“I’m Just So Happy To See It Getting Normalized. I Remember Starting Out There Were No Women On YouTube Or The Guitar Community, Which Was Always Disheartening.”
DISC REVIEW “DISPARITY”
Fender が行った調査によると、近年新たにギターを始める人の半数が女性であるそうです。その傾向を裏付けるように、Yvette Young, Nita Strauss, Orianthi Panagaris などテクニカルなロックやメタルの世界においてもギターヒロインの存在感、輝きは増す一方だと言えるでしょう。
Sarah Longfield。仄暗く凍える湖と森を抱くアメリカ中西部の最北、ウィスコンシンから登場した25歳の美姫は、さながらギターシーンのジャンヌダルクなのかも知れませんね。
2016年、Guitar World 誌による “世界最高の7弦、8弦ギタープレイヤー15人” の中に選された革新のハイテクニックビューティーは、驚くべきことにチャンネル登録者数20万を超える人気 YouTuber でもあるのです。(Rob Scallon とのコラボレートの数々は秀逸)
「マルチなプラットフォームを築き、ミュージックコミュニティーの様々な側面で名前が売れることは、素晴らしいプロモーションにもなって来たのよ。」と Sarah が語るように、ソロ活動、バンド THE FINE CONSTANT、そして YouTube と新世代らしく現代的なプラットフォームを意欲的に活用することで、彼女は Season of Mist との契約を手にすることになりました。
インタビューで、「私はまずピアノを8歳の時に始めて、それからヴァイオリンを10歳の時に始めたの。遂にギターを手にしたのは12歳の時だったわね。」と語るようにその音楽的素養は実に深くそして多様。弊誌に何度か登場している Yvette Young が似たようなバックグラウンドを持つことも興味深いシンクロニシティーではないでしょうか。
魔女か英雄か。さらにはチェロ、パーカッションまで嗜む才女のエクレクティックな素養とオープンマインドは、メタルの様式、伝統、アグレッションを地図にない未踏の領域へと導くのです。
「最新作は実際、前作とは全く異なるアルバムになったわね。焦点がよりオーガニックなマテリアルにシフトされ、私の持つ様々な影響を探求することが出来るようになったのよ。」 と語る Sarah。つまり、不均衡や差異を意味するタイトルを冠した最新作 “Disparity” は、遂に彼女本来の魅力を余す事なく伝えるマイルストーンに仕上がったと言えるはずです。
人生で初めて手にしたピアノの響きをイントロダクションに、幽玄荘厳、夢見がちでアトモスフェリックな独特の世界はその幕を開けます。”Embracing Solace”。慰めを抱擁する。プログレッシブなデザインからエレクトロニカの実験にジャズの恍惚まで、全てをシームレスに、壮麗優美に、そして時に幽冥に奏でるサウンドスケープは実にユニークかつ濃密。
Kate Bush を想起させる嫋やかな Sarah 自身のボーカルとエモーションを増したギター捌きの相性も極上。自らの音楽旅行を通して経験した光と影はこうして楽曲、作品へと見事に投影されて行きます。
ANIMALS AS LEADERS のショウを見た翌日に書かれたという、ヘヴィーでマスマティカルなデジタルのルーツを探求する “Cataclysm” が Tech-metal、ギターナードの心を激しく打つ一方で、”Departure” のオリエンタルな情緒や “Citrine” のオーガニックなポストロックの音景、”Miro” のアヴァンギャルドなジャズ精神は、二胡やハープ、サクスフォンの導入も相俟って、リスナーをカラフルで刺激的な非日常の絶景へと誘うのです。
今回弊誌では、Sarah Longfield にインタビューを行うことが出来ました。「私は女の子がギターをプレイすることがいたって普通な世の中になってただ本当に嬉しいのよ。」ウィスコンシンの乙女は果たして高潔か異端か。それは歴史が語るでしょう。どうぞ！！
SARAH LONGFIELD “DISPARITY” : 9.9/10
INTERVIEW WITH SARAH LONGFIELD
Q1: Hi, Sarah! First of all, could you tell us about your musical background? What kind of music were you listening to, when you were growing up?
【SARAH】: Hello! I started out playing piano at 8 years old, picked up the violin at 10, and finally guitar at 12.
Some of my earliest influences when I began playing guitar were All Shall Perish, Meshuggah, Slayer, and Tool.
Q2: You said you started piano and violin first. So, what inspired you to start playing guitar? What made you pursue such a technical style, and multi-strings guitar?
【SARAH】: I actually started playing guitar because my violin teacher moved away, which unfortunately lead me to stop playing at the time. I was browsing a music store one day and decided I wanted to give guitar a go figuring maybe it would be familiar from playing violin.
Q3: Like Sarah, Yvette Young, Nita Strauss, lot’s of guitar heroins hit the scene now. Actually, recently, Fender study reveals 50% of new guitar players are women. Do you think finally, “Women’s era” comes to guitar scene?
【SARAH】: I’m just so happy to see it getting normalized. I remember starting out there were no women on YouTube or the guitar community, which was always disheartening. Now I meet so many young girls who come out to shows and want to be musicians in rock and metal, and I think that’s incredible!
Q4: You are doing The Fine Constant, solo works, and “YouTuber”. What are the different ways to use that?
【SARAH】: It has always been difficult to manage, but I love the balance between touring/live performance, and YouTube. They demand so many different things from me, creatively and otherwise, but the challenge has always been worth it. Being on multiple platforms and visible in many aspects of the music community has been great promotion all around.
