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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【I BUILT THE SKY : THE ZENITH RISE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ROHAN “RO HAN” STEVENSON OF I BUILT THE SKY !!

PHOTO BY Huang Jiale

“To Me It Expresses The Nature Of The Project, Being Free To Create Your Reality I Built The Sky = I Create My World/My Art.”

DISC REVIEW “THE ZENITH RISE”

「僕にとってこの名前は、プロジェクトの本質を表現しているんだ。現実から自由になって、”空を構築する”。つまり、それって自分の世界/芸術を創造するって意味なんだ。
このプロジェクトは、以前僕の考え方だった “努力して作る” よりも、純粋に創造するため始めたものなんだけど、皮肉なことに、今ではフルタイムで取り組んでいるよ。」
“空には限界がないでしょ?” 南半球オーストラリアの天つ空は Rohan “Ro Han” Stevenson の牙城です。そうして大気圏から成層圏、東西南北を所狭しと吹き抜けるギターの風は、流動の旋律を後方へと置き去りにしていきます。
「僕は、空がどれだけ芸術的であるかにもとても惹かれているんだ。様々な色合い、要素、バリエーションがあって、全く同じような空模様になることは2度とない。だからこそ、その一期一会な偶発性を心から楽しんでいるのさ。」
Tosin Abasi, Plini, David Maxim Micic, Misha Mansoor。ある者は衝撃のテクニックを、ある者はリズムの迷宮を、ある者は斬新なトーンを携えて登場したモダンギターの精鋭たちは、弦の誉を別次元へと誘っています。
そんなニッチなインストゥルメンタルワールドにおいて、Ro Han は空という蒼のキャンバスにカラフルな虹音を誰よりも美しく描いていきます。テクニックや複雑性よりもリスナーを惹きつける魔法とは、きっとストーリーを語り景色を投影する能力。彼にはそんな音の詩才や画力が備わっているのです。
「僕は Tosin や Misha と対照的に多くの部分でロックやパンクのヴァイブを保っていると思うんだ。間違いなく、彼らほどギターは上手くないんだけど、それはきっとユニークなセールスポイントだろう。」
BLINK 182, GREENDAY といったポップパンクの遺伝子を色濃く宿したハイテクニックの申し子。”Journey to Aurora” は象徴的ですが、確かに Ro Han の空にはいつだって明快なメロディーが映し出されています。そして、djent のリズミックアクセントを、さながら流れる雲のごとく疾走感へ巧みに結びつけていくのです。
100万回の視聴を記録した “Up Into The Ether” は Ro Han の決意をアップリフティングな旋律に込めた希望の轍。2019年の夏に仕事を辞して I BUILT THE SKY で生きていくと誓った Ro Han。成功しようと失敗しようと後悔を残して生きるよりはましだと訴えます。
一方で、KARNIVOOL, DEAD LETTER CIRCUS を手がけた名プロデューサー、Forrester Savell との共闘、オーストラリアンセンセーションはアルバムによりアトモスフェリックで感傷的な空模様ももたらしました。
ダークで激しい雷鳴のようなタイトルトラック “The Zenith Rise” が晴れ渡ると、レコードはクリーンギターとアコースティックのデリケートでメロウ、時に優しくチャーミングな鮮やかな3つの音風景を残してその幕を閉じます。実際、この偶発性、予想不可能性から生まれるダイナミズムこそ Ro Han の音楽がクラウドコア、天気予報のインストミュージックと例えられる由縁なのでしょう。
今回弊誌では、Rohan “Ro Han” Stevenson にインタビューを行うことができました。「僕は自分でやらなきゃ気が済まないタイプで(コントロールフリークと言う人もいるかもしれないけど)、これが他の人との共同作業から遠ざかっていた原因の一部なんだ。
それはたぶん、僕が強い芸術的なビジョンを持っているからだと思う。自分が何を達成したいのか分かっているような気がするし、外から他の要素を加えても結局最終的な目標から遠ざかるだけだろうから、主に一人で音楽を作っているんだ。」8/5には P-Vine から日本盤もリリース決定!どうぞ!

I BUILT THE SKY “THE ZENITH RISE” : 9.9/10

INTERVIEW WITH ROHAN “RO HAN” STEVENSON

PHOTO BY SAM TAN
Q1: First of all, I had an interview with Jim of Caligula’s Horse recently. He selected “The Zenith Rise” for his recent favorite record, haha. It seems there is a great prog scene in Australia for these 10 years, would you agree?

【ROHAN】: Absolutely !! It’s really exciting to have so many amazing bands and artists living close by, I’ve been lucky to meet and get to know so many and I feel like we are all inspiring each other and supporting each other as we go.

Q1: 先日、CALIGULA’S HORSE の Jim にインタビューを行ったのですが、彼は “The Zenith Rise” を最近のお気に入りに挙げていましたよ。
ここ10年ほどで、オーストラリアには素晴らしいプログシーンが確立されましたね?

【ROHAN】: 間違いないね!!これほど多くの素晴らしいバンドやアーティストが近くに住んでいるんだから、興奮するよね!
僕は幸運なことに、そんな人たちと多く知り合うことができたね。互いにインスパイアし合い、協力し合っているように感じるね。

Q2: So this is the first interview with you. To begin with, could you tell us about yourself? When I first knew you was in bandcamp, about 7, or 8 years ago. I was really attracted by your fantastic name I Built The Sky and your melodic guitar play. What made you choose the beautiful project name?

【ROHAN】: WOW, that’s quite a while, so glad to hear that. So, the name came to me over several months while trying to think of my project name, if you have ever had the experience of making a band name, it’s not easy, everything good seems to be taken so I needed to think long and hard about it. I ended up with ‘I Built the Sky’ which I thought was good, luckily it was free to use. To me it expresses the nature of the project, being free to create your reality I Built The Sky = I Create my world/my art. I began the project purely to create rather than ‘try and make it’ which was my previous mindset, ironically, I am now full time with it.
I am also really drawn to how artistic the sky is, it has so many beautiful colours, elements and variations and nothing you see happens in exactly the same way twice, I really enjoy that about the whole thing.

Q2: あなたをはじめて知ったのは、7, 8年前に Bandcamp を漁っていた時でした。I BUILT THE SKY という美しいプロジェクト名、そしてあなたのメロディックなギターにとても惹かれましたよ。

【ROHAN】: ワオ!随分前だね!嬉しいよ。バンド名を作るのは簡単ではないよ。良い名前はもう全て取られてしまっているような気がするし、じっくりと考える必要があったんだ。最終的には気に入った “I Built the Sky” という名前になったんだけど、運良く誰も使っていなかったんだよ。
僕にとってこの名前は、プロジェクトの本質を表現しているんだ。現実から自由になって、”空を構築する”。つまり、それって自分の世界/芸術を創造するって意味なんだ。このプロジェクトは、以前僕の考え方だった “努力して作る” よりも、純粋に創造するため始めたものなんだけど、皮肉なことに、今ではフルタイムで取り組んでいるよ。
それに僕は、空がどれだけ芸術的であるかにもとても惹かれているんだ。様々な色合い、要素、バリエーションがあって、全く同じような空模様になることは2度とない。だからこそ、その一期一会な偶発性を心から楽しんでいるのさ。

Q3: What inspired you to start playing guitar? Who was your musical hero at that time?

【ROHAN】: I had a really cool guitar teacher Mark Brunott who was such a cool dude, I really just wanted to be like him. I was also super inspired by rock and punk bands early on (still am) bands like Blink 182, Foo Fighters and Greenday were my hero’s that really got me started.

Q3: ギターをはじめたきっかけ、当時のギターヒーローを教えていただけますか?

【ROHAN】: Mark Brunott という実にクールなギターの先生についていたんだ。本当にカッコよくて、僕はただ彼みたいになりたかった。
あとは、今でもそうなんだけど、特にギターを始めころは BLINK 182, FOO FIGHTERS, GREENDAY といったバンドがヒーローでギターをはじめるきっかけだったね。

Q4: You’ve been releasing independent music, DIY way, you’ve been doing everything by yourself since the beginning. What made you so? Is there any plan to collaborate with someone, singer or making a new band?

【ROHAN】: At first it just made the most sense to me, I am very hands on (some might say very controlling) and this is part of what lead me away from working collaboratively with others. I feel like this is due to me having such a strong artistic vision, I feel like I know what I want to achieve and adding other elements to the mix only draws away from my end goal, so I primarily create my music alone for this reason. Lately I have been trying to do more collaborative work because I know how valuable It can be and helps you to create things you could never do alone, you will soon see the results of this I’m sure.

Q4: あなたは I BUILT THE SKY 設立当初から、すべてを一人でこなしてきたわけですよね? DIY ミュージックの達人と言えそうですね?

【ROHAN】: 最初はそのやり方が、僕にとって最も理にかなっていたんだよ。僕は自分でやらなきゃ気が済まないタイプで(コントロールフリークと言う人もいるかもしれないけど)、これが他の人との共同作業から遠ざかっていた原因の一部なんだ。
それはたぶん、僕が強い芸術的なビジョンを持っているからだと思う。自分が何を達成したいのか分かっているような気がするし、外から他の要素を加えても結局最終的な目標から遠ざかるだけだろうから、主に一人で音楽を作っているんだ。
ただ、最近はもっとコラボレーションをしようとしているんだ。それがどれだけ貴重なものになるかも知っているし、一人では決してできないようなものを作ることができるからね。きっとその成果を近々披露できると思うよ。

Q5: Around 2010, lot’s of modern guitar heroes, like Tosin Abasi, Periphery, Sithu Aye, David Maxim Micic, Intervals, Plini and you appeared into the scene. Compared with these new talents, what’s your selling point?

【ROHAN】: I feel like I have a very Rock/Punk vibe for the most part as opposed to a lot of other artists who I get compared to, I’m definitely not as good at guitar, so maybe that’s my unique selling point haha

Q5: 2010年あたりから、Tosin Abasi, PERIPHERY, INTERVALS, Sithu Aye, David Maxim Micic, Plini といったモダンギターヒーローが台頭してきました。
彼らと比較して、あなたのセールスポイントはどのあたりだと思いますか?

【ROHAN】: 君が挙げたようなアーティストと比較して、僕は彼らと対照的に多くの部分でロックやパンクのヴァイブを保っていると思うんだ。間違いなく、彼らほどギターは上手くないんだけど、それはきっとユニークなセールスポイントだろうな (笑)

Q6: I really love your words “The way you play and your tone will transcend gear” . That’s true, one of the most emotional instrumental record “The Zenith Rise” is definitely proof of that. But also, we’d love to know about your favorite guitar and gears. Could you tell us?

【ROHAN】: I recently was able to get myself 2 Kiesel Delos guitars that I had fitted with Bare Knuckle Pickups. These are now my two favourite electric guitars. I used my Kiesel CT6 on the album, but live I’ve been favouring the Delos models. They sound easily as good as the CT’s but they are very light and very comfortable to play. I really like the traditional Strat style shape too. I also recently got a very cool Maton Fyrbyrd guitar which was made in 1963, I have an appreciation for vintage guitars especially Maton’s (Australian Made) Sometimes I write on it just for fun, but it’s not something I’d use to perform on.

Q6: あなたの、”プレイやトーンは機材に左右されない” という言葉が大好きですよ。実際、エモーション極まる “The Zenith Rise” はその確固たる証拠だと思います。
それでも、あなたのお気に入りの機材を知っておきたいのですが?

【ROHAN】: 最近、Kiesel Delos ギターを2本手に入れたんだ。Bare knuckle Pickup を搭載したね。それが今のお気に入りだよ。アルバムでは Kiesel CT6 を使用したんだけどね。でもライブでは Delos を好んで使っているよ。サウンドが CT くらい良いのに、とても軽くて快適にプレイできるからね。
あとは、トラディショナルなストラトシェイプも大好きなんだ。最近、最高にクールな Maton Fyrbyrd のギターを手に入れたんだけど、1963年に作られたものなんだよ。ヴィンテージギターは素晴らしいね。特にオーストラリアで作られた Maton のものは。
ときどき、ただ楽しむためにこれで作曲するんだけど、さすがにライブでは使えないね。

Q7: You know, Forrester Savell (Karnivool, Dead Letter Circus, Skyharbor, Sikth) was on board in this record. Definitely, his appearance made your record more dynamic, more atmospheric. This is a perfect Aussie combination, would you agree?

【ROHAN】: 100% He was so awesome to work with and we were able to do the whole thing via emails. I think he really nailed the sound I wanted and made the songs as good as they could be, you’ll be hearing more from us soon.

Q7: KARNIVOOL, DEAD LETTER CIRCUS を手がける Forrester Savell がプロデュースを担当したことで、よりダイナミックでアトモスフェリックなレコードに仕上がったように感じますが?

【ROHAN】: 間違いないね!すべてをメールでやり取りしたんだけど、彼と働くのは素晴らしいね!僕の求めていたサウンドを創造してくれたし、できる限り最高の楽曲に仕上げてくれたから。次の彼とのコラボレーションはすぐ届けられると思うよ。

Q8: So, Australia is not so far from Japan. Are you interested in our culture, Anime, and video games?

【ROHAN】: I really want to know more about it, I definitely get caught up in my responsibilities with IBTS, but that’s why touring is (was) such an amazing experience. I love learning about new places and cultures and Japan is thoroughly on my list of places to visit and perform. Unfortunately, I am not much of a gamer, I did used to love doing it, but music took my focus early on.

Q8: オーストラリアから日本はそんなに離れていませんが、私たちのアートや文化に興味はありますか?

【ROHAN】: 本当にもっと知りたいと思っているんだ。僕は I BUILT THE SKY としての責任を負っているから、だからこそツアーは素晴らしい経験になるはずなんだ。僕は新しい場所や文化を学ぶのが大好きで、日本は完全にプレイしたい国のリストに入っているよ。
残念ながら、僕は今あまりゲームをしないんだ。以前はゲームが大好きだったけど、もう音楽に集中しているからね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED RO HAN’S LIFE

SUNK LOTO “BETWEEN BIRTH AND DEATH”

KARNIVOOL “THEMATA”

ELLIOT SMITH “EITHER/OR”

BLINK 182 “ENEMA OF THE STATE”

MOTORACE “SHOOT THIS”

MESSAGE FOR JAPAN

Japan !!! Thanks so much for supporting me and my music, I’m looking forward to visiting and meeting you all when the time comes. Stay Metal !!

僕と僕の音楽をサポートしてくれてありがとう!いつか君たちの国でプレイするのを楽しみにしているよ。Stay Metal!!

Rohan “Ro Han” Stevenson

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【STATIC-X : PROJECT REGENERATION VOL.1】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH Xer0 OF STATIC-X !!

“I Don’t Want My Face To Be The Face Of Static-X. That Seems Very Wrong. I Don’t Want My Name To Be At The Center. Xer0 Is a Figure, a Character, An Entity. I Believe That This Serves Static-X The Best. My Goal Has Always Been To Do What Is Best For Static-X.”

DISC REVIEW “PROJECT REGENERATION VOL.1”

「このアルバムが実際に出るまで、誰も STATIC-X を2020年に蘇らせることが可能だなんて思ってもいなかったよね。だけど実際、その不可能が実現したんだよ。」
悲劇の灰から立ち昇る再生の紫煙。予期せぬ喪失に吹き込まれる新たな生命。インダストリアルメタルに革命をもたらした20年の後、STATIC-X は Wayne Static の悲劇的な死とともに、永遠の沈黙に包まれる運命だと誰もが思っていました。
しかし、傑作 “Wisconsin Death Trip” を創成したオリジナルメンバーの団結、Wayne Static の遺した遺産、そして Xer0 という Wayne の魂を宿す亡霊によって、STATIC-X は Nu-metal/インダストリアルメタルの象徴に恥じない新たな一歩を踏み出したのです。
「僕の顔が STATIC-X の顔になるのは嫌だったからね。それは途方もなく間違ったことに思えたよ。自分の名前を中心にしたくないんだ。Xer0 は姿であり、キャラクターであり、存在である。 それが一番 STATIC-X のためになると思っているんだよ。僕の目標は常に STATIC-X にベストなことをすることなんだ。」
この世から姿を消したにもかかわらず、STATIC-X は今でも Wayne Static のプロジェクトであることは明らかです。それほどまでに、彼のビッグロックボイスとインダストリアルエナジー、そして重力に逆らったヘアスタイルのカリスマ性は際立っていました。
実際、SLIPKNOT, SYSTEM OF A DOWN, KORN, COAL CHAMBER といったメタルの新たな波が台頭し花開いた90年代後半、インダストリアルを基調にヘヴィーなディスコトリップを展開する STATIC-X の “Evil Disco” は完膚なきまでにあの時流へ符号していました。
そして、個性際立つ Nu-metal サーカスの中でも、フレディー・クルーガーの出で立ちで逆重力ヘアを纏い、映画と漫画のキャラクターを行き来しながら、共産主義から薬物乱用まで吐き綴る Wayne の存在感は遂に “Wisconsin Death Trip” のセールスをミリオンにまで導いたのです。
ゆえに、プロデューサー、パフォーマー、そして伝説の声を補う存在としてバンドに加わった Xer0 は文字通り、自らの存在感をゼロとして Wayne のマスクを被り STATIC-X の一部分に成りきりました。
「1999年の、STATIC-X お馴染みのビジュアル的な存在感を表現したかったんだよ。だからこそ毎晩スパイクヘアにしたんだ。ファンには、1999年に戻ったかのような、邪悪で斬新なタイムワープをしているような気分になってもらいたかったんだよ。そのためには、僕の “顔がない” ことがどうしても必要だったんだ。」
傑作の20周年を祝う旅路を終えた後、STATIC-X は “Project Regeneration Vol.1” と名付けられたプロジェクトに着手し、万難を排して新たなアルバムを世界へと放ちました。それはまさしく “再生” の道程。
Wayne の遺したデモテープを発掘し、Xer0 の声と手術でボーカルラインを繋ぎ、Tony, Ken, Koichi の偉大なトライアングラーは新たにレコーディングを行い楽曲に命を吹き込みます。完成したレコードは、当然ながらパッチワークの域を超えたノスタルジーとエナジーのダイナミックな泉でした。
チャンキーでメソジカルなビート、不気味なダウンチューンに近年再評価を受けつつあるアグロテック。MINISTRY の Al Jourgensen まで巻き込んで、これほどダンスとヘッドバンキングを両立させる音世界は彼らにしか作り得ない魔窟でしょう。Nu-Metal のダークサイドを投影した邪悪で斬新なディスコの復活です。
「多くの人が知っていると思っていると思うけど、実際には誰も何も「知っている」人はいないんだよ。憶測はたくさんあるけど、僕はそのどれにも興味は無いよ。もし僕が自分の正体を明かすことに決めたら、自分のやり方でそうするだろうね。自分がその権利を得たと信じているから。」
今回弊誌では、Xer0 にインタビューを行うことができました。一部では DOPE の鬼才 Edsel Dope ではないかとも囁かれていますが、どうなんでしょう。「Wayne は僕の友人だった。そして何より、アーティストとして、僕が信じられないほどのリスペクトを捧げている人物さ。」 どうぞ!!

