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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DIABLO SWING ORCHESTRA : PACIFISTICUFFS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DANIEL HÅKANSSON OF DIABLO SWING ORCHESTRA !!

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Hybrid Of Old–style Swing jazz, Classial, and metal. Sweden Based Incredible Octet Diablo Swing Orchestra Has Released More Unique, Unexpected But Ultra-catchy Masterpiece “Pacifisticuffs” !!

DISC REVIEW “PACIFISTICUFFS”

メタルワールドのアウトオブボックス。世界で最もカラフルかつユニークな悪魔の楽団 DIABLO SWING ORCHESTRA が、遂にシーンへとより深く浸透すべき新作 “Pacifisticuffs” をリリースしました!!複雑怪奇とポップを過去最高の滑らかさで融解させた作品には、タイトルに冠した “平和主義” と “殴り合い” の二律背反が見事にフィットしています。
“ポストファーストメタルタイム”。WALTARI の Kärtsy Hatakka が弊誌のインタビューで証言したクラッシックメタルとモダンメタルの偉大なる架け橋に、スウェーデンが果たした役割はあまりにも絶大でした。
MESHUGGAH, OPETH の両巨頭を挙げるまでもなく、90年代初頭から此の地の先鋭は、ベーシックなメタルのデフォルトにプログレッシブの波動、エクストリームな残虐性、フォルクローレの優美、そして複雑なリズムアプローチ等を付加してモダンメタルの礎となる百花繚乱の多様性を創世し続けているのです。
中でも、チェロやホーンセクションを備えた8人組 DIABLO SWING ORCHESTRA のエクレクティックな存在感は飛び抜けて異端だったと言えます。その名が物語る通り、メタル、ジャズ、クラッシックを等しくベースとする狂気を孕んだクロスオーバーの濁流は、アヴァンギャルド、エクスペリメンタルの狭い定義に堰き止められ限定的ながら、間違いなく強烈な印象と影響を残して来たのです。
そして、前作 “Pandora’s Piñata” から5年という長いインターバルを経てリリースしたバンドの最新作 “Pacifisticuffs” は、囚われていたその狭い檻までをも突き破り、より幅広く認知と賞賛を受けるべき作品に仕上がったと言えるでしょう。
オペラティックな歌唱でバンドの顔とも言えた Annlouice Lögdlund が脱退し、新たに Kristin Evegård を迎えたことは、結果として変化の象徴となりました。より普遍的で、しかしアンニュイかつジャジーな魅力と個性を備えた Kristin の伸びやかな歌唱は、バンドのカルトなイメージを一新させるフレッシュな起爆剤だと言えますね。
爽快でキャッチー、そしてあまりに多様なオープナー “Knucklehugs (Arm Yourself with Love)” は楽団の新たなイメージへと誘う招待状。Daniel が 「僕たちはまず、強力なメロディーやリズミックなフックといった楽曲の強固な基盤にフォーカスする傾向があるんだよ。」と語る通り、ポップパンクのコマーシャルな突進力さえ喚起する Kristin と Daniel のデュエットは、メタリックなギターリフ、スウィングするホーンセクション、そしてバンジョーとストリングスを携えたエルヴィスの祝福を一身に受けて、至上なる創造性とフックを提示します。
陽気なブルーグラスから一転、オーケストレーションとホーンをさらに前面に配した感傷的なメタルポルカ “The Age of Vulture Culture” で Kristin の完璧なる融合を証明した後、バンドは “Superhero Jagganath” でトロピカルなレゲエにハワイアン、”Lady Clandestine Chainbreaker” ではフラメンコの邪悪な誘惑にフォーカスし、”Pacifisticuffs” の音楽が世界を巡る旅であると高らかに宣言するのです。
そうして辿り着く “Jigsaw Hastle” は、故郷スウェーデンへの凱旋と言えるのかも知れません。Kristin の透明な哀愁を生かしたウルトラキャッチーなダンスチューンは、同郷の ABBA を彷彿とさせる北欧の煌びやかな風。アートワークのトライアングルから注入された電気の魔法は、きっとこの楽曲のエレクトロニカな要素へと還元されたに違いありません。
Daniel が提唱する “異なるサウンドを独自のものへと昇華する偉大なる自由” は、究極のポップと巡るエクレクティックな世界旅行の果てに遂に完成を見たのかも知れませんね。
今回弊誌では、シンガーでギタリスト、バンドの中心人物 Daniel Håkansson にインタビューを行うことが出来ました。どうやら Daniel のボーカルパートが減った理由も、Kristin の加入による理想のオクテットの完成にある様ですね。「今まで成されてきたことの “外側” について考えなくてはいけないと思うんだ。」どうぞ!!

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DIABLO SWING ORCHESTRA “PACIFISTICUFFS” : 10/10

INTERVIEW WITH DANIEL HÅKANSSON

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Q1: This is the first interview with you. First of all, could you tell us about yourself and band? What kind of music were you listening to, when you were growing up? You are great singer/guitar player, but who was musical hero at that time?

【DANIEL】: I think I have my mom to thank for a lot of my musical ideas. She was an aspiring opera singer that really taught me how to appreciate music. She showed me everything from choir works to the Beatles and woke me up with Bag Pipe concerts and african tribal music.
My first own musical awakening was when I turned 16 and discovered swedish punk music and later on Nirvana.

Q1: 本誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドについて話していただけますか?

【DANIEL】: 僕の音楽的なアイデアの多くについては、母に感謝しないといけないね。彼女は向上心に満ちたオペラシンガーで、音楽の真価を認める方法についてしっかりと教授してくれたんだ。
彼女は本当に全てを見せてくれたね。クワイアから THE BEATLES、さらにはバグパイプのコンサートやアフリカのトライバルミュージックで僕の目を覚まさせてくれたんだ。
僕が初めて音楽にハマったのは16になる頃だったね。スウェーデンのパンクミュージック、そして後に NIRVANA を発見したんだ。

Q2: When I first heard Diablo Swing Orchestra, I really surprised and thought “Amazing…From metal, prog to symphonic, jazz. It’s…the most eclectic band in the world”. And I still think so. Where did the idea making such a diverse band come from?

【DANIEL】: I think it’s a result from all the varieties of genres we enjoy within the band. The point has never been to mash up as many different styles as possible, rather we strive to write music we enjoy both listening to and play. But at the same time we want to write music that has a “fresh” feeling to it and I think in order to make that happen you have to think outside of the box from what has been done before. We think we have created kind of a wide musical framework to operate within and we have a great freedom of what different sounds we can incorporate into our own.

Q2: 初めて DIABLO SWING ORCHESTRA の音楽を聴いた時、こんなエクレクティックなロックが存在するのかと非常に驚きました。これほどまで多様な音楽性のバンドを立ちあげたそのアイデアは、どのようにして生まれたのですか?

【DANIEL】: それは、バンドのメンバーが楽しめる全てのジャンルを集めた結果だと思うな。重要なのは、僕たちは決して出来るだけ多くの音楽スタイルをマッシュアップしてきた訳じゃなく、聴いてそしてプレイして楽しめる音楽を書くことに務めている点なんだ。
ただ、それと同時に、”フレッシュ” な感覚を持った楽曲を書きたいとも思っているんだよ。そうするためには、今まで成されてきたことの “外側” について考えなくてはいけないと思うんだ。
僕たちは、そのタスクを実現するための幅広い音楽的な枠組みのようなものを作り出したと思っているんだよ。それに、異なるサウンドを独自のものへと昇華する偉大なる自由もね。

Q3: So, let’s talk about your fantastic new record “Pacifisticuffs”. Five years have passed since you had released “Pandora’s Piñata”. It was due to some mixing, production troubles a lot, wasn’t it?

【DANIEL】: Yeah, a lot has happened and tech issues during the mix certainly was one of the main time consumers for us. The computer didn’t manage to handle all the files during the playback so Roberto Laghi who produced the album went and bought a new computer in the middle of the mix. Other than that both we and the record label managed to delay the release along the way. But we’re really happy that we managed to put it out there in the end and we’re really happy with the result.

Q3: では最新作 “Pacifisticuffs” について話しましょう。前作 “Pandora’s Piñata” から5年という長いインターバルとなりました。ミキシングやプロダクションのプロセスでトラブルがあったそうですね?

【DANIEL】: そうなんだ。沢山のことが起こったよ。ミキシングの段階におけるテクニカルな問題は、その中でも最も時間を取られた問題だったね。プレイバックの最中に、コンピューターが全てのファイルを扱うことが出来なくてね。だからプロデューサーの Roberto Laghi がミキシングの最中に新たなコンピューターを導入することとなったんだ。
それ以外にも、バンドとレーベルの両方がリリースを遅らせる必要があってね。
まあそうは言っても、最終的になんとかリリース出来てとても嬉しいし、結果にも満足しているよ。

Q4: There have been a few changes in the band in recent years. Annlouice Lögdlund whose opera–based vocal style was a large part of DSO sound left the band in 2014. What was the reason of her departure?

【DANIEL】: She chose to focus on her opera career and we had reached the point where it was not possible to book shows due to the fact that we didn’t know if we would be able to perform. So there is no bad blood between us or any drama to add to the story.