Q4: ソロ活動、YouTuber、そして THE FINE CONSTANT。あなたは現在３足のわらじを履いているような形になりますが、それぞれをどう区別していますか？
Q5: Anyway, your newest album “Disparity” will be out soon! You were really into electronic world on your previous record. But “Cataclysm” is really heavy as Animals as Leaders, and “Citrine” is more organic like math/post-rock. As the artwork shows, it will be very colorful, diverse record, right?
【SARAH】: Yep! I’m so excited for its release. The new record is very different from my last, the focus has shifted to something more organic and allowed me to explore many of my influences. The songs range from heavy and technical to dream-like and jazzy. I’m really excited to perform it live!
Q6: When you named it “Disparity”, what was in your mind? What kind of emotion, experience, were you inspired by?
【SARAH】: I’ve been fortunate in my musical endeavors to see lots of beautiful places and experience many incredible, but also occasionally strange and dark things. The contrast has been truly inspiring and this album is documentation of that. Thus, there are many different moods throughout the record.
The title just really reflects the contrast of the record. When I first was writing the album I wanted it to be cohesive and fluid, I ended up with something quite a bit more varied and chaotic but I am happy with how it turned out.
Q7: I feel your guitar play becomes more matured in this record. You play like talking, singing and that made me really emotional. Anyway, What was your challenge about guitar playing in this record?
【SARAH】: Thank you! That’s actually thanks to my friend and occasional live guitarist Dave Dunsire. He was the first player I’d ever listen to who I felt made his leads “sing”. He had a huge part in shaping what my style has become.
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NIKOLAJ SLOTH LAUSZUS OF COLD NIGHT FOR ALLIGATORS !!
“You Can Have The Most Unique Mix Of Influences And Gimmicks In The World, But If You Can’t Write a Catchy Or Captivating Piece Of Music, Nobody’s Going To Care.”
DISC REVIEW “FERVOR”
鋭利な牙鰐には冷たい夜を。無機質なテクニックには色彩豊かな旋律を。瑞々しきプログメタルの都コペンハーゲンに郡居する奔放なアリゲーター、COLD NIGHT FOR ALLIGATORS は甘美なるフックとインテンスを同時に捕食しモダンプログの水面を貪欲に揺らします。
「僕たちの音楽はエモーショナルかつ実験的だと紹介したいね。グルーヴィーで風変わりなメタルを楽しむ人にはピッタリさ。テクニカルな要素もありながら、リスナーを惹きつけるフックとメロディーにもフォーカスしているんだよ。」 Nikolaj が語るように COLD NIGHT FOR ALLIGATORS の音楽は実際、肉食獣の貪欲さに満ちています。
ダウンチューンのチャグリズム、エレクトロニカの華麗なダンス、洗練のハイテクニックにシルクのプロダクションは、VEIL OF MAYA や BORN OF OSIRIS が育んだモダンメタルコアの Djenty なニュアンスを漂わせ、一方で感情の泉に湧き出でるエセリアルなメロディーラインと多様なポストモダニズムはバンドの確固たるオリジナリティーをまざまざと見せつけるのです。最新作のタイトル “Fervor” はまさに情熱と創造性の証。
アルバムのムード、デザインを濃縮した “Violent Design” で光と闇の劇場はその幕を開けます。新世代らしい不協和のグルーヴで始まる Tech-metal の獰猛は、しかし神々しきギターラインとクリーンボーカルでその姿を瞬時に変化させました。
緊張と緩和をシームレスに繋ぐ虹色のメロディーは天国への階段でしょうか？ THE CONTORTIONIST にも通じる夢幻の回廊は、いつしかアートロックとポップに祝福を受けながら、アップリフトなコードワークとエモーショナルなコーラスワークでリスナーを至上のカタルシスへと誘うのです。
「リスナーをフックやメロディー、楽曲構成に浸れる機会を作りたいんだよ。その上で、リスナーの注意を引く方法の一つとしてテクニカルな要素を散りばめていると言う訳さ。アルバムを通してテクニックにフォーカスするんじゃなくね。」ポストハードコア、プログレッシブ、そして R&B まで織り込まれたフックの魔境 “Canaille” は、”ノン・メタル” な素材を存分に発揮してその言葉を実証するアルバムのメインディッシュだと言えるでしょう。
実際、ヘンドリックスが憑依するブルースの哀愁がミニマルな電子音、マスマティカルなデザイン、現代的なアグレッションと溶け合う楽曲は、モダンプログレッシブの理念をあまりに的確に、しかしドラマティックに描き出しているのです。
隠し味としてアルバムを彩る R&B のフレイバーは ISSUES に、キャッチーな旋律の煌めきは VOLA にもシンクロし、さらに “Nocturnal” では TesseracT のアトモスフィアを、”Get Rid of the Wall” ではジャズのモーションをもその血肉として消化する雑食の王。そこに “テクニカルであるためのテクニック” は一欠片も存在してはいません。
今回弊誌では、ドラマー Nikolaj Sloth Lauszus にインタビューを行うことが出来ました。Euroblast, Tech-Fest などで鍛え上げた実力は本物。さらにマスタリングは Jens Bogren が手がけます。「世界で最もユニークな要素やギミックをミックスしたとしても、キャッチーで魅力的な音楽を書かなければ誰も注目しないんだよ。」どうぞ！！
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ROBIN STAPS OF THE OCEAN !!
“I Don’t Have Any Delusions That Music Could Have a Real Direct Effect On Environmental Policies, But We Can Raise Awareness In The People That Listen To Our Music, And These People In The End Have a Vote.”
