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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【OCEANHOARSE : DEAD RECKONING】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH BEN VARON OF OCEANHOARSE !!

“We Just Want The Live Shows To Be LIVE, With No Backing Tracks. I’m So Tired Of Going To See a Band In Concert, And Having 50% Of The Music Come From Laptops Instead Of The Musicians. Fuck That!”

DISC REVIEW “DEAD RECKONING”

「バンドのコンサートを見に行って、音楽の50％がミュージシャンではなくラップトップから流れてくるのにはうんざりしているんだ。そんなことはどうでもいい。バンドがどのように曲をアレンジしているのか、アルバムバージョンとは多少違っていても、ステージ上でうまくいくようにしているのかを見てみたいんだから」
Pro Tool, アンプ・シュミレーター、ラップトップ。テクノロジーの進化によって、”コンピューターのメタル” は今や当たり前の存在となっています。そうして、Djent ムーブメントが象徴するように、シンセサイザーと機械的なギターワークを組み合わせた近未来の音景色はつい最近まで最先端であり、ステージでもコンピューターの恩恵を受けた未来色のサウンドが定着するようになったのです。
「シンセは別のバンドにとっては素晴らしいものだろうけど、僕たちの音楽には合わないと思っていてね。僕たちは、ドラム、ベース、ギター1本とボーカルだけで、できるだけ多くのパワーと音楽性を伝えようとしているんだ。Djent は僕たちの好みじゃないんだよ」
ただし、時代は巡ります。アレンジの妙、インプロビゼーション、テクニックのイノベーションもなく、コンピューター制御でアルバムと全く同じサウンドを再現するステージにフィンランドのスーパー・グループは真っ向から疑問を呈します。
惜しくも解散した AMORAL のギター・ヒーロー Ben Varon を中心に、WARMEN の Jyli Helko, 元 NAILD COIL の Joonas Kosonen と実際に “演れる” メンバーを揃えた OCEANHOARSE は文字通り海馬のごとく完全に “生” のメタル・サウンドでテクノロジーの海を切り裂いていくのです。
「GOJIRA からの影響は、PANTERA, TOOL, ALICE IN CHAINS, MASTODON, METALLICA, IRON MAIDEN, MEGADETH, DEFTONES, AVENGED SEVENFOLD なんかと混ざりながらあちこちに現れていると思うよ」
エネルギッシュかつパワフルでありながら、モダンなテクノロジーやアトモスフィアとは一線を画す音景色。彼らの中で一つ、GOJIRA のやり方がヒントとなったのは確かでしょう。GOJIRA はたしかにその創造性をマグマのように噴き出しますが、実に様々な音楽の炎がコンパクトにキャッチーにまとめられて地上へと降り注ぎます。
AMORAL でギタリストとしての複雑怪奇な才能を存分に見せつけた Ben Varon ですが、あの “インモラル” なテクニックの殿堂においてさえ彼は Ari Koivunen という “歌い手” を欲してその音楽性までをも変遷させていきました。つまり、フィンランドの鬼才が “生の” メタルに潜む狂喜として次に目をつけたのが、”プログレッシブ・グルーヴ・メタル” に内包されるコンパクトなイヤー・キャンディーだったのです。
「AMORAL のテクニカルでプログレッシブな音楽に比べて、もう少し直接的な音楽にしたいと強く思っていたんだよね。僕たちは、大きなフックのある、よりキャッチーで短い曲を作りたかったんだ。ライブで盛り上がり、観客とバンドの間にエネルギーを生み出すような曲を作りたかったんだ」
本人は知らないと語っていますが、OCEANHOARSE を北欧が育んだメタルに特化した PROTEST THE HERO と定義すれば辻褄があうようにも思えます。断続的に騒々しいギターリフとドラム、メロディック・アグレッシブなボーカル、アップ・ビートでエネルギッシュな原動力の類いまれなる調和はカナダの至宝とその哲学を等しくしますが、AVENGED SEVENFOLD や CHILDREN OF BODOM のメタリックなイメージを胸いっぱいに抱きしめた OCEANHOARSE の前向きなカオスは、ある意味カオティック・ハードコアの並行世界とでも呼べるほどに斬新で刺激的だと言えるでしょう。というよりも、PTH がハードコア方面からパワーメタルを見据えたとしたら、OCEANHOARSE は Nu-metal 方面からその勇壮を引き入れたと言うべきでしょうか。
それにしても、PTH のピロピロの代替として光り輝く Ben のシュレッド、そして　海坊主　Joonas のヒロイックな歌唱は確実に “Dead Reckoning” を別次元へと押し上げていますね。
今回弊誌では、Ben Varon にインタビューを行うことができました。「”Fields of Severed Dreams” という曲で、Alexi の古いJackson Rhoads で2つのソロを弾いていて、個人的に彼に敬意を表しているんだ。友人の Daniel Fryeberg がそのギターを所有していて（数年前に Alexi から買ったもの）、この曲のために貸してくれたんだよ」 どうぞ！！

OCEANHOARSE “DEAD RECKONING” 9.9/10

INTERVIEW WITH BEN VARON

Q1: Oceanhoarse is made up of members of Amoral, Warmen, but the music is quite different from the original bands. Could you tell us the reason for this?

【BEN】: This was intentional from the get-go: I had a strong desire to go a bit more direct with the music for Oceanhoarse, compared to the technicality and progressiveness of Amoral. We wanted to write catchier, shorter songs with big hooks, stuff that would go down well live, and generate energy between the crowd and the band. Of course, you’re bound to hear traces of our past bands in the music, as it’s impossible to get rid of all our mannerisms and writing styles, but hopefully Oceanhoarse sounds like something fresh and exciting to the listeners ears!
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Q1: AMORAL や WARMEN のメンバーから成る OCEANHOARSE ですが、その音楽性は元のバンドと大きく異なりますよね？

【BEN】: これは最初から意図していたことなんだ。僕は、この OCEANHOARSE では、AMORAL のテクニカルでプログレッシブな音楽に比べて、もう少し直接的な音楽にしたいと強く思っていたんだよね。僕たちは、大きなフックのある、よりキャッチーで短い曲を作りたかったんだ。ライブで盛り上がり、観客とバンドの間にエネルギーを生み出すような曲を作りたかったんだ。
もちろん、僕たちのやり方や作風をすべて取り除くことは不可能だから、音楽の中には過去のバンドの痕跡が見られるかもしれないけど、OCEANHOARSE がリスナーの耳に新鮮で刺激的な音を届けられることを願っているよ。

Q2: How did Oceanhoarse come to be? What’s the meaning behind your band name “Oceanhoarse”?

【BEN】: When Amoral had come to the end of the line, I knew I still had the drive and passion to write and play in a metal band, and I wanted guys who were as serious about music as I was to join me. So I immediately called my friend and amazing bassist Jyri Helko, and told him about my idea for Oceanhoarse. He felt the same way, and so we began looking for the perfect singer and drummer. Once we had found drummer Oskari Niemi and singer Joonas Kosonen, we knew that we were unstoppable! We jammed non-stop (and still do!), and wrote dozens of songs to find the essence of Oceanhoarse, see what our natural groove and style is all about. After about a year of solid rehearsing and writing, we were ready to launch the band to the world, release our first single, and play our first shows. And we have not stopped since! As for the name of the band: We wanted to have a mascot, like Maiden’s Eddie, or Megadeth’s Vic Rattlehead. So I was messing around, trying to come up with a cool creature, and drew a horse’s skull with tentacles around it. Boom, done: an ocean horse! Just a silly but fun, old school metal name for a band. We messed around with the spelling (turning horse to hoarse) mainly to make it even more distinct and original, but I also think that the word “hoarse” fits with the vocal style!

Q2: OCEANHOARSE 結成の経緯を教えていただけますか？

【BEN】: AMORAL が終わりを迎えたとき、僕にはまだメタル・バンドで作曲したり演奏したりする意欲と情熱があることがわかっていた。だから、新しいバンドには、僕と同じように音楽に真剣に取り組んでいる人たちに参加してもらいたいと思ったんだよね。
そこで、すぐに友人であり素晴らしいベーシストである Jyri Helko に電話をして、OCEANHOARSE のアイデアを伝えたんだよ。彼も同じ気持ちだったから、そこから完璧なシンガーとドラマーを探し始めたんだ。
ドラマーの Oskari Niemi とシンガーの Joonas Kosonen を見つけたとき、これでもう僕たちは誰にも止められない！と確信したね。僕たちはノン・ストップでジャムを行い（今でもそうだよ！）、OCEANHOARSE のエッセンスを見つけるために何十曲もの曲を書き、僕たちの自然なグルーヴとスタイルが何であるかを確認したんだ。リハーサルと曲作りを約1年続けた後、このバンドを世に送り出す準備が整い、最初のシングルをリリースし、最初のライブを行ったよ。それ以来、僕たちはずっと活動を続けている。
バンドの名前についてだけど、IRON MAIDEN の Eddie や MEGADETH の Vic Rattlehead のようなマスコットが欲しかったんだよね。それで、何かクールな生き物を考えようと思って、馬の頭蓋骨とその周りにある触手を描いたんだ。結果、海馬が完成したんだよ。くだらないけど楽しい、昔ながらのメタルバンドの名前だ。綴りを変えたのは（horse を hoarse に）、主にもっと個性的でオリジナルなものにするためだけと、”hoarse” という言葉がボーカルスタイルに合っているとも思っているんだ。

Q3: I heard that Oceanhoarse values the live performance and eliminates synths and artificial sounds as much as possible. It’s hard to play live right now because of the pandemic, but can you tell us why?

【BEN】: Actually, we have nothing against synthesizers (or artificial sounds!), we just want the live shows to be LIVE, with no backing tracks. I’m so tired of going to see a band in concert, and having 50% of the music come from laptops instead of the musicians. Fuck that! I want it live, I want it raw, I want to see how the band arranges their songs so that it works onstage, even if it’s a bit different than the album version. Synths can be great for some bands, but I think it wouldn’t really fit our music. We try to get as much power and musicality across as possible with just drums, bass, one guitar and vocals. We like the challenge in that! It makes us work extra hard on the arrangements, and I constantly need to be on the lookout for different guitar sounds to try and fill the sonic landscape.

Q3: OCEANHOARSE はライブ・パフォーマンスに重きを置いていて、シンセや人工的なサウンドを極力廃しているそうですね？

【BEN】: うん、まあ実際のところ、僕たちはシンセサイザー（または人工的な音）に反対しているわけではないんだけど、ライブはバッキングトラックなしの “ライブ” であってほしいんだよね。バンドのコンサートを見に行って、音楽の50％がミュージシャンではなくラップトップから流れてくるのにはうんざりしているんだ。そんなことはどうでもいい。バンドがどのように曲をアレンジしているのか、アルバムバージョンとは多少違っていても、ステージ上でうまくいくようにしているのかを見てみたいんだから。
シンセは別のバンドにとっては素晴らしいものだろうけど、僕たちの音楽には合わないと思っていてね。僕たちは、ドラム、ベース、ギター1本とボーカルだけで、できるだけ多くのパワーと音楽性を伝えようとしているんだ。そのチャレンジ精神が好きなんだよね。アレンジには特に力を入れているし、音の風景を埋めるために、常に様々なギターの音を探しているよ 。

Q4: I’m sure there are a lot of fans who listen to Oceanhoarse’ music and think of Protest the Hero, Gojira, and Jinjer, for example. Are you influenced by the so-called “progressive groove metal” bands?

【BEN】: Truth be told, of those bands mentioned I’m only really familiar with Gojira, of whom I’m a big fan of. So I’m sure there are Gojira influences here and there, mixed with Pantera, Tool, Alice in Chains, Mastodon, Metallica, Iron Maiden, Megadeth, Deftones, Avenged Sevenfold… But actually I’m not a big fan of the modern djent scene, it’s not really my thing.

Q4: OCEANHOARSE の音楽を聴いて、PROTEST THE HERO, GOJIRA, JINJER といったバンドを想起するファンは多いでしょう。
そういった、”プログレッシブ・グルーヴ・メタル” はあなた達にとって目的地の一つなのでしょうか？

【BEN】: 実を言うと、君が挙げたバンドの中で僕が本当に知っているのは、大ファンである GOJIRA だけなんだ。だから、GOJIRA からの影響は、PANTERA, TOOL, ALICE IN CHAINS, MASTODON, METALLICA, IRON MAIDEN, MEGADETH, DEFTONES, AVENGED SEVENFOLD なんかと混ざりながらあちこちに現れていると思うよ。実際のところ、僕は現代的な djent シーンの大ファンではないんだよ。あれは、僕の好みではないんだよね。

Q5: Oceanhoarse’ music is very complex and groovy, yet the clean vocals and guitars are very melodic and catchy, right? Was that where you wanted to go as a band?

【BEN】: Hehe, we try to keep it pretty simple, but I guess we can’t help ourselves if you still think it’s complex… Yes, the idea is definitely to have big melodies and hooks in the music, with a fat groove and great riffs that make you want to either headbang or pick up a guitar and learn to play the songs!

Q5: OCEANHOARSE の音楽は非常に複雑でグルーヴィーですが、クリーン・ボーカルとギターの旋律は実にメロディアスですよね？

【BEN】: はは、僕たちはそれでもかなりシンプルにしているつもりなんだけど、それでも複雑だと思われてしまうとどうしようもないよね…。
そうだね、アイデアとしては、大きなメロディーとフックがあり、ファットなグルーヴと素晴らしいリフがあり、ヘッドバンキングしたくなるような、あるいはギターを手にして曲を弾けるようになりたくなるような、そんな音楽を目指しているんだ。

Q6: Why did you choose the title “Dead Reckoning” and what is the lyrical theme or concept of the album?

【BEN】: “Dead Reckoning” was a title Joonas came up with, and he actually suggested it already for our first EP, “Voluntary Bends”. We wanted the titles to have a reference to the ocean and the underwater world in general, so both of those titles flirt with that idea. “Bends” meaning decompression sickness, and “Dead Reckoning” refers to navigating a ship by the distance travelled instead of using landmarks or astronomical observations. So as you can see, we like using titles that sound cool but also fit our overall concept. Actually, I’d love to have the Japanese sea monster Umibozu referenced in one of our songs at some point!

Q6: “Dead Reckoning” とあうタイトル、歌詞に込められたテーマについてお話ししていただけますか？

【BEN】: “Dead Reckoning” は Joonas が考えたタイトルで、実は最初のEP “Voluntary Bends” の時すでに彼が提案していたんだよね。海や水中の世界を連想させるタイトルにしたかったから、この2つのタイトルはそのアイデアを取り入れたものになっているよ。
“Bends” は減圧症を意味し、”Dead Reckoning” は目印や天体観測ではなく、移動した距離で船を操ることを意味しているんだ。
このように、僕たちはコンセプトに合った、クールなタイトルを使いたいんだよね。実は、日本の海獣である “海坊主” を曲中に登場させたいとも思っているんだよ。

Q7: At Suomi Fest, you played in Japan with fellow Finns Swallow the Sun and Beast in Black. Can you tell us what you thought of that day and your impressions of Japan?

【BEN】: Oh man, what a day! Our debut trip to Japan was such a high point for us. This was my fourth time visiting Japan, but the first time for the rest of the band, so they were extra excited about it. Everything about the visit was amazing, I love Tokyo and Japan in general. But the show at Suomi Feast was probably the best show we’ve had so far, it as such a cool, noisy crowd! We really hope to get back there very soon, and hopefully get to play in other cities as well.

Q7: 日本といえば、あなたたちは2019年に同じフィンランドのバンド、SWALLOW THE SUN, BEAST IN BLACK と日本の Suomi Fest で共演しましたよね？

【BEN】: ああ、あれは素晴らしい日だったね！ 日本への最初の旅は、僕たちにとってとても重要な意味を持っていたんだ。僕にとっては4回目の来日だったけど、他のメンバーは初めてだったから特別興奮していたね。
東京も日本も大好きだから、すべてが素晴らしかったよ。Suomi Fest でのショーは、これまでで最高のショーだったと思う。近いうちに東京に戻ってきたいし、日本の他の都市でもプレイしたいと思っているよ。

Q8: You also played a part in the revival of Kimberly Goss with Ozzy’s “Perry Mason”. What can you tell us about that and Alexi’s passing?

【BEN】: Last year, when the pandemic begun to hit, we were brainstorming things to do while waiting for the shows to continue. We all love Ozzy’s music, so we thought that it would be fun to get some friends to jam on Ozzy tunes with us and release them in October (and call it Ozztober!). So we ended up doing “Miracle Man” with Pete from Ensiferum, “Shot in the Dark” with Janne from Children of Bodom and “Perry Mason” with Kimberly. Getting Kimberly to do it was especially cool, as she hasn’t been active in the metal scene in years and years! Me and Kimberly have been good friends since the early 2000’s, so I just asked her if this would be something she’d like to do. I’m happy she agreed, she sounds amazing as always!
As for Alexi’s passing… what a tragedy. I was shattered when I heard the news. He’s been one of my biggest influences and guitar heroes, and luckily I’ve got to know him personally over the years as well. He was always a nice dude. Him passing away so young is just such a waste. On this new Oceanhoarse album, I have a little personal tribute to Alexi in the song “Fields of Severed Dreams”, where I play the two solos of the song with Alexi’s old Jackson Rhoads. My friend Daniel Fryeberg owns that guitar (he bought it from Alexi years ago), and he was kind enough to loan it to me for this song. It was an honor to get to play it on that song, and I really tried to do Alexi justice with my playing. May the Wild Child rest in peace, he will be missed.

