guitar are very important to me (Staffan). I grew up playing the guitar from an early age (around 9 or so), and this was my main focus throughout the school years. During high school a few things happened that made me shift focus to keyboards: 1) I got really into Jens Johansson and his playing style. I had of course heard him with Yngwie, but then his solo records (Fission, Fjäderlösa Tvåfotingar as well as Johansson Brothers/Sonic Winter) came out. These really had an impact on me. 2) I saw the movie “Shine” and got really into Rachmaninov and classical piano in general. 3) I got heavily into Chick Corea, through Frank Gambale who was and is one of my favourite guitar players. This sparked my interest in jazz and fusion keyboard playing as well. Nowadays I play about equally as much guitar as keyboards, although the focus can shift between each from time to time.
As for keyboards in metal (specifically synth leads) I feel that the key is to find a way of expression which blends with the overall mood and character of the music, and not to go overboard with the sonic character – with frequencies that only bats can hear. Jens Johansson actually had a whole essay about this on his old website, which I guess I took to heart!

Q6: Staffan、あなたのテクニックは本当に素晴らしいですね！例えば、”Tides Immemorial” では、ギターだけでなく本格的なジャズ／フュージョンのキーボードまで取り入れているのが本当に見事です！残念ながら、最近はキーボード奏者の腕の立つメタル・バンドはほとんど見かけませんが、あなたは違いますね！キーボードとギターはどちらもあなたにとって重要なんですね？

【STAFFAN】: ありがとう！そうだね、キーボードとギターはどちらも僕にとって非常に重要なんだ。幼い頃（9歳くらい）からギターを弾き始め、学生時代はずっとギターがメインだった。それから高校時代にいくつかの出来事があり、キーボードに重点を置くようになったんだ。1つ目は、Jens Johansson、そして彼の演奏スタイルに夢中になったこと。もちろん Yngwie Malmsteen との共演は聴いていたけど、その後彼のソロ・アルバム（”Fission”, Fjäderlösa Tvåfotingar”、そして JOHANSSON BROTHERS “Sonic Winter” ）がリリースされ、大きな影響を受けた。
二つ目は映画 “Shine” を観て、ラフマニノフとクラシック・ピアノ全般に深く傾倒したこと。三つ目はFrank Gambale を通して Chick Corea にハマったこと。Gambale は当時も今も僕のお気に入りのギタリストの一人だよ。それがきっかけで、ジャズやフュージョンのキーボード演奏にも興味を持つようになったんだ。現在ではギターとキーボードをほぼ同じくらい演奏しているけど、時折どちらかに集中することもあるね。
メタルにおけるキーボード（特にシンセ・リード）に関しては、音楽全体のムードやキャラクターに溶け込むような表現方法を見つけることが鍵だと感じているよ。コウモリしか聞こえないような周波数帯で音を過剰に強調しすぎないようにすることが大切なんだ。Jens Johansson は、かつて自身のウェブサイトでこのことについて長々とエッセイを書いていて、僕もそれを心に深く刻んだんだと思う！

Q7: Speaking of technique, the music world is now dominated by instant social media, clipped videos, and playlists, and hour-long artistic progressive metal albums are on the verge of extinction. In such a world, why do you continue to pursue this kind of music?

【DIMHAV】: That’s a very true observation of course, and part of the answer is probably that we ourselves are not very present in that kind of social media world – although we very much enjoy interacting with our listeners that way. Also, much of the music that has inspired over the years is rather from the classical world, with composers such as Shostakovich, Debussy, Ravel and Bruckner. This has probably steered us to defining the “arc” of the music as something longer than just one song, where the end result is always the entirety of the album. Another aspect is that we have so far remained fully independent with our music, with no-one pushing us to produce singles or hooks (for better or worse!).

Q7: テクニックといえば、音楽業界は今やインスタントなソーシャルメディア、切り抜き動画、プレイリストに支配され、1時間にも及ぶ芸術的なプログレッシブ・メタル・アルバムは絶滅の危機に瀕しています。
このような世界においても、なぜあなたはプログ・メタルを追求し続けるのですか？

【DIMHAV】: うん、まさに世界はそんな感じだね。それでも。僕らがプログ・メタルを追求する理由の一つは、僕たち自身がそういったソーシャルメディアの世界にあまり積極的に関わっていないからかもしれないね。もちろん、リスナーとの交流は楽しんでいるけどね。
また、長年にわたって僕たちにインスピレーションを与えてきた音楽の多くは、ショスタコーヴィチ、ドビュッシー、ラヴェル、ブルックナーといった作曲家によるクラシック音楽なんだ。こうした背景から、僕たちは音楽の “弧” を単なる一曲ではなく、アルバム全体というより長いものとして捉えるようになったのだろうね。もう一つ重要な点は、これまで音楽活動において完全に独立性を保ち、誰からもシングルやキャッチーな曲を作るようプレッシャーをかけられていないことかな（良くも悪くもだけど！）。

Q8: As we enter the 2020s, the dark clouds of division, oppression, and war are increasingly engulfing the world. In such a world, I think that the fantasy and hope of power metal like yours are needed more than ever. What can power metal do now?

【DIMHAV】: Yes, the times are for sure gloomy and full of uncertainty. We’re very, very glad if we can play a little part in helping anyone suspend that sense of darkness for a while, and hopefully provide an uplifting experience for the listener. The aspects of power metal that exist in our music are very much about the positive spirit of music, and the sense of energy and strength that it can convey. The metal world may not be able to change the course of geopolitics, but at the very least we can improve the soundtrack for Armageddon !

Q8: 2020年代に入り、分断、抑圧、戦争といった暗雲が世界をますます覆い尽くしています。
このような世界において、あなたたちのようなパワー・メタルの持つファンタジーと希望は、これまで以上に必要とされていると感じますよ。パワー・メタルは今、何ができるのでしょうか？

【DIMHAV】: 確かに、今は暗く、不確実性に満ちた時代だよね。もし僕たちが、少しでも人々の心の闇を晴らし、リスナーに希望を与えることができれば、本当に嬉しいんだ。僕たちの音楽に込められたパワー・メタルの本質は、音楽が持つポジティブな精神、そして音楽が伝えるエネルギーと力強さにある。
メタル世界は世界の大きな流れを変えることはできないかもしれないけど、少なくとも終末のサウンドトラックをより良いものにすることはできるだろうね！

FIVE ALBUMS THAT CHANGED DIMHAV’S LIFE!!

Staffan:
1) Yngwie Malmsteen – Odyssey
2) Helloween – Keeper Of The Seven Keys Pt. II
3) Judas Priest – Painkiller
4) Jens Johansson – Fission (with the great Shawn Lane, RIP)
5) Allan Holdsworth – Wardenclyffe Tower

Olle:
6) Dream Theater – Images and Words
7) Symphony X – V
8) Devin Townsend – Ocean Machine
9) Derek Sherinian – Planet X
10) Wintersun – Time I

MESSAGE FOR JAPAN

Yes! We are both big fans of Hayao Miyazaki and all the Studio Ghibli movies. Connected to that, the music of Joe Hisaishi has been a big inspiration as well. In the video game world, all the great From Soft games – Dark Souls, Bloodbourne and Elden Ring have been a recurring pastime for Staffan, although the time for gaming is severely limited at times unfortunately. Although we don’t have a great overview of Japanese music overall, we have certainly listened to bands like Galneryus (who are truly excellent!).
Finally we would like to thank you for the opportunity to tell Japanese metal fans about us, and we hope it has sparked interest in checking out our music! We love the spirit of Japanese culture and way of life, and would love to strengthen our ties to your music scene!

僕たちは二人とも宮崎駿監督とスタジオ・ジブリ作品の大ファンなんだ。それに関連して、久石譲氏の音楽からも大きなインスピレーションを受けているよ。ビデオ・ゲームの世界では、フロム・ソフトの名作 “ダークソウル”, “ブラッドボーン”, “エルデンリング” は、Staffan にとって長年の趣味となっているよ。残念ながら、ゲームに費やせる時間は限られているのが現状だけどね。日本の音楽全般について詳しいわけではないけど、GALNERYUS（本当に素晴らしいバンド！）のようなバンドは確かに聴いているよ。
最後に、日本のメタルファンに僕たちのことを紹介する機会をくれて、ありがとう。僕たちの音楽に興味を持ってもらえたら嬉しいよ！僕たちは日本の文化や生き方に魅了されているから、日本の音楽シーンとの繋がりをさらに深めていきたいと思っているよ。

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【CROWN LANDS : APOCALYPSE】

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COVER STORY : CROWN LANDS “APOCALYPSE”

“In my opinion, video games are unquestionably art, and I’d argue that it is a melting pot of many different disciplines of art coming together in a way that has the potential to be more impactful than movies, and possibly one of the highest potential forms of art.”