Q4: その期間、バンドにはいくつか変化がありましたね。まず、オペラスタイルの歌唱でバンドの顔とも言えた Annlouice Lögdlund が脱退しました。

【DANIEL】: 彼女は自身のオペラのキャリアを追求する道を選んだんだ。それによって、ライブでプレイ出来ず、ショウもブッキング出来ないという事態になってしまったから仕方がないよね。
だから、お互いに悪い感情が生じただとか、ドラマティックなストーリーといったものは特別なかったよ。

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Q5: Her replacement was Kristin Evegård. Their vocal style is quite different. Compared with Annlouice’s operatic style, Kristin has a much more jazzy, dreamy style. And I feel it’s difference reflects on the album. Anyway, what made the band choose Kristin?

【DANIEL】: Johan (drums) was attending a show where Kristin played and liked what he heard. He sent the rest of the band a couple of youtube links and the rest of the band were sold. She came to one trial rehearsal and the rest is history. Her joining the band has definitely had an impact on the sound but we feel that we already started to walk that path with our last record where the opera elements were toned down apart for 2 songs. So the transition that might feel very different to the listener that enjoyed the 2 first albums the most felt really natural to us. .

Q5: 後任に選ばれた Kristin Evegård のボーカルスタイルは Annlouice とは大きく異なっていますね?よりジャジーでドリーミーなスタイルです。

【DANIEL】: ドラムスの Jordan が Kristin の出演するショウを見て気に入ったんだ。彼はバンドのメンバーたちに You Tube のリンクをいくつか送って、 納得させたんだよ。彼女は一度トライアル的なリハーサルに来て、後はみんなが知る通り正式なメンバーとなった訳さ。
彼女がバンドに加わったことは、間違いなくバンドのサウンドにインパクトを与えたね。ただ、僕たちはこの方向性をすでに前作から始めていたと感じているんだ。前作では、二曲を除いて、オペラティックなサウンドはトーンダウンしていたからね。
だから、確かにバンドの最初の二作を気に入っていたリスナーにとってはかなり違和感のある移行かもしれないけど、僕たちにとってその大分部は至って自然なんだ。

Q6: I really love the artwork of “Pacifisticuffs”. And I think it has different feeling compared with your past works. Does it reflect the concept or theme of the album? What’s the meanings behind the title “Pacifisticuffs”?

【DANIEL】: We had a long discussion before what we want the cover to convey and it went something like this:
Imagine an outdoors city environment where all the negatively charged stuff of the world resides. In the dead center of this view, a large triangle has magically opened. Magical dust of hope and positive forces electrically pour out from the opening behind the rotated triangle.
In the foreground we see a young girl reaching out her hands, electrically/magically controlling the triangle to her benefit — her pacifisticuffs at full throttle with the power to change things around to the better!
The title is a word play between the two opposites of being a pacifist and fisticuffs as in the gentleman way of fighting it out on the street. We feel that it’s a fitting way of describing our emotional response to what’s going on in the world today and how it can be frustrating to seek peaceful solutions to problems that evoke emotional havoc inside since everything about how things are handled just screams wrong.

Q6: アルバムのアートワークも実に素晴らしいですね!過去作とはアートワークの雰囲気も異なるように思えます。そして不思議なタイトル “Pacifisticuffs”。作品のテーマやコンセプトについて話していただけますか?

【DANIEL】: 僕たちはこのアートワークに決める前に長いディスカッションを行ったんだ。そして辿り着いたのはこんな感じの世界観だったんだ。
世界に存在する、すべてのネガティブな感情がチャージされた都市の屋外。この死せる眺めの中心には、大きな三角形が魔法のように開いているんだ。そして希望とポジティブなパワーを伴う魔法の塵は、回転する三角形の後ろの開口部から電気的に注がれるんだよ。
最も目立つのは、若い女の子が手を伸ばし、電気的に/魔法のように三角形を自分のためにコントロールしている場面だよね。彼女の “Pacifisticuffs” は物事をより良く変えるためにフルパワーを発揮しているんだ!
そのタイトル “Pacifisticuffs” は、二つの相反する言葉を繋げた言葉遊びなんだ。つまり、”Pacifist” “平和主義” と、”Fisticuffs” “殴り合い”。まるでジェントルマンが路上で殴りあっているようなものだよ。
このタイトルは、今日の世界に対する僕たちの感情を表現するのにピッタリだと感じたんだ。扱われる全ての物事が誤った悲鳴を上げるから、感情的な混乱を呼び起こす問題に対する平和的な解決策を模索することが、いかにイライラするかと言うことなんだよ。

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Q7: Among the songs, I really love “Jigsaw Hustle”. It’s ultra-catchy, and I remind even ABBA from your country, haha. DSO’s sound is off course complex, but always catchy, I think. Do you think “Pop”, “Catchy” aspects are important for your music?

【DANIEL】: Well to an extent yes, we like strong melodies in the music we listen to ourselves and therefore it’s only natural that it shows in our own writing. I guess Sweden has a history of bands who are good with hooks and melodies. They say it’s either something in the waters up here or it comes out of boredom given that the weather sucks 70% of the year, haha.

Q7: “Jigsaw Hustle” などはウルトラキャッチーなダンサブルチューンで、バンドと同郷の ABBA をさえ想起させます。実際、ポップやキャッチーな感覚もバンドにとって、先述の “楽しめる” 要素に含まれるようですね?

【DANIEL】: そうだね、ある意味合っているよ。僕たちは音楽を聴く時、その中にある強力なメロディーを好むんだ。それ故に、僕たちのコンポジションの中にそういった要素が存在するのはごく自然なことなんだ。
スウェーデンが、フックとメロディーに満ちたバンドの宝庫だという事実も関係するのかも知れないね。何か特別な理由があるのか、それとも一年の70%は天気が悪すぎてベッドルームに篭っているからなのかは分からないけどね(笑)

Q8: Definitely, “Pacifisticuffs” is rich, eclectic record as well as your previous works. But, From Polka, Tango, Flamenco, to Hawaiian, Western-style, especially I think you focused on world music in this album. Do you agree that? And are you interested in Japanese traditional music?

【DANIEL】: As mentioned before we tend to first and foremost concentrate on having a solid foundation of a song such as a strong melody and some rhythmic hooks. The different genres come into play when we want to add some flavor to the song to make it more interesting. But I can definitely see your point with different world music references.
We did kind of a J-pop inspired song on the last album called “Black Box Messiah” but we haven’t really explored traditional Japanese music. We’d love to in the future though.

Q8: 勿論、間違いなく、”Pacifisticuffs” はリッチでエクレクティックなレコードです。ただ、以前よりもワールドミュージックにフォーカスしているように思えます。将来的に、日本の伝統音楽を使用する可能性もあるのでしょうか?

【DANIEL】: 先に述べたように、僕たちはまず、強力なメロディーやリズミックなフックといった楽曲の強固な基盤にフォーカスする傾向があるんだよ。そこから、楽曲に様々なフレーバーを加えてより興味深いものにしたい時に、異なるジャンルを挿入して行くんだ。たた、間違いなく君が指摘した違い、ワールドミュージックの関係性については、実に納得出来るね。
日本の音楽に関して言えば、前作の “Black Box Messiah” は J-Pop にインスパイアされた楽曲なんだ。ただ、今のところ日本の伝統音楽についてはまだ探求出来ていないんだよ。だけど、将来的にはぜひトライしてみたいね!

FIVE ALBUMS THAT CHANGED DANIEL’S LIFE

MUSE “ORIGIN OF SYMMETRY”

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TORI AMOS “UNDER THE PINK”, “BOYS FOR PELE”

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NIRVANA “NEVERMIND”

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PRIMUS “THE BROWN ALBUM”

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LOK “NAKEN, BLASTRAD OCH SKITSUR”

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MESSAGE FOR JAPAN

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Yeah hope to see you soon. If someone has any suggestion to Japanese music we should listen to feel free to share it with us on our FB page.

みんなに早く会いたいね。オススメの日本の音楽があれば、ぜひ聴いてみたいから、僕たちのFacebookページでシェアして欲しいな!

DANIEL HÅKANSSON

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CALIGULA’S HORSE : IN CONTACT】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JIM GREY OF CALIGULA’S HORSE !!

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Brisbane’s Progressive Metal Outfit Caligula’s Horse Will Take The listeners Into Unique Sonic Worlds With Ambitious Conceptual Record “In Contact” !!

