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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【INGURGITATING OBLIVION : ONTOLOGY OF NOUGHT】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH FLORIAN ENGELKE & NORBERT MULLER OF INGURGITATING OBLIVION !!

“I Find The Now “Industrially” Standardized Production And Songwriting In Metal Music Boring And Annoying. It’s Become Boring As Hell.”

DISC REVIEW “ONTOLOGY OF NOUGHT”

「メタル・ミュージックは、今や “工業的に” 標準化されたプロダクションとソングライティングが退屈で腹立たしいものになった。地獄のようにつまらなくなった。こういう図式化された大量生産物の一部にはなりたくない。プログ・メタルの50%でさえ、画一化されている。もちろん挑戦すれば、ボツになったり、プロダクションを台無しにするリスクは常にあるけど、それを跳ね返していきたいんだ」
その並外れた生命力と感染力で世界中に種を蒔き、芽吹かせてきたヘヴィ・メタル。しかし、これほど裾野が広がった世界においても、真に挑戦的な音楽を志すアーティストは決して多くはありません。それはある意味当たり前のことでしょう。アーティストも我々と同じ人間です。普通に生活して人気を得、承認欲求を満たすためにはある程度 “アート” を犠牲にしてでも認知され売れることが必要だから。しかし、INGURGITATING OBLIVION にそんな “打算的” 考えは毛頭ありません。
「僕が常に心がけているのは、何よりもまず自分が好きで、個人的に満足できる音楽を作ることだ。それはアーティストの特権だ。僕たちは、ただ共有するのではなく、音楽を録音し、ある時点で発表/共有することを選んだ。これはもちろん、批判や嘲笑を浴びるリスクを伴う。信じてほしいのだけど、僕はメタル・シーンやそれ以外の世界で、僕たちのバンドをうっとうしい、気取っている、つまらない、長い、はっきりしない……何でもありだと心から思う何百人もの人々に会ってきた。幸いなことに、それでも僕はあまり気にしていない。僕たちの蛇行した複雑な音楽表現を楽しんでくれている素敵な人たちの輪があるから」
書籍を出版するほどの本物の哲学者 Florian Engelke 率いる INGURGITATING OBLIVION は、ただ自分たちが満足できる音楽と哲学のみを “Ontology of Nought” に記録しました。だからこそ、パターンも、手がかりも、建築的根拠も、どこにも見つからない。まったく脈絡がないままに、しかし壮大な迷宮が完成していく。デスメタルを名乗るものにこれほど迷わされ、興味をそそられたことは未だかつてありません。
不協和音、途切れ途切れのリズム、漆黒のインテンシティ、テクニカルなアルペジオ、フレットレスの夢幻、スポークンワード、呪術的なアトモスフィア、凶悪なノイズが結びついたアヴァンギャルドな地下大迷宮は1時間15分近くに及ぶ5曲からなり、さまざまな楽章に分かれています。忍耐強く、有機的に、しかし盲人が盲人を導くような意図と方向性をもって彼らの “バベルの図書館” は刻々と変化していきます。
「僕に言わせれば、人は形成期というものを経験する。僕の場合、それは MORBID ANGEL, OBITUARY, DISINCARNATE, MY DYING BRIDE といったバンドだった。彼らの印象は今でも僕の中に残っている。でもDjent全体は、ほんの短い間だけ楽しめたものだった。それがすべて過ぎ去り、印象が残って、次に進んだのかもしれないけどね」
彼らの生み出す音の迷宮は、Djent のように機械仕掛けで精密なものではありません。むしろ、デスメタルがその凶暴を発揮し始めた90年代初頭の、おどろおどろしい混沌を百鬼夜行の壮大さで実現した狂気。そこにバルトークやライヒのような現代音楽の実験や、フランク・ザッパとマイルス・デイヴィスの挑戦を込めた奇々怪界は真に唯一無二。だからこそ、有機的で、実存的で、革命的な音楽が生まれるのです。
今回弊誌では、INGURGITATING OBLIVION にインタビューを行うことができました。「僕らのバンド名が哲学的に聞こえる主な理由のひとつは、僕がある時期哲学を勉強していた(その後、言語学に科目を変更した)という事実そのものにあると思う。だから、自然と哲学的なことや根源的なことに関心を持つようになったんだ。いくつかの古典(孫子、老子、ソクラテス、プラトン、デリダ、ニーチェ、そして宗教的/精神的な経典の数々)を読み、政治的/哲学的な言説に親しみを持っているからね。2024年初頭、僕はRoutledgeから “The Ethical Bottomline(倫理的ボトムライン)” というタイトルの最初の本を出版したんだ」 Tom Fountainhead がフレットレス・ギターを奏でるツールはEBOW ( 弦に近づけるだけでサスティンをコントロールできるアタッチメント。バッテリー駆動でバイオリン、ホーンや木管楽器のようなハーモニーを奏でることができる)。どうぞ!!

INGURGITATING OBLIVION “ONTOLOGY OF NOUGHT” : 10/10

INTERVIEW WITH INGURGITATING OBLIVION

Q1: First of all, what kind of music did you grow up listening to?

【FLORIAN】: Hi there everyone. It is a pleasure indeed to actually do an interview again the old school way. Much appreciated. Personally, my childhood was broadly influenced by music. Through my dad I got exposed to artists / bands such as Frank Zappy, a lot of classical music (Beethoven, Bach, Mozart, Schostakovich), folk music (Deutche Liedermacher such as Hannes Wader, Frank Bayer, Schobert & Black), Blues Rock and such. Aged 11, I listed to Iron Maiden, The Scorpions, AC/DC and the likes. I was a die-hard Sepultura fan when I was around 12 years old and took it from there when it comes to more extreme music. From back then, my main influences may be bands like Morbid Angel, Incantation, My Dying Bride, Anathema, Sigh, Death, Carcass, Obituary, Suffocation. I went through different phases Metal-wise, but my heros were 90s Death Metal acts and a lot of Doom Metal. Going beyond Metal, I am very much inspired by Baltic Jazz (Mathias Eick, Trygve Seim, Frode Haltli etc.), and certainly composers such as Steve Reich, Arvo Pärt, and Kronos Quartet left a lasting mark on me personally.

【NORBERT】: Hello everyone. I grew up with the likes of Bach, Mahler, Weather Report, Led Zeppelin, Beatles (White Album), Rolling Stones, AC/DC, Black Sabbath, Miles Davis, Güttler and many others. Then when I was about 10, I started with Metallica, Megadeth, Cannibal Corpse. A turning point was Slayers – Divine Intervention which pushed me into the extreme corner of metal. Then I immediately started with Deicide, Monstrosity, Suffocation, Krisiun, Sepultura, Mortician, Death, Morbid Angel and tons of underground stuff. However, I always have an ear for music styles that aren’t metal.

Q1: 本誌初登場です!まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか?

【FLORIAN】: こんにちは!こうして昔ながらの方法でインタビューをすることができて、本当にうれしいよ。ありがとう。
個人的には、幼少期は幅広い音楽から影響を受けていたよ。父を通してフランク・ザッパのようなアーティストやバンド、多くのクラシック音楽(ベートーヴェン、バッハ、モーツァルト、ショスタコーヴィチ)、民族音楽(ハンネス・ヴェーダー、フランク・バイエル、ショベルト&ブラックなどのドイツ歌曲)、ブルース・ロックなどに触れていたからね。
11歳のとき、IRON MAIDEN, SCORPIONS, AC/DC などを聴いて、12歳頃には SEPULTURA の熱狂的なファンとなり、そこから過激な音楽に傾倒していったよ。当時から主に影響を受けたのは、MORBID ANGEL, INCANTATION, MY DYING BRIDE, ANATHEMA, SIGH, DEATH, CARCASS, OBITUARY, SUFFOCATION といったバンドかな。メタルに関しては様々な段階を経たけど、僕のヒーローは結局90年代のデスメタルと多くのドゥーム・メタルだった。メタル以外では、バルト海のジャズ(Mathias Eick、Trygve Seim、Frode Haltliなど)にとてもインスパイアされ、他にもスティーブ・ライヒ、アルヴォ・ペルト、クロノス・カルテットなどの作曲家は、個人的に大きな影響を受けたんだよ。

【NORBERT】: みんな、こんにちは!僕はバッハ、マーラー、WEATHER REPORT, LED ZEPPELIN, THE BEATLES (White Album), THE ROLLING STONES, AC/DC, BLACK SABBATH, マイルス・デイヴィス、その他多くの音楽を聴いて育ったね。それから10歳くらいのときに、METALLICA, MEGADETH, CANNIVAL CORPSE を聴き始めたね。転機となったのは SLAYER の “Divine Intervention” で、僕をメタルの過激なコーナーに押し込んでくれた。それからすぐに DEICIDE, MONSTOROSITY, SUFFOCATION, KRISIUN, SEPULTURA, MORTICIAN, DEATH, MORBID ANGEL といっまアンダーグラウンドのものをたくさん聴き始めた。ただ、僕は常にメタル以外の音楽スタイルにも耳を傾けているよ。

Q2: Ingurgitating Oblivion is a great band with a long career that deserves to be called a veteran. Can you give us a brief history of the band?

【FLORIAN】: Gladly. I formed the band in the mid 1990s. In the first years, the only thing my then-bandmates and I did was to try and find our way, rehearse, and discuss as there were very different ideas where to go stylistically. I formed the band with one of my brothers and a close friend. It did not take long to understand that I was the main driving force, taking things more seriously. We recorded our fist album in 1998. It is a real album when it comes to length, entitled “Fragmente aus dem Fließenden”. Back then, we were called of trees and orchids. We released one more album under this moniker. In the early 2000s I chose a more fitting name (at least I thought of the band’s new name of just that): Ingurgitating Oblivion. We released another demo entitled “Cadence and Perspective in Desolation”. In the early 2000s we released yet another demo entitled “Poetry of the Flesh”. Then our first full-length came out on Unmatched Brutality. After that we changed labels and joined forces with Willowtip Records where we released “Continuum of Absence”, “Vision wallows in Symphonies of Light” and “Ontology of Nought”. It goes without saying that over all these years the line-up changed constantly. Since 2013 or so Norbert and I have been operating the bans as a two-piece. All other contributors are session members – even though, personally I consider Lille (drums), Jan (virbraphone), Ava (female vocals), Chris (bass), and Céline (piano) members of the inner circle.

Q2: INGURGITATING OBLIVION はベテランと呼ぶにふさわしい長いキャリアを持つ素晴らしいバンドです。バンドの歴史を簡単に教えていただけますか?

【FLORIAN】: 喜んで。バンドを結成したのは1990年代半ば。最初の数年間は、当時のバンドメイトと僕がしたことといえば、自分たちの道を見つけようとすること、リハーサルをすること、そしてスタイル的にどこに向かうべきか全く異なる考えを持っていたので議論することだけだった。僕は兄弟の1人と親しい友人とバンドを結成したんだ。物事をより真剣に考え、僕がこのバンドの主要な原動力であることを理解するのに時間はかからなかったね。
1998年に最初のアルバムをレコーディングした。タイトルは “Fragmente aus dem Fließenden”。当時、僕たちは TREES AND ORCHIDR と名乗っていた。この名でもう1枚アルバムを出したんだ。
そしめ2000年代初頭、僕はよりふさわしい名前を選んだ(少なくとも僕は、バンドの新しい名前をまさにそう考えた)INGURGITATING OBLIVION だ。”Cadence and Perspective in Desolation” というタイトルのデモをリリースし、その後 “Poetry of the Flesh “というタイトルのデモをリリースした。それから、Unmatched Brutality から初のフルアルバムをリリースしたんだ。
その後、レーベルを変えて Willowtip と手を組み、”Continuum of Absence”, “Vision wallows in Symphonies of Light”, “Ontology of Nought” をリリースした。言うまでもなく、この数年の間、ラインナップは常に変化してきた。2013年頃からは、Norbert と僕の2人体制でバンドを運営している。個人的には、Lille (drums), Jan (virbraphone), Ava (female vocals), Chris (bass), Céline (piano) はインナーサークルのメンバーだと思っているけどね。

Q3: Ingurgitating Oblivion is a very philosophical and symbolic name for your band! Why did you choose this name?

【FLORIAN】: That is an interesting question. I believe one of the main reasons for our band’s name to sound philosophical is that very fact that I studied philosophy for a certain time (and then changed subjects to linguistics). So, naturally I am inclined to philosophize and concern with things fundamental. I read some classics (Sun Tzu, Lao Tse, Socrates, Plato, Derrida, Nietzsche, and loads of religious / spiritual scripture)and have an affinity for political and philosophical discourse. In early 2024, I published my first book on Routledge entitled “The Ethical Bottomline”, which, essentially, is a book on ethical leadership and focuses on leadership and love, maturity levels of personality and systems, pathological leadership and so forth. So, in a nutshell, I like to think, I guess. Back to your original question: The fundamental idea of “Ingurgitating Oblivion” as a name is either to ingurgitate oblivion, meaning to destroy a state of forgetfulness. Whatever it may be that you(whoever the subject of this phrase) try not to forget is something to be decided. To destroy forgetfulness (i.e. oblivion) actually means to remember (destruction of oblivion = remembering). Conversely, the ingurgitating oblivion may also denote a harrowing experience – as in “a state of oblivion that is ingurgitating”, meaning that forgetfulness / oblivion is a state that eats away the subject’s sanity and it is worthwhile to try and remember things that make a positive difference. In a way, I guess, the whole moniker may be interpreted as hint or emphatic statement to always inquire, wonder, and question what surrounds us. It may also be a reminder to think critically and to always be aware that, as human animals, we tend to reduce cognitive dissonance, and that this complacency is omnipresent, and may be challenged by the very act of “ingurgitating oblivion”. Don’t know whether this makes sense, haha. Anyway, this is my thinking.

Q3: お話しにも出ましたが、INGURGITATING OBLIVION というバンド名はとても哲学的で、このバンドを象徴していますね!

【FLORIAN】: 興味深いね。僕らのバンド名が哲学的に聞こえる主な理由のひとつは、僕がある時期哲学を勉強していた(その後、言語学に科目を変更した)という事実そのものにあると思う。だから、自然と哲学的なことや根源的なことに関心を持つようになったんだ。いくつかの古典(孫子、老子、ソクラテス、プラトン、デリダ、ニーチェ、そして宗教的/精神的な経典の数々)を読み、政治的/哲学的な言説に親しみを持っているからね。
2024年初頭、僕はRoutledgeから “The Ethical Bottomline(倫理的ボトムライン)” というタイトルの最初の本を出版したんだ。これは基本的に倫理的リーダーシップに関する本で、リーダーシップと愛、人格とシステムの成熟度、病的リーダーシップなどに焦点を当てているんだよ。要するに、僕は考えるのが好きなんだ。
最初の質問に戻るけど、INGURGITATING OBLIVION “忘却を嚥下する” という名前の基本的な考え方は、忘却の状態を破壊するという意味だ。忘却を破壊することは、実際には思い出すことを意味する(忘却の破壊=思い出すこと)。逆に、忘却を消化することは、”忘却が消化されている状態” というように、悲惨な経験を表すこともある。忘却は、対象者の正気を蝕む状態であり、プラスになるようなことを思い出そうとすることに価値があるという意味なんだ。
ある意味、この呼称は、僕たちを取り囲むものに対し、常に疑問を持ち、驚き、問いかけよというヒント、あるいは強調の言葉として解釈されるのかもしれない。また、人間の性質として、僕たちは認知的不協和を減少させる傾向があり、その自己満足が遍在していることを常に意識し、批判的に考えることを思い出させることが大切だ。まさに “忘却を摂取する” という行為によってその事象に挑戦できるかもしれない。意味があるかどうかはわからない。とにかく、これが僕の考えだ 。

Q4: “Ontology of Nought” is one of the few works on the music scene today that is as epic, tests your patience, and offers new discoveries every time you face it again and again. Why do you make these works in this age of instant culture, of streaming and cut-out videos?

【FLORIAN】: You are right. Many bands – also in the Metal scene – are not challenging at all. Many musicians, writers, artists, and thinkers play it safe. Your publications are always a mirror of who you are as a person. Norbert and I – I think this is fair to say – are complicated lads. To be very frank, I think we are difficult characters, we read a lot, sometimes find it difficult to get to clear answers, and simplify stuff. As a consequence, our music sounds the way it does. My bottom-line has always been to first and foremost create the music I love and that pleases me personally. That is the prerogative of the artist. We have chosen not to just do this and never to share, but to record music and publish / share it at some point. This of course ensues the risk of getting criticized and mocked – and believe me, I have met hundreds of people in the Metal scene and beyond who sincerely find our band annoying, pretentious, boring, lengthy, not clear enough … you name it. Luckily, I do not care a lot. There is a circle of lovely people who seem to enjoy our meandering and intricate take on music – and that is fantastic. We do not write and publish music to please anybody. If people can relate, that’s great. If they cannot and would rather listen to Six Feet Under and Metallica, go ahead and be our guests. Creating music is lovely and cathartic. Sharing it is divine. Recognizing current formats such as the ones you described above is no guiding principle to us. We please ourselves first and foremost – and if an small community appreciates what we do, that’s great. That’s about it, haha.

【NORBERT】: I find the now “industrially” standardized production and songwriting in Metal music boring and annoying. It’s become boring as hell. I don’t want to be part of these schematic mass products. Even 50% of prog metal productions are just standardized. Of course, we always run the risk of being rejected or of messing up the production.

Q4: “Ontology of Nought(無の存在論)” は、壮大で、忍耐力を試され、何度向き合っても新たな発見がある、現在の音楽シーンにおいて数少ない作品です。インスタント文化、ストリーミングや切り取り動画の時代に、なぜこのような作品を追い求めるのですか?

【FLORIAN】: その通りだよね。多くのバンドは(メタルシーンでも)、まったく挑戦的ではないと感じる。多くのミュージシャン、作家、アーティスト、思想家は、安全策をとっているよ。出版物は常に、その人間を映し出す鏡。Norbert と僕は–これは言っていいと思うが–複雑な人間だ。とても率直に言うと、僕たちは難しい性格で、たくさん本を読み、時には明確な答えを導き出すことが難しく、物事を複雑化してしまうのだと思う。その結果、僕たちの音楽はこのように聞こえるようになった。
僕が常に心がけているのは、何よりもまず自分が好きで、個人的に満足できる音楽を作ることだ。それはアーティストの特権だ。僕たちは、ただ共有するのではなく、音楽を録音し、ある時点で発表/共有することを選んだ。これはもちろん、批判や嘲笑を浴びるリスクを伴う。信じてほしいのだけど、僕はメタル・シーンやそれ以外の世界で、僕たちのバンドをうっとうしい、気取っている、つまらない、長い、はっきりしない……何でもありだと心から思う何百人もの人々に会ってきた。幸いなことに、それでも僕はあまり気にしていない。僕たちの蛇行した複雑な音楽表現を楽しんでくれている素敵な人たちの輪があるから。それは素晴らしいことだよ。でもね、僕たちは誰かを喜ばせるために音楽を書き、発表しているわけではない。人々が共感してくれるなら、それは素晴らしいことだけど。もしそれができなくて、SIX FEET UNDER や METALLICA を聴きたいというのなら、どうぞって感じなんだ。
音楽を創ることは素敵なことだし、カタルシスもある。それを分かち合うことは神聖なことだ。君が述べたような現在のフォーマットを認めることは、僕たちにとって指針にはならない。私 僕たちは、何よりもまず自分たち自身を喜ばせる。そして、小さなコミュニティーが僕たちのすることを評価してくれるなら、それは素晴らしいことだ。そんなところだよ。

【NORBERT】: メタル・ミュージックは、今や “工業的に” 標準化されたプロダクションとソングライティングが退屈で腹立たしいものになった。地獄のようにつまらなくなった。こういう図式化された大量生産物の一部にはなりたくない。プログ・メタルの50%でさえ、画一化されている。もちろん、ボツになったり、プロダクションを台無しにするリスクは常にあるけど、それを跳ね返していきたいんだ。

Q5: Your music shows the influence of death metal reformers such as Obituary, Morbid Angel, and Gorguts, as well as prog, jazz, or more specifically, contemporary music such as Bartok and Reich? In a sense, are you aware that you are pushing the possibilities of death metal?