APOCALYPSE

カナダのプログレッシブ・ロック・デュオ、CROWN LANDS は決して安易な道を選びません。最新作 “Apocalypse” は、その姿勢を如実に示しています。ギター、ベース、ベース・ペダルを担当する Kevin Comeau と、ドラム&ボーカルを担当する Cody Bowles の2人によって制作されたレコードは、大胆でありながら統一感のあるコンセプト・アルバムとなり、彼らのサウンドをこれまで以上に広大な領域へと押し広げることになりました。
アルバムは、映画的なオープニング “Proclamation” から、疾走感あふれる “Foot Soldiers of the Syndicate”、メロディックな重厚さを湛えた “Through the Looking Glass” と “Blackstar” を経て、19分にも及ぶ壮大なクロージング・トラック “Apocalypse” へと展開していきます。つまり、この多部構成のエピック・アルバムこそ、デュオの才能を存分に発揮する場となっているのです。
「2人組であることの素晴らしさは、お互いに自由にアイデアを出し合えるし、二人以外誰も “ノー” と言ったり、他の意見を言ったりしないこと」と Bowles は語ります。 「僕たちが一緒に曲を作る時は、すべてその場でライブで作るんだ。だから、それはまさに僕たちの純粋な化学反応。色々な要素を組み合わせ、何がうまくいって何がうまくいかないのかを見極め、そこから本当に美しい錬金術が生まれるんだよね…例えば、”Apocalypse” の一節になるような、素晴らしいリフのある15秒のフレーズを見つけたら、それを別のフレーズと重ね合わせる。そうやって、すべてをライブで録音し、テストしていくんだ。
ただ、真の民主主義が欠如していることにはマイナス面もある。どちらかが譲歩しなければ何も起こらない。しかし、その制約を乗り越え、それを活かして何かを生み出すことができれば、実は強みになる」
同じようなダイナミズムは “Beardless Part One” にも影響を与え、より壮大なコーラスを作るという新たな挑戦が、アルバムの中でも特に印象的な瞬間を生み出しました。この創造的な “摩擦” は、バンドの活動を停滞させるどころか、どちらか一方だけでは到達できない高みへと彼らを押し進めているのです。
この2人編成というスタイル自体は、意図的な選択というよりは、むしろ自然発生的なものでした。Bowles は19歳頃、Comeau とのジャムセッションに参加するまで、歌ったことは一度もありませんでした。
「声が自然に出てきて、”うわ、すごい！” って思ったんだ。で、これは続けなきゃって」

CROWN LANDS の RUSH 愛、ミクマク族の遺産についてはこちら。

Bowles は生まれてからずっとドラマーで、父親の好きなバンドは RUSH でした。中学2年生になるまで、ほとんど RUSH ばかり聴いていました。初期のブルースのジャムセッションで、Comeau が足でキック・ドラムを叩いてリズムを取り始めたとき、Bowles はほとんど偶然にドラムセットを引き継ぎました。
「Kevin が “足はどうしたらいいんだ？” って言って、ベースペダルを弾き始めたんだ。それで僕は “よし、なら僕は歌ってドラムも叩こう” って思ったんだ。もうなるようになれって、ドラムを叩きながら歌を覚えたんだよな。まさに環境の産物だね」
Bowles がボーカルでよく比較されるのは、特に Geddy Lee や Robert Plant ですが、彼はそれを謙虚に受け止めつつも、その背景をきちんと理解しています。もともとのブルース・ロックの影響は、初期の頃は Steve Marriott, John Fogerty そして Plant へと彼を導きました。そこから、バンドのプログレッシブな方向転換によって、彼の鋭角的なメロディセンスがより鮮明になったのです。
「ほとんど本能的にそういう傾向が出てくる。でも、結局それは僕自身のスタイルなんだよな」
“Apocalypse” では、バンドは長年守ってきたルールの一つ、”ライブで演奏できないなら、レコーディングしない” を意識的に放棄することにしました。当時、Comeau は他の楽器に加えてベース・ギターを加えることを主張し、すぐに演奏用に特注のダブルネックベースを製作したくらいでしたが、”Apocalypse” の頃には、彼らは芸術を第一に考え、ライブでのアレンジは後から考えるという方針に完全に傾倒するようになりました。そのため、Comeau がステージで簡単に再現できない複雑なハーモニー、創造的な工夫を必要とする重層的な楽器編成、そして最終的には、ライブで楽曲を生き生きと輝かせるために2人のツアー・ミュージシャンを新たに加えるという決断に至ったのです。
「この音楽は僕たちよりも長く生き続けるだろう。芸術のために音楽を作り、ライブでどう演奏するかは、その時に考えよう」

そう、”Apocalypse” への道のりは、昨年リリースされたアンビエント・ワールドミュージックを基調とした2枚のアルバム “Ritual I” と “Ritual II” の自由に深く根ざしています。Bowles にとって、これらのアルバムは “音楽への愛がロックの枠を超えていることに気づいた” 作品でした。ユニバーサル・レーベルとの決別後、バンドは方向転換を余儀なくされていました。「レーベルもレコーディング予算もなかったけど、自分たちで曲作りやリハーサルをするスタジオはあった。そこで自分たちでレコーディングやミックスをするには、ちょっとした工夫が必要だったんだ。
“Ritual II” のレコードは、僕らがが初めてプロデュースしたレコード…そのアルバムが今年JUNOにノミネートされたのは本当に素晴らしいことだ…そのレコードの大部分が僕たちのソファでレコーディングされたというのは、ちょっとクレイジーだよね」
“Ritual I&II” は、バンドにとって音楽的に大きな転換点となり、リフと轟くドラムの代わりに、フルートと世界各国のパーカッション、それに柔らかなメロディーが採用されました。
「あれはプログ・ファンを驚かせたけど、最高だよ。人を驚かせられないとしたら、正しいことをしていないってことだと思うからね」
その芸術的な自由さは、今回のアルバムのすべてのトラックに散りばめられています。例えば、”The Fall” は Comeau が弾いていたリフから生まれました。当初、そのリフは PINK FLOYD の “Run Like Hell” に少し似すぎていると感じられましたが、軌道修正の結果、フロイドの雰囲気と、Bowles による KISS の影響を受けたドラム・アプローチが融合した楽曲が生まれました。Bowles はこの曲で Peter Chris から直接的なインスピレーションを受けたと語っています。
“Through the Looking Glass” は、壮大なコーラス・メロディーを中心に形作られました。そうして、スタジオでプロデューサーと話し合った際、Bowles が当初は却下していたドラゴンのイメージというコンセプトにたどり着いたのです。
「ずっとノーと言っていたんだ。でも、結局 “わかった、賭けに負けた” ってなった。ドラゴンの翼に乗って、僕たちは飛ぶ。まあ、それでいいか」 結局、この曲はアルバムの中でも彼のお気に入りの1曲となったのです。

19分にも及ぶタイトル曲をリードシングルとしてリリースしたことも、アルバムの他のすべての楽曲と同様に、意図的な選択でした。
「統計的に考えて、何の注目も浴びずにアルバムを丸ごとリリースしたら、誰も聴いてくれないだろう。だから、注目を浴びるようにしたんだ。インスト・アルバムを2枚出したけど、方向性を見失ったわけじゃない。僕たちはプログレッシブ・バンドだ。僕たちはプログレッシブ・ロックをやっているんだ。宇宙のドラゴンについての20分の曲もあるんだ。ただ好きなことをやっている。これが僕たちが考え出した素晴らしいストーリーだ。じっくりと味わい、読み、理解してほしいね」
レコーディングを通して二人が頼りにしたヴィンテージ機材も、アルバムの個性を形作る上で重要な役割を果たしました。Comeau はオリジナルのモーグ・シンセサイザー、古いトーラス・ペダル、ヴィンテージのレスリー・キャビネットを持ち込み、一方 Bowles はアルバムの一部を1970年代のスリンガーランド・ブラックゴールド・キットでレコーディングしました。「僕たちは間違いなくクラシックなサウンドの機材を好むんだ」
“Apocalypse” に貫かれているコンセプトは、”Fearless” の前日譚として機能し、宿敵であるシンジケートとその首領ブラックスターの起源を描いています。シンジケートの台頭、シンジケートの右腕としてブラックスターが頭角を現し、カラゴンが没落する。
「これは、シンジケートがすでにカラゴンに拠点を築き、仕事を終わらせるために戻ってきた時代。彼らは “Fearless” の惑星を破壊した後、露天掘りですべての資源を奪うんだ…シンジケートの本拠地であるブラックスターの故郷から、宇宙の資源と惑星を占領して植民地化し、略奪し、太陽系を攻撃する。そんなシンジケートのイデオロギーをめぐって内戦が勃発していくんだ。空想的に聞こえるかもしれないけど、これは僕たちの現実に根ざしている。まさに今の時代を反映しているんだ。これはつまり、普通の人がいかに簡単に過激化できるかについて…普通の人がオルタナ右翼に誘惑されることについて。だからこそ、ファンタジー要素をもっと盛り上げる必要があったんだよな。
あのエッジーなリフが “Blackstar” になったのは、怒りと凶悪さを感じさせるサウンドで、まるで彼が他の惑星を征服するモンタージュのようだったから。
社会として、僕たちは本当に不快な問題に直面している。そんな中で、僕らが愛するサイエンス・ファンタジーで語りかけることができたのは、まさに幸運だった。”Apocalypse” の根底にあるテーマは、憎しみは憎しみを生み、暴力は暴力を生むということだ。蒔いた種は必ず自分に返ってくる」

もし、Bowles が愛するビデオ・ゲームを、バンドをテーマにして無制限の予算で制作できるとしたら、どんなゲームにするのでしょうか？
「もしバンドを題材にしたビデオ・ゲームを制作できるとしたら、間違いなくオープン・ワールドの3DアクションRPGにするだろうね。独特なアートスタイル（ファイナル・ファンタジーXII ゾディアックエイジとワンダと巨像を合わせたようなイメージ）で、プレイヤーキャラクターは Fearless だ。彼は、自らの民が滅ぼされた謎を解き明かし、邪悪なシンジケートへの復讐の道を歩むことになるよ。バンドの “Fearless Chronology” に登場するキャラクターや場所、例えば Fearless が導きを求めるオラクル、凍てつく荒野、そしてもしかしたら Fearless の失われた民の生き残りであるドラゴン・ライダーなどを登場させて、バンドのストーリーをさらに掘り下げていきたいね」
ビデオ・ゲームは、CROWN LANDS の音楽制作にインスピレーションを与えているのでしょうか？
「ビデオゲームは僕の人生の様々な面やメディアとの向き合い方に影響を与えてきたけど、中でも音楽的な面で最も大きな影響を受けているんだ。メロディーの感覚は、特に幼い頃にプレイしたゼルダから大きく培われたと思う。（日本の作曲家）近藤浩治氏が、シリーズを通してハイラルの多様な風景にふさわしい、素晴らしい音楽的フックと色彩豊かなモチーフを織り交ぜる能力は、僕の心に深く刻み込まれているよ。
同様に、素晴らしいサウンド・トラックを持つ数々の名作ゲームやIPにも深く感動させられている。例えば、”ワンダと巨像”, “SEKIRO: SHADOWS DIE TWICE”, “Ghost of Tsushima”, “モンスターハンター”, “スパイロ“, “シャドウマン”, “ルーンスケープ” とかだね。特に “ルーンスケープ” は、ロックの枠を超えて、変拍子を用いたプログレッシブ・ロックの世界への入り口となった。今でも、こうした名曲を口ずさむことがあるくらいでね」

