タグ別アーカイブ: best new music

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DORMANT ORDEAL : TOOTH AND NAIL】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MACIEJ NIESCIORUK OF DORMANT ORDEAL !!

“I always liked intelligent intensity, something that can be enjoyed both live and at home.”

DISC REVIEW “TOOTH AND NAIL”

「このアルバムの目標は異なるものの調和だった。 スピードとブルータリティを維持しながら、よりシンプルな曲にして、テクニカルなリフを減らしたかったんだ。同じことを繰り返さないようね。このアルバムは、真のエクストリームなジャンル・ファンにとってはソフトすぎるし、メロディーを求める人にとっては激しすぎるという意見を耳にしているよ。そうして、誰もレッテルを貼れないような音楽を作ることができて、僕はとても満足なんだ」
テクデス・シーンと結びつけられることも多い、ポーランドの新星 DORMANT ORDEAL。しかし、彼らはそうしたテクニカル合戦、スピード競争から距離を置こうとしています。少なくとも、あの Willowtip からリリースされた4枚目のアルバム “Tooth and Nail” は、DEFEATED SANITY や ARCHSPIRE とは異なる場所にいることはたしかでしょう。なぜなら、彼らは技巧や速度を超越した、総合芸術としての攻撃性と獰猛さを追求しているから。
「ポーランドのブラックメタル・シーンはかなり充実しているし、ポスト・ブラックメタル・シーンはさらに混雑している。だから、いくつかの形容詞に絞り込んで表現するのはかなり難しいけど、激しく、凶暴で、機械的でありながら、一貫した知性があるという君の説明は好きだ。僕はいつも知的な激しさが好きで、ライブでも家でも楽しめるようなものが好きなんだ」
VADER に端を発するポーランドの凶暴なる音の流れは、BEHEMOTH, DECAPITATED, BATUSHKA, Mgła、そしてこの DORMANT ORDEAL という多種多様な地獄の業火を生み出してきました。彼らの炎は灼熱でありながら冷徹で、それ以上に一貫した知性と冒険への野心が漲っています。今回のインタビューイ Maciej が語るように、ライブでは当然そのエネルギーに圧倒されますが、同時に家でじっくりと腰を落ち着けて聴く時でも何かしらの新たな発見や好奇心をそそる展開が待ち受けている。そんなポーランド・エクストリーム世界の哲学を今に体現したバンドこそ、DORMANT ORDEAL なのです。
「”To fight tooth and nail” とは、全力で戦う、あらゆる手段を使う覚悟がある、簡単にはあきらめないという慣用句だ。 リリックでは、戦争のような外的なものであれ、憂鬱や自信喪失のような内面に向けられたものであれ、戦いや闘争という主題に触れている。 アートワークについては、上記のすべてを要約する試みだったよ」
“Tooth and Nail” というタイトルもふさわしく、DORMANT ORDEAL はこの作品で容赦のないブラック/デスメタルの集中砲火を届けます。周囲のすべてが破壊されていく中、塹壕の中で縮こまるような感覚。安全地帯から出ようとするたびに、容赦ない砲撃の波が再びリスナーをシェルターへと押し戻します。
そうした圧倒的で容赦のない音攻の中で彼らは、様々なスタイルを融合させながら、しかしいずれのスタイルにも完全には染まらない独自のエクストリーム・メタルを生み出しました。テクニカルなセンスが光るリフの猛攻にも、テクデスらしいフレットボードを駆け回るヒロイックな表現はありません。不協和音とメロディーの二律背反は必需品ではなく秘密兵器となり、何者にも染まらない DORMANT ORDEAL 独自の凶暴を生み出しました。
DECAPITATED のごとき激しいリズムの非人間的異変は、Mgła や BEHEMOTH を彷彿とさせるブラックメタルのエッジと溶け合い、そこにアンビエントなタッチが加わることで、ポーランドらしい強烈な中毒性と痛烈なまでに生々しいサウンドを実現。アートワークから内容まで、”Tooth and Nail” は DORMANT ORDEAL の真髄を体現しています。バンドの唯一の創設メンバーと別れるのは容易なことではありませんが、諦めずに死に物狂いの苦闘で乗り越えて、傑作にたどりつきました。揺るがぬ決意と、困難なに立ち向かうことこそメタルの真骨頂。不条理に全力で戦いぬけと、DORMANT ORDEAL は叫び続けます。
今回弊誌では、Maciej Nieścioruk にインタビューを行うことができました。「1993年に MEGADETH, METALLICA, それに SEPULTURA と CANNIVAL CORPSE を初めて聴いたときからすべてが始まったんだ。 その後、メタルのダムが決壊し、バンドはより残忍であればあるほど良くなった。とにかく、アグレッションと生々しい獰猛さを愛しているんだ。この数十年の間に僕の好みは大きく進化したけど、90年代にリリースされたこうしたのアルバムには今でも思い入れがあるね」 どうぞ！！

DORMANT ORDEAL “TOOTH AND NAIL” : 10/10

INTERVIEW WITH MACIEJ NIESCIORUK

Q1: First of all, what kind of music did you grow up listening to?

【MACIEJ】: Hi, this is Maciej, the guitar player, thanks for having me. For me, it all started in 1993 when I first heard Megadeth, Metallica, followed shortly by Sepultura and Cannibal Corpse. Then the dam broke and the more brutal the band was, the better. I loved the aggression, raw ferocity, and while my taste evolved significantly over the last couple of decades, I still have a soft spot for all these albums released in the ‘90s.

Q1: 本誌初登場です！まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか？

【MACIEJ】: やあ、ギタリストの Maciej だよ。 僕にとっては、1993年に MEGADETH, METALLICA, それに SEPULTURA と CANNIVAL CORPSE を初めて聴いたときからすべてが始まったんだ。 その後、メタルのダムが決壊し、バンドはより残忍であればあるほど良くなった。
とにかく、アグレッションと生々しい獰猛さを愛しているんだ。この数十年の間に僕の好みは大きく進化したけど、90年代にリリースされたこうしたのアルバムには今でも思い入れがあるね。

Q2: How did Dormant Ordeal begin? What is the meaning behind the band’s name?

【MACIEJ】: What was founded as a solo project of our ex-drummer, Radek Kowal, in 2005, was eventually transformed into a regular band in 2008 when Maciej Proficz (vocals) and I joined, and that’s when everything started for real. Not much was left of the initial Dormant Ordeal sound, but the name remained on Radek’s request. The name itself is an attempt to depict the state of internal struggle with no means to fight it with, but if you’d ask me today, I would say it’s just a name – every band needs one. When I hear it, I don’t think about the meaning, I think about the music first.

Q2: DORMANT ORDEAL はどのように始まったのですか？ バンド名にはどんな意味が込められていますか？

【MACIEJ】: 2005年に僕たちの元ドラマー、Radek Kowal のソロ・プロジェクトとして結成されたものが、2008年に Maciej Proficz（ヴォーカル）と僕の加入によってレギュラー・バンドへと姿を変え、そこからすべてが本格的にスタートしたんだ。
再スタートでもはや、最初の DORMANT ORDEAL のサウンドはあまり残っていなかったけど、名前は Radek の要望で残った。 この名前自体は、内なる葛藤に抗う術がない状態を表現しようとしたものだけど、もし今の僕に聞かれたら、ただの名前に過ぎないと言うだろう…象徴はどのバンドにも必要なものだ。この名前を聞いたとき、僕は意味など考えず、まず音楽のことを考えるからね。

Q3: It is often said that Dormant Ordeal is a wonderful hybrid of Behemoth and Decapitated. Are you actually inspired by these two local giants?

【MACIEJ】: There was a time when I loved Polish Death Metal, I mean Vader, Lost Soul, Hate, also Decapitated and Behemoth – all these bands have at least one or two albums that could be considered a classic. Having said that, these days I don’t really feel inspired by any of them. I draw inspirations from basically every other genre, there’s so much good music happening outside of metal. Don’t get me wrong, I was raised on metal, at this point it’s part of my DNA, but I pretty much know what music I want to make and don’t need direct inspiration coming from our own neighborhood.

Q3: DORMANT ORDEAL はBEHEMOTH と DECAPITATED の素晴らしきハイブリッドだとよく言われています。 実際にこの2つの同郷の巨人からインスピレーションを受けているのですか？

【MACIEJ】: ポーランドのメタルを愛していた時期もあったよ。VADER, LOST SOUL, HATE, それに DECAPITATED や BEHEMOTH など、こうしたバンドには名盤と言えるアルバムが少なくとも1枚か2枚はあるからね。 とはいえ、最近は彼らからインスピレーションを受けることはないんだ。
僕は基本的に他のあらゆるジャンルからインスピレーションを得ているし、メタル以外でも良い音楽はたくさんある。 誤解しないでほしいんだけど、僕はメタルで育ってきたし、今となってはDNAの一部となっている。でも、自分がどんな音楽を作りたいかは大体分かっているし、自分たちの身近なところから直接インスピレーションを得る必要はないんだよ。

Q4: Personally, I discovered Polish metal through Vader, who are like gods to me.Like Batushka and you, I feel that Polish metal is very intense, vicious, and mechanical, but it is consistent in its intelligence, would you agree?

【MACIEJ】: There’s more to Polish metal than these names we keep coming back to, but these might be the most popular ones known globally. We have a pretty solid Black metal scene and an even more crowded post-Black metal scene, so it’s rather difficult to narrow it all down to a few adjectives. I like your description, though, I always liked intelligent intensity, something that can be enjoyed both live and at home.

Q4: 前述のバンドから、BATUSHKA や Mgła、それから DORMANT ORDEAL のように、ポーランドのメタルはとても激しく、凶暴で、機械的ですが、一貫した知性がありますよね？

【MACIEJ】: ポーランドのメタルには、僕たちが何度も思い出すそうした有名な名前以外にももっと多くのものがある。でも、世界的に知られている最も人気のある名前は限られてくるね。
ポーランドのブラック・メタル・シーンはかなり充実しているし、ポスト・ブラック・メタル・シーンはさらに混雑している。だから、いくつかの形容詞に絞り込んで表現するのはかなり難しいけど、君の説明は好きだ。僕はいつも知的な激しさが好きで、ライブでも家でも楽しめるようなものが好きなんだ。

Q5: In fact, “Tooth and Nail” is a one-of-a-kind masterpiece that combines the onslaught of death metal with the evil, high intelligence, and unique mood and atmosphere of black metal! Is that where the band is going, to harmonize these different worlds?

【MACIEJ】: Thank you, you’re very kind. That for sure was the goal for this record. I wanted simpler songs, less technical riffing, while maintaining speed and brutality. After “The Grand Scheme..” I asked myself how I would approach not repeating myself with the new one and it came to me that all I need to do is write – the passage of time will take care of the rest, the result will be different no matter what. I heard opinions that the album is too soft for true genre fans and too intense for those who seek melody and this recurring issue with labeling it some people have with it makes me very happy.

Q5: 実際、”Tooth and Nail” は、デスメタルの猛攻とブラックメタルの邪悪さ、そして高い知性、独特のムードや雰囲気が融合した唯一無二の傑作ですね！
バンドが目指しているのは、こうした異なる世界の調和なのでしょうか？

【MACIEJ】: ありがとう。 とてもうれしいね。このアルバムの目標は確かにそうした異なるものの調和だった。 スピードとブルータリティを維持しながら、よりシンプルな曲にして、テクニカルなリフを減らしたかったんだ。
“The Grand Scheme…” の後、新作で同じことを繰り返さないようにするにはどうしたらいいかと自問自答した結果、ただ書けばいいんだと思いついた。あとは時が解決してくれる、結果はどうであれね。 このアルバムは、真のエクストリームなジャンル・ファンにとってはソフトすぎるし、メロディーを求める人にとっては激しすぎるという意見を耳にしているよ。そうして、誰もレッテルを貼れないような音楽を作ることができて、僕はとても満足なんだ。

Q6: Why did you choose the title “Tooth and Nail”? What is the theme of the artwork and album?

【MACIEJ】: To fight tooth and nail is an idiomatic way of saying that you’re going to fight as hard as you can, that you are ready to use every resource available and you’re not going to give up easily. Lyrically, the album touches the subject of fight and struggle, be it external like war or turned to inside like depression and self-doubt. As for the artwork, it’s an attempt to summarize all of the above.

Q6: タイトルを “Tooth and Nail” とした理由は？ アートワークとアルバムのテーマは何ですか？

【MACIEJ】: “To fight tooth and nail” とは、全力で戦う、あらゆる手段を使う覚悟がある、簡単にはあきらめないという慣用句だ。
リリックでは、戦争のような外的なものであれ、憂鬱や自信喪失のような内面に向けられたものであれ、戦いや闘争という主題に触れている。 アートワークについては、上記のすべてを要約する試みだったよ。

Q7: Did the Russian invasion of Ukraine affect this album? Poland is in very close proximity to that war.

【MACIEJ】: It did not, to be honest. Halo of Bones could be the closest thing conceptually, but it was written two months before the war even started. It was scary in the beginning, but eventually, after months of war-mongering and posturing, it naturally wore off. I mean, you can only listen to the same threats for so long before you subconsciously start to ignore them.

Q7: 戦いといえば、ロシアのウクライナ侵攻はこのアルバムに影響しましたか？ あの戦争はポーランドのすぐそばで起こっていますが。

【MACIEJ】: 正直なところ、そうではなかった。 コンセプト的には、そうした戦争の話は “Halo of Bones” が一番近いかもしれないけど、これも戦争が始まる2カ月前に書かれたものだよ。
もちろん最初のうちは戦争が怖かったけど、やがて何カ月も戦争を煽り、戦争のポーズをとっているロシアを見るうちに、自然と恐怖は薄れていった。つまり、無意識のうちに長い間、同じような脅しに耳を傾けていると、無視し始めるようになっていくものだよ。

Q8: War, division, pandemic, discrimination and oppression. The world has changed dramatically in 2020’s. What can extreme metal do in such a dark world? Is there anything you can convey because of your extreme music?

【MACIEJ】: I think that extreme metal or even metal in general can do both – it can take you to dark places or guide you towards better days. It can help you drown in self-pity or give you the energy to snap out of it. It has much to offer, and what you take from it depends on you. I don’t really want to tell anyone what to think, how to understand the lyrics or feel the music. It’s a form of art, it’s supposed to make you feel something, but everything is up to the listener.

Q8: 戦争、分断、パンデミック、差別、抑圧。 2020年代に入って、世界は劇的に変化しました。 そんな暗い世界で、エクストリームな音楽だからこそ伝えられることはあるのでしょうか？

【MACIEJ】: エクストリーム・メタル、あるいは一般的なメタルには、両方ともにできることがあると思うよ。暗い場所に連れて行くこともできるし、より良い日々に導くこともできる。 自己憐憫に溺れるのを助けることも、そこから抜け出すエネルギーを与えることもできる。 メタルには実に多くできることがあって、そこから何を得るかは結局は君次第だ。
僕は誰かに何を考えるべきか、歌詞をどう理解すべきか、音楽をどう感じるべきかを伝えたいわけではない。 メタルは芸術の一形態であって、何かを感じさせるものだけど、でもすべては聴く人次第なんだよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED MACIEJ’S LIFE!!

Sepultura “Arise”

Fear Factory “Demanufacture”

Death “Symbolic”

Cannibal Corpse “The Bleeding”

Morbid Angel “Formulas Fatal to the Flesh”

Sure thing. As I said, I’m a product of the ‘90s, so the albums that had the biggest influence on me would be something that was released back then.
Some of these albums helped me tremendously when I started playing guitar and shaped my understanding of rhythm and melody for years to come. There
are tons of albums released post-2000 that are incredible, but nothing shook my musical identity as much as these listed above.

僕は90年代の産物だから、僕に最も大きな影響を与えたアルバムは、その当時にリリースされたものだろうね。こうしたアルバムのいくつかは、僕がギターを弾き始めたときに大いに役立ち、その後何年にもわたって僕のリズムとメロディの理解を形作ってくれた。 2000年以降にリリースされたアルバムでも素晴らしいものは山ほどあるけど、上記のアルバムほど僕の音楽的アイデンティティを揺さぶったものはないね。

MESSAGE FOR JAPAN

I’m not a video game person, like at all, and I don’t know much about Japanese music, to be honest. However, I do enjoy some anime (and manga). It’s more and more present in everyday culture through platforms like Netflix and it’s overall easy to just sit and watch the entire Miyazaki’s animation collection, for example. As for my personal favorites, I enjoyed watching One Punch Man, Death Note, and also reading the Akira series. This is Dormant’s first ever interview for a Japanese webzine. Thank you for the opportunity, I’m honored. Take care, cheers!

正直なところ、僕はビデオゲームには興味がないし、日本の音楽についてもよく知らない。 でも、アニメ（や漫画）は楽しんでいるよ。Netflixのようなプラットフォームを通じて、アニメはますます日常文化に浸透しているし、例えば宮崎アニメの全集を座って見るだけでもとても楽しめるよね。個人的なお気に入りは、ワンパンマンやデスノート、そしてAKIRAシリーズを読むのが楽しかったな。DORMANT にとって、日本のウェブマガジンでのインタビューは今回が初めて。 光栄だよ。 ありがとう！

MACIEJ NIESCIORUK

DORMANT ORDEAL Facebook

DORMANT ORDEAL LINKTREE

mmmB5dvKwaCcAEznJZ

PLZ FOLLOW US ON FACEBOOK !!
BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【AGRICULTURE : THE SPIRITUAL SOUND】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH AGRICULTURE !!

“The tradition of agriculture involves practice, cultivation, technique, ingenuity, innovation, and patience. Across musical traditions these elements are also fundamental.”