【FLORIAN】: Yes, these artists play a central role for us. I am a big fan of early Obituary, everything Gorguts released, old Morbid Angel, but also more contemporary stuff such as Ritual Necromancy, Chthe’ilist, Demilich, Krypts, Nucleus, Cosmic Atrophy and the likes. Artists such as Terje Rypdal, Mathias Eick, Trygve Seim, Reich, or Arvo Pärt have had their impact as well. This is simply the music I enjoy. However, I do not try to force fit this into Ingurgitating Oblivion’s style. All of this just happens naturally. If you listen to the first of trees and orchids albums, you will realize that we have always (!) composed these long tracks, even back in 1998. I guess the above influences simply find their way into our sound – that’s all. We are on no mission. We simply follow our gut instinct and try to compose music and write lyrics that matter.

【NORBERT】: We explore the boundaries rather unconsciously, because we conceive the music as fans and do not see it as a competition or a challenge to go particularly far beyond the known boundaries.

Q5: あなたの音楽には、OBITUARY, MORBID ANGEL, GORGUTS のようなデスメタルの改革者たちや、プログ、ジャズ、もっと言えばバルトークやライヒのような現代音楽の影響が見られます。ある意味、デスメタルの可能性を押し広げているという意識はありますか?

【FLORIAN】: そう、君が挙げたのアーティストは僕たちにとって中心的な役割を果たしている。初期の OBITUARY, GORGUTS がリリースしたものすべて、昔の MORBID ANGEL の大ファンだし、RITUAL NECROMANCY, CHTHE’ILIST, DEMILICH, KRYPTS, NUCLEUS, COSMIC ATROPHY など、より現代的なものも好きなんだ。Terje Rypdal, Mathias Eick, Trygve Seim, Reich, Arvo Pärt などのアーティストからも影響を受けた。これは単に僕が楽しんでいる音楽だ。しかし、これを無理に INGURGITATING OBLIVION のスタイルに当てはめようとはしていない。すべては自然に起こることなんだよ。
TREES AND ORCHIDS のファースト・アルバムを聴けば、1998年当時から、僕たちはいつも(!)このような長いトラックを作曲していたことがわかるだろう。上記の影響は、単に僕たちのサウンドの中に入り込んでいるだけなのだろう。僕たちに使命はない。ただ直感に従って、重要な音楽を作曲し、歌詞を書こうとしているだけなんだ。

【NORBERT】: 僕たちはどちらかというと無意識のうちに境界線を探っているんだ。なぜなら、僕たちはファンとして音楽を考えていて、既知の境界線を特に超えていくことを競争や挑戦だとは思っていないから。

Q6: Your use of the fretless guitar also makes your music special, doesn’t it? Few bands in the metal world use fretless guitars, what makes that instrument superior and what makes it difficult?

【FLORIAN】: Yes, indeed. On “Ontology of Nought” we asked Tom Fountainhead to contribute a couple of fretless guitar solos. I guess we are constantly seeking some frontier – be it the vibraphone, the piano or female vocals. Tom, of course, is a virtuoso and his work on “Ontology of Nought” really pushed the envelope and it is please to hear you enjoy his work. The bottom line here is that we are a progressive band (or whatever label pleases you) and we enjoy experimenting with elements that create extra levels, an aura that touches the soul, is emotive, relevant, tasteful. The fretless guitar is rarely used in Metal – I presume this is another reason we chose to work with Tom. And then, of course, fretless string instruments almost automatically sound ungraspable, otherworldly, and a little off. Perfect ingredients for Ingurgitating Oblivion’s take.

Q6: フレットレス・ギターを使うことも、あなたの音楽を特別なものにしていますね。メタル世界でフレットレス・ギターを使うバンドはほとんどいませんが、その楽器の優れている点、難しい点は何でしょうか?

【FLORIAN】: そうだね。”Ontology of Nought” では、Tom Fountainhead にフレットレス・ギターを2、3曲提供してもらったよ。
ヴィブラフォンであれ、ピアノであれ、女性ヴォーカルであれ、僕らはそうしたフロンティアをいつも探しているんだ。Tom はもちろん名人だし、”Ontology of Nought” での彼の仕事は本当に限界に挑戦している。要するに、僕たちはプログレッシブ・バンドであり(あるいはどんなレッテルを貼ってもかまわない)、さらなるレベル、魂に響くオーラ、エモーショナルで、適切で、味わい深いものを生み出す要素を試すことを楽しんでいるということだ。フレットレス・ギターがメタルで使われることはめったにない。だからこそ彼に依頼したんだ。そしてもちろん、フレットレスの弦楽器はほとんど自動的に、つかみどころのない、別世界のような、少しずれた音になる。INGURGITATING OBLIVION のテイクには完璧な素材だ。

Q7: In recent years, there has been a trend toward Meshuggah-derived Djent, which is different from progressive and technical death metal. How did you feel about that polyrhythmic, ultra-technical music?

【NORBERT】: There are some really great and interesting things there. However, you will never hear this style so dry and isolated in our songs, but rather woven into the IO typical disorder.

【FLORIAN】: Personally, I have mixed feelings about it. I was deeply into “I” by Meshuggah. Love the tonality, the madness, the depth, and the excitement to hear 8-string guitars for the first time. Everything was new back then, everything was exciting. But, you know, in the following year myriads of bands basically released remakes of one and the same song – at least that was my impression. But, I guess, that is perfectly fine. If you ask me, a person goes through some formative years, years where you are very impressionable. In my case these were bands like Morbid Angel, Obituary, Disincarnate, My Dying Bride. These impressions stick with me. The whole Djent thing was something I enjoyed very briefly – but then it all passed, may have left an impression, and I moved on. My roots certainly lie elsewhere. This, however, does not mean that I do not respect Djent. The fact of the matter simply is that it does not touch me as profoundly as, for instance, My Dying Bride or Anathema did back in the 1990s. That’s it.

Q7: 近年、プログレッシブやテクニカル・デス・メタルとは異なる、MESHUGGAH 由来の Djent が流行した時代がありましたね。あのポリリズミックで超絶テクニカルな音楽についてどう感じましたか?

【NORBERT】: あそこには本当に素晴らしくて面白いものがある。しかし、僕らの曲の中でこのスタイルがドライで孤立しているのを聴くことはなく、むしろ INGURGITATING OBLIVION の典型的な無秩序の中に織り込まれていると言えよう。

【FLORIAN】: 個人的には複雑な気持ちだ。僕は MESHUGGAH の “I “に深く傾倒していたからね。あの音色、狂気、深み、そして初めて8弦ギターを聴いたときの興奮。当時はすべてが新しく、すべてが刺激的だった。でもね、翌年には無数のバンドが同じ曲のリメイクのようなものをリリースした。
でも、それでいいと思う。僕に言わせれば、人は形成期というものを経験する。僕の場合、それは MORBID ANGEL, OBITUARY, DISINCARNATE, MY DYING BRIDE といったバンドだった。彼らの印象は今でも僕の中に残っている。でもDjent全体は、ほんの短い間だけ楽しめたものだった。それがすべて過ぎ去り、印象が残って、次に進んだのかもしれないけどね。僕のルーツは確かに別のところにある。しかし、だからといってDjentをリスペクトしていないわけではない。ただ、例えば1990年代に MY DYING BRIDE や ANATHEMA がそうであったようには、僕の心に深く響かないということだ。それだけだよ。

Q8: Lastly, can you give us an insight into the theme and content of this grand and profound “Ontology of Nought”?

【FLORIAN】: I guess I take this one. To be honest, I do not want to reveal that much about the lyrics and their potential intent. This is something each one of us needs to explore themselves, really. What I can say, though, is that I have myriads of ideas and new associations when I go through my lyrics after not having done so for a while. What I usually do is sit down in the evening and for some reason I feel like expression myself. As a typical Capricornus I explore this odd urge to disappear in nothingness, cognitive stillness, silence, things numinous, and every once in a while, I kill someone in words and with great pleasure for cathartic reasons. I also like to explore spectrums of extreme antinomies: rejection and love, despair and hope. Stuff like that. However, connecting the dots is really the listeners / readers task if you feel inclined.

Q8: 最後に、この壮大で深遠な “無の存在論” のテーマと内容について教えてください。

【FLORIAN】: これは僕が受け持つことになると思う。正直なところ、歌詞やその潜在的な意図について、それほど多くを明かしたくはない。これは各自が自分自身で探求する必要があることなんだ。ただ、言えることは、しばらく歌詞を書かなかった後に歌詞を見直すと、無数のアイデアや新しい連想が浮かぶということだ。僕がいつもするのは、夕方に座って、なぜか自分自身を表現したくなるようなこと。典型的な山羊座の僕は、何もないところ、認知的な静けさ、静寂、無感覚なものの中に消えてしまいたいという奇妙な衝動を探求する。拒絶と愛、絶望と希望。そんな感じだ。しかし、点と点を結ぶのは、リスナー/読者の仕事だと思う。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED INGURGITATING OBLIVION’S LIFE!!

My Dying Bride “As the Flower Withers”
Colloseum “The Grass is Greener”
Tery Rypdal “After the Rain”
Goat Semen “Devotos del Diablo”
Sepultura “Schizophrenia”

(FLORIAN)

The Beatles “White Album”
Slayer “Divine Intervention”
Bach “Brandenburgische Konzerte”
AC/DC “Black Album”
Led Zeppelin “In Through The Out Door”

(NORBERT)

MESSAGE FOR JAPAN

Florian: Yes, very much so. I certainly am no connoisseur, but I love (!) everything – yes, EVERYTHING – Hayao Miyazakihas produced as an animator. What impressed me as well is the work of Eiichiro Oda, Osamu Akimoto, Hirohiko Araki, and Mitsuteru Yokoyama. I have no idea whatsoever when it comes to video games, though. When it comes to music, I love Tōru Takemitsu, Hikaru Hayashi, Keiko Fujiie, and Ayaka Hirahara. Thank you for the wonderful interview. I really enjoyed it.

Norbert: Japan is still on my travel list! I like Haruomi Hosono (S-F-X) and Japanese food in general.

FLORIAN : 僕はアニメ通ではないけれど、宮崎駿がアニメーターとして制作した作品はすべて(!)大好きだよ。尾田栄一郎、秋本治、荒木飛呂彦、横山光輝の作品も印象に残っている。ビデオゲームに関してはまったくわからないけどね。音楽では、武満徹さん、林光さん、藤家渓子さん、平原綾香さんが大好きだ。素晴らしいインタビューをありがとう。本当に楽しかったよ。

NORBERT : 日本はいつも僕の旅行リストに入っている!細野晴臣(S-F-X)と日本食全般が好きなんだ。

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【ALL THAT REMAINS : ANTIFRAGILE】


COVER STORY : ALL THAT REMAINS “ANTIFRAGILE”

“The Biggest Thing That’s Happened To Us Was Oli Passed Away… It Was a Really, Really Big Deal.”

ANTIFRAGILE

「人間には不屈の魂が必要だ」
そう語るのは、ALL THAT REAMINS のバンドリーダーでボーカリストの Phil Labonte です。彼はメタルの “回復力” を知っています。
Labonte は、ATR が前作 “Victim of the New Disease” をリリースした2018年後半から、待望の10枚目のスタジオLP “Antifragile” の登場となる2025年初頭までのこの6年間、心が折れるような悲劇を含め、多くの障害に直面してきました。
現在、Labonte とギタリストの Mike Martin を除けば、バンドのラインナップは6年前とはまったく異なっています。最も深刻だったのは、2018年、リード・ギタリスト、Oli Herbert がコネチカット州スタッフォード・スプリングスの自宅敷地内、池のほとりで遺体で発見されたことでしょう。彼はまだ44歳でした。この事件は現在も未解決のまま。
Jason Richardson(元 CHELSEA GRIN、BORN OF OSIRIS)が Herbert の後を継ぎ、最初はツアー・メンバーとして、その後フルタイムのリード・ギタリストとなります。しかし、パンデミックにより、ALL THAT REMAINS の再始動、その勢いはすぐに止まってしまったのです。
2022年、ライブ・サーキットがようやく再開されると、グループは “The Fall of Ideals” のアニバーサリー・ツアーを行い、遅ればせながらアメリカン・メタルコアの画期的なレコード15歳の誕生日を祝いました。
さらにそこから大きな変化が待ち受けていました。Labonte 個人としては、ポッドキャスト Timcast IRL の共同司会とプロデュースを始めました。ALL THAT REMAINS としては元レコード・レーベルと友好的に決別。2024年春、ベーシストの Matt Deis とドラマーの Anthony Barone を加えた5人組は、自分たちだけで独立し、オール・ザット・リメインズ・レコーズという名の独立レーベルを設立したのです。

それでも、Labonte は彼とバンドメンバーが乗り越えてきたすべてのことに活力を感じています。そしてそれこそが新譜のテーマとなりました。
「僕は、ポジティブで高揚感のあるコンセプトが欲しかった。人生で経験する苦難は、実は私たちをより強くしてくれるものなのだからね。
人には目的が必要だ。ビーチでマルガリータを飲みながらぶらぶらするだけでは十分じゃない。”喜びは目的地ではなく旅にある” という古いことわざは、真実だ」
つまり、ALL THAT REMAINS の新作は、近年の苦難の旅の中で鍛え上げられた、正真正銘の銘刀であり、バンドが輩出した初期の西マサチューセッツ・メタルコア・シーン、その特徴的なサウンドを想起させながら、ウルトラ・テクニカルなギター・プレイから精巧に磨き上げられたヴォーカル・フックに至るまで、現代的なタッチが加えられているのです。
ではこのバンドのリーダー Labonte にとって、この6年間で最大の苦難は何だったのでしょう。
「そうだね、いろいろあったよ。一番大きかったのはやっぱり Oli が亡くなったことかな…本当に、本当に大きな出来事だった。Oli は ALL THAT REMAINS に加入した最初の男だった。まだフルバンドになる前だった。ギタリストの Mike がやってきて、リフを弾いてみたんだけど、当時はまだうまく弾けなかったからね。Mike が彼の先生に会うべきだって言うんだ。それで Oli に会って意気投合したんだ。彼は最初から僕と一緒だった…
だから彼を失ったとき、彼なしで ALL THAT REMAINS をやれるのか、Oli Herbert 抜きの ALL THAT REMAINS とはどういうものなのかという大きな疑問が湧いたんだ。バンドののサウンドに欠かすことのできない存在だった彼抜きで何をやるのか?それを乗り越えるには長い時間がかかったね」

人として、Oli はバンドにとってどんな存在だったのでしょう?
「Oli はまるで家族のようだった。僕たちみんなを笑わせてくれた変なこととかがすぐ思い浮かぶんだけど、個人的なことだからあまり話したくないんだ。でも、みんなが変だと思うようなくだらないことこそ、家族みたいで大好きだったんだ。Oli が僕たちの1人か2人にイライラすることもあったけど、今振り返ると笑ってしまう。
昔の写真なんかを見ていると、ツアー中に彼が変なところで気絶しているのがたまらなく好きだ。空港とかホテルのロビーとか、変な格好で寝ている Oli の写真がフォルダに入っているんだ。バスを降りてすぐの草むらで気絶している Oli の写真もある。彼は “草の感触を味わいたかったんだ” って言ってた。僕らはそうだな!と笑ってた。
Oli について考えるとき、私はそういうことを思い出すのが好きなんだ。奇妙で風変わりなことが、彼をユニークで特別な男にしていたからね」
Oli の跡を継ぐ Jason Richardson と Labonte は本当に気が合うようです。
「彼はギターのサイボーグだからね!(笑) そう、彼はコンピュータープログラムなんだ。頭の中は1と0だけ。それだけ。あの子とは何度も一緒に出かけたけど、”彼は本物のロボットだ” って結論に達した (笑)。彼の演奏で本当に素晴らしいのは……彼は音楽理論や何やらについて深く膨大な知識を持っていて、小さなアイデアでもそれを発展させることができるんだ。僕たちは彼に2つのリフを渡して、”さて、どうしよう?”と言うことができる。そうすると彼は、曲全体で使える6、7種類のパートと、そのバリエーションとかを考えてくれるんだ。
ちょっとしたアイディアが浮かんだら、それを音楽理論に詳しい人に持っていくと、そのアイディアだけでなく、そのキーの他のスケールとの関係や、別のキーに移動させる方法などを教えてくれるんだ。それらはすべて、バンドが開いて実験できるドアなんだ。そういう人と一緒に仕事ができるのは本当に素晴らしいことだ。それが、僕たちが仲良くなれる理由のひとつだと思う。
もちろん、それは Oli が得意としていたことの1つであり、Jason が Oli と共有していることの1つだと思う。とにかく彼はワールドクラスのプレイヤーだが、ワールドクラスの知識も持っているんだ」

Labonte にとって、Oli の “モノマネ” をするギタリストは必要ではありませんでした。
「あの子は最高だよ。もし死後の世界があったとして、Oli が自分の場所に立っているのが Jason だとわかったら納得するだろうね。だから、それが重要なんだ。Oli になりすまそうとするようなヤツは獲りたくなかった。Oli は Oli だった。彼のリフの書き方、彼の個性。長髪でひげを生やしている人を断ることはなかったけど、長髪でひげを生やしてなければならないとは言わなかった。そんなことは求めていなかった。僕らが一番避けたかったのは、オーリーになりきってもらおうとしたように思われることだった。もう誰も Oli にはなれないんだから」
Richardson がギター・サイボーグになれたのはふたりの天才のおかげでした。
「Alexi が亡くなってから、CHILDREN OF BODOM をまた聴き始めたんだ。DREAM THEATER 並んで、僕が最も影響を受けて育ったバンドのひとつだからね。彼のギターは僕の嫌いなものばかりだけど、ずっと欲しかったんだ。 とんがっているのは好きじゃないし、EMG のファンでもないし、ノブは1つだし、ロッキング・ナットがついているし、フロイド・ローズもついている。 でも大人になってからは、Alexi か Petrucci かのどちらかが欲しかったんだ。周りの楽器屋には Petrucci のギターしか置いてなかったんだ」
Richardson にとって、ALL THAT REMAINS への加入は驚きでした。
「明らかに予想外だった。前任のギタリスト、Oli は20年間バンドに在籍していたんだけど、その Oli が亡くなったんだ。 ネットで見て、”なんてこった” って思った。彼は僕の友達で、以前一緒にツアーを回ったし、ジャムも一緒にやった。何時間も話をした。
それから1週間半後くらいだったと思うけど、彼らはインスタグラムにメッセージをくれた。”ちょっと聞きたいことがあるんだけど、僕らはすでにツアーを予約していて、アルバムのリリースも決まっているんだけど、このツアーの代役をやってもらえないかな?” ってね。ATR とは過去に何度か他のバンドでツアーをしたことがあったから、すぐにイエスと答えたよ。時間さえかければ曲は弾けると思っていた。幸運なことに、Oli はすべてを譜面に書き起こしていた。当時の新譜からの最新曲以外は、耳コピの必要はなかった。正直なところ、耳コピすることが唯一の不安だったんだ。それ以外のことは、もう一人のギタリストの Mike がビデオを送ってくれたりして、それで曲を覚えることができた」

