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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THE ARISTOCRATS : YOU KNOW WHAT…?】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MARCO MINNEMANN OF THE ARISTOCRATS !!

“All I Can Say In Retrospect Is That We Had a Great Chemistry And I Guess It Shows And After All I’m Still In Touch With DT And Collaborate With Jordan On Many Projects And Also Was Planning To Do Something With John Petrucci For a While. I Was Just Personally The Right Fit. I Listened To Completely Different Kind Of Music And Never Heard DT Songs Or Owned Their Albums. That Was The Biggest Deal For Them.”

DISC REVIEW “YOU KNOW WHAT…?”

「”You Know What…?” で僕らはソングライター、ミュージシャンとして互いにインスパイアし、バンドとして未踏の領域を目指したよ。バンドはその親密さを増し、互いを深く知ることが作品の限界を広げる結果に繋がったね。それでもこれは完全に THE ARISTOCRATS のアルバムだよ。だからこそ、これまでの作品で最高にクールなんだ。」
プレスリリースにも示された通り、”You Know What…?” は THE ARISTOCRATS が追求する “ミュージシャンシップの民主主義” が結実したインストライアングルの金字塔です。
Guthrie Govan, Bryan Beller, Marco Minnemann。ギター、ベース、ドラムスの “特権階級” “最高級品” が集結した THE ARISTOCRATS は、その圧倒的な三頭ヒドラの無軌道な外観に反してデモクラシーをバンドの旨としています。実際、これまでのレコードでも彼らは、それぞれが各自の特色を内包した3曲づつを持ち寄り、全9曲の和平的 “カルチャークラッシュ” を巻き起こしてきたのですから。
「僕たちは全員が異なるスタイルを持っているね。だけどその互いの相性が THE ARISTOCRATS を形成しているんだ。」Marco の言葉はその事実を裏付けますが、ただし “You Know What…?” を聴けば、バンドのコンビネーションやシンクロニシティー、共有するビジョンが互いの個性を損なうことなく未知なる宇宙へ到達していることに気づくはずです。
オープナー “D-Grade F**k Movie Jam” は彼らが基盤とするジャズロック/フュージョンの本質であるスポンティニュアスな奇跡、瞬間の創造性を体現した THE ARISTOCRATS ワールドへの招待状。
眼前に広がるは真のジャムセッション。徐々に熱量を増していく新鮮な Guthrie のワウアタック、極上のグルーヴとメロディーを融合させる Bryan のフレットレスベース、そしてソリッドかつアグレッシブな手数の王 Marco。時に絡み合い、時に距離を置き、ブレイクで自在に沸騰する三者の温度は Beck, Bogert & Appice をも想起させ、ただゲームのように正確に譜面をなぞる昨今のミュージシャンシップに疑問を呈します。
トリッキーな6/8の魔法と両手タッピングからマカロニウエスタンの世界へと進出する “Spanish Eddie”、サーフロックとホーダウンをキャッチー&テクニカルにミックスした “When We All Come Together” はまさに THE ARISTOCRATS の真骨頂。ただし、70年代のヴァイブに根ざした刹那のイマジネーション、インプロの美学は以前よりも明らかに楽曲の表層へと浮き出てきているのです。
KING CRIMSON のモンスターを宿す “Terrible Lizard”、オリエンタルな風景を描写する “Spiritus Cactus” と機知とバラエティーに富んだアルバムはそうして美しの “Last Orders” でその幕を閉じます。Steve Vai の “Tender Surrender” はギミックに頼らず、トーンの陰影、楽曲全体のアトモスフィアでインストの世界に新たな風を吹き込んだマイルストーンでしたが、”Last Orders” で彼らが成し得たのは同様の革命でした。
それはインタープレイとサウンドスケープ、そしてエモーションのトライアングル、未知なる邂逅。さて、音楽というアートはそれでも正しいポジション、正しいリズムを追求するゲームの延長線上にあるのでしょうか?
今回弊誌では、Marco Minnemann にインタビューを行うことが出来ました。DREAM THEATER のドラムオーディションには惜しくも落選したものの、マルチプレイヤーとしてソロ作品もコンスタントにリリースし、近年では Jordan Rudess, Steven Wilson, RUSH の Alex Lifeson とのコラボレートも注目されています。
「個人的には完璧に DREAM THEATER にフィットしていたと思うよ。ただ僕は彼らとは完全に違う感じの音楽を好んでいるし、DREAM THEATER の楽曲を聴いたこともなければアルバムも持っていなかったからね。それがオーディションの中で彼らにとって大きな意味を持ったんじゃないかな。」日本のサブカルチャーを反映したTシャツコレクションも必見。二度目の登場です。どうぞ!!

THE ARISTOCRATS “YOU KNOW WHAT…?” : 10/10

INTERVIEW WITH MARCO MINNEMANN

Q1: Hi, Marco! First of all, lot’s of Japanese fans loves to see your T-shirts collections, haha. Like Junji Ito, PonPonPon, it seems you are interested in Japanese sub-culture, right? Where did you get these T-shirts?

【MARCO】: Thank you, and yes, I love Japanese culture and some of my best friends are from Japan. I really like the beauty and uniqueness in Japanese art. Especially Junji Ito themes are mesmerizing and leave a lot of things to imagination. It’s surreal and beautiful.

Q1: 日本のファンは、あなたのTシャツコレクションを楽しみにしていますよ(笑)。伊藤潤二、PonPonPon など日本のサブカルチャーに興味をお持ちのようですね?

【MARCO】: ありがとう。うん、僕は日本文化を愛しているし、親友のうち何人かは日本人なんだ。僕は日本が生み出すアートの美しさやユニークさが本当に大好きなんだよ。
特に伊藤潤二のテーマは魅力的で、イマジネーションを喚起してくれるね。シュールで美しい世界だよ。

Q2: When I had interview with Jordan Rudess, he said “We have done 2 albums together with Tony Levin (the LMR albums) which are really cool instrumental albums! When I thought about the music I wanted to write for this album and the parts that are completely over the top crazy rhythmic prog I thought that Marco would be the guy to do it!!!”. It seems you two are really connected musically, right? How was the collaboration with Jordan on “Wired for Madness”?

【MARCO】: Yes, Jordan and I are longtime friends and musical parthers. It’s always fun to work with him and the musical chemistry between us leads always to new adventures. The piece I played on Wired For Madness was a 23+ mins piece and contains a lot of parts and changes.
I’ve recorded it at home….. part by part. It’s a luxury having your music studio at home and being able to operate right from the source. That way allows me to play complex parts and record them until I’m happy, without having to wait for an engineer to punch me in and out.

Q2: 先日、Jordan Rudess にインタビューを行ったのですが、彼はあなたについて「Marco とは、Tony Levin も含めて Levin Minnemann Rudess のアルバムを2枚制作したね。あの2枚は実にクールなインストゥルメンタルアルバムだったんだ!だからこのアルバム (Wired For Madness) のために書く音楽、そして完全に限界を超えたリズミックなプログパートを思えば、Marco こそが適任だと思えたんだ!」と語っていました。
お二人は、音楽的に深く繋がっているようですね?

【MARCO】: そうだね。Jordan と僕は長年の友人で、音楽的パートナーなんだ。彼と製作するのはいつも楽しいし、僕たちの間に存在する音楽のケミストリーはいつも新たな冒険へと誘ってくれるんだよ。彼のソロアルバム “Wired For Madness” で僕がプレイしたのは23分を超える楽曲で、多くのパートと変化を内包していたね。
自分の家でレコーディングを進めたんだ。パートごとにね。家にスタジオがあるって贅沢なことだし、気の済むまで正しくソースを料理することができる。スタジオがあることで、複雑なパートも満足いくまでプレイすることができたんだ。エンジニアを待たせることがないからね。

Q3: Regarding Jordan, I wanted to see you join Dream Theater at that time. I mean, you are drummer but also composer, multi-instrumental player, so If you had joined in the band, maybe something different would’ve happen in Dream Theater, I think. Looking back now, what’s the audition to you?

【MARCO】: Oh, that was almost 10 years ago…. it’s so far away in the past. All I can say in retrospect is that we had a great chemistry and I guess it shows and after all I’m still in touch with DT and collaborate with Jordan on many projects and also was planning to do something with John Petrucci for a while. I was just personally the right fit. I listened to completely different kind of music and never heard DT songs or owned their albums. That was the biggest deal for them. They wanted someone in the band who is ultimately dedicated and would make time for the band whenever necessary. Makes all sense.

