NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【AD NAUSEAM : IMPERATIVE IMPERCEPTIBLE IMPULSE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH AD NAUSEAM !!

“We Would Like To Contribute Bringing Metal Music Sound Approach To a Different Level In The Future. There Are Many Listeners That, Like Us, Are Deeply Tired By The Fake Plastic Sounding Records That Are Trending Since The Last 20 Years.”

DISC REVIEW “IMPERATIVE IMPERCEPTIBLE IMPULSE”

「将来的には、メタルのサウンド・アプローチを別のレベルに引き上げることに貢献したいと考えているよ。僕たちと同じように、過去20年間のトレンドである偽のプラスチック・サウンドのレコードに深く疲れている多くのリスナーがいるからね」
機械化されたダンス・ミュージックも、そのバカげた単調さも、そんな音楽を使うクラブも、すべてが100% 大嫌いなんだ。アナログの録音を極めたエンジニア、かの Steve Albini はかつてそう言い放ちました。デジタルに支配された我々は、たしかに繊細で温もりのある生のレコード、その音響を忘れつつあるのかもしれません。それは、耳に鮮やかな添加物にまみれた、メタル世界も同様でしょう。
「ここ数年、メタルの中で音質の平均値が大きく下がっているから、僕たちのようなアルバムは目立ちやすいんだろうな。例えば、ダイナミクスを重要視している作品はほとんどないよね」
近年、その実験精神とこだわり抜いたコンセプトで注目を集めるイタリアのメタルシーン。中でも、”吐き気がするまで追求する” をバンド名に掲げる AD NAUSEAM の献身はもはや狂気の域でしょう。現状に不満があるなら、自ら創造する。ここには、大げさで滑稽な偽物のプロダクションは存在しません。アーティスト本人がエンジニアリングを学び、専用のスタジオ・マシン、キャビネット、アンプ、ドラムキット、さらにはマイクの設計にまで趣向を凝らしたスタジオを建設。すべてはただ、自らが心地良いと感じるサウンドを構築するためだけに、AD NAUSEAM は途方もない労力を注ぎ込んだのです。チューニングも既存のものとはかけ離れています。
「いくつかのオーケストラ・パート( “Sub Specie Aeternitatis” の最後と “Inexorably Ousted Sente” の最初)は、60以上のヴァイオリンを重ねて、彼自身が1つずつ録音したものなんだよ」
6年の歳月をかけて制作された最新作 “Imperative Imperceptible Impulse”。Bandcamp で販売されている “フル・ダイナミック・レンジ” のアルバムを聴けば、この作品が現代のメタル・サウンドとは全く趣を異にする音の葉を響かせることに気づくはずです。
全体の音量は隅々まで見渡せるようにコントロールされ、さながら精巧なタペストリーのごとくすべての楽器が入念に折り重ねられています。ドラムの幽霊音、ギターの息遣い、そしてベースの呪詛まで、生々しく肉感的な三次元の重苦しいオーケストラは、そうしてリスナーの部屋までライブの興奮を運んで来るのです。実際、その録音手法はクラッシックの原理。
「メタルに様々なジャンルのダークな不純物を加えて溶かしたいという本質的な衝動は、最初は不十分な試みだったけど、たしかにそこにあったんだ。新しいものを作るには、自分の限界から一歩踏み出さなければならないことを理解するべきさ」
アルバムは、例えば LITURGY, 例えば KRALLICE, 例えば IMPERIAL TRUMPHANT といった今メタルシーンを牽引する複雑怪奇な NYC の魑魅魍魎とシンクロし、奇しくも同じ方向を向いています。デスメタルやブラックメタルと、ジャズや現代音楽の不協和な錬金術。ただし、NYC の新鋭たちが意図的にラフでアンダーグラウンドなイメージをそのサウンドに残しているのに対し、AD NAUSEAM の合成法は実に緻密で繊細。
テクニックの粋を尽くしながらギターソロさえ存在しないダークな音の不純物は、奇抜に躍動しながらもすべてが正確無比な譜面の中へパズルのように収まります。それは、NEUROSIS とGORGUTS の踊る地獄のの祭典でしょうか。ストラヴィンスキーはひとつのキーワードでしょう。マスコアやテクデスの洗礼も浴びながら、ヌルヌルと蠢く百鬼夜行が奏でる呪詛は、そうしてリスナーを吐き気がするまで何度もリピートへと誘うのです。
彼らにいわせれば、単なるリフの連続ではなく、音が過去を参照したり、未来を予測したりする秩序。不調和によって和声が得られ、不協和音によって旋律が得られるような音楽。真のアヴァンギャルド。
今回弊誌では、AD NAUSEAM にインタビューを行うことができました。「このアルバムは、18年間の研究と実験の結果なんだ。Steve Albini のサウンド哲学は、僕たちの哲学ととても近いものがある。自分よりも優れた人から学ぼうとするのは自然なことだよ。そして、彼はおそらくこの業界で最高の人だ」 どうぞ!!

AD NAUSEAM “IMPERATIVE IMPERCEPTIBLE IMPULSE” : 10/10

INTERVIEW WITH AD NAUSEAM

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about yourself and the band? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【AD NAUSEAM】: We started playing together in January 2003, after very few musical experiences in other bands. All the band members were interested in the most aggressive and violent side of metal music. We changed name from Kaos to Death Heaven and recorded a demo in 2005 and an album in 2007, called “Viral Apocalypse”.
The most remarkable events of those years are a live show opening for Cynic and the first gig abroad, in Austria.

Q1: 弊誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか?

【AD NAUSEAM】: 僕たちは2003年1月に一緒に演奏を始めたんだ。それまで、他のバンドでの音楽経験はほとんどなかったんだけどね。その頃はバンドメンバー全員が、メタルの最も攻撃的で暴力的な側面に興味を持っていたね。それからバンド名を KAOS から DEATH HEAVEN に変更し、2005年にデモを、2007年に “Viral Apocalypse” というアルバムをレコーディングしたんだよね。
この数年間で最も注目すべき出来事は、CYNIC のオープニングを務めたライブと、オーストリアでの初の海外ツアーかな。

Q2: The band has been around since the early 2000s and has recently changed its name to Ad Nauseam? Why did you change your name to this?

【AD NAUSEAM】: Sometime you have to let go something to be able to grow, to evolve, to change. That was the case with Death Heaven, a name that we chosen when we were very young (Andrea P. and Matteo G. were 15!).
When our musical taste and our music developed and our sound became more unhortodox, we decided to change name in Ad Nauseam. It was around December 2011.
Ad Nauseam (until the nausea) is a name that massively represent our approach to everything that concern our work. Music composition, sound research, artwork and graphics, lyrics, live concerts are all the result of a refining process that we iterate “until the nausea”, until the result looks to be (nearly) perfect.

Q2: AD NAUSEAM というバンド名に改名したのはなぜだったんですか?

【AD NAUSEAM】: 成長し、進化し、変化するためには、何かを手放さなければならない時がある。それは DEATH HEAVEN の場合も同じで、何しろ僕たちがまだ若かった頃(Andrea P .と Matteo G. は15歳だよ!)に決めた名前だったからね。だから、僕たちの音楽の好みや音楽が発展し、サウンドがより非凡なものになったとき、僕たちは AD NAUSEAM に名前を変えることにしたんだ。2011年12月頃のことだね。
AD NAUSEAM(吐き気がするまで)という名前は、僕たちの仕事に関わるすべてのことに対するアプローチを表しているよ。作曲、サウンドリサーチ、アートワークやグラフィック、歌詞、ライブコンサートなど、すべてが「吐き気を催すまで」繰り返し行われる洗練されたプロセスの結果であり、その結果が(ほぼ)完璧に見えるまで繰り返されるからね。

Q3: You guys, of course, recently there have been a lot of high-profile Italian metal bands like Nero Di Marte and Dark Quarterer. How has the scene changed?

【AD NAUSEAM】: To be precise, Italy has always had a characteristic scene and delivered many unique bands over the last 40 years. Death SS with Paul Chain moved their first steps in the seventies. Bulldozer and Necrodeath were ahead for their time in mid eighties. Other bands that populated the underground were equally talented, but they had no luck to get what they deserved. A lot of interesting bands arose between ’80s and ’90s: Maleficarum, Excidium, Schizo, Sadist, Doomsayer, Flash Terrorist, Enslaved… Unfortunately they grown in a country that wasn’t ready to support such extreme acts. It was a mixture of cultural aspects and lack of structures that made their life very hard, so that most of those bands desappeared.
In the following years some bands got more recognition outside the Italian boundaries, like Aborym, Hour Of Penance…
In the last decade or so, Italian extreme metal scene grew so much that can be now considered one of the strongest in the world. The quality level recently reached by many Italian bands is mindfucking. Gorrch, Hateful, Nero Di Marte, Fuoco Fatuo, Bedsore, Noise Trail Immersion, Continuum of Xul, Progenie Terrestre Pura, Totalitarian, Putridity and Cosmic Putrefaction are just few examples.

Q3: あなたたちはもちろん、NERO DI MARTE, DARK QUARTERER など最近はイタリアのメタルシーンが注目を集めていますね?

【AD NAUSEAM】: 正確には、イタリアには常に特徴的なシーンがあって、過去40年間に多くのユニークなバンドを送り出してきているんだよ。Paul Chain を擁する DEATH SSは70年代にその第一歩を踏み出した。80年代半ばには BULLDOZER と NECRODEATH が時代の先端を行っていた。アンダーグラウンドで活躍していた他のバンドも同様に才能があったけど、彼らには相応しいものを得る運がなかったんだ。
80年代から90年代にかけて、多くの興味深いバンドが誕生したよ。MALEFICARUM, EXCIDIUM, SCIIZO, SADIST, DOOMSAYER, FLASH TERRORIST, ENSLAVED…。残念ながら、彼らはそういったエクストリームな音楽の活動をサポートする準備ができていなかった国で成長したんだ。文化的な側面と構造の欠如が混在していたため、彼らの生活は非常に厳しく、ほとんどのバンドが姿を消してしまったんだよ。それから、ABORYM や HOUR OF PENANCE のように、イタリアの枠を超えて認知されるようになったバンドも出てきたのは出てきたんだけど…。
ここ10年ほどで、イタリアのエクストリーム・メタルシーンは非常に成長し、今では世界で最も強力なシーンのひとつと考えられるようになったね。最近、多くのイタリアのバンドが到達したレベルには驚かされるよ。GORRCH, HATEFUL, NERO DI MARTE, FUOCO FATUO, BEDSORE, NOISE TRAIL IMMERSION, CONTINUUM OF XUL, PROGENIE TERRESTRE PURE, TOTALITARIAN, PUTRIDITY, COSMIC PUTREFACTION などはその一例だよ 。

Q4: Italy was one of the earliest countries in the world to be affected by the Corona and suffered enormously. Has this new work been affected by the pandemic?

【AD NAUSEAM】: This album is the result of 6 years of work. This means that only the very last part of it has been affected by the pandemic. When Italy went in total shutdown lin March 2020, we were reamping the stringed instruments, so we had to pause everything and wait to be able to go out of our homes again. During these two months Andrea P. had plenty of time to compose and record all the orchestral parts. It has been a really long job as some of the orchestral parts (on the end of Sub Specie Aeternitatis and the beginning of Inexorably Ousted Sente) are made by 60+ layers of violins takes he personally recorded one by one, which required many days of full-time work (as he done in our previous record, by the way). Moreover, during that period he had the time to work on the previously recorded drums tracks.

Q4: イタリアはコロナ・ウィルスの被害を最も早く、甚大に受けた国の一つです。今回のアルバムは、そのパンデミックに影響を受けていますか?

【AD NAUSEAM】: このアルバムは6年の歳月をかけて作られたんだ。つまり、パンデミックの影響を受けたのは一番最後の期間だけなんだよ。2020年3月にイタリアが全面的に閉鎖されたとき、僕たちは弦楽器のリレコーディングを行っていたので、すべてを一時停止して、再び家の外に出られるようになるのを待たなければならなかった。
この2カ月間で、Andrea・P はすべてのオーケストラ・パートの作曲と録音に十分な時間を割いたんだ。いくつかのオーケストラ・パート( “Sub Specie Aeternitatis” の最後と “Inexorably Ousted Sente” の最初)は、60以上のヴァイオリンを重ねて、彼自身が1つずつ録音したものなんだよ。何日もフルタイムで作業しなければならなかったので、本当に長くかかったね。ちなみに、前作でもそうだったんだけど。さらに、その間に以前録音したドラムのトラックにも時間を割くことができた。

Q5: Why did you choose the album title “Imperative Imperceptible Impulse”? What is the concept behind your work?