ゲームの世界に足を踏み入れるきっかけとなったゲームは何だったのでしょう？
「4歳の頃、”ゼルダの伝説” で、美しく広大なゲームの世界に触れたんだ。きっかけを作ってくれたのは父。父は物心ついた頃からゼルダに夢中で、当時よく夜遅くまでファミコン版の初代 “ゼルダの伝説” や “ゼルダの伝説II リンクの冒険” をプレイしていたんだよね。父が “時のオカリナ” をプレイするのを見て、僕もゲームそのものにすっかり魅了されたってわけさ。父は闇の神殿を攻略するのに苦戦していたけど、ついにセーブデータを作らせてくれたんだよね。それ以来、ゼルダ・シリーズは僕の一番好きなゲームになった」
好きなゲームのジャンルは？
「一番好きなゲームジャンルはRPGだね！進行システムが複雑で奥深いほど良いね。どんなゲームでも、常に成長していくシステムが大好きで、新しいアイテムや機能、スキル・ポイントをアンロックするためにひたすらプレイし、スキルツリーに組み込んだり、ゲーム世界を探索したりするのが楽しいんだよ。戦闘やタイミング、パズルなど、難易度が高く、ミスが許されないゲームも好みだね。
Old School RuneScape、World of Warcraft、Baldur’s Gate、Diablo、Dungeons & Dragons Online、Knights of the Old Republic など、挙げればきりがない。さらに絞り込むと、特にアクションRPGが好きでね。フロム・ソフトウェアの名作の数々、モンスター・ハンター・シリーズ、エルダースクロールズ・シリーズ、Black Myth Wukong、Black Desert、そしてもちろんゼルダ・シリーズ（厳密にはアクションRPGではないけど、個人的にはここに含めている）などだね。
強敵を倒して、ドロップ・アイテムを使ってキャラクターを成長させる時の達成感、あるいは型破りな発想で報酬が得られる巧妙にデザインされたパズルほど素晴らしいものはない。脳の特定の部分を刺激し、この上なく心地よく、決して飽きることがないんだよ！」
これまでプレイしたゲームの中で、最も難しかったゲームは何でしょう？
「これまでプレイしたゲームの中で、間違いなく “仁王2” は最も難しいゲームの一つ、いや、もしかしたら一番難しいゲームだったかもしれないね。僕はソウルライク・ゲームでもかなりの難易度を好む方で、 “SEKIRO” を2回もクリアしたくらいだけど、”仁王2″ は難易度の面で全く別次元と言える。ソウルライク・ゲームでありながら、ボスは容赦なくプレイヤーを圧倒し、非常に複雑なスキル・ポイント制の戦闘システムは、習得に非常に時間がかかる。特に、各武器に3種類の構えが用意されている点が大きな特徴で、メイン武器は11種類、遠距離武器は3種類ある。
それに加えて、戦闘には奥深い妖怪化とスキルシステムがあり、これは非常に重要でありながら、理解するのが難しい。最も基本的な敵でさえも、そのスピードと容赦ないダメージ出力を考えると、メタアニメーション・キャンセル戦術とパーフェクト・パリィが生存に不可欠となる。
これまでにないほどの挑戦を与えてくれたゲームで、だからこそ心から愛しているんだよ」

これまでプレイした中で最も美しいゲームは何でしょう？
「懐かしさ抜きで言うと、これまでプレイした中で最も美しいゲームは “ゼルダの伝説 ティアーズ・オブ・ザ・キングダム” だね。美しいセル・シェーディングのグラフィックと、深く彩られた手作りのオープンワールドは、プレイした瞬間から僕を完全に魅了しまたよ。もちろん、前作 “ブレス オブ ザ ワイルド” やそれ以前のゼルダ・シリーズもすべてプレイしているけど、この作品のハイラルの息を呑むような世界観と雰囲気は、本当に際立っていたね。他のどのゲームとも違って、僕をその世界そのものに引き込んでくれたんだ」
今までプレイした中で最高のゲームは？
「今までプレイした中で最高のゲームを選ぶのは本当に難しいね。あえて挙げるとすれば、”SEKIRO: SHADOWS DIE TWICE” と “エルデンリング” の2つだろうか。”SEKIRO” のアクション戦闘とストーリーは、僕の意見では他に類を見ないほど素晴らしいものだよ。戦闘は、僕がこれまでプレイしたゲームの中で最も緻密で、ピクセル単位で完璧な剣戟アクションであり、ストーリーは驚くほど緻密なディテール、秘密、隠されたクエスト、そして独特の雰囲気に満ち溢れているね。源の宮、そして水生村の悲劇的な物語など、ほんのわずかな情報さえも、僕を魅了してやまないんだ。
“エルデンリング” も、環境デザインとオープン・ワールド全体の美しさ、そして半神たちがエルデンリングの欠片を巡って争う壮大な物語の深みにおいて、僕にとっては “SEKIRO” と同等の完成度を誇っている。これまでプレイしてきたソウルライク・ゲームに比べれば簡単だったけど、その圧倒的なスケールと、サウンドデザインから戦闘、世界探索に至るまで全てが一貫して素晴らしい出来栄えだったことに深く心を奪われたね。初めてプレイした時の衝撃は一生忘れられないだろう。
マップは、もう全て見尽くしたと思っても、どんどん広がっていくんだよね。どこを見てもやることが山ほどあって、バンドの練習の合間を縫って1ヶ月間部屋にこもりきりで、発売から1ヶ月以内に100%クリアしたんだ。後悔は全くないよ（笑）」
ビデオ・ゲームは、音楽と同様に芸術と言えるのでしょうか？
「僕の考えでは、音楽と同様、ビデオ・ゲームは紛れもなく芸術で、様々な芸術分野が融合したるつぼのような存在だ。映画よりも大きな影響力を持つ可能性を秘めていて、おそらく最も高い潜在能力を持つ芸術形態の一つと言えるだろう。プレイヤーが次にどこへ進むべきか、世界のどの部分や物語を解き明かすべきかを自ら発見できるというゲームの本質は、その作り込まれた世界で交流するすべての人にとって、他に類を見ない個人的な体験を生み出すからね。
僕自身のゲーム体験では、精緻に作り込まれた世界に登場するキャラクターや冒険に、まるで心の中で大切にしている現実の延長であるかのように、感情的に深く結びついている。もしこの感覚が芸術作品への愛着から生まれたものでないとしたら、一体他に何が芸術といえるのか僕には分からないよ」

参考文献: V13net:Level Up: Crown Lands Drummer & Vocalist Cody Bowles Discusses His Life as a Gamer

THE PROG REPORT :Crown Lands Interview – Apocalypse

SPILL MAG:SPILL FEATURE: APOCALYPSE – A CONVERSATION WITH CROWN LANDS’ KEVIN COMEAU & CODY BOWLES

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【BYONOISEGENERATOR : SUBNORMAL DIVES】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH BYONOISEGENERATOR !!

Nothing is true, everything is permitted.” When we started playing this kind of avant-garde stuff, we made a conscious decision not to limit ourselves with genre boundaries. We began with pure experimentation, and we’re still sticking to that approach.

DISC REVIEW “SUBNORMAL DIVES”

「”正しい音楽などは決してない。すべてが許される”。こういうアヴァンギャルドな音楽を演奏し始めた時、僕たちはジャンルの枠にとらわれないことを意識的に決めたんだ。純粋な実験から始め、今もその姿勢を貫いているよ。初期の作品はデス／グラインドコア寄りだったけど、最新作は新メンバーの Dima と Semyon がもたらしたマス・コアの影響がより強くなっているね。
とはいえ、バンドの方向性は常に、最強に極めて激しい音楽を作ることにある。なぜなら、身体を動かすことは、強くて若々しくいる秘訣だからね」
混沌とした時代には混沌とした音楽がよく映える。実際、ロシアの ByoNoiseGenerator のカオスほど、2020年代のサウンド・トラックといえる音楽は他にないでしょう。
狂気じみたテクニカル・デスメタル、轟音のグラインド・コア、難解な数式のマス・コア、カウボーイ・ビバップのサウンドトラックに煙立ち込めるジャズクラブを、無機質な工業用装置で加工処理したかのような BNG の混沌にルールはありません。そう、ルール無用ですべてが許されるこの時代に、彼らの音楽はあまりにもフィットしているように思えます。
「すべてはデスメタルとその派生ジャンルから始まったんだよね。その後、グラインド・コアやマス・コアの要素をより多く取り入れるようになったんだ。僕たちはそうしたジャンルを音楽的に心から愛しているけど、凶悪な音楽に典型的に見られる歌詞のテーマからは意図的に距離を置いていてね。僕たちの音楽が、デスメタルの誇張された残虐性や、グラインド・コアによく見られる社会政治的なメッセージと結びつくことは望んでいないんだ」
とはいえ、彼らの混沌は決して戦争や抑圧といった暴力の渦に巻かれているわけではありません。むしろ、そうした狂気から距離を置き、音楽的な挑戦や寛容さが極まってたどり着いた場所こそが圧倒的なカオスだっただけ。彼らが生み出す怪物や肉塊、そして官能さえ、実は音楽のみに集約しているのです。
「John Zorn を知ったのは比較的遅い時期だったんだよね。ネット上で僕たちの音楽と彼の音楽を比較する人が出始めたのがきっかけだったんだ。当初は、Chris Potter, Ben Wendel, Michael Brecker といったサックス奏者から影響を受けていたんだよ」
近年、サックスの響きをメタルに持ち込むバンドが増えていますが、BNG に RIVERS OF NIHIL や SLEEP TOKEN のような洗練された音色を期待するのは大間違いです。ByoNoiseGeneratorは、その名の通り、純粋な聴覚的狂気を詰め込んだ混沌を投下するのみ。グルーヴ感のあるスラム・ブレイクダウン、PRIMUS 風のギター・ファンク、頭蓋骨を粉砕するグラインドコアが、フリーフォーム・ジャズの暴力的な流れと混濁し、目まぐるしくその姿を変化させていきます。
3分にも満たないトラックに山ほどの音楽ジャンル詰め込み、インテンスを高めるその姿勢はまさに NAKED CITY の遺伝子そのもの。”ジャズ・グラインド”。複雑極まりないと同時に爆発的なエネルギーを秘めた BNG の楽曲は、狂気じみた拍子と魅惑的な官能のスウィングを見事に結びつけました。この陶酔的でしかしサブリミナルなノイズの荒波で踊ることこそ、2020年代に課せられた私たちの使命なのかもしれませんね。
今回弊誌では、ByoNoiseGenerator にインタビューを行うことができました。「でも真面目な話、この名前もコンセプト全体も、僕らのドラマーがロシアのサウナで亜酸化窒素を吸っていた時に、ちょっと狂った頭で思いついたものなんだよね。だから、その狂ったコンセプトが自然と僕たちの芸術的アイデンティティの一部になったというわけだよ」どうぞ！！