Richardson は奇抜なソロキャリアと王道の ATR 、その二刀流を楽しんでいます。
「ATR は何枚もアルバムを出しているし、彼らのサウンドを評価する大勢のファンがいる。だから、彼らと一緒に曲を書いている間は、そのことを100%念頭に置かなければならない。でも幸いなことに、彼らには超クレイジーなテクニカル・メタルの旧作もたくさんあるし、”What If I Was Nothing” のようなストレートなロック・ヒット曲もある。意図的にラジオ用に書かれた曲が1、2曲ある。だから、よりシンプルで消化しやすいサウンドになっているのは明らかだ。
僕のソロをミュージシャンでない人が聴いて、”ああ、これは最高だ!” とは思わないだろう。僕のソロを聴くのは、ギタリストやミュージシャン・オタクだけだよ。ミュージシャンでなくても、”What If I Was Nothing” を聴けば、すぐにそれに惹きつけられるだろう。この曲は本当にキャッチーで、すぐに頭に残るから、バンドのために曲を書くときはいつも、もっとビジネス的な帽子をかぶらなければならない。その両方ができるようにならないとね。狂気的なメタルの曲も作りたいし、ラジオ向けのバラードも作りたい」
新メンバー、Richardson とドラマーの Anthony に加え、旧メンバーのベーシスト、Matt Deis もバンドに復帰しました。
「素晴らしいよ。2005年に Matt が脱退したときも、彼は僕らと仲が悪かったわけじゃないんだ。彼は CKY で演奏する機会を得たんだ。彼は大ファンだった。彼はそのバンドが大好きで、彼らのやっていることが大好きだった。ATR の2004年のセカンド・アルバム “This Darkened Heart” は発売されたばかりか、発売されて間もなかった。”The Fall of Ideals” はまだ出ていなかった。だから、僕らと一緒にいてもまだ何が起こるかわからないという状態だった。”Darkened” が少し成功して、みんなが僕たちを見て “これは誰だ?” という感じになったけど、それがキャリアになるかどうかは明らかではなかったんだ。
だから、彼が “こんなチャンスをもらったよ “と言ったとき、僕たちは “わかったよ。僕らにとっては最悪だけど、それでも君を愛している” って感じだった。連絡は取り続けたよ。彼はマサチューセッツ州西部の出身だから、幼馴染みみたいなものさ。Matt のことはずっと好きだったから、彼が戻ってきてくれて嬉しいよ。僕たちはいつも本当に仲が良かった。
それに素晴らしいミュージシャンなんだ。ピアノもベースもギターも弾く。音楽理論にも詳しいしね」

Labonte は作詞家として、”人間の条件に関する歌が最も説得力がある “と言っています。
「”Kerosene” は10月7日のイスラエル同時多発テロの直後に書かれたもので、パレスチナ人とイスラエル人の間で起こっている戦闘をアウトサイダーとして解釈したものなんだ。双方の言い分を聞けば、どちらにもそれぞれの物語があり、それぞれの理解の仕方がある。そのため、双方がそれぞれの理解の仕方を持っている。この確執は長い間続いている。1948年だけでなく、何千年もさかのぼるものなのだ。
彼らが相手側を少なくとも正当なものとして認め、同意することができない限り、このような事態はさらに続くだろう。”言葉がただの灯油になるとき” というサビのセリフがある。10月7日に実際に起こったことを聞いて、本当に、本当につらかった。控えめに言ってもね。2015年にパリの会場で行われた EAGLES OF DEATH METAL のコンサート中にバタクランで起きたテロ事件を思い出したよ。いろいろなものを見ていて、バタクランのことを考えずにはいられなかった。バタクランにいた人たちを知っていたから。
“Kerosene” を書いたのは、10月7日の事件の次の週末だったと思う。プロデューサーのジョシュ・ウィルバーとロサンゼルスにいて、そのことを話し始めたんだ。ただ会話が流れていて、”これを曲にできるかもしれない” と思ったんだ。この曲の出来栄えには本当に満足しているよ」
特に、ライブを楽しんでいただけの罪のない人々が巻き込まれたのですから、人ごとだとは思えませんでした。
「”Cut Their Tongues Out ” について話そうか。もっと怒っている曲だから (笑)。レコードのために最初に作った曲は “Divine”だった。Jason が曲を提供してくれて、僕とジョシュが一緒になって、アルバムのメッセージをどうしたいかを話し始めたんだ。このアルバムはパンデミック以来の作品だったから、全体的にダウナーな雰囲気にはしたくなかったんだ。この2年間、ロックダウンや抗争、そして多くの人たちが互いに罵り合ったりして、みんなもう十分に打ちのめされていたからね。
だから “Divine” は、自分が好きなことを何でもやっていて、自分が有能で、どうすればそれができるかを知っているとき、すべてがうまくいっているときに感じる感覚を表現しようとしたんだ。スポーツの世界では、それを “ゾーンに入る ” と呼ぶ。マイケル・ジョーダンがミスを一切許さなかったときのようにね。僕はその映像を覚えている。マイケル・ジョーダンが素晴らしいスリーポイントを決めたとき、彼は振り返ってコーチのフィル・ジャクソンの方を見るんだよな。”神 “とは、自分が着手しているどんなことでも、そのやり方を学ぶために全力を注いできたおかげで、ほんのちょっとだけ手に入れることができる小さな神性のかけらなんだよ。全てを注げば最高に有能になれるし、その結果には疑問の余地はない」

そうした揺るぎない “好き” “得意” を作ることはまさに “Antifragile” “こわれにくいもの” のミッション・ステートメントと一致しています。どんなことでも、自分が充実していると感じられればいい。だからこそ、ATR は独立の道を選んだのでしょうか?
「レーベルに所属し、レーベルを通じてライセンス契約を結ぶという選択肢もあったけど、レーベルに付随する多くのネガティブな要素に煩わされることなく、自分たちの手で作品を作り上げるというアイディアがとても気に入ったんだ。もうね、今となっては、レーベルは単なる広告代理店に過ぎないから。
もし君たちが若いバンドなら、レーベルに所属したいと思うのは分かるよ。でもね、ALL THAT REMAINS にとって、これは10枚目のリリースなんだ。僕らには歴史がある。”Fall of Ideals” のアニバーサリー・ツアーをやったんだけど、20年近く前にリリースされたレコードの曲を聴きに来てくれたんだ。そうした影響力を持ち、人々がまだ気にかけてくれていることは、とても幸運なことだ。でも、もし僕らのようなカタログや歴史がなかったら、”何か突破口を見つけ、人々の注目を集める方法を見つけなければならない” と思うのは自然なことだからね」
Lebonte のもう一つの仕事、ティム・プールとのTimcast IRLの共同司会とプロダクションの仕事は、どのように始まったのでしょう?
「ツイッターだよ。2013年に彼が “ウォール街を占拠せよ” を取材していた時に、彼の番組をいくつか見たんだ。それから、ティムの毎日の番組を見るようになった。彼はただビデオを作るだけで、基本的にただカメラを回して自分自身を撮影するだけだった。
僕がレガシーな、大きなメディアから離れ始めたのは、彼らが僕が魅力的だと思うものを本当に表現していなかったからだ。9.11の直後、僕はニュース中毒になった。なぜ起きたのか、何が起きているのか、そういったことを知りたかった。YouTubeが普及し始めたこともあって、インターネットでいろいろなものを見るようになり、自分の関心のあることについて話している人たちを見つけるようになった。ティムもその一人だった。
2016年頃、ツイッターでティムと交流するようになり、その後、バンドがきっかけでIRLのゲストに招待されたんだ。そしてある日、彼から電話がかかってきて、”お願いできる?” ってね」

Lebonte は明らかに、政治的に非常に率直な人物ですが、ATR は決して政治的なバンドではないでしょう。
「僕は常に分けて考えようとしてきた。その理由は、ATR には常に異なる政治的意見を持つ人々がいたからだ。僕と元ベーシストは、かなりはっきりした政治的意見を持っていた。Jason と僕は、政治的な意見の違いがはっきりしている。でも僕は、これまでの人生で、政治的なことが誰かとの友達付き合いをやめる理由になると思ったことは一度もない。だから僕にとっては、”ステージに上がって説教することはできない” という感じだった。ATR のライヴでやったことのある政治的なことといえば、2012年にロン・ポールのシャツを着たことくらいかな。
あと、マリファナに耽溺していた頃、コロラド州でマリファナが合法化されたばかりだったと思うんだけど、そのときに言ったんだ。コロラド州がマリファナを合法化したのはいいことだ。もちろん、今となっては全く議論の余地はない。
バンドには、僕と同じ考え方のヤツもいれば、僕と全然違う考え方のヤツもいる。それが普通だと僕は思う。意見が合わない友達がいないなら、そっちのほうが異常な気がする」
反対意見を持ちにくい時代になった?
「そうだと思う。でもそれは変わりつつあると思う。マーク・ザッカーバーグは昨日、5年ほど前に行った自由な意見交換についてのスピーチを撤回した。
結局のところ、アメリカでは誰もが相違点よりも共通点の方が多いんだよ。そして、隣人を敵視するよう人々を駆り立てる衝動は、もう限界だと思うし、ほとんどのアメリカ人はそれにうんざりしていると思う。僕らは反対する人の意見にも耳を傾けるべきだ。
僕は、とてもとても “生かされて生きる” タイプの男だ。極端な政治的意見は持っていない。非常に穏健だ。正直に言うと、90年代の民主党的なんだ。ナチス呼ばわりされたことは数え切れないほどあるが、同時にナチスからユダヤの回し者、イスラエルの回し者として攻撃されたことも数え切れないほどある。両側からそう言われているのなら、どちらの側にもそこまで極端にはなれないはずだ」

キャンセル・カルチャーは滅びるのでしょうか?
「その力があるかどうかを決めるのは、一般人である僕たちだ。炎上時に起こることは、誰かが何かを言って、”ああ、この人はこんなことをしたんだ” となる。そしてネットで大騒ぎになる。
それが社会にとって良いことだとは思わない。特に、意図的にやっていない人の場合はね。だから、もし誰かが何かを言っていて、それが侮辱的であったり、分断的であったり、偏見に満ちていたりするつもりはなく、何かについて話していて、それがただ無慈悲な言葉でないなら、人々が自分の人生に悪影響を及ぼす理由はない。誰かが誰かを罵倒したりするのであれば、企業が “あなたとはもう付き合いたくない” と言うのは理にかなっているかもしれないけどね。
でも、軽はずみなキャンセル・カルチャーはもう終わりだと思う。でも、他人の行動に影響を与える方法として暴挙を利用しようとする人々がいる限り、常に暴挙は続くと思う。ただ、人々は絶え間なく憤慨し続けることに飽きているのだと思う。だから、少なくともしばらくの間はね…」


参考文献: REVOLVER MAG:HOW TRAGEDY AND TURMOIL MADE ALL THAT REMAINS ANTIFRAGILE

GUITAR WORLD :Jason Richardson on his love of Alexi Laiho, soundtracking Lifetime movies and how his late pet pug’s progressive drinking habits shaped his new album

NEW ENGLAND SOUNDS :Jason Richardson On Filling Big Shoes In All That Remains

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【VICTORIANO : LIVING AN ODYSSEY】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SERGIO VICTORIANO FROM VICTORIANO !!

“I Fell My Selfattracted By The Originality Of Japanese Music, The Way They Mix Many Styles Into One Piece, That’s Absolutely Outstanding, For Example I Really Like Acid Black Cherry, Cause They Have Songs In Different Styles, From Rock, Jazz, Ballad, Pop. etc…”

DISC REVIEW “LIVING AN ODYSSEY”

「日本の音楽のオリジナリティに惹かれたんだ。いろんなスタイルを1つの作品にミックスするやり方は、本当に素晴らしい。例えば、僕は Acid Black Cherry が大好きなんだけど、彼らはロック、ジャズ、バラード、ポップスなど様々なスタイルの曲を持っている。日本のバンドから受けた影響によって、僕らの心は新しい音楽の地平へと開かれ、日本の音楽によって VICTORIANO は様々な音楽スタイルに挑戦し、自分たちの道を見つけることができた」
かつて、日本の音楽は西欧よりも “遅れている”、テクニックが足りていない、外国では売れない、日本語が壁になるなどと言われていた時代がありましたが、インターネットの進歩によってそうした言説が誤ちであることが証明されつつあります。もちろん、他文化を受け入れる風潮が高まったという時流の変化もあるでしょうが、むしろ日本の音楽は “発見” されていなかっただけで、今ではその独特のコード感やメロディ、日本語の響きを含めて “クール” だと感じる外国人が明らかに増えています。
地球の反対側、チリから現れた VICTORIANO もそんなバンドのひとつ。ただし、彼らの日本に対する愛情はアメリカ大陸においても群を抜いています。
「数年間日本語を勉強していて、日本語はとても美しい言語だと気づいたし、その響きが好きになったから。その頃僕は、何か本当にオリジナルなことをしたいと思い、アメリカ大陸で日本語でフルアルバムをリリースする初めてのバンドになるという挑戦を自分に課したんだ。僕らの音楽を日本のリスナーの心に届けることは、僕にとってとても重要なこと。だからすべての愛を込めて、特に日本の人たちのためにアルバムを作ったんだ」
日本の音楽、その美しいメロディと多様なスタイル、そしてリリックの侘び寂びに魅せられた VICTORIANO。だからこそ、彼らは “日本語で” 歌うことにこだわりました。当然、ラテン系の言語と日本語の間には大きな隔たりがあります。その習得だけでも容易ではありません。ましてや、心を込めて歌うことには相当の鍛錬が必要でしょう。そうして彼らはやりきりました。
「最近日本の音楽でよく聴いているのは、Iron Attack, Imari Tones, 陰陽座, Siam Shade, Acid Black Cherry, Xie, Saluki, Galneryus だね。VICTORIANO のスタイルはかなり実験的で、ロック、ダブステップ、インダストリアル・メタル、プログレッシブ・ロック、ポップ、ジャズの間のミクスチャーだ。僕たちにとって最も重要なことは、他のバンドのスタイルを真似たり、守ったりするのではなく、オリジナルのスタイルを確立することだ」
“Living an Odyssey” を聴けば、その音楽のそこかしこに、古き良き往年のパワー・メタルと共生する日本の息吹を感じるはずです。バンドとして敬愛する Acid Black Cherry を筆頭に、Siam Shade, L’Arc~en~Ciel といったVとメタルの架け橋となったバンドの刹那のメロディ。さらにはボーカルの Sergio が幼少期から愛するアニソンとメタルの架け橋、Make Up や影山ヒロノブの遺伝子。そして Yama-B のゲスト参加が物語るように、日本を代表するパワー・メタルの伝説 GALNERYUS の純真。聖飢魔IIや Daita のシュレッドを思わせる場面も。
チリは敬虔なカトリックの国ですが彼らはプロテスタントで、興味深いことに彼らはそうした日本に対する愛情をキリスト教文化の中に落とし込みました。ルカの福音書にインスピレーションを得た “神の許しがない” を筆頭に、STRYPER も顔負けの穢れなきまっすぐなリリックは、不思議と日本語の響き、日本の音楽に自然に融合し、新たなアマルガムを創造していきます。広がるメタルの世界。その情報過多とも思える彼らの創造こそ、まさに今のメタルが翼を広げて飛翔する姿の象徴でしょう。
今回弊誌では、Sergio Victoriano にインタビューを行うことができました。「間違いなく僕は子供の頃からパワー・メタルが大好きだった。そして、これからもパワー・メタルを、新しい曲を作り続けていきたい。今の時代、パワー・メタルがそれほど人気がなくても構わないんだ。大事なのは、心の中にある音楽を作れるかどうかだから」 二度目の来日にも期待。どうぞ!!

VICTORIANO “LIVING AN ODYSSEY” : 9.9/10

INTERVIEW WITH SERGIO VICTORIANO

Q1: I am glad that you guys have great affection for Japan! First of all, what made you interested in Japan in the first place?

【SERGIO】: Since I was a kid at that age I used to watch many Akira Kurosawa’s movies, I used to practice Karate, so in that sense Japanese culture seems very attractive to me, also I like the Japanese food, as well as Anime and Japanese music such as Rock, Metal, Gospel, Pop, Ballad and New Age music, for example I love Kitaro, all of those things make me feel love for Japanand I have many Japanese friends too.

Q1: あなたたちが日本に大きな愛着を持ってくれて嬉しいですよ!まず、日本に興味を持ったきっかけから教えていただけますか?

【SERGIO】: 子供の頃から黒澤明の映画をよく観ていたし、空手もやっていたから、そういう意味では日本の文化はその頃からとても魅力的に思えたね。
日本食も好きだし、アニメやロック、メタル、ゴスペル、ポップス、バラード、ニューエイジなどの日本の音楽も好きだよ。例えば、僕はは喜多郎が大好きだしね。そうしたすべてが、日本が大好きだと感じさせてくれるんだ。日本人の友達もたくさんいるしね。

Q2: Obviously, your music is heavily influenced by Japanese music, ranging from J-Pop, J-Rock, Metal, V-Kei, and even Johnny’s. What kind of Japanese music have you been listening to?

【SERGIO】: Lately from Japan I’ve been listening a lot to Iron Attack, Imari Tones, Onmyouza, Siam Shade , Acid Black Cherry , Xie, Saluki and Galneryus. Victoriano’s style is quite experimental, it is mixture between Rock, Dubstep, Industrial Metal, Progressive Rock, Pop, Jazz. What really matters most to us is being able to develop an original style, not imitating nor trying to keep other bands’ stlyle.

Q2: あなたの音楽は、J-POP、J-ROCK、メタル、V系、そしてジャニーズまで、明らかに日本の音楽から多大な影響を受けていますね。どんな日本の音楽を聴いてきましたか?

【SERGIO】: 最近日本の音楽でよく聴いているのは、Iron Attack, Imari Tones, 陰陽座, Siam Shade, Acid Black Cherry, Xie, Saluki, Galneryus だね。VICTORIANO のスタイルはかなり実験的で、ロック、ダブステップ、インダストリアル・メタル、プログレッシブ・ロック、ポップ、ジャズの間のミクスチャーだ。
僕たちにとって最も重要なことは、他のバンドのスタイルを真似たり、守ったりするのではなく、オリジナルのスタイルを確立することだ。

Q3: It is not easy to encounter and delve into Japanese music in Chile. After all, did the evolution of streaming service bring you and Japanese music together?

【SERGIO】: Yes of course it did. all of these yearssince YouTube exist I was able to discover a lot of Japanese music that going back in years was very hard to get, in that sense internet and all of that media around they’ve become an extremely important source to make the music flow, either trying to get works from new independent artists and also it is a great way to distribute your own music.

Q3: チリで日本の音楽と出会い、掘り下げるのは容易ではないでしょう。やはりストリーミング・サービスの進化が、あなたと日本の音楽を結びつけたのでしょうか?

【SERGIO】: もちろんそうだよ。YouTubeが存在するようになってから、昔は入手するのがとても難しかった日本の音楽をたくさん発見することができた。そういう意味で、インターネットやその周辺のメディアは、新しいインディペンデント・アーティストの作品を手に入れようとしたり、自分の音楽を配信したりするのに究極に重要な情報源になっているんだ。

Q4: What attracted you to Japanese music compared to Western music or your local music?

【SERGIO】: well, first of all, I fell my selfattracted by the originality of Japanese music, the way they mix many styles into one piece, that’s absolutely outstanding, for example I really like Acid Black Cherry, Cause they have songs in different styles, from Rock, Jazz, Ballad, pop. etc…
All that influence that came from Japanese bands made our minds were open to a new musical horizon, that fact encouraged Victoriano to experiment into several musical styles and find our own way, but at the same time it is a little sad to say that bands in Latin America they are not very original, so you realize that most of them try to sound similar to some other bands, just a little number of them are able to develop an original style, and it is even harder to accept that in Latin America Rock is not very popular, the most of Latin audience they are focus on Salsa, urban music, reggaeton, Latin dance music, and the people seems to spin around in circles into those music styles..

