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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【BELL WITCH & AERIAL RUIN : STYGIAN BOUGH VOL.1】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DYLAN DESMOND OF BELL WITCH & AERIAL RUIN !!

“Playing With a Guitar Was an Interesting Experience Because It Had Been So Long! Often Times I Try To Write Guitar And Bass Parts To Play At The Same Time On The Bass, But Having an Actual Guitar Allowed Room For Harmonies In The Upper Registers.”

DISC REVIEW “STYGIAN BOUGH VOL.1”

「今回は AERIAL RUIN とのスプリットではなく、完全なコラボレーションをしようと決めたんだ。Erik はこれまで僕たちのフルレングスアルバムの全てに参加していて、彼が加わった曲にはほとんどバンドそのものとしての魅力があると感じたからね。彼が最初に歌った曲が土台になっているという考えで、新しいバンドを作ってみてはどうだろうか?と思ったのさ。」
型破りなベース/ドラムスのデュオで、型破りな83分に及ぶ生と死の合わせ鏡 “Mirror Reaper” をリリースした BELL WITCH。沈鬱で思索を伴う葬送のドゥームメタルにおいて、参列者を陶酔の嘆きに誘うその呪われたスケール感は異端の域さえ遥かに超えています。
ただし、ベル家の魔女の重く厳粛なポルターガイストにとって、AERIAL RUIN こと Erik Moggridge がこれまで果たした役割は決して少なくはありませんでした。すべてのレコード、特に “Mirror Reaper” において Erik の仄暗きフォークの灯火は、バンドの神秘に厳かな微睡みをさえもたらしていたのですから。
そうして遂にフューネラルドゥームの極北とダークフォークの異彩が完全に調和する闇の蜜月 “Stygian Bough Vol.1” は世界にその孤影をあらわしました。
「Erik が BELL WITCH にはじめて参加したのは2012年の “Longing” からで、彼は “Rows (of Endless Waves)” の最後のパートを歌っているんだ。そしてあの楽曲のテーマは、世界に現れ破壊しようとしている、海に宿る幽霊や霊のようなものを扱っていたんだよ。Erik はこのテーマを “Stygian Bough” の歌詞でも継続していて、それがアートワークにも反映されているんだ。」
アルバムタイトルの “Stygian Bough” とは、英国の社会人類学者ジェームス・フレイザーの著書 “The Golden Bough” “金枝篇” に端を発しています。
人間の王殺し、権力の移譲を社会的、宗教的、神話的観点から比較研究した長編は、コロナ危機を反映していないとはいえ、現在のアメリカにこれほど問題意識を重ねる Dylan とバンドの深層心理を当然ながら投影しているはずです。語られるのは権力を巡り世界を破壊しかねない、王の亡霊と司祭、そして人類の強欲の物語。
「このアルバムの制作をはじめた時、僕たちは ULVER の “Kveldssanger” を参照して引き合いに出したんだ。あとは ASUNDER の “Clarion Call”、そして CANDLEMASS の “Nightfall” だね。」
ギター/ボーカルの Erik が全面的に加わることで、BELL WITCH の “ノーマルな” 作品群とは明らかにその出発点が変わりました。”The Bastard Wind”, “Heaven Torn Low”, “The Unbodied Air”。20分づつ3つの楽章に分かれたアルバムは、普段の葬送曲よりもテンポは増し、旋律は色彩を帯びて、確実に感傷的でエモーショナルな海風を運びます。
「ギターと演奏するのは久しぶりで、面白い経験だったよ。というのも、僕はギターとベースのパートを書いてそれをベースで同時に演奏しようとすることが多いからね。だけど今回は、実物のギターをバンドに組み込むことで高音域のハーモニーにも余裕が生まれたわけさ。」
ギター、和声との邂逅は、すべての音域を司る Dylan のベースラボラトリーにも変化をもたらしました。6弦から7弦へスイッチし奈落のような低音と深々たる残響を引きずりながら、高音域ではより自由にメロディアスな演奏を許されています。フレットに叩きつける右手と左手のタップダンスは、一層熱を帯びて激しさを増す一方でしょう。
Jesse Shriebman は、スペースが狭まった分だけ普段よりも手数を抑え、リズム楽器本来の役割を忠実に果たしながら、一方で荘厳なピアノとオルガンのアレンジメントに心血を注ぎ、煉獄のテクスチャーに多様性を導きました。そしてもちろん、Erik が紡ぐダークフォークの仄暗き幽玄はアルバムの真理です。
生と死の境界、権力の腐敗、人類による地球支配。光と陰が交差する新たなドゥーム世界は、BELL WITCH と AERIAL RUIN によって描かれます。この寂寞の叙情詩は、PALLBEARER が持つプログレッシブな革新性とはまた異なるベクトルの進化でしょう。
今回弊誌では Dylan Desmond にインタビューを行うことができました。「PRIMITIVE MAN との日本ツアーは素晴らしかったよ!COFFINS とプレイできたこともね。彼らはレジェンドさ!」2度目の登場。どうぞ!!

BELL WITCH & AERIAL RUIN “SATYGIAN BOUGH VOL.1” : 10/10

INTERVIEW WITH DYLAN DESMOND

Q1: 1. From the Corona crisis to Black Lives Matter, America is going through a turbulent time right now. First of all, what’s your perspective about the situation?

【DYLAN】: In many regards I think our country is doing a very bad job handling both situations. The treatment of black folk in the USA has a long and shameful history going back before the foundation of the country. The white supremacist and fascist elements of the USA are more bold now than any other time since I’ve been alive- it’s terrifying. There is an overwhelming resistance to both of those things, however. This resistance is very uplifting and gives a lot of us hope that there is the possibility of positive change. It is a difficult process to uproot something so established and old, however.
The Coronavirus is also having a very negative effect on our country. We’re currently so divided over trivial things like wearing a mask in public that it is difficult to contain something like this virus. It is a great source of embarrassment that our fellow countrymen are so foolish and misguided that they refuse to wear simple masks that prevent the potential death/illness of others. This is not even to mention the implosion of our economy that we’re seeing unfold.
Many of us are currently without jobs and are unsure how we’re going to pay for our houses/food soon. Hopefully our government can figure out how it is supposed to work and we can avoid everything falling apart any further.

Q1: コロナ危機から Black Lives Matter とアメリカは激動の時を迎えていますね?

【DYLAN】: 多くの点で、僕はこの二つの状況にかんする対応で、我が国は非常に下手を打っていると思う。アメリカにおける黒人の扱いには、建国前まで遡る長い恥ずべき歴史がある。今アメリカの白人至上主義者とファシストは、僕が生きてきた中でも、今までにないほど大胆だよ。酷いもんさ。
だけどね、その両方に対する圧倒的な抵抗も存在するんだ。抵抗することは非常に高揚感を与えるし、多くの人に前向きな変化の可能性があるという希望を与えてもくれる。けどこれほどまで確立された古き悪しき習慣を根絶するのは難しいプロセスなんだ。
コロナウイルスもまた、僕たちの国に非常に悪い影響を与えている。公共の場でマスクをするかどうかといった当たり前のことで意見が分かれている現状では、このウイルスのような脅威を封じ込めることは困難だよ。他人の潜在的な死や病気を防ぐための、単純なマスクの着用を拒否しているあまりにも愚かで見当違いな同胞は、本当に恥ずかしいよ。経済の崩壊に言及する以前の問題さ。
僕たちの多くは現在、仕事がなく、差し迫った家賃や食品の支払いすら不確かだ。政府がその実態を理解し、これ以上すべてが崩壊するのを避けることができればいいんだけど。

Q2: So, Are you inspired by 2020’s dark time in your new record “Stygian Bough, Vol.1”?

【DYLAN】: During the writing and recording of Stygian Bough Volume 1 we had no idea that the Coronavirus existed! I can speak for all three of us when I say we believe Black Lives Matter and aim to support that movement as individuals. This is not a theme in our music, however.

Q2: 最新作 “Stygian Bough Vol.1” は、そんな2020年のダークな時を反映しているのでしょうか?

【DYLAN】: このアルバムのライティングセッションの段階では、僕たちはコロナウィルスの存在さえ知らなかったよ!だけど、僕たち全員が Black Lives Matter を信じてサポートしようとしていることは確かだよ。まあそれは僕たちの音楽的テーマじゃないんだけど。

Q3: I always love your album covers. In “Mirror Reaper”, amazing Mariusz Lewandowski did it. This time, Adam Burke wrote a great image, right? Does it reflect the concept or lyrical themes of the new record?

【DYLAN】: Adam Burke did a great job on this record! The lyrical theme is indeed reflected in the artwork. Erik’s first appearance with Bell Witch was on our 2012 album :Longing” in with he sang at the end of “Rows (of Endless Waves).” The theme in that song was a sort of ghost/spirit that lived in the ocean which wanted to come onto into the world and destroy it. Erik continued this theme in the Stygian Bough lyrics, which is reflected in the artwork.

Q3: Mariusz Lewandowski が手がけた “Mirror Reaper” のアートワークも極上でしたが、今回の Adam Burke の仕事も素晴らしいですね?アルバムのテーマと関連しているのでしょうか?

【DYLAN】: 実際、Adam の仕事は素晴らしかったよ!そしてこのアートワークはたしかに歌詞のテーマを反映しているんだ。
Erik が BELL WITCH にはじめて参加したのは2012年の “Longing” からで、彼は “Rows (of Endless Waves)” の最後のパートを歌っているんだ。そしてあの楽曲のテーマは、世界に現れ破壊しようとしている、海に宿る幽霊や霊のようなものを扱っていたんだよ。
Erik はこのテーマを “Stygian Bough” の歌詞でも継続していて、それがアートワークにも反映されているんだ。

Q4: So, this time. “Stygian Bough” is a collaboration with Aerial Ruin of Erik. But of course, he contributed your previous record “Mirror Reaper”. Why did you choose to have two names this time?

【DYLAN】: We decided instead of doing a split with Aerial Ruin we wanted to do a full collaboration. Erik has san on all of our full length albums to date and we decided there was almost a band itself in all of these songs. Why not make a new band with the idea that the first song he sang on was the foundation?

Q4: 仰るように、”Stygian Bough” は AERIAL RUIN の Erik とのコラボレート作品です。ですが、もちろん彼はこれまでも BELL WITCH の音楽に貢献してきた人物でもありますよね。
なぜ今回、コラボレートという形をとったのですか?

【DYLAN】: 今回は AERIAL RUIN とのスプリットではなく、完全なコラボレーションをしようと決めたんだ。Erik はこれまで僕たちのフルレングスアルバムの全てに参加していて、彼が加わった曲にはほとんどバンドそのものとしての魅力があると感じたからね。
彼が最初に歌った曲が土台になっているという考えで、新しいバンドを作ってみてはどうだろうか?と思ったのさ。

Q5: Is there anything in particular that you changed for this one, with the addition of Erik’s singing and guitar, compared to your usual bass and drumming of Bell Witch? How was writing with a guitar player?