Q8: 最近では、Kimberly Goss と Ozzy の “Perry Mason” をカバーして、彼女の復帰に一役買いましたね。残念ながら Alexi は亡くなってしまいましたが…

【BEN】: 昨年、パンデミックが始まったとき、僕たちはショーが再開するのを待つ間何をしようかと考えていたんだ。僕たちは皆、Ozzy の音楽が大好きだから、友人たちに一緒に Ozzy の曲でジャムってもらい、10月にリリースしたら面白いんじゃないかと考えたんだよね（”Ozztober” と名付けたんだ！）。
その結果、ENSIFERUM の Pete とは “Miracle Man” を、CHILDREN OF BODOM の Janne とは “Shot in the Dark” を、そしてKimberly とは “Perry Mason” を演奏することになったんだよね。
もう何年もメタル・シーンで活動していなかった Kimberly に参加してもらえたのは、特に素晴らしいことだったよ。僕と彼女は2000年代初頭からの親友だから、気軽にやってみないかと尋ねたんだ。彼女が同意してくれたことを嬉しく思うよ。彼女はいつものように素晴らしいサウンドだったね。
Alexi.が亡くなったことについては…なんという悲劇なんだろう。訃報を聞いたときにはショックを受けたよ。彼は僕が最も影響を受けたギター・ヒーローの一人で、幸運なことに長年にわたって個人的にも彼とつきあうことができたからね。彼はいつも素敵な人だった。こんなに若くして亡くなってしまうなんて、本当に残念だよ。
今回の OCEANHOARSE の新譜では、”Fields of Severed Dreams” という曲で、Alexi の古いJackson Rhoads で2つのソロを弾いていて、個人的に彼に敬意を表しているんだ。友人の Daniel Fryeberg がそのギターを所有していて（数年前に Alexi から買ったもの）、この曲のために貸してくれたんだよ。この曲でこのギターを弾くことができて光栄だったし、自分の演奏でAlexi を正当に評価しようと思ったわけさ。ワイルド・チャイルドの冥福を祈るよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED BEN’S LIFE

MICHAEL JACKSON “DANGEROUS”

GUNS’N ROSES “USE YOUR ILLUSION Ⅱ”

ALICE IN CHAINS “JAR OF FLIES”

METALLICA “BLACK ALBUM”

CHILDREN OF BODOM “SOMETHING WILD”

My musical journey began in the early 90’s, so most of my life-changing albums are from that period! Michael Jackson’s “Dangerous” was the first album I bought, and it was MJ who got me into music. Guns N’ Roses – “Use Your Illusion II”, as it was Slash (and especially the “Estranged” video!) that made me want to play guitar. Alice in Chains’ “Jar of Flies” taught me what melancholy and MOOD in music can be. Metallica’s “Black album” got me into metal and proper RIFFS. And Children of Bodom’s “Something Wild” got me to start practicing guitar seriously.

MESSAGE FOR JAPAN

Thank you for the very warm welcome Oceanhoarse got in Tokyo in May 2019! We will be back! Please check out “Dead Reckoning”, if you like HEAVY FUCKING METAL, you will love this album, I guarantee it! Hope to see you

2019年の5月に、僕たちを暖かく迎えてくれてありがとう！きっとまた日本に行くよ！君たちがヘヴィー・ファッキン・メタルが好きなら、ぜひ “Dead Reckoning” をチェックして欲しい。きっと気にいるはずさ。保証するよ！すぐ会おう！

BEN VARON

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【SPIRITBOX : ETERNAL BLUE】

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COVER STORY : SPIRITBOX “ETERNAL BLUE”

“This Music Is What I Need To Move On From a Lot Of Feelings And Really Dark, Intrusive Thoughts That I Constantly Have”

ETERNAL BLUE

世界で最もホットなバンドは？少なくとも SPIRITBOX は、現在すべてのロック、メタルのファンが話題にせずにはいられないバンドでしょう。誰もが “ヘヴィー” の意味を問うことになる “Eternal Blue” の感情的な旅とともに。
SPIRITBOX には当初、大げさな指針や計画は存在しませんでした。そこに存在したのは、自分たちの音楽を作りたい、自分たちの物語を書きたい、自分たちの運命を切り開きたい、というシンプルな願望のみ。ゆえに決断は、簡単で迅速なものでした。
2015年末、当時アバンギャルド・エクスペリメンタル・メタルコア Iwrestledabearonce のボーカリストとギタリストであった Courtney LaPlante と Michael Stringer は、自分たちのキャリアが八方塞がりでどこにも到達しない道を歩んでいるという現実に直面したいました。毎晩ステージに立ち、誰かの曲を演奏する毎日。観客の数はどんどん減っていきました。そして、Courtney はある結論に達します。
「ある日、私たちは集まって、将来について話していたの。そして…私が自分自身についていた嘘のすべてが一度に襲ってきたの。このバンドには未来がないってね」
Courtney LaPlanteは、魅力的で、愛想がよく、努力を惜しまないクールな女性。当時の、好きなバンドと一緒に国中をツアーで回るという人生の過ごし方でわかったことは、アーティストの理想と現実でした。
「中堅のバンドに所属するほとんどの人は、現実から逃げているだけだと思うわ。ツアーが長引けば長引くほど、仕事をしたり、親の家の地下以外に住む場所を探したりする必要がなくなるだけなんだから」
当時27歳の Courtney は、時給8ドルのウエイトレスをしていました。Michael も同様に、配達車でピザを運ぶ仕事をしていました。そして現在、2人はデータ入力の会社で一緒に働いています。つまり、理想よりも現実に襲われ怯えていた当時の彼らには、それでも恋愛面でもクリエイティブな面でも、切っても切れない “ソウルメイト” であるお互いがいたのです。彼らにはまだビジョンがありました。そしてすぐに、彼らはプログレッシブでヘヴィーでアトモスフェリックな、TesseracT というバンドに少なからず影響を受けた音楽を “魂の箱” に入れて、自分たちの新しいバンドを結成したのです。そのバンドの名は SPIRITBOX。

20代半ばの Courtney は、Iwrestledabearonce の前ボーカルである Krysta Cameron の後任としてバンドに加入。本業を休むことになりました。後に Michael も加入しますが、結局あのバンドで、夫妻のクリエイティブな夢は叶えられませんでした。
「自分でバンドを始めるのとは違ったのね。私たちは、すでに確立されたもの、つまり、彼らのビジョンの中に入っていったのだから」
Iwrestledabearonce では、生活費を稼ぐこともままなりませんでした。
「文字通り、ズボンを買うお金もなかったわ。パッチを当てることもできなかった。でも、音楽業界にいない人たちは、みんな私たちが家や車などを持っていると思っているでしょうね。自分たちが目指す場所にたどり着くのはとても大変なことだけど、同じように感じているバンドは世界中に何百万といるでしょう。
メタルの世界は、ある意味ではとても遅れているの。このジャンルには、異なる雰囲気があるわ。業界全体が本物を求めているようだけど、メタルの世界では、ツアーを終えてバーで仕事をしていることを人々に知らせるのは、汚い秘密のようなものと考えているの。そのような姿を人に見られたくない、バンド活動の実際の苦労を見られたくない、みたいなね。
私は、正直な人をとても尊敬しているのよ。だから、”あなたたちはミュージシャン以外に普通の仕事をしているのですか?” と聞かれたら、私たちは正直に “そうよ、生きていくためには絶対に働かなければならないから” と答えるの。私たちと同じレベルのバンドで、仕事をしていないと言っているヤツはバカよ。19歳で母親と一緒に暮らしているか、それともバカかどっちかよ。正直なところ、時給8ドルで働きながらミュージシャンとして生きていくのはとても大変なの。」
Iwrestledabearonce が2016年頃に別れの言葉もなく解散したとき、創設メンバーではなかった Courtney と Michael は、Myspace のメタルコア時代に享受した成功を自分たちの言葉で再現しようと決意しました。Iwrestledabearonce が永久に止まってしまってから2年後、2人はカナダの小さな島に移住し、2017年末に SPIRITBOX として再登場し、自作の同名のデビューEPをリリースすることとなります。
バンド名の由来となった装置（ “スピリットボックス” はAM と FM の周波数をスキャンし、ホワイト・ノイズの中に幽霊の声を拾うことができるとされている）の音が散りばめられた再登場で、彼らはメタルに対する雑食的でジャンルを共食いするようなアプローチを示し、インダストリアル・エレクトロニカの音が、マスコアのリフやシューゲイザーのようなメロディ、ポップなフックと一緒に鳴り響く唯一無二を提示したのです。

Courtney と Michael は、夢のバンドを結成するための時間と場所がようやく与えられたとき、結婚生活の年数を合わせたよりも多くの意見の食い違いがありました。アートワークはどのようなものにするか？火か花か？黒か青か？それはまるで結婚セラピーのようでもあり、初めての子育てのようでもありました。
「私たちには多くの意見の相違があったわ。例えば、作品のアートワークの色など、些細なことでもすべてにおいてね」
大局的な部分では基本的に一致していたものの、Photoshop のカラー・パレットについて口論する時間が待ち受けているとは、二人とも想像もしていませんでした。しかし、この戦いには価値がありました。30代になったばかりの2人は、音楽業界で20年の経験を積み、ついに自分たちのバンドと呼べるものを手に入れたのですから。
実は Michael と出会う前、Courtney は自分をメタルのシンガーではなく、女優として見ていました。それが変わったのは、俳優を目指す多くの才能ある子供たちが直面する教訓を学んだ日。自分は優秀だが、ベストではないという壁。
「15歳のとき、アラバマ州のクラスに150人しかいない町から、1,500人いるカナダに引っ越したの。私は、自分がやりたい学校劇の役に、自分より上手い人が挑戦していたら、絶対に挑戦しないタイプだったの」
若い頃に曲を作っていましたが、世に出す勇気がなかった彼女は、そうして弟と一緒に音楽を作ることに自分の創造性を向け始めます。
当時、Courtney は “Garden State” のサウンドトラックのような “ダサいヒップスターやインディーの曲” を聴いていましたが、弟は彼女をメタルの世界に引き込もうとしていました。最初に影響を受けたのは RAGE AGAINST THE MACHINE。
「ある日、弟が作曲した曲の中にブレイクダウンが入っていて、私は “これはどうすればいいの？” って聞いたのよ。すると弟は、”RATM のように叫べばいいんだよ” って。そこではじめて、ライオンが吼えたのです。
「この感覚に匹敵するものはないわね。頭蓋骨全体に振動が伝わるの。とてもパワフルな感じがするわ。音から性別を取り除くような感覚」
彼女はその性別を感じさせないサウンドを練習し続け、小さな町で披露するようになりました。それが、彼女の残りの人生だけでなく、最愛の人へと導く道となりました。
Courtney はその同じカナダの小さな田舎町で育った、後に夫となる SPIRITBOX の共同設立者と出会った瞬間を、今でも鮮明に覚えています。Michael は彼女の弟と同い年でしたが、早熟な楽器の才能を発揮する Michael を二人は畏敬の念を持って見守っていました。
若きギタリストだった Michael は、PROTEST THE HERO や A TEXTBOOK TRAGEDY といったカナダのプログメタル・バンドに夢中になっていました。後者は、BAPTISTS, SUMAC, GENGHIS TORN のドラマー Nick Yacyshyn を擁する、バンクーバーを拠点とする狂乱のバンドでした。Michael の最初のバンドである FALL IN ARCHAEA は、そういったグループの頭が回転するようなポリリズムの足跡を忠実に再現しています。
「2008年6月のことだったわ。彼のバンドと私のバンドが、同じアナーキストの本屋で演奏していたの。弟にあなたが彼の年齢になったときには、彼のように上手になれるわよと言い聞かせていたのだけど、Michael もまだ16歳だったのよね。彼はいつも目立っていたわ」
Courtney と Michael は、先鋭的な書店や小さな町の会場を同じように回っていましたが、それぞれが23歳と22歳になるまで、お互いの人生に大きく関わることはありませんでした。しかし、そんな友人関係は徐々に変わっていきます。
「ある時点で、私は彼を愛しているのではなく、彼に恋をしているのだと気づいたの。Michael も同じことを感じていたようね」
二人の関係は恋愛と仕事で共に、すぐに切り離せないものとなり、一緒にいない時間が苦痛に感じるようになりました。お互いが今ではすべてをさらけ出しています。
「私たちは互いのすべてを知っているわ。24時間365日一緒に過ごすことは、普通のことではないのよね。私たちの関係の境界線は非常に曖昧なのだけれど、一緒にバンドをやっていることで、お互いにもっと正直になれたのよね」

上昇志向の強いスーパー・カップルは、生活のほぼすべての面で絡み合っています。毎朝共に起きて、同じヘルス・データ入力の仕事に行き、同じ時間働いた後、家に帰ってきてバンドのために共同作業を行うのですから。
2016年に Courtney と Michael が結婚したとき、結婚式の招待客は新しいトースターを贈るかわりに、2017年にリリースされたデビューEPのミキシングとマスタリングの費用をまかなうために、2人に数ドルを提供するように求められました。現在の Courtney は、Michael と彼女が共有していた駆け出しのバンドに対する信念を、単にナイーブなだけではなく “妄想” とまでに表現しています。
「私は、バンドには2種類の人がいると思っているの。IWABO の最後の頃の私のように、気晴らしとして利用している人。そして、今の私たちのように、”どうしてもこのバンドをやらなければならない、誰にも止められない”という人たちね。私たちのように、バンドに所属していることが、すべての邪魔をする強迫観念となっている人もたくさんいるのよ」
ただし、そういった二人の “妄想” は、実を結んだと言ってもよいでしょう。ベーシストの Bill Crook が加入して完成をみた SPIRITBOX は、見過ごされていた過去とは一変して、今では世界中のロックやメタルのファン、マネージャー、プロモーター、レーベル、ジャーナリストが口にする名前となっています。4年前には”夫婦バンド” だからと一蹴された音楽が、今では7500万回もストリーミングで聴かれているのですから。
そうして届けられた “Eternal Blue” は2021年で最も完成度が高く、魅力的なヘヴィー・アルバムの一つとなりました。世界は、まさに彼らのもの。しかし、”Eternal Blue” の旅路を理解するには、まず Courtney LaPlante を理解する必要があります。
Courtney は、その曲が存在する何年も前から “Eternal Blue” という名前を見つけていました。もっと言えば、彼女は人生の中でずっとこのタイトルを見つけていたのです。
つまり “永遠の青” とは、自分の人生が “うつに悩まされてきた” という Courtney の告白。
「バンクーバー島が存在することさえ知らなかった。何？島なの？私をバカにしているの？私は18歳になったらすぐにここを出て、アラバマに戻るわよと言っていたの。でも叔父は、今はまだ理解できないだろうが、信じてくれ、お前はとても保護された場所で育ってきたが、これからは多くの新しい経験や人々に触れることになる。ここに戻ってくることはないだろう。君はそこを好きになるだろうってね。そして最終的に彼は正しかったわ」
アメリカ南部のアラバマ州で生まれ育った Courtney は、15歳のとき両親の離婚と母親の再婚を機に、北へ2,000マイル離れたカナダ西海岸のバンクーバー島、ビクトリアに引っ越しました。6人兄弟の長女である彼女はその時、”自分の人生のすべてを捨てた” と言います。新しい町の新しい学校で、彼女は居場所と友人を見つけるのに苦労しました。
「当時、私はうつ病というものがどういうものか知らなかったし、物事はそういうものだと思っていたから……私はよく助けを求めて泣いていたけど、周りの人たちがあまりにも多くのことを経験していて忙しかったから、助けてもらえなかったのでしょう。私は人を操るのがうまいので、何もしなくてもいいように、隙間をすり抜けていたの。私が今もここにいるのはとても幸運なことよ。10代の脳は、完全に発達した大人の脳とは大きく異なるのだから」
Michael がパートナーの感情の起伏、つまり “ベッドから起き上がれないほどの自信喪失と不安” が3日間続くことについて、穏やかに話し始めたのは、ちょうど2年前のことでした。Michael は Courtney に “この状況を何とかしなければならない。君はこんな思いをしなくてもいいんだよ” と告げます。
「私が普通ではないこと、それが私に何か問題があるのではなく、私という人間の一部なのだということを理解するには、彼が必要だったのよ。私は他の人と違うけど、それは欠陥のある人間だということではないのよね」

