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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【WILDERUN : VEIL OF IMAGINATION】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DAN MULLER OF WILDERUN !!

“Epic Is Probably The Most Encapsulating Word You Could Use But I Feel Like It Still Leaves Out Some Of The More Progressive And Experimental Sides Of Our Music.”

DISC REVIEW “VEIL OF IMAGINATION”

「”エピック” はおそらく最も僕たちの音楽を要約した言葉だけど、ただ僕たちの音楽にあるいくつかのより進歩的で実験的な側面をそれでもまだ除外しているように感じるね。」
虚空に七色の音華を咲かせるフォーク-デス-ブラック-アトモスフェリック-シンフォニック-プログレッシブ-エピックメタル WILDERUN は、ジャンルという色彩のリミットを完全に排除してリスナーに名作映画、もしくは高貴なオペラにも似て胸踊るスペクタクルとドラマティシズムをもたらします。
「OPETH の音楽には特に昔の音源でダークな傾向があるんだけど、WILDERUN には常に見過ごされがちな明るく豊かな側面があったと思うんだ。」
時にアートワークから傑作を確信させるレコードが存在しますが、WILDERUNの最新作 “Veil of Imagination” はまさにその類でしょう。アートワークに咲き誇る百花繚乱はそのまま万華鏡のレコードを象徴し、”陽の”OPETHとも表現されるブライトでシンフォニックに舞い上がる華のモダンメタルは、シーンにおける “壮大” の概念さえ変えてしまうほど鮮烈なオーパスに仕上がりました。
「僕たちが様々な種類の音楽をブレンドする際に使用した最も重要なテクニックとは、単にストレートなフォークセクションをプレイしてから、お決まりのブラックメタルパートを始めるって感じじゃないんだよ。その代わりに、メタルと非常に異なるスタイルの音楽にしか存在しないと思われる特定の作曲テクニックを分析し、それをどうメタルの文脈に適応させるのか探っていったんだ。」
ベーシスト/オーケストレーター Dan Muller が語る通り、WILDERUN の多様性は単純な足し算ではなく複雑な掛け算により無限の可能性を見出しています。様々なジャンルの本質を抜き取り、その膨大なコンポーネントを最適に繋ぎネットワークを構築する彼らのやり方は、さながら人間の神経系統のように神々しくも難解な神秘です。
中でも、シンフォニックなアレンジメントは作品を通じて情炎と感奮、そして陶酔をもたらす WILDERUN のシナプスと言えるのかも知れませんね。メタルをはじめとした豊かな音の細胞は、優美でドラマティックなオーケストレーションにより有機的に結合し、思慮深くシームレスに互いを行き来することが可能となるのです。
オープナー “The Unimaginable Zero Summer” はその進化を裏付ける確固たる道標に違いありませんね。語りに端を発する抽象的かつファンタジックな15分の規格外に、目的のない誘惑など1秒たりとも存在していません。
オーケストラの名の下に、無慈悲なデスメタルからメランコリックアコースティック、浮遊するエレクトロニカ、オリエンタルな重量感、絶佳なワルツの大円団、そしてエセリアルなピアノのコーダまで、秩序と無秩序の間で悠々と整列した音の綺羅星はいつしか夜空にプログレッシブな夏の星座を映し出しているのです。WILDERUN に宿る平穏と焦燥の対比を完膚なきまでに描き象徴する Evanのボーカルレンジも白眉。
クライマックスは中盤に。”Scentless Core (Budding)” に蒔かれたエピックの種は、”Far From Where Dreams Unfurl” の青葉としてエアリーかつメランコリックな大合唱で天高く舞い上がり、”Scentless Core (Fading)” で老獪な叙情の花を咲かせるのです。まるでアルバムのテーマである無邪気から退廃へ、人の歩みを代弁するかのように。
例えばプログレッシブデスメタルなら “Blackwater Park”、シンフォニックエピックメタルなら “Imaginations From The Other Side”、オリエンタルフォークメタルなら “Mabool”。ファンタジックで知的なメタルには各方面に絶対のマイルストーンが存在します。しかし “Veil of Imagination” はOPETH よりも華やかに、BLIND GUARDIAN よりも多様に、ORPHANED LAND よりもシンフォニックに、数ある傑作の交差点として空想力に創造性、好奇心、そして多様性のモダンメタル新時代を切り開くのです。
今回弊誌では Dan Muller にインタビューを行うことが出来ました。「少なくとも僕にとってこのレコードの歌詞のゴールは、世界を実際あるがままに見せることなんだ。みんなの心の目を再度トレーニングしてね。」2度目の登場。どうぞ!!

WILDERUN “VEIL OF IMAGINATION” : 10/10

INTERVIEW WITH DAN MULLER

Q1: When I first saw beautiful artwork of “Veil of Imagination”, I believed it would be masterpiece of metal history. And that was true. “Veil of Imagination” is definitely one of the best metal record in decades! After all the creative process, did you feel confident about the results?

【DAN】: Thank you so much for the kind words! The response we’ve gotten thus far as been overwhelmingly positive and it certainly helps solidify my pride in this record. I certainly feel like this is the best record we’ve done yet.

Q1: “Veil of Imagination” の美しいアートワークを見た瞬間、傑作だと確信しました。実際、今世紀においてベストのメタルレコードの一枚だと感じています。
全ての作業を終えた時、手応えはいかがでしたか?

【DAN】: どうもありがとう!ファンからの反響は圧倒的にポジティブだし、それがこのレコードに対するプライドをより強固にしてくれているよ。うん、確実にこれまでで最高の作品だと感じているね。

Q2: It seems “Veil of Imagination” is your most natural, genuine thing you’ve created so far, right? Where did the inspiration or “imagination” of this record come from?

【DAN】: Definitely. We consciously tried to not lean on any one influence of ours too hard – favoring instead a healthy balance of very different kinds of music. Our influences on this album range from everything from electronic music to indie/folk music to classic death metal. I think the most important technique we used in blending all the different kinds of music is to not simply play a straight up folk section and then go into a straight up black metal part. Instead we’d try to analyze specific compositional techniques that seem to only exist in very different styles of music and figure out how that kind of technique could be applied in a more metal setting.

Q2: このアルバムは、WILDERUN にとって最も自然で、真摯な作品ではないでしょうか?”Veil of Imagination” の “イマジネーション” はどういった場所から得たのでしょう?

【DAN】: 間違いないね。今回僕たちは、意識的に一つの影響に頼りすぎないようにしたんだよ。その代わりに、様々にとても異なる音楽を “健康的な” バランスで結びつけるようにしたんだ。
“Veil of Imagination” には、エレクトロニカからインディー/フォーク、そしてクラッシックなデスメタルまで幅広い影響が存在する。そして、僕たちがその様々な種類の音楽をブレンドする際に使用した最も重要なテクニックとは、単にストレートなフォークセクションをプレイしてから、お決まりのブラックメタルパートを始めるって感じじゃないんだよ。
その代わりに、メタルと非常に異なるスタイルの音楽にしか存在しないと思われる特定の作曲テクニックを分析し、それをどうメタルの文脈に適応させるのか探っていったんだ。

Q3: Regarding concept, or lyrical themes, what’s the story of “Veil of Imagination”?

【DAN】: Veil of Imagination is all about the journey of transitioning from the innocence of the child mind to the corruption of the adult mind. As time goes on we become more jaded and cynical or simply indifferent to things that once filled us with wonder. The goal of the lyrics on the record, at least to me, is to force yourself to retrain your mind’s eye into seeing the world the way it really is, which is one of beauty. However, the journey to that goal is a difficult one and there are many pitfalls along the way.

Q3: では、アルバムのコンセプトや歌詞のテーマについてお話ししていただけますか?

【DAN】: “Veil of Imagination” は子供の無邪気な心から大人の腐敗した心へと移行する旅路を表現した物語だ。時間が経つにつれて、僕たちはかつて自分たちを満たしていた不思議に対して、うんざりし、冷笑的になり、もしくは単に無関心になっていくよね。
少なくとも僕にとってこのレコードの歌詞のゴールは、世界を実際あるがままに見せることなんだ。みんなの心の目を再度トレーニングしてね。だけどその目標への旅は困難で、途中多くの落とし穴もあるんだけどね。

Q4: Actually, I feel this is like a great movie or opera. If you compare, what kind of movie, novel, classical music or opera is this?

【DAN】: The most recent artistic work I’ve seen that kind of takes a similar approach in structure would be the film, The Ballad of Buster Scruggs. The film is comprised of what are essentially six short stories or vignettes that are independent from one another in plot yet all deal with similar settings and subject matters. It’s one of the most cohesive nonsingular films I’ve seen and I think Veil takes a similar approach.

Q4: 作品を聴き終えた後、名作映画やオペラを鑑賞したような感覚に陥りましたよ。”Veil of Imagination” をそういったアートに例えるならどういった作品を挙げますか?

【DAN】: 同様の構造を持ったアプローチとして最新のものは、映画 “バスターのバラード” “The Ballad of Buster Scruggs” だろうな。この映画は6つの短編小説、ビネットで構成されていて、プロットにおいては互いに独立しているけど、全ての短編が同じ設定とテーマを扱っているんだよ。
僕が見た中で最もまとまりのある非特異映画の1つであり、”Veil of Imagination” も同様のアプローチを取っていると思うんだ。

Q5: Regarding comparison, you are often compared with Opeth. But I feel “Veil of Imagination” is more bright, symphonic, eclectic, spectacular than Opeth music. What’s your perspective about that comparison?

【DAN】: We can’t deny that Opeth are a big influence on almost everyone in the band. I don’t think we can ever fully escape that comparison nor should we. We wouldn’t exist without them. But yes, I agree with you. Where Opeth’s music tends to linger in its darker tendencies (certainly in the older material), I think Wilderun has always had a brighter and more lush side that sometimes gets overlooked. I think a lot of that probably has to do with the fact that Sleep at the Edge of the Earth was the record that brought in a lot of new fans for us and that record in particular doesn’t stay to far from the darkness. But if you look at Veil and certainly Olden Tales you’ll see that we try to keep our sonic palette as large as possible.

Q5: “例え” と言えば、WILDERUN はしばしば OPETH の音楽性に例えられてきましたね? ただし、WILDERUN は彼らに比べてよりブライトでシンフォニックで多様にも思えます。

【DAN】: バンドのほとんど全員が OPETH から多大な影響を受けていることは否定できないね。だからその比較から完全に逃れることはできないだろうな。うん、彼らが居なければ僕たちは存在していないよ。
だけど君の見方には同意するよ。OPETH の音楽には特に昔の音源でダークな傾向があるんだけど、WILDERUN には常に見過ごされがちな明るく豊かな側面があったと思うんだ。その特徴が見逃されている理由の大部分はおそらく、新たに多くのファンを獲得したアルバム “Sleep at the Earth of the Earth” がダークな場所から遠い所に留まろうとはしていなかったからなんじゃかいかな。だけど “Veil of Imagination” や “Olden Tales & Deathly Trails” を聴けば、僕たちが音のパレットを可能な限り拡大しようとしているって伝わるはずだよ。

Q6: If it should be labeled, I’ll say this is perfect “Epic metal” record. Actually, when I first heard “Veil of Imagination”, I reminded Blind Guardian’s “Imagination from the Other Side”, or Orphaned Land’s “Mabool”. Are you comfortable to be labeled “Epic metal” than prog metal, folk metal, or something like that?

【DAN】: We always struggle with what to call ourselves these days. Epic is probably the most encapsulating word you could use but I feel like it still leaves out some of the more progressive and experimental sides of our music. Regardless of how you classify the sound of Wilderun, I always think of it in terms of that the vibe of Wilderun will always be one of fantasy and atmosphere – however that may translate from record to record.

Q6: もしジャンル分けが必要なら、私はこの作品を “エピックメタル” と称するでしょう。実際、BLIND GUARDIAN や ORPHANED LAND にも匹敵するスペクタクルですよね?

【DAN】: 確かに、最近は僕たちも WILDERUN を何と呼べばいいのか迷っているんだ。”エピック” はおそらく最も僕たちの音楽を要約した言葉だけど、ただ僕たちの音楽にあるいくつかのより進歩的で実験的な側面をそれでもまだ除外しているように感じるね。
まあ WILDERUN の音をどう分類するかに関係なく、僕は WILDERUN のヴァイブには常にファンタジーとアトモスフィアが存在すると考えていてね。ただそれはレコードからレコードで移り変わっていくかもしれないんだけどね。

Q7: For example, Enslaved started as viking, folk black metal, but they have been more eclectic, progressive as time goes by. It seems to me that the path you are walking is similar to them. Do you agree that?

【DAN】: I honestly don’t know what our path is. We’re just writing the music that inspires us at the time. In the case of Veil of Imagination, yes, the progressive elements took more of the forefront in the writing process. But that doesn’t mean at all that we’ll be operating the same way on the next record.

Q7: 例えば ENSLAVED は初期のヴァイキング/フォークブラックメタルからより多様でプログレッシブな領域へと進化を遂げています。WILDERUN も同様の道を辿っているようにも思えますが?

【DAN】: 正直言って、自分たちの方向性については僕たちもよく分かっていないんだ。その時々でインスパイアされた音楽を書くだけだからね。
ただ、”Veil of Imagination” に関しては、確かにライティングプロセスにおいてプログレッシブな要素が前面に出てはいるね。ただし、次のレコードで同じ道を辿るという意味では全くないんだよ。

Q8: Dan Swano & Jens Bogren’s production team is maybe one of the best in the scene. How was working with them?

【DAN】: Fantastic. Swanö was very easy to work with and he was incredibly accommodating in terms of our incessant mix notes. We have a tendency to go down the rabbit hole with the smallest details and ideas and he did a great job of leading us there when appropriate and holding us back when unnecessary. Jens was was also a pleasure to work with even though it was a fairly short period of time. We only had to revise the master once before it was where we wanted it to be and he made sure we were totally happy with it before we printed the final masters.

Q8: Dan Swano & Jens Bogren のプロダクションチームは、シーンでもベストの一つですよね?

【DAN】: 素晴らしかったよ。Dan Swano は非常に働きやすくて、僕たちの絶え間ない音をミックスすることにも実に親切だったんだ。僕たちには “ウサギの穴” のように細かいディティールとアイデアを掘り下げる傾向があるんだけど、彼は必要な時は導き、不必要なときには遠ざけるという素晴らしい仕事を行ってくれたね。
Jens とはかなり短期間だったけど、やはり一緒に仕事ができて嬉しかったね。マスターを修正する必要があったのは一度だけで、最終マスターを提出する前に、彼は僕たちが完全に満足していることを確認させてくれたのさ。

DAN’S RECENT FIVE FAVORITE ALBUMS 

OPETH “IN CAUDE VENENUM”

RAMMSTEIN “UNTITLED”

THE CURE “DISINTEGRATION”

HEILUNG “FUTHA”

FLEET FOXES “HELPLESSNESS BLUES”

MESSAGE FOR JAPAN

Thank you guys for all your support throughout the years and I hope we can make it out to your neck of the woods soon! Cheers!

