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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NIGHT VERSES : FROM THE GALLERY OF SLEEP】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH REILLY HERRERA OF NIGHT VERSES !!

“Diversity Is Definitely Key For Us, And We Don’t Ever Want To Overdo Or Repeat Anything More Than Necessary. “

DISC REVIEW “FROM THE GALLERY OF SLEEP”

プログメタルのサルバドール・ダリが草創せし夢幻画廊。ファンタジーとリアリティー、テクニックとアトモスフィア、モダンとオーガニックのダイナミズムを、”夢” という自由な空想世界で交差させる無言の詩聖はインストゥルメンタルミュージックのドラスティックな再構築を試みています。
例えば Tilian Pearson を失った TIDES OF MAN が、故に音に語らせる創意工夫を磨き上げポストロックの妙手となったように、詩人の喪失は時に音楽それ自体の革新を誘います。そして急遽リードボーカル Douglas Robinson がバンドを離れることとなった NIGHT VERSES も同様に、彼の遺した “スペース” を埋めるチャレンジの中で一際精華な創造の翼を得ることとなったのです。
RED HOT CHILI PEPPERS, TOOL, RAGE AGAINST THE MACHINE、そして近年では INTRONAUT とある種独創性を追求したアートの都 L.A. で、NIGHT VERSES の資質が育まれたのは必然なのかも知れませんね。
実際、ポストロックのソニカルな音景とハイパーテクニカルな Djent の相反をオーガニックに融解し、ダウンテンポのエレクトロニカを織り込む前人未到のドリームスケープは、超現実的なダリのシュルレアリスムにも通じる倒錯と魅惑のアートです。
フルブラストで幕を開ける夢への廻廊 “Copper Wasp” こそ “From the Gallery of Sleep” への強烈なインビテーション。多彩なリムショットやハイハットの魔術で複雑怪奇なポリリズムを支配する Aric のドラム劇場は、Nick の雄弁なギターワークと Reilly のアグレッシブなベースサウンドの独壇場。
ANIMALS AS LEADERS を想起させるファストでメカニカルな衝動から、RUSSIAN CIRCLES の重厚荘厳なグルーヴ、そして TYCHO の瑞々しいアンビエントまで自在に操る弦楽隊のテクニック、創造性はあまりに気高く孤高。
さらにサンプリングやエレクトロサウンドを加えて完成に導いたエクレクティックモンスターは、”夢” という自由な空間に花開いた崇高のアート、対比とダイナミズムのエキサイティングな奇跡に違いありませんね。
フレーズ、モチーフの巧みなリピートで、奇抜なテーマを鮮やかに印象付ける独特の手法は “Trading Shadows”, “Vice Wave” でより際立ちます。実際、「異なる音楽的な要素、アートをミックスして僕たちが伝えたい感情を具現化することこそ最も重要なことなんだ。歌詞というガイドがなくなったからね。」とインタビューで語るように、言葉を失った詩人は試行錯誤を経て、その感情を以前よりもビビッドに雄弁にリスナーのスピリットへと届けているのです。
バンドはそこからさらに多様性の扉を開き探求していきます。
パーカッシブでトライバルな “Vantablonde”、ポストロックの壮麗なサウンドスケープを掘り下げた “Lira”、hip-hop のグルーブに照らされた鮮烈のシュレッド “No Moon”、静謐な美しきアコースティックのレリーフ “Harmonic Sleep Engine”。
そうしてその全ての多様性、創造性はギターペダルの可能性を極限まで追求したプログレッシブで trip-hop なエピック “Phoenix IV: Levitation” へと集束していくのです。
アルバムは、幽玄なる白昼夢 “Infinite Beach” で TYCHO や BONOBO の理想とも深くシンクロしながら、メランコリックにノスタルジックにその幕を閉じました。
今回弊誌では、ベースプレイヤー Reilly Herrera にインタビューを行うことが出来ました。ちなみにドラマー Aric は絶賛売り出し中 THE FEVER 333 のメンバーでもあります。
Instru-Metal の最新形こそ彼ら。「”多様性” は間違いなく僕たちにとって鍵だと言えるね。これまでも同じことをやり過ぎたり、必要以上に繰り返したりすることを望んだりはしなかったからね。」どうぞ!!

NIGHT VERSES “FROM THE GALLERY OF SLEEP” : 10/10

INTERVIEW WITH REILLY HERRERA

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about yourself and band itself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【REILLY】: My name is Reilly Herrera and I play bass in Night Verses. We’ve been playing together for over 15 years, but under the name Night Verses since 2012. From The Gallery Of Sleep is our first full length instrumental record and came out earlier this Summer on Equal Vision Records.
Nick, Aric and I all grew up listening to different music to be honest – as kids it varied for each us from Tool to New-Wave to old school Punk. We all had more similar tastes when we were teenagers, and that’s when we started writing music together. It’s still that same way today and I think that helps keep it fresh for each of us – the spot where all our tastes converge into one sound.

Q1: 本誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドから聞かせていただけますか?

【REILLY】: 僕は Reilly Herrera。NIGHT VERSES でベースを担当しているよ。僕たちはもう15年も一緒にプレイしているんだ。だけど NIGHT VERSES という名前になったのは 2012年からだね。
“From The Gallery Of Sleep” は僕たちにとって初めてのインストゥルメンタルレコードさ。初夏に Equal Vision Records からリリースされたよ。
正直に言って、Nick, Aric そして僕は子供の頃、全員が異なるタイプの音楽を聴いて育ったね。それこそ TOOL からニューウェーブ、オールドスクールなパンクまで色々だったよ。ただ、10代になるとそれぞれの嗜好が似通ってきて、それで音楽を一緒に作り始めたんだ。
三者三様の音楽のテイストは今日でも変わっていないし、だからお互いに新鮮でいられるんだと思うな。全員のテイストが一つの場所、サウンドへと集束していくんだよ。

Q2: What inspired you to start playing bass guitar? Who was your musical hero at that time?

【REILLY】: I initially started playing guitar but I’ve always been enamored with music in general. I switched to Bass about 10 – 11 years ago out of necessity. We couldn’t find anyone else we wanted to play with us and Nick and I were both playing guitar. The way we started writing then was the beginning of what became Night Verses, and it was a real natural switch. As a bassist – Justin Chancellor, Jeff Caxide, Victor Wooten, and Matt Freeman were the first heavy influences that came to mind.

Q2: ベースを始めたきっかけ、当時のヒーローについて教えてください。

【REILLY】: 僕は最初ギターを始めたんだ。ただ、僕はいつだってテクニックよりも音楽それ自体に魅了されて来たんだよ。ベースにスイッチしたのは10年か11年くらい前かな。必要に迫られてね。
その頃、僕たちはなかなか一緒にプレイしたい人物を見つけられずにいたんだ。Nick と僕が2人ともギターをプレイしていて、だから僕がベースを弾くことにしたんだよ。そうやって作曲を始めたのが NIGHT VERSES の幕開けとなったね。とても自然なスイッチだったよ。
ベーシストとしては、Justin Chancellor, Jeff Caxide, Victor Wooten, Matt Freeman が最初に大きな影響をもたらした人たちだよ。

Q3: The unity of you three seems to be very strong, isn’t it?

【REILLY】: Yes. Essentially we were the only ones left who kept writing music together relentlessly through-out the years. So, influence-wise, I comes from a punk and emo (first wave) background, Nick has this endless obsession with anything heavy and Aric spend most of his time listening to anything from trip-hop to 80s post-punk. I think progressive rock and metal were the only two genres we all shared an interest in throughout the years.

Q3: バンドに残った3人の絆はとても強固なようですね?

【REILLY】: そうだね。重要なのは僕たち3人だけがバンドに残り、何年も徹底的に音楽を作り続けているということだよ。
普段僕はパンクやエモのファーストウェーブ、Nick はヘヴィーなものなら何でも、Aric は大抵トリップホップや80年代のポストパンクを聴いているね。だからプログロックとメタルが唯一僕たちが何年も興味を共有しているジャンルなんだ。

Q4: So, it was big surprise that Douglas left the band, and you decided to become an instrumental band. We think it’s drastic move, but was that change natural for you?

【REILLY】: It was a drastic move from an outside perspective but for all of us it actually was very natural and neutral. Douglas leaving was completely mutual and we had already composed most of our music prior to him writing vocals in the past. It was difficult filling all the space where Douglas would normally be singing, but that was the whole point of deciding to continue on as an instrumental band.

Q4: 仰るように、ボーカリストであった Douglas がバンドを離れましたね。そこからインストゥルメンタルミュージックへの移行はドラスティックにも思えますが、バンドにとっては自然だったのでしょうか?

【REILLY】: 確かにバンドの外から見ればドラスティックな移行だろうけど、僕たち全員にとっては実に自然でニュートラルな変化だったんだよ。
完全にお互いが納得して Douglas はバンドを離れたんだけど、その時点で僕たちはすでに彼がボーカルを入れる事を想定してアルバムの楽曲をほとんど書き終えていたんだ。
通常なら Douglas が歌っているはずのスペースを全て埋めるのは難しかったね。だけどその試みこそが、インストゥルメンタルバンドとして続けることを決めたきっかけになったのさ。

Q5: What made you choose “From the Gallery of Sleep” as a title of your new begging record?

【REILLY】: It’s a kind of written way to represent the albums’ theme – encompassing dream states and the idea of exploring different states of consciousness etc… The title is a example of how we wanted to channel those feelings as any artistic representation of that possible – song titles, album title, samples, and artwork, for example.

Q5: “From the Gallery of Sleep” というタイトルが意味するところを教えていただけますか?

【REILLY】: From the Gallery of Sleep” というタイトルはアルバムのテーマを反映しているんだ。言ってみれは、夢の状態をもたらし、異なる意識を探求するアイデアなんかだね。
このタイトルは、僕たちがそういった感情に、出来るだけアーティスティックな表現方法で繋がろうとした結果の一つを表しているのさ。楽曲のタイトル、楽曲毎に語られるサンプリングボイス、アートワークなどと同様にね。

Q6: Musically, “From the Gallery of Sleep” is perfect art for me. It’s really beautiful, dynamic, intelligent, and eclectic. Definitely, Cult of Luna, Russian Circles, Animals As Leaders, Tool, Brian Eno, and many other elements are mixed very unique your own way. Do you think such a diversity is “Key” of this record?

【REILLY】: Thank you so much for such a compliment. The fact that you listened that closely and were able to pull out those references is very flattering and means a lot. Diversity is definitely key for us, and we don’t ever want to overdo or repeat anything more than necessary. We love writing music and constantly getting new influences and finding ways to implement them. Thanks again, and I think the diversity you mentioned is a testament to us constantly looking for different elements to bring into our art in general.

Q6: 音楽的にアルバムは、CULT OF LUNA, RUSSIAN CIRCLES から ANIMALS AS LEADERS, TOOL, TYCHO  に Brian Eno まで内包し融解させたユニークで完璧なアートだと感じます。
“多様性” という単語は一つのキーワードでしょうか?

