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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【BETRAYING THE MARTYRS : THE RESILIENT】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH AARON MATTS OF BETRAYING THE MARTYRS !!

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Paris Heavyweights, Betraying The Martyrs Has Just Released Catchy-Orchestrated New Album “The Resilient” !!

DISC REVIEW “THE RESILIENT”

フランスが生んだモダンメタルの殉教者 BETRAYING THE MARTYRS がバンドのポテンシャル全てを注ぎ込んだ新作 “The Resilient” をリリースしました!!Metalcore, Deathcore, Hardcore をベースにシンフォニックでエレクトロニカな味付けを施したユニークかつ際立った作品は、フレンチメタルレボリューションの中核に位置する重要なレコードとなりました。
“The Resilient” は前作 “Phantom” で提示した、獰猛なヘヴィネスとメロディックなモーメントの華麗な融合をさらに1歩進め、キャッチーとさえ言えるフックをふんだんに使用したチャレンジングなアルバムです。WHITECHAPEL, SUICIDE SILENCE といったデスコアオリジネーターが挙ってオリジナルのジャンルから離れ独自の進化を辿る中で、BETRAYING THE MARTYRS も遂に自らのアイデンティティーを築き上げたと言えるのかも知れませんね。
アルバムオープナー、”Lost for Words” はそのキャッチーな一面を突き詰めたバンドの新たなアンセムであり、アルバムタイトルが示す通り BETRAYING THE MARTYRS がさらなる強さを得て戻って来たことを証明する一曲でもあります。
デスコア由来の激しくクランチするリフワークはバンドの帰還を高らかに告げますが、シンフォニックでキャッチーなコーラスが訪れるとリスナーは、彼らの進化、モダンに拡大する視野を実感することになるでしょう。勿論、シンフォニックな要素は BETRAYING THE MARTYRS に欠かせないものとして存在してきた訳ですが、今作では完全に別次元の劇的な魅力を提示しているのです。
その新たな地平をを象徴するのが “Won’t Back Down” でしょう。ヘヴィーでアンダーグラウンドなルーツを枢要としながらも、美麗で大仰ななオーケストレーションを前面に押し出した楽曲は、バラードとは呼べないまでも明らかにスロウでプログレッシブ。傑出した耽美なドラマ性を誇ります。2015年にフランスで起きたテロに衝撃を受けて書かれたというエモーショナルな一曲は、アルバムに類稀なチェンジオブペースをもたらすと共に、バンドの確かな成長を伝えていますね。
インタビューでも触れているように、この美しくシアトリカルな世界観と獰猛なデスコアサウンドの見事な融合は、クリーンボーカル/キーボード Victor Guillet の果たす役割が飛躍的に増し、その才能が素晴らしく開花したことに由来しています。
オーケストレーション、エレクトロニカだけでなく、シンプルなピアノの響きも効果的に使用する彼の鍵盤捌きは特異かつ至妙。”Take Me Back” を聴けば、ピアノが導く甘美なボーカルメロディーが CREED や LINKIN PARK が持つロマンチシズムと通じることに気づくはずです。
飽和気味で数多のステレオタイプなデスコアアクトと彼らを分かつ無上の武器 Victor の開眼は、同時にアメリカナイズとも呼べるメジャーなポップネスを纏い、アンダーグラウンドなジャンルに革新をもたらす一際印象的なメジャー感を織り込むことに成功していますね。
結果として、BETRAYING THE MARTYRS は共にツアーを行った ASKING ALEXANDRIA の大きな成功をしっかりと目に焼き付け、自らの血肉としながらも、デスコア、Djent という重厚でテクニカルなルーツを忘れることはありませんでした。それは正式メンバーとして加入した CHIMP SPANNER のドラマー Boris Le Gal が繰り出す凄まじきスティック捌き、”Dying to Live” の煽情的なリードプレイ、綿密に構成されタイトに進化したギターリフ、そして猛悪なグロウルとエピカルなクリーンのコントラストが見事に代弁していると言えるでしょう。
今回弊誌ではバンドのフロントマン Aaron Matts にインタビューを行うことが出来ました。アナ雪の “Let It Go” をヘヴィーにカバーしたことでも話題になりましたね。どうぞ!!

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BETRAYING THE MARTYRS “THE RESILIENT” : 9.3/10

【INTERVIEW WITH AARON MATTS】

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Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about your band? What’s the meaning behind your band name “Betraying the Martyrs”?

【AARON】: Martyrs represents those that have died for their cause, those that have given their lives so that others after them don’t have to suffer the way that they did. In today’s world there continues to be suffering and pain, those that contribute to this are in turn betraying the martyrs, it’s a metaphor spin on the horror of what this world can hold, and a hommage to those that gave their lives.

Q1: 本誌初登場です!まずはバンド名 “Betraying the Martyrs” に込められた意味を教えていただけますか?

【AARON】: “Martyr” “殉教者” とは、後に続く者たちが自身と同じように苦しまないために、自らの生命を与え、死んで行く者たちのことだよ。今日の世界は苦しみと苦痛が続いているけど、それに寄与する人たちはつまり”殉教者を裏切っている”訳だよ。
この世界が抱える恐怖を表現する隠喩であり、殉教者へのオマージュでもあるんだ。

Q2: You are contracting with Sumerian Records. Off course, Sumerian is one of the most popular Modern metal label. So, what’s the meaning of being “Sumerian Roster” for you?

【AARON】: It’s a great honour for us, when we were look for a label, Sumerian was the one that we had our sights on, and for them to sign us was a blessing for us, we couldn’t be happier to be on such a prestigious label!

Q2: バンドは最もポピュラーなモダンメタルレーベル Sumerian Records と契約しています。”スメリアンロースター”であることはあなた達にとってどういう意味を持つのでしょう?

【AARON】: 非常に光栄なことだね。レーベルを探している時に、目に止まったレーベルの一つが Sumerian だったんだ。
彼らがサインしてくれたことは正しく僕たちにとって祝福だったね。こんなに名高いレーベルの一員になれたんだから、これ以上幸せなことはないよ。

Q3: France might be famous for its cuisine, fine wines and inventing a type of kissing, but now the world finds the unique metal scene there. Definitely, Gojira and Alcest released the most impressive album of last year. And 2017 is your turn. Anyway, what’s your perspective about the metal scene of France these days?

【AARON】: It’s getting bigger and bigger each year, France is starting to catch up with the western world in terms of modern metal music, and we pride ourselves in playing a part in this evolution!

Q3: フランスはチーズやワインで有名ですが、今はそのユニークなメタルシーンも注目されつつありますね?

【AARON】: うん、シーンは毎年どんどん大きくなっているね。モダンメタルという意味で言えば、フランスはようやく西洋世界に追いつき出したところなんだ。
その進化の一部としてプレイ出来ていることを誇りに思うよ。

Q4: So, your newest album “The Resilient” is just out now! It’s for the first time in three years. How do you feel now?

【AARON】: We feel great! We put our heart and souls into this record and couldn’t be more proud of how it turned out, we love the cd from front to back and are stoked to see that our fans do too!

Q4: では最新作 “The Resilient” について話しましょう。3年ぶりの作品となりましたが、今のお気持ちはいかがですか?

【AARON】: 最高だよ!このレコードには僕たちの気持ちと魂を込めたからね。これ以上誇れるものはないよ。
オープナーから最後の曲まで大好きだし、ファンのみんなもそう思ってくれたら素晴らしいね!

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Q5: When you named your third album “The Resilient”, what was in your mind? Could you tell us about the concept or lyrical themes of album?

【AARON】: The title of the album represents us, as a band and as people, we have been thr amazing ups, and crushing downs, but we have ALWAYS bounced back and come back even stronger than ever. This is the case more than ever right now, we have cut our losses, bounced back to our original form, and this is who we are today, btm at its strongest!

Q5: アルバムを “The Resilient” というタイトルに決めたのはなぜですか?併せて作品のコンセプト、歌詞のテーマを教えてください。

【AARON】: タイトルの “The Resilient” “回復” はまさに僕たちのバンド、そして僕たち自身を表しているんだ。僕たちのキャリアは激しいアップダウンを経験して来たけど、いつだって今までより強くなって戻って来ているんだからね。
そして今まで以上に現在こそその状況を体現しているのさ。失ったものを取り戻し、元の形に戻って来たよ。今日の僕たちこそ最強の BETRAYING THE MARTYRS なんだよ!

Q6: The direction of combining crushing heaviness and beautiful melodic moments started from your former release “Phantom”. But, “The Resilient” have included more clean vocals than your past works. “Lost for Words” and “Take Me Back” is two prime examples of this, I think. Do you agree that? What made you go ahead with this approach?

【AARON】: We have never made a conscious effort to put more or less clean vocals, or more or less melodic moments, these moments come from who we are as musicians and our roots, Victor plays a huge part being the clean singer and piano and synth player, and we’ve always welcomed that with open arms, this cd is just a result of us all working equally hard together.

Q6: “The Resilient” は前作 “Phantom” で志向した強烈なヘヴィネスと美しいメロディーの融合をさらに推し進めたレコードだと感じました。過去作よりクリーンボーカルの割合も増えていますよね?

【AARON】: 僕たちは意識的にクリーンボーカルやメロディックな要素を増やしたり減らしたりしたことはないんだよ。そういった瞬間は、僕たちのミュージシャンとしてのルーツから自然と湧いてくるものなんだ。
このレコードでは、Victor がクリーンボーカル、ピアノ、シンセサイザーと多くのパートをプレイしている訳だけど、僕たちはいつだって心からそれを歓迎しているんだよ。このレコードは全員が等しくハードワークした結果なんだからね。

Q7: That is to say, Betraying the Martyrs becomes to have more on the metalcore spectrum than the deathcore one many times throughout the album. The same is true of Suicide Silence, Whitechapel, it seems that major deathcore acts pushing forward their melodic aspects. Do you feel empathy with them?

【AARON】: Not at all, bands like Whitechapel and suicide silence are doing exactly what they want to do, and so are we, our sound perhaps represents a lot less drastic change than theirs does, but that’s where we are in our careers and that’s where they are in theirs. Either way they are both great bands and good friends.

Q7: 言い換えればデスコアを離れモダンなメタルコアに接近したとも言えるかも知れません。SUICIDE SILENCE や WHITECHAPEL も同様にデスコアから離れようとしていますが、彼らに共感を覚える部分はありますか?

【AARON】: 全く感じないね。WHITECHAPEL や SUICIDE SILENCE といったバンドはただ彼らがやりたいことをやっているだけで、僕たちも同じだよ。おそらく、彼らに比べたら僕たちのサウンドの方がドラスティックな変化は少ないだろう。だけどこれは僕たちのキャリアで、彼らには彼らのキャリアがあるんだよ。どの道、彼らは両方とも偉大なバンドだし、良い友人でもあるんだ。

Q8: “Won’t Back Down” symbolize that, the orchestral and keyboard elements are essential elements for Betraying the Martyrs. Initially, what inspired you to mix these element to metal sound

【AARON】: Absolutely, they play a huge role in defining our sound. Victor and his instruments have been there since the very beginning, unlike myself; and the band has always strived to keep this symphony as part of our sound, that’s the way it’s going to stay.

Q8: “Won’t Back Down” が象徴するように、シンフォニックなオーケストレーション、キーボードパートはバンドにとって不可欠な要素です。元々、こういったサウンドをメタルに導入したきっかけは何だったのでしょうか?

【AARON】: 全くその通りだね。そういった要素は間違いなく僕たちのサウンドの中で大きな役割を果たしているよ。
Victor と彼の楽器は非常に初期の頃からバンドに欠かせないものだったね。バンドもこのシンフォニーをサウンドの一部としてキープすることを欲してきたんだ。だから今も重要な要素として君臨しているんだ。

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【FIVE ALBUMS】

FIVE ALBUMS THAT CHANGED AARON’S LIFE!!

EMINEM “THE MARSHALL MATHERS LP”

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WHITECHAPEL “THIS IS EXILE”

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SLIPKNOT “SLIPKNOT”

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T.REX “THE SLIDER”

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BLINK 182 “ENEMA OF THE STATE”

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【MESSAGE FOR JAPAN】

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Thank you so much for your support, we love you all, and cannot wait to come and play for you all in your amazing country!! See you all soon!!

サポートをありがとう!日本のみんなが大好きだし、君たちの素晴らしい国でプレイするのが待ちきれないよ。すぐに会おう!!

AARON MATTS

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EXCLUSIVE INTERVIEW 【COLIN MARSTON : KRALLICE, GORGUTS, BEHOLD…THE ARCTOPUS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH COLIN MARSTON OF KRALLICE, GORGUTS, BEHOLD…THE ARCTOPUS, AND MORE !!

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New York’s Own All Around Dynamic Cult Metal Super-Hero, Colin Marston Talks About Krallice, Gorguts, Behold…The Arctopus, And More!!

ABOUT “COLIN MARSTON”

Colin Marston は34歳にして既にメタル、アヴァンギャルドシーンのカルトヒーローだと言えます。変質的でありながら高い賞賛を浴び続ける、4つの価値あるバンドを牽引する人物であることがその第一の要因でしょう。
盟友 Micc Barr と立ち上げた KRALLICE は NYC の個性的なブラックメタルシーンを代表するバンドです。2011年にリリースした “Diotima” はアトモスフェリックブラックの金字塔として今も語り継がれる名盤ですし、2015年には複雑なリズムやテクニックにフォーカスしたテクニカルデスメタルへと接近し、界隈のトレンドをお膳立てするフラッグシップ的役割、影響力を見せつけましたね。昨年は VAMPILLIA 他日本のバンドたちと共演するジャパンツアーも行い、その高いミュージシャンシップと鬼気迫るパフォーマンスが話題となりました。
BEHOLD…THE ARCTOPUS は実験性を極めた真のカルトインストスリーピース。奇想天外、一見無機質でツギハギのようなカオスの中に、メロディーや叙情味を織り込んで行くそのスタイルはまさしく唯一無二でしょう。”地獄の12弦ハープ”などと称される特異な楽器 Warr Guitar のベースとギターの領域をカバーする広いレンジを駆使し、嵐のようにフレットをタップする Colin の姿はアックスマンの称号に相応しい壮絶なオーラを纏っています。
Colin はカナダの暗黒神、アヴァンデスメタルレジェンド GORGUTS にも参加しています。インタビューにもある通り、ここではベースプレイヤーとして影となり日向となり、奇才 Luc Lemay を支えているようですね。彼らもまた KRALLICE と同様に ULCERATE や PYRRHON といったモダンで深みのある新鋭デスメタルアクトたちに多大な影響を与えたオリジネーターだと言えますね。
DYSRHYTHMIA はその GORGUTS のギタリスト Kevin Hufnagel とタッグを組んだこちらもインストスリーピース。BEHOLD…THE ARCTOPUS とは異なり、リフの迷宮、カオスの魔窟といった風体のよりダークで引き摺るような重さを纏ったバンドです。Kevin がプログレッシブドゥームの英雄 WHILE HEAVEN WEPT に所属していたこともあり、”Thrak” 期の KING CRIMSON をさらに陰鬱で重厚なサウンドに仕上げたような魅力が存在します。
インタビューにもあるように、Colin は昨年この4バンド全てで新作をリリースしただけでなく、他にも4、5プロジェクトに参加し作品を世に送り出しているのです。驚くべきハイペース、創作の鬼、羅刹。
特に近年 Colin の仕事からは音楽は勿論、何者も恐れない崇高な実験精神 まで KING CRIMSON の影を強く感じます。”知恵の館”をテーマとし、イスラムアッバース朝の繁栄から衰退までを描いた33分の大曲のみを収録し、プログレッシブデスメタルの新たな領域を開拓したと各所で絶賛された GORGUTS の “Pleiades’ Dust” をはじめとして、昨年リリースされたレコードは全てが音楽的冒険の末辿り着いた比類なきクオリティーを誇るのですから、そのストイックに研ぎ澄まされた感性や人となりからももはや”現代の Robert Fripp” の称号を得ても何ら不思議ではないですね。
Colin の”ワーカホリック”はとどまる事を知りません。彼がカルトヒーローである第二の理由。それは自身が所持する Menegroth: The Thousand Caves in Queens スタジオで辣腕を振るう優れたプロデューサー/エンジニアであるからに他ならないのです。ARTIFICIAL BRAIN, LITRUGY, KAYO DOT, EAST OF THE WALL, WOE, DEFEATIST, CASTEVET など多様性をアイデンティティーとした NYC の革新的なメタルの波はこのスタジオを起点として生まれたと言っても過言ではないでしょう。
インタビューでも自身がベジタリアンであることを認めていますが、シーンきってのナチュラリストとして知られる Colin のサウンドから生命、人間、感性を捉える能力が界隈のミュージシャンたちに強く信頼されリスペクトを受けていることは間違いないでしょうね。
今回弊誌では、二つの顔を持ち、アンダーグラウンドメタルシーンで今最も多忙かつ尊敬を集める Colin にインタビューを行うことが出来ました。あの Skrillex より先にサイドカットに手を染めた冒険者 Colin Marston 解体新書のようなインタビュー。どうぞ!!

