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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SVALBARD : IT’S HARD TO HAVE HOPE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SERENA CHERRY OF SVALBARD !!

Definitely, It’s Hard To Have Hope Now, But Svalbard’s Protest Music Represents a Turning Point In This Dark World !!

DISC REVIEW “IT’S HARD TO HAVE HOPE”

越流するエモーションをプロテストミュージックへと昇華し、英国ブリストルから咆哮を貫く至宝 SVALBARD。熾烈なメタル/ハードコアにポストロックの叙情と風光、ポストメタルの思索と旅路を織り込みさらなる多様化の波動を導いた新作 “It’s Hard to Have Hope” はシーンの革新であり、同時に閉塞した世界が渇望する変化への希望です。
2015年にリリースしたデビューフル “One Day All This Will End” でアグレッション極まるメタル/ハードコアに仄かなアトモスフィアを帯同したバンドは、新作までの道程で困難な時を経験します。Serena がインタビューで語ってくれた通り、メンバー間の恋愛が終焉を迎え、それに伴う心身の病、さらにはベーシストの離脱と、一時は同じ部屋で過ごすことですら苦痛を伴うほどにバンドの状況は崩壊していたのです。
しかし、メンバーのバンドに対する強い愛情は見事に SVALBARD を死の淵から救いました。見方を変えればバンドには、希望を持つことすら困難な世界に対して果たすべき重要な仕事が残っていたとも言えるでしょう。
確かに “It’s Hard to Have Hope” は怒れるアルバムで、中絶、性的暴力、リベンジポルノ、インターンシップの無賃雇用など不条理でダークな社会問題をテーマとして扱っています。
さらには、「このアルバムは、ステージに女の子が立つことにネガティブなコメントを寄せる人たちに対する私からの返答よ。”女性をメタルから追い出せ!” と言うような人たち、コンサートで女性にハラスメント行為を行う人たち。これは彼らに対する私からの恐れなき怒りの返答なの。」と語るように、女性フロントマンとして Serena が長年メタルシーンで苦しんできたハラスメント行為の数々も、作品の持つ怒りの温度を “フェミニストのメタルアルバム” の名の下に上昇させていることは明らかです。
とはいえ、この類稀なる感情と表情の結晶が、唯一怒りにのみ根ざすわけではないこともまた事実でしょう。実際、Serena はこの作品の目的が “人々にこういった社会的不公平を伝えるだけではなく、なぜそういった問題が起き続けるのか疑問を投げかけることだった” と語っています。「誰が正しいのか互いに主張し合うのを止めてこう尋ねるの。一緒に前進するために何ができるだろう?より良き変化のためお互い助け合えないだろうか?とね。」とも。
そうして世界のターニングポイントとなるべくして示現した “It’s Hard to Have Hope” に、一筋の光明にも思える尊きアトモスフィア、荘厳なる音の風景がより深く織り込まれていることはむしろ当然の進化だと言えるでしょう。
勇敢にリベンジポルノの卑劣に怒り、勇敢にハードコア、ブラックメタル、そしてポストロックをブレンドした “Revenge Porn” はまさにその光と陰を見事に体現した楽曲です。バンドが近年注目されるネオクラストの領域を通過していることは明らかです。
静謐なイントロダクションから一転、バンドは正々堂々とハードコアの強さで怒りの鉄槌を下していきます。突如降臨する Serena の慈愛に満ちた歌声はさながら蜘蛛の糸でしょうか。CULT OF LUNA や MY BLOODY VALENTINE のイメージこそ深化の証。そうしてポストブラックの激しさと光明を背負った彼女は悲痛な叫びを投げかけます。「いったい誰が女性を守ってくれるの?」
一方で、もちろんよりストレートな激情も彼らの魅力。何より、無給で酷使されるインターンの憤怒を代弁するオープナー “Unpaid Intern” では、Serena と Liam のボーカルデュエルが牙の鋭さで迫り、沸騰する千変万化なギターリフ、ブラッケンドのリズムセクションを従えてポストハードコアとブラックゲイズの境界を恍惚と共に熔化させていくのですから。
とはいえ、やはりアルバムの肝は Serena が創出する神々しきアトモスフィアと激情の稀有なるコントラストです。アルバムを締めくくるエピック “Try Not To Die Until You’re Dead” でバンドは再びその陰影を鮮明に浮き上がらせた後、美しきインストゥルメンタルのブックエンド “Lorek” で負の感情のみを綺麗に洗い流し、リスナーに思考の為の優しき残余を与えました。
今回弊誌では、ボーカル/ギターのフロントウーマン Serena Cherry にインタビューを行うことが出来ました。メッセージとエモーション、そして音楽がこれほどまでに融解しシンクロする作品はまさしく珠玉。そしてぜひ真摯な彼女の言葉に耳を傾けてください。「感情こそが私たちにとって最も重要なものだから。」リリースは MØL と同じく Holy Roar Records から。どうぞ!!

SVALBARD “IT’S HARD TO HAVE HOPE” : 10/10

INTERVIEW WITH SERENA CHERRY

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about yourself and band itself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【SERENA】: Hi, I’m Serena Cherry, I play guitar and sing in Svalbard. We are a heavy band from Bristol, UK who sing about women’s rights, animal rights and sociopolitical issues. Musically we don’t fit neatly into one genre, we try to sound expansive and unpredictable – from hardcore to black metal to post rock to shoegaze, we like to throw together all these little elements and hopefully create music that is heartfelt. That is the main aim of the band: to never play something without feeling, regardless of what we play.
When I was growing up I had eclectic music taste, I never ascribed to the belief that you must only listen to one type of thing. I loved pop music like Spice Girls at the same time as Slipknot; goth bands like The Cure at the same time as thrash bands like Nuclear Assault. I never believed in the idea of ‘guilty pleasure’ – I think if you find music that you love, then love it with all your heart, no matter what is it.

Q1: 本誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話していただけますか?

【SERENA】: こんにちは、Serena Cherry よ。SVALBARD というバンドでボーカルとギターを担当しているの。私たちは英国、ブリストル出身のヘヴィーなバンドで、女性の権利、動物の権利、社会的政治的な問題について歌っているのよ。
音楽的には一つのジャンルに収まるとは思わないわ。私たちはサウンドを拡大し、予測出来ないようなものにしたいから。それこそ、ハードコアからブラックメタル、ポストロックにシューゲイズまで様々な要素を少しづつミックスして、願わくば心からの音楽を創造出来ればと思っているのよ。それはバンドの最も重要な目標なの。感情を込めないで何かを演奏することはないわ。どんな音楽をプレイしようともね。
私自身も、非常にエクレクティックなセンスを持って育ったの。一つのジャンルだけを追求して聴くという考えに辿り着いたことはなかったわ。SPICE GIRLS みたいなポップミュージックも好きだったし、同時に SLIPKNOT やゴスバンドの THE CURE、それに NUCLEAR ASSAULT みたいなスラッシュバンドだって聴いていたんだから。そうやって雑多に音楽を聴いていても、後ろめたさのようなものは決して感じなかったわね。もし好きな音楽を見つけたら、それが何であれ心の底から愛するべきよ。

Q2: What inspired you to start playing guitar, and singing? Who was your musical hero at that time?

【SERENA】: Before I played guitar, I learned the drums when I was 12 years old. I wanted to be just like Joey Jordison from Slipknot. I was inspired by Slipknot to pick up an instrument. But I got frustrated with drums because I had all these melodies in my head and nothing to get them out on. So over the next few years, I started sneaking into my sisters room to play on her guitar. I taught myself to play. I wasn’t very good for a long time because I did it in secret with no lessons. But I finally had found the right instrument for me. It took a lot of patience and effort to get to where I wanted to be on guitar. With singing, back in the early 2000’s, there was not many women singing in metal bands, so it was a real inspiration to me when Angela Gossow joined Arch Enemy and I heard her powerful voice. I wanted to sound just like her.

Q2: では、あなたがギターやボーカルを始めた直接のきっかけ、当時のヒーローについて教えていただけますか?

【SERENA】: ギターをプレイする前に、私は12歳のころドラムスを習っていたのよ。SLIPKNOT の Joey Jordison みたいになりたかったのね。つまり私は SLIPKNOT に触発されて楽器を始める決意を固めたの。
だけどドラムスはフラストレーションが溜まったわ。だって頭の中では沢山のメロディーが鳴っているのに、それを表現することが出来ないんだもの。だからそれからの何年かは姉の部屋に忍び込んで彼女のギターを弾いていたのよ。
自己流で身につけていったの。そのために長い間とても上手くはなれなかったわ。レッスンも受けず秘密でやっていたんだから当然よね。だけど遂に自分に合った楽器を見つけたのよ。ただし自分の思うような演奏が出来るようになるまでには、多くの忍耐と努力を必要としたの。
歌唱に関しては、2000年代初頭にメタルバンドで歌っていた女性ボーカルは決して多くはなかったわ。だから Angela Gossow が ARCH ENEMY に加入してそのパワフルな声を聴いた時は、リアルなインスピレーションになったわね。彼女みたいに歌いたいと思っていたわ。

Q3: How did Svalbard come to be? What’s the meaning behind your band name “Svalbard”?

【SERENA】: I used to have a post-rock solo project where I used lots of pedals to make walls of sound. I played a solo show in 2009 and Liam (Phelan: guitars/vocals) saw me play. He told me he wanted to do a band similar to the music I was playing, but with heavy elements too. He already had lots of ideas so we started working on those together, then we met Mark (Lilley: drums) at the same studio we were writing music in. He was in another band at the time but we three had a jam together and everything just fell into place naturally. We’ve had many different bass players, but we think we have finally found ‘the one’ with Adam!
The band name is taken from Phillip Pullmans ‘His Dark Materials’ trilogy of books, which myself and Liam were both reading at the same time that we formed the band. Svalbard is the tough but beautiful, icy setting in these books and the visual of this place in my head seemed to fit the music we make.

Q3: そこから SVALBARD 結成に至る経緯を教えていただけますか?

【SERENA】: もともと私はソロプロジェクトでポストロックを指標していたの。沢山のペダルを使ってサウンドの壁を築くようなね。
そして2009年に行った私のソロコンサートをギター/ボーカルの Liam Phelan が見ていたのよ。彼は私の音楽に似たような、それでいてよりヘヴィーな要素も持ったバンドをやりたいと話しかけてきたの。彼はすでに沢山のアイデアを持っていたからそこから共作が始まったのよ。
その後、私たちが作曲を行なっているスタジオでドラムスの Mark Lilley に会ったわ。当時彼は別のバンドにいたんだけど、3人でジャムを始めると全ては自然に形になっていったのよ。それから沢山のベースプレイヤーを試したけど、遂にしっくりきたのが Adam だったの!
バンドの名前は Phillip Pullmans の ‘His Dark Materials’ ライラの冒険三部作から取っているの。私と Liam がバンドを結成する時同時に読んでいたからなんだけど。本の中の SVALBARD スヴァールバル諸島は厳しくしかし美しい氷の場所で、頭に浮かんだこの場所の景色が私たちの作る音楽にとてもフィットしたのよ。

Q4: So, let’s talk about your newest record “It’s Hard to Have Hope”. There is a fiery indictment of wage theft, sexual violence, and the repression of women’s rights. Literally, it’s hard for new generations to have hope in this world now a days. Is this record kind of the soundtrack to the end of the old world?

【SERENA】: It’s a cry for change. We really wanted to make an album that generates healthy, nuanced discussion on very specific issues such as abortion, revenge porn and unpaid internships. The idea with our lyrics isn’t to tell people about these social injustices, but to question why they keep occurring. I’d like the album to represent a turning point in this world, one where people stop shouting at each other about who is right, and start asking: what can we do to move forward together? How can we help each other change for the better?

Q4: では最新作 “It’s Hard to Have Hope” について話しましょう。アルバムは、賃金の搾取、性的な暴行、女性の権利問題について激しく告発するような内容が印象的です。
タイトルが示すように、世界は若い世代にとって希望を持つ事自体、とても難しくなっています。ある意味、旧態依然の世界に終わりを告げるサウンドトラックとも言えそうですね?

【SERENA】: この作品は変化への叫びなの。私たちは、中絶、リベンジポルノ、無給のインターンシップなど特定の問題について、健全で異なる議論を起こすアルバムを作りたいと思っていたの。
私たちの歌詞のアイデアは、人々にこれらの社会的不公平を伝えるのが目的ではなく、なぜそういった問題が起き続けるのか疑問を投げかけることだったのよ。
私はこのアルバムで、今ある世界のターニングポイントを表現したかったの。誰が正しいのか互いに主張し合うのを止めてこう尋ねるの。一緒に前進するために何ができるだろう?より良き変化のためお互い助け合えないだろうか?とね。

Q5: Among them, “Revenge Porn” “Feminazi?!” “Pro-Life”, and “How Do We Stop It?” seem to be about sexual violence and women’s right. Unfortunately, Women in the world of metal and hardcore are still a minority. That’s why, It seems like you want to change something strongly at the forefront of the scene. Svalbard’s political fangs are really sharp, right?