何年ものサポートをありがとう!近いうちに、君たちの場所にも行けることを願っているよ。ありがとう!

DAN MULLER

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【JINJER : MACRO】


COVER STORY : JINJER “MACRO”

“I Was Too Young To Remember Life In Soviet Union, But The Spirit Of Soviet Union Is Still Here. I’m Living In An Apartment Built Maybe 40 Years Ago, And My Parents Live In Such An Apartment, As Well. All Our Shops And Supermarkets Are Situated In Buildings Built Then. So It Is Still Sike Soviet Union. And There Are a Lot Of People Who Still Have Soviet Union In Their Heads And Their Minds.”

HOW JINJER SINGER TATIANA CROSSES MUSICAL, LYRICAL, AND UKRANIAN BORDER 

「時に穏やかで平穏。だけど時に人々は何かが起こるのをただ待っている。今現在、少なくとも爆撃はされていないわ。それは良い事ね。」
JINJER のボーカリスト Tatiana Shmailyuk はウクライナのドネツクにある故郷ゴルロフカについてそう話します。彼女とバンドメイト、ベーシストの Eugene Abdiukhanov、ギタリスト Roman Ibramkhalilov、そしてドラマー Vladislav Ulasevich が最初にドネツクから逃れたのは2014年のことでした。それから程なくして、ウクライナの内戦を装った現在も続くウクライナとロシアの衝突、クリミア危機が勃発したのです。
「良い時期に脱出したと思うわ。だって数ヶ月後には国境地域を跨ぐことさえ本当に不可能となっていたんだから。」
戦場から逃れる中で、JINJER は東部から西部へと800マイルを移動してポーランドとの国境に近いリヴィウに立ち寄りました。
「だけどすぐに退屈してしまったわ。旅行者のための街だったから。家も借りたんだけど、水道、電気、暖房設備に問題があって住むことは難しかった。だからもっと文明化された場所へ移ることにしたの。」そうして Tatiana 達はウクライナの首都キエフへと移り住んだのです。

では、ウクライナの風土や国民性は JINJER にどういった特徴をもたらしているのでしょうか?
「JINJER は優しさと弱さが等しい土地から生まれたの。ウクライナは経済的には厳しい国よ。特に90年代前半、私たちの親の世代は大変だった。父と母は最低の賃金を得るためでさえ一生懸命働かなければならなかったの。兄と私を養うために。学校や家の近くにもいつも犯罪があったしね。そこから私たちは人生の教訓を多く学んだわ。
だからウクライナ人は精神的にタフなのよ。例えば少々痛くても、医者には行かないわよ。最後まで我慢する。 だからショウもキャンセルなんてしないわ。ジュネーブの灼熱で喉が腫れ上がっても、私はセットを完遂したわ。根性ね。」
ただし、素顔の Tatiana はシャイな一人の女性です。「みんな私を鉄の女か何かだと思っているようだけど、私だって人生全てを恐れているわ。だから演じているようなものよ。みんなと同じようにセンシティブで傷つきやすいの。いつもスクリームしている訳じゃないしね。まあ毎晩叫んでいるけど、朝は叫ばないわ (笑)。」

Tatiana は JINJER を始めるずっと以前から歌い、そしてその咆哮を響かせていました。
「母に言わせれば、とても幼い頃からスクリームしていたそうよ。叫びすぎておなかにヘルニアができたくらいにね。」
稀に叫んでいない時には、ラジオで聴いたロシアやウクライナのポップソングを歌っていました。1989年のヒットソング “Lambada” も彼女のお気に入りです。「ポルトガル語は分からないけど、シンガロングしていれば楽しいわよね。」
シリアスにボーカルへ取り組み始めたのは8歳の時。レッスンを受け、コンサートホールで合唱隊としてコンサートを行いましたが、ダンスの振り付けに悩まされてしまいます。
「二度とやらないわ!ダンスを誰かとシンクロさせるなんて苦行。一人でなら全てをコントロール出来るんだけどね。」
しかしすぐに兄によってロシアンメタルの世界へと誘われ人生が変わりました。中でも、ロシアの IRON MAIDEN と称される ARIA の存在は別格。
「ドネツク、特に私の故郷ゴルロフカの人間は音楽的なのよ。メタルが大好きだしね。偉大なバンドも沢山あったわ。兄もミュージシャンでダークなドゥームバンドでギターを弾いていたの。」

1991年、ソヴィエト連邦が崩壊すると変化は猛烈な勢いで押し寄せました。MTVはウクライナにも NIRVANA や OFFSPRING のウイルスを運びます。
「NIRVANA を聴いてすぐにロシアのロックを忘れたわ (笑)。MTV は最高だった。すぐに OFFSPRING にハマったわ。私たちの街で私は一番の OFFSPRING ファンに違いなかったの。父がテレビの音をカセットに録音する方法を教えてくれてね。友人やクラスメイトとテープの交換を始めたのよ。そうしてリスナーとして音楽体験を共有していたのね。」
OTEP の Otep Shamaya は Tatiana の感性に衝撃を与えました。「この男の人は最高にクールね!って言ったら友人が女の子よって。OMGって感じよ!こんな女の子は初めてだったわ。そうやって私も彼女みたいに衝撃を与えたいって思うようになったの。
私も9歳からずっと男物の服を着ているわ。それって結局、性別で世の男性を虜にしたくないからなんでしょうね。それよりも中身や心で惹きつけたいのよ。去年ツアーで会えたんだけど、酔っ払っていてずっと彼女を賞賛していたことしか覚えていないの。」
2009年、キエフに訪れた SOULFLY が初めてのメタルコンサート。「めったにない機会だったのに、彼氏が誰かと喧嘩をはじめて途中でセキュリティーに追い出されたのよ。その夜はずっと彼を責め続けたわ。」

近年、ツアーで家を開けることも多い Tatiana ですが、それでも継続中の紛争は彼女をウクライナから完全に切り離すことはありませんでした。ただしソヴィエトのアティテュードに魅力を感じることはありません。ソ連が崩壊した時 Tatiana はわずか4歳でしたが、それでも強硬な共産主義の残影は彼女を未だに訶みます。
「ソビエト連邦での生活を思い出すには幼すぎたけど、それでもソ連の精神はまだここにあるの。私はおそらく40年前に建てられたアパートに住んでいて、両親も同様にそんな感じのアパートに住んでいるわ。お店だってスーパーマーケットだって当時建てられたもの。だからここは今でもまるでソ連よ。それにまだ多くの人々が頭や心にソ連を宿しているの。
古い人間をマトリョーシカって呼んでるわ。私の容姿はバスの中でもジロジロ見られるし。ウクライナでは男性でもタトゥーは受け入れられていないの。まだ U.S.S.R の考え方でいるから、異なる人間が気にくわないのよ。そういった年配の人たちはテレビばかり見ているけど、そこに現実は映っていないわ。タトゥー?あなた60歳になったらどうするの?って感じよ。」

青春期を東欧の貧困家庭で過ごした Tatiana の人間に対するダークな見方は、彼女の故郷に限りません。「私は人類が好きじゃないの (笑)。進化で何かがおかしくなったのよ。今では神様や自然を蔑ろにしている。それが私の内なる怒りを呼び起こすのよ。」
母なる自然への愛情は Tatiana をヴィーガンに変えようとしています。「私はまだビーガンになろうとしているところなの。子供の頃あまり裕福じゃない家庭で育ったから、肉を食べる余裕があまりなくてね。だから最近肉をやめて、肉が大好きだって気づいたの。肉の匂いがすると、気が狂いそうよ。でも動物の苦しみや環境を思うとね…。」
幸いなことに、Tatiana はヴィーガンへの願望と肉食への渇望を両立させる解決策を持っています。「人間の肉を食べることが許されるならそうするわ (笑)。そんなに食に貪欲なら、お互いを食べてみない?」

DISC REVIEW “MACRO”

Facebook に次いで世界で2番目に人気のあるソーシャルメディアプラットフォーム YouTube。JINJER が公開した “Pisces” のライブビデオはすでに2800万回の視聴数を誇ります。
当然そこには、ウクライナという出自、さらにジキルとハイドを行き来する女性ボーカル Tatiana の希少性、話題性が要因の一つとして存在するはずです。
ただし、JINJER の音楽がオンラインによくある、短命のインスタントなエンターテインメントでないこともまた事実でしょう。ベーシスト Eugene にとっては音楽が全てです。
「ウクライナ出身だから政治性を求められるのも分かるんだけど、僕らの音楽にかんしては何物にも左右されないんだ。仮にロシア出身だろうと、イタリア出身だろうと同じだよ。音楽と僕たち。全てはそれだけさ。」
つまり、JINJER は同時代の若者に表層から衝撃を与えつつ、実のところその裏側では幾度ものリスニング体験に耐えうる好奇心と思考の奥深きトンネルを掘り進めているのです。
実際、Tatiana は JINJER がスポットライトを燦々とその身に浴びるような集団ではないと語ります。
「有名になりたいって訳じゃないの。今でも私は車ももっていないし築40年のアパートに住んでいるわ。だから第2の “Pisces” を作ろうなんて思わない。JINJER は大人気になるようなバンドじゃないわ。」

とは言え、PROTEST THE HERO の精子と KILLSWITCH ENGAGE の卵子が受精し生まれたようにも思える2012年の “Inhale, Don’t Breath” から JINJER は異次元の進化を遂げています。比較するべきはもはやメタル世界最大の恐竜 GOJIRA でしょうか。それとも MESHUGGAH?
テクニカルなグルーヴメタルに Nu-metal と djent の DNA を配合し、R&B からジャズ、レゲエ、ウクライナの伝統音楽まで多様な音の葉を吸収した JINJER のユニークな個性は全てを変えた “King of Everything” から本格化へ転じたと言えるでしょう。
2019年に届けられた EP “Micro” とフルアルバム “Macro” は双子のような存在で、創造性のオーバーフローの結果でした。
「もともとフルアルバムの予定はなかったんだ。”Micro” は次の作品までの繋ぎって感じだったんだけど、完成が近づくともっともっと楽曲を書きたくなってね。クリエイティブなエナジーが溢れていたんだ。」

無慈悲なデスメタルから東欧のメランコリー、そしてレゲエの躍動までを描く“Judgement (& Punishment)” はJINJER の持つプログのダイナミズムを代弁する楽曲でしょう。
「僕たちの音楽に境界は存在しない。いいかい?ここにあるのは、多様性、多様性、そして多様性だ。」そう Eugene が語れば Tatiana は 「JINJER に加わる前、私はレゲエ、スカ、ファンクをプレイするバンドにいたの。だからレゲエの大ファンなのよ。頭はドレッドにしていたし、ラスタファリに全て捧げていたわ。葉っぱはやらないけど。苦手なの。JINJER は以前 “Who Is Gonna Be the One” でもレゲエを取り入れたのよ。レゲエをメタルにもっともっと挿入したいわ。クールだから。」と幅広い音楽の嗜好を明かします。
判決を下し罰するというタイトルは SNS に闊歩する魑魅魍魎を揶揄しています。「気に入らなければ放って置けばいい。私ならそうするわ。なぜ一々批判的なコメントを残すのかしら?それって例えばスーパーに行って質の悪いバナナを見る度、おいクソバナナ!お前が大嫌いだ!さっさと木に戻りやがれ!って叫び始めるようなものでしょ?(笑) 私は他にやるべきことが沢山あるの。そんなことに割くエナジーはないわ。」

“On The Top” は2020年代の幕開けを告げる新たなプログアンセム。SOULFLY を想わせるトライバルパーカッシブと djent の小気味よいスタッカートシンコペートは Tatiana のフレキシブルな歌呪術へと怪しく絡みつき融けあいます。
「ラットレースのラットを演じてるって感じることはある?世界はどんどんそのスピードを増し、誰もが成功と呼ばれるあやふやなものに夢中よね。”On The Top” で訴えたのは、名声や成功に伴う孤独と満たされない心。”トップ” に到達するため犠牲にするものは多いわ。その梯子は本当に登る価値があるの?犠牲を払うのは自分自信なんだから。」
ウクライナの陰影を抱きしめたコケティッシュな “Retrospective”、ポルトガルのライター José Saramago の著作にインスピレーションを受け、死を地球を闊歩するクリーチャーになぞらえた “Pausing Death”、大胆にも聖書を再創造したと語る “Noah” など、Tatiana の扱う題材は多岐に富み、世界をマクロ、そしてミクロ、両方の視点から観察して切り取るのです。
「ウクライナでは決してメタルは歓迎されていないの。にもかかわらず素晴らしいバンドは沢山存在するわ。ただ、チャンスを把み国境を超えることは本当に難しいの。」
アイコニックな女性をフロントに抱き、多様性を音楽のアイデンティティーとして奉納し、ウクライナという第三世界から登場した JINJER は、実はその存在自体が越境、拡散するモダンメタルの理念を体現しています。音楽、リリックのボーダーはもちろん、メタファーではなく実際に険しい国境を超えた勇者 JINJER の冒険はまだ始まったばかりです。

参考文献: FROM WARZONES TO MOSH PITS: THE EVOLUTION OF JINJER’S TATIANA SHMAILYUK: REVOLVERMAG

Jinjer Singer Didn’t Want ‘Pisces’ to Become So Popular [Exclusive Interview] Read More: Jinjer Singer Didn’t Want ‘Pisces’ to Become So Popular | LOUDWIRE

Ukrainian Metal Band Jinjer Delivers on Its Promise With New Album ‘Macro’

METAL INJECTION “JINJER”

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NAPALM RECORDS

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MAYHEM : DAEMON】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH GHUL OF MAYHEM !!

“We Definitely Had In Mind That We Wanted Daemon To Be Some Sort Of Return To a Certain Mood From a Certain Era. Of Course Playing De Mysteriis So Many Times Over The Past Years Means It Bled Into The Creative Process For Sure.”