STATIC-X “PROJECT REGENERATION VOL.1”: 9.9/10

INTERVIEW WITH Xer0

Q1: First of all, When you were asked to join this band, did you decide from the start to take on this huge task?

【Xer0】: To be honest, I was never actually asked to join the band. As a producer and an old friend to the band, I offered to help with going through the old tracks and tapes, and to help establish a plan and to help identify what I thought would be possible. Everything after that just sort of fell into place and progressed very naturally. I hate to sound corny, but it was all just meant to be.

Q1: まず STATIC-X 加入を持ちかけられた時、すぐこの大きな仕事を引き受けることを決めたのでしょうか?

【Xer0】: 正直に言うけど、バンドに加わって欲しいと頼まれたことはないんだよ。プロデューサー、そしてバンドの古い友人として、僕は古いトラックやテープを調べたり、計画を立てたり、これから可能だと思ったことの判別を手伝うことを申し出たんだ。
その後、すべては収まるべき場所に収まり、とても自然に進んでいったね。陳腐に聞こえるのは嫌だけど、全てはそうなる運命だったのさ。

Q2: I’m sure a lot of fans know who you are, but you and Static-X have always been good friends, right? As the same musician, what did you think of them at that time?

【Xer0】: I’m sure that allot of people think that they know but I’m quite certain that nobody actually “Knows” anything. There is allot of speculation, but I’m not interested in any of that. If I ever decide to reveal my identity, I’ll do it on my own terms. I believe that I’ve earned that right. I’ve been as humble as I know how to be. I’ve insisted on keeping the focus on the 4 guys that started this band, while other people try so hard to make it about me. It’s kind of crazy. Most people in my position would be very quick to want to show their face and raise their own profile and bask in the attention. I’ve done the opposite and I wish people would respect my decision to keep the focus on the 4 guys that started the band.

Q2: 多くのファンはあなたの正体を知っていると思いますが…

【Xer0】: 多くの人が知っていると思っていると思うけど、実際には誰も何も「知っている」人はいないんだよ。憶測はたくさんあるけど、僕はそのどれにも興味は無いよ。もし僕が自分の正体を明かすことに決めたら、自分のやり方でそうするだろうね。
自分がその権利を得たと信じているから。僕は自分の知っている限り、謙虚であり続けてきたからね。メディアが僕のことを取り上げようと必死になっている間も、僕はこのバンドを始めた4人に焦点が当たるようやり続けてきた。
狂気の沙汰だよ。 僕の立場ならほとんどの人たちは、自分の顔を見せて、自分の知名度を上げ注目を浴びようとするのが普通だと思うんだ。 僕はその反対のことをしてきたし、バンドを始めた4人に焦点を当て続けるという僕の決断を尊重してくれたらいいなと思っているんだ。

Q3: So, what’s Wayne to you? Are you his replacement? Substitute? Or something else?

【Xer0】: He was my friend. He’s also someone that I have incredible respect for as an artist.

Q3: では、あなたにとって Wayne Static とはどういう存在ですか?

【Xer0】: 彼は僕の友人だった。そして何より、アーティストとして、僕が信じられないほどのリスペクトを捧げている人物さ。

Q4: Why do you wear a mask and call yourself Xer0 in Static-X?

【Xer0】: Wayne was not only the singer for Static-X, he was also kind of like the bands mascot. The hair is the first thing that people think of with Static-X. We were celebrating the 20th anniversary of Wisconsin Death Trip, so, for me, I just wanted to give people a Wisconsin Death Trip experience and I wanted to keep the focus on the 4 dudes that started the band . I wanted to be representing the familiar visual presence of Static-X from 1999; that’s why I spiked my hair up each night. I wanted the fans to feel like they were entering into some sort of wicked, futuristic time warp back to 1999. My being faceless was totally necessary for that.
I don’t want my face to be the face of Static-X. that seems very wrong. I don’t want my name to be at the center. Xer0 is a figure, a character, an entity. I believe that this serves Static-X the best. My goal has always been to do what is best for Static-X.

Q4: STATIC-X では、マスクを装着して、Xer0 と名乗っていますね?

【Xer0】: Wayne は STATIC-X のボーカルであるだけでなく、バンドのマスコットのような存在でもあった。だって STATIC-X といえば、あの髪型が真っ先に思い浮かぶよね。僕たちは “Wisconsin Death Trip” の20周年を祝っていたから、僕としてはあのアルバムを体験してもらいたかったし、バンドを始めた4人にこそ焦点を当てたかったんだ。
だから1999年の、STATIC-X お馴染みのビジュアル的な存在感を表現したかったんだよ。だからこそ毎晩スパイクヘアにしたんだ。ファンには、1999年に戻ったかのような、邪悪で斬新なタイムワープをしているような気分になってもらいたかったんだよ。そのためには、僕の “顔がない” ことがどうしても必要だったんだ。
僕の顔が STATIC-X の顔になるのは嫌だったからね。それは途方もなく間違ったことに思えたよ。自分の名前を中心にしたくないんだ。Xer0 は姿であり、キャラクターであり、存在である。それが一番 STATIC-X のためになると思っているんだよ。僕の目標は常に STATIC-X にベストなことをすることなんだ。

Q5: Musically, “Project Regeneration Vol.1” reminds me of Static-X early days like “Wisconsin Death Trip”, but also it’s partly a modern update, right? Literally, this record is “Regeneration” of “evil disco”, would you agree?

【Xer0】: Yea, absolutely. Before all of this, nobody would have ever thought it would be possible for Static-X to be alive and thriving in 2020, but that is exactly what has happened.

Q5: 音楽的に “Project Regeneration Vol.1” は、その “Wisconsin Death Trip” が象徴するバンド初期の “Evil Disco” を現代にアップデートしたような作品ですよね?

【Xer0】: うん、間違いないね。このアルバムが実際に出るまで、誰も STATIC-X を2020年に蘇らせることが可能だなんて思ってもいなかったよね。だけど実際、その不可能が実現したんだよ。

Q6: How did you feel about sharing the vocal part with the late Wayne?

【Xer0】: I feel great about it. it was a tremendous amount of work.
I produced this album from start to finish; I extracted Wayne’s vocals from the damaged tapes, I pieced all of it together and I agonized over the details, while filling the missing gaps with my own voice.
This process was way harder than people can probably really imagine; the Wayne vocals were not from high quality demos that we were just waiting to be mixed. This stuff was a fucking mess.
The project really needed a hybrid producer / creative person like myself in order to help evolve, so much of what we had was incomplete. You couldn’t ask for that energy to come from Tony or Ken or Koichi because their roles have already been clearly defined, and you don’t want to mess with that chemistry. I knew that it was gonna be a crazy challenge but had a tremendous drive and passion for the challenge, and I just began to develop a clear vision for how we could grow this from a conceptualization and into reality. There is no blueprint for something like this and I’d say that 99 times out of 100, this project would have missed the mark on multiple levels, but once Tony and I aligned, we knew that we were willing to do whatever it took and that we would spend as much time and energy that was necessary to be sure that our vision for this became that 1% that we could all be proud of.

Q6: 亡き Wayne とボーカルを分け合うことについては、どう感じましたか?

【Xer0】: 素晴らしい気分だよ。とてつもない量の仕事だったんだ。破損したテープから Wayne のボーカルを抽出し、細かい部分を苦悩しながら全てを繋いでいき、足りない部分を自分の声で埋めていったんだ。
Wayne のボーカルは、ミックスされるのを待っていただけの高品質なデモではなかったからね。この作業は人が想像している以上に大変だったんだよ。
このプロジェクトが進化するためには、僕のようなハイブリッドなプロデューサーでクリエイティブな人間が必要だった。Tony や Ken や Koichi にエネルギーを求めることはできなかったからね。彼らの役割はすでに明確に定義されていたから。それにあのケミストリーに干渉するわけにはいかないだろう?
僕はこれがクレイジーな挑戦になることはわかっていたけど、とてつもない意欲と情熱を持っていたんだ。それにこのコンセプトを実現するためのクリアなビジョンも育ち始めていた。青写真なんてないし、100回のうち99回は様々な面で失敗するようなプロジェクトだろう。
それでも、Tony と僕が一致団結すれば、必要なだけの時間とエネルギーを費やして、どんなことでも挑戦しこなせるとわかっていたからね。僕たちのビジョンが、全員が誇れるような残りの1%になるためにね。

Q7: In recent years, Nu-metal has been re-evaluated, and Static-X has been mostly classified as Nu-metal. What do you think about this re-evaluated movement?

【Xer0】: What comes around, goes around; I’m glad that it’s got some new life and new love. There is something to be said about simplicity. I think that’s a big part of what made Nu metal work.

Q7: Nu-metal の再評価が近年進んでいますよね。STATIC-X も Nu-metal に分類されることが多かったと思いますが。

【Xer0】: 流行りは巡るものだよ。Nu-metal が新しい命と新しい愛を手に入れたことが嬉しいんだ。
シンプルであることこそがその秘訣だろう。それが Nu-metal を機能させる大きな要因だと思う。

Q8: What do you think of Koichi Fukuda’s talent? He is Japanese, but he seems to be more famous and appreciated abroad than in Japan.

【Xer0】: He’s incredible; Koichi is such a big part of the evil disco sound. His programming is legendary and he is an amazing guitarist and also a classically trained pianist. Amazing artist; amazing human being. I’m very honored to work with him.

Q8: Koichi Fukuda の才能についてはどう思っていますか?
彼は日本でよりも、むしろ海外で高く評価されているように感じますが…

【Xer0】: 彼は驚異的だよ。Koichi こそが “Evil Disco” サウンドの大部分を生み出しているのさ。彼のプログラミングは伝説的だし、素晴らしいギタリストでもある。
そして、クラッシックの教育を受けたピアニストでもあるんだから。最高のアーティストで最高の人間さ。彼と一緒にやれてとても光栄だよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED Xer0’S LIFE

KISS “ROCK ‘N ROLL OVER”

MOTREY CRUE “SHOUT AT THE DEVIL”

NIRVANA “NEVERMIND”

MINISTRY “THE MIND IS A TERRIBLE THING TO TASTE”

DOPE “FELONS & REVOLUTIONARIES”

MESSAGE FOR JAPAN

I really hope that we can get over there too play some shows sometime. ‘I’ve enjoyed my times in Japan immensely; incredible people, incredible food, amazing culture!!I love japan! Also, You should do an interview with Koichi!

いつか STATIC-X で日本でプレイしたいと心から望むよ。僕が日本に行った時は本当に楽しめたんだ。素晴らしい人々、素晴らしい食事、素晴らしい文化!!日本が大好きさ!
あと、君は Koichi にもインタビューした方がいいよ!!

Xer0

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ULTHAR : PROVIDENCE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SHELBY LERMO OF ULTHAR !!

“None Of Our Lyrics Are Actually About H.P. Lovecraft, To Call The Album That Too. I Think There’s a Little Bit Of Lovecraft Influence In The Patterns Of Our Lyrics, But At This Point, I Think People Kind Of Assume We Are This “Lovecraft Band”, When Really, We Don’t Have That Much Attachment.”

DISC REVIEW “PROVIDENCE”

「ある意味面白いよね。だって僕たちの歌詞は、アルバムにしたって Lovecraft についてのものはないんだから。歌詞のパターンに少し Lovecraft の影響があるかもしれないけど、みんなが僕らを “ラブクラフトバンド” と確信しているのは驚きだよ。」
名状し難きアートワーク、著作 “The Cats of Ulthar”, 出身地 “Providence”。点と点を結び合せ、誰もが “ラヴクラフトメタル” の新境地と心躍らせた ULTHAR。しかし、ギタリスト Shelby Lermo はバンドとラヴクラフトの密接な繋がりを否定してみせました。それは、文豪が心に秘めた真なるホラー、人間の偏見や差別こそが狂気の最高峰という想いに奇しくもシンクロした結果なのかもしれません。
MASTERY, VASTUM, MUTILATION RITES。カルトでカオスなブラック/デスメタルの異能が集結した ULTHAR が、シーンの注目を集めたのはある種の必然と言えました。何より、2018年のデビュー作 “Cosmovore” には、野生的で生々しく、しかしメロディックかつテクニカルな “ブラッケンドデスメタル” の魅力が存分に注入されていましたから。
特筆すべきは、伝統と実験性の巧みなバランスが彼らの異端を現実という鏡に映し出している点でしょう。複雑怪奇を極めながら耳に馴染む絶佳の宇宙。さながら百鬼夜行のような 20 Back Spin レーベルにおいても、ULTHAR の奇妙は現実に根ざしていて、じわじわと冷や汗が吹き出すようなサイコホラーを演出しています。
「審美的に、僕たちの音楽にとてもマッチしているのは確かだよ。グロテスクで、煩雑で、複雑で、奇妙だよね。」
そうしてカオスとアトモスフィアをより深く探求し、ホラー映画のメタルを突き詰めた進化の一枚こそ最新作 “Providence” でしょう。一切妥協を許さない成功緻密な凶美のカバーアートは、アルバムの音の葉を厳かに暗示しています。
ULTHAR の三者がシンセやエフェクト、エレクトロニックなアプローチに障壁を築かなかったことも、メタルのホラー映画をよりシネマティックでドラマティックな狂気へと近づけました。不吉極まるアンビエンスとエイリアンの蠢きに端を発する “Through Downward Dynasties” を聴けば、ANAAL NATHRAKH のクロスオーバーな遺伝子を着実に受け継いだ地獄の蜃気楼を目にするはずです。
“Undying Spear” はより鮮明にラブクラフトの情景を宿します。得体の知れないグロテスクな毒ほど人の心を惹きつけます。仏教的な諸行無常の響きを忍ばせたアルバムで、中央アジアの喉歌をイントロに抱く楽曲は、神秘と怪奇を壮大なエピックとして描き出していきます。
テクニカルかつプログレッシブなアコースティックの死の舞踏、おどろおどろしいファンファーレ、ブラッケンドデスメタルの猛攻、ドゥームの奈落。あまりに絶対的な不死の武具は、絶え間なくその姿を変えながらただリスナーの胸を貫いて不吉な場所に制止し続けるのです。
GORGUTS から DEATH へと病巣が移り行くリフマッドネスの中、シアトリカルなボーカルの奔放で狂った天啓を導く “Providence”、CELTIC FROST と MAYHEM の凶暴なキメラ “Furnace Hibernation” と、混沌や残虐、変拍子に不協和音さえ魂を揺さぶり記憶に残る ULTHAR の台本はすでに “真なるホラー” の領域に達しているはずです。
今回弊誌では、Shelby Lermo にインタビューを行うことが出来ました。「明らかにブラックメタルやデスメタルのサウンドは多いから、それが関連しているんだろうな。でも、他にもたくさんの要素があるんだ。 全体として、僕らは ULTHAR のように聞こえるだけだと思うんだけど、人々はラベルを付ける必要があるし、”ブラッケンドデスメタル “というのは一定の効果があると思うよ。」 どうぞ!!

ULTHAR “PROVIDENCE” : 9.9/10

INTERVIEW WITH SHELBY LERMO

Q1: First of all, it’s really hard time now due to corona virus, especially musical industry. And recently, BLM movement is spreading from US. What’s your thoughts on the current US or global situation?

【SHELBY】: It’s fucking crazy. But in a way, we’re lucky a global pandemic didn’t happen earlier. We’ve been destroying the planet and each other for so long, we were overdue. The BLM movement is inspiring, it’s too bad it came so late. I feel like America is already fucked, there’s not any chance for redemption.

Q1: アメリカ、ひいては世界はコロナ禍から BLM と激動の時を迎えていますね?

【SHELBY】: 本当にクレイジーだよね。だけどある意味、これまで世界的なパンデミックが起きなかったのがラッキーだったのかもしれないよね。だって僕たちはこの地球を壊し続けてきたからね。僕たちは限界を超えてしまったんだ。
BLM ムーブメントにはインスパイアされるよ。起こるのが遅すぎたムーブメントだよね。僕はもうアメリカはダメだと思う。贖罪のチャンスはないね。

Q2: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about the band and yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【SHELBY】: I’m 41 years old, the oldest guy in Ulthar. I grew up listening to punk first, then moved on to metal in the mid 90’s. Death metal has always been my preference, Steve and Justin gravitate a little more toward black metal I think. I moved to San Francisco around 2005, and started Ulthar after moving to Oakland around 2014.

Q2: 本誌初登場です。まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか?

【SHELBY】: 僕は今41歳で、ULTHAR で一番年上なんだ。だからまずパンクを聴いて育ち、それから90年代の中盤にメタルを聴くようになったね。僕にとっては、デスメタルがいつも一番だった。Steve と Justin はもうちょっとブラックメタルに惹かれていると思うね。
2005年にサンフランシスコに引っ越して、それから2014年にオークランドへ引っ越した。ULTHAR を始めたのはその時だよ。

Q3: Mutilation Rites, Mastery, Vastum. Ulthar is kind of a super group of extreme metal. How did it come to be?

【SHELBY】: Pretty simple story. I knew Justin, our drummer, through booking shows and stuff with his band Mutilation Rites. I knew their bass player Laurie, who was a previous resident of San Francisco. Anyways, Justin moved out to the Bay Area, and I just knew we should play music together. We did, and shortly after added Steve on bass, who I knew from his other band, Pale Chalice. It was the right fit, and we wrote and recorded our first demo not long after that.

Q3: MUTILATION RITES, MASTERY, VASTUM。ULTHAR はカルトなエクストリームメタルのスーパーグループとも言えますね。どのような経緯で結成に至ったんでしょうか?