【DYLAN】: I played a 7 string bass on this record instead of a 6 string, which I normally play. It’s an Ibanez BTB 747. I got it pretty cheap from a guy online. Jesse expanded his use of organ and piano controls. Playing with a guitar was an interesting experience because it had been so long! Often times I try to write guitar and bass parts to play at the same time on the bass, but having an actual guitar allowed room for harmonies in the upper registers. I look forward to experimenting with this element more as the band progresses.

Q5: Erik のボーカルとギターが全面的に加わることで、作曲において以前と変わったことはありますか?

【DYLAN】: このアルバムでは普段弾いている6弦ベースの代わりに7弦ベースを弾いたんだ。Ibanez の BTB 747さ。ネットで安く手に入れたんだ。Jesse はオルガンやピアノのコントロールの幅を広げたね。
ギターと演奏するのは久しぶりで、面白い経験だったよ。というのも、僕はギターとベースのパートを書いてそれをベースで同時に演奏しようとすることが多いからね。だけど今回は、実物のギターをバンドに組み込むことで高音域のハーモニーにも余裕が生まれたわけさ。
このバンドの進化に合わせて、こういった要素をもっと試してみたいと思っているよ。

Q6: With Erik’s joining, this record seems to have taken on a more European tinge of dark folk. What do you think about the comparisons to Ulver, for example?

【DYLAN】: We began the process citing Ulver’s Kveldssanger as a reference. Also, Asunder’s Clarion Call and Candlemass’ Nightfall. I think Aerial Ruin is stylistically very much like European dark folk itself, so I see the comparison very easily.
I think we all enjoy European (or any region) dark folk music as well.

Q6: Erik が加わることで、普段の BELL WITCH よりもヨーロッパの香りを帯びたダークフォークに接近したようにも感じました。例えばですが、ULVER との比較にはどう思いますか?

【DYLAN】: このアルバムの制作をはじめた時、僕たちは ULVER の “Kveldssanger” を参照して引き合いに出したんだ。あとは ASUNDER の “Clarion Call”、そして CANDLEMASS の “Nightfall” だね。
僕は AERIAL RUIN は体系的にはとてもヨーロッパのダークフォークと親和性があると思っていて、だからその比較は実に的を得ていると思うな。まあ、ヨーロッパにかぎらず、ダークフォークは全員が大好きなんだ。

Q7: You know, like Ulver, like Candlemass, I feel that doom and dark folk have always been closely related. Is it because the music is, in a way, about burial, about death?

【DYLAN】: I see these genres as being closely related in many ways also. In one way, both have an imagination that can become existential. “Dark folk” can often times be different from other types of folk in this way and I think I enjoy it even more because of this. Music is always great, but especially when it transcends reality.

Q7: ULVER や CANDLEMASS、そしてあなたたちもそうですが、ドゥームとダークフォークは古くから深く結びついていると感じます。ある意味、どちらも埋葬の音楽で、死をテーマとしていますよね?

【DYLAN】: たしかにその2つのジャンルは、多くの点で密接に関連していると思う。ある意味では、どちらも実存し得るような想像力を備えているからね。
“ダーク・フォーク”はそうやって、他のタイプのフォーク音楽とは異なることがよくあるけど、だからこそ僕はダークフォークをより楽しむことができるのだと思う。音楽はいつでも素晴らしいものだけど、それが現実を超越しているときは、特に最高だよね。

Q8: So, how was your first Japan tour with Primitive Man? You seem to get along very well with Coffins, don’t you?

【DYLAN】: Our Japanese tour with Primitive Man was wonderful! Playing with Coffins was wonderful also- they are legends! We were scheduled to to a tour of the US West Coast with them in May this year, but everything has been canceled due to the Coronavirus. Hopefully we can reschedule again in the future- it would be an honor to play with them again!

Q8: PRIMITIVE MAN との日本ツアーはいかがでしたか? COFFINS の面々とはとても仲良くなったようですね?

【DYLAN】: PRIMITIVE MAN との日本ツアーは素晴らしかったよ!COFFINS とプレイできたこともね。彼らはレジェンドさ!今年の5月に彼らとアメリカの西海岸をツアーする予定だったんだけど、コロナのせいですべてがポシャってしまったんだ。叶うならスケジュールを再調整して実現させたいね。また彼らとプレイできるなんて栄誉なことだよ!

DYLAN’S RECENT FIVE FAVORITE ALBUMS

LANKUM “THE LIVELONG DAY”

VARGRAV “REIGN IN SUPREME DARKNESS”

HIROSHI YOSHIMURA “MUSIC FOR NINE POSTCARDS”

NORTT “GUDSFORLADT”

MYSTIFIER “GOETIA”

MESSAGE FOR JAPAN

We can’t wait to come back! We will never forget the time we spent in Japan. It was such an honor to be invited and welcomed as we were! Thank you for having us and we hope to see you again soon!

また日本に戻るのが待ちきれないよ!日本で過ごした時間は決して忘れることができないね。招待され、あんな歓迎を受けるなんて光栄だったよ!ありがとう。またすぐに会えるといいね!

DYLAN DESMOND

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BELL WITCH INTERVIEW MARUNOUCHI MUZIK 2017
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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【I BUILT THE SKY : THE ZENITH RISE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ROHAN “RO HAN” STEVENSON OF I BUILT THE SKY !!

PHOTO BY Huang Jiale

“To Me It Expresses The Nature Of The Project, Being Free To Create Your Reality I Built The Sky = I Create My World/My Art.”

DISC REVIEW “THE ZENITH RISE”

「僕にとってこの名前は、プロジェクトの本質を表現しているんだ。現実から自由になって、”空を構築する”。つまり、それって自分の世界/芸術を創造するって意味なんだ。
このプロジェクトは、以前僕の考え方だった “努力して作る” よりも、純粋に創造するため始めたものなんだけど、皮肉なことに、今ではフルタイムで取り組んでいるよ。」
“空には限界がないでしょ?” 南半球オーストラリアの天つ空は Rohan “Ro Han” Stevenson の牙城です。そうして大気圏から成層圏、東西南北を所狭しと吹き抜けるギターの風は、流動の旋律を後方へと置き去りにしていきます。
「僕は、空がどれだけ芸術的であるかにもとても惹かれているんだ。様々な色合い、要素、バリエーションがあって、全く同じような空模様になることは2度とない。だからこそ、その一期一会な偶発性を心から楽しんでいるのさ。」
Tosin Abasi, Plini, David Maxim Micic, Misha Mansoor。ある者は衝撃のテクニックを、ある者はリズムの迷宮を、ある者は斬新なトーンを携えて登場したモダンギターの精鋭たちは、弦の誉を別次元へと誘っています。
そんなニッチなインストゥルメンタルワールドにおいて、Ro Han は空という蒼のキャンバスにカラフルな虹音を誰よりも美しく描いていきます。テクニックや複雑性よりもリスナーを惹きつける魔法とは、きっとストーリーを語り景色を投影する能力。彼にはそんな音の詩才や画力が備わっているのです。
「僕は Tosin や Misha と対照的に多くの部分でロックやパンクのヴァイブを保っていると思うんだ。間違いなく、彼らほどギターは上手くないんだけど、それはきっとユニークなセールスポイントだろう。」
BLINK 182, GREENDAY といったポップパンクの遺伝子を色濃く宿したハイテクニックの申し子。”Journey to Aurora” は象徴的ですが、確かに Ro Han の空にはいつだって明快なメロディーが映し出されています。そして、djent のリズミックアクセントを、さながら流れる雲のごとく疾走感へ巧みに結びつけていくのです。
100万回の視聴を記録した “Up Into The Ether” は Ro Han の決意をアップリフティングな旋律に込めた希望の轍。2019年の夏に仕事を辞して I BUILT THE SKY で生きていくと誓った Ro Han。成功しようと失敗しようと後悔を残して生きるよりはましだと訴えます。
一方で、KARNIVOOL, DEAD LETTER CIRCUS を手がけた名プロデューサー、Forrester Savell との共闘、オーストラリアンセンセーションはアルバムによりアトモスフェリックで感傷的な空模様ももたらしました。
ダークで激しい雷鳴のようなタイトルトラック “The Zenith Rise” が晴れ渡ると、レコードはクリーンギターとアコースティックのデリケートでメロウ、時に優しくチャーミングな鮮やかな3つの音風景を残してその幕を閉じます。実際、この偶発性、予想不可能性から生まれるダイナミズムこそ Ro Han の音楽がクラウドコア、天気予報のインストミュージックと例えられる由縁なのでしょう。
今回弊誌では、Rohan “Ro Han” Stevenson にインタビューを行うことができました。「僕は自分でやらなきゃ気が済まないタイプで(コントロールフリークと言う人もいるかもしれないけど)、これが他の人との共同作業から遠ざかっていた原因の一部なんだ。
それはたぶん、僕が強い芸術的なビジョンを持っているからだと思う。自分が何を達成したいのか分かっているような気がするし、外から他の要素を加えても結局最終的な目標から遠ざかるだけだろうから、主に一人で音楽を作っているんだ。」8/5には P-Vine から日本盤もリリース決定!どうぞ!

I BUILT THE SKY “THE ZENITH RISE” : 9.9/10

INTERVIEW WITH ROHAN “RO HAN” STEVENSON

PHOTO BY SAM TAN
Q1: First of all, I had an interview with Jim of Caligula’s Horse recently. He selected “The Zenith Rise” for his recent favorite record, haha. It seems there is a great prog scene in Australia for these 10 years, would you agree?

【ROHAN】: Absolutely !! It’s really exciting to have so many amazing bands and artists living close by, I’ve been lucky to meet and get to know so many and I feel like we are all inspiring each other and supporting each other as we go.

Q1: 先日、CALIGULA’S HORSE の Jim にインタビューを行ったのですが、彼は “The Zenith Rise” を最近のお気に入りに挙げていましたよ。
ここ10年ほどで、オーストラリアには素晴らしいプログシーンが確立されましたね?

【ROHAN】: 間違いないね!!これほど多くの素晴らしいバンドやアーティストが近くに住んでいるんだから、興奮するよね!
僕は幸運なことに、そんな人たちと多く知り合うことができたね。互いにインスパイアし合い、協力し合っているように感じるね。

Q2: So this is the first interview with you. To begin with, could you tell us about yourself? When I first knew you was in bandcamp, about 7, or 8 years ago. I was really attracted by your fantastic name I Built The Sky and your melodic guitar play. What made you choose the beautiful project name?

【ROHAN】: WOW, that’s quite a while, so glad to hear that. So, the name came to me over several months while trying to think of my project name, if you have ever had the experience of making a band name, it’s not easy, everything good seems to be taken so I needed to think long and hard about it. I ended up with ‘I Built the Sky’ which I thought was good, luckily it was free to use. To me it expresses the nature of the project, being free to create your reality I Built The Sky = I Create my world/my art. I began the project purely to create rather than ‘try and make it’ which was my previous mindset, ironically, I am now full time with it.
I am also really drawn to how artistic the sky is, it has so many beautiful colours, elements and variations and nothing you see happens in exactly the same way twice, I really enjoy that about the whole thing.