DISC REVIEW “IN CONTACT”

躍動感に満ちたオーストラリアの清新なるオルタナティブ/プログレッシブシーンを象徴する鼓動 CALIGULA’S HORSE が、アートの本質と真髄を提示する新作 “In Contact” をリリースしました!!南半球から流動する多様でモダンなソニックウェーブは、逸群なるミュージシャンシップを伴って世界へと浸透して行きます。
狂気のローマ皇帝カリグラが、自身の愛馬を執政官に任命しようとした愚かな逸話をバンド名に冠するブリズベンの5人組は、しかしその名に相反する稀代の駿馬。”From Tool to Dream Theater” と例えられるように、オルタナティブとプログレッシブの狭間で揺蕩うそのサウンドコンセプトは、同郷 KARNIVOOL の美麗なアトモスフィア、Djent のコンテンポラリーなデザインをも伴って、プログメタルのデフォルトを再定義するような野心と瑞々しさに満ち溢れています。
加えて特筆すべきは、彼らのストーリーテリングの才能です。勿論、ファンタジックなプログレッシブワールドにおいて、コンセプトやテーマを巧みに描く能力は必修技能にも思えます。
しかし、 前作 “Bloom” で日本の木花咲耶姫にインスピレーションを受けて書かれた “Daughter of the Mountain” のポジティブな光彩を挙げるまでもなく、ボーカリスト Jim Grey の詩人としてのタレントを軸としたバンドが、その分野において卓越していることは明らかな事実であり強みだと言えますね。
“In Contact” で彼らが描くファンタジーは、芸術と創造性をテーマとする様々な時空と人物の物語です。古に人類が共有しながら、今ではすっかり忘れてしまった夢の欠片。異なる世界線においてアーティスト達は、記憶の狭間にその感覚を呼び覚まし具現化することで、崇高なるアートを生み出しています。つまり、4人のアーティストを主人公とした4章から成るアルバムは、非常にパーソナルで同時にグローバルなコンセプトイメージを掲げ伝えているのです。
アルバムオープナー、”Dream the Dead” はよりディープでダーク、複雑な世界観を有する最高傑作への招待状です。ギタリスト Sam Vallen のメズマライズで数学的なリフワーク、陰を備えたスペーシーなアルペジオ、そして John Petrucci の壮絶なピッキングを受け継ぐピーキーかつメロディックなリードプレイは、アルバムの冒頭からアグレッションとアトモスフィアを行き来し、目まぐるしくも完璧に作品のディレクションを主張します。続く “Will’s Song” のオーガニックな淫美と複雑難解なリズムデザインに LEPROUS の最新作を想起するファンも多いでしょう。
さらに、スタイリッシュなシンコペーションの合間を縫うように歌い紡ぐ、Jim の浮遊するハーモニー、ファルセットは、神々しさすら纏って芸術家の苦悩、産みの苦しみを劇的に伝えます。
事実、この楽曲を起点とする第一章 “To the Wind” は、インスピレーションや創造性と引換にアーティストが失う健全な人生、ドラッグやアルコール、精神疾患がアートに信頼性や価値をもたらすという不健全な神話について憂慮し警鐘を鳴らしているのです。
実際、Jim の幅広い表現力、そして2010年以降のプログシーンに欠かせない豊潤なポップセンスは、Daniel Tompkins, Einar Solberg, Ross Jennings と並んで新世代の代表格だと言えるはずです。エレクトロビートを巧みにミックスした “Love Conquers All”, よりオーガニックな “Capulet” といった緩やかなバラードで聴ける凛としたボーカルパフォーマンスに加えて、その証明の極めつけは “Inertia and the Weapon of the Wall” でしょう。
第三章、狂気の詩人を主人公とした物語 “Ink” に組み込まれた楽曲は、驚くことに3分間のスポークンワード。詩人の章で語られる長尺のポエトリーリーディングは、大胆なアイデアと豊かな表情を礎とする天賦の才の確かな証です。
アルバムのクライマックスは15分を超える “Graves” で訪れます。作曲に数ヶ月を要したという崇高で完璧なるエピックは、聖歌隊でテクニックを養った Jim の祈るような歌声、さらには耽美なクワイアが実に印象的。Plini を想起させるマスジャズスタイルのギターと共に展開する透明で清廉なサウンドスケープは、しかし徐々に激しさの熱を帯びて行きます。
Jørgen Munkeby のカミソリサックスを合図として Djent のエキサイトメントを加えたバンドは、そうして混沌と興奮の中で突如事切れるように演奏を停止するのです。まるで作品に自身の全てを注いだ芸術家のように。
Forrester Savell, Jens Bogen, そして Sam のサウンドチーム、さらには新メンバーも完璧にハマったバンドの最高到達点。今回弊誌では、Jim Grey にインタビューを行うことが出来ました。2度目の登場です。今回はプログメタルと言わずオルタナティブと呼称している点にも注目です。どうぞ!!

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CALIGULA’S HORSE “IN CONTACT” : 9.7/10

INTERVIEW WITH JIM GREY

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PHOTO BY DAVID HARRIS
Q1: This is our second interview with Caligula’s Horse. This time, could you tell us about yourself, at first? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【JIM】: Good to chat with you again! I started out as a singer quite young – at the age of 9 in a Cathedral choir here in our home town of Brisbane. It was a pretty gruelling rehearsal schedule, every morning before school, for hours after school on Friday evenings, often singing weddings on Saturdays, and two services each Sunday.
At the time it felt very difficult, but in hindsight I wouldn’t give up the time I spent there for the world. It was where I developed a great deal of my fundamental singing technique, as well as training my ear, which has been hugely important in terms of writing and performing with Caligula’s Horse.
In terms of music I listened to, I didn’t really get into alternative music until I was 13/14 – one of the first albums I really connected with was “Neon Ballroom” by the Aussie band silverchair.

Q1: 本誌2度目の登場となります。今回はまず、あなたの音楽的なバックグラウンドから伺えますか?

【JIM】: また君と話せて嬉しいよ!僕はまだとても若い頃からシンガーとして活動を始めたんだよ。ホームタウンのブリズベンにある聖歌隊で9歳の頃から歌い始めたんだ。リハーサルのスケジュールはとても厳しくてね。毎朝学校に行く前と、金曜の夜学校が終わってからの数時間練習し、そして土曜日はしばしば、日曜には一日に2回もウエディングで歌っていたね。
当時は、とても大変だと感じていたけど、振り返ってみるとギブアップしないで良かったと思うよ。そこで僕の歌唱テクニックの基礎となる重要な部分を養ったんだからね。それに耳も鍛えられたね。CALIGULA’S HORSE で作曲とパフォーマンスを行うに当たって、それは本当に重要な意味を持ったんだ。
僕は13, 14の頃に初めてオルタナティブな音楽にのめり込んだんだ。最初に入れ込んだアルバムの一つが、オーストラリアが生んだ SILVERCHAIR の “Neon Ballroom” だったね。

Q2: So, what inspired you to start band and composition? Who was your hero at that time?

【JIM】: When it comes to rock singing, I was a huge Maynard James Keenan fan at the very beginning, but over time that influence became less and less as I found my own voice. I’ve taken influence from a really broad range of vocalists and experiences, too many to name, but suffice to say I try to learn something from every singer I listen to, especially singers that I’m lucky enough to tour with.

Q2: そこから、あなたをロックシンガーへと駆り立てたもの、そして当時のヒーローについて話していただけますか?

【JIM】: ロックについて言えば、そもそもは Maynard James Keenan の大ファンだったんだよ。ただ時が経つにつれて、僕の声の中にある彼の影響はどんどんと少なくなっていったんだ。
というのも、僕は本当に幅広いボーカリストからの影響や経験を取り入れていったからね。多すぎて名前も挙げられないくらいにね。敢えて言うなら、耳にする全てのシンガーから何かしら学ぼうとして来たね。特に、幸運にもツアーを共にすることの出来たシンガー達からね。

Q3: Let’s talk about your newest record “In Contact”. In our previous interview, Jim told us “Bloom” was more positive, more celebratory record. I feel “In Contact” may be the counter, it’s heavier, darker record than “Bloom”. Do you agree that?

【JIM】: It’s definitely heavier! But it wasn’t as much of an intentional approach as with Bloom – this time the sound of the album was very much informed by the story and characters, how their arcs were progressing. Those stories are told as much by the music as the lyrics. The concept tended towards darker or more emotional themes lyrically, and so the music became part of that shape.

Q3: では、最新作 “In Contact” について話しましょう。前回のインタビューであなたは前作 “Bloom” について非常にポジティブなレコードだと語ってくれました。今回はそのカウンターにも思えるダークでヘヴィーな作品ですね?

【JIM】: 間違いなくよりヘヴィーになったね!ただ、これは特に “Bloom” を意識して取ったアプローチという訳ではないんだよ。今回のアルバムのサウンドは、ストーリーとキャラクターが展開するアーク(ストーリーライン)に左右されているんだ。
つまり、彼らのストーリーは歌詞と同様に音楽でも語られている訳だよ。歌詞のコンセプトはよりダーク、もしくはよりエモーショナルなテーマへと向かっているね。だから自然と音楽もそういったムードを形作ったのさ。

Q4: Jim also told us “Bloom” wasn’t concept album. But “In Contact” is consisted in four separate chapters and it’s an album full of deeply personal stories. Could you tell us about the meaning behind the title “In Contact”, and themes of album?

【JIM】: The album’s name came about when we were trying to sum up the interconnecting themes that appeared in each story – the artists in each chapter are tangentially connected by the theme of “reach”. They’re all reaching for something in their lives, be it sobriety, or family, or improving their lives and the lives of others.
What they don’t know, is that in the world these characters exist in, every piece of art created by human beings is an attempt to recall a dream we all shared. Something we’ve all forgotten, and artists unknowingly seem to have themes from this dream on the tip of their tongues and articulate it through their inspiration and art. So we realised that all of these artists are not just connected to each other, but to all people, and especially to this shared dream. They are all in contact with one another, despite their differences, and despite being far removed from each other both geographically and in terms of time. So the title is very much tied into the story!

Q4: 前作 “Bloom” のインタビューであなたは、アルバムはコンセプト作品ではないと語っていましたが、今回は仰るように、4章から成る深くパーソナルなストーリーが存在していますね?