DISC REVIEW “DAEMON”

「俺もじきに Euronymous を殺ってやろうと思っていた。だからあの朝新聞であのニュースを読んで、家に帰って武器やドラッグを隠さねーとと思ったんだ。おそらく俺が第一容疑者だったはずだから。」
Necrobutcher が今年発したこの言葉は、ブラックメタルを司るノルウェーの闇司祭 MAYHEM に刻まれた、逃れられぬ呪われし過去の暗影を再び浮かび上がらせることとなりました。
MAYHEM 初期の歴史には死と犯罪の禍々しき臭気が立ち込めています。教会への放火は連鎖の序幕。オリジナルボーカル Dead は自らでその命を断ち、バンドの中心人物 Euronymous は Dead の死体写真を撮影し、彼の “死” をある種利用して MAYHEM の神秘性を高めました。ただしその宿悪は、1993年、MAYHEM でベースをプレイしていた BURZUM の Varg による Euronymous 殺害という狂気の終着駅を導く結果となったのです。
しかし一方で、その凄惨と背教、サタニズムに根差す闇の神秘が、異端に焦がれる数多の使徒を惹きつけ、今日の巨大で邪悪なメイヘム像を建築する下地となったのも確かでしょう。
「間違いなく、俺らの中には “Daemon” である特定の時代の、特定のムードへといくらか回帰したいという気持ちが存在したんだ。もちろん、ここ何年にも渡って “De Mysteriis Dom Sathanas” を何度もプレイしたことは、今回のクリエイティブプロセスに影響を与えたよ。それは確かだね。」
BEHEMOTH の Nergal をして “エクストリームメタルのマグナムオーパス” と言わしめる “De Mysteriis Dom Sathanas”。完全再現ツアーを続ける中で、MAYHEM は自身のマイルストーンを再発見し、拡散する音楽の進路を原点へと向かわせる決断を下したと Ghul は語ってくれました。
ただし5年ぶりとなる最新作 “Daemon” は、単純に “De Mysteriis Dom Sathanas” PT.2 を目論んだレコードではありません。何より、古典のインテグラルパートであった Euronymous と 歌詞を残した Dead は世界から失われて久しいのですから。
“De Mysteriis” は例えるならば悲愴と熾烈を意図的に掛け合わせたキメラ獣でした。ハンガリーのアクセントでさながら病んだ司祭のように歌い紡ぐ Attlia のシアトリカルでオペラ的なパフォーマンス、Euronymous のアイデアを基にしたエコーとリヴァーブ、マルチトラックの音の壁、Hellhammer の恐怖と抑制のドラミング。
圧倒的に悪意が貫かれたアルバムはブラックメタルのスタンダードでありながら、決してジャンルへの入り口となるようなアクセシブルな作品ではなく、むしろ部外者を拒絶し謝罪も譲歩も受けつけない唯一無二の無慈悲な威厳を纏っていました。
もちろん、旅路の果てに “Daemon” で取り払った装飾と実験性、そして時代を超えたプリミティブな獰猛と邪悪はオールドスクールな MAYHEM の姿を投影しています。しかし究極的には、”Daemon” で受け継いだと言われる “De Mysteriis” の遺産とは、原始的なピースとしての楽曲が、集合体として底知れない深み、知性を得る “De Mysteriis” のスピリット、構造そのものだと言えるのかもしれませんね。
そうして可能となった、内なる “悪魔” とのチャネリング。 Necrobutcher は “Daemon” こそがここ15年で MAYHEM の最高傑作だと断言します。
「2004年に “Chimera” をリリースしてから最も誇れる作品だ。ここ15年で最高のものだよ。おそらくそれは… “ライブフレンドリー” な仕上がりになったからだ。”Esoteric Warfare” や “Ordo Ad Chao” にはそこが決定的に欠けていたからね。
その2作も良いアルバムだったけど、ライブで再創造するのが難しかった。”Daemon” はそうじゃない。半数の楽曲はこれからライブでプレイする予定だよ。だから前2作とは全く関連がないとも言えるね。現行のメンバーで9, 10年は続けている。そうして成熟した成果なんだ。」
「俺らはこのレコードで全てを取り払い、”本質” へと戻したのさ。」”Daemon” に求めたものはブラックメタルの “本質”。ライブの原衝動は確かに本質の一部でしょう。では細分化、複雑化を極める現代のブラックメタル世界で Ghul の語る本質とは何を意味するのでしょう。初期の禍々しき “メイヘム” な記憶?
「俺にとってブラックメタルとは、いつだって精神を別の世界、領域へと誘う音楽なんだ。だから様々な表現方法があって然るべきだと思う。」
そう、彼らにとってサタニックテロリストの過激な姿はそれでも過ぎ去りし過去。それは Necrobutcher がかの “Lord Of Chaos” ムービーに放った 「全部でたらめだ。映画を見たけどただ悲しくなったね。良い映画じゃないよ。」 の言葉に投影されているようにも思えます。ブラックメタルの “本質” とは思想、信条にかかわらずリスナーを非日常の別世界、精神領域へと誘うパスポートだと言えるのかもしれませんね。
今回弊誌では、ギタープレイヤー Ghul にインタビューを行うことが出来ました。「彼らにとって大きな意味を持つ作品なんだと痛感したよ。だから、”De Mysteriis Dom Sathanas” を可能な限り忠実に、俺たちがライブで再創造することが重要だったんだ。」 どうぞ!!

MAYHEM “DAEMON” : 9.9/10

INTERVIEW WITH GHUL

Q1: First of all, how was playing whole “De Mysteriis Dom Sathanas” album? Definitely, it’s huge milestone not only for you, but also whole metal scene, right?

【GHUL】: A huge responsibility. So many people know the album so well, and it means so much to them, it was important that we recreated it live as faithfully as possible. We really worked extremely hard to respect the album and give people an authentic experience.

Q1: まずは “De Mysteriis Dom Sathanas” 完全再現ツアーのご感想からお聞かせいただけますか?あの作品はメタルシーンにとっても、MAYHEM にとっても巨大なマイルストーンですよね?

【GHUL】: もの凄い反響だったよ。多くの人があのアルバムについて良く知っていて、それだけ彼らにとって大きな意味を持つ作品なんだと痛感したよ。だから、”De Mysteriis Dom Sathanas” を可能な限り忠実に、俺たちがライブで再創造することが重要だったんだ。
俺らはマジで究極にアルバムをリスペクトすること、そしてオーディエンスに正真正銘の体験を届けることにに努めたんだよ。

Q2: During “De Mysteriis Dom Sathanas”, you stop at Japan and played with Sigh & Defiled. How was the Japan Tour? Did you like our culture and landscape?

【GHUL】: Always. I love Japan, I love the food, the people everything. I feel a sense of familiarity when I am there, I’m not sure why.

Q2: ツアーの一環として、日本でも SIGH, DEFILED と共演し、完全再現も行いました。

【GHUL】: いつだって俺は、日本が大好きなんだよ。食事や人間、その全てがね。日本にいると俺は親しみやすさを感じるんだ。なぜだかは分からないんだけどね。

Q3: I think you went back to the old school stuff somehow in your new record “Daemon”, right? Was it influenced by “De Mysteriis Dom Sathanas” tour?

【GHUL】: We definitely had in mind that we wanted Daemon to be some sort of return to a certain mood from a certain era. Of course playing De Mysteriis so many times over the past years means it bled into the creative process for sure. I think you can hear the spirit of that album in Daemon somehow.

Q3: 最新作 “Daemon” ではいくらかオールドスクールなルーツへと立ち返った感覚がありますね。
“De Mysteriis Dom Sathanas” のツアーを行ったことで、そこから影響を受けた部分はありますか?

【GHUL】: 間違いなく、俺らの中には “Daemon” である特定の時代の、特定のムードへといくらか回帰したいという気持ちが存在したんだ。もちろん、ここ何年にも渡って “De Mysteriis Dom Sathanas” を何度もプレイしたことは、今回のクリエイティブプロセスに影響を与えたよ。それは確かだね。
うん、きっと “Daemon” を聴けば “De Mysteriis Dom Sathanas” のスピリットがいくらかは感じられるはずさ。

Q4: I really love the artwork of “Daemon”. It’s beautiful but evil. And album title is simply “Daemon”. What did you want to tell our dark, ugly society with this Satan’s record?

【GHUL】: For me the title represents the word in many possible forms. Actual demons, personal demons, metaphorical ones. That’s the then that ties the album together.

Q4: タイトルをシンプルに”Daemon” と名付けた新作のアートワークは、とても美しくしかし邪悪です。
このサタンのレコードで現代の暗く濁った社会に伝えたかったことは何でしょう?

【GHUL】: 俺にとっては、この “Daemon” ってタイトルは様々な意味に解釈可能だと思うんだ。実際の悪魔だったり、個人が抱える内なる悪魔だったり、もっと隠喩的な意味だったりね。
そういった様々な解釈がアルバムを結びつけているんだよ。

Q5: So, Black metal becomes more complex, more subdivision, more artistic in a decade. What’s the meaning of this kind of simple, old school but really evil, strong record in this age?

【GHUL】: I think it was necessary. People become obsessed with categories and names and titles. Just create something of worth. Say something, express something. Let fans and journalists worry about categories. We stripped everything back to its essence with this record.

Q5: ブラックメタルというジャンルは、ここ10年ほどでより複雑に、細分化され、アーティスティックになったと言えるかも知れません。
そんな今のシーンにおいて、”Daemon” というある種シンプルでオールドスクール、そして邪悪なレコードはどういった意味を持つのでしょう?

【GHUL】: そういった複雑化、細分化は必要だったと俺は思う。リスナーはカテゴリーやジャンルの名前、タイトルに夢中になるものだからね。
俺らは価値のあるものを創造するだけさ。まあだから、君らも何かを発信し、何かを表現してファンやジャーナリストにジャンル分けについて心配させてやろうじゃないか。俺らはこのレコードで全てを取り払い、”本質” へと戻したのさ。

Q6: So, do you care or check recent Black metal bands? Some newcomers are not into satanism but into spiritualism or nature itself. What’s your perspective about that?

【GHUL】: I think it makes sense. For me Black Metal has always been about transporting the mind to another realm somehow. That could mean many things.

Q6: では、最近のブラックメタルバンドを聴くことはありますか?
サタニズムから離れ、スピリチュアリズムや自然そのものへの憧憬を露わにするバンドも多いですが。

【GHUL】: 理に適ったことだと思うよ。俺にとってブラックメタルとは、いつだって精神を別の世界、領域へと誘う音楽なんだ。だから様々な表現方法があって然るべきだと思う。

Q7: Recently, Necrobutcher said “I was on my way to kill Euronymous myself.” Actually, in the “Inner Circle” at that time, there was lots of “Unrealistic events” there, right? Do you think Mayhem now is different, far from Mayhem at that time?

【GHUL】: For me it’s hard to comment as I was not there at the time.

Q7: 最近では、Necrobutcher が 「俺もじきに Euronymous を殺ってやろうと思っていた。」 と発言して物議を醸しました。実際、当時の “インナーサークル” ではそういった非現実的な事件が起こっていた訳ですよね?
そういった意味で、現在の MAYHEM は当時の MAYHEM と異なる存在だと言えるのでしょうか?

【GHUL】: 俺はあの時バンドにいなかったから、それについてコメントするのは難しいね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED GHUL’S LIFE

EMPEROR “ANTHEMS TO THE WELKIN AT DUSK”

ENSLAVED “FROST”

DEVIL DOLL “SACRILEGE OF FATAL ARMS”

METALLICA “MASTER OF PUPPETS”

THE PRODIGY “MUSIC FOR THE JILTED GENERATION”

MESSAGE FOR JAPAN

I sincerely hope to visit you again soon, and I hope you enjoy Daemon!

心底また日本をすぐに訪れたいよ。”Daemon” を楽しんでくれよな!

GHUL

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【EXHORDER : MOURN THE SOUTHERN SKIES】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH KYLE THOMAS OF EXHORDER !!

“I Don’t Know If We Invented Anything. That Sounds Like a Science Laboratory. We Played What We Wanted To Hear. Along The Way We Influenced Many Bands, Some Of Which Went On To Greater Success Than We Achieved.”

DISC REVIEW “MOURN THE SOUTHERN SKIES”

「俺たちが何かを発明したかどうかは分からないよ。俺たちは俺たちが聴きたい音楽をプレイしていただけなんだ。そうして多くのバンドに影響を与えていくうち、その中のいくつかが俺たちよりも大きな成功を勝ち得たわけだよ。」
EXHORDER がグルーヴメタルを発明し、PANTERA が広めた。スラッシュ第2世代としてニューオリンズに生を受け、90年代初頭2枚の痛烈異色なレコードを残し四散したレジェンドは “他人の仕事” など歯牙にも掛けず豪胆に再び南部の風を運びます。
「クラッシックなニューオリンズのバンドを聴いて育てば、血や魂までその色に染まることになる。ここには偽りなき本物のスウィングとグルーヴが存在するんだ。そうやってルイジアナ南東部のリラックスしたアティテュードに浸れば、君も南部の男になれるさ。」
EXHORDER の咽喉笛 Kyle Thomas はそう語ります。Phil Anselmo も認めるように、”Slaughter in the Vatican” こそがメタルのアグレッションに “グルーヴ” の音魂を刻みつけた最初のアルバムだと言えるでしょう。MACHINE HEAD, LAMB OF GOD, そして GOJIRA へ脈々と受け継がれるそのスピリットにはアメリカ南部、”ディープサウス” の遺産とスラッシュメタル、さらに BAD BRAINS のパンクを熟成した香り高きウィスキーの濃厚な誇りが反映されているのです。
「そうだな…まあお互いを絞め殺したくないって気持ちが間違いなく役にたったな! 今回は様々に異なることを試したんだけど、これが異なる結果を得る唯一の方法だったんだよ。同じことを何度繰り返しても、どんなに強制しようとしても、結局アルバムという結果を得ることは出来ないんだから。」
そのタイトルにも南部のプライドが垣間見える “Mourn The Southern Skies” は、EXHORDER にとって実に27年ぶりの修羅。オリジナルメンバーこそ Kyle と Vinnie の2人だけとなりましたが、もはや Phil Anselmo の右腕とも言える Marzi Montazeri を筆頭に HEATHEN, FORBIDDEN の手練れを招き入れ宣戦の準備は整いました。
オープナー “My Time” は新生 EXHORDER があげる鬨の声。アイコニックなグルーヴとハイオクのアグレッションは30年の時を経ても不変にして至高。長い間メタル世界が彼らを待ち侘びた理由を突きつけます。
同時に、Kyle が TROUBLE, ALABAMA THUNDERPUSSY で培った幅広いレンジや中毒性を伴うメロディックな歌唱は復活の理由をも雄弁に伝え、「俺がボスだ。俺の時が来たんだよ、お前らなんて気にしねえ!」 と唯我独尊のアジテートを叩きつけるのです。
もちろん、”Asunder” や “Hallowed Sound” のスウィングするグルーヴに#9の南部の鼓動は “グルーヴメタル” のパイオニアとしての威厳と矜持を示威しますが、同時に Kyle のアンセミックな歌唱の魔法は “ファック” “ファンク” に加えて新たに備わった “エピック” の4文字を浸透させるに充分な説得力を誇ります。アコースティックの小技も光る7分のスラッシュ劇場 “Yesterday’s Bones” はまさしくその写し鏡でしょう。
今回弊誌では、Kyle Thomas にインタビューを行うことが出来ました。「俺たちが当時やっていたことは、80年代後半にとても成功し、俺たちの番になると衰退し始めていたんだよ。」 NYC の DEMOLTION HAMMER と合わせ鏡のようなキャリアを築いている点も興味深いですね。THRASH. IS. BACK. どうぞ!!