【SHELBY】: とても単純なストーリーさ。僕はドラマーの Justin を前から知っていてね。彼のバンド MUTILATION RITES のブッキングやスタッフを通してね。ベーシストの Laurie が以前サンフランシスコに住んでいて知り合いだったんだ。
とにかく、Justin がベイエリアに越してきたとき、何か一緒にやるべきだと思ったわけさ。そのあと、すぐにベーシストの Steve が加入したよ。PALE CHALICE の活動を通して知っていたからね。素晴らしくフィットしたから、すぐにデモを制作したわけさ。

Q4: It seems you took your name from H.P. Lovecraft’s short story “The Cats of Ulthar”. And your newest record “Providence” is named for Lovecraft’s hometown, right? Why are you so attracted to lovecraft and mix it to metal?

【SHELBY】: “Providence”isn’t actually named after Lovecraft’s hometown, it’s kind of a joke. Like the song itself is about the idea of “providence”, or protection by God. I thought it would be kind of funny, because none of our lyrics are actually about H.P. Lovecraft, to call the album that too. I think there’s a little bit of Lovecraft influence in the patterns of our lyrics, but at this point, I think people kind of assume we are this “Lovecraft band”, when really, we don’t have that much attachment. We mostly picked the name “Ulthar” because, at the time, there were no other band s that had used it (there are now).

Q4: バンド名 ULTHAR は H.P. Lovecraft の物語 “The Cats of Ulthar” からとったものですよね? さらに最新作 “Providence” は、Lovecraft の故郷でもありますが?

【SHELBY】: 実は、”Providence” は Lovecraft の故郷に因んだわけではないんだよ。ちょっとしたジョークなんだ。あの楽曲自体が、”Providence” “天意” とか、神に守られることを基にしているんだ。
ある意味面白いよね。だって僕たちの歌詞は、アルバムにしたって Lovecraft についてのものはないんだから。歌詞のパターンに少し Lovecraft の影響があるかもしれないけど、みんなが僕らを “ラヴクラフトバンド” と確信しているのは驚きだよ。実際は、そんなに関係ないんだから。
ULTHAR って名前だって、あの時その名を使っているバンドがいなかったから選んだだけなんだ。

Q5: The artwork of “Providence” is really ominous but beautiful. Does it relate to the concept or lyrical themes of this record?

【SHELBY】: Not really. The art was pre-existing, and we licensed it from the artist. I feel like aesthetically it matches the music well, it’s grotesque, busy, complicated, weird. But besides that there are no real connections between the lyrics and artistic themes.

Q5: 不気味でしかしとても美しいアートワークですね。レコードの歌詞やコンセプトと関連しているのでしょうか?

【SHELBY】: どうなんだろうね。アートワークは以前から存在し、僕たちはアーティストからライセンスを買ったんだよ。
審美的に、僕たちの音楽にとてもマッチしているのは確かだよ。グロテスクで、煩雑で、複雑で、奇妙だよね。ただ、歌詞のテーマと直接繋がっているわけではないのさ。

Q6: It’s definitely raw and aggressive but also melodic and technical record to date. And I feel it becomes more “horror film” metal with foreboding ambiance and effects. Aesthetically and musically, how do you expand your sonic territory from your previous record “Cosmovore”?

【SHELBY】: I think it was a very natural progression. For the demo and the recording of the first album, Ulthar was a side-project for all of us, not our main focus as far as songwriting goes. So the band wasn’t getting the attention it deserved from us, I guess. We didn’t have the deal with 20 Buck Spin while we were recording “Cosmovore”, so we didn’t know who, if anyone, was going to put it out. Things got pretty crazy after they picked it up, and we followed the release of the album with a full US tour and a couple shorter tours. So the band got pretty serious pretty quick.”Providence” is just a reflection of that. That Ulthar is now our main thing, that more focus and more creative energy is flowing into the band.
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Q6: 生々しい攻撃性を保ちつつ、実にメロディックでテクニカルな作品に仕上がりましたね?エフェクトやアンビエンスを伴って、以前よりも “ホラー映画” のメタル感が増しているように感じました。

【SHELBY】: とても自然な流れだったと思うよ。 デモやファーストアルバムのレコーディングでは、ULTHAR は僕ら全員のサイドプロジェクトで、ソングライティングに関してはメインの目的ではなかったんだ。だから、バンドは僕らにふさわしい注目を得られていなかったんだと思う。
“Cosmovore” をレコーディングしている間は 20 Buck Spin との契約がなかったから、誰が作品を出してくれるのかわからなかったんだ。彼らとの契約を手に入れた後は、かなりクレイジーに状況が変わり、アルバムのリリース後にはアメリカでのフルツアーと、いくつかの短いツアーを行ったんだよ。
“Providence” はそのことを反映したものだよ。ULTHAR が今の僕らのメインになって、より集中しているから、創造的なエネルギーが一層バンドに流れ込んできているんだ。

Q7: From Mayhem to Celtic Frost, “Providence” is kind of melting pot of extreme metal. Among them, it seems Death, Gorguts, Demigod, Convulsed, and Demilich influences are in the center of this record. You are often called as Blackend death metal. Do you feel comfortable about that tag?

【SHELBY】: I think that’s about as close as you can get. There’s obviously a lot of black metal and death metal in the sound, so that is the reference point. But there’s a lot of other shit in there too. All in all, I Think we just sound like Ulthar, but people need to attach labels, and I guess “blackened death metal” works.

Q7: MAYHEM から CELTIC FROST まで、”Providence” はエクストリームメタルのメルティングポットとも言えそうですね。そんな中でも、DEATH, GORGUTS, CONVULSED, DEMILICH といったバンドの影響が中央に位置しているよう感じました。
よくバンドが称される、ブラッケンドデスメタルのタグは的を得ているのでしょうか?

【SHELBY】: 非常に近いとは思うよ。明らかにブラックメタルやデスメタルのサウンドは多いから、それが関連しているんだろうな。でも、他にもたくさんの要素があるんだ。
全体として、僕らは ULTHAR のように聞こえるだけだと思うんだけど、人々はラベルを付ける必要があるし、”ブラッケンドデスメタル “というのは一定の効果があると思うよ。

Q8: 20 Buck Spin is one of the most exciting metal label now. Among the roster, are there any bands you empathize with?

【SHELBY】: I really like the new Voidceremony, and kind of the the weirder stuff on the label.

Q8: その 20 Buck Spin ですが、現在最もエキサイティングなメタルレーベルの一つでしょうね。ロースターで共感を覚えるバンドはいますか?

【SHELBY】: 新しい VOIDCEREMONY のアルバムが本当に好きなんだ。あれはこのレーベルでも最も変わった作品の一つだよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED SHELBY’S LIFE

CANNIBAL CORPSE “BUTCHERERD AT BIRTH”

DEICIDE “LEGION”

“GUMMO” SOUNDTRACK

DISSECTION “STORM OF THE LIGHT’S BANE”

DEFEATED SANITY “CHAPTERS OF REPUGNANCE”

MESSAGE FOR JAPAN

Hang in there, stay healthy, be nice to each other. Ulthar hopes to come visit someday!

Stay Healthy! 互いに優しくあろう。ULTHAR はいつか日本に行きたいよ!

SHELBY LERMO

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20 BUCK SPIN

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PYRRHON : ABSCESS TIME】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DOUG MOORE OF PYRRHON !!

“A Good First Step In Driving Bad Actors Out Of Metal Would Be To Foster a Stronger Appreciation Of Lyrics. It’s Still Very Common To See Metal Fans With Broadly Progressive Values Accepting Truly Vile Ideologies From Bands They Like Because “You Can’t Understand The Lyrics Anyway” And “The Riffs Are Sick, So Who Cares,” And So Forth. Perhaps It’s Worth Paying More Attention To What Your Favorite Band Is Screaming At You.”

PYRRHON “ABSCESS TIME”

「NYC のバンドに透徹する哲学は、ジャンルをミックスしたり、音楽的な分野を融合させたりすることに意欲的であること。 この特徴は、ニューヨークが “メルティングポット” “坩堝” としての地位を築いてきたことの賜物で、様々なバックグラウンドを持つ人々やアイデアが混ざり合っているからね。」
分裂と流動の時代極まるエクストリームメタル。革命的なアイデア、脳髄を溶かすサウンド、野生的な実験の黄金三角形は、ニューヨークが震源地です。IMPERIAL TRIUMPHANT, LITURGY, ANCION, DYSRHYTHMIA。ジャンルを開拓再定義するような異能が蠢く中で、ブラックメタルの冒険を牽引する KRALLICE の平行線に位置する、大胆不敵なデスメタルの探窟家こそ PYRRHON でしょう。
「古いバンドのサウンドを真似するだけでは時間の無駄だと思えるね。デスメタルをプレイするのは難しいんだ。そんな難しい音楽をプレイするのに、なぜ自己表現をしないんだい? 」
OSDM リバイバルで活況を見せている昨今のデスメタルシーン。しかし、PYRRHON はその動きから一定の距離を置いています。もちろん、MORBID ANGEL や GORGUTS, CYNIC といった巨人の実験精神、創造性とたしかにチャネリングしながら、エクストリームミュージックの自己実現にむけてただ真摯に邪悪と哲学を磨きあげていくのです。
「デスメタルは、限界まで自分を追い込みたい、今までにないことに挑戦したいと思っているミュージシャンを惹きつける特別な音楽の形だと思うからね。」
TODAY IS THE DAY のアヴァンギャルドノイズ、CAR BOMB のマスコアミューテーション、GORGUTS のプログレッシブアグレッシブ。たしかに、PYRRHON の音風景をジクソーパズルのように分解して掘り下げることも可能でしょう。ただし、彼らの真髄は決してモザイクタイルを貼り合わせて創り上げる、高尚で機械的な壁画のアートにはありません。
なぜなら、時に不自然で突拍子もないように思える異端のピースが、PYRRHON の音楽をむしろ自然で有機的な太古の海へと誘っているからです。ゆえに、人工的で機械化されたテックメタルの不協和も、彼らの手にかかれば狂骨から溶け出す原始のスープへとその姿を変えていきます。
ある意味、PYRRHON が醸し出す奇妙の原点はジャズのインプロビゼーションなのかもしれませんね。言ってみれば、物理学の実験のために複雑な数学の方程式を解くことが一般的なプログレッシブデスメタルの常識だとすれば、彼らはそれをアシッドトリップの最中にやり遂げることを本懐としているのです。
「現在アメリカを飲み込んでいるこの複雑な危機は、約10年前から避けられないように僕には見えていたんだよ。それは単純に、皮膚の下で化膿している病気がいつ表に出てくるかという問題だったのさ。それがアルバムタイトルの由来だよ。」
最新作 “Abscess Time” “化膿の時” に反映されたのは、システムが朽ち果て国の程さえなさなくなった今のアメリカひいては世界です。インタビューに答えてくれたボーカリスト Doug Moore は、そんな潜伏していた膿を反映した偏見渦巻くメタル世界だからこそ、歌詞を深く理解して自分の頭で考えてほしいと訴えます。
もはや、リフがよければ別にとか、どうせ何叫んでるかわかんねーしで許される時代は過ぎ去ったとも言えるでしょう。それはある意味、誰がなっても同じと選挙権を放棄する行動に似ているのかもしれません。結局は因果応報、すべては自身に返ってくるのですから。
そうして完成した最高傑作は、Doug の言葉を借りれば “忍耐と反復” のカオス。スピーカーから不気味な膿が溢れ出すようなミニマルな混乱の中で、獰猛さと重圧を保ちながらしかし構成の妙を一層極めたアルバムは、過去の3作と比較してより直線的なリスニング体験を可能としています。
我々はただ、作曲と即興、残虐と窒息、可解と不可解、混沌と解放、血液と膿の境もわからず立ち尽くすのみ。KRALLICE の鬼才 Colin Marston がプロデュースを行ったことも、決して偶然ではないでしょう。
ピュロンとは古代ギリシャ初の懐疑論者。すべてを吟味しあらゆる独断を排除する者。今回弊誌では、エクストリームシーンきっての語り部 Doug Moore にインタビューを行うことができました。「僕の考えだけど、”悪い役者” をメタルから追い出すためのより良い第一歩は、歌詞への理解を深めることだと思うんだ。幅広く進歩的な価値観を持つメタルファンでも、好きなバンドの本当に下劣なイデオロギーを “どうせ歌詞なんて何叫んでるかわかんねーから” とか “リフが最高なら気にしない” などと受け入れてしまうのは、今でもよく見かける光景だよね。自分の好きなバンドが何を叫んでいるのか、もっと注意を払う必要や価値があるのかもしれないよ。」 どうぞ!!

PYRRHON “ABSCESS TIME” : 10/10

INTERVIEW WITH DOUG MOORE

Q1: From the Corona crisis to Black Lives Matter, America is going through a turbulent time right now. First of all, what’s your perspective about the US situation?

【DOUG】: To put it as simply as possible, I think it’s the result of many forms of injustice finally breaking through into the public consciousness. Americans are masters when it comes to papering over hypocrisy and exploitation, but eventually, systemic issues like the one my country is struggling with can’t just be shrugged off. In English, we have a saying: “the chickens come home to roost,” which means that your sins will come back to haunt you sooner or later. That is what’s happening in America, on a grand scale – problems we’ve tried to ignore for decades or centuries are finally making the country ungovernable.

Q1: コロナ危機から Black Lives Matter とアメリカは激動の時を迎えていますね?

【DOUG】: できるだけ簡単に言えば、多くの不正がようやく世間の意識に浸透してきた結果だと思う。アメリカ人は偽善や搾取の上塗りを得意としているけど、徐々に僕の国が直面しているシステムの問題が結局のところ、無視できなくなってきたわけさ。
英語には “ニワトリは焼かれるためねぐらに帰ってくる” “因果応報” という諺があってね。これは、遅かれ早かれ犯した罪は自分に返ってくるという意味なんだよ。
何十年、何世紀にもわたって無視しようとしてきた問題が、ついにアメリカを統治不能な国にしてしまったんだ。

Q2: You know, your lyrics sometimes reflect American politics and nightmarish world affairs like “The Invisible Hand Holds a Whip”. Are you inspired by 2020’s dark time in your new record “Abscess Time”?

【DOUG】: Abscess Time was actually written during 2018 and 2019, so it wasn’t specifically inspired by the events of this year. However, a complex crisis of the kind that is currently engulfing America has seemed inevitable to me for about a decade. It was simply a question of when the diseases festering under the surface would burst into plain view. That’s the origin of the album title – we are all living through Abscess Time now.

Q2: “The Invisible Hand Holds a Whip” のように、あなたの歌詞は時にアメリカの政治や世界の悪夢を反映していますよね? 最新作 “Abscess Time” は現在のダークな状況にインスパイアされたのでしょうか?

【DOUG】: “Abscess Time” (膿瘍の時間) は実際には2018年と2019年の間に書かれたから、今年の出来事に特別触発されたわけではないんだ。
だけどね、現在アメリカを飲み込んでいるこの複雑な危機は、約10年前から避けられないように僕には見えていたんだよ。それは単純に、皮膚の下で化膿している病気がいつ表に出てくるかという問題だったのさ。それがアルバムタイトルの由来だよ。

Q3: Pyrrhon’s artwork is always spooky, but it also captures the imagination. How does this time relate to the theme of the record?

【DOUG】: The art for Abscess Time is a little more abstract than some of our past album covers. However, it speaks to some themes present in the music: inner workings being revealed; wounds that will not heal; the wear and tear that life inflicts on the body.

Q3: PYRRHON のアートワークは不気味ですが、同時に想像力を刺激しますね。今回はそのアルバムテーマと関連させているのでしょうか?

【DOUG】: “Abscess Time” のアートワークは、過去のいくつかのカバーよりも少し抽象的だよね。それでも、音楽に存在するいくつかのテーマを語ってはいるんだ。明らかにされた内部の隠蔽、癒されない傷、体に刻まれた消耗と涙。

Q4: You know, I feel the metal world still has bad past ideologies of fascism, racism and sexism, they’re still here in no small part. right? How do you think it could get better?

【DOUG】: Yes, metal is still rife with many forms of bigotry. In that way, it is a microcosm for the societies that produced it – most countries with big metal scenes are superficially advanced, but harbor plenty of reactionary ideas and tendencies. In my opinion, a good first step in driving bad actors out of metal would be to foster a stronger appreciation of lyrics. It’s still very common to see metal fans with broadly progressive values accepting truly vile ideologies from bands they like because “you can’t understand the lyrics anyway” and “the riffs are sick, so who cares,” and so forth. Perhaps it’s worth paying more attention to what your favorite band is screaming at you.

Q4: 悪性の腫瘍という意味では、メタル世界にも例えばファシズム、レイシズム、セクシズムといった過去の悪しきイデオロギーが未だに残る部分もありますよね?

【DOUG】: そう、メタルにはいまだに様々な形で偏見が蔓延しているよね。それってある意味では、メタルを生み出した社会の縮図でもあるんだよね。というのも大きなメタルシーンが存在する国の大半は、表面的には先進的だけど、反動的な考えや傾向を多く持っているからね。
僕の考えだけど、”悪い役者” をメタルから追い出すためのより良い第一歩は、歌詞への理解を深めることだと思うんだ。幅広く進歩的な価値観を持つメタルファンでも、好きなバンドの本当に下劣なイデオロギーを “どうせ歌詞なんて何叫んでるかわかんねーから” とか “リフが最高なら気にしない” などと受け入れてしまうのは、今でもよく見かける光景だよね。
自分の好きなバンドが何を叫んでいるのか、もっと注意を払う必要や価値があるのかもしれないよ。

Q5: In recent years, there has been a new wave of old school death metal revivalism. You guys seem to have distanced yourselves from that movement, haven’t you? It seems to be a more advanced and experimental death metal, world you agree?

【DOUG】: Haha, yes, it’s fair to say that Pyrrhon is not “OSDM.” We love a ton of death metal from the ‘80s and ‘90s, and I personally would not argue that death metal has to be insanely innovative to be good. That said, just doing an imitation of an older band’s sound seems like a waste of time to me. Death metal is hard to play; why not express yourself if you’re going to play it? The best death metal bands in 1990 built on what came before them to create something unique, and that’s true in 2020 as well.