【INTERVIEW WITH COLIN MARSTON】

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Q1: Hi, Colin! You looks so busy these days. Lot’s of your records like Krallice, Behold…the Arctopus, Dysrhythmia, Gorguts were released last year, adding that, you have even studio works. Do you think you are kind of workaholic? haha.

【COLIN】: Yes, i played on lots of things that were released in 2016. in addition to the ones you mentioned, i also self-released another Indricothere solo album, a very long double album of improvised music with Mossenek, an experimental metal record with Eliane Gazzard and Nandor Nevai called Glyptoglossio, as well played session bass on new albums from Crator and Withered. Mick Barr and I also have a few releases as Hathenter that are more or less finished, but we didn’t release them yet.
Workaholic isn’t a totally inaccurate term, but i really enjoy writing music and making recordings, and “workaholic” makes it sound like a negative tendency. i don’t feel negatively about it at all. although sometimes i regret not pursuing a wider variety of interests… but music still feels so vast and infinite to me that i keep getting sucked back in.

Q1: Colin、最近は特にお忙しそうですね。昨年は KRALLICE, BEHOLD…THE ARCTOPUS, DYSRHYTHMIA, GORGUTS で作品をリリースしましたし、スタジオワークも抱えていますよね?仕事中毒と言えば言い過ぎでしょうか?(笑)

【COLIN】: うん、確かに2016年は多くの作品でプレイしたね。君が挙げたものに加えて、ソロプロジェクト INDRICOTHERE をセルフリリースし、MOSSENEK ではとても長いインプロビゼーションのダブルアルバムをリリースしたね。
さらに Eliane Gazzard, Nandor Nevai とGLYPTOGLOSSIO というプロジェクトで実験的なメタルレコードを作ったし、CRATOR, WITHERED の新作ではセッションベーシストとしてプレイしているよ。Mick Barr と僕の HATHENTER もほとんど完成しているものがいくつかあるんだけど、それはまだリリースしていないんだ。
だからワーカホリックという言葉は完全に間違いというわけではないんだけど、僕は作曲やレコーディングを本当に楽しんでいるからね。ワーカホリックってネガティブな響きがあるんだけど、僕は音楽制作に全くそういった感情は抱いていないんだ。
時々はもっと音楽以外にも興味の対象が広がればいいのにとも思うんだけどね…だけど僕にとって音楽は未だに広大で無限の奥行を備えているんだ。だから今でも惹き込まれ続けているのさ。

Q2: Anyway, so, Behold…the Arctopus one of the most mysterious, cult act in the metal scene. I think there was no sign to making new record of Behold…the Arctopus. The new record “Congtive Emancipation” was really surprising release for your fans. What made you record “Congtive Emancipation” on this timing?

【COLIN】: The record label we were on dissolved and i don’t take part in any social media, so there was no promotion. maybe that’s why it seemed like a surprise. to me however, these were old songs that i was dying to finish and record for years. tracks 2 and 4 on the new album were actually written for Horrorscension, but we didn’t get them together in time. the other 2 songs were supposed to be the beginning of the next album, but then we lost Weasel to fatherhood and Lydia Lunch, and i spent a year playing with a different drummer as an experiment. then Jason Bauers came along in august of 2015 and in less than a year we had 4 songs ready to go. then Mike told me he was moving back to the west coast (where he’s originally from). rather than wait for him to get settled and try to keep working on the new album remotely, i suggested we just record right away and make a short album out of those 4 songs… then take our time and see what the future held in store. i do think this is a nice collection of songs even though they weren’t originally intended to exist together. BTA releases often work better as shorter denser chunks of music, often feeling like a full meal despite the brevity.

Q2: BEHOLD…THE ARCTOPUS はシーンでも最もミステリアスでカルトなバンドの一つでしょう。新作 “Congtive Emancipation” は全くリリースの兆候すら無かったので驚きでしたよ。

【COLIN】: 所属していたレコードレーベルは解散してしまったし、僕はSNSなんてやらないから、プロモーションは全く行われなかったんだ。だからサプライズのように思えたんだろうね。
だけど僕にとって “Congtive Emancipation” の楽曲は、長年完成させレコーディングしたかった古いマテリアルだったんだ。実際、アルバムの2曲目と4曲目は “Horrorscension” のために書かれたものだからね。ただ当時は完成が作品のリリースに間に合わなかったんだ。
他の2曲は、次のアルバムのオープナーになるはずだったんだよ。だけど Weasel が Lydia Lunch との子供が出来て脱退し、実験的に一年ほど他のドラマーとプレイしていたんだ。その後、2015年の夏に Jason Bauers が加入し、一年経たないうちに4曲が完成したんだよ。
そうしたら今度は Mike Lerner が出身地である西海岸に帰ると言い出してね。僕は、彼が落ち着くのを待ち離れた場所でフルアルバムを作るよりも、すぐに今ある4曲で短いアルバムを作ろうと指示したのさ。楽曲はこれからまた時間をかけて蓄えていけばいいからね。
元々は同じアルバムに収録するつもりのなかった4曲だけど、間違いなく素晴らしいコレクションになったと思うな。BEHOLD…THE ARCTOPUS は、しばしば短く密集した音楽の方が機能するんだよ。簡潔な食事なのにフルコースを食べたみたいにね。

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Q3: You know, Warr Guitar is essential piece of Behold…the Arctopus. Could you talk about Warr Guitar, and the importance in your music?

【COLIN】: So far, behold is the only band in which i’ve only used warr guitar. it’s also the bass/3rd guitar on all the Indricothere metal albums and i’ve used it for solos in Krallice, Glyptoglossio, and some guest moments for Imperial Triumphant and East of the Wall.
I was inspired to play warr guitar after seeing Trey Gunn and Tony Levin play in King Crimson back in 1996. i got a discounted instrument the following year.
The warr guitar is fitting for behold the arctopus because all the music is written away from the instrument. i find it challenging to compose music on the warr guitar, but it is very useful for learning music not written on the fretboard. i think this is because there are 2 tunings (upside down 5ths in the bass side, and right-side up 4ths in the guitar side), and many positions and registers one can use to play the same material. so if i’m trying to learn a BTA song, and one section proves difficult with a certain fingering, there are usually a few more positions/fingerings to try before giving up and saying, “this is unplayable!” i also enjoy the ambiguity of the instrument: is it a bass, a guitar, or both?? i’ve always enjoyed larger ranges of pitches on guitar-like instruments. i tune the lower strings of my guitar down (but not the higher strings) and play bass with an extra low and high string. the warr guitar has this extended range built into it, which i love. i find it more and more boring to stay in the same register for an entire song or album. one of my main complaints about metal is that guitarists often just use their lowest few strings and stay low on the neck in one position. sure riffs can sound heavy down there, but it’s also the muddiest-sounding region of a guitar. additionally, heaviness is relative: if your album has low heavy riffs the whole time, none of them will seem as heavy as they could if they were juxtaposed with something different.

Q3: Warr Guitar は BEHOLD…THE ARCTOPUS に欠かせない要素の一つですよね?

【COLIN】: 今のところ、僕が Warr Guitar をメインで使うのは BEHOLD…THE ARCTOPUS だけだね。あとは、INDRICOTHERE のメタルアルバムではベース/3rd ギターとして使用し、KRALLICE, GLYPTOGLOSSIO ではソロをプレイし、IMPERAL TRIUMPHANT, EAST OF THE WALL にゲスト参加した時にも使ったよ。
僕が Warr Guitar を手に取ろうと思ったのは、1996年に Trey Gunn と Tony Levin が KING CRIMSON でプレイするのを見たからなんだ。翌年には安売りされていたその楽器を手にしていたよ。
Warr Guitar が BEHOLD…THE ARCTOPUS にフィットするのは当たり前で、全ての音楽を Warr Guitar で書いているんだよ。Warr Guitar で作曲するのはとてもチャレンジングなんだ。フレットボードで作曲していく訳じゃないから、とても音楽の勉強になるんだよ。それはこの楽器が二種類のチューニングを備えているからなんだけどね。だから同じマテリアルでも、沢山のポジションや音域でプレイすることが可能性なのさ。つまり BEHOLD…THE ARCTOPUS の曲を覚える時は、フィンガリングが難しすぎるセクションがあったとしても、根をあげて「こんなのプレイ出来ないよ!」と言う前にいくつか他にトライすべきポジションやフィンガリングが残されているんだよ。
この楽器の両義性も重要なポイントだよ。ベースであり、ギターであり、その両方かもしれないんだから。いつだってこのギターのような、しかし幅広いレンジを持つ楽器を楽しんでいるよ。ギターの領域では低音弦だけチューンダウンしているんだ。そしてベースは究極に低音とハイストリングスをプレイしているよ。Warr Guitar の魅力は何と言ってもこのレンジの広さなんだ。同じ音域だけで楽曲やアルバムを構成するのは本当に退屈だからね。
メタルに対して僕が抱いている主な不満の一つは、しばしばギタリストが低音弦だけを使用し、ネックの同じ場所だけでプレイしていることなんだ。勿論、そうすることでサウンドはヘヴィーになるけど、ギターの中音域でだって同じことは可能なのさ。
さらに言えばヘヴィネスって相対的なものだよね。いつも低音でヘヴィーなリフを聴かせるアルバムよりも、異なる要素を並べて際立たせた方が重さを感じるはずさ。

Q4: Regarding Krallice, 2016 was great year for Japanese fans. Finally, we could see Krallice’s performance. On SNS, lot’s of fans said it was outrageous! How was the Japan Tour 2016? What’s your impresson about Japanese band Vampillia?

【COLIN】: We loved the Krallice/Vampillia tour! possibly the most enjoyable and best organized tour i’ve ever been on. i really appreciated that we played with a variety of japanese bands, from metal, to noise, to “idol pop,” to unclassifiable. my first time over to japan with gorguts was great, but we just played with metal groups and didn’t get to see a single japanese band! also Kei from Vampillia is an extreme food enthusiast and did an amazing job organizing food for us, which was especially great for me since i’m always the lone vegetarian (and eating a vegetarian diet while traveling in japan is way more difficult than i ever imagined).
Vampillia was great. i appreciate their sense of humor, theatrics, amazing musicianship, and disregard for genre commitment. they were wonderful travel companions as well!

Q4: KRALLICE は昨年、待望の来日も果たしましたね!SNSではバンドに対する賛辞が飛び交っていましたよ。VAMPILLIA をはじめ日本のバンドたちとのツアーでしたが、感想を聞かせていただけますか?

【COLIN】: KRALLICE と VAMPILLIA のツアーは素晴らしいものだったね!おそらくは、僕が今まで経験した中でも最高に楽しく、最も良くオーガナイズされたツアーだったと思うな。メタルからノイズ、アイドル、分類不明なバンドまでバラエティー豊かな日本のバンドたちと共演することが出来て本当に感謝しているんだよ。
僕が GORGUTS で初めて日本に行った時も良かったんだけど、その時は外国のメタルバンドと共演しただけで日本のバンドは全く見ることが出来なかったからね。
それに VAMPILLIA の Kei は食に対する情熱が凄くて、食事に関して最高の仕事をしてくれたんだ。僕はいつも孤独なベジタリアンだからとても助かったよ。日本ではビーガン料理を出して貰うことが想像していたよりずっと難しかったからね。
VAMPILLIA は偉大なバンドだったよ。ユーモアのセンス、演出方法、至高のミュージシャンシップ、そしてジャンルを股に掛ける音楽性。素敵な旅行仲間でもあったね。

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Q5: “Prelapsarian” was also surprising release. When I interviewed with Micc, he said “In Ygg Huur, we all seemed to be ready to try something less atmospherically black metal.”. So, what was your reason of the change of Krallice’s direction? Like Alcest, Deafheaven, Atmospheric Black is so popular now. Do you miss the fantastic atmosphere of “Diotima”?

【COLIN】: There wasn’t a concrete reason to evolve, we just wanted to push ourselves into some less charted territory. there was an idea early on in this band to make “black metal.” who cares whether or not we ever did? but over the past few years we haven’t had an agenda of making any style of music other than our own. it’s great because now we sound like the union of our 4 raw creative minds rather than the 4 if us making some particular kind of metal.

Q5: 昨年末にリリースされたKRALLICE の “Prelapsarian” もサプライズでした。Micc にインタビューを行った時彼は、「”Ygg Huur” では全員がアトモスフェリックなブラック要素を減退させようとした。」と語っていましたが、あなたはどういった理由でそう決めたのでしょう?

【COLIN】: その進化に関して具体的な理由はないんだよ。僕たちはただ、未知の領域へ自分たちをプッシュしたかっただけなんだ。
確かに KRALLICE の初期のアイデアは、ブラックメタルをやることだったね。でも僕たちがこれまでブラックメタルだろうとなかろうと誰が気にするんだい?
ここ数年間は、自分たち自身のスタイル以外の音楽を作ることは議題にも上がらなかったよ。それは素晴らしいことに思えるね。あるジャンルのメタルをプレイする4人ではなく、ただ4つのクリエイティブな精神が集まったバンドになったんだからね。

Q6: What’s Micc Barr to you? You two are also doing Encenathrakh. Is he kind of best friend, or great collaborator of music?

【COLIN】: Mick Barr is nothing to me!! just kidding.
Yes, in addition to being a fantastic best friend, Mick is one of my favorite collaborators. i find working with him to be extremely easy and enjoyable. i also find his often seemingly contradictory perspectives and creative brain to be one-of-a-kind. very open-minded, but also very opinionated in unexpected ways. he always keeps me thinking and healthfully questioning.

Q6: KRALLICE 以外にもいくつかのプロジェクトで共演してきた Micc Barr はあなたにとってどのような存在ですか?親友のような存在ですか?それとも最高のコラボレーターでしょうか?

【COLIN】: Micc Barr なんて関係ないよ!!ジョークだよ(笑)そうだね、Micc は素晴らしい最高の友人であることに加えて、大好きなコラボレーターの1人だよ。彼と仕事をするのは、究極に簡単で楽しいんだよ。
彼の時に一見矛盾した視点と、クリエイティブな頭脳は唯一無二だと思うな。とてもオープンマインドなんだけど、予想外の方法で意見を主張したりするんだよ。彼はいつも僕に思考させ健康的な疑問を与えてくれる存在さ。

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Q7: OK, so…Gorguts. Lot’s of Metal magazine choose “Pleiade’s Dust” as best album 2016. You know, off course, Luc Lemay is Gorguts. So, what’s your role in Gorguts?