DISC REVIEW “PHANEROZOIC Ⅰ: PALAEOZOIC”
「MASTODON が “白鯨” の作者 Melville についての文学の教室なら THE OCEAN は地球科学の教室だろう。」”地球の地質に対するドイツからの賛歌” と讃えられるポストメタルの研究者 THE OCEAN は、全てのアートの母である自然とその摂理を音のビジュアルプレゼンテーションとして誰よりも濃密に響かせます。
アルバムや楽曲タイトル、リリックにサウンドスケープ。時にマジカル、時に険しい自然のイメージを知性的なメタルのフレームへと織り込み、エモーショナルで革新的なポストメタルの森羅万象を司るドイツの賢人は、そのディスコグラフィーさえも変化を繰り返す地球環境のクロニクルとしてメタルの図書館へと寄贈します。
2007年にリリースした二枚組 “Precambrian” は、地球が誕生し生命を育むまでの先カンブリア時代を縦横無尽に描き、シーンが求めるエピックの使者としてバンドをポストメタルの旗手へと導きました。そして11年の後にリリースする最新作 “Phanerozoic” は先カンブリアが終焉を迎え、肉眼で見える生物が跋扈する顕生代を綴った太古の続編となりました。
“Phanerozoic” も “Precambrian” と同様に長編ダブルアルバム。先立って今回リリースされた “Phanerozoic 1: Palaeozoic” は古生代、中生代、新生代と3つの時期に分類される顕生代の中から最初期の古生代を扱ったパートとなります。そしてその古生代自体もさらに6つの時代に分けられ、アルバムに収録された7曲 (カンブリア紀は2曲) がそれぞれの時代を描く実に学術的な構成となっているのです。
ただ THE OCEAN が今回、5度の大量絶滅を経験した顕生代を取り上げたのには、理由がありました。「僕は音楽が直接、環境問題に対するポリシーに影響を与えるなんて妄想は持っていないんだ。だけどね、僕たちの音楽を聴く人の関心を高めることは出来ると思っているよ。」バンドのマスターマインド Robin が語るように、アルバムは暗に現代における地球環境の変化、気温上昇に対する警告、注意喚起の意味を背負っているのです。
「パート1に収録されることとなった楽曲たちは、全てヘヴィーで荒涼としたヴァイブを持つという点で非常に首尾一貫しているね。」と語る Robin。実際、前作 “Pelagial” のしなやかな旋律と展開から距離を置き、重厚で哀愁に満ちたミッドテンポのコアへと帰結する “Phanerozoic 1: Palaeozoic” は年代的にも、哲学的にも、そして音楽的にも完璧なる “Precambrian” の続章です。
アルバムの全体的な審美性はまさしくポストメタルのアート、ダイナミズムへと傾倒しながら、ミニマルで装飾を削ぎ落としたスタイリングという意味ではよりソリッドな構築術への移行も伺えます。一方で意思を持たないしかし残酷な自然の暴走さえ巧みに操るコンポージングの妙、斬新的なモチーフは “Thinking Man’s Metal” を受け継ぐ思慮深きバンドのプログレッシブな精神を見事に体現していますね。
ボーカリスト Loïc Rossetti のメロディックな絶唱と獰猛な叫びは、楽器が奏でる構成美、ハーモニーへと荒波のように打ち寄せ絶滅する生命の苦痛を映し出し、アイルランドで収録した Paul Seidel のパーカッションは SIGUR ROSにも似た残響の刹那をレコードに封じます。創立以来40人ものメンバーが出入りする THE OCEAN にとって、新旧メンバーが噛み合い貢献を果たすコレクティブなプロセスは実は未知の領域でした。
そうして Jens Bogren の鮮やかな手腕は、暖かみのあるアナログシンセ、ピアノ、ヴァイオリンにチェロ、そしてゲスト参加を果たした KATATONIA の Jonas Renkse の歌声までをも完璧に制御し、ポストメタルの”境界の超越”、ポストモダニティーの多様性を提示しながらジクソーパズルのピースのように適材適所でアルバムのオーケストレーションを担ってみせました。
今回弊誌では、メタルシーンの賢者 Robin Staps にインタビューを行うことが出来ました。「もしかしたら、とても虚しい、非直接的で、即効性のないアプローチかも知れないね。だけどこれが僕たちに出来る精一杯だし、民主的なやり方ってものさ。僕たちは全く政治的なバンドではないけど、今は昔よりも幅広いオーディエンスにリーチ出来るようになったから、そのリーチを意味のある内容の拡散で使用したいと望んでいるんだ。」ぜひ耳を傾けてみてください。どうぞ！！
THE OCEAN “PHANEROZOIC Ⅰ: PALAEOZOIC” : 10/10
INTERVIEW WITH ROBIN STAPS
Q1: It seems “Teutonic paean to Earth’s geology” is perfect description for The Ocean. But what made you deal with science, ecology, and geology as band’s themes?
【ROBIN】: When I listen to the stuff I write I always see images of violent nature in front of my inner eye… volcanoes, breakers, trees ripped from the soil and whirled through the air… it’s so blatantly obvious but it just fits so well. So I guess the process that leads to our album concepts is a bit like a reverse soundtrack, it’s not that there is a film and then we compose the music over it… in our case the music is there first and then I start seeing images, and in the case of our 2007 album ‚Precambrian‘ and also in the case of this upcoming album ‚Phanerozoic’ led to prehistoric times when earth was a grim, hostile place.
Q1: THE OCEAN を語る時、”地球の地質に対するドイツからの賛歌” とは実に的を得た表現だと感じます。
まずは、バンドがそういった地球環境、地質学、海洋学、地球科学といったテーマに主眼を置き始めた理由を教えていただけますか？
Q2: So, “Phanerozoic” is the record about 5 mass extinction events during that era. Off course, these extinction events were not caused by human behavior. But I feel it’s kind of a metaphor or warning toward modern society. Do you agree that?