Q5: 近年、メタル世界ではオールドスクールデスメタル復興の波が押しよせています。あなた達は、進歩的かつ実験的で、あのムーブメントとは距離があるように思えますが。

【DOUG】: ふふ。うん、公平に言って PYRRHON は OSDM じゃないと言えるだろうね。僕たちは山ほどの80年代と90年代のデスメタルが大好きだし、個人的にもデスメタルは革新的でなければ良いものにはならないなんて主張はしていない。だけどね、そうは言っても、古いバンドのサウンドを真似するだけでは時間の無駄だと思えるね。
デスメタルをプレイするのは難しいんだ。そんな難しい音楽をプレイするのに、なぜ自己表現をしないんだい? 1990年の最高のデスメタルバンドは、それ以前のバンドのサウンドをベースにして、独自のものを生み出してきたんだ。そして2020年でもそのやり方は真実さ。

Q6: What has been a challenge for you musically compared to your previous works? Is it important for the band to still stay in the death metal category?

【DOUG】: No, I wouldn’t say that we particularly care about whether we’re “still a death metal band” or not. Death metal will always be an influence on the music we make – probably a bigger influence than any other. But it does not own us, and questions of genre aren’t especially important to us. We want every new recording we make to provide new challenges. This time around, the challenge was patience and repetition. Perhaps on the next recording, we’ll go in the opposite direction and try to write 1-minute songs with 50 riffs each.

Q6: それでは、”デスメタル” という枠自体にとどまることは、今でもバンドにとって重要ですか?

【DOUG】: いや、僕らは “まだデスメタルバンドである “かどうかを特に気にしてはいないよ。デスメタルは常に僕たちの作る音楽に影響を与えている。だけど、デスメタルが僕たちを所有しているわけではないし、ジャンルの問題は僕らにとって特に重要ではないんだよ。
新たにレコーディングをするたびに、新たは挑戦をしていきたいとは思っている。今回の課題は、忍耐と繰り返しだったな。おそらく次のレコーディングでは、逆の方向に行って、50のリフを持つ1分間の曲を書こうとするだろうね。

Q7: Do you think you inherit the legacy of progressive death metal like Cynic, Death, Atheist and Gorguts somehow?

【DOUG】: Honestly, I try not to think about legacies too much – that’s what you reflect on when your career has ended! But I would say that the creative spirit and relentless experimentation practiced by those bands is a great source of inspiration to us. They are all good examples of what I was saying earlier about death metal; they’re all “old school” in the sense that they were making music in the early ‘90s, but none of them were imitating any previous band’s style. Death metal is a special form of music because it draws musicians who want to push themselves to the limit and try things that have never been done before. In that sense, I hope Pyrrhon is successfully channeling the spirits of the bands you mentioned.

Q7: CYNIC や DEATH, ATHEIST, GORGUTS といったプログレッシブなデスメタルの遺伝子は、多分に受け継いでいるように感じますが。

【DOUG】: 正直なところ、僕はあまり遺産については考えないようにしているんだ。それってキャリアが終わるときに総括するものだから! だけど彼らが実践している創造的な精神と絶え間ない実験は、僕たちにとって大きなインスピレーションの源になっているとは言いたいね。
彼らは皆、先ほど僕がデスメタルについて言ったことの良い例だと思うんだ。デスメタルは、限界まで自分を追い込みたい、今までにないことに挑戦したいと思っているミュージシャンを惹きつける特別な音楽の形だと思うからね。
そういう意味では、PYRRHON が君が挙げたようなバンドのスピリットをうまくチャネリングできていればいいなと思う。

Q8: When I had an interview with Hunter-Hunt Hendrix of Liturgy, he said “I sincerely think philosophy is a very important tool for having a thoughtful political stance.”. The NYC extreme scene is full of amazing and progressive bands, but is there some sort of common idea that exists?

【DOUG】: I wouldn’t say that there is a specific philosophy that bands from this area share. But in a more general, ambient way, I do think that New York’s music scene is something special. In my opinion, there are two clearly identifiable features that bands from this area tend to share. The first is a willingness to mix genres and blend musical disciplines. This feature is the legacy of New York’s status as a “melting pot,” where people and ideas from different backgrounds intermingle – boundaries which might seem uncrossable elsewhere feel a lot flimsier here, where people from all over the world live right on top of each other. The second characteristic is ambition. New York is very expensive and it’s often an unpleasant place to live. Lazy musicians and those without a true vision to pursue generally don’t last very long here.

Q8: LITURGY の Hunter-Hunt Hendrix にインタビューを行った際、「哲学こそが思慮深い政治的スタンスを保つための非常に重要なツールだ」 と語っていました。
NYC のエクストリームシーンには、プログレッシブな才能が集まっていますが、ある種共通の哲学のようなものが存在するのでしょうか?

【DOUG】: この地域のバンドが共有する特定の哲学があるとまでは言わないけど、一般的にアンビエント的な意味では、ニューヨークの音楽シーンは特別なものだと思うんだ。
僕の考えでは、この地域のバンドには明確に2つの特徴があると思う。1つ目は、ジャンルをミックスしたり、音楽的な分野を融合させたりすることに意欲的であること。 この特徴は、ニューヨークが “メルティングポット” “坩堝” としての地位を築いてきたことの賜物で、様々なバックグラウンドを持つ人々やアイデアが混ざり合っているからね。他の場所では越えられないように見える境界線も、ここでは、世界中から集まった人々がお互いを尊重して住んでいるように感じられるからね。
2つ目の特徴は野心。 ニューヨークはとても物価が高く、決して快適に住める場所じゃない。怠け者のミュージシャンや、追求する真のビジョンを持たない人は、概してここでは長続きしないんだよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED DOUG’S LIFE

RADIOHEAD “OK COMPUTER”

BLACK FLAG “DAMAGED”

TODAY IS THE DAY “IN THE EYES OF GOD”

MORBID ANGEL “COVENANT”

TOM WAITS “SMALL CHANGE”

MESSAGE FOR JAPAN

Thank you for reading! Touring your beautiful country has been a goal for Pyrrhon for many years; hopefully we can make it happen some day soon.

読んでくれてありがとう!君たちの美しい国をツアーすることは、ずっと何年も PYRRHON の目標なんだ。近々叶うといいな!

DOUG MOORE

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WILLOWTIP RECORDS

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NILI BROSH : SPECTRUM】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NILI BROSH !!

“There Are So Many More Professional Women Guitarists Kicking Ass Out There. I’d Rather Think Of It As “Everyone’s Era”, Where Gender, Race, Ethnicity (Or Genre!) Doesn’t Matter…I Hope The Era I Live In Is The One Where The Music Is What Matters.”

DISC REVIEW “SPECTRUM”

「プロフェッショナルの女性ギタリストがどんどん増えてきているわよね。だけどむしろ私は、性別、人種、民族、そしてジャンルでさえ関係ない “みんなの時代” だと思っているのよ…私の生きている時代は、音楽が大事な時代であってほしいわね。」
ある時は Tony MacAlpine の頼れる相棒、ある時は Ethan Brosh の美しき妹、ある時はシルクドソレイユのファイヤーギター、ある時は DETHKLOK の怪物、ある時は IRON MAIDENS のマーレイポジション。
多様性が特別ではなくなった “みんなの時代” において、イスラエルの血をひくギタープリマ Nili Brosh は培った音の百面相をソロキャリアへと集約し、性別、人種、民族、そしてジャンルの壁さえ取り払うのです。
「アルバムのジャンルに関係なく、それが音楽であるならば一つになって機能することを証明したかったのよ。だから文字通りスペクトラム (あいまいな境界を持ちながら連続している現象) というタイトルにしたの。私たちがまったくかけ離れていると思っている音楽でも、実際はいつも何かしら繋がっているのよ。」
地中海のバージンビーチからセーヌの流れ、日本の寺社仏閣、そしてマンハッタンの夜景を1日で堪能することは不可能でしょうが、Nili の “Spectrum” は時間も空間も歪ませてそのすべてを44分に凝縮した音の旅行記です。プログレッシブな音の葉はもちろん、R&B にジャズ、ワールドミュージックにエレクトロニカなダンスまで描き出す Nili のスペクトラムは万華鏡の色彩と超次元を纏います。
特筆すべきは、テクニックのためのインストアルバムが横行する中、”Spectrum” が音楽のためのインストアルバムを貫いている点でしょう。オープナー “Cartagena” から大きな驚きを伴って眼前に広がる南欧のエスニックな風景も、Nili にしてみればキャンパスを完成へ導くための美しき当然の手法。幼少時にクラッシックギターを習得した彼女が奏でれば、鳴り響くスパニッシュギターの情熱も感傷も一層際立ちますね。
“Andalusian Fantasy” では Al Di Meora のファンタジアに匹敵する南欧の熱き風を運んでくれますし、さらにそこからアコーディオン、ジプシーヴァイオリンでたたみ掛けるエスノダンスは Nili にしか作り得ないドラマティック極まる幻想に違いありません。
Larry Carlton のブルージーな表現力とエレクトロニカを抱きしめた “Solace” はアルバムの分岐点。日本音階をスリリングなハードフュージョンに組み込んだ “Retractable Intent”, プログとダンスビートのシネマティックなワルツ “Djentrification” とレコードは、彼女の出自である中東のオリエンタルな響きを織り込みながら幾重にもそのスペクトラムを拡大していきます。
EDM や ヒップホップといったギターミュージックから遠いと思われる場所でさえ、Nili は平等に優しく抱擁します。ただ、その無限に広がる地平は音楽であるという一点でのみ強固に優雅に繋がっているのです。それにしても彼女のシーケンシャルな音の階段には夢がありますね。鬼才 Alex Argento のプログラミングも見事。
今回弊誌では、Nili Brosh にインタビューを行うことができました。「音楽は音楽自身で語るべきだと信じてきたから、私にできることはお手本になって最善の努力をすることだけなの。もし私が女性だからという理由で私と私の音楽を尊重してくれない人がいるとしたら、それはその人の責任よ。」 どうぞ!!

NILI BROSH “SPECTRUM” : 10/10

INTERVIEW WITH NILI BROSH

Q1: First of all, you were born in Israel. From jazz, classical music, to metal, recently Israeli artists are leading the music scene. How does your being born and raised in Israel affect your music?

【NILI】: For me, I think it affected me in the different kinds of music I was exposed to. I grew up pretty connected to American culture, so I had those influences, but I also watched a lot of international movies and TV, and that brought a lot of other genres into my awareness that I wouldn’t have otherwise had.

Q1: あなたはイスラエルの生まれですよね? ジャズからクラッシックにメタルまで、近年イスラエルのアーティストは音楽シーンを牽引しているように思えます。
イスラエルの出自は、あなたの音楽に影響を与えていますか?

【NILI】: 私にとってイスラエルの出自により、様々な種類の音楽に触れられたことが重要だったわね。アメリカの文化に親しんで育ちその影響を受けたのはもちろんだけど、海外の映画やテレビもたくさん見ていたから、他のジャンルの音楽も意識できるようになったのよ。

Q2: It seems you’ve learned classical guitar from a young age, but Extreme and Nuno Bettencourt dragged you into the electric guitar world. What about them has changed your world?

【NILI】: The particular sound of Nuno’s “funky metal” was something that I’d never heard before, and it hit me really hard. It had everything that attracts my ear – catchy melodies, killer funky grooves, heavy riffs, crazy solos…it was a combination of a bunch of things I liked but never heard exactly put together that way before.

Q2: 幼少時にはクラッシックギターを学びながら、EXTREME と Nuno Bettencourt を聴いてエレクトリックギターに目覚めたそうですね?

【NILI】: Nuno のあの特別なサウンド、”ファンキーメタル” はそれまで全く聴いたことがないものだったわ。本当に衝撃を受けたのよ。私の耳を惹きつける全てを備えていたわね。
キャッチーなメロディー、ファンキーなグルーヴ、ヘヴィーなリフにクレイジーなソロ…私の大好きなものをたくさん組み合わせていたけど、あんな風に融合させた音楽は聴いたことがなかったわね!

Q3: In Iron Maidens, you shared “Murray Position” with Nita Strauss. Definitely, two of the greatest female guitarists were in the same band, same position. What did you think about Nita and what was your selling point compared to her playing at that time?

【NILI】: Nita and I were always good friends, and I think we bonded over sharing that role. I always thought she sounded great with The Iron Maidens, and brought a lot of personality and showmanship into it as well. I don’t know that I ever had a specific selling point, but I always try to go in as prepared as possible – that goes for any gig, whatever that means for that particular gig. In the case of The Iron Maidens, for me that meant to try and emulate the songs and solos as exactly as possible.

Q3: IRON MAIDENS では、Nita Strauss と Dave Murray の役割、”マーレイポジション” を分け合っていましたね。振り返れば実に豪華なバンドだったわけですが、当時 Nita についてはどう思っていましたか?

【NILI】: Nita と私はいつも仲良しで、この役を演じることで絆が深まったと思うわ。IRON MAIDENS において、彼女のサウンドは素晴らしいといつも思っていたし、同時にずば抜けた個性とショーマンシップを持ち込んでいたわよね。
私の場合、特にセールスポイントがあったわけじゃないんだけど、どんなライブでも常に可能な限りの準備をしていくようにはしているわ。IRON MAIDENS の場合は、曲とソロを可能な限り正確に再現するという意味になるわね。

Q4: When I first knew you was Seven the Hardway. Since then, you’ve been collaborating with Tony MacAlpine. Do you and he have a relationship like Yoda and Luke Skywalker?

【NILI】: Haha! I’m not really sure…I think we certainly did on stage! Unfortunately it never seemed like we had much time for hanging out – it always felt like there was just time for the rehearsals and shows. I’m certainly not complaining, but maybe we would’ve had the kind of relationship you’re talking about off the stage as well if we had more time to hang out!

Q4: あなたをはじめて知ったのは SEVEN THE HARDWAY だったと思います。それ以来、Tony MacAlpine とはコラボレーションを続けていましたよね?
彼とはある種、ヨーダとルークのような関係なのでしょうか?

【NILI】: はは (笑)!どうなんでしょうね…たしかにステージではそうだったように思うわ! 残念ながら、私たちはあまり一緒にいる時間がなかったように思えるの。いつもリハーサルとショウの時間だけでね。
不満があるわけではないけど、もしかしたらステージ外でもっと一緒に過ごす時間があれば、あなたが言っているような関係になっていたかもしれないわね!

Q5: In 2017, you joined Cirque de Soleil and played the iconic guitar solos from Michael Jackson’s music. What did it feel like for you to join the big circus and shoot the fire from your guitar?

【NILI】: It was definitely a big change for me! The environment and colleagues were super different than what I was used to up to that point. It was a bit of a learning curve – figuring out how to make it all about the performance, how to be safe, and how to play as best as possible while giving a whole “show” and running around in heavy and uncomfortable gear. Everything about that was completely worth it, though! Shooting the fire was probably the most fun part…it never got old!

Q5: 2017年にはシルク・ド・ソレイユに加わり、Michael Jackson の楽曲でアイコニックなギターソロをプレイしていましたね。ギターから火を放つ場面もあったようですが?

【NILI】: 私にとって大きな変化だったのは間違いないわね。環境も同僚も、それまで慣れ親しんできたものとは全く違っていたから。
どうすればパフォーマンスのためになるのか、どうすれば安全に演奏できるのか、どうすれば “ショウ” をしながら可能な限り最高の演奏ができるのか、重くて不快な装備で走り回ることができるのかを理解するには、ちょっとした学習が必要だったわね。だけどその全てが完全に価値のあるものだったわ。炎を放つのが一番楽しかったかもしれないわね。

Q6: I’m really impressed by your newest record “Spectrum”. It has so many “Spectrum”, colorful record. Especially, we are surprised at a spanish guitar of “Cartagena”, ”Andalusian Fantasy”. After that we can hear a beautiful sound of violin and accordion. Definitely, this is not an instrumental album for the sake of technique, it’s an instrumental album for diverse music. Would you agree?

【NILI】: Thank you! And yes of course – that was the point. It was always meant to be a literal spectrum, to show that music can work together as an album regardless of genre…that there’s always something connecting even the types of music we think are really far from one another.

Q6: 最新作 “Spectrum” には本当に感銘を受けましたよ。文字通り、様々な “スペクトラム”、色彩に溢れた作品ですね。
特にスパニッシュギターで畳み掛けるオープナーからの展開、さらにヴァイオリンやアコーディオンまで駆使した美麗。間違いなくテクニックのためのインストアルバムではなく、音楽のためのインストアルバムですね?

【NILI】: ありがとう!そしてそれはまさにこのアルバムのポイントよね。アルバムのジャンルに関係なく、それが音楽であるならば一つになって機能することを証明したかったのよ。
だから文字通りスペクトラム (あいまいな境界を持ちながら連続している現象) というタイトルにしたの。私たちがまったくかけ離れていると思っている音楽でも、実際はいつも何かしら繋がっているのよ。

Q7: When I had an interview with Yvette Young recently, she said “I do feel like it’s important to combat the sexism in the music scene head-on. I personally do feel like there’s a lot of stereotypes and preconceptions floating around, and I look forward to continuing to work hard so I can be a better example of what is possible to younger girls.”. What’s your perspective about her words and sexism in the scene?

【NILI】: I think there is definitely sexism out there – in all cultures, and not just specifically about music of course – and I agree with Yvette that working hard to be a good example is important. That’s always been my position: I’ve always believed the music should speak for itself, so all I can do is lead by example and put my best efforts forward. If someone doesn’t respect that because I’m female, that’s on them.

Q7: 最近 Yvette Young にインタビューを行ったのですが、彼女は 「音楽シーンに巣食うセクシズムと闘うことが重要なの。ステレオタイプや先入観がまだまだ支配する世の中で、もっとがんばって若い女性に何ができるのかよいお手本になりたいのよ。」と語っていました。

【NILI】: もちろん音楽に限ったことではないんだけど、あらゆる文化において性差別は間違いなく存在していると思うわ。だから Yyette のよいお手本にならなきゃって考えにはとても共感するわ。そしてそれは私のポジションでもあるの。
音楽は音楽自身で語るべきだと信じてきたから、私にできることはお手本になって最善の努力をすることだけなの。もし私が女性だからという理由で私と私の音楽を尊重してくれない人がいるとしたら、それはその人の責任よ。

Q8: Like Nita, Yvette, Sarah Longfield, and of course, you. Lot’s of guitar heroines hit the scene now. Actually, recently, Fender study reveals 50% of new guitar players are women. Do you think finally, “Women’s era” comes to the guitar scene?