DISC REVIEW “THE SPIRITUAL SOUND”

「Agriculture。農業。この名前は音韻的にも心地よい。それに加えて、農業の伝統には練習、栽培、技術、創意工夫、革新、忍耐が含まれる。 音楽の伝統全体においても、これらの要素は基本的なものだからね。良い音楽というのは、野生のまま育つこともあれば、多くの栽培と成長から生まれることもある。 私たちはその両方を持っていると思う」
指先一本でタッチすれば何でも知ることができる世界。画面をスクロールするだけで、未知の快感が無限に湧き出でて、ドーパミンが溢れ続ける時代。もちろん音楽やアートでさえ、私たちはほんの少し人差し指を動かすだけで、瞬時に生成できてしまいます。そんなすべてが刹那に消費され、麻薬のようなアルゴリズムに支配されたインスタントな世界で、私たちは実際に汗をかく、手を動かす、技術を磨く、思考をめぐらせるという文明の根幹を、あまりにも軽んじすぎてはいないでしょうか？
ロサンゼルスを拠点とする、AGRICULTURE のニュー・アルバム “The Spiritual Sound” は、そうした状況への明確な拒絶の長城として立ちはだかります。これはお手軽なプレイリストでもなければ、軽薄なバイブスでもなく、練習、栽培、技術、創意工夫、革新、忍耐を経て生まれた野生と成長の音楽作物なのです。
「そうした影響は、本当に私自身の興味に従って、私自身の人生を語ることから生まれているの。このアルバムを書くにあたって、私は浅薄なアイデンティティに基づいた文章に頼ることなく、クィアとしての自分の経験を語りたかった。 デヴィッド・ヴォイナロヴィッチ、デニス・クーパー、サミュエル・ディレイニーなどの作家による初期のクィア文学は、その方法を見つけるのに役立ったわ。 何よりも私の目標は、私たちが慣れ親しんでいる一口サイズの表面的なクィアのイメージや物語、ミームよりも、クィアライフの全体像を描くことだったわ」
そうした AGRICULTURE の実り大き作物 “The Spiritual Sound” は、その全編を通して、両極端を貫く物語の弧を描いていきます。それは決して、インスタントなプレイリストのアルゴリズムには到達できない境地。A面は焼けつくようなカタルシス、B面はゆっくりと燃え上がる、信仰深い底流。つまりこのアルバムは、バンドの二人の主要ソングライター、Dan Meyer と Leah B. Levinson の個性とヴィジョンが見事に融合し補完し合ったもの。
Dan は、ノイズを通して神とチャネリングでもするかのように、菩提達磨と禅宗、歴史的崩壊、恍惚とした悲しみを歌い上げます。一方で Leah の個性はクィア (既存の性別や性的指向の枠に当てはまらない多様なセクシュアリティやジェンダーアイデンティティを包括的に指す言葉) の歴史とエイズ時代の文学に根ざしていて、息苦しい霧に包まれた現代社会において、少数派が日々の儀式のように生き抜くことの重荷を描いていきます。
Leah の歌詞は、クィア・コミュニティとその集団的闘争を、ブランド化や神話化、ミーム化に陥れることなく、いかに尊重するか、いかに誠実であり続けるか、抑圧や恐怖に対していかに今を生き抜くかを実体験を通して深い場所から伝えていきます。そうして、Dan と Leah、それぞれ異なる個性を持ちながらも、ふたりの声は唯一無二のスピリチュアルな場所でつながり、収束していきます。
「僕たちは皆、物事をどう見るかによって、自分、演奏者、そして聴衆の双方を、別のレベルの関わり合い、あるいは離脱へと導いてくれる音楽を大切にしている。 そうやって、音楽に没頭すること、計り知れない感情、特に喜びで満たされることが僕らの喜びなんだ。 僕たちの演奏を見て、人々はよく “ワオ、エクスタティックだった！” と言ってくれるからね」
最もヘヴィな音楽とは、最も深い感情的な繋がりを生み出す音楽のはずです。そうした意味で、”The Spiritual Sound” はまさに心底ヘヴィで心を射抜く、エクスタティック・ブラックメタル。感情の極限を、叫び声とシュレッド、崩壊と希望、静と動、ミニマルとマキシマル、そして美麗なノイズの洪水で織りなす彼らの音楽は、まさに “恍惚” を誘うブラックメタル。その激しさの中で、思慮深く内省的な歌詞を紡ぎ、世界の闇と光の二面性を考察していきます。だからこそ、多くのバンドが暗がりのみを競い合うブラックメタルというジャンルにおいて、AGRICULTURE のアプローチはインスタントとはほど遠く、爽快なほど人間味に満ちているのです。
今回弊誌では、AGRICULTURE にインタビューを行うことができました。「宮崎駿監督の映画も大好きで、他にも “オーディション”, “リング”, “薔薇の葬列”, “たんぽぽ”, “House ハウス” などが大好き。 中でも “薔薇の葬列” は、トランス性愛をテーマにした映画史上最高の作品だと思う。 最近では、蛭子能収の漫画にもハマっているよ」 どうぞ！！

AGRICULTURE “THE SPIRITUAL SOUND” : 10/10

INTERVIEW WITH AGRICULTURE

Q1: First of all, what kind of music did you grow up listening to?

【RICHARD】: I grew up listening to a lot of Jazz, classical, and metal. When I was a teenager I got really into Van Halen and Children of Bodom, as well as a lot of the Thrash Metal from where I grew up in the East Bay. When I was at university I became very interested in the music of 20th century classical composers like György Ligeti and Toru Takemitsu.

【KERN】: We all grew up listening to pretty diverse things. For me it was a lot of punk, post-punk, jazz and experimental music. My first favorite band was AFI. Then later, groups like Deerhoof and The Fall were super inspiring, as well as the Miles Davis albums Bitches Brew and Miles Smiles. And Sun Ra is maybe my all time favorite musician.

Q1: 本誌初登場です！まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか？

【RICHARD】: ジャズ、クラシック、メタルをたくさん聴いて育ったよ。10代の頃は VAN HALEN や CHILDREN OF BODOM に夢中になり、イーストベイで育ったから地元のスラッシュ・メタルにも熱中していたよ。それから大学時代には、György Ligeti や武満徹といった20世紀のクラシック音楽作曲家の音楽に強い関心を持つようになったね。

【KERN】: 僕たちはみんな、かなり多様な音楽を聴いて育ったんだ。僕の場合は、パンク、ポストパンク、ジャズ、実験音楽など、色々な音楽を聴いて育ったよ。最初に好きになったバンドはAFIだったね。その後、DEERHOOF や THE FALL といったグループ、そして Miles Davis のアルバム “Bitches Brew” や “Miles Smiles” にもとても刺激を受けていった。そして、Sun Ra はおそらく僕の一番好きなミュージシャンだろうな。

Q2: How did Dan and Leah meet? What made you have a good chemistry?

【LEAH】: We knew each other for a year or two through the experimental music scene in LA. Kern and I knew each other for about as long, but I didn’t know either very well until joining the band when they needed a bassist.
We all have different places where our creative interests and tastes overlap. Dan and I differ wildly in music and art we are drawn to, but we share a lot of common ground in the ways we think and talk about music. And we can usually agree on things we think are truly great. It makes for good collaboration because we can counterbalance and challenge each other while staying on the same page.

Q2: AGRICULTURE の中心人物は、Dan と Leah だと伺っていますが、ふたりの出会いはどんなきっかけでしたか？ また、ケミストリーが生まれた理由はなんだったんですか？

【LEAH】: 私たちはLAの実験音楽シーンを通じて1, 2年前から知り合いだった。Kern と私も同じくらい前から知りあいだったけど、彼らがベーシストを必要として私がバンドに加わるまで、どちらもよくは知らなかったの。
私たちは皆、クリエイティブな興味や嗜好が重なる場所がそれぞれ違う。Dan と私は、惹かれる音楽や芸術は大きく異なるけど、音楽についての考え方や話し方には共通点が多い。そして、本当に素晴らしいと思うものについては、たいてい意見が一致するよ。 同じページにいながら、互いにバランスを取り、挑戦し合うことができるから、いいコラボレーションができるんだ。

Q3: Agriculture is the origin and integral part of civilized humanity, but to name a band after it is surprising. Why did you choose this name?

【KERN】: It sounds cool! At least in English.

【RICHARD】: as Kern said, the name is phonetically pleasing. In addition to that, the tradition of agriculture involves practice, cultivation, technique, ingenuity, innovation, and patience. Across musical traditions these elements are also fundamental.

Q3: “農業” とは文明人の原点であり、不可欠な要素ですよね。しかし、この言葉をバンド名に選ぶとは驚きです。

【KERN】: クールな響きだからね。少なくとも英語では 。

【RICHARD】: Kern が言ったように、この名前は音韻的にも心地よい。それに加えて、農業の伝統には練習、栽培、技術、創意工夫、革新、忍耐が含まれる。 音楽の伝統全体においても、これらの要素は基本的なものだからね。

Q4: In fact, your music is like “Agriculture” in its own right. It takes time, thought, and ingenuity to harvest. That is why you can produce a tasty crop. Art in complete albums, not playlists. Very different from the instant, artificial, consumed music or culture of today, would you agree?

【RICHARD】: I completely agree with you.

【LEAH】: Good music can either grow in the wild or come from a great deal of cultivation and growth. I think we have a little of both.

Q4: 実際、あなたの音楽はそれ自体が “農業” のようなものですよね。 農業も音楽も、収穫には時間と思考と工夫が必要です。 だからこそ、実り大き作物ができるのです。 AGRICULTURE の音楽は、プレイリストではなく、完全なアルバムでの芸術。 インスタントで、人工的で、消費される今日の音楽や文化とはまったく違いますね？

【RICHARD】: 完全に同意するよ。

【LEAH】: 良い音楽というのは、野生のまま育つこともあれば、多くの栽培と成長から生まれることもある。 私たちはその両方を持っていると思うよ。

Q5: Leah’s influence on queer and AIDS literature also suggests that “The Spiritual Sound” is more about minorities and those who struggle with oppression and pain. What is the meaning of this record in today’s America, world, and SNS, where totalitarianism, xenophobia, discrimination, violence, and falsehoods are commonplace?

【LEAH】: Those influences really come from me following my own interests and speaking to my own life. Writing this record, I wanted to speak to my experience as a queer person without resorting to shallow identity-based writing. Earlier queer literature by writers like David Wojnarowicz, Dennis Cooper, and Samuel Delaney, among others, helped me find ways of doing that. More than anything, my goal was to paint a fuller picture of queer life than the bite-sized images, stories, and memes we are used to.

Q5: Leah がクィア文学やエイズ文学に影響を受けたことも、”Spiritual Sound” がマイノリティや抑圧や痛みと闘う人々についての作品であることを示唆していますね。
全体主義、排外主義、差別、暴力、虚偽がまかり通る今日のアメリカ、世界、そしてSNSにおいて、このレコードにはどんな意味があるのでしょうか？

【LEAH】: そうした影響は、本当に私自身の興味に従って、私自身の人生を語ることから生まれているの。このアルバムを書くにあたって、私は浅薄なアイデンティティに基づいた文章に頼ることなく、クィアとしての自分の経験を語りたかった。
デヴィッド・ヴォイナロヴィッチ、デニス・クーパー、サミュエル・ディレイニーなどの作家による初期のクィア文学は、その方法を見つけるのに役立ったわ。 何よりも私の目標は、私たちが慣れ親しんでいる一口サイズの表面的なクィアのイメージや物語、ミームよりも、クィアライフの全体像を描くことだったわ。

Q6: You call yourself Ecstatic Black Metal. Ecstatic” has many meanings, but what is your intention in calling yourself “Ecstatic”?

【KERN】: “Ecstatic” feels more modest and approachable than “transcendant”
We all value music that bring both us, the players, and the audience to another level of either engagement or detachment, depending on how you look at things. To lose yourself on the music, to be filled with immense feelings, especially of joy. And people very often tell us “wow that was ecstatic!” when they see us play, so it seems to be the right word.

Q6: あなたは自らをエクスタティック・ブラックメタルと呼んでいます。”Ecstatic” にはさまざまな意味がありますが、あなたが “Ecstatic” と名乗る意図はどこにあるんですか？

【KERN】: “Ecstatic” は、”Transcendant” よりも控えめで親しみやすい感じがする。
僕たちは皆、物事をどう見るかによって、自分、演奏者、そして聴衆の双方を、別のレベルの関わり合い、あるいは離脱へと導いてくれる音楽を大切にしている。 そうやって、音楽に没頭すること、計り知れない感情、特に喜びで満たされることが僕らの喜びなんだ。 僕たちの演奏を見て、人々はよく “ワオ、エクスタティックだった！” と言ってくれるからね。

Q7: What do you think is the message or spirituality that can be conveyed today because of extreme music like heavy metal and noise?

【RICHARD】: I have always felt that music is spiritual. It requires devotion, practice, and self-reflection, and it can facilitate fellowship and community. The process of composition helps me understand myself, while performance allows me to engage in fellowship with my bandmates as well as the listeners. There is something so powerful about being in the middle of a set, playing this really intense music, and looking up and feeling the pure energy that is being transmitted between the four of us on stage, and then looking out to the audience and feeling the symbiotic transmission of energy with them as well.

Q7: ヘヴィ・メタルやノイズのような過激な音楽だからこそ、今の世界に伝えられるメッセージや精神性とは何だと思いますか？

【RICHARD】: 音楽はスピリチュアルなものだと僕はいつも感じている。 音楽は献身と練習と内省を必要とし、親睦と共同体を促進する。 作曲のプロセスは自分自身を理解するのに役立つし、演奏はバンド・メンバーや聴衆との親睦を深めるのに役立つ。
セットの途中で、本当に激しい音楽を演奏しているとき、顔を上げてステージ上の4人の間に伝わっている純粋なエネルギーを感じ、さらに観客の方を見て、彼らとのエネルギーの共生的な伝達を感じるのは、とてもパワフルなことだよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED AGRICULTURE’ S LIFE!!

DEERHOOF “The Runners Four” (Kern)

VAN HALEN “Van Halen” (Richard)

LAUREL HALO “Quarantine” (Leah)

JACO PASTORIUS “Jaco Pastorius” (Leah)

THE VELVET UNDERGROUND & NICO “The Velvet Underground & Nico” (Leah)

MESSAGE FOR JAPAN

Kern: I grew up watching anime like Dragonball Z, Gundam Wing, Robotech and other shows of that era. They were actually HUGELY influential on how I play drums. When I first started playing extreme music I often imagined myself launching barrages of missiles or energy blasts as I hit the drums.

Richard: there are many aspects of Japanese culture that have been important in my life. I love the films of Akira Kurosawa, and the music of Toru Takemitsu. I am also a big Jiu-Jitsu fan. And, of course, as someone who grew up by the Pacific Ocean, I eat a ton of sushi. I visited Tokyo in 2014 and had an amazing time exploring such a lovely city!

Leah: Japanese video games have had an immeasurable influence on me at various points in my life. I grew up obsessed with Sonic, Mario, F-Zero, Fire Emblem, and Pokemon games. later got into games like Dark Souls and Bloodborne by From Software. I’ve also always loved the films of Hayao Miyazaki as well as films like Audition, Ring, Funeral Parade of Roses, Tampopo, and House among others. I think Funeral Parade of Roses is still the greatest film ever made about transness. More recently, I’ve gotten into the comics of Ebisu Yoshikazu.
Lastly, music. Experimental artists like Otomo Yoshihide, Sachiko M, Nobukazu Takemura, and Toshimaru Nakemura have been hugely influential to me. Those artists and noise artists like Hanatarash, Keiji Haino, Merzbow, and Hijokaidan pushed my ideas of how extreme music can be when I was in my young 20s. YMO and Haruomi Hosono are also favorites alongside Susumu Hirasawa, Plastics, Takako Minekawa, and Boredoms. Boris are absolute legends and huge inspirations. We’ve been honored to tour with them recently. I also think Les Rallizes Denudes is an all-time great band.
Long story short, Japanese culture is legendary. Thank you for all the good stuff!