【ROBIN】: yes. We are currently debating an increase of temperature between 2 and 4 degrees before the end of the century, and people are still pondering about what the potential consequences of that might be. Well, all I can say is: have a look at what happened at the end of the Permian period, an event referenced to as „The Great Dying“, which doubles as the last song title on our album. Back then, close to 95% of all marine life disappeared from earth, and 80% of all terrestrial life, caused by an increase in temperature similar to what we are expecting now. The mass extinction event at the end of the Permian was caused by increased volcanic activity over 10s of thousands of years, and it happened long before humans ever appeared on the planet… so the causes were completely different, but there is no reason to assume that the consequences of the current, human-induced climate change will be any less severe.
【ROBIN】: その通りだよ。世界が今討議しているのがまさに温度上昇の問題で、今世紀末までに2～4度上昇すると言われているね。そうしてその結果がどうなるか今も熟考しているんだ。
僕に言えるのはこれだけさ。ペルム紀末に起こった出来事を見てみようよとね。”The Great Dying”。それはアルバム最後の楽曲のタイトルにもなっているんだけどね。当時、気温の上昇によって95%の水中生物が、そして80%の陸上生物が絶滅したんだよ。現在、僕たちが直面しそうな状況と似ているよね。
ペルム紀末の大量絶滅は、何万年もの間火山活動が活発化したことが原因で、もちろんそれは人類がこの星に現れるよりとても前の話だよ。だから原因は全く別なんだけど、だからと言って現在の人為的な気候変動の影響がそれほど深刻ではないと仮定する理由はないと思うんだ。
Q3: It’s not easy to deal with environmental problem. Various speculations such as developed country and underdeveloped countries, enterprises and governments, interfere to preserve our Earth. I think your way, in other words, music is one of the good approach to persuade them, right?
【ROBIN】: I don’t have any delusions that music could have a real direct effect on environmental policies, but we can raise awareness in the people that listen to our music,and these people in the end have a vote. That’s a very unfulfilling, indirect and un-immediate approach, but it’s all we have and it’s just the way democracy works. We are not really a political band, but now that we are reaching broader audiences, there is a desire to use our reach to spread meaningful contents, without making it too obvious and too „in your face“, which would compromise the emotional effect of the art. It’s a delicate balance to get right.
Q3: そういった環境に関する問題は、国や企業によって様々に利害が異なり、地球を守るために一致団結して行動することもなかなか儘なりません。
THE OCEAN のように音楽でアプローチし呼びかけることは良い方法にも思えますが？
Q4: You seem to love making double album, haha. Anyway, it seems “Palaeozoic” is consisted by three parts. So, do you think these three are kind of trilogy?
【ROBIN】: As a matter of fact, yes. The Phanerozoic (title of this album) eon is subdivided into 3 eras, Palaeozoic, Mesozoic and Cenozoic. The first part of the project which we released now is covering the Palaeozoic era, which is further subdivided into 6 periods (one song on the album stands for each period). Part 2 and 3 are covering the Mesozoic and Cenozoic eras, with 3 periods / songs respectively. Part 2 (Mesozoic) and 3 (Cenozoic) will be released together, but on separate vinyl records, one for each part. So it really is a trilogy, and the 3 parts are quite distinctively different from a musical point of view.
Q5: You said “The 3 parts are quite distinctively different from a musical point of view”. The first volume of the double album “Phanerozoic” is made up of bleak and heavy songs compared with second one, right?
【ROBIN】: The material was already written and pre-productions recorded before we developed the conceptual frame. The songs that ended up on part 1 all had a really heavy, bleak and very consistent vibe, that somehow felt related to our 2007 album „Precambrian“… so it made sense to let this album be the continuation of „Precambrian“; to return to this idea and concept, and continue where it left off 10 years ago. The material for the 2nd part is a bit more eclectic and diverse, in terms of tempi and song arrangements, reflecting the diversification of life on earth during the later Phanerozoic.
Q6: I feel this is the record of culmination of your long musical journey, but also you continue to push yourself forward. What was your new challenge in “Phanerozoic“?
【ROBIN】: We wanted this album to have this continuous, dark and consistent vibe, like the picture of a beautiful place but the apocalypse looming on the horizon, kind of similar to Lars von Trier’s „Melancholia“ movie. We really tried to boil every musical idea down to its core, and get rid of a lot of embellishments this time around. There is still a lot going on, but during the mixing process we got rid of a lot of stuff, and that was a challenge for me because I tend to overload my songs, or just explore a lot of ideas at the same time…Also, a personal challenge for me was to get the other guys more involved on their respective instruments. I used to write everything myself for this band, guitars, drums, bass, strings, vocals. Phanerozoic is still my songs, but my band mates made them their own by interpreting them in their own style, and we rehearsed together and worked on a lot of details before entering the studio. This record is more of a collaborative effort I guess, more of a „band“ record, as opposed to a solo album.
【ROBIN】: 僕たちはこのアルバムに、連続的で暗い一貫した雰囲気を持たせたかったんだ。美しい場所でありながら地平線には黙示録が迫る絵のように、もしくは Lars von Trier の映画 “Melancholia” に似たようなイメージかな。
今回は、本当にすべての音楽的アイデアを核の部分まで煮詰めようと挑戦して、装飾の多くを取り除いたんだ。それでもまだ楽曲には様々な要素が溢れていたから、ミキシングの過程でさらに多くのエレメントを取り除いたんだよ。僕にとってそれはチャレンジだったね。僕は楽曲に詰め込みすぎたり、同時に多数のアイデアを探求するきらいがあるからね。
あとは、他のメンバーにそれぞれの楽器でもっと関わってもらうことも新しい試みだったな。僕はこのバンドの楽曲全てを一人で書いて来たんだ。ギター、ドラム、ベース、ストリングス、ボーカルの全てをね。”Phanerozoic” も依然として僕の書いた楽曲たちなんだけど、今回はメンバー各自が自らのスタイルで解釈し作り上げているんだ。
僕たちは一緒にリハーサルを行い、スタジオに入る前から細部まで煮詰めていったんだよ。だから僕が思うに、”Phanerozoic” はソロアルバムとは対照的な、より “バンド” らしいレコードで、コラボレーションの賜物なんだよ。
Q7: How was working with Jonas Renkse and Jens Bogren?