EXHORDER “MOURN THE SOUTHERN SKIES” : 9.8/10

INTERVIEW WITH KYLE THOMAS

Q1: We’ve been waited for your return really long time! Actually, “Mourn The Southern Skies” is your first record in 27 years! How do you feel now?

【KYLE】: It is great to be back making new music and playing the old songs. We’re enjoying it more than we imagined we would!

Q1: 伝説の帰還を本当に長い間待っていましたよ!”Mourn The Southern Skies” は実に27年ぶりの新作となりました!

【KYLE】: 復活して新たな音楽を作り、同時に過去の楽曲もプレイする。素晴らしいね。本当、想像していたよりも楽しんでいるよ!

Q2: In your early days, you left really innovated two “Groove oriented Thrash” metal albums. But the band split in 1994. Maybe, it was hard time for metal at that time and it had to do with your split, I think. Do you agree that?

【KYLE】: Yes, especially for thrash oriented bands. Death metal was on the rise, and we didn’t quite fit in with that as easily as we do now. Plus grunge was on the rise, as well as alternative rock. What we were doing that was so successful in the late 80’s for us was beginning to fade away.

Q2: 90年代初頭に2枚の革新的な “グルーヴ・スラッシュメタル” アルバムを残した後、バンドは1994年に解散してしまいました。
メタルにとって冬の時代が幕を開けたことも、あの解散劇と関係していたのでしょうか?

【KYLE】: そうだね、特に俺たちのようなスラッシュ系のバンドにとってはね。デスメタルが台頭してきていたけれど、俺らは今ほど容易にあのジャンルと歩調を合わせることが出来なかったんだ。それにグランジやオルタナティブも台頭してきていた。
俺たちが当時やっていたことは、80年代後半にとても成功し、俺たちの番になると衰退し始めていたんだよ。

Q3: Lot’s of true metal fans believe “Exhorder invented Groove metal, Pantera shared it”. What’s your perspective about the origin of Groove metal, and relation between you and Pantera?

【KYLE】: I don’t know if we invented anything. That sounds like a science laboratory. We played what we wanted to hear. Along the way we influenced many bands, some of which went on to greater success than we achieved. The good news is that we are back making new music again. People seem to like it. That’s literally all I care about. I have no interest in anyone else’s business.

Q3: トゥルーメタルファンの間では、”EXHORDER がグルーヴメタルを発明し、PANTERA が広めた” と信じられているようですね。

【KYLE】: 俺たちが何かを発明したかどうかは分からないよ。それってちょっと科学の実験室みたいに聞こえるだろ?俺たちは俺たちが聴きたい音楽をプレイしていただけなんだ。そうして多くのバンドに影響を与えていくうち、その中のいくつかが俺たちよりも大きな成功を勝ち得たわけだよ。
良いニュースとしては、俺たちはまた新たな音楽を作るために帰ってきた。リスナーも気に入ってくれているみたいだ。俺が気にかけているのはそれだけだよ。誰であれ他人の成果に興味は全くないんだ。

Q4: Album title “Mourn The Southern Skies” is symbolically, US “Southern metal” bands like you, Pantera, Crowber has very characteristic sounds, I think. Do you think that has to do with the culture and landscape there?

【KYLE】: It absolutely does. When you grow up listening to the music that we did- classic New Orleans bands such as the Meters, Dr. John, the Neville Brothers,Allen Toussaint- it gets in your blood and into your soul. There’s a swing and a groove about it that cannot be faked, although it is imitated by many. Throw in the swamp heat and relaxed attitude of southeast Louisiana, and you’re now in our frame of mind.

Q4: アルバムタイトル “Mourn The Southern Skies” はある種象徴的ですが、あなた達はもちろん、PANTERA, CROWBER, といった所謂 “サザンメタル” バンドには、アメリカ南部の文化や景観、伝統音楽に触発された特徴的なサウンドが共通項として存在しますよね?

【KYLE】: それは間違いなくあるね。俺たちみたいに、THE METERS, Dr. John, THE NEVILLE BROTHERS, Allen Toussaint みたいなクラッシックなニューオリンズのバンドを聴いて育てば、血や魂までその色に染まることになる。
ニューオリンズには偽りなき本物のスウィングとグルーヴが存在するんだ。とは言えそれは沢山のバンドによって真似されているんだけど。そうやってルイジアナ南東部のリラックスしたアティテュードに浸れば、君も南部の男になれるさ。

Q5: So, first reunion was 2008, but there was no new record at that time. What made you making new record with this second reunion?

【KYLE】: Well, not wanting to strangle each other definitely helps! We have tried different things this time around, which is the only way to yield different results. Doing the same thing over and over cannot bring that, no matter how hard you try to force it.

Q5: バンドは2008年にも一度リユニオンを行いましたが、新作は2019年までリリースされることはありませんでした。

【KYLE】: そうだな…まあお互いを絞め殺したくないって気持ちが間違いなく役にたったな! 今回は様々に異なることを試したんだけど、これが異なる結果を得る唯一の方法だったんだよ。
同じことを何度繰り返しても、どんなに強制しようとしても、結局アルバムという結果を得ることは出来ないんだから。

Q6: Only remaining original members are Kyle and Vinnie, but it seems perfect members line-up now. Jason from Heathen, Sasha from Forbidden, and Marzi from Philip H. Anselmo And The Illegals. What made you choose them for new line-up?

【KYLE】: Marzi and I were working on Heavy as Texas at the time, and the other three were working on Year of the Tyrant. We decided to blend the two bands. It was the easiest, yet most sensible solution at the time. Obviously it was the right one.

Q6: オリジナルメンバーは Kyle と Vinnie のみになりました。ただし新たなラインナップは強力無比ですね?

【KYLE】: Marzi と俺は HEAVY AS TEXAS で当時一緒にやっていたし、他の3人は YEAR OF THE TYRANT で共に仕事をしていたからね。だから俺たちはその2つのバンドをブレンドすることに決めたんだ。
それがリユニオンを決めた時、最も賢明で理に適った、そして簡単な判断だった。明らかに正しい選択だったね。

Q7: Compared with your previous two albums, I feel “Mourn The Southern Skies” is still aggressive, solid and strong, but has more melodies, right? Does it related to working with Jens Bogren?

【KYLE】: Jens only mixed the album, but did an outstanding job for sure. We recorded it with Duane Simoneaux and together with him, Vinnie produced it. We knew what we wanted to do before we even got started, really. 27 years away gives you plenty of time to prepare for your next move.

Q7: 90年代初期の2枚と比べると、”Mourn The Southern Skies” は当時のソリッドなアグレッションを保ちながら、メロディーが増しているように感じました。Jens Bogren との仕事が影響した部分はありますか?

【KYLE】: Jens はアルバムをミックスしただけだよ。もちろん、素晴らしい仕事だったけどね。
俺らは Duane Simoneaux とレコーディングを進め、Vinnie も彼とプロデュースを行ったんだ。俺らはアルバム制作を始める前から、すでにやりたいことが分かっていたんだ。マジで。27年もあったんだぜ。次の作品の準備をするには充分すぎる時間だよ。

Q8: Regarding Thrash metal, You are often called as “second generation of thrash metal”. When you started the band, what was “first generation” like Metallica, Slayer, Megadeth and Anthrax to you?

【KYLE】: We listened to those bands for sure, and several of them had a major impact on us- but to leave out the impact from the punk rockers would be unfair. Dead Kennedys, Agnostic Front, DRI, COC, and Bad Brains also had equal impact on Exhorder. I could go on listing bands, but you get the idea.

Q8: 時代背景的に、EXHORDER はスラッシュ第2世代と形容されるバンドの一つでした。バンドを始めた頃、METALLICA や SLAYER といったファーストジェネレーションはどういった存在でしたか?

【KYLE】: 当然だけど彼らを良く聴いていたよ。そして彼らのうちいくつかは俺らに強大なインパクトを与えたね。
だけど同時にパンクロックからの影響を挙げないのは不公平だね。DEAD KENNEDYS, AGNOSTIC FRONT, DRI, COC, BAD BRAINS といったバンドも EXHORDER に同じくらいインパクトを与えているんだ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED KYLE’S LIFE

Wow, where do I start? That depends on what part of my life you’re talking about. Maybe I will just list albums that pushed me toward being the guy you know in Exhorder, otherwise I’ll be listing Beatles, Humble Pie, James Brown, and more!
This list is in this order because of the sequence in which I discovered them. Ask me tomorrow, and I may give you five different album selections.

ここで挙げるのはあくまで EXHORDER としての俺を形成したアルバム。そうじゃなきゃ、BEATLES, HUMBLE PIE, James Brown だって挙げられるぜ!並べたのは発見した順だ。まあ明日聞かれれば別のアルバムを挙げるかもな。

METALLICA “RIDE THE LIGHTNING”

SLAYER “HELL AWAITS”

CORROSION OF CONFORMITY “ANIMOSITY”

D.R.I. “DEALING WITH IT”

DEAD KENNEDYS “FRESH FRUIT ROR ROTTEN VEGETABLES”

MESSAGE FOR JAPAN

Japan, I love you SOOO much and miss you!!! I haven’t been there since 2008 with Death Metal All Stars (me, Ralph Santolla, Jack Owen, Steve DiGiorgio, and Tony Laureano). Exhorder cannot get to you soon enough!!! Maybe in 2020 we can make this happen!!!

やあ、日本のみんな!俺は日本が大大大好きなんだ、しばらく行けてなくて寂しいぜ!!!2008年に DEATH METAL ALL STARS (俺、Ralph Santolla, Jack Owen, Steve DiGiorgio, Tony Laureano) で行ったのが最後だよ。EXHORDER ですぐに戻るぜ!!2020年にはきっと実現するはずさ!

KYLE THOMAS

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THE NUMBER TWELVE LOOKS LIKE YOU : WILD GODS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ALEXIS PAREJA OF THE NUMBER TWELVE LOOKS LIKE YOU !!

“Our Music Similarly Doesn’t Follow The Traditional Form Or Structure Of Most Music Out There. Overall It’s Fairly Volatile And Can Take Off In Any Direction At Any Given Time. We Have Always Enjoyed Exploring The Vast Possibilities Of Music And Prefer Not Be Cornered Into One Genre.”

DISC REVIEW “WILD GODS”

「僕たちの音楽は全体的にかなり不安定で、いつでもどの方向にでも進路を取れる。常に音楽の広大な可能性を探求して楽しみ、一つのジャンルに追い詰められることを望まないんだから。」
トワイライトゾーンのディストピアな未来において、画一化された “No.12” の外観を頑なに拒む伝統の破壊者 THE NUMBER TWELVE LOOKS LIKE YOU。デスメタル、ハードコア、スクリーモ、プログレッシブ、ワールドミュージック、ミニマル、ジャズといった幾千もの奇妙な混合物に数学的溶媒を注いだマスコアのパイオニアは、類稀なるライブのカタルシスを伴って00年代に君臨した怪物でした。そう2010年に人知れずその姿を消してしまうまでは。
ボーカリスト Jesse の言葉を借りれば失われた10年は “成長のための必要悪”。そして、インタビューに答えてくれたギタリスト Alexis に言わせれば “成長を実証” するためシーンへと帰還したモンスターは復活作 “Wild Gods” で拡散と成熟を同時に見せつけています。
「僕たちの音楽は常に変化を遂げている。僕の目標はつまり自分たちの過去を繰り返さないことなんだ。アルバムをいくつかリリースして、休息し、今はチャレンジ出来る。リスナーがオープンマインドで、ジャンルなど気にせずただ音楽に身を任せてくれたら嬉しいね。」
THE NUMBER TWELVE LOOKS LIKE YOU は確かに変化と共に進んできました。妥協を許さないアグレッシブなメタルコアとグラインドの紅い薔薇 “Put On Your Rosy Red Glasses” を出発点に、ポストハードコアを可能な限り最も苛性で迷路のような反復へ誘う “Grind. Sad. Nuclear”。 さらに “メランコリー” にヘヴィーとキャッチーを両輪に据えた出世作 “Mongrel” に、”ノン・メタル” な冒険を推し進めた “Worse The Alone” まで、ポリリズムと数学者の威厳を宿した “Polymath” の称号を手にしつつも、彼らは画一的な場所からは程遠い多種族のキメラとして常に保守、伝統へと挑んできたのです。
「確かにアルバムにはコンセプトがあるね。僕たち自身、そして自然界に纏わる現在の問題を反映しているんだよ。」
隠遁した10年の間に顕となった世界を覆う黒い雲。歌詞を書き上げた Jesse はこのアルバムがフィクションのように非常識極まる地球を宇宙人へと紹介する広告で、子供を虐待する司祭、司祭を守る教会、女性より優れていると信じる男性、動物を虐殺する人類といった “Wild Gods” をどうぞ見に来て下さいと嘯きます。そうしてバンドはその闇に、鋭き牙はそのままに咲き誇る多様性の嵐で贖うのです。
狂気とスリルに満ちた世の夜会を彩るサルサのダンス “Gallery of Thrills” はエクレクティック極まるアルバムの華麗なる招待状。エレクトロシンセとストリングスのサウンドスケープが過去と未来を行き来する “Ruin the Smile”、ラウンジジャズのアトモスフィアとメタルコアの残虐、プログレッシブの複雑がいとも容易く噛み合った “Raised and Erased”、サンバやボッサのメタリックな嘶き “Tombo’s Wound”。そうした多種多様な景観の中でも、テンポやムードは全て計算の下で刻々と移り変わり、さらに音の表情を増していくのですから驚きです。
“Ease My Siamese” が象徴するように、Jesse の囁き、荘厳に歌い紡ぎ、泣き叫ぶボーカルレンジがもたらすエモーションの振れ幅も絶妙に豊かで、フラメンコを基にした “Of Fear” では妻の Eva Spence (ROLO TOMASSI) と極上のデュエットまで披露しています。そうしてアルバムは、”Interspecies” のシロフォンとストリングスで異種間交流のロマンを運んだ後、ラテンのリズムと言語で究極の破滅をもたらす “Rise Up Mountain” で幕を閉じるのです。
2016 年に THE DILLINGER ESCAPE PLAN が活動を終えてから3年。CAR BOMB の新作と共鳴しながら “Wild Gods” は再びマスコアの時計を動かし始めます。今回弊誌では、Alexis Pareja にインタビューを行うことが出来ました。「MONO, envy, Melt-Banana みたいな日本のバンドはライブや音源を楽しんでいるよ。それにジャズの世界でも、上原ひろみ、福居良みたいな驚異的ミュージシャンがいてインスパイアされるね。」 昨年、来日も果たしています。どうぞ!!