Kern : ドラゴンボールZ、ガンダムW、マクロスなど、当時のアニメを見て育ったんだ。そうしたアニメは、僕がドラムを演奏する上で大きな影響を与えたんだよ。エクストリーム・ミュージックを始めたばかりの頃は、ドラムを叩きながらミサイルやエネルギーの爆発を発射している自分をよく想像していた。

RICHARD：僕の人生にとって重要な日本文化はたくさんある。 黒澤明の映画も好きだし、武満徹の音楽も好きだ。 柔術の大ファンでもある。 そしてもちろん、太平洋のそばで育った人間として、僕は大量の寿司を食べる。 2014年には東京を訪れ、素敵な街を探索し、素晴らしい時間を過ごせたんだ！

Leah：日本のビデオゲームは、私の人生に計り知れない影響を与えてきた。 ソニック、マリオ、F-ZERO、ファイアー・エムブレム、ポケモンのゲームに夢中になって育ち、その後、フロム・ソフトウェアのダークソウルやブラッドボーンのようなゲームに夢中になったのよ。 宮崎駿監督の映画も大好きで、他にも “オーディション”, “リング”, “薔薇の葬列”, “たんぽぽ”, “House ハウス” などが大好き。 中でも “薔薇の葬列” は、トランス性愛をテーマにした映画史上最高の作品だと思う。 最近では、蛭子能収の漫画にもハマっているよ。
最後に音楽。 大友良英、Sachiko M、竹村延和、中村としまるといった実験的なアーティストは、私に大きな影響を与えてくれた。 そうしたアーティストやハナタラシ、灰野敬二、Merzbow、非常階段などのノイズ・アーティストは、私が20代の若かった頃、エクストリームな音楽とはどのようなものかという考えを押し進めてくれたね。YMOや細野晴臣も、平沢進、プラスチックス、嶺川貴子、ボアダムスと並んでお気に入りよ。それから Boris は絶対的なレジェンドで、大きなインスピレーションを与えてくれる。 最近、彼らと一緒にツアーができて光栄だった。 また、Les Rallizes Denudes はオールタイムで素晴らしいバンドだと思う。長くなったけど、日本の文化は伝説的。良い文化をありがとう！

AGRICULTURE

AGRICULTURE Bandcamp

AGRICULTURE Facebook

mmmB5dvKwaCcAEznJZ

PLZ FOLLOW US ON FACEBOOK !!
BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【THE PRETTY WILD : ZERO.POINT.GENESIS】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

COVER STORY : THE PRETTY WILD “zero.point.genesis”

“The Paranormal Is Normal For Us”

zero.point.genesis”

ラスベガスを拠点とする姉妹デュオ、THE PRETTY WILD は、トラウマ、神秘主義、そして女性の怒りを、神話的でジャンルを超越した探求に込めています。そうして、Sumerian Recordsよりリリースされたデビュー・フルアルバム “zero.point.genesis” は、未知への幻想的な欲求を体現した作品群となったのです。
Jyl と Jules の Wylde 姉妹は、超常現象のテーマと彼女たち反骨精神を織り交ぜ、今や実験精神の代名詞となっています。昨年、画期的なシングル “sLeepwAlkeR” をリリースして以来、彼女たちはメタル・シーンで躍進を続け、女性らしさと激しさのバランスを力強く取りながら、他のアーティストとは一線を画す存在感を発揮しています。
デビューアルバムのリリース後も、姉妹にはタイトなスケジュールが待っています。来年2月から3月にかけて、SLEEP THEORY の2026年ヨーロッパツアーのサポートツアーに出る予定。また、Welcome To Rockville と Inkcarceration でフェスデビューを果たしたふたりは、2026年にはSonic Temple、Download、Vainstream Rockfest のステージでも世界をを席巻する予定なのです。
SLEEP THEORY との公演では、デビュー・アルバムを全曲演奏する予定ですが、Jules と Jyl はこの記念碑的なリリースの現実をまだ実感できていないと語る。
「レコードを手にするまでは、本当にリアルで、すごく直感的に感じられることはないと思う。でも、その時になって初めて、何かが腑に落ちるかもしれない」
「このアルバムは、私たちが曲作りに着手する前から、自分たちの中で取り組んで体現してきたたくさんのものの集大成。だから、それが現実に形になるのを見るのは、本当に信じられない気持ちだよ」
むき出しの脆さと神聖なエネルギーに突き動かされた “zero.point.genesis” は、恐れを知らない精神を伝えています。”PARADOX” や “hALf aLiVE” といった自由奔放なトラックを通して、Wylde 姉妹は神秘と深い自己省察の両方を体現しているのです。
「このアルバムは、多くの点で、女性らしさが芽生えていく作品なの」と Jyl は語ります。 「姉妹として、私たちが互いに自信を深め、エネルギーを持ち、それを維持していくのは、本当に素晴らしい進化だった。他の女性たちにも同じように感じてもらえるように、有害な女性らしさを捨て去り、協力的なエネルギーを真に受け入れ、力を合わせれば、もっと力強くなれることを実感できたんだ」

ニューアルバムのサウンドについて、Jules はこう語っています「私たちはクリエイティブな面で成長し、様々な方法で自分たちを追い込んできたと思う。色々なことに挑戦したよ。楽器編成だけでなく、ボーカル・パート、そして楽曲の成熟度や深みといった点でも、様々な領域に挑戦していった」
このアルバムは崩壊と再生のアルバムだと Jyl は表現しています。
「完全なコンセプトアルバムだよ。多くのテーマは、体系的なプログラム、社会的なプログラム、そうした規範を覆すことから生まれている。プログラムされている時は、それが自分にとってどれほど病的だったり、惨めだったりするのか気づかないんだよね。それが当たり前になってしまっているから。それが健康的ではなかった、自分には向いていなかったと気づき始めるまで、そこから引き離されるまで、そのことに気づかない。そしてそこから抜け出すと、過去の自分への悲しみに苛まれる部分があり、このアルバムの大部分はその悲しみを探求しているんだ。特に女性としての力。女性らしさを失わずに生きるためのロールモデルは、私の意見では、これまであまり多くなかったからね」
アルバムには、時代を超えた神話がインスピレーションを与えていると Jules が付け加えます。
「作品の多くは、少し古風だけど時代を超えた文学の世界から着想を得ているの。多くの曲で悲劇に触れたり、ギリシャ神話やローマ神話に触れたり。そういったクールで時代を超越した作品が、私たちに影響を与えてきたんだよね。コンセプト・アルバムについて言えば、BRING ME THE HORIZON の “NeX GEn”、あれは素晴らしいアルバムね。私たちはあのアルバムの大ファンなの。聴いている人をその世界に引き込み、12曲、14曲、15曲も続けて聴けるような感覚にさせてくれるのは、本当に素晴らしいと思う」

このアルバムは、個人的な要素が込められていると同時に、真摯な作品でもあります。姉妹は、このアルバムをここ数年で自分たちについて深めてきた理解、そのすべての集大成だと表現しています。このプロジェクトは意図的に多層的な構成になっていますが、真の女性らしさを受け入れ、探求を学ぶことが、このアルバムの大きな目的となっているのです。
「アルバム全体が神秘主義に根ざしていることは周知の事実だよ」と Jyl は語ります。「アルバムは、自分自身を取り戻し、自分の影と向き合い、多くの内なる子供心に向き合い、そして、体系的に見て、女性たちの育てられ方の多くが必ずしもお互いや社会のためになっていないことに気づくことについて…でも、誰かの気持ちを理解し、その気持ちに寄り添うまで、有害だと気づかないようなことがたくさんあるんだよね。このアルバムには、まさにその反発のエネルギーが詰まっているの」
全11曲を通して、”zero.point.genesis” は劇的な要素と、怒りと、魅力を鋭く織り交ぜたサウンドを融合させ、サウンド的にも精神的にも束縛されることを拒むアルバムとなりました。そしてヴァンパイアのような “living ded” であれ、ダークでロマンチックな “AFTERLIFE (feat. Magnolia Park)” であれ、このアルバムに収録されているすべての曲は、それぞれが独自の物語として際立っているのです。
映画、演劇、そして超常現象から音楽的インスピレーションを得ている THE PRETTY WYLDE の楽曲はどれも、それぞれが独自の映画的世界観を紡いでいます。神話や超自然的な伝説に深く影響を受けたふたりは、そうした物語を独自の不気味で神秘的なな芸術性に取り入れているのです。
「自分が経験しているありふれた日常の出来事を、より大きな神話の弧へと結びつけていくんだ」と Jyl は言います。「そうやって、物事の中に多くの類似点を見出していく。神話は、自分が経験している辛いことに対処するための教科書だと感じることがあるんだよね」

“Button Eyes” のビジュアルも実にシアトリカルで革命的。作曲中、すでにビジュアルやミュージックビデオのことを考えているのでしょうか？
「Jules は演劇の世界出身だから」 と Jyl は胸を張ります。「特に私たちの場合は、ただ歌を歌うのではなく、曲全体を通して風景を思い描いて書いて、演奏しているんだ。ファッションから舞台装置まで、私たちが作り上げている世界観を思い描いてね。だから、聴いてくれる人たちは、私たちがエネルギッシュに表現しようとしている芸術的な空間に引き込まれる。商業的な枠組みの中では、そうするのは難しいこともあるけどね。でも、私たちは自分たちのやり方を見つけているよ。特にこの次の作品では、その世界観がより現実のものになると思う」
つまり、THE PRETTY WILD は音楽を超えた総合芸術だと Jules は考えています。
「これからファッションの要素をもっと深く掘り下げていくつもり。私たちにとってアートとは、音楽以上の深い意味を持っているの。それは、私たちが築き上げている精神や世界観についても同じ。そして、その要素の多くは、ビデオやファッション、ヘアメイクといったクリエイティブな決断を通して表現されるの。どの時代をチャネリングするか、バロックの要素を取り入れているかどうか、クラシックの要素を混ぜているか、Nu-metal とミックスしているか…そうやって考えながらね。これはちょっと面白い組み合わせよね」
Jules に “叫び方” を教えたのは Jyl でした。
「実は、Jyl がスタジオで叫ぶ方法を教えてくれたんだ。初めて曲の中で本気で叫んだのは “Sleepwalker” の時だった。だから今、”Sleepwalker” を聴き返すと、ああ、もっとうまくできたはずって思うんだよね。でも、ちょっと面白かったよ。それから、ハーシュなボーカルに関しては、私たち二人とも似たような感じになることが多いのよね。でも、私は低音パートをシャウトすることが多いのに対して、Jyl は高音パート、ザラザラした感じの部分を多用する傾向にあるかな」
Jyl が “Sleepwalker” に込められたメッセージを伝えます。
「この曲の芸術的なメッセージは、女性が怒りと甘さを同時に抱えているという二面性だと思う。だから、音楽にはその両方が必要だったんだ。みんな “メロディックなクリーンボーカルを作るのは本当に難しい” って言うんだけど、私たちは “なんとかするよ” って感じなんだよね」

クラシック音楽は、メタルコア、Nu-metal と並んで THE PRETTY WILD の大きなインスピレーションとなっていると Jyl は語ります。
「クラシック音楽はずっと私たちの共通のテーマ。クラシック音楽は私たちのホームベースだから、THE PRETTY WILD にクラシック音楽を取り入れる必要があったのよ。当然のことだった。それから、私はダークポップが大好きで、ダークポップのメロディーも、ダークポップの構造も大好きなの。私にとって、オルタナティブ・ダークポップはまさにバイブス。そして Jules は間違いなくメタルシーンに根ざしている。だから、すべてがうまく機能したんだよ」
同じ精神を共有していると感じているアーティストは誰でしょう？Jyl と Jules が答えます。
「ジャック・ホワイトが好き。THE CIVIL WARS にはいつも大きな影響を受けているよ。サウンド的には、最小限の楽器編成で観客を惹きつけている。彼らのエネルギーには、そうさせる特別な力があるよね。それは間違いなく大きなインスピレーションだよ。私は何でも聴きくかな」
「明らかにメインストリームと言えるのは、LINKIN PARK の美学と Nu-metal だね。彼らは真に様々なジャンルを融合させ、その後シーンを築き上げた他のバンドと共に、パイオニア的存在となった。Jyl が言ったように、私たちは様々な理由で、実に様々なバンドやアーティストが融合した存在なので、単純にどれかを切り離して考えるのは難しいんだよね」
バンドの音楽的アイデンティティに関して言えば、THE PRETTY WILD は社会や業界の基準に従わず、常に自分自身に忠実であり続けることと同義になっています。だからこそ、意外なことに今日ではダーク・メタルコアで知られるこの姉妹は、当初はオルタナティブ・カントリー・アーティストとして音楽シーンに登場していたのです。
“y’allternative（ヤオールオルタナティブ）” というジャンルの先駆者である THE PRETTY WILD は、2022年に “XANAX & CHAMPAGNE” や “Eastwood” といったカントリーのシングルでデビューしました。しかし、この姉妹はカントリーからメタルへの旅は必然だったと考えています。
「自分たちが伝統的なジャンルにおいて、伝統的ではないことに気づいたんだ」と Jyl は説明します。「当時、自分たちがカントリーのシーンにいた頃は、あまりにも多くのルールを破ろうとしていた。それが当時の私たちにとっては本物だったから。でも、”自分たちに抵抗する人たちのエネルギーに囲まれたくない” と気づいたんだよね。そうして、より多様なメタルに根ざした、より共鳴するものを見つけたんだ」

サウンドは進化を遂げてきたものの、この二人の特徴であるリリカルな詩情と骨太なストーリーテリングの感覚は、カントリー/オルタナティブ時代からずっと変わっていません。Jules は、当時のレーベルを離れて以来、オルタナティブ・シーンから離れたことが、自分たちにとってプラスに働いたと語ります。
「私たちは普通じゃないのが普通なの。私たちは、あのシーンの人たちより、クリエイティブに奇抜なことをすることができたんだ。そして、それが今の、よりヘヴィなトーンへと進化し始めた。それはずっと私の興味の対象だったから。私はかなり若い頃からずっとメタルに夢中だったんだけど、Jyl はもっとダークでガーリーなポップなジャンルから来ている。だから、私たちの曲の多くには、ヘヴィなブレイクダウンやクラシカルな要素がある一方で、ポップなコーラスにはダークなコンセプトが盛り込まれている。陳腐に聞こえるかもしれないけど、そうした多様性が今の私たちを形作ったんだ」
今、THE PRETTY WILD は型破りで社会の流れに逆らうことを目指す、揺るぎない音楽的精神で進んでいます。ルールを破ること、いや、ジャンルの壁を壊すことを恐れない姉妹は、自分たちにある “内面を見つめる能力” こそが、メタル・シーンの他のアーティストたちと一線を画すものだと言います。
「何が起こっているのか、ある程度は把握していなければならないんだ」と Jules は言います。「でも、コンセプトやアイデアを思いついたり、曲をカットしたりする時は、あまり深く考えないんだ。スタジオはとてもプライベートな空間で、もちろん防音対策も万全で、他のことは考えない。だから、ただ自分が作りたいものを作り、それを心から誇りに思えるんだ。もちろん、それを人に見せたい気持ちはあるけれど、何よりもまず、自分のために音楽を作っているからね」

Jyl がこう付け加えます。「ルールに気を配ることはできるけど、最終的には自分の感覚に従うしかない。ルールを学ぶことは大切。でも、もしそれが自分のすべきことではないと感じたり、何か違うものが必要だと感じたら、その感覚に身を任せればいいんだよ。
いつもみんなに “予想外のことが起こることを期待して” と言っている。私たちは常に、まるでクリエイティブ・マシンみたいに、情熱とエネルギーとアイデアを次々と生み出していて、それが止まることはないんだよ。
だから、私たちの頭の中にあるものを現実のものにし、私たちが恋に落ちたこの世界を描き、みんなに届けられることを、本当に楽しみにしているんだ。
そして、正直に言って、周りの人たち、特に女性たちにインスピレーションを与えたいと思っているの。違った考え方をすることで、感情を大切にすることで、女性が大きな創造力を持っていることに気づくことができる。それが私たちにとって本当に大切なことなんだ。そして、それを実際に見せ、実証し、現実のものにしていくのよ！」
最終的に、THE PRETTY WILD は、彼女たちの名前が象徴するもの、つまり美しさと怒り、光と闇、意志と大胆さを体現しています。そうしてこの姉妹は、デュオの初となるフル・アルバムを通して、彼女たちは未知なるものを信じ、壁を壊し、リスナーにも縛られないことを望んでいるのです。
「特に女性なら、自分の直感に耳を傾け、感情を受け入れるべきだよ。だって、それがあなたのスーパーパワーだから」と Jyl は言います。「そして、このアルバムは最終的に、女性が直感と感情全てを取り戻し、自分の感情を表現することを恐れないことをテーマとしているの。同じ言葉、同じ音楽の中で、美しさと怒りを表現することはできる。それは何も悪いことじゃない。健全なことなのよ」
最後に、このアルバムはふたりにとってどんな存在となるのでしょう？
「まるでビッグバンの瞬間のように、この無形のものが誕生したんだ。創造性が強迫的に爆発しているんだよね。最初から最後まで、まるで旅のようで、アルバムは私たちを様々な場所へと連れて行ってくれる。混沌としているけど、それがバンドの起源なの。
アルバム全体を通して、社会によって自分自身から切り離せと言われてきた部分を取り戻すことについて歌っている。だからこそ、このアルバムは混沌としていて、生々しく、叫び声のような、それでいて美しいものでもあるんだ。なぜなら、切り離されたものを再び統合した時、そこに美しさが生まれるから。多くの人は闇を見て怖がると思うけど、私たちは真っ逆さまに闇に飛び込むの。そうすれば、もう闇を恐れなくなるからね。闇は私たちをコントロールできなる。その価値観を得た日が新たな人生の誕生日であり、世界へと自分自身を導くための、新しい知覚レンズなんだと思うよ」

参考文献: NEW NOISE MAG:INTERVIEW: THE PRETTY WILD TALK ‘ZERO.POINT.GENESIS’

HARDBEAT :Interview with The Pretty Wild

v13net:METALThe Pretty Wild: “When people can take you into this world and you feel like you’re there for 12, 14, 15 tracks, it’s really admirable…”

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MORON POLICE : PACHINKO】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SONDRE SKOLLEVOLL OF MORON POLICE !!

“Especially the JRPGs, went on to influence millions of kids, who then, because of the music in these games, had a natural inclination towards progressive rock/metal (and classical too, to an extent). It was basically prog rock/metal, just on a Super Nintendo/Playstation!”