【ROBIN】: It was great. We’ve already been talking to Jonas 10 years ago, when we released Precambrian in 2007. He was interested back then, but it didn’t work out timing wise. We played a show with Katatonia last year and then we started talking about it again. I sent Jonas that one specific track, because I could imagine his voice to fit very well, and he loved it. He got back to us with demos that were almost exactly the same as what ended up on the final record, it was perfect from the start. That’s how a collaboration should be; Jonas had a perfect understanding of where we are coming from musically, and what we are looking to achieve… he took our song and made it his own, in a way that preserves its oceanic identity but also transcends it. We are very happy with he result. With Jens it’s also been great, it’s the 2nd time that we work with him so we knew what we would get. Jens came in very late in the mixing process, with unbiased ears, which really helps when you have been working on the songs for such a long time, because you get to the point when you don’t really hear much anymore. Jens is very hands-on with his productions, he has a very clear idea of what he wants to do. That really helps, we have that too so al we need to do is align our visions and then great things happen!
Q7: Jens Bogren、そして KATATONIA の Jonas Renkse との仕事はいかがでしたか？
【ROBIN】: 素晴らしかったよ。実は10年ほど前、僕たちが “Precambrian” をリリースした2007年頃から僕たちと Jonas はゲスト参加の話をしていたんだよ。当時から彼は興味を示してくれていたんだけど、スケジュールの問題で実現しなかったんだ。
昨年、僕たちは KATATONIA と共演する機会があって、そこからまたゲスト参加の話を始めたんだ。僕は Jonas にある特別な一曲を送ったんだよ。彼の声がとてもフィットすると思えた楽曲をね。そして彼は気に入ってくれたんだ。
彼が送り返してくれたデモは、ほとんど完成形として収録したものと同じなんだ。つまり最初から彼は完璧だったんだよ。まさにコラボレーションがあるべき姿だったよね。Jonas は音楽的に僕等がどこから来て、何を成し遂げたいのか完全に理解していた訳さ。
彼は僕たちの楽曲を自分のものにしたね。THE OCEAN らしいアイデンティティーを保ちながら、それを超越してね。だから結果にはとても満足しているよ。
Jens との仕事も最高だったね。彼と働くのは二度目だったから、何を得られるかは分かっていたよ。彼はミキシングプロセスの最終盤に現れて、その偏見のない耳で大きな助けになってくれたよ。僕たちは長い間楽曲と向き合い過ぎて、これ以上深く聴けないところまで来ていたからね。
彼のプロダクションはとても実践的で、やりたいことのアイデアも明確なんだ。それが実に助けになるんだ。もちろん、僕たちにもビジョンがあるから、やるべきことはそのビジョンを擦り合わせるだけ。そうすれば素晴らしい化学変化が起こるんだ！
Q8: So, you are often categorized as Post-metal. Maybe, you and Cult of Luna are flag-bearer of the genre now. But, what’s your perspective about the categorization?
【ROBIN】: This »post« thing has been prefixed to pretty much every kind of music during the past fifteen years. And to me, that‘s where the problem lies – it‘s not the term itself, but the use that has been made of it. To me, »post-whatever« stands for a building upon, but at the same time questioning, and going beyond something. With that in mind, it‘s understandable why, for example, the term »Post Rock« was coined to accommodate such great, pioneering bands like Tortoise who really crossed borders or closed gaps between between styles; between genres; between entire worlds. But even though we‘re on a similar mission, I don‘t feel comfortable with that term because if almost everything or everyone is »Post Rock,« »Post Metal,« »Post Prog,« as it seems to be the case nowadays, it‘s merely an empty word devoid of reference to something real.
And of course, there‘s always the associations between metal / post-metal and the modern / post-modern… to me, “Post Rock” or „post metal“ and post-modernity are almost inseparable, and if someone calls our music »Post Metal«, it always triggers that huge chain of associations that I have with the term post-modern – a lot of which I think do apply to our music: its eclecticism, its transgression of boundaries, and the way it relates form and content. There are no limits as to what can be quoted or borrowed or stolen from whom; a melodic surf guitar can stand amidst a brutal blast beat attack, just like a calm sax solo can develop into a chaotic metal part…
In modern art, ornaments are a crime and everything that doesn‘t serve the intended purpose is excluded (as if there was »the« purpose in music). But our music, just like our visual presentation, embraces the ornament. And where the modern celebrates reason, abstraction, and enlightenment, our music represents dislocation, chaos, and physical confrontation with the outside world, leaving lots of room for empty signifiers free to be filled and made sense of by the listener.
So with all that in mind, we’re definitely more post-modern or post-metal than modern or metal. But on the other hand, our music represents construction rather than fragmentation or deconstruction – and that‘s not just because it‘s composed music all the way. We‘re not trying to take things apart; we‘re on a mission to construct something, if you wish, using the pieces of a deconstructed world; trying to create something original, perfectly aware of the fact that in this world there is no such thing as true originality. This is clearly hints more into the direction of modern rather than post-modern art. And finally, if you look at the lyrics, that’s yet an entirely different story, it‘s a lot of the values of the modern world that we‘re at war with; as expressed, for example, throughout the whole Fluxion album. You see, the question of The Ocean being modern or post-modern or metal or post metal is a difficult one…
Q8: THE OCEAN が CULT OF LUNA と共に現在のポストメタルを牽引する存在であることは確かです。シーンやそのカテゴライズにはどのような考えをお持ちですか？
We are very excited that our new album Phanerozoic will finally be released in Japan through P-Vine Records! Hopefully we will make it over there to tour in 2019, we are all very keen to visit your country and play shows there. Thank you so much for your support, we love you!