Q2: あなたをはじめて知ったのは、7, 8年前に Bandcamp を漁っていた時でした。I BUILT THE SKY という美しいプロジェクト名、そしてあなたのメロディックなギターにとても惹かれましたよ。

【ROHAN】: ワオ!随分前だね!嬉しいよ。バンド名を作るのは簡単ではないよ。良い名前はもう全て取られてしまっているような気がするし、じっくりと考える必要があったんだ。最終的には気に入った “I Built the Sky” という名前になったんだけど、運良く誰も使っていなかったんだよ。
僕にとってこの名前は、プロジェクトの本質を表現しているんだ。現実から自由になって、”空を構築する”。つまり、それって自分の世界/芸術を創造するって意味なんだ。このプロジェクトは、以前僕の考え方だった “努力して作る” よりも、純粋に創造するため始めたものなんだけど、皮肉なことに、今ではフルタイムで取り組んでいるよ。
それに僕は、空がどれだけ芸術的であるかにもとても惹かれているんだ。様々な色合い、要素、バリエーションがあって、全く同じような空模様になることは2度とない。だからこそ、その一期一会な偶発性を心から楽しんでいるのさ。

Q3: What inspired you to start playing guitar? Who was your musical hero at that time?

【ROHAN】: I had a really cool guitar teacher Mark Brunott who was such a cool dude, I really just wanted to be like him. I was also super inspired by rock and punk bands early on (still am) bands like Blink 182, Foo Fighters and Greenday were my hero’s that really got me started.

Q3: ギターをはじめたきっかけ、当時のギターヒーローを教えていただけますか?

【ROHAN】: Mark Brunott という実にクールなギターの先生についていたんだ。本当にカッコよくて、僕はただ彼みたいになりたかった。
あとは、今でもそうなんだけど、特にギターを始めころは BLINK 182, FOO FIGHTERS, GREENDAY といったバンドがヒーローでギターをはじめるきっかけだったね。

Q4: You’ve been releasing independent music, DIY way, you’ve been doing everything by yourself since the beginning. What made you so? Is there any plan to collaborate with someone, singer or making a new band?

【ROHAN】: At first it just made the most sense to me, I am very hands on (some might say very controlling) and this is part of what lead me away from working collaboratively with others. I feel like this is due to me having such a strong artistic vision, I feel like I know what I want to achieve and adding other elements to the mix only draws away from my end goal, so I primarily create my music alone for this reason. Lately I have been trying to do more collaborative work because I know how valuable It can be and helps you to create things you could never do alone, you will soon see the results of this I’m sure.

Q4: あなたは I BUILT THE SKY 設立当初から、すべてを一人でこなしてきたわけですよね? DIY ミュージックの達人と言えそうですね?

【ROHAN】: 最初はそのやり方が、僕にとって最も理にかなっていたんだよ。僕は自分でやらなきゃ気が済まないタイプで(コントロールフリークと言う人もいるかもしれないけど)、これが他の人との共同作業から遠ざかっていた原因の一部なんだ。
それはたぶん、僕が強い芸術的なビジョンを持っているからだと思う。自分が何を達成したいのか分かっているような気がするし、外から他の要素を加えても結局最終的な目標から遠ざかるだけだろうから、主に一人で音楽を作っているんだ。
ただ、最近はもっとコラボレーションをしようとしているんだ。それがどれだけ貴重なものになるかも知っているし、一人では決してできないようなものを作ることができるからね。きっとその成果を近々披露できると思うよ。

Q5: Around 2010, lot’s of modern guitar heroes, like Tosin Abasi, Periphery, Sithu Aye, David Maxim Micic, Intervals, Plini and you appeared into the scene. Compared with these new talents, what’s your selling point?

【ROHAN】: I feel like I have a very Rock/Punk vibe for the most part as opposed to a lot of other artists who I get compared to, I’m definitely not as good at guitar, so maybe that’s my unique selling point haha

Q5: 2010年あたりから、Tosin Abasi, PERIPHERY, INTERVALS, Sithu Aye, David Maxim Micic, Plini といったモダンギターヒーローが台頭してきました。
彼らと比較して、あなたのセールスポイントはどのあたりだと思いますか?

【ROHAN】: 君が挙げたようなアーティストと比較して、僕は彼らと対照的に多くの部分でロックやパンクのヴァイブを保っていると思うんだ。間違いなく、彼らほどギターは上手くないんだけど、それはきっとユニークなセールスポイントだろうな (笑)

Q6: I really love your words “The way you play and your tone will transcend gear” . That’s true, one of the most emotional instrumental record “The Zenith Rise” is definitely proof of that. But also, we’d love to know about your favorite guitar and gears. Could you tell us?

【ROHAN】: I recently was able to get myself 2 Kiesel Delos guitars that I had fitted with Bare Knuckle Pickups. These are now my two favourite electric guitars. I used my Kiesel CT6 on the album, but live I’ve been favouring the Delos models. They sound easily as good as the CT’s but they are very light and very comfortable to play. I really like the traditional Strat style shape too. I also recently got a very cool Maton Fyrbyrd guitar which was made in 1963, I have an appreciation for vintage guitars especially Maton’s (Australian Made) Sometimes I write on it just for fun, but it’s not something I’d use to perform on.

Q6: あなたの、”プレイやトーンは機材に左右されない” という言葉が大好きですよ。実際、エモーション極まる “The Zenith Rise” はその確固たる証拠だと思います。
それでも、あなたのお気に入りの機材を知っておきたいのですが?

【ROHAN】: 最近、Kiesel Delos ギターを2本手に入れたんだ。Bare knuckle Pickup を搭載したね。それが今のお気に入りだよ。アルバムでは Kiesel CT6 を使用したんだけどね。でもライブでは Delos を好んで使っているよ。サウンドが CT くらい良いのに、とても軽くて快適にプレイできるからね。
あとは、トラディショナルなストラトシェイプも大好きなんだ。最近、最高にクールな Maton Fyrbyrd のギターを手に入れたんだけど、1963年に作られたものなんだよ。ヴィンテージギターは素晴らしいね。特にオーストラリアで作られた Maton のものは。
ときどき、ただ楽しむためにこれで作曲するんだけど、さすがにライブでは使えないね。

Q7: You know, Forrester Savell (Karnivool, Dead Letter Circus, Skyharbor, Sikth) was on board in this record. Definitely, his appearance made your record more dynamic, more atmospheric. This is a perfect Aussie combination, would you agree?

【ROHAN】: 100% He was so awesome to work with and we were able to do the whole thing via emails. I think he really nailed the sound I wanted and made the songs as good as they could be, you’ll be hearing more from us soon.

Q7: KARNIVOOL, DEAD LETTER CIRCUS を手がける Forrester Savell がプロデュースを担当したことで、よりダイナミックでアトモスフェリックなレコードに仕上がったように感じますが?

【ROHAN】: 間違いないね!すべてをメールでやり取りしたんだけど、彼と働くのは素晴らしいね!僕の求めていたサウンドを創造してくれたし、できる限り最高の楽曲に仕上げてくれたから。次の彼とのコラボレーションはすぐ届けられると思うよ。

Q8: So, Australia is not so far from Japan. Are you interested in our culture, Anime, and video games?

【ROHAN】: I really want to know more about it, I definitely get caught up in my responsibilities with IBTS, but that’s why touring is (was) such an amazing experience. I love learning about new places and cultures and Japan is thoroughly on my list of places to visit and perform. Unfortunately, I am not much of a gamer, I did used to love doing it, but music took my focus early on.

Q8: オーストラリアから日本はそんなに離れていませんが、私たちのアートや文化に興味はありますか?

【ROHAN】: 本当にもっと知りたいと思っているんだ。僕は I BUILT THE SKY としての責任を負っているから、だからこそツアーは素晴らしい経験になるはずなんだ。僕は新しい場所や文化を学ぶのが大好きで、日本は完全にプレイしたい国のリストに入っているよ。
残念ながら、僕は今あまりゲームをしないんだ。以前はゲームが大好きだったけど、もう音楽に集中しているからね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED RO HAN’S LIFE

SUNK LOTO “BETWEEN BIRTH AND DEATH”

KARNIVOOL “THEMATA”

ELLIOT SMITH “EITHER/OR”

BLINK 182 “ENEMA OF THE STATE”

MOTORACE “SHOOT THIS”

MESSAGE FOR JAPAN

Japan !!! Thanks so much for supporting me and my music, I’m looking forward to visiting and meeting you all when the time comes. Stay Metal !!

僕と僕の音楽をサポートしてくれてありがとう!いつか君たちの国でプレイするのを楽しみにしているよ。Stay Metal!!

Rohan “Ro Han” Stevenson

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ULTHAR : PROVIDENCE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SHELBY LERMO OF ULTHAR !!

“None Of Our Lyrics Are Actually About H.P. Lovecraft, To Call The Album That Too. I Think There’s a Little Bit Of Lovecraft Influence In The Patterns Of Our Lyrics, But At This Point, I Think People Kind Of Assume We Are This “Lovecraft Band”, When Really, We Don’t Have That Much Attachment.”