DISC REVIEW “PACHINKO”

「世界は年を追うごとに暗くなっているように思えるね。 インターネットが普及し、ソーシャルメディアが発達したことで、僕たちはあらゆるものを見聞きし、何らかの形でそうしたノイズに関わらざるを得なくなったからだ。 これはとても、とても憂鬱なことだよね。そんな世界でノルウェーの小さなバンドが世界中に広がり、こんなにも遠い日本という岸辺に居場所を見つけることができるなんて、不思議なことだ。でも、これってインターネットってこうして僕たちを引き合わせるものであって、引き離すものではないということを示す素晴らしい例だと思う！」
今や世界は、インターネットとSNSに支配されています。分断や差別を煽るだけの無責任かつ野放図なアルゴリズムは、ただただ悪意と対立を感染させる狂気のウィルスとして日々世界中にばら撒かれています。現代を生きる私たちに、そこから逃れるすべはありません。インターネットなしで生きることのできない私たちには、そうしたノイズを完全に遮断することなど不可能なのです。
しかし、インターネットやSNSは本来、人と人、好きと好きをつなげるポジティブなツールであるべきでしょう。ノルウェーの美しき海辺の街、ベルゲンから世界に旅立った MORON POLICE は、彼らの音楽が遠き日本の岸辺へと届き、この国で人気を博すこととなった現代の “メッセージ・イン・ザ・ボトル” こそがインターネットのあるべき姿だと胸を張ります。
「これは近未来の東京で、ある男が悪魔によってパチンコ台にされてしまうというコンセプト・アルバムなんだ。ストーリーが日本を舞台にしているからというのが一番の理由なんだけどね！ それに、僕は日本に興味があるからね！ 祖父母と叔父が80年代に確か3年間日本に住んでいて、日本から輸出されるさまざまな文化を見て育ったから、日本の文化や歴史、さまざまな自然に興味があるんだ。それから、アイヌの人々にはとても興味があって、いつか北海道を訪れてみたいと思っているんだ。”Hanabi” については、北野武監督の同名の映画にちなんだ楽曲なんだ」
だからこそ、MORON POLICE の心臓、Sondre Skollevoll は最新作の舞台に日本と “パチンコ” を選びました。実際、このミュージカルのようにカラフルな、そしてジェットコースターのように目まぐるしい風変わりなアルバムに “パチンコ” というタイトルは完璧にフィットしています。現実世界から逃避できる、光のような高揚感も音楽的な射倖心を煽ります。ただし、パチンコに闇があるように、この作品にも暗がりは存在していました。それは、Sondre の親友で長年の相棒でもあったドラマー、Thore Omland Pettersen の死去でした。
「”Pachinko” は彼が亡くなる前にすでに書かれていて、彼はアルバムの曲を知っていた。だから僕たちは、彼のためにもアルバムを完成させたかったんだ。僕が唯一得意なのは音楽を作ることだけど、彼がいなければ同じようにはいかないね。 正直、彼が亡くなってからあまり音楽を作っていないんだけど、それでも今でも演奏するのは楽しいよ。これから僕らの音楽はもっと増えるだろう。それが彼の遺産を称えることであり、2008年に僕たちが始めたことを称えることだと考えているよ。 彼の死を理由に MORON POLICE を終わらせてしまったら、彼は本当に本当に怒ると思うからね」
2022年に不慮の交通事故で亡くなってしまった親友にしてバンドの盟友。Sondre は真剣に、MORON POLICE の終焉を考えました。しかし、それは決して亡き Thore の望みではないと思い直します。そして、Thore も携わっていた “Pachinko” は思わぬ形で完成を見ました。亡き Thore が心酔していた THE DILLINGER ESCAPE PLAN、Billy Rymer の参加です。そうして、ポップとプログ、そしてゲーム音楽のクロスオーバーとして名を上げた MORON POLICE の音楽は、そこにハードコアと混沌を取り入れることでさらなる進化を遂げました。高揚感と遊び心、繊細と優雅の狭間にパンチの効いたアクセントを取り入れたアルバムは、まさに前人未聴。誰も聴いたことのないオープンワールド・ミュージックの傑作として、紆余曲折の末、遂にリスナーの元に届きます。
今回弊誌では、Sondre Skollevoll にインタビューを行うことができました。「JRPGの多くは、何百万人もの子供たちに影響を与え、影響を受けた子供たちは、これらのゲームに登場する音楽のおかげで、プログレッシブ・ロック／メタル（そしてある程度はクラシックも）に自然と傾倒するようになった。 だから、あの頃のゲーム音楽はスーパーファミコン／プレイステーションに乗っているだけで、基本的にプログ／メタルだったんだ！”」 二度目の登場。どうぞ！！

MORON POLICE “PACHINKO” : 10/10

INTERVIEW WITH SONDRE SKOLLEVOLL

Q1: “A Boat on the Sea” has catapulted Moron Police to big band status. It received rave reviews in many media outlets and won various awards. How did you feel when you saw people like Mike Portnoy raving about that album?

【SONDRE】: A bit surreal, really. I basically grew up listening to the various projects Mike plays in, so to see him like our stuff was wild. I also really like that he uses his fame and platform to highlight lesser known bands. I wish more artists did this. Visibility is probably the most valuable and effective way to get people to give your music a chance, so stuff like that is a big, big help..

Q1: “A Boat on the Sea” は、 MORON POLICE をビッグバンドの地位に押し上げましたね。多くのメディアで絶賛され、様々な賞を受賞しました。
Mike Portnoy のような人たちがアルバムを絶賛しているのを見てどう感じましたか？

【SONDRE】: ちょっとシュールだったね、マジで。 僕は基本的に、Mike が参加している様々なプロジェクトを聴いて育ったから、彼が僕らの作品を気に入ってくれているのを見るのはとても嬉しかったよ。
また、彼が自分の名声とプラットフォームを使って、あまり知られていないバンドにスポット・ライトを当てていることもとても素晴らしいと思っているんだ。 もっと多くのアーティストがそうしてくれたらいいのに。 知名度というのは、音楽にチャンスを与えるための最も貴重で効果的な方法だろうから、ああいう活動は大きな大きな助けになるね。

Q2: You lost your good friend and drummer Thore Omland Pettersen… I heard that the band itself could have ended, how could you look forward?

【SONDRE】: It’s what he would have wanted. But it wasn’t easy and it’s not easy now.
“Pachinko” was already written before he died, he knew the songs, and so we wanted to complete it for his sake as well.
The only thing I’m good at is making music, but without him it will never be the same.
I honestly haven’t made much music since his passing, but I still enjoy playing. More music will come. I consider it honouring his legacy, and honouring what we started way back in 2008. I know he’d be really, really angry with me if I ended Moron Police because of his death.

Q2: あなたの親友でドラマー、Thore Omland Pettersen を亡くしましたね…バンド自体が終わってしまう可能性もあったと聞きましたが、そこからどうやって前を向けたのですか？

【SONDRE】: それが彼が望んでいたことだ。でも、前を向くことは簡単ではなかったし、今もそうだよ…
“Pachinko” は彼が亡くなる前にすでに書かれていて、彼はアルバムの曲を知っていた。だから僕たちは、彼のためにもアルバムを完成させたかったんだ。
僕が唯一得意なのは音楽を作ることだけど、彼がいなければ同じようにはいかないね。
正直、彼が亡くなってからあまり音楽を作っていないんだけど、それでも今でも演奏するのは楽しいよ。これから僕らの音楽はもっと増えるだろう。それが彼の遺産を称えることであり、2008年に僕たちが始めたことを称えることだと考えているよ。 彼の死を理由に MORON POLICE を終わらせてしまったら、彼は本当に本当に怒ると思うからね。

Q3: I was surprised to see Billy Rymer of The Dillinger Escape Plan on board! His usual musical style is not close to yours. Why did you approach him and how did you get him to join?

【SONDRE】: A happy coincidence, really. At the time, he was living in Mike Watt’s house (the guy who mixed our previous album and Pachinko) and was available for session work. Initially, we were going to try to use many different drummers for the album. Drummers that we know Thore loved. But when Billy said he’d do the entire album, we were very excited. Billy was one of Thore’s absolute favorite drummers. They both share a common ground in punk and hardcore, so while the music of Dillinger Escape Plan and Moron Police is quite different sonically, there’s actually quite a bit of overlap in the styles underneath. Moron Police has always had a punk, or pop punk core. Me and Thore grew up listening to that sort of stuff (and you can hear it pretty clearly on our first album), so while Dillinger is certainly on the extreme side of things, there’s a connection. It felt like the universe was intervening! We are forever grateful for his wonderful contribution to the album.
As for how you get him, or anyone else you want to have play on your music: you pay them!

Q3: Thore の穴を埋めるために、THE DILLINGER ESCAPE PLAN の Billy Rymer が参加しているのには驚きましたよ！ 彼の普段の音楽スタイルは、MORON POLICE の音楽スタイルとはあまり似ていませんが、なぜ彼にアプローチし、どうやって起用したのですか？

【SONDRE】: 本当に幸せな偶然だった。 当時、彼は Mike Watt（前作と “Pachinko” のミックスを担当）の家に住んでいて、セッション・ワークが可能だったんだ。僕らは当初、このアルバムにはいろいろなドラマーを起用するつもりだった。Thore が好きだったことを知っているドラマーたちをね。でも、Billy が作品を気に入って、アルバム全体をやると言ってくれたから、僕らはとても興奮したんだよ。だって、Billy は Thore の絶対的なお気に入りのドラマーのひとりだったからね。
ふたりともパンクとハードコアという共通点があるから、THE DILLINGER ESCAPE PLAN とモMORON POLICE の音楽はサウンド的にはかなり違うけど、実はその根底にあるスタイルはかなり重なっているんだ。MORON POLICE は常にパンク、あるいはポップ・パンクの核を持っている。 僕と Thore はそういうものを聴いて育ったから（ファースト・アルバムではそれをはっきりと聴くことができる）、TDEP は確かに極端な方だけど、つながりはある。だから、彼との出会いは宇宙が介入しているように感じたね！ 僕たちは、彼がアルバムに素晴らしい貢献をしてくれたことに永遠に感謝しているよ。
で、どうやって演奏してもらえたか？だったよね。彼や、自分の音楽で演奏してもらいたい人に演奏してもらうには、お金を払えばいいんだ！ (笑)

Q4: I was surprised that the title of your album is “Pachinko”! Why did you choose a Japanese gambling game as the title?

【SONDRE】: Well, it’s a concept album in which a man is turned into a sentient Pachinko machine in a futuristic Tokyo by the devil so…..
It’s also used as a metaphor for a lot of different things in the lyrics. For example, how humans will keep doing the same thing over and over, expecting a different result. Madness, some would call that. Gambling is another word for it. But it has many names.

Q4: それにしても、アルバムのタイトルが “Pachinko” とは驚きました！ なぜ日本発祥のギャンブルをタイトルに選んだのですか？

【SONDRE】: これは近未来の東京で、ある男が悪魔によってパチンコ台にされてしまうというコンセプト・アルバムなんだ。
歌詞の中では、パチンコがいろいろなことのメタファーとしても使われている。 例えば、人間はパチンコのように、同じことを何度も何度も繰り返し、違う結果を期待する。 それを狂気と呼ぶ人もいる。ギャンブルという人もいるだろう。とにかく、ギャンブルにはいろいろな呼び方があるんだよな。

Q5: That’s not the only title that relates to Japan. You also have “Hanabi” and “Okinawa Sky”. Both are beautiful sights that Japan has to offer, but why did you put so much love for Japan into them?

【SONDRE】: Well, mostly because the story takes us to Japan! And because I’m interested in Japan! My grandparents and uncles lived there for 3 years, I think it was, back in the 80s, and I grew up with different types of cultural exports from your country, so I’ve always had a (healthy) interest in the culture, history and different types of nature there. I’m quite interested in the Ainu people and would really like to visit Hokkaido at some point in my life.
As for “Hanabi,” it’s a reference to Takeshi Kitano’s film of the same name.

Q5: 日本に関係するタイトルはそれだけではありません。”Hanabi” や “Okinawa Sky” もありますね。どちらも日本が誇る美しい風景ですが、なぜそれほどに日本への愛を込めたのでしょうか？

【SONDRE】: まあ、ストーリーが日本を舞台にしているからというのが一番の理由なんだけどね！ それに、僕は日本に興味があるからね！ 祖父母と叔父が80年代に確か3年間日本に住んでいて、日本から輸出されるさまざまな文化を見て育ったから、日本の文化や歴史、さまざまな自然に興味があるんだ。それから、アイヌの人々にはとても興味があって、いつか北海道を訪れてみたいと思っているんだ。
“Hanabi” については、北野武監督の同名の映画にちなんだ楽曲なんだ。

Q6: After you released your last album, in the 2020’s the world became a dark place where pandemics, war, oppression, discrimination, and violence were commonplace. That’s why I feel so heartened by your unclouded and beautiful music! Thank you very much! In fact, were you conscious of such a change to a darker world in the making of your the most beautiful work?

【SONDRE】: Thank you! The world seems to get darker and darker for each passing year. It’s also because we have the internet now and social media―we get to see and hear everything now, and we’re forced to relate to it in some way. This can be very, very depressing. But I don’t think that’s the reason why the music I write sounds uplifting, you know, as a sort of counter to that darkness. I don’t think about those things when writing. I just play around with an instrument and songs appear. I’m a bit scared of analyzing it too much, really, in case I lose the ability to write songs! I like to think that there is more good in the world than evil. But evil seems to have a bigger budget.
But I hope our music brings a little more light into this world.

Q6: あなたが前作をリリースした後、2020年代の世界はパンデミック、戦争、抑圧、差別、暴力が当たり前のように蔓延する暗い場所になりました。 だからこそ、あなたの曇りのない美しい音楽に心が洗われる思いがしますよ！ ありがとうございます！
実際、この最も美しい作品を作るにあたって、そのような暗い世界への変化は意識しましたか？

【SONDRE】: ありがとう！世界は年を追うごとに暗くなっているように思えるね。 インターネットが普及し、ソーシャルメディアが発達したことで、僕たちはあらゆるものを見聞きし、何らかの形でそうしたノイズに関わらざるを得なくなったからだ。 これはとても、とても憂鬱なことだよね。
でも、僕が書く音楽が高揚したものに聴こえるのは、そういう理由ではないと思う。 作曲するときにそんなことは考えないからね。ただ楽器と戯れていると、曲が浮かんでくる。 あまり分析しすぎると、曲を書く能力を失ってしまうかもしれないと思うと、ちょっと怖いんだ！ ただ、世の中には悪よりも善の方が多いと思いたいよ。でも悪の方が予算がありそうだ。
それでも、僕らの音楽がこの世界に少しでも多くの光をもたらすことを願っているよ。

Q7: Many Japanese people feel that while playing pachinko they can forget about the dark world and their unpleasant daily lives. (Of course, they sometimes lose money and time because of it. lol) Your music is similar in a way, and is a great escape for those who are in pain and suffering, would you agree?

【SONDRE】: I normally wouldn’t think about our music in that way. But since the release of “A Boat on the Sea” I’ve received A LOT of messages from people both online and in person saying these kinds of things. I would say I get about one or two messages a week telling me how the music has helped them through some very tough times. They’ll often explain what those tough times are, and I am constantly astonished that our music can have such a profound positive effect on people. It is hard to explain how this makes me feel, but I am very honored to have been a positive influence.

Q7: 多くの日本人はパチンコをしている間、暗い世界や嫌な日常を忘れることができると感じています。 (もちろん、そのためにお金や時間を失うこともありますが(笑) 。あなたの音楽もある意味似ていて、痛みや苦しみを抱えている人たちにとって、素晴らしい逃避場所となるような気がします。

【SONDRE】: 普段は、僕たちの音楽についてそんな風に考えることはない。でも、”A Boat on the Sea” をリリースして以来、オンラインでも直接でも、たくさんの人から同じようなメッセージをもらうようになってね。 週に1通か2通くらいは、僕らの音楽がとてもつらい時期を乗り越えさせてくれたというメッセージをもらうかな。
僕たちの音楽がこれほどまでに、人々にポジティブな影響を与えることができるのかと、いつも驚かされているよ。この気持ちを説明するのは難しいけど、良い影響を与えていることをとても光栄に思っているよ。

Q8: In particular, I felt that the influence of the Seiken Densetsu 2 and Final Fantasy 7 soundtracks was strongly evident in this colorful album. What do you think it is about video game music that resonates with progressive rock and metal?

【SONDRE】: Fun question! And I agree! Well, Hiroki Kikuta was a big fan of Yes (and I think Gentle Giant too), which is very evident in the Seiken Densetsu 2 soundtrack. It’s technical prog rock! Prog also uses a lot of the same elements that classical music does, like overtures and reprises, leitmotifs and complex arrangements. So, there’s a connection between the two. Video game music, especially in the 90s was WILD. There were no rules. These composers could really test the limits of what was possible and were instrumental in elevating video games to a true art form. There’s something magical that happens when you have a story that moves you emotionally coupled with a memorable score that does the same.
Many of these games, especially the JRPGs, went on to influence millions of kids, who then, because of the music in these games, had a natural inclination towards progressive rock/metal (and classical too, to an extent). It was basically prog rock/metal, just on a Super Nintendo/Playstation!

Q8: あなたのゲーム好きは有名ですが、特に、”聖剣伝説2″ と “ファイナル・ファンタジー7” のサウンド・トラックからの影響が、このカラフルなアルバムに強く表れていると感じました。ゲーム音楽がプログレッシブ・ロックやメタルとこれほど共鳴するのはなぜだと思いますか？

【SONDRE】: 楽しい質問だね！ 僕もそう思うよ！
菊田裕樹さんは YES の大ファンだった（GENTLE GIANT もそうだと思う）。 そしてその影響は、”聖剣伝説2″ のサントラにとても明らかに現れているよ。そう、あの作品はテクニカルなプログ・ロックだ！
プログもまた、序曲やリプライ、ライトモチーフ、複雑なアレンジなど、クラシック音楽と同じ要素をたくさん使っている。 だから、プログとゲーム音楽、この2つにはつながりがあるんだ。 特に90年代のビデオゲーム音楽はワイルドだった。 ルールがなかった。その分野の作曲家たちは、可能性の限界を試すことができ、ビデオ・ゲームを真の芸術に昇華させるのに貢献したんだ。 感情を揺さぶるストーリーと、記憶に残るスコアが組み合わさると、何か不思議なことが起こる。
そうしたゲーム、特にJRPGの多くは、何百万人もの子供たちに影響を与え、影響を受けた子供たちは、これらのゲームに登場する音楽のおかげで、プログレッシブ・ロック／メタル（そしてある程度はクラシックも）に自然と傾倒するようになった。 だから、あの頃のゲーム音楽はスーパーファミコン／プレイステーションに乗っているだけで、基本的にプログ／メタルだったんだ！

SONDRE’S RECENT FAVOIITE FIVE ALBUMS !!

Geordie Greep “The New Sound”

George Benson “Breezin’ “

Jizue “Gekokujo Kyuji Original Soundtrack”

MEER “Wheels Within Wheels”

Camel “Nude”

MESSAGE FOR JAPAN

Thank you for listening to our music, first and foremost! It’s weird that a small band from Norway can reach across the globe and find a home on such distant shores.
But what a great example of how the internet can be something that brings us together and not apart! I hope you enjoy this new album and really give it a chance. If you give it time, you will be rewarded. Thank you!

何よりもまず、僕たちの音楽を聴いてくれてありがとう！ ノルウェーの小さなバンドが世界中に広がり、こんなにも遠い岸辺に居場所を見つけることができるなんて、不思議なことだ。
でも、これってインターネットってこうして僕たちを引き合わせるものであって、引き離すものではないということを示す素晴らしい例だと思う！ この新しいアルバムを楽しんで、チャンスを与えてほしい。 時間をかけて聴いてくれれば、きっと報われるはずだよ。 ありがとう！

SONDRE SKOLLEVOLL

MORON POLICE Facebook

MORON POLICE Bandcamp

mmmB5dvKwaCcAEznJZ

PLZ FOLLOW US ON FACEBOOK !!
BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MORS PRINCIPIUM EST : DARKNESS INVISIBLE】JAPAN TOUR 26′

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH VILLE VILJANEN OF MORS PRINCIPIUM EST !!