【COLIN】: I joined Gorguts on bass when Luc resurrected the band in 2008. in addition to bass, i also recorded/mixed/mastered “colored sands” and “pleiades’ dust” (although for “colored sands” we did the basic tracking with Pierre Remillard). i wrote one entire song (guitar, bass and drums) on “colored sands,” called “forgotten arrows,” and all the bass on everything else. i also really like getting involved in writing the drum parts, so i had a hand in that too especially on “pleiades’ dust.”

Q7: では GORGUTS について話しましょう。”Pleiade’s Dust” は様々なメタルマガジンが2016年のベストアルバムにランクした作品となりましたね!勿論、GORGUTS は Luc Lemay のバンドですが、あなたの役割はどのようなものですか?

【COLIN】: 僕は Luc がバンドを復活させた2008年にベーシストとして加わったんだ。ベースに加えて、”Colored Sand”, “Pleiade’s Dust” のレコーディング、ミキシング、マスタリングも僕が手がけたんだ。ただ、”Colored Sand” のベーシックなトラッキングは Pierre Remillard が行ったんだけどね。
“Colored Sand” では “Forgotten Arrows” を一曲まるごと、ギター、ベース、ドラムスも僕が書いたんだ。ベースは全て自分でラインを考えているよ。僕はドラムパートを考えるのが本当に大好きだから、特に “Pleiade’s Dust” では手を加えているよ。

Q8: So, could you tell us about your plan of 2017? How many your projects can we hear in this year? haha.

【COLIN】: it’s always hard to say what will actually be released in any given year, since often there is a delay between completing a recording and other people hearing it. Mick and i plan on releasing at least 2 Hathenter records very soon, one of which is a collaboration with Brandon Seabrook, Eliane Gazzard, Yoshiko Ohara, and chfs. some copies of the Encenathrakh demo have been located. i just played on a new Withered song, which should be out soon. Krallice will record this spring or summer for sure. we already have 2 albums planned, one short and fierce and one long and less dissonant. the short, fierce album is coming together really quickly, so that will probably be recorded and released in 2017. i’m guessing the other album will take longer. Dysrhythmia, Arctopus, and Gorguts will all start writing again (or already have) but those bands all work slower, so i’m guessing nothing until 2018 or 19.

Q8: 最後に今後のリリース、活動予定を教えていただけますか?今年も沢山の作品が聴けるのでしょうか?(笑)

【COLIN】: どの年でも実際に何がリリースされるのか言及するのは難しいんだよね。レコーディングが遅れたりするのは日常茶飯事だから。とりあえず、Micc と僕は少なくとも2枚 HATHENTER のレコードを近々リリースするよ。そのうちの1枚は Brandon Seabrook, Eliane Gazzard, Yoshiko Oharaとのコラボレート作品さ。ENCENATHRAKH のデモも準備出来ているんだ。あと、僕は WITHRED の新曲でもプレイしたばかりでね。近々リリースされるよ。KRALLICE は春か夏に確実にレコーディングを行うよ。すでにアルバム2枚の計画があるんだ。1枚は短く獰猛な作品で、もう1枚は長くてあまり耳障りではない作品になるよ。前者は実に早く纏まりそうだから、今年中にはリリースされるだろうね。もう1枚はおそらくもっとかかるだろう。
DYSRHYTHMIA, BEHOLD…THE ARCTOPUS, GORGUTS はすでに作曲を始めていたり、これから始めるところなんだけど、どれも仕事が早いとは言えないバンドだから、来年か再来年までは何もないと思うな。

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【FIVE ALBUMS】

FIVE ALBUMS THAT CHANGED COLIN’S LIFE!!

ULVER “NATTENS MADRIGAL”

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one of my earliest exposures to black metal. i still really love the use of independent baselines and dual complimentary guitar parts. i also enjoy the strange noisy mix… like a gem hidden under mountains of muck. they also use this one trick that i love: changing from a 3 beat feel to a 2 beat feel without changing tempo or drum part. those moments feel like time is being expanded or contracted in a wonderfully smooth manner.

僕がブラックメタルにハマったころの作品の一つさ。今でも独立したベースラインと、双重のギターパートを本当に愛しているんだ。一風変わったノイジーなミックスも楽しめるね。まるで Gem が汚物の山に隠されているような感じだよね。
彼らが使うトリックで好きなのがあって、テンポやドラムパートを変えずに3ビートを2ビートのように変化させるやり方なんだ。まるで時間が拡張したり縮小したかのような印象を与えるくらいスムースで素晴らしいやり方だよ。

KING CRIMSON “THRAKATTAK”

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certainly not a very representative King Crimson album, but definitely the darkest and ugliest. this one is just edited together live improvisations from the middle of various versions of the same song. great combination of dissonant shredding and tense ambience. this is one of my favorite improvised albums not from the jazz world.

確かに KING CRIMSON を代表するアルバムという訳ではないね。だけど間違いなく、最高にダークで醜い作品さ。この作品は “Thrak” の様々なライブインプロヴィゼーション部分を編集して、その冒頭と末尾を “Thrak” で挟み込む構成になっているんだ。
喧騒のシュレッドと張り詰めたアンビエンスのコンビネーションが素晴らしいね。ジャズ以外で最も気に入っているインプロビゼーション作品の一つだね。

KRZYSZTOF PENDERECKI “MATRIX 5”

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this album has the first version of “threnody…” that i heard. as a 16 or 17-year old, it really knocked my socks off. such masterful use of texture! it’s also a beautiful piece to see written out because of all the various idiosyncratic microtonal notation methods. each page looks like a different universe, and the sounds created are alien, but so viscerally familiar to the emotional brain.

この作品は僕が初めて聴いたバージョンの “広島の犠牲者に捧げる哀歌” が収録されているね。当時僕は16か17歳だったんだけど、本当に驚かされたね。完璧なテクスチャーだよ!
さらに特異な微分音表記法で書かれていることが楽曲を美しいものにしているんだよ。どのページも異なる宇宙のようで、そのサウンドはきっとエイリアンが作ったものだろう。ただし直感的に脳の感情的な部分に訴えかけるものがあるんだよ。

NEUROSIS “THE WORD AS LAW / TIMES OF GRACE”

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very hard to pick one album from Neurosis, a truly progressive rock band, not a “progressive rock” band… an important distinction. “The Word as Law” in my mind is one of the most successful marriages of hardcore and metal… but fuck that, it’s just amazing unique music, which has the feeling that it could go anywhere. A+ bass work on this record and an excellent reconciling of simplistic punk and intricate, epic tortured metal. “Times of Grace”/“Sovereign” needs a shoutout too because the combination of Neurosis in the 90s ,when they were still unbelievably heavy, and Steve Albini’s straightforward but masterful recording and mixing yields my favorite-sounding rock record maybe ever.

NEUROSIS のアルバムを1枚選ぶのはとても難しかったね。所謂プログレバンドではなく、真の意味でのプログレッシブなロックバンドだよ。重要な違いだね。僕の中で、”The Word as Law” は最も成功したハードコアとメタルの融合だと言えるね。ただ何よりも最高にユニークな音楽だよ。ベースはA+の仕事をしているし、シンプルなパンクと複雑でエピカルなメタルがこのレコードで最高の”和解”をしたと言えるかもしれないね。
“Times of Grace”/“Sovereign” にも感謝しているんだ。未だに信じられないくらいヘヴィーで、かつ Steve Alvini のストレートでライブ感満載のレコーディングとミキシング。まさに90年代の NEUROSIS だよ。僕にとっては最も気に入っているサウンドのロックレコードだね。

THE FLYING LUTTENBACHERS “INFECTION AND DECLINE”

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the first “brutal prog” Luttenbachers record. this version of the band had so much raw energy and the compositions inspired a lot of my own music. a perfect combination of raw punk aesthetic, intricate asymmetrical riffs, drumming that seems equally inspired by metal and Xenakis… what more could you want?

Luttenbachers 初の”ブルータルプログ”レコードだよ。このバージョンのバンドは生々しいエナジーを持ち、僕のコンポジションに多大な影響を与えているよ。パンクの美学と複雑で非対称なリフとドラミング。メタルとクセナキスから平等に影響されているように思えるね。それ以上何が必要なんだい?

【MESSAGE FOR JAPAN】

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Thank you to all japanese listeners! i hope i can home back and play for you again soon!
Sin, thanks for the interview!

日本のリスナー全員にありがとうと言いたいね。出来ればすぐに戻ってまたプレイしたいよ!

COLIN MARSTON

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CLOUD NOTHINGS : LIFE WITHOUT SOUND】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DYLAN BALDI OF CLOUD NOTHINGS !!

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New Age Cleveland Indie Rockers, Cloud Nothings Expand And Explore The New Realm With 4th Record “Life Without Sound”! Don’t Miss Their Upcoming Japan Tour In April !!

DISC REVIEW “LIFE WITHOUT SOUND”

オルタナティブ、エモ、インディーズを咀嚼し、リアルな現在進行形の音楽を創造するクリーブランドの4人組 CLOUD NOTHINGS がバンドの成熟を伝える最新作 “Life Without Sound” をリリースしました!!そのディスコグラフィーの中で、最も静観的かつ沈思を誘うアルバムは、彼らの新たな魅力が素晴らしく開花した1枚に仕上がりました。
NIRVANA を初めとして、80年代後期からオルタナティブ / アンダーグラウンドシーンの名作群を手がけ続けてきた Steve Alvini を擁しリリースした2ndアルバム “Attack on Memory”。そのシャープに研ぎ澄まされたアグレッシブなサウンドは、瑞々しいロックアンセムの数々を伴ってシーンに新たな風を吹き込みました。インタビューで Dylan は言葉で音楽を定義することに明らかな嫌悪感を表していますが、それでも90年代の装飾を廃したオルタナティブやエモを想起させるその音楽性は、オルタナリバイバル、エモリバイバルという潮流の中でも一際輝きを放つマイルストーンとなりました。
“毎作違う作品を目指している”と語る Dylan。確かに、”Life Without Sound” は “Attack on Memory” や、スリーピースとなりパンク/ハードコアのエナジーすら内包した前作 “Here and Nowhere Else” とは異色の深化した引力を有していると言えます。
新たにギタリストで鍵盤もこなす Chris Brown が加入し再び4人編成へと回帰した作品は、4つに増えた楽器をさながら美麗なタペストリーを織り上げるかの如く繊細に配置し、細部まで丹念にフックを散りばめた CLOUD NOTHINGS の進化を告げる新たなステートメントです。
アルバムオープナー、”Up to the Surface” は奥行きを広げ、深みを増す彼らの可能性を証明する楽曲です。孤独感を煽るピアノのイントロに導かれ、紡がれる切なく感傷的なメロディーは、まさに Dylan がライティングプロセスで感じていた憂苦を代弁し、巧妙なギターの重畳と、パーカッシブなリズムが生み出す味わい深いフックはリスナーをリピートの輪廻へと誘います。
さらに “Internal World” はバンドのコンポジションが最高到達点へと達した瞬間かも知れませんね。豊富なリズムパターン、クレッシェンドデクレッシェンド、そして何よりポップを極めたキャッチーでメランコリックなボーカルライン。あの WEEZER を想起させる切なさとフックを纏った楽曲には確かに完璧まで試行錯誤を重ねた成果が刻まれていますね。
今回、DEATH CUB FOR CUTIE, HANSON などの仕事で知られる新たなプロデューサー John Goodmanson が作品の最後のピースとして選択し、フォーカスしたのは Dylan のボーカルでした。おそらく彼はこれまで歌詞にはあまり拘ってこなかったという Dylan のフロントマンとしての脆さを見抜いたのでしょう。

“I want a life, that’s all I need lately I am alive but all alone”
「生きている実感が欲しいんだ。近頃はそれだけが欲しいんだよ。生きてはいるけど孤独なんだ。」

新たなアンセムとなった “Modern Act” で進化を遂げ自信に満ちたフロントマンは、自身に巣食っていた孤独を堂々と歌い上げます。
“Up to the Surface” や “Modern Act” で描かれる、孤独が生んだアイデンティティクライシスは、”音を失った”自身の経験を投影したリアルな脆さです。しかしインタビューで語ってくれた通り、そこから辿り着いたアルバムのテーマ”自己理解” “自己実現” は強くポジティブなメッセージでした。プロデューサーが導いたのは、脆さと自信のコントラストが生み出す極上のエモーションだったのかも知れませんね。
「結局自分の運命なんてわからないものなんだけどね。」
アルバムクローサー、”Realize My Fate” で Dylan はそう嘯きながら作品の幕を閉じました。
今回弊誌では、Dylan Baldi にインタビューを行うことが出来ました。4月には3年ぶりの来日公演も決定しています!どうぞ!!

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CLOUD NOTHINGS “LIFE WITHOUT SOUND” : 9.5/10

【INTERVIEW WITH DYLAN BALDI】

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Q1: Hi, Dylan! Your Japan Tour 2017 is just announced! It will be for the first time in three years! How do you feel now? What’s your impressions about Japan?

【DYLAN】: I can’t wait to get back to Japan! We always have really good shows in Tokyo and Osaka, and I have a lot of great memories from our previous trips to the country. It’s a special place, I’ve often thought about trying to move to Japan.

Q1: 3年ぶりの日本ツアーが発表されましたね!今はどういったお気持ちですか?また、前回の来日で日本についての印象はいかがでしたか?

【DYLAN】: 日本へ戻るのが待ちきれないよ!東京と大阪でいつも本当に良いショーを行うことが出来ているね。
前回の来日では実に素晴らしい思い出を作ることが出来たんだ。時々、日本に引っ越そうかと思うくらいにね。

Q2: Cloud Nothings comes back to four piece with the new record “Life Without Sound”. You know, your previous release “Here and Nowhere Else” had a frantic energy of trio thing.
But “Life Without Sound” is pretty different from “Here and Nowhere Else”. It’s like a tapestry, matured, and have a fantastic mood of mid-tempo groove. Why did you return to four piece and change the direction from “Here and Nowhere Else”?

【DYLAN】: I was tired of being the only guitar player, and the music I was writing for “Life Without Sound” just seemed to need two guitars to sound good. I like the way two guitars and a bass can interlock and make interesting patterns, almost like a tapestry, like you said. So the songs are a little slower in order to make those interesting patterns easier to hear!

Q2: 最新作 “Life Without Sound” は再び4ピースに戻った作品となりました。前作 “Here and Nowhere Else” はスリーピースらしいエナジーに満ちていましたが、新作はより成熟し、ミッドテンポで、タペストリーを織り上げるかのような作品に仕上がりましたね?

【DYLAN】: 4ピースに戻したのは、まずバンドにギタープレイヤーが僕しかいない状況にウンザリしたからなんだ。同時に、”Life Without Sound” のために書いていた音楽は、純粋に2本のギターがある方が良いサウンドになると思ったからでもあるね。
僕は2本のギターとベースがしっかりと噛み合うようなやり方が好きなんだよ。まさに君が言うように、タペストリーを織り上げるように、相互作用で興味深いパターンを創造していくのがね。
だから “Life Without Sound” の楽曲は少しスロウになっているんだ。そうやって構築されたパターンたちを理解しやすくするためにね。

Q3: How was the writing process? “Here and Nowhere Else” was written when you were touring. But it seems that you took much more time with “Life Without Sound”. That is to say, I feel “Life Without Sound” become to have more depth lyrics, and focused on vocal itself. Do you agree that?