【REILLY】: ありがとう!君がそうやって熱心に聴いてくれて、影響の一つ一つを発見してくれたのは実に嬉しいし、大きな意味があるよ。
“多様性” は間違いなく僕たちにとって鍵だと言えるね。これまでも同じことをやり過ぎたり、必要以上に繰り返したりすることを望んだりはしなかったからね。
僕たちは音楽を書くこと、そして新たな影響をコンスタントに取り入れながら楽曲に活かしていくのが好きなんだ。
だから君が多様性に触れてくれたのは本当に嬉しいし、僕たちがアートの中にいつも異なる要素を持ち込んでいることの証拠でもあると思う。

Q7: Regarding eclectic, the contrasts between Prog and Post-rock, Tech and Atmosphere, Fast and Slow, Modern and Organic are really stand out in this record. In other words, Djent and Post-rock are really worn-out methods, but once they are mixed, it becomes very new to me. Did you intend that when you were writing the album?

【REILLY】: It’s never our intent to sound like something else, even one genre in particular. I understand how certain parts can lean towards a certain genre but mixing different elements of music, art and general feelings we want to convey is the most important thing to us. That part is definitely intended, especially since we switched to being an instrumental band as there is no exact lyrical guide for anyone to follow.
The hard part about music today is people want to understand you right away. They want to sum you up based off of your name, artwork and the first 30 seconds of the first song they hear. So it’s weird being an instrumental act because there are such specific factions. So we are kinda just floating between right now, excited to see what types of music listeners connect with this new record.

Q7: さらにその “多様性” を掘り下げますが、テクニックとアトモスフィア、ファストとスロウ、モダンとオーガニックなど対比が生み出すダイナミズムも作品では際立っていますね。言い換えれば、Djent や Post-rock といったある種使い古されたメソッドも、融合させることで新鮮に聞こえます。

【REILLY】: 僕たちは意図して何かのようなサウンドを狙うことはないし、特別なジャンルに拘りもないよ。確かにある特定のジャンルのように聴こえるパートがあるのは理解しているんだけど、異なる音楽的な要素、アートをミックスして僕たちが伝えたい感情を具現化することこそ最も重要なことなんだ。
この部分は本当に大事なんだよ。なぜなら僕たちはインストゥルメンタルバンドへ移行し、リスナーがフォローする歌詞というガイドがなくなった訳だからね。
今日の音楽シーンで難しいのは、リスナーがすぐにバンドを理解した気になることだろうね。アートワーク、バンド名、そしてアルバムの最初の楽曲の最初の30秒で要約し理解しようとする訳さ。だから多様な僕たちはある意味捻くれているよね。まあだから、今はどんなタイプのリスナーがこのアルバムと繋がってくれるのか楽しみにしている部分もあるんだけどね。

Q8: Maybe, Trip-hop, Electronic, and movie soundtracks also become inspiration of “From the Gallery of Sleep”. So, how about Japanese video game soundtracks?

【REILLY】: We’d love to! Have them contact us if you know who to talk to, haha.

Q8: Trip-hop やエレクトロニカもアルバムを彩る重要なファクターですが、例えば日本のゲームミュージックなどはインスピレーションになりましたか?

【REILLY】: というかぜひゲームのサントラを作ってみたいね!興味がある人はぜひコンタクトをとってみて!(笑)

FIVE ALBUMS THAT CHANGED REILLY’S LIFE

AT THE DRIVE-IN “RELATIONSHIP OF COMMAND”

THE LAWRENCE ARMS “OH, CALCUTTA”

ELLIOTT SMITH “ROMAN CANDLE”

TOOL “LATERALUS”

FELA KUTI “BEST OF THE BLACK PRESIDENT”

MESSAGE FOR JAPAN

Night Verses loves you, Japan!

NIGHT VERSES は日本が大好きだよ!

REILLY HERRERA

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CONJURER : MIRE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH BRADY DEEPROSE OF CONJURER !!

“Dan And I Bonded Over Our Mutual Frustration With How Shit The Local Scene Had Become And How Bored We Were With Metalcore. Conjurer Ended Up Being The Product Of This.”

DISC REVIEW “MIRE”

2015年、英国ミッドランズに突如として現れた魅力的なエクストリームミュージックの醸造所 CONJURER は、刺激に飢えたメタル中毒者を酔わせ、瞬く間に熱狂の渦を巻き起こしています。
スラッジ、ドゥーム、ハードコア、プログ、そしてブラック&デスメタル。香り高き金属片の数々をエクレクティックに調合し精製する芳醇なるアマルガムは、Holy Roar 主導で進められる Neo-New Wave of British Heavy Metal の象徴として踏み出す大胆で鮮烈な一歩です。
「僕にとっては GOJIRA と THE BLACK DAHLIA MURDER こそがスターティングポイントだった訳だからね。そして決定的な瞬間は YOB をライブで見た時だった。」
インタビューで Brady が語ってくれた通り、CONJURER が創成したのは圧倒的に面妖で不穏なスラッジ成分、神秘と思索のプログ成分に、相隔相反するファストで激烈なメタルコアの獰猛を配合した超俗の美酒 “Mire”。その崇高なる多様性の香気は、レーベルの理念とも完璧にシンクロしながら厳かに新時代の幕開けを告げています。
アルバムオープナー “Choke” は、この混沌と斬新を見渡す眺望。濾過以前の純粋な憤激。あまりにハングリーなテンポチェンジの妙。
GOJIRA と NEUROSIS の遺伝子を纏った野太くもエッジーな唸りは、不協和音の沼沢、閉所恐怖症のハーモニーを彷徨いながら瞬時にファストで狂乱のブラックメタルへとその色を変えていきます。さらにその底流は Frederik Thordendal のプライドとも合流し、ただ陰鬱で悲惨な音景を表現するためのみに結束を強くするのです。
実際、泥と霧に覆われた不気味で不透明な原始沼をイメージさせる “Mire” というタイトルは、明らかに限られたリスニングエクスペリエンスでは全貌を掴めない、繰り返しの再生を要求するアルバムの深みと間口、そして芸術性を象徴していますね。
「多くのバンドは一つか二つのメジャーな影響を心に留めながら作曲していると思うんだけど、僕たちはどの瞬間も30ほどの影響を考慮しながらやっているんだ。」との言葉を裏付けるように、バンドは様々な風景をリスナーの脳裏へと刻み続けます。
“Hollow” で示されたドゥーミーなメランコリー、クリーントーンの旋律はポストロックの景観さえ抱きしめた、陰鬱なアルバムに残る微かな希望。しかしその幽寂なるサウンドスケープは、やがて宿命の如く地の底から襲い来るブラッケンドハードコアの波動、濁流に巻き込まれ押し流されてしまうのです。その落差、静と動、速と遅が司るダイナミズムの効果はまさしく無限大。
それにしてもバンドの落差を支えるリズム隊は破格にして至妙。特に様々なリムショットを華麗に使い分け、楽曲のインテンスを高める Jan Krause のドラムワークは新たなヒーローの名に相応しい創造性に満ちていますね。
“Thankless” で敬愛する MASTODON に感謝なき感謝を捧げ、”The Mire” で再びホラー映画のテンポチェンジをショッキングに見せつけた後、アルバムは終盤にハイライトを迎えます。
静謐の谷と激情の山脈を不穏に繰り返し行き来する “Of Flesh Weaker Than Ash” で 「GOJIRA はデス/ブラックメタルの要素を作曲に活用しながら、ヘヴィーな音楽を実にキャッチーに変化させることが出来ると教えてくれた訳さ。」の言葉通りエクストリームメタルのフック、イヤーキャンディーを張り詰めたテンションの中で実現し、SLEEP のファズサウンドをフューネラルドゥームの寂寞とプログスラッジのエピックに封じた “Hadal” でレコードは新世界への扉を開きながらは威風堂々その幕を下ろすのです。
今回弊誌では、ギター/ボーカル Brady Deeprose にインタビューを行うことが出来ました。「ギター/ボーカルの Dan Nightingale と僕は、当時同じようなフラストレーションを抱えて仲良くなったんだ。ローカルシーンがいかにクソになったか、メタルコアがいかに退屈かという鬱憤だよ。」 どうぞ!!

CONJURER “MIRE” : 9.9/10

INTERVIEW WITH BRADY DEEPROSE

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about yourself and your band? What kind of music did you listen to when you were growing up?

【BRADY】: We’re 4 guys based in and around Rugby which is in The Midlands, England, UK. We all have vastly different tastes, backgrounds, and personalities and it’s kind of a miracle that this band is as functional as it is. We make heavy music and try to be as uncompromising as possible in our collective vision of what this band should be.
I first got into music when my Dad used to play me his Adam And The Ants & Oasis cassettes but it wasn’t until he got Permission To Land by The Darkness that my eyes were really opened to rock music. From then on, especially going into secondary school, I got into heavier and heavier music starting with bands like Bullet For My Valentine, Trivium, and Enter Shikari and progressing through to Gojira and The Black Dahlia Murder, the acts that kind of kicked of my love of more extreme music.

Q1: 本誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドから聞かせていただけますか?

【BRADY】: 僕たちはイングランドのウエストミッドランド、ラグビー周辺をベースとした4人組さ。全員が非常に異なるテイストやバックグラウンド、そして個性を持っているよ。
だから、このバンドがありのままの4人を抱えてそれでも機能しているのは奇跡のようなものだね。ヘヴィーな音楽を創造しているんだけど、とにかくバンドが何をすべきかという集団的ビジョンにおいて、出来るだけ妥協を許さないようにしているよ。
僕の最初の音楽との出会いは、父が良く聴かせてくれていた ADAM AND THE ANTS と OASIS のカセットテープだったね。だけど僕が本当にロックに開眼したのは、彼が THE DARKNESS の “Permission to Land” を聴かせてくれてからなんだ。それ以来、特に中学生の間はどんどんヘヴィーなバンドにのめり込み、バンドを始めるようになったのさ。
BULLET FOR MY VALENTAIN, TRIVIUM, ENTER SHIKARI, さらにそこから GOJIRA, THE BLACK DAHLIA MURDER といったバンドにね。そういったバンドたちが僕のエクストリームミュージックへの愛を深めてくれたのさ。

Q2: It all started with Facebook. Brady asked if anyone would like to form a death metal band in the vein of Gojira and The Black Dahlia Murder. Off course, later your music became more diverse, but why did you choose these two at first?

【BRADY】: Like I said, these two band were the starting point for me when it came to more extreme music – I’d always been fascinated by death metal but found blastbeats and that kind of intense, claustrophobic songwriting too difficult to get into. Gojira showed me that you can use those elements with a focus on songwriting and make heavy music really catchy. Dan (Nightingale, Guitar/Vocals) and I bonded over our mutual frustration with how shit the local scene had become and how bored we were with metalcore, which is what we’d mainly been doing beforehand – Conjurer ended up being the product of this. The defining moment, certainly for me, was when we saw Yob play at The Underworld – that performance was so powerful and life-affirming, we just had to make this band a reality. Also, Bast opened that show, who are a great UK doom band if you don’t know them.

Q2: 仰るように、GOJIRA と THE BLACK DAHLIA MURDER はバンドの始まりに大きな影響を与えたようですね?