Q3: Jordan と言えば、DREAM THEATER でプレイするあなたを見たかったファンも多いはずです。
なぜならあなたは、ドラムの名手でありながらマルチプレイヤー&コンポーザーで、彼らのマテリアルにまた違った色をもたらすことが出来たはずですから。

【MARCO】: もうあのオーディションからほとんど10年も経つんだね…もうとても昔のことのように思えるよ。僕が言えるのは、僕とバンドに素晴らしいケミストリーが生まれていたこと。そしておそらくその成果によって今でも DREAM THEATER のメンバーとコンタクトを取り続けることができていて、Jordan とは何度もコラボレートできたし、John Petrucci ともしばらくは何かやろうと計画できていたわけさ。
個人的には完璧にフィットしていたと思うよ。ただ僕は彼らとは完全に違う感じの音楽を好んでいるし、DREAM THEATER の楽曲を聴いたこともなければアルバムも持っていなかったからね。それがオーディションの中で彼らにとって大きな意味を持ったんじゃないかな。
それに、彼らはバンドに究極に全てを捧げ、必要な時はいつでもバンドに時間を割ける人物を探していたんだ。そう考えると全て辻褄があうよね。

Q4: Also, it seems a collaboration with Alex Lifeson is the coolest thing to you, right? Of course, he joined your solo record “Borrego” in 2017. But what was co-writing experience with legendary Alex for you? Do you want to continue the project?

【MARCO】: yes, Alex Lifeson is a big influence and I love working with him. He has been played on 4 songs on my album Borrego and it was an amazing musical energy that we’ve created.
We then continued working together on an 8+ mins song called Lovers Calling, which is available as a very limited 12” Vinyl Picture Disc.
The song takes you on a journey I believe and came out really deep and meaningful. It also features the amazing Mohini Dey on Bass and Maiah Wynne On Vocals. For the ones didn’t get a copy of the Picture Disc: The songs will also be released on my forthcoming album called My Sister.

Q4: 最近では、RUSH の Alex Lifeson とのコラボレーションがビッグニュースでしたね?あなたにとって非常に意義深い出来事だったのではないですか?

【MARCO】: うん、Alex Lifeson からは大きな影響を受けているし、彼と仕事をするのが大好きだからね。彼は僕のアルバム “Borrego” で4曲プレイしてくれたね。そして僕たちが創造した音楽のエナジーは実に素晴らしいものがあったんだ。
だから僕たちは共作を続けることにしたんだ。”Love Calling” という8分を超える楽曲でね。これは限定生産のヴァイナルピクチャーディスクとして手に入れることが可能だよ。
まさに旅へ誘うような楽曲になったと信じているんだ。とても意義深いものになったね。それにベーシスト Mohini Dey, ボーカルに Maiah Wynne という最高のミュージシャンを起用している。ピクチャーディスクを手に入れられなかった人のために、次のソロアルバム “My Sister” にも収録する予定だよ。

Q5: OK, let’s talk about The Aristocrats. “You Know What?”…very wired title & wired artwork, right? what’s the meaning behind that?

【MARCO】: hah, that’s exactly how it was intended to be.
I came up with that title, because it was a running joke between Guthrie, Bryan and I. During our recordings for our first album a few years back, I was standing in a lunch line in front of the recording studio and the people in front of me couldn’t make up their minds about what to order. It was taking so long that after that experience I went back to the recording room and said to my band mates in a very angry German inflection that I was displeased with the people in line and wanted to tell them : “You Know What? …. F*** you all”!
We all laughed about it and became a thing.
And then Hajo Müller made these cool sketches describing certain scenes that we thought could be appropriate for that term. Hahahaha.

Q5: では THE ARISTOCRATS の最新作 “You Know What…?” について話しましょう。実に風変わりなタイトル、アートワークですね?

【MARCO】: はは、それこそが僕たちの意図したことだったんだ。僕がタイトルを思いついたんだけど、これは Guthrie, Bryan, そして僕の中で口にしていたジョークから生まれたんだ。
何年か前、ファーストアルバムのレコーディング期間だったんだけど、僕はスタジオの前の店のランチの列に並んでいたんだ。そして僕の前の人が何を注文しようかなかなか決められなかったんだよ。おかげでとても時間がかかって、レコーディングルームに戻るやいなや僕は2人に怒り狂ったドイツ語訛りで彼に対する不快感をぶつけたんだ。「ちょっと聞いてくれ!(You Know What?) あいつらはクソったれだ!」ってね。それで全員が大笑いしてバンドの中で流行ったんだ。
そうして、Hajo Müller がそのセリフに相応しいシーンをスケッチして描写してくれたんだよ (笑)。

Q6: The Aristocrats is “democracy of musicianship” where each album is a perfectly divisible-by-three nine songs, and each band member writes three of the nine. And that contrast is perfect in “You Know What?”! In your perspective, what’s the difference each three members about composing?

【MARCO】: we all write differently in styles, but for each other when it comes to The Aristocrats.
But the difference would probably be: 1. Guthrie writes more from a perspective to give us all lots of freedom on our individual instruments. 2. Bryan comes will very detailed arrangements for the parts and sounds. 3. I like to not shy away from layering and orchestrating parts. So some of the songs are sometimes difficult to translate in a live setting as a trio. But we’ll do our best. Hehe.

Q6: THE ARISTOCRATS は “ミュージシャンシップの民主主義” と形容されるように、3人が3曲づつ持ち寄りアルバムを製作しています。あなたから見て、3人のコンポーザーにはどの様な違いがありますか?

【MARCO】: 僕たちは全員が異なるスタイルを持っているね。だけどその互いの相性が THE ARISTOCRATS を形成しているんだ。
おそらくその違いはこんな感じだろうな。Guthrie は各楽器により自由を与えるような観点で楽曲を書いているね。一方で、Bryan はパートやサウンドのアレンジを詳細まで作りこむんだ。僕はレイヤーしたり、オーケストラのパートが好きだね。だから時にトリオでライブに取り組むには難解な楽曲にもなるんだよ。まあだけど、全員がベストを尽くすよ (笑)。

Q7: I think Marco-Bryan is the best rhythm team in the world. What do you like the combination with Bryan? What’s the important point, when you choose bass player?

【MARCO】: aww, thank you so much. Well, we’ve known each other for quite some time and meanwhile have this sometimes almost telepathic chemistry. We sometimes hit the same fills or accents together and leave space for each other whenever needed.
I think for a bass player it’s very important to have a solid foundation of groove, glue things together and have a nice well rounded bass tone.

Q7: あなたと Bryan のコンビは世界でも屈指のリズムセクションだと思います。彼とのタッグで気に入っている点を教えてください。

【MARCO】: わー、ありがとう。そうだね、僕たちは互いに知り合って長く経つから、時にはテレパシーのようなケミストリーが生まれるんだ。同じフィルやアクセントでプレイすることもあれば、必要なら互いにスペースを残すこともあるね。
ベースプレイヤーにとって重要なのは、ソリッドなグルーヴの基盤を持ち、バンドをしっかりと密着させて、豊満なベーストーンを刻むことさ。

Q8: It seems you are making new solo record “My Sister”. Could you tell us about the record as much as you can?

【MARCO】: thank you, yes. My Sister has a triple meaning: 1. I was seeing once a girl and then after started seeing her sister. Hahahaha. Sorry.
2. There’s an actually quite famous person who shall go nameless, hahaha, who always said that I was like a brother she never had. But then she kissed me. Hahaha. That was weird but funny. This scene is described in the title song My Sister.
3. I had a half sister, who passed away many years ago. And finally I was able to write a song about her called A New Body For Your Soul. That was very satisfying for me and meant closure.
But overall I was writing about the rural areas in Southern California where I explored and experienced many sad but also beautiful stories about people and their lives. Especially in the little towns I found a lot of sadness or sad stories about broken families and drug abuse. And I wrote many of these stories down and wanted to give these people hope.
Especially the songs Arrogance, Start Again and White Sheets (this one is about my stay in Bangladesh) have a very deep meaning for me. I’m also very pleased to have wonderful special guests Alex Lifeson and dUg Pinnick with me on this 2 CD set.

Q8: 先程お話しにも出ましたが、新たなソロアルバム “My Sister” も製作中のようですね?