【AD NAUSEAM】: The meaning of the title track is very personal. Andrea P. was facing a difficult time in his private life and that what he wrote is so deeply rooted in his unconscious that he is still discovering new meanings that are important to him. Basically, we can say that our lyrics come from places we don’t fully understand, places that are inside all of us, places that are not meant to be understood. As the music, the sound, and the artwork of I.I.I., even the lyrics should just be experienced freeing the mind of any concept, any label, and just letting it resonate with the deepest unconscious layers. Probably people from Japan have a cultural background that allow this to happen easily.

Q5: “Imperative Imperceptible Impulse” という作品のタイトル、コンセプトについてお話ししていただけますか?

【AD NAUSEAM】: タイトル曲の意味はとても個人的なものでね。Andrea P. は当時、私生活で困難な時期に直面していたんだ。だから、今回彼が書いたものはそんな無意識に深く根ざしていて、今でも彼にとって重要な意味を新たに発見していっているんだよ。
基本的に僕たちの歌詞は、完全には理解できない場所、僕たち全員の内側にある場所、理解されることを意図していない場所、から来ていると言えるだろうな。”Imperative Imperceptible Impulse” の音楽、サウンド、アートワークがそうであるように、歌詞も、あらゆる概念やラベルから心を解放して、無意識の深い層と共鳴させながら、ただ経験すればいいんだよ。
おそらく日本の人々は、それが容易にできる文化的背景を持っているのではないかな?

Q6: Recently, bands from the New York metal scene such as Imperial Triumphant, Liturgy and Krallice have been making headlines for creating death/black metal with influences from jazz and contemporary music. It seems like you guys are heading in the same direction, would you agree?

【AD NAUSEAM】: We were heading toward this direction since 2005, when we started composing Viral Apocalypse, under the name of Death Heaven. That intrinsic urge to melt metal with other dark impurities coming from different genres was definitely a first inadequate attempt, but it was there. It is definitely not something new to us.
We are happy that other bands are joining us on this direction. Of course, we are not the first to do that. Just think what several bands of the second wave of black metal did in the late nineties. Understanding that to create something new you have to step out of your boundaries, taking inspiration from the great masters that expanded our conception of music is just a normal step an artist needs to do to find himself.

Q6: 最近は、IMPERIAL TRUMPHANT, LITURGY, KRALLICE といった、ジャズや現代音楽の影響を受けたNYCのデス/ブラックメタルがシーンを牽引していますね。AD NAUSEAM にも同様の素養が感じられますが?

【AD NAUSEAM】: 2005年に DEATH HEAVEN 名義で “Viral Apocalypse” の作曲を始めたときから、すでに僕たちはこの方向に向かっていたんだ。メタルに様々なジャンルのダークな不純物を加えて溶かしたいという本質的な衝動は、最初は不十分な試みだったけど、たしかにそこにあったんだ。だから僕たちにとって決して新しい試みではないんだよね。
他のバンドがこの方向性に参加してくれるのは嬉しいことだよ。もちろん、僕たちが初めてのバンドではないけどね。90年代後半に、ブラックメタルの第二波に属するいくつかのバンドがやったことを考えてみて欲しい。新しいものを作るには、自分の限界から一歩踏み出さなければならないことを理解するべきさ。
そのために、僕たちの音楽の概念を広げてくれる偉大な巨匠たちからインスピレーションを得ることは、アーティストが自分自身を見つけるために必要な、ごく普通のステップなんだよ。

Q7: Lately, when we interview complex extreme metal bands, many of them say that they were influenced by Voivod, Gorguts, Neurosis, Cynic and Death. How about you?

【AD NAUSEAM】: We all started to listen metal when we were 12-13 years old, when we first started to play together in 2003 we already was already into metal up to the neck. The list of bands we have been influenced from is so long that an entire page would not be enough to name just the more important of them. The bands you mentioned played a great role in the development of metal music and at certain level influenced us a lot, but a really big number of other bands you may not expect had an impact in our sound as well.

Q7: 先駆者と言えば、最近、実験的なエクストリーム・メタルバンドにインタビューすると、VOIVOD, GORGUTS, NEUROSIS それから CYNIC と DEATH の名前は本当に良く登場しますよ。

【AD NAUSEAM】: 2003年に初めて一緒に演奏したとき、すでに僕たちは首までメタルに浸かっていた。影響を受けたバンドのリストは非常に長く、重要なものだけでも挙げるとページ全体が足りなくなってしまうよね。
君が挙げたバンドはメタルの発展に大きな役割を果たし、あるレベルでは私たちに大きな影響を与えているけど、君が予想しないような他のバンドも非常に多く、僕たちのサウンドに影響を与えているんだ。

Q8: I read an interview in which you spoke of your admiration for Steve Albini. Sound-wise, this album seems to take metal to the next level, doesn’t it?

【AD NAUSEAM】: We assume it’s a bit exaggerated. In the past years the average of the sound quality decreased a lot among metal music so an album like ours easily stands out. Very few ones give importance to the dynamics, for instance. We have always worked very hard to create our own “next level”. We developed our own approach to the sound during years and years of testings, listenings, experiments. Our research spans form listening to a lot of music to the design of our own personal studio machines, cabinets, amplifiers, drumkit pieces, even microphones! Since 2003 Andrea P. become a skilled sound technician growing technically and philosophically in unison with our tastes and believes on what our band should sound (and what it shouldn’t). I.I.I. is the result of 18 years of research and experiments. Steve Albini has a sound phylosophy that is very near to ours. It is natural to try to learn from people that are better than us. And he is probably the best.
Of course this is still the beginning, it will always be. Andrea is happy but he is never completely satisfied with the results he gets. There will be always improving margins.

Q8: あなたが Steve Albini を崇拝していて、サウンド面でもメタルをネクスト・レベルへ誘いたいと語っていたインタビューを読みましたよ。

【AD NAUSEAM】: まあ、それは少し大げさだけどね。ここ数年、メタルの中で音質の平均値が大きく下がっているから、僕たちのようなアルバムは目立ちやすいんだろうな。例えば、ダイナミクスを重要視している作品はほとんどないよね。
僕たちは、常に自分たちの「ネクスト・レベル」を作るために懸命に努力してきたんだ。何年も何年もテスト、リスニング、実験を繰り返して、サウンドに対する独自のアプローチを開発したんだよ。
僕たちの研究は、多くの音楽を聴くことから、自分たち専用のスタジオ・マシン、キャビネット、アンプ、ドラムキット、さらにはマイクの設計にまで及ぶ。2003年以降、Andrea P .は熟練したサウンドテクニシャンとなり、技術的にも哲学的にも、僕たちのバンドがどのようなサウンドであるべきか(そしてどのようなサウンドであるべきでないか)という好みや信念と一体となって成長してきたわけさ。
だから、”Imperative Imperceptible Impulse” は、18年間の研究と実験の結果なんだ。Steve Albini のサウンド哲学は、僕たちの哲学ととても近いものがある。自分よりも優れた人から学ぼうとするのは自然なことだよ。そして、彼はおそらくこの業界で最高の人だ。
もちろん、まだ始まったばかりで、これからもずっとそうだろう。Andrea も、得られた結果に完全に満足しているわけではないからね。常にマージンの改善が必要なんだ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED AD NAUSEAM’S LIFE

Andrea P.
Scott Walker: Bish Bosh, Nevermore: Dreaming Neon Black, Cryptopsy: And Then You’ll Beg, Mayhem: Ordo Ad Chao, Shostakovich: String Quartets 3, 7 & ,8 (Borodin String Quartet)

Matteo G.
Morbid Angel: Covenant, Neurosis: Through silver in blood, Swans: The great annihilator, King Crimson: The power to believe, Voivod: Phobos

Matteo B.
Megadeth:  Rust In Peace, Mysticum: In The Streams Of Inferno, Thorns: Thorns, Mayhem: De Mysteriis Dom. Sathanas, Acid Bath:  When The Kite String Pops.7

Andrea S.
Ulver: Perdition City, Carpatian Forest: Bloodlust and Perversion, Marduk: Nightwing, Ulver: Shadows of The Sun, Death: Live in L.A.

MESSAGE FOR JAPAN

We would like to contribute bringing metal music sound approach to a different level in the future. There are many listeners that, like us, are deeply tired by the fake plastic sounding records that are trending since the last 20 years.
Our studio is opening to every band that shares our sound philosophy. Let’s create a new trend in opposition whit the modern standards:
https://www.mstrsoundstudio.org/

僕たちは、将来的には、メタルのサウンド・アプローチを別のレベルに引き上げることに貢献したいと考えているよ。僕たちと同じように、過去20年間のトレンドである偽のプラスチック・サウンドのレコードに深く疲れている多くのリスナーがいるからね。
僕たちのスタジオは、サウンド哲学を共有するすべてのバンドに開かれているよ。現代のスタンダードに対抗して、新しいトレンドを作っていこう!

AD NAUSEAM

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【GENGHIS TRON : DREAM WEAPON】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH HAMILTON JORDAN OF GENGHIS TRON !!

“I Think We Have Known For a Long Time That We Wanted Our Third Album To Have More Sonic Space, And More Atmosphere, And To Create a World That Is More Warm And Hypnotic, Instead Of Being Claustrophobic And Abrasive.”

DISC REVIEW “DREAM WEAPON

「僕は今でも “ブルータル” な音楽が大好きだけど、今の僕たちの生活の中では、そういった音楽は正直な気持ちで書けるものではないし、自分たちの音楽として聞きたいと思っていたものでもないんだよね。だから少なくとも、このアルバムにお決まりのブルータルは存在しないのさ」
“Board Up the House” から13年の時を経て届けられた “Dream Weapon”。パンデミックの喧騒に、人類と地球の “重さ” を天秤にかけるレコードで彼らが戻って来たのは、きっとある種の運命でしょう。
さながら列車の分岐器のように、時おり流れを変えるレコードがレールの上へと現れますが、まさに “Board Up the House” はそういった類の作品でした。エクストリーム・メタルとエレクトロニカ究極のアマルガム。グラインドコアに絡みつくコンピューターの鼓動。反復を重ねるドゥームとシリアスなメロディーまで血肉としたこのアルバムが、以降の重音と電子音という両極端の甘やかな婚姻に果たした役割は決して少なくありませんでした。
「”Dream Weapon” のヘヴィネスは、ダークなメロディー、ヒプノティックなリズム、歌詞の内容といったソングライティングそのものから来るもので、プロダクション・スタイルから来るものではないんだよね」
13年という時間はバンドの多様性を洗練へと導き、サウンドの大きな変化をもたらしました。ただし、GENGHIS TRON がソフトになったという評価はおそらく間違いでしょう。彼らはただ、ヘヴィーの真理を追求しながら、没入感のある音楽世界という当初からの目標へとまた一歩近づいたに過ぎないのですから。実際、”重さ” とはこの夢見がちな武器のキーワードです。そして Hamilton Jordan は美しいメロディーが時にブラスト・ビートやシュレッド・ギターより遥かに重く腹に突き刺さることを認めています。
「10年前に好きだったバンドやアルバムは今でもすべて好きだけど、好みが広がって他の影響を受けているってことかな。新しい音楽にも素晴らしいものはたくさんあるけど、僕が最近聴いているのは、Peter Gabriel, TEARS FOR FEARS, KING CRIMSON, YES, CHAMELEONS。THE BEATLES でさえ聞いているよ」
メタルとエレクトロニカという一義的なジャンルの交配から距離を置くことも重要でした。10年で養った、クラッシック・ロックの素養は優しく、オーガニックに、二面性だけで語られがちなバンドの音像を嫋やかに立体へと変えていったのです。
ロックダウンの影響により別々の場所で録音されながら、Kurt Ballou は今回もそのアイコニックな手腕でバンドの進化を支えました。むしろリモートワークは作品にとってプラスにさえ働いたのかも知れませんね。おかげでミキシングとプロダクションに時間をかけることができ、「ヘヴィーのためのヘヴィー」ではなく、楽曲そのものから生じる重さ、忍び寄るようなクリーンで繊細なアプローチを Kurt に依頼することが可能となったのですから。
「初めて Nick のパフォーマンスを見たとき、僕は圧倒されたね。2017年にカリフォルニア州バークレーで行われた SUMAC のライヴだったんだけど、彼の演奏は実にパワフルでありながらニュアンスがあって、ダイナミック。本当に面白いドラムパターンを演奏していたんだ。 その頃から、もしドラマーと一緒に演奏するなら、Nick がいいなと思うようになってね。」
もちろん、 BAPTISTS や SUMAC で鳴らした Nick Yacyshyn という界隈きってのドラマーがもたらす “重さ” もGENGHIS TRON の進化にとって重要なファクターです。これまで打ち込みのドラムスで表現されていた絵画のパレットは、Yacyshyn のダイナミックなビートで有機的な三次元の広がりを見せました。
ファースト・シングルに選ばれたタイトル・トラック “Dream Weapon” はまさに彼らの現在を具現化した夢の武器でしょう。
サイケデリックでリフ主導のエクスペリメンタル・メタルは、ノイジーでフィードバックを多用したミニマルな珠玉。意図的に繰り返しを行うことで緊張感を生み出し、思うがままにダイナミズムの罠を張り巡らせます。Sochynsky のプログラミングとシンセ全ては Jordan のカラフルで質感を纏うリフへと溶け込み、機械に挑戦を挑む Yacyshyn の強烈なグルーヴは、変拍子も、もう一人の新メンバー Tony Wolski の甘くメロディックなヴォーカルラインもすべてを受け止め鼓動を刻みます。
機械が天使を遣わしたかのようなインダストリアル・ポップロック “Pyrocene”、80年代のSci-fiイメージを優しく封じたレトロ・フューチャー “Alone In The Heart Of The Light”、MESHUGGAH の哲学を電子の世界に込めた”Single Black Point”。アルバムは現代社会の苦悩、人間の醜悪と、その業が取り除かれる遥か先の夢見がちな地球両者を、時に対比させ、時に融解させながらリスナーの本能へと投影していきます。決して悪夢や暴動がひたすら押し寄せるようなレコードではありません。それでも胸に鋭く突き刺さる、機械獣の重い牙。
聴くたびに新たな発見のある作品を創生したい。”ヘヴィー” の意味を問う作品を創生したい。RUSSIAN CIRCLES や Chelsea Wolfe の生々しくも新鮮なスピリットと共鳴しながら2つの世界を描ききる “Ritual Circle” は、そうして人類と音楽に残されたわずかな希望の灯火となるはずです。人類の終わりは地球の終わりではなく、私たちの地球は再生して、前進するだろう。だから、未来を恐れるのではなく、愛をもって受け入れるべきなんだと。
「人類の終焉と世界の終焉を同一視する人がいるようだけど、それは全くの別物だ。 気候変動であれ、パンデミックであれ、小惑星や核戦争であれ、人類が終わりを迎えれば、地球は次の段階に進むんだよ。それはたしかに悲しいことなんだけど、同時に僕たちはその事実に安心感を覚えるんだよね」
日本盤はボーナストラック追加で Daymare Recordings から4/14リリース。ライナーノーツは私。どうぞ!!