【JIM】: アルバムのタイトルは、4つの各ストーリーに登場する相互に関連するテーマをまとめようとしたときに思いついたんだ。各章の主人公であるアーティストたちは、”リーチ” というテーマで接線的に結びついているんだよ。つまり、彼らは全て人生で何かにたどり着こうとしている訳なんだ。それは、真面目に生きることかも知れないし、家族のため、他人のため、もしくは人生をより良くすることかも知れないね。
アーティスト達が気づいていないのは、彼らが存在する世界において、人間によって創造されたすべての芸術作品は僕たち一人一人が共有していた夢を思い出す試みだということなんだ。それは僕たちがすっかり忘れてしまったものなんだけど、でもアーティスト達は無意識のうちにこの夢のテーマが喉から出かかっていて、インスピレーションと芸術を通してそれを明確に表現しているんだよ。
だから、僕たちは、アーティストのすべてがただお互いにつながっているのではなく、すべての人と、特にこの共通の夢でつながっていることに気付いたんだ。
彼らは、その違いにもかかわらず、それに地理的にも時間的にも離れているにもかかわらず、お互いに “In Contact” 接触しているんだよ。だからタイトルは非常にストーリーに結びついているんだ!

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Q5: Regarding story telling, the album includes three minutes spoken words, “Inertia and the Weapon of the Wall”. Off course, Spoken words is not special expression for prog band, but three minutes seem to be very long. When does “In Contact” compared with “Shakespearean metal”, what’s your perspective about that?

【JIM】: Haha, I don’t agree with that at all. The spoken word piece is very much just lyrical storytelling, and is best described as a piece of modern spoken word poetry. The piece nestles into the story quite nicely, as it occurs during “Ink”, the third chapter, which is centred around a poet. So it seemed appropriate to do so, as strange as it may be.

Q5: ストーリーと言えば、アルバムには3分間のスポークンワードも収録されていますね。勿論、プログワールドにおいてスポークンワードは特に珍しい表現方法ではありませんが、それでも3分間は大胆なアプローチです。
今回、芸術家にフォーカスしたこともあり、”シェイクスピアのメタル” と例えられることに関してはどう思いますか?

【JIM】: はは(笑)それについては全く同意できないね。このスポークンワードは実に単なる叙情的なストーリーテリングであり、モダンな詩として表現されているんだよ。
このパートは、詩人を中心として語られる第3章 “インク” において、物語の中にぴったりと収められている訳さ。だから確かに変わっているかも知れないけど、そうするのが適切だと思ったんだ。

Q6: This is your first release with newcomers Adrian Goleby and Josh Griffin, who replace Zac Greensill and Geoff Irish. I feel “In Contact” is the most “Guitar Shredding” record in your works. Does it relate to this Line-up change?

【JIM】: It relates more to the story content, and to the experiences we were having in life around the time of writing and recording the album. Our goal is to reflect ourselves in our music to the best of our ability so a lot of who we are at a certain time ends up on the album. In terms of the change in sound, the addition of Josh Griffin to the lineup has opened up a whole new world in terms of writing, since he’s such a reliable drummer and a consummate musician. The two new guys have fit in to the group perfectly.

Q6: “In Contact” は、新メンバー Adrian Goleby, Josh Griffin が加入して初のアルバムとなりました。よりギターシュレッドが前面に押し出された作品だと感じたのですが、それはラインナップの変更と関係していますか?

【JIM】: その部分も実はストーリーに拠る部分が大きいんだ。それに、アルバムのライティング、レコーディング期間に僕たちが生活の中で経験したことにもね。
僕たちのゴールは、僕たちの能力を全て引き出して、自分たち自身を音楽の中に反映することなんだ。だからその時々の僕たちの姿がアルバムには詰め込まれているんだよ。
サウンドの変化について言えば、Josh Griffin がラインナップに加わったことは、ライティングに関してまさに新世界への扉を開いたね。と言うのも、彼は実に信頼の置ける完成されたミュージシャンだからね。新しい2人のメンバーは完璧にバンドへとフィットしているよ。

Q7: I think “In Contact” is one of the year’s best prog record. It’s so eclectic, diverse impressive, sometimes heavy, sometimes pop, sometimes modern and sometimes retro. 16 minutes epic, “Graves” seems to be symbol of the record. Also, Jørgen Munkeby of Shining featured in the song. Caligula’s Horse and Munkeby have some common points, right?

【JIM】: Thanks! I’m glad you think so. Yeah, we toured Europe with Jørgen and the guys in Shining back on the Bloom tour in 2015. He’s a great dude and an incredible artist, it was a real treat to have him appear on Graves. We’re particularly proud of that track!

Q7: 16分のエピック “Graves” はまさに多様で印象的なこの作品の象徴です。Jørgen Munkeby のサックスがフィーチャーされていますが、彼とバンドとは共通する部分が多そうですね?

【JIM】: ありがとう!君がそう感じてくれて嬉しいよ。そうだね、僕たちと Jørgen、そして彼のバンド SHINING は、2015年に “Bloom” のツアーで共にヨーロッパを廻ったんだ。
彼は素晴らしい人物で、驚異的なアーティストだよ。彼を “Graves” にフィーチャー出来て本当に嬉しかったよ。僕たちは特にこの楽曲を誇りに思っているんだ!

Q8: Forrester Savell, Sam, and Jens Bogen seem to be perfect sound production team. How was the experience working with them?

【JIM】: Don’t forget Caleb James! Caleb mixed “The Hands are the Hardest” (which may be one of my personal favourites from the album). The guys were really great, very responsive to our artistic brief in terms of the direction we wanted the album to go mix-wise. In terms of their skills, I think the quality of the album’s production speaks for itself!

Q8: Forrester Savell, Sam, そして Jens Bogen のサウンドプロダクションも完璧にハマりましたね?

【JIM】: Caleb James を忘れないで欲しいね! 彼は “The Hands are the Hardest” のミキシングを担当したんだ。この楽曲は個人的なフェイバリットの一つかも知れないね。
とにかくサウンドチームは本当に素晴らしかったよ。僕たちのアーティスティックな信条にとても敏感だったね。
方向性に関して言えば、僕たちはアルバムをよりミックスされたものにしたかったんだ。そして彼らのスキルに関しては、アルバムのプロダクションが全てを語っていると思うよ!

JIM’S RECENT FIVE FAVORITE ALBUMS 

TORI AMOS “NATIVE INVADER”

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LOGIC “EVERYBODY”

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LEPROUS “MALINA”

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SLEEPMAKESWAVES “MADE OF BREATH ONLY”

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VOYAGER “GHOST MILE”

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MESSAGE FOR JAPAN

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We can’t wait to visit! It’s our hope that we can make it to Japan as soon as we can. After all, your country is an amazing supporter of alternative music, and we’re not too far away from one another. Sending our love and thanks for listening!

日本を訪れるのが待ち切れないね!とにかく出来るだけ早く日本に行きたいと望んでいるんだ。
間違いなく、君たちの国はオルタナティブな音楽の素晴らしいサポーターだし、オーストラリアと日本はお互いそう遠くない距離にあるからね。愛をこめて。僕たちの音楽を聴いてくれてありがとう!

JIM GREY

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【AKERCOCKE : RENAISSANCE IN EXTREMIS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DAVID GRAY OF AKERCOCKE !!

Photo by Tina Korhonen © 2017, all rights reserved.
Photo by Tina Korhonen © 2017.

UK Extreme Legend, Akercocke Returns For The First Time In A Decade! “Renaissance In Extremis” Delivers Euphoric Force And Mind-boggling Weirdness !!

DISC REVIEW “RENAISSANCE IN EXTREMIS”