【MARCO】: ありがとう、そうなんだよ。”My Sister” には3つの意味がかけられていてね。一つ目は、昔ある女の子と付き合っていたんだけど、その後彼女の姉妹と付き合い始めたんだよ。はははは!ごめん!
二つ目は、名前は出せないけどすごく有名な知り合いがいてね。彼女はいつも僕を、実際はいないんだけど兄弟のようだと言っていたんだ。それなのに彼女は僕にキスしてきたんだ!はははは!変わっているけど面白い話でしょ?このシーンがタイトル曲 “My Sister” で描写されているよ。
三つ目は、僕には腹違いの姉妹がいたんだけど、何年も前に亡くなってしまったんだ。それで遂に彼女についての楽曲 “A New Body For Your Soul” を書くことができたんだ。とても満足しているよ。
まあだけど、全体としては南カリフォルニアで僕が経験した悲しくも美しい人々の人生について書いているよ。特にリトルタウンでは、家庭の崩壊、ドラッグ中毒に起因する多くの悲しみを見てきたからね。そういった人たちに希望を与えるためにも、彼らのストーリーを書きたかったんだ。
特に “Arrogance”, “Start Again”, “White Sheets” (この曲はバングラデシュにいた時のことを書いたよ) は僕にとってとても深い意味を持つんだ。それにこの二枚組の CD セットに、Alex Lifeson, dUg Pinnick をゲストとして迎えられてとても嬉しかったね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED MARCO’S LIFE

QUEEN “NEWS OF THE WORLD”

LED ZEPPELIN “HOUSES OF THE HOLY”

THE POLICE “SYNCHRONICITY”

RYUICHI SAKAMOTO “CINEMAGE”

KATE BUSH “HOUNDS OF LOVE”

MESSAGE FOR JAPAN

I love Japan and really could move to your country. Thank you all the wonderful people for liking my art. Never give up, there’s always hope and always believe in yourself and good friendship.
Arigatou Gozaimasu

日本が大好きだし、本当に移住したいと思っているんだ。僕のアートを愛してくれるすべての素晴らしき人たちにありがとう。諦めないで欲しい。いつだって希望はあるよ。自分を信じて、良い友人を作るんだ。ありがとうございます。

MARCO MINNEMANN

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ARCH ECHO: YOU WON’T BELIEVE WHAT HAPPENS NEXT!】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ADAM BENTLEY OF ARCH ECHO !!

“We Felt It Would Be Fun To Go Against The Typical Trends And Have Something More Comical. We Have Fun And Don’t Take Things Too Seriously, And The Artwork Reflects That.”

DISC REVIEW “YOU WON’T BELIEVE WHAT HAPPENS NEXT!”

2010年代の幕開けを前に ANIMALS AS LEADERS が放ったセルフタイトルの煌きは、”Instru-metal” シーンに劇的な転調をもたらしました。
ネクストレベルのテクニック、グルーヴ、創造性、そして多弦の魔法は、Djent ムーブメントの追い風も受けて同世代を激しく刺激し、さらに綺羅星のごとき後続を生み出すこととなったのです。
鬼才のマイルストーンを道しるべに、自らのインスト道を極める俊英たち。彼らはあたかも大樹から自在に伸長する枝葉のように、モダンプログレッシブの世界を細分化し多様に彩りました。
日本が誇る ichika や THE SURREALIST のアンビエントな冒険は出色ですし、同じく日本人 Yas Nomura が所属する THRAILKILL や THE RESONANCE PROJECT の知性と際立った完成度、さらに王道をひた走る主役 POLYPHIA, CHON のチルアウトしたマスライド、Felix Martin の踊る蜘蛛指、Sarah Longfield の眩いエレクトリックパレード、そしてもちろん素晴らしきマスコット、ヒキニート先輩とまさに多士済済、群雄割拠のインストシーン。
ただし、楽器のディズニーランドへと舞い降りた万華鏡の新世代は、トレンドを恐れず喰らい、ジャンルに巣食うマニアの呪縛をも意に介さない点で共闘し、よりマスリスナーへとワイドなアピールを続けているのです。
中でも、あの Steve Vai をして最も先進的なギタープレイヤーの一人と言わしめた Plini の出現を境として、”Fu-djent” の華麗な波が存在感を増しています。Djent のグルーヴを受け継ぎながら、より明確なメロディーとハーモニーを軸に据え、フュージョンの複雑性とキラキラ感をコーティングしたカラフルなイヤーキャンディーとでも言語化すべきでしょうか。隠し味は、音の隅から隅へと込められた類まれなるメジャー感なのかも知れませんね。
INTERVALS, OWANE, Jakub Zytecki, Sithu Aye, Stephen Taranto といったアーティストが “Fu-djent” の魅力を追求する中でも、あのバークリー音楽院から登場した ARCH ECHO の風格とオーラはデビュー作から群を抜いていたようにも思えます。
違いを生んだのは、彼らがより “バンド” だった点でしょうか。名だたるプレイヤーを起用しながら確固とした主役が存在する他のアーティストと比較して、ARCH ECHO はダブルギター、キーボード、ベース、ドラムス全員が主役でした。故に、プログからの DIRTY LOOPS への返答とも称されたコレクティブでファンキー、ウルトラキャッチーな “Hip Dipper” が誕生し得たのでしょう。
最新作 “You Won’t Believe What Happens Next!” は、さらにバンドとしてのシンクロ率を高め熟成を深めた作品です。
「僕たちはバンドを楽しんでやっているし、シリアスに物事を捉え過ぎてはいないんだよ。アートワークはそのアティテュードを反映しているんだ。」
プロデューサーとしてもシーンに一石を投じる Adam Bentley は、”次に何が起こるかきっと君は信じられないだろう!” というタイトル、プログらしさの真逆を行くコミカルなアートワーク、そしてもちろんその音楽も、全てが “楽しさ” に由来する創造性や意外性であると語ってくれました。そして確かに、彼らの新たな旅は意外性に満ちています。
「このアルバムではよりフュージョンを目指した方向性をとったんだ。それに、よりテクニカルにもなっているね。」
一見 “Hip Dipper” 同様メジャー感を前面に押し出した “Immediate Results!” でさえ、その実予測不能のポリリズム、緩急のダイナミズム、スピードの暴力、デュエルの激しさなど総合的な複雑性、テクニカルメーターは前作を大きく凌いでいます。
加えて、”Stella” が象徴するように Djeny な重量感は一層深くバンドの音の葉へと馴染み、一方で “Bocksuvfun” や “Iris” に浸透した RETURN TO FOREVER 譲りのトラディショナルなフュージョンサウンドもそのリアルを増しているのです。
すなわち、バンド全員のインストゥルメタルスーパーパワーを集結し、リラックスしたフュージョンマインドとテンション極まるチャグアタックを渾然一体に導く蜃気楼のパラドックスこそ ARCH ECHO の天性。
今回弊誌では、Adam Bentley にインタビューを行うことが出来ました。「ジャクソンのギターを使っているのは、僕のメタルとプログメタルに対する愛が故なんだよ。」名曲 “Color Wheel” を追加収録した日本盤は、7/17に P-VINE からリリース。どうやら待望の初来日も期待できそうですね。どうぞ!!

ARCH ECHO “YOU WON’T BELIEVE WHAT HAPPENS NEXT!” : 9.9/10

INTERVIEW WITH ADAM BENTLEY

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about yourself and your band? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【ADAM】: Hey my name is Adam Bentley, and I’m the guitarist for Arch Echo, and a music producer / mixing engineer. Growing up I listened to a lot of classic rock like the Beatles, Led Zeppelin, Hendrix, but my ears quickly turned to metal. Slipknot, Linkin Park, and Killswitch Engage were important guitar influences when I was a kid.

Q1: 本誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか?

【ADAM】: やあ、僕は Adam Bentley。ARCH ECHO のギタリストで、音楽プロデューサー/ミキシングエンジニアもやっているんだ。
子供のころ聴いていたのは、THE BEATLES, LED ZEPPELIN, Jimi Hendrix といったクラッシックロックだったね。だけどすぐメタルにのめり込んでいった。SLIPKNOT, LINKIN PARK, KILLSWITCH ENGAGE はキッズ時代の僕のギターに重要な影響を与えたよ。

Q2: Arch Echo features four Berklee graduates, right? How did the band come to be?

【ADAM】: Yes that’s correct! Everyone except Richie Martinez (drums) met at Berklee. I collaborated with Joey Izzo (keys) quite a bit at school and after graduation he mentioned starting a band and asked me to be a part of it, and here we are!

Q2: ARCH ECHO はかのバークリー出身者が4人を占めていますよね?

【ADAM】: うん、その通りだよ!ドラムスの Richie Martinez を除いて全員がバークリーで会ったんだ。
キーボードの Joey Izzo とは学生時代によくコラボレートしていたんだけど、卒業してから彼がバンドを始めたいと言い出してね。それで僕にメンバー入りを打診してきたんだ。そうやって ARCH ECHO が結成されたのさ!

Q3: What inspired you to start playing guitar? You are touring with Tony MacAlplne now. Is he one of your guitar hero?

【ADAM】: My dad taught me how to play guitar and showed me his favorite rock records so that was my jumpstart into the guitar world.
When I got into prog guitar Tony was one of the names I heard about through word of mouth, and of course his skills are unreal. Getting to tour with him inspires me to practice more.

Q3: ギターを始めたきっかけは何だったのでしょうか? 現在、Tony MacAlpine とツアー中ですが、あなたにとって彼はギターヒーローの一人でしたか?