BYONOISEGENERATOR “SUBNORMAL DIVES” : 10/10

INTERVIEW WITH BYONOISEGENERATOR

Q1: First of all, what kind of music did you grow up listening to?

【BNG】: We all started from very different places. For about half of the band, childhood happened at a time when the internet wasn’t that widespread yet, so we listened to whatever we could get our hands on.
Anything from heavy/thrash/death metal to punk rock. For example, our guitarist got into heavy music and picked up the guitar after hearing a Static-X track while playing Need for Speed.

Q1: 本誌初登場です！まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか？

【BNG】: メンバーそれぞれ、音楽のルーツは大きく異なるよ。バンド・メンバーの約半数は、インターネットがまだそれほど普及していなかった時代に幼少期を過ごしたので、その時手に入るものは何でも聴いていたよ。
ヘヴィ・メタル、スラッシュ・メタル、デスメタルからパンク・ロックまで、あらゆるジャンルを聴いていたね。例えば、ギタリストは “Need for Speed” をプレイ中に Static-X の曲を聴いてヘヴィ・ミュージックにハマり、ギターを手に取ったんだ。

Q2: Are you connected to the Russian metal scene? Or have you been targeting bands outside the country?

【BNG】: Even though we don’t play shows that often, we stay connected to the Russian metal scene ― we keep in touch with a lot of musicians and bands.
We also try to stay connected with bands outside the country. We’ve got a lot of great memories and friendships from our European tour.

Q2: 地元ロシアのメタル・シーンとの繋がりはあるんですか？それとも、国外により目を向けているんですか？

【BNG】: ライブ活動はそれほど頻繁には行っていないんだけど、ロシアのメタル・シーンとは繋がりを保っているよ。多くのミュージシャンやバンドと連絡を取り合っているんだ。
同時に、国外のバンドとも繋がりを保つようにしているよ。ヨーロッパ・ツアーでは、たくさんの素晴らしい思い出と友情が生まれたんだ。

Q3: ByoNoiseGenerator is exactly the right name for your music, why did you decide on this name?

【BNG】: As you pointed out ― it fits our music, so that’s why we picked it.
But seriously, both the name and the whole concept came from our drummer’s slightly deranged mind while he was inhaling nitrous oxide in a Russian sauna. So yeah, it kind of naturally became part of our artistic identity.

Q3: ByoNoiseGenerator というバンド名は、まさにあなたの音楽にぴったりですね。なぜこの名前を選んだのですか？

【BNG】: 君が言う通り、僕たちの音楽に合っているからこそ、この名前を選んだんだ。
でも真面目な話、この名前もコンセプト全体も、僕らのドラマーがロシアのサウナで亜酸化窒素を吸っていた時に、ちょっと狂った頭で思いついたものなんだよね。だから、その狂ったコンセプトが自然と僕たちの芸術的アイデンティティの一部になったというわけだよ。

Q4: Still, I’ve never heard music as chaotic as yours!Technical grindcore, free jazz, Primus-like grooves with Mr. Bungle-like progressive developments. Why did you decide to make such chaotic, avant-garde music?

【BNG】: “Nothing is true, everything is permitted.”
When we started playing this kind of avant-garde stuff, we made a conscious decision not to limit ourselves with genre boundaries. We began with pure experimentation, and we’re still sticking to that approach.
Our earlier releases leaned more towards death/grind, while the latest one has a stronger mathcore influence, brought in by our newer members Dima and Semyon.
Overall though, the band’s direction has always been about creating максимально intense music ― because physical exercise keeps you strong and young.

Q4: それにしても、あなたたちほどカオスな音楽は聴いたことがありません！
テクニカル・グラインドコア、フリージャズ、PRIMUS のようなグルーヴに Mr. Bungle のようなプログレッシブな展開。なぜこんなにカオスでアヴァンギャルドな音楽を作ろうと思ったのですか？

【BNG】: 「正しい音楽などは決してない。すべてが許される」
こういうアヴァンギャルドな音楽を演奏し始めた時、僕たちはジャンルの枠にとらわれないことを意識的に決めたんだ。純粋な実験から始め、今もその姿勢を貫いているよ。
初期の作品はデス／グラインドコア寄りだったけど、最新作は新メンバーの Dima と Semyon がもたらしたマス・コアの影響がより強くなっているね。
とはいえ、バンドの方向性は常に、最強に極めて激しい音楽を作ることにある。なぜなら、身体を動かすことは、強くて若々しくいる秘訣だからね。

Q5: Many people must feel John Zorn’s genes when they listen to your music.In fact, does his music and use of the saxophone influence you?

【BNG】: We actually discovered Zorn relatively late. It happened after people online started comparing our music to his.
Initially, we were more influenced by sax players like Chris Potter, Ben Wendel, and Michael Brecker.
That said, John Zorn had a huge impact on our sax player Shela in his early years. He learned improvisation and phrasing largely through studying Zorn and Naked City.
So yeah ― the answer isn’t entirely straightforward, as you can see.

Q5: あなたたちの音楽を聴くと、John Zorn の影響を感じる人も多いのではないでしょうか。実際、彼の音楽やサックスの使い方は、あなたたちに影響を与えていますか？

【BNG】: 実は、John Zorn を知ったのは比較的遅い時期だったんだよね。ネット上で僕たちの音楽と彼の音楽を比較する人が出始めたのがきっかけだったんだ。
当初は、Chris Potter, Ben Wendel, Michael Brecker といったサックス奏者から影響を受けていたんだよ。
とはいえ、John Zorn は、サックス奏者の Shela が若い頃に大きな影響を受けている。Shela は Zorn と NAKED CITY を研究することで、即興演奏やフレージングを多く学んだんだ。
だから、メンバーによって異なるんだよね。

Q6: Interestingly, your music reminded me of the soundtrack to the Japanese anime Cowboy Bebap.It’s strange that grindcore reminds me of such music (lol), but do you actually have any Japanese anime, video games, or music influences?

【BNG】: Japanese culture hasn’t directly influenced our music, but it’s worth mentioning that we all grew up watching iconic anime and films like Evangelion, Berserk, Tetsuo: The Iron Man.
All of that stuff feels incredibly weird and mesmerizing ― at least from a European perspective. Maybe our music creates a similar feeling for listeners.

Q6: 面白いことに、あなたの音楽は日本のアニメ “カウボーイ・ビバップ” のサウンドトラックを想起させますよ。グラインドコアがそんな音楽を連想させるなんて不思議ですが（笑）。
そうした、日本のアニメやゲーム、音楽から影響を受けたことはありますか？

【BNG】: 日本の文化が直接僕たちの音楽に影響を与えたわけではないけど、僕たちは皆、”エヴァンゲリオン”, “ベルセルク”, “鉄男” といった名作アニメや映画を見て育ったことは特筆すべきだろうね。そうした作品は、少なくともヨーロッパの視点から見ると、信じられないほど奇妙でだけど魅惑的なんだ。
もしかしたら、僕たちの音楽もリスナーに同じような感覚を与えているのかもしれないね。

Q7: Originally, grindcore and death metal were two separate things, but in recent years the two have come closer together, with a proliferation of bands that are now being referred to as death grind. You also combine the impulse and sociality of hardcore with the complexity and technique of death metal, which do you consider more your roots?

【BNG】: Like we said earlier, it all started with death metal and its variations. Later, we began incorporating more grind and mathcore elements.
We genuinely love all these genres musically, but we deliberately distance ourselves from the typical lyrical themes associated with them.
We don’t want our music to be tied to the exaggerated brutality of death metal or the socio-political messaging often found in grindcore.

Q7: 元々、グラインド・コアとデスメタルは別々のジャンルでしたが、近年は両者が接近して “デス・グラインド” と呼ばれるバンドが増えています。
BNG もまた、ハードコアの衝動と社会性に、デスメタルの複雑さとテクニックを融合させていますが、どちらがよりあなたのルーツだと考えていますか？

【BNG】: 先ほども述べたように、すべてはデスメタルとその派生ジャンルから始まったんだよね。その後、グラインド・コアやマス・コアの要素をより多く取り入れるようになったんだ。
僕たちはそうしたジャンルを音楽的に心から愛しているけど、凶悪な音楽に典型的に見られる歌詞のテーマからは意図的に距離を置いていてね。
僕たちの音楽が、デスメタルの誇張された残虐性や、グラインド・コアによく見られる社会政治的なメッセージと結びつくことは望んでいないんだ。

Q8: Since 2020, pandemic happened, divisions are growing, and your country is at war. What can heavy music do in such a dark world?