【NILI】: I think it’s definitely becoming a lot more inclusive of everyone as time passes – as you’ve mentioned, there are so many more professional women guitarists kicking ass out there. I’d rather think of it as “everyone’s era”, where gender, race, ethnicity (or genre!) doesn’t matter…I hope the era I live in is the one where the music is what matters.

Q8: Nita, Yvette, Sarah Longfield, そしてもちろんあなた。今ではギターヒロインと呼べる才能が多くシーンに登場しています。
さらにフェンダーの調査では、今ギターをはじめる人の約半数が女性だそうです。ギターシーンに女性の時代が到来しているようにも思えますね?

【NILI】: 時間が経つにつれて、確実に誰もが参加できるようになってきていると思うわ。あなたが言うように、プロフェッショナルの女性ギタリストがどんどん増えてきているわよね。
だけどむしろ私は、性別、人種、民族、そしてジャンルでさえ関係ない「みんなの時代」だと思っているのよ…私の生きている時代は、音楽が大事な時代であってほしいわね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED NILI’S LIFE

EXTREME “PORNOGRAFFITI”

ANDY TIMMONS “THAT WAS THEN, THIS IS NOW”

GREG HOWE, VICTOR WOOTEN, DENNIS CHAMBERS “EXTRACTION”

STEVE STEVENS “FLAMENCO A GO GO”

CASUALTIES OF COOL “CASUALTIES OF COOL”

MESSAGE FOR JAPAN

I love you guys! Somehow I haven’t gotten the privilege to play in your wonderful country yet, but I hope that changes very soon! I’ve always appreciated your support, and all my best to Japan!

みんな、大好きよ!どういうわけか、私はまだ日本という素晴らしい国で演奏する機会に恵まれていないけど、それがすぐに変わることを願っているわ!日本の皆さんのサポートにはいつも感謝しているの、ありがとう!

NILI BROSH

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CRYPTIC SHIFT : VISITATIONS FROM ENCELADUS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH RYAN SHEPERSON OF CRYPTIC SHIFT !!

“We Love Voivod, Especially The Records “Killing Technology” And “Dimension Hatross”. Those Records, Along Side Nocturnus “Thresholds” Really Showed Us How It Was Possible To Write a Massive Sci-Fi Tale Within a Metal Record.”

DISC REVIEW “VISITATIONS FROM ENCELADUS”

「僕たちは VOIVOD を愛していて、特に “Killing Technology” と “Dimension Hatross” がお気に入りなんだ。NOCTURNUS の “Thresholds”と並んで、この2枚はメタルレコードの中に大規模なSFの物語を書くことが可能であることを教えてくれたんだ。」
英国で最も奇妙かつ革新的な “フェノメナルテクノロジカルアストロデスアーティスト” CRYPTIC SHIFT。VOIVOD や VEKTOR のコズミックな SF スラッシュメタルと、MORBID ANGEL や GORGUTS のおどろおどろしい猟奇的デスメタルを完膚なきまでに融合させる彼らのやり方は、メタルの仄暗いファンタジーをさらにまた一歩推し進めます。
「CRYPTIC SHIFT はスラッシュ/デスメタルの境界を押し広げることを目指している一方で、広義のメタルシーンにおけるソングライティングと創造的なコンセプトのストーリーライティングの境界線をも押し広げることも目指していると言えるだろうな。2020年にスラッシュとデスメタルを推進している素晴らしいバンドはたくさんあるけど、プログレッシヴでテクニカルなSFソングライティングを推し進めているバンドはそれほど多くはないからね。」
BLOOD INCANTATION, TOMB MOLD が昨年放った2枚のレコードは、20年代のメタルが向かう先をある種予見するような作品でした。オールドスクールデスメタルの遺伝子を濃密に受け継ぎながら、奇々怪界なサイエンスフィクションをテーマに仰ぎ、サイケデリックにストーナー、プログレッシブと多様な音の葉を纏う異次元の世界線。
CRYPTIC SHIFT のデビュー作 “Visitations from Enceladus” は彼らの異形とシンクロしながら、スラッシュメタルのメカニカルな衝動と長編の空想宇宙小説を衝突させ、メタルの核融合を誘発しているのです。
「”Moonbelt Immolator” は歌詞の中にストーリーがあるから長い曲になることはわかっていたんだけど、トラックをまとめるうちに、どんどん長くなっていったんだ。ただそれを恐れてはいなかったよ。」
その華々しき化学反応の証明こそ、26分の宇宙譚、オープナー “Moonbelt Immolator” でしょう。Away の正当後継者 Ryan の言葉通り、恐れを知らない SF メタルの開拓者は、26分を6つの独立した楽章に分割してスリリングで摩訶不思議な空の物語を描き切ってみせました。そのオペラ的な手法は、ただメタルのエピックというよりも、RUSH の “2112” や “Hemispheres” と同等の性質を持つ叙事詩という方が適切なのかもしれませんね。
重要なのは、CRYPTIC SHIFT がプログレッシブなデスメタルやテクニカルなスラッシュメタルが切望する音符の密度、激しいダンスを少しも損なうことなく、全体をホログラフィックに見渡せる抜きん出た俯瞰の構成力を身につけている点でしょう。
ゆえに、デス/スラッシュの単純な枠を超え、ドゥーム、ジャズ、ノイズ、アンビエントのタトゥーが音肌の上に絶え間なく露出を続ける不浄のオベリスクでありながら、決して彼らの宇宙譚は量子力学レベルの理解不能な方程式に収まってはいないのです。
つまり、宇宙的な和音、歪んだAI言語、洗練と粗野のバランスが絶妙なd-beatとブラスト、多面的なキャラクターを宿すデスボイス、不協和を恐れないギターに絡みつく蛇のようなフレットレスベース、その全てがメタル世界の大衆を観客に迎えた舞台 “エンセラドゥスからの来訪者” を彩る小道具にすぎないと言えるのかもしれませんね。
逆にいえば、耳障りになりかねない不協和音、ノイズ、グロウルにブラストビートも、CRYPTIC SHIFT の手にかかれば生命力に満ち溢れたキャッチーな舞台装置へと変化を遂げるのです。
ある意味、エレクトロニカを大胆に咀嚼した NOCTURNUS を VOIVOD と並んで崇拝する理由もそこにあるのかもしれません。ATHEIST, PESTILENCE, MARTYR に SADUS。全ての奇妙は物語のために。
今回弊誌では、ドラムス Ryan Sheperson にインタビューを行うことができました。「僕とXanderは信じられないほどのスター・ウォーズの大ファンで、その全てが大好きなんだよ。 おそらく夕食を食べた回数よりも多く、スター・ウォーズの最初の6作品を観ているだろうな。好きな順番をつけるなら、I、VI、V、IV、III、IIかな。 “ファントム・メナス” が一番好きだと嫌われるかもしれないけど、それはきっと世代の問題だろう。」 どうぞ。

CRYPTIC SHIFT “VISITATIONS FROM ENCELADUS” : 10/10

INTERVIEW WITH RYAN SHEPERSON

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about the band and yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【RYAN】: Hey, how’s it going? Thanks a lot for taking the time to interview me! My name is Ryan and I perform drums in the United Kingdom’s ultimate Phenomenal Technicological Astrodeath artist CRYPTIC SHIFT. We have just released our debut record “Visitations from Enceladus” on Blood Harvest Records, a perfect blend between Extreme Music and Sci-Fi Art. I have been performing drums for around ten years, and have performed in Cryptic Shift for six years. My biggest influences in Metal Drumming comes from drummers such as Sean Reinert, Gene Hoglan, Michel “Away” Langevin and Dave Lombardo. I got into Metal music pretty young, maybe when I was around eight years old, listening to bands like Metallica, Slayer, Pantera, Slipknot, Machine Head through videos on TV, before getting into Thrash and Death Metal around the start of my teenage years.

Q1: 本誌初登場です。まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか?

【RYAN】: やぁ、元気かい? インタビューに時間を割いてくれてありがとう! UK における究極の “フェノメナルテクノロジカルアストロデスアーティスト”、CRYPTIC SHIFT でドラムを叩いている Ryan だよ。エクストリームミュージックとSFアートを完璧に融合させたデビュー作 “Visitations from Enceladus” を Blood Harvest Records からリリースしたばかりなんだ。
僕は10年ほどドラムをやっていて、6年前から CRYPTIC SHIFT に参加している。メタルドラミングで最も影響を受けたのは、Sean Reinert, Gene Hoglan, Michel “Away” Langevin, Dave Lombardo といった人たちからだよ。
メタルにハマったのはかなり若い頃で、たぶん8歳くらいかな。METALLICA, SLAYER, PANTERA, SLIPKNOT, MACHINE HEAD なんかをビデオで聴いていたね。10代に入ってスラッシュやデスメタルにハマるまではね。

Q2: How did Cryptic Shift come to be? Of course, there were demos and EPs, but It took eight years to release the first full “Visitations from Enceladus” since the beginning. Why?

【RYAN】: When I joined the band in later 2013, I was sixteen and the band was more or less just a group of friends jamming out. We hadn’t found our sound and we didn’t have any sort of musical direction, we just wanted to play Metal music together. As the years progressed, so did myself and Xander (Bradley, Guitars/Vocals). We evolved into more serious musicians and wanted to take the band in a different direction to the other members. So for a period of time we were trying out new people to join the band and eventually found John Riley (Bass) and Henry Parker (ex-Guitarist), which followed with the release of our first EP “Beyond the Celestial Realms”. At this point in time, we were still young and developing our performance and style, however we knew we wanted to go in the direction of Sci-Fi Thrash Metal. After a few years of playing the EP in the UK we released the single “Cosmic Dreams”, which was an extreme step up for us as performers. Our playing style is a lot more technical and influenced from Death Metal acts such as Gorguts and Morbid Angel on this single. Shortly after this release we parted way with Henry Parker and welcomed Joe Bradley to the band as new guitarist. Together we started writing “Visitations from Enceladus”, which took around two years to put together. Then we spent around a year and a half recording and producing the record – we just wanted it to be right. This would be the first record the world would hear from Cryptic Shift. It had to be taken seriously.

Q2: デモや EP があったとはいえ、CRYPTIC SHIFT はこのデビュー作 “Visitations from Enceladus”のリリースまで8年の時間を要しましたね?

【RYAN】: 2013年後半にバンドに加入した時、僕は16歳で、バンドはよくある友達のグループでジャムをしていただけって感じだった。自分たちの音を見つけられていなかったし、音楽的な方向性もなく、ただ一緒にメタルを演奏したかっただけだったんだ。
時が経つにつれ、僕と Xander Bradley(ギター/ボーカル)はより本格的なミュージシャンへと進化し、他のメンバーとは違う方向にバンドを持っていきたいと思うようになった。だから、しばらくの間、新しいメンバーの加入を検討して、最終的には John Riley(ベース)と Henry Parker(元ギタリスト)を見つけて、最初のEP “Beyond the Celestial Realms” をリリースしたのさ。まだ若く、パフォーマンスとスタイルを発展させている途中だったけど、SFスラッシュメタルの方向に進みたいと思っていたね。
UK でEPをプレイしたりして過ごした数年後、シングル “Cosmic Dreams”をリリースしたんだけど、これはパフォーマーとしての僕らにとって飛躍的なステップアップとなった。このシングルにおいて僕達の演奏スタイルはよりテクニカルで、GORGUTS や MORBID ANGEL のようなデスメタルの影響を受けているんだ。
このリリース後すぐに Henry と別れ、新しいギタリストとして Joe Bradley をバンドに迎えたんだ。そして一緒に “Visitations from Enceladus “を書き始めたね。
それから約1年半かけてレコーディングとプロデュースを行ったんだよ。ただ正しいものにしたくてね。これは CRYPTIC SHIFT が世界に向けて発表した最初のレコードになる。だから真剣に受け止めなければならなかったのさ。

Q3: So, “Visitations from Enceladus” was released on “May the 4th”. Did it relate to your big love of “Star Wars” and Sci-fi movies?

【RYAN】: Absolutely! I’m glad you picked up on that reference. We wanted to make sure that the record would be released on May the 4th as a homage to our biggest inspiration outside of Music – Star Wars! Myself and Xander are incredibly big Star Wars fans, we love everything about it. We’ve probably watched the first six Star Wars movies more than we’ve had hot dinners. My favourites in numerical order would be I, VI, V, IV, III, II. People will probably hate me for liking “The Phantom Menace” the most, however it’s a total generation thing. It was ‘the movie’ when I was really young, and it’s still ‘the movie’ now, for me at least. Plus it‘s just totally the best one! We enjoy other Sci-Fi movies and tales, stuff like the X-Files, Stargate, Aliens, Predator, Terminator, the Fifth Element, Waterworld etc., but non more than Star Wars. Star Wars is the BEST!!! Apart from the Disney Star Wars trilogy, that sucks, but we won’t talk about that.

Q3: “Visitations from Enceladus” は “May the 4th” 5月4日にリリースされました。バンドのスター・ウォーズや SF映画に対する愛が感じられますね?

【RYAN】: 間違いないね!君がその事実に気づいてくれて嬉しいよ。5月4日に発売日を設定して、音楽以外で最も大きなインスピレーションを与えてくれたスター・ウォーズへのオマージュを捧げたかったのさ!
僕とXanderは信じられないほどのスター・ウォーズの大ファンで、その全てが大好きなんだよ。 おそらく夕食を食べた回数よりも多く、スター・ウォーズの最初の6作品を観ているだろうな。好きな順番をつけるなら、I、VI、V、IV、III、IIかな。 “ファントム・メナス” が一番好きだと嫌われるかもしれないけど、それはきっと世代の問題だろう。僕にとっては若いころも、今もあれこそがスター・ウォーズなんだよ。それに、内容も単純に最高の映画なんだ!
もちろん、X-ファイル、スターゲイト、エイリアン、プレデター、ターミネーター、フィフス・エレメント、ウォーターワールドなど、他のSF映画や物語も楽しんでいるけど、スター・ウォーズ以上のものはないと思う。スターウォーズ最高!! ディズニーのスターウォーズ三部作を除けばね。あれは最悪だよ、話したくもない。

Q4: Speaking of Sci-fi, there have been some great “Sci-fi” metal bands like Voivod, Nocturnus, Vektor, Cynic. Among them, “Dimension Hatross” of Voivod is one of my favorites and I feel the same spirit in “Visitations From Enceladus”. Do you think your band inherits their heritage?

【RYAN】: We love Voivod, especially the records “Killing Technology” and “Dimension Hatross”. Those records, along side Nocturnus “Thresholds” really showed us how it was possible to write a massive Sci-Fi tale within a metal record. Awesome. It’s great to carry the torch for Sci-Fi Metal as a whole, there’s not many bands out there which push themselves creatively like this. It’s way more exciting for us to write music this way, pushing ourselves to come up with our own techniques when creating these Sci-Fi soundscapes and organic passages.

Q4: SF といえば、VOIVOD, NOCTURNUS, VEKTOR, CYNIC など、メタル世界にも SF を取り入れた SF メタルが存在します。
特に、”Visitations From Enceladus” からは VOIVOD の “Dimension Hatross” と似たスピリットを感じましたよ。

【RYAN】: 僕たちは VOIVOD を愛していて、特に “Killing Technology” と “Dimension Hatross” がお気に入りなんだ。NOCTURNUS の “Thresholds”と並んで、この2枚はメタルレコードの中に大規模なSFの物語を書くことが可能であることを教えてくれたんだ。最高だよ。
僕たちが SF メタルのの聖火を引き継ぐことができるのは素晴らしいことだよ。だってこの分野で創造性を最大限に引き出しているバンドは、そう多くないからね。SF のサウンドスケープや有機的なパッセージを作る時に、こんな風に自分たちのテクニックを駆使して楽曲を作るのは、僕らにとってとてもエキサイティングなことなんだ。

Q5: I really love the artwork of “Visitations from Enceladus”. Definitely, it seems there is a big Sci-fi story in this record, right? Could you tell us about that?

【RYAN】: Indeed there is, and we have plans to bring out merchandise like novels about the story and even fighting fantasy style game-books. I encourage you to read the lyrics and study the artworks to create your own imagination of the landscapes and occurrences in the story, however I can put you in the shoes of the main character at the start of Moonbelt Immolator… You awaken. A great feeling of bewilderment befalls you, yet it is laced with purpose. A hideous wailing pierces your ears and forces you to consciousness as you pry your eyes open; a task that should not be difficult. You see an array of flashing lights and display screens; one reads “sleep count: unknown”, adding to your confusion. Like a dream where you have no recollection of how you arrived here, only what is presently occurring. You feel weak but your veins are surging with intent as you step up from a cockpit seat and observe the spacecraft you appear to be in, you step over to a viewglass to the outside. Elongated stars stream past at incredible speeds while simultaneously, some are rotating closer as if you could reach out and halt their movement with your hands. The cosmic mist you assume your craft is travelling through is unlike any place you can remember. Suddenly, more beeping from the command console draws you back to the seat and you see something approaching on the scanners. Some sort of opening in the vortex, it looks like square but is behaving like a sphere. As the ships trajectory reaches the pulsing phenomena, a blinding light of unknown colours engulfs you. You exit the time wound into reality and your mind and body feel much more grounded than the previous place. Objects stretch back into place and you witness an enormous planet; a glowing orange gas giant encircled by an asteroid field, and in orbit thousands of starships engaged in battle. Your own craft is hurtling towards the skirmish as the display screen informs you of an INCOMING TRANSMISSION. With no knowledge of the controls, a slimy voice orders you to identify yourself or you shall be blasted! What would you do next? Find out in Visitations From Enceladus!

Q5: アートワークも実に SF チックで、想像力を刺激しますね?