GENGHIS TRON “DREAM WEAPON” : 10/10

INTERVIEW WITH HAMILTON JORDAN

Q1: Genghis Tron didn’t break up, it went on hiatus. But why did you decide to come back together after 13 years?

【HAMILTON】: During those 13 years, we always wanted to make new music again. It just took a lot longer than we had expected! For several years, Michael and I were each focusing on other things (work, family, and so on), and life just got in the way. We had to wait until the right time, when the planets aligned and we each had the space in our lives―and the inspiration―to work on a new album. But now that we are making music together again, we have no plans for another hiatus any time soon!

Q1: GENGHIS TRON は解散していたわけではありませんでしたが、それでもなぜ13年ぶりの今、休止からの復活を決めたのですか?

【HAMILTON】: この13年間、僕たちは常に新しい音楽を作りたいと思っていたんだ。 ただ、そのために予想以上の時間がかかったね。 この数年間、Michael と僕はそれぞれ別のこと(仕事や家庭など)に集中していて、まあ言ってみれば人生が壁になっていたのさ。
新しいアルバムを制作するためには、互いの人生に余裕ができ、インスピレーションが湧いてくるようなタイミングを待つしかなかったんだよね。でも、今は再び一緒に音楽を作っている。すぐにまた活動を休止する予定はないよ!

Q2: You’ve added Tony Wolski and Nick Yacyshyn to your band. Nick in particular is one of the leading drummers in experimental extreme music. Why did you choose them?

【HAMILTON】: I was blown away the first time I saw Nick perform. It was a show with Sumac in Berkeley, California in 2017. His playing at that show was so powerful, but nuanced and dynamic, and he played really interesting drum patterns. So around that time, I started thinking that if we ever played with a drummer, I wanted it to be Nick. Sometime later, I learned from an interview that Nick listens to a lot of synth music, which made me feel more optimistic that he would be a great fit. He was the first and only person we asked to play drums, and we were really happy when he said yes!
Tony is a friend of mine who I met a few years ago when I moved from California to Detroit. He is a very talented musician and songwriter. When our previous vocalist Mookie left the band, Tony seemed like a good person to ask. We started by sending him a few demos, and we were relay amazed by his vocal ideas. Tony wrote melodies that felt like a perfect fit in our songs, and yet they were something new that Michael or I never would have thought to write.
We are really stoked that Tony and Nick joined this project for Dream Weapon, because they really helped push these songs to another level.

Q2: Tony Wolski と Nick Yacyshyn が新たにバンドへと加わりましたね?

【HAMILTON】: 初めて Nick のパフォーマンスを見たとき、僕は圧倒されたね。2017年にカリフォルニア州バークレーで行われた SUMAC のライヴだったんだけど、彼の演奏は実にパワフルでありながらニュアンスがあって、ダイナミック。本当に面白いドラムパターンを演奏していたんだ。 その頃から、もしドラマーと一緒に演奏するなら、Nick がいいなと思うようになってね。
それからしばらくして、あるインタビューで Nick がシンセ・ミュージックをたくさん聴いていると知り、彼との相性がいいのではないかと楽観的になったね。 ドラムを頼んだのは彼だけだったから、OKしてくれたときは本当に嬉しかったね。
Tony は、僕が数年前にカリフォルニアからデトロイトに引っ越してきたときに出会った友人だ。 とても才能のあるミュージシャンで、ソングライターでもあるね。前任のボーカリスト Mookie がバンドを脱退したとき、トニーにお願いするのが良いと思ったよ。
まずは、いくつかデモを送ってみたんだけど、彼のボーカルのアイデアには本当に驚かされたよ。Tony は僕たちの曲にぴったりのメロディーを書いてくれたね。僕や Michael が思いつかないような新しいメロディーをね。
だから、Tony と Nick が “Dream Weapon” のプロジェクトに参加してくれたことで、曲をさらにレベルアップさせることができたんだよね。

Q3: In recent interviews, I’ve noticed that many artists have been influenced by this pandemic in various ways. I feel “Dream Weapon” seems to be one of them, would you agree?

【HAMILTON】: Most the of the album was written before the pandemic began, so I would not say that it had a big impact on the main songwriting process. But it definitely impacted the final months of finishing the songs, as well as the recording process itself (which happened in August 2020). Because of the pandemic, Nick had to record his drums in Canada, and we had to finalize all of the final arrangements (including drums) by trading demos over the internet, instead of working on songs in person. This was challenging, but it also may have benefitted the album too, because it forced us to be very thoughtful and deliberate about how every second of every song was going to come together.

Q3: ここ最近、インタビューを行う中で、いかに多くのアーティストがこのパンデミックに様々に影響を受けているのか気づきましたよ。”Dream Weapon” もそういった作品の一つに思えますが?

【HAMILTON】: アルバムのほとんどはパンデミックが始まる前に書かれていたから、曲作りのプロセスに大きな影響を与えたとは言えないかもしれない。だけど、曲を仕上げるための最後の数ヶ月と、レコーディング(2020年8月に実施)には、間違いなく影響を及ぼしたよ。
パンデミックのおかげで、Nick はカナダでドラムを録音しなければならず、僕たちは直接会って曲作りをするのではなく、インターネット上でデモを交換しながら最終的なアレンジ(ドラムを含む)をすべて完成させなければならなかった。
これはチャレンジングなことだったけど、アルバムにとってはプラスになったかもしれないよね。というのも、すべての曲の1秒1秒がどのように組み合わされるのか、深く慎重に考える必要があったから。

Q4: I interviewed a band called Neptunian Maximalism, who said about the concept of their work “It turns out that we are mistaken to think of the human being so unique in his process of evolution. “Dream Weapon” also seems to present a sad but beautiful idea that we are not special and that the earth will continue after our extinction. How about that?

【HAMILTON】: We totally agree! Some people seem to equate the end of humanity with the end of the world. But those are two very different things. When humanity meets its end―whether through climate change, or another deadly pandemic, or an asteroid, or nuclear war―the planet will move on. We do find some comfort in this, even though there is sadness as well.

Q4: 最近、NEPTUNIAN MAXIMALISM というベルギーのバンドにインタビューを行ったのですが、彼らは「人間だけが進化の過程においてユニークな存在だと、我々は勘違いをしている」と語っていました。
“Dream Weapon” にも、人類が滅びても地球は続いていくという、悲しくも美しいアイデアが封入されていますよね?

【HAMILTON】: うん、全く同感だね!人類の終焉と世界の終焉を同一視する人がいるようだけど、それは全くの別物だ。 気候変動であれ、パンデミックであれ、小惑星や核戦争であれ、人類が終わりを迎えれば、地球は次の段階に進むんだよ。
それはたしかに悲しいことなんだけど、同時に僕たちはその事実に安心感を覚えるんだよね。

Q5: Many fans will feel that your music has become softer after listening to “Dream Weapon”. However, the album still has a very dark and heavy atmosphere. You’ve broken away from the formulaic heaviness of blast beats, rhythmic changes and riffs, and you’ve explored a new freedom of heaviness, haven’t you?

【HAMILTON】: You expressed it very well. We wanted the heaviness of Dream Weapon to come from the songwriting itself―the dark melodies, the hypnotic rhythms, the lyrical content―and less from the production style. I still really love (and listen to) list of “brutal” music, but at this point in our lives, that is not the sort of stuff that feels honest for us to write, and it’s not the sort of material we wanted to hear in our music. At least not for this album.

Q5: “Dream Weapon” を聴いて GENGHIS TRON はソフトになったと感じるファンもいるでしょう。
しかし、実際はこの作品には実にダークでヘヴィーなアトモスフィアが存在します。バンドがただ、お決まりのブラストビートや重量感のあるリフといった場所から離れ、自由なヘヴィネスを探求した結果にも思えます。

【HAMILTON】: うん、それはとても良い表現だね。”Dream Weapon” のヘヴィネスは、ダークなメロディー、ヒプノティックなリズム、歌詞の内容といったソングライティングそのものから来るもので、プロダクション・スタイルから来るものではないんだよね。
僕は今でも “ブルータル” な音楽が大好きだけど、今の僕たちの生活の中では、そういった音楽は正直な気持ちで書けるものではないし、自分たちの音楽として聞きたいと思っていたものでもないんだよね。だから少なくとも、このアルバムにお決まりのブルータルは存在しないのさ。

Q6: What’s interesting is that your music projects an 80s vibe, like Tears For Fears or Peter Gabriel, for example. Has your taste in music changed in the last 10 years?

【HAMILTON】: That’s a compliment to be compared to Tears for Fears and Pater Gabriel―thanks! To continue with a theme from the previous question, these are artists who create music that is emotionally heavy, yet textured and warm and inviting. (Also, both have killer, pounding drums with lots of big toms―definitely something we tried to achieve on Dream Weapon!) Michael and I have both been listening to more music like this for the past 10 or 15 years, and I think we have known for a long time that we wanted our third album to have more sonic space, and more atmosphere, and to create a world that is more warm and hypnotic, instead of being claustrophobic and abrasive.
I still love all the same bands and albums I loved ten years ago, but my tastes have expanded to bring in other influences. There is a lot of great new music out today, obviously, but most of my recent listening has been focused on rediscovering things from the past that I didn’t previously know much about―including Peter Gabriel, Tears for Fears, King Crimson, Yes, Chameleons, even the Beatles.

Q6: 興味深いことに、”Dream Weapon” には、TEARS FOR FEARS, Peter Gabriel といった80年代のムードが潜んでいますよね。この10年で、あなたの音楽的嗜好も変化したのでしょうか?

【HAMILTON】: TEARS FOR FEARS や Peter Gabriel と比較されるなんて、光栄だね。ありがとう!それってさっきの質問の続きにもなるんだけど、彼らは、感情的にヘヴィーでありながら、テクスチャーがあり、温かく魅力的な音楽を作るアーティストだよね。それに、どちらもビッグ・タムを多用したキラーで迫力のドラム・サウンドを持つ。
Michael と僕は、この10年か15年の間に、こういった音楽をより多く聴くようになったんだ。そして、この3枚目のアルバムには、もっと音の空間や雰囲気を持たせたい、閉所恐怖症的で擦れた感じではなく、もっと暖かくヒプノティックな世界を作りたいと、以前から考えていたわけさ。
10年前に好きだったバンドやアルバムは今でもすべて好きだけど、好みが広がって他の影響を受けているってことかな。新しい音楽にも素晴らしいものはたくさんあるけど、僕が最近聴いているのは、Peter Gabriel, TEARS FOR FEARS, KING CRIMSON, YES, CHAMELEONS。THE BEATLES でさえ聞いているよ。そうやって、これまであまり知らなかった過去の音楽を再発見することにハマっているんだ。

Q7: So far you’ve been described as a kind of dichotomy between extreme music and electronica, but “Dream Weapon” is much more diverse and profound. So, It seems to me that this album is a defiance of that duality, would you agree?