【BRADY】: そうなんだ。さっきも言ったけどその2つのバンドこそ、エクストリームな音楽に関しては、僕にとってはスターティングポイントだった訳だからね。
というのも、それまで僕は確かにデスメタルに魅了されていたんだけど、ブラストビートやああいった強烈で閉ざされたソングライティングはなかなか理解出来ずにいたんだよ。
GOJIRA はそんな僕に、そういった要素を作曲に活用しながら、ヘヴィーな音楽を実にキャッチーに変化させることが出来ると教えてくれた訳さ。
ギター/ボーカルの Dan Nightingale と僕は、当時同じようなフラストレーションを抱えて仲良くなったんだ。ローカルシーンがいかにクソになったか、メタルコアがいかに退屈かという鬱憤だよ。その2つこそ、それまで僕たちが関わっていたものなんだけどね。そして CONJURER こそがそのフラストレーションの産物なんだよ。
僕にとって、後の CONJURER を決定づけた瞬間は YOB が The Underworld でプレイするのを見た時だろうな。とてもパワフルで、人生を肯定するようなパフォーマンスだったね。それでこのバンドを実現しなくてはと思ったのさ。
それに BAST がそのライブのオープニングを務めたんだ。偉大な UK のドゥームバンドなんだよ。(2014年、他に PALLBEARER も出演。)

Q3: OK, let’s talk about amazing debut full-length, “Mire”. At the top of the list is 5-K in the Kerrang!, lot’s of fans and critics praised your record so much. Even some says you are a savior of Metal, haha. Did you expected such a great reactions?

【BRADY】: Honestly not at all. I think a lot of bands start out with some sort of game-plan or aspirations for the project – we honestly just wanted to make cool music and as long as we’re doing that, we’re happy. Obviously, it’s been really cool to get the reception we’ve had to the record and the live shows, but it’s not why we do this. I’ve always said we’d be giving the same performance to 5 people in the back room of a local pub if that was all on offer to us, we fucking love these songs.

Q3: では素晴らしきデビューフル “Mire” について話しましょう。Kerrang! での “5K” を皮切りに、多くのファン、評論家から絶賛される作品となりましたね?

【BRADY】: 正直、こんな反響は予想もしていなかったよ。多くのバンドがゲームプランやある種の願望を持って活動を始めると思うんだけど、僕たちは正直ただクールな音楽を作りたかっただけで、そうある限り満足なんだよ。
明らかに、僕たちのレコードやライブがそういった歓迎を受けて来たのはクールだよ。でもだからって、そのためにこのバンドをやっている訳じゃないからね。
いつも言っているんだけど、僕たちは例えローカルパブの後方に陣取る5人のためにだって、同じパフォーマンスを披露するよ。ただ僕たちはこの楽曲たちをとても愛しているんだよ。

Q4: It seems there is kind of “Dark” “Gloomy” synchronicity between artwork, album title, and lyrics. Could you tell us about the theme of “Mire”?

【BRADY】: This is quite a weird one as there was no intentional or specific theme. We started writing and just didn’t stop, pretty much from day 1. When we decided to do the EP, we had several tracks that ended up on Mire finished and ready to record – it’s just that the 4 on the EP were the only ones that really worked together. So when it came to doing a full record, we only had a few songs left to finish off. This was great as we could get everything moving quickly, but did mean that nothing was particularly cohesive, which makes it really cool when people tell us how much the record sounds ‘like an album’ – it’s literally just a collection of songs. What I will say, however, is that we spent a fucking long time on the track listing, trying to make the songs flow together in a logical way as well as ensuring they fit on an LP.
The artwork is a concept based on the lyrics to ‘The Mire’, which is Dan’s interpretation of the Lyke-Wake Dirge – an old English folk song that depicts the soul’s journey from Earth to Purgatory. Rodrigo Almanegra did the artwork and we’re extremely pleased with it, he also did a sketch for each track which sit opposite their respective lyrics in the booklet. Speaking of lyrics, there’s no set concept for the record and really nothing that would be off-limits for us to talk about going forward. The record deals with folklore, nature, the idea of existence under a creator, fame & The Media, and loads more – I guess the thing tying everything together is, as you said, that it’s rooted in misery.

Q4: アートワーク、タイトル、リリックに音楽。”Mire” はダークでグルーミーなムードがある種シンクロしているようなレコードですね?

【BRADY】: 不思議なことに、この作品には特定の意図やテーマといったものは設けられていないんだ。僕たちは作曲を始めたその日からその勢いはとどまる事がなかったね。
EP “I” をリリースすると決めた時、すでに “Mire” を完成させるための楽曲がいくつかあったんだ。というのも EP に収録したのは4曲のみだったからね。だからフルアルバムを作るとなった時に、完成させなければならないのは本当に何曲かのみだったのさ。
もちろん、迅速に全てを進めることが出来たのは良かったんだけど、逆に言えばこの作品は特別な ‘纏まり” を意図して作られた訳ではないんだよ。だからみんなが、このアルバムがいかにアルバムらしい作品か話してくれるのは本当にクールなんだ。文字通り、楽曲をただ集めただけなんだけどね。
ただし、僕たちは本当に長い時間をかけて楽曲を聴き、論理的かつ LP に確かにフィットするよう楽曲の流れを考慮したんだよ。
アートワークは “Mire” の歌詞をベースのコンセプトとして描かれたんだ。そのコンセプトとは、Dan が地球から煉獄への魂の旅を描いた古いイギリスの民謡 “Lyke-Wake Dirge” を解釈したものなんだけどね。Rodrigo Almanegra がアートワークを手がけたんだけど、本当に満足しているよ。彼は各楽曲をイメージしたスケッチも残してくれてね。それはブックレットの歌詞の反対側に載せているよ。
歌詞について言えば、このレコードにコンセプトはないんだ。そして、今後も僕たちがテーマを限定されることはないよ。アルバムは、フォークロア、自然、クリエイターとして生きること、名声とメディア、そしてさらに多くのものを扱っているんだ。そして、君の言った通り、確かに全てが “悲惨” に根ざしているという意味では纏まっているんだよ。

Q5: Generally, Metalcore, Death metal is fast, aggressive and Doom, Sludge is slow, depressive. That’s why no one haven’t mixed these two elements. But you did it very organic way. What inspired you to mix such a contrasting aspects?

【BRADY】: The inspiration comes, quite simply, from the fact that we all have such varying tastes in music. I think a lot of bands come together with one or two major influences in mind – we’re attacking writing with 30 in mind at any given moment, and they’re always involving or being added to. This means we’re always open to new ideas and have no trouble trying lots of different stuff to try and find something exciting or new.

Q5: ファストでアグレッシブなメタルコアと、スロウでディプレッシブなドゥームはある意味正反対で、故にこれまで誰もミックスして来なかった訳ですが、CONJURER は実に自然にその融合を果たしていますね?

【BRADY】: 実にシンプルな話だよ。その試みのインスピレーションは、僕たち全員がバラエティー豊かに音楽を聴いているからこそ降りて来たんだよ。
恐らく、多くのバンドは一つか二つのメジャーな影響を心に留めながら作曲していると思うんだけど、僕たちはどの瞬間も30ほどの影響を考慮しながらやっているんだ。そしてそれらはいつも関係し、付加されながら完成に近づいて行くんだよ。
つまり、僕たちはいつも新たなアイデアにオープンだし、多くの異なる要素を試したり、エキサイティングで新たな何かを発見することを全く恐れないんだよ。

Q6: Also, from sludge, doom, to prog, black, death, hardcore, metalcore, your music has wider variety, more diverse world. Actually, I think such eclectic sound, diversity is cutting edge of metal scene, and definitely you are in the front line of it. Do you agree that?

【BRADY】: That’s very kind of you to say. While we’re certainly not the first band to cut down on traditional musical barriers we do it with a lot of care and attention to detail. Every single bar is argued over and practised and streamlined and perfected over many many months. We don’t like to waste time and would rather re-write a song that isn’t totally perfect that just live with it – this is essential when you don’t fit squarely into one genre as you can end up sounding like you’ve just tacked loads of different ‘bits’ together.
The real thing to mention here is that we don’t actually see any of what we do in terms of ‘genre’ – everything is just different techniques or ways of achieving a certain feel/mood. It’s only after a song is complete that we can sit back and say, ‘Okay, this is the Thrash bit and this is the Black metal bit…’ etc.

Q6: 仰る通り、スラッジ、ドゥームからプログ、デス、ブラック、ハードコーアにメタルコアと幅広いエクレクティックなサウンドはまさにメタルシーンの最前線に位置していますよね?

【BRADY】: そう言ってもらえるのは本当に嬉しいよね。ただし、トラディショナルな音楽のバリアを取り放ったのは僕たちが初めてではないんだよ。ただし、僕たちは非常に注意深く、細部までケアしながらその試みに挑戦しているんだけどね。
どのパートも何ヶ月に渡って議論、精査され尽くされているんだよ。もちろん時間を無駄にするのは嫌いだけど、完璧ではない楽曲をそのままにしておくよりは、書き直すことを選ぶね。あるジャンルが完璧にハマらない時、別の異なる要素を試してみるのは必然だからね。
ただし、ここで必ず言及すべきことは、制作中、僕たちが実際には “ジャンル” の面で何をしているのかわかっていないということだね。すべては異なるテクニック、もしくはその時々のある気分やムードを達成する方法でしかないんだよ。
「OK、ここはスラッシュメタルで、これはブラックメタル…」などと理解するのは、曲が完成した後なんだよ。

Q7: Is there anything you’re particularly proud of on the record? In your writing process, does everyone contribute to composition?

【BRADY】: The majority of the writing is Dan and Jan (Krause, Drums), but I put in a few bits on the record, specifically the majority of ‘Of Flesh Weaker Than Ash’ which I’m incredibly proud of. We do all add in ideas and structural bits as the rehearsing process goes on but yeah, Dan and Jan are the creative driving forces behind Mire. I think the fact that we’ve actually made a record we can all agree on is a fucking miracle so I’m sure all the guys would agree that we’re proud of that.

Q7: ライティングプロセスには全員が貢献したのでしょうか?

【BRADY】: 作曲の大半は Dan と ドラマーの Jan Krause が行ったんだけど、僕もこのレコードにはいくつかインプットを行ったよ。特に “Of Flesh Weaker Than Ash” は大半が僕の作曲だから、とても誇りに思っているんだ。
それにもちろん、バンド全員がリハーサルのプロセスからアイデアや構成の部分で貢献しているよ。ただ、Dan と Jan が “Mire” のクリエイティブなエンジンであったことは間違いないね。
僕は全員が納得のいくレコードを生み出せた事実は、ある意味奇跡だと思うんだ。だから全員が当然この作品を誇りに思っていると信じているんだ。

Q8: So, Holy Roar Records definitely catches a great deal of attention from metal scene. And you are one of the headliner of the label. What’s your perspective about the label’s view and rooster?

【BRADY】: It’s such an amazing place to be as a new band – Holy Roar only want to push and nurture creativity which is exactly what we’re about. Their attitude is completely aligned with ours too: no bullshit, absolute quality, fuck the norm. The roster is of an unbelievably and consistently high quality, I’m certain that this era will be looked back on as a really important time for UK heavy music in years to come.
With regards to hilights on the roster, I’ve been listening to both the upcoming OHHMS & Pijn records while writing this interview – these are two utterly phenomenal bands in the uk post-music scene that we’ve been lucky enough to tour with and their new albums both push their sounds into exciting new territories. I wholeheartedly recommend you check them out.
If Holy Roar is a label that excites you, you can subscribe via their bandcamp and get a new release each month mailed direct to you before they’re available to the public. You also get cool behind-the-scenes shit and a discount on merch. Through this service, I’ve discovered Apologies I Have None and Haast’s Eagled, both bands which I’m now a huge fan of and possibly wouldn’t have listened to otherwise.