【DYLAN】: The songs on this record took shape over the course of about a year, which is definitely longer than any of the other records we’ve made. This is the first one where I actually spent time on the lyrics, and I think the producer realized that, so he put my vocals very up front on the songs. We just spent a lot of time editing and revising these songs until we thought they were perfect, which wasn’t the case with Here & Nowhere Else. That was a very rushed record. This one is definitely more relaxed.

Q3: 前作 “Here and Nowhere Else” はツアー中に書かれたアルバムだそうですが、今回のライティングプロセスはいかがでしたか?より時間をかけて、深く歌詞やボーカルにフォーカスした作品に思えましたが?

【DYLAN】: このレコードの楽曲は、ほとんど一年間にも渡って徐々に形を成してきたものなんだ。間違いなく、僕たちのレコードの中で最も長い制作期間だったと言えるね。
同時に、僕が歌詞に時間をかけた初めての作品でもあるんだ。プロデューサーもそこを分かっていて、楽曲の中でボーカルを非常に重要視してくれたのさ。
僕たちは楽曲の編集や改変に多くの時間を費やしたよ。それこそ完璧だと思うまでじっくりとね。それは “Here and Nowhere Else” には無かったプロセスだね。前作はとても急いで作ったんだ。今回は間違いなくもっとリラックスしていたね。

Q4: So, What made you name your new milestone “Life Without Sound”? You know, we don’t wanna imagine such a solitary life, haha. Do you have any particular concept in the album?

【DYLAN】: I lived in western Massachusetts when I made this record, in a house that my girlfriend and I were renting. But her band went on tour for a long time, and I was living alone in a small town where I didn’t know anybody, so I got extremely lonely. I wasn’t able to play music with anyone, and I really was living a “Life Without Sound” while I was there. The whole record is about realizing what’s important to you and making sure you prioritize that in your life. It’s an important step toward being yourself.

Q4: では、この作品を “Life Without Sound” というタイトルに決めたのはなぜでしょう?そんな荒涼とした人生は想像したくないですが。

【DYLAN】: このレコードを作っている時、僕はマサチューセッツの西部に住んでいたんだ。僕とガールフレンドで家を借りてね。だけど彼女のバンドが長期のツアーに出てしまって、僕は誰も知らない小さな街に1人で暮らしていたんだよ。究極に寂しかったね。
そこでは誰とも音楽をプレイ出来なかった。つまり、そこにいる間僕はまさに”音の無い人生”を送っていた訳なんだよ。
そこから辿り着き、アルバム全体に込めたのは、自分にとって重要なことを理解し、人生においてそれを優先させるべきだという想いだね。”自分自身”へと近づく重要な1歩だと思うな。

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Q5: By the way, what’s the meaning behind the beautiful ocean view artwork? It seems there would be only sound of waves…isn’t it?

【DYLAN】: That was a picture I took in Jamaica. I like the album covers to be photos I took from the times when I started actually thinking about the records. The first few songs ideas for Life Without Sound came while I was on this trip to Jamaica, and I was staying in this little house on a rocky beach, and every morning my view from my window was the photo I used for the cover of the record. It was a fascinating trip and was pretty important to me, so I wanted to use a picture from it for the cover.

Q5: 美しいオーシャンビューのアートワークが意味するところは何でしょう?ただ波音だけが聞こえそうな場所ですね。

【DYLAN】: これは僕がジャマイカで撮った写真なんだ。レコードを作ることが現実味を帯びてきた頃から、僕は自分が撮った写真をアートワークにするアイデアが気に入っていてね。
最初に “Life Without Sound” のアイデアがいくつか浮かんだのは、ジャマイカを旅行している時だったんだよ。荒磯にある小さな家に滞在していたんだけど、毎朝目覚めると、このレコードのアートワークに使用した写真のような光景が広がっていたんだよ。
本当に魅力的な旅で、僕にとってとても大事なものになったね。だからこの写真をアルバムのカバーに使いたかったんだ。

Q6: Why did you appoint John Goodmanson this time? What’s the difference between him and Steve Albini, John Congleton?

【DYLAN】: Goodmanson was recommended to us by our European label, Wichita Records. They had done a few records with him in the past and liked his work. Goodmanson really likes to make everything sound pristine, while Congleton and especially Albini have more of a live approach to recording.

Q6: 今回プロデューサーに John Goodmanson を起用したのはなぜですか?前作、前々作の John Congleton, Steve Alvini との違いを教えてください。

【DYLAN】: Goodmanson は僕たちのヨーロッパにおけるレーベル、Wichita Records に推薦されたんだ。彼らはすでに何枚か John とアルバムを作っていて、彼の仕事が気に入っていたんだよ。
Congleton と特に Alvini はレコーディングでよりライブなアプローチを好むけど、Goodmanson は全てのサウンドを実に整然と美しく仕上げていたね。

Q7: What do you think about the term of Alternative-revival or Emo-revival? In Japan, you seem to be the successor of Nirvana, or Weezer. Are you comfortable with that image?

【DYLAN】: I’m not too into labeling what we or any other band do. I think that’s a bad way to look at music. It definitely makes it easier for journalists to write about music when they can toss a label on it easily, like “emo revival” or something similar, but I’ve never been a fan of discussing music that way. And we’re definitely more Weezer than Nirvana…3 of us wear glasses!

Q7: 日本では NIRVANA や WEEZER の後継者などとも紹介されている CLOUD NOTHINGS ですが、オルタナリバイバル、エモリバイバルという括りについてはどう思っていますか?

【DYLAN】: 自分たち自身、他のバンドについても、ジャンル分けにはあまり拘っていないんだ。ジャンル分けは、良い音楽の見方だとは言えないね。
ジャーナリストにとって、例えば容易く”エモリバイバル”などとレッテルを貼れば、間違いなく文章を書きレビューしやすくなるのは確かだろうね。だけど僕はそうやって音楽を議論することのファンだったことは1度もないんだよ。
僕たちは確実に NIRVANA よりは WEEZER に近いと思うよ。だって僕たちのうち3人がメガネをかけているんだからね!

Q8: Anyway, our webzine have been interviewed with Jazz giants like Pat Metheny, Mike Stern, Snarky Puppy, Kamasi Washington. I heard you are also great Sax player and hooked on Jazz music. It seems your music is far from the world of improvisation. But is there any influence from Jazz?

【DYLAN】: I love a lot of the complex chords that you hear in jazz, soul and R&B music. I try to use some of those sorts of chords in Cloud Nothings songs, definitely. But we’re not a jazz band unfortunately. Maybe the next record!

Q8: あなたは優れたサックスプレイヤーでもあるそうですね?CLOUD NOTHINGS の音楽に Jazz からの影響は存在しますか?

【DYLAN】: Jazz, Soul, R&B で聴ける、多くの複雑なコードが大好きなんだよ。明らかに、そういったコードのうちいくつかを CLOUD NOTHINGS の音楽に取り入れようとしていることは確かだよ。
だけど残念ながら僕たちは Jazz バンドじゃないからね。次のアルバムでは分からないけどね!

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【FIVE ALBUMS】

FIVE ALBUMS THAT CHANGED DYLAN’S LIFE!!

WIPERS “YOUTH OF AMERICA”

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JIM O’ROURKE “INSIGNIFICANCE”

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LIFE WITHOUT BUILDINGS “ANY OTHER CITY”

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GILLIAN WELCH “TIME (THE REVOLVER)”

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JONI MITCHELL “THE HISSING OF SUMMER LAWNS”

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【MESSAGE FOR JAPAN】

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I love Japan! Can’t wait to return and play music there, and buy way too many records.

日本を愛しているよ!日本に戻ってプレイするのが待ちきれないね。日本でいっぱいレコードを買うんだ。

DYLAN BALDI

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SIKEI-MUSIC “CLOUD NOTHINGS: Life Without Sound”

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【KREATOR : GODS OF VIOLENCE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SAMI YLI-SIRNIO OF KREATOR !!

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Flag Of Hate, German Thrash Metal Titan, Kreator Has Just Released One Of The Best Thrash Metal Album All Time, “Gods Of Violence” !!

DISC REVIEW “GODS OF VIOLENCE”

ジャーマンスラッシュの帝王、”憎悪の象徴” KREATOR が結成35周年、14枚目の作品にしてバンドの最高峰を更新したかにも思えるマスターピース “Gods of Violence” をリリースしました!!信念と革新を併せ持った作品は2017年を代表するメタルレコードとなるでしょう。
2016年は Thrash Metal リバイバルの機運が高まった年でした。METALLICA の新作を筆頭に、TESTAMENT, DEATH ANGEL, DESTRUCTION, SODOM などベテラン勢の奮起は頼もしく、同時にジャンルの限界を取り去った新鋭 VEKTOR の “Terminal Redux” がシーンに与えた衝撃も計り知れません。そしてその潮流を決定的なものたらしめるのが “Gods of Violence” かも知れませんね。
2012年の “Phantom Antichrist” 以来5年振りに届けられた KREATOR の新作は、究極にブルータルでアグレッシブ。しかし同時に、彼らが10年にも及ぶ音楽的実験の旅を終え本流へと回帰した2001年の “Violent Revolution” 以来最もメロディックな作品に仕上がりました。
KREATOR の作品は必ずバンドのマスターマインド Mille Petrozza の優れたアイデアから始まります。2015年に起こったパリでのテロは、Mille そしてこの作品の方向性に強く影響を与えました。事件に衝撃を受け、古代から現代まで連なる人類の悪の連鎖、宗教間の対立がもたらす危険な憎悪を改めて認識した Mille は、ギリシャ神話で語られる神々の争いと現代の不毛な宗教戦争をリンクさせ、思考の先で自らの内に生じた憎しみを解放することを決意します。
勇壮な War March に導かれ繰り出されるアルバムオープナー “World War Now” は、まさに Mille の憎しみを叩きつけたスラッシュアンセムだと言えます。リスナーが期待する狂気の KREATOR 像を忠実に再現したファストで強烈な世界大戦のサウンドトラックは、正しくスラッシュが成されながら並行してファンの想像を超えるキャッチーで幻想的なサウンドをも内包しています。インタビューで Sami が語ってくれた通り、ここには過去を引き継ぎながらも進化を遂げたバンドの姿が凛々しく投影されているのです。
“Apocalypticon” という勇ましくも美しい前奏曲が楽曲のドラマ性を飛躍的に高めていることも確かでしょう。今回、イタリアの巨人 FLESHGOD APOCALYPSE がオーケストレーションに協力したというこの種のインタルードの数々は、KREATOR がよりエピカルな領域へと進出する重要な鍵になっていますね。
実際、タイトルトラック “Gods of Violence” のイントロは、アコースティックギター、Sami お得意のシタール、そしてハープまでも使用し、リスナーを古代ギリシャのエピックへ誘うとともに、作品に多様性を持たせることにも成功しています。
“Satan is Real” はアルバムのメロディックな一面を象徴する楽曲だと言えるでしょう。ゴーセンバーグスタイルに接近したシャープでモダンなメインリフはスラッシュとメロデスの親和性を物語り、メロディーを意識し歌うことに強くフォーカスした Mille の絶唱は IRON MAIDEN にも負けないほどにシンガロングを誘います。
確かに KREATOR は以前からゴーセンバークスタイルやトレモロリフを貪欲に効果的に自らのスラッシュメタルへと取り入れて来ましたが、今回はその頻度が格段に上がっており、加えてトラディショナルメタルへの接近も強く感じられます。”Satan is Real” というメタルらしい最高のパンチラインは、今後 KREATOR のライブにおいて絶大な威力を発揮するはずです。
さらにアルバムを通して言えることですが、 KREATOR が抱えるシーンきってのシュレッダー Sami Yli-Sirnio のギター捌きは今回一段と格別で、オリエンタルな雰囲気を醸し出す優れたギターテーマの数々に加え、起承転結を熟知したマエストロが魅せる時にトリッキー、時にメロディアスなソロパートはリードギタリストを志す全てのメタルキッズにとって最高の教科書となるに違いありませんね。
SLAYER にも肉迫するような激烈さを誇るアルバムで、同時にメロディーを多用したのは祈りだと Mille は語ります。アルバムを締めくくる “Death Becomes My Light” はまさに希望の灯火。再びタッグを組んだ Jens Bogren の最も得意とする、METALLICA の “One”、もしくは IRON MAIDEN の “Phantom of the Opera” を想起させる起伏に富んだエモーショナルな一曲は、心の平穏を保つべき宗教が暴力のきっかけとなり、憎悪、悲劇、嫉妬、肉欲の渦巻く地獄のようなこの現実世界で、それでも「恐れないで。君は一人じゃないよ。」とわずかな光を灯しながら作品の幕を閉じるのです。
2017年のスタートは、素晴らしいグルーヴ、メロディー、エモーション、そして”究極のアグレッション”が備わった極上のレコードから始まります。今回弊誌ではバンドで唯一のフィンランド人 Sami にインタビューを行うことが出来ました。彼の別バンド WALTARI や BARREN EARTH にも注目ですね。どうぞ!!

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KREATOR “GODS OF VIOLENCE” : 10/10

【INTERVIEW WITH SAMI YLI-SIRNIO】

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Q1: Hi, Sami! 16 years have passed since you joined in Kreator. And that is to say, kreator haven’t change it’s line-up in 16 years. What made Kreator such a tight band?

【SAMI】: Hi, Sin! Yes, we’ve been together for a while. We hardly noticed it ourselves which is good, I guess. I live in a different country than the others. Perhaps that is one secret.

Q1: Sami、あなたが KREATOR に加入して16年が経ちました。それはすなわち KREATOR のラインナップが16年間不変であることを意味します。非常にタイトなバンドですよね?

【SAMI】: そうだね、僕たちはしばらく一緒にいるよね。自分たちでそれにあまり気づかないのは良いことだと思うんだ。ただ、もし一つ秘密があるとしたら、僕だけ違う国に住んでいることかな。

Q2: Regarding 2001, Kreator returned to roots with “Violent Revolution” after almost a decade of musical experimentation (starting with Renewal). Since then, Kreator have sticked to it’s belief in spite of metal scene goes through many trends. Do you think your joining influenced on the direction of Kreator?

【SAMI】: When I Joined the band there was a general consensus in the air that we should concentrate on our strenghts and Also on what we do best. This being Brutal Thrash Metal. We are 4 members in the band so everybody influences on the direction in their own way.

Q2: 16年前、2001年と言えば、KREATOR は “Renewal” に端を発したほぼ10年にも渡る音楽的実験を終え、”Violent Revolution” でルーツに戻ったころですよね。
以来バンドは、シーンの移り変わりなど何処吹く風で信念を貫いて来ました。あなたの加入が KREATOR の方向性に影響を与えたと思いますか?

【SAMI】: 僕がバンドに加入した時には、自分たちの強みを活かし集中するべきだというメンバー間の合意、雰囲気が自然と出来ていたんだよ。そして勿論最善を尽くすこともね。
つまりブルータルなスラッシュメタルであるべきなんだよ。そしてバンドには4人のメンバーがいるから、勿論それぞれのやり方でバンドの方向性に影響を与えているよ。

Q3: This year marks 35’s anniversary of Kreator. What made you name your new album “Gods of Violence” in this anniversary year? Could you tell us about the concept as much as you can?

【SAMI】: We usually don’t celebrate anniversaries so it is merely an Accident that it happens to be so. Ten years ago we celebrated a 25th anniversary tour so maybe that was enough. G.o.V. Is our 14th studio endeavour and it changed are general approach to making music. It is Also a continuation of our previous album but this time we feel we really hit the vain.

Q3: 今年は KREATOR 結成35周年のアニバーサリーイヤーでもあります。その年にリリースされた記念すべき作品 “Gods of Violence” のコンセプトについて話していただけますか?