THE NUMBER TWELVE LOOKS LIKE YOU “WILD GODS” : 9.9/10

INTERVIEW WITH ALEXIS PAREJA

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about yourself and your band? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【ALEXIS】: This is Alexis (guitars). Growing up I was listening to a variety of late 80’s rock music but when the 90’s alternative wave hit I became immersed in bands such as Sonic Youth, Soundgarden, Jane’s Addiction, etc.
I met Jesse (vocals) through mutual friends when I was 16 and though by that time I was listening to some metal, underground hardcore and grind bands were brought to my attention through our inner circle that was passing around tapes and CDs.

Q1: 本誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか?

【ALEXIS】: ギタープレイヤーの Alexis だよ。子供の頃は80年代後半のロックを様々に聴いていたんだけど、90年代にオルタナティブな波が起こると僕は、SONIC YOUTH, SOUNDGARDEN, JANES ADDICTION といったバンドにハマっていったんだ。
ボーカルの Jesse に会ったのは16の時で、互いの友人を通して知り合ったんだ。その頃までに、僕の興味はテープや CD をやり取りするインナーサークルのおかげでメタルやアンダーグラウンドなハードコア、グラインドバンドなどに惹きつけられ聴くようになっていたからね。

Q2: Your band name, The Number Twelve Looks Like You is really strange but impressive. It seems that it comes from Twilight Zone, but what made you choose that?

【ALEXIS】: Several of us are fans of the amazing and philosophical show that was way ahead of its time. We used to binge watch when networks would have marathons.
This particular episode deals with a dilemma in which the option of a generic identity that would conform to the dystopian society’s requirements in the show was being rejected by the main character.
Our music similarly doesn’t follow the traditional form or structure of most music out there. Overall it’s fairly volatile and can take off in any direction at any given time. We have always enjoyed exploring the vast possibilities of music and prefer not be cornered into one genre.

Q2: THE NUMBER TWELVE LOOKS LIKE YOU というバンド名は実に奇妙でしかし印象的ですね。ドラマ “トワイライトゾーン” が基になっているとお聞きしましたが。

【ALEXIS】: そう、バンドの何人かが時代を先取りしたあの素晴らしき哲学的番組のファンだったんだ。TVネットワークが連続放送する時はよく見ていたよ。
この “Number Twelve Looks Just Like You” というエピソードは、番組のディストピア的世界観を代弁する画一的なアイデンティティの選択が、主人公によって拒否されるというジレンマを扱っていたんだ。(成人すると人々が自分の外観をいくつかのモデルから選ぶ未来の世界。ナンバー12は人気があり、混同を防ぐために人々は名札をぶら下げる。主人公はそういった世界に疑問を感じ自殺を計る。)
僕たちの音楽も、大半の音楽が受け継ぐ伝統的な形や構造をフォローしていないという点でその主人公と似ているよね。僕たちの音楽は全体的にかなり不安定で、いつでもどの方向にでも進路を取れる。常に音楽の広大な可能性を探求して楽しみ、一つのジャンルに追い詰められることを望まないんだから。

Q3: It seems you were influenced by Japanese-style Noise rock like Boredoms, right? So, have you interested in Japanese music scene for a long time?

【ALEXIS】: I’m sorry to say we have never heard of Boredoms but will now check them out!
There are bands such as Mono, Envy, and Melt-Banana that I have enjoyed listening to or seen live. Hiromi Uehara and Ryo Fukui are some other incredible Japanese musicians in the jazz realm that have been inspiring.

Q3: ボアダムスのような日本のノイズロック、ハードコアからの影響もあると伺いましたが。

【ALEXIS】: いや、ボアダムスは聴いたことがないんだ。チェックしてみるね!
MONO, envy, Melt-Banana みたいな日本のバンドはライブや音源を楽しんでいるよ。それにジャズの世界でも、上原ひろみ、福居良みたいな驚異的ミュージシャンがいてインスパイアされるね。

Q4: So, we are really excited that you come back to the scene! But what made you reunite TNTLLY?

【ALEXIS】: Thank you! Throughout the years our fans have been incredibly supportive even when we were not active. That was very motivational and we also felt that we never had the chance to follow up Worse Than Alone with the album we knew would be the evolution of our sound. There was much that still had to be said.

Q4: それにしても、THE NUMBER TWELVE LOOKS LIKE YOU がシーンに戻ってきて嬉しいですよ。リユニオンのきっかけは何だったんですか?

【ALEXIS】: ありがとう!ここ何年も、活動を行なっていない時期でさえ、僕たちのファンは信じられないくらいサポートを続けてくれたんだ。それはとてもモチベーションになったよね。
それに、僕たちのサウンドが進化を遂げたと分かっていたのに、それを実証する “Worse The Alone” の後継作を発表するチャンスがないとも感じていたんだよ。まだまだ語るべきことがあったんだ。

Q5: OK, let’s talk about your newest record “Wild Gods”. Actually, it’s sensational album title and artwork, right? I feel it reflects current situation of America somehow. Is there any concept or lyrical themes?

【ALEXIS】: The album is conceptual, it aims to reflect on current issues that we have with ourselves and the natural world.
Each song is a world in itself. We invite the listener to interpret it how they please, but I believe the content lends itself to be on the clearer side of things rather than abstract.

Q5: ではその復活作 “Wild Gods” について話しましょう。センセーショナルなタイトル、アートワークは現在アメリカや世界を覆う状況、闇を反映しているようにも思えますが?

【ALEXIS】: 確かにアルバムにはコンセプトがあるね。僕たち自身、そして自然界に纏わる現在の問題を反映しているんだよ。
どの楽曲もそれぞれの世界を内包しているんだ。もちろん、僕たちはリスナーには好きなようにその世界を解釈するよう勧めるけど、それでも僕たちのコンセプトが抽象的ではなく、物事のより明確な側にあると信じているんだよ。

Q6: It seems Eva Spence did guest vocal on some songs, right? Jesse and Eva has really nice chemistry, I think. What made you invite her to “Wild Gods”?

【ALEXIS】: Eva Spence appears on the song “Of Fear”.
Jesse and Eva are married so that adds to the fluid chemistry. Being that the band’s whole career we had 2 vocalists, it wasn’t hard to invite another vocalist for a track and her voice complimented the mood of that particular song.

Q6: ROLO TOMASSI の Eva Spence がゲスト参加していますね? Jesse とのケミストリーも素晴らしいですね。

【ALEXIS】: Eva は “Of Fear” でその歌唱を披露しているよ。実は Jesse と Eva は結婚したから、流麗なケミストリーが生まれるわけさ。
まあこのバンドはキャリアを通して2人のボーカル (Justin Pedrick) がいたわけで、一曲くらいまた別のボーカルを招いてツインボーカルに戻すのは難しくなかったし、彼女の声はあの曲でしっかりムードを充たしてくれているね。

Q7: So, it’s your first record in ten years. Also, some members have changed. Have you changed creative process and inspiration in this long interval?

【ALEXIS】: We have DJ Scully (bass) and Michael Kadnar (drums), who have been a great addition to the band’s dynamic and multi-faceted sound. Our energy works well live and they bring a positive drive, which is very important when there are so many elements to keep track of.
For the creative process I often first draft an outline of the song in a pre-produced demo with all the main ideas. From there I gather feedback from everyone and continue to shape the song accordingly to what we feel it needs. Lyrics are added later which could then also potentially change the song and its structure. Overall there is a lot of cutting and reshaping.
One song that didn’t make it to the album probably had more than 10 different versions.

Q7: 10年ぶりのレコードで、メンバーも多く変わりました。クリエイティブなプロセスやインスピレーションに変化はありましたか?

【ALEXIS】: DJ Scully (bass) と Michael Kadnar (drums) が新たに加入したんだけど、おかげでバンドのサウンドはよりダイナミックでマルチに進化を遂げることになったね。僕たちのエナジーはライブでも強力で、彼らはポジティブな力をもたらしてくれた。僕たちの音楽には様々な要素があるから、それらを見失わないでエナジーを保つのは重要なことだよ。
クリエイティブプロセスについてだけど、僕は大抵、最初に主要なアイデア全てを備えたプリプロダクションのデモで楽曲のアウトラインを描くんだ。そこから全員のフィードバックを集め、必要に応じて曲を作り続けるんだ。
歌詞は後から追加し、それによって曲とその構造も変更される可能性があるんだけどね。全体的に多くの切断と再形成、試行錯誤を繰り返すのさ。
アルバムに入らなかった楽曲だけど、それはおそらく10以上の異なるバージョンがあったくらいだからね。

Q8: Actually, you are one of the pioneer of mathcore. But, when we listen to “Wild Gods”, you become more experimental, more progressive, more jazzy than before. Are you still comfortable when you are labeled mathcore band now?

【ALEXIS】: We have never sought out to be any genre. Honestly we didn’t even know mathcore was a style. We just played whatever we felt like when we were younger, but most importantly is that we did it with passion and intensity.
The music is consistently changing and my goal is to not repeat myself. After several albums that can start to get challenging. It would be nice if listeners could be open minded and simply experience the music without having to attach labels to it.

Q8: THE NUMBER TWELVE LOOKS LIKE YOU はマスコアのパイオニアの一つだと思います。ただし、”Wild Gods” はより実験的で、プログレッシブで、ジャジーで、ワールドミュージックまで多くしたためたアルバムに仕上がりました。
マスコアというタグは今でもバンドにとって快適な場所ですか?

【ALEXIS】: 僕たちはどんなジャンルにも所属していると考えたことはないよ。正直言って、マスコアってスタイル自体知らなかったくらいだからね。ただ、若かりし僕らが感じたようにプレイしていただけなんだ。最も重要なのは、それが情熱とインテンシティーによって成されていたことなんだよ。
僕たちの音楽は常に変化を遂げている。僕の目標はつまり自分たちの過去を繰り返さないことなんだ。アルバムをいくつかリリースして、休息し、今はチャレンジ出来る。リスナーがオープンマインドで、ジャンルなど気にせずただ音楽に身を任せてくれたら嬉しいね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED ALEXIS’S LIFE

GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR “YANQUI U.X.O”

MODEST MOUSE “THE MOON & ATARACTICA”

RADIOHEAD “OK COMPUTER”

PORNO FOR PYROS “GOOD GOD’S URGE”

REMEMBER SHAKTI “SATURDAY NIGHT IN BOMBAY”

MESSAGE FOR JAPAN

We love Japan and are looking forward to returning to explore more! It was such a wonderful time learning more about the rich culture and traditions. Arigato.

日本が大好きだし、また戻ってもっと深い部分まで知りたいね!日本の豊かで伝統的な文化を学ぶのは素晴らしい体験だったから。ありがとう。

ALEXIS PAREJA

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【LINGUA IGNOTA : CALIGULA】


COVER STORY: LINGUA IGNOTA “CALIGULA”

I’ve had a difficult time finding justice in the world, finding accountability for the people who have done harm to me… The music is my way of holding people accountable and finding justice. My way of finding revenge.

MY SWEET REVENGE…THE STORY BEHIND “CALIGULA”

「世界に正義を見出すこと、私を傷つけた人間に責任を見出すことにずっと苦労してきたの。だから音楽は奴らに責任を負わせ、正義を見つける私のやり方なの。私なりの復讐なのよ。」
家庭内暴力、虐待の生還者 Kristin Hayter のパワフルな言葉です。そして彼女の受けた恐ろしき痛みと攻撃性は、オペラからノイズ、インダストリアル、フォークに教会音楽、スピリチュアル、そしてメタルまで全てを渾淆した婀娜めきのプロジェクト LINGUA IGNOTA に注がれています。
「何か違うことがやりたかったの。新鮮で私のビジョンのみを投影したようなね。どんなジャンルやカテゴリーにも繋がりたくはなかったのよ。ルールや限界を設けることになるから。真正で正直な音楽を作りたかったのよ。」

LINGUA IGNOTA の新作 “Caligula” は確かに正直であり、そして同時に残酷なアルバムです。8分を超える楽曲3曲を含む11曲の連なりがリスナーに与えるのは罰にも思える疲労困憊の聴体験。
「もともとアルバムは、90分を超えていたの。さすがに音楽を詰め込みすぎだと思ってそれを75分にしたのよ。さらにそこから66,6分まで短縮したの (笑)。そんなちょっとしたジョークに溢れたアルバムでもあるのよ。リスナーをアルバムの “サイクル” へ誘うことで私は罰を受けなければならないの。だって彼らに示すのは家庭内暴力のサイクルなんだから。」
2017年の LP “All Bitches Die” に比べれば幾分かはアクセシブルかも知れません。ただし、それでも”アウトサイダーのオペラ” として生を受けた “Caligula” を咀嚼するには何度も何度もアルバムを噛みしめる必要がありそうです。
「言いようのないものに声を出したいし、本質的に表現が難しいものを人々に理解してもらいたいの。」と Kristin は説明します。 「それに、みんなが私についてあれこれ言うことを自虐ネタにもしているのよ。炎上商法とか、悪いフェミニストだとか。その反応を音楽にも取り入れているの。」

ただし、LINGUA IGNOTA は音楽プロジェクトとして始まった訳ではありませんでした。クラッシックのピアノと声楽を学び、シカゴでインターディシプリナリー (複数の学問の) クリエイティブアートを研究した後、実は Kristin の Brown 大学卒業論文こそが LINGUA IGNOTA の子宮でした。10,000ページに及ぶ論文のタイトルは “全てを燃やせ、誰も信じるな、自殺しろ”。THE MEAT SHITS のようなポルノグラインドバンドの性暴力的な歌詞を調べ、彼女自身の経験に照らして文脈化を果たします。
やがて彼女は自身の作品をロードアイランド州プロビデンスのDIYノイズ/メタルシーンへと持ち込み、自らと対立的な側面を実験し始め、2枚のレコードをリリースし、THE BODY とツアーを始めたのです。
「THE BODY にシーンを紹介してもらえたのがとてもラッキーだったわね。だって彼らは基本的に良い人間だけを周りに置いていて、奴らとは関わらない方がいい、クソだからってアドバイスをくれたから。」