“When we started, we just wanted to make melodic death metal. We did not want to sound exactly like some other band, so maybe that is one reason. But I guess our songwriters just wanted to write songs the way we have done.”

DISC REVIEW “DARKNESS INVISIBLE”

「結成当初は、ただメロディック・デスメタルを作りたかったんだ。ただ、他のバンドと同じようなサウンドにはしたくなかった。それがテクニカルになった理由のひとつかもね。このバンドの歴代のソングライターたちは、そうして僕らがやってきたように、テクニカルな曲を書いていきたかっただけなんだと思う」
メロデス始まりの地、イエテボリから少し離れたフィンランド。彼の地もまた、メロデスを牽引した重要な場所のひとつであるだけでなく、より革命的なメロデスを生み出したと OMNIUM GATHERUM のインタビューにて記しました。AMORPHIS とカレワラの奇跡的な邂逅は、後のフィンランドのメロデス世界に “個性的である” ことを運命づけたとも言えます。CHILDIEN OF BODOM, OMNIUM GATHERUM、そして最近の BRYMIR までフィンランドのメロデスは、それぞれステレオタイプとは異なる並外れた個性を持って戦ってきました。
MORS PRINCIPIUM EST もそんなフィンランドの綺羅星のひとつ。彼らの個性は、激烈なデスメタルに、ハイパー・メロディックでウルトラ・テクニカルな冷気を吹き込むことでした。
「僕にとっては、どのアルバムも特別だよ。 それぞれのアルバムがなければ、僕らはここにいなかったし、”Darkness Invisible” というアルバムもなかっただろうからね。でもそうだね、このアルバムにはファースト・アルバムからの影響もあるけど、新しいアルバムからの影響もあると思う」
古のメタル・ファンにとって、そんなフィンランドの冷気と冷徹の洗礼を存分に浴びたのが、デビュー作 “Inhumanity” であり、名作 “The Unborn”, “Liberation ＝ Termination” だったのです。当時のギター・チームが脱退し、Andy Gillion というメロデス・シュレッド・マシンを得て、MORS PRINCIPIUM EST は荘厳シンフォニックな要素も加えながらさらに飛翔。Gillion を失うも、黄金のギター・チーム、そしてほぼオリジナル・メンバーが復帰して最新作 “Darkness Invisible” が完成を見たのです。そうして、今回のインタビューイ、バンドの首領 Ville Viljanen が語る通り、アルバムは初期と後期の完璧なる融合、MPE 集大成ともいえる傑作に仕上がったのです。
“Of Death” と “Venator”、開幕の二連撃から我々は、Jori Haukio のメカニカルかつ抒情的なシュレッドに “Liberation ＝ Termination” の影を見ます。そうして、牧歌的なインタルードを挟んで押し寄せる、中盤の威風堂々たるドラマティシズムに我々はただ圧倒されるのみ。近年の耽美と荘厳で磨き抜かれた初期の激情と慟哭は、狂おしいまでにフィンランドの風を運び、リスナーに北欧のカタルシスを届けるのです。そう、彼らの個性はもはやフィンランドの秘宝。
今回弊誌では、ボーカリスト Ville Viljanen にインタビューを行うことができました。「メロデスは以前ほど人気がなかったり、他のジャンルほど人気がなかったりするかもしれないのはたしかだ。それでも今でも必要とされているし、求められていると思う。僕たちが演奏を続けているのは、ただメロデスを演奏するのが楽しいからなんだ」 来日も決定！どうぞ！！

MORS PRINCIPIUM EST “DARKNESS INVISIBLE” : 10/10

INTERVIEW WITH VILLE VILJANEN

Q1: You are coming back to Japan for the first time in a long time! First of all, please tell us how you are feeling right now. Is there anywhere you would like to go in Japan?

【VILLE】: Hi. Yeah, we are finally returning to Japan, after 7 years. We are feeling great about it. I have always loved Japan and Japanese people. There are many places I would like to visit in Japan, too many to mention. I am just happy I get to visit Osaka and Tokyo again..

Q1: 本当に久しぶりに日本に帰ってきますね！ まずは今のお気持ちを聞かせてください。 日本で行きたいところはありますか？

【VILLE】: 7年ぶりにようやく日本に戻ることができる。 最高の気分だよ。僕はずっと日本と日本人が大好きだった。日本には行ってみたいところがたくさんあって、挙げきれないほどだよ。 また大阪と東京を訪れることができることを、ただ嬉しく思っているんだ。

Q2: Japan is one of the most popular melodeath countries in the world, and many great melodeath bands have come out of here. It seems that the love of dark and sad melodies is in common with Scandinavia, would you agree?

【VILLE】: It seems to be so, yes.

Q2: 日本は世界で最もメロデスが人気のある国のひとつで、多くの素晴らしいメロデス・バンドがここから生まれています。 ダークで切ないメロディーを愛するところは、北欧と共通しているように思いますよ。

【VILLE】: そうだね、そう思うよ。

Q3: When the history of melodeath began in the early 90’s, there were no amazingly “technical” bands. That is why MPE has become so special. Why did you decide to bring your phenomenal shred and technique to melodeath?

【VILLE】: I really don’t know. When we started, we just wanted to make melodic death metal. We did not want to sound exactly like some other band, so maybe that is one reason. But I guess our songwriters just wanted to write songs the way we have done.

Q3: メロデスの歴史が始まった90年代初頭には、驚くほど “テクニカル” なバンドは存在しませんでしたね。だからこそ、MPEは特別な存在になったと感じています。なぜ、あなたは驚異的なシュレッドとテクニックをメロデスに持ち込もうと思ったのですか？

【VILLE】: 本当にわからないんだよね。結成当初は、ただメロディック・デスメタルを作りたかったんだ。ただ、他のバンドと同じようなサウンドにはしたくなかった。それがテクニカルになった理由のひとつかもね。このバンドの歴代のソングライターたちは、そうして僕らがやってきたように、テクニカルな曲を書いていきたかっただけなんだと思う 。

Q4: In this day and age, some people say that melodeath is outdated, rustic, or unpopular. What do you think about those words? Why do you keep playing melodeath?

【VILLE】: Well, it is quite clear, that atleast it is not unpopular, as there are still many people listening to melodeath and buying melodeath albums. If it would be totally unpopular, I don’t think we would be playing in Japan either, or in any other places.
But yes, maybe it is not as popular as it used to be, or not as popular as some other genres, but I think it still is needed and wanted. We keep playing it because we enjoy playing it.

Q4: 今の時代、メロデスは時代遅れだとか、田舎くさいだとか、不人気だとか言う人もいますね。それでも、なぜあなたはメロデスを演奏し続けるのですか？

【VILLE】: まあ、少なくともメロデスを聴いている人、メロデスのアルバムを買っている人がまだたくさんいるのだから、不人気ではないことは明らかだよな。もしまったく人気がなかったら、日本や他のどの場所でも演奏していないと思うしね。
でも、そうだね、以前ほど人気がなかったり、他のジャンルほど人気がなかったりするかもしれないのはたしかだ。それでも今でも必要とされているし、求められていると思う。僕たちが演奏を続けているのは、ただメロデスを演奏するのが楽しいからなんだ。

Q5: In recent years, Andy Gillion, who was considered one of the key figures in MPE, left the group and the early golden guitar team of Jori Haukio and Jarkko Kokko returned. How did this major change come about?

【VILLE】: Mr Gillion was in fact a key figure in MPE, during his time. It was time for Mr Gillion to leave and luckily Jori and Jarkko felt like they wanted to return to MPE.

Q5: 近年、MPEの中心人物の一人と目されていた Andy Gillion が脱退し、Jori Haukio と Jarkko Kokko の初期の黄金ギター・チームが戻ってきましたね。この大きな変化はどのようにして起こったんですか？

【VILLE】: Mr. Gillion は実際、MPEの中心人物だったよ。 彼の時代の間はね。Mr. Gillion が去る時が来たけど、幸運にも Jari と Jarkko はMPEに戻りたいと感じていた。だからすべてが上手くいったね。

Q6: So, “Darkness Invisible” is really great album! “Of Death”, “Venator” and “Beyond the Horizon” will remind many people of “Liberation = Termination”! Is that album still special for you?

【VILLE】: Every album is special. Without each album, we would not be here and there would not be “Darkness Invisible” album.
We had to write all the previous albums to be able to write “Darkness Invisible” album. I think it is quite impossible not to write music that would not remind of some other previous albums, especially when the song writer is the same and he is still writing the same genre music..

Q6: “Darkness Invisible” は本当に素晴らしいアルバムですね！ “Of Death”, “Venator”, “Beyond the Horizon” といった楽曲は、多くの人に名作 “Liberation = Termination” を思い出させることでしょう！ あなたにとって、あのアルバムは今でも特別ですか？

【VILLE】: 僕にとっては、どのアルバムも特別だよ。 それぞれのアルバムがなければ、僕らはここにいなかったし、”Darkness Invisible” というアルバムもなかっただろうからね。
言い換えれば、”Darkness Invisible” というアルバムを書くためには、これまでのすべてのアルバムを書かなければならなかったわけだ。以前のアルバムのいくつかを想起させない作品を書くなんて不可能だよ。特に、ソングライターが同じで、同じジャンルの音楽を書いている場合はなおさらだ。

Q7: However, there are also plenty of symphonic parts on this album, such as “Seven”. Rather than a return to the roots, it seems to me that this album is more like a culmination of MPE, would you agree?

【VILLE】: I think this just was the natural way of continuing and I think Jori just wrote what he felt was right.
But yes, I think this album has influences from the first albums but also influences from the newer albums.

Q7: 初期の面影が濃い一方で、このアルバムには近年の “Seven” のようなシンフォニックなパートもたくさんありますね。原点回帰というよりは、MPEの集大成のようなアルバムに仕上がっているように思いますが？

【VILLE】: このアルバムは自然な形で続いていったと思うし、 Jori はただ自分が正しいと思う曲を書いたんだと思う。
でもそうだね、このアルバムにはファースト・アルバムからの影響もあるけど、新しいアルバムからの影響もあると思う。

Q8: Mors Principium Est means “Death is just the beginning” in Latin. And the album also opens with the song “Of Death”. In a world where death, violence, and division have become the norm, what can heavy metal do?

【VILLE】: Actually it means, “Death is the beginning”. There is no “just” word in it. 🙂 Heavy metal can still keep going and continue to be heavy metal.

Q8: “Mors Principium Est” とは、ラテン語で “死は始まりに過ぎない” という意味ですね。そして、このアルバムもまた “Of Death” という曲で幕を開けます。そうした死、暴力が常態化した世界で、ヘヴィ・メタルには何ができるのでしょうか？

【VILLE】: Mors Principium Est とは、”死は始まり” という意味だ。 そこには “すぎない” という言葉はないよ。ヘヴィ・メタルはこれからもまだ続けることができるし、メタルであり続けることができる。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED VILLE’S LIFE!!

Helloween “Keeper of the Seven Keys”

Metallica “Kill ‘em All”

At the Gates “Slaughter of the Soul”

Hypocrisy “Abducted”

Megadeth “Countdown to Extinction”

MESSAGE FOR JAPAN

I do like some Japanese series, like for example “Alice in borderland”. My oldest daughter loves Japanese anime. Finally I hope to see many people at out Japanese shows and lets have a great time together!

日本のシリーズものが好きなんだ。例えば、”今際の国のアリス” とかね。 長女は日本のアニメが大好きなんだ。 最後に、日本のライブでたくさんの人に会って、一緒に楽しい時間を過ごしたいと思うよ！

VILLE VILJANEN

来日公演の詳細はこちら。Evoken de Valhall Production

日本盤のご購入はこちら。AVALON online

MORS PRINCIPIUM EST Facebook

MPE Official

mmmB5dvKwaCcAEznJZ

PLZ FOLLOW US ON FACEBOOK !!
BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MATTIAS “IA” EKLUNDH : RESIST THE EROSION】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MATTIAS “IA” EKLUNDH !!

“I’ve never had world domination or fame as a goal ― just to write and perform my music, something I’ve lived off solely since I was nineteen, and something I’m incredibly grateful for. The least you can do is hug someone who supports your experimenting and songwriting.”

DISC REVIEW “RESIST THE EROSION”

「リスナーや観客がいなければ、私は一体何者なんだい？誰も聴いてくれなければ、私の音楽は空っぽのままなんだから。世界的に有名になることや名声を目標にしたことはなく、ただ自分の音楽を作り、演奏することだけが私の生きがいなんだ。私は19歳のときからこの仕事だけで生きてくることができた。そして、そのことに心から感謝しているんだよ。せめてできることは、自分の実験や作曲を応援してくれる人を抱きしめることだからね」
FREAK KITCHEN の、本当に久々となった来日公演に足を運んだ方はきっと、その会場の “温かさ” に驚かされたはずです。これほど、演者と観客の “壁” が、もっといえば観客と観客の間の “壁“ もないライブは少なくとも私は初めてでした。謎のスウェーデン語を練習させられたり、変拍子をカウントしたり、Mattias の漫談に笑い転げたり。曲の良さ、楽器の妙技はもちろん、それ以上に、人と人とが直接つながることの楽しさを心の底から実感できたライブでした。
それは、Mattias “IA” Eklundh という異能のギタリストが、誰よりもつながりを大切にしているからこそ生まれた空間でした。ライブが始まる前に観客席に姿を現し一人一人と握手をしたり、シグネイチャー・ギターの購入者を招待して一緒に写真を撮ったり。ライブ中には漫談やスウェーデン語講座で会場を盛り上げ、一体化してくれました。
顔の見えないSNSでの交流、もっと言えば引用での一方通行な “交流” がメインとなった現代世界において、Mattias は顔と顔を付き合わせたつながりを誰よりも大切にしています。それは、彼の型破りな実験に付き合い、楽しみ、応援してくれるファンがいなければ、音楽ではなくただ “音” であることを知っているから。
「”Resist The Erosion” は、プロジェクトではなくバンド形態。私の素晴らしい友人である B.C. Manjunath, Yogev Gabay, Lior Ozeri と一緒に作った作品だよ。彼らは私の音楽を驚くほど高めてくれるんだ。彼らが私と一緒に仕事をしたいと思ってくれて、素晴らしい作品を作るために本当に努力してくれたことを、とても誇りに思い、感謝しているんだよ。このアルバムは、私のアーティスト人生において常に大きなハイライトとなるだろうね」
そう、Mattias “IA” Eklundh の実験 “Freak Audio Lab” は、いつも楽しく、そして感謝に満ち溢れています。そんなラボラトリーの中でも、”Resist the Erosion” が群を抜いて印象的な、Mattias の金字塔となることは間違いないでしょう。
この Mattias のプロジェクトは、インド音楽、特にコナッコルとして知られる南インドのカルナータカ音楽への憧憬から始まりました。コナッコルは、複雑な数式に基づいた非常に入り組んだリズムと拍子で、打楽器の音節をボーカルで演奏する芸術。B.C.Manjunath は、この伝統的なインド音楽の哲学をジャズやワールドミュージックの世界に取り入れることで、その重要な担い手となっています。だからこそカルナータカ音楽に心酔する Mattias は、Manjunath から現代メタルと古代南インドの音楽スタイルを融合させたコラボレーションについて連絡を受けた際、大きな衝撃を受けたのです。
ベーシストの Lior Ozeri とドラマー／パーカッショニストの Yogev Gabay を起用し、ベテラン音楽家4人組となった Mattias のラボラトリーは、さながら John McLaughlin が全く新しいSHAKTI を結成したかのような、驚異的な10曲を生み出しました。フィボナッチの難解さで迫るコナッコルとムリダンガムの複雑怪奇が、Mattias の Djenty な8弦モダン・メタルの宇宙と出会う時、メタルとギター音楽は別の次元へと旅立ちます。きっと真のイノベーションとは、こうした純粋な情熱と好奇心から起こるのでしょう。115/16、34/4。想像を絶する複雑な拍子と、楽器同士の対位法に彩られながらも、ここには目を見張るような感情の渦と濃密なメロディが広がっています。だからこそ、”Resist the Erosion” は未曾有の景色となり、Mattias “IA” Eklundh は生涯を通したギターの科学者であるのです。
今回弊誌では、Mattias “IA” Eklundh にインタビューを行うことができました。「何よりも、停滞しないこと、新しい境地を開拓することについてだね。もちろん、私たちは奇妙な時代に生きている。特に、日々の情報攻勢に晒され、自分が今どこにいるのかさえ分からなくなってしまうような状況だ。私にとって一番良いのは、それらを無視して、自分の人生を思い通りに形作ること。家族、音楽、自然、そして何の制約もない自由な創造など、自分にとって良いものを大切にしながらね」 4度目の登場。どうぞ！！

Anyone who attended FREAK KITCHEN’s first concert in Japan in a long time was surely surprised by the warmth of the venue. At least for me, it was the first time I’d ever experienced a live performance where there was such a clear barrier between the performers and the audience, and even between the audience members themselves. We were made to practice some mysterious Swedish, counted out odd time signatures, and laughed our heads off at Mattias’s comedy routines. The quality of the songs and the virtuosity of the instruments were undeniable, but more than that, it was a concert where I truly felt the joy of direct human connection.
It was an atmosphere born out of the extraordinary guitarist Mattias “IA” Eklundh, who values ​​connections more than anyone else. He appeared in the audience before the show to shake hands with each person, and invited those who purchased his signature guitar to take photos with him. During the show, he livened up the venue with comedy routines and Swedish language lessons, bringing the audience together. In today’s world, where faceless social media interactions and, even more so, one-way “interactions” based on quotes are the norm, Mattias values ​​face-to-face connections more than anyone else. He knows that without fans who engage with, enjoy, and support his unconventional experiments, it’s just “sound,” not music.
Mattias “IA” Eklundh’s “Freak Audio Lab” experiments are always joyful and filled with gratitude. Even within this lab, “Resist the Erosion” stands out as a monumental achievement.
Mattias’s project was born out of his admiration for Indian music, particularly the South Indian Carnatic music known as Konakkol. Konakkol is an art of vocally playing percussion syllables with highly intricate rhythms and signatures based on complex mathematical formulas. B.C. Manjunath has become a key advocate for this traditional Indian musical philosophy, incorporating it into the worlds of jazz and world music. That’s why Mattias, a lover of Carnatic music, was so thrilled when Manjunath contacted him about a collaboration that would fuse modern metal with ancient South Indian musical styles. Mattias’s laboratory, now a quartet of veteran musicians with bassist Lior Ozeri and drummer/percussionist Yogev Gabay, has produced 10 astounding tracks that sound like John McLaughlin had formed a whole new SHAKTI. When the Fibonacci-esque intricacies of the konakkol and mridangam meet Mattias’s djenty, eight-string modern metal universe, metal and guitar music are transported to another dimension. True innovation truly comes from pure passion and curiosity. 115/16, 34/4. Though colored by incredibly complex time signatures and instrumental counterpoint, there’s a swirl of stunning emotion and dense melody unfolding here. That’s what makes “Resist the Erosion” such an unprecedented landscape, and why Mattias “IA” Eklundh is a lifelong guitar scientist.
This time, we had the pleasure of interviewing Mattias “IA” Eklundh. This is his fourth appearance. Enjoy!!