【SERENA】: Personally, I have suffered so much sexism in the metal scene that I think the time is right to kick against it and make an outwardly feminist metal album. This album is my reply to anyone who makes negative comments to a girl onstage. To people who say “keep women out of metal.” To people who harass women at shows. This is my fearless, angry reply. Women are so often made to feel degraded and unwelcome in metal, but we love metal. So I wanted to harness all that aggression in our music to shout against sexism and to take a stand. We will not take this abuse anymore. We will not be made to feel unwelcome anymore. Interestingly, since I have written these lyrics, we have got even more hate from guys who don’t want women in metal. But sometimes I think that hateful reactions mean you are doing something right. You are challenging small minds.

Q5: 中でも、”Revenge Porn” “Feminazi?!”, “Pro-Life”, “How Do We Stop It?” は女性の権利や女性が受ける性的暴力について鋭くメスを入れた楽曲です。
メタルやハードコアの世界において残念がら女性はまだまだマイノリティーですが、故にあなたが代表して何かを発言したい、変えていきたいという気持ちが伝わるようにも思えます。

【SERENA】: 個人的に、私はメタルシーンで多くのセクシャルハラスメントに苦しんできたの。だから、それに立ち向かい表面上はフェミニストのメタルアルバムを作るべき時が来たと思ったのよ。
このアルバムは、ステージに女の子が立つことにネガティブなコメントを寄せる人たちに対する私からの返答よ。「女性をメタルから追い出せ!」と言うような人たち、コンサートで女性にハラスメント行為を行う人たち。これは彼らに対する私からの恐れなき怒りの返答なの。
女性はメタルの世界で、堕落するような印象と共に歓迎されない感覚をしばしば感じることがあると思うの。でも女性だってメタルを愛しているのよ!だから私はそういった全てのアグレッションを音楽に込めて、セクシズムに声を上げ戦いたかったの。
私たちはこれ以上そういった迷惑行為を受け入れる気はないわ。これ以上歓迎されていないと思いたくもないわ。
興味深いのは、フェミニズムに関する歌詞を書いて以来、私たちはよりメタルに女性を迎えたくない人たちから嫌われるようになったのよ。だけど、時々そういった憎しみの反応を見るにつけ私は正しいことをしていると思うようになったわ。狭い心にチャレンジしているってね。

Q6: How was the writing process? It seems band spent really hard times after you released “One Day All This Will End”. Do you agree that?

【SERENA】: We did have a hard time at first. 2 years ago, when we began writing It’s Hard To Have Hope, we all thought it would be our last album. Liam and I had just ended our 7 year relationship, I had fallen seriously ill and our old bassist had quit. Everything felt like it was falling apart. There were times when we struggled to be in the same room together. But we kept giving it more time. Then eventually we began to draw strength from getting through the tough times together. We realized that, despite everything, we all loved doing the band and didn’t want to quit just because situations were suddenly making it harder. We were determined not to give up. In the dark times we found a new glimmer of hope, and we clung to it with all our might.
By the time we went to The Ranch to record the album in September 2017, things were much better. We felt like a stronger unit because of everything we went through.

Q6: とは言え、ライティングプロセスではバンドも難しい時間を過ごしたようですね?

【SERENA】: 確かに最初はなかなか大変だったわ。2年前に、”It’s Hard To Have Hope” を書き始めた頃、私たちは全員これが最後のアルバムになると思っていたの。
Liam と私は7年にも及ぶ恋人関係をちょうど終わらせたところで、私は重く病んでしまっていて、ベーシストも辞めてしまったの。全てがバラバラに壊れていくような感じだったわ。同じ部屋に一緒にいるだけでも苦痛を伴うような時期だったわね。
だけど、なんとか時間で解決しようとしてみたの。そうすると徐々に、共に厳しい時を過ごした経験から、より力を引き出せるようになったのね。そうして私たちは悟ったの。何を置いても、全員がこのバンドを愛していて、突然状況が難しくなってしまっただけで止めてしまいたくないってね。私たちは諦めないことに決めたわ。暗い時期を過ごす中で希望の微かな光を見出し、私たちは全力でその希望にしがみついたの。
昨年9月にアルバムをレコーディングするため The Ranch へ向かう頃には、状況はかなり改善されていたわ。経験した全てのことが、私たちをユニットとして強力なものにしたと感じたわね。

Q7: Musically, Svalbard are exploring the more expansive avenues within the realm of black metal and hardcore. OK, we can hear Cult of Luna, Architects, and even Mono from the record. It’s definitely eclectic and diverse, right?

【SERENA】: Yeah! We all have really diverse taste in music, we don’t want to listen to or play the same thing over and over again. I think it’s important to be open to inspiration in many different forms, rather than be too concerned with fitting your sound neatly into one genre box. I am really inspired by bands like Mono, that is the main influence on my guitar sound. Liam likes grindcore like Human Remains, and Mark is a fan of technical bands like Meshuggah. We all love post metal bands like Cult of Luna too, I love the way their music takes you on a journey. We don’t necessarily try to directly emulate the music that inspires us. When we write music, we focus on the feeling. If the music hits us in the heart, then we stick with it because the emotion is the most important thing to us.

Q7: 冒頭で SVALBARD は一つのジャンルに収まるバンドではないと仰いましたが、”It’s Hard To Have Hope” ではより多彩なバンドの姿が顕になっていますね。CULT OF LUNA や ARCHITECTS、MONO からの影響さえアルバムには感じられます。

【SERENA】: まさに!メンバー全員が本当に多彩な音楽の嗜好を持っているのよ。私たちは何度も何度も同じような音楽を聴き続けたりプレイしつづけたりしたくはないの。私は様々な異なるフォームのインスピレーションに対してオープンであることが重要だと思っているわ。ジャンルという狭い箱の中にサウンドをフィットさせることばかり考えるよりもね。
正直に言って、MONO のようなバンドにはとてもインスパイアされているのよ。ギターに関しては主要な影響元だと言えるほどにね。Liam は HUMAN REMAINS みたいなグラインドコアが好きだし、Mark は MESHUGGAH みたいにテクニカルなバンドのファンなのよ。
そしてバンド全員が CULT OF LUNA のようなポストメタルバンドを愛しているの。音楽で旅に誘う彼らの手法が大好きなのね。
ただし、直接的にインスピレーションを得た音楽を模倣する必要はないのよ。私たちが音楽を書く時は、フィーリングにフォーカスするの。もしその音楽が私たちの心を打てば、そこから膨らませていくことにするのよ。なぜなら、感情こそが私たちにとって最も重要なものだから。

Q8: You are really artistic person, because you can write, compose, paint, and play. I really love the artwork. It looks kind of “Circle” center of woods. What did you represent in this artwork?

【SERENA】: The artwork was inspired by the art of Kentaro Miura in his manga Berserk. I was reading Berserk at same time that we wrote the album, and I really liked Kentaro Miura’s extremely detailed backgrounds that he draws. He makes trees look really dark and expressive, his drawing is so detailed that it has a beautiful claustrophobic element. As soon as I saw his drawings of trees I knew I wanted something similar for our artwork, to represent that same feeling of darkness and despair closing in. But the circle in the middle represents the unyielding hope at the center of everything.

Q8: アーティストとして、あなたはミュージシャンであるのはもちろん、アートワークまでも手掛けていますね。木々がサークルを暗示する今回のアートワークも実に素晴らしいですね!中央のサークルは何かを象徴しているようですが?

【SERENA】: このアートワークは、三浦健太郎さんのマンガ “ベルセルク” のアートにインスパイアされているのよ。私はアルバムを書いている間にちょうどベルセルクを読んでいたの。そうして、極めて詳細な背景まで描く彼の手法を本当に気に入ってしまったのよ。彼は木々を実にダークで表情豊かに描く。繊細すぎて美しき閉所恐怖症のように感じるくらいにね。
彼の木々を見てすぐ、私は似たような描写をアートワークに採用したいと考えたわ。暗くて消え入るような感情を表現するためにね。ただし中央のサークルは全ての物事の中心に存在する揺るぎない希望を表しているのよ。

PHOTO BY STEVE GERRARD

FIVE ALBUMS THAT CHANGED SERENA’S LIFE

MONO “ONE MORE STEP AND YOU DIE”

This was the album that inspired me to start using reverb and delay pedals to create soundscapes, I love how cinematic and emotive the music of Mono is.

NIGHTWISH “CENTURY CHILD”

Nightwish are one of my favourite bands and this was the first album I heard by them. When I was a teenager, if I felt sad I would go for a walk in the woods and listen to this album. I love how grandiose and atmospheric it is.

IMMORTAL “AT THE HEART OF WINTER”

This was one of the first black metal bands I heard. I fell in love with the guitar melodies and intense drumming, it inspired me to start playing more black metal style on guitar.

DRY THE RIVER “SHALLOW BED”

This is lyrically my favourite album of all time. It taught me the power of lyrics and how you don’t have to be afraid to say something simple, but really meaningful, in a song.

THE CURE “DISINTEGRATION”

Every winter I listen to this album a lot. It is so timeless and romantic. I am always striving to create music that has a similar dark yet hopeful atmosphere and emotion, and this album is one of the best examples of that.

MESSAGE FOR JAPAN

Kon’nichiwa! Mata rainen o ai shimashou. I visited Tokyo in 2015 and I had the best time of my life. I love your country. In case you can’t tell already, I am a huge anime nerd (an ‘otaku’ maybe as you say?!) One song on our new album is named after a quote from Hunter X Hunter (‘Try not to die until you’re dead’) Insupireshon o arigatogozaimshita! We can’t wait to play for you next year. I will fly out early to visit J-World, Tokyo One Piece Tower, DisneySea and Sega Joypolis if anyone wants to join me or say hi! Thank you!

こんにちは!また来年お会いしましょう。私は2015年に東京を訪れたの。人生で最良の時だったわ。あなたたちの国が大好きよ。
もしかしたら知らないかもしれないけど、私は大のアニメ “オタク” なの。実際、アルバムに収録されている “Try not to die until you’re dead” は “HUNTER x HUNTER” から引用してつけたタイトルなのよ。(おめーも死ぬまで死ぬなよ) インスピレーションをありがとうございました!
来年、日本でプレイするのが待ちきれないわ。私は日本に前乗りして、J-WORLD、東京ワンピースタワー、ディズニーシー、そしてセガジョイポリスに行くの。一緒に行きたい人、挨拶したい人は言ってね!ありがとう!

SERENA CHERRY

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MAGNUM : LOST ON THE ROAD TO ETERNITY】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH BOB CATLEY OF MAGNUM !!

With “Lost On The Road To Eternity”, Magnum Have Reached The Landmark Of 20 Albums And 40 Years Career, But They Are Still Just Moving On !!