【HAMILTON】: Yes, I definitely agree. When we started this band in 2004, the most exciting idea at the time was for us to write songs that very literally crammed lots of our genre influences into one song―as in “let’s have a crazy grindcore part, and a Warp Record IDM section, and a big Neurosis riff, and a Load Records noisy part.” That was fun and exciting when we were 20 years old, but we pretty quickly got tired of that approach. As we grew as people and songwriters, we realized that the bigger and more exciting challenge would be to weave our ideas together in a more cohesive way, such that our influences would blend and forge something new, instead of something that was a more literal combination of different elements. I understand why some people still think of our music as a combination of “metal and electronic music,” but to me, I just think of it as Genghis Tron.

Q7: これまで、GENGHIS TRON はエクストリーム・ミュージックとエレクトロニカの二分法で語られることが多かったと思いますが、今回はさらに多様で深いですよね?
その二分法から脱却するという思いはありましたか?

【HAMILTON】: そうだね、確かにそう思うよ。 2004年にこのバンドを始めたとき、当時最も刺激的だったアイデアは、文字通り自分たちが影響を受けたジャンルを一つの曲に詰め込んだ曲を作ることだったんだ。
例えば、「クレイジーなグラインドコアのパート、Warp Record の IDM のパート、NEUROSIS の巨大なリフ、Load Records のノイジーなパートを全部入れよう」とか。20歳の頃はそれが楽しくて刺激的だったんだけど、すぐにそのやり方に飽きてしまったんだよね。
人として、またソングライターとして成長するにつれ、より大きく、よりエキサイティングな挑戦は、文字通り異なる要素の組み合わせではなく、それぞれが影響を受けたものが混ざり合い自然と新しいものを生み出すような、よりまとまりのある方法で自分たちのアイデアを織り交ぜることだと気づいたんだよ。
僕たちの音楽を “メタルとエレクトロニック・ミュージック” の組み合わせだと考える人がいるのは理解できるけど、僕にとってはただ、”GENGHIS TRON のような音楽” なのさ。

Q8: Japanese game music has received a great deal of international recognition in recent years. Is there any influence from Japanese game music and 8bit culture?

【HAMILTON】: If Japanese game music has had any influence on our music, honestly it would be subconscious. I played video games a lot when I was younger, but I mostly stopped when I started playing guitar seriously around age 14. Michael is not a gamer either. That being said, I still have some very fond musical memories of certain NES games from when I was a kid, and I have no doubt that some of those melodies and tones shaped my tastes in some respect.

Q8: 日本のゲーム音楽は、近年世界的評価を受けています。あなたたちはかつて “Nintendo-core” などとも称されましたが、そういった音楽から影響は受けていましたか?

【HAMILTON】: 日本のゲーム音楽が僕たちの音楽に影響を与えているとしたら、正直なところ、それは潜在的なものだろうな。若い頃はよくゲームをしていまたけど、14歳頃にギターを本格的に弾き始めてからはほとんどしなくなったからね。Michael もゲーマーではないしね。
とはいえ、子供の頃に遊んだファミコンのゲームにはとても楽しい音楽の思い出があって、そのメロディーや音色が僕の好みを形成したことは間違いないだろうね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED HAMILTON’S LIFE

NINE INCH NAILS “THE DOWNWARD SPIRAL”

TOOL “AENIMA”

CONVERGE “JANE DOE”

PHILIP GLASS “SOLO PIANO”

PORTISHEAD “THIRD”

MESSAGE FOR JAPAN

First, we want to give a big thanks to Tadashi and Daymare Recordings for bringing Dream Weapon to Japan. We hope people enjoy the album! Also, I really hope that we can visit to play shows some day. We currently don’t have any touring plans, but it has been a dream of mine for a long time to tour in Japan, and I hope that some day we can make that dream a reality!

まず、”Dream Weapon” を日本に届けてくれた Tadashi と Daymare Recordings に感謝するよ。皆がこのアルバムを楽しんでくれることを願っているよ。いつの日かライヴをするために日本を訪れることができたらいいなと思っているんだ。
現在、ツアーの予定はないけど、日本でツアーをすることは僕の長い間の夢だったから、いつの日かその夢を実現させたいと思うよ。

HAMILTON JORDAN

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【IOTUNN : ACCESS ALL WORLDS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JESPER GRAS OF IOTUNN !!

“The Immense Exploration That Was So Essential To Rock Music In The 60’s And 70’s Are Now an Essential Part Of Big Parts Of Metal Music, I Think That Makes The Coming Years And Decades Of Metal Music Extremely Exciting.”

DISC REVIEW “ACCESS ALL WORLDS”

「このアルバムは僕にとって創造性にフォーカスした作品だ。真に探求し自由であろうとする創造性は、文明や社会、人間の生活に光を当てるもので、逆に言えばそういった場所からこそ創造性は生まれるんだ。つまり、すべては生命で、共に呼吸しているんだからね」
デンマーク、フェロー諸島の雄大な自然、神秘的な伝承、豊かな感情に囲まれて育った IOTUNN のメンバーにとって、音楽とは変化を続ける人生を表現する手段です。その逆もまた真なり。滴り落ちる音の雫には、表現者の絶え間ない営みが宿っているのです。
「デンマークのメタルシーンは非常に良い状態にあり、常に動き続けているから、そこに参加していて本当に楽しいんだよ。MYRKUR は、僕にとってこの波を象徴するアーティストなんだ。彼女は、音楽をこれまでのデンマークのメタルアーティストが到達したことのないような場所までに持っていこうとしたんだよ。そして、音楽と自然、時間軸を超えた物語、感情を結びつけることの重要性を示したと思うね」
Lars Ulrich のルーツにして KING DIAMOND の母国デンマークは、古くから様々なメタルの交差点でした。PRETTY MAIDS, DIZZY MIZZ LIZZY, ARTILLERY, SATURUNAS, MANTICOLA。彼らが纏った、常に変化を誘う自然と空間、時間、感情の多様な繋がりは、今、VOLBEAT, MYRKUR, VOLA, MOL といったデニッシュ・メタル新たな波へと増幅されながら引き継がれているのです。
「IOTUNN とは、古ノルド語で “巨人” を意味する言葉なんだ。僕にとってこの言葉は、絶え間ない変化と変革を強いる自然と宇宙の力を表していて、それによって人間の謙虚さ、好奇心、そして人生や創造性における開放性をも表そうとしているんだよ」
遅れてきたデンマークの巨人は、デビューフル “Access All Worlds” で文字通り、メタルに根差すすべての世界へとアクセスし、変化を恐れず表音力の限界を突破します。巨人に似つかわしい巨大なサウンド。アグレッションの畏敬からアトモスフェリックな没入感まで、グルーヴとメロディーの多彩な感情に彩られたレコードは、壮大と荘厳を極めながらリスナーを宇宙と自然、そして人生の旅路へと誘います。BARREN EARTH や HAMFERD で世代最高の歌い手と評される Jon Aldara が紡ぐ旋律を、美しき星の導きとしながら。
「60年代、70年代のロックに不可欠だった膨大な探求心は、今ではメタルの大部分にとって不可欠な要素となっているよ。だから、多様性はメタルのこれからの数年、数十年を本当にエキサイティングなものにしていくと思う」
62分のレコードの中で、バンドはプログ・メタルの再構築、再発明に挑みました。CYNIC のスペーシーなプログ・デス、KATATONIA の仄暗きアトモスフィア、ENSLAVED の神話のブラック・メタル、INSOMNIUM の知的なメロディック・デスメタル、MASTODON の野生、それに NE OBLIVISCARIS のモダンで扇情的な響き。
重要なのは、心に響くメロディーであれ、流麗なギターソロであれ、重厚なデスメタルの力であれ、IOTUNN は先人の生きた足跡を噛み締めつつ、フェロー諸島という環境、そして自らの人生で養った表現力を遺憾なく発揮して前人未到のスピリチュアルな境地へとメタルを誘った点でしょう。その彼らの創造性という飽くなき好奇心は、アルバムを締めくくる14分、神話とSFが出会う場所 “Safe Across the Endless Night” に凝縮しています。
今回弊誌では、ギタリスト Jesper Gras にインタビューを行うことができました。「創造的に正しいと思うことは何でも行うという自由。この自由の中で僕たちは、世界で常に提示され、強制されているすべての境界線を破ろうという意思表示なんだ」 どうぞ!!

IOTUNN “ACCESS ALL WORLDS” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【IOTUNN : ACCESS ALL WORLDS】

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ABIOTIC : IKIGAI】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JOHN MATOS OF ABIOTIC !!

“I Was Doing Some Reading And Fell In Love With The Concept Of Ikigai. In These Challenging Times, I Know a Lot Of Us Are Struggling With Finding Our Reason For Being, And I Wanted To Write an Album About That Struggle, Pain, And Perseverance.”

DISC REVIEW “IKIGAI”

「日本についての本を読んでいたら、”Ikigai” というコンセプトに惚れ込んでしまったんだよ。この厳しい時代に、僕たちの多くは自分の存在理由を見つけ出すのに苦労していると思う。僕はそんな苦労や痛み、忍耐についてのアルバムを作りたいと思ったんだよね」
2010年の結成以来、フロリダで最も急速に成長を遂げたデスコア/テクデスのハリケーン、ABIOTIC。5年間の活動休止で彼らは内面的にも音楽的にも遥かな進化と成熟を遂げ、彼らの存在理由、”生き甲斐” を叩きつけてみせました。
「それぞれの楽曲は、生き甲斐というコンセプトを異なるアプローチで表現している。5年の歳月を経て、宇宙やエイリアンについての作品は今でももちろん好きだけど、生き続ける理由を見つけるのに苦労するような時代に、感じられるもの、親近感を持てるものを書きたいと思ったんだ」
コロナ・ウィルスが日常を、社会を、そして音楽業界全体を破壊し続けていることは言うまでもありません。人の心まで侵される現代の恐怖の中で、ABIOTIC が復活を遂げたのは決して偶然ではないでしょう。デビュー作の “Symbiosis” や、プログレッシブ・スペース・オデッセイ “Casuistry” で宇宙や地球外生命体を探求した彼らは、遂に地上へと降り立ち、人類の現状を憂い、人と繋がりながら悲しみ嘆き、共感し、空想的なものよりも優先すべきテーマを見つけました。
「あれほど才能のあるバンドが多数所属するレーベルの一員になれて嬉しいね。アーティスト自身が運営するこのレーベルは、まるで家族のように感じられるんだ」
Metal Blade から Artisan Era へのレーベルの移動、SCALE THE SUMMIT の Killian Duarteとドラマーでありエンジニアでもある Anthony Simone を含む再編成されたラインナップ、さらに THE BLACK DAHLIA MURDER, ARCHSPIRE, ENTHEOS, FALLUJAH といった錚々たるバンドからの錚々たるゲスト陣を見れば、このバンドがメタル世界における “Symbiosis” “共生” を実現していることに気づくでしょう。そして、一欠片の獰猛も損なうことなく、プログレッシブ・ジャジーな奇譚と和の旋律が “共生” する9通りの “Ikigai” は、これまで以上に共感を誘う傑作に違いありません。
和の心、メロディー、情景、情緒を存分に取り入れた開幕の “Natsukashii”, “Ikigai” は、さながらデス・メタルで綴る日本の歴史絵巻。正確無比なテクデスの猛威に浸透する大和の雅は、リスナーの心身に映像を投影する新生 ABIOTIC の哲学を承知しています。
「不寛容さに直面しているトランスジェンダーとしての人生、依存症患者としての人生、メンタルヘルスと闘っている虐待を受けた子供としての人生、気候変動によって住処が破壊されたフクロウとしての人生など、無限の人生は苦悩しながらも、その苦悩に耐えているんだよね。そして、16世紀の日本の野山で息を引き取る前に、彼はその生のつながりに自分の目的を見出すわけさ」
アートワークの侍は、”Ikigai” で切腹を遂げる今際の際に、21世紀におけるさまざまな人生の苦悩を走馬灯のように目撃し、共感します。
トランスフォビアによる虐待と自死をテーマとしたリード・シングル “Souvenir of Skin” のように、侍が目にする苦痛はすべてが21世紀のもの。切腹の果てに訪れるやるせない未来は、重さを極めながら記憶に残る ABIOTIC の哀しみと濃密な二重奏を描いていきます。さながら、Travis Bartosek の重低咆哮と、TBDM の Trevor の雄叫びがシンクロするように。
FALLUJAH の Scott Carstairs が嗚咽と希望を壮大なスケールのギターソロで表現し、バンドがソングライティングの粋を尽くして GORGUTS の異形やメロディーを重ねる “Horadric Cube” は傑出した瞬間ですし、CYNIC の宇宙と諸行無常が ex-THE CONTORTIONIST の Jonathan Carpenter の美声によって無限に広がる “Grief Eater, Tear Drinker” はアルバムの痛みそのものと言えるでしょう。
重厚なストリングスに導かれる “Gyokusai” で侍は生きる意味を見出します。ただし、すべては遅すぎました。死はもう始まっていました。辿り着いたのは永遠の休息。きっとリスナーには、手遅れになる前に、何かを見つけて欲しいと願いながら。
今回弊誌では、ギタリスト John Matos にインタビューを行うことができました。「アルバムの制作とアートワークは “Ghost of Tsushima” が発売される前に完了していたんだけど、人々が僕たちのアートワークと音楽をあの最高のゲームに関連付けてくれるのは素晴らしいことだよね」 どうぞ!!