FREAK AUDIO LAB “RESIST THE EROSION” : 10/10

INTERVIEW WITH MATTIAS “IA” EKLUNDH

Q1: First of all, could you tell us about your impression of your first tour in Japan in a really long time? What is Japan to you?

【MATTIAS】: Japan has always been close to my heart ever since my first visit in 1996 when we released Spanking Hour. It’s always a joy to come to your fantastic country, meet all the friends and listeners who have followed us through the years.
It was incredibly fun to play in Osaka and Tokyo again! The warmth from the audience was wonderful, and it really felt like we created a connection between the crowd and the band. The band and I hope to come back soon. A huge thank you to Keiichi Ishida and his team who dared to go against all the skeptical promoters and made our return happen completely on their own. There’s an enormous amount of work behind it, and for that, I am eternally grateful. Keiichi is also my collaborator, together with Harry’s Engineering, where we build Japanese guitars and the Puppy distortion pedal ― a company we call Freak Guitar Lab Japan.

Q1: まず、本当に久しぶりとなった日本ツアーの感想を聞かせていただけますか？あなたにとって日本とはどんな国ですか？

【MATTIAS】: 1996年に “Spanking Hour” をリリースして以来、日本は私にとって常に心の大切な場所にある存在だよ。君たちの素晴らしい国を訪れ、長年私たちを応援してくれている友人やリスナーの皆さんに会えるのは、いつも喜びなんだ。
大阪と東京で再び演奏できて、本当に楽しかった！観客の温かさは素晴らしく、観客とバンドの間に繋がりが生まれたと感じたよ。バンドも私も、またすぐに日本に戻りたいと思っているんだ。動員に懐疑的な大手プロモーターたちに反抗し、私たちの復帰を完全に自力で実現させてくれた石田桂一さんと彼のチームに心からの感謝を。このツアーの裏には膨大な労力があったことを知っているから、心から感謝しているんだ。桂一さんは、日本製ギターやPuppyディストーションペダルを製造しているHarry’s Engineering（Freak Guitar Lab Japanと名付けた会社）の協力者でもあるんだよ。

Q2: So, it was really great show! There is no other place where there are no barriers between the performers and the audience as in FREAK KITCHEN’s live performances, which are warm, fun, and always bring smiles to the audience’s faces! What do you keep in mind when you perform live?

【MATTIAS】: We don’t think too much or plan things in advance. Christer, Björn, and I just go for it. No one pretends to be someone they’re not. If we mess up or make a mistake, we laugh heartily about it. We’re human just like everyone else, and the moment you let your guard down and allow yourself to make mistakes, all barriers between the band and the audience disappear. We absolutely loved everyone in both Osaka and Tokyo. An incredible response. A big thank you if you were there and are reading this.

Q2: 本当に素晴らしいショーでしたね！FREAK KITCHEN のライブパフォーマンスは温かく、楽しく、いつも観客を笑顔にしてくれます。これほど演奏者と観客の間に壁がない場所は他にないでしょうね！ライブをする際にはどんなことを心がけているんですか？

【MATTIAS】: あまり考えたり、事前に計画を立てたりはしないんだ。Christer, Björn, そして私は、ただひたすらに突き進むだけ。誰も自分ではない誰かを装ったりはしないんだ。
失敗したり、ミスをしても、心から笑い飛ばすよ。私たちも皆と同じ人間だからね。むしろ油断してミスを許した瞬間、バンドと観客の間にある壁はすべて消え去るのかもね。大阪と東京、両方の会場のみんな、本当に素晴らしかったよ。信じられないほどの反応だった。もし会場にいて、これを読んでいる人がいたら、本当にありがとうと伝えたいね。

Q3: How did you feel about the Japanese bands Rikugo and Ulma Sound Junction? Both of them have mentioned you as an influence and inspiration.

【MATTIAS】: Both bands were surprisingly good and very, very pleasant and easy to work with. Really great bands, and both delivered rock-solid performances, which made us even more fired up to do a great job when it was our turn.

Q3: 共演した日本のバンド、六合とULMA SOUND JUNCTION についてはどう感じましたか？二組とも、あなたから影響やインスピレーションを受けたと語っていますが。

【MATTIAS】: どちらのバンドも驚くほど素晴らしく、とてもとても雰囲気が良くて、一緒に仕事をするのがとても楽しかったよ。本当に素晴らしいバンドたちで、どちらも盤石なパフォーマンスを見せてくれたから、彼らのおかげで私たちの番が来た時、さらに素晴らしい仕事をしようと意気込むことができたんだ。

Q4: So, tell us about the wonderful “Resist the Erosion”. First of all, what is Freak Audio Lab? Is it your solo project?

【MATTIAS】: Freak Audio Lab can be my solo project, a band, or whatever I want it to be, actually. The music I write gets to decide. In the case of the new album *Resist The Erosion*, it’s a band ― not a project ― with my absolutely incredible friends B.C. Manjunath, Yogev Gabay, and Lior Ozeri, who elevate my music in a remarkable way. I’m very proud and grateful that they want to work with me and that they’ve really put in the effort to do an amazing job. The album will always be a highlight in my artistic life. Hopefully, we’ll also be able to tour together and make more music in the future.

Q4: では、素晴らしき “Resist the Erosion” について話しましょう。まず、”Freak Audio Lab” とは何ですか？あなたのソロ・プロジェクトなんですか？

【MATTIAS】: Freak Audio Lab はソロ・プロジェクトでも、バンドでも、あるいは私が望むどんな形でも構わない。制約がないプロジェクトだ。最終的にどうなるかは、私が作る音楽が決めるんだ。
ニュー・アルバム “Resist The Erosion” は、プロジェクトではなくバンド形態。私の素晴らしい友人である B.C. Manjunath, Yogev Gabay, Lior Ozeri と一緒に作った作品だよ。彼らは私の音楽を驚くほど高めてくれるんだ。彼らが私と一緒に仕事をしたいと思ってくれて、素晴らしい作品を作るために本当に努力してくれたことを、とても誇りに思い、感謝しているんだよ。このアルバムは、私のアーティスト人生において常に大きなハイライトとなるだろうね。願わくば、将来彼らと一緒にツアーをしたり、もっと音楽を作ったりできたらいいなと思っているよ。

Q5: Still, I think “Resist the Erosion” is the best guitar album of the 21st century! Why did you feature Karnataka music, Konakkol and mridangam throughout your work?

【MATTIAS】: Thank you so much for your kind words. I don’t actually see the album as solely a guitar record ― if I did, I probably would’ve called it *Freak Guitar* something instead. It’s a record with an unorthodox combination of people and instruments. As you probably know, I have a weakness for Indian music, especially Carnatic, and getting to work with a legend like Manjunath is almost unbelievable. He’s simply the best in his field. The same goes for Yogev and Lior.
For me, music is very little about genre. I don’t care at all about what “goes together.” Sure, I play metal guitar with distortion and eight strings. But I enjoy working with synths or traditional or exotic instruments like the mridangam just as much. In the end, it’s just music ― the way I hear it.

Q5: “Resist the Erosion” は21世紀最高のギター・アルバムだと思いますよ！まず、なぜ作品全体にカルナータカ音楽、コナッコル、ムリダンガムを取り入れたのですか？

【MATTIAS】: 温かい言葉をありがとう。実は、このアルバムをギター・アルバムだとは思っていないんだ。もしそう思っていたら、おそらく “フリーク・ギター” みたいなタイトルをつけていただろうね。型破りな組み合わせのミュージシャンと楽器が集まったアルバムだよ。ご存知の通り、私はインド音楽、特にカルナータカ音楽に目がなく、B.C. Manjunath のようなレジェンドと仕事ができるなんて、信じられないほど素晴らしいことなんだ。彼はまさにこの分野で最高。他の２人にも同じことが言えるよ。
私にとって、音楽にジャンルはほとんど関係ないんだよね。”何が合うか” なんて全く気にしないから。もちろん、私はディストーションをかけた8弦のメタル・ギターを弾く。でも、シンセサイザーや、ムリダンガムのような伝統的な楽器、あるいはエキゾチックな楽器を使うのも同じくらい好きなんだ。結局のところ、音楽はただの音楽なんだ。私にとってはね。

Q6: Why do you think Karnataka music, and more specifically Japanese and other ethnic music from around the world, harmonize so well with metal and electric guitar?

【MATTIAS】: Hard to say. There’s quite a lot of work behind creating a sound and flow where everything has its given place without disappearing. The mridangam is like an entire drum kit in itself and requires some effort to find its place next to Yogev’s kit ― we used over 25 channels to capture all the ambience and milk the whole setup. But in the end, it’s really cool when it all comes together and becomes one unit. Yogev and Manjunath also worked a lot together to not get in each other’s way. Lior is simply outstanding in his approach, and my smile was always ear-to-ear when I received everyone’s takes to work with in my studio.

Q6: カルナータカの音楽、もっと言えば日本や世界中の民族音楽が、メタルやエレキ・ギターとこんなにも相性が良いのはなぜだと思いますか？

【MATTIAS】: 難しいね。すべてが消えることなく、それぞれの位置にあるサウンドと流れを作り出すには、かなりの労力が必要だから。ムリダンガムはそれ自体が一つのドラムキットのようなもので、Yogev のキットの隣に位置づけるには少し手間がかかるんだ。
私たちは25チャンネル以上ものチャンネルを使って、すべてのアンビエンスを捉え、セットアップ全体の音を最大限に引き出したよ。でも、最終的にすべてが一体となって一つのユニットになった時は、本当にクール。Yogev と Manjunath も、お互いの邪魔にならないように、一緒に何度も作業したね。 Lior のアプローチはまさに傑出していて、スタジオでみんなのテイクを受け取るたびに、私はいつも満面の笑みだったよ。

Q7: Karnataka music is known as the most mathematically “rigorous” music in the world, and 115/16 is not something that an average person can count on! haha! Even in such a situation, Konakkol and your guitars often cross each other and play in unison. Do these miracles happen spontaneously?

【MATTIAS】: A lot of it is built on traditional Indian rhythms that I compose, arrange, and record. There’s no random factor involved. Everything is carefully constructed. Then I let it stay alive and didn’t edit or polish it (sometimes that’s needed, but not on *Resist The Erosion*). Both Manjunath and Yogev sent different rhythmic, Carnatic structures as possible inspiration when I started the pre-production, and many of their ideas I’ve woven into the music.

Q7: カルナータカ音楽は世界で最も数学的に “厳しい” 音楽として知られていますが、115/16なんて普通の人が数えられるものではありません！笑！そんな状況でも、コナッコルとあなたのギターはよく交差して、時にはユニゾンで演奏されますね。こうした奇跡は自然発生的に起こるのですか？

【MATTIAS】: 作品の多くは、私が作曲、編曲、そして演奏する伝統的なインドのリズムに基づいているんだ。そしてレコーディングされる。偶然の要素は一切ないんだよ。全てを丁寧に構築している。そして、そのままの状態を生かし、編集や磨きをかけたりはしなかったんだ。時には編集も必要だけど、”Resist The Erosion” ではそうではなかったからね。
プリ・プロダクションを始めた頃、Manjunath と Yogev はそれぞれ異なるリズムやカルナータカ様式をインスピレーションとして送ってくれ、彼らのアイデアの多くを音楽に織り込んでいるよ。

Q8: You previously released a song called “Kintsugi,” and this time it is “Nekojita”. We are very happy that you chose a Japanese word for the title, but why did you choose such a word?

【MATTIAS】: Haha, I don’t really know. I think the idea behind Kintsugi is beautiful ― to celebrate the imperfect and make it even more beautiful. I actually think I got the idea while watching an episode of *Ted Lasso* on AppleTV+. Beautiful word, beautiful thought.
Nekojita has always been a favorite word because I myself am a bit of a wimp when it comes to food and drinks that are too hot. There’s something powerful about the Japanese language that’s also percussive. There will probably be more Japanese titles in the future.

Q8: 以前 “Kintsugi” という曲をリリースされていて、今回は “Nekojita” ですね。タイトルに日本語を選んでくださってとても嬉しいですが、なぜそうした言葉を選んだのですか？

【MATTIAS】: はは、なんでだろうね。”Kintsugi” の背後にあるアイデアが素晴らしいと思ったんだ。不完全さを称え、それをさらに美しくする。実は、AppleTV+で “Ted Lasso” のエピソードを観ていた時に思いついたんだよね。美しい言葉、美しい考えだよね。
猫舌は昔から大好きな言葉なんだ。というのも、私自身、熱すぎる食べ物や飲み物にはちょっと弱気になってしまうからね。日本語には力強く、それでいてパーカッシブな響きがあるんだ。これからもっと日本語のタイトルが増えるかもしれないね。

Q9: The title “Resist the Erosion” seems to me to be a message about resisting the erosion from the “darkness” of today’s instant culture, division, slander, and oppression, how about that?

【MATTIAS】: Above all, it’s about not stagnating, about exploring new ground. Of course, we live in a strange time, especially with the total daily information bombardment that leaves you not knowing whether you’re coming or going. The best thing, for me, is to ignore it and shape my life the way I want it ― with what’s good for me: my family, music, nature, and the freedom to create without preconditions.

Q9: “Resist the Erosion” “侵食に抵抗する” というタイトルは、現代のインスタントな文化、分断、誹謗中傷、抑圧といった “闇” による侵食に抵抗するというメッセージのように思えます。

【MATTIAS】: 何よりも、停滞しないこと、新しい境地を開拓することについてだね。もちろん、私たちは奇妙な時代に生きている。特に、日々の情報攻勢に晒され、自分が今どこにいるのかさえ分からなくなってしまうような状況だ。私にとって一番良いのは、それらを無視して、自分の人生を思い通りに形作ること。家族、音楽、自然、そして何の制約もない自由な創造など、自分にとって良いものを大切にしながらね。

Q10: Lastly, I feel that you value the actual “connection” between people very much. For example, you walk around the venue before a concert to interact with fans, take pictures with each person who buys your guitar to express your appreciation, and so on. Such “connections” that transcend country, language, race, and religion are very important in times like these, would you agree?

【MATTIAS】: Absolutely. I do what feels natural, and I love meeting people who enjoy my craziness. Deep down, we’re all the same. Many times, I’ve elbowed my way out after performances, against the organizers’ reluctance, just to chat for a while with wonderful listeners. Who am I without them? My music would live in a vacuum if no one listened. I’ve never had world domination or fame as a goal ― just to write and perform my music, something I’ve lived off solely since I was nineteen, and something I’m incredibly grateful for. The least you can do is hug someone who supports your experimenting and songwriting.

Q10: 最後に、あなたは人と人との “繋がり” をとても大切にされているように感じます。例えば、コンサート前に会場内を歩き回ってファンと交流したり、ギターを買ってくれた人一人ひとりと感謝の気持ちを込めて写真を撮ったり。
国、言語、人種、宗教を超えたこうした “繋がり” は、分断が加速する今のような時代にとても重要ですね？

【MATTIAS】: まさにその通りだよ。私は自然に正しいと感じることをやっているし、私のクレイジーな面を楽しんでくれる人たちと出会うのが大好きなんだ。結局ね、掘り下げれば、私たちは皆同じなんだよ。素晴らしいリスナーと少し話をするためだけに、主催者の気乗りしない態度を押し切って演奏後に肘で彼らを押し退けて出て行ったことが何度もあるよ。だって彼らがいなければ、私は一体何者なんだい？誰も聴いてくれなければ、私の音楽は空っぽのままなんだから。
世界的に有名になることや名声を目標にしたことはなく、ただ自分の音楽を作り、演奏することだけが私の生きがいなんだ。私は19歳のときからこの仕事だけで生きてくることができた。そして、そのことに心から感謝しているんだよ。せめてできることは、自分の実験や作曲を応援してくれる人を抱きしめることだからね。

MATTIAS EKLUNDH Facebook
FREAK KITCHEN Facebook
FREAK AUDIO LAB
ZANSHIN MUSICAL INSTRUMENTS

mmmB5dvKwaCcAEznJZ

PLZ FOLLOW US ON FACEBOOK !!
BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【OMNIUM GATHERUM : MAY THE BRIDGES WE BURN LIGHT THE WAY】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MARKUS VANHALA OF OMNIUM GATHERUM !!

“I actually have Alexis old Chevy Monte Carlo SS as his sister wanted me to get it after Alexi passed away. I’ve been cherishing and building it to the max, and Alexi would really respect in what shape and supercharged and LOUD the car is nowadays. It’s fun!”