【RYAN】: そうだね、実際、このストーリーを題材にした小説のようなグッズや、バトルファンタジー風ゲームブックの発売も予定しているんだよ。だから歌詞を読んだり、その作品を読んだりして、物語の中の風景や出来事を想像してもらえればなあと思うんだけど、”Moonbelt Immolator” の冒頭における主人公の立場になって作品のヒントを話してみるね。
目を覚ます。 大きな戸惑いが襲うけど、なにかの目的がある。恐ろしい叫び声が耳を突き刺し、目をこじ開けて意識を取り戻すんだ。点滅するライトやディスプレイ画面の配列を見て、混乱は増し、”睡眠数:不明” の文字を読み取る。さながら夢のようで、ここにどのようにして到着したかの記憶はなく、現在発生していることだけを理解しているんだ。
コックピットの座席から起き上がり、宇宙船の内部を観察していると、脈拍は意図的にあがっていく。そして窓に目をやるんだ。信じられないほどのスピードで通り過ぎていく星々。同時に、手を伸ばせば捕まえられそうなほど、そのいくつかはより近くで回転している。船が旅していると思われる宇宙の霧は、記憶にあるどの場所にもないものだった。突然、コンソールからのビープ音でシートに引き戻され、スキャナーで何かが近づいているのに気づく。
正方形のように見えるけど、球体のように振る舞う渦。 船の軌道がその現象に到達すると、未知の色のまばゆい光が包み込む。 現実の時間から出て、心と体は、前の場所よりもはるかに地面を踏みしめる。物体は所定の場所に引き戻され、巨大な惑星を目撃するんだ。
オレンジ色に輝くガスの巨人が小惑星帯に囲まれ、軌道上には何千もの宇宙船が戦っていた。自分の船は小競り合いに向かって疾走している。コントロールの知識もないまま、コンソールにはデータを入力してくださいの文字と、「認証してください。認証してください。そうしなければ爆発します」の声が!さあどうしよう?続きはアルバム本編でね!

Q6: You know, lot’s of metal bands make long epics, but “Moonbelt Immolator” breaks the mold of the metal scene. 26 minutes! Wow! What made you create such a huge song?

【RYAN】: There was no desire to create a twenty six minute long song, it sort of just happened. We knew that “Moonbelt Immolator” was going to be a longer song because of the storyline within the lyrics, however when putting the track together it just became longer and longer. We didn’t fear this, we wanted the first track on “Visitations…” to be a huge showcase of Cryptic Shift and our range of capabilities as performers. We also wanted it to showcase our musical influences from Technical Death Metal, to Thrash, to Prog, to Jazz, to Avant-Garde, to Sci-Fi Soundtracks, I think it would be difficult to write a track this long if we were only interested in performing Thrash or Death Metal. Maybe because of our vast influences and writing style, ”Moonbelt Immolator” has an incredible amount of replay-ability. Every member of the band worked really hard to make sure their performance and writing efforts on this track was their highest level of playing, and it really worked out that way. We’re really proud of “Moonbelt…” and it’s awesome that you appreciates our efforts putting that track together! This track represents the style of Cryptic Shift the best.

Q6: それにしても、オープナー “Moonbelt Immolator” はメタル世界の常識を覆しましたね?26分のエピックはさすがに規格外ですよ。

【RYAN】: もともと、26分間の長さの曲を作ろうと思ったわけじゃなくて、たまたまその長さになったんだ。”Moonbelt Immolator” は歌詞の中にストーリーがあるから長い曲になることはわかっていたんだけど、トラックをまとめるうちに、どんどん長くなっていったんだ。ただそれを恐れてはいなかったよ。”Visitations From Enceladus” の1曲目は、バンド CRYPTIC SHIFT と、パフォーマーとして僕たちの能力の幅広さを示すビッグなショーケースにしたかったからね。
テクニカルデスメタルからスラッシュ、プログ、ジャズ、アヴァンギャルド、SFサウンドトラックまで、僕たちの音楽的な影響元を示す曲にもしたかった。もし僕たちがスラッシュやデスメタルのみに興味を持っていたとしたら、これほど長い曲を書くのは難しかっただろうな。そんな幅広い影響と作曲スタイルのおかげかな、”Moonbelt Immolator” は驚くほどの “聞き込み要素” が潜んでいるんだ。
メンバー全員が、演奏と曲作りの努力を最高レベルとするため懸命に努力し、それが本当にうまくいったんだよ。この曲を本当に誇りに思っているし、僕たちのその努力を評価してくれて嬉しいね。この楽曲は CRYPTIC SHIFT のスタイルを最もよく表しているからね。

Q7: Regarding long epic, when I hear “Visitations from Enceladus”, sometimes I remind King Crimson from your odd time, dissonance, and dynamism. Do you think old prog giants are one of the inspirations of this record?

【RYAN】: We’re not directly influenced by classic Prog Rock as much as it would appear, however I think we are indirectly influenced by their music filtered through other acts. Growing up, I always had an interest in progressive music, but I only really got truly into the bands Opeth and Rush. For “Visitations from Enceladus”, I would say that the main progressive influences came from the record “Pleiades’ Dust” by Gorguts, and “Dimension Hatross” / “Target Earth” by Voivod. From being fans of records that carry these progressive themes it didn’t seem unnatural for us to write a track twenty six minutes long. I would say we’re more influenced by the musicianship and individual performances from classic Prog records, than the music itself.

Q7: アルバムに宿る変拍子や不協和音は、時に KING CRIMSON を想起させますね? プログロックの巨人はかつて、”Moonbelt Immolator” のような壮大なエピックを創造していたわけですが…

【RYAN】: クラシックプログに直接影響を受けているわけではないけど、他のバンドの音楽から間接的には影響を受けていると思う。子供の頃からプログに興味を持っていたんだけど、本格的にハマったのは OPETH と RURH だけだったからね。
“Visitations from Enceladus” において、プログレッシブからの影響といえば GORGUTS の “Pleiades’ Dust” と VOIVOD の “Dimension Hatross” “Target Earth” だと思うね。ずっとそういったプログレッシブなテーマを持ち込んだレコードのファンだったから、26分という長さの曲を作るのは不自然じゃなかったね。
だから音楽そのものよりも、クラシックプログレコードのミュージシャンシップや個々の演奏に影響を受けていると言えるだろうな。

Q8: Recently, Old-school death metal are revivaling with new talents like Blood Incantation, Tomb Mold, Gatecreeper. And some of them also use Sci-fi themes. It seems you are between Thrash metal and Death metal, I feel. But do you think you are involved with that movement?

【RYAN】: Cryptic Shift doesn’t really consider ourselves part of the “Old-School Revival” movement, we are more interested in the idea of being recognised in creating music that keeps Thrash/Death Metal relevant. It would appear that for years and years, ‘modern’ bands would appear to sound the same, especially in blast-beat heavy Death Metal styles. The bands you mentioned above are doing something different by taking that classic sound and adding their own personal touches to the music. We love the bands Blood Incantation, Tomb Mold, Voidceremony, who all push themselves as performers, which is the most influencing part for us. I would say that whilst Cryptic Shift aims to push the boundaries of Thrash/Death Metal, we’re also aiming to push the boundaries of songwriting and creative concept story-writing in the general metal music scene. There are a great amount of incredible bands pushing Thrash and Death Metal forward in 2020, but not so many pushing progressive, technical, Sci-Fi songwriting – I believe this is where “Visitations from Enceladus” really stands out from the rest.

Q8: 近年、オールドスクールデスメタルのリバイバルが加速する中、BLOOD INCANTATION や TOMB MOLD といったバンドは奇しくも SF のテーマをコンセプトに掲げていますね?

【RYAN】: CRYPTIC SHIFT は自分たちを “オールドスクール・リバイバル” ムーブメントの一部とは考えていない。それよりも、スラッシュとデスメタルに的を絞った音楽を作ることに興味があるね。何年も何年もの間、”モダンな” バンドは、特にブラストビートでヘヴィーなデスメタルスタイルでは、同じように聴こえるように感じるからね。
君が挙げたバンドは、そのクラッシックなサウンドを取り入れつつ、自分たちの個性的なタッチを音楽に加えることで、他とは違うことをしているよね。だから BLOOD INCANTATION, TOMB MOLD, VOIDCEREMONY といったバンドは大好きなんだ。
CRYPTIC SHIFT はスラッシュ/デスメタルの境界を押し広げることを目指している一方で、広義のメタルシーンにおけるソングライティングと創造的なコンセプトのストーリーライティングの境界線をも押し広げることも目指していると言えるだろうな。
2020年にスラッシュとデスメタルを推進している素晴らしいバンドはたくさんあるけど、プログレッシヴでテクニカルなSFソングライティングを推し進めているバンドはそれほど多くはないからね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED RYAN’S LIFE

ATHEIST “UNQUESTIONABLE PRESENCE”

The first choice would be “Unquestionable Presence” by Atheist. The overall performances across all members on this record is beyond incredible and inspirational. This may be the only record out there which TRUELY influenced all members of Cryptic Shift when developing as musicians, and the record still does to this day – a timeless classic lesson in how to perform true Technical Death Metal.

最初に選んだのは、ATHEIST の “Unquestionable Presence”。 このレコードのメンバー全員のパフォーマンスは、信じられないほど素晴らしく、インスピレーションを与えてくれるね。CRYPTIC SHIFT のメンバー全員に影響を与えた唯一のレコードかもしれない。

PESTILENCE “SPHERES”

Second would be “Spheres” by Pestilence, this record is awesome and has a really cool Sci-Fi vibe to it throughout. The Allan Holdsworth influence on this record is amazing, and I love the Jazz feel to it. Also just look at the artwork! How cool is that? Where is that ship going? Is it even a ship? Who knows!

2番目は PESTILENCE の “Spheres “だね。このレコードも素晴らしくて、全体的にクールなSF的雰囲気を持っている。Allan Holdsworth からの影響も素晴らしくて、僕はこのジャズの雰囲気が大好きなんだ。あと、アートワークを見てみてよ。最高だよね?あのの船はどこに行くんだろう? そもそも船なのか? 誰が教えてよ!

GORGUTS “OBSCURA”

Third would have to be “Obscura” by Gorguts – the scariest record of all time. If you haven’t awaken to ‘sleep paralysis but it’s the ghost of Big Steeve Hurdle screaming The Cardinal State’ at least once – then you’re really missing out at the true terrors of existence. This record really pushes the boundaries of being totally weird. People hate this record because they can’t appreciate the level of musicianship, and that’s super unique and motivating to push myself.

3位は GORGUTS の “Obscura “だろう。このレコードは完全に”奇妙であること” の境界線を押し広げている。この作品を嫌う人たちは、その音楽性のレベルを理解できないだけさ。実にユニークで、僕自身を追い込むモチベーションになるアルバムさ。

DEATH “INDIVIDUAL THOUGHT PATTERNS”

Forth would be “Individual Thought Patterns” by Death. This record is great because it’s pretty laid back however Gene and Steve really hammer down on being creative with the rhythm section, which really influences myself and Cryptic Shift Bass player John Riley when jamming together. The drumming on this record made me realise how much more substance I can give to my performances by adding a little bit of flare, something which I’m constantly working on improving.

4枚目は DEATH の “Individual Thought Patterns “だ。 このアルバムはかなりレイドバックされていて素晴らしいんだけど、Gene と Steve はリズム・セクションの創造性を高めていて、それが僕と ベーシストJohn Rileyに影響を与えているんだ。このアルバムのドラミングは、自分のパフォーマンスにちょっとした炎を加えることで、どれだけ自分のパフォーマンスを充実させることができるか気づかせてくれたね。

MORBID ANGEL “FORMULAS FATAL TO FLESH”

The final choice would have to be “Formulas Fatal to the Flesh” by Morbid Angel. I don’t really know what to say about this choice other than it is no doubt the most extreme record of all time. Trey is totally in his own world the entire time, and the lyrics/songwriting efforts are ferocious. Steve Tucker appears to be possessed by whichever ancient spells Trey has decided to cast on him, and it’s terrifying. Pete Sandoval could more others less be considered insane, I have no idea how he could perform this fast, and live footage is even more off putting – this record makes me wanna quit playing drums and music all together. Just thinking about this record gives me the creeps, in the most overpowering and positive way possible.

最後のチョイスは、MORBID ANGEL の “Formulas Fatal to the Flesh ” だろうな。このアルバムは間違いなく今までで最も過激なアルバムだ。それ以外には何も言えないよ。Treyは終始自分の世界にどっぷり浸かっていて、歌詞やソングライティングの努力は猛烈。Steve Tucker は、Trey が彼にかけた古代の呪文に取り憑かれているように見えて恐ろしいね。Pete Sandoval は正気とは言い難く、どうやってこんなに速く演奏できるのか分からないし、ライヴ映像にはもっとビビるよ。このレコードのことを考えるだけでゾッとしてしまう。

MESSAGE FOR JAPAN

Keep and eye on the sky, I don’t know much about UFO sightings in Japan, but don’t let anyone tell you that there isn’t something visiting our planet. May the force be with you. Continue to support Sci-Fi Metal, give “The Phantom Menace” another try. Don’t trust anyone in power, because you are the most powerful being on this planet. Long live the music of Tomoko Aran. Support the invasion of Cryptic Shift in Japan, so that we can come and showcase our art to you, it’s a dream of mine to visit your country and perform for you! Check out “Visitations from Enceladus”, close your eyes and concentrate, let your mind be transported to deep space! Arigatou Gozaimasu!

空を見つめ続けようね。日本におけるUFOの目撃情報はあまり知らないけど、この星に何かが訪れていないとは誰にも言わせないようにしよう。フォースがあなたと共にありますように。これからもSFメタルを応援し続けて欲しい。権力者を誰も信用しないで欲しい。君はこの地球上で最も強力な存在だよ。亜蘭知子の音楽万歳。
CRYPTIC SHIFT の日本への侵攻を応援してね。君たちの国でプレイするのはずっと夢だったから。”Visitations from Enceladus” をチェックして、目を閉じ集中して、心を深宇宙へと誘うんだ! アリガトウゴザイマス

RYAN SHEPERSON

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BLOOD HARVEST RECORDS

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【LAMB OF GOD : LAMB OF GOD】


COVER STORY : LAMB OF GOD “LAMB OF GOD”

“How Did We Get To This Point Where You Think This Asshole Is The Paradigm We Should Aspire To As The Leader Of Our Country? I Think This Shift Started Around The Beginning Of The Anthropocene When Humans Really Started Affecting The Environment In Big Ways.”

LAMB OF GOD

80年代後半から90年代にかけてまずスカンジナビアから勃興した新たなメタルの波。MESHUGGAH, AMORPHIS, OPETH, IN FLAMES, EMPEROR といった傑物を輩出し、WALTARI の Kärtsy Hatakka が “ポストファーストメタルタイム” と呼んだそのムーブメントは、メタルの転換期にして、モダンメタルと現在のメタルシーンにとって架け替えのない重要なピリオドとなりました。
「スカンジナビアのバンドたちは、より幅広いスペクトルの音楽を聴くことで、メタルに “クレイジーさ” を加えていったんだ。」
Kärtsy が語るように、ある者は複雑なリズムアプローチを、ある者はグルーヴを、ある者はプログレッシブロックを、ある者はデスメタルを、ある者はエクストリームな残虐性を、ある者はフォルクローレを “ベーシック” なメタルに加えることで、彼らはモダンメタルの礎となる多様性を築き上げていったのです。
もちろん、ベーシックメタルからモダンメタルへの進化に寄与したのはヨーロッパのバンドだけではありません。特にテキサス州ダラス出身の PANTERA がメタル世界に与えた衝撃、グルーヴメタルの誕生は一つのビッグバンでした。特徴的すぎるギタートーンやドラムサウンドを差し引いても、獰猛さと重さ、そして独創性を更新した彼らの俗悪に悩殺する鎌首はあまりに異端でした。その “グルーヴ” の源は BLACK SABBATH でしょうか?ハードコアでしょうか?それ以上にむしろ、”南部” という出自が大きく影響を及ぼしているようにも思えます。

実際、Phil が特別敬愛し、インスピレーションを得ていた隣州ニューオリンズが誇る EXHORDER の Kyle は弊誌のインタビューで、「俺たちみたいに、THE METERS, Dr. John, THE NEVILLE BROTHERS, Allen Toussaint みたいなクラッシックなニューオリンズのバンドを聴いて育てば、血や魂までその色に染まることになる。ニューオリンズには偽りなき本物のスウィングとグルーヴが存在するんだ。とは言えそれは沢山のバンドによって真似されているんだけど。そうやってルイジアナ南東部のリラックスしたアティテュードに浸れば、君も南部の男になれるさ。」と語っています。
そして PANTERA の遺志を引き継ぎ、南部の音魂を現代へと繋げるバンド LAMB OF GOD がバージニア州リッチモンドから登場します。かつてアメリカ連合国の首都が置かれた歴史の街は、ブルーグラス、カントリー、オールドタイムストリング、ブルース、ジャズとまさに音魂の坩堝です。そして明らかに、LAMB OF GOD の音の葉はより鮮明にその南部の風とグルーヴにそよいでいるのです。

仮にここ日本において、LAMB OF GOD が PANTERA ほどのネームバリューを得られていないとするならば、おそらくそれは Dimebag のような凄まじいアイコニックなシュレッダーが存在しないからかも知れませんね。とはいえ、それは Mark Morton と Willie Adler の技量が少しでも劣ることを意味しません。いやむしろ、彼ら2人こそがモダンメタルのリフワークを決定づけたと言えるのではないでしょうか。
パワーコードや開放弦のダウンピックが主体であったベーシックメタルのリフはある意味演奏が単調で、シュレッドに比べれば易しいものが多かったと言えるでしょう。彼らはそのギターリフを、ギターソロ並みに難解かつ複雑しかしエキサイティングかつインタレスティングな領域へと昇華した最初のバンドの一つでした。
BETWEEN THE BURIED AND ME, PROTEST THE HERO, MASTODON, PERIPHERY。今でこそ、当たり前となったリズムとシュレッドを複雑に突き詰めた千変万化変幻自在な現代的リフワーク。もちろん、北欧のメロディックデスメタルも遠縁の一つでしょう。ただし、より創造的な雛形は EXTREME の “Cupid’s Dead” だったのかも知れません。Nuno Bettencourt がファンカデリックにしかしプログレッシブにテクニカル極まるリフをつなぎ合わせ、ギターソロと同等もしくはそれ以上のカタルシスを生み出した楽曲は間違いなく多くの後続に影響を及ぼしました。そして次にその試みをより現実的に体現したのが Mark と Willie だったのです。