“Eternal Blue” は、今年の初めにカリフォルニア州のジョシュアツリーでレコーディングされましたが、曲作りの多くはこの暗い時期に行われており、結果的にその旅路の傷跡が12曲の中に生々しく残っています。”Eternal Blue” というタイトルは、この12の音楽のコレクションと同様に、Courtney の物語を内包した言葉なのです。
「ヘヴィーな音楽は、自分自身がそういった感情と結びつくための最良の方法のひとつで、それによって、たとえ2、3のステップが必要であっても、乗り越えることができるの。”Eternal Blue” は純粋な利己主義的作品よ。なぜなら、私にとってこの音楽は、私が常に抱いている多くの感情や攻撃性、本当に暗くて私に侵入してくる考えから前に進むため必要なものだから。でもね、私のうつに対する対処法がたまたま市場性のあるものであったことは幸運だったのよ」
歌の中では、彼女のそんな考えが物理的な形で表現され、心の闇を具現化するキャラクターが登場していきます。
「私はイメージやメタファーの後ろに隠れるのが好きなの。それは私が安心できる場所、隠れている場所、そして誰も私を傷つけることができない場所だから」
例えば “Holy Roller” は、2019年のホラー映画 “Midsommar” を彷彿とさせるビデオをになり、昨年、SPIRITBOX を広く世に知らしめました。9歳の少女 Harper がこの曲をカバーしたバイラルビデオが瞬く間に広がり、Courtney の元にまで届いた事実はその証明で、彼女は今でもビデオを見るたび目に涙を溜めます。少なくとも、この9歳の少女は、Courtney の猛烈な音域を正確に捉え、彼女の2倍の体格と長年の経験を持つボーカリストのようなパワーを発揮していました。歌詞の内容まで深く理解しているかはわかりませんが。
「この歌詞は、私が私の中の悪魔として話しているのよ 。それは私の憂鬱であり、私を堕落させようとする悪であり、私を全然良くないからって暗闇に誘惑している声なのよ。私は無宗教だけど教会で育ったから、今でも聖書に書かれているサタンの擬人化の仕方が、いつも心に残っているの。悪魔はモンスターではなく、あなたにささやきかけてくる、最悪の事態を引き起こす人間なの」
Courtney は “Circle With Me” を例に挙げます。
「この曲では、自分自身のことを書いていることもあれば、潜在意識や、目標を阻む憂鬱な気持ちを代弁していることもあるの。自分がまだ十分ではないと言っているの。私の悪魔が私に言っているのよ。あなたが自分らしくあることを妥協すれば、すべてがあなたのものになる… ってね」
これらの声は、Courtney 自身のボーカル・パフォーマンスにも反映されています。クリーンからスクリームへの移行を、Courtney LaPlante のように巧みに、深く、激しくこなすフロントマンはほとんどいないでしょう。それは、バンドが自身の YouTube チャンネルで公開している、スタジオ内のボーカル・ブースでのワンテイク・パフォーマンスのビデオが証明しています。（バンドのシングル “Rule Of Nines” のリリースに合わせて公開されたこのビデオは、これまでに210万回再生され、同じ曲の公式ミュージックビデオよりも人気があるのですから。
Courtney は長年にわたって声帯に深刻な損傷を受け、声域が制限されていましたが、ポリープが奇跡的に消えたことで回復しました。だからこそ、”Eternal Blue” を32歳にしてようやく “自分の本当の声” を実現できた作品だと考えているのです。
天使と悪魔が、コートニーの左右の肩に座っているようにも思える彼女の歌声。表面的には明確なその二面性も、しかし彼女にとっては地続きです。
「私にとって、叫び声と歌声は同じ感情から来ているの。叫ぶことは体に負担がかかるけど、技術的なことはそれほど必要ないわ。私は自分のパフォーマンスに没頭するのが好きで、スクリームは催眠状態のようなもの。でも、歌声はもっと壊れやすいから、考えすぎないようにするのは難しいわね」

そうしてこの対照的な手法は、”Eternal Blue” 全体に、不安定さと脆弱さの感覚を生み出す役割を果たしています。特に後者は、コートニーにとって有益な感情であり、ヘヴィー・ミュージックにはまだまだ大きく欠けているものだと彼女は感じています。
「ヘヴィー・ミュージックはやっぱりまだまだ男性優位の世界だから、男は怒りや強さ以外の特徴を見せてはいけないと教えられているの。誰もが普遍的に弱さを感じることがあるけれど、多くの男性にとって、それを曲の中で表現することを快く思うサポートを得るのはとても難しいことなのよ。
特に、概して “克服” や “立ち上がること”、”戦い” がメッセージになるような攻撃的なタイプの音楽では、そういった状況に陥りやすいわ。だけど、ヘヴィー・ミュージックには周期性があって、その中は弱さが浮かび上がってくることもあるのよ？」
Courtney は、その証拠として “弱さ” を内包していた Nu-metal やエモのムーブメントを挙げ、これらのシーンが、他のサブ・ジャンルでは “ロック” から離れていたかもしれないファンにとって、音楽的なゲートウェイとなったと信じています。同時に彼女は今日、人々がヘヴィー・ミュージックを発見する道は、かつてないほど広く、アクセスしやすくなっていると付け加えました。これは重要なことだと Courtney は感じています。彼女自身の経験がそれを裏打ちしているからです。
「私はこの業界で成功しようと大人になってからずっと過ごしてきたんだけど、一つの定型化した音楽のジャンルにこれほど情熱を傾けるのはとても奇妙なことよね。でも、LOATHE や CODE ORANGE, SLEEP TOKEN のようなバンドが現れたり、ISSUES や BMTH のようなもう少し洗練されたバンドが現れたりすると、また違った感じでとても新鮮なのよ。メタルにおける “ゲート・キーピング” のような旧態依然とした考え方は、古臭くて何か癪に障るのよね。一つのスタイルのメタルしか好きになることができない人たちのようなね。
メタルというジャンルの好きなところの一つは、結局のところ、とても進歩的だということなの。新しい経験に対してオープンであること。奔放で、新しいサウンドを探求したり、ジャンルを試したりすることに寛容なのよ。でも一方では、新しい音楽やアイデアを理解したり受け入れたりすることを全く拒否し、チャンスを与えようともしない閉鎖的な考え方も非常に多いのよね。と言うよりも、多くの点で、メタルというジャンルの “古い” 印象は、境界線を押し広げて新しいことに挑戦している BMTH や ARCHITECTS のような新しいバンドに置き去りにされているからかもしれないわね。
これらのバンドは自分たちに忠実であると同時に、未知の世界へと足を踏み出しながら、昔々、私たちが “クラシック・メタル” と考えていたことをやっているんだけど、結果は違っているのよね。メタルというジャンルにとって、今は別の時代であり、好むと好まざるとにかかわらず、時は進むのよ。だから私たちはそれに合わせて進まなければならないと思うわ」
もちろん、パラダイムが世代によって変わることは、音楽、文学、ファッション、大衆文化などでは当たり前のこと。ヘヴィー・ミュージックは、今後もシフトし続け、劇的に変化していのでしょうか？
「そう思うわ。例えば、私はミレニアル世代だけど今、自分よりも若い世代を見てみると、ジェネレーションZの人たちが見えてくるの。彼らにとっての “ロックスター” のイメージは、現在はヒップホップの世界から来ているのよ。そこでは今、実験的で奇妙なカウンター・カルチャーが起こっていて、彼らは主流のポピュラー・カルチャーと心を通わせようとしているの。私の世代の親は METALLICA に夢中だったけど、今の若い世代はR&Bやヒップホップのアーティストに注目しているわ。
私は、オルタナティブ音楽のジャンルは、これらのアーティストを参考にして、彼らが現在の状況にどのように適応しているか、また、自分の音楽や全体的な影響力をどのように世界に発信し、マーケティングしているかを知ることで、利益を得ることができると考えているのよ。だから私はそういったアーティストから多くのことを学び、インスピレーションを得ているわ。彼ら（ヒップホップ・アーティスト）は、基本的に自分のやりたいように物事を進めていくことで自分の帝国を築き、現代の変化し続ける世界に道筋を作ってきたの」

SNS も現代では成功のための欠かせない要素だと思われています。
「私たちは、Facebook の数字そのものから離れていっていると思うわ。私は、それが音楽と同じくらい重要だった時代を覚えているの。数年前までは、バンドの公式ページにどれだけ多くの人が “いいね！” を押しているかが気になるのが当たり前で、”いいね！” を買っている人もいるくらいでね。
例えば、あるメタルコアバンドの Facebook ページにアクセスすると、ここ10年くらい続いているバンドの場合、Facebook の “いいね！” が15万件もあるのに、何かを投稿すると “いいね！” が6件くらいしかつかないことがあるわ。明らかに何かが間違っている。特定の方法で数字をごまかすことはとても簡単なのよ。幸いなことに、人々はそのような傾向から脱却しつつあり、特にレーベルは、最終的にはそれがとても重要ではないということに気付いているわ。
SPIRITBOX は、ソーシャルメディアの数はたいしたことはないけれど、エンゲージメントには素晴らしいものがあるのよ。私は、オンラインでのエンゲージメントは、音楽への入り口のようなものだと考えていてね。それがある人にとって興味深いものであれば、その人が音楽をチェックする可能性は非常に高くなるのだから。
でも、最近の人々は、まず音楽を聴いて、それからソーシャルメディアの美学をチェックする傾向にあると思いうわ。私が所属していたバンド (IWABO) は、50万以上の “いいね！” を獲得していたけど、ライブになると12人しか来なかった（笑）。つまり、私が言いたいのは、ソーシャルメディアは今日の業界のすべてではないということなのよね」
10代後半に弟を介してヘヴィー・ミュージックに出会った彼女は、幅広い趣味を持つ音楽ファンとして、ヒップホップや R&B、ポップスの世界でソング・ライティングのお手本を挙げる傾向が多いのですが、彼らのやり方はヘヴィー・ミュージックのそれとは相反すると感じています。
「ヘヴィー・ミュージックでは、ボーカリストが、曲の後ろを走ってついて行こうとしているように感じることがよくあるわ。他の多くのジャンルでは、楽曲はボーカリストをサポートするためにあるのであって、その逆ではないのよね。だけど、重要なのは、方法ではなく、何が語られているかということでしょ？
最近の若い世代は、とても勇敢だと思うわ。臆することなく自分自身を表現し、ヘヴィー・ミュージックの文脈の中で自分が何者であるかを探求しているわ。ヘヴィー・ミュージックの世界に入ってきている多様な声、人生の様々な場面で得たユニークな経験を表現することに前向きな声は、ヘヴィー・ミュージックをエキサイティングなものにするだけでなく、このジャンルが必要としているものでもあるのよね」
そもそも “ヘヴィー” とはいったい何でしょうか？ “Eternal Blue” の最も重大な成果は、基本的なこの言葉の定義にとらわれることを拒否していることでしょう。確かにこのアルバムは、バンドのルーツであるポスト・メタルコアから生まれたもの。THE ACACIA STRAIN や ARCHITECTS（ボーカルの Sam Carter は、激しい “Yellowjacket” にゲスト参加している）などが、このアルバムの最もヘヴィーな瞬間に使われているトーンやチューニングに対して影響を与えているのは明らかです。テクニカルなリフ、挑戦的なリフ、そしてブレイクダウンも豊富。
しかしそれだけでなく、”Eternal Blue” は、異なる次元と色を持つレコードです。ジャンルの慣習は少なくとも参考にはなりますが、制限にはなるべきではないでしょう。ジョシュアツリーの20エーカーの孤立した土地で “Eternal Blue” をレコーディングしたことも一つの “掟破り” であり、この砂漠の環境がアルバムに幽霊のような雰囲気を与えています。Michael が説明します。
「パンデミックもあって、人里離れた場所での作業を希望していたんだ。そして、カリフォルニアの砂漠の真ん中にその場所を見つけたんだよ。外に出ても何も聞こえない、純粋な静けさだったね。まるで防音室の中にいるようだった。遠くに車が見えるくらいで、それだけさ。そんな生活を30日間続けたことで、このレコードは奇妙な雰囲気を醸し出していると思う」

同時にMichael は SPIRITBOX を立ち上げるにあたって、その作曲法を大きく転換させました。
「俺の最初のバンドは、とてもテクニカルで不協和音を多用していた。Iwrestledabearonce は、それ以上だったな。だから、これまでの俺は、どれだけ速く演奏できるか、どれだけ極端に楽器を演奏できるかといった、衝撃性に夢中だった。でも、SPIRITBOX を始めた頃は、同じような姿勢で、どれだけキャッチーなものを作れるだろうかという感じになっていたね」
Courtney は、”Michael から流れ出る” ギターワークを、”非常にアグレッシブだけど、悲しさもある” と表現しています。彼女は “sorrowful” や “mournful” という言葉を使って、彼のギターを人の声が聞こえてくるようなサウンドスケープを表現しました。Courtney の耳にとってそれは、まるで誰かが泣いている音のように聞こえてくるのです。
「私はいつも、衝撃的なテクニックよりもアトモスフィアに惹かれてきたの。テクニカルな音楽は、演奏しているときはとても楽しいのだけど、感動を時間が経っても持続させる力がないのよね。私の心に響くヘヴィネスの好例は、DEFTONES のようなバンド。ヘヴィネスとは、私にとっては圧縮感なの。ヘヴィーとは、あなたの心を重たくして、萎縮させるもの。自由になって叫ぶことができるような解放感ではなく、それこそがヘヴィーの定義なの」
ゆえに、彼女は友人と喧嘩した後に世界から閉ざされた気分になることを歌ったアルバムのタイトル・トラックを、アルバムの中で最も好きな曲であるだけでなく、アルバムを決定的にする瞬間であると指摘します。EVANESCENCE の影響を受けたオープニングの”Sun Killer” や、アルバムを締めくくる “Constance” では、メロディーの感情的な響きが、アルバムの中で最も激しい3分間 “Silk In The Strings” に匹敵する “重さ” を生み出しています。また、前述のCircle With Meでは、コートニーが “When birds of prey invade my thoughts, they promise I will feel the pain” と優しく歌うと、楽曲最後のノイズのクレッシェンドと同じくらいの衝撃が走ります。
「この音楽はとてもこころを動かすものよ。だから、私と一緒に完全に感情移入してもらいたいの」
このような色とりどりのスタイルは、感情の不安定で変化し続ける形を伝えたいという想いと、SPIRITBOX 独自の流動的で柔軟なサウンドを作りたいという二つの想いから生まれたものでした。 結局、”Eternal Blue” は、簡単に分類できるようなレコードではありませんが、それが重要なポイントなのです。感情や人間は、単純に一つのもので成り立っているわけではないのですから。
「ロックやメタルのリスナーとして、私たちはすべてのボリュームが常に “11” に上げられていることを期待するような耳を鍛えてきたのよね…」
Courtney は、この言葉がメタル界の鼻持ちならない人たちの眉間にしわを寄せるかもしれないことを知っています。そのような人たちに対して、あるいは誰に対しても、彼女は “Eternal Blue” への期待値や SPIRITBOX のサウンドが次にどこに向かうかについて、何の約束もしません。忘れてはならないのは、このバンドはまだ自分たちの足場を見つけたばかりであり、1年前でさえ、このようなスポットライトの下で期待を浴びいるとは思ってさえいなかったということ。

例えば、ライブが復活したら “Eternal Blue” の世界はどうなるのでしょうか？これまでにわずか15回のライブしか行っていないバンドにとって、それを考慮することがいかに難しいかを表現しながら、それは独特の、そして間違いなく歓迎されるべきプレッシャーであると Courtney は認めています。だからこそ、今 Courtney LaPlante は、最も落ち込んでいた2年前の、”Eternal Blue” を書いたときの自分とは少し距離があると感じているのです。
「これからの数年間は、時間に追われている Courtney ではなく、ミュージシャンとしての Courtney という本来の自分を取り戻すことができるでしょうね」
ただし、形は違えど、根っこにある感情は変わりません。
「今は、他の新しい不安を抱えているわ。私は失敗するのかしら？このアルバムは私の夢を叶えてくれるのかしら？それとも世界の笑いものになってしまうのかしら？でも、”Eternal Blue” の曲はすべて、今の私の心に一層響いているのよ。このアルバムの中で最も古い曲は、なりたい自分になれないもどかしさを歌ったものだから」
そして今、そのチャンスを手に入れたのでしょうか？
「今、私は自分の物語の中で自虐的な敵役になれるかもしれないわね。私は警戒心を捨てて、自分が必死であることに気づいているの。そう、私はこのバンドに必死なのよ」
Courtney は最近、Billie Eilish の “Same Interview” のビデオを見ました。その中でポップスターは、前回のインタビューからちょうど365日後にまったく同じ質問に答え、自分の人生の変化を振り返っています。2020年10月18日版では、それも4年目を迎えました。
「私たちは彼女が一人の女性として成長し、昔の自分を笑うのを見ているのよ。でも、彼女が言っていたことの中で、とても心に響いたのは、大スターになった今、誰かと話をしていると、自分ではないような、Billie Eilish の役を演じている自分を見ているような、そんな体外離脱の体験をすることがあるということね。そして、それはとても悲しいことなのよ。でも、私が自己認識を持ち続け、自分が説くことを実践し、自分の音楽の中で弱さを保つことができれば、私たちは大丈夫だと思うのよ」

参考文献：KERRANG!:Believe The Hype: Spiritbox are the hottest band in the world

REVOLVER:10 THINGS WE LEARNED FROM OUR SPIRITBOX

SPIRITBOX:SPIRITBOX: RISING CANUCK METAL TRIO IS A TRUE LABOR OF LOVE

OVERDRIVE:FEATURE INTERVIEW – SPIRITBOX

 

RISE RECORD: SPIRITBOX

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ELECTROQUTE : TANPASIN】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ELECTROQUTE !!

“A Lot Of Things Are Banned In Our Country But When You Are Here You Will See That Isn’t Banned Much. We Do Our Own Activities. But The Hardest Part Is Not Having Permission To Perform a Concert.”