90年代後半から漆黒の創造性でシーンを牽引する英国のアーティスティックなノイズメイカー AKERCOCKE が、10年の時を超え完璧なる復活祭 “Renaissance in Extremis” をリリースしました!!背徳には恍惚を、暴虐には知性を、混沌には旋律を、等しく与える “死のルネッサンス” でバンドはその邪悪を崇高の域にまで昇華します。
生々しき衝動のラフダイアモンド、”Rape of the Bastard Nazarene” でエクストリームシーンに登壇した突然変異のモンスター AKERCOCKE。デスメタル、ブラックメタル、プログ、アヴァンギャルドをその身に浴び降誕した凶暴なるカオスは、”Words That Go Unspoken, Deeds That Go Undone” を頂点とするトリロジーで、美麗なる異端の響き、クリーンパートまでをも宿し唯一無二の存在と化しました。
さらに、バンドの第一章を閉幕するシグナルとなったより実験的な2007年の “Antichrist” では、BBC 北アイルランドのディベート番組出演を騒動のピークとする “アンチクライスト” 論争を巻き起こすなど、その存在感もアンダーグラウンドメタルシーンのアイコンとして群を抜いていたのです。
しかし、残念ながらバンドのその際立つ個性も、長い沈黙の中で、まるで月が闇夜に欠けて行くかの如く徐々に忘れられて行きました。「本当は、僕たちは2012年に解散した訳ではないんだ。線香花火のようにフェイドアウトしていったような感じだね。」 と David が語るように、実際のところ、その仄かな月明かりはただ暗闇へと溶け込み潜伏していただけでしたが。
雌伏の時を終え、Jason Mendonça, David Gray, Paul Scanlan というオリジナルメンバーを軸に帰還を果たし、遂にリリースした “Renaissance in Extremis” は紛うことなきフルムーン、エクストリームメタルの新教典。”初めて制作したサタニックではないアルバム” と語る通り、バンド史上最もコントラストが際立ったワイドで濃密なレコードは、再びリスナーの記憶を呼び覚まし、確実にジャンルのランドマークとなるはずです。
DEATH の遺伝子を宿すメカニカルなイントロダクションが印象的な “Disappear” はバンドの帰還を高らかに告げるキラーチューン。フェンリルのようなデスメタルの獰猛さに、ミッドガルドの冬景色、冷徹なるアトモスフィアを抱きしめる諸行無常のオープナーは、トレイルブレイザーとしての威厳、凄みを見せつけるに充分なクオリティーを誇り、リスナーをあの素晴らしきトリロジーの時代へと誘います。
変化の兆し、ルネッサンスの予兆は “Unbound by Sin” で現れます。トレードマークであるサタニックなコンセプトから離れ、改めて内省的な痛みや苦しみに焦点を当てたアルバムは、ボーカリスト Jason Mendonca をより生々しい、絶望と儚さが同居する類希なるストーリーテラーへと仕立てあげました。実際、ガテラルにグロウル、狂気と正気のクリーンに詠唱まで巧みに使い分ける Jason のシアトリカルな歌唱、対比の魔法は “Theatre of Akercocke” のまさに主役です。
特にこの極めてプログレッシブな楽曲で、Jason の変貌を巧みに反映したメジャーキーのヒプノティックなクリーンパートはあまりに創造的でインプレッシブ。”One Chapter Ends For Another to Begin” にも言えますが、例えば ENSLAVED がしばしば生み出す至高の神々しさと同等の強烈なエモーションがここにはあります。
同時に、ギタリストでもある Jason のクラシカルなシュレッドと、復帰を果たしたスケールの魔術師 Paul Scanlan のホールトーンを旗印とした鮮烈のリードプレイ、Neal Peart のフィルインを受け継ぐ David Gray の繊細かつ大胆ななドラミング、勿論ボーカルを含め全てがスケールアップを果たし “足枷” を解かれた音楽の罪人は、よりフックとキャッチー、そしてインテリジェンスを携えてリスナーの五感を刺激するのです。
バンドの新たな容貌、アルバムのハイライトは5曲目に訪れます。「僕が今まで聞いた他の歌手とは違って、感情的な反応を誘発する、魂に響くシルヴィアンのボーカルはあまりに魅力的。」 インタビューで David は敬愛する JAPAN と David Sylvian への愛情を隠そうとはしませんでした。そして、耽美と実験性を纏った究極なる幽玄、”Familiar Ghosts” は確かに JAPAN のスピリットで幕を開けます。
同時に、DEATH のリフワーク、OPETH のデザイン、EMPEROR のアヴァンギャルドを7分の楽曲に無駄なく梱包した極上のエクストリームジグソーパズルは、シンセ、ストリングスを伴って、遂に David の野心を須らく投影した奇跡のアートとして語り継がれるに違いありません。
アルバムは、9月の英国をイメージさせるニヒルな混沌 “A Particularly Cold September” で幕を閉じます。 Paul のサックスを大胆に起用した、深く陰鬱でサイケデリックな9分間は AKERCOCKE の成熟を物語るショーケースとして完璧なアンビエンスを宿すクローサーと言えるでしょう。
一度死の淵に臨んだバンドは、進化という名のルネサンスに臆することはありません。今回弊誌では、バンドの創立メンバーでドラマー David Gray にインタビューを行うことが出来ました。取材は、アルバムのミキシングを担当した伝説的スタジオマスター Neil Kernon の協力の下行われました。当然ながら、彼の素晴らしい仕事にも拍手を。どうぞ!!

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AKERCOCKE “RENAISSANCE IN EXTREMIS” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ICEFISH : HUMAN HARDWARE】【PFM : EMOTIONAL TATTOOS】MARCO SFOGLI SPECIAL !!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MARCO SFOGLI FROM ICEFISH & PFM !!

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Italian Guitar Virtuoso, One Of The Most Influential Prog-metal Maestro, Marco Sfogli Has Just Released Two Masterpieces With ICEFISH & PFM !!

DISC REVIEW “HUMAN HARDWARE” & “EMOTIONAL TATTOOS”

James LaBrie が見出せしイタリアのマエストロ、ギターファンタジスタ Marco Sfogli が趣の異なる、しかし傑出した二枚のアルバムをリリースしました!!”ミュージシャンズミュージシャン” の色濃い Marco のイメージは、よりマスリスナーへとアピールする明快な二枚のマイルストーンを経て鮮やかな変貌を遂げるはずです。
遂に光を浴びた Marco の秘めたる野心は、ネオフューチャーとノスタルジア、二つの一見相反する創造物として具現化されました。AI の過度な進化を近未来として描写し、希薄になる人間同士の絆を危惧する “Human Hardware” は Marco がプログシーンのスーパーバンド ICEFISH の一員としてリリースしたコンテンポラリーなプログメタル作品です。
ICEFISH の物語は、PLANET X, UK 等で辣腕を振るうシーン屈指のドラマー Virgil Donati のリーダー作 “In This Life” から始まりました。Brett Garsed, Alex Machacek 等錚々たるメンバーの中、ギタープレイの中核を担った Marco は Virgil と意気投合。Marco のソロ作品と “In This Life” 双方でブレインを務めたキーボーディスト Alex Argento、DGM とも繋がりのあるベース/ボーカル Andrea Casali をスカウトし、新たなスーパーグループを結成したのです。
ラインナップから想像出来るように、確かに “Human Hardware” はハイテクニカルでアグレッシブなレコードです。しかし、驚くことにそれ以上にこの繊細かつ大胆な現代建築は Andrea の巧妙でキャッチーなボーカルを中心に据えて深くデザインされているのです。
アルバムオープナー “Paralyzed” を聴けば、ICEFISH が TOTO の精神性を引き継いでいることに気づくでしょう。Djenty とさえ言えるダークで複雑な Marco のギターリフ、音数の多いサイバーな Alex の鍵盤捌き、そして緻密なハイハットワークでその両方を難無く追いかける Virgil のテクニック。それだけでエキサイティングなフュージョンメタルが成立し得る彼らのミュージックフィールドは、しかし Andrea の爽快でポップなボーカリゼーションを得て初めてバンドの本質を顕にします。
「ICEFISH のプランは、プログの要素を保ちつつ、より大勢のリスナーに受け入れられる音楽を作ることだった。」 Marco はそう語ります。知的にうねるリフワークに煌めくシンセサウンドが映える “It Begins” はまさに始まりの証、バンドの象徴。ジャジーなコーラスにリアルなグルーヴを纏った DIRTY LOOPS をさえ想起させるキャッチーなキラーチューンは、同時に Marco のトリッキーで奇想天外なリードを携えバンドのスピリットと目的地を雄弁に物語っているのです。
アルバムを締めくくる、ウルトラポップでしかしシーケンシャルなユニゾンが恐ろしいほどに波寄せる “The Pieces” はまさに彼らの “Human Hardware” が結実した成果でしょう。
“It Begins” は Marco のノスタルジーサイドへの入口でもあります。楽曲のコンポジションに力を貸した Alberto Bravin はイタリアの伝説 Premiata Forneria Marconi (PFM) の新メンバー。そして Marco もまた、彼と同時に PFM の正式メンバーに抜擢されているのです。
「最初はビックリしたね。バンドの熱心なファンという訳ではなかったし、実際彼らの曲は何曲かしか知らなかったんだから。」 バンドのマスターマインド Franz Di Cioccio からの誘いを受けた時の気持ちを Marco はそう率直に語ります。
しかし故に、オリジナルメンバーで創作の中心に居た Franco Mussida の後任という難しいポジションを現在彼は楽しんで務めることが出来ているのかも知れませんね。実際、PFM が4年振りにリリースした新作 “Emotional Tattoos” で Marco は新鮮な風を運ぶと同時に、すでに不可欠なメンバーとして風格と輝きを放っています。
“Morning Freedom” や “The Lesson” で啓示する至高のメロディーは、バンドが最もヴィヴィッドに輝いた70年代の栄光を21世紀へと伝える虹の架け橋かもしれません。同時にそれは彼らのポップセンスを受け継いだ BIG BIG TRAIN, IT BITES などの理想ともシンクロし、ASIA のセオリーとも共鳴し、文字通り至高のエモーションを刻みながらプログスターの存在感を際立たせます。
映画のサウンドトラックをイメージした 2006年の “States Of Imagination”, 2010年の 新解釈 Fabrizio De Andre “A.D.2010 – La buona novella”、クラッシックに捧げた2013年の “PFM in Classic – Da Mozart a Celebration”等、近年 PFM はテイストの異なる作品を続けてリリースしていましたが、遂にフォーキーでイマジナリーな自らのオーケストラへと帰還を果たした “Emotional Tattoos” にはやはりオリジネーターの凄みと巧みが濃密なまでに織り込まれているのです。
アルバムを牽引するベーシスト Patrick の印象的なキメフレーズ、Lucio の美麗なヴァイオリン、Franz のメランコリーが溶け合う “There’s A Fire In Me” はその象徴かも知れませんね。
同時に Marco Sfogli のコンポジション、アレンジメント、リードプレイは、21世紀を生きるバンドの確固としたステートメントに思えます。インタビューにもある通り、”A Day We Share” のテーマとなったスリリングで鮮烈なユニゾンパートやファンクの意外性は Marco の手によるものですし、トライバルでフォーキーな DIXIE DREGS さえ想起させる希望のインストゥルメンタル “Freedom Square” は実際 Marco の楽曲と呼んで差し支えがないほどにアンビシャスです。
勿論、Kee Marcello のピッキングの粒立ちと加速の妙、Van Halen のトリック、Lukather のテンションなどを広く吸収し、しかし自身のメロディーセンスとスリルを強烈にアピールするリードプレイのクオリティーは群を抜いていますね。何より PFM がニューカマーに全面的な創作の “自由” を与えている事実がバンドの野心と Marco の才能を物語っていますね。
Greg Lake が PFM を発見し、”Photos of Ghosts” で世界に紹介してからおよそ45年。Greg は旅立ちましたが、PFM は確実に彼の世界観、スピリットを受け継いでいます。そして、今度はその PFM が Marco Sfogli を世界に披露するのです。
ノスタルジアとコンテンポラリーを両立し、奇しくも英語詞とイタリア語詞二つのフォーマットが用意されたアルバムを締めくくる感傷的な名曲 “It’s My Road” は、Marco の秘めたる決意なのかも知れませんね。
今回弊誌では、Marco Sfogli にインタビューを行うことが出来ました。Matt Guillory, Peter Wildoer との新たなプロジェクトも期待出来そうです。「一つのジャンルだけに囚われずオープンマインドでいようね。」 どうぞ!!