Q8: 所属する Holy Roar Records もあなた達と同様、メタルシーンから大きな注目を集めていますよね?

【BRADY】: 新しいバンドにとってこんなに素晴らしいレーベルはないよ。Holy Roar はただクリエイティビティーをプッシュし、育みたいだけなんだ。まさに今の僕たちみたいなバンドのね。彼らのアティテュードは、僕たちのそれと完全に一致しているんだ。クオリティーが全て、規範なんてクソ喰らえってね。
実際、ロースターは最高だし、常に高いクオリティーを誇っているね。僕は何年かして振り返った時に、今この時代が UK のヘヴィーミュージックにとって本当に重要な時期だったとなるに違いないと思うね。
ロースターのハイライトについてだけど、ちょうど僕は OHHMS と PIJN の新作を聴いていたところなんだ。本当に彼らは UK のポストミュージックシーンにおいて絶対的に偉大なバンドだよ。彼らとツアー出来て実にラッキーだったね。彼らの新作は両方とも、さらにそのサウンドをエキサイティングで新たな領域へとプッシュしているね。心からチェックすることを勧めるよ。
もし Holy Roar のアーティストが気に入ったなら、リリースより早く毎月音源が送られてくるようなサブスクリプションも Bandcamp に用意されているからね。マーチも安くなるし。僕もそのサービスで、今では大ファンの APOLOGIES I HAVE NONE と HAAST’S EAGLED を見つけたからね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED BRADY’S LIFE

KENDRICK LAMAR “TO PIMP A BUTTERFLY”

THE DARKNESS “PERMISSION TO LAND”

GOJIRA “THE WAY OF ALL FLESH”

THE BLACK DAHLIA MURDER “RITUAL”

THE DECEMBERISTS “THE HAZRDS OF LOVE”

MESSAGE FOR JAPAN

Hello! Thank you for taking the time to read this – we would fucking love to get out and tour in Japan in the next couple of years. I hope you enjoy our record, the next one will be much better.

やあ!時間を割いて僕たちのインタビューを読んでくれてありがとう!これから何年かのうちに、日本ツアーを実現させたいと本当に願っているよ!レコードを楽しんで。次のアルバムはもっと良くなるよ。

BRADY DEEPROSE

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MICHAEL ROMEO (SYMPHONY X) : WAR OF THE WORLDS / PT.1】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MICHAEL ROMEO OF SYMPHONY X !!

“I’ll Take a Great Song Over Anything Else. The Technique And All That Stuff Is Fine, But Using It In a Tasteful And Musical Way Is What Is Important. “

DISC REVIEW “WAR OF THE WORLDS / PT.1”

Michael Romeo は自己超克を命題に刻む、ストイックなギターウィザードです。一定のスタイルを確立した後、そのクオリティーを安住の地とするプレイヤーが多い中、SYMPHONY X のマスターマインドはイノベーションを続けます。
90年代初頭、Yngwie Malmsteen と John Petrucci のハイブリッドとしてシーンに登壇した Michael は、プログメタル第ニの波にシンクロした SYMPHONY X 共々着実にその地位を築いて行きました。
PANTERA の獰猛かつ理知的なリフエージを自らのファンタジーへと取り込んだ “The Divine Wings of Tragedy” は序章にしてエレガントなマイルストーン。”ユリシーズ” をテーマにシンフォニックな24分の大曲をリリカルに演じる “The Odyssey”、そして TOOL や DISTURBED のコンテンポラリーで数学的なリフロマンスが冴え渡る “Paradise Lost”。
「僕にとっては、異なることに挑戦したり、新しく興味深い何かを創造したりといったことの方が大きな意味があるんだよ。」と語る通り、Michael は SYMPHONY X を通してその豊潤なビジョンと、アップデートを重ねた先鋭なる時代性を表現して来たのです。
94年に、今は亡きゼロ・コーポレーションからリリースしたクラシカルな “The Dark Chapter” をノーカウントとしてソロデビュー作の肩書きを得た “War of the Worlds/Pt.1” は、まさにそのビビッドな開拓的スピリットを体現した作品だと言えるでしょう。
インタビューで、「僕はこのアルバムでメタルに映画音楽の要素をミックスしたかったんだ。」 と語ったように、実際 “War of the Worlds/Pt.1” こそが、チャレンジングかつ前人未到のオーケストラルなシネマティックメタルであることは明らかです。
もちろん、RHAPSODY のようにクラッシックや民族音楽を、オーケストラルにメタルファンタジーへと落とし込む手法はこれまでもありました。しかし、Bernard Hermann や John Williams, Hans Zimmer といった、コンテンポラリーなシネマミュージックの息吹を濃厚に抱きしめる Michael の手法と慧眼は、近年の多様でカラフルなモダンメタルレボリューションの中でも際立っていますね。
アルバムを通して奏でられる印象的なテーマ、モチーフを内包した、ダークで荘厳な “Introduction” はスターウォーズメタルのファンファーレ。アルバムのテーマは “Conflict” “紛争”。”彼ら” と “私たち”、立場、人種、種族、生い立ち、様々な違いにより争いを余儀なくされる無慈悲なドラマはそうしてオーケストラルにその幕を上げます。
刹那、プログメタルのカタルシスを満載した “Fear of the Unknown” が鳴り響くと、リスナーは慣れ親しんだ “X のシンフォニー” に酔いしれるでしょう。ただし、Russell Allen に比べてよりデリケートでメロディックな Rick Castellano のボーカルアプローチは喝采と共に新鮮に映るはずです。
よりシリアスで陰鬱な領域を探求する “Black” はスターウォーズメタルの象徴かもしれませんね。壮大なオーケストレーションとギターの共闘で迫り来る闇を表現したイントロから、ファストにイマジネーティブに畳み掛けるメタルの牙はあまりにスリリング。
さらに、EDM/dubstep を大胆にそのメタルオーケストラへと導入した “Fucking Robots” は創造性と享楽の両面からアルバムのハイライトと言えるかも知れません。プログメタル、オーケストラ、EDM が三位一体となり、ビッグでキャッチーなコーラスを伴いながら畳み掛けるそのインパクトはまさに圧巻のトライデント。
シンフォニックなインタルードでシームレスに繋がり映画の体をしたアルバムは、オリエンタルトライバルな “Djinn”、胸を打つ壮大なパワーバラード “Believe”、TOOL のメソッドをメロディックメタルに封入した”Oblivion” と、いくつかのモチーフを音楽的に拡大し、オーケストラとメタルのシンクロ度をさらに高めながらエピックな世界を創り上げて行くのです。
そうしてアルバムは、”Constellations” で二者を完璧なまでに融合し、その幕を閉じました。
ARK, Yngwie との仕事で知られる達人 John Macaluso, 実は同じ学校に通っていたというBLSの John JD DeServio のオールスターキャストもファンにはたまりませんね。今回弊誌では、マエストロ Michael Romeo にインタビューを行うことが出来ました。「テクニックとか、ギターに纏わる様々な事柄も良いけど、それを絶妙に、音楽的な方法で使用することこそ重要なんだ。」どうぞ!!

MICHAEL ROMEO “WAR OF THE WORLDS / PT.1” : 10/10

INTERVIEW WITH MICHAEL ROMEO

Q1: First of all, off course, you are a mastermind of Symphony X. So, it seems you can make anything you want in the band, I think. What made you create your own solo record in this timing?

【MICHAEL】: The band was taking a break last year, as some of the guys were doing other things, so this gave me the time to work on a solo album. It is something I’d been thinking about doing over the years, but never really had the time… as I had always spent alot of time writing, recording and touring with Symphony X. So, with the band taking a little break, as well as having alot of ideas for the music, I did this album.

Q1: あなたは SYMPHONY X の中心人物で、バンドの方向性をある程度自由に決定出来る立場にあると思います。まずは、そういった立場にありながら、このタイミングでソロアルバムをリリースすることに決めた理由から伺えますか?

【MICHAEL】: 昨年、SYMPHONY X は休息を取っていたんだよ。メンバーの内、何人かが別のプロジェクトをやっていたからね。だからソロアルバムを制作する時間が取れることになったんだ。
実際、ソロアルバムは何年も前から作りたいと思っていたんだ。ただ、時間がなかなか取れなかったんだよ…というのも、僕はいつも SYMPHONY X での作曲、レコーディング、そしてツアーに多くの時間を割いて来たからね。
だから、今回バンドが休息を取るタイミングで、音楽的なアイデアも沢山浮かんでいたからソロ作品を作ろうと決めたのさ。

Q2: I remember “The Dark Chapter” which was released in Zero Corporation, 1994. But your new record “War of the Worlds / Pt.1” is announced first official solo record, right?

【MICHAEL】: Yeah, The Dark Chapter was more of a demo to me. It was something I had done, way back when, in my old apartment with not much gear… just me having fun playing. Shortly after Symphony X released our first CD, our label at the time, Zero Corp., asked me about putting that demo out, I said ‘sure’… but to me it was always just a demo. I consider this as my first real solo album, – with real players, proper production, and all that stuff.

Q2: あなたが1994年にゼロ・コーポレーションからリリースした “The Dark Chapter” というソロ作品を覚えていますよ。しかし、公式には今回の “War of the Worlds / Pt.1” が初のソロアルバムとアナウンスされていますよね?

【MICHAEL】: うん、”The Dark Chapter” は僕にとってよりデモに近い作品だったんだ。確かに僕の作品だけど、振り返ってみるとあのアルバムは、昔のアパートで機材もほとんど無い状況で制作したんだ…ただプレイを楽しみながらね。
SYMPHONY X がファーストアルバムをリリースした直後、当時のレーベルだったゼロ・コーポレーションがそのデモをリリースしないかと持ち掛けて来た訳さ。僕は “もちろん” と答えたよ。だけど、僕にとってあのアルバムはあくまでもデモなんだ。
だから僕はこの “War of the Worlds / Pt.1” を真の最初のソロアルバムだと考えているんだよ。リアルなプレイヤー、適切なプロダクションを備えたね。

Q3: Perhaps, lot’s of fans anticipated your solo record would be instrumental album. But we can get almost vocal oriented, year’s best record! Along with that, it’s a perfect mix between metal and cinema, right?

【MICHAEL】: I really wanted to do a record like this, with songs and vocals… and with a very cinematic feel. That was the idea from day one. When I first started wrting for this album, I wanted it to be very orchestral, very cinematic. There would be the usual big heavy riffs, guitar stuff, and progressive elements, but alot more interplay with the guitar and orchestra. And I wanted that orchestral flavor to have a ‘sci-fi’ or an ‘epic space’ vibe. You know… a bit of the ‘Star Wars’ thing. I wanted to give some of the music a ‘film score like’ quality. So, I wasn’t too worried about not doing an instrumental album because I knew with this stuff, the guitar was still going to be very upfront… even within the songs and within the orchestral sections, there is alot of guitar happening.

Q3: 多くのファンはインストゥルメンタルのアルバムを予想していたでしょうが、実際はボーカルを起用し、メタルと映画が素晴らしく融合した最高のレコードが届けられましたね?