DISC REVIEW “TANPASIN”

「たしかに、私たちの国では多くのことが禁止されている。だけど、ここに来てみると、実際はそれらがあまり禁止されていないことがわかるだろうね。私たちは自分たちの活動を続けることができている。ただ、一番大変なのは、コンサートの許可が下りないことだろうな」
以前、弊誌でインタビューを行ったイランのメタル・バンド CONFESS。彼らは不敬罪に問われ、懲役12年、鞭打ち74回の刑の宣告を受け、現在はノルウェーに亡命しています。これだけを取り上げれば、イランの政権は少なくともヘヴィー・メタルにとっては、血も涙もない無慈悲な体制に思えます。
ただし、CONFESS のフロントマン Nikan Khosravi の罪状は”最高指導者と大統領を侮辱した”、”反体制的な歌詞と侮辱的な内容を含む音楽を制作し世論を混乱させた” であり、彼自身も 「僕は逮捕されたことを誇りに思っていたんだよ! なぜならそれは、僕の音楽と歌詞が非常に強力で真実味があることを意味していたからね。政権全体を脅かすことができたんだから」 と語っています。
つまり、政権に牙を剥いたことこそが真の逮捕理由であり、すべてのメタル・バンドが厳しい弾圧を受けているわけではない、そんな事情がイランの偉大なプログメタル・アクト ELECTROQUTE の言葉からは読み取れるのです。
かつてメタルが誕生した頃のイランは、ちょうど1979年に歴史的な革命が起こり、イスラム原理主義の神権的な支配が大きくなっていました。政治的な変化の中で、音楽に対する検閲により政府の承認を得られないことも日常茶飯事。それは、ロック、パンク、メタルといったジャンルは、イラン政府にとっては世俗的な国家の音楽であり、イスラムの敵であるとみなされていたからです。
しかし、イランのメタル・シーンはこの15年間で急速に成長を遂げています。驚くべきことに、現在イランのメタル・バンドは予想以上に多くその数は数百。それは、音楽に対する規制緩和を提唱した近年の政治改革運動によるところが大きいのかもしれませんね。それでも、バンドがアルバムを制作しコンサートを行うには、いまだに政府の承認を得る必要がありますが。
「たしかに、数年に一度、メタル・バンドを逮捕しなければならないというニュースは流れるんだけど、特に何も起こらないよ。私たちの国は常に経済的・政治的危機にあって、このような瑣末なことに対処する時間はあまりないんだと思うよ」
ELECTROQUTE が CONFESS を知らないという言葉が真実かどうかはわかりません。政権を刺激したくないという意識が働いているようにも思えます。ただし、名目では禁止されているメタルも、実はイランというある意味閉ざされた国のなかでさえ逞しく根付いているのは間違いありません。
「私たちにとって重要で目標となっているのは、言葉を伝えることなんだ。私たちの詩歌は、様々なテーマを扱っている。メンタルに関すること、日常の問題、内なる感情、さらには神話の物語までね」
彼らの最新作 “Tanpasin” のアルバム・ジャケットに描かれている、人間と木の切り株が一体化した “Connected” という表現は、人間は自然と切り離せないという GOJIRA が発するメッセージともシンクロしています。それだけではなく、ELECTROQUTE の奏でる音楽にも GOJIRA に通じる完成度の高い “プログレッシブ・グルーヴ” メタルの多様で素晴らしき息吹が感じられるでしょう。
ある時は METALLICA, ある時は PANTERA、ある時は DEATH, ある時は DREAM THEATER、そしてまたある時は SYSTEM OF A DOWN。ただし、ペルシア語で歌われる雄々しくも切ない旋律の調べは、そんな激動のカオスの中、片時も離さずリスナーを中東の凛々しく荒涼とした世界へと誘っていくのです。辺境メタルと侮ってはいけません。高度なプロダクションに印象的なリフワーク、そして自らの独自性を理解した構築術。人の好奇心は何物にも妨げられることはありません。世界への扉を開いてくれたメタルで世界を狙う。メタルで “感電” させるために。約束の時はもうすぐです。
今回、弊誌では ELECTROQUTE にインタビューを行うことができました。「ギタリストの Amir が言うには、彼の父は日本で何年か働いた経験があって、それで彼は子供の頃から日本の文化に大きな興味を持ってきたんだ。だからもちろん、彼は X Japan や Dir en Grey といったバンドを好んでいるんだよ」 どうぞ！！

ELECTROQUTE “TANPASIN” : 9.9/10

INTERVIEW WITH ELECTROQUTE

Q1: First of all, could you tell us how you found and got into metal in Iran, a country that is very intolerant of it?

【ELECTROQUTE】: When we were teenagers,we unconsciously sought something beyond routine life, beyond what we see on TV. Metal music was one of the hatches that opened to a endless world.

Q1: まずは、イランというメタルが抑圧されている国で、どうやってメタルと出会ったのか教えていただけますか？

【ELECTROQUTE】: 私たちがティーンエイジャーだった頃、私たちは無意識のうちに、日常生活を超えたもの、テレビで見たものを超えたものを求めていたんだ。そんな中でメタル・ミュージックは、無限の世界へと開かれた扉の一つだったんだよ。

Q2: It was said that metal is blasphemous in Iran. What was the hardest part of being in a band in Iran as Electroqute?

【ELECTROQUTE】: A lot of things are banned in our country but when you are here you will see that isn’t banned much. We do our own activities. But the hardest part is not having permission to perform a concert.

Q2: イランでヘヴィー・メタルは冒涜的とか、不敬だと言われているそうですね？ ELECTROCUTE としてメタルをやっていくのは大変ではありませんか？

【ELECTROQUTE】: たしかに、私たちの国では多くのことが禁止されている。だけど、ここに来てみると、実際はそれらがあまり禁止されていないことがわかるだろうね。私たちは自分たちの活動を続けることができている。ただ、一番大変なのは、コンサートの許可が下りないことだろうな。

Q3: When I had an interview with Nikan of Confess, he said “I took pride for my arrest! Cause it meant that my music and my lyrics are so strong and truthful that they could scare a whole regime.”. What do you think about his arrest and his behaviour?

【ELECTROQUTE】: We don’t recognize who is nikan and we don’t think anyone was arrested for this.

Q3: あなたと同郷で、現在はノルウェーに亡命している CONFESS の Nikan にインタビューを行ったのですが、彼は「逮捕されたことに誇りを持っている。俺の音楽と歌詞が体制に傷をつけた証だからな」 と語っていました。

【ELECTROQUTE】: 私はその Nikan が誰か知らないんだよ。メタルをやっているから逮捕されたなんて人も知らないな。

Q4: Are you guys in any danger of arrest or persecution for playing metal? What is the metal scene like in Tehran?

【ELECTROQUTE】: Every few years a news comes out that they have to arrest metal bands but nothing special happens. Our country is always in an economic and political crisis and doesn’t have much time to deal with this trivia. Metalheads meet each other in rock cafes and some small live performances in Tehran, Shiraz or Esfehan.

Q4: では、あなたたちに逮捕や迫害の危険はないのですね？

【ELECTROQUTE】: そうなんだ。たしかに、数年に一度、メタル・バンドを逮捕しなければならないというニュースは流れるんだけど、特に何も起こらないよ。私たちの国は常に経済的・政治的危機にあって、このような瑣末なことに対処する時間はあまりないんだと思うよ。イランのメタルヘッズとは、テヘラン、シラーズ、エスフェハンのロックカフェや小さなライブでちょくちょく出会うくらいかな。

Q5: Your music is called “Persian metal”. In fact, we can feel a strong oriental atmosphere, especially in the vocal melodies. What does the music of the Middle East and Persia mean to you?

【ELECTROQUTE】: We grew up with oriental music. If our music is heard like middle eastern, it must be unconscious. We use modern instruments but our mind are in the middle east.

Q5: あなたたちの音楽は、”ペルシアン・メタルと呼ばれていますよね。実際、特にボーカル・メロディーからはオリエンタルな感覚を強く感じます。

【ELECTROQUTE】: 私たちはオリエンタルな音楽を聴いて育ったんだ。もし、私たちの音楽から中東のムードを感じるとしたら、それは無意識に出たものだろうな。たしかに私たちは現代の楽器を使っているけど、心はいつも中東にあるからね。

Q6: Is it important for you guys to sing in Persian, tell us about the lyrical themes in “Tanpasin” ?

【ELECTROQUTE】: Yes, our main goal is word. Our poems have different themes, mental concerns, routine problems, inner emotions and even mythical stories.

Q6: そのオリエンタルなムードは、やはりペルシャ語で歌われる歌詞に寄るところも大きいと思うのですが？

【ELECTROQUTE】: そうだね、そして私たちにとって重要で目標となっているのは、言葉を伝えることなんだ。私たちの詩歌は、様々なテーマを扱っている。メンタルに関すること、日常の問題、内なる感情、さらには神話の物語までね。

Q7: Metallica, Pantera, Gojira, Death and Dream Theater, the influences that come through in your music are very broad. And that’s why, I really love “Tanpasin”. Are you comfortable with the classification of prog metal?

【ELECTROQUTE】: Our music is influenced by the greats of this genre. If they weren’t there, we would be nothing. But we never chose a special genre for ourselves. Listeners may decide what style we are.

Q7: METALLICA, PANTERA, GOJIRA, DEATH に DREAM THEATER。あなたたちの音楽を聴いていると、幅広いメタルのルーツが伺えます。だからこそ “Tanpasin” を気に入っているのですが。プログ・メタルと分類されている現状に思うことはありますか？

【ELECTROQUTE】: 私たちの音楽は、このジャンルの偉人たちから影響を受けている。彼らがいなければ、私たちは存在しなかったんだ。だけど、自分たちでジャンルを決めることは出来ないからね。リスナーが私たちのスタイルを定義してくれるだろうさ。

Q8: Sometimes, your music reminds me of a Japanese band called Dir en Grey, are you familiar with this band or any other Japanese music or culture?

【ELECTROQUTE】: Our guitarist Amir says his father worked in Japan a few years and Amir has had a great interest in Japanese culture since childhood. Of Course, he likes bands like X Japan and Dir en Grey. If we consider Trivium as Japanese band, we are very influenced by this bad too.

Q8: 気のせいかもしれませんが、あなたたちの音楽を聴いていると時折、日本の Dir en Grey というバンドを思い出すことがあるんですよ。日本のバンドはご存知ですか？

【ELECTROQUTE】: ギタリストの Amir が言うには、彼の父は日本で何年か働いた経験があって、それで彼は子供の頃から日本の文化に大きな興味を持ってきたんだ。だからもちろん、彼は X Japan や Dir en Grey といったバンドを好んでいるんだよ。
それに、TRIVIUM を日本のバンドと数えるなら、私たちは彼らからも大きな影響を受けているよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED ELECTROQUTE’S LIFE

METALLICA “BLACK ALBUM”

SYSTEM OF A DOWN “TOXICITY”

GODSMACK “AWAKE”

CHILDREN OF BODOM “ARE YOU DEAD YET?”

TRIVIUM “SHOGUN”

MESSAGE FOR JAPAN

Influence of Japan on our lives is undeniable. Technology, Anime, sport encounters and hard work of Japanese people. All of this has made us together with you. Arigato gozaimasu!

私たちの生活に、日本の影響は欠かせないものだ。テクノロジー、アニメ、スポーツ、それに献身的に働く日本の人々。それらすべてが、私たちと皆さんを繋げてくれているんだ。ありがとうございます！

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【IRON MAIDEN : SENJUTSU】

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COVER STORY : IRON MAIDEN “SENJUTSU”

Photo copyright by JOHN McMURTRIE

“You Only Have To Look At Those Top Comments To Find Out How Fractured People’s Psychologies Are. This Is Not a Political Issue, I Think It’s a Psychological Issue. There’s a Collective Schizophrenia In The World And The Internet Is Feeding It And Fueling It.”

戦術 -THE ART OF WAR-

Bruce Dickinson は、メタル世界の異端児です。イギリスの巨人、IRON MAIDEN のフロントマンである Bruce は、63歳にもかかわらず今でも旗を振りながら大声で叫び、バンドのマスコットであるエディと剣戟を交わし、若いころといささかも変わらぬ情熱を持ってステージを飛び回っています。背景が変わり、炎が上がると、彼は愛してやまない世界の歴史からインスピレーションを得た古来の衣装を着て、芝居がかった派手な演出で聴衆を釘付けにするのです。
Bruce は、レコーディング・アーティストとして、ライブ・パフォーマーとして、メタル世界最高のボーカリストの一人として当然広く知られています。ただし、同時に彼は、メタル世界においてレジリエンス (心理学における外力による歪み、ストレスを跳ね返す力) の第一人者としても長く記憶されるに違いありません。
2016年、Bruce は舌癌を克服した数ヶ月後に “The Book of Souls World Tour” に参加し、IRON MAIDEN は6大陸で100回以上の公演を行いました。Bruce Dickinson の声は、癌を克服し恐ろしいことにその強靭さを増しています。
「ツアーを3、4ヵ月やってみて…すべてオリジナルのキーで、40年前に使っていたのと同じ音を出している。声のトーンは少し太くなったし…。より頑丈になった。俺は確かにテナーの音域にいるけど、テナーにはさまざまなタイプがある。俺が好きなテナーの一人が、Ronnie James Dio だ。Ronnie は一種のハイブリッドで、年を重ねるごとに彼の声はより頑強になっていったよね。初期の作品、特に RAINBOW 以前の作品に “Butterfly Ball（and the Grasshopper’s Feast）” というアルバムがあってね。彼はゲストとして参加し、DEEP PURPLE の Roger Glober が多くの曲を書き、プロデュースしている。その中に “Love Is All” という曲があるんだけど、彼の声はガラスのようなんだ。とても透明感があって、素晴らしいんだよね。この曲は、アルバムではなくライブでカバーしたいと思っていたんだよ。
11月にハンガリーで Roger と一緒にオーケストラ演奏をすることになっているんだ。去年、ケベック・シティでオーケストラとやったのと同じで、2晩かけて Jon Lord の “Concerto for Group and Orchestra” を演奏して、最後にパープルの曲を5曲演奏したんだ。ハンガリーでも同じことをやるだろうね。
とても楽しいし、オーケストラと一緒に仕事をするチャンスもあるからね。指揮者のポール・マンが他のこともやってみたい？と聞くから、俺は、”メイデンの “Empire of the Clouds” という絶対にやらない曲があるんだけど、これはオーケストラのために作られていて…” と言ってみた。彼はその曲を聴いて、”ああ、これは素晴らしい！” と感動していたよ」

2019年に後に “Senjutsu” となる2枚組の新作アルバムをレコーディングした際には、アキレス腱を痛めながら、手術の翌日にはボーカルを撮り終えました。Bruce はその時のことを、ブーツを履き、松葉杖をついてスタジオに入り、足は “クソ風船” のようになっていたと語っています。そこから彼はツアーに戻り、キャリアを網羅した “Legacy of the Beast World Tour” を継続。毎晩、戦略的にステージを歩き回り、医師がかかとを縫い合わせた直後にもかかわらず懸命に動き回って聴衆を鼓舞しました。
「動き回っていたけど、違う動き方をしていたんだよ。ふくらはぎの筋肉を使わずに動くことを覚えたんだよね。これがなかなか難しくて、従来のやり方ではできないんだ。だから、ジャンプもできないし、走ることもできないし、早く歩くことも問題だった。でも、カニのように歩けば大丈夫だったんだ！」
IRON MAIDEN は、コロナウイルスの流行により、レガシーツアーの残りを2022年に延期することを余儀なくされましたが、さらに Bruce 自身もこの “Senjutsu” リリースの大事なタイミングで軽度のCOVID-19に感染してしまいました。しかし、機長でありレジリエンスの達人はもちろんその心を折られてはいません。
「とても素晴らしいレコードだから、これ以上座って待っているわけにはいかないからね。人々はロックンロールの棚から何かが落ちてくるのを待っていたんだ。だから、このアルバムをリリースするのは、ある意味素晴らしいタイミングだと思うんだ。
体調は全く問題ない。COVIDに感染したから、10日間の自宅隔離を余儀なくされているが。ちょうど1週間前に陽性反応が出たんだ。症状としては、2～3日前から少し気分が悪くなり、少し汗をかき、少し鼻が詰まって、俺の場合は小さな咳が出て、嗅覚も鈍っていたけど、今は少し戻ってきているね。
感染したからといって、ワクチンには全然懐疑的になっていないよ。2回とも接種したし、もし誰かにもう2回接種してほしいと言われたら、真っ先にその列に並ぶだろうな。俺とパートナーは、俺がファイザー、彼女はアストラゼネカのワクチンを接種し、二人とも感染した。でも、彼女はそれを乗り越えたし、基本的に俺も今、かなり克服しているよ。
ワクチンを打っておいたから、症状が軽かったんだろうな。それに、俺の知り合いでワクチンを接種した人は皆、副作用がとても軽いんだよ。ワクチンを接種していない人でコロナになった人を何人か知っているけど、彼らは相当酷い目にあっているよ。たとえ死ななかったとしても、その後かなり長い期間、体調が優れないんだよな。これは50歳以上の人だけではなく、30歳以下の若い人たちにも言えることなんだ」
家に閉じこもるのは退屈で、”Netflixをすべて見てしまった” と告白する Bruce にとって、メイデンの世界に戻ることは、普通の生活に戻ることを意味しています。
「世界が早く常識的なものに戻れば、誰にとっても良いことだよな。俺たちは、その一環として “Maiden is Back” を求めているんだよ」

80分以上という壮大な長さで、最後の2曲だけで30分近くかけてレコードの片面を占める。そんな型破りな音楽とテーマは IRON MAIDEN だけが実現可能な魅力的なメタルドラマでしょう。プログ、フォーク、ブルース、サウンド・トラックなどの影響が随所に現れる、41年の歴史を持つメイデンのタペストリー。”Senjutsu” はそんな匠の伝統に独自の挑戦の形を刻んでいます。
パリのギョーム・テル・スタジオ（ “Brave New World” や “The Book Of Souls” を制作したのと同じ場所）で長年のプロデューサーであるケヴィン・シャーリーと再度タッグを組んだ “Senjutsu” の創作過程は、このような全能感に満ちた聴きごたえのある作品にしては、非常にゆるやかなものでした。
「2枚組というのも、自分たちの手の中にあるものに気づくまで、実際には計画されていなかったんだよ。このように濃密で時折挑戦的な作品を作ることが、歴史的なツアーの強壮剤になるという指摘さえも、さりげなく受け流していた。本当に、”アルバム” 以外の計画はなかったんだ。何か決まったアイデアや先入観を持って臨んだわけではないんだよ。
Steve は文字通り2、3日家に閉じこもっていて、その間俺たちはみんなでピンボールをしている。そして彼はこう言うんだ。”おーい！みんなスタジオに来てくれ！” ってね。
Adrian と一緒に作った曲は、もう少しオーソドックスなものだったな。何かができたと思うまで、ギターを弾いたり歌ったりしていたんだ。それからリハーサルをして、そのまま曲にした。言ってみれば、もっとオーガニックなんだよね。逆に Steve は、かなり細かいところまでこだわる傾向がある」
実際、Bruce はこのアルバムで Adrian Smith とのみ楽曲を書いています。
「彼と一緒に書いていると、すぐに物事がうまくいくんだよ。そういう意味では、彼は一緒に作曲するのにとても適した人だよね。彼は、歌いやすいコード構造を考えてくれるし、そこには音楽的な色が含まれているので、俺の頭の中で絵を描き、その上に言葉や曲を書くのも簡単なんだ。
時には、少しずつ入れ替えていくこともある。彼がコーラスだと思っていたものが、途中で何かに変わるかもしれない。コーラスだと思っていたものがギターになるかもしれないけど、それはアイデアを出し合っているうちにわかることさ。Adrian はテニスの名選手なんだけど、彼と一緒に曲を作るのは、ボールを前後にノックするようなものだ。良いラリーになると、”これは良い！” “あれはクリエイティブだ！” となる。実際、エイドリアンとの曲作りはまさにそんな感じなんだよ。
でも、別に Janick と共作しなかったからって意図的なことじゃない。Steve はスポンテニュアスにやるのが好きじゃない。”サプライズだ！俺が全部仕上げた！”というのが彼のやり方なんだ。俺たちは40年以上も一緒に仕事をしているから、お互いの仕事のやり方や長所、短所などを理解しているんだ。
俺と Adrian は、”The Writing on the Wall” 作ったとき、とても驚いたんだよ。彼は、”これは1曲目にするべきだ！” と言った。この曲は俺たちにとっては異色だよ。ある意味では、もう少しメインストリームで、クラシック・ロックのようなものだからな」