【BNG】: We believe heavy music should keep doing what it has always done ― bringing people together, giving them a way to release emotions and energy, and helping them get through all this darkness.

Q8: 2020年以降、パンデミックが発生し、分断が深まり、遂にはあなたの国は戦争状態にあります。このような暗い世界で、ヘヴィ・ミュージックは何ができるでしょうか？

【BNG】: 僕たちは、ヘヴィ・ミュージックはこれまで通り、人々を結びつけ、感情やエネルギーを発散させる手段を提供し、この暗闇を乗り越える手助けをし続けるべきだと信じているよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED BNG’S LIFE!!

The Tony Danza Tapdance Extravaganza “Danza III”

the album that got me into mathcore (Halo)

Metallica “Master of Puppets”

the album that got me into heavy music (Tim)

Pink Floyd “The Wall”

because I like worms (Shela)

Yüth Forever “Freudian Slip”

such an underrated album that takes the best from nu metal, math metal, and metalcore and delivers it in a full-force blast of aggression, anxiety, and depression — just hits you straight in the face (M1t)

Foetopsy “In the Bathroom”

Almighty Jon Engman completely changed my drumming (Nox)

MESSAGE FOR JAPAN

We’re really happy that people in Japan are interested in what we do. Hopefully, one day we’ll get to visit your country, play a couple of shows, and fulfill our vocalist’s childhood dream!

日本のみんなが僕たちの音楽に興味を持ってくれたことを、本当に嬉しく思うよ。いつか日本に行けることを願っている。君たちの国でライブを行い、ボーカリストの幼い頃からの夢を叶えたいね！

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JOEL HOEKSTRA’S 13 : FROM THE FADE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JOEL HOEKSTRA !!

“It does’t really matter WHAT you’re working hard at. There are so many ways to become talented with guitar. The one thing all great guitar players have in common is that they have spent a lot of time with the instrument.”

DISC REVIEW “FROM THE FADE”

「僕は音楽に関しては非常に柔軟な考え方を持っていて、何事にも一生懸命取り組んでいるんだ。プロ意識を持ち、親しみやすく、感じの良い人間であろうと心がけていて、だから周りの人たちも僕が彼らのために最善を尽くそうと真剣に考えていることを感じ取ってくれているからだと思うんだ」
Joel Hoekstra は今、メタルやハード・ロックの世界で最も引っ張りだこなギタリストのひとりでしょう。NIGHT RANGER で颯爽とギター・シーンに登場した Joel は、その技巧と創造性、そして旋律の妙で瞬く間に注目を集め、David Coverdale から WHITESNAKE のギタリストに任命されます。あまりにも華麗なロックのシンデレラ・ストーリー。しかし、Joel を必要としているのはこの二大バンドだけではありません。
TSO, FOREIGNER, ICONIC, REVOLUTION SAINTS, Jeff Scott Soto, Amy Lee, Michael Sweet, Sebastian Bach, Nico Mcbrain, そして意外にも ACCEPT。少し挙げただけでも、共演者には錚々たる顔ぶれが並んでいます。興味深いのは、多種多様なアーティストが Joel との共演を望んでいること。つまり、Joel の才能はどんな音楽にも対応できるほどに柔軟ですが、しかしそれだけが求められる理由ではありません。いや、それ以上に彼は、人間的に柔軟で優しく、勤勉であることこそが求められる理由だと信じています。
「僕はいつも、誰よりも努力するようにとアドバイスしているんだ。なぜなら、努力は必ず報われると信じているから。実は、ギターを極めるために何に努力するかはそれほど重要ではないんだよ。ギターの才能を開花させる方法はたくさんあるからね。偉大なギタリストに共通しているのは、楽器に多くの時間を費やしてきたという事実だけなんだ」
そう、Joel Hoekstra はギターに対して、音楽に対して、そして音楽にかかわるすべての人に対して誰よりも謙虚で、柔軟で、真剣です。練習よりも、努力よりも、戦略やイメージ、動画の編集能力が重要になる現代において、だからこそ Joel は声高にこう語ります。ギターに触り続けろと。
運指や音の正答が瞬時にでる、YouTube や Guitar Pro 全盛の時代。しかしもしかすると、その便利さがギタリストの多様性を奪っているのかもしれません。ギターを極めるための道は何通りもあるべきで、だからこそ道が定まらない不便な時代には個性的なギタリストが多く生まれたのかもしれません。ただひとつ、裏切らないのはギターに触れた時間だけ。
「まず第一に、僕はロック・ミュージシャンだ。でも、他のジャンルの要素を取り入れてロックに融合させるのが大好きなんだよね。音楽理論が大好きだから、音楽の構造を理解できて、他の人がやっていないようなことを考えるのにとても役立っているよ。普段は親しみやすく馴染みやすいスタイルで演奏しているけど、時折、人を驚かせるような要素を盛り込むのが好きなんだよね」
そんなギターのキャプテン翼、Joel Hoekstra だからこそ、彼が作り上げる “メロハー” の世界 “From the Fade” は独特で芳醇です。”Lifeline” のように誰もが親しみを抱くメロディを根幹に置きながら、Joel は楽曲の中にギターの美技、そして好奇心を誘うギミックやフックを存分に盛り込みます。Vinnie Appice, Derek Sherinian, Tony Franklin という歴戦の猛者たちの色彩も巧みに織り入れながら、シーンのニュー・ヒーロー Girish Pradhan の情熱的な歌唱がアルバムのステージをひとつ上へと高め、Joel の絶技がトドメを指すイメージでしょうか。ただのノスタルジーではなく、衰退とは真逆の未来を見据えたフォレスタルジー。そう、Joel が作り上げた、DIO から JOURNEY、WHITESNAKE から FOREIGNER まで駆け巡るメタルの歌心と妙技の旅路は、21世紀に入っても色褪せることは決してないのです。
今回弊誌では、Joel Hoekstra にインタビューを行うことができました。「僕自身は8フィンガー・テクニックを Jeff Watson から教わったわけではなくてね。僕の初期の指導者の一人である TJ Hermerich が、僕がまだ若かった頃、たぶん14歳くらいの時に教えてくれたものなんだ。彼は Brett Garsed とフュージョン・アルバムをいくつか出しているから、ぜひ聴いてみてほしい！TJ は8フィンガー奏法において非常に高度な技術を持っていたからね」 そうなんだよね…この人 TJ Hermerich の弟子でもあるんだよね… Brett Garsed 共々、タップでもハイブリッドでもある指は全部使う努力家ギタリストの系譜。どうぞ！！

JOEL HOEKSTRA’S 13 “FROM THE FADE” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DARREN HOUSHOLDER : A VISION FOR YOU】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DARREN HOUSHOLDER !!

“My life goal since I was fifteen was to become an internationally known rock musician. My current goal is to make Psycho Pharma an internationally known brand of supplements.”

DISC REVIEW “A VISION FOR YOU”