ABIOTIC “IKIGAI” : 10/10

INTERVIEW WITH JOHN MATOS

Q1: It’s great to have you guys back! First of all, could you tell us how you went from being inactive to reuniting?

【JOHN】: Thank you so much. It feels so good to be back. I had been working on some solo music and posting about it on social media. Our vocalist Travis reached out to me after hearing some of the material and suggested that we put together another album. After taking some time to straighten out some things in our personal lives, it seemed like the right time to come back, and I’m so glad that we did.

Q1: ABIOTIC が復活して嬉しいですよ!まずは、活動停止から再出発までの道のりをお話ししていただけますか?

【JOHN】: 本当にありがとう!戻って来られてとても気分がいいね。僕はいくつかソロで音楽を作っていて、それをソーシャルメディアに投稿していたんだ。ボーカリストの Travis がその曲を聴いて連絡してきて、次のアルバムを作ろうと提案してくれたんだよね。
個人的なことを整理するためにしばらく時間をかけた後、復帰するのに適切な時期だと思ったんだ。うん、復帰できて本当に良かったと思うよ。

Q2: You’ve moved from Metal Blade to Artisan Era. It’s a label full of bands that are evolving tech death, and it’s perfect for you, isn’t it?

【JOHN】: I love being on a label with such talented bands. A label run by artists themselves that really make it feel like a family. They’ve been great to work with through this release.

Q2: 復活に際して、バンドは Metal Blade から Artisan Era へとレーベルを移しました。Artisan Era は革命的なテクデス・バンドが集うレーベルで、ABIOTIC にフィットしていますよね?

【JOHN】: あれほど才能のあるバンドが多数所属するレーベルの一員になれて嬉しいね。アーティスト自身が運営するこのレーベルは、まるで家族のように感じられるんだ。今回のリリースでは、彼らと一緒に仕事ができてよかったね。

Q3: The title “Ikigai” translates from Japanese as “a reason for being”. Why did you choose this word in Japanese?

【JOHN】: I was doing some reading and fell in love with the concept of Ikigai. In these challenging times, I know a lot of us are struggling with finding our reason for being, and I wanted to write an album about that struggle, pain, and perseverance. Each song represents a different approach to that concept. After 5 long years, we decided that as much as we love albums about space and aliens, we wanted to write something that could be felt and that would be relatable, as we all struggle to find our reason to carry on in these trying times.

Q3: “Ikigai” というタイトルはもちろん、日本語の “生き甲斐” であり、生きる目的といった意味ですね?

【JOHN】: 日本についての本を読んでいたら、”Ikigai” というコンセプトに惚れ込んでしまったんだよ。この厳しい時代に、僕たちの多くは自分の存在理由を見つけ出すのに苦労していると思う。僕はそんな苦労や痛み、忍耐についてのアルバムを作りたいと思ったんだよね。
それぞれの楽曲は、生き甲斐というコンセプトを異なるアプローチで表現している。5年の歳月を経て、宇宙やエイリアンについての作品は今でももちろん好きだけど、生き続ける理由を見つけるのに苦労するような時代に、感じられるもの、親近感を持てるものを書きたいと思ったんだ。

Q4: Have you always been interested in Japanese culture, Bushido and the Samurai?

【JOHN】: I’ve been interested in Japanese culture for as long as I can remember. Japan is one of my favorite places in the world and I cannot wait until we can finally play some shows there.

Q4: ということは、あなたは日本の文化、武士道や侍に興味を持ち続けているということですか?

【JOHN】: そうだね、物心ついたときから日本の文化に興味があったんだよ。日本は世界で最も好きな場所のひとつで、いつか日本でショーを行うことができる、そんな日が待ち遠しいよね。

Q5: The artwork has a “Ghost of Tsushima” feel to it, did you have that kill or be killed world in mind for the album?

【JOHN】: We actually wrote the album and had the artwork done before GoT came out, but it’s been awesome to see people relate the cover and music to such an incredible game. Lyrically, this album tells so many stories. The cover art depicts a traditional Samurai committing seppuku and as the Samurai is bleeding out, he sees these lives, his future lives. Life as a trans man/woman facing intolerance, as an addict, as an abused child battling mental health, as an owl as its home is destroyed by climate change; an infinite amount of lives struggling, but persevering in their struggle. Tying it all together, he finds his purpose in that moment of connection before he passes away on that field in 16th century Japan.

Q5: アートワークは、ビデオゲーム “Ghost of Tsushima” の世界観を想起させますね?

【JOHN】: 実は、アルバムの制作とアートワークは “Ghost of Tsushima” が発売される前に完了していたんだけど、人々が僕たちのアートワークと音楽をあの最高のゲームに関連付けてくれるのは素晴らしいことだよね。
歌詞の中にはたくさんの物語が詰まっている。アートワークには、伝統的な侍の切腹の様子が描かれているけど、この侍は血を流している間に、様々な人生、そして自分の未来の人生を見ているんだよ。
不寛容さに直面しているトランスジェンダーとしての人生、依存症患者としての人生、メンタルヘルスと闘っている虐待を受けた子供としての人生、気候変動によって住処が破壊されたフクロウとしての人生など、無限の人生は苦悩しながらも、その苦悩に耐えているんだよね。そして、16世紀の日本の野山で息を引き取る前に、彼はその生のつながりに自分の目的を見出すわけさ。

Q6: Musically, it seems to have moved in a more technical and progressive direction without losing any of its ferocity. There are more jazz and atmospheric elements, and the contrasts are also more prominent, would you agree?

【JOHN】: I would agree with that assessment, for sure. I think we’ve all really grown as songwriters and have continued to try and mesh the world of technical music with melodic, heavy, and memorable music. .

Q6: 音楽的には、獰猛さを微塵も失うことなく、よりテクニカルでプログレッシブな方向性へと舵を切りましたよね?ジャズやアトモスフェリックな要素が増えたことで、対比が際立っています。

【JOHN】: 確かに、その評価には同意できるよ。僕たちは皆、本当にソングライターとして成長しているからね。そうやってずっと、テクニカルな音楽の世界と、メロディックでヘヴィーで、そして何より記憶に残る音楽をかみ合わせようとし続けてきたからね。

Q7: The Black Dahlia Murder, Fallujah, Archspire and many other great guest musicians. How did you decide to include them?

【JOHN】: We asked artists we thought would fit the songs we wanted guest spots on and artists we always dreamed of collaborating on. We didn’t know when we recorded our second record ‘Casuistry’ that it could potentially be our last. I don’t think ‘Ikigai’ will be, but we approached this album with that mindset and pulled out all the stops.

Q7: THE BLACK DAHLIA MURDER, FALLUJAH, ARCHSPIRE といった強力なバンドたちから、豪華なゲストが集まりました。

【JOHN】: 僕たちは、ゲスト参加してほしい曲に合うと思われるアーティストや、常々コラボレーションを夢見ていたアーティストに参加を打診していったんだ。
2枚目のアルバム “Casuistry” を録音したときには、これが最後のアルバムになるかもしれないなんてまったく思っていなかった。だけど今回の “Ikigai” では、まあそうなるとは思わないけど、僕たち全員がそのような心持ちでこのアルバムに臨み、あらゆる手段を講じたわけさ。

Q8: It’s a really diverse record, but it’s important you never lose your aggression and edge. For example, Bring Me The Horizon are close to mainstream and abandoned metal edge somehow, right? What’s your perspective about their way of ‘evolution”?

【JOHN】: I actually don’t really listen to Bring Me The Horizon, so I’m not the best person to ask this question, but I’m all anout evolution. Last thing I want to do is put out the same record twice.

Q8: あなたたちは進化を遂げても獰猛さを失いませんが、例えば BRING ME THE HORIZON はメインストリームへと接近して、ある程度メタルのエッジを放棄していますよね?

【JOHN】: 実のところ、僕は BRING ME THE HORIZON を全く聴かないから、何かを言える立場にはないんだけど、僕が求めるのは進化だけだ。だから同じようなレコードを2度出すことは、絶対に避けたいと思っているよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED JOHN’S LIFE

NECROPHAGIST “EPITAPH”

THE CONTORTIONIST “EXOPLANET”

THE FACELESS “PLANETARY DUALITY”

CYNIC “TRACED IN AIR”

WRETCHED “EXODUS OF AUTONOMY”

MESSAGE FOR JAPAN

Japan, I love you and I cannot wait to be back, either as simple tourist or playing songs from our new record for you all. I hope you all enjoy the record and see how much respect we have for your culture and your music. See you soon!

日本を愛しているよ!単に旅行でも、あるいは新譜の曲を演奏して届けるために、日本へ戻るのが待ち遠しいね。このアルバムを楽しんで、僕たちが日本の文化や音楽にどれだけ敬意を払っているかを知ってもらえれば嬉しいね。すぐに会おう!

JOHN MATOS

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【OPETH : BLACKWATER PARK 20TH ANNIVERSARY】PROG MUSIC DISC GUIDE RELEASE SPECIAL !!


OPETH “BLACKWATER PARK” 20TH ANNIVERSARY

WHEN TWO MODERN PROG GIANTS COLLIDE

“Blackwater Park” という言葉は、多様なモダン・プログが話題になる時、さまざまな文脈で必ず出現します。
「 このレコードは、”Blackwater Park” のようにデスメタルとプログを交配しているね?」
「彼らの新作は好きだよ。”Blackwater Park” ではないけど、新しいサウンドで前進している」
Mikael Akerfeldt と Steven Wilson。モダン・プログの二巨星が初めて出会った場所。OPETH にとって5枚目のアルバムが、最も決定的で完璧に構成されたレコードであるという考えに反論するのは困難でしょう。このアルバムが当時のプログレッシブ・メタル界に与えた影響の大きさに反論することも不可能に近いはずです。今日に至るまでこのアルバムは、現代の大半のリリースとの比較対象であり続け、現代のプログレッシブ・ミュージックの重鎮たちが最も高く評価しているレコードでもあるのです。
しかし、21世紀の変わり目にせめぎあったメタルバンドの群れの中で、このアルバムを際立たせたものは何だったのでしょう?なぜこのアルバムはモダン・プログの名盤の一つとして崇められているのでしょう?それを知るためには、千年紀の変わり目、ヨーロッパの重苦しい風景に戻らなければなりません。SNSのナルシスト的な強迫観念や、ブログの前の時代で、新聞が本物のニュースソースであり、CDの売り上げが本物の指標であった時代。

90年代後半、METALLICA がスラッシュのルーツから脱却したことで、メタルの曲作りとイメージ両方に対するアプローチは変化が生じていました。楽曲はより短く、ラジオで流れやすいものに。Nu-metal はMTVを席巻し、ドレッドとトラックパンツがトレンドに。KORN, SLIPKNOT, LIMP BIZKIT, LINKIN PARK といったバンドは、ヒップ・ホップとメタルを融合させたエクストリーム・ミュージックの新たな巨匠となり、テレビやラジオを席巻したのです。
簡単に言えば、プログは完全に過去のものになりました。
1992年に DREAM THEATER が発表した “Images and Words” の成功は、ある種偶然のようなもので、PORCUPINE TREE, SYMPHONY X, MESHUGGAH といったアンダーグラウンド・コミュニティ最高の秘密は、まだ無名のまま。プログは、70年代、80年代の遺産を大事に食い潰しながら生き永らえていたのです。
一方で、厳しい冬のスカンジナビアでは、1990年代半ばに IN FLAMES, AT THE GATES などのメロディックなデスメタルが開花し、80年代半ば、メタルのピーク時から残っていた少数の人々により速く、より重い出口を提供しました。この時期の北欧は、メタルを多様に進化させた鬼才の花園でした。しかし、世紀が変わる頃には、ブラスト・ビート、グロウル、ギター・ソロが時の試練に耐えられず、メロデス自体は世間の目から下降線を辿り始めます。さらに、ダイナミクスの欠如、テーマの同一性、反復性の強調などが相まって、90年代後半にはすでにこのジャンルに対する不満も高まっていたのです。