Q4: 西欧の音楽や地元の音楽と比べて、日本の音楽のどこに魅力を感じましたか?

【SERGIO】: まず、日本の音楽のオリジナリティに惹かれたんだ。いろんなスタイルを1つの作品にミックスするやり方は、本当に素晴らしい。例えば、僕はAcid Black Cherry が大好きなんだけど、彼らはロック、ジャズ、バラード、ポップスなど様々なスタイルの曲を持っている。
日本のバンドから受けた影響によって、僕らの心は新しい音楽の地平へと開かれ、日本の音楽によって VICTORIANO は様々な音楽スタイルに挑戦し、自分たちの道を見つけることができた。しかし同時に、ラテン・アメリカのバンドがあまりオリジナリティがないというのは少し悲しいことで、ほとんどのバンドが他のバンドと似たようなサウンドを出そうとしていることに気づく。個性を追求しているバンドはごく少数だ。
ラテン・アメリカではロックはあまり人気がなく、サルサ、アーバン・ミュージック、レゲトン、ラテン・ダンス・ミュージックに人気が集中しているんだ。

Q5: Amazingly, you guys sing most of your songs in Japanese! What made you decide to sing in Japanese?

【SERGIO】: I studied Japanese for a few years, and I realized that Japanese it’s a very beautiful language and I like how it sounds, in that moment I was searching for doing something really original, so I proposed to myself the challenge of being the first band in the Americas to release a full album in Japanese, it is very important to me reaching the hearts of the Japanese audience with our music, we composed it with all of our love especially for people in Japan.

Q5: 驚くべきことに、あなたはほとんどの曲を日本語で歌っています!なぜ日本語で歌おうと思ったのですか?

【SERGIO】: 数年間日本語を勉強していて、日本語はとても美しい言語だと気づいたし、その響きが好きになったから。その頃僕は、何か本当にオリジナルなことをしたいと思い、アメリカ大陸で日本語でフルアルバムをリリースする初めてのバンドになるという挑戦を自分に課したんだ。
僕らの音楽を日本のリスナーの心に届けることは、僕にとってとても重要なこと。だからすべての愛を込めて、特に日本の人たちのためにアルバムを作ったんだ。

Q6: What was difficult about singing in Japanese? How did you write the lyrics?

【SERGIO】: It was quite difficult, the Japanese language is very difficult for us, very different from Spanish, but I have a Japanese friend named Rene Kembo san, who helped me a lot to make a good translation for the lyrics from Spanish to Japanese, and he also was me guide in pronunciation, trying to do it the best as possible, he is a great friend of mine.

Q6: 日本語で歌うことの何が難しかったですか?歌詞はどのように書いたのでしょう?

【SERGIO】: とても難しかったよ。僕らにとって日本語はとても難しいし、スペイン語とは全然違うからね。でも、レネ・ケンボさんという日本人の友達がいて、スペイン語から日本語への歌詞の翻訳をとても助けてくれたし、発音のガイドもしてくれたんだ。彼のおかげでうまくいったし、大親友だよ!

Q7: I see that Yama-B is a guest! Did he and Galneryus stand as heroes for you?

【SERGIO】: Oh Yes, of course they did! in my opinion Yama-B is the best Asian metal singer, he is really talented, he has an incredible voice, and Galneryusis a great band, they’re excellent musicians, I really love them.

Q7: Yama-Bがゲスト参加していますね!彼と GALNERYUS はあなたにとってヒーローなんでしょうか?

【SERGIO】: ああ、もちろんそうだよ!僕の意見では、Yama-B は最高のアジアン・メタル・シンガーで、本当に才能があるし、信じられないような声を持っている。それに GALNERYUS は偉大なバンドで、彼らは並外れたミュージシャンたちだよ!

Q8: Power metal has never been the most popular music today. But in this dark world, power metal fantasy must be a much-needed escape. Can a band singing in Japanese in Chile revive power metal?

【SERGIO】: Well, power metal is the music that all of Vicotriano members we have been listening to since we were teenagers, many bands such as Stratovarius, Sonata Arctica, Nightwish, Rhapsody and Helloween they are very important to us, we really love them, thanks to our friend, the great Japanese guitarist “Iron Chino” from the band Iron Attack, I dared to make power metal, he very kindly invited me to sing a song for his album “Perpetual Nightmare”, the song is called “Fantasma”, after the recording of that song I realized that I could sing into that style and we composed “Living an Odyssey” I was able to return to the early years when we used to compose power metal songs many years ago, and I have to say that I’ve loved power metal since I was a kid practically, we hope to continue composing power metal, creating new songs, it doesn’t matter if in this era it is not so popular, the important thing is to be able to make the music that is inside the heart.

Q8: パワー・メタルは今日、決して最も人気のある音楽ではありません。しかし、この暗い世界で、パワー・メタル・ファンタジーこそ必要とされ、現実からの逃避場所となるべきではないでしょうか。チリで日本語で歌うバンドは、そのパワー・メタルを復活させることができるでしょうか?

【SERGIO】: STRATOVARIUS, SONATA ARCTICA, NIGHTWISH, RHAPSODY, HELLOWEEN など、パワー・メタルの多くのバンドは僕らにとってとても重要で、本当に大好きなんだ。友人の偉大な日本人ギタリスト、IRON ATTACK の “アイアン・チノ “のおかげで、僕はパワー・メタルを作ることを決心した。彼のアルバム “Perpetual Nightmare” のために、彼はとても親切にも僕に曲を歌うよう誘ってくれた。その曲は “Fantasma” という曲で、この曲のレコーディングの後、僕はこのスタイルで歌えることに気づいて “Living an Odyssey” を作曲したんだ。僕は、何年も前にパワーメタルの曲を作曲していた初期の頃に戻ることができたんだよ。
そう、間違いなく僕は子供の頃からパワー・メタルが大好きだった。そして、これからもパワー・メタルを、新しい曲を作り続けていきたい。今の時代、パワー・メタルがそれほど人気がなくても構わないんだ。大事なのは、心の中にある音楽を作れるかどうかだから。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED SERGIO’S LIFE!!

Queen “The Works”

Europe “The Final Countdown”

Bon Jovi “Slippery When Wet”

Stratovarius “Visions”

Helloween “Keeper of the Seven Keys”

MESSAGE FOR JAPAN

Sergio Victoriano: well as you can see I really like a lot of things from Japan, anime, video games, films, food, my message for Japan is:
We are Victoriano and we composed our music with care and affection especially for you all in Japan, we hope that you like and enjoy our music and I hope we can tour throughout Japan into the future, greetings from Santiago de Chile Thanks again!
ありがとう!

見ての通り、僕は日本のいろんなものが大好きなんだ。アニメ、ビデオゲーム、映画、食べもの…僕たちは VICTORIANO で、特に日本のみんなのために心を込めて作曲したんだよ。僕たちの音楽を気に入って楽しんでもらえたらうれしいし、将来日本全国をツアーできることを願っているよ!チリのサンチアゴから愛を込めて。ありがとう!

SERGIO VICTORIANO

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【HARAKIRI FOR THE SKY : SCORCHED EARTH】


COVER STORY : HARAKIRI FOR THE SKY “SCORCHED EARTH”

“Even If I Am Generally Lucky, I Have a Very Cool Band, I Have a Very Cool Wife And All That, But In The Meantime All That Is Happening In The World, Gets Me In a State Of Mind Where I Should Not Be And It May Be The Answer If People Ask How I Get Into This Sad Mood To Write Those Lyrics.”

SCORCHED EARTH

絶望、喪失、愛、そして実存的葛藤は、常にHARAKIRI FOR THE SKY の特徴的なサウンドの基盤。そうして2011年の結成以来、マルチ・インストゥルメンタリストのM.S.とボーカリストのJ.J.は、アトモスフェリックなエクストリーム・メタルとメロディアスなポスト・ロック、グランジ、モダン・ハードコアを融合させたエモーショナルなサウンドで音楽の境界を押し広げ、独自のジャンルを確立してきました。HARAKIRI FOR THE SKY は、ある意味過小評価されているバンドだと言えます。このオーストリアのデュオのメロディに対するこだわりは誰にも引けを取らず、憧憬のアトモスフィアと黒々とした攻撃性、そして瞑想的なテンポを組み合わせながらも、決して “虚弱さ” に陥ることはありません。あくまでもメタルの文脈の中で、筋肉質な重さとメロディックなモチーフにその情熱を注いできました。このスタイルのトレードマークであるゆっくりと燃え上がる “スロウ・バーン” を追求しながら、彼らは常に “ポスト・ブラック” という形容の落とし穴を避け、弱々しくきらびやかでしかし “簡単な” 道を選ぶことはなかったのです。
つまり彼らは小手先の技に頼らず、美しさ、憂鬱さ、残虐さのバランスを保ちながら、その中に光と希望を輝かせる卓越したソングライティングで、音楽の限界を押し広げてきました。感情を揺さぶるという使い古された言葉では言い表せないほどに。
それにしても、日本人としてはこの突拍子もないバンド名が気になります。
「Harakiri とは割腹自殺のこと。そう、経験したくはないことだ。これはボーカル J.J. のアイデアで、彼の夢と関係があるんだ。自殺は彼にとってとても重要なテーマで、彼は崖から落ちるような夢を見たんだけど、自分を刺しそれから飛び始めたんだと思う。僕の知っている限り、彼はそうやってこの名前を思いついたんだと思う。だから、彼の歌詞の中にも、いろいろなことの比喩があると思ったんだ」

2010年代初頭、寝る間も惜しんで Bandcamp を漁っていたメタル・ナードにとっては忘れられない名前でもあります。
「覚えている限りでは、我々は2011年の春か夏頃、古いアパートで HFTS のアイデアを思いついたんだ。夜通し酒を飲みながら、WOODS OF DESOLATION やALCEST、HERETOIR といった初期のポストブラックメタルを聴いていた。2人とも、当時組んでいた他のバンドにあまり満足してなくて、何か新しいもの、違うものを求めていたんだよね。こうして HFTS が誕生した。デビューのための最初のレコーディングをするまでに、そんなに時間はかからなかった。2012年の初めに完成し、その数ヵ月後に僕らが今も所属しているレーベル、AOPレコードからリリースされることになった。そう、それがこのバンドの起源だ」
ちょうど、オーストリア、そしてインターネットから生まれたバンドが飛躍し始めたころ。
「オーストリアは大きな国ではないし、大きなシーンもなかったけど、SUMMONING や ABIGOR、ELLENDE のような新しく、とても有望で影響力のあるバンドがいる。バンドを始めた当初は、Facebook や Bandcamp などを通じて、オーディエンスを見つけることができたのも大きかったな。そのおかげで、オーストリアの外でもすぐに演奏することができたし、ツアーにも出ることができたと思う。当時はポスト・ブラック・メタルはまだ新しかったし、インターネットはそれを “流行らせる” のにとても役に立ったんだ」
ポスト・ロックとブラック・メタルの融合は、最初から目指していたものなのでしょうか?
「もちろん、バンドを始めた頃は雰囲気のあるブラック・メタルのバンドを聴いていたし、同じようなことをやりたかったんだ。メランコリックな雰囲気がありつつもハーシュな音楽で、僕らが好きな音楽、聴いていた音楽からすべて何かしらの影響を受けていたから、頭に浮かんだものをそのまま書いたんだ。それが全体的なサウンドなんだけど、特定のバンドのようなサウンドにしたかったわけでもないし、特定の影響を受けたわけでもない」

HARAKIRI FOR THE SKY を10年以上続けてきたその原動力とはなんだったのでしょう?
「他人やファンとのコミュニケーションのためにやっているとは思わない。でも、僕らの作る歌詞や音楽の中に、同じような心の重荷というか、なんというか……そういうものを感じて、自分自身を見出すことがあるとしたら意義深いことだ。僕らははいつも、ある種のセラピーとして、自分自身を表現するためにやってきた。でも、他の人たちが僕たちの作るアートに共感してくれるのは、いつだって嬉しいことだし、そう、僕たちの曲のすべてに通じる特定のテーマや問題があるんだ」
それはどんなテーマなのでしょう?
「僕らの歌詞は常に自伝的なもので、つまり、書けるのはそれしかない。歌詞のほとんどは、人生のマイナス面、憂鬱、失恋、疎遠、薬物乱用などについてのものだ。でも、それは人間の心の奥底に宿っているもので、僕たちは多かれ少なかれ、そうしたネガティブな感情を処理しなければならない。そこでアートが生まれる。良い芸術や良い音楽は、通常、優雅な時に生まれるのではなく、憂鬱や悲しみから生まれるものだから」
人間嫌いと噂されることも少なくありません。
「人間嫌いかどうかはわからない。なぜなら、人間関係で何か不快なことや嫌な経験をしたとき、それをただ飲み込むのではなく、僕らは吐き出す必要があるからだ。音楽はそのための素晴らしいフィルターであり、そういったことに対処するための個人的なカタルシスなんだ。もちろん、世界でいろいろなことが起きている中で、ポジティブなことを見つけるのは難しいけど、それよりも、個人的に起きた悪いことに対処しているんだ」
彼らの音楽からは明らかに “冬” の景色が聴こえます。
「僕は完全に秋冬派だね。春も好きだけど感動するというわけではない。月並みな言葉だけど、寒くなり、自然が死んで、数ヵ月後の春にまた生まれ変わるとき、いつも何か重要なことが起こるという意味でね。つまり、多くのアルバムや音楽が四季に言及しているのは、それが感動的なものだからだ。僕は個人的には寒い季節が好きだ。僕は山の中腹出身だから、雪や氷が好きだったんだ」
動物を使ったアートワークの数々も、彼らの美学を彩ります。
「最初のアルバムでカラスを使ったときから、それが僕たちのコンセプトであり、意図となった。動物には、メランコリックな音楽にぴったり合う特別な美学があるんだ。こうしたジャケットやイラストは絶対に残していくよ。”Scorched Earth” の新しいアルバム・ジャケットには、過去5枚のアルバムの動物をすべて集めた。これは、新しいアルバムが過去に書いたすべての音楽的なコレクションであることを示すためだ。僕たちの音楽の旅を示しているんだ」

2021年の “Maere”(ドイツの公式チャートで4位を記録)の後、4年の歳月をかけて次なる壮大な章 “Scorched Earth” を作り上げた HARAKIRI FOR THE SKY。このアルバムは、私たちが生きている世界のスナップショットといえます。私たちの社会は根底から分断され、ここ数十年、平和からかつてないほど遠ざかっています。危機が次から次へと押し寄せてくるような、そんな差し迫った破滅の予感が “Scorched Earth” には込められているのです。
4年というインターバルは彼らにとってこれまでなかったことでした。それは、パンデミックが及ぼした影響でした。
「コロナのために多くのコンサートやツアーが延期され続けたことも関係している。結局、この2年半で、2020年の初めからやるべきことをほぼすべてやり遂げた。年間80本ものコンサートを行い、さらに移動とその周辺のすべてをこなすとなると、継続的に新曲に取り組む時間とエネルギーはあまり残されていない。作曲はツアーの休憩時間に限られていた。
それに、あまり外に出ず、家にいる時間が長いと、インプットがなければアウトプットもない。インスピレーションを与えてくれるものがないんだ。だから全体的に時間がかかるんだ。それに6枚目のアルバムでは、物事が迅速に進まないということもある。同時に何千ものアイデアを思いつくことはなくなり、全体的に内省的になる」
一方で、パンデミックのおかげで、初期の “Harakiri For The Sky” と “青木ヶ原” を再録することができました。
「最初のロックダウンは本当にクールだった。でもある時点で、おそらくほとんどの人がそうであるように、ある種の無気力に陥ってしまった。結局、最初の2枚のアルバムを再レコーディングして再リリースすることで、時間を使うことにした。無理に新曲を作るのではなく、このようなプロジェクトに時間を使おうと考えたんだ。
何度もライブで演奏し、現在のサウンドを実感しているからね。Ver. 2.0ではまったく違うサウンドになっている。僕の声色はこの10年で大きく変わった。当時のアルバムは、ドラムをプログラムして自宅でレコーディングしていた。ノスタルジックに言えば、それはそれで魅力的なのだが、これらのアルバムが今の HARAKIRI FOR THE SKY のようなサウンドだったら、どんなにクールだろうと思った。特に本物のドラムで、プロのスタジオで録音され、宅録のクオリティを損なうことなくね。
バンドを始めたとき、僕たちはバンドがどこに行くのかわからなかった。DIYのミュージシャンで、家ですべてを解決していた。でも、ある時点で僕たちは話し合ったんだ。リマスター?いや、それだと本物のドラムをミックスできない。リミックス?だったらアルバムを完全に録り直すことにしたんだ。この決断にはとても満足している。オリジナル・バージョンはYouTube や Spotify などに残っているから、ファンにとって問題はない。だから、どのバージョンが好きかは君たちが決めればいい」

“Scorched Earth” はプレス・リリースによれば、”悲惨なまでに壊れてしまった世界 ” にインスパイアされたものだといいます。それは “内省的” なものから離れているようにも聞こえます。
「このアルバムは政治的なアルバムかとよく聞かれるんだ。でも政治的なアルバムではないんだよ。ただ、ここ数年、特にロシアのウクライナ侵攻以来、そして一昨年の10月7日以降、実は “コロナ” 以降なんだけど、世界の出来事がどれだけ僕らの精神的にネガティブな影響を及ぼしているかに気づいたんだ。朝から晩まで悲惨なヘッドラインにさらされ、そのどれもが自分を落ち込ませる。政治的なアルバムではないけど、このような世界の出来事がアルバムのムードに自然に影響を与えているんだよ。
でも、HARAKIRI FOR THE SKY では、いつも僕ら自身が経験した自伝的なトピックについて書いている。ファンタジーは書けないし、書きたくない。2020年の半ばか終わりに、僕の人生はかなり破綻した。当時のガールフレンドは6年間付き合った僕を捨てたんだ…理由はともかく。コロナがやってきて、ライブもなく、僕は文字通り実存的な危機に陥った。そのすべてがこの作品反映され、だから歌詞には悲痛な思いが強く表れているんだ
アルバムのトラックリストを発表したとき、ある人から “エモい” と言われたんだ。”Without You, I’m Just a Sad Song ” や “Too Late for Goodbyes” のような曲やタイトルは、実際とてもエモく聞こえる。曲目が一緒にリストアップされているのを見たことがなかったから、そのことに気づかなかった。しかし、そう、最初から最後まで失恋ソングなんだよ。それは HARAKIRI FOR THE SKY にとって目新しいことではない。薬物乱用、メンタルヘルス、うつ病、壊れた人間関係といったトピックは、僕たちの音楽の重要な部分だ。そうしたテーマは僕らを夢中にさせるし、おそらくこれからもずっとそうだろう。人生は楽にはならないし、年を取れば取るほど、別れは頻繁に訪れるようになる。今は幸せな恋愛をしているし、結婚して1年になるけれど、そういう経験はいつも心に響く。幸運にも僕はとてもクールなバンドをやっていて、とてもクールな奥さんがいて、いろいろなことに恵まれているんだけど、その間に世界で起こっているすべてのことが、僕を本来あるべきでない精神状態にしてしまう。簡単に言うと、僕は繊細すぎるんだ」