「僕がバークリーに在学していたのは、John Petrucci, John Myung, Mike Portnoy が全員バークリー音楽大学に在籍していた年だった。彼らは毎晩練習室にこもり、後に “Majesty” となる楽曲制作に励んでいたんだよね。彼らは信じられないほど勤勉で、努力家で、成功は確実だと学校の誰もが感じていたよ」DREAM THEATER の成功は、その才能と努力、勤勉さから多くの人が予感していました。しかし、例えば James LaBrie との出会いだったり、MTV でのヘヴィ・ローテーションだったり、グラミー獲得までにはほんの少しの “運” の要素も作用していたはずです。実は彼らと同学年に、そんな “運” がほんの少し、味方しなかったひとりのギタリストがいたのです。
「1995年までに、僕はインストゥルメンタル・ギター・アルバムを3枚と、Love/Hate との共作 “Let’s Rumble” をリリースしていた。ドラムに Ray Luzier 、ボーカルに Sean Daily を迎えた僕のバンド、FREAK POWER TICKET は、オリジナル曲を15曲録音し、当時は難しかった契約獲得を目指してロサンゼルス周辺で演奏活動を行っていたよ。そんな時、当時ガール・フレンドだった今の妻が、僕たちの第一子となるドリアン（僕たちの好きな短音階にちなんで名付けた）を出産間近となって、僕は音楽学校時代ずっとやっていたテレ・マーケティングの営業を再開することにしたんだ。やがてその仕事が得意になり、家族を養えるほどになって、2年以内に念願のマイホームを購入することができた。その6ヶ月後、僕はその会社を辞め、Brand New Energy というサプリメント販売会社を立ち上げたんだ。これが後に僕のフィットネス・ブランド、Psycho Pharma になったんだよ。あれから28年が経ったんだね」
Darren Housholder。”シュラプネル” の一員だった彼は、レーベルの中で特に目立った存在とは言えませんでした。しかし、当時彼が残した3枚のソロ・アルバムはどれも、ギターが本当に “弾ける” 人なら理解できる、そしてそんな人を唸らせる実に素晴らしい作品でした。クラシックやオーケストラ、ビッグバンドに MESHUGGAH のようなリズムの実験。バラエティ豊かな3枚のアルバムにはどれも、挑戦的で音楽的な楽曲が揃えられていましたが、それ以上に Darren はギターを自らの手足のように扱っていました。
ギターを “弾ける” 人なら、そうしたギターとの一体感は演奏からすぐに感じ取ることができます。だからこそ、例えば Marty Friedman が MEGADETH で、Paul Gilbert が MR. BIG で、Bumblefoot が　GUNS N’ ROSES で世界へ羽ばたいたように、Darren にもほんの少しの運が傾くべきだったのです。
「15歳の頃からの僕の人生の目標は、国際的に有名なロック・ミュージシャンになることだ。同時に、現在の目標は、Psycho Pharma を国際的に認知されるサプリメント・ブランドにすることなんだ」
もし出会ったのが LOVE/HATE ではなかったら (とはいえ “Let’s Rumble” は名作ですが)、もし Jeff Pilson と Vinnie Appice とバンドを組めていたら、もし David Lee Roth に拾われていたら…そんなたくさんの “If” を経て、Darren はギター以外の世界に活路を見出すことに決めました。
ギター教師、テレワークの経験を活かして立ち上げたフィットネス/サプリメント・ブランド “Psycho Pharma” は世界的なブランドへと成長。もし音楽を諦めたとしても、他の何かで自己実現することができる。そして、人はいつでも音楽へと戻ることもできる。Darren は自らの生き方で、音楽を諦めた誰かの希望となってみせました。そう、彼はブランドを成功へと導きながらも、若かりし頃の夢であった音楽の世界へと再び戻ってきたのです。
「何十年ぶりに書いたインストゥルメンタル曲は、2019年の “Ava’s Dance” だったね。当時、Jizzy Pearl のアルバムを2枚レコーディングしたばかりで、1日に30分以上ギターを弾く練習を再開したばかりだった。長い間失っていた創作意欲が、ようやく戻ってきたんだよ！アルバム “A Vision for You” に収録されている曲は、それから6年の歳月をかけて書き上げていったんだ。どれも全く異なる個性を持っていて、似たような曲は一つもない。ただ一つ共通しているのは、僕のトレードマークであるアグレッシブで攻撃的なサウンドだね」
もしかすると、それは “中年の危機” だったのかもしれません。一時は練習さえしなくなっていたギターを、Darren は再び毎日手に取るようになりました。盟友 Jizzy Pearl のリクエストもあり、アルバムに参加。そうして感覚を取り戻したマエストロは、音楽で自己実現を果たすためインストの世界に舞い戻りました。
“A Vision for You”。ちょうど30年ぶりに届けられたアルバムには、まさしく Darren の多様なビジョンで満ちています。私たちはこういう、展開の読めない、惜しみなく技巧を披露した、ワクワクするような、シュレッド・アルバムをいつでも待ち侘びています。きっと Jeff Beck がシュラプネル時代のアーティストならこんな作品を作っていたのではないでしょうか？ 旧友 Billy Sheehan と KORN の Ray Luzier のダイナミックな演奏も加わり、作品は完璧な復活祭となりました。”Ava’s Dance” の5/8とダウンテンポの6/8の使い分けといったらもう…”Generator Man” で正面されていましたが、やはりこの人はリズムの魔術師です。
今回弊誌では、Darren Housholder にインタビューを行うことができました。「ギターを弾くことで、内気な少年だった僕が自信に満ちた人間へと変われたんだ。人生観そのものが変わり、真の自信とカリスマ性を身につけることができた。音楽という言語を学び、自分だけのサウンドスケープを創造し、世界に発信してほしい。これこそが、僕が知る最高の贈り物だよ。ミュージシャンの個性とは、音色、フィーリング、そしてキャラクターだ。単に音符を弾くだけではなく、音符の弾き方、そして “これは私だ、他の誰にも真似できない” という個性的な表現力こそが、その人を際立たせるんだ。だから、自分だけの個性を見つけてほしい。自分だけのスタイルを見つけてほしい。それは、あらゆる影響が融合し、君だけの唯一無二の音楽へと昇華されるのだから」 どうぞ！！

DARREN HOUSHOLDER “A VISION FOR YOU” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【WIDEK : ENTRANCE INTO ETERNITY】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH WIDEK !!

“I’ve always loved calmer parts in metal music. Back in 2010 I listened a lot of djent precursors and post-rock bands and I was like: Hey! I love heavy riffs and I love ambienty post-rock clean guitars. Let’s mix this!”

DISC REVIEW “ENTRANCE INTO ETERNITY”

「僕は常に Djent の単調さや類似性を避けようとしてきたんだ。当時多くの曲は “0-0-0” というリフ構成と、同じようなメロディーやパターンに基づいていたからね。だから、同じようなサウンドのバンドが多すぎたという理由で、Djent の人気が衰えた理由も理解できるよね。残念ながら、メタルコアというジャンルでも同様のことが起こっていた。もちろん、今でもトップレベルで活躍している Djent バンドはたくさんあり、僕の大好きなバンド (PERIPHERY) もその一つだよ！」
00年代末期から10年代の中盤まで、Djent は大きなムーブメントとしてヘヴィ・メタルを牽引していました。もともと、MySpace やネットの掲示板から火がついたナードでアンダーグラウンドなリズムとシュレッドの実験は、その多くが “ベッドルーム・ミュージシャン” で、プロモーションやリリースも大半が DIY で行うという、まさに SNS 時代の到来を感じさせる刹那の煌めきでした。
しかし、その “誰にでも参加できる” というムーブメントの性質は、多くの才能を輩出すると同時に、シーンを飽和させ、同じような音楽が乱立することによって衰退への道を歩むことにもつながったのです。とはいえ、もちろん Djent の代名詞であったあの重低音とポリリズミックな響きは今でもメタル・リフのそこかしこで輝きを放っていますし、何よりも真に才能あるアーティストはムーブメントの浮き沈みにかかわらず活動を続けています。
シーンの先駆けとなった PERIPHERY, ANIMALS AS LEADERS, TesseracT、そして Plini, Sithu Aye, Owane, Jacob Zytecki, David Maxim Micic…彼らには人智を超えた超絶技巧はもちろん、類稀なる個性も備わっています。ポーランドの Widek もそんなひとつの才能。
「僕はメタルの中の落ち着いた静かなパートが昔から大好きなんだよ。2010年頃、Djent の先駆けやポスト・ロックをたくさん聴いていて、”ヘヴィなリフも好きだし、アンビエントなポスト・ロックのクリーン・ギターも好きだ。これをミックスしてみよう！” って思ったんだよね。新しいジャンルではないのは分かっていたけど、当時はヘヴィでありながら落ち着いた/アンビエントなインストゥルメンタル・バンドはあまり多くなかったからね。個人的には、その方がずっと退屈じゃないと思うんだ。そして、その試みは大成功だった。誰かが僕の最初のEPを YouTube にアップロードしてくれて、最初から人気が出たんだよね！」
当時 Bandcamp の “Djent” タグをせっせと漁っていた人間で、WIDEK の名を知らない者はいないでしょう。そしてたしかに、彼の音楽は異端で、斬新で、雄弁でした。細分化と多様化が進むモダン・メタル勇躍の時を象徴するかのように、WIDEK はなんのためらいもなくメタルの重厚な技巧に、ポスト・ロックの繊細と静謐、夢見心地な壮大さ、そして幻想的で美しい世界観を組み合わせました。
重要なのは、WIDEK の音楽がいわゆる “ポスト・メタル” とはまた別のベクトルを向いていること。彼の盟友 Gru の手によるアートワークが示す通り、WIDEK の世界は宇宙と空間、次元の合間を行き来していて、だからこそ、プログレッシブで、まるで夜空を輝く星々のように息を呑むほど美しいのです。トレモロとクリーンが織りなす Djent の天の川。
「ギターは決して死んでいない。ソロ・ゲストの参加は僕の音楽の大きな部分を占めていて、曲に深みと多様性を加えてくれる。ギターソロなしでは Widek のアルバムを聴くことは不可能だと言っても過言ではないんだよ！」
同時に、彼の音楽にはシュレッドの夢が詰まっています。”Entrance into Eternity” “永遠への入り口” と名付けられたアルバムには、Gru, Sithu Aye, Morgan Thomaso, Paul Wardingham, Marco Sfogli, Bruno Henrique, Per Nilsson といった歴戦のギター勇士たちが馳せ参じ、AI 全盛の時代に人の手による驚きと興奮を存分に伝えてくれます。そう、これはギターという永遠に探索可能な “宇宙” への入り口でもあるのです。
今回弊誌では、WIDEK にインタビューを行うことができました。「僕は昔からSFや宇宙を題材にした作品が好きだったんだ！そんなロマンティックな場所から発する世界へのメッセージは、”言葉遣い、仕草、日々の選択において、お互いに優しくありましょう” というものだよ。優しい言葉一つが、誰かの1日、あるいは人生を変えることもあるからね。僕たちは、今他人がどんな困難に直面しているかを知るすべもない。だけど、一つだけできることがある。それは、優しくあること。敬意を払うことにお金はかからないけど、その意味は計り知れないんだよ」 どうぞ！！

WIDEK “ENTRANCE INTO ETERNITY” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【EXXÛL : SEALED INTO NONE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH PHIL TOUGAS OF EXXÛL !!

“I got this idea from Sortilège, a french band that has greatly inspired me. The song “Délire d’un fou” has a short moment like this and the first time I heard this solo, I couldn’t believe it! This song marks probably one of the greatest moments in heavy metal history in my book. Not only that, but I couldn’t believe more bands that came after them didn’t try this either.”