DISC REVIEW “PROVIDENCE”

「ある意味面白いよね。だって僕たちの歌詞は、アルバムにしたって Lovecraft についてのものはないんだから。歌詞のパターンに少し Lovecraft の影響があるかもしれないけど、みんなが僕らを “ラブクラフトバンド” と確信しているのは驚きだよ。」
名状し難きアートワーク、著作 “The Cats of Ulthar”, 出身地 “Providence”。点と点を結び合せ、誰もが “ラヴクラフトメタル” の新境地と心躍らせた ULTHAR。しかし、ギタリスト Shelby Lermo はバンドとラヴクラフトの密接な繋がりを否定してみせました。それは、文豪が心に秘めた真なるホラー、人間の偏見や差別こそが狂気の最高峰という想いに奇しくもシンクロした結果なのかもしれません。
MASTERY, VASTUM, MUTILATION RITES。カルトでカオスなブラック/デスメタルの異能が集結した ULTHAR が、シーンの注目を集めたのはある種の必然と言えました。何より、2018年のデビュー作 “Cosmovore” には、野生的で生々しく、しかしメロディックかつテクニカルな “ブラッケンドデスメタル” の魅力が存分に注入されていましたから。
特筆すべきは、伝統と実験性の巧みなバランスが彼らの異端を現実という鏡に映し出している点でしょう。複雑怪奇を極めながら耳に馴染む絶佳の宇宙。さながら百鬼夜行のような 20 Back Spin レーベルにおいても、ULTHAR の奇妙は現実に根ざしていて、じわじわと冷や汗が吹き出すようなサイコホラーを演出しています。
「審美的に、僕たちの音楽にとてもマッチしているのは確かだよ。グロテスクで、煩雑で、複雑で、奇妙だよね。」
そうしてカオスとアトモスフィアをより深く探求し、ホラー映画のメタルを突き詰めた進化の一枚こそ最新作 “Providence” でしょう。一切妥協を許さない成功緻密な凶美のカバーアートは、アルバムの音の葉を厳かに暗示しています。
ULTHAR の三者がシンセやエフェクト、エレクトロニックなアプローチに障壁を築かなかったことも、メタルのホラー映画をよりシネマティックでドラマティックな狂気へと近づけました。不吉極まるアンビエンスとエイリアンの蠢きに端を発する “Through Downward Dynasties” を聴けば、ANAAL NATHRAKH のクロスオーバーな遺伝子を着実に受け継いだ地獄の蜃気楼を目にするはずです。
“Undying Spear” はより鮮明にラブクラフトの情景を宿します。得体の知れないグロテスクな毒ほど人の心を惹きつけます。仏教的な諸行無常の響きを忍ばせたアルバムで、中央アジアの喉歌をイントロに抱く楽曲は、神秘と怪奇を壮大なエピックとして描き出していきます。
テクニカルかつプログレッシブなアコースティックの死の舞踏、おどろおどろしいファンファーレ、ブラッケンドデスメタルの猛攻、ドゥームの奈落。あまりに絶対的な不死の武具は、絶え間なくその姿を変えながらただリスナーの胸を貫いて不吉な場所に制止し続けるのです。
GORGUTS から DEATH へと病巣が移り行くリフマッドネスの中、シアトリカルなボーカルの奔放で狂った天啓を導く “Providence”、CELTIC FROST と MAYHEM の凶暴なキメラ “Furnace Hibernation” と、混沌や残虐、変拍子に不協和音さえ魂を揺さぶり記憶に残る ULTHAR の台本はすでに “真なるホラー” の領域に達しているはずです。
今回弊誌では、Shelby Lermo にインタビューを行うことが出来ました。「明らかにブラックメタルやデスメタルのサウンドは多いから、それが関連しているんだろうな。でも、他にもたくさんの要素があるんだ。 全体として、僕らは ULTHAR のように聞こえるだけだと思うんだけど、人々はラベルを付ける必要があるし、”ブラッケンドデスメタル “というのは一定の効果があると思うよ。」 どうぞ!!

ULTHAR “PROVIDENCE” : 9.9/10

INTERVIEW WITH SHELBY LERMO

Q1: First of all, it’s really hard time now due to corona virus, especially musical industry. And recently, BLM movement is spreading from US. What’s your thoughts on the current US or global situation?

【SHELBY】: It’s fucking crazy. But in a way, we’re lucky a global pandemic didn’t happen earlier. We’ve been destroying the planet and each other for so long, we were overdue. The BLM movement is inspiring, it’s too bad it came so late. I feel like America is already fucked, there’s not any chance for redemption.

Q1: アメリカ、ひいては世界はコロナ禍から BLM と激動の時を迎えていますね?

【SHELBY】: 本当にクレイジーだよね。だけどある意味、これまで世界的なパンデミックが起きなかったのがラッキーだったのかもしれないよね。だって僕たちはこの地球を壊し続けてきたからね。僕たちは限界を超えてしまったんだ。
BLM ムーブメントにはインスパイアされるよ。起こるのが遅すぎたムーブメントだよね。僕はもうアメリカはダメだと思う。贖罪のチャンスはないね。

Q2: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about the band and yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【SHELBY】: I’m 41 years old, the oldest guy in Ulthar. I grew up listening to punk first, then moved on to metal in the mid 90’s. Death metal has always been my preference, Steve and Justin gravitate a little more toward black metal I think. I moved to San Francisco around 2005, and started Ulthar after moving to Oakland around 2014.

Q2: 本誌初登場です。まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか?

【SHELBY】: 僕は今41歳で、ULTHAR で一番年上なんだ。だからまずパンクを聴いて育ち、それから90年代の中盤にメタルを聴くようになったね。僕にとっては、デスメタルがいつも一番だった。Steve と Justin はもうちょっとブラックメタルに惹かれていると思うね。
2005年にサンフランシスコに引っ越して、それから2014年にオークランドへ引っ越した。ULTHAR を始めたのはその時だよ。

Q3: Mutilation Rites, Mastery, Vastum. Ulthar is kind of a super group of extreme metal. How did it come to be?

【SHELBY】: Pretty simple story. I knew Justin, our drummer, through booking shows and stuff with his band Mutilation Rites. I knew their bass player Laurie, who was a previous resident of San Francisco. Anyways, Justin moved out to the Bay Area, and I just knew we should play music together. We did, and shortly after added Steve on bass, who I knew from his other band, Pale Chalice. It was the right fit, and we wrote and recorded our first demo not long after that.

Q3: MUTILATION RITES, MASTERY, VASTUM。ULTHAR はカルトなエクストリームメタルのスーパーグループとも言えますね。どのような経緯で結成に至ったんでしょうか?

【SHELBY】: とても単純なストーリーさ。僕はドラマーの Justin を前から知っていてね。彼のバンド MUTILATION RITES のブッキングやスタッフを通してね。ベーシストの Laurie が以前サンフランシスコに住んでいて知り合いだったんだ。
とにかく、Justin がベイエリアに越してきたとき、何か一緒にやるべきだと思ったわけさ。そのあと、すぐにベーシストの Steve が加入したよ。PALE CHALICE の活動を通して知っていたからね。素晴らしくフィットしたから、すぐにデモを制作したわけさ。

Q4: It seems you took your name from H.P. Lovecraft’s short story “The Cats of Ulthar”. And your newest record “Providence” is named for Lovecraft’s hometown, right? Why are you so attracted to lovecraft and mix it to metal?

【SHELBY】: “Providence”isn’t actually named after Lovecraft’s hometown, it’s kind of a joke. Like the song itself is about the idea of “providence”, or protection by God. I thought it would be kind of funny, because none of our lyrics are actually about H.P. Lovecraft, to call the album that too. I think there’s a little bit of Lovecraft influence in the patterns of our lyrics, but at this point, I think people kind of assume we are this “Lovecraft band”, when really, we don’t have that much attachment. We mostly picked the name “Ulthar” because, at the time, there were no other band s that had used it (there are now).

Q4: バンド名 ULTHAR は H.P. Lovecraft の物語 “The Cats of Ulthar” からとったものですよね? さらに最新作 “Providence” は、Lovecraft の故郷でもありますが?

【SHELBY】: 実は、”Providence” は Lovecraft の故郷に因んだわけではないんだよ。ちょっとしたジョークなんだ。あの楽曲自体が、”Providence” “天意” とか、神に守られることを基にしているんだ。
ある意味面白いよね。だって僕たちの歌詞は、アルバムにしたって Lovecraft についてのものはないんだから。歌詞のパターンに少し Lovecraft の影響があるかもしれないけど、みんなが僕らを “ラヴクラフトバンド” と確信しているのは驚きだよ。実際は、そんなに関係ないんだから。
ULTHAR って名前だって、あの時その名を使っているバンドがいなかったから選んだだけなんだ。

Q5: The artwork of “Providence” is really ominous but beautiful. Does it relate to the concept or lyrical themes of this record?

【SHELBY】: Not really. The art was pre-existing, and we licensed it from the artist. I feel like aesthetically it matches the music well, it’s grotesque, busy, complicated, weird. But besides that there are no real connections between the lyrics and artistic themes.

Q5: 不気味でしかしとても美しいアートワークですね。レコードの歌詞やコンセプトと関連しているのでしょうか?

【SHELBY】: どうなんだろうね。アートワークは以前から存在し、僕たちはアーティストからライセンスを買ったんだよ。
審美的に、僕たちの音楽にとてもマッチしているのは確かだよ。グロテスクで、煩雑で、複雑で、奇妙だよね。ただ、歌詞のテーマと直接繋がっているわけではないのさ。

Q6: It’s definitely raw and aggressive but also melodic and technical record to date. And I feel it becomes more “horror film” metal with foreboding ambiance and effects. Aesthetically and musically, how do you expand your sonic territory from your previous record “Cosmovore”?

【SHELBY】: I think it was a very natural progression. For the demo and the recording of the first album, Ulthar was a side-project for all of us, not our main focus as far as songwriting goes. So the band wasn’t getting the attention it deserved from us, I guess. We didn’t have the deal with 20 Buck Spin while we were recording “Cosmovore”, so we didn’t know who, if anyone, was going to put it out. Things got pretty crazy after they picked it up, and we followed the release of the album with a full US tour and a couple shorter tours. So the band got pretty serious pretty quick.”Providence” is just a reflection of that. That Ulthar is now our main thing, that more focus and more creative energy is flowing into the band.
.

Q6: 生々しい攻撃性を保ちつつ、実にメロディックでテクニカルな作品に仕上がりましたね?エフェクトやアンビエンスを伴って、以前よりも “ホラー映画” のメタル感が増しているように感じました。

【SHELBY】: とても自然な流れだったと思うよ。 デモやファーストアルバムのレコーディングでは、ULTHAR は僕ら全員のサイドプロジェクトで、ソングライティングに関してはメインの目的ではなかったんだ。だから、バンドは僕らにふさわしい注目を得られていなかったんだと思う。
“Cosmovore” をレコーディングしている間は 20 Buck Spin との契約がなかったから、誰が作品を出してくれるのかわからなかったんだ。彼らとの契約を手に入れた後は、かなりクレイジーに状況が変わり、アルバムのリリース後にはアメリカでのフルツアーと、いくつかの短いツアーを行ったんだよ。
“Providence” はそのことを反映したものだよ。ULTHAR が今の僕らのメインになって、より集中しているから、創造的なエネルギーが一層バンドに流れ込んできているんだ。

Q7: From Mayhem to Celtic Frost, “Providence” is kind of melting pot of extreme metal. Among them, it seems Death, Gorguts, Demigod, Convulsed, and Demilich influences are in the center of this record. You are often called as Blackend death metal. Do you feel comfortable about that tag?

【SHELBY】: I think that’s about as close as you can get. There’s obviously a lot of black metal and death metal in the sound, so that is the reference point. But there’s a lot of other shit in there too. All in all, I Think we just sound like Ulthar, but people need to attach labels, and I guess “blackened death metal” works.

Q7: MAYHEM から CELTIC FROST まで、”Providence” はエクストリームメタルのメルティングポットとも言えそうですね。そんな中でも、DEATH, GORGUTS, CONVULSED, DEMILICH といったバンドの影響が中央に位置しているよう感じました。
よくバンドが称される、ブラッケンドデスメタルのタグは的を得ているのでしょうか?

【SHELBY】: 非常に近いとは思うよ。明らかにブラックメタルやデスメタルのサウンドは多いから、それが関連しているんだろうな。でも、他にもたくさんの要素があるんだ。
全体として、僕らは ULTHAR のように聞こえるだけだと思うんだけど、人々はラベルを付ける必要があるし、”ブラッケンドデスメタル “というのは一定の効果があると思うよ。

Q8: 20 Buck Spin is one of the most exciting metal label now. Among the roster, are there any bands you empathize with?