DISC REVIEW “LOST ON THE ROAD TO ETERNITY”

40年のキャリアが純化した彫琢。英国の伝統と幽玄を織り込んだ匠のシグニチャーサウンドは、記念すべき20枚目のアルバム “Lost on the Road to Eternity” でさらなる高みからリスナーの迷霧を晴らす尊き光明となるはずです。
よりワイドな音色を有する鍵盤の名手 Mark Stanway が加入し、初めて Rodney Matthews がアートワークを手がけた叙事詩 “Chase the Dragon” こそが全ての源流でした。生まれながらに感傷と情緒をその喉へと宿す唯一無二の歌聖 Bob Catley。そして Bob の歌唱を完璧なまでに駆使するギタリスト/コンポーザー Tony Clarkin。翼を得た MAGNUM のコア2人は、80年代を自在に羽ばたきました。
プログの知性とハードロックの鼓動を見事に融合し、フォークとファンタジーのエッセンスを織り込んだ浪漫の頂 “On A Storytellers Night”。Polydor へと移籍を果たしメインストリーム AOR への洗練された扉を開いた “Wings of Heaven”。「新しくエキサイティングな音楽を見つけていくことが、僕たちの存在を異なるものにしていたんだろうな。」と Bob が語る通り、難局の90年代に投下したブルージーな実験 “Rock Art” まで、バンドのクリエイティブな冒険は旋律の魔法を誘いながら濃密な景色を残していったのです。
Bob が「当時はメンバーの何人かが難しい時間を過ごしていたんだ。だから正しいムードを得るために常に戦っていなければならなかったんだよ。」と回顧するように、バンドは時代の潮流にも翻弄されながら95年に解散し、Bob, Tony, Al の HARD RAIN、さらに TEN のメンバーを起用した荘厳なる Bob のソロプロジェクトで雌伏の時を過ごします。
そうして2001年に Tony が THUNDER の Harry James をリクルートし MAGNUM をリフォームすると、彼らはその音の歴史を誇り高く掲げながらも、よりセールスやプレッシャーから開放されて、ただ偉大な作品を製作することのみへと没頭することになるのです。
バンド史上最長、62分のランニングタイムを誇る最新作 “Lost On The Road To Eternity” は各時代のアイコニックなマグナムサウンドを巧みに分配しながら、枯れない泉のごときメロディーの清流を至高のデザインへと注入し何度目かの最高到達点へと導かれています。
アルバムオープナー “Peaches and Cream” は、初期のオーガニックなクラッシックロックをハイクオリティーなプロダクションとアップリフティングなコーラスワークで現代に蘇らせたベテランシェフのスペシャリテ。ヒロイックな8分のエピック “Welcome To Cosmic Cabaret” にも言えますが、さらに深みを増したボーカルの陰影とトーンコントロールの妙は彼らが残り少ない名匠の一群であることを確かに証明していますね。
AVANTASIA で Bob と共演している Tobias Sammet がゲスト参加を果たしたタイトルトラック “Lost On The Road To Eternity” は、オーケストレーションやストリングスを大胆に使用して “On A Storytellers Night” からのロドニーマシューズサーガの続編を生き生きと描きます。
一方で、ファンタジーの世界から一転するポップな “Without Love” ももちろん彼らの得がたき魅力の一つでしょう。今年、JUDAS PRIEST が “Firepower” で、SAXON が “Thunderbolt” で初期のハードロックテイストをキャッチーにリヴァイブさせ英国の矜持を雄々しく取り戻していますが、”Without Love” を聴けば彼らもまたロックにフックを回帰させるガーディアンであることが伝わるはずです。続く “Tell Me What You’ve Got To Say” にも言えますが、バンドがかつて天空へと広げた翼はよりしなやかに、よりポップにリスナーの心を包みこむのです。
アルバムは “Chase the Dragon” のプログレッシブな世界観と知性を反映した “King of the World” でその幕を閉じました。Mark, Harry を失おうとも、依然として MAGNUM のロマンティックなファンタジーが悠久であることを示唆するエナジーに満ち溢れながら。
今回、弊誌では巨匠 Bob Catley にインタビューを行うことが出来ました。「バンドがリスナーの興味を惹く楽曲を作り続けられる限り、リスナーが聴きたいと想い続けてくれる限り僕たちは続けて行くんだよ。」どうぞ!!

MAGNUM “LOST ON THE ROAD TO ETERNITY” : 9.8/10

INTERVIEW WITH BOB CATLEY

Q1: Magnum are true legends and survivors. Off course, there were six years disbanded-era, but almost 40 years, you keep running the band and you are still here. What’s your driving force to keep playing your own rock music until now?

【BOB】: We still have something to say on a musical level. We are a set of musicians who still love what we do. Tony writes great songs and it`s a constant evolution for us all to be part of new songs.
As long as the band can continue to write songs that people find of interest and still want to listen to we will continue.

Q1: MAGNUM は真の伝説でサバイバーです。6年間の解散期間があったにせよ、ほぼ40年にも渡り活動を続け今もここに力強く存在しているのですから。あなたたちを今でも “自らのロックミュージック” へと駆り立てているものとは何でしょう?

【BOB】: 僕たちはまだまだ音楽的に表現したいことがあるんだ。そして、僕たちは今でも自分たちの奏でる音楽を愛しているミュージシャン集団でもあるんだよ。Tony は素晴らしい楽曲を書くし、僕たち全員にとっていつも新曲はコンスタントに進化を遂げているんだ。
だから、バンドがリスナーの興味を惹く楽曲を作り続けられる限り、リスナーが聴きたいと想い続けてくれる限り僕たちは続けて行くんだよ。

Q2: I said “Your own rock music”, because you didn’t go to the direction of NWOBHM like Iron Maiden, or Neo Prog like Marillion in early 80’s. I mean, you mixed Hard rock, AOR and Prog elements really well. But, Were not you thinking to move in a direction like them at that time?

【BOB】: There has never been a plan or a choosing of a direction. the songs are just written and performed in what ever style we feel makes a good song. there is never an intention to fit with in a particular genre of music styles. If anything it`s quite the opposite and to find something new and exciting that makes us a little different.

Q2: 先程、”自らのロックミュージック” と言ったのは、80年代初頭 MAGNUM は NWOBHM にも Neo Prog にも完全には舵を切らなかったと感じるからです。実に巧みにハードロックとプログ, AORを融合させていましたね?

【BOB】: 僕たち何か計画を立てたり、方向性を選んだりしてきたことはないんだよ。楽曲がただ書かれて、どんなスタイルでも良い曲になるように演奏してきただけなんだ。意図して特定のスタイルやジャンルへフィットさせたことはないからね。
それどころか、流行りのジャンルに囚われるスタイルとは全く反対だったと言えるだろうね。新しくエキサイティングな音楽を見つけていくことが、僕たちの存在を異なるものにしていたんだろうな。

Q3: So, what was the most impressive thing in your life with 40 years of Magnum?

【BOB】: Right now it`s being able to still get up on stage and have a great set of fans to play infant of. Also to release albums constantly and especially with the latests album doing so well, to have a fan base who still buy the records and still enjoy what we do.

Q3: では、MAGNUM 40年の歴史の中で最も印象的だった出来事を教えていただけますか?

【BOB】: まさに今現在が最も充実しているね。今でもステージに立つことができ、まるで子供のようにファンの前でプレイすることが出来ているんだから。
それに、アルバムもコンスタントにリリースし、特に最新作はとても評判が良いからね。今でも僕たちのレコードを買って楽しんでくれるファンベースがあることは素晴らしいよ。

Q4: To tell the truth, I first knew you was the “disbanded-era”. Bob and Tony played as Hard Rain. Also Bob collaborated with the members of Ten and pursued solo career. I image Magnum was also swallowed up by the waves of grange/alternative movement at that time, but what was the true reason of your disbanded?

【BOB】: It was at a time when some band members were hard to deal with. It was a constant battle to get the mood right. Tony left the band but says it should have been the other way around and other band members should have been sacked and the band could have carried on. But what ever happened for a reason and it`s got to this point today. A better band of guys who all enjoy each others company and play music for the right reasons.

Q4: 実は私が MAGNUM を “発見” したのはバンドが解散していた時代でした。Bob と Tony は HARD RAIN でプレイし、同時に Bob は TEN のメンバーともコラボレートしていましたね。当時は確かにグランジやオルタナティブがシーンを席巻していましたが、解散の理由はどの辺りにあったのでしょう?

【BOB】: 当時は、メンバーの何人かが難しい時間を過ごしていたんだ。だから正しいムードを得るために常に戦っていなければならなかったんだよ。
それで Tony がバンドを離れたんだけど、彼は僕に他の方法 (HARD RAIN) で続けていくべきだと言ったんだ。そうして他のメンバーたちは解雇され、しかしバンドはなんとか存続することが出来たんだよ。何が理由だったにせよ、ああすることで今日まで続けることが出来たわけさ。
そうして、お互いに仲間として楽しめて、正しい理由のために音楽をプレイするより良きバンドとなったんだ。

Q5: Let’s talk about your newest record “Lost on the Road to Eternity”. Definitely, it’s one of your best record with full of melody and British flavor. Long time members, Mark Stanway, Harry James parted ways with band, but we don’t feel that so much. Anyway, first of all, could you tell us about the reasons of their departure?

【BOB】: It was very sad Harry could not join us to record the album and tour as his commitments to Thunder were too much to work out. Mark decided to leave the band.
Harry was replaced by Lee Morris who has been a long time session musician that has fitted in well to the band bringing a new style and lots of energy. Rick Benton was drafted in at short notice as Mark decided to leave the band mid tour so Rick was called and he learnt the set over night and played with us within the next few days of that tour. He has bought so many ideas to the band and has a lot of musical credibility to the band. Both the new guys have fitted in well and the band is a happy and excited band to be on tour right now.

Q5: では、最新作 “Lost on the Road to Eternity” について話しましょう。英国の香りとメロディーに満ちた実に MAGNUM らしい傑作ですね!長年バンドに貢献を続けた Mark Stanway, Harry James が離脱した影響も感じられません。

【BOB】: Harry がこのアルバムのレコーディングとツアーに参加出来なくてとても悲しいよ。彼はもちろん THUNDER のメンバーでもあるから、両方をこなすのは難しくなってしまったんだ。Mark は自らバンドを離れることを決めたんだ。
Harry の代役は Lee Morris。長い間セッションミュージシャンをやっていたから、新たなスタイルや迸るエナジーをバンドにもたらしながら素晴らしくフィットしたね。
Rick はより短期間でバンドのメンバーに選ばれたんだ。というのも、Mark はツアーの途中で脱退を決めたからね。それで Rick が呼ばれて、一晩かかってセットを覚えプレイし、おかげで僕たちは残りのツアーを無事に終えることが出来たんだよ。 彼は実に多くのアイデアと確固たる音楽的な信頼性をバンドにもたらしてくれたね。
新メンバーは二人ともバンドに素晴らしくフィットしているし、今はこのメンバーでツアーを行えて僕たちはとても満足し、エキサイトしているよ。

Q6: So, what was the “Key” to choose new members? Also, amazing Tobias Sammet joined as a guest singer. What did they bring to the new record?

【BOB】: You get to now people if you are in the music business for so long and names get mentioned. So when things like this happen it can be easy to find another member but finding the right member is the hard part. They not only have to be musical adept but also have a good personality to be able to get along on the long weeks on a tour bus. I had worked with Tobias for many years within Avantasia. So it was easy to get Tobi to sing on the title track.

Q6: では、Lee と Rick を選んだ選考基準は何だったのでしょう?併せて EDGUY/AVANTASIA の Tobias がゲスト参加した経緯も教えていただけますか?

【BOB】: もし君が音楽ビジネスに長年か関わってきたとしたら、おのずと新たな候補の名前は挙がってくるものさ。だからこういった脱退劇が起こったとしても、新たな人材を探すのは割と容易なんだ。ただし、適切な人物を見つけるのはなかなか大変なんだけどね。
彼ら二人は音楽的に適応してきただけでなく、長い間ツアーバスの中で上手くやっていけるだけの素晴らしいパーソナリティーを備えていたんだ。
Tobias とは長年 AVANTASIA で共演してきたからね。だからタイトルトラックで歌ってもらうのも難しいことではなかったよ。

Q7: I really love beautiful artwork painted by Rodney Matthews. Magnum started to use his artwork in “Princess Alice and the Broken Arrow” again. With his artwork,I feel your music becomes stronger and more magical. Do you agree that?

【BOB】: I think every album is another journey. We never really know what to expect. We can not say what will happen in the future. But we will continue to make the best music we can possibly make. We hope the fans continue to come on the journey with us.

Q7: Rodney Matthews のアートワークも素晴らしいですね!バンドは “Princess Alice and the Broken Arrow” から再び彼のアートワークを使用していますが、それと同時により強力なマジックが戻ったようにも思えます。

【BOB】: 僕はどのアルバムも別々の旅のようなものだと解釈しているんだよ。つまり製作時に何が起こってどんな魔法が掛かるかは予想もつかないんだ。未来に何が待っているのかもわからないしね。
だけど、一つ言えるのは、僕たちは可能な限り最高の音楽を作り続けていくってことだね。ファンのみんながその僕たちの旅路に同伴してくれることを望みながらね。

Q8: Anyway, you have really huge discography. When our young readers jump into the Magnum’s world, which albums do you recommend?

【BOB】: Obviously I would say the latest album! But I would say just get them all and see what you like. The production gets bigger and better as time goes on. Try them all.

Q8: 最後に、若い読者が膨大なディスコグラフィーを誇る MAGNUM の世界へ足を踏み入れる際に、まず勧めたいアルバムはどの作品でしょう?

【BOB】: 明らかに最新作だね!ただ、全部の作品を聴いてお気に入りを見つけて欲しいというのが本音かな。(スタジオアルバムだけで20枚。)まあ、時を経るにつれて作品のプロダクションはどんどん改善されビッグになっていっているよ。全作聴いてみて!

MESSAGE FOR JAPAN

We very much hope that one day we can get invited over by a promoter to play for you all very soon. Thank you for your support. Cheers.

僕たちはいつの日にかプロモーターに招かれて日本のファンみんなのためにプレイしたいと心から願っているんだ。出来ればすぐにでもね。サポートをありがとう!

BOB CATLEY

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THE SEA WITHIN : THE SEA WITHIN】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JONAS REINGOLD OF THE SEA WITHIN !!

New Art Rock Collective, The Sea Within Goes To Fantastic Maiden Voyage, With Flexible And Diverse Debut Record “The Sea Within” !!