LAMB OF GOD といえば、Randy Blythe の張り裂けんばかりの咆哮を想起するのは当然ですが、仮にそれがなくても彼らの楽曲は充分に機能します。実際に演奏してみればわかりますが、彼らのリフワークはギタリストにとって手癖のような運指が極力排除されていて、熟練者でも何度かトレースしないと馴染まないような構成になっています。リズムやグルーヴも刻々と変化するなかで、プリングのオンオフや三連符が組み込まれ、さらにダブルギターの魔法を宿しながらモチーフやパターンをいくつも用意して単調さを一分も感じさせないよう非常に計算されて作り込まれているのです。
特筆すべきは高音弦やハイフレットをリフに組み込んで低音とのコントラスト、さらにはメロディーまでも補完している点でしょう。そうして、リズム隊との完璧なコンビネーションでグルーヴという総合芸術を製作していくのです。
さらに言えば、Randy Blythe は “Omerta” のスロウでマスマティカルなグルーヴこそが最もリッチモンドらしい音魂だと語っています。
「リッチモンドは、少なくとも80年代後半から90年代前半にかけては、マスロックと呼ばれていたものの拠点だった。今のマスロックとはだいぶ異なって、それはリッチモンドのハードコア・シーンにまで遡るんだ。 HONOR ROLE というバンドがあって、奇妙な変拍子を得意としていたね。特に伝説のギタリスト、Pen Rollings は BUTTERGLOVE というバンドに転向してヘヴィになったんだ。 その後、彼らは BREADWINNER というインストゥルメンタルバンドになった。スティーヴ・アルビニは彼らのEPをいくつかプロデュースしているんだけど、インストゥルメンタルでありながら、俺も含めて、全員に大きな影響を与えているんだよ。」
LAMB OF GOD の硬質で数学的なインテリジェンスは、古のマスロックが起源でした。そこに先述のブルースやジャズ、ブルーグラスにカントリーといった多様な南部の魂が透けて見えるのですから、LAMB OF GOD こそがモダンメタルの帝王、グルーヴメタルマスターと称されるのも当然でしょう。

Mark Morton に言わせれば、「まず自分たちを驚かせなきゃ。結局、何度も何度も何度も何度も演奏するのは自分たちなんだから、俺らがワクワクしなきゃ。」
つまり、予測可能なことを回避することで LAMB OF GOD はその地位を築き上げてきたのです。NWOAHM などと下らない場所に括られていた時でさえ、彼らはスラッシュとハードコアのルーツを強調していましたし、スクリームとグロウルが武器だと思われていた Randy にしても、徐々にムーディーなクリーンヴォーカルを取り入れていくようになりました。
実際、”Memento Mori” の冒頭には SISTERS OF MERCY の Andrew を彷彿とさせるメランコリックなボーカルと不気味なギターの回廊が刻まれていますし、”Bloodshoot Eyes” にはゴシックと狂気の狭間でさらなる高みを目指す Randy の姿が映し出されています。
「エクストリームメタルの世界で最も滑稽なのは、クリーンボーカルが聴こえた瞬間、誰かが突然家に入ってきて高価な絨毯を台無しにしたかのように気が狂うような人がいることだよ。でも俺は歌えと言われれば歌うんだ。」 Randy の言葉には皮肉が宿ります。

新たなアンセム “Checkmate” の一方で、スタンディング・ロック保留地における石油パイプライン建設に抗議するため TESTAMENT の Chuck Billy を起用し、ネイティブアメリカンの血を汲むそのリアルこそ彼らのやり方。同時に、サイケデリックなベースラインと推進力を宿すギターワークの不思議なダンスが魅力的な “Reality Bath” も、心を揺さぶるレコードのハイライトです。8歳の少女が銃乱射の犯人が闊歩するビルに取り残された描写は息を呑みます。
「高校時代、俺のバージニア州の田舎じゃ子供たちは森の中で狩りをしていたから、そのまま学校に来ていたよ。時には鹿の死体をピックアップトラックの荷台にぶら下げて、銃とガンラックを持って学校に来ることもあったくらいさ。大したことじゃない。誰もがそう考えていた。だけどそんな古き良き少年の一人が銃を持って学校に入り生徒を吹き飛ばし始めるんだ。それが現実だよ。」
LAMB OF GOD とは神の子羊、転じてキリストを指す言葉でもあります。そのバンド名を冠したセルフタイトル “Lamb of God” は文字通り、全てが破綻した欺瞞と分断、そして試練の2020年に様々な意味で福音をもたらすレコードに違いありません。

RANDY BLYTHE

「俺らはみんな死ぬんだ!」COVID-19ウイルスが蔓延し、死者数が増加し続けるアメリカで、人々の日常生活は深刻な混乱に陥っています。LAMB OF GOD の大統領 Randy Blythe はその加熱する報道、恐怖から真実を読み解こうとしています。
「俺らは今コロナウイルスを経験しているけど、数年前はエボラだった。たしかに今はクレイジーだけど、世界には常にそんな理不尽が存在してきたんだ。ただ、現代に生きる俺らはスマホやPCを持っていて、この終わりのない残虐性と恐怖のサイクルを24時間常に受け取り続けることになる。」
新たなグルーヴメタルの金字塔 “Lamb of God” で Randy は、大量殺人、外国人恐怖症、オピオイドの流行から、空虚な消費文化、差し迫った生態系の破壊まで、現代社会を悩ませている様々な問題を掘り下げていきます。
オープナー “Memento Mori” は、コロナに端を発する真偽不明な情報の飽和をテーマとしています。彼自身、ニュースフィードを監視することに夢中になりすぎ、そこから適度な情報の断捨離が精神的、肉体的な健康に不可欠であると気付いたことから生まれた楽曲。
「メディアの中では生きていけないんだ。”Memento Mori” は、目を覚ますことをテーマにしている。目覚めろ!目覚めろ!目覚めろ!と、自分に言い聞かせているんだよ。人に説教しているわけじゃない。Randy に話してるんだ 。気が狂いそうだったからね。」

時事問題に取り組み、人間の本性の暗部に立ち向かうことは、LAMB OF GOD にとって決して新しいことではありません。2000年のデビュー作 “New American Gospel” からずっと、リッチモンドの刃は、その獰猛で技術的にも衝撃的なメタルと、社会的政治的な問題、歪みに対する痛烈な意思表示、そして深い内省を組み合わせてきたのです。
警官による暴力 (“D.H.G.A.B.F.E “) やイラク戦争(”Ashes of the Wake”)、音楽業界のエゴ(”Redneck”)、そして Randy 自身が2012年にプラハで過失致死罪で投獄、裁判、無罪判決を受けた試練(”512″)に至るまで、テーマは多岐に渡ります。そうして彼らの社会を鋭く切り取るナイフは、モダンメタルの先頭に立ちながらグラミー賞へのノミネート、ゴールドディスクの獲得という結果に繋がったのです。
遂にセルフタイトルを冠した新作において、バンドは初の出来事をいくつか経験することになりました。最も重大な出来事は、創設ドラマーの Chris Adler の脱退でしょう。Chris は過去7作すべてで演奏していて、バンドの前身 BURN THE PRIEST としても2枚のアルバム(1999年のセルフタイトル盤と2018年のカバーアルバム “Legion: XX”)を残しています。
2018年、LAMB OF GOD はオートバイ事故で負った怪我のリハビリを続ける Chris のライブにおける代打として、Art Cruz(WINDS OF PLAGUE)をスカウトしました。そして翌年の7月、Randy, ギタリストの Mark Morton と Willie Adler (Chris の弟), ベーシスト John Campbell は声明を発表し、Art が Chris のパーマネントな後任となることを発表したのです。Chris の脱退をめぐる状況については、関係者全員が沈黙を守っています。唯一 Chris が残したのは、「俺はライフワークである音楽を辞めるという決断をしたわけではない。真実は、独創性に欠ける塗り絵を描きたくないだけなんだ。」という言葉でした。

ただし Randy は、Art Cruz を含むバンドの現在の状態がいかに素晴らしいか語ります。
「5人全員が部屋にいる時の共同作業はとても良い雰囲気になっていたよ。俺もこのアルバムでリフを一つか二つ提供したんだ。演奏したんじゃなく、Mark にハミングして聞かせたんだよ。そんな風にお互いの素材を盗むことがたくさんあった。Willie の曲を Mark がハイジャックし、時には Mark がその逆をするんだ。そうやって過去最高の LAMB OF GOD の楽曲たちが生まれたのさ。」
新加入Art について、Randy はどう感じているのでしょう。
「新人だから、やっぱり最初は少し腰が引けていたと思う。しばらく一緒にツアーをしていたけど、俺らは成功していて、高校時代に彼のお気に入りのバンドだったんだ…だから、最初は少し緊張していたと思うけど、すぐに発言するようになったんだよ。それが俺たちが望んでいることだよ。イエスマンは要らないから。その時点でドラムをプログラムした方がいいかもしれないね。でも俺らは彼にChris Adler になって欲しくなかったんだ…彼は Chris とは違うドラマーだから、彼自身の味を出して欲しかったんだ。実際、違うことをたくさんやっている…ドラムオタクは彼はこんなことをやってる…彼は “クリス・アドラー” じゃないと言うだろうけどね。」
とはいえ、Randy はレコードの製作があまり好きではないと告白します。
「俺たちは SLAYER と18ヶ月もツアーをしていたんだ…その合間にMark と Willie はプロデューサーとライティングセッションを重ねていた。それから何ヶ月も休んでいたよ。 戻ってきて、ある程度の距離ができて、それはいいことだと思うんだけど…俺はレコードを作るのが好きじゃないんだ。頭の中が混乱して、消耗してしまうんだ。レコーディングに行くと、体力が消耗して、喉が張り裂けそうになる。歌詞を書くのは楽しいけどね … だから、”Lamb of God” の製作が楽しかったとは絶対に言わないと思うけど、作曲セッションの時の雰囲気は、おそらくバンドの中で最高のものだったと言うことにするよ。」

“Lamb of God” は、Randy が曲を書く前に歌詞の全体的なコンセプトをチャート化した初めての作品でもあります。Randy は政治的な発言をしたいと思っていましたが、特定の個人や政権に自分の歌詞をフォーカスしたくはなかったのです。そこで彼は、友人である 世界的に有名なアルペンクライマーであり、パンクロックマニアでもある Mark Twight の助けを借りて、社会悪の原因や歪みの状況を深く掘り下げていきました。
そうして、”New Colossal Hate “では所得の不平等と差別を、”On the Hook “では大手製薬会社が大衆に中毒性のある薬を飲ませていることを取り上げ、”Poison Dream “では環境を汚染する企業に立ち向かっていきました。
「ドナルド・トランプはもっと大きな問題に巣食う一つの症状に過ぎない。友人の Mark Twight と話していて、『現政権についてのセンセーショナルなレコードは書きたくない』と思ったんだ。彼は王様のように振舞っているから、やることなすこと毎日非難を続けるなんてバカげてる。それよりも俺は、なぜこうなってしまったのか、なぜあんなアホをリーダーに求める国になってしまったのか、こうなることを許した俺たちの意識、現在の環境について掘り下げたかった。」
リードシングル “Checkmate” も強烈ですが個人を対象としたプロテストソングではありませんでした。
「このアルバムには、個人をテーマにした曲は一つもないんだ。 2004年のアルバム “Ashes Of The Wake” の時代、ジョージ・W・ブッシュがいた時は、イラク戦争や大量破壊兵器の神話があったから、彼のことを具体的に書くのは簡単だったけどね。全ては表裏一体なんだ。今人々は政党を政策のためではなく、スポーツチームのように支持しているから。歌詞にはそれが反映されているよ。こんなシステムはまさに詐欺だ。ドナルド・トランプをバッシングするようなレコードを書くのは、むしろ無駄なことだと思うんだ。だから “Checkmate” は共和党のことではないんだよ。むしろ今の両政党がいかに表裏一体の関係にあるかを描いているのさ。」

Randy の中に、歌詞を通して人々を啓蒙したいという思いはあるのでしょうか?
「というよりも、自分で考えてもらいたいんだよ。今、アメリカや他の国でも大きな問題になっているのは、政治的分裂が世界的に広がっていること。誰も個人単位で話をしていないだろ?今の政治の世界には群集心理が強く存在して、それはインターネットにも波及しているんだ。リベラル派は「お前らはネオナチで保守的すぎる」 保守派は「お前らはリベターだ」。俺には小学3年生のように思えるね。大人がオープンな会話をしているようには聞こえない。俺はあんな感じの大規模な集団思考のアイデンティティーが苦手なんだ。でもそれが国民の精神を支配している。」
一つの意見、一つの思想だけでその人物の全て、人格まで憎んでしまう世の中です。
「親しい友人にもトランプに投票したやつがいるけど、彼らはナチスでも人種差別主義者でもない。だから今でも親しいままさ。だけど、グループ思考、群集心理で人を一つのグループにまとめまるから、自分たちが他のグループを非難できるかのように感じてしまう。それが今、大規模に起こっているんだ。意見の合わない人とコミュニケーションをとるのは難しいよ。コンピュータの画面の後ろから、お互いに叫ぶ方が簡単じゃないか?勇気を持って直接会って話をする方がよっぽど心がこもっている。 そうしないと死んじゃうよ…」
誰に向けて歌詞を書いているのでしょう?
「自分のために歌詞を書いているんだ。これは俺の表現で、ファンが好むかどうかは考えていない。ファンを喜ばせるために書き始めたり、ファンが望むことをし始めたら、ボーイズバンドになってしまう。ハリウッドからプロデューサーがきて、適当に受けるソングライターを雇ってね。そうなってしまったら、音楽は偽りになってしまう。」

Randy は “リアリティTV” プレジデントと消費者主義の賛美から、産業革命とその環境への影響までの線を辿り始めました。そのエクセサイズとして、Randy は”社会で問題となっている様々なこと、そして人々がそれらのことに対して声を上げる様々な方法” を取り上げた約17曲の楽曲トピックのリストを作り上げたのです。
ではトランプから産業革命まで遡る、その思考の鍵はどこにあったのでしょう?
「俺は他の皆と同じように、現代文化の中に罪悪感を持っている。なぜならアメリカに住んでいるからだよ。ここには消費文化があり、物質的な所有物、富と名声がある種の満足感と内なる幸福感をもたらすことになるという考えがある。そこへの盲目的な固執だよね。それが今の問題だと思うんだ。普通に考えて、金持ちで金のトイレを持ってるからと言ってクソ野朗が大統領になるべきではないだろう?
なぜこんなクソ野郎がリーダーに望まれる世の中になった?シフトしはじめたのは、人類が環境に大きな影響を与え始めた産業革命の頃からだと思う。人類は大量生産を始め、消費者階級が生まれた。大量販売の広告も発明された。だから、俺は産業革命から振り返る必要があると思う。消費文化のアイデアが生まれ計画された場所からね。」

このアルバムにおけるテーマの核となっているのは、アンセム的な”Memento Mori” で、Randy は恐怖を煽るようなニュースに対抗し、希望、力強さ、そして昔ながらのカルペディエムの精神をメッセージとしています。
「メメント・モリとは、僧侶たちがかつてお互いに言いあっていた言葉なんだ。君はいつかは死ぬよってね。俺の知る限り人生は一度きり。たとえ複数の人生があったとしても、この一度の人生を最大限に活かしたいと思わないかい?」
ここ数年、Randy に注目してきた人なら誰でも知っていることですが、この言葉は抽象的な概念や空虚な決まり文句ではありません。なぜなら彼は明らかに地上での限られた時間を有効に使っているからです。
LAMB OF GOD での音楽活動はもちろん、GOJIRA, BODY COUNT, BAD BRAINS, PIGFACE といったアーティストとのコラボレーション、自伝 “Dark Days” や TESTAMENT の Alex との共著 “Unbuilt” の出版 、サーフィン、写真、草の根の活動の支援と休む暇もありません。
「ファンからもらった最高の贈り物は?って聞かれたんだけど、”あなたの音楽は人生で本当につらい時期を救ってくれた” って言葉だね。最高に気持ちがいい。”ゴールドディスクを手に入れた!”よりも全然いい気分だ。ゴールドディスクなんてどうでもいい。2枚持ってたけど、慈善事業のためにオークションに出したよ。乳がんのチャリティなんかにに小切手を送ると、すごく興奮するんだ。自分勝手な感情かもしれないけど “あなたはいい人だ “って思えるね。気分が良くなるから。」
いつか世界は滅びるかもしれないし、みんなが死に絶えるかもしれません。しかし Randy の中では、まだ全てが燃えるのを見届ける準備はできていません。
「100パーセントが皮肉のレコードじゃない。希望の瞬間もあるよ。俺はただ立ち止まって、全てがクソだなんて言っていたくはないからね。我々にあるのは今この瞬間だけだ。今までの人生は こうした瞬間の連続だった… だから、この一瞬を最高のものにしたいんだ。」

参考文献: REVOLVER: LAMB OF GOD: RANDY BLYTHE ON UNITED NEW LINEUP, BITING NEW ALBUM, STRANGE NEW WORLD

LOUDWIRE:Lamb of God’s Randy Blythe: You’re a Boy Band If You Write Music to Appease Others Read More: Blythe: You’re a ‘Boy Band’ If You Write Music to Appease Others

SPIN:Q&A: Randy Blythe on Lamb of God’s New LP, Punk, Politics and CBGB’s Legendary ‘Throne’

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COVER STORY + INTERVIEW 【KING DIAMOND : MASQUERADE OF MADNESS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ANDY LAROCQUE OF KING DIAMOND !!

“I Think The Difference Between King Diamond And Mercyful Fate Is, Mercyful Fate Gotta Little More Maybe 70’s, Roots In It’s Music Style. In My Opinion, While Kind Diamond Has Always Been Little More Murderer.”