古き良き、もしかしたら今よりも平和で気楽だった過去へのノスタルジーも、彼らの音楽にはタペストリーのように織り込まれています。
「HARAKIRI の音楽はいつも、すべてがより良かった過去への強い憧れの感情、究極のメランコリーを反映している。人類の歴史には常に、すべてが非常に悪いと思われた時代があり、その後、より良い時代がやってくる。個人的にも初めての恋とか、今はもういない人間関係とか、そういうことを思い出すと、メランコリックな気持ちになることは誰にでもあると思う」
また同じプレスリリースには、”Scorched Earth” は、すべてのアルバム、”HARAKIRI” が象徴するもの、音楽的、歌詞的なすべての結論のようなものとも書かれています。
「このアルバムは “HARAKIRI FOR THE SKY” の長所を1枚にまとめたものだと思う。瞑想的なポスト・ブラックのパートに、ブラスト・ビート、トレモロ・ギターといった、僕らがいつもやっているようなサウンドは健在だ。同時に、インディー・ロックやグランジ、ポスト・パンク的なアプローチなど、より実験的な要素も多く含まれている。
基本的に、このアルバムはファースト・アルバム以来の僕たちの音楽的な旅を要約したものであり、これまでのアルバムのベストを総括したものでもある。でも、これからもスタイルを根本的に変えることはないと思う。基本的に自分たちが進みたい方向は決まっている。もちろん、新しい影響は僕たちに影響を与えるけど、例えば “Scorched Earth ” で単なる “Mære 2.0 ” を作りたくはなかった。さらなる発展が僕らにとって重要だったんだ。
ただし、バンドが自分たちのスタイルを見つけるのはいいことだが、同じことを繰り返したくはない。だからこのアルバムを “Conclusio” と呼んでいるんだ。アルバム・ジャケットには、過去に登場した5匹の動物が描かれている。動物たちは燃え盛る森から逃げ惑い、そのうちの何匹かはすでに燃えている。つまり、これは終わりではなく、HARAKIRI FOR THE SKY がこれまでやってきたことの論理的帰結なんだ」

アルバムには多くのゲスト・ボーカルが参加しています。
「時系列で説明しよう。まずは AUSTERE の Tim から。AUSTERE に出会ったのは彼らのファーストアルバムが出たときで、2006年か2007年のことだった。当時18歳か19歳で、ほとんどアンダーグラウンドのブラックメタルばかり聴いていた。AUSTERE, LIFELOVER, NYKTALGIA…憂鬱なブラックメタルばかりだった。ポスト・ブラック・メタルが登場する前は、それが僕のちょっとした宗教だった。その15年後、あるライブで Tim に会った。彼は HARAKIRI のジャンパーを着ていて、僕らのファンだったんだ。彼の歌声は素晴らしかったね!
SVALBARD はもう知ってるよね。少なくとも今は、ALCEST とのツアー以来だけどバンドとの付き合いはかなり長い。2015年にウィーンのコンサートで彼らを見たときからのファンだからね。Serena は美しくクリーンな歌唱もできるし、非常にクールなハーシュ・ヴォーカルもできる。そのコンサート以来、僕はSVALBARD のファンになった。以前からスクリームもできる女性と仕事をしたいと思っていたので、彼女は第一候補だった。M.S.も、クリーン・ボーカルとのコンビネーションという点に惹かれたんだ。それに彼女は超超超素敵な女性だよ!
GROZAのP.G.は、今では親友だ。彼はザルツブルクのすぐ近くに住んでいて、しょっちゅう会っている。一緒にコンサートをしたバンドはとても少ないんだ。P.G.はもともと僕と一緒にスクリーム・ヴォーカルをやるはずだったんだけど、彼は自発的に ALICE IN CHAINS のようなスタイルでやってみたんだ。僕たち全員がかなりのグランジ・ファンであることは周知の事実だ。この曲はとてもいい仕上がりになったと思う。僕らのファンのための曲でもあると思う。
最後の曲についてだけど、M.S.はもう少し KATATONIA の流れを汲む曲を書きたかったようだ。僕も KATATONIA のファンだけど、M.S.は本当にファン・ボーイなんだ。その路線で何か書いてみたいと。僕は歌えないことはないけど、音域は信じられないほど広くはないんだ。この曲でボーカルを務めた Daniel は、実は KARG と自身のバンド BACKWARDS CHARM のギタリスト。かなり古典的なシューゲイザー・バンドだと思うよ」

RADIOHEADのカバー “Street Spirit” をボーナス・トラックに決めたのはなぜだったのでしょう?
「アルバムのボーナス・トラックとして特別盤に収録される曲のカバー・ヴァージョンを毎回制作していたんだ。典型的なブラック・メタルやポスト・メタル、ハードコアなどではなく、常に違うジャンルの曲でなければならない。いわば、僕らのバンドの手袋をはめた原曲のような、新しい解釈であるべきなんだ。僕らは、Placebo や Radiohead のようなバンドの大ファンだった。過去2枚のアルバムでは、それは完全に理にかなっていた。確かに Radiohead は Harakiri のようには聴こえないし、その逆もしかりだけど、この曲の始まり方はHFTSでもあり得たと思う。だから、この曲は僕らにぴったりの曲だと思う」
重苦しさ、痛み、哀しみ、絶望、カタルシス、残虐性など、”Scorched Earth” はあらゆる暗さに触れ、ほんの一握りの光を灯し、エネルギッシュかつ憂鬱な雰囲気を漂わせながら、聴く者を難なく彼らの世界へと導いていきます。このアルバムにおける極端な表現のバランスは、もはや HARAKIRI のサウンドスケープとして唯一無二のトレードマークとなっています。Evoken de Valhall Production による来日公演も大盛況。そんな彼らは今、どんなバンドとの共演を夢見ているのでしょう?
「ALCEST, CONVERGE, そして AMENRA かな。彼らは本当に大きな存在だから」


参考文献: Arrow Lords Metal: Harakiri For The Sky

Disciplin Mag:IN CONVERSATION WITH – Harakiri For The Sky – Interview

Metal Imperium: Interview Harakiri For The Sky

Metal de: Harakiri For The Sky Interview

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MIKAEL ERLANDSSON : THE SECOND 1】 “THE 1” 30TH ANNIVERSARY


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MIKAEL ERLANDSSON !!

“Melodic Hard Is My ”Backyard” And My Home! I Will Continuing Doing This Til The Day I Die. Doesn’t Matter If It’s Popular Or Not – For Me It’s My Music Lifestyle – Love It !!!”

DISC REVIEW “THE SECOND 1”

「メロディック・ハードロックは私の “バックヤード” であり、私の家なんだ!だから、死ぬまでやり続けるつもりだよ。人気があろうがなかろうが関係ない!私にとって、この音楽はライフスタイルなんだ。ただ、愛しているんだよ!」
“ダサい” 音楽とは何でしょうか?流行や時代にそぐわない音楽のことなのでしょうか?だとしたら、たしかにメロディック・ハードロック、通称メロハーは “ダサい” 音楽なのかもしれません。ただし、もし、”ダサい” が情熱や信念もなくただ時流に乗るだけの、名声、金、モテを欲するポーザーを指すとしたらどうでしょう?明らかにメロハーは “ダサい” から最も遠い場所にいます。なぜなら、大きな名声や金銭は今の時代、メロハーでは得られないものだから。
それでも北欧の貴公子 Mikael Erlandsson がこの音楽をやり続けるのは、メロハーが、美しい旋律がただ好きだから。あの傑作 “The 1” から30年。ついにリリースされる続編 “The Second 1” には、長い月日を経ても枯れることのなかったメロハーに対する愛や情熱が溢れています。
「私は美しいメロディーがただただ大好きなんだ。そしてそれは、私の頭の中で常に鳴っている。メジャー・キーでもマイナー・キーでも、音楽のルールにとらわれず、自分なりのやり方でやるのが好きなんだよ」
1994年、ゼロ・コーポレーションからリリースされた “The 1” はメロハーを定義づけるレコードの一枚となりました。ハードな曲もソフトな曲も、メジャー・キーでもマイナー・キーでも貫かれる旋律の審美。
もちろん、アップテンポでハード、北欧の哀愁が浸透した “It’s Alright” は特にここ日本で爆発的な人気を得ましたが、それだけではありません。例えば “Show me”, “Reason” のようなおおらかなメロディの泉や、”Wish You Were Here”, “Life is a Hard Game to Play” のようなクリスタルで澄み切った北欧の景色に “We Don’t Talk Anymore” のタンゴまで、Mikael のハスキー…ボイスが紡ぎ出すメロディはすべてが珠玉で、ジャンルの醍醐味を心ゆくまで見せつけてくれたのです。
「私は自分をシンガーソングライターとして見ているんだ。そして自分のやっていることを愛している。そうした有名になることについて、ただ興味がないんだよ。だから、人気があろうとなかろうと、これからも音楽を続けていくつもりだよ。自分のため、そして私に興味を持ってくれる人のために」
世界が音楽だけに収束していくような “C’est la vie” を聴けば、メロディがゆっくりと密やかに孤独を癒してくれるような “Paper Moon” を聴けば、Mikael のメロハーに対する情熱が些かも衰えず、むしろ今もなお燃え盛っていることが伝わるはずです。
ここには、LAST AUTUMN’S DREAM, AUTUMN’S CHILD, SALUTE など紆余曲折を経ても守り続けた美旋律の牙城が堂々と鎮座しています。メロハーは今や万人受けでも、時代の万能薬でもありませんが、それでも “Put Some Love In the World”、ほんの一欠片の愛情を、優しさを世界にお裾分けすることならできるはず。暗い時代に Mikael はそう信じて、明日も歌い続けるのです。
今回弊誌では、Mikael Erlandsson にインタビューを行うことができました。「日本は私にとって…本当にすべてなんだ。私の音楽を最初にリリースしてくれた国だから。”The 1” がすべての扉を開けてくれた。このアルバムをとても誇りに思っている。最初からね。もともとはただのデモだったものなんだ。でも、なんとかリリースにこぎつけることができた。その日から、私はほぼ毎年アルバムをリリースしているんだ!」 どうぞ!!

MIKAEL ERLANDSSON “THE SECOND 1” : 10/10

INTERVIEW WITH MIKAEL ERLANDSSON

Q1: First of all, can you tell us why you decided to make “The Second 1,” a sequel to that masterpiece, “The 1”?

【MIKAEL】: I had this idea already when I released ”The 1” In the inlay card you can see ” To be continued”. And now I felt it was the perfect time to release ”The Second 1” 30 years later.

Q1: まず最初に、あの傑作 “The 1” の続編である “The Second 1” を作ろうと思った理由から教えていただけますか?

【MIKAEL】: 実は、そのアイデアは “The 1” をリリースした時からすでに持っていたんだよ。CDのインレイカードには “To be continued” と書かれているからね。
そして今、30年という節目に “The Second 1” をリリースする絶好のタイミングだと思ったんだ。

Q2: In fact, “The Second 1” is a perfect continuation of the excellence of “The 1”. I especially like “Paper Moon” “C’est la vie”, and “Evil Eye.” Your melodies are not all in minor keys like other Scandinavian artists, but beautiful even in major keys, would you agree?

【MIKAEL】: Yes , I just love beautiful melodies – have it in my head all the time . Even in major & minor keys, I like to do it in my own way without any music rules.

Q2: 実際、”The Second 1″ は “The 1” の素晴らしさを完璧に引き継いでいますね!特に “Paper Moon”, “C’est la vie”, “Evil Eye” が気に入っています。
あなたのメロディーは、他の多くのスカンジナビアのアーティストのようにマイナー・キーばかりではなく、メジャー・キーでも美しいのが特徴ですよね?

【MIKAEL】: そう、私は美しいメロディーがただただ大好きなんだ。そしてそれは、私の頭の中で常に鳴っている。メジャー・キーでもマイナー・キーでも、音楽のルールにとらわれず、自分なりのやり方でやるのが好きなんだよ。

Q3: Last year was the 30th anniversary of “The 1”. With that wonderful album, you made a name for yourself around the world. Looking back, what was the album to you?

【MIKAEL】: The 1 opened all the doors for me. I am so proud of this album , as for the beginning , it was just a demo.
But we decided to give it a try and release it – From that day I release albums nearly every year!

Q3: 昨年は “The 1” の30周年でした。あの素晴らしいアルバムで、あなたは世界にその名を轟かせましたね。今振り返って、あなたにとってあのアルバムはどんな存在ですか?

【MIKAEL】: “The 1” がすべての扉を開けてくれた。このアルバムをとても誇りに思っている。最初からね。もともとはただのデモだったものなんだ。でも、なんとかリリースにこぎつけることができた。その日から、私はほぼ毎年アルバムをリリースしているんだ!

Q4: In Japan, it became Zero Corporation’s flagship product and sold very well, Despite the grunge era. What does it and Japan & it’s culture mean to you?

【MIKAEL】: Japan means everything to me – it was the first country to release my music.
I have only been In Japan for 2 times , I don’t know so much about the culture
But when I was there – I love your country very much.

Q4: 日本では、グランジ時代にもかかわらず、ゼロ・コーポレーションのフラッグシップ・アーティストとなり、よく売れましたよね。あなたにとって、日本とその文化はどんな存在ですか?

【MIKAEL】: 日本は私にとって…本当にすべてなんだ。私の音楽を最初にリリースしてくれた国だから。
日本には2回しか行ったことがないから、文化についてはよく知らないんだ。でも、日本に行ったとき、日本がとても好きになったんだよ。

Q5: How did you feel about being classified as heavy metal or hard rock? Do you sometimes wonder if you would have been more famous if you had been featured in the mainstream?

【MIKAEL】: I see myself as a singer&songwriter & I just love what I do , just don’t think in those ”Famous terms”.
Sometimes I write rock songs , and after that it can be very soft songs .. It’s my mood.

Q5: 当時、メタルやハードロックに分類されることについては、どう感じていましたか?もしメインストリームで取り上げられていたら、もっと有名になっていたのではないかと思うことはありますか?

【MIKAEL】: 私は自分をシンガーソングライターとして見ているんだ。そして自分のやっていることを愛している。そうした有名になることについて、ただ興味がないんだよ。
まあ時にはロックな曲も書くし、とてもソフトな曲を書くこともある。気分によるんだよね。

Q6: “The 1” is full of emotional songs, especially “It’s Alright,” which is very special to Japanese fans. It’s a kind of homage of the Eagles’ “Hotel California,” but it’s definitely Scandinavian music, not American, would you agree?

【MIKAEL】: Yes , that’s true! Very much chords and a true story – this song is very close to my heart.

Q6: “The 1” はエモーショナルな名曲ばかりで、特に “It’s Alright” は日本のファンにとって特別な曲になりました。THE EAGLES の “Hotel California” に対するオマージュのようにも思えますが、アメリカではなく、間違いなく北欧の音楽になっていますよね?

【MIKAEL】: そうだね!それは真実だよ。沢山のコードと真のストーリーがある。この曲は私の心にとても近い場所にある。

Q7: The music scene has changed a lot in the last 30 years. How do you feel about an instant world where CDs no longer sell and streaming and cut-out videos like TikTok rule?

【MIKAEL】: I will keep on doing music , for myself and those who might be interested.

Q7: この30年で音楽シーンは大きく変わりました。CDが売れなくなり、TikTokのようなストリーミングや切り抜き動画が支配する今のインスタントな音楽世界をどう感じますか?

【MIKAEL】: それでも、これからも音楽を続けていくつもりだよ。自分のため、そして私に興味を持ってくれる人のために。

Q8: Your other band, Autumn’s Child, also continues to produce excellent work every year!
Do you continue with this band after Last Autumn’s Dream is over, partly because you feel like you are continuing Marcel Jacob’s legacy?

【MIKAEL】: I decided to move on with AC , just because I lost control over the last 3 albums with LAD.
In my opinion the sound got worse & I was not supposed to deliver my songs and the producer didn’t ”Hear” the music …..
It has to be done a RESTART .. The Japan company agreed – I’m truly sorry for this.
There is a new ”Autumn’s Child ” album in the pipeline anyway!

Q8: あなたのもうひとつのバンド、AUTUMN’S CHILD も毎年素晴らしい作品を作り続けています!
LAST AUTUMN’S DREAM が終わった後もこのバンドを続けているのは、Marcel Jacob の遺産を受け継いでいくという気持ちもあるのでしょうか?

【MIKAEL】: AUTUMN’S CHILD に移行したのは、 LAST AUTUMN’S DREAM との最後の3枚のアルバムでコントロールを失ったからなんだ。
私の意見では、サウンドは悪化し、私は自分の歌を届けることになっていなかったし、プロデューサーは音楽を “聴いて” いなかった……。だから “リスタート” する必要があった。
日本のレコード会社も同意してくれたけど、それについては本当に申し訳なく思っている。
とにかく、今は新しい AUTUMN’S CHILD のアルバムが準備中なんだ!

Q9: Melodic hard rock is not exactly popular music today.Some may say it is outdated or lame. But I believe that it is music that needs to be heard in these dark times of war, pandemics, and division. Why do you continue to play this music?

【MIKAEL】: This music is my ”Backyard” and my home! I will continuing doing this til the day I die.
Doesn’t matter if it’s popular or not – For me it’s my music lifestyle – Love it !!!

Q9: メロディック・ハード・ロックは、今日必ずしもポピュラーな音楽ではありません。時代遅れだとか、ダサいとか言う人もいるかもしれません。
しかし私は、戦争、パンデミック、分断といったこの暗い時代にこそ聴かれるべき音楽だと信じています。あなたはなぜこの音楽を演奏し続けるのですか?

【MIKAEL】: この音楽は私の “バックヤード” であり、私の家なんだ!だから、死ぬまでやり続けるつもりだよ。人気があろうがなかろうが関係ない!私にとって、この音楽はライフスタイルなんだ。ただ、愛しているんだよ!

FIVE ALBUMS THAT CHANGED MIKAEL’S LIFE!!

The Beatles “Abbey Road”

Electric Light Orchestra “Face the Music”

Sex Pistols “Never Mind the Bollocks”

Rainbow “Down to Earth”

Electric Light Orchestra “Out of the Blue”

MESSAGE FOR JAPAN

My next plans is to make the next Autumns Child album & Meet some promotors To get this train out on tour!
My message to all beautiful Japan fans – I Love u !!! & My biggest wish is to meet you all very soon!

次の予定は、AUTUMN’S CHILD の次のアルバムを作ることと、プロモーターに会うことだ。この列車をツアーに出すためにね!
美しい日本のファンの皆さんへ。 I Love u ! そして私の一番の願いは、早く君たちに会えることなんだ!!

MIKAEL ERLANDSSON

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【UTOPIA : SHAME】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JOHN BAILEY OF UTOPIA !!

“Allan Holdsworth Is My Biggest Musical Influence By a Long Way. I Studied Allan’s Music Eligious For Many Years. I Actually Had a Tribute Quartet And We Used To Go Out Playing Allans Music Round The UK.”