【SHELBY】: I really like the new Voidceremony, and kind of the the weirder stuff on the label.

Q8: その 20 Buck Spin ですが、現在最もエキサイティングなメタルレーベルの一つでしょうね。ロースターで共感を覚えるバンドはいますか?

【SHELBY】: 新しい VOIDCEREMONY のアルバムが本当に好きなんだ。あれはこのレーベルでも最も変わった作品の一つだよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED SHELBY’S LIFE

CANNIBAL CORPSE “BUTCHERERD AT BIRTH”

DEICIDE “LEGION”

“GUMMO” SOUNDTRACK

DISSECTION “STORM OF THE LIGHT’S BANE”

DEFEATED SANITY “CHAPTERS OF REPUGNANCE”

MESSAGE FOR JAPAN

Hang in there, stay healthy, be nice to each other. Ulthar hopes to come visit someday!

Stay Healthy! 互いに優しくあろう。ULTHAR はいつか日本に行きたいよ!

SHELBY LERMO

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20 BUCK SPIN

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PYRRHON : ABSCESS TIME】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DOUG MOORE OF PYRRHON !!

“A Good First Step In Driving Bad Actors Out Of Metal Would Be To Foster a Stronger Appreciation Of Lyrics. It’s Still Very Common To See Metal Fans With Broadly Progressive Values Accepting Truly Vile Ideologies From Bands They Like Because “You Can’t Understand The Lyrics Anyway” And “The Riffs Are Sick, So Who Cares,” And So Forth. Perhaps It’s Worth Paying More Attention To What Your Favorite Band Is Screaming At You.”

PYRRHON “ABSCESS TIME”

「NYC のバンドに透徹する哲学は、ジャンルをミックスしたり、音楽的な分野を融合させたりすることに意欲的であること。 この特徴は、ニューヨークが “メルティングポット” “坩堝” としての地位を築いてきたことの賜物で、様々なバックグラウンドを持つ人々やアイデアが混ざり合っているからね。」
分裂と流動の時代極まるエクストリームメタル。革命的なアイデア、脳髄を溶かすサウンド、野生的な実験の黄金三角形は、ニューヨークが震源地です。IMPERIAL TRIUMPHANT, LITURGY, ANCION, DYSRHYTHMIA。ジャンルを開拓再定義するような異能が蠢く中で、ブラックメタルの冒険を牽引する KRALLICE の平行線に位置する、大胆不敵なデスメタルの探窟家こそ PYRRHON でしょう。
「古いバンドのサウンドを真似するだけでは時間の無駄だと思えるね。デスメタルをプレイするのは難しいんだ。そんな難しい音楽をプレイするのに、なぜ自己表現をしないんだい? 」
OSDM リバイバルで活況を見せている昨今のデスメタルシーン。しかし、PYRRHON はその動きから一定の距離を置いています。もちろん、MORBID ANGEL や GORGUTS, CYNIC といった巨人の実験精神、創造性とたしかにチャネリングしながら、エクストリームミュージックの自己実現にむけてただ真摯に邪悪と哲学を磨きあげていくのです。
「デスメタルは、限界まで自分を追い込みたい、今までにないことに挑戦したいと思っているミュージシャンを惹きつける特別な音楽の形だと思うからね。」
TODAY IS THE DAY のアヴァンギャルドノイズ、CAR BOMB のマスコアミューテーション、GORGUTS のプログレッシブアグレッシブ。たしかに、PYRRHON の音風景をジクソーパズルのように分解して掘り下げることも可能でしょう。ただし、彼らの真髄は決してモザイクタイルを貼り合わせて創り上げる、高尚で機械的な壁画のアートにはありません。
なぜなら、時に不自然で突拍子もないように思える異端のピースが、PYRRHON の音楽をむしろ自然で有機的な太古の海へと誘っているからです。ゆえに、人工的で機械化されたテックメタルの不協和も、彼らの手にかかれば狂骨から溶け出す原始のスープへとその姿を変えていきます。
ある意味、PYRRHON が醸し出す奇妙の原点はジャズのインプロビゼーションなのかもしれませんね。言ってみれば、物理学の実験のために複雑な数学の方程式を解くことが一般的なプログレッシブデスメタルの常識だとすれば、彼らはそれをアシッドトリップの最中にやり遂げることを本懐としているのです。
「現在アメリカを飲み込んでいるこの複雑な危機は、約10年前から避けられないように僕には見えていたんだよ。それは単純に、皮膚の下で化膿している病気がいつ表に出てくるかという問題だったのさ。それがアルバムタイトルの由来だよ。」
最新作 “Abscess Time” “化膿の時” に反映されたのは、システムが朽ち果て国の程さえなさなくなった今のアメリカひいては世界です。インタビューに答えてくれたボーカリスト Doug Moore は、そんな潜伏していた膿を反映した偏見渦巻くメタル世界だからこそ、歌詞を深く理解して自分の頭で考えてほしいと訴えます。
もはや、リフがよければ別にとか、どうせ何叫んでるかわかんねーしで許される時代は過ぎ去ったとも言えるでしょう。それはある意味、誰がなっても同じと選挙権を放棄する行動に似ているのかもしれません。結局は因果応報、すべては自身に返ってくるのですから。
そうして完成した最高傑作は、Doug の言葉を借りれば “忍耐と反復” のカオス。スピーカーから不気味な膿が溢れ出すようなミニマルな混乱の中で、獰猛さと重圧を保ちながらしかし構成の妙を一層極めたアルバムは、過去の3作と比較してより直線的なリスニング体験を可能としています。
我々はただ、作曲と即興、残虐と窒息、可解と不可解、混沌と解放、血液と膿の境もわからず立ち尽くすのみ。KRALLICE の鬼才 Colin Marston がプロデュースを行ったことも、決して偶然ではないでしょう。
ピュロンとは古代ギリシャ初の懐疑論者。すべてを吟味しあらゆる独断を排除する者。今回弊誌では、エクストリームシーンきっての語り部 Doug Moore にインタビューを行うことができました。「僕の考えだけど、”悪い役者” をメタルから追い出すためのより良い第一歩は、歌詞への理解を深めることだと思うんだ。幅広く進歩的な価値観を持つメタルファンでも、好きなバンドの本当に下劣なイデオロギーを “どうせ歌詞なんて何叫んでるかわかんねーから” とか “リフが最高なら気にしない” などと受け入れてしまうのは、今でもよく見かける光景だよね。自分の好きなバンドが何を叫んでいるのか、もっと注意を払う必要や価値があるのかもしれないよ。」 どうぞ!!

PYRRHON “ABSCESS TIME” : 10/10

INTERVIEW WITH DOUG MOORE

Q1: From the Corona crisis to Black Lives Matter, America is going through a turbulent time right now. First of all, what’s your perspective about the US situation?

【DOUG】: To put it as simply as possible, I think it’s the result of many forms of injustice finally breaking through into the public consciousness. Americans are masters when it comes to papering over hypocrisy and exploitation, but eventually, systemic issues like the one my country is struggling with can’t just be shrugged off. In English, we have a saying: “the chickens come home to roost,” which means that your sins will come back to haunt you sooner or later. That is what’s happening in America, on a grand scale – problems we’ve tried to ignore for decades or centuries are finally making the country ungovernable.

Q1: コロナ危機から Black Lives Matter とアメリカは激動の時を迎えていますね?

【DOUG】: できるだけ簡単に言えば、多くの不正がようやく世間の意識に浸透してきた結果だと思う。アメリカ人は偽善や搾取の上塗りを得意としているけど、徐々に僕の国が直面しているシステムの問題が結局のところ、無視できなくなってきたわけさ。
英語には “ニワトリは焼かれるためねぐらに帰ってくる” “因果応報” という諺があってね。これは、遅かれ早かれ犯した罪は自分に返ってくるという意味なんだよ。
何十年、何世紀にもわたって無視しようとしてきた問題が、ついにアメリカを統治不能な国にしてしまったんだ。

Q2: You know, your lyrics sometimes reflect American politics and nightmarish world affairs like “The Invisible Hand Holds a Whip”. Are you inspired by 2020’s dark time in your new record “Abscess Time”?

【DOUG】: Abscess Time was actually written during 2018 and 2019, so it wasn’t specifically inspired by the events of this year. However, a complex crisis of the kind that is currently engulfing America has seemed inevitable to me for about a decade. It was simply a question of when the diseases festering under the surface would burst into plain view. That’s the origin of the album title – we are all living through Abscess Time now.

Q2: “The Invisible Hand Holds a Whip” のように、あなたの歌詞は時にアメリカの政治や世界の悪夢を反映していますよね? 最新作 “Abscess Time” は現在のダークな状況にインスパイアされたのでしょうか?

【DOUG】: “Abscess Time” (膿瘍の時間) は実際には2018年と2019年の間に書かれたから、今年の出来事に特別触発されたわけではないんだ。
だけどね、現在アメリカを飲み込んでいるこの複雑な危機は、約10年前から避けられないように僕には見えていたんだよ。それは単純に、皮膚の下で化膿している病気がいつ表に出てくるかという問題だったのさ。それがアルバムタイトルの由来だよ。

Q3: Pyrrhon’s artwork is always spooky, but it also captures the imagination. How does this time relate to the theme of the record?

【DOUG】: The art for Abscess Time is a little more abstract than some of our past album covers. However, it speaks to some themes present in the music: inner workings being revealed; wounds that will not heal; the wear and tear that life inflicts on the body.

Q3: PYRRHON のアートワークは不気味ですが、同時に想像力を刺激しますね。今回はそのアルバムテーマと関連させているのでしょうか?

【DOUG】: “Abscess Time” のアートワークは、過去のいくつかのカバーよりも少し抽象的だよね。それでも、音楽に存在するいくつかのテーマを語ってはいるんだ。明らかにされた内部の隠蔽、癒されない傷、体に刻まれた消耗と涙。

Q4: You know, I feel the metal world still has bad past ideologies of fascism, racism and sexism, they’re still here in no small part. right? How do you think it could get better?

【DOUG】: Yes, metal is still rife with many forms of bigotry. In that way, it is a microcosm for the societies that produced it – most countries with big metal scenes are superficially advanced, but harbor plenty of reactionary ideas and tendencies. In my opinion, a good first step in driving bad actors out of metal would be to foster a stronger appreciation of lyrics. It’s still very common to see metal fans with broadly progressive values accepting truly vile ideologies from bands they like because “you can’t understand the lyrics anyway” and “the riffs are sick, so who cares,” and so forth. Perhaps it’s worth paying more attention to what your favorite band is screaming at you.

Q4: 悪性の腫瘍という意味では、メタル世界にも例えばファシズム、レイシズム、セクシズムといった過去の悪しきイデオロギーが未だに残る部分もありますよね?