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ICEFISH “HUMAN HARDWARE” : 9.8/10

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PFM “EMOTIONAL TATTOOS” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【VUUR : IN THIS MOMENT WE ARE FREE – CITIES】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ANNEKE VAN GIERSBERGEN OF VUUR !!

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An Anthemic Opening Statement From Dutch Progressive Metallers VUUR Is Anneke Van Giersbergen’s Heaviest, Most Ambitious Work To Date !!

DISC REVIEW “IN THIS MOMENT WE ARE FREE – CITIES”

THE GATHERING, THE GENTLE STORM, DEVIN TOWNSEND PROJECT 等で妖艶かつ伸びやかな歌声を披露。欧州で確かな地位を確立するオランダのメタルプリマドンナ Anneke van Giersbergen が鮮烈なるニューバンド VUUR でその瑞々しい創造性の “浄火” を灯します。プログレッシブでヘヴィーな彼女の新たな航海は、コンテンポラリーな風を味方にシーンの先へと舵を取ります。
AYREON のマスターマインド Arjen Anthony Lucassen とタッグを組み、中世のフォルクローレで大航海時代のオランダを壮麗に描いた THE GENTLE STORM は VUUR の壮大な序曲でした。
インタビューにもあるように、GOJIRA, MASTODON, OPETH といったモダンなプログメタルを愛聴する Anneke は、プロジェクトの終焉と同時に THE GENTLE STORM の強靭なライブバンドをスカウトし、オランダ語で”火” “推進力” の名も映える、先鋭の狂熱 VUUR を生み出す決断を下したのです。
“In This Moment We Are Free – Cities” と名付けられたバンドのデビューフルレングスは、文字通り Anneke がこれまでツアーで訪れた世界中の都市をインスピレーションに制作されました。「どの街や都市にも異なるヴァイブやエナジーが存在するの。」 と語る通り、アルバムは実に多様でカラフルなサウンドスケープを誇っているのです。
Anneke と巡る世界旅行は、ベルリンに漂う悲哀と享楽の文化的カオスを反映するかのような “My Champion – Berlin” で幕を開けます。GOJIRA を想起させる有機的で巨大なグルーヴと、Anneke のオペラティックなメランコリーが溶け合うアンセムは、実に壮観であまりに独創的な化学反応だと言えますね。
事実、これまでカルトでディープなプログメタルは大抵男性がボーカルを務めて来ましたし、逆に言えば NIGHTWISH のような女声を前面に配するシンフォニックなアプローチではシンプルなリフワークを貫きバランスを取るケースが殆どでした。つまり、カルトとゴージャスが交差する VUUR のエピックは、前代未聞の野心的な物語だと言えるのです。
“Time – Rotterdam” はまさに “In This Moment We Are Free” のスピリットを体現するトラックでしょう。入り組んだタイムストラクチャーの中、時にハーモニーを創造し、時にポリフォニックなチャレンジを聴かせ、アコースティックの味わいまで司るギターチームのクリエイティビティは群を抜いていますね。経過音を多用する Jord の滑らかなリードプレイも印象的で見事なアクセントになっています。
さらに Anneke の揺らぎと艶は、厳かに巧みにレイヤーを重ねる中でその表情、深みを増して、プログメタルの巧妙なるストラクチャーの中へ驚くほどに溶け入っていますね。
MASTODON の砂漠を内包する “The Martyr and The Saint – Beirut”、Kate Bush のスピリットを受け継ぐ “The Fire – San Francisco” でオプティミスティックな熱気を伝えると、VUUR の旅路はリオの港へと辿り着きます。
PERIPHERY の Mark Holcomb との共作により生まれた “Rio – Freedom” は、繊細なクリーントーンがマスロック、ポストロックのイメージさえ植え付けるコンテンポラリーな楽曲。作中でも最もエモーションを発する Anneke のボーカリゼーションと相まって、極上のモダンプログレッシブワールドを形成しています。
実際、Mark 以外にも ANATHEMA の Daniel Cardoso が “Valley of Diamonds – Mexico City” に、AMORPHIS の Esa Holopainen が “Sail Away – Santiago”, “Save Me – Istanbul” のコンポジションに参加し、”耽美” や “勇壮”、”哀愁” といったそれぞれの “色” を加えたことでアルバムはより豊潤で多様なモダニズムを備えることとなりました。
同時に、AYREON, EPICA との仕事で知られるチャートヒッター Joost van den Broek のセンスも忘れる訳には行きませんね。そして Djent やポストブラックまで経由した VUUR とリスナーの旅路は、Mark Holcomb が手がけたエセリアルで多幸感溢れる “Reunite! – Paris” で鮮やかな余韻を残しつつ幕を閉じるのです。
今回弊誌では、Anneke van Giersbergen にインタビューを行うことが出来ました。「私はいつだって今を生きようとしているのよ。」 アルバムに収録した楽曲すべてに Anneke は “In This Moment We Are Free” の一節を忍ばせています。どうぞ!!

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VUUR “IN THIS MOMENT WE ARE FREE – CITIES” 9.8/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THRESHOLD : LEGENDS OF THE SHIRES】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH RICHARD WEST OF THRESHOLD !!

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Sprawling 83 Minute Double Album, Perfect Epic “Legends of the Shires” Is An Excellent Introduction To Threshold’s World !!

DISC REVIEW “LEGENDS OF THE SHIRES”

結成は1988年。1993年にデビュー作をリリースした不朽のプログメタルアクト THRESHOLD が、”モンスターレコード”の名に相応しきダブルアルバム “Legends of the Shires” をリリースしました!! デビュー当初、”英国からの DREAM THEATER への回答” と謳われし希少なる生残の先駆者は、四半世紀の時を超え遂に至純なる “アンサー” を提示しています。
海外のプログメタルシーンでは、信頼出来るビッグネームとして揺るぎない地位を築いて来た THRESHOLD。一方で、残念ながら日本ではおそらく、 “スレショルド” “スレッショウルド” “スレッシュホウルド” 等、今一定まらない名前の読みづらさと、サーカスライクの派手なプレイに頼らない楽曲重視の音楽性に起因する無風、凪の状況が長く続いてきました。しかし、”Legends of the Shires” は間違いなく日本のファンにとって THRESHOLD への素晴らしき “Threshold” “入口” となるはずです。
楽器陣は2003年から不変である THRESHOLD の歴史は、天賦の才に恵まれた3人のシンガーが織り成す鮮やかな音楽絵巻だと言えます。今回リードシンガーを務める Glynn Morgan は、バンドのセカンドアルバム “Psychedelicatessen” 以来の復帰。三度目の脱退となった前任者 Damian Wilson の魅力でもある若干クセの強い歌声に比べると、2011年に残念ながら亡くなってしまった Andrew “Mac” McDermott の透明でハーモニーの映える声質に近いように感じますね。IRON MAIDEN の Bruce 後任オーディションで最終選考まで残った実力は本物です。
実際、Richard はインタビューで、”Legends of the Shires” が、”Mac” 時代の名作 “Subsurface” “Dead Reckoning” と似た雰囲気を持つことを認めています。そして、おそらくこの並外れたコロッサルなエピックは、精彩なるメロディーの崇高美、エレガントで壮観な審美的デザインの観点から前述の二枚をも凌駕しているのです。
バンドはリスナーのイマジネーションに配慮し、あまり作品の背景、詳細を明かそうとはしませんが、アルバムが同郷のトールキンの小説にインスパイアされていることは確かでしょう。”The Shire” とはトールキン作品の舞台である “中つ国” に存在するホビットの美しき居住地。そして Richard 語るところの 「変化からより強くなって戻ってくる」 というメッセージには、どうやら現在の英国の状況を隠喩し重ねている部分もあるようです。
アルバムは鐘の音、鳥の囀り、そしてアコースティックサウンドで悠久の大地を眼前に描く “The Shire (Part 1)” で緩やかに幕を開けます。続くダークで小気味よいリフワークが印象的な “Small Dark Lines” でアルバムのストーリーは躍動を始め、THRESHOLD の真骨頂とも言える鮮やかなメロディーでリスナーの心を溶かすのです。
事実、Glynn は、ハイトーンに重きを置く他のプログメタルアクトとは一線を画する、ミッドレンジ中心の爽やかでエモーションにフォーカスした歌唱を披露。頭に残るボーカルとコンパクトなリフワーク、ツインギターのハーモニーは、バンドがキャッチーでコマーシャルな楽曲を恐れない冒頭の強固な意思表示となっていますね。
とは言え、勿論プログレッシブな一面はバンドの象徴です。”The Man Who Saw Through Time”, “Lost In Translation” の10分を超える二つの叙事詩は、THRESHOLD がプログレッシブなスピリットと、豊潤なるサウンドスケープを内包する稀有な集団であることを雄弁に語っていますね。複雑でしかしナチュラルにレイヤーされた広大な音楽のパノラマは、Karl の見事なトーンコントロール、Richard のムーディーで流れるようなキーボード捌き、ドライブするシーン屈指のソリッドなリズム隊を携え、様々な場面を映す奇跡のオデッセイとしてリスナーに “The Shire” の景観や物語を運ぶのです。
アルバムのハイライトは、”Stars and Satellites” で訪れます。DREAM THEATER がハイテクニカルで、圧倒的なある種数学的視点によりプログメタルを捉えたのに対して、FROST*, VANDEN PLAS, そして THRESHOLD 等はプログレッシブロックの精神性やコンセプトによりフォーカスしているのかも知れませんね。
Richard が影響を受けたアルバムに、KING CRIMSON や YES ではなく PINK FLOYD, GENESIS を挙げているのは象徴的かも知れません。このスーパーキャッチーで、聴く度に心が踊るポップな宇宙は、逆に DREAM THEATER が決して到達し得ないプログレッシブポップ領域のはずです。
アルバムは英国からの回答をより鮮明に感じさせる、美しきピアノバラード “Swallowed” で静かに幕を閉じました。
今回弊誌では、1992年からバンドのキーボードプレイヤーを務める Richard West にインタビューを行うことが出来ました。間違いなく日本でこそ評価されるべきバンドです。どうぞ!!