DISC REVIEW “MAY THE BRIDGES WE BURN LIGHT THE WAY”

「実は今、Alexi の古いシボレー・モンテカルロSSを所有しているんだ。Alexi が亡くなった後、彼の姉が私に譲りたいと言ってくれたんだ。これまで大切にして、最大限に磨き上げてきたんだ。今のこのマシンの出来栄え、スーパーチャージャー、そして大音量を、Alexi もきっとリスペクトしてくれると思う。楽しいよ！」
スウェーデンのイエテボリで生を受けたメロディック・デスメタル。しかし、その発展は決してスウェーデンとイエテボリだけが担ってきたわけではありません。特に、フィンランドとメロデスの蜜月はあまりにも濃密で、同時に革命的でもありました。英雄 AMORPHIS のカレワラに端を発したフィンランドのメロデスは、MORS PRINCIPIUM EST の常軌を逸したシュレッドや、INSOMNIUM の映画のような風景で常にその領域を拡大し続けています。
そんなフィンランドの創造的なメロデス、その両輪として牽引し続けたのが CHILDIEN OF BODOM と OMNIUM GATHERUM だったのです。そして、Alexi Laiho の悲劇的な死から5年。OMNIUM GATHERUM, INSOMNIUM, CEMETERY SKYLINE でギターを紡ぐ Markus Vanhala は Alexi の愛車と遺志を今日も守り続けています。
「僕は Mutt Lange と DEF LEPPARD の大ファンなんだ。実は前作の “Origin” の時、メロデスの “Hysteria” バージョンを作ろうと思ったって冗談を言ったくらいでね。だから、80年代のロック用語で僕らの音楽を “アダルト・オリエンテッド・デスメタル” と呼ぶんだよ。これはデスメタルのアリーナ・ロックを目指す “AORデスメタル” みたいなもの。ステレオタイプ的には “メロデス” というジャンルは狭すぎるように思えるかもしれないけど、僕は固定観念にとらわれずに考えるようにしているからね」
Markus が居城 OMNIUM GATHERUM で目指す革命は AOD。アダルト・オリエンテッド・デスメタルの構築です。そして実際、”May The Bridges We Burn Light The Way” には、DEF LEPPARD が “Hysteria” で成し遂げた透明で奥深くもキャッチーなアリーナ・サウンド、DOKKEN が誇ったカミソリのようなギター・リード、EUROPE のカラフルでゴージャスな哀愁がたしかに存在しています。
なにより重要なのは、前作 “Origin” ではそうした “80、90年代のAORサウンド” を加えることで減退したかのように感じられたメロデスの源衝動、慟哭が今作においてはいささかも失われてはいないことでしょう。いや、むしろシームレスに洗練されたノスタルジアを注ぐことで、OMNIUM GATHERUM が創造してきたメロデスの輪郭がより鮮やかに、色味を増して新鮮に感じられるのです。
「実はメロディック・デスメタルという言葉ももう好きじゃないんだよね。でも、ジャンル名が必要なのは理解している。僕は OMNIUM GATHERUM の音楽をただ “ヘヴィ・メタル”と呼ぶのが好きでね。それが僕らの音楽だから。Bjorn Strid は僕と音楽への愛がすごく似ているんだ。デスメタルからAOR、そしてその間の音楽まで、僕らの音楽の幅広さには音楽的に深い繋がりを感じていてね。だから、彼と一緒に仕事をするのはすごく楽しかったんだ」
だからこそ、SOILWORK の誰あろう Bjorn Strid をこの作品のプロデュースを手掛けたのはまさに天啓でした。70年代のプログレッシブ、80年代のAOR、そして90年代のメロデスをこよなく愛し、近年の SOILWORK 及び NIGHT FLIGHT ORCHESTRA でその素養を遺憾なく発揮している Bjorn と組むことで、Markus の楽曲は例えば “My Pain” の近未来的スリルや “Last Hero” のアリーナ・メタル的威風堂々、そして “The Darkest City” のメロデスとプログの夢幻回廊まで、その陶酔感の螺旋はより克明に描き出されることとなりました。メロデスの守護者でありながら開拓者でもあり続ける OMNIUM GATHERUM こそ、フィニッシュ・メタルの王に違いありません。
今回弊誌では、Markus Vanhala にインタビューを行うことができました。「僕が持っているのは、国際ビジネスと物流学なんだよ。友達にいつも笑われるんだけどね。学位に関係する仕事なんて一つもしてないって言われて(笑)。でも、僕はいつも “本当にそうかな？” って聞いてるんだよ。だって、このレベルのバンドはみんな会社を経営しているからね。僕もこのバンドの会社に深く関わっていて、基本的に必要なのは国際ビジネスと物流学だよね？だから、会社経営のコツやちょっとした落とし穴を知るのに役立ってるんだよね」 どうぞ！！

OMNIUM GATHERUM “MAY THE BRIDGES WE BURN LIGHT THE WAY” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【OMNIUM GATHERUM : MAY THE BRIDGES WE BURN LIGHT THE WAY】 →

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DEFECTO : ECHOES OF ISOLATION】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NICKLAS SONNE OF DEFECTO !!

“Melody is what makes it human. You can feel aggression and emotion through growls and screams, but clean vocals bring vulnerability – and that’s powerful.”

DISC REVIEW “ECHOES OF ISOLATION”

「メタルは常に現実を映し出す鏡であり、同時に現実を超える手段でもある。ヘヴィ・ミュージックは人々にフラストレーションや痛み、そして希望のはけ口を与えてくれるんだ。孤独を感じている人々を結びつけ、自分は一人ではないことを思い出させてくれる。メタルは世界を修復したり、変えることはできないけど、何かリアルなものを感じさせることはできる。そして、きっとそれが力強いスタートとなるんだよ」
痛みを力に。孤独をアートに。複雑を情熱に。DEFECTO は、地元デンマークの名物スモーブローのように、現代に巣食う病巣や難解さを様々な味付けで美味しく料理し、暗い世界におけるメタルのあり方を示してくれます。メタルはありのままの現実を映し出し、その現実を超える力を持つ。世界を変えることはできないけど、希望へ歩み始める最初の一歩への後押しならできる。DEFECTO のメタルは背中を押すメタルなのです。
「バランスが大切なんだよ。メロディと感情が好きだけど、メタルのカオスやテクニカルな面も大好きなんだ。だから、ベースには複雑な部分があっても、表面的には感情的に繋がるような曲を作ろうとしているんだ。メロディアスなボーカル・パートのほとんどは、簡単に追えて、のめり込める。見せびらかすための複雑さではなく、聴くたびにもっと多くのことがわかるようなレイヤーを作り出すことが大切なんだ。僕にとって本当の魔法はそこにあるんだ」
DEFECTO の魔法はまさにスモーブロー的オープン・サンド。その下地であるビートは実に難解で複雑。奇数の海で強烈なグルーヴが繰り広げられますが、重なる具材は実に華やかで、何層にも連なる色彩豊かなメロディとハーモニーを堪能することが可能。そして、その卓越したメロディの訴求力によって、リスナーは現代というメカニカルな暴力の時代に、優しさや寛容さといった人間味を感じ取ることができるのです。
「メロディーは時代を超越するものだとずっと信じてきたからね。曲がどれだけヘヴィで複雑であっても、メロディーこそがその曲を “人間” らしくするものだ。グロウルやスクリームからは攻撃性や感情が感じられるけど、クリーン・ボーカルは脆さや弱さをもたらしてくれる。そして、その両方が揃うことこそパワフルなんだ。メタル・シーンが再び両方の側面を受け入れているのは素晴らしいことだと思うよ。なぜなら、真の感情は美しさと混沌の間のどこかに宿るからね」
“歌”、歌の力が戻ってきたメタル世界において、アグレッションと難解さ、そして弱さと人間味を併せ持つ DEFECTO の音楽はある意味理想的です。そして、その理想を具現化するのが、マルチ・プレイヤーで唯一無二のシンガー、英雄 Nicklas Sonne。彼の怒りと弱さを同様に抱きしめた自由自在な歌声は、”Echoes of Isolation” の闇と光を巡る感情の旅、その葛藤の中に強さと平和を見出します。そう、これは構造と感情が互いを増幅し合い、卓越した技巧をより人間味あふれるものに昇華させ、共感によって研ぎ澄まされた新時代のプログレッシブ・メタル。身を委ねれば美しい傷跡を残す、心に深く刻まれる映画のような旅路。
今回弊誌では、Nicklas Sonne にインタビューを行うことができました。「KING DIAMOND や DIZZY MIZZ LIZZY のようなバンドは、小さな国でも真にユニークなものを生み出せることを証明してくれたね。彼らは誰かを真似しようとはせず、独自のアイデンティティを築き上げた。それは僕にとって非常に刺激的なことだったんだ。DEFECTO も常に同じことを成し遂げたい思っているんだ。つまり、独自のサウンドとメッセージを維持しながら、デンマークのメタルを国際的に代表することだよ」Michael Romeo と Russell Allen を一人二役でこなせる奇跡。今年リリースされた Nicklas のソロ作品も素晴らしいですよ。どうぞ！！

DEFECTO “ECHOES OF ISOLATION” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DEFECTO : ECHOES OF ISOLATION】 →

B, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NYTT LAND : SONGS OF THE SHAMAN】 JAPAN TOUR 25′

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ANATOLY PAKHALENKO OF NYTT LAND !!

“Throat singing is a real treasure, the heritage of our indigenous peoples. We use throat singing in our music quite actively, as it is an incredible magic and it is our connection with our ancestors.”

DISC REVIEW “SONGS OF SHAMAN”

「私たちにとってシベリアで暮らすのは、世界のどの地域よりもずっと簡単なんだ。 ここは私たちの祖国であり、祖先の土地であり、自分たちのルーツを大切にして、伝統を守ることが重要なんだよ。 私たちはアジア人で、ライフスタイルの面では非常に保守的だ。 フランス、ノルウェー、セルビアなど、他の国や大都市への移住を何度も勧められよ。でも、私たちはそんなことはしたくない。 どこまでも続く美しい草原、山々、森といった生まれ育った土地を離れることは、私たちにとって大きなストレスになる。 ここが私たちの人生のすべてであり、私たちが生まれた場所であり、先祖が生まれた場所であり、私たちの一部であり、だからこそ私たちはここに住んでいるのだよ」
シベリアの大地に深く根を張る NYTT LAND の作品は、2021年の “Ritual” を皮切りに、北欧のフォーク・ミュージックからシベリアの伝統をより深く表現するダークな音楽へと徐々に移行し、最新アルバム “Songs Of The Shaman” で頂点を極めました。
満州・ツングース民族のシャーマニズム的な歌や呪文を、彼ら自身の言語と伝統楽器を用いて解釈することで NYTT LAND は自らの古代文化を守り、より幅広いオーディエンスに届けることを目指しています。NYTT LAND の音楽を聴けば、かつてシベリアに広がっていた風景や営みが心に深く刻まれるような感覚を覚えます。それは、まさに太古の昔からもたらされた音のささやき。 これはもはや、地球上で最も古い文化を巡る魅力的な旅。そして、”Songs Of The Shaman” でその旅路の鮮やかさは一段と際立っています。
「ホーミーはシベリアとモンゴルの先住民の伝統的な歌唱法なんだ。こうした伝統的な歌い方は、世界中のどこを探しても見つからない。もし誰かが、バイキングの間でのどを使った歌い方があったという話をしたら、その人の顔にツバを吐いてもいいだろう。現在では、喉歌をヨーロッパ民族のものとすることが非常にポピュラーになっているけど、これはまったくのナンセンスだよ。喉歌は、先住民族の遺産であり、真の宝なんだ。私たちが非常によく喉歌を使うのは、喉歌が信じられないような魔法であり、祖先とのつながりでもあるからなんだ」
伝統的なシャーマニズムの歌と呪文を解釈した NYTT LAND の音楽。すべての曲は原語で録音され、喉歌や太鼓などの非常に古い音楽技法が用いられています。そうして彼らは、イントネーションとリズムからも生まれる魔法の力を逃さないようにしています。降霊術、呪文、祝福…古代の魔法は、慎重に選択され、有害な呪いは意図的に排除されていきました。NYTT LANDは聴く者すべてを、精霊たちが今も支配し、神々でさえも恐れる時空の秘境、音楽の旅へと誘います。
そうしてこの音の旅は、原始的な人間性に対する理解を何よりも深めてくれるはずです。真っ暗な草原の夜空の下、焚き火のそばに座り、シャーマンが祖先、星々、そこに宿る神々、そしてこの極寒の地を形作る岩や川についての物語を紡ぐのをただ聞いている。そしてシャーマンが炎の中で喉歌を歌い踊る姿に目を奪われる…そこに広がるのは民俗神話の荘厳なる世界。
そう、NYTT LAND こそ古の草原を旅する真の音楽遊牧民。そしてもちろん、この原始と神話、古代の再来は、NYTT LAND が祖先、土地、ルーツと伝統を心から大切にしてきたからこそ成り立っているのです。
今回弊誌では、Anatoly Pakhalenko にインタビューを行うことができました。妻 Natalia とのユニット。「私たちはメタルを演奏するのではなく、伝統的な儀式のフォークロアとその音楽における解釈を研究しているんだ。 そう、私たちの聴衆の一部は間違いなくメタル・ヘッズで、それはクールなことだ。 これは、私たちの音楽がすべての人の魂に触れ、ある種の感情を呼び起こすことを意味している」 ARKONA との来日も決定。どうぞ！！

NYTT LAND “SONGS OF THE SHAMAN” : 10/10

続きを読む NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【NYTT LAND : SONGS OF THE SHAMAN】 JAPAN TOUR 25′ →

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

COVER STORY 【STRAPPING YOUNG LAD : 30TH ANNIVERSARY】

コメントをどうぞ
このエントリーをはてなブックマークに追加

COVER STORY : STRAPPING YOUNG LAD “30TH ANNIVERSARY”

“Obnoxious music with super fast double kick, lots of random explosions and a bald guy screaming his balls off over top. Stress music made for catharsis.”

STRAPPING YOUNG LAD

Devin Townsend は、VAI の1993年のアルバム “Sex & Religion” で世に出ました。二人はその後、それぞれ別々に大成功を収めていますが、Steve Vai は Devin との仕事の思い出を今でも大切にしています。
「Devin は全身全霊で音楽に打ち込んでいたね。彼と一緒にいて、初めて彼の才能が自分の音楽にどう役立つかに気づいたんだ。彼は素晴らしいシンガーだった。彼はどんな歌でも歌えるんだ。そして本当に面白くて、奇抜で、ワイルドで、そういうところが大好きだった。でも、当時は彼が真にクリエイティブな人間だとは気づいていなかった。VAI は私が仕切っていたからね。でも、彼は私のバンドで活動して、何かを学んだんだろう。一度ツールを手に入れると、爆発的に成長した。とにかく表現したかったんだ」
Vai は Devin が作り上げた STRAPPING YOUNG LAD の2005年のアルバム “Alien” がお気に入りだと明かし、そのメロディアスで圧倒的な内容は “研究” に値するとまで称賛しています。そして誰がその言葉に異論を唱えられるでしょう？”Alien” は不健康な状況下で制作された（Devin が双極性障害の薬を断薬していた）にもかかわらず、メタル史に残る傑作となりました。
「Devin についてもう一つ言わせてくれ。彼の音楽は、どんなに激しいものでも、邪悪なものではない。その奥には、光、変革を求める、輝かしい欲求がある。彼の創作活動をずっと見てきた。彼の音楽が、彼にとってカタルシス的なプロセスとなり、自分自身の心に安らぎと心地よさを見出していく過程を目の当たりにしてきたんだ。STRAPPING YOUNG LAD の “Alien” は研究する価値がある。あの作品は、これまで聴いた中でも、これほどまでに強烈な作品はなかったよ」

STRAPPING YOUNG LAD は、Devin Townsend の作品群の中でも特別な位置を占めています。このバンドのヘヴィ・メタル的文脈を構成するインダストリアル、グルーヴ・メタル、デスメタル、ノイズの要素は、同時期の Devin の他のソロ作品にも存在し、同様に、ザッパ以降のシアトリカルでパノラマ的なシネマティック・プログは、STRAPPING YOUNG LAD のすべてのレコードに深く織り込まれています。そのため、サウンド面では意外にもそれほど深い差別化はないようにも思えますが、STRAPPING YOUNG LAD を信奉するファンは未だに絶えません。
もちろん、このオールスターバンドのメンバーが Jed Simon（ギター、当時はインダストリアル・グループFRONTLINE ASSEMBLY に在籍）、Byron Stroud（ベース、2004年から2012年までは FEAR FACTORY にフルタイムで参加）、Gene Hoglan（史上最高のエクストリーム・メタル・ドラマー）だったことはプラスに働きました。しかし、それ以上にこのバンドは Devin Townsend の血と汗と涙と才能と怒りと双極性障害、そのすべてを凝縮していたからこそ特別だったのです。
「OCEAN MACHINE の “The Death of Music” はまるでファンタジーの世界みたいだ。行くべき場所があるような気分になれる。うまくいけば、他の人も、あの音の逃避行を作ろうとしていた頃の僕と同じ精神状態を、少なくとも訪れることができる。”The Death of Music” は、Steve Vai のレコードを制作した直後に生まれた曲で、音楽業界に完全に幻滅していたんだ。何もかもが自分の思い通りにはならなかった。それから僕はRelativity recordsと契約していたけど、不運にも “Noisescapes” というプロジェクトに携わることになった。結局、このレコードは未完成に終わり、完成した作品もレーベルから “統合失調症的” すぎるという理由で却下されたんだ。このレコードは STRAPPING YOUNG LAD と OCEAN MACHINE の起源でその二つが一つにまとまっていて、レーベルはそれが混乱を生むと感じていた）。僕は他のレーベルにもデモ音源を依頼しようとしたけど、最終的には、アプローチしたすべての関係者が同じ意見だった。
それで僕は THE WILDHEARTS の友人たちのギタリストとしてイギリスのバーミンガムに移り、そこでよりアグレッシブな楽曲に注力し始めたんだ。だから、このファースト・アルバムの曲はイギリス滞在中に書かれたもの。”The Rainy Season”, “SYL” をはじめ、このアルバムの核となる曲は、SUICIDAL TENDENCIES とのヨーロッパ・ツアー中に書かれていった。
当時は非常に不安定な時期で、当時の僕の心境を最も端的に反映したのが、この奇妙で怒りに満ちた、非常に “レッド” なアルバムだった。CDのジャケットに写っているのは僕のお尻だよ。悪くないでしょ？肘を二つくっつけたみたいに見えるって言われたことがある。まあいいか。プロダクションは不安定で、ソングライティングにもかなりの浮き沈みがあったけど、僕の活動をまず紹介する作品としては、当時の僕をよく表していると思う」