【DOUG】: そう、メタルにはいまだに様々な形で偏見が蔓延しているよね。それってある意味では、メタルを生み出した社会の縮図でもあるんだよね。というのも大きなメタルシーンが存在する国の大半は、表面的には先進的だけど、反動的な考えや傾向を多く持っているからね。
僕の考えだけど、”悪い役者” をメタルから追い出すためのより良い第一歩は、歌詞への理解を深めることだと思うんだ。幅広く進歩的な価値観を持つメタルファンでも、好きなバンドの本当に下劣なイデオロギーを “どうせ歌詞なんて何叫んでるかわかんねーから” とか “リフが最高なら気にしない” などと受け入れてしまうのは、今でもよく見かける光景だよね。
自分の好きなバンドが何を叫んでいるのか、もっと注意を払う必要や価値があるのかもしれないよ。

Q5: In recent years, there has been a new wave of old school death metal revivalism. You guys seem to have distanced yourselves from that movement, haven’t you? It seems to be a more advanced and experimental death metal, world you agree?

【DOUG】: Haha, yes, it’s fair to say that Pyrrhon is not “OSDM.” We love a ton of death metal from the ‘80s and ‘90s, and I personally would not argue that death metal has to be insanely innovative to be good. That said, just doing an imitation of an older band’s sound seems like a waste of time to me. Death metal is hard to play; why not express yourself if you’re going to play it? The best death metal bands in 1990 built on what came before them to create something unique, and that’s true in 2020 as well.

Q5: 近年、メタル世界ではオールドスクールデスメタル復興の波が押しよせています。あなた達は、進歩的かつ実験的で、あのムーブメントとは距離があるように思えますが。

【DOUG】: ふふ。うん、公平に言って PYRRHON は OSDM じゃないと言えるだろうね。僕たちは山ほどの80年代と90年代のデスメタルが大好きだし、個人的にもデスメタルは革新的でなければ良いものにはならないなんて主張はしていない。だけどね、そうは言っても、古いバンドのサウンドを真似するだけでは時間の無駄だと思えるね。
デスメタルをプレイするのは難しいんだ。そんな難しい音楽をプレイするのに、なぜ自己表現をしないんだい? 1990年の最高のデスメタルバンドは、それ以前のバンドのサウンドをベースにして、独自のものを生み出してきたんだ。そして2020年でもそのやり方は真実さ。

Q6: What has been a challenge for you musically compared to your previous works? Is it important for the band to still stay in the death metal category?

【DOUG】: No, I wouldn’t say that we particularly care about whether we’re “still a death metal band” or not. Death metal will always be an influence on the music we make – probably a bigger influence than any other. But it does not own us, and questions of genre aren’t especially important to us. We want every new recording we make to provide new challenges. This time around, the challenge was patience and repetition. Perhaps on the next recording, we’ll go in the opposite direction and try to write 1-minute songs with 50 riffs each.

Q6: それでは、”デスメタル” という枠自体にとどまることは、今でもバンドにとって重要ですか?

【DOUG】: いや、僕らは “まだデスメタルバンドである “かどうかを特に気にしてはいないよ。デスメタルは常に僕たちの作る音楽に影響を与えている。だけど、デスメタルが僕たちを所有しているわけではないし、ジャンルの問題は僕らにとって特に重要ではないんだよ。
新たにレコーディングをするたびに、新たは挑戦をしていきたいとは思っている。今回の課題は、忍耐と繰り返しだったな。おそらく次のレコーディングでは、逆の方向に行って、50のリフを持つ1分間の曲を書こうとするだろうね。

Q7: Do you think you inherit the legacy of progressive death metal like Cynic, Death, Atheist and Gorguts somehow?

【DOUG】: Honestly, I try not to think about legacies too much – that’s what you reflect on when your career has ended! But I would say that the creative spirit and relentless experimentation practiced by those bands is a great source of inspiration to us. They are all good examples of what I was saying earlier about death metal; they’re all “old school” in the sense that they were making music in the early ‘90s, but none of them were imitating any previous band’s style. Death metal is a special form of music because it draws musicians who want to push themselves to the limit and try things that have never been done before. In that sense, I hope Pyrrhon is successfully channeling the spirits of the bands you mentioned.

Q7: CYNIC や DEATH, ATHEIST, GORGUTS といったプログレッシブなデスメタルの遺伝子は、多分に受け継いでいるように感じますが。

【DOUG】: 正直なところ、僕はあまり遺産については考えないようにしているんだ。それってキャリアが終わるときに総括するものだから! だけど彼らが実践している創造的な精神と絶え間ない実験は、僕たちにとって大きなインスピレーションの源になっているとは言いたいね。
彼らは皆、先ほど僕がデスメタルについて言ったことの良い例だと思うんだ。デスメタルは、限界まで自分を追い込みたい、今までにないことに挑戦したいと思っているミュージシャンを惹きつける特別な音楽の形だと思うからね。
そういう意味では、PYRRHON が君が挙げたようなバンドのスピリットをうまくチャネリングできていればいいなと思う。

Q8: When I had an interview with Hunter-Hunt Hendrix of Liturgy, he said “I sincerely think philosophy is a very important tool for having a thoughtful political stance.”. The NYC extreme scene is full of amazing and progressive bands, but is there some sort of common idea that exists?

【DOUG】: I wouldn’t say that there is a specific philosophy that bands from this area share. But in a more general, ambient way, I do think that New York’s music scene is something special. In my opinion, there are two clearly identifiable features that bands from this area tend to share. The first is a willingness to mix genres and blend musical disciplines. This feature is the legacy of New York’s status as a “melting pot,” where people and ideas from different backgrounds intermingle – boundaries which might seem uncrossable elsewhere feel a lot flimsier here, where people from all over the world live right on top of each other. The second characteristic is ambition. New York is very expensive and it’s often an unpleasant place to live. Lazy musicians and those without a true vision to pursue generally don’t last very long here.

Q8: LITURGY の Hunter-Hunt Hendrix にインタビューを行った際、「哲学こそが思慮深い政治的スタンスを保つための非常に重要なツールだ」 と語っていました。
NYC のエクストリームシーンには、プログレッシブな才能が集まっていますが、ある種共通の哲学のようなものが存在するのでしょうか?

【DOUG】: この地域のバンドが共有する特定の哲学があるとまでは言わないけど、一般的にアンビエント的な意味では、ニューヨークの音楽シーンは特別なものだと思うんだ。
僕の考えでは、この地域のバンドには明確に2つの特徴があると思う。1つ目は、ジャンルをミックスしたり、音楽的な分野を融合させたりすることに意欲的であること。 この特徴は、ニューヨークが “メルティングポット” “坩堝” としての地位を築いてきたことの賜物で、様々なバックグラウンドを持つ人々やアイデアが混ざり合っているからね。他の場所では越えられないように見える境界線も、ここでは、世界中から集まった人々がお互いを尊重して住んでいるように感じられるからね。
2つ目の特徴は野心。 ニューヨークはとても物価が高く、決して快適に住める場所じゃない。怠け者のミュージシャンや、追求する真のビジョンを持たない人は、概してここでは長続きしないんだよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED DOUG’S LIFE

RADIOHEAD “OK COMPUTER”

BLACK FLAG “DAMAGED”

TODAY IS THE DAY “IN THE EYES OF GOD”

MORBID ANGEL “COVENANT”

TOM WAITS “SMALL CHANGE”

MESSAGE FOR JAPAN

Thank you for reading! Touring your beautiful country has been a goal for Pyrrhon for many years; hopefully we can make it happen some day soon.

読んでくれてありがとう!君たちの美しい国をツアーすることは、ずっと何年も PYRRHON の目標なんだ。近々叶うといいな!

DOUG MOORE

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WILLOWTIP RECORDS

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NILI BROSH : SPECTRUM】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NILI BROSH !!

“There Are So Many More Professional Women Guitarists Kicking Ass Out There. I’d Rather Think Of It As “Everyone’s Era”, Where Gender, Race, Ethnicity (Or Genre!) Doesn’t Matter…I Hope The Era I Live In Is The One Where The Music Is What Matters.”

DISC REVIEW “SPECTRUM”

「プロフェッショナルの女性ギタリストがどんどん増えてきているわよね。だけどむしろ私は、性別、人種、民族、そしてジャンルでさえ関係ない “みんなの時代” だと思っているのよ…私の生きている時代は、音楽が大事な時代であってほしいわね。」
ある時は Tony MacAlpine の頼れる相棒、ある時は Ethan Brosh の美しき妹、ある時はシルクドソレイユのファイヤーギター、ある時は DETHKLOK の怪物、ある時は IRON MAIDENS のマーレイポジション。
多様性が特別ではなくなった “みんなの時代” において、イスラエルの血をひくギタープリマ Nili Brosh は培った音の百面相をソロキャリアへと集約し、性別、人種、民族、そしてジャンルの壁さえ取り払うのです。
「アルバムのジャンルに関係なく、それが音楽であるならば一つになって機能することを証明したかったのよ。だから文字通りスペクトラム (あいまいな境界を持ちながら連続している現象) というタイトルにしたの。私たちがまったくかけ離れていると思っている音楽でも、実際はいつも何かしら繋がっているのよ。」
地中海のバージンビーチからセーヌの流れ、日本の寺社仏閣、そしてマンハッタンの夜景を1日で堪能することは不可能でしょうが、Nili の “Spectrum” は時間も空間も歪ませてそのすべてを44分に凝縮した音の旅行記です。プログレッシブな音の葉はもちろん、R&B にジャズ、ワールドミュージックにエレクトロニカなダンスまで描き出す Nili のスペクトラムは万華鏡の色彩と超次元を纏います。
特筆すべきは、テクニックのためのインストアルバムが横行する中、”Spectrum” が音楽のためのインストアルバムを貫いている点でしょう。オープナー “Cartagena” から大きな驚きを伴って眼前に広がる南欧のエスニックな風景も、Nili にしてみればキャンパスを完成へ導くための美しき当然の手法。幼少時にクラッシックギターを習得した彼女が奏でれば、鳴り響くスパニッシュギターの情熱も感傷も一層際立ちますね。
“Andalusian Fantasy” では Al Di Meora のファンタジアに匹敵する南欧の熱き風を運んでくれますし、さらにそこからアコーディオン、ジプシーヴァイオリンでたたみ掛けるエスノダンスは Nili にしか作り得ないドラマティック極まる幻想に違いありません。
Larry Carlton のブルージーな表現力とエレクトロニカを抱きしめた “Solace” はアルバムの分岐点。日本音階をスリリングなハードフュージョンに組み込んだ “Retractable Intent”, プログとダンスビートのシネマティックなワルツ “Djentrification” とレコードは、彼女の出自である中東のオリエンタルな響きを織り込みながら幾重にもそのスペクトラムを拡大していきます。
EDM や ヒップホップといったギターミュージックから遠いと思われる場所でさえ、Nili は平等に優しく抱擁します。ただ、その無限に広がる地平は音楽であるという一点でのみ強固に優雅に繋がっているのです。それにしても彼女のシーケンシャルな音の階段には夢がありますね。鬼才 Alex Argento のプログラミングも見事。
今回弊誌では、Nili Brosh にインタビューを行うことができました。「音楽は音楽自身で語るべきだと信じてきたから、私にできることはお手本になって最善の努力をすることだけなの。もし私が女性だからという理由で私と私の音楽を尊重してくれない人がいるとしたら、それはその人の責任よ。」 どうぞ!!