【ADAM】: 父がギターの弾き方を教えてくれたんだ。それに彼の大好きなロックのレコードたちも聴かせてくれたね。だから僕はギターの世界に飛び込むこととなったんだ。
プログギターにのめり込むようになると、Tony が凄いって評判も伝わってきたんだ。そして、もちろん彼のスキルは絶品だったよ。実際、彼とツアーをはじめてから、より練習を積むようになったね。

Q4: OK, let’s talk about your newest record “You Won’t Believe What Happens Next!”. You know, it’s really impactful album title. Also, compared with debut-full, the mood of artwork have changed significantly, right?

【ADAM】: Thank you! It feels like a good next step for the band and I still enjoy the final product. With the album artwork, we felt it would be fun to go against the typical trends and have something more comical. We have fun and don’t take things too seriously, and the artwork reflects that.

Q4: では最新作 “You Won’t Believe What Happens Next!” について話しましょう。
非常にインパクトのあるタイトルですね。アートワークの雰囲気も、デビュー作に比べると随分と変わりましたが。

【ADAM】: ありがとう!”次に何が起こるかきっと君は信じられないだろう!” ってタイトルは、文字通りバンドにとって良い次のステップだと感じたんだ。今でも完成品には満足して楽しんでいるよ。
アートワークについてだけど、僕たちは典型的なトレンドと真逆を行き、コミカルなムードを取り入れた方が楽しいと思ったんだ。僕たちはバンドを楽しんでやっているし、シリアスに物事を捉え過ぎてはいないんだよ。アートワークはそのアティテュードを反映しているんだ。

Q5: Your debut-full “Arch Echo” was very well accepted to the scene. Actually, in Japan, lot’s of instrumental music fans were really excited, and thought you were “gamechanger” like Animals as Leaders. So, it seems there was kind of “pressure”, when you started making next record. How did you make your band evolve from “Arch Echo”?

【ADAM】: That’s great to hear! We didn’t want to think about pressure and we simply wrote what we thought sounded fun to play. We want it to feel like a journey, but this album felt much more collaborative then the first one.

Q5: デビュー作 “Arch Echo” はシーンに大きな衝撃を与えました。日本のファンも大注目で、ANIMALS AS LEADERS のような “ゲームチェンジャー” の登場だと興奮していましたよ。
一方で、次の作品の制作には大きなプレッシャーもあったと思いますが?

【ADAM】: そんな評判があったんだね、耳にできて嬉しいよ!プレッシャーについては考えないようにしていたし、単純にプレイして楽しめる音楽を書こうと考えたんだ。
このアルバムを旅のように感じて欲しかったね。ただ違いがあるとすれば、前作にくらべてこの作品はよりコラボレーションの成果だと感じているんだ。

Q6: You are often called as “Metal meets Jazz/Fusion” or “Fu-djent”, haha. But compared with AAL, Polyphia, David Maxim Micic, I think you are more Jazz/Fusion artist, and that character of Arch Echo have become stronger in “You Won’t Believe What Happens Next!”. Do you agree that?

【ADAM】: I definitely agree that this 2nd album took more of a fusion direction and is a bit more technical. Who knows how the 3rd will sound!

Q6: ARCH ECHO はしばしば “Metal meets Jazz/Fusion” とか、”Fu-djent” などと称されていますね。
ただ、特に今回のアルバムは同系統のインストゥルメタルバンドと比較して、よりフュージョン色が濃いようにも感じます。

【ADAM】: 間違いなく同意するよ。この “You Won’t Believe What Happens Next!” ではよりフュージョンを目指した方向性をとったんだ。
それに、よりテクニカルにもなっているね。次のアルバムではどうなるだろうね!

Q7: Adam Rafowitz uses Strandberg, and that seems natural to me. Because AAL, Plini, lot’s of up and coming guitar players have used Strandberg. But Adam Bentley’s main guitar is Jackson, right? Jackson is more “Metal”, I feel. But what made you choose the brand?

【ADAM】: Yes I am a Jackson artist. It does tie into my love for metal and progressive metal – the way they craft guitars attracts metal guitarists and I feel very comfortable playing them. I’m also fortunate enough to know some very kind people on the Jackson team and I’m excited to keep that relationship going.

Q7: パートナー Adam Rafowitz は Strandberg のギターを使用していて、音楽性を鑑みればそのチョイスは自然に感じます。
ただ、あなたはもっとメタルらしい Jackson をメインギターに使用していますね?

【ADAM】: うん、僕は Jackson のロースターなんだ。このギターを使っているのは、僕のメタルとプログメタルに対する愛が故なんだよ。彼らのギターの製作法はメタルギタリストを惹きつけるんだ。それに僕はこのギターがとても快適なんだよ。
それに、Jackson社のとても親切な人たちと知り合えたのも実に幸運だったね。この関係を続けることに興奮しているんだ。

Q8: Also, Adam (Bentley) have been working as sound engineer, producer. Recently, Adam have managed lot’s of great records, like Anup Sastry, Felix Martin, Thrailkill, Pineapple Express. Actually, Adam has become “Key person” of modern prog scene, right?

【ADAM】: I’ve never really stopped to reflect on it that way, but that’s very flattering. I’m fortunate to have the chance to work with these talented musicians. It’s taken many years of hard work, and I’m always pushing to do better.

Q8: 冒頭でも仰いましたが、あなたは腕利きのサウンドマンとして、Anup Sastry, Felix Martin, THRAILKILL, PINEAPPLE EXPRESS などを手がけ素晴らしいアルバムを世に送り出しています。
モダンプログシーンにとってキーパーソンにも思えますが。

【ADAM】: そんな風になりたいと思ったことはないけど、嬉しい賛辞だね。幸運なことに、君が挙げたような才気溢れるミュージシャンたちと仕事をすることが出来ている。何年ものハードワークの賜物だろうな。
いつももっと良くなりたいと思って自分をプッシュしているんだ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED ADAM B’S LIFE

DREAM THEATER “IMAGES AND WORDS”

TesseracT “CONCEALING FATE EP”

SLIPKNOT “VOL.3 (THE SUBLIMINAL VERSES)

KILLSWITCH ENGAGE “AS DAYLIGHT DIES”

RUSH “THE SPIRIT OF RADIO (GREATEST HITS 1974-1987)

MESSAGE FOR JAPAN

We’re so excited to perform for you all, and it has always been a dream of mine to visit! Can’t wait and recommend me some places to see while I’m there!

君たちみんなのためにプレイするのが楽しみだよ。とてもエキサイトしているね!ずっと日本を訪れるのが夢だったんだ!待ちきれないね!
僕が日本にいる間、オススメの場所をぜひ教えて欲しいな!

ADAM BENTLEY

ARCH ECHO Facebook Page
ARCH ECHO Official Site
ARCH ECHO Bandcamp
日本盤のリリース情報はこちら。P-VINE

1.Daybreak
2.Immediate Results!
3.Stella
4.Aurora
5.Mukduk
6.Tempest
7.Bocksuvfun
8.Iris
9.Color Wheel *日本盤限定ボーナストラック
ARCH ECHO「You Won’t Believe What Happens Next!」国内盤
日本盤限定ボーナストラック / 日本語解説付き
2019.7.17 In Stores
¥2,400(w/o tax) / PCD-24858
P-VINE

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【OLA ENGLUND : MASTER OF THE UNIVERSE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH OLA ENGLUND !!

“I’ve Always Been Very Business Wise In My Approach, Coming From a Background Of Working As An Accountant, And For Me It’s All About Being As Diverse As Possible. If You Want To Be Able To Survive You Have To Be Smart.”

DISC REVIEW “MASTER OF THE UNIVERSE”