MASQUERADE OF MADNESS

GHOST が存在する遥か以前から KING DIAMOND の劇場的オカルトはメタル世界を侵食していました。コペンハーゲン郊外に生を受けた Kim Bendix Petersen は、サタニックメタルの始祖 MERCYFUL FATE で King Diamond への羽化を完全に果たします。
MERCYFUL FATE が80年代初期に残した二枚のアルバム “Melissa”, “Don’t Break the Oath” は実際、メタルの歴史を変えました。コープスペイントで頭蓋骨を仰ぎ、足の骨でマイクスタンドを拵える真性の異端児。地獄の底から絞り出すような唸り声から、悪魔が囁くファルセットまで、奇々怪界を紡ぐため死の世界から舞い戻った幽鬼。そんな King のオカルティックな詩篇とシアトリカルな美学は METALLICA, SLAYER から後の北欧ブラックメタルシーンにも多大な影響を及ぼしたのです。
では、King の特徴的なファルセットやシアトリカルな仮装はどこから来ているのでしょうか?
「あのファルセットは、BLACK ROSE 時代にファンからもっとファルセットを使えと言われたのが始まりなんだ。おかげで歌唱のテクニックや空気のコントロールなど多くのアイデアを得ることができたんだ。シアトリカルな仮装は Peter Gabriel と Alice Cooper だね。GENESIS のライブを見て、音楽に合わせた “演劇” の重要性を悟ったんだ。」
象徴的な “Melissa” の頭蓋骨はどこで手に入れたのでしょう?
「兄から貰ったんだ。マイクスタンドにしていたクロスボーンもね。彼の友人の父が医者をしていて、提供された死体を使って学生に授業をしていたんだ。授業が終わると、皮膚を剥ぎ取って骨を樽に入れていた。それで手に入れることができたんだ。だけど彼女はショウで盗まれてしまったんだよ。」
METALLICA との邂逅は印象的でした。
「84年に MOTORHEAD が USツアーに連れていってくれたんだ。その時誰かが METALLICA を教えてくれたんだけど、ドラマーがデンマーク人だという。よくよく調べると Lars の父親は有名なテニスプレイヤーだったんだ。だからアンコールでステージに上げたんだよ。そうして、”Ride the Lightning” をコペンハーゲンで録音することになったのさ。あの時彼らが泊まっていた私のアパートはお化け屋敷だったんだけど (笑)」
MERCYFUL FATE が “音楽的方向性の違い” により分裂した後、Kind は自らの名を冠した新たな魑魅魍魎 KING DIAMOND を結成し、これまで以上にエピカルでシアトリカルな道を辿ります。1987年にリリースした “Abigail”は、霊と家族の暗い秘密をコンセプトに認めて今でもメタルのオールタイムクラッシックとして名を馳せ続けています。
「ファーストアルバム “Fatal Portrait” には、MERCYFUL FATE のために書かれた楽曲もあったけど、5曲のミニストーリーも存在したんだ。それがとてもしっくりきて、ホラーコンセプトアルバムを作りたいと思ったわけだよ。音楽もそれに伴い進化して、より演劇的になっていったね。BLACK SABBATH はたしかにダークサイドを音にし掘り下げていたけど、私たちはフェンスの向こう側に立って別の視点から見ていたんだよ。」
長年の相棒、ギタリストの Andy LaRocque は弊誌独占インタビューで MERCYFUL FATE と KING DIAMOND の違いについてこう語ります。
「MERCYFUL FATE はより70年代的で、ルーツを探るような音楽スタイルだよ。一方で、KING DIAMOND は僕の考えではいつだってより猟奇的なんだ。」
後のブラックメタルサークルが起こした一連の事件に対して King はどのような感情を抱いていたのでしょうか?
「ちょっと大げさだったよね。だって暴力や放火に関わっていたのはほんの一部でしょ。ほとんどのバンドは関わっていなかった。もちろん、殺人や暴力を肯定しているわけじゃないよ。私は蜘蛛も殺せないんだ。捕まえて逃すだけさ。」
以後、King は時に復活した MERCYFUL FATE と二足のわらじを履きながらその怪奇譚、悪夢の物語を綴り続けました。創作が暗礁に乗り上げたのは、2010年。心臓発作に苛まれた King は、3度の心臓バイパス手術を受け、死の淵を彷徨います。回復の過程で、長く音源のリリースから遠ざかりましたが遂に今年、KING DIAMOND として完璧な新曲 “Masquerade of Madness” を発表。MERCYFUL FATE も再度の復活を宣言し、古の悪魔の不死を証明しています。
「あれ以来、タバコも一本も吸っていない。健康的な食事と運動も欠かさないよ。全てが良い方向に向かっている。2度目のチャンスを得たんだからね。」
間違いなく復活のマスカレード “Masquerade of Madness” には失った時を取り戻す魔法がかけられています。Andy はこう力強く語りました。
「80年代の僕たちと “Masquerade of Madness” にはたしかに多くの共通点があるね。
実は、僕たちはファーストアルバムを振り返って、最初の最初に実際何をやっていたのかチェックしてみたんだ。この曲のライティングやレコーディングを行なっている時、これはあの曲のあの部分ぽくしようなんて思ったわけじゃないんだけど、それでもあの振り返りのおかげで間違いなくこの曲にはオールドアルバムのヴァイブがあるよね。」

NIGHTMARE

2014年、KING DIAMOND のキャリアを総括するコンピレーションとしてリリースされた “Dreams of Horror”。そのタイトルはまさにバンドと King の全てを体現していました。
デンマークから現れた怪異は、黒のトップハットにコープスペイントを施し、悲鳴のようなファルセットで瞬く間にメタル世界の台風の目へと躍り出ました。その KING DIAMOND が抱える不気味と不吉の元凶は、King が長い間悩まされてきた夜の恐怖に端を発しているのです。
「散々悪夢を見てきたよ。目が覚めたら誰かを殺してしまったと思うこともあった。それから15分くらい、どうやってその殺人を隠蔽しようか考えていたりね。」
とはいえ、King Diamond ほどの知名度で捜査の手から逃れることは難しいでしょう。オカルトメタルのパイオニア MERCYFUL FATE のフロントマンにして、Church of Satan のメンバー、”Abigail” や “Them” といったコンセプチュアルホラーの創立者は、メタル史において最も認知されている “声” の1人に違いありませんから。
事実、METALLICA の秀逸なカバーは語るまでもありませんし、Phil Anselmo からの敬愛、さらに Kerry King は SLAYER の “Hell Awaits” が MERCYFUL FATE の子供であることを認めています。
King を突き動かすのは彼の鮮明な悪夢。「目が覚めた時はホッとしていることが多いね。人が死ぬ、ペットが死ぬ、奇妙なことが起こる、車が粉砕されたり、争いに巻き込まれたり。大抵は非現実的な夢だよ。飛び立ったあと急に落下して、地面に墜落する直前に目が覚めたりね。起きた時に叫んだり、汗びっしょりだったりするよ。片腕は痺れていて、今のは何だったんだ?って思うんだ。」
それでも、自らの地獄のような夢の世界を探求することは、King にとって生涯の使命であり、創造性の源とも言えます。
「悪夢を見るとその原因を考える。時には同じシナリオの悪夢を連続してみることもあるよ。それで本当にその悪夢が現実になるんじゃないかとか思ったりしてね。眠りに落ちて、また同じ夢に吸い込まれ、あんな悲しい思いはしたくないって思うよ。だけどたまには、あの場所に戻って解決できるかみてみたいと思うこともあるんだ。」
昨年、およそ20年ぶりの再結集を発表した MERCYFUL FATE。バンドの金字塔である1984年の “Don’t Break The Oath” に収録された “Nightmare” も King の悪夢に根ざしていました。
「子供のころの夢さ。兄が隣のベッドで寝ていてね。そしたらフードを着た男が突然部屋に入ってきて、オマエの運命は尽きかけている!と私を指さすんだ。私は恐ろしくて兄を起こそうと叫ぶんだけど、声は出なかった。」
King は現在、2007年 “Give Me Your Soul…Please” 以来となる新作の制作に熱を上げています。2010年、生死の境を彷徨った心臓のバイパス手術から蘇る不死の王。
「とても特別な方法で書かれたアルバムになるよ。1枚で全てを語ることはできないから、2枚組になるだろうな。これまでで最悪の悪夢だよ。あの心臓手術から目覚めて、私は窒息しそうな気がしてパニックになった。口から人工呼吸器のチューブを抜こうとしたんだよ。妻リヴィアがすぐに走ってきて、ようやく私は医師たちが命を助けようとしていると悟ったんだけど、ベットに縛り付けられていた。まるで METALLICA の “One” の世界観だよ。」
故に、人工呼吸器の音を新譜のイントロやライブのエフェクトに使用しても不思議ではありません。
「地獄がどんなものかはわからないけど、あのゆっくりとしかし確実にいつも首を絞められているような感覚よりはマシだろうな。私はあの人工呼吸器の音を聞くだけで悪夢を見てしまうだろうな。」
ただし、そのライブに纏わる悪夢も King を悩ませてきました。
「私はショウの前に衣装やメイクで長い時間が必要なんだが、目覚ましが鳴らなくてスッピンで出る羽目になるってシナリオもあったな。ギタリストの Andy が普通のロックンロールをプレイし始めて、シアトリカルなメタルを期待しているファンから物を投げられたりする悪夢もあったよ。私はステージ裏に身を潜めていたが、コープスペイントの女性に見つかりマイクスタンドで応戦したりね。フルメイクで逃げ惑って一線を超えたファンを振り払いながらバスに乗り込んだんだ。」
定期的に見るのは戦争の夢。1987年に亡くなった父が、第二次世界大戦中、デンマークのレジスタンスに参加していた時の話を King はよく聞かされていました。
「ナチスに追われる夢を見るんだ。ドイツ軍に占領されていた5年間、ここでも多くの粛正が行われた。父は連合軍のコペンハーゲン奪還を手伝ったんだよ。子供のころは、父に誰かを殺したことがある?ってよく尋ねていた。彼は決して答えなかったけどね。」
夢が現実になることもあります。20年以上前に King は “From the Other Side” という楽曲を仕上げ、”The Spider’s Lullabye” のオープニングに収録しました。
「あの曲を聴くとまるで手術台の上にいるような気分になる。そして突然体から離脱して、自分のために戦っている医師たちを天井から見下ろすんだ。自分はセカンドチャンスを得られるのか、得られないのか。後に心臓の手術を受けた時、下を見下ろすと悪魔が魂を奪い去ろうとしていた。だから悪魔と戦わなければならなかったのさ。最初は夢だったんだが、私は後にそのシナリオを経験したのさ。」
いつか正夢になって欲しい夢もあるのでしょうか?
「宝くじに当たるとか?時々はそんな夢も見るよ(笑)」

参考文献: REVOLVER:KING DIAMOND: THE DARK VISION, BAD DREAMS AND NEAR-DEATH OF AN OCCULT-METAL ICON

KERRANG!: KING DIAMOND: “IF THERE IS A HELL AND I GO THERE WHO CARES? I’VE ALREADY FACED IT”

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THE HIRSCH EFFEKT : KOLLAPS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ILJA JOHN LAPPIN OF THE HIRSCH EFFEKT !!

“Plain, Aggressive Music With Odd Time Signatures Would Probably Be Boring For Us In The End, If We’d Only Stick To That Kind Of Music. Allowing Different Moods And Genres To Come In Has Kept Such Music Interesting And Exciting”

DISC REVIEW “KOLLAPS”

「結局、奇妙な拍子記号があるだけのプレーンでアグレッシブな音楽は、そこに固執するのであればおそらく僕たちにとって退屈だろうな。異なるアトモスフィアやジャンルを取り入れることは、そんなテクニカルな音楽を面白く刺激的なものにしてくれたんだ。」
自らを “Indielectropostpunkmetalmathcore” と称するハノーファーの異分子トリオ THE HIRSCH EFFEKT は、目眩くジャンルの島々を巡りメタルの多音美を実現する挑戦的な吟遊詩人です。
「このレコードの大半は、フライデーフォーフューチャーと世界の気候変動問題について扱っているんだ。よりドキュメンタリータッチで、客観的にね。グレタ・トゥーンベリに触発され、彼女のスピーチからいくらか派生した楽曲もあり、引用として使用している部分もあるよ。だからスウェーデン語のタイトルなんだ。」
THE DILLINGER ESCAPE PLAN から LEPROUS, 果てはストラヴィンスキーまで、無限にも思える音のパレットを備えた THE HIRSCH EFFEKT にとって、その言語的な多様性も彼らの絵音を彩る重要な筆に違いありません。
自らのバンド名が象徴するように、母国語であるドイツ語の響きでユニークな異国情緒を奏でながら、最新作 “Kollaps” において、楽曲にスウェーデン語のタイトルを冠することで若き環境活動家の蒼を観察者としての視点から紡いで見せるのですから。
「典型的な3ピースとしての、ベース、ギター、ドラムのバンドサウンドの退屈さを感じた時、僕たちはひらめいたんだ。バンドのサウンドから遠ざかり、ストリングスセクション、合唱、ホーンなどのクラシック音楽の要素を組み込んだり、モチーフやバリエーションのメソッドを拝借したら、もっとエキサイティングな楽曲になるんじゃないか?ってね。」
興味深いことに、メンバー3人のうちギター/ボーカルの Nils とインタビューに答えてくれたベーシスト Ilja は、ドイツの音楽大学で幅広い教育を受けています。ゆえに、典型的なロックサウンドに飽き足らず、クラッシックやエレクトロニカ、ノイズにジャズと、その好奇と冒険の翼を果敢に難解に広げることはある意味必然でした。
ゆえに、THE DILLINGER ESCAPE PLAN や BETWEEN THE BURIED AND ME との比較は避けがたい運命とも言えるでしょう。実際、”Noja” を聴けば彼らのアグレッシブでカオティックな奇数拍子の猛攻が、OPETH の知性とブラックメタルの咆哮を介しながらも、TDEP のスタイルをある程度基盤としていることに気がつくはずです。そこに絡み合う異質なアルペジオと英語のスポークンワードが重なることで、世界は不可思議な胎動を始めるのです。
ただし、THE HIRSCH EFFEKT はただリズミックにのみ実った果実ではなく、ハーモニックにも芳醇な甘い実をつけました。MESHUGGAH と SikTh の重音異端が流麗に花開く “Declaration”、LEPROUS の狂気を煮詰めた “Domstol”、NINE INCH NAILS の内省的シネマを投影した “Bilen”。さらにアルバムを締めくくる “Agera” には、Steven Wilson にも通じるメロディーの哲学と感情の絵画が広がります。
これほどの多様性、色彩を備えながら一つのアートとして完成したアルバムは、まさに Ilja が語る通り、”美術館のアートギャラリーを歩くような” 芸術的広がりを有しているのです。
今回弊誌では、Ilja John Lappin にインタビューを行うことができました。「”The Fragile” は実は僕のフェイバリットレコードの1つで、作詞作曲のみならず、プロダクション、サウンド、ジャンルの多様性に関するオルタナティブロックやメタルの重要かつ広く認識されたランドマークだよね。 」どうぞ!!

THE HIRSCH EFFEKT “KOLLAPS” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PARADISE LOST : OBSIDIAN】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH AARON AEDY OF PARADISE LOST !!

“You Have To Follow Your Heart And Soul Or Else You Can Sound a Little Dishonest With Your Craft. I Think If We Had The Mentality Of “Draconian Times Did Well, Let’s Make Another One!”, We Would Have Probably Split Up With The Following Years As It Would Have Felt Empty And Void Of Soul.”

DISC REVIEW “OBSIDIAN”

「僕たちは自分自身のサウンドを完璧なまでに見つけていて、過去32年間でバラエティーに富んだスタイルを実現してきたんだ。つまり、悲惨のタペストリーを幅広く描いてきたわけだよ。」
抑圧と絶望渦巻くコロナ禍の2020年に求められるのは、希望と解放を宿した慈光の音楽でしょうか?少なくともメタル世界では、負を帯電したダークな響きに慰めとカタルシスを求める殉教者が決して少なくないようにも思えます。ただネガティブな感情を瓶に詰め覆い隠すだけでは、きっと自己破壊的な暴発が待っているだけでしょう。
「PARADISE LOST の精神はいつだって何よりも、まず自分たち自身の喜びのために音楽を作ることだからね。心と魂に従う必要があるんだよ。そうしなければ自らの創作物が少し不正直に見られ聞かれるかもしれないからね。 「”Draconian Times” は上手くいったから、もう1つ似たようなものを作ろう!」ってメンタリティーを持っていたとしたら、空虚な気持ちになって魂の欠如を感じ、おそらく次の年には解散していただろうな。」
つまり、PARADISE LOST が描くゴシックドゥームの “悲惨なタペストリー” こそが、暗澹たる黒雲を払い、導きの光となる可能性を秘めていると言っても過言ではないはずです。何しろ、30年以上のキャリアで16枚の歴史を刻む失楽園のメタルには、Aaron の言葉通り他のどの音楽より内なる絶望と憂鬱の真なる創造性が潜んでいるのですから。
色彩豊かな不朽の傑作 “Draconian Times” から25年。新たなマスターピース “Obsidian” でヨークシャーの仄暗き伝説は、デスドゥームの凶暴な起源を再創造しながら、貪欲にゴシックメタルの領域をも拡大していきます。
寂寞暗然を認める唯一無二のシンガー Nick Holmes はここ数年、1992年の “Shades of God” 以来四半世紀ぶりにデスボイスを解禁し、ライオンを再び檻から解き放っています。”The Plague Within” でエクストリームメタルのインテンスを、”Medusa” でドゥームの重苦しいメランコリーを現代に蘇らせた PARADISE LOST は、そうして “Obsidian” で獰猛と陰鬱を完璧なまでに黒の多様でマリアージュさせてみせたのです。
特筆すべきは、悲惨のパレットにキャッチーな音の葉を注いだ “Ghosts” や “Fosaken” の耽美な耳馴染みの良さでしょうか。それは “Host” のシンセポップでも、”Believe in Nothing” のオルタナティブでもなく、SIOUXSIE SIOUX や SISTER OF MERCY と同種のゴシックなダークポップに思えます。
もちろん、Nick の豊かな表現力と Gregor Mackintosh の鍵盤まで含めた扇情力がドラマを紡ぐ “The Devil Embraced” や “Serenity” には “Draconian Times” のゴシックな遺産で満たされていますし、”Fall From Grace” の絡みつくドゥーミーな重量感と慟哭の旋律は改めてバンドの出自を示し、一方で “Ravenghast” では “Gothic” に通じる物哀しきエレジーを紡いでいきます。
ヨークシャーローズに幸運のタリスマンやシンボルを集めたアートワーク、死へ向かう運命、人生の旅路を綴るテーマも完璧。
今回弊誌では、誇り高きリズムマン Aaron Aedy にインタビューを行うことができました。「単純に、僕たちのゴスとメタル両方への愛情が理由だよ。当時、僕らの地元であるイングランド北部には巨大なゴシックシーンが存在してね。そしてもちろん、僕たちはメタルファンとしても育った訳だよ。だから理にかなっているよね。
両方のダークな面は美しく合わさったし、僕らの仲間たちと少し違うことをするという意味でも良いやり方だったね。」 どうぞ!!

PARADISE LOST “OBSIDIAN” : 10/10

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