NILI BROSH “SPECTRUM” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CRYPTIC SHIFT : VISITATIONS FROM ENCELADUS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH RYAN SHEPERSON OF CRYPTIC SHIFT !!

“We Love Voivod, Especially The Records “Killing Technology” And “Dimension Hatross”. Those Records, Along Side Nocturnus “Thresholds” Really Showed Us How It Was Possible To Write a Massive Sci-Fi Tale Within a Metal Record.”

DISC REVIEW “VISITATIONS FROM ENCELADUS”

「僕たちは VOIVOD を愛していて、特に “Killing Technology” と “Dimension Hatross” がお気に入りなんだ。NOCTURNUS の “Thresholds”と並んで、この2枚はメタルレコードの中に大規模なSFの物語を書くことが可能であることを教えてくれたんだ。」
英国で最も奇妙かつ革新的な “フェノメナルテクノロジカルアストロデスアーティスト” CRYPTIC SHIFT。VOIVOD や VEKTOR のコズミックな SF スラッシュメタルと、MORBID ANGEL や GORGUTS のおどろおどろしい猟奇的デスメタルを完膚なきまでに融合させる彼らのやり方は、メタルの仄暗いファンタジーをさらにまた一歩推し進めます。
「CRYPTIC SHIFT はスラッシュ/デスメタルの境界を押し広げることを目指している一方で、広義のメタルシーンにおけるソングライティングと創造的なコンセプトのストーリーライティングの境界線をも押し広げることも目指していると言えるだろうな。2020年にスラッシュとデスメタルを推進している素晴らしいバンドはたくさんあるけど、プログレッシヴでテクニカルなSFソングライティングを推し進めているバンドはそれほど多くはないからね。」
BLOOD INCANTATION, TOMB MOLD が昨年放った2枚のレコードは、20年代のメタルが向かう先をある種予見するような作品でした。オールドスクールデスメタルの遺伝子を濃密に受け継ぎながら、奇々怪界なサイエンスフィクションをテーマに仰ぎ、サイケデリックにストーナー、プログレッシブと多様な音の葉を纏う異次元の世界線。
CRYPTIC SHIFT のデビュー作 “Visitations from Enceladus” は彼らの異形とシンクロしながら、スラッシュメタルのメカニカルな衝動と長編の空想宇宙小説を衝突させ、メタルの核融合を誘発しているのです。
「”Moonbelt Immolator” は歌詞の中にストーリーがあるから長い曲になることはわかっていたんだけど、トラックをまとめるうちに、どんどん長くなっていったんだ。ただそれを恐れてはいなかったよ。」
その華々しき化学反応の証明こそ、26分の宇宙譚、オープナー “Moonbelt Immolator” でしょう。Away の正当後継者 Ryan の言葉通り、恐れを知らない SF メタルの開拓者は、26分を6つの独立した楽章に分割してスリリングで摩訶不思議な空の物語を描き切ってみせました。そのオペラ的な手法は、ただメタルのエピックというよりも、RUSH の “2112” や “Hemispheres” と同等の性質を持つ叙事詩という方が適切なのかもしれませんね。
重要なのは、CRYPTIC SHIFT がプログレッシブなデスメタルやテクニカルなスラッシュメタルが切望する音符の密度、激しいダンスを少しも損なうことなく、全体をホログラフィックに見渡せる抜きん出た俯瞰の構成力を身につけている点でしょう。
ゆえに、デス/スラッシュの単純な枠を超え、ドゥーム、ジャズ、ノイズ、アンビエントのタトゥーが音肌の上に絶え間なく露出を続ける不浄のオベリスクでありながら、決して彼らの宇宙譚は量子力学レベルの理解不能な方程式に収まってはいないのです。
つまり、宇宙的な和音、歪んだAI言語、洗練と粗野のバランスが絶妙なd-beatとブラスト、多面的なキャラクターを宿すデスボイス、不協和を恐れないギターに絡みつく蛇のようなフレットレスベース、その全てがメタル世界の大衆を観客に迎えた舞台 “エンセラドゥスからの来訪者” を彩る小道具にすぎないと言えるのかもしれませんね。
逆にいえば、耳障りになりかねない不協和音、ノイズ、グロウルにブラストビートも、CRYPTIC SHIFT の手にかかれば生命力に満ち溢れたキャッチーな舞台装置へと変化を遂げるのです。
ある意味、エレクトロニカを大胆に咀嚼した NOCTURNUS を VOIVOD と並んで崇拝する理由もそこにあるのかもしれません。ATHEIST, PESTILENCE, MARTYR に SADUS。全ての奇妙は物語のために。
今回弊誌では、ドラムス Ryan Sheperson にインタビューを行うことができました。「僕とXanderは信じられないほどのスター・ウォーズの大ファンで、その全てが大好きなんだよ。 おそらく夕食を食べた回数よりも多く、スター・ウォーズの最初の6作品を観ているだろうな。好きな順番をつけるなら、I、VI、V、IV、III、IIかな。 “ファントム・メナス” が一番好きだと嫌われるかもしれないけど、それはきっと世代の問題だろう。」 どうぞ。

CRYPTIC SHIFT “VISITATIONS FROM ENCELADUS” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THE HIRSCH EFFEKT : KOLLAPS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ILJA JOHN LAPPIN OF THE HIRSCH EFFEKT !!

“Plain, Aggressive Music With Odd Time Signatures Would Probably Be Boring For Us In The End, If We’d Only Stick To That Kind Of Music. Allowing Different Moods And Genres To Come In Has Kept Such Music Interesting And Exciting”

DISC REVIEW “KOLLAPS”

「結局、奇妙な拍子記号があるだけのプレーンでアグレッシブな音楽は、そこに固執するのであればおそらく僕たちにとって退屈だろうな。異なるアトモスフィアやジャンルを取り入れることは、そんなテクニカルな音楽を面白く刺激的なものにしてくれたんだ。」
自らを “Indielectropostpunkmetalmathcore” と称するハノーファーの異分子トリオ THE HIRSCH EFFEKT は、目眩くジャンルの島々を巡りメタルの多音美を実現する挑戦的な吟遊詩人です。
「このレコードの大半は、フライデーフォーフューチャーと世界の気候変動問題について扱っているんだ。よりドキュメンタリータッチで、客観的にね。グレタ・トゥーンベリに触発され、彼女のスピーチからいくらか派生した楽曲もあり、引用として使用している部分もあるよ。だからスウェーデン語のタイトルなんだ。」
THE DILLINGER ESCAPE PLAN から LEPROUS, 果てはストラヴィンスキーまで、無限にも思える音のパレットを備えた THE HIRSCH EFFEKT にとって、その言語的な多様性も彼らの絵音を彩る重要な筆に違いありません。
自らのバンド名が象徴するように、母国語であるドイツ語の響きでユニークな異国情緒を奏でながら、最新作 “Kollaps” において、楽曲にスウェーデン語のタイトルを冠することで若き環境活動家の蒼を観察者としての視点から紡いで見せるのですから。
「典型的な3ピースとしての、ベース、ギター、ドラムのバンドサウンドの退屈さを感じた時、僕たちはひらめいたんだ。バンドのサウンドから遠ざかり、ストリングスセクション、合唱、ホーンなどのクラシック音楽の要素を組み込んだり、モチーフやバリエーションのメソッドを拝借したら、もっとエキサイティングな楽曲になるんじゃないか?ってね。」
興味深いことに、メンバー3人のうちギター/ボーカルの Nils とインタビューに答えてくれたベーシスト Ilja は、ドイツの音楽大学で幅広い教育を受けています。ゆえに、典型的なロックサウンドに飽き足らず、クラッシックやエレクトロニカ、ノイズにジャズと、その好奇と冒険の翼を果敢に難解に広げることはある意味必然でした。
ゆえに、THE DILLINGER ESCAPE PLAN や BETWEEN THE BURIED AND ME との比較は避けがたい運命とも言えるでしょう。実際、”Noja” を聴けば彼らのアグレッシブでカオティックな奇数拍子の猛攻が、OPETH の知性とブラックメタルの咆哮を介しながらも、TDEP のスタイルをある程度基盤としていることに気がつくはずです。そこに絡み合う異質なアルペジオと英語のスポークンワードが重なることで、世界は不可思議な胎動を始めるのです。
ただし、THE HIRSCH EFFEKT はただリズミックにのみ実った果実ではなく、ハーモニックにも芳醇な甘い実をつけました。MESHUGGAH と SikTh の重音異端が流麗に花開く “Declaration”、LEPROUS の狂気を煮詰めた “Domstol”、NINE INCH NAILS の内省的シネマを投影した “Bilen”。さらにアルバムを締めくくる “Agera” には、Steven Wilson にも通じるメロディーの哲学と感情の絵画が広がります。
これほどの多様性、色彩を備えながら一つのアートとして完成したアルバムは、まさに Ilja が語る通り、”美術館のアートギャラリーを歩くような” 芸術的広がりを有しているのです。
今回弊誌では、Ilja John Lappin にインタビューを行うことができました。「”The Fragile” は実は僕のフェイバリットレコードの1つで、作詞作曲のみならず、プロダクション、サウンド、ジャンルの多様性に関するオルタナティブロックやメタルの重要かつ広く認識されたランドマークだよね。 」どうぞ!!

THE HIRSCH EFFEKT “KOLLAPS” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CALIGULA’S HORSE : RISE RADIANT】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JIM GREY OF CALIGULA’S HORSE !!

“There Is Never a Moment Of Darkness In Caligula’s Horse Without Emphasising The Light – The Last Thing That I Want Is To Put Music Out In The World That Is Celebrating Something Tragic Or Dark Without Showing That There Is a Way Out.