PERIPHERYの Misha Mansoor は 「メタルバンドはお金を産まなくなってしまった。これから重要なのは収入の多様化だ。」 と語り、アーティストにとって過酷な時代の生存術を提示しました。
ある時はエクストリームなシュレッダー、ある時は YouTube のエンターテイナー、そしてまたある時はギターブランドのイノベーター。Ola Englund の音楽ビジネスに対するアプローチはまさに Misha の提唱するサバイバル術を実践しています。
「生き残りたいならスマートになるべきさ。ただし、成功に簡単な方法があると考えるのは間違いだよ。そんなものはないね。全てはハードワークと献身の結果なんだ。」
Ola のアプローチは確かに合理的で現代的ですが、決してハードワークを怠っているわけではありません。そして、世界がスウェーデンの埋もれた才能を発掘したのは、まさに尽瘁と先鋭的なビジョンが詰まった Ola の YouTube チャンネルだったのです。
ウィットとユーモアに富み、絶佳の技術と無尽蔵の知識でギター関連の機材をレビューしデモ演奏を披露する Ola のチャンネルは、自身のエクストリームメタルバンド FEARED と共にその名声を高めていきました。
そして登録者数32万を超えるコンテンツは、重要な収入源であると同時に規格外の広告塔としての役割も果たし、遂には SIX FEET UNDER、そして現所属 THE HAUNTED といったビッグバンドへの加入へと繋がったのです。ギターブランド Solar Guitar の立ち上げも、YouTube で養った経験と英知が寄与しているのは明らかですね。
多忙な生活の中でも Ola は音楽を製作し続けます。「ほとんどの人はメタルリフとデスメタルの演奏でいつもの僕を知っている訳だよ。だからこの作品をリリース出来たのは素晴らしいよ。世界中に僕にはエモーションがあって、様々なスタイルの音楽を好んでいると知らしめることが出来るからね。」
初のソロアルバムとなった “Master of the Universe” は自らの感情と音楽的な多様性を余すことなく注入した “猫の目の” 宇宙です。
コミカルなタイトルに反して “Pizza Hawaii” のデザインは実にシリアスです。RUSH を想わせる知性のアルペジオを序奏として、トレンドの TOSKA 的プログレッシブグルーヴと OPETH のミステリアスなリフエイジを投影したシュレッドロマンは素晴らしくエピカルです。
コンテンポラリーで理知的ななヘヴィーグルーヴと、荘厳なシンセを纏った静謐が異次元のダイナミズムをもたらす “Cerberus”、シアトリカルなピアノの響きが Devin Townsend にもシンクロする “Slutet på Skivan”。中でも Ola にとって特別な言葉 “Solar” を冠した太陽組曲はプログレッシブリスナーに絶景をもたらす銀光のルミナリエ。
ピアノ、アコースティックギター、サクスフォンまで駆使してメタリックに、プログレッシブに、ジャジーに、アンビエントに、そしてクラシカルに踏破する24分の感情山脈は、映画のサウンドトラックにも似て究極の音景をリスナーに届けるのです。
今回弊誌では、Ola Englund にインタビューを行うことが出来ました。「僕はいつも自分のアプローチにとてもビジネス的なビジョンを取り入れてきたね。それは会計士として働いていたバックグラウンドから来ているんだけれど。そして全てを出来るだけ多様化するように心掛けているんだ。」 どうぞ!!

OLA ENGLUND “MASTER OF THE UNIVERSE” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THRAILKILL : EVERYTHING THAT IS YOU】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH WES THRAILKILL FROM THRAILKILL !!

“Labeling Can Only Get Us In Trouble. Every Band Or Album We Come In Contact With Should Be Viewed As It’s Own Entity, To Be Digested As Art.”

DISC REVIEW “EVERYTHING THAT IS YOU”

ハリウッドに居を構える楽器演奏者の登竜門 Music Institute。その過酷な虎の穴とも言える通称 MI で結成され、Instru-metal 道を追求していた MAMMOTH が THRAILKILL と名を改めリリースした “Everything That Is You” は、バンドの過去と現在、そして未来全ての作品を繋ぎ、与えられたギフトへと感謝を捧げる人間讃歌です。
自らが考案した “Cream Theater” の異名を追い求めた黎明期から、ストイックなトリオは音楽の旅を続けています。実際、MAMMOTH として最後にリリースした “Deviations” は、ANIMALS AS LEADERS を思わせるコンテンポラリーなヴァイブと、LIQUID TENSION EXPERIMENT にも通じる Tech-metal の王道、そして THE ARISTOCRATS のジャズ精神を巧みにミックスし、プログメタルシーンのリスナーを思考させ唸らせた快作でした。
ただ、HAKEN との有意義なツアーの後、同名バンドの乱立により改名を余儀なくされた彼らは、ギタリストで中心人物 Wes Thrailkill のラストネーム THRAILKILL を看板として掲げることに決めたのです。
「同じようなアルバムは2枚と作りたくない」と語る Wes の言葉を裏付けるかのように、”Everything That Is You” は MAMMOTH からのさらなる深化を封じる作品です。
「最新作はよりプログメタルにフォーカスした作品だよ。過去には各ソロイストを強調したジャズ/フュージョン寄りのアルバムも作ってきたけどね。」 と Wes は語りますが、彼の言うジャズ/フュージョンとはより個としてのソロイストを強調した作風、そしてプログメタルとはより全体のビジョンを統一した絵画のような作風と理解するべきでしょう。
そのコンセプトを考慮に入れて作品と向き合えば、THRAILKILL の目指す場所がより鮮やかに伝わって来るはずです。
Djent の季節を過ぎ、近年インストゥルメタル界隈では、ロックとジャズを融合させた難解とも言えるフュージョンというジャンルをより多様に、ポップに、現代的なサウンドでハイクオリティーにディフォルメする動きが高まりを見せています。
出自は Djent である INTERVALS や PLINI, さらに OWANE や ARCH ECHO といった超新星までそのカラフルなサウンドに込められた共通項は、知的でありながらキャッチーの粋を集めたその煌びやかなデザインでしょう。
実際、彼らは全て超一流のソロイストを揃えていますが、決して複雑怪奇なリードプレイ、それに “0000” を延々と奏でることはありません。ミニマルとさえ言える印象的なメロディーやリフを膨らませながら、R&B、ポストロックやエレクトロニカ、時にヒップホップまで飲み込んでリスナーにフックの洪水を投げかけるのです。
彼らと比較すれば存分にメタリックですが、THRAILKILL も確かにその大渦の中にいます。実際、”Consciously” でゲストプレイヤー Ryan Cho が奏でるヴィオラの響きがシネマティックなアルバムの幕開けを告げると、そこには Instru-metal のディズニーランドが広がって行くのです。
Final Fantasy のスリルをイメージさせる “Aware”、ポストロックの多幸感がヘヴィーフュージョンと溶け合った “Before”、デジタルの響きがエモーションを加速させる “Everything’s”、TRIBAL TECH のファンクを受け継ぐ “Gone”、そしてマスロックの洗礼を大いに浴びたタイトルトラックまで、躍動感を持った楽曲群はシームレスに繋がりそのエンターテインメント性を解き放っていきます。
一方で、もはや “Dream Rush” のニックネームこそ適切に思える奇想天外なオッドタイムの荒波で、しっかりと舵を取るリズム隊の貢献に触れない訳にはいかないでしょう。特に日本人である Yas Nomura の溢れるフレーズアイデアと巧妙な指捌き、ジャズの鼓動は、和製 Jaco Pastorius の形容もきっと過称ではないはずです。(余談ですが彼はギタリストとしても素晴らしい腕前で、Allan Holdsworth を彷彿させるプレイを聴かせます)
もちろん、ARCH ECHO の Adam Bentley がミキシングを手がけたことも偶然ではないでしょう。今回弊誌では Wes Thrailkill にインタビューを行うことが出来ました。「Yas は日本から来たんだよ。最初僕たちが会った時、彼が話すことの出来た英語は “Dream Theater….” だけだったくらいさ。」 どうぞ!!

THRAILKILL “EVERYTHING THAT IS YOU” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NITA STRAUSS : CONTROLLED CHAOS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NITA STRAUSS !!

“I Think DEFINITELY The Time Has Come!! When I Was a Young Guitar Player, There Were Very Few Women Playing Guitar, And The Ones That Were Didn’t Really Play “Shred”.”

DISC REVIEW “CONTROLLED CHAOS”

男性が支配するロック/メタルのコミュニティーにおいて、数少ない女性パフォーマーの存在は、拒絶や差別との戦いを強いられた嵐の航海だったと言えるでしょう。
そして、フロントウーマンはもちろん、Orianthi, Yvette Young, Sarah Longfield などギターヒロインまで台頭し浸透した2010年代になっても、性的なコメントや挑発に対処する必要は未だなくなってはいないのです。
オーストリアのクラッシック音楽家ヨハン・シュトラウス2世の血を引くシュレッダー Nita Strauss は、その高い知性と敏腕で轟天と荒波を潜り抜け、シーンにおける女性の地位確立に大きな貢献を果たして来ました。
「”間違いなく” 遂に女性の時代が来たと感じているのよ!!メタルシーンにとって素晴らしい時代になったのよ。」AS BLOOD RUNS BLACK, THE IRON MAIDENS, FEMME FATAL そして Alice Cooper。女性の存在がまだ極少だった時代から、華麗にキャリアを紡いで来た開拓者の精神はそして実にポジティブです。
「有名な哲学者の言葉に、”幸運とは、しっかりと準備する者の上に舞い降りる” というものがあるわ。そして私は心からその言葉を信じているのよ。私は全ての人生を通して、Alice Cooper のようなレジェンドと共にプレイするため準備を続けて来たの。出来るだけ様々なバンドとツアーをしながらね。」Nita はどんなギグであろうと、観客に彼女の名を刻みたいと語っています。そして、そうした努力と前向きな姿勢がショックロックレジェンドの右腕という場所へ彼女を誘ったのでしょう。
さらに Nita のソロアーティストとしての船出には、ヴァーチュオーゾ Steve Vai もその力を貸しています。Steve がエグゼクティブプロデューサーを務めた、ギターヒロインのみから成るコンピレーション “She Rocks, Vol. 1″。ここに収録された “Pandemonium” は、Lita Ford, Jeniffer Batten といった先達の楽曲をも凌ぐインパクトとパワーに満ちていました。
メタルコア、デスコア、Djent といったモダンメタルを抱擁する新鮮なビジョンと、ワーミーペダル、ハーモニクス、ファストなアルペジオをトレードマークとするコンビネーションの妙技。
実際、ルーツである Shrapnel 直系のシュレッドを、クラシカルな出自、コンテンポラリーでダークなアグレッションと結び付けた Nita の野心は、彼女の言葉を借りれば “Leave No Doubt” 疑いようもなく傑出していて、心ないファンの挑発を黙らせるだけの才能と実力を見せつけていますね。
そして何より、アルバムを締めくくる QUEEN のカバー “The Show Must Go On” で提示するストリングスとの甘やかな共闘、ダイナミズムの香り、メロディーを操るセンスには未来への可能性が存分に詰まっているはずです。
今回弊誌では、Nita Strauss にインタビューを行うことが出来ました。「私は学校にもほとんど友人がいなくてね。だから、私は授業の間の休み時間も一人でギターを弾いて過ごしていたのよ。一見不幸にも思えるけど、長い目で見ればそういった境遇によって私はより良いギタープレイヤーになれたの。」リリースは Sumerian Records から。どうぞ!!