JETHRO TULL のような感じもあります。
「JETHRO TULL や DEEP PURPLE みたいな、子供の頃に着ていた “服” を “着せ替え箱” の中から掘り出して、何年も経ってから表に出しているんだよ。俺がバンドに参加していなかった頃の “Prodigal Son” を聴いてみるといいよ。ちょっと待った！と思うだろうね。とても JETHRO TULL 的だから。
俺と Steve は JETHRO TULL の大ファンだけど、好きなアルバムはそれぞれ違うんだよね。俺は初期のフォーク・ロックのファンだけど、彼は “Thick as a Brick” やプログレッシブなものが好きなんだ。あとは “Passion Play” とか。俺はそれほど好きじゃないんだよね。短い曲の方が好きだ。
彼は GENESIS の大ファンなんだけど、Phil Collins の GENESIS ではなく、Peter Gabriel の初期を好んでいる。一方、俺はどちらかというと Peter Gabriel のソロのファンでね。GENESIS を離れてからの彼の作品はよりエッジが効いていると思うからね。”Peter Gabriel III” は、なんて素晴らしいアルバムだろう。”Intruder”, “No Self Control” みたいな不吉さがいい。
あと、俺は VAN DER GRAF GENERATOR というイギリスのプログ・バンドの大ファンでね。彼らは GENESIS と同時代のバンドだったけど、彼らほどビッグではなかったんだ。VDGG はもっとプログレッシブでアート・ロックなタイプなんだけど、俺は彼らと Peter Hammill から歌詞の面で大きなインスピレーションを受けているよ。
まあつまり、俺たち2人の間には、かなりの量の “プログレ” が潜んでいるんだ。ここ数枚のアルバムにはそれが表れているよね」

コロナで始まった2020年代。それだけではなく、IRON MAIDEN に加入したころとはさまざまなことが大きく変化しています。
「今までとはまったく違う方法でプロモーションを行っているよ。リリースの告知には、インターネット上で、イースターエッグ・ハントのようなものを用意したんだ。それに、ミニムービーのようなアニメーション・ビデオもある。
アニメーションは音楽に匹敵するよ。バイクが通ると音がする、人が銃をロックしたりロードしたりすると音がする。男がヤギに変身すると、ベロベロと音がして、バリバリと壁に叩きつけられる。大きなサウンドシステムを使えば、それは素晴らしい音になる。映像に命が吹き込まれたように感じるんだ」
長い間、話題になるようなビデオを作っていないので、人々が想像できないような壮大なものを作りたいと考えていた Bruce を駆り立てたのはドイツのあるバンドでした。
「メイデンのマネージャーであるロッド・スモールウッドに、”RAMMSTEIN の “Deutschland” のビデオを見たことがあるか？”と言ったんだ。あれは、俺にとっては画期的なビデオでね。驚くべきことだよ。俺たちは RAMMSTEIN ではないから、同じことを提案しているわけではなかったんだ。でも、同じくらいのインパクトを与えることができるものが欲しかったんだよ。
画期的なビデオを作りたかった。俺はアニメーターではないからすべてを担当したわけではないけど、ストーリーを書き、元ピクサーのマーク・アンドリュースとアンドリュー・ゴードンが事実上のエグゼクティブ・プロデューサーとして、全体に深く関わっているんだよ」
かつて “トイ・ストーリー” を手がけた人物が、今は IRON MAIDEN のマスコット、エディが政治家の首を切るシーンを書いているのも驚きです。
「俺が脚本を考えたとき、マークはガイドとしてフルカラーの美しい絵コンテを8枚描いてくれた。特に気に入っているのは、最後のシーンでエディがアダムとイブをキャデラックに乗せて、4人のバイカーにエスコートされているところだね。背景にはスタンリー・キューブリックや “ドクター・ストレンジラブ” へのオマージュが描かれていて、まさに俺がこのラストシーンを書いたかのようだった。すぐに、”この仕事をするのにふさわしい人たちだ ” とおもったね。
最初の会議で、マークは “聞いてくれ、僕は勝手にこのオープニングシーンを考えたんだが、バイカーたちはもっと早く登場するべきだと思うんだ。たぶん、ハゲタカのように旋回しているんじゃないかな” と言った。俺は “ロード・オブ・ザ・リングのナズグルだな” と思ったよ。素晴らしいね。
クリエイティブな人たちと一緒に仕事をしていると、すぐに理解しあえるのがとても楽しいんだ。大虐殺で人々を排除する方法を検討していたとき、”実際にどんな銃を持つべきか” というディテールにまでこだわったよ。武器のマイクロデザインをしていたんだよね。
四頭身の死神のようなバイクの男たちが、有害廃棄物の中を走り、逆さまになったアメリカ国旗が、大食いで身なりの悪い政治家を乗せた車に掲げられている…おそらくドナルド・トランプだろうな。まあトランプである必要はないんだけど。これは一般的な比喩だから」

そして、その後ろにはお尻を出したイギリス人の男たちがいます。
「彼らは顔のない公務員で、まだ大英帝国があると思っている愚か者だ。ズボンからお尻を出しているけど、誰も教えてくれないんだよね。
その背後には、明らかに核ミサイルを突き出した中国のドラゴンのようなものがある。多くの人に聞かれるのは、一番上の皇帝が実際に何を持っているのかということなんだ。というのも、（中国の）習近平国家主席が一時的に不人気になったとき、地元の人たちが習近平の外見をくまのプーさんに例えたんだよね。その結果、習近平は “くまのプーさん” を中国で禁止することにしたんだよ。わかるかい？
このビデオには小さなイースター・エッグがたくさん潜んでいるんだ。特定の政治体制を支持するものではないよ。善人はいない、悪人ばかりだ。最初の絵コンテでは、大虐殺が終わり、エディが黙示録のバイカーに護衛されて走り去り、爆弾が爆発するところまでしか描いていなかったんだ。でも、実際には、吸血鬼の王様（試験管の中に入れられた死体の汁で生き返る男）は生き延びて這い回り、闘技場の外ではヤギになっていたんだ。ネブカドネザル2世がしたとされるように、地面に伏せて草を食べている。というのも、彼は気が狂ったようになって錯乱し、自分が獣になったと思い、外に出て、草の中で草を食べていたんだよね。傲慢の罪でね。
そして、彼がロバに目をやると、ロバが “おい、あれは俺の草だぜ “と言ったんだ。王様はロバと同じレベルになってしまった。すべてが滅んだ後、エディがサタンになって、実際彼はサタンではないけど、新しいリンゴを作ってしまうというのはいいアイデアだよね。
ポジティブな結末が必要だったから、最後にアダムとイヴをビデオに挿入したんだよ。スタンリー・キューブリック監督の映画 “Dr.ストレンジラブ” を意識したようなエンディング。エディはただ世界を終わらせるだけで、何もしないの？最後にアダムとイヴが必要で、エディは彼らにリンゴを与えるんだ。
良いことかもしれないし、悪いことかもしれないけど、確実に人間はそれを食べることになる。もしかしたら、また同じことを繰り返してしまうかもしれないけど、どうなるだろうね」
重要なのは、これが “Alexander the Great” のようなメイデンお得意の歴史大作ではなく、現代のアポカリプスな物語だということでしょう。
「これは歴史ではなく、現代の悪夢なんだ。国家が行うゲームの寓意なんだよ」

Bruce の中には難解な歴史の教科書と、スター・ウォーズやロード・オブ・ザ・リングが同時に存在しています。だからこそ、リスナーに届きやすいのかもしれません。
「そうだね。でも、そういった娯楽作品がアイデアをどこから盗んで来たと思うかい？ほとんどはシェイクスピアが作ったもので、その前はギリシャ人が作っていたね。その前には、聖書をそのまま引用したものもたくさんあるし。すべてがリサイクルされて、同じ巨大なメディアの洗濯機に入り、新鮮な状態でマーベル・コミックになって出てくるんだ。
俺は神話が好きだよ。特に、ある程度の寓話性があって、今の時代の良き参考書となるようなものがね。邪悪な帝国が常に勝利するわけではないという希望を人々に与えるようなね。救いを得ることができるのだから」
“Death of the Celts” は、1998年のメイデンの楽曲 “The Clansman” には関連性があるようにも思えますが。アイルランドとスコットランドという違いはあるにせよ。
「スカートをはいた男性のことはよくわからないんだけど、Steve (Harris) にはそういうところがあるんだよね (笑)。 “Death of the Celts” は Steve の曲だけど、彼は部族のアイデンティティを脅かすような人たちの曲を書くのがとても好きなんだよね。彼は以前にもネイティブ・アメリカンや少数民族についての曲を書いている。アイデンティティを脅かされているグループに親近感を持っているんだろうな。そして、自分たちが脅かされているときには、変化するよりも死んだほうがましだと思っている。その考え方は、ある意味ではとてもロマンティックだけど、同時にそれがどれほど歴史的なものなのかはわからないよね。なぜなら、実際に一夜にして死滅する民族はいないから。恐竜もそうだった。何が起こるかというと、人々が吸収されるんだよ。バイキングは絶滅したわけではないけれど、吸収され、同化された。最終的には、イングランド北部に住む、金髪で青い目をした人たちになったんだ」

Adrian Smith と共作した “Darkest Hour ” は、息子を埋葬した男たちの話や、浜辺に流れる血といった暗く陰鬱な楽曲です。
「この曲は、うつ病に苦しんでいたウィンストン・チャーチルの頭の中を少しだけ覗いてみようという試みだった。彼は明らかに天才的な人物だったけど、それだけではなかった。アルコール依存症で、うつ病で、彼が “黒い犬” と呼んでいたものに悩まされていたんだよね。それは彼なりの “うつ病” の表現方法だったんだ。
だけど、彼がいなければ自由世界は基本的に自由ではなかっただろうな。ヨーロッパに関する限り、世界は現在のような形では存在しなかっただろう。もし、彼が頑固な年寄りではなかったら、ヒトラーだけでなく、ヒトラーと和解しようとしていた自分の党の人々にも立ち向かうなんてことはしなかっただろうから。
英国の政治家にしてみれば、面倒なことになるだけだからね。”ヨーロッパのことはナチスに任せておけばいい、我々のことは放っておいてくれれば何をしてもいい” というわけさ。ヒトラーはイギリスの帝国やその他のものに大きな憧れを抱いていたから、その考えに納得していたんだ。
つまり、ヒトラーはイギリスを追い出したいのではなく、実際にはイギリスと同盟を結びたかったんだけど、チャーチルが立ちはだかってこう言ったんだよ。”あなたは野蛮人だ。あなたは文明を破壊し、我々が価値があると考えているすべてのものを破壊するだろう” とね。だから俺たちはチャーチルに大きな感謝の念を抱いている。だけど、その過程で何百万人もの人々が亡くなってしまった…アメリカ人もだけどね。
この曲は浜辺で始まるんだ。冒頭の浜辺は、ダンケルクの浜辺で、基本的には逃げなければならなかった撤退戦の場面なんだ。そして、曲の最後には再び血が赤く染まるんだが、今度はD-Day (ノルマンディー上陸作戦を行った1944年6月6日) のビーチで、俺たちが戻ってきたときのことなんだよ。
その間に語られるのは、基本的には圧倒的に不利と思われる状況下で、ある国が「いや、お前なんかくそくらえ！」と立ち上がった物語なんだよ。第二次世界大戦のバストーニュ（ベルギー）でのアメリカ軍の司令官だったと思うけど、ドイツ軍からの降伏勧告に単純に4文字の言葉で、”Nuts” “おバカさん” と返したんだ。
チャーチルの反応もよく似ていて、”我々は降伏するつもりはない。海岸でも戦う。浜辺でも、丘でも、何を使ってでも戦い抜く” と断言した。これにはナチスも困惑したと思うよ。何を言っているんだ？我々を止めることはできない、我々は圧倒的な力を持っている！のにって感じだっただろうな。しかし、そうはならなかった。これは、一人の人間が作ることのできる違いなんだよ。それが、この曲のテーマなんだ」

今アメリカでは、自分のチームや教団に属すると思われる人たちに対して反対の声を上げることを、人々はとても恐れています。
「世界全体が二極化しているのを見るとがっかりするね……いや、二極化どころではないね。AとB、左と右、北と南…分断されているんだよな。
それが無責任なソーシャルメディアによって増幅されているんだよ。ソーシャルメディアは自分自身を、”そうか、我々は実際にこの怪物を生み出し、事実上制御不能にさせてしまったが、それは我々のせいではない、それがインターネットなのだ、それが進歩なのだ” と考えてしまっている。
だけど、これは制御可能であり、人々は責任を取ることができるんだよ。小さな小さな極端な意見をメガホンで叫んだところで、SNS と同じようには広がっていかないだろうね。だけどメガホンで叫んだほうが、イデオロギー間の対立ではなく、実際の言論を可能にするかもしれないよね。イデオロギーとは、政治的なイデオロギーではなく、事実に基づくイデオロギーのことだよ。
例えばある人は、”チーズはマインドコントロールの方法である” という信念を持っているかもしれない。それをインターネットで公開すれば、バカな男たちがそれを信じるんだよ。なぜなら、それに対抗する反応がないからね。
かつては、新聞社や信頼できる情報源に行って、”チーズについての本当の話は何か？微生物が私たちの脳に侵入するように再プログラムされたのか、それともただのチーズなのか？” といった具合にソースを確認することができた。だけど、それはますます難しくなっている。俺たちのビデオ “The Writing on the Wall” につけられたコメントを見ればわかるよ。興味深いことに、このビデオは左翼から右翼まで、そしてその間のあらゆる意見からさまざまな主張を受けている。
誰かが “これは終わりの時に関するものだ！”といえば、聖書に詳しい人たちは “そうだ、これはイエス・キリストのことで、彼が我々を救うために戻ってくるんだ” と言い、他の人たちは “いや、これは悪の帝国のことだ” “これはトランプのせいだ” “ああ、これはバイデンのせいだ” “ああ、これはワクチンに関わることだ “とさまざまなコメントがあるんだよね。
正直言って、信じられないことだけど、人々は自分なりの解釈で意見を押し付けていくんだ。これらのトップコメントを見れば、人々の心理がいかに分裂しているかがわかるだろう？これは政治的な問題ではなく、心理的な問題だと思うよ。世界には集団的な統合失調症があり、インターネットがそれに拍車をかけているんだよね」
“Hell on Earth” という曲は、まさにそんな地獄のような世界を反映しているようにも思えます。
「どうだろう。それは Steve の歌詞だからね。彼は俺が言うことを気にしていないと思うけど、ちょっとした象徴主義者なんだよね。彼は主流にはならないんだよ。もしかすると、彼は厄介な集団の一員であるかもしれない。彼は俺が信じていないことも信じているけど、人は自分の信じたいことを信じることができ、それが自由な世界と呼ばれるゆえんだからな。だから “Hell on Earth” で彼は明らかに世界を見てこう言っている。”俺が死んでこの世を去ったら、別の世界に戻ってきて、すべてが悪い夢だったと思えるかもしれない。もう一度やり直せるかもしれない。でも、それまでの間、地球上の地獄にいなければならない” とね」

新しいアルバムのタイトルに日本語の “戦術” を選んだ IRON MAIDEN。これは、相手がどこに力を注いでいるかを見極め、それを利用して勝利のための対応策を構築するという考え方です。Bruce が言うように、”サムライ・エディ” と繋がっているのも重要なポイントです。
「Steve が最初の曲を考えて、”Senjutsu” という曲だと言ったんだ。彼は、日本語で “戦争の術 “という意味だと言った。俺は本当かな？と思ってグーグル検索で調べてみたら、いくつかの異なる意味があるみたいだった。俺らはその中から “The Art of War” でいくことにしたんだ。
何の戦争なのかはよくわからない。歌詞を見て、”これは誰かがゲーム・オブ・スローンズを見まくっているみたいだ！” と思ったんだ。草原から北方民族が降りてきて、そこには壁があって、彼らは何としてもその壁を守らなければならない…」
“Senjutsu” のジャケットには、鎧に身を包んだエディが描かれています。つまり、Bruce にはステージ上で鎧を着たり、サムライ・エディと戦ったりする可能性があるということなのでしょうか？
「国際フェンシング連盟は、特にフランスを中心とした西洋のフェンシング連盟で、ライトセーバーの国際的な競技会を公認しているんだ。冗談ではなく、ライトセーバーの大会だよ。彼らのトレーニングを1、2回見たことがあるんだが、実際に競技用のライトセーバーを持っていて、それが最高にかっこいいんだよ。ジュニアフェンシング用のライトセーバーを買ったんだけど、これが地球上で最もクールなものでね。完全な戦闘用ライトセーバーなんだ。徹底的に叩きのめすことができる。壊れることもないしね。
これをホテルのロビーに持ち込んで、ロビーでライトセーバー合戦をしたことがあるんだけど、誰も止めなかったんだよ。だから、ステージ上でサムライ・エディとライトセーバーで決闘するというアイデアは、ぜひ実現したいね！」
IRON MAIDEN が孤高であり続けられる秘訣。Bruce は最後にそのヒントを語ります。
「IRON MAIDEN は、デビューから41年、17枚のアルバムをリリースしてきたけど、いまだに挑戦し続け、人とは違うことをしたいと思っているし、ファンに対して知的に接したいと思っているんだ。それには根性が必要だし、自分の仕事に信念を貫く勇気も必要だ。このアルバムをライブで全曲演奏したいと思っている。それはかなり野心的かもしれないね。しかし、実際のところ、2枚組アルバムをライブで演奏することによる驚きは、それほど大きな提案ではないんだよ。それは、メイデンがメイデンらしく、反抗的に、確実にやっているだけなんだよね。
驚くようなことをするための鍵は、人々を驚かせようとすることではなくてね。むしろ、IRON MAIDEN であろうと意識するときに、危険が生じる。俺たちが情熱を持ってやっていることは、定義上、すべて IRON MAIDEN になる。しかし、それを考えすぎてしまうと、自分自身を窮地に追い込み、自分自身の決まり文句を再利用してしまう危険性があるんだよ。それはカラオケバンドに任せておけばいい」

参考文献: FORBES:Iron Maiden Singer Bruce Dickinson Chats New Album ‘Senjutsu’ And Society’s Great Psychological Divide

LOUDWIRE:INTERVIEW – IRON MAIDEN’S BRUCE DICKINSON DIVES INTO ‘SENJUTSU,’ TIME TRAVEL DESTINATIONS + MORE

KERRANG!:The Way Of The Samurai: Uncover the secrets of Iron Maiden’s new album, Senjutsu

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BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MOON UNIT : DIFFERENCES IN LANGUAGE AND LIFESTYLE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JURE BULJEVIC OF MOON UNIT !!