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH STEFAN NORGREN OF SEVENTH WONDER !!
“We All Supported Tommy Karevik 100%! Off Course, We All Realized That They’d Come First And That This Would Inevitably Set Us Back Time Wise. But There Was No Way Any Of Us Would Get In The Way Of Such a Great Career Move For Him.”
DISC REVIEW “TIARA”
スウェーデンで毎年行われる “一番大切な冬の行事”、聖ルシア祭。貧しい人々に財産全てを提供した純粋の象徴、光の聖人聖ルチアの姿は、そのスウェーデンに居を置くプログメタルの至心 SEVENTH WONDER と不思議に重なるのかも知れません。
“Waiting in the Wings” でその鵬翼を広げたバンドは、“Mercy Falls” で悲劇的なサスペンスを描き切り、“The Great Escape” では30分のエピックと共に喪失、失楽からの大いなる逃避による微かな希望の灯火を見出して来ました。
「難解なセクションも音楽的に実りがなければ僕にとっては的外れなんだ。だからこそ、メロディーとアトモスフィアが必要なんだけどね。」新加入のドラマーにして現在はバンドのスポークスマン的な役割を務める Stefan Norgren の言葉は真実です。
何より、しばしば DREAM THEATER が引き合いに出されるほどのハイテクニックと緻密なデザインの二重奏を奏でながら、SEVENTH WONDER はスカンジナビアの澄み切った眺望を旋律のクリスタルに封じ込めて来たのですから。そうしてそのパノラマは常に映画のように壮大なストーリーを纏ってリスナーの感情を激しく喚起するのです。
8年という長い月日を経てリリースされた最新作 “Tiara” のストーリーは、もしかするとバンド自体の影法師と言えるのかも知れませんね。滅ぶべき運命にある地球が救いを求め “The Everones” に差し出す純粋無垢の象徴、少女 “Tiara”。そのあらすじに、不世出のボーカル Tommy Karevik の KAMELOT 加入を重ねたファンも多いでしょう。
もちろん、Stefan はインタビューで Tommy の “ダブルワーク” がある程度 Win-Win な状況であることを強調しています。ただし、今でも Roy Khan の亡霊を宿し歌唱をシンフォニックに限定される KAMELOT での活動に、彼本来の姿を知るリスナーの多くが歯痒い思いをしていることも事実です。
実際、”Tiara” での Tommy は不要の責任から解放され自由を謳歌しているようにも思えます。自らに宿る全てのレンジでオクターブの山脈を超え、感情のリミットを解放しながら様々なキャラクターを演じ分けるその絶対的なパフォーマンスはまさに水を得た魚。
よりゴージャスでロックオペラの佇まいを擁する “Tiara”。中でも “Tiara” が別れを告げる “Farewell” 三部作はマスタークラスのバンドと Tommy の開眼が最高レベルでシンクロを果たした絶景と言えるでしょう。
シンセの煌めき、理知的な変拍子、メタルらしいエッジとユニゾンの醍醐味、静と動のダイナミズム、躍動するアコースティック楽器にヴァイオリン、暖かいコーラスの絨毯、Tommy と妹 Jenny との甘やかなデュエット、そして何よりエモーション極まる極上のメロディー。少なくとも、ピュアなプログメタルに求めるものは全てがここに存在します。
同時に、”Arrival” でシンフォニックに幕を開けるアルバムは、”The Everones” のスリリングなボコーダー、”Truth” で見せるベースの妙義とフォルクローレの熱情、“By the Light of the Funeral Pyres” はロックマンの8-bitでしょうか、そしてジェットコースターのエピック “Exhale” までバラエティーに富み、新機軸とチャレンジに満ち溢れています。
「さてその結末は？それはアルバムを聴いて、歌詞を読んで自らで決めて欲しいね…。」では、Tommy と SEVENTH WONDER の物語はどのような結末を迎えるのでしょうか。少なくとも、”Tiara” が DREAM THEATER や SYMPHONY X、そして SHADOW GALLERY を愛し続けて来たここ日本で歓迎されるべき作品であることは確かです。
今回弊誌では、Stefan Norgren にインタビューを行うことが出来ました。「テクニック、メロディー、アトモスフィア…それは僕たちのような音楽を生み出す時、心に留めている素晴らしいキーワードなんだよ。」全てのメタルファンに送る素晴らしき SF 叙事詩。どうぞ！！
“I Would Describe The Band As An Adventurous Rockband With Tendencies Towards Metal And Electronica. We’re Very Keen On Experimenting And Not Being Bound To One Label Or Genre.”