【SAMI】: 基本的に僕たちは記念日を祝ったりはしないんだ。だから35周年の年にリリースされたのはほとんどアクシデントでたまたまさ。10年前に25周年を祝うツアーをやったから、たぶんそれで充分だよ。
“Gods of Violence” は僕たちの14枚目のスタジオ作品で、音楽制作のアプローチを変化させたと言えるね。勿論、前作から引き継いでいる面もあるんだけど、とにかく今回は本当に誇りに思っているんだよ。

Q4: You know, “Gods of Violence” is definitely, literary “Gods of Violence” to me. It’s really brutal and heavy. But also it contains melodic aspects like “Satan is Real”. What was your goal of “God of Violence”? How have you evolved since “Phantom Antichrist”?

【SAMI】: The main differences to the predecessor are songwriting, musicianship and attitude. We worked for the second time with the same producer Jens Bogren. As we knew eachother already from before the interaction was this time more direct and in Your face. When you know each other you don’t have to be so polite anymore:).

Q4: アルバムはまさに “Gods of Violence” というタイトルに相応しい作品に仕上がりました。実にブルータルかつヘヴィー。
ただ、”Satan is Real” が象徴するように、メロディックな要素も増していると感じました。新作で目指した音楽的なゴール、前作との違いについて教えていただけますか?

【SAMI】: 前作との大きな違いは、ソングライティング、ミュージシャンシップ、そしてアティテュードだね。今回も前作同様、プロデューサーに Jens Bogren を起用した訳だけど、すでにお互い知っているから、意思疎通がより直接的で大胆になったんだよ。仲良くなれば、あまり礼儀正しくもしないものでしょ?(笑)

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Q5: Adding that, I feel “God of Violence” has a lot of variety. You know, title track “God of Violence”, we can listen to even harp sound. I know you play Sitar, but it seems this was played by young girl, haha. OK, I remind of ancient Greece from the song. What’s your perspective about the experiments?

【SAMI】: The intro of the title track has 2 acoustic guitars and 2 harmonized electric sitars that happened to be lying around in the studio. The additional harp that Plays a “Disney” Style flashback arpeggio is indeed played by a 12 year old girl. She is the daughter of our producers friend who is Also a musician. Since the intension of the song was to travel Back in time a flashback harp effect Seemed to be the right thing to add. The Sitar melody is played to more or less Greek-Style scale. I used it because the song wants to bring the listener to Ancient Greece.

Q5: 加えて “Gods of Violence” はバラエティー豊かなアルバムとも言えますね?あなたがシタールをプレイすることは知っていますが、タイトルトラックではハープさえ使用し、リスナーを古代ギリシャへと誘います。

【SAMI】: タイトルトラックのイントロは2台のアコースティックギターと、たまたまスタジオに置いてあった2台のエレクトリックシタールで構成されているんだ。加えられている、”ディズニースタイル”のフラッシュバックアルペジオは、実は12歳の少女がプレイしているんだよ。彼女は Jens の友人の娘さんなんだよ。彼もミュージシャンなんだけどね。
まさにこの曲の意図は、リスナーを過去へと誘うことだったから、このハープサウンドを加えたことは正しかったように思えるね。シタールのメロディーも幾分かはギリシャスタイルのスケールを使用しているよ。リスナーを古代ギリシャへ連れて行きたかったからね。

Q6: How was the writing process? That means how is the relationship between you and Mille and other members? Have it changed since 2001 as time goes on?

【SAMI】: The first demos were already from 2014. Mille sent the very first one and he Also asked for ideas from us all. I sent over some stuff which proved to be inspirational. The song writing process is never the same. We do not have any Dogmas on how to approach the creative process.
In anycase that process is my favorite part about being a musician. Creating something out of nothing.

Q6: ライティングプロセスにおいて、あなたと Mille, そして他のメンバーはどのような関係なのでしょうか?そしてそれは2001年からどのような変化を遂げていますか?

【SAMI】: 最初のデモはすでに2014年には存在したんだ。Mille が本当に初期のものを送ってきて、全員にアイデアを求めたんだよ。僕はインスピレーションを感じた素材をいくつか送りかえしたのさ。
ライティングプロセスは毎回同じではないよ。僕たちは、クリエイティブなプロセスはこうあるべきだといった信条、こだわりを持っているわけじゃないからね。まあ、どんな場合でも、ライティングプロセスはミュージシャンとして僕が最も好きパートだと言えるね。無から何かを生む訳だからね。

Q7: You worked with mighty Jens Bogren once again. What do you like about him?

【SAMI】: He is a very wanted producer these days. We were very glad When he told us that he wants to work with us again. He takes his Job very seriously and was a big help to us in the studio. He knows how to mix a band like ours and this time he even mastered it himself. Only because he wanted to.

Q7: お話にも出ましたが、今回2作続けて Jens Bogren を起用したのはなぜですか?彼のどの辺りが気に入っているのでしょう?

【SAMI】: 彼は近ごろとても人気のあるプロデューサーだよね。だから彼がまた僕たちと仕事がしたいと伝えてくれた時は本当に嬉しかったよ。
Jens は彼の仕事をとてもシリアスに捉えていて、スタジオではとても大きな助けになってくれたんだよ。勿論、僕たちのようなバンドのミキシングはお手の物だし、今回はマスタリングさえ行ってくれたんだ。ただ彼がそうしたかったからという理由でね。

Q8: So, could you tell us your other projects you are involved in? In fact, Japanese music fans really waiting for Waltari to come! Do you know that?

【SAMI】: No I didn’t but that is lovely to hear. Currently I’m not anymore in the live-line up of Waltari eventhough I performed with them last October for a 30th anniversary show. Also in October an old band of mine called Jimsonweed put out an album called “Ghosts of Kopli”. You can find it on Spotify. Also Barren Earth will be releasing a follow up for “On Lonely Towers” still this year if everything goes as planned.

Q8: ではあなたが関わっている他のプロジェクトについても教えていただけますか?日本のファンは WALTARI での来日も待ち望んでいます。ご存知でしたか?

【SAMI】: 知らなかったけど、嬉しい話だね。現在、WALTARI に関して僕はライブラインナップ以上の存在ではないんだよ。とはいえ、昨年10月には彼らの30周年アニバーサリーライブでプレイしたんだけどね。
同じ10月には JIMSONWEED という僕の古いバンドで “Ghosts of Kopli” というアルバムもリリースしたね。Spotify でチェック出来るはずだよ。BARREN EARTH も全てが上手く運べば、 “On Lonely Towers” に続くアルバムが今年リリースされるはずだよ。

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【FIVE ALBUMS】

FIVE ALBUMS THAT CHANGED SAMI’S LIFE!!

DEEP PURPLE “IN ROCK”

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GUSTAV HOLST “PLANETS”

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KINGSTON WALL “Ⅱ”

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JETHRO TULL “THICK AS A BRICK”

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METALLICA “RIDE THE LIGHTNING”

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【MESSAGE FOR JAPAN】

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Everytime we visited Japan we had the time of our life. Thanks to the fans for the brilliant reception last time. We are looking forward to come and play in your beautiful country soon again!

日本を訪れる度に、僕たちは生きていることを実感するよ。ファンのみんな、素晴らしい歓迎をありがとう。またすぐ君たちの美しい国へ戻ってプレイするのが楽しみだよ!

SAMI YLI-SIRNIO

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Nuclear Blast Records “Gods Of Violence”
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Ward Records “Gods of Violence” 日本盤

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PROTEST THE HERO : PACIFIC MYTH】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH TIM MACMILLAR OF PROTEST THE HERO !!

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Legendary Canadian Prog-Core Outfit, Protest The Hero Has Just Released Innovative New EP “Pacific Myth” !!

DISC REVIEW “PACIFIC MYTH”

高いテクニックと、モダン=多様性に富んだその音楽性で、Modern Metal を象徴する存在となっているカナディアンレジェンド PROTEST THE HERO が新たなメンバー、販売戦略を携え挑んだ新作 “Pacific Myth” をリリースしました!!革新的な音楽性で驚きをもたらしたヒーローは、マーケティングにおいてもシーンをリードしようとしています。
今日のメタルシーンでは当たり前のように行われているクラウドファンディングキャンペーン。有名、無名に関わらず現在多くのバンドを支える、このレーベルを介さずファンと直接繋がる販売戦略は、PROTEST THE HERO が前作 “Volition” で勇気を持って踏み出した一歩が発端だったと言えるでしょう。バンドはクリエイティブな可能性とモチベーションを手に入れ、ファンは音源以外にも特別なアイテムやマーチを手に入れられる、全てが Win-Win な “Volition” での試みは確かな成功を収めました。しかし、彼らはその場所にも満足せず、さらに合理的な一手を打って来たのです。
“Pacific Myth” で彼らが打ち出した新たな戦略は、サブスクリプションプラットフォームという手法でした。定額を支払ってくれたファンのみに、毎月フレッシュな新曲を配布するという野心的なその試みは、再び成功を収めたと言えます。7500人以上のファンが “Pacific Myth” のキャンペーンに参加し、バンドのエクスクルーシブなコンテンツに12$、25$の私財を投入したのですから。6ヵ月に渡る長いキャンペーンが終了した後、バンドは “Pacific Myth” にリマスター、リミックスを施し EP として新たにリリースすることを決断します。
オリジナルラインナップが崩壊し、ベーシスト Cam McLellan、ドラマー Mike Ieradi を新たに迎えて制作されたこの EP は、”Fortress” 以前、”Fortress” 以降と時にそのキャリアを分けて語られるバンドの命題に抗うかのような強い意志を発する作品です。
確かに “Fortress” は完璧で、同時にモダンの意味を定義するようなマイルストーンでもあります。さらに昨年行われた、オリジナルラインナップでのデビューフル “Kezia” 10周年記念ツアーの盛況を見れば、この作品の若々しいエナジーも同様に愛されていることが分かりますね。
故に、BETWEEN THE BURIED AND ME にとっての “Colors” と同様に、”Fortress” 以降の作品は、ハードコア色が薄れ、よりトラディショナルでメロディー重視の方向に舵を切った “Sucrrilous”, さらにはピンチヒッターで LAMB OF GOD の剛腕 Chris Adler の推進力を生かした強力な “Volition” を持ってしてもその高き頂きを超えるまでには至らないという評価に落ち着いてしまっているように思えます。
実際、PROTEST THE HERO の現状を憂うファンの多くは、おそらく若さが原動力の一つとなった “Kezia” “Fortress” の瑞々しく、型破りで、予測不能な一面を愛しているのでしょう。しかしバンドは必ず成熟して行きます。Rody はダーティーに奔放に歌うよりもしっかりと丁寧にキャッチーなメロディーを追う場面がほとんどですし、楽曲も様々な要素をエクレクティックに吸収しつつも 、予測不能なカオスよりも、インテリジェンスを感じる構成美で驚きを演出する方向へとシフトしています。
インタビューで Tim が”2つを融合させる方法を見つけた”と語るように、”Pacific Myth” では10年という月日が生んだジレンマを、バンドの過去と未来を自然に繋ぐことで跳ね除けるチャレンジが行われているのです。
“Harbinger” のエピカルなピアノイントロを聴けば、誰もが “Kezia” のマジックを想起するはずです。そしてこの楽曲に存在する、クラシカルでテクニカルでカオティックなサウンドは、まさに2006年の衝撃をリスナーに蘇らせる役割を果たします。
穿った見方をすればファンへ擦り寄ったとも思える原点回帰ですが、元来 PROTEST THE HERO が売りにしていたこの種のキャッチーさ、テクニカルなフックを敢えて再提示したのは、自らの遺産すら武器へと変換する余裕の表れと見るべきではないでしょうか。実際、アグレッシブな曲風に刹那挿入されるピアノとボーカルだけの美しき共演は、現在の彼らだからこそ生み出せる極上の瞬間です。
同様に、”Cold Water” で聴けるサルサのようなリズミックなアプローチ、”Cataract” のスピードとエナジーの中でみせる黒くソウルフルなアイデアもバンドの新たな領域を開拓していますね。
作品で最も意義深いトラックはアルバムクローサー “Caravan” だと言えるでしょう。構成美に拘るが故長尺化している昨今の楽曲においても、バンド史上最長の8分39秒は新鮮な驚きだと言えます。”安全な場所”から離れ、未来へ向けて船出を果たしたキャラバンは、トレードマークとも言える複雑なアルペジオや狂気のシュレッドに頼らずグルーヴ重視でフックを生み出すと共に、意外性に満ちた後半では、キーボード、クリーンギターを巧みに使用し見事なアトモスフィアさえ具現化。彼らの成熟を伝えていますね。
メロディーの美しさも白眉で、DREAM THEATER さえ想起させる壮大なフィナーレには圧巻の一言。実際、”Caravan” での Rody は、近年あまり感じられなかった生き生きとした表情豊かな歌唱を披露し、バンド全体が成熟と共に自然と自信を取り戻したようにも思えますね。
全てを総括し、未来へと舵を切った伝説。今回弊誌では、ギタリストでコンポーザー Tim MacMillar にインタビューを行うことが出来ました。昨年、Realising Media の招聘により行われた、8年振りの素晴らしい来日公演は記憶に新しいところですね。どうぞ!!

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PROTEST THE HERO “PACIFIC MYTH” : 9.4/10

【INTERVIEW WITH TIM MACMILLAR】

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Q1: First of all, how was the Japan Tour 2016? Definitely, lot’s of Japanese fans have been waiting for you for a long time. And we were really excited about your fantastic performance!

【TIM】: It was very nice to be back in Japan after so many years. I was surprised that people still remembered us and that some of the people that had seen us 8 years earlier came out to see us again.
The fans are always so polite and respectful it makes us feel like we are very appreciated. It was nice to meet Hayato and the band Cyclamen and I liked being able to perform with a Japanese band and feel like we were part of this local scene that’s been built by great local talent.

Q1: まずは昨年行われた日本ツアーの感想を聞かせていただけますか?長年待ち侘びていたファンは、久方ぶりのパフォーマンスにエキサイトしていましたね!

【TIM】: 何年もブランクがあったけど、日本に帰ることが出来て本当に良かったよ。まだ僕たちのことを覚えてくれている人がいたことにも驚いたけど、さらにびっくりしたのは8年前のショーを見たファンが、何人かまた見に来てくれていたことだね。
日本のファンはいつも礼儀正しく敬意を払ってくれるんだ。だから僕たちはとても歓迎されているように感じるね。
Hayato と彼のバンド CYCLAMEN に会えたのも良かったし、日本のバンドとプレイ出来たのも嬉しかったね。そうすることで、偉大な才能たちが築き上げてきた日本のシーンの一部になれたような気がしたんだ。

Q2: So, let’s talk about your newest release, “Pacific Myth”. Now, these songs have been remixed and remastered to be released as your new album “Pacific Myth”. But at first, the songs were recorded and released for the members of band’s “Pacific Myth” subscription platform. What made you start that plan? And do you think it succeeded?

【TIM】: We thought there would be something cool about getting a song each month for 6 months. Instead of delivering a finished album to be listened to all at once, breaking it up over 6 months might give the listener a different perspective on the album.
Also, since we had released Volition end of 2013, we thought this was a way to get music to people faster instead of waiting to write an album, record it and release it. It was a way we could directly connect with people and we have been eager to try out new release formats to see what’s available and what are the pros and cons of doing things like this.

Q2: では最新作 “Pacific Myth” について話しましょう。作品は元々、バンドのサブスクリプションプラットフォームのメンバーにのみ公開されていました。現在はリミックス、リマスターを施されアルバムとしてリリースされています。
こういった販売戦略を選んだ理由を教えてください。また、この試みは成功したと思いますか?