“All Japanese Bands Are All Having a Lot Fun, a Lot Of Metal Bands Are Very Grim And Serious But Sex Machineguns And Maximum the Hormone Both Are The Complete Opposite.”

DISC REVIEW “DIFFERENCES IN LANGUAGE AND LIFESTYLE”

「MOON UNIT の名前は偶然生まれたものでね。いろいろな名前を考えていたんだけど、どれもしっくりこなかった。そんな時、友人がリハーサル・スペースにミックスを見に来て、私たちの音楽を “Devin Townsend と Frank Zappa のラブチャイルド” と評してくれたんだ。それで、自然に MOON UNIT が出てきて (Moon Unit とは Frank Zappa の娘の名前) 、そのまま定着してしまったわけさ」
FAITH NO MORE, Devin Townsend, Frank Zappa, RAGE AGAINST THE MACHINE, Eminem, ファミコンのサウンドトラック、アニメのイントロダクション、そしてスタートレック。考え得る最高のものを融合させたクロアチアのプログ怪獣、MOON UNIT。彼らのデビュー・アルバム “Differences in language and Lifestyle” は、今年最もワイルドでエキサイティングでインタレスティングなアルバムであると同時に、”第二次世界大戦でみんなが恐竜になったら？” “スーパー・ヒーローのスーパー・パワーがウナギと話せることだけだったら？” など壊れた現実世界よりは多少まともなテーマを扱っています。
「日本の音楽の何が好きかって？多くのメタルバンドは非常に重苦しくてシリアスだけど、SEX MACHINEGUNS と MAXIMUM THE HORMONE は正反対だから。彼らの曲は、シリアスで大きなテーマに取り組むのではなく、みかんや料理のレシピのような生活の中のありふれた普通のことを扱っている。同時に自分たちの音楽に対してとても真面目で強烈な印象を持っていて、それがとても魅力的だと感じたんだよね。クリエイティブでタイトな曲作り、優れた音楽性、ポジティブなエネルギー、とにかく全てが揃っていて、何かに挑戦することを恐れていないように感じられるんだ」
現在、プログの未来と絶賛される MOON UNIT は、東欧クロアチアからその音楽に対する哲学をなんと日本に学んでいました。”Differences in Language and Lifestyle” は、プログレッシブ・ロックやメタルのような “真面目” な世界では見落とされがちな、”楽しむ” ことを究極のテーマとしています。音楽面ではもちろん、DREAM THEATER や BETWEEN THE BURIED AND ME といった大御所の血がたしかに流れている一方で、MOON UNIT は未来のディストピアや昏睡状態の自己反省よりも、土曜日の朝のアニメやビデオゲーム、50年代の冒険シリーズをモチーフにしたタペストリーで成り立っていて、最も陰鬱なテーマにしても “スタートレック：ボイジャー” の下っ端として働くことの単調さと疲労についての瞑想という、メタルやプログの陰鬱とはかけ離れた日常の延長にあるのです。
そんな下らなく見えて実は重要で前代未聞な世界観を伝えたのが日本のアーティストであり、日本が培ってきた豊かなメロディーでした。そうして MOON UNIT は、歌って踊れて爽快で楽しく乗れてそれでも思慮深く知性が折り重なったプログの突破口を見出していったのです。
「90年代は、様々な音楽のムーブメントがあらゆる方向に向かって爆発した、とてもワイルドな時代だった。僕たちはもちろん、モダンな音楽も大好きだよ。特にヒップホップ。僕たちは常に新しい刺激的なものを試しているよ。だけど、自分たちのルーツから完全に離れることはできないからね。だから、僕たちの音楽は90年代の基盤を通してすべてのものが再解釈され、そこから多くの興味深いことが起こっているんだ」
エクレクティックの極北にありながら、これだけ “楽しさ” に的を絞ったプログを生み出せたのは、彼らが重度の音楽オタクであるという側面が大きいのではないでしょうか。オタクのツボはオタクにしかわからない。
開幕の “Velocirapture” では FAITH NO MORE でもマニアックな “Real Thing” を攻め立て、”Anatomy Park” では眩いばかりのシンセ・サウンドがホバークラフトのように “F-Zero” の世界を飛び回ります。”Ensign For Life” でドリーミーなギターポップを放てば、その返す刀 “Secret Squad” ではオールドスクール・ヒップホップと RATM, A TRIBE CALLED QUEST の共演でリスナーを沸かせ、”Splitting Hares” では臆面もなくメタルとゲーム音楽、そしてサイケデリック・トランスへの愛情を温故知新で紡いで見せます。
極めつけは、”Tuesday” でしょう。彼らのすべてを凝縮したプログの叙事詩は、ワクワク感を永続させながら楽曲のテーマである “終わりを受け入れること” についてあまりにも雄弁に語ってくれました。今回のプログ・パーティーはここでお終い。Jure が語るように、彼に乗り移る Kevin Moore のセンス、鍵盤やエレクトロのダンスが作品をネクスト・レベルへ誘っているのは明らかでしょう。
今回弊誌では、鍵盤奏者 Jure Buljević にインタビューを行うことができました。「日本には本当に優れたミュージシャンやプロデューサーがたくさんいるから、僕はいつも何かを探しているよ。日本のアーティストの多くは、心に残る素晴らしいメロディーを書く才能があって、それでたやすく音楽が言葉の壁を越えられるんだ」 どうぞ！！

MOON UNIT “DIFFERENCES IN LANGUAGE AND LIFESTYLE” : 10/10

INTERVIEW WITH JURE BULJEVIC

Q1: First of all, could you tell us how you found metal and started to run the band in Croatia, a place where maybe metal is not so popular?

【JURE】: While metal in Croatia isn’t mainstream it’s a very strong subculture, so we all got exposed to metal pretty early on through friends and school. Learning to play an instrument, it was kinda natural to try to play a lot of music you listen to, and before you know it you’re trying to make your own. With metal being very upfront about technical ability and super fun to play it was kinda inevitable. These days, we mostly have music related jobs, so Moon Unit is a place where we can just freely experiment and try things we like without pressure.

Q1: まずは、クロアチアという決してメタルが大きな存在ではないであろう場所で、どのようにメタルと出会い、バンドをはじめたのか教えていただけますか？

【JURE】: たしかにクロアチアでメタルはメインストリームじゃないけど、非常に強力なサブカルチャーだよ。だから、僕たちは友人や学校を通してかなり早い段階でメタルに触れられたんだ。楽器を習っていると、そうして聴いた音楽の多くを演奏しようとするのは自然なことで、それでいつの間にか自分の音楽を作ろうとするようになっていたんだ。
メタルは技術的な能力を前面に押し出しているから、演奏するのがとても楽しいよね。だから必然的にテクニカルなメタルを追い求めていたんだと思う。最近では、僕たちはほとんど全員が音楽関連の仕事をしているんだ。だから MOON UNIT は、プレッシャーを感じることなく、自由に実験したり、好きなことを試したりできる場所になっているんだよね。

Q2: Could you tell us about Croatia, the country and its metal scene?

【JURE】: Croatia is in some ways a very complicated place, but if I had to boil it down I’d say it’s pretty safe and overall a nice place to live. Most people who come here tend to get surprised how small the place is ( you can cross the country in a day’s drive ) and how much different stuff there is crammed in so little space. The metal scene waxes and wanes, currently it’s maybe a bit more low key than it used to be a few years ago, but there is a steady number of quality bands putting their stuff out there.

Q2: クロアチアという国、そしてそのメタルシーンについて、お話ししていただけますか？

【JURE】: クロアチアは、ある意味でとても複雑な国なんだけど、一言で言えば、治安がよく、全体的に住みやすい国だと思うよ。ここに来る人の多くは、車で1日もあれば国を横断できるほどの国土の狭さと、その狭いスペースにさまざまなものが詰め込まれていることに驚くよね。
メタルシーンは移り変わりが激しく、現在は数年前に比べて少し控えめになっているかもしれないけど、安定した数の質の高いバンドが作品を発表しているんだ。

Q3: I was surprised to hear that you are a big fan of Sex Machineguns and Maximum the Hormon. How did you come across this kind of Japanese music and what do you like about it? Are there any other Japanese bands that you like?

【JURE】: Well, I got exposed to Japanese music pretty early on, mostly through game soundtracks and later on anime/movie soundtracks, so naturally I just started exploring on my own, because I realised there’s a lot of super interesting artists and musicians out there, so I wound up listening to and liking a lot of different Japanese music. I found out about Sex Machineguns by accident, alongside a Mad Capsule Markets album I was looking for ( another great great band ) there was this other album and I was instantly hooked, Anchang is great at so many things, a very talented guy. Overall I think I liked the lineup with Circuit V. Panther and Speedstar Sypan Joe the most, they are both amazing musicians.
Pretty similar thing happened with Maximum the Hormone, I just stumbled on some random live videos ( I had a vague recollection of Zetsubou Billy from Death Note ) and was blown a way by how good they sound! In my opinion one of the best live bands out there and I hope to see them in concert some day, and I also really like what they’re doing with Cottellee. Also, Ue-chan is one of the best bass players I’ve ever seen. They should definitely try marketing abroad more because even now without making any special effort to go abroad they have a growing fanbase in Europe and North and South America.
What do I like about it? Well, first of all they’re all having a lot fun, a lot of metal bands are very grim and serious but Sex Machineguns and Maximum the Hormone both are the complete opposite. In their songs they are talking about mundane and usual things in life like mikans or food recipes instead of tackling big themes, but at the same time they are very serious and intense about their music, and I found that very appealing. There’s a lot of creative and tight songwriting, excellent musicianship, positive energy, just the whole damn package, they just seem like they aren’t afraid of trying anything.
I like a lot of different Japanese musicians and bands from different eras and genres, we could probably talk about that for the next 15 pages so I’m just gonna name a few and feel bad about leaving some out :))).
I started out with stuff like X Japan and Dir en Grey and a lot of random anime and film music and just went out and looked for more stuff so I ended up liking a patchwork of different unrelated stuff. I like jazz musicians like Hiromi Uehara, and Ryo Kawasaki, older funk/city pop bands like Cassiopea and T-Square, composers like Haruomi Hosono, Ryuichi Sakamoto, Hisaishi Joe, Yoko Kanno, Osamu Kitajima, punk bands like Stalin and Star Club, random old school hip hop stuff like King Giddra. Japan has a lot of really good musicians and producers so I’m kinda always looking out for stuff. Many Japanese artists have a great talent for writing fantastic melodies that really stick with you and that’s something that makes it easy for music to cross the language barrier.

Q3: あなたにコンタクトを取ったとき、SEX MACHINEGUNS や MAXIMUM THE HORMON の大ファンだと聞いて卒倒しました。
日本の音楽との出会いや、日本の音楽を気に入った理由を教えてください。

【JURE】: 僕はかなり幼い頃からで日本の音楽に触れてきているんだ。最初は主にゲームのサウンドトラックで、後にはアニメや映画のサウンドトラックを聴いて、自然と自分自身で探求するようになっていたんだよね。だって、日本には心底興味深いアーティストやミュージシャンがたくさんいるってわかっちゃったからね。
SEX MACHINEGUNS を知ったのは偶然で、探していた MAD CAPSULE MARKETS のアルバム（彼らも素晴らしい素晴らしいバンドだった）の他に、彼らのアルバムがたまたまあって、すぐに夢中になったよ。全体的には、Circuit V. Panther と Speed Star Sypan Joe のラインナップが一番好きだったかな。二人とも素晴らしいミュージシャンだし。
MAXIMUM THE HORMONE も似たような経緯だったんだけど、たまたま見たライブ映像（”DEATH NOTE” の “絶望ビリー” を何となく覚えていたのもある）で、彼らのサウンドの良さに圧倒されたんだよね。僕の意見では、最高のライブバンドの一つだよ。いつかライブを見たいと思っているし、COTTELEE (コロナナモレモモ) での活動もとても気に入っているんだ。 上ちゃんは僕が知る中で最高のベースプレイヤーさ。彼らはもっと海外に出て行くべきだよね。だって、今みたいに特に努力をしていなくても、ヨーロッパやアメリカ大陸でファンが増えているんだからさ。
日本の音楽の何が好きかって？多くのメタルバンドは非常に重苦しくてシリアスだけど、SEX MACHINEGUNS と MAXIMUM THE HORMONE は正反対だから。彼らの曲は、シリアスで大きなテーマに取り組むのではなく、みかんや料理のレシピのような生活の中のありふれた普通のことを扱っている。同時に自分たちの音楽に対してとても真面目で強烈な印象を持っていて、それがとても魅力的だと感じたんだよね。クリエイティブでタイトな曲作り、優れた音楽性、ポジティブなエネルギー、とにかく全てが揃っていて、何かに挑戦することを恐れていないように感じられるんだ。
僕は様々な時代やジャンルの日本のミュージシャンやバンドが好きで、その話をすると15ページは必要だ。だから、その中でいくつか挙げてみるね。省いてしまうのは申し訳ないけど。
最初は X Japanや Dir en Grey のようなバンドから始めて、アニメや映画の音楽を手当たり次第に聴いていたんだけど、もっと色々なものを探したくなって、結局、関係のない様々なものをパッチワークのように好きになっていった。
上原ひろみや川崎遼のようなジャズミュージシャン、CASIOPEA や T-SQUARE のような古いファンクやシティポップのバンド、細野晴臣や坂本龍一、久石譲、菅野よう子、北島修のような作曲家、ザ・スターリンや THE STAR CLUB のようなパンクバンド、KGDR のような古いヒップホップなんかが好きだね。日本には本当に優れたミュージシャンやプロデューサーがたくさんいるから、僕はいつも何かを探しているよ。日本のアーティストの多くは、心に残る素晴らしいメロディーを書く才能があって、それでたやすく音楽が言葉の壁を越えられるんだ。

Q4: It seems there is a tribute song to F-ZERO and 8 bit sounds. Have you been influenced by Japanese culture, for example by anime and video games?

【JURE】: Yep, Anatomy Park is pretty much an F-Zero tribute song. Back when I was a kid I was instantly captivated by that soundtrack because it’s just out there, great songs with very very interesting arrangements and it really stuck with me through the years, so I was just waiting for an opportunity to do something similar.
Composers back in those days had to do a lot with very limited resources so they really had to get creative and as a result some pretty amazing soundtracks were made, since I spent a lot of time playing NES and SNES games while growing up ( in Eastern Europe those consoles lived on a bit longer ) they left a really big influence. Yumiko Kanki, Naoto Ishida, Yoko Shimomura, Kazuo Sawa and many others did some really great work that got burned into my growing brain and just remained there, so when the Playstation era rolled in I was already hooked. Anime/movies and games are pretty much the regular vehicle for Japan’s soft power and that was pretty much most of our initial contact with Japanese culture, but then also came books, sports and many other things to paint a fuller picture.