DISC REVIEW “APPLAUSE OF A DISTANT CROWD”
モダンプログレッシブのフロントランナー VOLA は、ジャンルのアイデンティティーを保ちながら進化を遂げる荊棘を成し遂げるユトランドの至宝。
Djent 由来の重厚なグルーヴ、シンコペーションの創造性をメロウでヴィンテージなイヤーキャンディーで包み込み、シンセウェーブのフィヨルドへと注ぎ込む彼らのやり方は、まさしくデンマーク発祥のトレンド、”ヒュッゲ” “甘美な時” をリスナーへと運びます。
レトロ&フューチャーが交差する衝撃のデビューフル “Inmazes” から4年。世界一幸福と言われるデンマークに降臨した “時をかけるバンド” が次なるテーマに選んだのは、皮肉にもテクノロジーや SNS が人類にもたらす栄華と暗部、幸せの価値。
「タイトルの “Applause of a Distant Crowd” “遠方の観客から届く拍手喝采” とは、僕たちが SNS を通してコンスタントに賞賛や承認を求めていることを表しているんだよ。だけど、そうやって喝采をくれる人たちは遠く離れていて、そこでの関係性が何か実りをもたらすことなんてないだろうはずなのに。」と新たなドラムマイスター Adam Janzi が語るように、インターネット& SNS の発展は利便性の向上と同時に、承認欲求、嫉妬、欺瞞、憤怒といった人に巣食う闇の部分をこれまで以上に助長させ、世界は生きづらさが増しているようにも思えます。
“We Are Thin Air”、アルバムの幕開けは、そうした息苦しさを “空気が薄い” と表現する究極のメッセージ。THE ALAN PERSONS PROJECT を彷彿とさせる暖和で壮大なメロディーの洪水は、コーラスの魔法と浮遊感を伴って、あたかも水中で暮らしているかのようなイメージを摩訶不思議に演出し描写します。
同時に、80年代の甘くキラキラした、しかしどこか切ないデジタルの波はコンテンポラリーなディストーションサウンドと融け合い、その波動は “Ghost” のエセリアルなセンチメント、感傷の波へと集約していくのです。
レトロとフューチャーを自在に操る時間魔法師の煌きはすなわち “ビタースイート”。そしてよりオーガニックに、オルタナティブの領域へと接近した新たな旅路は、MEW や MUSE のインテリジェントな方法論とも入念にシンクロしていると言えるでしょう。
一方で、「それでも僕たちは、今でもプログやメタルを愛しているよ。それは変わらないね。」と語るように、MESHUGGAH や DECAPITATED の凶暴なポリリズムが一際そのサウンドスケープを拡大させていることは明らかです。
“Smartfriend”, “Alien Shivers” におけるシンコペーションアグレッションはまさしくプログメタルの系譜を引く証ですし、その場所に VOLA 特有のポップセンス、アトモスフィアが流入した響きには、”Post-djent” を導くヒントが隠されているのかも知れませんね。
さらに、”Vertigo”, “Green Screen Mother” で見せるダークでスロウな一面は、バンドと作品の二面性を際立たせ、モダンプログの骨子である多様性とダイナミズムを一際浮かび上がらせることとなりました。そして、当然そこには、Adam が人生を変えたアルバムで挙げている Chelsea Wolfe, Nick Cave からの仄暗く、ノワールな影響が存在するはずです。
今回弊誌では、その Adam Janzi にインタビューを行うことが出来ました。「もしこのバンドを一言で表すなら、アドベンチャーロックバンドかな。メタルとエレクトロニカの要素を持ったね。」 さて、この作品を耳にして Steven Wilson は何をおもうのでしょうか。どうぞ！！
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DAVID DAVIDSON OF REVOCATION !!
“Sometimes I’ll Discover Some Cool Voicings While Working On a Jazz Tune And I’ll Try To Manipulate Them In a Certain Way So That It Fits Into The Metal Framework Better.”
DISC REVIEW “THE OUTER ONES”
エクストリームメタルシーンの “名状しがたきもの”。刻々とその姿を変える轟音の支配者 REVOCATION は、神秘探求者たるリスナーの脳を時に捕捉し、時に喰らうのです。
「彼らは時代によって音楽性を少しづつ変化させていたでしょ？」David は信奉する DEATH の魅力についてそう語りましたが、自らのバンド REVOCATION にも同様の試みを投影しています。
ハイテクニカルなデスメタルの知性とスラッシュメタルの衝動の中に、オーセンティックなメタルの様式美を組み込んだ初期の煌きは眩しく、一方で鬼才 ARTIFICIAL BRAIN にも所属する Dan Gargiulo 加入以降の、前衛的で中毒性を宿した VOIVOD にも通じる不協和のカオスもまた魅力の一つだったと言えるでしょう。
そうして最新作 “The Outer Ones” でバンドが辿り着いた魔境こそ、トレードマークである演奏能力とアグレッションを拠り所とする”完璧なデスメタル”、すなわち “The Inner Ones” に、荘厳でリリカルなメロディーのイヤーキャンディーやジャズの複雑怪奇、すなわち “The Outer Ones” を織り込んだコズミックな宇宙でした。
饗宴の始まりはダークでソリッドな “Of Unworldly Origin” から。TRIVIUM の爽快さまでイメージさせる耳障りの良いファストチューンは、しかし同時にブルーノートを起点としたジャジーなコードボイシングで自らの異形をアピールします。
分解してスウィングさせればツーファイブにもフィットするウネウネとしたリードプレイから、冷徹でしかしファンタジックな DEATH の遺産、ツインリードへと雪崩れ込むギターの魔法は2人のマエストロを備える REVOCATION ならではの至宝でしょう。
実際、唯一のオリジナルメンバーとなった David Davidson のジャズに対する愛情は、先日あの TESTAMENT のジャズスラッシャー Alex Skolnick との対談でお互いが認め合ったように、本物です。ギター教師の一面も持つインテリジェントな David は、メタルにとって規格外のコード進行、ボイシング、そしてスケールを操りながらアルバムを未知の領域へと誘います。
ロマンチックとさえ表現可能な “Blood Atonement” はまさに David の異能が濃縮した楽曲でしょう。ブラッケンドな激情を叩きつける漆黒のワルツは幽かな叙情を宿し、一転して静寂の中紡がれるクリーントーンの蜜月は Joe Pass の匠を再現します。まさに David 語るところの “コントラスト” が具現化した “血の償い” は、CYNIC のアトモスフィアさえ纏って怪しくも神々しく輝くのです。
“Fathomless Catacombs” で再び DEATH への深い愛情を示した後、バンドは “The Outer Ones” で BETWEEN THE BURIED AND ME の重低音のみ抜き出したかのような不規則な蠢きでラブクラフトのホラーを体現し、さらに不気味なコードワークが映える “Vanitas” では VOIVOD はもとより ATHEIST, PESTILENCE のカオスをも須らく吸収してみせました。
アルバムを締めくくる大曲 “A Starless Darkness” はまさに名状しがたき暗闇。ドゥームの仄暗い穴蔵から這い出でし闇の化身は、勇壮なエピック、スラッシュの突心力、デスメタルの沈痛、シュレッドのカタルシスと多様にその姿を変えながら、OBSCURA と並びプログレッシブデスメタルの森を統べる者としての威厳を示すのです。
今回弊誌では、バンドのマスターマインド David Davidson にインタビューを行うことが出来ました。「ジャズの楽曲に取り組んでいる時、しばしば僕はクールなボイシングをいくつか発見するんだけど、それがメタルのフレームワークへとうまく収まるように手を加えてみるんだ。」フックと展開の目眩くクトゥルフ。今、最もハイテクニカルなギターチームが揃ったバンドの一つでしょう。どうぞ！！
EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MATTIAS “IA” EKLUNDH OF FREAK KITCHEN !!