DISC REVIEW “THE SEA WITHIN”

キャプテン Roine Stolt のプログレッシブな航海はスーパーグループ THE SEA WITHIN と共に新たなアドベンチャーを創成します。荒波や暴風にも屈しない最上級の乗組員を揃えたフラッグシップは、フレキシブルな風を受け未踏の音景へと舵を切るのです。
実際、伝説のプログ船長 Roine のもとへと集結したのはマスタークラスの名だたる船乗りばかり。THE FLOWER KINGS で補佐官を務めるシーンきってのベースヒーロー Jonas Reingold。その TFK にもかつて在籍したプログメタルの至宝、PAIN OF SALVATION のマスターマインド Daniel Gildenlöw。RENAISSANCE, YES の寵児、キーボーディスト Tom Brislin。さらに Steven Wilson, THE ARISTOCRATS などで知られるトップドラマー Marco Minnemann を招聘したキャプテンは、盤石の布陣にもかかわらずゲストのスカウトにも余念がありませんでした。
Jonas のインタビューにもある通り、 レコーディングのみの参加となる Daniel の影武者には FLYING COLORS の Casey McPherson を配置。加えて YES の Jon Anderson、DREAM THEATER の Jordan Rudess、Steve Hackett Band の Rob Townsend までをも乗船させた まさに “All-Aboard” なラインナップは、出航と同時に世界中のプログファンからヨーソローな期待と注目を集めたのです。
ボーナストラックまで含めると77分にも及ぶ長駆の処女航海 “The Sea Within” はそしてその遥かなる熱量に充分応えた雄飛なる冒険となりました。一つキーワードとして挙げるべきは “フレキシブル” というアイデアなのかも知れませんね。
事実、この豪華な母船の船員に選ばれたのは全てがユーティリティーなプレイヤーだったのですから。「このバンドのメンバーは全員が歌えるし、複数の楽器をこなすことが出来るんだ。」インタビューで語ってくれた通り、ボーカル、ギター、キーボードをこなす船長 Roine を筆頭にフレキシブルな才能を誇るバンドの航路は、全員がコンポーザーという奇跡まで備えながら鮮やかな多様性に満ちています。中でもドラマー Marco Minnemann のパーカッションはもちろん、ギター、ボーカルまでこなすマルチな才能はこの偉大な航海の大きな推進力となっていますね。
THE FLOWER KINGS とは異なる進路を目指すというキャプテン Stolt の野望は、オープナー “Ashes of Dawn” を聴けば伝わるでしょう。アルバムで最もダーク&ヘヴィー、Roine と Daniel の歌声導く苦悩とアグレッションが印象的な楽曲は、世界経済のカオスをテーマに据えています。
故に、Roine と Jonas が TFK のファンタジックな殻を破り、深海のアビスをリアルに映し出すかのようなサウンドを選択したことも驚きではないでしょう。KING CRIMSON の “Red” にもシンクロするこのインテリジェントな音の幽暗は、Tom のサクスフォンを得てより深部までその混沌を浸透させるのです。
その Tom がイニシアチブを取った物憂げでコーラスも鮮やかなクラッシックアート “They Know My Name”、KARMAKANIC を想起させる Jonas の幻想的でシネマティックな作曲術が Daniel の PAIN OF SALVATION とは一味違うオーガニックな声色を引き出した “The Void”。そして辿り着く “An Eye for an Eye for an Eye” はアルバムのハイライトと言えるかも知れませんね。
ラインナップの中で最もロッカーの佇まいを備えた Marco が作曲を手がけたことにも頷ける、ファストでアグレッシブな楽曲は THIN LIZZY とプログがモダンな風を受けてハイブリッドを果たしたようなユニークでしかしフックに満ちたキラーチューン。潮目の変化はフォービートとジャズロックの海風を運び華麗なソロワークが美しく華を添える中、楽曲は再びメロディックなブリッジへと回帰しロックのエナジーを胸いっぱいに吸い込みながら大円団を迎えるのです。
そうしてその多様性の濁流は、5人の主要メンバーが共作した “Goodbye” へと流れ込んでいきます。そこはポップとエモーションが乱れ咲く桃源郷。アルバムには確かにキャッチーという名の子午線が貫かれていますが、7/8拍子のファンキーなリズムを起点に光の放射を放つ素晴らしくリリカルな楽曲は飛び抜けてプログポップの期待感に満ち溢れているのです。
Jon Anderson も参加してオールスターキャストで贈る14分のプログ劇場 “Broken Cord”。キャプテン Stolt は “Sgt. Pepper” から YES までプログロックのイデアを体現したエピックを THE FLOWER KINGS のファンへとしっかり捧げてその旅路を終えるのです。
今回弊誌では、ベースヒーロー Jonas Reingold にインタビューを行うことが出来ました。プログ、ポップ、ジャズ、アートロック、クラッシックロック、そしてシネマティックな離島を繋ぐフレキシブルで魅惑的な航海。エースを揃えた SONS OF APOLLO が正統的なスーパーグループなら、ユーティリティーの極み THE SEA WITHIN もまた異なるスーパーグループのあり方でしょう。どうぞ!!

THE SEA WITHIN “THE SEA WITHIN” : 9.8/10

INTERVIEW WITH JONAS REINGOLD

Q1: First of all, definitely, The Sea Within is prog super group. How did the band come to be? Off course, you’ve played with Roine and Daniel in The Flower Kings, but have you known each other with other members?

【JONAS】: Roine had a chat with Thomas Waber, the boss at Inside Out Music, about the idea of a new band. He wanted to move in a fresh direction with new collaborations. The prog community is kind of small so I knew several of the guys before we went into the studio. In fact I´ve played with everyone except Marco.

Q1: まず、このスーパーグループ結成の経緯を教えてください。THE FLOWER KINGS で同僚だった Roine, Daniel は別として、以前から他のメンバーと親交はあったのでしょうか?

【JONAS】: Roine が Inside Out のボス Thomas Waber と新バンドの計画を話し合ったことから始まったんだ。彼は新たなコラボレーターたちとフレッシュな方向性を目指したかったんだよ。
そうだね、まあプログコミュニティーは小さな世界だから、スタジオに向かう前から何人かは知っていたんだ。というよりも、僕は Marco 以外の全員と以前プレイしたことがあったんだよ。

Q2: Daniel is studio member, and not playing live performance, right? It seems Casey plays his roll. Also, Roine, Marco, and Tom sang, moreover Marco played even guitar in this record. The Sea Within looks very flexible band, do you agree that?

【JONAS】: Yes thats correct that Daniel will only be a studio musician due to his heave schedule with Pain Of Salvation. And you´re right that everyone in this band can sing and play different instruments. Everybody onboard play a little bit of everything.

Q2: Daniel はスタジオのみの参加で、ライブでは Casey が彼のパートを務めるそうですね?複数人がボーカルを担当し、ドラマーの Marco はギターもプレイしたりと非常にフレキシブルなグループであるようですが?

【JONAS】: うん、その情報は間違いないね。確かに、Daniel は PAIN OF SALVATION でとても忙しいからスタジオのみの参加さ。
そして君は正しいよ。このバンドのメンバーは全員が歌えるし、複数の楽器をこなすことが出来るんだ。だからメンバー全員が全てにおいて何かしら貢献しているわけさ。

Q3: So, how was the writing process? Have you had opportunities to actually meet and co-work with other members? Also, is everything new materials?

【JONAS】: Me and Roine wrote some material before we even contacted the other guys. When it was time to go into the studio we collected all the material from all the guys and through a democratic process we destilated out the songs that was most promising. In the end everyone contributed with creativity so this is a collective effort.

Q3: ライティングプロセスやレコーディングは、実際に顔を付き合わせて行われたのでしょうか?

【JONAS】: 僕と Roine は他のメンバーにコンタクトを取る前からすでにいくつかのマテリアルを書いていたんだ。そうして、いざスタジオに入ることが決まると、僕たち2人はバンド全員から全ての活用出来そうなマテリアルを集めたんだよ。
その後、民主的なプロセスを通して楽曲を最も最良の形に具現化していったのさ。つまり結果的には全員がクリエイティブな貢献を果たしたことになるよね。だからこの作品はバンドとしてコレクティブな努力の結晶なんだよ。

Q4: The Sea Within’s debut record is a highly impressive but really diverse voyage. From Yes, King Crimson to Pain of Salvation, The Flower Kings, it’s definitely eclectic. You know, everyone in the band composed in “The Sea Within”, Do you think it’s the reason of diversity?

【JONAS】: Yes, we tried to have an open mind regarding styles and sound, everything as long it is good is welcome. We are all different and compose in different style but just the fact that we where all of us in the studio together, recording live it felt that we got a red thread running through the album even though the songwriting is a bit different.

Q4: 作品は非常にエクレクティックな仕上がりとなりましたね?様々な出自を持つメンバー全員が作曲にかかわった成果だとも言えそうですが?

【JONAS】: その通りだよ。僕たちはスタイルやサウンドに関してオープンマインドでいようと心掛けていたんだからね。そのマテリアルが良いものである限り全てはウエルカムだったんだよ。
僕たちは全員が異なる出自を持ち、作曲の方法も異なるよ。だけどね、僕たち全員が一緒にスタジオに入りレコーディングを始めると、確かにソングライティングは少しばかり異なっているにしても、筋道というか運命の赤い糸のようなものを作品に感じることが出来たんだ。

Q5: Jon Anderson, Rob Townsend, and Jordan Rudess made an guest appearance on this record. I think it makes “The Sea Within” more flexible, diverse, and special. How did you choose and fit them in the album?

【JONAS】: It´s fun to work with talent. All the guys you mention are really talented. I heard a sax sound when I composed the middle part of Ashes Of Dawn and thought about Rob since we play together with Steve Hackett. Jordan and I recorded together in the past and when we needed some action in the piano part on Hiding of the truth I said, lets call Jordan. It was Roine who got Jon onboard because he wanted a “Yesish” sound on a part of his song Broken Cord.

Q5: Jon Anderson, Rob Townsend, Jordan Rudess という豪華なゲストのアピアランスも作品の多様性、フレキシブルなアイデアを後押ししていますよね?

【JONAS】: 彼らのような才能と仕事をするのは楽しいものだよ。君が挙げたアーティストはみんな本当に才能が際立っているよね。
僕が “Ashes of Dawn” のミドルセクションを書いている時、サックスのサウンドが聴こえたんだ。それで Steve Hackett のところで一緒にプレイしていた Rob のことを考えたわけさ。
Jordan と僕は昔一緒にレコーディングしたことがあってね。だから “Hiding of the Truth” のピアノセクションに何らかのアクションが必要だとなった時に、じゃあ Jordan に電話してみようと言ったんだよ。
Jon を誘ったのは Roine だったね。彼の楽曲 “Broken Cord” に YES のようなサウンドが欲しかったからだろうな。

Q6: So, which song do you like most in the album? Also, which songs represent the most signature sound of the band?

【JONAS】: I´m totally the wrong guy to ask that because I can´t keep an objective eye on it anymore. All songs have something, even the bonus tracks.

Q6: では、このアルバムの中で最も THE SEA WITHIN らしいと思う楽曲を教えていただけますか?

【JONAS】: その質問に答えるのに、僕は全く適任とは言えないだろうな。というのも、作品を客観的に眺めることが出来ないからなんだけど。ボーナストラックを含め、全ての楽曲が何かしら特徴を持っていると思うよ。

Q7: Anyway, we Japanese are also big fan of The Flower Kings and really waiting for new materials. Do you have a plan to make new record near future? And is there any plans to release in your other projects?

【JONAS】: We never know. Right now we´re having a break from TFK but who knows, maybe a 30 years anniversary tour in the future.

Q7: 日本のファンは THE FLOWER KINGS の新作も首を長くして待っていますよ。

【JONAS】: どうなるか僕たちもわからないんだ。現時点では、休息をとって THE FLOWER KINGS からは距離を置いているんだけど、どうなるんだろうねえ。
おそらく、将来的に30周年のアニバーサリーツアーはやるんじゃないかな。(THE FLOWER KINGS は1994年の結成なので再始動が30周年になるとすれば2024年。)

FIVE ALBUMS THAT CHANGED JONAS’S LIFE

KISS “LOVE GUN”

It was through Kiss I discovered music. I was a big fan as a child.

JONI MITCHELL “SHADOWS AND LIGHT”

Stellar line up with the undisputed king of bass, Jaco Pastorius.

PAT METHENY “BRIGHT SIZE LIFE”

First time I heard Jaco, I was blown away.

MILES DAVIS “KIND OF BLUE”

Open up my door to “less is more”.

WEATHER REPORT “8:30”

First time I heard instrumental fusion.

MESSAGE FOR JAPAN

We would love to come to Japan with the Sea Within, hopefully we can do that 2019 but til then, Domo Arigato and Sayonara.