SYL 名義での最初のアルバム “Heavy as a Really Heavy Thing” は、Devin が Vai のバンドに在籍していた直後にリリースされました。楽曲制作からツアーに至るまで、メジャー・レーベルの不手際への不満がこの作品を、初期のインダストリアル・メタル、デスメタル、スラッシュといった、よりエクストリームな領域へと導いたと言われています。Devin はその後、このアルバムを痛烈に批判するようになりましたが、実際には彼が言う以上に力強い作品でしょう。それは後期の作品にある映画的なスケール感がまだ未熟で、よりダーティーでザラザラとしたアルバムとなっているからかも知れません。そのインダストリアルな音色は、Devin の作品に大きな影響を与えたことで知られる GODFLESH の “Streetcleaner” にも違和感なく調和し、そのプロダクションは、初期 MESHUGGAH のような、当時のエクストリームなデス／スラッシュ・バンドに見られるようなメタリックなサウンドに近いものです。
「混乱と敵意に満ちた心境でイギリスから帰国した。Vai との活動は音楽業界全般への嫌悪感を生み、WILDHEARTS での活動は多くの疑問と怒りを生んだ。Jason Newsted（他にも数名）とのサイド・プロジェクトも期待外れだった。SYLの最初のアルバムは大ヒットしなかった。そこで、バンクーバーを離れ、音楽の新たな可能性を探る時が来たと感じた。
都会の醜悪な自然と、比較的目立たない場所に魅了され、ロサンゼルスの準工業地帯のような荒廃地はインスピレーションを得るのに良い場所だと考え、マリナ・デル・レイの友人数人と暮らしながら作曲を始めたんだ。
当時は、いくつかのアルバム（MORBID ANGEL の “Domination”、FOETUS の “Gash”、OLD LADY DRIVERS の “Formula” や “Cop Shoot Cop” など）に心を奪われていた。センチュリー・メディア・レコードの郵便室で注文を処理する仕事も時々していたけど、ほとんどの時間はSYLのダークな曲をひたすら書き続けていたんだ。”Oh My Fuckin’ God” を聴いてくれよ。偽善的なバカどもについて話しているんだけど、俺はこのシーン全体からなんとか逃れてきたんだ。だって、ファッションショーみたいでね。新作はいいけど KORN が好きなキッズには受けないって言われるのにうんざりだから。アディダス履いてウォレットチェーン持ち歩くようなクソみたいなの、もうやめてくれ。メタル・シーン全体で一番問題なのは、女性蔑視的な部分なんだ。
それから、”Spirituality”。曲の最後の部分に、かなりヘヴィな詩節がある。歌詞と、自分の考えを伝えることが、僕にとって一番大切なこと。僕が書くのは、どんなに些細で下品なことでも、僕の人生で起こっていることだ。たとえそれがセブンイレブンで働いている人とのトラブル、職場でのトラブル、家族とのトラブル、妹との喧嘩など、人によっては些細なことに思えるかもしれないけれど…本当に腹が立つようなことを歌っていて、ただ “ジェネレーションX” 的な “もううんざり、みんな最低、世界は私に生計を立てる義務がある、政府はクソだ” みたいな、ありきたりな怒りをただ吐き出しているだけじゃないなら…何を歌っているかなんて関係ない。ただそこに誠実さがあれば、音楽は10倍になるから…自分が歌っていることを感じられればね。この新しいアルバムで誇りに思っていることがあるとすれば、それは全部、僕の体の一部から生まれたものなんだ。それが睾丸でも、胃でも、心臓でも、わかるでしょ？
とにかく、デモも完成した頃、ハリウッドのライブで Gene Hoglan と出会ったんだ。彼がファースト・アルバムを気に入ったと言ってくれたので、彼を誘って “City” を制作することになった。彼は何ヶ月も演奏しておらず、ブラストにも慣れていなかったので、最初は少し難航したけど、リハーサルを始めて3日ほどで彼の素晴らしい才能に気づき、最終的にハリウッドにある Steve Vai のスタジオでレコーディングすることになったんだ。旧友の Byron と Jed をロサンゼルスに招き、より “バンドらしい” レコーディング体験をしようとした。意気投合したね。この初めての本格的なレコーディング体験が、後の僕たちの原点となったんだ」

“City” は STRAPPING YOUNG LAD の最高傑作と広く考えられています。Devin 自身も、このアルバムをバンドのディスコグラフィーの中で最高傑作だと考えているようです。その理由は明白。”Heavy as a Really Heavy Thing” をテンプレートとすれば、本作はほぼあらゆる面で確実に進歩を遂げているから。前作のヘヴィなデス／スラッシュ・プロダクションや、ザラザラとしたローファイなデモ感は消え去り、Devin が最初からこのプロジェクトに込めていたであろう、シネマティックなビジョンが全編に渡り採用されています。”City” は “Ocean Machine: Biomech” と並行して作曲・レコーディングされており、ヘヴィさを除けば、両者にはたしかに類似点が存在。”Ocean Machine: Biomech” は広大なサウンドスケープを用いて、ヘヴィとドリーミーの中間の空間を創り出し、人体に関する長編プログの寓話を表現しているのに対し、”City” は荒々しくノイジーな工業都市の風景を表現しているのです。工業都市なのに歌舞伎町から超鋼鉄重低爆撃。
“City” を語る上で、このレコードの音楽の激しさは欠かせません。もし “Heavy as a Really Heavy Thing” が、方向性を見失い、整理されていない創造的エネルギーの爆発だとしたら、”City” はそうした本能が軽躁病的な混乱と恐怖へと絞り込まれた作品だったと言えるでしょう。焼けつくような激しさにもかかわらず、このレコードのテーマは怒り以上にむしろ、双極性障害の片端からドラッグとアルコールで満たされた躁のエネルギーが爆発したように感じられます。それは “Ocean Machine: Biomech” の物悲しくメランコリックな壮大さとは対照的。アルバムは悪意に満ちているというより、むしろ慌ただしく、狂乱し、混乱しているように感じられ、危険がないわけではないものの、害悪の意志は感じられません。つまり、インスピレーションとなった大都市の混乱を、躁病に陥った身体の混乱、行き詰まり、そして途方もなく複雑な内なるエネルギー、自身の生々しい部分を象徴するメタファーとして用いているのです。

「”Physicist” のツアーを経てライブ・シーンに再び触れた後、僕は “City” に影響を与えた自らの中にある恐怖感を克服し始めた。再び SYL のような作詞作曲に挑戦し始め、”典型的なメタル・バンド” のアプローチを取れば、SYL に再び関わっても問題ないだろうと自分に言い聞かせたんだ。
なぜなら、正直に言うと “City” がもたらした注目は嬉しかったし、称賛やライブショーは実に魅力的だったから。セルフ・タイトルの楽曲と歌詞の8割は僕が持ち込んだものの、Gene と Jed には彼らが蓄えていたアイデアを出し合うように促すようになった。
このアルバムの歌詞は、僕がこれまで手がけてきた作品の中で最も自分と繋がりが薄いかもしれない。どちらかというと “クールに聞こえるか”、そして僕自身の “タフガイ” 的な姿勢を重視した作品だからね。満足できる要素もいくつかあったけど…”Bring On The Young” の一部は、当時の戦争への恐怖を直接反映していたよ。だけま、”Rape Song” のような曲は、激しいテーマと遠い感情的な繋がりが絡み合った結果、僕が意図していたものとは正反対の形で生まれてしまったんだ。
フランスのテレビ番組でレイプシーンのある番組を見て、女性にあんなことをする人への憎しみが募り、レイプ犯をぶちのめす曲を書かざるを得なくなったんだ。ところが、その意図は裏目に出て、一部の人たちはこれを “レイプ賛美” だと捉えてしまった…
SYL はこうした特異な性質のために、常に僕を不安にさせてきた。僕は無意識のうちに演じる “役割” に多大な労力を費やしていた。当時は気づいていなかったけど、僕のエネルギーの多くは、自分が抱いていたイメージを守ることに費やされていたんだ。そのイメージがどう進化していくのかをひどく恐れていたし、そのことを人々に悟られないようにするためにね」

セルフタイトルのアルバム “Strapping Young Lad” は、”City” のツアー後、グループが一時活動休止した後にリリースされました。当時、Devin は満足のいくヘヴィな音楽が書けなくなったと述べ、代わりに後の “Physicist” と “Terria” となる作品に注力したのです。しかし、あの9.11をきっかけに、Devin は新たな創作意欲を見出したようでした。地震や津波といった自然災害から、大国による帝国主義的な戦争、そしてそれが引き起こす小国や非力な国々の権力の空白まで、あの規模の悲劇は世界各地を悩ませ、今もなお続いていますが、9月11日の出来事は、アーティストであろうとそうでなかろうと、西洋の多くの人々の心の奥底を揺さぶったのです。突然、世界の苦しみの現実が明らかになる。一部の人々はこれを愛国主義や人種差別に利用しようとしましたが、Devin はいつものように自分のエネルギーを自分自身に注ぎ、最終的には、セルフタイトルのレコード “Strapping Young Lad” と、同時に結成された THE DEVIN TOWNSEND BAND 初のレコード “Accelerated Evolution” の両方を作り上げたのです。
「このアルバムは全てを変えた。”Alien” の後、SYLはもう終わりだと悟ったんだ。ライフスタイルを変える必要があるとね。このアルバムに至るまでの出来事、そしてレコーディングを取り巻く状況は、自分自身と精神を破壊してしまったと心から思うほど、混乱を招いた。僕の創作サイクルはタイムラインを見ればわかるように明らかに循環的だけど、そのことに気づいたことが、今の僕をありがたいことに導いてくれたんだ。
本質的には、”Alien” は、僕が自ら、そして当時の周りの人々によって、精神的に崩壊するほどにまで煽られた躁病の結果だった。SYLのセルフタイトル・アルバムで（善意にかかわらず）”有名” になってしまったことで、またしても中途半端なアルバムに対する批判に耐えられなかったのだろう。”Alien” に全力を注ぎ、”Infinity” の時と同じように、自分のプロセスに徹底的に取り組もうと決意したんだ。
“Infinity” でかつて自分を駆り立てた “殉教者芸術家” というロマン主義が頭から離れず、再びその境地に達してメタルというジャンルに “傑作” を残せると信じていた。”誰も成し遂げていない” 境地まで自分を追い込むことで、”City” 時代には自然にできていたことが、今や “無理やり” 生み出されるようになり、SYLを取り巻く状況はますます暴力的になり、今にして思えば自分がほとんど何も知らなかった事柄と複雑に絡み合っていた。そのため、僕の歌詞の傾向は歪んでいった。
怒ったり、落ち込んだり、あるいは何らかの負の感情を抱かなければ幸せになれない人がいるという考えがある。そして、僕がその限界まで自分を追い込む能力（そしてその意志）を持っていた時、僕は自らを暗く悪意に満ちた結末へと導くシナリオに陥っていた。注目を浴びることを喜び、”Terria” 時代にはそれを抑制していた薬の服用をやめてしまった。マリファナとアルコールへの依存が悪影響を及ぼしていたことを認めようとしていなかった。むしろ、それが歪んだ視界を悪化させていたんだよ。
このアルバムは Gene Hoglan と密に協力して制作し、毎日彼の家でリハーサルを行っていた。エクストリーム・ミュージックにおけるテクノロジーの可能性を最大限に活かそうとしたよ。実際、”Alien” で本当に良かったと思えることがあるとするなら、それは彼と音楽仲間として歩んできた道のりだ。僕たちは議論し、妥協し、そして最終的には、一人で作るよりも良いものを作り上げた。でも、二人で作り上げたものは、最終的に僕にとって非常に居心地の悪いものとなり、その後のツアー期間中ずっと落ち込んでいたんだ。
最後の曲 “Info Dump” は、朝4時に地下室でモールス信号と数学的なアイデアを駆使して書いたもの。巧妙で “限界に挑戦した” と思ったものの、結果として僕を恐怖の抜け殻のような人間にしてしまった。自分自身と自分の置かれた状況に対する妄想と恐怖は、つい最近まで僕を悩ませていた。しかし、少し距離を置いて、そして数年経ってから…このアルバムは、アーティストとして非常に誇らしい瞬間だと言えるようになったよ。だけどその誇りの大部分は、苦い経験を​​通して学んだ教訓を、二度と繰り返すつもりはないという自覚から生まれている」

終わりの始まり。”City” が真実だとすれば、”Alien” は現実だと言えます。”City” は間違いなく、このグループの壮大なコンセプトが初めて実現された瞬間でした。しかし “Alien” は、より歳を重ね、より賢明になったグループが、より感情的な精緻さを伴って、同じ考え方に立ち返った作品です。”City” は、身体と精神との関係における都市の比喩的なイメージに焦点を当てていました。大都市のすべてを理解することは困難です。一方 “Alien” は、酩酊状態、精神疾患、神経発達障害などによって、私たちが自分自身を理解できず、自分が思考プロセスの外側にいるように感じてしまうことに焦点を当てています。その結果、私たちは周囲の世界と繋がり、意味のある形で進んでいくことができなくなるのです。
つまり、”City” が外に向けられた躁状態だとすれば、”Alien” は内へと注ぎ込む、内破する精神のブラックホールだったのです。狂気じみた疑似哲学的 “Skeksis” は、それ自体が Devin の映画的なアート・メタルのキャリアの過去と現在を縮図のように捉えています。この時期 Devin は SYL の存在意義についてこう語っていました。
「STRAPPING YOUNG LAD が効果的なのは、僕らがそれほど人気が​​ないからだと思う。人気がないからこそ、自分をどう見せるかに多少の自由がある。僕は大成功なんて求めていない。次のアクセル・ローズになりたいとも思っていない。成功という点では、せいぜい SLIPKNOT (当時) と同程度だろう。彼らもまた、自分たちのやり方で成功を収めてきたヘヴィ・バンドだからね。でも、例えば METALLICA や GN’R だったら…
“Some Kind of Monster” っていうドキュメンタリーを見たんだけど、あいつらはもうメタルのためにやってるって感じじゃない。”マジかよ、俺らは億万長者なのに人生最悪だ” みたいな顔してる」
Devin が SYL を継続することが不可能な精神状態になり、必要なものさえも消し去ってしまったプロジェクトだと語る時、彼が言及しているのは主に “Alien” でした。このアルバムには、Devin が芸術的な高みに到達するために意図的に抗精神病薬を断薬したという神話が流れています。しかし、彼は自らの躁状態と鬱状態は過剰な薬物使用と若くして音楽業界に身を置く環境に起因する可能性が高いと判断し、抗精神病薬の服用を中止し、自らを見直すことを決意しただけでした。当時は禁酒状態だったため、精神状態はますます悪化し、それが心理的に不安を掻き立てるほど化け物じみたアルバムへと発展したのです。Devin は SYL と DTB の関係性をいつしかこう表現するようになっていました。
「STRAPPING YOUNG LAD って、ある意味、誰かに無理やり引っ張られて、やらされているって感じだからね。分かる？ 全てを燃やし尽くすような、そういう宣言なんじゃないかな。政治も宗教も、全部クソくらえ！ 物事は大丈夫かもしれない、なんて言う段階は完全に過ぎ去ってる。だって、大丈夫じゃないんだから。そういう感情への反応なんだ。Devin Townsend の次のレコードは、それと正反対だ。あのレコードは “大丈夫” って言ってる。この2つはそういう関係性なんだ。SYL は “なんてこった！” って言ってるし、DTB は “大丈夫” って言ってる。SYLはゾクゾクするけど、DTBは頭が柔らかくなる。どちらも自分とは正反対のものを体現していると思うから…だから、できるだけ正反対の要素を取り入れているのが良いと思っている。”Alien” にはアコースティックとか、ソロの雰囲気に合う部分もあるけれど。SYLの雰囲気は独特で、曲作りをしている時にすぐに違いが分かるんだ。DTBは温かい家族のような雰囲気。SYLとはセックスするし、DTBとは結婚しているんだ」

そうして、漆黒のスワンソング “The New Black” でその歴史に幕を下ろした STRAPPING YOUNG LAD。Devin のライブにおいても、SYL の楽曲は取り上げられていますが、おそらく復活することはないでしょう。ただし、Devin はSYL再結成の要望を賛辞と受け止めています。
「いつ再結成するのかって？この質問で一番気に入っているのは “いつ” という言葉だよ。まるで再結成の兆しがあるかのように聞こえるよね。でも、もうバンドの誰とも話していない。25年前の自分とはまるで別人だ。そうしたくない。それが僕の答えだと思う。 他の人たちがそれを望んでいるのを知っているから、それは罪悪感を伴う難しい選択だ。でも、この2、3年で学んだことがあるとすれば、自分自身の欲求に注意を払わなければならないということ。だから SYL を再結成するつもりはないけれど、みんながこのバンドに夢中になって、再結成を待ち望んでいるという事実は、僕にとって大きな名誉なんだ。これほどまでに光栄なことはないよ。これからも、みんなが待ち望んでくれるようなプロジェクトを作り続けたいと思っているよ。で関心を持ってくれて本当にありがとう！」
最後に、SYL を初めて聴く若者に Devin はこの音楽をどう説明するのでしょう？
「7弦ギター。チューニングはGCGCGCE。超高速ダブルキック、ランダムな爆発音、そしてその上にハゲ男が大声で叫ぶ耳障りな爆音。カタルシスのために作られたストレス発散音楽だ」

参考文献: https://hevydevy.com/discography/