【MICHAEL】: 僕は本当にこういったレコードを作りたかったんだよ。非常にシネマティックな感覚を持ったボーカル入りの楽曲たちをね。このアイデアは制作の最初期から変わっていないんだ。
このアルバムの作曲を始めた時、僕は作品をとてもオーケストラルでシネマティックにしたかったんだ。もちろん、ビッグでヘヴィーなギターリフ、プログレッシブなエレメントを使用しながら、だけど同時に沢山ギターとオーケストラが絡み合うインタープレイがあるようなね。
そして僕は、そういったオーケストラルなフレイバーに、SF とか宇宙譚のバイブを持たせたかったのさ。まあ言ってみれば、”Star Wars” のような感じかな。そしていくつかの楽曲には、映画音楽のようなクオリティーを与えたかったんだ。
だからインストゥルメンタルじゃないからといって特に心配はしなかったね。なぜなら僕はこのマテリアルを完全に理解していて、ギターはそれでも非常に前面に出ているからね。リード以外の楽曲やオーケストラセクションの中でさえね。本当に沢山のギターが詰まっているからね。

Q4: It seems you paid homage to film score giants Bernard Hermann and John Williams. And your film score influence fits the theme “conflict” inspired by the novel by H.G. Wells perfectly. Do you agree that?

【MICHAEL】: I think it all works together in a cool way. Like I said, I wanted the music to have a bit of that film-score element mixed with metal, so I looked to the guys who have inspired me over the years and tried to incorporate some of that into this album. John Williams and his music for Star Wars is one of my favorites, so putting this album together and knowing I was working with the War of the Worlds as the title, it all seemed to fit together perfectly.

Q4: 映画音楽の巨匠 Bernard Hermann と John Williams への素晴らしいオマージュだとも言えそうですね。さらに、作品のテーマである “紛争” は、H.G. Wells の小説 “宇宙戦争” からインスピレーションを得たそうですが?

【MICHAEL】: 本当に、この作品はそういったインスピレーションの数々が全てクールに噛み合った結果だと思うよ。さっきも言ったけど、僕はこのアルバムでメタルに映画音楽の要素をミックスしたかったんだ。
だから、僕を何年にも渡り感化し続けてくれた偉人たちをある意味当てにしたし、彼らから影響を受けた要素を作品に取り込もうとした訳さ。
John Williams と彼が “Star Wars” に提供した楽曲は僕のフェイバリットの一つなんだよ。だからこのアルバムに取り入れたし、”War of the Worlds” (宇宙戦争) というタイトルにも当然完璧にハマった訳さ。

Q5: In this colorful, eclectic record, EDM/dubstep elements are really surprising! It’s really great that you don’t fear the challenge, but are you big fan of EDM?

【MICHAEL】: Not a big fan, although some of what I’ve heard it pretty cool. Years ago, I overheard my kids listening to some electronic music, the dubstep stuff. I thought it would be cool to try something like that with the solo album, but maybe add some guitars, a little orchestra and a vocal. Just trying to put things together and try to create something different.

Q5: そういったメタルと映画音楽をミックスする試みの中で、EDM/dubstep の要素には驚かされました。チャレンジを恐れない姿勢が素晴らしいですね!実際、あなた自身 EDM のファンなのでしょうか?

【MICHAEL】: 大好きという訳ではないよ。だけど今まで聴いて来たものの中で、とてもクールな音楽もあったね。
何年か前のことだけど、僕の子供たちがエレクトロニカやダブステップを聴いているのをふと耳にしたんだよ。それで、こういった要素もソロアルバムでトライしてみたらクールだろうなと思ったんだ。
ただし、ギターやちょっとしたオーケストラ、ボーカルも加えた方が良いだろうなと。それでそういった要素を纏めて、普段と異なる感覚を生み出そうとしたんだよ。

Q6: Rick Castellano is definitely rising star. He has wide range of voice, emotion. And it seems more melodic compared with Russell Allen. How did you find him?

【MICHAEL】: I met Rick about 7 years ago. I was jamming with some old friends, just hanging out, a few beers, having fun one weekend. It was here a friend introduced me to Rick. We spent the day jamming on some tunes – Sabbath, Priest, Rush… all that kinda stuff. I thought Rick was really great and we stayed in touch. I remember thinking… ‘if I ever did a solo project or something, I’d give Rick a call’… so I did, and we all had a great time recording this record.

Q6: 作品でボーカルを務めた Rick Castellano はライジングスターと呼べそうですね?レンジも幅広く、Russell Allen に比べてよりメロディックなアプローチを取っているようにも思えます。

【MICHAEL】: 初めて Rick に会ったのは7年くらい前になるね。その時僕は旧友たちとジャムっていたんだ。ただみんなでたむろって、ビールを飲みながら楽しい週末を過ごしていたんだよ。それでその中の友人の1人が Rick を紹介してくれたのさ。その後僕たちは、一日中色んな曲を一緒にジャムったんだ。BLACK SABBATH, JUDAS PRIEST に RUSH…そんな感じの楽曲をね。
それで僕は Rick は本当に素晴らしいシンガーだと感じて、連絡を取り合うことにしたんだよ。こう考えたのを覚えているよ。「もし僕がソロプロジェクトのようなものをすることがあれば、Rick に電話しよう。」とね。だからそうしたのさ。そしてメンバー全員が今回のレコーディングを心から楽しんだんだ。

Q7: Definitely, your guitar playing has been evolved still now! So, guitar music has gone through djent movement. Among them, new talents like Animals As Leaders, Plini was born. On the other hand, some people says guitar music is old fashioned or dead. What’s your perspective about the future of guitar music?

【MICHAEL】: Ah yes… the ‘guitar is dead’ thing. Ha! There is some truth to it in that, mindless technical guitar noodling has lost it’s appeal. But I think guitar music can still be great and interesting if the music has something to say. I’ll take a great song over anything else. The technique and all that stuff is fine, but using it in a tasteful and musical way is what is important. Trying different things and creating something new and intersting is more important to me. Just be creative with the tools you have.

Q7: あなたのギタープレイは現在でも進化を続けていますね。ギターミュージックはここ数年、Djent ムーブメントを経て ANIMALS AS LEADERS のような新たなタレントを生み出しました。一方で、ギターミュージックは古臭い、死んだと言及する音楽ファンもいますよね?

【MICHAEL】: あぁ、そうだね…うん、所謂 “ギターは死んだ” ってやつだよね。笑わせるよね!いや、確かに真実もいくらかは含まれているよ。スピリットの感じられない即席のテクニカルギターはその魅力を失って来ているよ。
だけどね、それでも僕はギターミュージックは、そこに伝えたいメッセージが込められているならば、今でも偉大で興味深い存在になれると思っているんだ。
僕は何よりも、素晴らしい楽曲を作りたいと思っているよ。テクニックとか、ギターに纏わる様々な事柄も良いけど、それを絶妙に、音楽的な方法で使用することこそ重要なんだ。だから僕にとっては、異なることに挑戦したり、新しく興味深い何かを創造したりといったことの方が大きな意味があるんだよ。
つまり道具は道具さ。君が持っているツールを活用して、ただクリエイティブになろうぜ!

Q8: Anyway, Is “Pt.2” and Symphony X’s new record cooking up? What’s your plan?

【MICHAEL】: When I first started writing music for this, I just kept writing every day for about 5 months. When I went back and looked at everything I had, there was enough music written for two albums. At that point I knew it was going to be broken down into two seperate parts, but we went ahead and recorded the drums, bass, and most of the guitars and vocals for everthing. So, although alot of it is recorded, there is still some work to be done. About Symphony X, we’ve been talking alot lately and will have some plans soon.

Q8: “War of the Worlds” の “Pt.2″、そして SYMPHONY X の新作もファンは待っていますよ。

【MICHAEL】: この作品に取り掛かったころ、僕は5ヶ月に渡って毎日ただ作曲を続けていたんだよ。その5ヵ月が終わり、仕上がったマテリアル全てを考慮すると、アルバム2枚分の音楽はゆうにあることに気づいたんだ。
その時点で、この作品は2つの別々のパートに分かれることはわかっていたんだけど、僕たちは先んじて全体のドラムス、ベース、そしてギターとボーカルの大半をレコーディングしてしまったんだ。まあ、大半のレコーディングが済んでいるとは言え、まだ “Pt.2” の完成までには色々とやらなければならない仕事があるんだけどね。
SYMPHONY X については、僕たちは最近、新たな動きについて沢山話しているんだよ。だからこれからの計画もすぐに明らかになると思うよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED MICHAEL’S LIFE

KISS “ALIVE Ⅱ”

(For Making Me Want To Play Guitar In The First Place)

OZZY OSBOURNE “BLIZZARD OF OZZ”

YNGWIE MALMSTEEN “RISING FORCE”

RUSH “HEMISPHERES”

STAR WARS (ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK)

MESSAGE FOR JAPAN

Yes, we had a great time at Loud Park and hope to see everyone again soon! And, off course, a big thanks to all the fans and friends in Japan, Symphony X definitely got it’s start there and I will always be grateful for that… so thank you!

Loud Park では素晴らしい時間を過ごせたし、みんなにまたすぐ会えたらと願うよ! そしてもちろん、日本のファン、友人全員に大きな感謝を伝えたいね!
SYMPHONY X は間違いなく日本から始まったんだ。そして僕はその事実をこれからも感謝し続けるだろうね…とにかく、ありがとう!

MICHAEL ROMEO

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ENSLAVED : E】JAPAN TOUR 2018 SPECIAL !!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH IVAR BJØRNSON OF ENSLAVED !!

“We Knew The Style Of Music Would Be Related To The Black And Death Metal Movement, But We Also Knew That Our Lyrical Content And Concept Would Have To Be Different From These Genres.”