僕たちは THE SEA WITHIN で日本に行きたいと願っているよ。出来れば2019年にツアーを行えたらと思っているんだ。また会える日まで、どうもありがとう、さようなら!

JONAS REINGOLD

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【GHOST : PREQUELLE】


COVER STORY : GHOST BEHIND “PREQUELLE”

Tobias Forge Returns, Not As New Papa, But As Symbol Of Pop & Proggy Evolved-Occult Metal, Cardinal Copia!

Story Behind Ghost : From Tobias Forge To Papa Emeritus & Cardinal Copia

GHOST のボーカリスト、ソングライター Tobias Forge は Papa Emeritus I, II, III としてこれまで3枚のアルバムを製作しメタル闇教皇としての地位を確固たるものとしています。ステージではスカルのメイクアップを施し、ルシファーにゾンビの女王、処女の血を浴びたハンガリーの伯爵夫人まで奇々怪界な登場人物と共に異能のオカルトメタルを提示する怪人は、今眩くも華々しいスポットライトをその身に浴びているのです。
しかしその功績に反して、Tobias の実態は深い霧の中にありました。GHOST の発足以来、Tobias は Papa の匿名性を保つためインタビューを拒否し、スポットライトを避け、典型的なロックスターの姿とは確実に距離を置いて来たからです。
Tobias の匿名性が脅かされたのは、解雇した元バンドメンバー Nameless Ghoul 達の反乱がきっかけでした。金銭面、クレジット関連の闘争で司法の場に引きずり出された Papa の実名 “Tobias Forge” は、白日の下に晒されスポットライトを浴びることを余儀なくされたのです。
「一度スポットライトに晒されると、ライトが自分を追わないことを願うか、何かを語るしかない。」と嘯く Tobias。Nameless Ghoul の讒言によりファンの一部がその作曲能力を疑う中、新たなキャストと共に Cardinal Copia、”Copia 枢機卿” として GHOST を “リモデル” した Tobias は、こともなげに新経典、傑作 “Prequelle” を突きつけます。「変わったのは Papa Emeritus から Cardinal Copia への名前だけさ。」と皮肉を込めながら。

GHOST は後にデビュー作 “Opus Eponymous” に収録される “Stand by Him” で2006年に産声を上げました。友人 Gustaf Lindström とレコーディングを行った楽曲は、すでに MERCYFUL FATE のメタリックなエッジと BLUE OYSTER CULT のノスタルジックなメロディーを包含したオカルトメタルの雛形だったと言えます。
しかし、そのサタニックなテーマとヴィンテージ映画のムードに対して、Tobias の少年のようなルックスはミスマッチでした。一般的なロックバンドとは異なる、匿名のシアターバンド “GHOST” というアイデアはそこが出発点だったのかも知れませんね。
驚くべきことに、Tobias は元々シンガーを志向していたわけではありません。Keith Richards と Slash に憧れていたコンポーザーは当初、クールに煙草を燻らすギタリストの地位に収まることを想定していたのです。しかし、Messiah Marcolin, Mats Levén, JB 等ことごとく理想のシンガーに断られた Tobias は自らシンガーを務めることを余儀なくされました。もちろん、後にその選択こそが大成功を引き寄せる訳で、数奇なる運命を感じざるを得ませんね。

では、双子の父親で一般的な社会生活を営む29歳の青年が BLUE OYSTER CULT, PENTAGRAM, SAINT VITIUS, CANDLEMASS, DEMON, ANGEL WITCH といったサタニックドゥーム、メロディーを散りばめた仄暗いロックの世界に身を投じるきっかけは何だったのでしょう。
Linköping にある16世紀に建てられた教会がサタンに身を委ねる一つの契機であったと Tobias は振り返っています。奇妙なペイントとステンドグラス、魔法のように美しく恐ろしい場所。
同時に厳格で意地の悪い義母や教師も彼を悪魔の世界へと向かわせました。KISS の “Love Gun” や RAINBOW を教えてくれた兄 Sebastian だけが唯一の救いでしたが、彼が家を離れると少年 Tobias は益々ファンタジーの世界へとのめり込んでいきました。
とはいえ、SF小説や映画、ストーンズのアルバム、Nikki Sixx と “Shout at the Devil” など、81年生まれの Tobias を悪魔の世界へ後押ししたピースの数々は、依然として年齢の離れた兄の影響下にあったのです。故に、GHOST のデモをネット上にポストしたその日に Sebastian が亡くなってしまったことは、人生観の決め手となったに違いありません。エネルギーのトレードオフ。悪魔は何かを得るために必ず何かを犠牲にするのです。

MY SPACE からグラミーまで、GHOST は決して順風満帆に辿り着いたわけではありません。特にメディアや評論家による “誇大広告” に晒されたアーティストは予定より長い道のりを歩まされ、時にドロップアウトしてしまうことさえ少なくないのですから。Rise Above Records からリリースしたデビュー作、70年代とサタニックなテーマが牽引するポップメタル “Opus Eponymous” は確かに大きな話題を呼びましたが、北米ツアーは順調とは言い難く、よりアーティスティックなセカンドアルバム “Infestissumam” は商業的に奮いませんでした。
“Opus Eponymous” の独創性を押し広げた “Meliora” は潮目を完全に変えた作品だと言えるでしょう。重厚で斬新な “Circle”、冒涜的なバラード “He Is” はスペシャルで、そこからウルトラキャッチーなシングル、YouTube 総再生回数2400万超えのモンスター “Square Hammer” を得たバンドは加速してチャートの壁を突破していったのです。

参考文献:REVOLVER MAGAZINE (2018) “GHOST: THE TRUE STORY OF DEATH, RELIGION AND ROCK & ROLL BEHIND METAL’S STRANGEST BAND”

ビルボード Top200初登場3位という爆発的な成果と共に、シーンへ大きなうねりをもたらした最新作 “Prequelle”。暴かれた匿名性を逆手にとってスポットライトの中央へ躍り出る決意を果たした Tobias は、明らかに以前よりもしたたかです。
もちろん、彼は自らが敬愛する KISS がメイクと共にその魔法を落としてしまったことを知っています。故に、シーンの潮流を GHOST の個性へと鮮やかに昇華するその手法は言葉を失うほどに見事でした。
キーワードは、多様性とポップ。作品の “匿名性” を紐解いていきましょう。

DISC REVIEW “PREQUELLE”

昨年 “最も印象的だったアルバム” の記事にも記しましたが、近年、MASTODON, VOLBEAT, Steven Wilson, PALLBEARER, Thundercat など様々なジャンルの旗手とも呼べるアーティストが “ポップ” に魅せられ、レガシーの再構築を試みる動きが音楽シーン全体の大きなうねりとして存在するように思えます。当然、邪悪とポップを融合させた稀有なるバンド GHOST もまさしくその潮流の中にいます。
「JUDAS PRIEST はポップミュージックを書いていると思う。彼らはとてもポップな感覚を音楽に与えるのが得意だよね。PINK FLOYD も同様にキャッチー。ちょっと楽曲が長すぎるにしてもね。」
と語るように、Tobias のポップに対する解釈は非常に寛容かつ挑戦的。そして実際、アルバムオープナー “Rat” はそのスピリットを存分に反映した極上のポップ/オカルトメタルチューンです。
そのデザインは実にコンパクト。Ozzy Osbourne の隠れた名曲 “Secret Loser” を彷彿とさせる叙情のメロディー、Vivian Campbell と Jake E Lee の落胤にも思えるスタッカートのリフワーク、シンガロングの衝動はとめどなくキャッチーな80年代への招待状。一方で幽玄なヴィンテージのシンセサウンドと聖歌隊の重厚なコーラスは、中世に現代を隠喩したある種ホラーなSFテーマを伴いながら荘厳に楽曲のコアへと付与され、一際洗練されたオカルトメタルの最新形を提示します。
事実、OPETH や ROYAL BLOOD を手がけたプロデューサー Tom Dalgety は時に BOSTON をイメージさせるほどクリアーでキャッチーなコーラスワークを実現し、アルバムを別の次元へと押し進めていますね。
イントロダクション “Ashes” は英国の童謡 “Ring a Ring o’ Roses”。一見牧歌的ですが、日本の “かごめかごめ” “とおりゃんせ” のように、ロンドンの人口1/4を奪った疫病の恐怖を込めた不吉な “怖い童謡” です。もちろん、歌詞の一節 “fun” は “Funeral” に文字られています。
Tobias はしかし 「これはペストをポジティブに捉えた初めてのレコードだろう。」と語っています。徹頭徹尾サバイバルに焦点を当て、逃れられない死の運命に思いを巡らせるチャンスだとも。ペストを拡散した黒死の悪魔 “ラット” は下水道や荷物に紛れあらゆる場所から山のように現れました。SNS で狂気や悪意を拡散する21世紀の “ラット” はさながら私たちなのかもしれません。事実、GHOST が誘う “死” とは肉体的なものとは限りません。現代に蔓延する社会的、精神的な死から逃がれられる場所などもうどこにもないのです。
“Faith” が KING DIAMOND の華麗な鋭利を反映するならば、”Witch Image” は BLUE OYSTER CULT の流脈。「君が浮世のベッドで眠るその時も、誰かの肉体は今夜も腐っていっている」タブーにして真理。死はあらゆる場所、時間に存在します。もちろんダンスの最中にも。
リスナーを不気味なダンスフロアへと誘う “Dance Macabre” はポップメタルの極地、象徴的な楽曲かも知れませんね。KISS の “I Was Made For Loving You” はもちろんロックにディスコを持ち込んだ初めての楽曲でしたが、スポットライトを月明かりに移譲した GHOST の “死の舞踏” はよりロマンティックでシアトリカル。そうして ABBA や ROXETTE のイメージさえキャプチャーした中毒性の極めて高い哀愁のダンスナンバーは、バンドの多様性を証明するマイルストーンともなりました。
モダン=多様性とするならば、70年代と80年代にフォーカスした “Prequelle” において、その創造性は皮肉なことに実にモダンだと言えるのかもしれません。実際、アルバムにはメタル、ポップを軸として、ダンスからプログ、ニューウェーブまでオカルトのフィルターを通し醸造されたエクレクティックな音景が広がっています。
プログレッシブの胎動は “Prequelle” 核心の一部。Tobias はプログロックの大ファンで、作曲のほとんどはプログレッシブのインスピレーションが原型となっていることを認めています。彼が特に愛する URIAH HEEP のスピリットを宿したインストゥルメンタル “Miasma” はその典型かもしれませんね。一方で、そこには Alice Cooper を頂点とする80年代のショックロックや ARTHUR BROWN の遺産も引き継がれており、そのクロスオーバーこそが興味深いのですが。
OPETH の Mikael Åkerfeldt が貢献した “Helvetesfonster” は YES や JETHRO TULL の哲学を色濃く宿すよりトラディショナルなプログレッシブチューン。決してハイパーテクニカルなプレイを要求することはありませんが、とはいえ Rick Wakeman や Keith Emerson の鼓動がここに息衝いていることは明らかでしょう。
ニューウェーブ、DEPEHCHE MODE のイメージを重ねた “See the Light” にも言えますが、シンセサイザー、オルガン、キーボードの響きが GHOST を基点としてシーンに復活しつつあることは喜ばしい兆候だと言えますね。もちろん、サックス、フルート、ハグストロムギターが彩る楽器の多様性も。何より、現在の GHOST には2人の女性キーボード Nameless Ghoul がステージに滞在し、うち1名が時にサックスをプレイしているのですから。SHINING, IHSAHN, RIVERS OF NIHIL などが巧みに取り込んでいるサクスフォンの艶やかな響きはメタルシーンに不可欠なものとなりつつありますね。
コンパクトでしかしあまりに印象深い GHOST 劇場は荘厳なる叙事詩 “Life Eternal” で静かにその幕を閉じます。ウルトラキャッチーでフックに満ち溢れたカラフルなレコードは、数多のリスナーに “メタル” の素晴らしさを伝え、さらなる “信者” を獲得するはずです。
ただし、匿名性を暴かれた Tobias の野望はここが終着地ではありません。多くのゲストスターを揃えたサイドプロジェクトもその一つ。すでに、JUDAS PRIEST の Rob Halford がコラボレートの計画を明かしていますし、これからもスウェーデンの影を宿したメタルイノベーターから目を離すことは出来ませんね。何より、全ては彼の壮大な計画の一部に過ぎないのですから。

GHOST “PREQUELLE” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MØL : JORD】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH FREDERIK LIPPERT OF MØL !!

Denmark Based Five Piece Blackgaze Outfit, MØL Re-Mixes Agression And Beauty With Their Widscreen Debut Record “Jord” !!