Q4: アルバムには8-bitサウンドが散りばめられていますし、ゲーム “F-Zero” のトリビュート的な楽曲も存在しますよね。
お話しにも出ましたが、アニメやゲームといった日本の文化がインスピレーションの一つとなっているようですね？

【JURE】: うん、まさに “Anatomy Park” は、”F-ZERO” のトリビュート・ソングなんだ。子供の頃、あのサウンド・トラックに一瞬で魅了されたからね。素晴らしい曲にとても面白いアレンジが施されていて、ずっと心に残っていた。だから、似たような実験をするチャンスを待っていたんだ。
当時の作曲家は、限られたリソースの中で多くのこと成し遂げなければならなかったので、真にクリエイティブにならざるを得なかったんだろうな。その結果として、素晴らしいサウンド・トラックが作られていったんだ。僕は子供の頃、ファミコンやスーファミのゲームに没頭し多くの時間を過ごしたから（東ヨーロッパでは、これらのゲーム機は他国より長く主流だった）、彼らからは本当に大きな影響を受けたね。神吉由美子、石田尚人、下村陽子、澤和雄などが手がけた素晴らしい作品は、成長する僕の脳裏に焼き付いて離れなかった。だから、プレイステーションの時代が来たときには、もうゲームとその音楽に夢中になっていたんだよね。
アニメや映画、ゲームは日本のソフト・パワーの主力であり、僕たちが最初に日本の文化に触れたのもほとんどがそういったソースだったのはたしかさ。でも、その後、本やスポーツなど、さまざまなものが登場し、全体像が見えてきたんだよね。

Q5: How did Moon Unite come to be? What’s the meaning behind your band name “Moon Unit”?

【JURE】: We had this vague idea that we wanted to try a lot of different stuff we didn’t get to do up to that point in our musical lives, in the beginning playing mostly with adding a variety of more electronic music influences, but then the whole thing just started evolving on it’s own in many different directions as we got more confident. We mostly played metal up to that point but really liked all sorts of other music from hip hop to psytrance and just wanted to try our hand at adding that stuff to what we usually do. The name came up by accident. We just kept juggling different name propositions and nothing felt right, when a friend came by our rehearsal space to check out some mixes and described our music as a love child of Devin Townsend and Frank Zappa, so Moon Unit naturally came up and it kinda stuck.

Q5: MOON UNIT はそうした下地があって結成されたわけですね？

【JURE】: そうだね。それまでの音楽人生でできなかったことをいろいろやってみたいという漠然とした考えがあって、最初は主にエレクトロニック・ミュージックの影響を受けたものを加えて演奏していたんだけど、自信がついてくると全体がいろいろな方向に進化していったんだよ。
それまでは主にメタルを演奏していたんだけど、ヒップホップやサイケデリック・トランスなど様々な音楽が好きだったので、自分たちが普段演奏している音楽にそういった要素を加えてみたいと思ったんだよね。
MOON UNIT の名前は偶然生まれたものでね。いろいろな名前を考えていたんだけど、どれもしっくりこなかった。そんな時、友人がリハーサル・スペースにミックスを見に来て、私たちの音楽を “Devin Townsend と Frank Zappa のラブチャイルド” と評してくれたんだ。それで、自然に MOON UNIT が出てきて (Moon Unit とは Frank Zappa の娘の名前) 、そのまま定着してしまったわけさ。

Q6: I really like the album title “Differences in Language and Lifestyle”. I laughed at the eel superhero!, haha. What was the concept behind the album and what did you want to say with the lyrics?

【JURE】: The album is a cross section of all the things we like, and the name reflects that, because we do so many different things which may seem contradictory but in reality they’re not. We tend to let songs develop naturally and just end up where they need to be without trying to push them into a mould, so we end up with many different styles from really heavy to really light hearted stuff and then there’s our fascination with hip hop, but it all works together in the end. Like Bo Burnham would say, a little bit of everything all of the time 🙂
We like telling random stories, so you can basically take each song as a separate story or an episode, sometimes inspired by something from the real world and sometimes not. Motorized Frog Squad is basically a kaiju movie song about giant frogs trying to impress filmmakers, Tiny Hands is a play on Peter Pan, making him a sweatshop owner exploiting kids that never grow up, Velocirapture is adding dinosaurs to Christian iconography and so on. We figured that the world is at this point pretty ridiculous so nothing we make up can possibly be too outrageous because the reality itself has jumped the shark. Also, we totally know that eels would have some very interesting stories to tell.

Q6: “Differences in Language and Lifestyle” というアルバム・タイトルもとても気に入っています。ウナギのスーパー・ヒーローには笑いましたよ。
先程仰ったように、たしかにあなたたちにはシリアスなテーマよりもフォーカスしているものがありそうですね？

【JURE】: このアルバムは、僕たちが好きなものすべての断面図であり、タイトルにもそれが反映されているんだ。なぜなら、僕たちのやるさまざまなことは矛盾するように見えるかもしれないけど、実際にはそうではないからね。つまり、異なる言語、異なるライフスタイルでも通じるものはあるんだよね。
僕たちは、型にはめようとせずに、曲が自然に発展し必要なところで終わるようにする傾向があるんだ。だから、本当にヘヴィーなものから、軽快なものまで、さまざまなスタイルができあがるし、ヒップホップへの憧れも見え隠れしながら、最終的にはすべて一緒になっているんだよ。ボー・バーナム (アメリカのマルチ・タレント) が言うように、すべての要素を少しずつ取り入れているわけさ。
僕たちはランダムなストーリーを語るのが好きなので、基本的にはそれぞれの曲を個別のストーリーやエピソードとして捉えている。”Motorized Frog Squad” は巨大なカエルが映画製作者に好印象を与えようとする怪獣映画の歌で、”Tiny Hands” はピーターパンをもじって、成長しない子供たちを搾取する搾取工場のオーナー、”Velocirapture” はキリスト教の象徴に恐竜を加えたもの。僕たちは、今の世界がかなり馬鹿げていると考えている。だから、僕たちが作るものがあまりにも突飛なものであってはならないと考えたんだ。だって現実がイカれているからね。まあ、僕たちはみんなウナギには面白い話があることはわかっているけど。

Q7: In fact, it’s one of my best albums of the year – a crazy mix of Faith No More, Devin Townsend, Rage Against The Machine, and Eminem (!) all phenomenal bands from the 90s. Are you particular about that era?

【JURE】: Thank you for your kind words, we are super happy you like it so much! Yeah, we grew up on 90s music so it’s pretty much a foundation of everything we do, so there’s conscious and unconscious influences all over the place. It was a pretty wild era where a lot of different music movements just exploded in all directions. We like modern stuff too though, especially when hip hop is in question, there’s a lot of talented people out there exploring and music is more available then ever, and we’re always trying out new and exciting things we hear out there, but we can’t completely get away from our roots so that’s where a lot of interesting things happen for us because everything sort of gets reinterpreted through that 90s foundation.

Q7: 心から、この作品はプログ・ミュージックの最先端にあって、今年のベスト・アルバムの一つだと感じますよ。そんな中でも、FAITH NO MORE, Devin Townsend, RAGE AGAINST THE MACHINE, それに Eminem といった90年代への憧憬は強く感じるような気がします。

【JURE】: 嬉しい言葉をありがとう！気に入ってもらえて、とても嬉しいよ！そうだね、僕たちは90年代の音楽で育ったから、それが活動の基盤となっているのはたしかさ。だから、意識的にも無意識的にも、いたるところで影響を受けていると思う。
90年代は、様々な音楽のムーブメントがあらゆる方向に向かって爆発した、とてもワイルドな時代だった。僕たちはもちろん、モダンな音楽も大好きだよ。特にヒップホップに関しては、多くの才能ある人々が探求していて、音楽もかつてないほど入手しやすくなっているから、僕たちは常に新しい刺激的なものを試しているよ。だけど、自分たちのルーツから完全に離れることはできないからね。だから、僕たちの音楽は90年代の基盤を通してすべてのものが再解釈され、そこから多くの興味深いことが起こっているんだ。

Q8: On the other hand, your playing an instrument is very technical, right? Who are the gods of the instrument for you?

【JURE】: Oh, since about half the members of the band are classically trained musicians there could be some really interesting answers, but it’s the keyboard player writing this stuff so it’s synth city. I’d say that number one influence and role model for me would be Kevin Moore, who’s a really expressive and technical player and also a great composer, he can shred with the best, do atmospheric moody pieces, and make weird soundscapes with random sample manipulation at the same time. Then comes Porcupine Tree’s Richard Barbieri, whose philosophy of playing and sound design is based around adding textures no other instrument but a synth can make, and it’s something that we try to stick to in Moon Unit. In the end there’s Tommy Mars ( Frank Zappa, Steve Vai, Band from Utopia ) who is pretty much impossible to describe so go and see Baby Snakes DVD to see him in action.

Q8: 一方で、あなたたちのミュージシャン・シップの高さというか、驚異的な技巧にも驚かされますよ。音楽的なヒーローをぜひ知りたいですね。

【JURE】: バンドのメンバーの約半数はクラシックの訓練を受けたミュージシャンだから、面白い答えが返ってくるかもしれないけど、僕はキーボード奏者だから、シンセについて話そう。
僕にとって一番の影響元であり、ロールモデルといえるプレイヤーが Kevin Moore だ。彼は表現力と技術力に優れたプレイヤーであると同時に、優れた作曲家でもあるよね。最高のシュレッドをしたり、雰囲気のあるムーディーな曲を作ったり、ランダムなサンプル操作で奇妙なサウンドスケープを作ったりすることができるんだ。
そして PORCUPINE TREE の Richard Barbieri。彼の演奏とサウンドデザインの哲学は、シンセ以外の楽器では作れないテクスチャーを加えることを基本としていて、僕は MOON UNIT でそれを忠実に再現しようとしているよ。
あとは、Tommy Mars（Frank Zappa、Steve Vai、Band from Utopia）がいる。超絶すぎて言葉にはし難いから、彼の演奏は BABY SNAKES のDVDを見て欲しいね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED JURE’S LIFE

DREAM THEATER “TRAIN OF THOUGHT”

PRODIGY “THE FAT OF THE LAND”

INFECTED MUSHROOMS “ARMY OF MUSHROOMS”

SPEED CARAVAN “KALASHNIK LOVE”

SEX MACHINEGUNS “45°”

Well, since I feel bad monopolising this question too I’m going to name five albums that are super important to Moon Unit and have influenced us greatly. So, in no particular order: Dream Theater’s Train of Thought, an album that actually aged pretty well and is a great fusion of prog and nu metal with Jordan Rudess pretty much redefining keyboards in metal on that one, Prodigy – Fat of the Land, one of the most insane, exciting and just plain ridiculous albums ever, we’re huge fans of that raw and hyperactive sound. Infected Mushroom – Army of Mushrooms, one of our favorite albums back when Moon Unit was still forming, it sort of hammered into our heads that being heavy isn’t exclusively domain of metal and pushed us to experiment with expressive synth riffs. Speed Caravan – Kalashnik Love, Mehdi Haddab shredding oud over awesome electronic grooves mixing Chemical Brothers and Algerian music into something really fun and out there. Sex Machineguns – 45, Anaconda was something of a favorite of ours, so we’d often just randomly start playing it on rehearsals, some really great guitar tones and tight playing on that album, very aggressive but never sinister.

MOON UNIT にとって非常に重要で、大きな影響を与えた5枚のアルバムを挙げるよ。では、順不同で。DREAM THEATER の “Train of Thought” は、プログと Nu-metal を見事に融合させたアルバムで、Jordan Rudess がメタルのキーボードを再定義した作品。PRODIGY の “Fat of the Land” は、これまでで最も狂気的で、刺激的で、ただひたすらに馬鹿げたアルバムで、僕たちはその生々しくてハイパーなサウンドの大ファンだよ。INFECTED MUSHROOM “Army of Mushrooms”。MOON UNIT がまだ結成されていなかった頃のお気に入りのアルバムのひとつ。このアルバムは、ヘビーであることがメタルだけの領域ではないということを僕たちの頭に叩き込み、表現力豊かなシンセサイザーのリフを試すきっかけとなったね。SPEED CARAVAN “Kalashnik Love”。Mehdi Haddab が素晴らしいエレクトロニック・グルーヴの上でウードをかき鳴らし、ケミカル・ブラザーズとアルジェリアの音楽を混ぜ合わせた、とても楽しくてアウトサイダーな作品。SEX MACHINEGUNS “45゜”。  “Anaconda” は僕たちのお気に入りだったので、リハーサルではよくランダムに演奏していたよ。

MESSAGE FOR JAPAN

We’re really happy and grateful for this opportunity to get in contact with Japanese music fans, as you can see we are very influenced by many Japanese artists so it’s very special for us to be able to share something back! Get in touch with us, let us know what you think and we’ll work hard to meet you all in person someday!

日本の音楽ファンのみんなと触れ合える機会を得られたことをとても嬉しく思い、感謝しているよ。 見ての通り、僕たちは多くの日本のアーティストに影響を受けているから、何かをお返しできることは僕たちにとって非常に特別なことなんだ。ぜひ感想を聞かせて欲しいし、いつかみんなに直接会えるよう頑張るよ。

JURE BLUJEVIC

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【OPHIDIAN I : DESOLATE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH Daníel Máni Konráðsson OF OPHIDIAN I !!

“Icelandic Music All Shares a Similar Undertone That Probably Has Everything To Do With The Influence Of The Country Being Essentially All-consuming. There Are Feelings That Our Country Evokes Within Everyone That Experiences It, And Those Feelings Are Very Easily Translated Into Art Of All Sorts.”

DISC REVIEW “DESOLATE”

「ここでの生活には苦難や浮き沈みがつきものなんだ。アイスランドの音楽はどれも同じようなトーンを持っているんだけど、それはおそらく、この国がもたらす影響が本質的にすべてを包み込んでいることと関係しているんだ。この国を体験した人たちの中には、この国が呼び起こす感情があって、その感情はさまざまな芸術に変換されているよ」
アイスランドほど自然の恩恵と脅威を等しく享受する場所は世界中でもほとんどないでしょう。火山活動が活発で、大部分が凍りついた不毛の島国。しかしその威容は壮観を通り越して荘厳で、馬や羊、新鮮な魚と魅力的な特産品はどれも自然の恩恵を受けています。ゆえに、SIGUR ROS, Bjork, SOLSTAFIR といったアイスランドの音楽家は静謐で、荘厳で、美しく、しかし時にダークで荒涼としたアトモスフェリックな世界を好む傾向にあるのでしょう。OPHIDIAN I はその両極のコントラストを一層際立たせるテクニカル・デスメタルの英俊。
「実はこのアルバムの歌詞は、僕たちが生まれ育った世界とよく似た世界を舞台にしているんだ。風景や厳しい天候という点では似ているんだけど、それでも全く異なるものなんだけどね。
多くの点で、この背景は僕たちがバンドのサウンドについて感じていることでもあるんだよね。非常にアイスランド的でありながら、外国的でもあり、僕たちの世界とほとんど別のパラレル・ワールドを並置したようなサウンドだよ」
OPHIDIAN I がアイスランドの光と陰をことさら強調できるのは、さまざまな影響を並行世界としてその音楽に住まわしているからなのかもしれませんね。もちろん、彼らの根幹にあるのは NECROPHAGIST, OBSCURA, GOROD, PSYCROPTIC, SPAWN OF POSSESSION といったテクニカル・デスメタルの遺伝子ですが、IN FLAMES や DARK TRANQUILLITY の叙情と哀愁、さらに OBITUALY や MORBID ANGEL の地を這うような混沌まで、すべてをその血肉とするからこそ起伏に富んだ故郷の自然を深々と描き出せるのでしょう。
「テクニカルな要素を活用することで、優れたソングライティングの特性をさらに高めることができるんだよね。だから、僕たちは限界を超えることを目標にしていたとも言えるけど、そこにスピードや難易度といった明確な方向性はなかったんだよね。とはいえ、結果的にはとても速く、とてもテクニカルなアルバムになったんだけど」
つまり、OPHIDIAN I の目標は、記憶に残るテクデスの創造でした。NECROPHAGIST の “Epitaph” 以来、もしくは OBSCURA の “Cosmogenesis” 以降、テクデス世界には究極の技巧とスピードを求める有象無象が大量に現れては消えていきました。その中に、記憶に残るリフやメロディーがいったいいくつあったでしょうか？そんなビシャス・サークルの中で、彼らはBPMやテクニックの限界を超えることで、作曲の完成度やリフのインパクトを向上させる離れ業をやってのけたのです。それは、究極の技術で究極のメロディーを引き出す極北の魔法。
氷河期の冬よりも混沌とした白銀に、赤々と燃え狂う噴火、そして穏やかな海と空の青。そう、”Desolate” の10曲はさながらジェットコースターのように、メロディーとフックをたずさえてアイスランドの全貌を描いていきます。
ビデオゲームのような8-bitアタック “Spiral To Oblivion”、フラメンコのアコースティックなイントロが胸を打つ “Captive Infinity”。サプライズや音の洪水から逃れる時間も巧妙に用意、最終的に技術はすべてメロディーへと集約されていきます。”Enslaved In A Desolate Swarm” は顕著ですが、テクデス天国カナダの MARTYR, BEYOND CREATION, ARCHSPIRE 譲りの知の構成力を磨いているのも実に魅力的ですね。
今回弊誌では、ギタリスト Daníel Máni Konráðsson にインタビューを行うことができました。「僕は、このジャンルにおいて演奏家の一面に拘りがあるんだ。僕たちは、プレイヤーや彼らの貢献に多大な敬意を払っているからね。このジャンルには、バンドやミュージシャンが常に向上しようとし、リリースするたびにより良い、より速い音楽を作ろうとする健全な競争意識があるんだから」 どうぞ！！

OPHIDIAN I “DESOLATE” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THY CATAFALQUE : VADAK】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH TAMAS KATAI OF THY CATAFALQUE !!