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THRESHOLD “LEGENDS OF THE SHIRES” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【XANTHOCHROID : OF ERTHE AND AXEN ACT I & Ⅱ】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SAM MEADOR OF XANTHOCHROID !!

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More Extreme, Yet More Delicate. More Vast, Yet More Intimate. Xanthochroid’s “Of Erthe and Axen” Attempts To Further Broaden The “Cinematic Black Metal” Horizons !!

DISC REVIEW “OF ERTHE AND AXEN”

プログレッシブエクストリームのイノベーションを志望する、南カリフォルニアの野心的なカルテット XANTHOCHROID が至高なる2枚組の新作 “Of Erthe and Axen” をリリースしました!! “ロードオブザリング” や “ゼルダの伝説 時のオカリナ” にインスピレーションを得たというその壮麗かつ耽美なファンタジックワールドは、”シネマティックブラックメタル” の呼称に相応しいロマンとイマジネーションを運びます。
ブラックメタル、プログメタル、プログロック、シンフォニック、フォーク、クラシカル。XANTHOCHROID のカラフルで奥深いタペストリーは、OPETH, EMPEROR, ENSLAVED, JETHRO TULL, RENAISSANCE の豊潤なるミックスなどとも評されます。ただし、デビュー作から続く壮観なコンセプトストーリーをベースとした、大作映画や RPG のサウンドトラック的なアプローチは確かにバンドの確固たるアイデンティティーとなっているのです。
XANTHOCHROID が紡ぐ “Etymos” の物語は、王の血を引く Thanos と Sindir (後に Ereptor) 兄弟による闘争憚。”Of Erthe and Axen” では、”Incultus”, “Blessed He With Boils” 以前、二人の子供時代の出来事を、愛、嫉妬、魔法、戦争、そして欺瞞のエッセンスを交えつつ克明に描いているのです。
“Etymos” のエピック第一幕は、壮大なオーケストレーションと繊細でフォーキッシュな二つの小曲で幕を開けます。作品の全体像を暗示するような意を異にする二つのイントロダクションは、多彩な楽器の導入と新加入の女性シンガー Ali Meador の美麗なる歌声を披露し、共にバンドの拡がる可能性を伝えていますね。
不穏で不気味なディストーションサウンドが静寂を切り裂く “To Higher Climes Where Few Might Stand” はまさに XANTHOCHROID の真骨頂。EMPEROR や OPETH の面影を、クワイアやシンセサイザーで大仰にドラマティックに味付けしたシアトリカルな8分間は、Sam の邪悪なグロウルと伸びやかなクリーンを羅針盤に、ジギルとハイドの如く静と動を行き来します。6拍子のフォルクローレが、ホーンとストリングスを伴って鮮やかにメタリックな華を満開とする中盤の超展開は筆舌に尽くし難いほど見事です。
“To Souls Distant and Dreaming” で DREAM THEATER の遺伝子を垣間見せた後、Sam のパーカッシブギターは進化の証である “In Deep and Wooded Forests of My Youth” を導きます。マンドリンやアコーディオン、フルートを取り入れた JETHRO TULL をも想起させるフォーキーでロマンチックなデュエットは、朗々とした Ali と Sam の歌声でリスナーを月明かりが差し込む深き森、木々の騒めきへと誘うのです。
「”Act Ⅱ” は “Act I” に比べてメタルの要素が強調され、より長いアルバムになっているね。」 とSam が語るように、アルバムの第二幕はアートワークの変化も伴って、大円団に向けてその硬質と絢爛を増して行きます。
男声と女声のクワイアとピアノの流麗な響をイントロとしたあまりに豪壮でドラマティックな “Through Chains That Drag Us Downward” はその象徴でしょう。Sam の背徳的アジテイトや時折挿入されるブラストビートは、確かにバンドのルーツを示しますが、とは言えあまりに拡大された楽曲全体のデザインを鑑みれば、Sam が 「自分たちをブラックメタルと呼んでいるのはジョークのようなもの」 と語ることにも頷けます。
実際、Sam の歌唱が Hansi Kursch を思わせる “Of Aching Empty Pain” などではシンフォニック/シネマティックメタルのパイオニア BLIND GUARDIAN の領域、絢爛さにまで接近しているようにも思えます。
アルバムは、クラッシックなオペラの如く華麗で重厚な11分の大曲 “Toward Truth and Reconciliation” で濃密でダイナミックな作品をリトレイスするかのように幕を閉じました。
今回弊誌では、ボーカル、ギター、キーボードを担当する Sam Meador にインタビューを行うことが出来ました。今回も Jens Bogren がマスタリングを担当しています。全てを DIY で賄っているため知名度こそ低いものの、そのクオリティーは最上級。どうぞ!!

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XANTHOCHROID “OF ERTHE AND AXEN ACT I & Ⅱ” : 9.8/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SONS OF APOLLO : PSYCHOTIC SYMPHONY】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DEREK SHERINIAN FROM SONS OF APOLLO !!

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Prog-Metal Super Group, Sons Of Apollo Brings A Lethal Combination Between True Rock N’ Roll Swagger And The Virtuosity With Amazing Debut Record “Psychotic Symphony” !!

DISC REVIEW “PSYCHOTIC SYMPHONY”