DISC REVIEW “JORD”

興隆するデンマーク黄金世代の鋭鋒。常闇で光芒に焦がれしブラックゲイズの申し蛾 MØL がリリースした透徹のデビュー作 “Jord” は、ジャンルの虫籠を稀有なる羽音で切り裂きます。
前身となる ANTENNAS TO NOWHERE で、SLOWDIVE や MY BLOODY VALENTINE からインスピレーションを得たシューゲイズ/ドリームポップサウンドを追求していた Nicolai Hansen と Ken Klejs が MØL を立ち上げたのは2012年のことでした。
以来、セレスティアルな空気をエクストリームの白刃で裁断し巻き起こすバンドの “嵐” は、DEAFHEAVEN, GHOST BATH, OATHBREAKER, heaven in her arms 等と共にブラックゲイズの地図に新風を吹き込んでいます。
MØL がこの新興サブジャンルでまず傑出している点はコンパクトなバランス感覚から際立つコントラストかもしれませんね。エセリアルなシューゲイズサウンドとブラッケンドのアグレッションが双璧を成すジャンルにおいて、MØL ほどその両翼を巧みに美しく羽ばたかせるバンドはいないでしょう。
どちらか一方にに重心を振り、ともすれば片翼をほとんど犠牲にするバンドも多い中、8曲42分というコンパクトなデザインの中で光と闇を鮮明に浮き上がらせる彼らの手法は際立っています。
ツインピークスと Angelo Badalamenti のメランコリー、サスペンスを受け継ぐイントロダクションが印象的なアルバムオープナー “Storm” はまさにその MØL のシグニチャーウイングを大きく広げた春の嵐。リバーブの霧が晴れるやいなや、ハイピッチのスクリームとブラックメタルのフェロシティーがリスナーの眼前に広がります。
とはいえ、バンドがメロディーを放棄することはありません。鳴り響く雷鳴と騒乱のドラムワークを上昇気流に駆け上る、トレモロのハーモニーはあまりに気高く流麗。そうして対比に根ざしたインテンシティーは、ポストロックのアンビエンスを宿すアウトロへと収束していくのです。
「アルバムのテーマは、青く回転するこの星でいかに限られた時間を過ごすかについてなんだ。死と時間に関する疑問への思考や黙想なんだよ。」とインタビューで語るように、スカンジナビアの厳しくも壮大な自然を通して生と死、時間に焦点を当てたレコードは実際テーマと音楽が見事にシンクロしているように思えます。
“Penumbra” で緩やかに刻まれるミュートを施したギターの音色は、確かに時計の針を示しつつ終着駅へのカウントダウンを隠喩しているのでしょう。
“Vakuum” と “Lambda” に纏わるコントラストはアルバムのハイライトと言えるかもしれませんね。愛する人を失うことについて書かれた “Vakuum” は、ボーカル Kim がパーソナルな領域を追求したが故にデンマーク語で歌われる楽曲。怒りの感情が支配する作品で最もアグレッシブかつファストな真空の牙は、スラッシュやブラックメタルを前面に押し出しながら、ナチュラルに荘厳なる木漏れ日を浸透させていきます。
一方で、”Lambda” は80〜90年代のメロウなシューゲイズサウンドを意図的に狙ったインストゥルメンタルソング。Kevin Shields の理想を嫋やかに楽曲へと落とし込み、儚くも幻想的、エアリーな桃源郷を具現化しているのです。バンドのルーツ、闇と光はこの場所で交差し、極上のダイナミズムを創出し、再び羽搏き飛び立ちます。
「そこからブラックメタルとシューゲイズよりも多くのジャンルを引き出したい。」と Frederik が語るように、”Virga” には GOJIRA のプログレッシブな精神が宿っていますし、アルバムを締めくくるタイトルトラック “Jord” は LAMB OF GOD の息吹を吸い込むモダンメタルとシューゲイズの壮大なる交差点です。多様性まで手に入れたスカンジナビアの夜蛾は、そうしてシーンに煌めく鱗粉を散りばめていくはずです。
今回弊誌では、ギタリスト Frederik Lippert にインタビューを行うことが出来ました。LANTLOS の “.Neon” や DEAFHEAVEN の “Sunbather” との比較は避け難いでしょうが、よりワイドスクリーンなアプローチが魅力的な快作。
ROLO TOMASSI や CONJURER も揃えるレーベル Holy Roar Records にも注目です。「現在デンマークシーンは才能と共に爆発的な進化を遂げているよ。まさにメタルの黄金世代が勃興しているのさ。」どうぞ!!

MØL “JORD” : 9.8/10

INTERVIEW WITH FREDERIK LIPPERT

Q1: This is the first interview with you. So, could you tell us about yourself and band itself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【FREDERIK】: Well, we have a slight age gap between some of the members of the band, so there is some difference in the music we listened to while growing up. I listened to Led Zeppelin and Deep Purple, because my father listened to it and that is my earliest memory of being exposed to rock and heavy metal.

Q1: 本誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話していただけますか?

【FREDERIK】: そうだね、実を言うとバンドのメンバーの中には少し世代間のギャップがあるんだよ。だから聴いて育った音楽には異なるものもあるんだ。
僕は LED ZEPPELIN や DEEP PURPLE を聴いて育ったね。父が聴いていたからなんだけど。ただ、それが僕にとって最初のロックやメタル体験となったのは確かさ。

Q2: What inspired you to start playing guitar? Who was your musical hero at that time?

【FREDERIK】: I think it was listening to bands like Mastodon and Between The Buried and Me at a very young age and thinking: “Wow! There seems to be more to guitar than just blues licks. I’ve gotta learn how play stuff like this!” So probably Bill Kelliher and Paul Waggoner where the heroes at that time. But then, very quickly, my focus as a guitar play starting shifting to more experimental genres like shoegaze and post-metal. Then the heroes became Kevin Shields and Brian Eno.

Q2: ギターを始めたきっかけや、当時のヒーローについてはいかがでしょう?

【FREDERIK】: ギターを始めたのは、MASTODON や BETWEEN THE BURIED AND ME をとても若いころに聴いたのがきっかけになったと思うんだ。「彼らの作品にはブルースギターのリックだけじゃなくて、もっと広がったギターの可能性がある!弾き方を学ばないと!」と思ったね。だからおそらく、Bill Kelliher と Paul Waggoner が当時のヒーローだったと思うな。
ただ、そこからすぐに僕のギタープレイの焦点はシューゲイズやポストメタルといった、より実験的なジャンルへとシフトしていったんだ。つまりヒーローも Kevin Shields や Brian Eno へと変化したわけさ。

Q3: Nicolai and Ken have played together in Antennas To Nowhere, a shoegaze dream pop act. So, from there, how did MØL come to be? It seems MØL means moth in English. What made you choose that word for your band name?

【FREDERIK】: MØL was started by Nicolai and Ken after Antennas To Nowhere ended. They wanted to create heavier music, while still keeping some of the ethereal sounds they had adored in their previous shoegaze band. They, as well as the rest of the band, were inspired by bands like Alcest who seemed to bridge these two opposite genres. I initially joined on bass, but as the sound of the band evolved, I switched to guitar and we found another bass player. A few line-up changes later, here we finally are with a line-up we love.
Initially the idea behind the name was symbolic of the music we were trying to create. A moth is this creature that lives in the dark but is always searching for the light. It is a being of contradictions. That’s kinda what our music is an expression of. We know that we are rooted in “dark” music (various genres of metal), but we still try to create “light” ethereal and harmonious sounds as well.

Q3: Nicolai と Ken はシューゲイズ/ドリームポップアクト ANTENNAS TO NOWHERE で共にプレイしていたわけですが、そこから “蛾” の名を冠する MØL へどのように進展したのでしょうか?

【FREDERIK】: MØL は Nicolai と Ken が ANTENNAS TO NOWHERE が終わった後に立ち上げたんだよ。彼らは、ATN で志向していたエセリアルなシューゲイズサウンドを保ちつつ、よりヘヴィーな音楽を創造したかったんだよ。彼ら、そして残りのメンバーも、正反対にも思えるその二つのジャンルを繋ぐ架け橋、ALCEST のようなバンドにインスピレーションを得ていたんだ。
実は、最初僕はベースで加入したんだよ。だけどバンドのサウンドが進化するにつれて、僕はギターにスイッチし、新たなベースプレイヤーを探すことにしたんだ。そうして何度かのメンバーチェンジを経て、今の愛するラインナップに辿り着いたのさ。
バンド名を決める時に、鍵となったのは僕たちが作ろうとしている音楽をシンボライズすることだったね。”蛾” は闇に生きる生物だけど、いつも光を探しているよね。つまり、ある意味矛盾を抱えた生き物なんだよ。それって僕たちの音楽の表現方法と似ているよね。
僕たちはダークな音楽、メタルの様々なジャンルをルーツとしていながら、同時にエセリアルな “光”、ハーモニックなサウンドも創造しようとしているんだから。

Q4: Now, let’s talk about your amazing debut-full “Jord”. I think Jord means earth, mother nature or terra that we live in, right? Could you tell us about the concept or lyrical themes of this record?

【FREDERIK】: Well, the title is the Danish word for “Earth”, “soil” and “ground”. There are different ways to interpret it. It is an album about how we choose to spend our limited time that we are given on this blue marble spinning in space, and the ideas and contemplations that follow these questions of death and time. It is also about our environment and the its fleeting nature, reflected in our own existence. Most of the songs can be interpreted with this in mind and others are about some of the personal experiences our singer, Kim, has had, and how they relate to the overarching themes of death, time and nature.

Q4: では素晴らしきデビュー作 “Jord” について話しましょう。”Jord” とは私たちが住む地球、母なる自然を指しているようですね?

【FREDERIK】: そうだね、このタイトルはデンマーク語で “地球” “土壌” “地面” って意味を持つんだ。いくつか異なる訳し方があるんだよ。そしてアルバムのテーマは、この宇宙の中で青く回転する星で、いかに限られた時間を過ごすかについてなんだ。死と時間に関する疑問への思考や黙想なんだよ。
同時にこのレコードでは、環境、そして僕たち自身に反映される儚き自然にもフォーカスしているんだ。
楽曲のほとんどはそういったテーマに分類されるね。
そして他のいくつかは僕たちのシンガー Kim の個人的な経験によるものさ。

Q5: “Vakuum” is typically, I think your blackend aggression, heaviness, that kind of “anger” makes Møl stand out amongst others in the “Blackgaze” genre. It means your black metal, hardcore roots reflect on your music so deep, right?

【FREDERIK】: Yeah, we would like to think of ‘JORD’ as being a culmination of many of our influences, as well as, a contemplation and evolution of those influences. ‘Vakuum’ is an example of the aggression from different influences. Nothing is a constant and everything is changing, we’re all going to end up in the ground someday. We live very short lives, so whatever pleasure you derive from life, you really have to get as much as you possibly can out of it. You can’t escape the fact that we’re all going to die. Death is everywhere, in our news and in nature. Hardcore and black metal based on that are definitely some of the genres who influenced this song.

Q5: “Vakuum” は象徴的ですが、バンドの持つ “ブラッケンド” なアグレッションやヘヴィネス、怒りの感情は “ブラックゲイズ”のシーンにおいても MØL を際立った存在にしていますね?ブラックメタルやハードコアのルーツがより深く鮮明に根付いているように感じます。

【FREDERIK】: まさに、僕たちは “Jord” を様々な影響の集大成だと考えているんだよ。受けてきた影響は同時に熟慮され進化も遂げているんだけどね。
“Vakuum” はまさに異なる影響から生まれたアグレッションの証明だよ。永続的なものなんてないし、全ては変化していくんだ。そうして僕たちはいつか最終的に土に戻る。とても短い人生を生きているんだから、その間に出来るだけ多くを享受すべきなんだよ。
死からは逃れられないし、それは日常的なものだよ。そうした闇に根ざすハードコアとブラックメタルは間違いなくこの楽曲に影響を与えているね。

Q6: Also, ethereal, dreamy elements from 80’s, 90’s shoegaze and post-rock is your strong point. Title track “Jord” is typically, that contrast between beauty and aggression creates lot’s of emotions in your music, right? Anyway, whats your favourite track from your debut and why?

【FREDERIK】: That’s always a hard question. Personally, I would have to pick ‘Lambda’ since it is very contradictory to the rest of the album. Its an instrumental, slightly slower, shoegaze song. Plus, Jean-Michel from Gojira liked it on Instagram and who can argue with an endorsement like that?

Q6: とはいえ、もちろん先程仰ったように “闇” と “光” の対比こそがバンド、”Jord” のアイデンティティーです。中でもあなたが特に気に入っている楽曲を教えていただけますか?

【FREDERIK】: とても難しい質問だね。個人的には “Lambda” を推したいね。というのも、この曲は他の楽曲ととても毛色が異なっているからね。インストゥルメンタルで、すこしゆっくりしていて、シューゲイズソングだからね。
それに、この楽曲は GOJIRA の Jean-Michel がインスタでライクをしてくれたんだよ。これ以上に確かな保証はないでしょ?