“I Think The Change Of Music Industry Is a Brave New World With Tons Of Opportunities. You Can’t Sit Home And Complain It Was Better Before. Adjust Or Die.”
DISC REVIEW “CONFUSION TO THE ENEMY”
急速に拡大を続ける “ギターナード” の世界。真のギターフリークの間で、最もイノベーティブかつ画期的なプレイヤーとして崇拝を浴び続ける “Freak of the Freak” Mattias IA Eklundh。
水道のホースクリップ、テレビのリモコン、櫛、大人のディルドーにラジカセアンプ。目につくもの全てを “ギミック” としてギタープレイに活用し、レフトハンドのハーモニクスから両手タッピング、ミステリアスなスケールにポリリズムの迷宮まで自在に操るマエストロのアイデアは決して尽きることがありません。
同時に、弦は錆び付いても切れるまで交換せず、スウェーデンの自然とジャーマンシェパードを溺愛し、音楽産業の利益追求主義を嫌悪する独特の思想と哲学は Mattias の孤高を一層後押ししているのです。
｢FREAK KITCHEN を立ち上げたのは少しだけコマーシャルな音楽を志したから。だけど適度にひねくれていて、様々な要素をミックスしながらね。｣ とはいえ Mattias が情熱を注ぐスリーピースの調理場は、ただ難解で複雑な訳ではなく、むしろキャッチーでフックに満ち溢れた色とりどりのスペシャリテを提供して来ました。”Pop From Hell” とも評された、甘やかでインテリジェント、Mattias の “歌心” を最大限に引き出した “Freak Kitchen” はまさにバンドのマイルストーンだったと言えますね。
ジャズからボサノバ、アバンギャルド、ブログにインド音楽と手を替え品を替えエクレクティックに食材を捌き続けるバンドは、そうして最新作 “Confusion to the Enemy” でさらなる未踏の領域へと到達したように思えます。
｢AC/DC は僕がいつも帰り着く場所なんだよ。Angus にただ夢中だし、Phil Rudd の熱狂的なファンでもあるんだ。｣ 近年、AC/DC のやり方に再びインスパイアされたことを明かす Mattias。その言葉を裏付けるかのように、作品には以前よりシンプルでスペースを活用した、ヴィンテージロックやブルースのエネルギッシュな息吹が渦巻いているのです。
例えば “Good Morning Little Schoolgirl” をイメージさせるブルースパワーにアンビエントな風を吹き込んだ “The Era of Anxiety”、スウェーデン語で歌われる “Så kan det gå när inte haspen är på” のシンプルな突進力とスライドギターのスキャット、さらにトラディショナルなブルースのクリシェをベースとしながら、愛車のボルボをパーカッションに EXTREME の “Cupid’s Dead” の要領で問答無用にリフアタックを繰り広げる “Auto” の音景は明らかに魅力的な新機軸でしょう。
もちろん、KINGS X を思わせるダークなオープナー “Morons” から胸を締め付ける雄大なバラード “By The Weeping Willow” まで、クラッシックでヴィンテージなサウンドを背景に Mattias らしいルナティックなギタープレイと甘く切ないメロディーのデコレーションを疎かにすることはありません。
圧巻はタイトルトラック “Confusion to the Enemy” でしょう。バンド史上トップ5に入ると語る楽曲は、アルバムに存在する光と闇を体現した究極なまでにダイナミックなプログレッシブ絵巻。MESHUGGAH を想起させる獰猛なポリリズムと空間を揺蕩うアンビエンス、さらにFKらしいイヤーキャンディーが交互に顔を覗かせる未曾有のサウンドスケープは、バンドが辿り着いた進化の証。
時という “敵” であり唯一の資産を失う前に成し遂げた記念碑的な快作は、そうして “We Will Not Stand Down” で緩やかにエモーショナルにその幕を閉じるのです。
今回弊誌では Mattias IA Eklundh に2度目のインタビューを行なうことが出来ました。｢ゼロから何かを生み出す作業は、未だに究極の興奮を運んでくれるんだ。ただのルーティンの練習はそうではないよね。｣ どうぞ！！