DISC REVIEW “SHAME”

「SikTh は大好きだったよ。よく聴いていたよ。THE DILLINGER ESCAPE PLAN のほうが中心だったけど。彼らの暴力性と攻撃性は本当に僕に語りかけてきたし、そのヴァイヴと僕のジャズの知識を融合させようとしたんだ」
“実験的” という言葉は、ヘヴィ・ミュージックのテクニカルな側面においてよく使用される言葉です。ただし、ただ速く、複雑なフレーズを乱立することが本当に “実験的” な音楽なのでしょうか?むしろ、ジャンルの殻を破るような破天荒にこそ、実験という言葉は相応しいようにも思えます。そうした意味で、メタル・コア、プログ・メタルの殻を完全に突き破った SikTh は実に実験的なバンドでした。四半世紀の時を経て、SikTh の志を継ぐ UTOPIA は、同じ UK の鬼才 Allan Holdsworth の遺伝子をも取り入れて、世界に再び実験の意味を問います。
デスメタル、グラインドコア、ドゥーム・メタル、ハードコア、プログレッシブ・ロック、ジャズ、そして時には “謎” としか言いようのないものまで、多様性のモダン・メタルを象徴する楽園 UTOPIA は、実際あまりにも前代未聞です。
「Allan Holdsworth は、僕の音楽的な最大の影響者だ。僕は何年も Allan の音楽を熱心に研究した。実際にトリビュート・カルテットを持っていて、イギリス中で彼の音楽を演奏していたんだ。彼のソロを書き写したり、彼の曲を学んだりするのに、文字通り何千時間も費やしたよ。 同時に、Pat Metheny, Mike Morenom Julian Break, Kurt Rosenwinkel, Nelson Veras, Jonathan Kreisberg も僕に大きな影響を与えているんだ」
Allan Holdsworth の影響を受けたメタルといえば、もちろん真っ先に MESHUGGAH が浮かぶはずです。ただし、彼らの場合はどちらかといえば Fredrik Thordental のソロイズムに Allan の影を見ることのほうが多かったような気がします。一方で、プロのジャズ・ギタリストでもあり、Holdsworth 研究に何千時間も費やしてきた UTOPIA のギタリスト John Bailey はソロのみならず、アトモスフィアやリズムの意外性にまで大きく踏み込んでいます。
それは、MESHUGGAH 的なポリリズミック、整合を不整合に見せるテクニックではなく、まさに奇想天外、青天の霹靂なオフキルター、不穏と破綻の一歩手前、ズレたリズムの面白さ。
「最近は、人々が僕らを発見しようがしまいが、本当にどうでもいいんだ。僕個人としては、自分たちのアウトプットにとても満足しているし、みんながそれを気に入ってくれるなら最高だけど、僕にも尊厳があるし、ソーシャルメディアやインスタント・カルチャーに自分の音楽人生をどう構成するかを左右されるようなことはしたくない。君のような人たちが僕らにメールをくれたり、インタビューを申し込んでくれたりするのは、とても個人的なことなんだ。それを聴いて気に入ってくれる人が何人かでもいれば、それは僕にとって素晴らしいことなんだ」
フィレンツェの哲学者マキャベリについて考察したオープナー “Machiavelli” は、そんな破綻寸前のスリルを醸し出す UTOPIA の真骨頂。デスメタルとハードコアで即座に惹きつけ、段階を踏んで展開し、不協和音のギター・ワーク、フレットレスの魔法、様々な拍子、そしてクジラの鳴き声に似たリラックスした不気味なアンビエント・インタールードまで、その破天荒は破綻寸前。だからこそ面白い。
目的のためには手段を選ばない、力の信奉マキャベリズムは、政治から人々の個人的な生活にまで広げることができる興味深い概念です。それはおそらくほとんどの人の中に存在し、権力や影響力のある地位にしがみつくために道徳的な行動や才能を堕落させます。UTOPIA の “実験性” はそんなマキャベリズムとは真逆の場所にいて、自分たちの才能ややりたい音楽だけを信じて邁進し続けるのです。だからこそ尊い。
今回弊誌では、John Bailey にインタビューを行うことができました。「15年間は、ほとんどジャズとクラシック音楽一筋だったんだ。ジャズの修士号を取得し、さまざまなジャズ・アンサンブルを結成した。クラシック・ギターのツアーも何度かやったし、ジャズのライブもたくさんやった」 どうぞ!!

UTOPIA “SHAME” : 10/10

INTERVIEW WITH JOHN BAILEY

Q1: First, what kind of music did you grow up listening to?

【JOHN】: I grew up like most people listening to the music of my parents. There was a lot of jazz and folk and also some classic rock like Deep Purple and Rolling Stones. Eventually I discovered Michael Jackson, Coolio and loads of 90’s indie bands like The Connells. My entrance into heavier music was Meat Loaf. I loved Meat Loaf!

Q1: 本誌初登場です!まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか?

【JOHN】: 多くの人と同じように両親の音楽を聴いて育ったね。ジャズやフォークが多かったし、DEEP PURPLE や THE ROLLING STONESのようなクラシック・ロックも聴いていた。やがてマイケル・ジャクソンや Coolio、そして THE CONNELLS のような90年代のインディーズ・バンドに出会った。ヘヴィな音楽への入り口は MEAT LOAF だった。MEAT LOAF が大好きだったんだ!

Q2: You have great technique, but how did you get started with your instrument? Who were your heroes at the time?

【JOHN】: My early guitar heroes were just the guitarists in the bands I liked. Jimi Hendrix, Kim Thayil of Soundgarden, John 5 and mostly guitarists from the metal and nu-metal scene at the time. Later I discovered more extreme music like Converge, Dillinger Escape Plan, Agoraphobic Nosebleed, Necrophagist and a thousand others. From there I seguewayed almost exclusively into jazz and classical music pretty much the next 15 years. Did my MA in Jazz and formed loads of different jazz ensembles. I did a couple of classical guitar tours and loads of jazz gigs. Then I started working as a touring session guitarist involved loads of different pop and commercial projects for a while.

Q2: あなたは素晴らしいテクニックをお持ちですが、楽器を始めたきっかけは何でしたか?当時のヒーローは誰ですか?

【JOHN】: 僕の初期のギター・ヒーローは、好きなバンドのギタリストたちだった。ジミ・ヘンドリックス、SOUNDGARDEN の Kim Thayil, John 5…当時はメタルや Nu-metal シーンのギタリストがほとんどだった。その後、CONVERGE, THE DILLINGER ESCAPE PLAN, AGORAPHOBIC NOSEBLEED, NECROPHAGIST など、より過激な音楽に出会った。
でも、それから15年間は、ほとんどジャズとクラシック音楽一筋だったんだ。ジャズの修士号を取得し、さまざまなジャズ・アンサンブルを結成した。クラシック・ギターのツアーも何度かやったし、ジャズのライブもたくさんやった。その後、ツアー・セッション・ギタリストとしてポップスやコマーシャル・プロジェクトに参加するようになったんだ。

Q3: How did Utopia come to be?

【JOHN】: Utopia, like many bands, was a lockdown project. It was a good time top approach some of my favourite drummers like Billy Rymer (Dillinger), Baard Kolstad (Leprous) and Lee Fish (Fawn Limbs/Psyopus) who all ended up contributing to the first album. It was basically all my musical chops and general mental health flaws piled into one album.

Q3: UTOPIA はどのようにして生まれたのでしょう?

【JOHN】: UTOPIA は、多くのバンドと同じように、ロックダウンがきっかけのプロジェクトだった。 Billy Rymer (TDEP), Baard Kolstad (Leprous), Lee Fish (Fawn Limbs/Psyopus) といったお気に入りのドラマーたちにアプローチする良いタイミングだったんだ。基本的に、このアルバムは僕の音楽的才能とメンタルヘルスを1枚のアルバムに詰め込んだものだった 。

Q4: When I first heard you guys, the first thing I remembered was SikTh, another UK prodigy. Do you have any influences from their music?

【JOHN】: Yeah I used to love Sikth. We used to listen to them a lot. Dillinger were really the main ones though. Their violence and aggression really spoke to me and I just tried to combine that vibe with my jazz knowledge.

Q4: 初めてあなたたちの演奏を聴いたとき、真っ先に思い出したのが、同じくUKの鬼才 SikTh でした。彼らの音楽から影響を受けた部分はありますか?

【JOHN】: ああ、SikTh は大好きだったよ。よく聴いていたよ。THE DILLINGER ESCAPE PLAN のほうが中心だったけど。彼らの暴力性と攻撃性は本当に僕に語りかけてきたし、そのヴァイヴと僕のジャズの知識を融合させようとしたんだ。

Q5: What makes you guys stand out and unique is that you have both masscore and phenomenal guitar solos! There is no other band like that. Why did you decide to combine the two?

【JOHN】: I think every band should be the sum of their influences. Utopia is the best description of me thati can think of really. It doesnt try to be anything, it’s just my mind vomitting out extreme music. My jazz albums are the same but just a different format.

Q5: あなたたちが際立ってユニークなのは、マスコアと驚異的なギター・ソロの両方を持っていることです!そんなバンドは他にないですよね。なぜこの2つを組み合わせようと思ったのですか?

【JOHN】: どのバンドも影響を受けたものの総体であるべきだと思う。UTOPIA は、僕にとって最高の表現なんだ。何かになろうとするのではなく、ただ僕の心が過激な音楽を吐き出しているだけなんだ。僕のジャズ・アルバムも同じだけど、フォーマットが違うだけなんだよね。

Q6: At times, you also have jazz and Allan Holdsworth-esque music. Did you learn from Allan, Meshuggah, or Fredrik Thordental’s approach?

【JOHN】: Allan Holdsworth is my biggest musical influence by a long way. i studied Allan’s music eligious for many years. I actually had a tribute quartet and we used to go out playing Allans music round the UK. Ive spent literally thousands of hours transcribing his solos and learning his tunes. Although Pat Metheny, Mike Morenom Julian Break, Kurt Rosenwinkel, Nelson Veras and Jonathan Kreisberg are all massive influences on me as well.

Q6: 時にはジャズや Allan Holdsworth 風の音楽もありますね。Allan や MESHUGGAH, Fredrik Thordental のアプローチから学んだ所はありますか?

【JOHN】: Allan Holdsworth は、僕の音楽的な最大の影響者だ。僕は何年も Allan の音楽を熱心に研究した。実際にトリビュート・カルテットを持っていて、イギリス中で彼の音楽を演奏していたんだ。彼のソロを書き写したり、彼の曲を学んだりするのに、文字通り何千時間も費やしたよ。
同時に、Pat Metheny, Mike Morenom Julian Break, Kurt Rosenwinkel, Nelson Veras, Jonathan Kreisberg も僕に大きな影響を与えているんだ。

Q7: “Shame” is a very imaginative title and the beautiful artwork is very evocative. Is it a concept album?

【JOHN】: I guess shame just aims to capture all the personal short fallings, idiosyncrasies, mental, emotional problems that exist within all of us. Its about fragility and honesty and just trying to be good. Most of us try to be good but some of us are led by our emotions and have powerful undercurrents at work. But thats ok. Don’t be ashamed.

Q7: “Shame” はとても想像力豊かなタイトルで、美しいアートワークからもとても喚起されます。この作品はコンセプト・アルバムですか?

【JOHN】: “Shame” “羞恥心” は、僕たちの中に存在する個人的な欠点、特異性、精神的、感情的な問題をすべて捉えることを目的としていると思う。儚さ、正直さ、そして善良であろうとすること。僕たちの多くは善良であろうとするが、なかには感情に導かれ、強力な底流が働いている者もいる。でも大丈夫。恥じることはないよ。

Q8: The music world has changed dramatically over the past 20 years. With the rise of instant culture like streaming and social networking, prog, which takes time, intelligence, and practice to create, has never been more current. Why do you still continue to play this “Prog” music?

【JOHN】: These days I really don’t care if people discover us or not. Im personally very happy with our output and if people like it then great but I also have my dignity and Im not going to allow social media or instant culture to dictate how I organise my musical life. Its extremely personal and Im just happy when people like you guys drop us an email and ask for an interview. If only a few people hear it and love it then thats great for me.

Q8: 音楽の世界はこの20年で劇的に変化しました。ストリーミングやSNSのようなインスタント・カルチャーの台頭により、創作に時間と知性と練習を要するプログは、トレンドとは遠い場所にいます。
それでも、なぜあなたは今でもプログを追求し続けているのですか?

【JOHN】: 最近は、人々が僕らを発見しようがしまいが、本当にどうでもいいんだ。僕個人としては、自分たちのアウトプットにとても満足しているし、みんながそれを気に入ってくれるなら最高だけど、僕にも尊厳があるし、ソーシャルメディアやインスタント・カルチャーに自分の音楽人生をどう構成するかを左右されるようなことはしたくない。
君のような人たちが僕らにメールをくれたり、インタビューを申し込んでくれたりするのは、とても個人的なことなんだ。それを聴いて気に入ってくれる人が何人かでもいれば、それは僕にとって素晴らしいことなんだ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED JOHN’S LIFE!!

Allan Holdsworth “Secrets (City Nights)”

The Dillinger Escape Plan “Calculating Infinity”

Pat Metheny “Offramp”

John Martyn “Solid Air”

Deftones “Adrenaline”

MESSAGE FOR JAPAN

I LOVE Japanese cinema. Ive watched so many amazing Japanese films. Rashoman, 7 Samurai, Ikiru, Tokyo Story, Battle Royal, Audition… The list goes on. Im desperate to take my daughters to Japan and when I do, we should meet for a drink! I also love Melt Banana. In fact Reese, our singer, supported MB not long ago on their UK tour in his band HorseBastard.
All the very best to you and thank you so much for taking an interest in Utopia and doing a piece on us.

日本映画が大好きなんだ!たくさんの素晴らしい日本映画を観てきたよ。”羅生門”, “七人の侍”, 生きる”, “東京物語”, “バトルロワイヤル”, オーディション”…。数え上げればきりがない。娘たちを日本に連れて行くことを切望しているんだ!日本で会えたらぜひ酒を酌み交わそう!
Melt Banana も大好きでね。実は、僕たちのボーカルのリースは、少し前にMBのUKツアーを彼のバンド HorseBastard でサポートしたんだ。UTOPIA に興味を持ってくれて、僕たちのことを記事にしてくれて本当にありがとう。

JOHN BAILEY

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PROFESSOR CAFFEINE & THE INSECURITIES : S.T.】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH PROFESSOR CAFFEINE & THE INSECURITIES !!

“Everyone Forgets That Yamcha And Tien Are The Unsung OG Heroes Of Dragon Ball, By The Time You Get Around To Dragon Ball Z Everybody Is So Overpowered You Lose That.”

DISC REVIEW “PROFESSOR CAFFEINE & THE INSECURITIES”

「Thank You Scientist はあまり聴いたことがなかったんだ。2019年に彼らのオープニングを飾ったし、本当に素晴らしい人たちだったからあまり言いたくないけど、彼らにハマったのは僕らがすでに地位を確立したずっと後だったんだ。その時点で、僕たちの2枚目のリリース “The Video Game EP” は少なくとも1年前にリリースされていたからね。でも今聴くと、確かに似ているところがあるね」
2011年、ニュージャージー州モントクレア。Thank You Scientist は “The Perils of Time Travel” でジャジー&サックスを前面に押し出した複雑性と、エモーショナルで人を惹きつけるパワーポップのメロディが同居した革命的で魅力的なデビューEPをリリースしました。彼らはキャリアの道のりでますますジャズ・フュージョンの影響に傾き、ますます複雑なインストゥルメンタルと、メロディアスでありながらより複雑なソングライティングを聴かせてくれています。しかし、もしTYSが複雑なジャズよりも、音楽性をキャッチーでエモいコーラスをシームレスに折り込むという天性の才能に集中していたとしたら?ニューイングランドを拠点とするプログ/ポップ/マス/エモ・アンサンブル、Professor Caffeine & the Insecurities のセルフタイトルはまさにその “IF” を実現します。
「SEVENDUST, ALTER BRIDGE, ANIMALS AS LEADERS といったバンドに出会ったとき、彼らは僕にもっと音楽を追求するよう背中を押してくれたんだ。CALIGULA’S HORSE からビリー・アイリッシュへ、CARBOMB から BOYGENINUS へ、といった具合だ」
印象的なフックや曲作りと、興味深く進歩的な音楽的アイデアのバランスを取る最高で最初のバンドが RUSH だとしたら、Professor Caffeine はこの指標で非常に高いスコアを獲得するはずです。それはきっと、彼らを “プログ” の世界に誘った偉人たち、CALIGULA’S HORSE や ANIMALS AS LEADERS が常に複雑性とメロディの美しさを両立させていたから。
リスナーは、どうしようもなくキャッチーで甘ったるくなりそうなコーラス、”Wolf Fang Fist!” や “Astronaut” を口ずさむ一方で、ほぼすべての曲にまるでクッキーの中のチョコレート・チップのように、トリッキーで小さなアルペジオが隙間なくちりばめられていることに気づくはずです。
“The Spinz” に組み込まれた狂ったようなピアノ・ランや、陽気なサウンド “Dope Shades” のバックボーンを形成する驚くほど複雑なジャズ・ハーモニーのように、時には繊細なものもあれば、”That’s a Chunky” でのクランチーなリフとシンセの爆発的なバーストや、”Make Like a Tree (And Leave)” のコーラスに充満する不条理なほどヌケの良いギター・リードなど、より明白な場合も。リスナーが一瞬でも、このバンドのパワー・ポップの才能に導かれてプログであることを忘れてしまうたびに、彼らはまた複雑なユニゾン・ラン、突然のテンポ・シフトや様々な小道具で絶妙のバランスを構築していきます。
そう
「この曲はヤムチャにちなんでいるんだ!ヤムチャはDBZサーガではあまり活躍しなかったけれど、子供の頃から大好きなキャラクターだった。ヤムチャは悟空に対抗できる最初のキャラクターの一人で、彼が “狼牙風風拳” という拳の技をキックから始めるのがいつもコミカルだと感じていたんだよね (笑)。僕たちはドラゴンボールの世界が大好きだから、Dan もこのネーミングを気に入ってくれると思ったんだ。バンドに見せたオリジナルのデモはBPMが20も速くて、想像するのも乱暴なんだけど、もともと最初のアイデアは、ぶっ飛んだ、容赦のない “Kick You In the Face” なライブ・ソングやアルバムのオープニングを作ることだったんだ」
アルバムのハイライトは、ドラゴンボールのヤムチャをテーマとした “Wolf Fang Fist!” “狼牙風風拳” でしょう。物語が進むにつれてインフレしていくキャラクターの強さと “気”。しかし、私たちは原点を忘れてはいないだろうか?ヤムチャの狼牙風風拳や天津飯の気功砲が、ドラゴンボール初期のコミカルな笑いの中で、シリアスに絶妙なバランスを生み出していました。アルバムはフック対複雑、光と影、ユーモアとシリアスの対立が常に存在していますが、まさにドラゴンボール初期のように絶対にどちらかが勝ちすぎることはないのです。
今回弊誌では、Professor Caffeine & the Insecurities にインタビューを行うことができました。「放課後はDBZのセル編やゾイドを見るために急いで家に帰ってたし、サムライチャンプルーは夜遅くまで見てたよ。植松伸夫は、ダークソウル、メトロイド、バイオハザード、そしてソニーと任天堂のほとんどすべてのゲームとともに、作曲家として僕に大きなインスピレーションを与えてくれた」 どうぞ!!

PROFESSOR CAFFEINE & THE INSECURITIES “S.T.” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【RETURN TO DUST : RETURN TO DUST】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH RETURN TO DUST !!

“It’s All Music And It’s All Beautiful In Its Own Way – In Fact, I’d Say It’s More Beautiful When You Can Mix Metal And Grunge In The Right Way.”