Q7: So, you are often labeled as blackened shoegaze movement, alongside the likes of off course genre’s pioneers Alcest and Lantlôs and it’s successor, Deafheaven, Wolves in the Throne Room, Ghost Bath and Oathbreaker. Do you feel comfortable with that comparison?

【FREDERIK】: To a certain degree, sure. Some of our musical heroes, such as Alecst and Lantlos, were great inspirations in our early years as a band. The ethereal shoegaze mixed with the bleakness of black metal has always intrigued us, ever since we were younger and were exposed to the genre. We definitely identify with some of the characteristics of the genre, but we are in no way a traditionalistic band. We like to mix it up and draw upon more genres than just black metal and shoegaze. We appreciate being compared to such great bands as Oathbreaker and Deafheaven, but we don’t necessarily identify with that comparison.

Q7: 所謂、”ブラックゲイズ” として ALCEST, LANTLOS, その後続 DEAFHEAVEN や GHOST BATH, OATHBREAKER などと比較されることに関してはどう感じていますか?

【FREDERIK】: ある程度は納得しているよ。だって、その内のいくつか、ALCEST や LANTLOS は僕たちの音楽的なヒーローで、バンドとして初期に多大なインスピレーションを得ているんだからね。
ただ、エセリアルなシューゲイズサウンドと、ブラックメタルの荒涼をミックスする手法は、いつだって僕たちを魅了してきたんだ。僕たちがもっと若くてこのジャンルに晒される前からね。
だからもちろん、僕たちは間違いなくこのジャンルの特徴をある程度は受け継いでいるけど、決して伝統的なバンドというわけではないんだよ。
つまりね、僕たちはブラックゲイズを混ぜ合わせて、そこからブラックメタルとシューゲイズよりも多くのジャンルを引き出したいのさ。
OATHBREAKER や DEAFHEAVEN のような素晴らしいバンドとの比較には感謝するけど、その比較が必ずしも僕たちを特定するわけではないんだ。

Q8: I love recent Danish metal scene so much. There are lot’s of nice bands like you, Cabal, Vola, Ghost Iris. How do you describe Danish scene now?

【FREDERIK】: Vibrant and growing. Bands like Cabal, Vola and Ghost Iris completely deserve all the attention they get, but there are also other Danish metal bands that deserve more attention. Bands like Morild (an atmospheric black metal band) and Konvent (an all-girl doom band) are also deserving of some international attention. The entire scene in Demanrk is just exploding with talent at the moment. A golden age of metal might be on the horizon in Denmark.

Q8: 近年のデンマークシーンは、あなた方をはじめ、CABAL, VOLA, GHOST IRIS など新世代の台頭が著しいですよね?

【FREDERIK】: まさに活気に溢れ、成長を遂げているね。君が挙げたようなバンドは、完璧に彼らが集めている注目に値するよ。
ただ、デンマークには他にももっと注目に値するバンドがいてね。アトモスフェリックブラックメタルの MORILD、全員が女の子のドゥームメタル KONVENT なんかも海外から注目されるべきだろうな。
とにかく、現在デンマークシーンは才能と共に爆発的な進化を遂げているよ。まさにメタルの黄金世代が勃興しているのさ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED FREDERIK’S LIFE

MY BLOODY VALENTINE “LOVELESS”

GOJIRA “FROM MARS TO SIRIUS”

ULVER “BERGTATT”

SLOWDIVE “SOUVLAKI”

ALCEST “SOUVENIRS D’UN AUTRE MONDE”

MESSAGE FOR JAPAN

Hello Japan! We love you all and cannot wait to play in your beautiful country someday! From day one, we’ve had support from Japan, despite the seemingly impossible distant between our two countries. We appreciate all the support through the years and hopefully we will see you all at a venue in Japan! Here’s to hope! Love – MØL

日本のみなさん、こんにちは! 君たちが大好きだし、いつか君たちの美しい国でプレイするのが待ちきれないね!MØL の始まりから、とても遠い場所にある日本からのサポートを受けてきたよ。何年ものサポートに本当に感謝しているし、みんなと日本のライブハウスで会いたいと思っているよ!愛を込めて。

FREDERIK LIPPERT

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SUBSIGNAL : LA MUERTA】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MARKUS STEFFEN OF SUBSIGNAL !!

German Progressive Innovator, Subsignal Walk Toward More Melodic Path And Open To New Influences With Their New Record “La Muerta” !!

DISC REVIEW “LA MUERTA”

ジャーマンプログメタルの唱道者、SIEGES EVEN の血を受け継ぐ嫋やかなる残映。SUBSIGNAL がリリースした最新作 “La Muerta” は、サンタ・ムエルテの名の下にプログシーンの信仰を集め新たな拠り所、守護者となるはずです。
「当時起こったことはとても単純で、個人的な相違だったんだ。最終的にバンドは、Arno と僕、Oliver と Alex の二つに割れてしまったんだよ。」と Markus がインタビューで語った通り、80年代から活動を続ける巨星 SIEGES EVEN が長年の内なる闘争の末2008年に解散の道を選んだニュースは、プログメタルシーンに衝撃をもたらしました。
名手 Wolfgang Zenk がフュージョンに特化した支流 7for4 へと移行し、オリジナルメンバーの Markus が復帰。Andre Matos や Jens Johansson との実験場 Looking-Glass-Self の果てに邂逅したバンド史上最高のボーカリスト Arno Menses を得た 00年代のSIEGES EVEN。
そうして2005年にリリースした8つの楽章から成る “The Art of Navigating by the Stars” が、SIEGES EVEN 独特の世界観に研ぎ澄まされたメロディーが初めて重なり、FATES WARNING の “A Pleasant Shade of Gray” にも比肩し得る壮大なマイルストーンとなった事を鑑みれば、尚更バンドの消滅がシーンにとってどれ程の損失であったか推し量れるはずです。
しかし、Arno と Markus のメロディーとプログレッシブが奏でるケミストリーの二重奏はしっかりと SUBSIGNAL の音に刻まれています。
アルバムが相応に異なる風合いを醸し出していたように、SIEGES EVEN のスピリットはまさに実験と挑戦の中にありました。故に、二人が描く新たな冒険 SUBSIGNAL のサウンドが、プログレッシブワールドのトラディショナルな壁を突き破ることは自明の理だったのかも知れませんね。
キーワードはアクセシブルとエクレクティックでしょう。実際、「Arno と僕は他の異なるジャンルにも興味を持っていてね。」「僕にとって最も重要なのはメロディーなんだ。」と Markus が語るように、遂に本格化した SUBSIGNAL の最新作 “La Muerta” には近年のモダンプログレッシブが放つ波動とシンクロする瑞々しき血潮が注ぎ込まれているのです。
バンドのデビュー作 “Beautiful & Monstrous” 収録の “The Sea” が指針となったように、SUBSIGNAL は知性の額縁とプログレッシブなキャンパスはそのままに、よりソフィスティケートされた筆を携えドラマとエモーション、時にメランコリーをカラフルな多様性と共に一つの絵画、アートとして纏め上げて来ました。
ダンサブルなイントロダクション “271 Days” に導かれ示現するアルバムオープナー “La Muerta” は、バンドのトレードマークを保ちつつ、よりアクセシブルなメインストリームの領域へと舵を切る野心のステートメントです。
Steven Wilson の “To The Bone” を核として、HAKEN, FROST*, TesseracT, iamthemorning といったコンテンポラリーなプログレッシブロースターは恐れる事なくポップを知性や複雑性、多様性と結びつけモダンプログレッシブの潮流を決定的なものとしています。タイトルトラック “La Muerta” で示されたビジョンはまさにそのうねりの中にありますね。
Markus のシグニチャーサウンドであるコード感を伴うシーケンスフレーズは RUSH や THE POLICE のレガシー。現代的な電子音とマスマティカルなリフワークの中で舞い踊る Arno のメロディーは、眠れる John Wetton の魂を呼び覚ましたかのようにポップで優美。コーラスに華開く幾重にも重なるメランコリーは、暗闇から聖人へと向けられた全ての切実な祈り、請われた赦しなのかも知れませんね。
トライバルでシンフォニックな “Every Able Hand”、Markus の主専攻クラッシックギターから広がる雄大な音景 “The Approaches”、一転ブルースやカントリーの郷愁を帯びた “When All The Trains Are Sleeping” など Markus が語る通り実にエクレクティックなレコードで、全ては “Even Though the Stars Don’t Shine” へと収束していきます。
奇しくも Wilson の最新作とリンクするニューウェーブ、シンセポップの胎動、TEARS FOR FEARS や DEPECHE MODE の息吹を胸いっぱいに吸い込んだ楽曲は、同時にリズムのトリックやシーケンシャルなフレーズが際立つプログポップの極み。アルバムに貫かれるは旋律の躍動。
そうして “La Muerta” は iamthemorning の Marjana を起用し、荘厳なる Arno とのデュエット “Some Kind of Drowning” で平等に赦しを与えその幕を閉じました。
一片の無駄もなく、ただ日によってお気に入りの楽曲が変化する、そんな作品だと思います。ピアノからシンセ、エレクトロニカまで自由自在な Markus Maichel の鍵盤捌き、Dirk Brand の繊細極まるドラムワーク、そして RPWL の手によるクリアーなサウウンドプロダクションが作品をさらに一段上のステージへと引き上げていることも記しておきましょう。
今回弊誌では、ジャーマンプログメタルの開祖 Markus Steffen にインタビューを行うことが出来ました。「80年代に SIEGES EVEN を立ち上げたんだ。おそらくドイツではじめてのプログメタルアクトだったと思うよ。」どうぞ!!

SUBSIGNAL “LA MUERTA” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ALKALOID : LIQUID ANATOMY】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ALKALOID !!

German Extreme Metal Super Group Alkaloid Shows Amazing Musicianship And Creativity With Their Newest Record “Liquid Anatomy” !! Can You Imagine Yes & Rush Mixed With Modern Metal Aggression?

DISC REVIEW “LIQUID ANATOMY”

テクニカルデスメタルの牙城、ドイツに惹起する維新の兆し。千軍万馬の猛者が締盟したプログレッシブの絆 ALKALOID は、最新作 “Liquid Anatomy” で天壌の宇宙から中毒性のマイクロウエーブを発します。
ALKALOID ほどスーパーバンドの表現が相応しい音楽集団はそう多くはないでしょう。これまでメンバー5人がかかわってきたバンドは、DARK FORTRESS, NONEUCLID, SPAWN OF POSSESSION, OBSCURA, NECROPHAGIST, ABORTED, GOD DETHRONED, BLOTTED SCIENCE と文武両道の精鋭ばかり。
中でも、「僕たちが NECROPHAGIST と OBSCURA で始めたことを今では無数のバンドがやっているんだ。」と語る通り、局所性ジストニアによる中指の不遇をも覆す不屈のギターマエストロ Christian Muenzner、新たに HATE ETERNAL にも加入したギターとピアノを操るドラムユーティリティ Hannes Grossmann のかつての音楽的なアイデアが、現在の包括的な Tech-metal への崇高なるインスピレーションとなっていることは明らかですね。
とはいえ、「僕たちは新たなバンド、プロジェクト、アルバムの度に自分たちを”再発明”するようにしているんだよ。特定のスタイルに執着してしまわないようにね。」と Christian が語るように、 ALKALOID は定型化したテクデスの様式、さらには傑出したデビュー作さえ過去の時空へと置き去りにしながら、RIVERS OF NIHIL, IHSAHN, HAKEN, GHOST ともシンクロするクラッシックなプログのスピリットを昇華した新たなメタルの潮流に身を委ねているのです。
アルバムオープナー “Kernel Panic” こそ進化の象徴。ヴィンテージのシンセサウンドに導かれ、滔々と湧出するシーケンシャルなギターフレーズはまさに YES や RUSH の遺伝子を色濃く宿す鮮やかな落胤。DARK FORTRESS 等で残虐な威厳を浴びせる Morean は、驚くことにその歌唱を Jon Anderson のチャンネルへと接続し、神秘的でキャッチーなロックの崇高美を具現化していくのです。
イーヴィルなディストーションサウンドは変調の証。ナチュラルに獰猛なモダンメタルの領域へとシフトする、一体化したバンドの猛攻は衝撃的ですらありますね。一転、再びプログの多幸感が再臨し、時に相反する二つの次元が融解。TOOL と CYNIC、一方で YES と VAN HALEN が楽曲の中で流動し躍動する “In Turmoil’s Swirling Reaches” にも言えますが、ALKALOID の振るう奇想天外なタクト、コントラストの魔法は実際群を抜いています。
そして先述したバンドと同様に、クラッシックとコンテンポラリー、荘厳と嗜虐、ポップと知性の狭間を自由自在に行き来するこのシームレスなアイデアは、確かに多様なモダンプログレッシブの根幹を成しているはずです。ただし、ALKALOID のプログレッシブには特に “90125” や “Signals” など80年代の風を受けた独特の色香も存在しますが。
MORBID ANGEL と MESHUGGAH が同乗する重戦車 “As Decreed by Laws Unwritten”、トライバルで複雑なリズムに呪術と叙情のボーカルが映え GOJIRA の理念ともシンクロする “Azagthoth” でブラックホールの物理現象を追求した後、バンドはタイトルトラック “Liquid Anatomy” でさらに新たな表情を披露します。
実際、これほど感動的で心を揺さぶるバラードと、エクストリームメタルのレコードで出会えるとは僥倖以外何者でもないでしょう。GENESIS や PORCUPINE TREE の叙情、クラッシックや教会音楽のスピリットをダークに消化した荘厳の極みは、感情の波間を悲哀で染め抜きます。
アルバムを通して言えますが、特にこの楽曲で聴くことの出来る Christian のエモーションとテクニック全てを楽曲のためだけに捧げた神々しきソロワークは、最後の “ギターヒーロー” を誇示して余りある激情とスリルに満ちていますね。
アルバムを締めくくるは20分のラブクラフトモンスター、6つの楽章から成るエピック “Rise of the Cephalopods” は ALKALOID 版 “2112” もしくは “Cygnus X-1 Book II: Hemispheres” なのかも知れませんね。プログロックの構成美、モダンメタルの複雑なグルーヴ、モダンプログの多様性にアトモスフィア。全てがここには存在します。現存の南極大陸を葬り、頭足類が進化を遂げる “If” の SF ストーリーは、実はシーンと自らの立ち位置を密かに反映しているのかも知れませんね。
今回弊誌では、Morean, Hannes, Christian の3名にインタビューを行うことが出来ました。 NECROPHAGIST や OBSCURA についても重要な証言が飛び出したと思います。「Hannes がアルバムのいくつかの瞬間で “90125” の時代を超越したサウンドに近づいたという事実は、彼がそれを意図しているのかいないのかに関わらず、エンジニア、プロデューサーとしてのスキルに対する大きな賛辞だよ。 1983年に彼らが成し遂げたサウンドを超えるものは、今日でもほとんどないからね。」どうぞ!!