この逆風ともとれる環境の中で、Mikael Akerfeldt はメロディック・デスメタルとプログレッシブ・ミュージックの実験を始めました。80年代後半から90年代にかけてまずスカンジナビアから勃興した新たなメタルの波。OPETH, MESHUGGAH, AMORPHIS, IN FLAMES, EMPEROR といった傑物を輩出し、WALTARI の Kärtsy Hatakka が “ポストファーストメタルタイム” と呼んだそのムーブメントは、メタルの転換期にして、モダンメタルと現在のメタルシーンにとって架け替えのない重要なピリオドとなりました。
「スカンジナビアのバンドたちは、より幅広いスペクトルの音楽を聴くことで、メタルに “クレイジーさ” を加えていったんだ。」
Kärtsy が語るように、ある者は複雑なリズムアプローチを、ある者はグルーヴを、ある者はプログレッシブロックを、ある者はデスメタルを、ある者はエクストリームな残虐性を、ある者はフォルクローレを “ベーシック” なメタルに加えることで、彼らはモダンメタルの礎となる多様性を築き上げていったのです。そして OPETH は最初から、驚きをリスナーに提供していました。
「僕たちは1990年に、IRON MAIDEN に影響を受けたメロディックなスウェディッシュ・メタルバンドとしてスタートしたんだ。デビューアルバム “Orchid” では、確かにそのようなサウンドだった。だけどその後、僕たちはすべてを投げ出し、音楽的な意味で一からやり直したんだ。2枚目のアルバム “Morningrise” では、そのアプローチの変化をはっきりと感じることができた。その頃には、最近僕たちのトレードマークとなっているプログレッシブやサイケデリックの影響が自分たちのものになり、曲もずっと長くなったね。スウェーデンで同じようなことをやっていたのは、EDGE OF SANITY と KATATONIA だけだったと思うな」
1994年の “Orchid” と1996年の “Morningrise”。最初の2枚のアルバムは、ブラック・メタル、デス・メタルとフォークを融合させた不可思議な作品で、Allmusic は後者を「驚くほどユニーク」と評しています。この2枚のアルバムは、獰猛と知性、そして抽象的音楽を愛する人たちに新しいスターを提供し、次のレコード “My Arms, Your Hearse” は、そのスタイルをさらに消化しやすいフォーマットに凝縮していきました。Thinking Man’s Metal などと称され始めたのも、この頃です。
「”Thinking man’s metal”という言葉は大嫌いだ。まるで僕たちが優越的な感じに聞こえる。他のどのメタルバンドよりも知的だみたいにね。この言葉を思いついた人は良かれと思って使うのかもしれないけど、実際には僕たちに害を与え、人々を遠ざけているかもしれないよ。だから、このことは忘れよう!」

1999年、OPETH は “Still Life” をリリース。このアルバムでは、デス・メタルとアコースティックな要素を融合させ、プログレッシブな精神をより深く浸透させています。しかし OPETH にとって4枚目のアルバムは、優れたコンセプト・アルバムであったにもかかわらず、彼らが費やした努力と希望に報いるまでの注目は集めることができませんでした。それでも、Peaceville Records と契約しツアーの機会が増えたことで、マスターマインド Mikael Åkerfeldt とメンバーは、大きなブレークがすぐそこまで来ているという希望を感じていました。
その予感は期待を超えて的中します。2001年に発表された “Blackwater Park” は、このスウェーデンのグループにとって大きなステップストーンとなっただけでなく、エクストリーム・メタル全体にとっても大きな飛躍となったのですから。
「最終的に、音楽を店頭に並べ、より多くの人々に届けてくれるレーベルと関わることができて、とても嬉しかったな。それまで僕たちの存在を知らなかったメディアからも注目されるようになり、ついにはきちんとしたツアーに出て、あちこちで演奏できるようになったからね。僕たちにとって重要な時期だったよ。だから外側から見れば、”Blackwater Park” が僕たちにとって大きな変化をもたらしたという感覚があるのも理解できるよ」
その理由の一つは、OPETH がステップアップとなった Peaceville を離れてさらにビッグな Music for Nations に移籍することとなり、流通やプロモーションの見通しが広がったことにありました。当初、 Åkerfeldt はこの義務的な移動に不満を抱いてい増したが、すぐにそれが最善であることに気付きました。Music for Nationsには、プロとしての態度、豊富なスタッフ、運営のためのロジスティック能力が備わっていました。この新しいパートナーシップにより、OPETH はÅkerfeldt とギタリストの Peter Lindgren が敬愛する PORCUPINE TREE の Steven Wilson をプロデューサーとして迎えることができたのです。

「僕たちが抱えていた問題は、ビジネス上のものだった。最初の10年間で4枚のアルバムをリリースしたけど、ツアーは1回しか行わなかった。10年間でツアーは1回だけ! 僕たちの作品を聴いてくれる人がたくさんいることはわかっていたけど、所属していたレーベルが外に出してくれないことに不満を感じていたんだよ。だけど”Blackwater Park” では、イギリスのMusic For Nationsと契約したことで、その状況が一変したんだ。だけど音楽的には、このアルバムはまったく変化していないと思う。注目されているからそう見えるのかもしれないけど、前のアルバム “Still Life” を聴いても、同じスタイルなんだよ」
Wilson は Åkerfeldt にメールを送り、”Still Life” の巧みなスタイルが彼のメタル愛を再活性化させたと伝えていましたが、それでも Åkerfeldt は当初 Wilson の名声と博識に怖気づいていました。しかし、ロンドンのカムデンにあるタコスバーで出会った二人は意気投合し、Wilson は “Blackwater Park” の制作に参加することになりました。
「僕たちは、”Still Life” “My Arms Your Hearse” の両方で、Fredrik Nordstrom というスウェーデン人エンジニアとコラボレーションしていた。メタルシーンでは有名で、多くのバンドをプロデュースしていて、ヨーテボリに自分のスタジオ(Studio Fredman)を持っていたからね。彼は、僕たちが外部のプロデューサーを起用するならば、自分が第一候補になるだろうと常に考えていたんだろう。しかし、残念ながらそうじゃなかった。
Wilson のことを Nordstrom に伝えたとき、彼は少し傷ついていたね。怒りはしなかったけど、明らかに動揺していた。幸いなことに、彼とスティーブンは一度会うととても仲良くなって、スタジオで問題が起こることはなかったね。お互いに理解し合い、素晴らしいパートナーシップを築くことができた。最終的に、僕たちは Nordstrom にアルバムのミキシングを任せたんだ。みんな彼を信頼していたし、仕事も素晴らしかった」

“Book of Opeth” の中でWilson は「当初は、自分に何ができるかもわからず、メタルのこともよく知らないのに、メタルバンドをプロデュースすることに不安を感じていた」と認めています。
「1995年にリリースされたアルバム “The Sky Moves Sideways” を聴いて以来、Wilson のファンだったんだ。一緒になったのは、ほとんど偶然だったけどね。”Still Life” が発売された頃、僕はようやくインターネットを始めたんだ。驚いたことに、最初に受け取ったメールの1つが Wilson からのもので、僕たちの作品をどれだけ愛しているかを綴っていたんだ。とにかく、彼に会うためにガールフレンドと一緒にイギリスに飛んで行って、食事をして、最後に僕たちをプロデュースしてくれないかと頼んだね。そして彼は、僕と同じように熱心に取り組んでくれたんだ」
OPETHのファンを満足させなければならないというプレッシャーと、バンドが必要とする冒険的スタイルも不安の要因となりました。しかし幸いなことに、Wilson は Åkerfeldt の夢の実現に最適な人物でした。熟練したプロデューサーとしての役割と、真に進化的なパフォーマーとしての役割を併せ持つ Wilson は、 “Blackwater Park” をプログレッシブ・デスメタルの歴史において、驚異的に洗練された、不可欠なパートのみで構成された、時代を超えた作品に仕上げたのです。そしてこの作品においての彼の仕事は、OPETH を後の”Deliverance” や “Damnation”、そして PORCUPINE TREE を2002年の “In Absentia” や2005年の “Deadwing” といった場所へと導くことになりました。
「多くのファンが、僕たちがメタル系のプロデューサーと仕事をしていないことを知って心配したことは知っている。だけど、彼は僕たちのサウンドを変えるのではなく、強化してくれたんだ。メタルの世界で、他の人と同じようなビッグネームを起用しても意味がなかっただろうな。僕たちは、リスクを冒したかったんだ。なぜなら、そうすることで、楽曲から最高のものを引き出すことができるからね」

ドキュメンタリー番組 “Making of Blackwater Park” では、ベーシストのMartin Méndez とドラマー Martin López が、これまで以上に集中してアルバムを作り上げたと語っています。この時点で Åkerfeldt は明らかに OPETH の中心でしたが、それでも López とMéndez と可能な限り共闘しプッシュしました。その結果、リズミカルなデュオは、より”繊細さ” と “自信” を持って演奏することを学びながら、自らの声がいかに重要であるかを感じとっていました。
制作に関して、OPETH はスウェーデンのイエテボリにあるスタジオ・フレッドマン(”Still Life” や “My Arms, Your Hearse” を制作した場所)に戻り、2000年8月から10月にかけてレコーディングを行っています。 Åkerfeldt は、このレコードがそこまで音楽的に劇的な進化を遂げているとは思っていませんでしたが、歌詞の内容は別で、これまでよりかなり自伝的で厭世的な内容になっています。ドキュメンタリー番組の中で彼は「世の中にはおかしな人がたくさんいると思うし、俺だってバカに嫌がらせを受けることもある。そういうことがあって、自分がいかに人を嫌っているかということを歌詞にしたんだ。そして、それをもっと病んだものにするため、さらにスパイスを加えたんだよ!」とコメントしています。
“Blackwater Park” のレコーディングでは、最小限のリハーサルでスタジオに入り、ほとんど歌詞を書いていない状態で制作にとりかかりました。
「”Bleak”, “Blackwater Park”, “Harvest”, “The Leper Affinity” の4曲はほぼ完成していたと思うけど、それらもスタジオで変わっていった。残りの曲は、スタジオで一生懸命、創造的に作業をしながら作ったものさ。ヨーテボリに移動する前に、バンド全体で新曲のリハーサルを3回行ったことを覚えているけどね」

バンドと Wilson はスタジオの狭い部屋に2週間寝泊まりしたあと、DARK TRANQUILLITY の Mikael が所有していたアパートに居を移しました。
「窮屈に見えたかもしれないけど、僕たちの頭の中には音楽のことしかなかったから。気が散るものは何もなく、僕たちは曲で結ばれていたんだよ。それがとても重要だった。家から遠く離れた場所(バンドはストックホルムを拠点としていた)にいると、気が散って仕方がないからね」
アルバムのオープニングを飾る “The Leper Affinity” は、当時 OPETH が得意としていた獰猛で幕を開けますが、楽器の上でボーカルがまさに唸りを上げる姿は、この曲をネクスト・レベルに引き上げています。洗練された激しさの中に、ほろ苦いフォーク・ロックの側面があり、最後には Wilson のアイデアによる哀愁を帯びたピアノのモチーフまで登場。
「Steven Wilson を感動させようとしていたんだ。彼はそれまでメタルバンドをプロデュースしたことがなかった....だから少し緊張していたと思う。俺たちが思いついたアイデアはすべて、彼に使えるかどうか尋ね、修正してもらったね。彼自身も奇妙なアイデアを出してきて、僕たちはそれを気に入り、結局使用することになった」
Akerlfedt は、ウィルソンとの共同作業がバンドのサウンドを「向上」させたと述べ、この決断がもたらしたポジティブな結果についてさらに詳しく説明しています。
「彼は、レコーディングの途中で面白い角度からのアイデアを沢山思いついた。彼のちょっとした仕事が、最も大きな影響を与えたんだ」
そういったアイデアは、Wilson が全曲で演奏したピアノのラインにも見られます。中でも、アルバムの最後に収録されている2分間のアコースティックな小曲 “Patterns In The Ivy” は圧巻です。この曲は、真のデスメタルファンの琴線に触れ、このレコードの奥底に存在する暗く冷たい「ブラック・ウォーター」な感情を象徴しています。