そうして生まれた LINGUA IGNOTA に対する明確なビジョン、溢れる自信にもかかわらず、Kristin は彼女のアートをどこか客観的で距離を置いて見ている節があります。
「全ては私の中から生まれたものよ。だけどこの名前でパフォーマンスを行うことに何かしら距離を置いている部分もあるのよ。」
ライブにおいても、群衆の中に立ちライトで焦点をぼかし影に隠れて歌い紡ぐ Kristin。何より “未知の言語” を意味するラテン語の LINGUA IGNOTA という名前自体、中世ドイツのベネディクト会系女子修道院長であり神秘家、作曲家ヒルデガルト・フォン・ビンゲンが占いや神秘主義を目的に開発した言語 “リングア・イグノタ” を基にしているのですから。
そうした “ペンネーム” や “影のパフォーマンス” のみならず、歌詞の面でも Kristin は時に自身とアートの距離を考慮します。
「もちろん、個人的に経験したことをベースにしているけど、権力や暴力を乱用する男の言葉を引用することもあるわ。私に起こったことじゃなくても、(家庭内暴力の経験がある私なら)、その言葉に “重み” をもたらすことができるんだから。」

では “トランセンデンタル” とも形容され Chelsea Wolfe にも通づる音闇の聖堂の鍵はどこにあるのでしょう?
「リバーブね!ボーカルやピアノにリバーブをかけまくってウエットなサウンドにしているのよ。そうしてダークでありながら鮮明なサウンドスケープを創造しているの。」
カトリックと密接に思える LINGUA IGNOTA のアートですが、実は Kristin 自身は現在無神論者。
「教会で育ったけど、13で無神論者になったの。それ以来信じたり信じなかったりを続けているわ。今は…おそらく信じていない。だけどカトリックのイメージとか聖書の言語とは密接な繋がりを持っているの。カトリックに限らず、崇拝行為として構築された音楽やアートは実に美しく純粋な意図があるの。一方で、教会自体の不純な意図、腐敗に抑圧、虐待も存在するけどね。」
最近は DAUGHTERS の “You Won’t Get What You Want” がお気に入りです。
「他にもコーラルミュージックやドローンを良く聴くわ。サルディーニャやジョージアのポリフォニーも大好きよ。そういった音楽と Tim Hecker, Meredith Monk, それにハードコアやパンクをミックスしているのよ。」

血の滲むようなリリックとジャンルの枠を超えた音のマニフェスト “Caligula” のタイトルは、世の中全てを憎み全員を殺害しようとしたローマ皇帝のに因んで名付けられました。
「虐待の力、狂気、堕落、ナルシシズム…政治的なコミュニティーの世界で私は全てを見てきたわ…そしてそのトラウマの結果として自分自身にも狂気を宿すこととなったの。だからこそ、”Caligula” というタイトルが崩壊しかけて崖の淵にある現在の社会を例証していると感じたのよ。」
しかし、LINGUA IGNOTA の音楽は、差し迫った社会の衰退、崩壊と戦うための神器となるのでしょうか?
「時々、私の音楽が何かを助けているのか、それともノイズを追加しているだけなのかって自問自答するわ。私がを起こそうとしている変化をみんなが聞いてくれたらと望むわ。そして、私の音楽が弱く不可視とされている人々が虐待と戦うための力となることもね。」
権力を利用して他人を虐待する愚かな行為は政治の世界のみならず、ロックミュージックのコミュニティーを含む社会のあらゆる側面に存在します。ただ近年では、以前より多くの被害者が前に出て公の場で声を上げられるように改善が進んでいるようにも思えます。当然、やるべきことはまだまだありますが。
「エクストリームミュージックのコミュニティーは大部分がまだまだとても酷い状況よ。愚かな考えをもとにした醜い振る舞いや、ミソジニーが横行しているわ。実際、私を虐待した男の1人は有名なノイズミュージシャンだった。それに以前より保守的で右よりの政治性を欲しているようにも思えるわね。
ただ、だからと言ってコミュニティーやシーンを “取り締まって” 正すことが答えだとは思わないの。誰かを排除するコールアウトカルチャーは結局有毒でコミュニティーの助けにはならないわ。教育こそが正しい道だと思うの。複雑だけど、誰かを追放し排除するより考え方を変えたいのよ。」


Kristin は彼女の “音楽教育” がどの様な影響を与えたのか、虐待の被害者のみならず、加害者からも話を聞き前へと進む手助けになっていることを知り多少なりとも心の平安を得ます。
虐待というタブーに挑むのは、LINGUA IGNOTA だけではありません。SVALBARD はリベンジポルノを糾弾し、VENOM PRISON は代理出産やレイプについて叫びます。さらにそういった “正義の” バンドは増えるのでしょうか?
「家庭内暴力や性的暴力の経験はありふれたものよ。だからそういったテーマのプロジェクトは今後増えていくと思うの。ありふれていてリアルだからこそ、自らの経験やトラウマを扱うのは当たり前になっていくはずよ。」
そう、”リアル” こそが LINGUA IGNOTA を魅力的な妖魔としているのです。 ドラマのために作られたフィクションではなく、究極に恐ろしくしかし正直な場所に端を発するノンフィクションは、故に近寄りがたい音の葉を纏っていますが、奈落の底でヘヴィーなリスナーと深く深く繋がっています。
「どれだけの人が女性を嫌っているか、どれだけ世界が女性を嫌っているか知れば知るほど、”サバイバー” として他の女性への責任を感じるの。これからどこに行くのでしょうね?だけど最も重要なことは、リアルであり続けること。だから音楽を作ったり、暴力について語る必要がなくなればそうするわ。永遠に虐待の被害者になりたくはないからね。」

LINGUA IGNOTA’S TRACK BY TRACK GUIDE TO CALIGULA

Faithful Servant Friend Of Christ

“Caligula” は “警告” から始まるわ。私はこのレコードを、後にリスナーが聴くこととなるメロディックなテーマやマテリアルを予測出来るような序曲から始めたいと思ったの。ワーグナーの “ラインの黄金” の前奏曲とか、伝統的な輪唱、みんなが知っているギリシャのコーラスなんかをイメージしていたわね。
そうしてこの歌は、レコードがリングを作るのと同じようにリングを作るのよ。なぜならチェロの旋律のバリエーションは、レコードを通して聴くことができるからね。ただ、オペラよりも若干オーガニックに創造したつもりよ。単調なメジャーのアルペジオを簡素なマイナーラインの下へ配置し、ボーカルを少しオフにしてね。
楽曲は祭壇の鐘で終わるの。これは前作 “All Bitches Die” の鐘に対するオマージュなの。 私はどんなジャンルでも枠にはまることに興味はないから、音楽を通してテーマを作成するためのアプローチは、自分の以前の作品のボキャブラリーをもとにすることになるの。
レコーディングはよく覚えているわ。Seth Manchester と私は、ハーモニーの中の私のハイトーンに耳を背けたわ。本当に甲高くて悲惨だったの。だからこそそのテイクを採用したわ。”Caligula” では何度も何度も醜すぎるテイクを採用したの。

Do You Doubt Me Traitor

おそらく、レコードの中で最も複雑で反直感的な楽曲よ。ここで聴くことの出来るピアノは “Faithful Servant Friend of Christ” のチェロパートのバリエーションよ。込み入った楽曲だけど、意図してそうしているの。最も重要なのは、リアルな恐怖、侵略感を作り出すために楽曲のスペースを利用することなのよ。
導入部のボーカルは非常に静かだけど信じられないほど近くて、ラウドになるほど遠ざかり、中世の歌 “Chanterai pour mon Corage” に基づくようなポリフォニックな瞬間に戻るのよ。最後のラインは伴奏なしの独唱。私たちはレコードで最もラウドなパートを生み出そうとしたの。
多くの人が、この曲でボーカルのピッチを変えているのか尋ねてきたけど、全く変えていないわ。ただ録音時に本当に荒れていただけなの。クローゼットの床でこのボーカルを1テイクで録音し、それに使った非常にベーシックで質の悪いマイクの写真を Seth に送ったら、彼は「そんなもので録音したものを俺に送るな!」と言っていたわ。ごめんね、Seth!
この曲ではパーカッショ二スト Ted Byrnes を紹介したいわね。彼は私自身の “パーカッション” の使用に対して実に影響を与え、アルバム全体で聴くことの出来る素晴らしいこの方法で楽器をこすったり、引っ掻いたりしたわ。レコードをあらかた組み終えた後、私はガレージで1時間くらいアルミ製のユーティリティライトを叩いたりして、そこから音を撮ったりしたの。
この曲の内容については何て言えばいいのかしら。いつものように複数のソースがあって、複数の人々への具体的な言及があるマルチな楽曲よ。追求の歌で、裏切りの歌で、宣誓の歌なの。 「クソな川の流れに身を投げるわ」って歌詞は、全体の中でもお気に入りの一つよ。最後のパルスは、暗闇の中で私の部屋に座っていた時、外でパトカーが赤と青のライトをリズミカルに点滅させながら近づいてきた非常に鮮明な記憶を表現したいと望んだの。

Butcher Of The World

アルバムで最初にレコーディングを行い、現時点で最も聴いている楽曲かもしれないわね。キューブリックの “時計仕掛けのオレンジ” のテーマとなった Henry Purcell の “Funeral Music For Queen Mary” をサンプリングするのは、このレコードでまずやりたかったことだったの。このサンプルは、CAGE の同様に大胆なトラック “Agent Orange” にも登場するの。だから元々は女王の死を偲んで書かれた荘厳な作品だったけど、私にとっては正当化されない暴力の文化的象徴なの。
私は、サンプリングを通して略奪された文化の歴史、それかさまざまな方法で解釈可能なさまざまな文脈について考えるのが好きなのよ。そうやって私はサンプリングで解体し、自分自身で方向性を変化させるのよ。
“Butcher of the World” では裏をかいたのよ。レコード全体に現れる不快なシンセでリスナーを攻撃するけど、それはつかの間のことよ。リスナーが次に来る音を予知できないようにして彼らを不安定にすることこそ、私が創造したいサイクルの一部なの。

May Failure Be Your Noose

この曲はレコードの中で大きなリスクと言えるわ。短いけれどアクセシブルよ。私は何度も Seth に IMAGINE DRAGONS や EVENESCENCE のように聴こえないか確かめたくらいよ。
この曲の内容は聖書の “Imprecatory Psalms” に基づいていて、”Butcher of the World” から続く少し狂った拍子と、マーチのようなコード進行を中心に構築されたの。この音楽の大部分は、バロックのマーチや、Purcell や Hendel のような作曲家の儀式的な作品を参考にしているの。
Mike Berdan (UNIFORM) がゲストとしてスタジオに来たわ。そもそも私たちはこの非常にストレートなパワー・エレクトロニクスの楽曲でコラボレーションし、互いに聖書の “詩編” から詩をを投げあったの。そうして楽曲は不調和なテクノ的四つ打ちへと変化し、残りのレコードと全く繋がりがなくなったの。
私はこの歌を救おうとし続けたけど、出来なかったわ。それはおそらく何かの啓示だったんでしょうね。だから全く異なる完全に自分の楽曲へと変えてしまったの。
Lee Buford がドラムを披露しているわ。ビッグで大胆な彼のスタイルが大好きよ。

Fragrant Is My Many Flower’d Crown

リスナーに少し休息を与えたかったの。これまでの手の込んだ迷宮のような楽曲に対するカウンターポイントとして、シンプルで静かで残忍な休息をね。
歌詞の面では、私にとって最も重要な楽曲の一つね。大部分は Billy Bragg の “Tender Comrade” に触発されているわ。この事実は私にとって重要なの。私に暴力を振るっていたの1人が、行為の後彼のレコードを挙げていたから。アルバムの大部分は私のコミュニティーの中のこの人物との経験についてなんだから。
この歌は、愛されたいことと愛されたくないことについて。多くの人が怒りと絶望を聴いて、”Caligula” に嫌悪感を覚えるだけかもしれないけれど、それでもこのレコードには私が耐えられないほどとてつもない愛があるのよ。
私のアートとこの歌に豊富にある花は、過去の関係で虐待された後、和解のジェスチャーとして何度も花を与えられ、残酷さの象徴になってしまったの。悲しみの言葉に伴うボーカルテクニックを聴いて欲しいわ。
私はその悲しみの言葉に本当に創造力に富んだ何かを与える方法、その言葉が何を意味するのかをどう伝えるか考えていたの。そして、私は本当に孤独で奇妙な “倍音” のサウンドに落ち着いたのよ。

If The Poison Won’t Take You My Dogs Will

この曲も歌詞は非常に残酷で、生を続けることができないという概念、自殺を通して自主性を取り戻すってコンセプトなの。私だけの考えかもしれないけどね。 “主よ、憐れみたまえ” の音階を下って行くと、声、ピアノ、チェロだけが残るの。
歌詞は、ジョーンズタウンデステープ (集団自殺を計ったカルト集団が決行を記録したテープ) の一種の再文脈化で、教祖ジム・ジョーンズが最後まで信徒を操り続けた方法なの。デステープの中の本当にめちゃくちゃなアンビエントサウンド、人々の叫び声、パニック状態のエネルギーをも再現したかったの。YouTubeからリッピングされたブラストビートはレコード全体に隠されているけど、この曲には特に使用しているわ。
たとえ暗くても、ちょっとしたジョークはどこにでもあるわ。私はこの音楽に向けられる “視線” に興味を持っているの。誰が見られ、誰が見ているのか、そしてそれがどのように急速に変化するのかについてね。

Day Of Tears And Mourning

ビッグでマッチョなサウンドを持った曲ね。”Funeral Music For Queen Mary” のように、この楽曲のテーマは死のメディテーションよ。アン・ブーリンが処刑の前に遺した詩 “O Death Rock Me Asleep” のように。
“Caligula” にヘヴィーなパートを記す時はいつでも、メタルのフォーミュラに近づかないようにしたかったから、ビーフなビートの代わりにトリップホップフィルを使用したの。 “All Bitches Die” に収録されていた “Woe To All” の電子スネアを配置してね。
インターネットで “Woe To All” の歌詞を検索すると、”不可解な叫び声” って表示されるのよ。だからこそ “Stabat mater dolorosa” (聖母哀傷、母マリアがキリストが磔にされる悲しみを思うカトリックの聖歌) と強く結びついた歌詞は意味があるの。
Dylan Walker (FULL OF HELL) がゲストボーカルで参加しているわ。彼と仕事をするのは大好きなの。彼の耳障りなボーカルは素晴らしいし、私たちのボーカルはそれこそ分かつことが難しいほどに波長が似ているわ。私たちが織り上げた音楽を気に入っているの。