ALKALOID “LIQUID ANATOMY” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【RIOT V : ARMOR OF LIGHT】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NICK LEE OF RIOT V !!

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The Pride of NYC, Legend of Metal History, Riot V is Still Alive And Kickin’!! “Armor Of Light” Unites Their Early Hard Rock Sounds With The Magic Of Power Metal ! Shine on!

DISC REVIEW “ARMOR OF LIGHT”

不撓不屈の不沈獣、終天のメタルウォーリアー RIOT V が、ハードロックの血潮とパワーメタルの魔法を等しく装填した光の英雄譚 “Armor of Light” をリリースしました!!メタルの教科書 “Thundersteel” 30周年に刻む新たな闘志の刻印は、40年のキャリアで通過した嵐、凪、そして帰天まで全ての逆境を力に変える躍動と眩耀に満ちています。
ブラックビューティ、黒のレスポールを抱えて独特の艶美な憂いと異国の薫りを奏でた Mark Reale はまさにバンドの心臓でした。2012年、Mark の逝去を受けて RIOT の存続を信じたファンは決して多くはなかったはずです。しかし絶佳なる遺言 “Immortal Soul” “不滅の魂” に Mark が刻んだ通り、バンドが立ち止まることは決してありませんでした。
70年代に生を受け、英国ハードロックにアメリカンな風を吹き込んだ RIOT のターニングポイントは徹頭徹尾パワーメタルへと変貌を遂げた “Thundersteel” だったと言えます。そして類稀なる鋼鉄の “道標” リリース時のベーシスト Don Van Stavern と、89年に加入して以降、Mark と共に流麗なツインリードでクラシカルオリエンタルのカタルシスを提供し続けたトリッキーなギターの名手 Mike Frintz は英雄抜きでバンドの存続を決断します。
MOON TOOTH でモダンなヘヴィープログレッシブを追求する Nick Lee、Tony Moore をフレキシブルに進化させた Todd Michael Hall、VIRGIN STEEL のダイナモ Frank Gilchriest を加えて2014年に日本以外では RIOT V の名でリリースされた復活作 “Unleash the Fire” には確かに Mark の魂が深く宿った鎮魂の焔でした。そして完全に RIOT V 名義でリリースされた “Armor of Light” は亡きギタリストと共に歩む新たなる歴史の幕開けです。
IRON MAIDEN の “Trooper” をイメージさせるエナジーに満ちた勝利のギャロップ “Victory”、ボーカル/ギターハーモニーが正しい場所に正しく配置されたウルトラキャッチャーで由緒正しき哀愁の”リアリズム” “End of the World”、”Thundersteel” のスピードデーモンに真っ向から立ち向かう “Messiah”。オープニングの三連撃はまさにアザラシ無双。KORN の最新作等でエンジニアを務めた Chris “The Wizard” Collier を得て SABATON にも匹敵する現代的なメタルプロダクションを纏った RIOT V は、目まぐるしくもダイナミックなパワーメタルの大斧で作品の冒頭を切り裂きます。
一方で、「Mike と Donnie は Mark の遺産を称えながら素晴らしい仕事を果たしていると思うな。楽曲やリフ、メロディーの中に初期 RIOT のハードロックサウンドと、後期のパワーメタルサウンドをミックスしながらね。」と Nick が語るように、新生 RIOT V の肝は初期と後期の融合。右手にパワーメタルの斧を握りしめ、左手にハードロックのシールドを携えたジョニーの勇姿はさながら無敵の獣神。
奇しくも今年は JUDAS PRIEST の “Firepower”、SAXON の “Thunderbolt”、そして RIOT V の “Armor of Light” と長年メタルを支え続けたベテランが、初期のキャッチーなハードロックテイストをナチュラルに復刻し復活の狼煙を上げています。
実際、後期 RAINBOW を彷彿とさせるロマンティックな “Burn the Daylight”、THIN LIZZY の美学を受け継ぐ神秘的な “Set the World Alight”、初期の RIOT らしいブルーズな響きとホーンセクションが溶け合った “Caught in the Witches Eye” など作品にはオーガニックでユーティリティーな色彩が調和し魅惑のコントラストが渦巻いているのですから。
それにしても、威風堂々の新たなアンセム “Angel’s Thunder, Devil’s Reign” や “Heart of Lion” を聴けば、ツインリードとボーカルハーモニーに加えて、リズムを捻ったクールなキメフレーズの数々がバンドのトレードマークであることを改めて再確認できますね。
後期 RIOT のアイデンティティーともなった、フォークトラッド、クラシカル、ケルトの響きを堪能できるドラマティックな “San Antonio” や “Ready to Shine” も出色の出来。そうしてアルバムは瑞々しい “Thundersteel” の再創生で大円団を迎えます。
まさに珠玉の逸品。今回弊誌では、バンドのレガシーを受け継ぐギタリスト Nick Lee にインタビューを行うことが出来ました。意外にも Sargent House の作品が並ぶプレイリストにも注目です。「アザラシのパワーを感じるんだ!」弊誌2度目の登場。どうぞ!!

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RIOT V “ARMOR OF LIGHT” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【RIVERS OF NIHIL : WHERE OWLS KNOW MY NAME】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ADAM BIGGS FROM RIVERS OF NIHIL !!

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Pennsylvania Based Progressive Death Metal Quinted, Rivers Of Nihil Contribute To Re-branding Death Metal Into A Eclectic, Expressive Art-form With Incredible New Record “Where Owls Know My Name” !!

DISC REVIEW “WHERE OWLS KNOW MY NAME”

遂に食物連鎖の頂点へと躍り出たペンシルベニアの梟神 RIVERS OF NIHIL が、深遠かつエクレクティックなプログレッシブデスメタルへとドラスティックな変貌を果たす傑作 “Where Owls Know My Name” をリリースしました!!生と死、そして知性を司る伝承の神明は、猛禽の鋭さと神々しきアトモスフィアでシーンの潮流を支配します。
テクニカル、メロディック、デスコア、ブルータル。雨後の筍のごとく現れるデスメタルアクトの大半は、エモーションのスペクトルを怒りに起因する狭い領域へとフォーカスし、ある意味では檻の中で固定観念と共に囚われているようにも思えます。
「この作品では、僕たちが期待されているようなサウンドを放棄した。」と Adam が語るように、RIVERS OF NIHIL が “Where Owls Know My Name” で達成した偉業は、真にユニークな感性で鋼鉄の慣習から羽ばたいたその勇気にあると言えるでしょう。
多様で創造性に満ち、複雑でしかし凄艶な星の一生を目撃するサイエンスフィクションは、数年前に FALLUJAH がアトモスフィアと共に導入したジャンルのパラダイムシフトをも超越し、さらに時空を行き来するタイムマシンなのかも知れませんね。
アルバムオープナー “Cancer / Moonspeak” は来たるべき運命、旅路のムードを決定づけます。まるで CYNIC のような浮遊するアンビエントは、アコースティックの響き、レトロなシンセ、ムードに満ちたクリーンボイスを伴ってリスナーを深遠なるストーリーへと誘います。
刹那、雷鳴のように鋭利なギターリフが轟くと雰囲気は一変。革命的な “The Silent Life” がスタートします。揺るぎのない無慈悲なアグレッションとインテンスは、徐々に理知的なギターと官能のサクスフォンが支配するスロウなジャズブレイクへと転換していきます。その変化は驚くほどにナチュラルでオーガニック。そうして静と動、混沌と平穏のコントラストは終盤に向けて奇跡の融解を遂げるのです。まるで人生本来の姿を描くかのように。
CANNIBAL CORPSE と KING CRIMSON が果たした未知との遭遇。例えることは容易いですが、実際、獰猛な猟奇性と神々しき英知を寸分も失うことなく一つのサウンドクラフトに収めることがどれほど困難かは想像に難くありません。何より彼らのデザインはあまりに自然で、神々の創造物のように生き生きとした姿を晒しているのですから。
厳かなクリーンボーカルを導入し、モダンなメロディックデスメタルにサイケデリックな夢幻のアトモスフィアを付与した “A Home”、激烈なアサルトに一片の叙情を込めて老衰の無常を伝える “Old Nothing” を経て辿り着く “Subtle Change (Including the Forest of Transition and Dissatisfaction Dance)” はアルバムのハイライトだと言えるでしょう。
“Epitaph” を思わせる悲壮なアコースティックをイントロダクションに据えた8分30秒のエピックは 「KING CRIMSON は僕のオールタイムフェイバリットバンドなんだよ。」と Adam が語る通りクラッシックなプログロックの息吹を全身に宿した濃密な叙情のスロウダンス。ソフトでエレガントな繊麗と、野蛮で蒼然としたアグレッションは、ギターやサクスフォン、オルガンのトラディショナルで大胆ななソロワーク、プログロックのダイナミックな変拍子やシーケンスを抱きしめながら、詩情と偉観そして奇妙なカタルシスを伴って文明の移り変わりを描く壮大なマグナムオパスを形成するのです。
一方でこの大曲には、djenty なリフワークやシンフォブラックの狂騒などコンテンポラリーな一面も散りばめられており、幽玄なクリーンボイスが創出する崇高美とも相俟って、もしかすると NE OBLIVISCARIS が纏う神秘ともシンクロしているのかも知れませんね。
続くインストゥルメンタル “Terrestria III: Wither” では、情景を切り取るポストロックのデザインを導入し、コンテンポラリーなエレクトロニカやアンビエント、インダストリアルノイズのキャンパスに冷徹かつ耽美な絵巻物を描いてみせるのですから、バンドのエクレクティックな感性、タイムラインの混沌には驚かされるばかりです。
アルバムは、バンドの審美を全て詰め込んだタイトルトラックで再度サクスフォン、ヴィンテージシンセ、クリーンボイスの温もりを呼び起こし作品のコアを認識させた後、ダークなギターがメロトロンの海を切り裂く “Capricorn / Agoratopia” で荘厳にリリカルに、一握りの寂寞を胸に秘め星の死を見届けながらその幕を閉じました。
今回弊誌では、ベース/クリーンボーカルを担当する Adam Biggs にインタビューを行うことが出来ました。まさにメタルとプログのタイムラインに交差する異形のランドマーク。モダン=多様性とするならばこの作品ほど “モダン” なスピリットを抱いた奇跡は存在しないでしょう。ex-THE FACELESS の Justin McKinney、BLACK CROWN INITIATE の Andy Thomas もゲストとして素晴らしい仕事を果たしています。どうぞ!!

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RIVERS OF NIHIL “WHERE OWLS KNOW MY NAME” : 10/10

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