この「暗さ」は OPETH 初期のトレードマークですが、”Blackwater Park” では、リスナーがただ純粋に悲しみを感じられるような形で表現されています。”Benighted” のような温かくも陰鬱なアコースティック・オードが展開される “Harvest”。そのケルト・ダンスは、表面的には陽気に見えますが、痛みと不安が微かに入り混じるノスタルジックな感情へと変わり、物事が単純だった過去の世界を切望する遠い記憶を喚起します。
このレコードのすべての感情と芸術性が生きてくるのは、”The Drapery Falls” でしょう。
最初の2分間で OPETH は、プログレッシブ=変拍子や難解なギターソロという定説を覆します。メロディの力は楽器の技巧をはるかに凌駕し、穏やかなアコースティックの歌声から、心に染み入るようなギターのリード、Akerlfedt のデス・グロウルによるクライマックスまで、この曲は静寂と残忍の見事なバランスを保ち続けます。
実際、静寂と残忍の知的な組み合わせは、OPETH サウンドのバックボーンとなり、”Blackwater Park” の骨子にもなっています。”例えば “The Funeral Portrait” では、滝のように流れるアコースティック・サウンドがいつしか野太いギター・グルーヴへと変化し、葬儀の光景を複雑怪奇に進んでいきます。
Akerlfedt がアルバムで最も気に入っている “Bleak” は、前半のダークな不協和音が、悲痛を極めたアコースティックに変わっていくことで、静寂と残忍の理論が完成されています。中近東の旋律を取り入れながら、悪夢のような怒号とジャズ的な癒しの交錯に魅惑的なリード・メロディーを配し、フィナーレはこのレコードで2回使用したうちの1回、Lopez のダブルキックが炸裂。
OPETH のライブを一度でも経験していれば、タイトル・トラック “Blackwater Park” が解き放たれた刹那、会場内で起こる現象を思い浮かべることができるでしょう。不協和のギターリードから、ヘッドバンギングの波を引き起こす雷鳴のようなマーチへ。曲の中盤には、混沌と残虐を約束する不気味な間奏が訪れ、最後の強烈なダブルキックとデス・グロウルの降臨。レコードで最も速いテンポを刻んでいきます。

OPETH はサウンド・デザインの第一人者です。二人の巨匠がプログ・メタル世界に持ち込んだサウンド・デザインとは、音楽全体をマクロ的に捉え、それぞれの楽器や音が一つのまとまりとなって成立するという概念。”Blackwater Park” や “Damnation” のようなアルバムが、映画のような別世界のようなクオリティを持っているのはそのためでしょう。楽器やサウンドは、細心の注意を払って選択され、ミックスされます。アルバムのクレジットには「苦心して構想した」という一言が添えられていました。
「ちょっとかっこよく見られたかったんだ (笑)。アーティストは、自分の音楽を世に出すのに苦労していると思われたいんだよね。それにもし、このレコードを『簡単に思いついた』と書いていたら、少し傲慢な印象を与えたかもしれないだろ?
まあ実際のところ、どんなレコードも簡単には作れないものさ。常に一定のプレッシャーとストレスがある。とはいえ、2003年に”Damnation” と “Deliverancet’ の2枚のアルバムを同時に制作したときには悪夢のような出来事があったけど、”Blackwater Park” では約6週間でうまく収まったね」
OPETH はこれまでで最大規模のツアーを開始し、NEVERMORE, AMORPHIS, KATATONIA といった時代の戦友とともに、何週間にもわたって世界を廻りました。プレスのレビューは一様に好意的で、The Village Voice、AllMusic、Exclaim! といった非メタル系のメディアでさえ、このアルバムを大きく賞賛していました。”Blackwater Park” は、そのオーガニックで冒険的なプロダクション、展翅とした楽器編成、卓越したソングライティング、そして残忍さと美しさの完璧なハイブリッドによって、特別な作品であり続けています。
以降 OPETHは、このサウンドを3枚のアルバムでさらに追求することになります。破砕機のように重い”Deliverance”、キャッチーで美しい “Ghost Revelries” 、そして暗く実験的な “Watershed”。しかし、”Blackwater Park” で達成した完璧なバランスを超えることは不可能でした。2010年にリリースされた “Heritage” でバンドが突如方向転換したのは、まさにこの感情が一因となっていました。ある意味、この変化はバンドを救ったとも言えます。”Blackwater Park” の完璧な壮大さと美麗は、例えば “Reign In Blood” を発表した SLAYER のように分岐点であり、もうそれ以上探求不可能な領域なのかも知れませんから。

“Blackwater Park” は重さが感激を与えられること、対比の魔法の素晴らしさ、そして混沌の技術嵐に陥ることなく10分の曲を作ることが可能であることをメタル世界に刻みました。”Still Life” でほのめかした理想は、”Blackwater Park” で実現したのです。
純粋なメタルでなければ聴かないというファンはたくさんいるよね。僕はそれって本当に心が狭いと思う。だから、”Blackwater Park” で達成したかったのは、人々の音楽鑑賞の幅を広げること。僕の場合は、Steven Wilson と一緒に仕事をしたことで、作曲やレコーディングの方法に新たなアプローチが生まれ、音楽的な意味で何が可能なのかをより意識することができたんだ。そして、僕たちに刺激を受けて他の音楽をチェックするようになった多くのファンがいると思いたいんだよね。これは僕にとって非常に重要なことだよ。お説教するつもりはないけど、もし君が一つのタイプの音楽に留まっていたら、多くの世界や景色を見逃していると思うんだ。だから、”Blackwater Park” にメッセージがあるとすれば、それなんだよね」
“Blackwater Park” 完全再現のライブ・コンサートを期待するファンも多いでしょう。
「インストゥルメンタルの “Dirge For November” はステージ上でやるにはちょっと奇妙すぎるかもしれないよね。実際にアルバム全体を順番に演奏するのは…とても難しいなあ。ライブでやると、このアルバムを特別なものにしている神秘性が損なわれるかもしれないしね」

さて、その Mikael と Steven が導火線となったモダン・プログを中心に扱った書籍 PROG MUSIC DISC GUIDE が本日発売となりました。Marunouchi Muzik Magazine 編集長 Sin こと私、夏目進平も執筆で参加しております。弊誌読者様にはかならず訴えかける内容だと思います。お手にとっていただければ幸いです。

http://www.ele-king.net/books/008079/

参考文献:Killyourstereo:Remembering The Bleakness & Beauty Of Opeth’s ‘Blackwater Park’

Consequence of Sound: Opeth Blackwater Park Anniversary

LOUDERSOUND: Story Behind Blackwater Park

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ARCING WIRES : PRIME】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH YUTARO OKUDA OF ARCING WIRES !!

“Definitely Meshuggah Is a Very Important Artist For The Band. I Guess We’re Musicians That Went To ‘Jazz School’ But Still Want To Play Metal As Well So Maybe That Has a Bit To Do With Our Sound.

DISC REVIEW “PRIME”

「バンドにとって MESHUGGAH は非常に重要なアーティストだよ。僕らは “ジャズスクール” に通っていたミュージシャンだけど、メタルもやりたいと思っているから、それが僕らのサウンドに少し関係しているのかもしれないね」
ジャズとメタルを平等に愛し、その融合に成功するミュージシャンは決して多くはありません。ジャンル自体が希少種と言えるジャズメタルの領域において、ARCING WIRES ほど挑戦的で、楽しく、複雑でありながら消化しやすく、美しさに包まれた音楽に出会えることは奇跡でしょう。
「サウンドの一部として、サックスはもちろん、常に多くのエフェクトやプログラミングを取り入れていて、同様に大きな影響を受けたエレクトリック・ギターやベースのトーンとブレンドすることで、ARCING WIRES サウンドの非常に美しい、不可欠な部分を生み出していると僕は思っているよ」
ギター2本、ドラム、ベースというスタンダードなロックのラインアップにサックスを加えることは、もちろん新機軸ではありません。ドイツの伝説 PANZERBALLETT はすでにそのフォーメーションで繊細なジャズダンスと重厚なメタル戦車の完璧な融合を成し遂げています。
たしかに、”The Lizard”, “Catacaustic”, “Blue Steel” のオープニング3曲を聴けば、その比較はそれほど的外れではないと感じるはずです。しかし、同時に “Catacaustic” から放たれるマスロックの軽快さは眩しいほどにブライトで、さらに “Blue Steel” の終盤では、完全に彼ら自身の「声」を見つけ出すことに成功しています。
「HIATUS KAIYOTE は、僕たちが音楽をどう演奏するかってアイデアを形成する上で、非常に大きな影響を受けているね」
日本人である Yutaro Okuda 氏が語るように、開放的な空と海がジャンルの境界を曖昧にするのでしょうか。オーストラリアは近年、HIATUS KAIYOTE, KING GIZZ のような真のごった煮平等主義者を多数輩出しています。そうして、ジャンルからジャンルへと音の虹をかける ARCING WIRES も当然彼らの血を引いています。Art As Catharsis という彼らのレーベルも、現代におけるロックの多様性を追求する完璧なソウルメイト。
事実、”Prime” はメタルのような怒涛のグルーヴ、非常に流暢で熟練したプログレッシブ・ロック、マスロックのブライトな知性、ポスト・ロックの瞑想、アンビエントの静寂、そしてジャズ/フュージョンの魂とメソッドをシームレスに漂うサーフィンのレコード。
その波乗りを、彼らは実に繊細かつ上品にこなしているため、アルバムの基盤を見極めるのは非常に難しく、音の支配者を探し出すこともほぼ不可能。見事なバランス感覚は真の平等主義者にのみ宿ります。
「学生時代に直接影響を受けたのが Mike Rivett の “Digital Seed” というアルバムだったね。当時の僕にとっては、エレクトリック・サウンドとアコースティック・ジャズの音色の融合を初めて耳にしたアルバムだったんだ。素晴らしいよ」
“Arc9” では、ヘヴィネスとエナジーを抑えて煌めきのグルーヴとメロディに集中し、 “Eniargim” では、オリエンタルな雰囲気が導入し異国の風を運びます。何より、”Serotonin” に込められたエレクトリック・ジャズの鼓動は、UKの新たなジャズの波光とシンクロしながら、音楽に本来あるべきポジティブな新鮮さを感情の高まりに重ねてみせたのです。テレキャスやギブソンで紡がれるギターソロの音色も、画一的な現代のそれではなく、個性的な味わいで素晴らしいですね。明らかにキラキラの Djent とは距離を保ち、伝統と感情を全てに織り込んでいますから。
今回弊誌では、Yutaro Okuda 氏にインタビューを行うことができました。「日本のポップ・パンクのカルテット ELLEGARDEN は大好きだったバンドの一つさ。シドニーに住むアジア人の子供として、ある種のステレオタイプが存在していたから、彼らは僕にとって重要な存在だったな。」ANIMALS AS LEADERS 以来の衝撃。どうぞ!!

ARCING WIRES “PRIME” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【EVERGREY : ESCAPE OF THE PHOENIX】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH TOM S. ENGLUND OF EVERGREY !!

“For Me, Personally I Can Only Base It On The Landscapes I Have Outside My House Which Indeed Is an Scandinavian One So If I Managed To Convey That Through The Music, That’s Great.”