Sorrow Sorrow Sorrow

私はこの曲のボーカルのパフォーマンスが本当に嫌いなの。だけど Seth がこのテイクを維持しようと主張したの。だからいくら意図的な醜さだとしても、私は聴くに耐えないって感じね。
倍音の歌声が戻ると、実際に自分自身とガールフレンドを殺した男によって書かれた自殺のメモを引用した 「神だけが私の悲しみを知っている」の一節が登場するの。それこそが私の音楽が表現しようとしているものよ。言語に絶するトラウマを吐き出すことを意図しているの。つまり、再び自由を見つけるため、自らの体を放棄することを歌っているの。
Seth と私は、真夜中過ぎにオリジナルのボーカルデモに合わせてピアノを録音したの。そして、セスは黙ったまま床に横たわったわ。非常に圧倒的で特別な体験だったの。

Spite Alone Holds Me Aloft

これもとても複雑よね。秘密のブラックメタル礼拝トラックとでも言うべきかしら。コード進行はプリミティブなブラックメタルを基にしたんだけど、奇妙なクロマティックのねじれがあって、ドラムもめちゃくちゃやってるわ。Ted はピアノのに沿ってで本当に素晴らしいパーカッションを録音し、私はメロディーをシンプルに保ちこの歌にはほとんど言葉を入れなかったの。ブラストの代わりに、Bセクションには即興ジャズドラムが用意されているわ。
“Caligula” というレコードの中で、カリギュラ帝自身に起因する唯一のライン「彼らが私を恐れている限り、私を憎ませよう。」の言葉が登場するわ。
真の先見者であり、最も素晴らしいボーカリストの1人だと思っている私の友人 Noraa (VISIBILITIES) が参加しているわ。彼女の声は舞い上がり、すべてを切り裂くの。ポリフォニックな呪文 “Kill​​ them all” もまたお気に入りの瞬間よ。
面白い逸話があってね。Seth はここでトレモロギターを演奏しているのよ (Seth も素晴らしいプレイヤーで、私のプレイできなかった全てを補い、何ヶ所かで Lee のドラムスの代わりも務めたわ)。Lee に Seth がブラックメタルをプレイすると伝えたら彼は「掛けてもいい、出来ないよ。」と返事をしたわ。

Fucking Deathdealer

アパラチアとアメリカ初期の音楽から同じようにインスパイアされた、声と音色だけのトラック。 非常に静かで短いけれど威圧的よ。リスナーを最後の楽曲に誘い準備を助けるための橋。最後にレコーディングしたものの一つよ。そして正直に言えば、私は残りの人生をかけてまさにこんなサウンドの音楽を作っていきたいの。

I Am The Beast

このレコードで一番好きな曲。Henry Purcell の “Dido’s Lament” に直接リンクしているの。また、消耗するほど圧倒的オペラ、ワーグナーの “トリスタンとイゾルデ” の終わりに演じられ枯渇に満ちていることで有名なアリアである “Liebestod” とチャネリングすることも望んだの。
「私が望む全ては限りない愛、私が知っている全ては暴力だけ」の言葉は、このレコードのキャッチフレーズ。暴力は暴力を生み、大好きなフランク・オハラの詩 “Meditations In An Emergency” を直接導くの。
楽曲は光のカコフォニーに向かって流れ出し、THE RITA の Sam McKinlay が提供する素晴らしきノイズと融解するわ。そうして “Faithful Servant Friend of Christ” のストリングスが回帰しリスナーは冒頭へと戻るのよ。すると突然沈黙の中で見捨てられるの。何も残さずにすべてをまた繰り返すの。

参考文献: Lingua Ignota’s track by track guide to new album CALIGULA

MY SWEET REVENGE: HOW LINGUA IGNOTA IS TRANSFORMING THE HORRORS OF ABUSE INTO ART

‘This has been fantastic revenge’: metal musician Lingua Ignota on surviving abuse

THE BIBLICAL WRATH OF LINGUA IGNOTA

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【OPETH : IN CAUDA VENENUM】


COVER STORY: OPETH “IN CAUDA VENENUM”

“The Last Death Metal I Bought Because I Was Interested Was “Domination” by Morbid Angel. That’s 1995, a Long Time Ago Now. I’m Not Saying It’s Just Been Bad Releases Since Then, Of Course Not, But That’s The Last Time I Felt Like I Wanted To Hear What’s New.”

THE STORY BEHIND “IN CAUDA VENENUM”

1995年 “Orchid” で闇の蘭を咲かせた “月の都” は、デス/ブラックメタルを縦糸にプログロックを横糸に織り上げる華麗なタペストリーを創造し続け、尊き北欧の激情とメランコリーをロック史へと刻んでいます。昨今、デス/ブラックメタルへの傾倒は確かに薄れましたが一方でクラッシックロック、フォーク、サイケデリックとそのテリトリーは拡大を遂げ “In Cauda Venenum” は魅力的な音楽の交差点にも思えます。
マスターマインド Mikael Akerfeldt はスウェーデン語と英語の二ヶ国語でこの新たなタペストリーを織り上げる決定を下します。OPETH がスウェーデン語でレコーディングを行ったのは、ROXETTE のシンガー Marie Fredrikkson のカバー “Den Standiga Resan” 以来。
そのアイデアは、Mikael が娘を学校に送った時に降りて来たようです。「別にクールな理由がある訳じゃないんだ。ただやりたいからやっただけさ。いつも俺は、アルバムごとに新たなアイデアを試そうとしているからね。そしてたまたま今回はそれがスウェーデン語だった訳さ。」

ただし音楽を先に生み出し、後に歌詞をつけるのが Mikael のライティングスタイルです。普段は50分ほどのマテリアルで “打ち止め” する Mikael ですが、”In Cauda Venenum” のライティングプロセスでは溢れ出るアイデアは留まるところを知りませんでした。
「この作品ではこれまで以上に書いて書いて書きまくった。それで3曲もボーナストラックがつくことになったんだ。」
スウェーデン語のアイデアは、当初メンバーたちの同意を得られなかったと Mikael は語っています。ただし、何曲かのデモを聴かせるとその考えは180度変わりました。
「奇抜なアイデアと思われたくはなかったんだ。いつも通りやりたかったからね。ただ別の言語を使っているというだけでね。」
スウェーデン語バージョンと英語バージョンの違いは Mikael の歌唱のみ。「言葉がわからないからアルバムをスキップしてしまうのでは」という不安から英語でも吹き込むことを決めた Mikael ですが、彼のクリーンボイスはビロードの揺らぎで溶け出し、スウェーデン語の違和感を感じさせることはありません。むしろ際立つのは言葉に宿るシルクの美しさ。

実際、その不安はすっかり杞憂に終わりました。Billbord のハードロックアルバムチャート3位、ロックアルバム9位の健闘ぶりはそのアイデアの魅力を素直に伝えています。
どちらかと言えば Mikael はスウェーデン語のバージョンを推奨しているようです。
「スウェーデン語がオリジナルで最初に出てきたものだから、やはりイノセントだし少しだけ良いように思えるよ。まあ選ぶのはリスナーだけどね。」
故にアルバムタイトル “In Cauda Venenum” はどちらの言語にもフィットするようラテン語の中から選ばれました。「尾には毒を持つ」ローマ人がサソリの例えで使用したフレーズは、フレンドリーでも最後に棘を放つ人物のメタファー、さらには “想像もつかない驚きを最後に与える” 例えとして用いられるようになりました。
Travis Smith が描いたアートワークもその危機感を反映します。窓辺に映るはメンバーそれぞれのシルエット。ヴィクトリア建築の家屋は悪魔の舌の上に聳えます。「悪魔に飲み込まれるんだ。最後には不快な驚きを与えるためにね。」

ではアルバムに特定のコンセプトは存在するのでしょうか?
「イエスと言うべきなんだろうがノーだ (笑)。コンセプトアルバムとして書いた訳じゃない。ただ、”Dark Side of the Moon” みたいなアルバムだと思うんだ。あの作品を聴いてもコンセプトは分からないけど、循環する密接なテーマは感じられる。KING DIAMOND みたいに明確なコンセプト作じゃないけどね。だから俺は言ってみれば現代の “リアル” をテーマにしたんだと思う。」
2016年にリリースした “Sorceress” との違いについて、Mikael は前作はより “イージー” なアルバムだったと語ります。
「”Sorceress” はストレートなロックのパートがいくつか存在するね。構成もそこまで入念に練った訳じゃないし、ストリングスもあまり入ってはいないからね。」
一方で “In Cauda Venenum” は 「吸収することが難しく、”精神分裂病” のアルバム」 だと表現します。その根幹には、深く感情へと訴えかける遂に花開いた第2期 OPETH のユニークな多様性があるはずです。

さらにギタープレイヤー Fredrik Åkesson もここ10年で最も “練られた” アルバムだと強調します。
「”Watershed” 以来初めてレコーディングに入る前にバンドでリハーサルを行ったんだ。僕はいつもそうしようと主張してきたんだけどね。おかげで、スタジオに入る頃には楽曲が肉体に深く浸透していたんだ。そうして、可能な限りエピックなアルバムを製作するって目標を達成することができたのさ。」
そして Mikael からのプレッシャーに苦笑します。
「僕はギタリストにとって “トーン” が重要だと思っている。理論を知り尽くしたジャズプレイヤーでもない限り、トーンを自分の顔に出来るからね。”Lovelorn Crime” では Mikael から君が死ぬ時みんなが思い出すようなギターソロにしてくれって言われたよ。(苦笑)」
では Fredrik は現在の OPETH の音楽性をどう思っているのでしょうか?
「もし “Blackwater Park” のような作品を別のバージョンで繰り返しリリースすれば停滞するし退屈だろう。ただあの頃の楽曲をライブでプレイするのは間違いなく今でも楽しいよ。Mikael のグロウルは今が最高の状態でとても邪悪だ。だからまたいつかレコードに収録だってするかも知れないよ。」

Mikael が OPETH を政治的な乗り物に利用することはありません。それでも、スウェーデンの “偽善に満ちた” 社会民主労働党と右派政党の連立、現代の “リアル” を黙って見過ごすことは出来ませんでした。
「”Hjartat Vet Vad Handen Gor/Heart in Hand” はそうした矛盾やダブルスタンダードについて書いた。俺の社会民主的な考え方を誰かに押し付ける気はないんだけどね。アイツらと同じになってしまうから。だけど奴らの偽善だけは暴いておきたかった。」
Mikael にとってそれ以上に重要なことは、涙を誘うほどにリスナーの感情を揺さぶる音楽そのものでしょう。
「もっとリスナーの琴線にふれたかったんだ。究極的にはそれこそが俺の愛する音楽だからね。ただ暴れたりビールを飲んだり以外の何かを喚起する音楽さ。つまり、このアルバムをリスナーの人生における重要な出来事のサウンドトラックにしたかったんだ。上手くいったかは分からないけどね。」

もちろん、Mikael は2011年の “ウルトラ-プログレッシブ” な “Heritage” 以降、ファンが “OPETH は今でもメタルか?” 論争を繰り広げていることに気づいています。
「それについて話す前に定義しておくことがある。彼らの言う “メタル” って何なんだい?彼らは俺と同世代?若いの?年上なの?俺の “メタル” って何なんだよ?」
そうして様々なファンと話をするうち、Mikael は一つの結論へと達します。「みんなが考えている”メタル” と俺の “メタル” は決して相容れない。」
“Heritage” の顔面リンゴが象徴するように、マッチョなメタルのイメージに疲れ果てたとも。
「アー写をマッチョでシリアスに撮るのもバカらしくなってね。”Watershed” から自分たちを美化するのはやめたんだ。あのアルバムの裏面には俺たち全員の顔をミックスした醜い男が写っているだろ?彼は “Jorge” って言うんだ。」

では、なぜ Mikael はデスメタルから距離を置いたのでしょう?
「最後に買ったデスメタルのレコードは、1995年 MORBID ANGEL の “Domination” だ。以来良いデスメタルレコードがないとは全然思わないけど、俺が新作を聴きたいと思ったのはあれが最後だったんだ。MORBID ANGEL はデスメタルの先頭を走っていた。David Vincent にあなたがいなければバンドをやってなかったと伝えたくらいにね。だからデスメタルは俺にとって間違いなく重要だ。
ただ、”Watershed” でやり切ってしまったんだ。あれ以上良いものは作れない。スクリームボーカルも古い物以外聴かないしね。」
とはいえ、Mikael も音楽ファンが特定のジャンルに所属することを重要視する習性は理解しています。それは何より、過去の自分が生粋のメタルヘッドだったから。数十年の時を経て、彼のアティテュードを変えた大きな要因の一つは確かに年齢でした。そうして、よりエクレクティックに “ジャンルレス” なバンドへと進化を遂げた OPETH。

「もう俺たちがどこかのジャンルに所属しているとは思っていないよ。俺らのファン、特に若いファンの多くはメタルヘッドでいたいと思っていると感じるね。だから俺は自問自答を始めるんだ。俺にとってメタルでいることは重要か?いやそうじゃないってね。だけどまあ、まだケツの青いキッズから KILLSWITCH ENGAGE の新作は聴いた?あれこそが真のメタルだ。あんたはそうじゃないなんて教えられたくはないんだけどね。」
常にポジティブに思える Mikael ですが、OPETH の成功にあぐらをかいているわけではありません。この10年、彼は全てのアルバムでこれが最後の作品かもしれないと思いながら臨んできました。
「俺にとってこの考え方は良いんだよ。怠惰にならず、過去の焼き直しにも用心するからね。」
Mikael はファンのヤキモキした気持ちさえ楽しんでいるフシがあります。
「リスナーが決して確信できないところが気に入っている。いつも期待するものや望むものを届けようとしていると安心して欲しくないんだよ。彼らが完璧にクソだと思うものをリリースするかもしれないけど、俺らはいつも “これが俺たちのやりたいこと” ってアティテュードでやるからね。君がもしデスメタルのファンで、”Blackwater Park” みたいなアルバムを望んでもそれは叶わないよ。だって俺らはもうあの場所に興味がないし、もっとチャレンジングな地点にいるからね。」

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【IAMTHEMORNING : THE BELL】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH GLEB KOLYADIN OF IAMTHEMORNING !!