DISC REVIEW “E”

聳え立つ九つの頭首。中央の頭は不死、他の八つは一撃を受けると増殖して生え変わる。ENSLAVED は神話のヒドラを想起させる骨太のリビドーで、メタルシーンを闊歩する規格外の怪異です。
90年代初頭、ノルウェーの地下ブラックメタルシーンから這い出た幻妖は、シンセサウンドを吸血した異端のシンフォブラックでシーンに顕現し、徐々に知的で濃密なプログレッシブサウンドへと傾倒していきました。
インタビューにもあるように、骨子となるブラックメタル初期の原衝動を護持しつつ、バンドが遭遇し見渡す百色眼鏡の影響を次々と抱きしめ新たな “首” へと挿げ替えていく様は、まさに不滅なるヒドラの所業として唯一無二の存在感を放っていますね。
“Axioma Ethica Odini”, “RIITIIR”, “In Times”。そうして近年、ブラックメタルのエトス、モノクロームのパレットに百花繚乱のカラフルな配色と明暗を導き、精彩で前衛的な雄編を提示し続ける ENSLAVED が辿り着いたアバンギャルドの極み、ヤマタノオロチの多様性こそが最高傑作とも謳われる最新作 “E” なのです。
ENSLAVED の頭文字とも重なるアルファベット “E” は、同時にゲルマンの古い文字体系ルーン文字で “ehwaz” 家畜としての馬、転じて “共生” を象徴しています。
アートワークの “M” こそがそのルーン文字 “E” であり、”M” が馬の姿に似ていることから浸透していった考え方だと言いますが、このタイトル自体がサタニズムを元にした既存のブラックメタルとは全く異なり、自然やスピリチュアル、そして北欧神話やバイキングの遺産を題材とする ENSLAVED の本質を端的に示しているのでしょう。
事実、インタビューで Ivar は 「僕たちの音楽的なスタイルがブラック/デスメタルのムーブメントに関係していることは分かっていたんだ。他の音楽からの影響も散りばめられてはいたけどね。同時にその頃僕たちは、歌詞の内容やコンセプトがブラック/デスメタルとは異なるだろうことも理解していたんだよ。」 と語ってくれています。
まさにその自然との共生をイメージさせる鳥の囀り、そして “馬” の嘶きに幕を開けるオープナー “Storm Son” は、バンドが到達したエピカルかつアバンギャルドな森羅万象を提示します。
PINK FLOYD を彷彿とさせるサイケデリックで緩やかな時間は、新加入 Håkon Vinje の神々しくも美しき多層のクリーンボーカルへと進展し、一方で Grutle Kjellson がグロウルの黒雲を呼び込むと一天にわかにかき曇り、メロトロンやオリエンタルなフレーズを織り込んだ狂気の嵐が巻き起こるのです。
実際、前任者 Herbrand に比べて Mikael Akerfeldt に近い Håkon のオーガニックな声質は、エクストリームミュージックの野望と、複雑怪奇でアバンギャルドなプログロックの至福を全て抱きしめた人類の進化を映したこの11分の絵巻物で、以前にも増したダイナミズムを創出することを嫋やかに宣言していますね。
“Sacred Horse” で降臨する煌びやかな Keith Emerson の鍵盤捌き、アシッドにブルースのパターンを組み込んだ “Axis of the World”, そしてコンテンポラリーなドゥームの嘆きにサックスの躍動を込めた “Hiindsiight” など、Grutle が 「あらゆる既存の枠組みや境界線、ルールを取り払った。」 と証言する作品の中でも、”Feathers of Eolh” は至高の驚きでした。
ヒプノティックでミニマル、Steve Reich とジャズのエッセンスを抽出し、ドリーミーなクリーンボイスとフルートを旋律にブラックメタルの枠組みの中で “ヘラジカの羽” を描き出す想像以上の冒険は、いつの日にもチャレンジを恐れずブレイクスルーを続けるバンドの偉大なスピリットが滲み出しているように感じました。
今回弊誌では創立メンバーでコンポーザー/ギタリスト Ivar Bjørnson に2度目のインタビューを行うことが出来ました。前回は Loud Park 16での初来日直前。そして今回は、直後に日本ツアーが決定しています!!バンドと繋がりの深い SIGH や Vampillia との共演は見逃せません。さらに初期3作からプレイするスペシャルなワンマンセットも予定。
「新しいバンドの大半は過去のバンドを真似たり、張り合ったりしてその呪いにかかっていたように思うんだ。だけど結局、そのやり方では全てが逆戻りして、進化もなく後退してしまうだけなんだよ。」 どうぞ!!

ENSLAVED “E” : 10/10

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DISC REVIEW + INTERVIEW 【DERDIAN : DNA】JAPAN TOUR 2018 SPECIAL !!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ENRICO PISTOLESE OF DERDIAN !!

“At The Beginning, Rhapsody Were One Of Our Favorite Band And There Is No Doubt We Have Drawn Inspiration From Them. But We Were Very Young. Now Things Are Very Different. We Feel To Play Completely a Different Music.”

DISC REVIEW “DNA”

風光明媚な地中海を臨むイタリアの “DNA” は、ことロックの世界においてここ日本の情緒と一脈の共感覚を披露し続けています。
古くは NEW TROLLS, P.F.M. といったプログレッシブの芸域から、近年では RHAPSODY, DARK LUNACY, FLESHGOD APOCALYPSE など雄々しきメタルの血脈まで、ファンタジックでロマンと幾ばくかのセンチメントを宿したその感覚世界は殊更に日本のリスナーを魅了して来たのです。
“Derdian” の王 Golstar を巡る英雄譚 “New Era” サーガ、至高のトリロジーでシーンに登壇した DERDIAN もまた、彼らと同様に目眩く幻想と哀愁のユートピアで日本のファンと深くそのイマジネーションを共有しています。
アルバム “Limbo” で日本盤ボーナストラックに、アニメ “聖闘士星矢” のテーマ曲 “Pegasus Fantasy” を華麗にカバーした事実もバンドと日本の密接な脈絡を物語るものでしょう。
「2年以上の月日を経て、DERDIAN と Ivan の間にはケミストリーが存在したことに気がついたんだよ。」マスターマインド Enrico がそう語るように、”Limbo” 以降よりコンテンポラリーなサウンドへとシフトした彼らに不可欠な “声”、Ivan Giannini が復帰を果たし製作された最新作 “DNA” は情緒のシンクロ二ティーはそのままに、集大成にして新たな冒険へと駆り立てるバンド史上最も多様な SF エピックです。
「改竄されていた聖書の内容。現生人類は、来襲したエイリアンが科学で生み出したエイリアンと地球人の子孫であった。」常にストーリー性を前面に押し出す DERDIAN が送る新たなファンタジーは、壮麗なるイントロダクション “Abduction” でシネマティックにその幕を開けます。
アルバムオープナー “DNA” はまさに劇団 “DERDIAN” の面目躍如。高らかに鳴り響くシンフォニー、舞い上がるは雄弁なる大合唱、押し寄せるは津波のようなメタルパワー。
華々しい歌劇の幕開けは ROYAL HUNT にも通ずるメランコリーと構成美、クラシカルの園を見せつけながら、リスナーをカタルシスの渦へと誘います。リレコーディング作品に D.C. Cooper が参加していた事実も偶然ではないはずです。
初期 SYMPHONY X をイメージさせるミステリアス&プログレッシブな “False Flag Operation” を経て遭遇する “Never Born” はアルバムのハイライトでしょう。”DNA” 以上にシンフォニックメタルの理想形を提示した楽曲は、エナジーとフック、キャッチーなスピリットを抱えてダイナミックにその翼を広げます。
大胆なストップモーションに繊細な間奏のオーケストレーションなど、近年のパワーメタルアクトの中でも飛び抜けて “フック” の意味を熟知した作曲術こそが明らかに彼らの強みの1つでしょう。
一方で、強国 “Derdian” は侵攻を続け、その領地を多様に拡大し続けます。耽美なるタンゴの響きを纏ったエスニックな “Red and White”、ジプシージャズのイメージを大胆に投影する “Elohim”、プログメタルの領域へと侵入する複雑怪奇な “Ya Nada Cambiara”。DERDIAN ワールドは無限にカラフルに、そしてエクレクティックにそのパノラマを四望するのです。
そうしてアルバムは日本語で歌われるボーナストラック “Never Born” をアンコールにその幕を閉じます。盛大なカーテンコールを受けながら。
今回弊誌では創立メンバーでギタリスト Enrico Pistolese にインタビューを行うことが出来ました。2年連続となる Evoken Fest への出演も決定しています。「DIYとなった現在は全く異なり、僕たちのことは全て僕たちで決定を下すことが出来る。だいたい、バンド全員が日常の仕事で上司がいるのに、なんでまた厄介な上司を増やす必要があるの?!1人で充分だよ(笑)!!」どうぞ!!

DERDIAN “DNA” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DISTORTED HARMONY : A WAY OUT】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH YOAV EFRON OF DISTORTED HARMONY !!

“We Started As Classic Prog Metal, Evolved And Matured Into a Much More Modern Prog Act And I See No Need Or Desire To Add Oriental Elements Into Our Music.”

DISC REVIEW “A WAY OUT”

イスラエルに響く”歪のハーモニー” は世界へと波動する。プログメタルの過去と未来に干渉するクロノトリガー DISTORTED HARMONY は、その最新作 “A Way Out” で無謬のミッシングリンクを提示します。
まさにクラッシックプログメタルの “ユートピア”、”Utopia” でデビューを果たして以来、新世紀の象徴 Jens Bogren をサウンドエンジニアに据えたバンドはより多様でリッチなモダンプログの領域を探求し、温故知新のエキサイティングな融和をシーンにもたらしています。
確かに彼らの方法論は “歪” なのかも知れませんね。なぜなら、同じ “プログメタル” という看板を掲げていながら、クラッシックなレジェンドとモダンな新世代の音楽性、概念には時に多くの共通項を見出せない場合さえ存在しているからです。
しかし、クラッシックなプログメタルを出発点とする DISTORTED HARMONY は自らの豊潤なるルーツと向き合いながら、刺激的な現在、未来の空気をその音楽に反映しています。
「正直僕にはもう耐えられなかったんだ。プログメタルの “一般的な構成” のみと対峙するのは退屈になってしまったんだ。」実際、前作 “Chain Reaction” リリース時のインタビューでバンドのマスターマインド Yoav Efron はそう語っています。そうして彼らが辿り着いた “トリガー” は、Djent, エレクトロニカ、アトモスフェリックといったフレッシュなモダンプログレッシブの領域だったのです。
Amit と Yoel、2人の新たなギタープレイヤーを加え6人編成となった DISTORTED HARMONY が放つ “A Way Out” は、そうしてバンド史上最も鋭くヘヴィー、ダークでパーソナルな感情を宿すマイルストーンに仕上がりました。
EDMの煌びやかなシンセサウンドに導かれるオープナー “Downfall” はアルバムへのシンプルな招待状。小気味よい Djenty なリフエージ、ポリリズムの海に浮かび流れる甘く伸びやかなボーカルメロディーはまさしくバンドが到達した至高のクロノクロス。
よりエピカルな “Awaken” は、一際顕著に交差する時流のコントラストを浮かび上がらせます。ピアノとクリーンギターを使用したジャジーでシアトリカルな世界観は Devin Townsend の遺伝子を脈々と受け継ぎ、同時に繊細なデジタルビートとアトモスフェリックなシンセサウンドがリスナーのイメージを現代へと連れ戻すのです。
後半のアップデートされた Djenty なリフワークと DREAM THEATER ライクなシーケンスフレーズのせめぎ合いも、エスカレートするテクニックの時間旅行を象徴していますね。
そしてこの濃密なタイムトラベルにおいて、特筆すべきは深遠なるディープボイスから甘美で伸びやかなハイノートまで司る Michael Rose のエモーショナルな歌唱と表現力でしょう。
DREAM THEATER の “Awake” を KARNIVOOL や PORCUPINE TREE のセオリー、アトモスフィアでモダンにアップデートしたかのようなメランコリックな秀曲 “Puppets on Strings”, “For Easter” を経て辿り着く “A Way Out Of Here” は、Michael の才能を最大限まで活用しプログレッシブポップの領域を探求した感情の放出、叫びに違いありませんね。固定観念、支配から目覚め芽吹く自我。それはもしかするとバンドの進化した音楽性にもリンクしているのでしょうか。
そうしてアルバムは、高揚感に満ちた “We Are Free”, 荘厳なる “Someday” でその幕を閉じました。希望、喜び、解放、自由。そこに一筋の不安と寂寞を残しながら。
今回弊誌では、キーボードマエストロ Yoav Efron にインタビューを行うことが出来ました。「僕はあんなに小さな小さなシーンにもかかわらず、非常に豊かで多様なイスラエルのシーンにはいつも驚かされているんだよ。」どうぞ!!