“The Underground Metal Scene Of The 90s Is My Main Source Of Inspiration Until This Time. I’m Not The Type Of Person That Locks Himself In The Past But That Era Is Very Important To Me And I Personally Think It Was The Golden Age Of Creative And Inventive Metal”

DISC REVIEW “VADAK”

「僕は過去に閉じこもるタイプではないけれど、90年代は僕にとって非常に重要なんだよね。個人的には、ユニークなサウンドとアティテュードを持つ多くのバンドが存在した、創造的で独創的なメタルの黄金時代だったと思っているんだよ」
メタル世界の番外地ハンガリーから現れた THY CATAFALQUE の謙虚な天才 Tamás Kátai は、やはり異端者です。ジャズ、ポップス、フォーク、エレクトロニカなど、様々なジャンルのしたたかなアマルガムでメタルのマニュアルを再創造していくのですから。そんな東欧に根ざす舞曲のような野心は、90年代に跋扈した魑魅魍魎の独創をドナウの流れに受け止めています。
「野生とか、野生動物を指す言葉さ。アートワークの写真を見れば意味がわかると思うよ。作品のゆるやかなコンセプトは、僕たちは、すべての生き物のように、時間の森の中で死に追われているということなんだ。僕たちは結局野生動物であって、ハンターではないんだよ」
“Vadak”。ハンガリー語で “野生” を意味するアルバムタイトルは、この新たな天啓のエキゾチックで野放図なエッセンスを指し示す重要なヒントとなっています。”Vadak” とは教訓としての死の予感。人にも獣にも同じように宿る儚さにフォーカスしたこのレコードは、人間も動物と等しく本質的に究極の終焉である “死” を恐れ逃げ出すという、フロイト的な生命の本能について深く探求しています。
「”Vadak” も例外ではなかったよ。ただ作曲と録音を始め、その過程でアルバムが勝手に出来上がっていったんだ。もっと有機的で自然なプロダクションにしたいと思い、楽器の世界に飛び込んだんだけど、このアイデアは作曲中にも出てきていたね」
THY CATAFALQUE を “バンド” と呼ぶのは少し不適当かもしれませんね。なぜなら、Tamás Kátai はこのプロジェクトの首謀者で、ソングライターで、マルチ・インストゥルメンタリストで、ボーカリストでもあるからです。つまり THY CATAFALQUE は基本的に Tamás が一人でギター、ベース、シンセ、プログラミング、ヴォーカルを担当している彼の子供のようなもの。
一方で Tamás は自分の音絵巻を完全なものとするために、多くの才能の助力を仰ぎます。”Vadak” では、ボーカル、バイオリン、サックス、レッドパイプ、トランペット、ギターなど、16人ものゲスト・ミュージシャンをアメリカ、ロシア、エジンバラ、ブラジルなど世界各地から招き入れているのです。
このような多国籍なアプローチには大抵大きな困難が伴いますが、”Vadak” は誇りと信頼性に加えて、まとまりを伴いこの難題を成功へと導きました。近年の DORDEDUH や WOODEN VEINS にも言えますが、アヴァンギャルド・メタルが混乱を意味していた時代は終わり、一つのベクトルを見据えた美しき旅路こそがこのジャンルの新たな看板として掲げられているのは明らかでしょう。
「僕は今でもこのジャンルが大好きで、音楽の中には常にブラックメタルの要素があると思っているよ。この数年で僕の目は大きく開き、最近はパレットがよりカラフルになったけど、やっぱり “黒色” はまだ存在していて、僕はそれでいいと思っているんだよね」
エレクトロニカ、ポップス、フォーク、インダストリアル、メロディック・デスメタル、ジャズ、ゴシックロック。色とりどりのパレットとなった THY CATAFALQUE の音楽ですが、今でもその中心にあるのは漆黒、つまりブラックメタルです。言い換えれば、それは90年代の型にはまらない独創性なのでしょう。EMPEROR, DISSECTION, NOCTURNUS, EDGE OF SANITY, TIAMAT といった境界があるようでなかった、限界があるようでなかった曖昧なバンドたちの DNA は間違いなくこの作品へと浸透しています。
シンセとブラックメタルの神々しい融合 “Szarvas”、レッドパイプと天使の女声が響き渡るフォーキーな “Köszöntsd a hajnalt”、金管楽器に東欧の幸福と孤独を投影する “Kiscsikó (Irénke dala)”、ギターとヴァイオリン、そしてブラストビートの音壁で背筋も凍るダークファンタジーを描いた “Vadak (Az átváltozás rítusai)”、そして熱病のようなすべての錯乱を冷ます幽玄なピアノのクローサー “Zúzmara”。そう、”Vadak” のすべてはあの時代に証明されたメタルの可能性を呼び覚まし、さらに前へと進める本能の祝祭。
今回弊誌では、Tamás Kátai にインタビューを行うことができました。「このバンドにとって、自然は初期の頃から非常に重要な要素で、それはブラックメタルの伝統にも由来しているんだ。このアルバムは、環境保護を意識したものではないと思うけど。自然は常に僕たちの創造性にとって豊かな土壌で、今回のアルバムもその例に習っただけなんだよね」 二度目の登場。どうぞ！！

THY CATAFALQUE “VADAK” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SUNRISE : EQUILIBRIA】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH KONSTANTIN LAARS NAUMENKO OF SUNRISE !!

“We Remember Life In The Soviet Union Very Well And We Are Happy That Our Country Broke The Chains Of This Prison And Moves In The European Direction. Freedom Is In The Blood Of Our Nation And Our Way Is To Build a Highly Developed European Country.”

DISC REVIEW “EQUILIBRIA”

「ウクライナのメタルシーンは非常に多様で、ほとんどすべてのサブジャンルが存在しているよ。すでに有名なバンドもあれば、世界のメタルシーンでビッグネームになる可能性を秘めたこれからのバンドもあるんだよ」
JINJER, NOKTURNAL MORTUM, DRUDKH。Konstantin Naumenko の言葉を借りればソヴィエトという “牢獄” の鎖を断ち切ってからのウクライナは、ブラック・メタルからプログレッシブ・グルーヴまで個性極まる多様なバンドをゆっくりとしかし確実に輩出し始めました。それでもウクライナ、もしくは東欧から SUNRISE のようなクオリティーとテクニックを兼ね備えたパワー・メタルの申し子が登場したのは初めてでしょう。
「僕たちがインスパイアされたのは、バンドを始めた頃にとても人気があって、今ではレジェンドとなったパワー・メタルのバンドたちなんだ。STRATOVARIUS, SONATA ARCTICA, HAMMERFALL, HELLOWEEN みたいなバンドだよ」
2003年に活動を開始し、オンラインとアンダーグラウンドの世界で徐々に脚光を浴びはじめた SUNRISE は4枚目のフルアルバム “Equilibria” で、東欧メタル世界の常識を覆す大きな一撃を放ちました。
SONATA ARCTICA, そして STRATOVARIUS。北欧パワーメタルの象徴的なバンドを基にしてヘヴィネスとサウンドスケープを増幅した60分強の作品は、20年前のユーロ・パワー成功の要因を探りながら次の世代へとつなぐミッシング・リンクなのかもしれませんね。
フロントマン Konstantin “Laars” Naumenko は、”Ecliptica” や “Silence” の頃の Tony Kakkoが果たした冷静と情熱の間でドラマティックなメタルを語る吟遊詩人の役割を継ぎ、ボーカル/キーボード奏者で妻の Daria “Lady Dea” Naumenko は Jens Johansson を彷彿とさせる見事な鍵盤捌きとともに天使のような囀りで夫の世界観を肉付けしていきます。そうして、リズム・セクションと最近加入したギタリスト Maksym Vityuk まで一丸となり、雷鳴のようなスピードメタル・アタックを繰り広げていくのです。
「僕たちの “We are the Fire” が SONATA ARCTICA にインスパイアされていることには同意するけど、類似性はこの曲で終わっていると思うよ。他の曲では、異なるサウンドと異なるアイデアを披露している。NIGHTWISH や初期の WITHIN TEMPTATION のようなシンフォニックな曲もあれば、 STRATOVARIUS や AVANTASIA に近いサウンドの曲もあるからね。さらに、プログレッシブ・メタル・スタイルで書かれた3曲は、DREAM THEATER の作品を思い出させるかもしれないね」
“Equilibra” が “Reckoning Night” 以降の SONATA ARCTICA、もしくは “Eternal” 以降の STRATOVARIUS の長き沈黙に焦りを感じている層に対する福音であることは言うまでもありませんが、より広義のパワー・メタルやシンフォニック、プログ世界もこの作品を享受するべきでしょう。
“We Are The Fire”や “Life Is A Journey” のような高空飛行のジェットストリームは、”Father Time” や “Fullmoon” の疾走と高揚感を運びますが、心に響く混声のヴォーカル・デュエット “The Only Reason” や、ピアノを中心としたミドルペースの “The Bell” では存分にシンフォニック・プログレッシブの余韻に浸ることが可能。さらに、”Equilibrium” や “Unbroken Dreams” では重厚なリフワークとキーボードの相乗効果で、感染力の高いヘヴィーメタルの根源を探求していくのです。Eではじまり、Aで終わるパワーメタルの金字塔は、四半世紀の時を超えてより壮大により荘厳に進化を果たしました。
今回弊誌では、Konstantin “Laars” Naumenko にインタビューを行うことができました。「僕たちは、ソビエト連邦での生活をよく覚えているよ。そして、僕たちの国があの牢獄の鎖を断ち切り、ヨーロッパの方向に向かって進んでいることを嬉しく思っているんだ。自由は僕たちの国の血の中にあり、これからの道のりは高度に発展したヨーロッパ的国家を築くことなんだ」 どうぞ！！

SUNRISE “EQUILIBRIA” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SCALE THE SUMMIT : SUBJECTS】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CHRIS LETCHFORD OF SCALE THE SUMMIT !!

“You Have To Diversify Your Income. The Days Of Musicians Making a Living Off Of Just Their One Band Is Long Over, It Was Over Even When We Started Our Band In 2005.”

DISC REVIEW “SUBJECTS”

「6枚のアルバムをリリースし、世界中でツアーを行ってきた。たけど楽器の演奏や作曲に少し飽きていたこと、バンドの規模が大きくなってきたこともあり、お気に入りのシンガーに声をかけてみようと考えるようになったんだ」
かつて、インストでなければ SCALE THE SUMMIT ではないとまで言い切った、ギター世界のミッシングリンク Chris Letchford は実際、彼の言葉通り LIQUID TENSION EXPERIMENT と ANIMALS AS LEADERS をつなぐインストゥルメンタルの覇道を突き進む数少ない才能の一人と目されていました。
シュレッドよりも楽曲にフォーカスし、プログ・メタルの標準的なクリシェを排除。ワイルドで目的のないシュレッドの代わりに、まるで弦が声であるかのように、冒険的でメロディックなリードを自らのジャガーノートとして積み上げてきたのです。一方で、Chris の中で、インストの商業的限界、壁を打ち破れない苛立ちとマンネリの幻影が日に日に膨らんでいたのも事実でしょう。
「8人の異なるシンガーを起用したことで、シンガーと本格的に活動していくことが自分のやりたいことだと気づくことができたんだ。音楽を作ることへの情熱が再び蘇ったんだよ」
前作 “In A World of Fear” で各楽曲にソリストを招聘し、新たな “色” を加える試みが一つの導火線となったのでしょうか。SCALE THE SUMMIT は遂にインストゥルメンタルの旗手という地位を捨て去り、新たな航海に出ることを決意します。船に乗り込むのは8人の多種多様なボーカリストたち。
アルバムは Mike Semeski（ex-INTERVALS）をフィーチャーした “Form and Finite” で幕を開けます。猛烈な勢いのギター・ストリームはそれだけで十分にプログで刺激的ですが、ボーカルが加わることでさらなる波が加えられ、最後に鬼才 Andy James がゲストとして花火のごとき流麗なリードを披露し、新生 SCALE THE SUMMIT号は完璧な条件での船出を迎えます。
Chris Letchford は、数年前にソロプロジェクト ISLANDS で、ボーカルとの婚姻を予見していました。アルバム “History of Robots” にはボーカル曲が2曲収録されていたのですが、そこで歌っていた REIGN OF KINDO の Joey Secchiaroli は “Subjects” でも崇高な “Jackhammer Ballet” に登場しています。煩雑なギターワークとジャジーなボーカルの蜜月。”Subjects” にはインストゥルメンタル・バージョンも存在しますが、STS の新章は、独創的なギターと各ボーカリストの優れたパフォーマンスの組み合わせで、ネクスト・レベルへと進化を遂げたのです。
HAKEN の Ross Jennings をフィーチャーした “Daggers and Cloak” で既存のファンの溜飲を下げる一方で、バンドは新たな海域にも進出していきます。今最も注目されているバンドの一つ、SPIRITBOX から Courtney LaPlante を呼び寄せた “The Land of Nod” は STS のヘヴィーとメロディック双方の最高到達点を更新したような珠玉。
「彼の死は本当に衝撃的だった。アルバムの完成後、Garrett とは誰もあまり話をしていなかったんだ。だからアルバムの発表日に SNS にみんながタグ付けして、その時にはじめて彼が亡くなったことを知ったんだよね。辛かったね…」
アルバムのハイライトは、Garrett Garfield をフィーチャーした “Don’t Mind Me” でしょう。Chris のトレードマークであるクリーントーンのタッピングが、Garrett のソウルフルな歌声とデュエットを繰り広げるような夢見心地。 残念ながら、Garrett は昨年11月に鬱に飲み込まれてこの世を去ってしまいました。Garrett の心の痛みや喪失感を反映した感情の灯火は、インストゥルメンタルでは到達できなかった境地なのかもしれませんね。「うつ病や不安、ストレスに悩んでいる人には食事と運動の改善をお勧めするよ。自分で調べてみるのが大事だよ！」
今回弊誌では、Chris Letchford にインタビューを行うことができました。「ミュージシャンを目指すなら、収入を多様化しなければならないよ。ミュージシャンが一つのバンドだけで生計を立てていた時代はとっくに終わったんだ。2005年に僕らがバンドをはじめた時には、すでに終わっていたんだから」二度目の登場。どうぞ！！

SCALE THE SUMMIT “SUBJECTS” : 10/10

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BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【POLARS COLLIDE : GROTESQUE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH POLARS COLLIDE !!

“The Odd Thing About Djent Is That It Is Supposedly a Subgenre Of Progressive Metal, But While Progressive Metal Is All About Breaking The Boundaries Of Genres And Musical Norms, Djent Seems To Be More Focused On Copying a Specific Style And a Specific Sound, And Where Is The Progressiveness In That?”

DISC REVIEW “GROTESQUE”

「Djent の奇妙なところは、プログレッシブ・メタルのサブジャンルだと言われていることなんだ。だって、プログレッシブ・メタルはジャンルや音楽的常識の境界を破ることを目的としているのに、Djent は特定のスタイルやサウンドをコピーすることに重点を置いているように見えるからね。それってどこが “プログレッシブ” なの？」
MESHUGGAH に影響を受けながら Djent の流れに与しない音楽集団は決して多くはありません。したたかに定型化されたポリリズムやシンコペーションに革命の足音は遠く、それでもその中毒性や耳触りの良さが多くの新規参入者を踊らせた事実は記憶に新しいことでしょう。
「MESHUGGAH は私たちのスタイルに影響を与えている多くのバンドの中の一つに過ぎないんだよ。ただ、MESHUGGAH の哲学の素晴らしさは、複雑なリズムを演奏しながらもしっかりとしたグルーヴ感を確保しているところにあり、それは私たちも目指しているところなんだけどね」
デンマークというメタルの新たな潮流を誘う場所から登場した POLARS COLLIDE は、Djent を崇拝しない MESHUGGAH の血族です。”あの顔” を想起させるボーカルスタイル、パームミュートのポリリズムリフや血の通ったシンコペーション、ホールズワースな近未来のリードには明らかにMのDNAが刻印されていますが、弊誌インタビューで CANVAS SOLARIS が皮肉った Djent の軽薄さや水増し感を感じることはありません。
むしろ、MESHUGGAH のマシーナリーな一面を解きほぐすかのように、LAMB OF GOD, GOJIRA, DECAPITATED, DISTURBED といったグルーヴ・メタルの躍動感が、数学的な野心と共に迸っていくのです。
「POLARS COLLIDE とは2つの極がぶつかり合っていることを表している。ブラックホールのように、すべてのものを構成するすべての物質が、強烈な重力によって激しく引き裂かれるようなイメージだね。正反対のものが引き合うことを表しているとも言える」
数学的感性と野獣のダンス。プログレッシブな構造と疾走する憤怒。アコースティックな静寂とヘヴィーメタルの怒号。名は体を表すの格言通り、POLARS COLLIDE の音楽はさながら複雑な恋愛関係のごとく、二つの極が時に惹かれあい、時に引き裂かれる対比のメロドラマを描き出していきます。そんな捻くれた理想と現実の関係性は、最終的にアルバムタイトルへと集約していくのです。
「”グロテスク” とは、このアルバムの本質を要約した言葉なんだ。他人に受け入れられる自分、そしてその事実を絶対的に軽蔑している自分についてなんだ。自分が感じている自分と、社会が期待している自分とのまさに妥協だよね。自分の肌に合っていないのに、他人はその価値観を認めていると知ること」
洗練された雰囲気と原始的な怒りの間で印象的なバランスをとっていた “Grotesque” の真実はここにありました。噛み合わない世界の価値観と自身の価値観。時におぞましく、吐き気がするような世界の常識はしかし、POLARS COLLIDE の音楽がきっと打ち破っていくことでしょう。
今回弊誌では、メンバー全員にインタビューを行うことができました。「10年間、クラッシック打楽器のヴィルトゥオーゾとして、デンマークの主要な交響楽団や室内楽、ソロ演奏家としてフリーランスで活動しているんだよ。また、安倍圭子さんのマリンバ作品を研究したこともある。今では、2つのメタルバンドで活動しているんだ。私の道はまだ始まったばかりだよ」 どうぞ！！

POLARS COLLIDE “GROTESQUE” : 9.9/10

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