NITA STRAUSS “CONTROLLED CHAOS” : 9.8/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NIGHT VERSES : FROM THE GALLERY OF SLEEP】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH REILLY HERRERA OF NIGHT VERSES !!

“Diversity Is Definitely Key For Us, And We Don’t Ever Want To Overdo Or Repeat Anything More Than Necessary. “

DISC REVIEW “FROM THE GALLERY OF SLEEP”

プログメタルのサルバドール・ダリが草創せし夢幻画廊。ファンタジーとリアリティー、テクニックとアトモスフィア、モダンとオーガニックのダイナミズムを、”夢” という自由な空想世界で交差させる無言の詩聖はインストゥルメンタルミュージックのドラスティックな再構築を試みています。
例えば Tilian Pearson を失った TIDES OF MAN が、故に音に語らせる創意工夫を磨き上げポストロックの妙手となったように、詩人の喪失は時に音楽それ自体の革新を誘います。そして急遽リードボーカル Douglas Robinson がバンドを離れることとなった NIGHT VERSES も同様に、彼の遺した “スペース” を埋めるチャレンジの中で一際精華な創造の翼を得ることとなったのです。
RED HOT CHILI PEPPERS, TOOL, RAGE AGAINST THE MACHINE、そして近年では INTRONAUT とある種独創性を追求したアートの都 L.A. で、NIGHT VERSES の資質が育まれたのは必然なのかも知れませんね。
実際、ポストロックのソニカルな音景とハイパーテクニカルな Djent の相反をオーガニックに融解し、ダウンテンポのエレクトロニカを織り込む前人未到のドリームスケープは、超現実的なダリのシュルレアリスムにも通じる倒錯と魅惑のアートです。
フルブラストで幕を開ける夢への廻廊 “Copper Wasp” こそ “From the Gallery of Sleep” への強烈なインビテーション。多彩なリムショットやハイハットの魔術で複雑怪奇なポリリズムを支配する Aric のドラム劇場は、Nick の雄弁なギターワークと Reilly のアグレッシブなベースサウンドの独壇場。
ANIMALS AS LEADERS を想起させるファストでメカニカルな衝動から、RUSSIAN CIRCLES の重厚荘厳なグルーヴ、そして TYCHO の瑞々しいアンビエントまで自在に操る弦楽隊のテクニック、創造性はあまりに気高く孤高。
さらにサンプリングやエレクトロサウンドを加えて完成に導いたエクレクティックモンスターは、”夢” という自由な空間に花開いた崇高のアート、対比とダイナミズムのエキサイティングな奇跡に違いありませんね。
フレーズ、モチーフの巧みなリピートで、奇抜なテーマを鮮やかに印象付ける独特の手法は “Trading Shadows”, “Vice Wave” でより際立ちます。実際、「異なる音楽的な要素、アートをミックスして僕たちが伝えたい感情を具現化することこそ最も重要なことなんだ。歌詞というガイドがなくなったからね。」とインタビューで語るように、言葉を失った詩人は試行錯誤を経て、その感情を以前よりもビビッドに雄弁にリスナーのスピリットへと届けているのです。
バンドはそこからさらに多様性の扉を開き探求していきます。
パーカッシブでトライバルな “Vantablonde”、ポストロックの壮麗なサウンドスケープを掘り下げた “Lira”、hip-hop のグルーブに照らされた鮮烈のシュレッド “No Moon”、静謐な美しきアコースティックのレリーフ “Harmonic Sleep Engine”。
そうしてその全ての多様性、創造性はギターペダルの可能性を極限まで追求したプログレッシブで trip-hop なエピック “Phoenix IV: Levitation” へと集束していくのです。
アルバムは、幽玄なる白昼夢 “Infinite Beach” で TYCHO や BONOBO の理想とも深くシンクロしながら、メランコリックにノスタルジックにその幕を閉じました。
今回弊誌では、ベースプレイヤー Reilly Herrera にインタビューを行うことが出来ました。ちなみにドラマー Aric は絶賛売り出し中 THE FEVER 333 のメンバーでもあります。
Instru-Metal の最新形こそ彼ら。「”多様性” は間違いなく僕たちにとって鍵だと言えるね。これまでも同じことをやり過ぎたり、必要以上に繰り返したりすることを望んだりはしなかったからね。」どうぞ!!

NIGHT VERSES “FROM THE GALLERY OF SLEEP” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ichika : she waits patiently, he never fades】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ichika !!

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Japan’s Up And Coming Guitar Artist ichika Has Been Making Waves With His Trilogy EPs “forn”, “she waits patiently” and “he never fades”. Definitely, We Should Keep An Eye On This Young Virtuoso!!

DISC REVIEW “she waits patiently”, “he never fades”

光耀を増した夢幻のクリスタル。琴線の造形師 ichika がギターとベースで奏でるダブルファンタジー “she waits patiently” “he never fades” は、音聖のプロローグを透徹した美意識で彩ります。
マエストロの周辺はデビュー EP “forn” のリリース以降俄に騒がしくなりました。コンテンポラリーでメロディアスなテクニックのイヤーキャンディー AMONG THE SLEEP で gen との麗しき邂逅を果たした後、ichika がスポットライトを浴びたのは東京コレクションのランウェイでした。モデルとしても需要はありそうですがもちろんモデルとしてではなく、スーパーグループ ichikoro のメンバーとしてサプライズで演奏を行ったのです。
Think (川谷絵音), Holy (休日課長), M (ちゃんMari), Vista (奏), Sugar (佐藤栄太郎) から成る異能の音楽集団を率いるリーダーは ichika。そして ichikoro のサウンドはその奔放なラインナップとシンクロするかのように自由を謳歌しています。
「正直音楽の作られていくスピードが異常です。」実際、ゲスの極み乙女や indigo La End の頭領、百戦錬磨の川谷絵音を筆頭とするトリプルギター軍団のクリエイティビティーは斬新かつ鮮烈です。ファンクにポルカ、サンバ、ジャズ、そしてオルタナティブなロックの衝動まで内包する “Wager” はまさにグループの象徴。倍速で演じる紙芝居の如く、コロコロと表情を移す猫の目のイマジネーションはリスナーの大脳皮質を休むことなく刺激し続けます。
課長の派手なスラップを出囃子に、各メンバーの個性も際立つエキサイティングなインストゥルメンタルチューンにおいても、ichika の清澄なるクリーントーンは際立ちます。一聴してそれとわかる眩耀のトーンと水晶のフレットワークは、キラキラと瞬きながら若きヴァーチュオーゾの確かな才気を主張していますね。
無論、ichika のそのトレードマークを最も堪能出来るのがソロ作品であることは言うまでもないでしょう。「”forn” を作るときに話の全体の大きな流れを作り、それを “forn” と “she waits patiently”、”he never fades” の3つに分けました。」と語るように、冒険の序章はトリロジーとして制作されています。”forn” と “she waits patiently” は女性視点で、”he never fades” は男性視点で描かれたストーリー。そして ichika はギターを女声に、ベースを男声に見立てその物語を紡いでいるのです。
「僕は普段曲を作る前にまず物語を作り、それを音楽で書き換えようとしています。聴き手に音楽をストーリーとして追体験させることで、より複雑な感情に誘導することが出来るのではないかなと思っているからです。」という ichika の言葉は彼の作品やセンスを理解する上で重要なヒントとなっています。
彼の楽曲に同じパートが繰り返して現れることはほとんどありません。もちろん、テーマを拡げる手法は時折みられるものの、単純に同じパッセージを再現する場面は皆無です。つまり、映画や小説が基本的には同じ場面を描かず展開を積み重ねてイマジネーションを掻き立てるのと同様に、ichika の楽曲も次々と新たな展開を繰り広げるストーリーテリングの要素を多分に備えているのです。小説のページを捲るのにも似て、リスナーは当然その目眩く世界へと惹き込まれて行くはずです。
加えて、”forn” から ichika がさらに一歩踏み出した場所こそが “感情” であったのは明らかです。「この音を聴けばこういう感情が生まれる」エモーションの引出しを増やすに連れて、彼が直面したのは “ソロギター” という手法そのものだったのかも知れませんね。
ソロギター作品と言えばそのほとんどがアコースティックで奏でられていますが、ichika はエレクトリックギター/ベースを使用しプラグインエフェクトで極限まで拘り抜いた天上のトーンを創出しています。ピアノやアコースティックギターで表現するインストゥルメンタルの楽曲は、確かに美しい反面、平面的な情景描写に終わってしまうことも少なくないでしょう。
しかし、儚さや美しさと同等の激しさや苦しさを宿す “he never fades” や “illusory sense” は明らかにその殻を破った楽曲です。プレイリストを見れば分かるように、そこには、ジャズやアンビエント、ミニマルや電子音楽の領域と並行してデスコアや djent、フュージョンといったロックの衝動を通過した ichika の独創性、強みが存在するのです。
エレクトリックギター/ベースを選択することで、彼は唯一無二の自身のトーンと共に、ハイノートの自由を手に入れています。時に煌き躍動する、アコースティックギターでは再現不可能なハイフレットでのフレキシブルでファストなプレイ、右手を使用したタッピングの絵巻物はモダンなイメージを伴ってロックのエモーションをガラス細工のように繊細な音流へと吹き込みます。
そしてより “ギター” “ベース” という弦楽器の特徴を活かしたスライドやヴィブラート、トレモロ、ガットストローク、さらには休符、弦の擦れる音やミュートノイズまでをも突き詰めて、ichika は感情という総花を物語へと落とし込んでいるのです。揺らぐ感情の波間に注がれる荘厳なる崇高美。
“彼女” は辛抱強く待ちました。”彼” も辛抱強く待ちました。きっと世界には、絶望の後には救いが、別れの後にはユーフォリアが等しく用意されているのです。ichika の素晴らしき序章、未曾有のトリロジーは静かにその幕を閉じました。ISSUES の Tyler Carter と作曲を行っているという情報もあります。次の冒険もきっと目が離せないものになるでしょう。Have a nice dream, ichika です。どうぞ!!