【TIM】: リスナーが6ヵ月に渡って、毎月新曲を手に入れることが出来るなんてクールだと思ったんだよ。完成したアルバムをいっぺんに聴く訳ではないから、6ヵ月間、毎月異なる視点を作品に持つことが出来るからね。
また、2013年の終わりに “Volition” をリリースしてから、この方法の方が、従来のアルバムを書き、レコーディングを行い、リリースするやり方よりも、みんなに早く音楽を届けることが出来ると思っていたんだ。
僕たちはいつも新たなリリースのフォーマットを開拓したいと思っているんだよ。この試みでは直接リスナーと繋がることが出来たね。こういった挑戦では、利用出来ること、長所、短所を見極めていかないといけないんだ。

Q3: Speaking of crowdfunding campaign, your previous release, “Volition” was kind of pioneer of that. Now a days, crowdfunding becomes major sales strategy of metal scene. What do you think about current music industry?

【TIM】: Crowdfunding is a tool that can be used for bands to help keep their careers moving along. I think a lot of people are afraid of putting themselves out there and going directly to their fans. This method let’s you make a direct connection and also be actively involved with the funding for your record.When a record label gives you a record advance to make your album, sometimes a band doesn’t feel as motivated or that they haven’t worked to that advance. If you see money coming directly from your fans and they want another album, this lights a fire and you don’t want to disappoint them, and also have to put work into making the album and following through this the promises you made in your campaign. I feel like this is a stronger motivator and hopefully as a result the band will create a more meaningful album.

Q3: ユニークなリリースという意味では、前作 “Volition” はメタルシーンにおいてクラウドファンディングの先駆け的なアルバムと言えます。以来クラウドファンディングは、メタルシーンの主要な販売戦略の一つとなっていますね?

【TIM】: クラウドファンディングはバンドがキャリアを進めて行くために使用出来る道具だと言えるね。多くのアーティストがそれを利用し、ファンと直接繋がることを恐れているように思うな。このメソッドなら、中間にレーベルが入らないから、レコードの資金調達に積極的に関与できる訳だからね。
レーベルはレコードの制作資金を前もって支払ってくれる訳だけど、時にバンドにはモチベーションにならない場合もあるよ。だけど、ファンから直接お金が支払われ、アルバムが望まれていると分かれば、彼らを失望させたくないという一心から制作意欲に火がつくはずさ。約束は必ず果たさなければならないからね。つまり、クラウドファンディングは強力なモチベーターでもある訳さ。結果としてより意味のあるアルバムが制作されるはずだよ。

Q4: Could you tell us about the concept of “Pacific Myth”? Where did the idea come from?

【TIM】: It was an idea Rody had so we let him run with it. I don’t want to speak for him so he’s best to answer that question.

Q4: “Pacific Myth” のコンセプト、アイデアについて教えていただけますか?

【TIM】: それは Rody のアイデアなんだ。僕たちは彼のアイデアに同意しただけなんだよ。だからこの質問には彼の方が適任だよ。

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Q5: Musically, what was the goal of “Pacific Myth”? How have you changed, evolved since “Volition”?

【TIM】: This was a way to test the chemistry and writing process incorporating Mike. It was the first time we were writing with him so it was nice to have another contributor to the creative process. It was also the first time having Cam record bass as well so musically we had 2 new people playing on the record. I feel like it was expanding on some of the stuff we starting doing on Volition but we did end up writing longer songs. Some people were reminded of some of the older stuff as well so maybe we found a way to fuse the two styles together?

Q5: 音楽的に、”Pacific Myth” で目指したゴールはどこですか?”Volition” からどのような進化を遂げたのでしょう?

【TIM】: “Pacific Myth” は Mike とのライティングプロセス、そしてケミストリーをテストする機会でもあったんだ。彼と作曲を行うのは初めてだったからね。クリエイティブなプロセスに新たなな貢献者が現れるのは良いことだよ。
同時に、Cam が僕たちとベースをレコーディングするのも初めてだったから、音楽的には、2人の新たなメンバーがレコードでプレイしたことになるね。
僕は “Pacific Myth” では “Volition” で始めたような素材をさらに拡大したよたうに思えるけど、結果として長い楽曲になったね。また、昔の楽曲を想起させるという人もいるから、もしかしたら僕たちはその2つを融合させる方法を見つけたのかもしれないね。

Q6: Your mixture of Prog / Punk-ish energy / Metal-esque Operatic vocal / Metalcore / Mathcore / Post-Hardcore is one and only, no one can copy it. What inspired you to start that style?

【TIM】: Haha I think what’s important to PTH is taking any style of music we like and incorporating it into our music. We aren’t trying to write a certain style of music, just try to make something that sounds good to us.

Q6: PROTEST THE HERO の Prog /Metalcore / Mathcore / Post-Hardcore にパンキッシュなエナジー、メタルらしいオペラティックなボーカルを加えた音楽性はまさに唯一無二ですよね。そもそもこういったスタイルに向かったのはなぜだったのでしょう?

【TIM】: はは(笑)僕は PROTEST THE HERO にとって重要なのは、どんなスタイルの音楽でも気に入ったものであれば、貪欲に取り入れる姿勢だと思うよ。
僕たちはある一定のスタイルで音楽を書こうとしている訳じゃないからね。ただ自分たちが気に入るものを作ろうとしているだけなんだよ。

Q7: In “Volition”, Moe Carlson parted ways with PTH, and Chris Adler of Lamb of God filled in his shoes. What’s the story behind that? Also, Arif Mirabdolbaghi left the band. What’s your thought about the breaking of original line-up?

【TIM】: Before we started really working on Volition, Moe told us he wanted to go to college and start working on some of his other passions. Since we started the band so young, none of us had a chance to do post secondary education. We were supportive and knew he’s a very smart guy and would do great things. We had met Chris Adler before and knew he had helped Moe in the past. We reached out and he was into the idea and the rest is history.
Arif is also a busy guy and he has been involved in a lot of different creative projects. With him, it was really hard to commit to our touring schedule when he was juggling other things so he couldn’t do both. I feel like you reach an age where you wonder if you could be doing other things with your time. This is the only band the 5 of us had been involved in and it’s always a challenge making a living. So you have to respect someone looking out for themselves and doing things that will give them a little more stability. Both Moe and Arif leaving was amicable and we were supportive of their decisions.

Q7: “Volition” では Moe Carlson が脱退し、LAMB OF GOD の Chris Adler が彼の穴を埋めました。後に Arif Mirabdolbaghi も脱退し、長年維持してきたオリジナルラインナップが壊れましたね?

【TIM】: 本格的に”Volition” の制作に取り掛かる前に、Moe は大学へ行って、他に情熱を傾ける仕事を始めたいと伝えて来たんだよ。僕たちはとても若い頃にバンドを始めたから、誰も高等教育の機会を得られなかったんだ。
だから僕たちは彼の申し出にも協力的だったよ。何より彼はとても賢いから、これから偉業を成し遂げるはずさ。
僕たちは以前 Chris Adler に会ったことがあり、以前 Moe を助けたことも知っていたんだ。それで声をかけて彼が構想に入った訳さ。後はみんなが知る通りだよ。
Arif も忙しい男なんだ。常に沢山のクリエイティブなプロジェクトに関わっていてね。彼が他のことをやっているから、ツアースケジュールの調整がとても難しくてね。両立させることが出来なかったんだよ。
もうそろそろ、人生で他のことにチャレンジ出来るかどうか微妙な年齢に差し掛かって来ていると思うんだ。僕たち5人はずっとこのバンドに関わってきた訳だけど、実際バンド活動は常に生計を立てるための挑戦なんだよ。だから自分自身を見つめ、より安定を求める人をリスペクトするべきなんだ。Moe と Arif の脱退は友好的なものだったし、彼らの決断を尊重しているよ。

Q8: But, last year, PTH did 10th anniversary tour of Kezia with original line-up. Could you talk about impressions of the tour? And looking back now, what kind of record it is for you?

【TIM】: It was nice that we could do a final tour together with the original 5 since we never had had an official last show. It seemed like people were excited to get a chance to see some of these old songs that we haven’t played in a very long time and probably won’t play again. It was nice to hear how that record had been influential on people and a lot of people had a story of what Kezia meant to them. Some people travelled a long way to see the show, we even met a nice young lady from Japan! She came to Toronto from Tokyo to see the show.
For me, it is a snapshot of where I was 10 years ago. It was interesting relearning some of the songs and knowing that I’m a different writer and player than I was then but also seeing where a lot of my style had come from.

Q8: ただ、昨年行われた “Kezia” の10周年アニバーサリーツアーはオリジナルラインナップがリユニオンを果たしたツアーでもありました。感想を教えていただけますか?また、今振り返ってみて、”Kezia” はどういった作品でしたか?

【TIM】: オリジナルラインナップの5人で”最後の”ツアーを行えて良かったよ。というのも、オフィシャルにファイナルライブを行っていなかったからね。長年プレイしていなかった、そしておそらくもうプレイしないであろう昔の楽曲を味わうチャンスを得られてみんなもエキサイトしていたようだしね。
あのレコードが人々にいかに影響を与えてきたのか聞けたのは嬉しかったよ。多くの人たちが、”Kezia” が自分にとってどういった意味を持つのか話してくれたんだ。長い道のりを旅して見に来てくれた人もいたね。日本から来た若くステキなレディーにも会ったよ!彼女は東京からわざわざトロントまでショーを見に来てくれたんだ。
僕にとって “Kezia” は10年前にいた場所のスナップショットだね。当時の楽曲を覚えなおすのは面白かったよ。僕は当時とは異なるライターでプレイヤーだと知ることが出来たからね。ただ同時に僕のスタイルの源流を垣間見ることが出来たね。

【FIVE ALBUMS】

FIVE ALBUMS THAT CHANGED TIM’S LIFE!!

THRICE “THE ILLUSION OF SAFETY”

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PROPAGANDHI “TODAY’S EMPIRES, TOMORROW’S ASHES”

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EXTREME “THREE SIDES TO EVERY STORY”

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PAUL GILBERT “GET OUT OF MY YARD”

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THE DAVE BRUBECK QUARTET “TIME OUT”

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【MESSAGE FOR JAPAN】

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Thank you Japan for all the great times and great shows. Looking forward to the next trip there!

日本のみなさん、素晴らしい時間、素晴らしいショーをありがとう。次の来日を楽しみにしているよ!

TIM MACMILLAR

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ALCEST : KODAMA】JAPAN TOUR 2017 SPECIAL !!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH NEIGE OF ALCEST !!

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The Pioneer Of Post-Black Metal From France, ALCEST Returns To Roots And Opens Up The New Chapter With Their Newest Album “Kodama” Influenced By Japanese Folklore !!

DISC REVIEW “KODAMA”

今や世界規模で注目を集める、儚くも美しいフランスの Post-Black Metal デュオ ALCEST が Neige の幼少期、そして宮崎駿さんの名作”もののけ姫”にインスピレーションを得たという新作 “Kodama” をリリースしました!!これまでも、寺院でプレイしたり、”Souvenirs d’un Autre Monde” 収録 “Tir Nan Og” でゲーム”クロノトリガー”に対するオマージュを行うことにより日本に対するリスペクトを表していた ALCEST ですが、彼らのその想いが本格的に詰まった作品は、さらにこの地でのファンを増やすことでしょう。
ALCEST は所謂 “Blackgaze”、Black Metal と Shoegaze を融合させたパイオニア的存在です。幻想的で内省的。メランコリックな繊細さと悲痛な激しさが生み出す圧倒的なダイナミズム、神々しいまでの美しさはシーンに衝撃を与え、DEAFHEAVEN などに続く Post-Black のうねりを創出したのです。
一つの潮流を生み出した ALCEST が発表した前作 “Shelter” は “Sun-Kissed” などとも表現される、言わば”光”のアルバムでした。メタルらしさを極力排し、多幸感溢れる Shoegaze / Indie サウンドを前面に押し出した作品は、確かに彼らの特徴であるダイナミズムが失われたという点では物議を醸しましたが、それ以上に極上の Post-Rock へと進化し、溢れ出る目も眩むような光の渦、SIGUR ROS にも似たアトモスフィアが 「やはり ALCEST は凄い!」 と世の中を納得させたように思います。
“Kodama” は “Shelter” と対になるカウンターパーツ的な作品と言えるかもしれません。インタビューにあるように、もののけ姫と通じる自然を食い物にする現代社会、そしてその闇の部分でもあるテロリズムが ALCEST を動かしました。ある意味メタルのルーツに戻り、よりダークな1面にフォーカスした”最も怒れる”作品は、それでもやはり徹頭徹尾 ALCEST です。そして同時に、彼らの新しいチャレンジである POP センスが花開いたアルバムであるとも言えるでしょう。
アルバムオープナー、タイトルトラックの “Kodama” はレコードを象徴するような楽曲です。確かにここには ALCEST のシグニチャーサウンドである、 Black Metal の冷たいギターや、Shoegaze のドリーミーなメロディーがレイヤーされていますが、同時にアリーナポップに由来する要素も存在します。COCTEAU TWINS や DEAD CAN DANCE に触発されたというボーカルは何と全てがインプロヴァイズされたもの。非常にキャッチーかつ神秘的なそのメロディーラインはリスナーをもののけの森へと誘い、楽曲をよりスピリチュアルな高みへと押し上げています。この手法は、”Je suis d’ailleurs” の冒頭などでも聴くことが出来ますね。
加えて、インタビューで語ってくれた通り、グランジやインディーロックからの影響も新たな可能性を提示します。楽曲後半に見せる Neige のギターワークは群を抜いていて、シンプルかつ少ない音数で空間を意識した印象的なフレーズを奏で、故意にラフなプロダクション、サウンドで NIRVANA のようにコードをのみ激しくストロークすることで、楽曲の幅を広げることに成功していますね。Neige のコンポジションスタイルである、光と影のバランスを完璧なまでに復活させながら、さらに進化を遂げた凄みがここにはあります。
ファーストシングル、”Oiseaux de Proire” は王者がメタルへの帰還を高々と告げるアルバムのハイライトでしょう。TOOL や SMASHING PUNPKINS さえ想起させるオルタナティブな感覚を備えたギターリフと、ノスタルジックで郷愁を誘う珠玉のボーカルメロディーで幕を開ける楽曲は、Neige の咆哮を合図に突如としてその怒りの牙を剥きます。Winterhalter の鬼気迫るブラストビートに乗って疾走する、メランコリックなトレモロリフはまさしく ALCEST のアイデンティティー。挿入されるキャッチーなアコースティックパートは進化の証。溢れるようなそのエナジーは、もののけ姫終盤にししがみが首を落とす場面をイメージさせますね。インタビューで言及している通り、”二面性” “対比” “進化” に拘るアートの開拓者らしい完璧な展開美を持ったシネマティックな楽曲だと思います。
タイトル、山本タカトさんをオマージュしたアートワークからコンセプト、”対比”の妙まで強く日本を意識した “Kodama”。今回弊誌では、Neige にインタビューを行うことが出来ました。音楽、歌詞、コンセプト、演奏、全てを司るまさに ALCEST の心臓が非常に深く丁寧に語ってくれました。日本の雑誌だからこそ行えた価値あるインタビュー。どうぞ!!

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ALCEST “KODAMA” : 9.7/10

【INTERVIEW WITH NEIGE】

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Q1: Hi, Neige! First of all, how was the experience playing in Japanese traditional temple? Actually, I was there, and it was very special night for me.