DISC REVIEW “RISE RADIANT”

「CALIGULA’S HORSE には、光を強調しない闇は決してないんだよ。僕にとって最も好ましくないことは、出口を示さず、悲惨なことや暗いことを祝う音楽を世に送り出すことだから。そのコントラストこそ、僕たちの作曲における中心であり焦点の1つなんだ。」
性的倒錯、残忍な浪費家、狂気の暴君。ローマを刹那支配した悪名高きカリグラ帝は、しかし少なくとも愛馬を元老院に任ずるほど愛していました。もはやオーストラリアを代表するプログメタルのインペラトルにとって、レコードを覆うメランコリーの闇芝居はすべて愛情や強さを手繰り寄せる一条の光への道筋に違いありません。
プログレッシブのネオサザンクロスとして KARNIVOOL, NE OBLIVISCARIS, VOYAGER といった綺羅星と共に台頭した CALIGULA’S HORSE は、最もプログメタルの流儀を残すその手法が例えば英国の HAKEN と深く通じているのかも知れませんね。特に、Djent やシュレッダーの流れを汲む Sam Vallen の悍馬のテクニックを基盤としたメタリックな “Caligula’s Groove” は、絶対的なバンドの顔となっています。
一方で、プログメタルもう一つの巨星 LEPROUS とシンクロする表情も少なくはありません。シーンでも最高の評価を分かち合う Einar Solberg と Jim Grey は共に果てなきメランコリーの使徒ですし、コンテンポラリーな音のメルティングポットとしても双方存分です。では、CALIGULA’S HORSE 自身の強烈なアイデンティティーはどこにあるのでしょうか?肝要なその答えこそ、最新作 “Rise Radiant” にあるはずです。
「”Rise Radiant” は再定義と言うよりも、別の自然な進化の結実だと思う。世界中をツアーする中で多くを学び、書きたいことや演奏したいものをしっかり理解出来たんだ。」
8分の大曲 “Salt” を聴けば、CALIGULA’S HORSE がクラッシックにも通じるやり方で、エピカルなメタルの交響曲を具現化したことに気づくでしょう。ヴァイオリンやヴィオラの荘厳な響きはありませんが、それでも充分にこの絶佳の名曲はワーグナーでありリストのロマンチシズムを湛えています。
「エンディングは Ruggero Leoncavallo の手によるオペラ “道化師” で歌われるアリア “衣装をつけろ” から触発されたと言っていたね。最終的に、”Salt” は音楽テーマの要約 (楽章からの音楽テーマをもう一度提示すること)で終わるんだ。つまり、その構造を通じて、よりクラシックなスタイルからインスピレーションを得ているのは確かだよね。」
シンコペートするピアノの響きは指揮者、レイヤーにレイヤーを重ねたコーラスは聖歌隊、8弦ギターのほろ苦き低音はコントラバスでしょうか。モチーフの膨らませ方、印象の変化もあまりに劇的で巧みです。
一方で、最近メタルはあまり聴いていないと語る Jim の言葉を裏付けるように Becca Stevens や Jacob Collier の色彩を付与した “Resonate” は、電子音とアコースティックの狭間を浮遊する海月のしなやかさを描き、牧歌的な “Autumn” でフォークやカントリーの領域まで掘り下げてメタルの新たな可能性を提示するのです。
いつものように閉幕は長尺のエピック。”The Ascent” のドラマ性はベートーベンのシンフォニーにも引けを取ることはありません。
今回弊誌では Jim Grey にインタビューを行うことができました。「努力を重ね、ウイルスの遮断に大きな進歩を遂げてきた国は素晴らしいよ。残念ながら、そういった国々の努力を完全に台無しにしている国がいくつかあるよね。
どの国について話しているかわかるよね? 音楽と国際的なツアーの世界がコロナ以前と同じになることはなさそうだよね…結局は待つしかないんだけどね! 」何と三度目の登場!感謝です。どうぞ!!

CALIGULA’S HORSE “RISE RADIANT” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MEKONG DELTA : TALES OF A FUTURE PAST】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH RALF HUBERT OF MEKONG DELTA !!

“Sergej Prokoviews 1st Movement Out Of His 2nd Symphony In D Minor Was The First I Noticed How Close An Orchestra With Heavy Brass Comes To An Metal Group And Some Times Even Sounds Harder.”

DISC REVIEW “TALES OF A FUTURE PAST”

「僕の意見では、現実は常にファンタジーを打ち負かしているよ。若くて歴史を知らない人たちのために記すけど、メコンデルタって名前はベトナム戦争を象徴しているんだ。最も残忍な戦いと虐殺(マイライ)のいくつかはこの川の近くで行われたからね。」
例えば Yngwie Malmsteen, 例えば ACCEPT, 例えば BLIND GUARDIAN。クラッシックやフォークをメタル世界へ伝播した華美流麗なファンタジーの裏側で、MEKONG DELTA はリアリティーと恐怖、そして複雑怪奇をただ純粋に培養していきました。
例えばムソルグスキー、例えばハチャトリアン、例えばヒナステーラ。総帥 Ralf Hubert がメタルワールドに種を蒔き育てたのは、耳馴染みの良い伝統の音楽ではなくコンテンポラリーな現代音楽とその実験精神だったのです。
「1984年の終わりか1985年の初めだったかな。Jorg Michael は当時誰も知らなかった METALLICA のデモを持ってスタジオに来たんだ。彼は何より “Fight Fire With Fire” を気に入って流していたね。この曲には、当時メタルでは珍しかったリズミカルな変速が含まれていたんだよ。それが彼に深い感銘を与えたんだ。僕も面白いと思ったね。」
興味深いことに、Ralf の創造的破壊は当時メタル世界の異端者だったスラッシュメタルの凶暴と共鳴し溶け合いました。1989年の傑作 “Dances of Death (And Other Walking Shadows)” の冒頭を飾る19分のタイトルトラック、死の舞踏に込められたエキセントリックな血と知の共演はまさしく MEKONG DELTA の哲学そのものだったと言えるでしょう。
「ラブクラフトは、恐怖を明確に説明しない数少ない人物の1人だね。彼は恐怖を描かずに、心の中で成長させるんだよ。物語を読んで鳥肌が立つんだ。”The Color from Space” はその良い例だね。」
スラッシュメタルと現代音楽こそが、メコンの源流。Jorg Michael, Peavy Wagner, Uli Kusch, LIVING DEATH といったドイツの綺羅星がバンドの音流を支え、ラブクラフトの名状しがたい恐怖が遂には異端を濁流へと変えました。以降、MEKONG DELTA はオーケストラとの共演、そしてしばしの休息を境とするように、スラッシュメタルからプログレッシブメタルへとその進化の矛先を向けていきます。
6年ぶりの新作となった “Tales Of A Future Past” は文字通りバンドの過去と未来を紡ぐ作品なのかも知れませんね。猟奇的なアグレッションと奇数の美学はそのままに、プロダクションと演奏の質を現代水準へと高めたレコードは、同時にオーセンティックなメタルらしい耳馴染みの良さまで備えています。
Bruce Dickinson が憑依した Martin LeMar のダイナミックなボーカルは、奇数拍子に力強く踊り、ギターの両翼は不協和を流麗に駆け抜けます。シンガロングさえ誘う “Mental Entropy” や、”A Farewell to Eternity” の胸を打つメロディー、アトモスフェリックなホラー映画 “When All Hope Is Gone” は初期の MEKONG DELTA には存在し得なかった要素でしょう。
一方で、アルバムに散りばめられた “Landscape” 組曲ではオーケストラの荘厳壮大を血肉に、名状しがたき闇の景色、歓喜の狂気を惜しげも無く物語るのです。挑戦と訴求、難解と容易のバランスは間違いなく過去最高。
今回弊誌では、ベースからクラッシックギターまで何でもこなす巨人 Ralf Hubert にインタビューを行うことができました。「最も重要なものは、15, 6歳のときに偶然聞いたオーケストラ作品だね。Sergej Prokoviews の交響曲第ニ番の第一楽章、コンポーザーとしての彼を確立した “鋼鉄の歩み” だよ。ブラスを伴ったオーケストラがメタルバンドにどれほど近いのか、時にはよりハードな音を出すと気づいた最初のクラッシック作品だったね。」 どうぞ!!

MEKONG DELTA “TALES OF A FUTURE PAST” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JASON KUI : NAKA】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JASON KUI !!

“Maybe I Am a Working Guitar Man, So I Always Get To Play Different Kinds Of Music, That Really Influences Me So Much, So That’s Why My Music Is More Diverse.”

DISC REVIEW “NAKA”

「このタイトルは日本語の “中” から取ったんだ。中とは中間とか間っていう意味だよね。それって僕のライフスタイルなんだ。僕は最近の生活の中で、全てにおいて良いバランスを探し求めているんだ。
例えば、人生と仕事、ソロ活動とお金のための音楽、テクニックとメロディーといった二律背反の中でね。全ては正しいバランスが必要に思えるね。」
tfvsjs が統べるマスロックキングダム、香港でメタリックなシュレッドを響かせる Jason Kui の魅力は日本語の “中” に集約されています。
“仕事” であるセッションミュージシャンの経験で得た卓越した技巧と音楽眼を、”人生” であるソロ作品に落とし込む。偏りすぎた天秤は、いつしか障壁を生み出すのかも知れません。つまり技巧と旋律、ロックとアウトサイドロックの絶妙なバランスは、Jason のしなやかなライフスタイルに端を発しているのです。
言い換えれば、”Naka” とはギターアルバムに付き物のエゴを一切排除した水平な天秤。Jason のニュートラルな好奇心は、楽曲全てが別の顔を持つ虹のようなレコードを完成へと導いたのです。
「僕は80年代後半に生まれたから、オリジナルのゲームボーイで育った。だから8bitは僕にとって大きな意味があるんだよ。 そして、賑やかな渋谷のホテルで書いたリフと、8bitのレトロな雰囲気を一緒にするのはクールなアイデアだと思ったんだ。」
レトロなゲームボーイとモダンなプログレッシブサウンドがクラシカルに溶け合う “Pixel Invasion” は Jason Kui に透徹する多様性の象徴でしょう。アートワークに描かれた砂漠と海、天と地、光と影のコントラストは、そのまま作品に浸透する過去と未来、技巧と旋律、優美と重厚の音狭間を反映しているはずです。
“Splash!” で ARCH ECHO や INTERVALS の血を引く近代的でポップな “Fu-djent” を披露しながら、より硬質で伝統的なフュージョン “Mean Bird” を織り込むタイムマシーンの装い。DREAM THEATER にポルカやマカロニウエスタンを移植する “Dance of Awakening The Spirit Part II, The Ballad of The Headless Horseman” の大胆不敵。さらにダンサブルなソウル/ファンク “Games Brown (Hey!)” から、フォーキーでノスタルジックな “Then and Now” へ移行する感情の津波。これほど色彩豊かなインストゥルメンタルレコードが存在するでしょうか?
フレーズの宝石箱 Andy Timmons, シュレッドの百面相 Andy James, 複雑怪奇なフュージョンキング Tom Quayle, プログメタルライジングスター Poh Hock と、モダンギターの綺羅星を適材適所に配する隠し味も見事。料理の仕上げは当然、パン屋でありプログシェフ Anup Sastry。
今回弊誌では、Jason Kui にインタビューを行うことができました。「僕が農家だとしたら、Anup は料理人さ。僕が彼にマテリアルを渡し、彼が組み立てていくんだよ。」 “Guitar Idol” や “I Am a Singer” を追っていたファンなら記憶に残っているはず。どうぞ!!

JASON KUI “NAKA” : 9.9/10

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