DISTORTED HARMONY “A WAY OUT” : 9.8/10

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【GHOST : PREQUELLE】


COVER STORY : GHOST BEHIND “PREQUELLE”

Tobias Forge Returns, Not As New Papa, But As Symbol Of Pop & Proggy Evolved-Occult Metal, Cardinal Copia!

Story Behind Ghost : From Tobias Forge To Papa Emeritus & Cardinal Copia

GHOST のボーカリスト、ソングライター Tobias Forge は Papa Emeritus I, II, III としてこれまで3枚のアルバムを製作しメタル闇教皇としての地位を確固たるものとしています。ステージではスカルのメイクアップを施し、ルシファーにゾンビの女王、処女の血を浴びたハンガリーの伯爵夫人まで奇々怪界な登場人物と共に異能のオカルトメタルを提示する怪人は、今眩くも華々しいスポットライトをその身に浴びているのです。
しかしその功績に反して、Tobias の実態は深い霧の中にありました。GHOST の発足以来、Tobias は Papa の匿名性を保つためインタビューを拒否し、スポットライトを避け、典型的なロックスターの姿とは確実に距離を置いて来たからです。
Tobias の匿名性が脅かされたのは、解雇した元バンドメンバー Nameless Ghoul 達の反乱がきっかけでした。金銭面、クレジット関連の闘争で司法の場に引きずり出された Papa の実名 “Tobias Forge” は、白日の下に晒されスポットライトを浴びることを余儀なくされたのです。
「一度スポットライトに晒されると、ライトが自分を追わないことを願うか、何かを語るしかない。」と嘯く Tobias。Nameless Ghoul の讒言によりファンの一部がその作曲能力を疑う中、新たなキャストと共に Cardinal Copia、”Copia 枢機卿” として GHOST を “リモデル” した Tobias は、こともなげに新経典、傑作 “Prequelle” を突きつけます。「変わったのは Papa Emeritus から Cardinal Copia への名前だけさ。」と皮肉を込めながら。

GHOST は後にデビュー作 “Opus Eponymous” に収録される “Stand by Him” で2006年に産声を上げました。友人 Gustaf Lindström とレコーディングを行った楽曲は、すでに MERCYFUL FATE のメタリックなエッジと BLUE OYSTER CULT のノスタルジックなメロディーを包含したオカルトメタルの雛形だったと言えます。
しかし、そのサタニックなテーマとヴィンテージ映画のムードに対して、Tobias の少年のようなルックスはミスマッチでした。一般的なロックバンドとは異なる、匿名のシアターバンド “GHOST” というアイデアはそこが出発点だったのかも知れませんね。
驚くべきことに、Tobias は元々シンガーを志向していたわけではありません。Keith Richards と Slash に憧れていたコンポーザーは当初、クールに煙草を燻らすギタリストの地位に収まることを想定していたのです。しかし、Messiah Marcolin, Mats Levén, JB 等ことごとく理想のシンガーに断られた Tobias は自らシンガーを務めることを余儀なくされました。もちろん、後にその選択こそが大成功を引き寄せる訳で、数奇なる運命を感じざるを得ませんね。

では、双子の父親で一般的な社会生活を営む29歳の青年が BLUE OYSTER CULT, PENTAGRAM, SAINT VITIUS, CANDLEMASS, DEMON, ANGEL WITCH といったサタニックドゥーム、メロディーを散りばめた仄暗いロックの世界に身を投じるきっかけは何だったのでしょう。
Linköping にある16世紀に建てられた教会がサタンに身を委ねる一つの契機であったと Tobias は振り返っています。奇妙なペイントとステンドグラス、魔法のように美しく恐ろしい場所。
同時に厳格で意地の悪い義母や教師も彼を悪魔の世界へと向かわせました。KISS の “Love Gun” や RAINBOW を教えてくれた兄 Sebastian だけが唯一の救いでしたが、彼が家を離れると少年 Tobias は益々ファンタジーの世界へとのめり込んでいきました。
とはいえ、SF小説や映画、ストーンズのアルバム、Nikki Sixx と “Shout at the Devil” など、81年生まれの Tobias を悪魔の世界へ後押ししたピースの数々は、依然として年齢の離れた兄の影響下にあったのです。故に、GHOST のデモをネット上にポストしたその日に Sebastian が亡くなってしまったことは、人生観の決め手となったに違いありません。エネルギーのトレードオフ。悪魔は何かを得るために必ず何かを犠牲にするのです。

MY SPACE からグラミーまで、GHOST は決して順風満帆に辿り着いたわけではありません。特にメディアや評論家による “誇大広告” に晒されたアーティストは予定より長い道のりを歩まされ、時にドロップアウトしてしまうことさえ少なくないのですから。Rise Above Records からリリースしたデビュー作、70年代とサタニックなテーマが牽引するポップメタル “Opus Eponymous” は確かに大きな話題を呼びましたが、北米ツアーは順調とは言い難く、よりアーティスティックなセカンドアルバム “Infestissumam” は商業的に奮いませんでした。
“Opus Eponymous” の独創性を押し広げた “Meliora” は潮目を完全に変えた作品だと言えるでしょう。重厚で斬新な “Circle”、冒涜的なバラード “He Is” はスペシャルで、そこからウルトラキャッチーなシングル、YouTube 総再生回数2400万超えのモンスター “Square Hammer” を得たバンドは加速してチャートの壁を突破していったのです。

参考文献:REVOLVER MAGAZINE (2018) “GHOST: THE TRUE STORY OF DEATH, RELIGION AND ROCK & ROLL BEHIND METAL’S STRANGEST BAND”

ビルボード Top200初登場3位という爆発的な成果と共に、シーンへ大きなうねりをもたらした最新作 “Prequelle”。暴かれた匿名性を逆手にとってスポットライトの中央へ躍り出る決意を果たした Tobias は、明らかに以前よりもしたたかです。
もちろん、彼は自らが敬愛する KISS がメイクと共にその魔法を落としてしまったことを知っています。故に、シーンの潮流を GHOST の個性へと鮮やかに昇華するその手法は言葉を失うほどに見事でした。
キーワードは、多様性とポップ。作品の “匿名性” を紐解いていきましょう。

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SUBSIGNAL : LA MUERTA】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MARKUS STEFFEN OF SUBSIGNAL !!

German Progressive Innovator, Subsignal Walk Toward More Melodic Path And Open To New Influences With Their New Record “La Muerta” !!

DISC REVIEW “LA MUERTA”

ジャーマンプログメタルの唱道者、SIEGES EVEN の血を受け継ぐ嫋やかなる残映。SUBSIGNAL がリリースした最新作 “La Muerta” は、サンタ・ムエルテの名の下にプログシーンの信仰を集め新たな拠り所、守護者となるはずです。
「当時起こったことはとても単純で、個人的な相違だったんだ。最終的にバンドは、Arno と僕、Oliver と Alex の二つに割れてしまったんだよ。」と Markus がインタビューで語った通り、80年代から活動を続ける巨星 SIEGES EVEN が長年の内なる闘争の末2008年に解散の道を選んだニュースは、プログメタルシーンに衝撃をもたらしました。
名手 Wolfgang Zenk がフュージョンに特化した支流 7for4 へと移行し、オリジナルメンバーの Markus が復帰。Andre Matos や Jens Johansson との実験場 Looking-Glass-Self の果てに邂逅したバンド史上最高のボーカリスト Arno Menses を得た 00年代のSIEGES EVEN。
そうして2005年にリリースした8つの楽章から成る “The Art of Navigating by the Stars” が、SIEGES EVEN 独特の世界観に研ぎ澄まされたメロディーが初めて重なり、FATES WARNING の “A Pleasant Shade of Gray” にも比肩し得る壮大なマイルストーンとなった事を鑑みれば、尚更バンドの消滅がシーンにとってどれ程の損失であったか推し量れるはずです。
しかし、Arno と Markus のメロディーとプログレッシブが奏でるケミストリーの二重奏はしっかりと SUBSIGNAL の音に刻まれています。
アルバムが相応に異なる風合いを醸し出していたように、SIEGES EVEN のスピリットはまさに実験と挑戦の中にありました。故に、二人が描く新たな冒険 SUBSIGNAL のサウンドが、プログレッシブワールドのトラディショナルな壁を突き破ることは自明の理だったのかも知れませんね。
キーワードはアクセシブルとエクレクティックでしょう。実際、「Arno と僕は他の異なるジャンルにも興味を持っていてね。」「僕にとって最も重要なのはメロディーなんだ。」と Markus が語るように、遂に本格化した SUBSIGNAL の最新作 “La Muerta” には近年のモダンプログレッシブが放つ波動とシンクロする瑞々しき血潮が注ぎ込まれているのです。
バンドのデビュー作 “Beautiful & Monstrous” 収録の “The Sea” が指針となったように、SUBSIGNAL は知性の額縁とプログレッシブなキャンパスはそのままに、よりソフィスティケートされた筆を携えドラマとエモーション、時にメランコリーをカラフルな多様性と共に一つの絵画、アートとして纏め上げて来ました。
ダンサブルなイントロダクション “271 Days” に導かれ示現するアルバムオープナー “La Muerta” は、バンドのトレードマークを保ちつつ、よりアクセシブルなメインストリームの領域へと舵を切る野心のステートメントです。
Steven Wilson の “To The Bone” を核として、HAKEN, FROST*, TesseracT, iamthemorning といったコンテンポラリーなプログレッシブロースターは恐れる事なくポップを知性や複雑性、多様性と結びつけモダンプログレッシブの潮流を決定的なものとしています。タイトルトラック “La Muerta” で示されたビジョンはまさにそのうねりの中にありますね。
Markus のシグニチャーサウンドであるコード感を伴うシーケンスフレーズは RUSH や THE POLICE のレガシー。現代的な電子音とマスマティカルなリフワークの中で舞い踊る Arno のメロディーは、眠れる John Wetton の魂を呼び覚ましたかのようにポップで優美。コーラスに華開く幾重にも重なるメランコリーは、暗闇から聖人へと向けられた全ての切実な祈り、請われた赦しなのかも知れませんね。
トライバルでシンフォニックな “Every Able Hand”、Markus の主専攻クラッシックギターから広がる雄大な音景 “The Approaches”、一転ブルースやカントリーの郷愁を帯びた “When All The Trains Are Sleeping” など Markus が語る通り実にエクレクティックなレコードで、全ては “Even Though the Stars Don’t Shine” へと収束していきます。
奇しくも Wilson の最新作とリンクするニューウェーブ、シンセポップの胎動、TEARS FOR FEARS や DEPECHE MODE の息吹を胸いっぱいに吸い込んだ楽曲は、同時にリズムのトリックやシーケンシャルなフレーズが際立つプログポップの極み。アルバムに貫かれるは旋律の躍動。
そうして “La Muerta” は iamthemorning の Marjana を起用し、荘厳なる Arno とのデュエット “Some Kind of Drowning” で平等に赦しを与えその幕を閉じました。
一片の無駄もなく、ただ日によってお気に入りの楽曲が変化する、そんな作品だと思います。ピアノからシンセ、エレクトロニカまで自由自在な Markus Maichel の鍵盤捌き、Dirk Brand の繊細極まるドラムワーク、そして RPWL の手によるクリアーなサウウンドプロダクションが作品をさらに一段上のステージへと引き上げていることも記しておきましょう。
今回弊誌では、ジャーマンプログメタルの開祖 Markus Steffen にインタビューを行うことが出来ました。「80年代に SIEGES EVEN を立ち上げたんだ。おそらくドイツではじめてのプログメタルアクトだったと思うよ。」どうぞ!!