DISC REVIEW “RETURN TO DUST”

「Kurt Cobain はたぶん TikTok カルチャーを認めないような気がする。でも、有意義な芸術的選択をしている限り、芸術を共有する媒体は重要ではない気がするね。ソーシャルメディアは瞬間を捉えるための器に過ぎない。だから、今流行っているものではなく、自分が共有したいと思うものを共有するべきなんだ」
ロサンゼルスを拠点とする RETURN TO DUST が今、世界を席巻しています。彼らのシングル “Belly Up” は TikTok で瞬く間に拡散され、複数のプラットフォームで310万回以上のストリーミング、Spotifyの月間リスナー数5万人以上という、世に出たばかりのバンドとしては驚異的な数字を叩き出しました。そして Welcome to Rockville, Sonic Temple といったメジャーなフェスティバルへの切符を手にして、彼らはまさに上昇気流の真っ只中にいるのです。
今や、音楽プロモーションの手段としての TikTok は当たり前のものとなっています。確かに、TikTok は誰も知らない古い曲を掘り起こし新しい聴衆に届けたり、ベッドルームプロデューサーの未熟な作品を届けたりすることにきっと大きな意義があるはずです。つまり、Kurt Cobain が否定しようとも、RETURN TO DUST のシンデレラ・ストーリーが才能を磨けば誰にでも起こりうる幸運な時代なのかもしれませんね。
「僕たちのセルフタイトル・アルバムは、90年代にとても影響を受けている。ノスタルジックなフィーリングを体現しつつ、サウンドを前進させようとしたんだ。これは、レコーディングを重ねるにつれて、バンドの継続的なフィロソフィーになっていると思う」
RETURN TO DUST は、90年代風のグランジのタイムカプセルにファンを誘いながらも、その場所に立ち止まってはいません。LED ZEPPELIN のようなクラシック・ロックから、NOTHING BUT THEIVES のようなモダンなロックまで、足早に時を駆けながら、メタルやハードコア・パンクの哲学、エナジーまで貪欲に吸収していきます。HELMET や NIGHT RIOTS との仕事で知られる Jim Kaufmann のプロデュースも、そんな彼らの “超越性” を引き立てていきました。
「ある時期にはメタルとグランジは反発しあっていたけれど、そんなことはくだらないことだ。実際、適切な方法でメタルとグランジをミックスすることができれば、より美しい音楽ができるんだ」
“もしこれが夢なら、私はいつ目覚めるのだろう?”。誰もが “こんな人生、夢であってほしい” と望む瞬間はありますが、そんな “Black Road” の絶望感に幕を開ける暗い90年代と20年代の架け橋。弊誌でも過去に取材した、SEEDS OF MARY や GARGOYL のように、そのふたつのじだいにシンパシーを感じるメタル・バンドは確実に増えています。
アルバムの前半だけでも充分に素晴らしい “Return to Dust” ですが、後半に入ると RTD クルーはさらに輝き始め、その才能を発揮し始めます。彼らほど、グランジを様々な形に変化させ、操ることに長けているバンドは他にいないでしょう。何より、彼らは反発しあっていたグランジとメタルを同じまな板の上に載せました。もちろん、賢明なリスナーなら、ALICE IN CHAINS や SOUNDGARDEN といったグランジを代表するようなバンドが、実はヘヴィ・メタルを養分としていたことを知っています。グランジの勃興と衰退から30年経って、ようやくその二つの個性的で美しい音楽は “Dust” を触媒として交わることができたのです。
今回弊誌では、RETURN TO DUST にインタビューを行うことができました。「メタルもグランジも、社会、政治、個人的な葛藤など、多くの人々が感じている不満やフラストレーションを代弁してくれる、時代を超越した何かを持っているよね。そうした要素をすべて織り交ぜることで、過去を再訪するだけでなく、それを押し進めるようなものを作ろうと僕らはしているんだ」 High & LOW のツインボーカルがたまりませんね。どうぞ!!

RETURN TO DUST “S.T.” : 10/10

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THE 30 MOST IMPRESSIVE ALBUMS OF 2024: MARUNOUCHI MUZIK MAGAZINE


THE 30 MOST IMPRESSIVE ALBUMS OF 2024: MARUNOUCHI MUZIK MAGAZINE

1. LOWEN “DO NOT GO TO WAR WITH THE DEMONS OF MAZANDARAN”

「このアルバムは、それを聴く人々への警告なの。戦争には絶対に勝者などいないし、戦争で利益を得る人間が最大の悪党となる。私はいつも、ウィリアム・ブレイクのような予言的人物に魅了されてきた。彼らは詩や芸術を使って、近未来の可能性について人々に警告を発している。このアルバムが歴史を変えることはないとわかっているけど、私たちの周りで起こっていることの愚かさを鮮やかな色彩で浮き彫りにせざるを得ないと感じている自分がいるのよ」
これほど、メタルの寛容さと回復力、そして多様性を象徴した作品はないでしょう。明らかに、世界は多くの人の意思に反して “勝手に”、暴力と強欲の時代に進んでいます。”声” を上げなければより大きな怒声に引っ張られる。そんな感覚を覚える恐怖の時代に、メタルの情熱、優しさ、包容力以上に信頼できるものがあるでしょうか。イラン革命の亡命者の血を引く Nina Saeidi は、イスラム世界で虐げられる女性であり、ヘヴィ・メタルと自由の信奉者。だからこそ、”声” をあげます。
このアルバムは戦争をけしかける愚かなる王、支配者、権力者たちへの芸術的な反抗であり、英雄に引っ張られる市民たちへの警告でもあります。いつの時代においても、戦争に真の勝者はなく、そこにはただ抑圧や痛みから利益を貪るものが存在するのみ。ただし、彼女には、そうした考えに至る正当な理由がありました。
「中東の最近の歴史は、100年以上にわたる不安定化と植民地化によって、悲劇的で心が痛むものになってしまった。今のイラン政府はイランの人々や文化を代表するものではなく、芸術の弾圧や女性への抑圧はイラン文化のすべてに反するものだと思っているわ。私たちの文化は、独裁政権以前の何千年もの間、女性と芸術を祝福してきたのだから」
Nina にとって、現在のイランのあり方、独裁と芸術や女性に対する抑圧は、本来イランやペルシャが培ってきた文化とは遠く離れたもの。本来、女性や芸術は祝福されるべき場所。そんな Nina の祖国に対する強い想いは、モダン・メタルの多様性と結びついてこのアルバムを超越的な輝きへと導きました。
何よりその音楽的ルーツは、彼女の祖先の土地に今も深く刻み込まれていて、ゴージャスで飛翔するような魅惑的な歌唱は、パートナーのセム・ルーカスの重戦車なリフの間を飛び回り、大渦の周りに蜃気楼を織り成していきます。”クリーン” な歌声が、これほどまでにヘヴィな音楽と一体化するのは珍しく、また、奈落の底への冒険をエキゾチシズムと知性で表現しているのも実に神秘的で魅力的。多くのメタル・バンドがアラブ世界のメロディを駆使してきましたが、LOWEN のプログレッシブ・ドゥームほど “本物” で、真摯に古代と今をまたにかけるバンドは他にいないでしょう。そして、この荒廃した時代に、荒廃した時代だからこそ、メタルは彼女たちを旗手として、芳醇なメロディや鍵盤の復権へと進むのです。

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2. BLOOD INCANTATION “ABSOLUTE ELSEWHERE”

「”Absolute Elsewhere” のサウンドは断固としてブルータルで、これまでのどの作品よりも飛躍的にテクニカルでプログレッシブだ。ただ、その過激さとは裏腹に、よりメロディアスでキャッチーで親しみやすい。この巨大で残酷なものの泥沼の中で、キャッチーな部分があればそれでいい。BLOOD INCANTATION の影響範囲は常に外に向かっているのだから。だから、僕たちが最初の範囲から外れたのものから学び始めることは避けられないし、常にそれらを大きな血の呪文のピラミッドに組み込んでいくんだよ」
“Absolute Elsewhere” の核心には、BLOOD INCANTATION の核心と同じように二律背反が存在します。一見、このアルバムは近寄りがたく、謎めいた作品でしょう。曲は2曲だけで、両者とも3つの楽章に分かれており、そのそれぞれが20分を超えています。そして BLOOD INCANTATION の過去のどのリリースよりも、デスメタルの攻撃性にクラウト・ロック、ダーク・アンビエント、70年代プログからの大胆なアイデアを加えており、作品の最も密度の高い部分では、アイデアからアイデアへと奔放に自由気ままに飛躍していきます。
その一方で、ギター・パートは、エクストリームであっても豊かなメロディーを奏で、かつてはミックスの奥深くに埋もれていた Paul Riedl のボーカルは鮮明。そのフレージングとアーティキュレーションを重視した彼の歌は、間違いなく BLOOD INCANTATRON 史上初めて、キャッチーを極めています。さらに Riedl はクリーン・ボーカルを多く披露もしています。そして広がる鍵盤の海。つまり、”Hidden History” が、ほとんど偶然に広く一般的なファン層を見出したとすれば、”Absolute Elsewhere” は、より多くの人々に届く態勢をしっかりと整えているのです。コズミックな旋律と鍵盤で、人の欲では届かない宇宙の壮大を伝えるために。
「多くの人が、”私はメタルをまったく聴かないのに、このレコードはなぜか聴いてしまう” と言うんだ」

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3. MOISSON LIVIDE “SENT EMPERI GASCON”

MOISSON LIVIDEの音楽は、ブラックメタルやヘヴィ・メタル、さらにはパワー・メタルを基調としながら、伝統的な中世の楽器やフォーク的な部分も持ち込んだ実に多様な農夫のメタル。
「”We don’t care” はアルバムの雰囲気をよく表しているね(笑)。私を突き動かしている哲学であることは間違いない。反商業的な精神が大好きなんだ。自分たちの好きなことをやって、誰がそれを好きなのか見る。既成のジャンルの基準に100%固執して自分たちを芸術的に制限することは考えられないし、それは無意味だからだ。きれいなコーラスを思いつくたびに、私はこの言葉を口にしてきた。誰が気にするんだ?!ってね。ブラック・メタル純血主義者に嫌われる?ああ、でも私は気にしない!」
Lavenne が恐ろしいのは、農家であることをメタルに活用しているところでしょう。まさに農家とメタルの二刀流。
「私は頭を使ってよく書く。本当にほとんど楽曲は頭で書いている。アイデアは何の前触れもなく浮かんでくるので、ボイスレコーダーアプリを取り出し、赤いボタンを押してラララと歌う。夕方家に帰ると、自分が書いたものを聴いて、アコースティックギターかピアノでコードを練る。ほとんどすべて仕事中に書いている。私はワイン生産者なので、多くの時間をブドウ畑で手作業に費やしている。ブドウの木は1本1本違うが、やるべきことを覚えたら、他のすべてのブドウの木で同じ作業を繰り返す。これを疎外感と捉える人もいるかもしれないが、私は脳の時間を解放する素晴らしい機会だと考えている。
数年のノウハウとブドウ畑の知識があれば、ある種の自動操縦モードに入ることもある。楽器を手にして座り、何か書かなければと自分に言い聞かせることは、本当にめったにない。だから同時に2つのことができる。そのおかげで膨大な時間を節約できる。さまざまな影響について話を戻すと、このようにたくさんの曲をミックスするときに一番難しいのは、”コラージュ” 的な嫌味を出さずに、すべての曲を調和させる一貫性、共通の糸を保つことだ。
だから私は、長尺にもかかわらずかなりシンプルな構成に特に注意を払っている。フック、節、繰り返されるテーマ、コーラス……私はビッグなコーラスが大好きなんだ!パワー・メタル派は、メタルにあまりにも深い足跡を残しすぎた!ありがとう、トビアス・サメット!」
歌詞はガスコーニュ地方の昔話、寓話と現代の出来事に対する批判、さらには未来的な推測の間で揺れ動きます。
「いつもメロディーが先に作られる。それからコード。歌詞はその連鎖の最後のリンクにすぎない。実際、デモを作るときは、曲を完成させるために、何でも歌ったり、思いつきで書いたりすることがよくあるんだ。本当の歌詞は、曲がアルバムの選考段階を通過してから、後で書く。これが一番難しい作業で、なかなか進まないこともある。それでも、美しく、よく書かれた文章を最終的に完成させるのはとても満足感がある……少なくとも形としてはね、内容がくだらないこともあるから(笑)。
ただ、テーマを最初に思いつくということはよくあるんだ。それが曲の内容に大きく影響する。実際、最も非定型的な作曲はそうやって生まれることが多い。主題に変化をつけるのに役立つからだ。また、あらかじめテーマがあると、イメージを思い浮かべることができ、とても刺激になる。最終的には、それをメモに書き写すだけ」
これだけ潤沢なメロディが、田舎と農家の反抗精神、個性的なアイデアから生まれる。これもまた、実にヘヴィ・メタルなのです。

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NEVERMORE REUNION 2025 “A NEW CHAPTER RISES”


NEVERMORE REUNION 2025 “A NEW CHAPTER RISES”

RESURRECTION THE DREAM

特大のお年玉。NEVERMORE が2025年に復活することを発表しました。ギタリストの Jeff Loomis とドラマーの Van Williams は、”Resurrecting The Dream(夢の復活)” と “A New Chapter Rises(新たな章の幕開け)” というフレーズを使用したティーザーを彼らの SNS ページで発表したのです。
「僕は自分たちを何かのカテゴリーに分類したことはないんだ。パワー・メタル、プログ・メタルと呼ぶかどうかもわからない。ただ、僕らの頭から飛び出したものだと思う。僕たちは、できる限りオリジナリティを出そうとしているだけなんだ。僕らがオリジナルに見えるという点では、多くの人を納得させることができると思う。普通のメタルバンドとはかなり違うサウンドだと思う- Jeff Loomis」
NEVERMORE は、プログレッシヴ・メタル界で最もユニークで前衛的でエモーショナルなバンドのひとつでした。1990年代初頭、シアトルのスラッシュ・ムーブメント、その灰の中から生まれた彼らはプログ・メタル、スラッシュ、陰鬱でアトモスフェリックな楽曲とメロディを融合させることでその個性を確立し、テクニカルな芸術性、深遠な歌詞、激しく感情を揺さぶる送葬の音楽でたちまち評判を確立しました。伝説的な両巨頭、Warrel Dane と Jeff Loomis のもと、バンドは新たなメタルの道を切り開き、後の世代にインスピレーションを与え、永遠の遺産を残したのです。
「確かに私たちは、今流行っているものを演奏しているわけではない。NEVERMORE の音楽はメロディックなエッジを持ったヘヴィ・メタルで、それこそが私たちが常に夢中になってきたものなんだ。多くのバンドが売れっ子になって、流行に乗っかっている。成功している大物バンドほど、軟化し、より受け入れられるようになっているように思えるし、自分たちが始めたときに信じていたこと全てに逆らっている。彼らは、自分たちがなりたくなかったものになってしまった。
だからメタルは停滞した。これからは、より多くのバンドが、自分たちのジャンルの中で、周りで起こっていることよりももっと独創的なサウンドで、違うことをしていくと思う-Warrel Dane」

NEVERMORE のルーツは、Warrel をリード・ヴォーカルに、Jim Sheppard をベースに迎えた1980年代後半のスラッシュ・バンド SANCTUARY に遡ります。SANCTUARY は、MEGADETH の Dave Mustaine がプロデュースした1988年のデビュー作 “Refuge Denied” でなかなかの成功を収めます。しかし、90年代初頭、グランジの台頭により、彼らのスラッシュ・メタル・スタイルはレコード会社から不評を買い、バンド内部も緊張状態に陥ることに。1992年に解散に至りました。
「僕はスウェーデンのバンドに夢中なんだ。特に MESHUGGAH!オフタイムのものとポリリズムが大好きなんだ。それ以外は、70年代の音楽、ジャズ、クラシック…… 16歳のときに MEGADETH のオーディションに挑戦したんだ。皮肉なもんだよ。彼らのような過激なバンドに入るには若すぎるけど、がんばればキラー・プレイヤーになれると丁寧に言われたんだ-Jeff Loomis」
Warrel と Jim はそれでも共に音楽を創り続けたいと考え、まだ10代だったギターの新星 Jeff Loomis と手を組み、メタルの限界に挑戦する新しいバンドを結成したのです。それが NEVERMORE でした。プログ・メタルの複雑さと実験性、スラッシュの激しさ、そして Warrel の送葬の旋律を融合させたサウンドを生み出すべく、彼らはドラマーの Van Williams と共に1992年に新たな旅に出たのです。

NEVERMORE は1995年、センチュリー・メディア・レコードからセルフタイトルのデビュー・アルバムをリリース。このアルバムで彼らは、ヘヴィでグルーヴ感溢れるリフ、複雑怪奇なギターワーク、そしてデインの怪しくもオペラティックなボーカルというバンドの特徴的な組み合わせをお披露目しました。特に、”What Tomorrow Knows” や “Garden of Gray”, “C.B.F.” といった曲は、伝統的なプログ・メタルよりもヘヴィでダークでありながら、典型的なスラッシュよりもメロディアスで複雑な、バンド独自のスタイルをファンに知らしめました。
「トレンドは、私の好みからすると本当に平凡なんだ。ギターソロがある音楽の方が好きなんだ。今の時点では、それが NEVERMORE の使命かもしれないと思っている。クラシックなギター・ソロを復活させつつ、その中に現代音楽の要素を取り入れること。それをやり遂げるのに、ここに十分なギタリストがいるのは確かだ-Warrel Dane」
セカンド・アルバム “The Politics of Ecstasy” (1996年)のリリースで、彼らの音楽は新たな高みに達します。この作品で彼らは、実存主義、社会的操作、個人の自由といったテーマを、より力強く、テーマ性を重視した形で取り上げました。”Next in Line” や “The Seven Tongues of God” といった楽曲では、より凝ったソロや複雑なアレンジで Jeff の卓越したギター・スキルが開花します。後に CANNIBAL CORPSE で頭角を表すギタリスト Pat O’Brien も参加。

「とても親しかった人を亡くしたことがあったんだ。私は幸運にもその出来事を乗り越えて、前に進み、対処することができた。でも、私がここで触れたかったのは、人は時として、そのようなトラウマ的な経験を乗り越えることができず、基本的に一生を台無しにされてしまうこともあるということ。アウトプットはただそれを吐き出すための方法なんだ、ということが伝われば同じような問題を抱えた人たちの心に響いて、気持ちが楽になるかもしれない。これは奇妙な精神療法であり、私にとってはちょっとしたカタルシスなんだと思う-Warrel Dane」
そして、”Dreaming Neon Black”。1999年にリリースされたアルバムで、彼らはついに飛翔します。精神的な危機、悲しみ、喪失をテーマにした作品は、親しい友人の死のような Warrel の個人的な体験が、アルバムの陰鬱なトーンと重苦しい歌詞のインスピレーションとなり、批評家とファンの両方にアピールしたのです。”Beyond Within”, “The Death of Passion”, そしてタイトル曲 “Dreaming Neon Black” で彼らは、技術的な熟練と純粋な情熱、感情を結びつけることに成功します。しかし、ストーリーの結末は悲劇的。
「悲劇的な結末は、常に私が望んでいたことなんだ。憂鬱で暗い話だとは思うけれど、暗い題材を書く方が面白いんだ。エンディングはもっと明るいものにすべきだったと言われるけど、どうして?人生はいつもそうなるとは限らない。人生のちょっとした問題が悲劇的な結末を迎えることもある-Warrel Dane」
このアルバムは、恋人を失った男の狂気へのスパイラルを描いたストーリー。NEVERMORE が深く感情的でテーマ性のある複雑な音楽を生み出せるバンドであることを世界に知らしめました。Jeff が織りなす速度と旋律のイリュージョン、そして Warrel の不気味に印象的なストーリーテリングの脳裏は、NEVERMORE を最もアヴァンギャルドでしかしキャッチーなメタル・バンドのひとつに押し上げたのです。Jeff が振り返ります。
「まあ、間違いなく最高の作品だったよ。”Politics” とは少し違って、より歌に重点を置いた作品だと思う。かなり誇りに思っているよ。一番好きなのは、 “Deconstruction” で Tim のソロの前にやったフラメンコ・ギターだね。あれは本当にクールだった。あれは自然発生的なものだった。あの曲にいい色を加えてくれたと思う。”No More Will” のソロもそうだ。いろいろなタイム・チェンジがあるんだ。本当にクールだよ-Warrel Dane」