“It Is Fascinating To Add Passion And Drive From Rock Music To The Classics. At The Same Time, Playing Rock, I Try To Make It More Sophisticated And Intellectual, Adding Many Layers And Making It More Polyphonic.”

DISC REVIEW “THE BELL”

「コフィンベルはどちらかと言えば憂鬱のシンボルなんだ。同時にとても美しいけどね。人間の残酷さについてのストーリーなんだ。何世紀も前から人間性そのものは何も変わってはいないんだよ。そしてこのベルは、例え生きたまま埋葬されたとしても周囲に生存を知らせるための最後の望みだったんだよ。」
Kscope の至宝、チェンバープログの孤高を極めるロシアのデュオ iamthemorning は、クラシカルなピアノの美麗とエセリアルな詠唱の荘厳で人に宿る残酷の花を自らの音の葉で咲かせます。
“Lighthouse” のアートワークに描かれた心許ない灯台の火は、孤独や痛み、憂鬱に翻弄される大海、人生における微かな希望の光だったのかも知れませんね。そうして今回、長年のコラボレーター Constantine Nagishkin の手によって “The Bell” の顔として描かれたのは、希望と闇、美と憂鬱のコントラストを投影したコフィンベルでした。
セイフティーコフィンベル。英国ヴィクトリア期に広まった、棺に連結されたベルは仮に生きたまま埋葬されたとしても周囲に生存を伝えられる最期の希望。
「どんなに長い間、絶望的な状況に置かれたとしても、助けを呼ぶことは出来るのよ。と言うよりも、助けが必要な時は必ず呼ぶべきなのよ。」ヴィクトリア期に心酔し探求を重ねるスペシャリスト、ボーカル Marjana はいわくのベルをテーマとしたことについてこう語っています。
21世紀において埋葬されるのは、薬物の乱用、差別、ネグレクト、社会からの疎外に苦しむ人たち。つまり、iamthemorning は何世紀も前に存在した残酷と希望を宿す “セイフティーネット” を現代に巣食う闇の部分へと重ね、人間性の高まり、進化についての疑問と真実を世界へと問いかけているのです。
「僕自身は少しずつプログのラベルから離れていると思うんだ。音楽的な境界を広げようとしているし、出来るだけ異なる音楽をプレイしようとしているからね。このアルバムでは特に顕著だと思うよ。」
人間性を率直に問いかけるアルバムにおいて、当然 iamthemorning 自身も装飾を剥ぎ取り、ナチュラルで正直、かつ本来の姿への変貌を厭いませんでした。
「”The Bell” の楽曲の大半は、正確に言えば僕たち2人のデュエットなんだ。2曲を除いて、当初全ての楽曲はデュエットの形をとっていたんだよ。その中のいくつかは、後に他の楽器を加えることになったね。だけど僕たちが持ち込みたかった雰囲気は壊さないようにしたよ。」
天性のピアニスト Gleb が語るように、”The Bell” で iamthemorning は始まりの朝焼け、2人を中心とした地平線へと再び赴くことを決断します。ゲストミュージシャンを制限し、ヘヴィーなアレンジメントを抑制することで、アルバムには以前にも増して映画や演劇のシアトリカルなイメージと衷心が産まれました。
そうして、クラッシックとチェンバーのダークで深みのある色彩を増したアルバムが、あのフランツ・シューベルトが好んだ19世紀に端を発する連作歌曲 (各曲の間の文学的・音楽的な関連性をもって構成された歌曲集) のスタイルへと到達したのはある種の必然だったと言えるでしょう。
ピアノの響きとシンフォニックなオーナメント、時折悪魔が来たりてディストーションをかき鳴らす作品中最もダイナミックかつエニグマティックなオープナー “Freak Show” で、Marjana は脆く悲痛でしかしフェアリーな歌声をもって 「誰も気にしないわ。例え私がバラバラに砕け散ったって。ただ立ったまま見つめているだけよ。だから私はもっとバラバラに砕けるの。」と数百年の時を経ても変わらぬ人の残酷を訴えます。
それでも世界に希望はあるはずです。第2楽章の始まり、エモーションとバンドオーケストラが生み出す絶佳の歌曲 “Ghost of a Story” で Marjana は、「全てに限界はあるの。あなたの悲しみにおいてさえ。少しづつ安心へと近づいていくわ。」とその目に暗闇を宿した亡霊のごとき現代人に一筋の光明を指し示すのです。
しばしば Kate Bush と比較される iamthemorning のポストプログワールド。実際、”Sleeping Beauty” のように彼女の遺伝子は今でも深くデュオの細胞へと根を張りますが、一方で Chelsea Wolfe, さらには Nick Cave の仄暗きアメリカーナにも共鳴する “Black And Blue” の濃密なサウンドスケープは特筆すべきでしょう。
そうして “Lilies” から “The Bell” へと畳み掛けるフィナーレはまさに歌曲の大円団です。Gleb の言葉を借りるなら、感情的で誠実なロックの情熱をクラッシックへと持ち込んだ “シューベルトロック” の真骨頂でしょう。
もちろん、芳醇なアレンジメントやオーケストレーションは楽曲のイヤーキャンディーとして不可欠でしょうが、その実全てを取り払ってデュエットのみでも十二分にロックとして成立するリアルがここにはあります。2人のシンクロニシティーはいったいどこまで高まるのでしょう?あの ELP でさえ、基本的にはドラムスの存在を必要としていたのですから。
今回弊誌では Gleb Kolyadin にインタビューを行うことが出来ました。「おそらく、僕は啓発的であることに固執しているとさえ言えるね。つまり、僕の音楽を聴くことでリスナーが何か新しいことを学べるように、ある意味リスナーを少し “教育” したいと思っているのかもね。」2度目の登場。どうぞ!!

IAMTHEMORNING “THE BELL” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THE HU : THE GEREG】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH THE HU !!

“Our Message To The World Via Our Music Is Reminding The Importance Of Showing Gratitude To Your Parents, Loving Your Homeland, Protecting The Nature, Loving And Respecting Women, Respecting Your Country History And a’ncestors, And Finally Giving Individuals An Inner Power And Belief For Their Future.”

DISC REVIEW “THE GEREG”

「僕たちの音楽を通して送る世界へのメッセージ。それは両親への感謝、生まれ育った地を愛する心、自然の保護、女性への愛と敬意、母国の歴史や祖先への愛などの重要性を思い起こさせることなんだよ。そうして最終的には、リスナーそれぞれの内なる力を目覚めさせ、未来を信じられるようにしたいんだ。」
モンゴルの大草原に示現したロックの蒼き狼は、遊牧民のプライドと自然に根差す深い愛情、そして西洋文明に挑む冒険心全てを併合する誇り高き現代のハーンです。
80年代後半から90年代にかけて、ソヴィエト連邦の崩壊と共にそのサテライトであったモンゴルにも、西側からの影響が津波のように押し寄せました。そうしてモンゴルの音楽家たちは、伝統を保護しつつ否応無しに新たな波への適応を迫られたのです。
エスニックなプライドと冒険のダンス。社会的、政治的、そしてもちろん音楽的にもモンゴリアンミュージックはその両極を自らの舞踏に組み込み進化を続けて来ました。それは西欧音楽のコピペではなく、ルーツを大樹に影響の枝葉を伸ばすアジアの審美。
「”Hu” という言葉をバンド名に選んだのは、それが包括的には自然を意味するからなんだ。誰も除外することなく、世界中全ての “人間” に僕たちの音楽をシェアしたかったからね。」
まるで英雄チンギスハーンのように、登場から僅かな時間で西洋を飲み込んだ THE HU は間違いなく現代モンゴル音楽の最高傑作と言えるでしょう。
東洋と西洋、伝統と革新の過激なコントラストが世界を惹きつけたのは確かです。一つ “Yuve Yuve Yu” (“What’s Going On?)” のMV は象徴的でしょう。「偉大なモンゴルの祖先の名を抱きながら、長い間無意味に暴飲暴食を貪るだけ。裏切り者よ、跪け!」現代文明とモンゴルの大自然は皮肉と共に相対し、モンゴルの伝統楽器や彼ら自身は意図的にロックの煌びやかなイメージに彩られています。もちろん、かつてのモンゴル帝国がアジアとヨーロッパの大半を支配下に置いていたのはご存知の通り。
そう、THE HU は西洋に端を発するロック/メタルのフォーマットにありながら、ドラムス以外のクラッシックなロックインストゥルメントを極力廃しています。
官能的な西洋のアピアランスを与えられたモリンホールやトップシュールは、ギターの嗎をアグレッシブに、フォーキーに、美麗にモンゴルの流儀で世界に響かせ、さらに伝統的な喉歌ホーミーはハーモニーの恩恵を与えながらメタルのグロウルを代弁してアジアの歴史、底力を伝えるのです。そうして生まれるは異国情緒のダイナミズム。
「ホーミーとは、僕たちが誰なのか、僕たちが何を知っているのか、僕たちがどこから来たのか指し示すものさ。ホーミーは “正直な人間の地” から来ていて、それこそが僕たちにとって心地よく誇れるものなんだ。」
THE HU が提示する “Hunnu Rock” “匈奴ロック” の中で主役にも思えるホーミーは、もしかすると西洋文明に潜む欺瞞や差別を暴く “正直な” メッセージなのかも知れませんね。なぜなら彼らは、”誰も除くことなく世界中全ての人間に” 自らの音楽、モンゴルの魂を届けたいのですから。
デビューアルバムのタイトル “The Gereg” とは、モンゴル帝国のパスポートを意味しています。多くのモンゴル人にとって、ロマンチックに美化された騎馬の遊牧民や自由を謳歌するモンゴル帝国のヒーローは西洋のストーリーテラーによって描かれた征服者のフィクションなのかも知れません。
しかし、ステレオタイプなメタルファンを惹きつけるそのイメージを入り口に、THE HU は “The Gereg” をパスポートとして、モンゴル本来のスピリチュアルで愛と敬意に満ちた美しき文化、景色、音の葉を少しづつでも伝えていきたいと願っているのです。
今回弊誌では THE HU にインタビューを行うことが出来ました。「祖先から受け継がれるホーミーを僕たちは真にリスペクトしていて、このテクニックをマスターする時は光栄な気持ちになるんだよ。」一人ではなく、メンバー全員からの回答と表記して欲しいとのこと。YouTube 動画再生数は3000万を軽くオーバーするモンスター。どうぞ!!

THE HU “THE GEREG” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ENDON / SWARRRM : 歪神論 -EVIL LITTLE THINGS-】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH TAICHI NAGURA OF ENDON & KAPO OF SWARRRM !!

“To Me, Extreme Music In Japan Seems To Have a Spirit Kind Of “Fuck While Being Fucked” And Yeah…I Can Hear It. The Situation Is Often Forgotton Unconsciously.” By Taichi Nagura

“I’m Not Sure What The Punk / Hardcore Spirit Specifically Refers To. The Spirit Should Be Different For Each Individual.” By Kapo

DISC REVIEW “歪神論 – EVIL LITTLE THINGS –

「日本でバンドをやるということが常に既に”Made in Occupied Japan” であるという事実をわざとらしくモチーフとしました。反体制とかアナーキズムについては特には意識していませんね。”Made in Occupied Japan”が表すのはアメリカにファックされているという事実です。」
日本のエクストリームミュージックは “やりながらやられている”。ENDON の那倉太一氏が語るのは、白人が生み出したロック、もしかすると文明そのものへと過度に依存する日本の歪。大多数の日本人が “アメリカにファックされている” 事実を黙過する中、ENDON と SWARRRM、国産グラインドの二巨星は全てを直視し、共鳴し、未だ “更新の余地” があるべきロックの地平を開拓し続けます。
少なくともロックの教科書には、グラインドコアの源流とされるパンクロックについて、反体制的でアナーキーなアティテュードだと記されています。では、彼らの放ったスプリット “歪神論 -Evil Little Things-” とは、未だ白人に対するコンプレックスを抱き続ける日本の愚かしき権力に贖う音楽の形をした何かなのでしょうか?
那倉氏は「だいたい現政権や差別主義者を否定するのにわざわざ他人のスピリットなんて必要でしょうか。」と応じます。
さらに SWARRRM Kapo氏の言葉は象徴的です。「パンク/ハードコアのスピリットが具体的に何を指すのか不明ですが。大体、個でスピリットは違うはず。パンク/ハードコアのスピリット=左寄りと限定することがパンク全体主義であると考えます。一人一人が違う意見であるという事を当然のように理解される環境こそが必要なのでは。」
天上天下 唯我独尊 三界皆苦 吾当安此。”全宇宙のなかで、私たちは皆がたった一つの尊い存在。苦しみに溢れる世界で、私はその苦しみを気にかけるために生まれてきたのだ”。ENDON と SWARRRM、両者に流れる血潮にはきっとこの釈迦の言葉が刻まれています。それは啓蒙や扇動からは程遠いしかし世界にとって枢要な境地。
さらに Kapo 氏は “唯我独尊” のイデアこそが互いを惹きつけると語ります。「いつの時期にもそれぞれの時期のイケてると言われる価値観を共有する集団はいます。シーンというのかもしれません。そういう価値観に影響される事を拒否できるバンドの一つではないかと判断して仲良くさせてもらってます。SWARRRMはご存知かもしれませんが、良くも悪くもそういう事とは常に無縁の活動を長年続けてます。」
なるほど、歪神論で提示された両者の音の葉はそうして確かにシンクロしています。
「グラインドのシンボルであるブラストビートが炸裂する瞬間は、機関銃による戦闘の開始場面のようであり、多分に射精的な快楽を表象しています。」
インテンスの極みであるブラストとDビートは、ロックらしいギターのコードやリフワークと相対し確かに融解します。その位置から、カヴァー曲も含めてノイズの地獄や歌謡の宴といったそれぞれの蟻地獄へと引き摺り込む唯我の方法論も見事。
加速する混沌に逆行するロックのギタリズム。その二律背反にも思えるエナジーはしかし確かに白人のロックに魅せられ奪われた後、踏み倒し、疾風迅雷のうねりをあげる極東のモンスターに違いありません。ハードコアの脱領土化はここにその一歩を踏み出しました。
今回弊誌では、那倉、Kapo 両氏にインタビューを行うことが出来ました。「私自身ロックと政治の関係性に特別な物を求めていません。主張や左右の風向きは時代時代で変化あってしかるべきと考えます。過去の主張や精神が現代に有効とは考えませんし、過去の物事を全く美化して捉えてないし、美化されたロマンチックなロックの教科書も信じません。」どうぞ!!

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