DISC REVIEW “SEALED INTO NONE”

「独自の音楽で故郷ケベック州を代表することが僕の使命だと考えているんだ。また、僕の活動を通して、音楽シーンを活性化させ、仲間や友人たちがそれぞれの個性を磨き、独自のサウンドを確立していくよう、刺激を与えたいと思っているんだ。こうした思いから、僕は “TSO”（The Stygian Oathの略）というレーベルを設立したんだ」
今、メタル世界で Phil Tougas ほど多忙かつ、才能溢れる人物は他にいないかもしれません。FIRST FRAGMENT ではシュラプネルに敬意を表したフラッシーなテクニカル・デスメタルを叩きつけ、ZEICRYDEUS では MANOWAR や RUNNING WILD をベースだけで演じきり、WORM では ENSLAVED がドゥームと契ったネクロマティックな音楽を披露。Phil の多才は TSO という自身の音楽を解き放つためのレーベルを立ち上げるにまで至り、今やケベックの、いやカナダ、もっといえば世界のメタルを牽引する場所にいます。
Phil がメタル世界で一目置かれているのは、その独特で斬新な古の音楽に対するリスペクトが故でしょう。多くの “モダンな” メタル・バンドが影響を受けている GOJIRA のような “メジャー” には目もくれず、Phil は多くのマニアにとって特別な、しかしナードなバンドを追い続け、創造的な音楽を作り続けています。
例えば、ZEMETH の Junya 氏が MAGO DE OZ や RATA BLANCA, DARK MOOR といったマニアックなバンドに対する愛情を隠さないその姿に、私たち真のメタル・オタクは心を動かされ、喝采を送ります。それは、彼が私たちと同じ熱量と時間をメタルに費やした “こちら側” の人間、本物である証明だから。メタルに対する深い知識と愛情は、そのまま絶大な信頼感へと置き換わります。そしてもちろん、Phil Tougas も同様に、”こちら側” の人間です。
「僕の目標はパワー・ドゥーム・アルバムを作ることだった。速いテンポと遅いテンポを組み合わせ、ダークでスローなリフの上に高揚感のあるボーカルとシュレッディングを乗せて、独特の音楽的コントラストを生み出したかった。多くの界隈でプログレッシブ・ドゥームと見なされている MEMENTO MORI や VENI DOMINE に影響を受けたとはいえ、このアルバムを必ずしもプログレッシブ・メタル・アルバムとは考えていないよ」
こちら側の人間だからこそ、Phil は EXXÛL でメタル史に残る傑作 “Sealed into None” を生み出せたのでしょう。驚くべきことに、このアルバムは、ドゥーム・メタルとプログ・パワーという、一見仄暗く遠い場所にある音楽が見事に融合した、古めかしくも斬新で、非常に稀有な作品です。Phil が言及しているように、あの素晴らしき MEMENTO MORI はもしかすると近い場所にいたかもしれません。とはいえ、FATES WARNING の迷宮と SOLITUDE AETERNAUS の陰鬱がブラック・メタルやダンジョン・シンセを経て、これほど濃密に美しく混ざり合えるなど、誰が想像したでしょう？
「”スキャット” のアイデアは、僕に大きなインスピレーションを与えてくれたフランスのバンド、Sortilège から得たんだ。”Délire d’un fou” という曲に、まさにこのような短いパートがあり、初めてこのソロを聴いた時は信じられなかったよ！この曲は、僕にとってヘヴィ・メタルの歴史の中でも屈指の名曲となった。それだけでなく、彼らの後に続くバンドがなぜこの手法を取り入れなかったのか、不思議でならないんだよ」
そのふたつを見事に繋いだのが、Phil の “GOAT” とも評される卓越したギター・シュレッドでしょう。WORM の作品に Marty Friedman を招いたように、彼のシュラプネルやシュレッドに対する愛情もまた本物。同世代の教科書通りのギタリストたちを置き去りにする、大胆不敵でヘヴィ・メロディックな Phil の魔法は、CRIMSON GLORY の Midnight を彷彿とさせる驚異のボーカル Thomas Karam の歌声とシンクロし、ダークな深淵からメタルのスキャットをお見舞いします。SORTILEGE を聴いたことのない奴は黙ってろ！真に信頼できるのは、そんな一見さんお断りでしかし絶品のグルメを提供する通な店なのかもしれませんね。”Painkiller” や “Into the Arena” みたいな有名曲ばかり上手に弾いて再生数だけ稼いでんじゃねえ！
今回弊誌では、Phil Tougas にインタビューを行うことができました。「僕は日本のメタルも大好きだよ。SABER TIGER が大好きでね。彼らのデビュー・アルバム “Invasion” は、僕にとって歴代最高のメタル・アルバムの一つなんだ。 Anthem, Fast Draw, Loudness, Sex Machineguns から GISM, Funeral Moth, Corrupted, Viscera Infest, Anatomia, Coffins, Somnium De Lycoris。それから Galneryus, X Japan, Skywings, Versailles といった過激なパワー・メタルまで、日本のメタルはほとんど好きなんだよ」21世紀最高のメタル・アルバムのひとつ。 二度目の登場。どうぞ！！

EXXÛL “SEALED INTO NONE” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【HEADLESS : TRANSITIONAL OBJECTS】GÖRAN EDMAN IS COMING BACK TO JAPAN 26′

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH GÖRAN EDMAN OF HEADLESS !!

“It’s difficult to highlight anything in particular but Kharma “Wonderland “ is definitely a pearl worth mentioning.”

DISC REVIEW “TRANSITIONAL OBJECTS”

「北欧の声なんて思ってはいなかったよ。スカンジナビア・メタルが特に日本で人気があることは知っていたけどね。実際は、当時影響を受けていたイギリスやアメリカのバンドのサウンドを真似て、それを模倣しようとした結果、僕らの色が加わって副産物としてスカンジナビア・メタルのサウンドが生まれたんだよね」
北欧の声。本人がどう思おうとも、私たちにとってそれは、Joey Tempest であり、Tony Harnell (アメリカ人ですが) であり、そして Göran Edman でした。北欧の厳粛で荘厳で美麗な雰囲気をそのまま声に宿らせたかのような彼らの歌唱は、そして陰りのあるクラシカルな響きをギターに込めたシュレッダーの音の葉は、特に当時の日本人の心を打ち、北欧メタルというひとつの素晴らしきジャンルを作り上げました。
中でも、様々なバンドを渡り歩き、幾多の名作を生み出してきた Göran は、北欧メタルと同義であり、その創設者ともいえる存在でしょう。MADISON に始まった Göran の旅路は、John Norum, TALISMAN という偉大な場所に立ち寄りました。特に、John Norum の “Total Controll”、あのメランコリックな恍惚が北欧メタルの原点のひとつとなったことはたしかでしょう。
「Yngwie と共演したあの数年間は、色々な意味で波乱万丈だったけど、そこから多くのチャンスが生まれたことに感謝しているんだ。一番良い思い出は、おそらく “Eclipse” のプリ・プロダクション、レコーディング、そして最終プロモーションに関することだろうな。”Fire & Ice” の時代は、首に縄をかけられているような気分で、衝突も多かったからね。でも、どちらのアルバムにも、僕なりのハイライトがあるんだよ」
Göran のキャリア、そのハイライトはあの Yngwie Malmsteen との共闘でしょう。共闘と書きましたが、実際のところ、なぜかリード・シンガーを毛嫌いし敵視するマエストロとの仕事は簡単ではなく、むしろバンドにいること自体が恐闘と呼べるような状況だったようです。
ただし、Göran の声と Yngwie の音楽、その相性は素晴らしく、オール・スウェーデンで臨んだ “Eclipse”, “Fire & Ice” は北欧メタルの教科書として今や多くの人に溺愛されています。実際、”Eclipse” のダークでしかし煌めきに満ちた皆既日食の景色や、”Fire & Ice” のバラエティに富んだ一級品の旋律たちも、Göran の狂おしいまでの情歌によって北欧メタルのマイルストーンとなりました。
「これまで様々なプロジェクトやバンドに参加し、ゲスト出演なども行ってきたよね。そうしたボーカルのほとんどは、自宅スタジオで録音したものなんだ。ジャンルも多岐にわたるね。特に何かひとつを挙げるのは難しいけれど、KHARMA の “Wonderland” は間違いなく特筆すべき作品だと思うよ」
Yngwie と別れて以降、Göran はその才能をより幅広く開花させていきました。理想的な北欧メタルから GLORY が辿った変遷はそのまま、Göran の行く道を暗示していたのかもしれません(“Positive Bouyant” とか “Wintergreen” とか今聞くと素晴らしいですよ)。Göran の優しくソフトな歌声で人気を博した STREET TALK, プログレッシブ・サイドを探求した KARMAKANICK, そして何より Göran 自身が特別だと語る KHARMA の “Wonderland”。まるで QUEEN と STYX が北欧で出会ったかのような珠玉の一品は、アルバム1枚で終わってしまったのがあまりにも惜しいまごうことなき傑作。
そうして自然に歳を重ね、69歳となった今、Göran は HEADLESS というスーパー・バンドで本当に久々の来日を果たします。ELEGY や Neil Zaza のメンバー擁するバンドは、丁寧にプログレッシブなハード・ロックを作り上げ、Göran の今をしっかりと伝えてくれます。誰も年齢に逆らうことはできません。しかし、年齢に逆らわず、人生を抱きしめ、今の自分を抱きしめながら愛する音楽を続ける Göran の声に、私たちはロックの真髄を見るはずです。
今回弊誌では、Göran Edman にインタビューを行うことができました。「69歳という年齢になると、当然だけど音域も以前とは違ってくる。原曲からあまり大きく音程を変えてしまうと、僕の声の特徴が変わってしまい、ファンの人たちにも受け入れられないかもしれないし。以前、カバーのオファーをもらったこともあったけど、丁重に断ったんだよね。HEADLESS のセットリストに Yngwie のカバー曲が含まれている可能性はあるけど、それは例外的なケースなんだ」 どうぞ！！

HEADLESS “TRANSITIONAL OBJECTS” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JACK GARDINER : KINTSUGI】 JAPAN TOUR 26′

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JACK GARDINER !!

“First come the years of hard work, and then comes the ‘following’. It’s why we are seeing tons of ‘scandals’ – players heavily editing and miming their videos/music in order to present themselves as a ‘higher-level’ player. I liken it to models using Photoshop or bodybuilders using steroids – it’s simply not real.”