2000年の “Dead Heart in a Dead World” で彼らは新機軸を打ち出しました。をリリースした。7弦ギターの使用によって、より複雑な曲構成とメロディックな深み、劇場型の低音を追求し続けたこのアルバムは、彼らのスタイルに大きな変化をもたらしました。特に、The River Dragon Has Come”, “Narcosynthesis”, “We Disintegrate” など、複雑なリズム、高らかに歌い上げるヴォーカル、変化に富んだリフを含む曲では、Jeff の卓越したギター・ワークが主役の座を得たのです。
「”Dreaming Neon Black 2″ を作るのは簡単だったし、多くの人がそれを期待していたのかもしれない。でも、Chuck Schuldiner の不朽の名言を借りれば、 “人々は予想外のことを期待すべきだ” ということ。このバンドでは、人々が期待するようなことは決してしない。私たちは常に前へ進もうとしているし、レコードを出すたびに少し違ったものを作ろうと自分たちを駆り立てている。安全策を取ることもできたが、それのどこが楽しいんだ?安全策を取ることに楽しみはないと思う。メタルが境界線を本当に広げるべきなのであれば、安全策を取ることは正しいアプローチではないと思う」
このアルバムはさらに広く称賛を浴び、NEVERMORE を世界のメタル・シーンにおける脇役から主役へと引き上げました。同時に、実存的な恐怖、社会の腐敗、内面の混乱といった暗いテーマの探求は、リスナーの共感を呼び心を打ちました。実際、”Dead Heart in a Dead World” は、しばしば史上最高のプログレッシブ・メタル・アルバムのひとつとして挙げられ、プログ・パワーというジャンルを確立し、無数のバンドやミュージシャンに影響を与えたのです。
「この世界にいると、誰もが常に何かを与えようとしているし、人々は常にいろいろなクソを手渡してくる。酒やドラッグ。そしてシラフになると、現実それ自体が大きなドラッグになるんだ。”Enemies of Reality” にこんな歌詞がある。”現実ほど大きな麻薬はない”。これは麻薬中毒のときに書いたんだけど、皮肉なもんだね。他にも知ってる?私はいつもショーの前に少しの酒に頼っていたんだけど、ショー中に完全にシラフで歌っていると、ずっと歌がうまくなることがわかった。私は、バンドの他のメンバーもそうであるように、完全にめちゃくちゃな酔っ払いだった。でもこれまで散々飲んできたから、もし私が止めなかったら、これから生まれてくる若い子たちは何も飲めなくなる。だから今、誰かからウォッカのボトルを渡されるたびに、CHILDREN OF BODOM に渡しているんだ (笑)-Warrel Dane」

2003年の “Enemies of Reality” は怒りのアルバム。アルバム・ジャケットに描かれているミミズは、タイトル曲 “Enemies of Reality” の歌詞を直接引用したもので、Warrel は “大きく口を開いて敵のミミズを食べよう” と歌っています。NEVERMORE のメンバーにとって個人的にも仕事上でも激動の時期に書かれ、レコーディングされた作品で、Warrel は、このアルバムのサウンドはバンド・メンバーがこの時期に直面した試練が反映されたと語っていました。
「”Enemies Of Reality” は作るのがクソ難しいアルバムだった。私たちはみんな本当にクソ怒りっぽい人間で、それがこのアルバムに表れていると思う」
CDブックレットの最後のページには、DEATH の亡きフロントマン Chuck Schuldiner に捧げる言葉が書かれています。 “このレコードはチャックに捧げる。メタルは永遠へと流れるだろう…”。
「実は Chuck から “Control Denied” のアルバムで歌ってほしいと頼まれたんだ。でも、私は NEVERMORE に忠誠を誓っているからね。当時はとても忙しかったし…。彼はすべてのデモと歌詞を送ってくれた。ああ、もちろんやりたかったさ。でも残念ながら、結局は時間がなかったんだ。もし過去に戻って何か違うことができるとしたら、あのレコードで歌いたいね-Warrel Dane」
トラック “Noumenon” は、物事がどのように見えるかという現象の概念と比較して、物事が実際に存在するという哲学的概念にちなんで名付けられました。この言葉はイマヌエル・カントによって広められ、カントは超越論的観念論の哲学を説明するためにこの言葉を使ったのです。

「メディアは世界を支配している。テレビで見たことをすべて信じるのか?なぜなら、そのほとんどは真実ではないからだ。特に、私たちが大きな国家に向かい始めていることが気になる。ヨーロッパにはこのようなものがたくさんあるし、アメリカのある都市では実施され始めている。いたるところにCCTVカメラが設置され、スピード違反をした車の写真が郵便で送られてくる。時間とともにエスカレートしていくだろう。それが唯一の論理的な結論であり、クソ危険なことだ。個人の自由が徐々に奪われていき、人々は手遅れになるまでそれに気づかないのだから-Warrel Dane」
2005年にリリースされた “This Godless Endeavour” を彼らの最高傑作に推すファンはすくなくありません。この作品は明らかにもうひとつの重要なアルバムであり、NEVERMORE の勢いをさらに加速させました。名人アンディ・スニープがプロデュースしたこのアルバムは、複雑なアレンジメントと哲学的なテーマが組み合わされ、テクニックに宇宙的な奥深さがくわわりました。”Born”, “Final Product”, そして壮大なタイトル曲 “This Godless Endeavour” など、破壊的な激しさと内省的で示唆に富んだ歌詞の組み合わせで、彼らはバンドとしての成熟を示したのです。
「Andy Sneap はある意味、NEVERMORE の6人目のメンバーと言っていい。彼はいつも、バンドがレコードに求めているサウンドを最終ミックスで出すことができる。彼は NEVERMORE サウンドに必要なセパレーションを得ることができるんだ。僕は7弦ギターを弾くんだけど、とても低くて泥臭い音だから、彼の作り出すセパレーションは本当に素晴らしくて、僕らのサウンド全体にとって極めて重要だ。一度こんな素晴らしい人と仕事をしたら、他のところに行くのは難しいよ。彼は最高のメタル・プロデューサーのひとりだ-Jeff Loomis」

テーマはまさに今日本で話題となっている “オールドメディア”、そして権力によって個人のアイデンティティが失われる恐怖。そして、そのアイデンティティの喪失、私たちが生きるシステム、人生の意味、世界のさまざまな地域でさまざまな宗教によって引き起こされた紛争など、すべての問題と神の関係性を問います。
“Sentient 6″ の途中で、”私は終焉をもたらす者、恐れよ、私はテクノロジーという獣だ” というメッセージが逆再生されます。”センティエント6 “とは、人類を絶滅させるためにプログラムされたロボットやアンドロイドのこと。つまり、彼らは AI の時代も先取りしていました。感情や魂を持っている人類を羨む機械。内容は逆説的で、機械の視点から歌詞は書かれました。
そうしてこのアルバムは、比類なき音楽性、心を揺さぶる詩的な歌詞、プログレッシブで驚異的にヘヴィなサウンドなど、NEVERMORE のすべてを象徴するものとなり、バンドにとって決定的なステートメントとなったのです。VICIOUS RUMORS でならしたSteve Smyth の参加もバンドの音楽にアクセントを加えました。
「私たち4人はとても気難しい性格なんだけど、みんな彼ととても仲良くなった。彼はバンドの大ファンでね。曲作りを始めたとき、彼は新曲を出してきたんだけど、最初に驚いたのは、彼が提供してくる曲がとても NEVERMORE に似ていることだった。Jeff が書きそうな曲だった。私にとってはそれが決め手になった-Warrel Dane」
“This Godless Endeavour” が成功を収めた後も NEVERMORE は幅広く活動を続けましたが、ここにきて内部対立が表面化し始めます。”The Obsidian Conspiracy” は、2010年にリリースされたバンドの7枚目にして今のところ最後のスタジオ・アルバム。このアルバムは、”Without Morals” や “The Day You Built the Wall” のような素晴らしい曲があるにもかかわらず、他の作品ほど高くは評価されませんでした。一部のファンや批評家は、バンドのダイナミクスやサウンドに変化を感じたのかもしれませんね。とはいえ、タイトル・トラックのギターは圧巻の一言。

「”Godless Endeavor II” を簡単に作ることもできたけど、アーティストとしては常に何か違うことをやりたいと思うものだ。特に NEVERMORE では、これまでリリースしたアルバムはどれも違うものだった。でも、そうだね、ちょっとクレイジーだった。どのようなアプローチを取りたいのかよくわからなかったし、2009年は正直なところ、”もういいや” と思って、スタジオに座って、自分の中から出てくるものを何でも書いたんだ。心から魂を込めて演奏し、出てきたものをそのままレコーディングしたんだ。それが “The Obsidian Conspiracy” になったんだ-Jeff Loomis」
時を同じくして、個人的・芸術的意見の相違により、Jeff Loomis と Van Williams がリリース直後にバンドを脱退。こうして NEVERMORE は活動休止に入りました。再結成の可能性や新曲について話し合いがもたれたものの、バンドが正式に再結成することは2025年までなかったのです。
ブラジルで2枚目のソロ・アルバムに取り組んでいた Warrel Dane は、2017年12月13日に心臓発作で56歳の若さで悲劇的に亡くなりました。メタル世界で最も識別しやすいその声は、オペラのような音域と感情の激しさ、そして祈りと痛みを兼ね備えていたのです。
2014年、Jeff Loomis は ARCH ENEMY に加入していました。Warrel の死によって、NEVERMORE 再結成の芽は永遠に潰えたかのように思えたのです。しかし、奇跡は起こりました。NEVERMORE の物語はまだ終焉を迎えてはいなかったのです。

「QUEENSRYCHE と自分たちの間にある類似点は、出身地が同じことにも起因するのだろう。Jeff がデスメタルのバックグラウンドを持っていて、私たち全員が常に様々なスタイルの音楽を聴いているという事実が、その多くを生み出していると思う。私は1つのスタイルの音楽だけを聴いているわけではない。デスメタルもブラックメタルもたくさん聴く。皮肉なことに、あまり興味がないのは最近のパワー・メタルだ。すべてがハッピーすぎると思う。ヘヴィ・メタルはハッピーであるべきだとは思わない!ダークであるべきだ!Tony Iommi が “Black Sabbath” のリフを書いたとき、彼はこのような大きなものになるとは思ってもみなかっただろうね。たぶん彼に電話して、この音楽形態が生んだ1万もの HELLOWEEN のクローンについてどう思うかと聞いたら、吐き気を催すだろうね-Warrel Dane」
誰がボーカルを務めるにせよ、Warrel との比較はさけることができないでしょう。しかし、そこに NEVERMORE の芸術的、技術的、感情的な DNA が受け継がれている限り、きっと彼らはまた世界を驚かせてくれるはずです。
「NEVERMORE は死んでいない。秘密の計画があるんだ。Jeff と Van がバンドを脱退すると決めたとき……バンドは解散しなかった。彼らはバンドを去ったんだ。私は次のアルバムのために歌詞を書いた。それはコンセプチュアルなもので、NEVERMORE のすべての歌詞が進化し、永遠の物語になっていくという伝統を引き継ぐものだった。そして、次の(アルバムが)出る可能性もある。でも、Jeff がいないとやらないよ。我々は敵同士じゃないからね。絶対に敵じゃない。仲が悪いわけでもないし……そのうちわかるよ」


参考文献: BRAVEWORDS:NEVERMORE REMEMBERED IN DREAMING NEON BLACK INTERVIEW

METAL SUCKS: LESS IS NEVERMORE

CHRONICLE OF CHAOS: NEVERMORE INTERVIEW 2005

GUITAR WORLD: NEVERMORE WHAT DOESN’T KILL

Van と Jeff からのオープンレター。
NEVERMORE のティーザーは、多くの肯定的な意見と、予想された否定的な意見を呼び起こした。私(Van )はまず否定的な意見に対処させてほしい。
ベーシストの Jim を巻き込まず、私たちの計画を知らせないのは失礼だと考える人もいる。でも、そう感じる人たちは、このバンドの歴史やこの決断に至った舞台裏の力関係を知らないんだ。最も理想的な方法ではなかったかもしれないが、現実には彼とのコミュニケーションは何年もなかった。
私たちは、新たなスタートのためには、もはや成長や新たな出発につながらないかもしれない関係から離れることも時には必要だと感じた。 私たちは、バンドのレガシーを尊重しながら、その時の私たちにとって正しいと思える方法で前進するつもりで、この決断を下したんだ。
とはいえ、私たちは彼の健康を祈っているし、彼がどんな道を選ぼうと自由だ。あまり詳しく説明するのはやめておくが、リスペクトは双方向のものであり、ある種のことは私たちにとって時間の経過とともに和解できないものとなった。私の人生の現時点では、これ以上説明する必要はないと思っているので、好きなように解釈してほしい。
なぜNEVERMOREを再結成するのかというと、単純な話、このバンドはずっと私の夢だったからだ。一緒にバンドをやる仲間を見つけて、世界中を旅しながら音楽を作ること。オーディションから加入が決まった瞬間まで、音楽、芸術、創造性、冒険、楽しみ、仲間意識の渦だった。
何年もの間、私たちは一緒に素晴らしい音楽と素晴らしい思い出を作った。しかし、時が経つにつれ、物事は制御不能になり、信頼、尊敬、そしてその喜びが消え始めた。
最終的な分岐点は、SYMPHONY Xとのヨーロッパ・ツアーの最後に訪れた。何年もかけて自分たちで最高のバンドを作り上げてきたのに、それを修正するために同じページに立つことができなかった。Jeff と私、そして Warrel と Jim は別の道を歩んだ。和解はなかった。Warrel はブラジルに行き、Jim はアラスカに引退し、連絡を取らないまま何年も過ぎた。
この間、妻が卵巣がんと診断され、私の私生活は壊滅的な状況に陥った。私たちは幼い息子のために平穏な日々を送れるようあらゆる手を尽くし、妻が快適に過ごせるよう最善を尽くした。
Warrel は時折ブラジルから電話をかけてきて、その際に優しい言葉を交わしたが、過去を消し去ることはできなかったし、ある種のことは変わっていないと言える。でと彼は2020年に他界してしまった。その喪失感は私と息子に大きな衝撃を与えた。私自身は、本当のことを言えば、昏睡状態から覚め始めたところだと感じていて、神に感謝しながら、ようやく光が見えてきたような感じだ。
暗黒の日々を乗り越え、私と家族を助けてくれた家族、親しい友人、そしてファンへの感謝の気持ちは、言葉では表せないだろう。辛い時期を乗り越えさせてくれて、本当にありがとう。
そんな中でも Jeff はいつも私の強力なサポーターであり続け、私たちの絆は深まった。時が経つにつれ、私たちは共に創作し、演奏する喜びを懐かしむようになった。NEVERMORE はその喜びの大きな一部であり、私はそれを非常に誇りに思っている。
これを “金目当て “だと言う人たちには、同意しかねる。ほとんどのミュージシャンは、お金のためにやっているわけではない。ただ好きだから、汗を流し、リハーサルをし、演奏し、レコーディングしてきた。これが私たちが人生で選んだことなんだ。音楽への情熱、ファンとのつながり、創造的なプロセス、それが私たちを突き動かしている。もしそこからお金が生まれるなら、それは素晴らしいことだけど、それが焦点になったことは一度もない。
Jeff と私は、Warrel と Jim がバンドにもたらしたものを尊重しつつ、新しい章を築く手助けをしてくれるミュージシャンを見つけることで、NEVERMORE の遺産を尊重したいと考えている。Warrel の代わりを探すことではない。それは誰にもできないことなんだ。しかし、彼の作品に敬意を払いつつ、新しいことに貢献できる人を見つけたい。私たちは、ファンが集まり、音楽を祝福し、あの素晴らしい歌詞を再び歌うチャンスを与えたい。そして願わくば、クラシックと肩を並べるような新しい音楽を作りたい。
Jim の状況が違っていればよかったのだが、過去が私たちをここまで連れてきてしまった。私自身はポジティブさとポジティブな人々に焦点を当てており、過去のネガティブな感情に絡め取られることは拒否するつもりだ。Jeff と私が適切なヴォーカリストとベーシスト、つまり遺産を尊重し、私たちとともに前進したいと思うミュージシャンを見つけることができれば、この新しい章は、私たちとともに来ることを選んだすべての人にとって、本当に特別なものになるだろう。これはカヴァー・バンドでもトリビュート・バンドでもなく、NEVERMORE と呼ばれるバンドの旗を掲げ、それを受け継いでいくことを決意したバンドの次の進化・章になるんだ。
またみんなに会えるのを楽しみにしているよ。
Van Williams

Van の発言に同意するよ。NEVERMORE の過去の歴史には、明らかに多くの浮き沈みがあった。Van と共にバンドの新たなレベルへと聖火を運びながら、良いことだけを覚えていたい。
私の心はいつも音楽、ツアー、パフォーマンスのためにある。この10~11年間、他のミュージシャンと一緒に演奏して素晴らしい時間を過ごしてきたけど、NEVERMORE は、僕がこれまでしてきたこと、そして創り上げてきた最高の音楽への個人的な入り口であり、これからもずっとそうあり続けるだろう。
誰も Warrel Dane の代わりにはなれない。それが結論。彼の興味深いメロディーとステージ上でのカリスマ性で、彼は詩的にも精神的にもバンドの大きな部分を占める力だった。だから彼のクローンを探しているわけではない。
私たちは、彼のヴォーカル・スタイルで古い NEVERMORE の曲を歌いこなせる人、そしてバンドの次の章に何か新しく新鮮なものを加えられる人を探しているんだ。明らかに、これは最も簡単なことではないだろう。
以上のことから、私たちは2人の並外れたミュージシャンを求めてWORLD SEARCHを行うよ。1人はメイン・リード・ヴォーカリスト、もう1人はベース奏者で、私たちの遺産を受け継いでくれる人。その後、2人目のギタリストのポジションも埋まりましたが、それについてはまた後日、別の更新で!
Jeff Loomis

ヴォーカリストのオーディション
NEVERMORE は激しい感情的共鳴で知られており、それは明らかに Warrel のユニークなヴォーカル・ダイナミクスによってもたらされている。私たちは、幅広いトーンとエモーションを巧みかつ真正に表現できるヴォーカリストを探している。
ダイナミック・レンジ: 高音と響く低音を歌い分けることができ、曲の要求に応じて力強さと弱さをブレンドできる。
表現の深さ: 技術的なスキルだけでなく、NEVERMORE の音楽の特徴である生の感情や心を揺さぶるテーマを取り入れることができる人を求めている。
ステージでの存在感: 観客との協調性があり、ライブで音楽の激しさを体現できる人を求めています。
ベーシスト・オーディション
私たちは、NEVERMORE のアレンジメントに深みと推進力を生み出す方法を理解している、揺るぎないプレーヤーを探しています。正確さ、グルーヴ、そしてヴァンとタイトにロック・インする能力があれば大歓迎です。もしあなたがバッキング
ヴォーカルができれば、それも素晴らしい。リズムセクションをタイトにキープできる人、それが私たちが求めるすべてです。
両方の役割に求めるもの
前向きな姿勢…バンドのダイナミズムに良いエネルギーをもたらしてくれる人を求めています。
集中力、プロ意識、音楽への敬意を保てる人を求めています。信頼でき、準備ができ、仕事熱心な人。
現在有効なパスポートを所持し、世界各地へのツアーに積極的に参加できる人。創造的に協力し合い、お互いをサポートし合い、ステージの上でも外でも誠実さをもってネヴァーモアを代表する意欲のある人。
オーディション方法
ボーカリスト: アルバム “This Godless Endeavor”から “Born” と “Sentient 6” を歌ったビデオを提出してください。好きなだけ歌ってください。全曲を歌わない場合は、少なくとも全節を歌ってください。少なくとも、それぞれの曲の全節とコーラスを歌ってください。また、あなたの経歴、影響を受けたこと、あなたがバンドにもたらすことができることについて、簡単な自己紹介を添えてください。あなたの可能性を最大限に発揮してください。
ベーシスト: “Enemies of Reality” と “Inside Four Walls” を、タイトさ、テクニック、フィーリングに焦点を当て、立ったまま演奏してください。
オーディションのYouTubeリンクを officialnevermoreinfo@gmail.com まで送ってください。
あなたからの連絡をとても楽しみにしています。世界中のファンの皆さん、本当にありがとうございます。素晴らしい2025年に乾杯!