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Artwork by Karamushi

ichika “she waits patiently”, “he never fades” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【GLEB KOLYADIN (IAMTHEMORNING) : GLEB KOLYADIN】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH GLEB KOLYADIN OF IAMTHEMORNING !!

Gleb

Not Only A Gifted Pianist And Keyboardist, But A Brilliant Songwriter And Arranger, Iamthemorning’s Keyboard Wizard Gleb Kolyadin Shows His Incredible Talent With His Kaleidoscope-ish Solo Debut “Gleb Kolyadin” !!

DISC REVIEW “GLEB KOLYADIN”

崇高で森厳なる夢幻世界を具現化し、知性とロマンの宝石箱でプログシーンに衝撃をもたらした iamthemorning。幽玄の歌姫 Marjana を存分に駆使するコンダクター、Gleb Kolyadin が自身の “音楽日記” を更新するソロデビュー作 “Gleb Kolyadin” をリリースしました!!
万華鏡の世界観で待望の “キーボードヒーロー” が紡ぐ豊潤で鮮やかなサウンドスケープは、弦数を増やし複雑さと重厚さで近代インストゥルメンタルミュージックの花形となったギターへと突きつけた挑戦状なのかも知れませんね。
「この作品のアイデアは何年も前から積み重ねられて来たものだということなんだ。僕は長年、”Polonuimcubes” という音楽日記のようなものを書き続けているんだよ。」セルフタイトルで自身のポートレートをアートワークに冠した作品は、Gleb の書き連ねた音楽日記と自身のパーソナリティーを投影したまさに自叙伝のようなアルバムです。
“From Stravinsky to Keith Jarrett to ELP”。クラッシック、現代音楽、ジャズ、アンビエント、そしてプログレッシブに敬意を表したマイスターの自叙伝、ワイドで限定されない豊かなイマジネーションは、まさに多様なモダンミュージックの雛形だと言えますね。グランドピアノの凛とした響きは、時に Chick Corea の流麗なエレクトリックキーボードや Brian Eno の空間の美学へと移行し、全てを抱きしめたロシアンマイスターの傑出した才能を伝えています。
つまり、Gavin Harrison, Nick Beggs, Theo Travis といったプログシーンの重鎮がドラムス、ベース、フルート&サックスで牽引し、スーパースター Steve Hogarth, Jordan Rudess がゲスト参加を果たしたこのレコードでは、しかし Gleb こそが凛然と輝く星斗。
アルバムオープナー、”Insight” は Gleb の新たな音旅への “洞察” を高めるリスナーへのインビテーション。Gleb のピアノと Gavin のドラムスは、まさに一枚岩の如く強固に同調しアルバムの骨格を形成し、サックスと弦楽器を巧みに操るシンセサイザーの躍動は印象的なメロディーの潮流と共に作品の自由と鮮度を伝えます。
万華鏡の世界観を象徴する “Kaleidoscope” はモダンとレトロの交差点。プログレッシブの遺産を濃密に宿したピアノが奏でる爽快なテーマは ELP の “Hoedown” にも通じ、Gleb の繊細かつ大胆な鍵盤捌きは言葉を失うほどにスリリングです。
Tatiana Dubovaya のエセリアルなコーラスが切れ込むと雰囲気は一変し、突如として世界は荘厳なる現代的なアトモスフィアに包まれます。そうして楽曲は、フルートの音色を皮切りにエレクトリックカーニバルの大円団へと向かうのです。もちろんここに広がる多彩な”Kscope” はレーベルの美学、ポストプログレッシブの理念とも一致していますね。
そうして “Eidolon”, “Constellation/ The Bell” といった浪漫溢れるピアノの小曲と同様に、ボーカル曲も “Gleb Kolyadin” が誇る “Kscope” の一つとなりました。
“Storyteller” で Jordan Rudess とのヒリヒリするようなインテンスを終えた後辿り着く”The Best of Days” は終幕に相応しき叙情のドラマ。MARILLION の Steve Hogarth と Gleb のコンビネーションは極上のアトモスフィアとセンチメントを創造し、ノスタルジアを深く湛えた楽曲はリスナーの過去へと旅立ち “古き良き日” を克明にイメージさせるのです。
「現在ピアノは、僕にとって自分の思考や感情を表現するためのベストなオプションなんだ。」と語る Gleb。どこまでも謙虚なピアノマンはしかし、間違いなくプログシーンのセンターに立っています。長く待ち望まれた新たな鍵盤の魔術師はロシアからの登場。Gleb Kolyadin です。どうぞ!!

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GLEB KOLYADIN “GLEB KOLYADIN” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THE MESSTHETICS : THE MESSTHETICS】JAPAN TOUR 2018 SPECIAL !!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JOE LALLY OF THE MESSTHETICS !!

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PHOTO BY ANTONIA TRICARICO

Lally And Canty, Splendid Rhythm Section Of Fugazi Reunite As The Messthetics With New Guitar Virtuoso Anthony Pirog! D.C. Creates New Wave Of Artistic Instrumental Music!

DISC REVIEW “THE MESSTHETICS”