古今無双の勇士達が肝胆相照らすメタル/ロックシーンのドリームチーム SONS OF APOLLO が、威風堂々たるデビュー作 “Psychotic Symphony” をリリースしました!!夢劇場のロックサイドを司り、そして幽寂に退場した二人のソウルメイトを軸として紡がれる類まれなるシンフォニーは、芸術の神アポロンの遺伝子を稠密なまでに引き継いでいるのです。
“God of The Drums”, Mike Portnoy がプログメタルの天照帝 DREAM THEATER を半ば追われるような形で後にしたのは2010年のことでした。残念ながら自身の核とする大切な場所を離れざるを得なくなった Mike でしたが、しかし以降も前向きに幅広くその唯一無二なるクリエイティビティを発揮して行きます。
SONS OF APOLLO の種が撒かれたのは2012年。Instru-metal を追求するため結成した Portnoy, Sheehan, MacAlpine, Sherinian (PSMS) で、Mike は98年に同じく DREAM THEATER を離れていた Derek “ディストーション・キーボード” Sherinian と再び相見えることとなったのです。
元々、DREAM THEATER においてロックなアティテュードを最も体現していた “The Del Fuvio Brothers”。再度、意気投合した二人は Billy と Mike の THE WINERY DOGS が休止に向かうと新天地創造へと動き出したのです。
「君たちは今夜、歴史を目撃している。」 Yngwie Malmsteen や TALISMAN の活躍で知られる “Voice of Hard Rock”、Jeff Scott Soto は、バンドのファーストギグとなった David Z のトリビュートライブでまずそう高らかに宣言しました。そして確かに “Psychotic Symphony” は、彼らの “過去”を目撃し愛してきたファンにとって、意義深い新たな歴史の1ページに仕上がりました。
アルバムはオリエンタルなイントロが印象的なオープナー “God of The Sun” で早くも一つのクライマックスを迎えます。Jeff の雄々しき歌唱と Mike のシグニチャーフィルが映える11分のエピックにして三部構成の組曲。まさにファンがバンドに待ち望む全てを叶えた濃密なるプログメタル絵巻は、静と動、美麗と衝動、プログレッシブとメタルをすべからく飲み込み卓越した技術と表現力でリスナーの心を酔わせます。
とは言え、アルバムを聴き進めれば、SONS OF APOLLO の本質がプログメタルよりもルーツであるクラッシックなハードロックやプログロックに一層焦点を当てていることに気づくでしょう。
“Coming Home” は彼らのホームグラウンドへと回帰し、同時にフレッシュな息吹を吹き込んだバンドの象徴的楽曲です。RUSH を想起させるシーケンシャルかつメロディックなテーマと、VAN HALEN のエナジーがナチュラルに同居するコンパクトなアンセムは、”プログレッシブハードロック” とでも呼ぶに相応しい煌めきと胎動を誇示します。
「確かにオリジナルコンセプトはプログメタルだったんだ。だけど作曲を始めると、完全に異なる方向へと進んでいったね。僕たちのクラッシックロックやハードロックからの影響が前面に出て来て、それに従うことにしたんだよ。新たなサウンドを創造したと思う。」
そう Derek が語るように、SONS OF APOLLO は “Psychotic Symphony” でプログメタルを切り札、エッセンスの一つとして、よりマスリスナーへとアピールする普遍的でオーガニックな “ロック” を追い求めたと言えるでしょう。硬質と有機性の共存。それは、DREAM THEATER が “Falling Into Infinity” で一度進みかけた”If”の道だったのかも知れませんね。
ただ、”Signs of The Time” はこの5人でなければ生まれなかった奇跡にも思えます。マエストロ Billy Sheehan の踊るように躍動するベースラインを骨子として幕を開けるエネルギッシュでハードな調べは、しかし中盤でガラリとその表情を変化させるのです。
アトモスフェリックな7拍子へと場面が転換し Ron “Bumblefoot” Thal のリードプレイが切れ込むと、多くのリスナーは UK の “In the Dead of Night” を思い浮かべることでしょう。ここには確かにダイナミックな展開美とジャンルの融合が誘う震駭、そして彼らの理想が深々と織り込まれているのです。
実際、元 GN’R は伊達ではありません。Allan Holdsworth さえ凌ぐのではと思わせる圧倒的な7拍子のシュレッドは彼のベストワークと言えるほどに強烈な存在感と個性を放っています。
加えてBumblefoot の千変万化なギターワークは各楽曲のルーツを指し示す大きなヒントともなっており、例えば “Divine Addiction” で Derek と共にまるで DEEP PURPLE の一員が如く振る舞う瞬間などは、実に興味深くエキサイティングだと言えますね。
勿論、アルバムには Derek と Mike が DREAM THEATER で共に残した “A Change of Seasons”, “Falling Into Infinity” の二作が蘇る瞬間も存在します。”Labyrinth” のヴァースや連続音を執拗に鳴らす Derek のリフワーク、”Opus Maximus” でスケールの上下動をフルピッキングで繰り返す場面などではニヤリとほくそ笑むファンも多いでしょう。
Billy の存在意義を改めて確認出来る11分の “Opus Maximus” で、あたかも自らの理想、新たなチャレンジを再びプログレッシブな啓示で包み込むかの如く幕を閉じる “Psychotic Symphony”。今回弊誌では、Derek Sherinian にインタビューを行うことが出来ました。「僕たちは、個々にこれまでやって来たバンドやプロジェクトよりビッグになることを目標にしているんだ。」 つわものどもが”夢”の先。どうぞ!!

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SONS OF APOLLO “PSYCHOTIC SYMPHONY” : 9.6/10

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MASTERPIECE REVIEW + INTERVIEW 【BETWEEN THE BURIED AND ME : COLORS】10 YEARS ANNIVERSARY !!


METAL SUCKS PRESENTS: INTERVIEW WITH DAN BRIGGS OF BETWEEN THE BURIED AND ME !!

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Between The Buried And Me Are Currently Out On Tour Celebrating The Tenth Anniversary Of Their Landmark Album “Colors” By Playing It From Start To Finish Every Night. Bassist Dan Briggs Talks About A Retrospective Essay About How The Band Wrote Was Has Come To Be Considered As A Landmark Modern Progressive Metal Record !!

DISC REVIEW “COLORS”

“We are Between The Buried And Me, and this is Colors.”
“Colors Live” のオープナー “Foam Born (A) The Backtrack” が厳かに幕を開け、ピアノのイントロが一旦静まると Tommy Rogers はそう呟きます。
不朽の名作 “Colors” から10年。Tommy, Paul, Dustie, Dan, Blake の5人で紡ぐ BETWEEN THE BURIED AND ME は確かにこの場所から始まり、その豊かな色彩のスペクトルは現在でも決して色褪せることを知りません。
振り返ってみれば、2003年にリリースした “The Silent Circus” における “Mordecai” はバンドのターニングポイントだったのかも知れませんね。トレードマークであった直感的な衝動のカウンターとして崇高なメロディーを発見した彼らは、”Alaska” でエクスペリメンタルなエクストリーム領域の下地を示した後、現在の5人 “ファンタスティック・ファイブ” を揃えて素晴らしき “Colors” へとたどり着くことになります。そして、この64分の万華鏡が放つプリズムは、バンド自身のみならず、現在のモダンメタル/プログレッシブシーンにとってあまりに鮮烈かつ至高のマイルストーンとなりました。
“モダン=多様性” と定義するならば、”Colors” ほど “モダン” なレコードは未だかつて存在しないでしょう。TOOL の “Lateralus”、THE MARS VOLTA の “Frances the Mute”、PROTEST THE HERO の “Kezia”、SikTh の “Death of a Dead Day”、COHEED AND CAMBRIA の “Good Apollo, I’m Burning Star IV, Volume One: From Fear Through the Eyes of Madness”、MESHUGGAH の “Catch Thirtythree”, ISIS の “Panopticon”、THE DILLINGER ESCAPE PLAN の “Miss Machine”、GOJIRA の “From Mars to Sirius”。ミレニアムを迎え、モダンメタル/プログレッシブに多大な影響を与えたエクレクティックな作品が続々と登場する中で、変革の決定打となったアルバムこそ “Colors” だったのかも知れませんね。
実際、メタル、ハードコア、メタルコアをルーツとしながらも、”Colors” には数え切れないほど豊かな色彩が織り込まれています。ジャズ、クラッシック、プログレッシブ、ワールドミュージック、ブルース、ポルカ、ブルーグラス、デスメタル、ブラックメタル…精密かつ大胆に配置されたインフルエンスの数々は、彼らのルーツとナチュラルに混ざり合い、時にエクストリームに、時にテクニカルに、時にアトモスフェリックに、時にメロディックにリスナーの元へとこの偉大なるエピックを届けるのです。
この作品が後続にとってインフルエンタルであることは、何よりあの DREAM THEATER のマスターマインド John Petrucci でさえ、彼らのセルフタイトルのアルバムが PERIPHERY, ANIMALS AS LEADERS と並んで BTBAM から「影響を受け、インスピレーションとアルバムを形作る助けになった。」 と語っていることからも明らかです。
ギタリスト Paul Waggoner は、「重要なのは、”Colors” の究極なまでにエクレクティックな音楽の数々は、誰か1人のメンバーが思いついた訳ではなく、全員が貢献して達成された点だよ。」 と語っています。確かに Dan もインタビューで、「僕は彼らに OINGO BOINGO とか GENTLE GIANT のようなバンドを紹介したし、彼らは EMPEROR や ULVER を教えてくれたんだ。」 と語ってくれました。ファンタスティック・ファイブがジグソーパズルのピースのごとく完璧に、奇跡的にフィットし補完し合い起こった化学反応。それが “Colors” の本質だと言えるのかも知れませんね。
よりミクロな観点で見れば、ギターリフのフレキシビリティを飛躍的に高めたこともこのレコードの功績だと言えるでしょう。メタルコアの興隆により、リードプレイのようにテクニカルなリフワークは徐々に浸透して行きましたが、それでもやはり “リフ” と “リード” の境界線は確実に存在したはずです。
あくまでも “リフ” はボーカルの伴奏として繰り返されるもの。”リード” は自由な自己表現の舞台。そんなトラディショナルな考え方を根底から覆したのが “Colors” であり、PROTEST THE HERO の “Kezia” であり、SikTh の “Death of a Dead Day” だったのではないでしょうか?
“Colors” のリフワークを聴けば、低音弦ではパターンやリズムを細かく変えながら、高音弦では自由自在にフレットを駆け巡る、フレキシブルかつ創造性豊かな “バッキング” が伴奏として見事に成立していることが分かります。そして、AAL 革命、Djent 前夜に繰り広げられたあまりに重要なこのコペルニクス的転回は、言うまでもなく様々なメタルジャンルにおいて今では定石として根付いているのです。
Dan は “Colors” を収録曲 “White Walls” になぞらえ “空間や考え方に限定されず、僕らの周りにある壁を全て壊してしまうように色彩たちがが鮮やかさを増していく” アルバムだと語ります。バンドは当時プログやメタルの既成概念を破壊した後、夜空に美しき虹をかけました。そして10年を経た今、”Colors” 10周年を祝う完全再現ツアーを終えた後、バンドは再び “未来” へと向かい新たな色彩のマジックを掲げてくれるでしょう。
今回弊誌では、US Metal Sucks, Gear Gods 誌と連携してベーシスト Dan Briggs の “Colors” 製作秘話を完全掲載することが出来ました。NOVA COLLECTIVE に続き今年2度目の登場です。「僕たちはいかにして “Colors” を制作したのか」どうぞ!!

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BETWEEN THE BURIED AND ME “COLORS” : ∞/10

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