【NEIGE】: Hi Sin ! You know, with Alcest we had a lot of wonderful experiences during our tours, in many different countries, but playing in the traditional Japanese temples was probably the best of all of them. I always loved Japan and wanted to go there since I am a kid, so it was a dream come true for me. These two temples were absolutely gorgeous; the atmosphere inside was so serene and surreal. Definitely the most perfect setting for an Alcest show ! It was an incredible experience that we will remember all our life.

Q1: まず、日本の伝統的な寺院でプレイするのはどのような体験でしたか?実際、私もあの場所に居たのですが、本当に特別な夜になりました。

【NEIGE】: ALCEST で様々な国をツアーしていると、たくさんの素晴らしい経験をするんだけど、日本の伝統的な寺院でプレイ出来たのは、その全ての中でもおそらくベストだと思う。僕はいつも日本を愛してきたし、子供の頃から訪れてみたかったんだよ。だから、あの体験は夢が叶った瞬間だったね。
僕たちが演奏した2つの寺院は極めて美しかった。寺院内の雰囲気は、非常に穏やかで非現実的だったよ。間違いなく、ALCEST のショーで最も完璧なステージセットだったね!信じられないような体験だったし、人生を通して忘れることはないだろうな。

Q2: We, Japanese fans, are really excited about your new album “Kodama”. Because, it’s named in Japanese and influenced by Hayao Miyazaki’s “Princess Mononoke”. What made you take up this concept?

【NEIGE】: It has been inspired by this movie yes, along with other things like my own personal stories and feelings. In « Princess Mononoke » the idea of two worlds, the human and nature one, trying to live together and the confrontations/conflicts that arise as a result of that. I also really liked San, the strong female character of the movie. San has a part of these two worlds within her, as she is human, but was raised by the animal gods in the forest. She fights against the human tribes and their damaging technologies and hates them for tearing apart her beloved forest, but yet she is born one of them. I could identify myself a lot with this character, also feeling this duality inside me and the sensation of not belonging to this place, as if living in between two worlds, city/nature, physical world/spiritual world. I also love the message of this movie; the fact that we should take more care of the beautiful nature around us and live in harmony with it. This is an utopia of course, considering how society works in our times, but everyone can feel that people are more and more concerned by these type of subjects. As for the name « Kodama » I chose a Japanese name as an hommage to Japanese culture and also because I think it’s a really beautiful name !

Q2: 待望の新作 “Kodama” は日本語のタイトルですし、内容も宮崎駿の名作”もののけ姫”にインスパイアされているそうですね?日本のファンにとっては、まさにスペシャルなリリースとなりました。

【NEIGE】: うん、”Kodama” は、僕の個人的な体験や感情と同様に、”もののけ姫”にもインスパイアされているんだ。
“もののけ姫”は、人間界と自然界、2つの世界が対立、衝突の結果として共生を試みるというアイデアだよね。僕はストーリーと同時に、強い女性のキャラクター、サンが本当に好きなんだよ。
サンは自身の中にその2つの世界を内包しているんだ。というのも、彼女は人間だけど、森で獣神に育てられたからね。彼女は人間の部族と森にダメージを与えるテクノロジーと戦うよ。彼女の愛する森を引き裂く人間を嫌悪するんだ。だけど皮肉にもサンは人間の子なんだよ。
僕にはサンと共感出来る部分がたくさんあってね。自分の中に存在する2面性、なにか自分の居場所ではないという感覚、まるで都市と自然、物質世界と精神世界の2つに生きているような気がしているんだよ。
同時に僕はこの映画のメッセージも愛しているんだ。事実、人類はもっと周りの自然をケアするべきだし、共生していくべきだよね。現代社会を考えれば、それがユートピア構想なのは間違いないんだけど、同時にみんなの自然に対する関心がどんどん増しているのも確かなんだ。”Kodama” というタイトルに関しては、日本文化に対するオマージュとして、同時にとても美しい名前だから選んだんだよ!

Q3: We know French people are tend to love Japanese culture, food, and Anime. So, are you a fan of that kind of our culture like Hayao Miyazaki’s films?

【NEIGE】: I think French and Japanese people have a lot of things in common actually. For example we both love food, haha ! Just like you said, people in France love Japanese culture, food, animation, video games, etc… After Japan, I think France is the second largest market in the world for manga, anime etc. The reason is that people of my generation (who are born in the 80’) grew up with Japanese animation on T.V. There was this kid show that was playing all kinds of great anime like Saint Seiya (I am a big Saint Seiya fan, the old anime), Dragon Ball, Grendizer, Harroku, Hokuto No Ken, and many many more. There were a lot of Japanese video games imported to France in the 90’ too, Super Famicom was huge here (I have one and still play!). People of my generation discovered the culture of Japan thanks to all of this and got interested in a lot of other things related to this country. Later when I was a teenager, I discovered Hayao Miyazaki and his amazing movies like Mononoke Hime, Sen to Chihiro no kamikakushi, Hauru no ugoku shiro. Miyazaki is adored in France and even the most renowned cinema critics consider his movies to be masterpieces. What is fascinating about Japanese culture is the contrasts; the fact for example that you have a very modern and hyper-technologic society, but at the same time a big respect for traditions, nature, spirituality. Also I find it really fascinating that there so many social rules and codes to respect, especially at work, but on the other hand, Japanese art can be very extravagant and theatrical. Also the difference between the day and the nightlife. When people go out to eat and drink after work at night the social rules tend to change a bit and the atmosphere is more relaxed. .

Q3: 実際、フランスの人たちは、食事、アニメ、映画など日本文化を愛しているように思えます。あなたもそうですよね?

【NEIGE】: そうだね、フランス人と日本人には多くの共通点があると思うんだ。例えば、両者とも食事が大好きじゃないか!(笑)
君が言うように、フランス人は日本の文化、アニメ、食事、ゲームなんかが大好きなんだよ。フランスはアニメやマンガの日本に次ぐ大きなマーケットだと思うよ。その理由は、僕の世代 (80年代生まれ) が日本のアニメを見て育ったからだと思うんだ。
聖闘士星矢 (僕は”昔の”聖闘士星矢の大ファンなんだ)、ドラゴンボール、グレンダイザー、キャプテンハーロック、北斗の拳などたくさんの名作アニメがテレビで放映されていたんだよ。90年代には日本のゲームもたくさんフランスに輸入されていたね。スーパーファミコンはとても人気があったんだ (僕は今でも持っていてプレイしているんだ!)。
そうやって日本文化を発見していった僕たちの世代は、日本に感謝し、日本に関係する他の事柄にも目を向けていったんだ。僕も後にティーンネイジャーになって、宮崎駿さんと、彼の素晴らしい映画、”もののけ姫”、”千と千尋の神隠し”、”ハウルの動く城”なんかを見つけていったんだよ。宮崎さんはフランスで崇拝されていて、最も名高い評論家でさえ彼の映画を傑作と評しているんだからね。
日本文化がここまでフランスを魅力しているのは”対比”が理由だと思う。実際、日本にはとてもモダンで高度なテクノロジーを備えた社会が存在するのに、伝統や自然、スピリチュアルなものに大きな敬意を抱いているよね。
同時に、僕は日本には、特に仕事において、リスペクトすべき社会のルールや常識のようなものが存在すると気づいたんだ。その一方で、日本のアートは非常に贅沢で大掛かりなものも存在するよね。つまり、日常と歓楽の差がある訳さ。仕事の後で夜にご飯や飲みに行く時は、社会のルールも少し変わって、リラックスした雰囲気になるんだよ。

Q4: Your previous release, “Shelter” was kind of optimistic, and “Sun-kissed” softer record, I think. And I felt “Kodama” becomes darker, and more spiritual. What caused this change?

【NEIGE】: « Shelter » was a airy record, very ethereal and luminous, focusing mainly on the guitars and the atmospheric side of Alcest, so we really felt the need to go back to something more punchy and dynamic for « Kodama » ; something a bit darker too. Evolution and change are really important for us to keep being creative, and with every new album we tend to take a different direction than the album that we released before. It goes for the music, but also for the overall mood, the visuals, etc… we needed to explore the wilder side of the project. The world in general isn’t doing very well and there is a kind of ecological theme flowing through the record. Also the recent terrorist attacks in Paris affected me a lot and I think it influenced the sound of the record.

Q4: 前作 “Shelter” は、オプティミスティックで、”光”が強いレコードでしたね。対して “Kodama” はよりダークでスピリチュアルな作品だと感じました。

【NEIGE】: “Shelter” はエアリーなレコードだったよね。とても霊妙で、輝きを放ち、主にギターと ALCEST のアトモスフェリックな1面にフォーカスした作品だったんだ。だから “Kodama” では、よりパンチーでダイナミックな何かを戻す必要があると強く感じていたんだよ。ダークになったのもその一端だろうね。
進化と変化は、クリエイティブであるために、僕たちにとって非常に重要なんだ。だから全てのアルバムで、以前の作品とは異なる方向性を取るようにして来たんだよ。音楽もそうだし、全体のムード、ヴィジュアルなんかもそうだよね。僕たちはこのプロジェクトのワイルドな1面を探求する必要があったのさ。
一般的に言って、世界は上手くいっていないから、アルバムを通してエコロジカルなテーマが存在するよ。同時に、最近パリで起こったテロにも非常に考えさせられたんだ。あの一件がレコードのサウンドに影響しているのは明らかだね。

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Q5: Do you think you returns to your roots somehow in “Kodama”? Or, reached to the new realm of Alcest?

【NEIGE】: It’s a bit of both ! On one hand, « Kodama » comes back to the roots of Alcest, but at the same time it also has new elements and a different energy. It’s probably the most cinematic and angry record that we made. The production is also quite specific compared to what we have done in the past; rougher and more organic. We were inspired by the grungy and unpolished sound of bands like Dinosaur Jr for example.

Q5: では、ある意味、新作ではルーツに戻ったと言えますか?それとも ALCEST の新しい領域に踏み込んだのでしょうか?

【NEIGE】: 両方が少しづつかな!一方で、”Kodama” は ALCEST のルーツに戻っているけど、同時に、新しい要素、異なるエナジーも存在するよ。おそらく、”Kodama” は僕たちの作品の中でも最もシネマティックで怒れるレコードだね。
プロダクションも過去作に比べて実に特殊に仕上がっていて、ラフでオーガニックなんだ。実はグランジや磨かれていないサウンドのバンドにインスパイアされていてね。それこそ、DINOSAUR JR. のようなバンドにね。

Q6: Alcest and Deafheaven are the symbols of “Blackgaze”. What’s Deafheaven to you? And what’s your thought about “Blackgaze” scene these days?

【NEIGE】: Deafheaven are good friends of mine and I really like their music ! The « blackgaze » term was invented by the medias, so I don’t really have an opinion about it. I don’t think Alcest belongs to any genre; we have so many different influences in our music. Most of the blackgaze bands are too metal for my taste, and I don’t think there are a lot of them that can mix metal with some other genres like post-rock, indie rock or shoegaze in a balanced way. Some of the bands in this scene are really good though, just like Sylvaine for example. She’s released her album « Wistful » on Season Of Mist earlier this year and I am quite sure that our fans would like it a lot.

Q6: ALCEST と DEAFHEAVEN は所謂 “Blackgaze” を象徴するバンドですが、DEAFHEAVEN や最近の “Blackgaze” シーンについてはどう思っていますか?

【NEIGE】: DEAFHEAVEN は良い友人なんだ。僕は彼らの音楽も大好きなんだよ!
“Blackgaze” という言葉はメディアによって作られたね。だから僕はそれについては関知していないんだ。ALCEST はどのジャンルにも属さないと思うよ。音楽に様々な影響を含んでいるからね。僕にとって、”Blackgaze”と呼ばれるバンドの大半はちょっとメタル過ぎるんだよ。メタルとポストロックやインディーズ、シューゲイズをバランス良くミックスしているバンドはあまりいないと思う。
ただ、シーンにもいくつかは良いバンドが存在するね。SYLVAINE はその良い例だろう。彼女は今年の初めに Season of Mist から新作 “Wistful” をリリースしたんだけど、僕たちのファンはとても気に入ると思うな。

Q7: So, your tour with Mono will start on October. You’ve played with other Japanese bands like Vampillia, envy. What’s your impression about Japanese bands?

【NEIGE】: I absolutely love Vampillia, both musically and on a human level, and in a way I think their music also had an influence on « Kodama »! They are amazing people and their music and concerts are incredible; they deserve a lot of success. We would like to bring them on tour in Europe with us, people would like them a lot over here. Mono and Envy are really good too. The first Japanese band I discovered was Sigh, the black metal band. They are friends of mine too, really nice people. Otherwise I also know Baby Metal, which became really huge in Europe, but it’s not really my style of music, haha. I would love to discover new Japanese bands, but they are hard to find and most of the time people in Europe are not aware of the Japanese scene unfortunately. Parallel to rock bands, I am a big admirer of composers like Ryuishi Sakamoto (the song « Forbidden Colours » is gorgeous), and also Joe Hisaishi.

Q7: 日本を代表するバンド、MONO とのツアーも始まりますが、ALCEST は彼ら以外にも、VAMPILLIA や envy といった日本のバンドと共演して来ています。彼らに対する印象はどうですか?

【NEIGE】: 僕は本当にめちゃくちゃ VAMPILLIA が大好きなんだよ。音楽的にも人間的にもね。ある意味、彼らの音楽も “Kodama” に影響を与えているんだよ!素晴らしい人たちで、音楽とライブも驚異的。もっと大きな成功に値するよ。
僕たちは彼らに ALCEST のヨーロッパツアーに帯同してもらいたいんだ。ヨーロッパの人たちはきっと気に入ると思うな。
MONO と envy も本当に良いバンドだよね。僕が最初に知った日本のバンドは SIGH なんだ。Black Metal バンドだよ。彼らも友人なんだけど、本当に良い人たちだね。
後は Babymetal も知っていて、彼女たちはヨーロッパで本当にビッグになったんだけど、僕の好きな感じではないね(笑)。
新しい日本のバンドも知りたいんだけど、こちらからはあまり知ることが出来ないんだ。ヨーロッパの人たちは残念ながら、普段あまり日本のシーンを気にかけていないんだよ。
ロックバンド以外では、コンポーザーの坂本龍一さんをとても崇拝しているし (“Forbidden Colours” は実に美しい楽曲だよ)、久石譲さんも大好きだね。

Q8: Japanese fans are still having troubles about pronouncing your band name. Which do you like, “A-ru-se-su-to” or “A-ru-se”?

【NEIGE】: None of them is completely right…Actually it’s « A-ru-se-su-t », without « o » in the end. But you can say “A-ru-se-su-to” if you want !

Q8: 最後に、日本のファンは未だに ALCEST の発音で困っています。正しいのはアルセストですか?アルセですか?

【NEIGE】: どちらも完璧には正しくないね(笑)実は”A-ru-se-su-t”なんだよ。最後のOが要らないんだ。まあでもアルセストでも構わないと思うよ!

【FIVE ALBUMS】

FIVE ALBUMS THAT CHANGED NEIGE’S LIFE!!

SMASHING PUMPKINS “SIAMESE DREAM”

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GRIMES “VISIONS”

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THE CURE “DISTINTEGRATION”

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TYPE O NEGATIVE “OCTOBER RUST”

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SLOWDIVE “SOUVLAKI”

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【MESSAGE FOR JAPAN】

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We love our Japanese fans and Japan is one of our favorite countries in the world ! We will tour in Japan again soon, to promote « Kodama » and we hope to see many people at the shows !

日本のファンが大好きだよ。そして日本は世界でも最も好きな国の1つなんだ!すぐにまた “Kodama” をブロモートする日本ツアーを行うよ。たくさんの人に会えたらいいな!