DISC REVIEW “KINTSUGI”

「最近、マスタークラスを教えていると、若いプレイヤーからよくこんな質問が寄せられる。”ギターや音楽の概念をきちんと理解し、習得するには、毎日何時間も何年も練習する必要があると言うけれど、ソーシャルメディアでフォロワーを増やす必要があるのに、どうやって時間をかけて学べばいいの？”
優先順位が完全に間違っていると思う。まずは何年もの努力があって、それから “フォロワー” が増えるんだ。その順番を間違えてしまうから、多くの “スキャンダル” が生まれてしまう。演奏家が、自分を “よりレベルの高い” プレイヤーとして見せるために、動画や音楽を過度に編集したり、当て振りしたりするんだよね。
僕はこれを、モデルがフォトショップを使ったり、ボディビルダーがステロイドを使ったりするのと同じようなものだと考えていてね。それって、単純に本物じゃないんだ。だけど、そうした動画が氾濫することで、若い演奏家たちに非現実的な期待とレベルを課してしまうことになる。
若い演奏家たちが、こうした偽物に惑わされず、自分の演奏に真剣に取り組むだけの忍耐力と規律を持ってくれることを願っているよ」
SNS は諸刃の剣です。何も持たないベッドルームの DIY プレイヤーが一夜にしてシンデレラのように大スターとなることもあれば、そうした名声や自己顕示欲を得るためにギター本来の目的を狂わせてしまうこともある。テクノロジーや AI の進化によって、偽ることも、偽られることも、あまりに多い世界となりました。むしろ、技術が進化したにもかかわらず、真実や本物を見分けることは、以前に比べて飛躍的に難しくなったと言えるのかもしれません。
そんな世界で、物事の “順序” を間違えることは、ギター・ミュージックというジャンルそのものの危機だと Jack Gardiner は訴えます。まずは鍛錬に時間を費やし、技術を養い、個性を磨き、自らのスタイルを作り上げる。そうすれば、自ずと “数字” や名声はついてくると Jack は語ってくれました。その順序を間違え、時間と労力を要する鍛錬を過度な “編集” で偽ったギター世界に未来はないだろう。Jack のその言葉に真実と重みがあるのは、彼が誰よりも鍛錬に労力と時間を費やしてきたから。そしてその “順序” の正しさを実証してきたから。
「CASIOPEA はもうずっと前から大好きなバンドの一つなんだよ。メンバー全員が素晴らしいミュージシャンで、作曲もとても美しいからね！日本文化ももちろん大好きだよ！実は歴史がきっかけなんだ。”戦国無双” というビデオ・ゲームをプレイして、戦国時代に夢中になったんだ。今でも実家には、その時代に関する本がぎっしり詰まった大きな本棚があるくらいでね」
そんな Jack の技巧とセンスを養うきっかけとなったのが、日本でした。Jack の最新作 “Kintsugi” には、そのタイトルはもちろん、楽曲名、そして偉大なる CASIOPEA のカバー “Asayake” が象徴するように日本の音楽からの影響まで、Jack の日本に対する愛情と敬意が詰まっています。そう、きっと Jack の驚異的なレガート・テクニックやアウト・フレーズのセンス、繊細なトーン・コントロールに豊かなグルーヴは日本のフュージョンから養われたもの。しかし、それ以上に、音楽の単純化や簡略化に流されず、様々な装飾とジャンルを重ねる日本音楽の哲学や多様性、そして豊かなメロディとハーモニーに Jack は心を打たれたのです。
「多くのミュージシャンと同じように、僕はインポスター症候群や自己不信に悩まされている。”Kintsugi” とは、そうした心の傷を乗り越え、つまり疑念、変化、そして修復の瞬間を尊重し、それを力として持ち続けることを学ぶものなんだ。
ダメージを隠すのではなく、ひび割れを露わにし、その物の物語の一部となる。壊れたものは消されるのではなく、変容していくんだ。漆と金粉が、壊れた陶器（僕）を繋ぎ止め、唯一無二の何かへと変える協力者となるという考えが好きなんだ。傷やひび割れも皆、僕の音楽のDNAと旅の一部であり、そのことに僕は永遠に感謝しているんだよ」
偽らず、正直に生きることがギター世界の道となる。そう信じる Jack だからこそ、金継ぎの文化に惹かれたのでしょう。誰にだって傷はある。痛みも抱えている。喪失感に苛まれている人もいるだろう。傷を隠したまま無理に修復するのではなく、Jack はそうした痛みや悲しみも自らの糧として、抱きしめながら前へ進もうと決めました。だからこそ、Cory Wong, Matteo Mancuso, Owane, Andy Timmons といったそうそうたるゲスト陣の中でも、Jack のギターは漆の乗った逞しい金色に輝いているのです。
今回弊誌では、Jack Gardiner にインタビューを行うことができました。「日本のあらゆるメディアで衝撃を受けたのは音楽だったね。ロックやフュージョン風の音楽の中で、エレキ・ギター、力強いソロ、そして高度なジャズ・ハーモニーが使われているなんて信じられなかったよ。欧米のビデオ・ゲーム、映画、テレビ番組ではこんな音楽は聞いたことがなかったから、これも日本を好きになったきっかけだと思うな」 亡き Shawn Lane を想起させるような、雷撃のスピードとセンス。何より、フック満載の楽曲が素晴らしいですね。来日も決定！どうぞ！！

JACK GARDINER “KINTSUGI” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SOEN : RELIANCE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MARTIN LOPEZ OF SOEN !!

“Progressive music should evolve, not just technically, but emotionally otherwise it stops being progressive and very often complexity can be “in the way” of emotion.”

DISC REVIEW “RELIANCE”

「誰かとの比較は避けられないし、僕たちはそれをネガティブなものとして捉えてはいないよ。”Reliance“ はより直接的で拡大した音楽なので、アリーナ・ロックやメタルとの関連性が自然と強く出てくるよね。だけど、僕たちの意図は特定のバンドに似せようとしたのではなく、明確かつ誠実に音楽を伝えたいというものだった。もし楽曲が人々の心に深く響くなら、それは僕たちにとって大きな喜びだ。だけど、それが目的で曲作りをしているわけではないんだよ」
2010年、かつて OPETH と AMON AMARTH というビッグ・バンドに所属していた名ドラマー Martin Lopez は、自身の新しいバンドを立ち上げました。SOEN と名付けられたこのバンドは、非常に優れたミュージシャン集団 (あの Steve DiGiorgio も在籍) で、Lopez はそのサウンドを “メロディアスでヘヴィ、複雑で、他のどのサウンドとも全く異なる” と表現していました。しかし、そんな彼の意図とは裏腹に、SOEN のサウンドは常に誰かと比較される運命にありました。
初期のアルバム “Cognitive” や “Tellurian” では TOOL と比較されることが多かったものの、SOEN は明らかにクローン以上の存在であり、Lopez の出自である OPETH や KATATONIA のプログ・メタル的な血肉にナイーブで心に迫るメロディを加えて見事な化学反応を起こしていました。近年は初期のアルバムのようなオルタナティブな複雑さ、プログレッシブな紆余曲折は減退しましたが、一方でメタリック & グルーヴィーでありながらアトモスフェリックという SOEN 独自の世界観は伸張。重要なのは、そこにいつも、心を震わせるメロディの泉が存在すること。
そうして、歌の力が戻りつつあるメタル世界で、SOEN は堂々たるプログレッシブ・アリーナ・メタルの実現へと舵を切りました。DISTURBED や NICKELBACK のグルーヴィーでシンガロングを誘うコーラスと、プログレッシブでナイーブな感情の共存。Joel Ekelof の歌声は、脂が乗り切ってまさに今が旬。
「依存は心地よいものだけど、同時に危険なものでもある。このアルバムは、答えを与えることではなく、僕たちが何に、そしてなぜ依存するのかを振り返ることを促しているよ。幸せを探し求めるとき、僕らは依存を恐れながらも受け入れなければならないだろう。ただ、何に頼るのかについては、非常に慎重にならなければならないと思う」
そんな両極を抱きしめたアルバムで SOEN がテーマとしたのは “Reliance” “依存”。SNS の発達により、私たちは見知らぬ誰かと共感しながら、何かの “推し” にかつてより深く依存するようになりました。もちろん、辛い現実を生きていく中で、幸福感や満たされた感覚を得るため好きなものに依存することは、ある意味でライフハックなのかもしれません。しかし、盲目的に “推し” に依存し、”推し” を全肯定することで、自己という最も重要な存在が消えてしまってはいないだろうか？ SOEN は盲信的な依存が当たり前となった世界で、依存を恐れ、自分の頭で慎重に考慮することを促しています。
“Primal” では “無意識にスマホをスクロールしている” とか “SNSは暴力的なポルノ” といった表現が使われ、”Drifter” では “アルゴリズムを操る奴らに振り回されるな” といった辛辣な言葉が飛び出します。そもそも、あなたが依存しているのは “推し” なのでしょうか？ひょっとすると、あなたが依存しているのは “推し” ではなく、SNS そのものなのかもしれません。もしそうだとしたら、あなたが孤独を感じ、誰かと少しでも共感したいだけなのだとしたら、SOEN のアリーナ・メタルで共に歌えばいい。もちろん、進化した感情でプログレッシブに思考を巡らせながら。
今回弊誌では、Martin Lopez にインタビューを行うことができました。「音楽のトレンドは移り変わるけど、感情は残り続ける。僕たちが始めた頃は、たしかにテクニックと複雑さが非常に際立っていて、それは刺激的なことだったよね。でも今は、アトモスフィア、ダイナミクス、そして傷つきやすさにもっと居場所があって、僕たちはそれを歓迎しているんだよ。プログレッシブ・ミュージックは、テクニックだけでなく、感情面でも進化するべきなんだ。そうでなければ、複雑さが感情の “邪魔” になってしまう。よくあることだけど、それはもうプログレッシブな音楽とは呼べないからね」 3度目の登場。どうぞ！！

SOEN “RELIANCE” : 10/10

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