SUBSIGNAL “LA MUERTA” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ALKALOID : LIQUID ANATOMY】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ALKALOID !!

German Extreme Metal Super Group Alkaloid Shows Amazing Musicianship And Creativity With Their Newest Record “Liquid Anatomy” !! Can You Imagine Yes & Rush Mixed With Modern Metal Aggression?

DISC REVIEW “LIQUID ANATOMY”

テクニカルデスメタルの牙城、ドイツに惹起する維新の兆し。千軍万馬の猛者が締盟したプログレッシブの絆 ALKALOID は、最新作 “Liquid Anatomy” で天壌の宇宙から中毒性のマイクロウエーブを発します。
ALKALOID ほどスーパーバンドの表現が相応しい音楽集団はそう多くはないでしょう。これまでメンバー5人がかかわってきたバンドは、DARK FORTRESS, NONEUCLID, SPAWN OF POSSESSION, OBSCURA, NECROPHAGIST, ABORTED, GOD DETHRONED, BLOTTED SCIENCE と文武両道の精鋭ばかり。
中でも、「僕たちが NECROPHAGIST と OBSCURA で始めたことを今では無数のバンドがやっているんだ。」と語る通り、局所性ジストニアによる中指の不遇をも覆す不屈のギターマエストロ Christian Muenzner、新たに HATE ETERNAL にも加入したギターとピアノを操るドラムユーティリティ Hannes Grossmann のかつての音楽的なアイデアが、現在の包括的な Tech-metal への崇高なるインスピレーションとなっていることは明らかですね。
とはいえ、「僕たちは新たなバンド、プロジェクト、アルバムの度に自分たちを”再発明”するようにしているんだよ。特定のスタイルに執着してしまわないようにね。」と Christian が語るように、 ALKALOID は定型化したテクデスの様式、さらには傑出したデビュー作さえ過去の時空へと置き去りにしながら、RIVERS OF NIHIL, IHSAHN, HAKEN, GHOST ともシンクロするクラッシックなプログのスピリットを昇華した新たなメタルの潮流に身を委ねているのです。
アルバムオープナー “Kernel Panic” こそ進化の象徴。ヴィンテージのシンセサウンドに導かれ、滔々と湧出するシーケンシャルなギターフレーズはまさに YES や RUSH の遺伝子を色濃く宿す鮮やかな落胤。DARK FORTRESS 等で残虐な威厳を浴びせる Morean は、驚くことにその歌唱を Jon Anderson のチャンネルへと接続し、神秘的でキャッチーなロックの崇高美を具現化していくのです。
イーヴィルなディストーションサウンドは変調の証。ナチュラルに獰猛なモダンメタルの領域へとシフトする、一体化したバンドの猛攻は衝撃的ですらありますね。一転、再びプログの多幸感が再臨し、時に相反する二つの次元が融解。TOOL と CYNIC、一方で YES と VAN HALEN が楽曲の中で流動し躍動する “In Turmoil’s Swirling Reaches” にも言えますが、ALKALOID の振るう奇想天外なタクト、コントラストの魔法は実際群を抜いています。
そして先述したバンドと同様に、クラッシックとコンテンポラリー、荘厳と嗜虐、ポップと知性の狭間を自由自在に行き来するこのシームレスなアイデアは、確かに多様なモダンプログレッシブの根幹を成しているはずです。ただし、ALKALOID のプログレッシブには特に “90125” や “Signals” など80年代の風を受けた独特の色香も存在しますが。
MORBID ANGEL と MESHUGGAH が同乗する重戦車 “As Decreed by Laws Unwritten”、トライバルで複雑なリズムに呪術と叙情のボーカルが映え GOJIRA の理念ともシンクロする “Azagthoth” でブラックホールの物理現象を追求した後、バンドはタイトルトラック “Liquid Anatomy” でさらに新たな表情を披露します。
実際、これほど感動的で心を揺さぶるバラードと、エクストリームメタルのレコードで出会えるとは僥倖以外何者でもないでしょう。GENESIS や PORCUPINE TREE の叙情、クラッシックや教会音楽のスピリットをダークに消化した荘厳の極みは、感情の波間を悲哀で染め抜きます。
アルバムを通して言えますが、特にこの楽曲で聴くことの出来る Christian のエモーションとテクニック全てを楽曲のためだけに捧げた神々しきソロワークは、最後の “ギターヒーロー” を誇示して余りある激情とスリルに満ちていますね。
アルバムを締めくくるは20分のラブクラフトモンスター、6つの楽章から成るエピック “Rise of the Cephalopods” は ALKALOID 版 “2112” もしくは “Cygnus X-1 Book II: Hemispheres” なのかも知れませんね。プログロックの構成美、モダンメタルの複雑なグルーヴ、モダンプログの多様性にアトモスフィア。全てがここには存在します。現存の南極大陸を葬り、頭足類が進化を遂げる “If” の SF ストーリーは、実はシーンと自らの立ち位置を密かに反映しているのかも知れませんね。
今回弊誌では、Morean, Hannes, Christian の3名にインタビューを行うことが出来ました。 NECROPHAGIST や OBSCURA についても重要な証言が飛び出したと思います。「Hannes がアルバムのいくつかの瞬間で “90125” の時代を超越したサウンドに近づいたという事実は、彼がそれを意図しているのかいないのかに関わらず、エンジニア、プロデューサーとしてのスキルに対する大きな賛辞だよ。 1983年に彼らが成し遂げたサウンドを超えるものは、今日でもほとんどないからね。」どうぞ!!

ALKALOID “LIQUID ANATOMY” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【RIVERS OF NIHIL : WHERE OWLS KNOW MY NAME】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ADAM BIGGS FROM RIVERS OF NIHIL !!

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Pennsylvania Based Progressive Death Metal Quinted, Rivers Of Nihil Contribute To Re-branding Death Metal Into A Eclectic, Expressive Art-form With Incredible New Record “Where Owls Know My Name” !!

DISC REVIEW “WHERE OWLS KNOW MY NAME”

遂に食物連鎖の頂点へと躍り出たペンシルベニアの梟神 RIVERS OF NIHIL が、深遠かつエクレクティックなプログレッシブデスメタルへとドラスティックな変貌を果たす傑作 “Where Owls Know My Name” をリリースしました!!生と死、そして知性を司る伝承の神明は、猛禽の鋭さと神々しきアトモスフィアでシーンの潮流を支配します。
テクニカル、メロディック、デスコア、ブルータル。雨後の筍のごとく現れるデスメタルアクトの大半は、エモーションのスペクトルを怒りに起因する狭い領域へとフォーカスし、ある意味では檻の中で固定観念と共に囚われているようにも思えます。
「この作品では、僕たちが期待されているようなサウンドを放棄した。」と Adam が語るように、RIVERS OF NIHIL が “Where Owls Know My Name” で達成した偉業は、真にユニークな感性で鋼鉄の慣習から羽ばたいたその勇気にあると言えるでしょう。
多様で創造性に満ち、複雑でしかし凄艶な星の一生を目撃するサイエンスフィクションは、数年前に FALLUJAH がアトモスフィアと共に導入したジャンルのパラダイムシフトをも超越し、さらに時空を行き来するタイムマシンなのかも知れませんね。
アルバムオープナー “Cancer / Moonspeak” は来たるべき運命、旅路のムードを決定づけます。まるで CYNIC のような浮遊するアンビエントは、アコースティックの響き、レトロなシンセ、ムードに満ちたクリーンボイスを伴ってリスナーを深遠なるストーリーへと誘います。
刹那、雷鳴のように鋭利なギターリフが轟くと雰囲気は一変。革命的な “The Silent Life” がスタートします。揺るぎのない無慈悲なアグレッションとインテンスは、徐々に理知的なギターと官能のサクスフォンが支配するスロウなジャズブレイクへと転換していきます。その変化は驚くほどにナチュラルでオーガニック。そうして静と動、混沌と平穏のコントラストは終盤に向けて奇跡の融解を遂げるのです。まるで人生本来の姿を描くかのように。
CANNIBAL CORPSE と KING CRIMSON が果たした未知との遭遇。例えることは容易いですが、実際、獰猛な猟奇性と神々しき英知を寸分も失うことなく一つのサウンドクラフトに収めることがどれほど困難かは想像に難くありません。何より彼らのデザインはあまりに自然で、神々の創造物のように生き生きとした姿を晒しているのですから。
厳かなクリーンボーカルを導入し、モダンなメロディックデスメタルにサイケデリックな夢幻のアトモスフィアを付与した “A Home”、激烈なアサルトに一片の叙情を込めて老衰の無常を伝える “Old Nothing” を経て辿り着く “Subtle Change (Including the Forest of Transition and Dissatisfaction Dance)” はアルバムのハイライトだと言えるでしょう。
“Epitaph” を思わせる悲壮なアコースティックをイントロダクションに据えた8分30秒のエピックは 「KING CRIMSON は僕のオールタイムフェイバリットバンドなんだよ。」と Adam が語る通りクラッシックなプログロックの息吹を全身に宿した濃密な叙情のスロウダンス。ソフトでエレガントな繊麗と、野蛮で蒼然としたアグレッションは、ギターやサクスフォン、オルガンのトラディショナルで大胆ななソロワーク、プログロックのダイナミックな変拍子やシーケンスを抱きしめながら、詩情と偉観そして奇妙なカタルシスを伴って文明の移り変わりを描く壮大なマグナムオパスを形成するのです。
一方でこの大曲には、djenty なリフワークやシンフォブラックの狂騒などコンテンポラリーな一面も散りばめられており、幽玄なクリーンボイスが創出する崇高美とも相俟って、もしかすると NE OBLIVISCARIS が纏う神秘ともシンクロしているのかも知れませんね。
続くインストゥルメンタル “Terrestria III: Wither” では、情景を切り取るポストロックのデザインを導入し、コンテンポラリーなエレクトロニカやアンビエント、インダストリアルノイズのキャンパスに冷徹かつ耽美な絵巻物を描いてみせるのですから、バンドのエクレクティックな感性、タイムラインの混沌には驚かされるばかりです。
アルバムは、バンドの審美を全て詰め込んだタイトルトラックで再度サクスフォン、ヴィンテージシンセ、クリーンボイスの温もりを呼び起こし作品のコアを認識させた後、ダークなギターがメロトロンの海を切り裂く “Capricorn / Agoratopia” で荘厳にリリカルに、一握りの寂寞を胸に秘め星の死を見届けながらその幕を閉じました。
今回弊誌では、ベース/クリーンボーカルを担当する Adam Biggs にインタビューを行うことが出来ました。まさにメタルとプログのタイムラインに交差する異形のランドマーク。モダン=多様性とするならばこの作品ほど “モダン” なスピリットを抱いた奇跡は存在しないでしょう。ex-THE FACELESS の Justin McKinney、BLACK CROWN INITIATE の Andy Thomas もゲストとして素晴らしい仕事を果たしています。どうぞ!!

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RIVERS OF NIHIL “WHERE OWLS KNOW MY NAME” : 10/10

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