音楽と思想、攻撃性と実験性。FUGAZI は緊張感を原動力に、瞬刻も停滞することなく前進を続けたアンダーグラウンドアイコンでした。
80年代、”ハードコアの首都” でもあったワシントン D.C.で、カリスマ MINOR THREAT 解散の後、暴力や政治に辟易した “レボリューションサマー” を通過し結成された FUGAZI。モッシュやダイブなど危険行為を嫌悪し自由に根差したライブパフォーマンスを敢行、同時に “産業” としての音楽ビジネスから距離を置き DIY に拘るその姿勢は、既成の価値観へと強烈に”F××K”を叩きつける完璧なまでにパンクなアティテュードでした。
もちろん、その音楽もユニークで独創的。かつて 「ハードコアは好きだけど進化したい。」 と Ian MacKaye が語ったように、FUGAZI は典型的なハードコアのモチーフやスピードを避け、よりダイナミックで複雑に探求を重ねたグルーヴィーなアートを創造したのです。レゲエ、ファンク、ジャズ、ダブまで抱きしめたバンドの混沌と多様性は、まさにポストハードコアのパラゴンとして現在まで君臨し、およそ15年間の活動を通してその理想をアップデートし続けました。
もちろん、FUGAZI のスターは Ian MacKaye と Guy Picciotto でしたが、彼らのシグニチャーサウンドとしてまずあの独特のグルーヴを想起するファンは多いでしょう。つまり、Joe と Brendon が創造する豊潤かつ知的なリズムこそがバンドの肝であったことは明らかです。
2002年にバンドが無期限の活動休止を告げた後、今回の主役 Joe Lally は FUGAZI の延長にも思えるインプロヴィゼーションの世界を掘り下げ続けています。ソロワーク、John Frusciante との ATAXIA を通してインディー/オルタナ界隈とも溶け合った Joe が、かつての同僚 Brendon と再度巡り会い辿り着いた場所こそ THE MESSTHETICS だったのです。
新たに結成されたインストゥルメンタルスリーピースは当然 FUGAZI とは異なります。何より、FUGAZI が唯一避けてきたギターシュレッドを前面に押し出している訳ですから。しかし、それ故に愉絶な存在足り得る因果は、2人が船を降りてから独自の歩みを続けた成果にも他なりませんね。
THE MESSTHETICS のスターはギタリスト Anthony Pirog。子供の頃 FUGAZI を聴いていたというワシントンエリアの新鋭は、ジャズ、インディー、アヴァンギャルドまでポケットへと詰め込み D.Cの潮流をさらに先のステージと進めます。
残響やノイズへのアプローチ、マジカルなエフェクトボードにクロスオーバーな世界観は、確かに Bill Frisell の遺伝子を宿しているようにも思えます。Nels Cline に近いのかも知れません。ただ、同時に Eric Johnson や Jeff Beck の煌めくフレーズ、瞬間の美学をも素晴らしく引き継ぐ傑出した才能は、瑞々しい音の絵の具をベテランが築いた味のあるパレットへと注ぎ込んで行くのです。
アルバムオープナー、”Mythomania” はまさしく三傑が魅せる化学反応の証です。オリエンタルな響きやジャズのアウトフレーズをノイズの海へと撒き散らす Anthony の柔軟でエキサイティングなギターワークは、Hendrix の神話を現代へと伝える奇跡。テクニックに特化したジャズスタイルのリズム隊には想像もつかないであろう淡々とした8ビートにより、ミステリアスな楽曲はさらに緊張感を増し、トライバルなギミックと抑揚が徐々に知性の勝利を謳います。
3者のバランスとアンバランスは、アートワークが示すようにヒリヒリとした綱渡りのインテンスで成り立ち、スピードよりもグルーヴに主眼を置いた方法論は確かに FUGAZI の遺伝子を受け継いでいるのです。
もちろん、長年のファンは、”Serpent Tongue” や “Quantum Path” で RUSH やマスロックにも接近した複雑なリズムの波を自在に泳ぎつつ、シンクロし推進力となる Joe と Brendon のアグレッションを懐かしく思うはずです。
一方で、ジャズの幽玄かつ美麗なスピリットもバンドの魅力へと投影されます。ロマンティックな “Inner Ocean” のミニマリズムとアトモスフィア、際立つ強弱のコントラストはポストロックにも通じ、ストリングスにブラシ、ダブルベースで紡がれるクローサー “The Weaver” の荘厳なる美しさは Pat Metheny の理想にも通じます。構成すらもあまりに出来過ぎ、至高の一作。
全てがライブレコーディングで収録された “The Messthetics”。幸運なことに、日本のファンはUS外では世界で初めて彼らのそのライブを目撃するチャンスに恵まれます。「僕たちの仕事は、創造する作品で自分自身に挑戦することなんだよ。」 5月に始まる来日ツアーは、公開された FUGAZI の映画と共に必見です。Joe Lally です。どうぞ!!

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THE MESSTHETICS “THE MESSTHETICS ” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【TONY MACALPINE : DEATH OF ROSES】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH TONY MACALPINE !!

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One Of the Most Satisfying Listens In The Shred Scene, “Death of Roses” Represent A Triumphant Comeback For Virtuoso, Tony MacAlpine !!

DISC REVIEW “DEATH OF ROSES”

癌との戦いに打ち勝った不撓不屈のギターマスター Tony MacAlpine が、復活の狼煙を上げる “Death of Roses” をリリースしました!!マエストロの新たなチャプターは、自身の “ハイライト” と断言する煌めく七つのモメンタムから始まります。
Tony が癌を患っている事実を公表したのは、2015年8月のことでした。快作 “Concrete Gardens” をリリースし、翌月には来日公演を控えて順風満帆まさに第二の全盛期を謳歌していた Tony のショッキングなニュースは即座にギター、メタルコミュニティーを駆け巡り、世界中のファンが彼の身を案じたのです。
祈りと支援の輪は当然ミュージシャンにも広がりました。2015年の12月に開かれた Tony のベネフィットコンサートには、Steve Vai, Zakk Wylde, John 5, Mike Portnoy, Billy Sheehan, Derek Sherinian といったレジェンドが集結。さらに Steve Stevens, Paul Gilbert, Steve Lukather, Joe Satriani 等のビッグネームも Tony のために自身のギターをドネートしたのです。
「Tony は親友で、実にスイートな人間で、最も才能のあるミュージシャンの一人だよ。」 コンサートを牽引した元バンドメイト Mike Portnoy はそう語ります。実際、インタビューを読めば彼の真摯で優しい人間性と音楽に対するストイックな考え方が浮き彫りになるはずです。
実は Tony を見舞った悲運は自らの病のみではありませんでした。時を同じくして愛する妻も癌に侵されていたのです。「病床からずっと妻のこと、彼女が経験しているであろうこと全てを心配していたんだよ。」 彼のこの言葉には、しばしば音楽の中にまでも滲み出るTony の豊かで温かな人間性が反映されていると感じました。
家族と共に困難な時を乗り越えた Tony が遂に音楽の世界へと帰還を果たす新作 “Death of Roses”。ハイライトであり新たなチャプターだと語る作品はまさに Tony の過去と未来の架け橋です。
31年のキャリアを通して、Tony はプログレッシブメタル、インストゥルメンタル、ジャズ/フュージョンの世界を股に掛けコアな音楽ファンに自身の純粋なる音のメッセージを伝え続けて来ました。
ヴァイオリンの技術を投影したシュレッドのみならずピアノまでをも自由自在に操り、クラシカルな旋律と流暢なギターハーモニーでエセリアルな美のシンフォニーを奏でた初期のソロアーティスト時代。Derek Sherinian, Virgil Donati とタッグを組みメタルとフュージョンを融合させた画期的なプロジェクト PLANET X。よりジャズ/フュージョンへとフォーカスしグラミーにもノミネートされたミュージシャンシップの権化 CAB。Steve Vai との共闘。Mike Portnoy, Billy Sheehan, Derek Sherinian、歴戦の強者たちとの邂逅、プログレッシブスーパーグループ PSMS。現代音楽への傾倒、そして多弦ギターと Djenty な要素まで吸収した近年のコンテンポラリーなスタイル。
復活の Tony が奏でる音楽は、その全てのエレメントがジグソーパズルのピースの如く集約し組み上げられた美しき曼荼羅、すなわち彼の本質であり中心なのかも知れませんね。
オリエンタルでキャッチーなメロディーと Vai ライクなスケールのチョイスが秀逸なアルバムオープナー “Chrome Castle”、スリリングなフュージョンの遺伝子を宿すシステマティックなコンポジションが Djenty でソリッドなリズムに映える “Axiomatic Jewels”、持ち前のクラシカルな素養とピアノの響きが多弦ギターの重低音と調和する “Synthetic Serenity”。実際、様々な要素が絡み合いレイヤーされた複雑でしかし頭に残る楽曲の数々は、Tony のミュージシャンとしての深潭、度量、奥深さを感じさせるに充分なクオリティーを誇ります。
中でもタイトルトラック “Death of Roses” のブルースを著しくエッジーに深化させる試みは、Scott Henderson, Hiram Bullock といった “本物” と浮名を流してきたハンガリアンセンセーション Gergő Borlai​ の助力も得て、作品に類まれなるダイナミズムをもたらしていますね。Jeff Beck, そしてその Henderson とはまた異色のブルースに対する切り口が光ります。
アルバムは、MESHUGGAH が奏でる現代音楽といった様相の低音リフと、アンビエントで優雅な調べが交互にダンスを踊る “Shundor Prithibi” で幕を閉じました。もしかしたら、Tony はここに病床で感じた闇と光を投影しているのかもしれません。そしてベンガル語で “美しい地球” を意味する “Shundor Prithibi” は、2枚組として設計された “Death of Roses” の後半、新たな宇宙へと繋がっていくのです。
今回弊誌では、Tony MacAlpine にインタビューを行うことが出来ました。「インストゥルメンタルミュージックは人間の精神世界への道であり、僕たち全員を結びつけるものなんだよ。」 二度目の登場です。どうぞ!!

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TONY MACALPINE “DEATH OF ROSES” : 9.8/10

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