DISC REVIEW “ESCAPE OF THE PHOENIX”

「僕にとってただ一つ重要なのは、僕が何を感じるかではなく、君たちが “何か” を感じてくれることなんだ。僕個人としては、自分の家の外に広がる、まさにスカンジナビアの風景に基づいて歌っているだけなんだよ。音楽を通してそれを伝えることができたなら、それは素晴らしいことだよね」
EVERGREY に宿り続けるメランコリー。宿命にも似たその陰は、いつしか退廃的なプログ・メタルの神話として語り継がれてきました。
世界中で数多くのファンが、EVERGREY の威厳に満ちた甘いメランコリーに心を打たれています。彼らのミソロジーを象徴するのが、Tom S. Englund の魂を込めた歌唱、誠実なリリックにあることは明らかでしょう。
「Vikram が EVERGREY の “Missing You” のカバーを演奏している YouTube のビデオを見て、彼のメロディのセンスと演奏へのアプローチの仕方が好きだと思ったんだ。だから彼にメールで、『バンドを始めようよ!』って言ってみたんだよ」
プログ・メタル世界で最大級の賛辞を送られる歌い手は、実にオープン・マインドです。近年、病と戦いながら音楽を続けるアメリカの戦友、Nick van Dyk の力になるため REDEMPTION にも加入していますし、無名だった若きピアニスト Vikram Shankar の才能に惹かれてすぐさま2人だけのプロジェクト SILENT SKIES を立ち上げています。
「僕は David Gilmour から Bruce Dickinsson まで、その間に存在する全てのシンガーに影響を受けているよ。自分は純粋に影響を受けたというよりも、むしろ “インスパイアされた” と思っているんだけどね」
SILENT SKIES のデビュー作 “Satellites” は、鍵盤とストリングスというシンプルな構造により、ボーカリストとしての Tom S. Englund の凄みが最も際立つ作品と言えるのかも知れませんね。
北欧の雪景色をANATHEMA の繊細、恍惚で表現した深く、悲しく、そして美しい音のミルフィーユ。俄然、すぐ後にリリースが決まっていた EVERGREY の “Escape of the Phoenix” にも期待が高まりました。
「僕とって、このアルバムはとてもハングリーでエネルギッシュな作品で、EVERGREY に新しいリスナーをもたらしてくれることは間違いないと感じているよ。つまり、任務完了だ」
25年以上のキャリアを経ても、EVERGREY の情熱と才能の井戸は枯れることを知りません。研ぎ澄まされたメタルのエッジと、儚くも美しい夢幻世界が絶妙なバランスで共存する芸術作品。暗闇の中にモダンな光を宿した直近の3部作を受け継ぎながら、”The Dark Discovery” の生々しさや “In Search of Truth” の情熱へと回帰した温故知新。この10年で翼を広げたアトモスフィアの奇跡を存分に享受して。
シングル曲の “Forever Outsider” と “Eternal Noctarnal” で最新のメタリックな牙とキャッチーな魅力をアピールする一方で、”In Absence Of Sun” の息を呑む情熱、繊細なピアノのフックは明らかにルーツへの回帰を匂わせています。SILENT SKIES の影響か、初期のごとく再び鍵盤に自由が与えられたことで、Tom Englund の哀愁にも磨きがかかります。
「James Labrie とのデュエットはとても素敵なことだったね。まるで僕たち二人だけの空間のような感覚で、一生大切にしたいと思う瞬間だったんだ」
クライマックスは “The Beholder”。自らがプログメタル世界へ飛び込むきっかけとなった DREAM THEATER の歌声との共演。いつしか、ジャンルで最高の評価を分け合うこととなった2人のデュエットは、2人の出自に相応しい思索に耽るような曲調で見事に溶け合っていくのです。
もちろん、EVERGREY のアルバムにバラードは欠かせません。”Stories” と “You From You” の考え抜かれた壮大には思わず息を呑みます。EVERGREY はテクニックで語らない。ギターソロの扇情力がそう物語り、アルバムに込められた希望と喪失、物憂げな内省の精神はこの2曲がミニチュアのように素晴らしく代弁しています。
“Stories” に示現した希望の光は、”Leaden Saint”、そして “Run” へと受け継がれ日の出のように燦々と降り注ぎます。あまりにドラマティックな物語の終焉には、純粋な至福と充実感、再生の喜びが待っていました。もしかすると、これは人類がパンデミックからの復活を遂げる預言者なのかも知れませんね。そうして不死鳥の脱出は、雲を突き刺すような明るい光でフィナーレを迎えるのです。
今回弊誌では、Tom S. Englund にインタビューを行うことができました。「僕がアルバムを「世界」に提供した時点で、それはもう僕のものではないような感じで、実際には世界が作品をどう評価するか、そしてそのアルバムが世の中でどのような位置を占めるかの方が重要だからね」金言です。どうぞ!!

EVERGREY “ESCAPE OF THE PHOENIX” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【TURBULENCE : FRONTAL】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ALAIN IBRAHIM OF TURBULENCE !!

“I Wouldn’t Say That The Lebanese Background Is Reflected Directly In Our Music. Because You Know, Rock And Metal Is Rebel Music, And Growing Up, Listening To Western Music Was Our Escape.”

DISC REVIEW “FRONTAL”

「特に “Metropolis Pt.2” が、バンドメンバー全員に与えた影響は否定できないね。このアルバムを聴いた時はまだティーンエイジャーだったんだけど、それがただプログへの愛を増幅させたんだ。あの名作を初めて聴いた時に感じた気持ちを誰かに感じてもらえれば、それはとても嬉しいことだと思うよ。」
DREAM THEATER の後継者と呼ばれるバンドは十指で足らぬほどに登場し、おそらく大半はその大役を果たせずにいます。とはいえ、プログメタルの感染力が増幅し、世界中で逞しく花開いた21世紀の状況に悲観することはないでしょう。これまでプログやメタルの第三世界と思われていた場所にも、魅惑の新緑が咲き乱れているのですから。現在プログメタルが燃え盛る灼熱の中東、レバノンから現れた TURBULENCE は、ジャンルの地図にどんな足跡を記すのでしょうか?
「レバノン人としてのバックグラウンドが直接、僕らの音楽に反映されているとは言わないけどね。みんなも知っているように、ロックやメタルは反抗的な音楽で、洋楽を聴いて育ってきた僕たちにとって、メタルはある意味そうした母国の文化からの逃げ場になっていたんだからね。」
中東や北アフリカといえば、ORPHANED LAND や MYRATH のオリエンタルでエキゾチックなプログメタルを想像するリスナーも多いでしょう。しかし、TURBULENCE の本質はそこにはありません。例えば、日本でも邦楽と距離を置き洋楽にアイデンティティーを求める音楽ファンが少なからず存在するように、TURBULENCE にとって母国の文化に反抗し自らの個性を確立する手段が西欧のメタルだったのでしょう。
「特に西洋の人たちにとっては中東の音楽はエキゾチックで魅力的なんだよね。純粋に商業的な観点から考えれば、僕たちも間違いなくそちらに惹かれると思うんだよ。でも、今は自分たちの音楽のコンセプトやストーリーを第一に考えて、それを提供したいんだ。」
そうして、DREAM THEATER のカバーバンドからはじまった TURBULENCE は、ただ真っ直ぐに己が信じる純粋無垢なプログメタル道を突き進むことになりました。TURBULANCE とはきっと “Six Degrees of Inner Turbulence” から受け継いだ勲章。2作目となった “Frontal” には、DREAM THEATER をはじめとするプログメタルの偉人にだけ許された “コンセプトアルバム” の誇りと血潮、そしてスケール感が宿っています。
「”Frontal” “前頭葉” は、建設作業員のフィニアス・ゲイジの実話に基づいているんだ。彼は、鉄の棒が頭を完全に貫通し、左 “前頭葉” の大部分が破壊され、永遠に肉体的にも精神的にも変化を残した事故を生き延びた。僕たちは、日常の生活が不測の事態に対していかに脆いのか、そこに焦点を当てたんだ。」
QUEENSRYCHE がいかにも気に入りそうな、人間の強さと弱さを同時に描いたアルバムにはプログメタルの現在、過去、未来すべてが収められています。ほとんどの曲が7分から10分程度、時間をかけたイントロダクション、意味深な歌詞、奇妙なリズムやアイデア、競い合う楽器のダンスにテクニカルな大円団。たしかに、TURBULENCE はプログメタルの家系図にしっくりとハマるパズルのピースです。
「僕たちのサウンドをユニークにしているのは、伝統的なストーリーテリングと現代的なモダンプログのリズムやサウンドを融合させて、限界を押し広げようとしている部分だと思うんだ。」
ただし、その場所にとどまらない第三世界の生命力と包容力は実に偉大で、時折見せるテクノ・ビートやテクニカルなチャグ、djentyなリフリズム、そしてクライマックスで漂う異国の風、オリエンタルメロディーは明らかにジャンルの未来を見据えています。
「それでも、僕らの音楽には、東洋的でオリエンタルな背景から生まれたいくつかの特徴が確実に反映されていると思うな。」
現代的なアトモスフィアを蓄えながら内省と高揚を行き来し、音数で楽曲を破壊する暴挙を許さぬ感情の深み。Ray Alder や Einar Solberg を想起させる Omar El Hajj のソウルフルな歌唱も独自性の構築に一役買っていますし、何よりあの Kevin Moore に薫陶を受けた Mood Yassin の温もりに満ちた鍵盤が絶妙。”Crowbar Case” や “A Place I Go To Hide” の表現力、ダイナミズムはまさに現代の “Awake” でしょう。
そして今回弊誌では、中東の Petrucci こと Alain Ibrahim にインタビューを行うことができました。実に流暢で、ジャジーなフレーズが巧みなギターヒーロー。
「”In The Name of God” はとてもパワフルで時代を超越した楽曲で、個人的には DREAM THEATER 屈指の名曲だと思っているんだ。」P-Vineから3/12にリリースされる日本盤には、DREAM THEATER の大曲カバーがボーナストラックとして収録。どうぞ!!

TURBULENCE “FRONTAL” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【IER : 妖怪】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH IER !!

“Dir en grey Is One Of My Main Influences, And Also One Of My Favourite Bands Ever. They Are Really Original And Creative, But Sadly That Kind Of Japanese Bands Don’t Get Much Attention In The West.”

DISC REVIEW “妖怪”

「アルゼンチンでは、僕の世代の多くの子供たちが日本文化に触れて育っているんだ。90年代はアルゼンチンにグローバリゼーションと新自由主義をもたらした。ケーブルテレビではたくさんのアニメが放送され、いくつかの出版社が多くの漫画の権利を取得し国内で商業化を始めたんだ。90年代後半には、スペイン語でアニメを紹介する雑誌まで出版され、アニメやコスプレの大会も開催されるようになってね。」
まさに地球の裏側、アルゼンチンでこれほどまでに日本文化が花開いているなどと誰が想像したでしょうか。IER の首謀者 Ignacio Elías Rosner は、音楽で日本の怪談を紡ぎその流れを牽引する越境の使者に違いありません。
「怪談に関しては、表現しているテーマの多さに魅了されているんだ。日本人は超自然や死後の世界に対する理解が非常に異なっている。西洋の信仰とのコントラストはとても強く、僕たちを魅了し、同時に怖がらせてくれるんだ。個人的には、それらの民話や伝説、伝統が、僕が好きだったアニメや映画の至る所にあったからこそ、自分の子供時代の一部を代表していると言えるんだ。」
ケーブルテレビで目にしたドラゴンボールや聖闘士星矢、エヴァンゲリヲン。プレイステーションでリリースされるサイレント・ヒルやファイナル・ファンタジーの魅力的ソフトの数々。Ignacio はアルゼンチンに放たれたジャパニーズ・サブカルチャーの虜となり、その場所から日本の音楽や伝統文化、哲学へと歩みを進めていきました。
「怪談の復讐、抑圧、永遠の不幸、孤独、憂鬱、怒り、喪失感、失恋などのテーマは、僕が IER で取り組みたいと思っていたものと同じだった。日本文化に立ち返って、同時に比喩で表現する方法を与えてくれたんだよね。登場人物、状況、行為を通して、僕は多くの感情を外に出すことができ、同時に奇妙で不穏な雰囲気を作り出すことに成功したのさ。」
すべてを Ignacio 一人で収録する IER の J-Horror 四部作は完結へと向かっています。”怪談”、”うずまき”、そして95分の狂気 “妖怪” は壮大なコンセプトの第三幕。アルバムや楽曲タイトルを、漢字を含む日本語で表記する時点で Ignacio の本気と知性が伝わりますが、それ以上に伊藤潤二や日本のホラー映画、怪談を読み込み、分析して音に再現するその異能はある意味常軌を逸しています。
「Dir en grey は大きな影響を受けたバンドの一つで、これまでで一番好きなバンドの一つでもある。彼らは本当に独創的で創造的なんだけど、悲しいかな、この手の日本のバンドは欧米ではあまり注目されていないんだよね。例えば、アルゼンチンではほとんどの人が Dir en grey のことを「アニメ音楽」だと言うだろうから。」
西洋で生まれた恐怖と憂鬱の最高峰、ブラックメタルをプログレッシブに奏でながら、日本の音の葉を織り込む手法こそ Ignacio の語り口。原点である凶暴なカオスは、V系の美学、Dir en grey や Sukekiyo の複雑怪奇、邦画やゲームのサンプリング、伝統芸能のしきたりをカウンターとして絶妙なコントラスト、恐怖のジェットコースターを描き出します。
その情緒に、アルゼンチン由来のラテンやアコースティック、フォーク、スペイン語を重ねた唯一無二は、間違いなく西欧の例えば CANNIBAL CORPSE 的ショックホラーや猟奇よりも、不穏で不気味で奇怪に感じられるはずです。中でも、日本語で皿の数を怒号する “皿屋敷” の恐ろしさは白眉。
今回弊誌では、アルゼンチンのメタル法師 Ignacio にインタビューを行うことができました。「”うずまき” の映画化の監督であるヒグチンスキーは、僕が映画からのサンプルを含む “うずまき” アルバムをリリースした後に連絡してきてね。最初は彼が怒るのかと思ったけど…。それどころか、全然違うんだよ。彼は感激してくれて、法的な問題を避けるために、映画の権利を持っていた映画会社に連絡するのを手伝ってくれたんだ。ありがたいことに、僕は著作権侵害をしていなかったし、ヒグチンスキーは自分のSNSでアルバムをシェアしてくれたんだよ!」 どうぞ!!

IER “妖怪” : 10/10

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