NEIGE

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ALCEST JAPAN TOUR 2017

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ENSLAVED : IN TIMES】LOUD PARK 2016 SPECIAL !!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH Ivar Bjørnson OF ENSLAVED !!

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Finally, Enslaved Are Going To Play For Japan For The First Time! Don’t Miss Their Amazing Performance At Loud Park 16 !!

DISC REVIEW “IN TIMES”

ノルウェーを代表する Viking / Progressive Black Metal バンド, ENSLAVED が Loud Park 16 で遂に日本初上陸を果たします!!ライブバンドとしても名高い彼らのパフォーマンスは、日本のメタルファンを確実にノックアウトすることでしょう。
初期にはプリミティブな Black Metal 色の濃い Extreme Metal を追求していたENSLAVED ですが、近年はプログレッシブな要素を多分に取り入れた、荘厳で唯一無二の Progressive-Black サウンドを指標しています。
最も頻繁に比較されるのは OPETH でしょうが、PINK FLOYD を思わせるサイケデリックな瞬間も存在し、Herbrand Larsen の美麗なクリーンボイスは KATATONIA をも想起させる、実にフレキシブルで才能豊かななバンドです。同時に Herbrand のオルガンからメロトロン、シンセサイザーまで自在に操るエピカルなキーボードサウンドが、他の Extreme Metal との大きな差異を生んでいるとも言えますね。
特に、”Axioma Ethica Odini” でシーンの売れっ子プロデューサー Jens Bogren を起用してからは神がかっており、前作 “Riitiir” ではもはや Extreme Metal の枠にさえ収まり切らない、完璧な構成美を誇る神々しいまでに進化したエピックサウンドを完成させていました。
昨年リリースした “In Times” は、”Riitiir” という一つの完成形を経て、現在の成熟したバンドが新たに勇壮でプリミティブな原点に立ち返ったレコードと言えるでしょう。
アルバムオープナー、”Thurisaz Dreaming” はバンドの過去と現在が溶け合った “In Times” を象徴するような楽曲です。ノルウェーが誇る強烈なブラストビートを元にした、怒りに満ちた Blackend のブリザードで幕を開ける巨人の夢は、確かに初期の ENSLAVED を彷彿とさせます。Grutle Kjellson の邪悪で無慈悲な叫びは、彼らが今でも”古い価値観”を守り続けていることの証です。しかし、楽曲はスムーズに、違和感もなく、バンドのメロディック、プログサイドへと移行し、彼らの武器であるクリーンボーカルを伴った優雅でアンビエントなサウンドを響かせるのです。
ブリットロック的な感覚さえ存在する、キャッチーで美しく、オーガニックな “Building With Fire” にしても、残虐なオーラを纏ったスクリームと共に、ダークなパッセージが用意されていますし、”One Thousand Years of Rain” ではメロディックに疾走するエクストリームパートに呼応する、彼ら独特の浮遊感溢れるコーラスが白眉です。この振れ幅の大きさを自然に感じさせる、見事なバランス感覚こそが、アルバムの肝だと言えるのではないでしょうか。
同時に、前作に比べて、良い意味でラフで空間が目立つ “In Times” は、ドラマー Cato Bekkevold の強靭なタイム感、バラエティー豊かで個性的なフィルインの数々がリスナーを惹き付ける重要なランドマークとなっていることは記して置くべきでしょう。
特筆すべきは、タイトルトラック “In Times”。ENSLAVED の先進的で型にはまらないドラマ性を集約したかのような楽曲は、虚無なる宇宙を漂うかのようなサイケデリックなイントロから、バンドの光と影を反映するかのように、幻想的な神秘性と無慈悲な残忍さが交差します。ブラック、サイケ、プログ、アグレッション、アトモスフィア、ハーモニー、そして至高の構成美。ENSLAVED を形作る全ての要素が内包されたかのような10分間の大曲は、間違いなく彼らの新たなシンボルとなるはずです。
今回弊誌では、バンドの創立メンバーでギタリスト、Ivar Bjørnson にインタビューを行うことが出来ました。90年代からシーンを牽引し続けてきた人間の言葉はやはり重いです。どうぞ!!

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ENSLAVED “IN TIMES” : 9.5/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MARILLION : F.E.A.R.】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH PETE TREWAVAS OF MARILLION!!

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One Of The Greatest Prog Legend From England, Marillion Has Just Released Their Best Album In Two Decades, “F.E.A.R.” !!

DISC REVIEW “F.E.A.R.”

イングランドを代表する Prog アクト、MARILLION が、ここ20年における彼らの最高傑作とも評される新作 “F.E.A.R.” をリリースしました!!
コンセプト、リリック、ミュージック、全てが異次元のクオリティーで深く冷厳に溶け合ったアルバムは、キャリア38年にしてバンドの新たなマイルストーンとなるでしょう。
Prog Rock がコマーシャリズム、POP の波に飲まれた80年代に、GENESIS 譲りのドラマ性とシンフォニーを携えて颯爽とシーンに登場した MARILLION は、ボーカル Fish のカリスマ性、シアトリカルなパフォーマンスとも相俟って Neo-Prog と呼ばれる新たなムーブメントの主役となって行きます。とは言え、彼らの音楽は決して70年代の回顧のみに収まるものではありませんでした。
New Wave, Heavy Metal の風を受けて、巧みにトレンドを反映し、実験性を孕んだそのサウンドは、今となってはやはり Pomp Rock と呼ぶ方が相応しいようにも思えます。初期の作品群からは、U2 や POLICE といった正統派ブリットロックから、IRON MAIDEN のハードなエッジまでを血肉として、Prog Rock を一つ先のステージに進めようと試みていたことが伝わりますね。
ボーカルが Fish から Steve Hogarth にチェンジし、1994年に制作したコンセプトアルバム “Brave” は Pomp Rock バンドとしての MARILLION が結実した瞬間でした。
インタビューにもある通り、Prog Rock 特有のファンタジー性と距離を置き、ダークかつリアリズムに拘ったテーマで勝負した作品は、ダイナミックで強く空間を意識し、アンビエントさえ取り入れながら、際立った音楽的表現力、センスと共に、音楽史に新たな章を書き加えたのです。
そしてその試みは勿論、現在 Modern Prog, Post-Prog シーンの Guru として尊敬を集める Steven Wilson と、彼が率いて来た PORCUPINE TREE とも強く共鳴していたことは明らかでしょう。
それから22年の月日を経て、リスナーの元に届けられた彼らの新しいマスターピースは、”F.E.A.R.” と名付けられました。”F*** Everyone And Run” を略して “F.E.A.R”。この実にセンセーショナルなタイトルは、やはり現実的で、社会問題に目を向けた、現在の MARILLION らしい極めてリアルなコンセプトを表現しているのです。具体的には銀行や政治の汚職、Brexit、欧州議会の腐敗、世界的資本主義の崩壊など、まさに英国が抱える現代社会のダークサイドを投影した濃密な68分に仕上がっています。
アルバムオープナー、”El Dorado” は悲観的な未来を予測した楽曲。PINK FLOYD の “The Division Bell” を想起させる大曲は、インタビューで Pete が “ヨーロッパ周辺には、大きな変化が起こりつつあり、それを通して誰かが僕たちをコントロールする計画を立てているような予感、予兆が存在するんだよ” と語った通り、MARILLION が抱く未来に対する “Fear” の前兆を表現しているようにも感じます。前作のオープナーで、奇しくも同じ17分の大曲 “Gaza” と対となる存在と言えるかも知れませんね。
同時に “El Dorado” は Mike Kelly のエレクトリックピアノからオルガンまで自在に操る見事なキーボードサウンドと、まさにトップフォームな Steve Rothery の物語を紡ぐギターソロがアルバムを通して重要な鍵となることも伝えています。
そしてやはり、特筆すべきは H こと Steve Hogarth のキャラクターになりきった壮絶な歌唱でしょう。作品を象徴するテーマである、持つ者と持たざる者、世界的資本主義の拡大による”エリート”の出現と彼らの保身についての組曲 “The New Kings” において、H は全身の感情を振り絞り、アルバムタイトルともなった “F*** Everyone And Run” と歌い紡ぎます。その瞬間、センセーショナルでともすればチープにさえ思えたその一節は、悲しみの感情を掻き立て、世界の状況を真摯に考えるきっかけを与える魔法の言葉へと変化するのです。RADIOHEAD を想起させるコンテンポラリーなセンチメンタリズムを見事にコンセプトと融合させ、MARILLION が現代にプロテストソングを蘇らせたと捉えることも可能でしょう。
THE BEATLES から脈々と繋がる UK の血を受け継ぎながら、
真の意味での Progressive を体現したアルバム “F.E.A.R.” 。今回弊誌では、1982年からバンドを支え続ける、フレキシブルなベーシスト Pete Trewavas にインタビューを行うことが出来ました。ヨーロッパで絶大な支持を得ている MARILLION ですが、メッセージにもある通り、今度こそは日本のファンにもアピールすると信じます。どうぞ!!

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SUBROSA : FOR THIS WE FOUGHT THE BATTLE OF AGES】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH REBECCA VERNON OF SUBROSA !!

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Minnesota Based Dramatic-Doom Quartet, SubRosa Has Just Released Beautiful, Magnificent Masterpiece “For This We Fought the Battle of Ages”!!

DISC REVIEW “FOR THIS WE FOUGHT THE BATTLE OF AGES”

ソルトレイクシティの Dramatic-Doom マスター、SubRosa が自身の最高到達点 “For This We Fought the Battle of Ages” をリリースしました!!一世紀も前に書かれた SF ディストピア小説にインスピレーションを得て制作されたアルバムは、バンドのアイデンティティーである Dramatic-Doom のスケールを一層高めた、様々な音楽ファンに愛されるマイルストーンとなるでしょう。
SubRosa は Doom Metal バンドには珍しく、女性ボーカル Rebecca Vernon のミスティックな歌唱を中心に据えています。加えて、Sarah Pendleton と Kim Pack のダブルヴァイオリンとアディショナルボーカルが唯一無二の美麗な Doom を創出しているのです。
ALCEST や DEAFHEAVEN を見れば分かる通り、近年、メタルに “Beauty”, “Atmosphere” を持ち込む、才気溢れるバンドが注目を集め、シーンの限界を押し広げていますが、SubRosa のユニークなラインナップが生み出す手法、冒険、マジックは中でも際立っていると言えるでしょう。
インタビューにもある通り、”For This We Fought the Battle of Ages” はロシアの反体制活動家 Yevgeny Zamayatin の著書 “We” に触発された作品です。当時のソヴィエト初期社会主義時代の、閉塞された状況を描き揶揄したディストピア小説は、しかし、政府による管理、監視、支配という、実は現代社会が抱える問題に読み解くことも可能です。SubRosa はその命題を、人生、死、自由、愛といったテーマを与えた楽曲を通して、エピカルに、ドラマティックに、そしてドゥーミーに描いているのです。
アルバムオープナー、15分半のエピック、”Despair Is a Siren” は深化したバンドを象徴するような1曲です。Doom という特性上、勿論、長くなりがちな楽曲ですが、しっかりとストーリーやシーンを描写する彼女たちにとって、この長さは意図してデザインされた SubRosa’s Way。
静寂が支配するイントロとラウドで実験的なパートの対比が生むボリューム、テンポのダイナミクス、見事にレイヤーされたトリプルボーカルの魔術、そしてデュエットの如くメロディーとカウンターメロディーを行き来する、複雑で美麗なボーカルとヴァイオリン。バンドのトレードマークとも言える要素が、寄せてはは引く波のように揺らぎつつ、リスナーへと届きます。同時に、六拍子とリズムにフォーカスしたディストーションギターが交わり流れ出すカオスの潮流は、SubRosa が NEUROSIS 以来脈々と繋がる Experimental Metal の落胤であることを主張していますね。
アルバムの中心に据えられた “Black Majesty” も同様に15分を超える大曲。東洋的とも感じられるエスニックでエモーショナルなヴァイオリンが先導する、プログレッシブで極上の展開美を誇るこのエピックにおいて、Rebecca は “Isn’t it beautiful?” とリスナーに問いかけます。その1節、歌声からは “Doom Metal だけど美しいでしょ?” という自負心、アイデンティティーが強烈に伝わりますね。
後半の BLACK SABBATH meets GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR とでも形容したくなるパートでは、リズム隊を中心に、群を抜いたバンドアンサンブルを聴かせることも記して置くべきでしょう。
また、”Il Cappio” では Rebecca の多彩な一面を覗かせます。バンジョーと共に紡がれるリリックは何とイタリア語。囁くようにスイートなトーンで歌う新しいアプローチにより、陰影を帯びた切なくもフォーキッシュな楽曲は、続く “Killing Rapture” の完璧なプレリュードとして機能していると共に、作品の素晴らしいアクセントとして色を添えています。
ドラマティックでプログレッシブ。”美”にとことんまで拘り、”戦い”抜いた野心的な “For This We Fought the Battle of Ages” は、まさにモダンメタル、Experimental Metal, Post-Doom / Sludge の最新型、金字塔として、凛然と輝く名作に仕上がりました。今回弊誌では、バンドの創立メンバーで、ボーカル/ギター、無数の声を使い分ける才女 Rebecca Vernon にインタビューを行うことが出来ました。日本初取材です!どうぞ!!

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SUBROSA “FOR THIS WE FOUGHT THE BATTLE OF AGES” : 9.8/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【downy : 第六作品集『無題』】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ROBIN AOKI OF downy!!

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One Of The Greatest Post-Rock, Dark Electronic Outfit From Japan, downy Has Just Released Deep And Cold New Masterpiece “Mudai Ⅵ” !!

DISC REVIEW “第六作品集『無題』”

日本の至宝、5人組ロックバンド downy が新作 “第六作品集『無題』” をリリースしました !!
日本における Post-Rock の先駆けとも評される downy は、映像担当のメンバーが存在する特異な形態のバンドです。当初から、映像と音楽の融合を掲げて来たバンドは、同時に現在フェスやクラブシーンに根付きつつある VJ の先駆者とも言えるでしょう。また、音楽担当以外のメンバーを擁するという点では、勿論初期の KING CRIMSON と通じるフレキシブルな集団でもあるのです。
Post-Rock と一言で語られることも多い downy の音楽ですが、一つのジャンルで括ってしまうには、彼らの才能は多彩で、先鋭的で、オリジナル過ぎると感じます。
静と動を巧みに行き来する独特のダイナミズム、ナチュラルな変拍子の使用が創出する緊張感、儚くも美しいメランコリー、文学的なリリックにレイヤーされた豊かなエモーションが、Hardcore, Post-Hardcore, Psychedelic Rock, Prog Rock, Metal, Jazz, Hip Hop, Electronica, Trip Hop など多様なフィルターを通して downy の世界観、芸術として昇華し、リスナーの元に届けられるのです。
9年の活動休止の後、リリースされた前作 “第五作品集『無題』” は、休止以前と同様、チャレンジングでストイックな作品でしたが、同時に以前、アルバムを覆っていたどこか無機質なムードに仄かな光が射し込んだような、暖かな変化も感じられましたね。
それから3年の間に、downy は休止以前よりも、シーンの軸としてある種の責任感を背負いながら動いてきたようにも思われます。
2014年のフジロック初出演、クラムボントリビュートアルバムへの参加、THE NOVEMBERS への楽曲提供、そして、何と言っても同世代で日本が誇るオルタナティブの雄、envy, Mono と共に Synchronicity” とのコラボレーションから “After Hours” というフェスを立ち上げるなど、実に積極的に活動を続けて来ています。
そういった成果が結実したのが新作 “第六作品集『無題』” であると言えるかも知れませんね。演奏にはさらに人間味を加え、青木ロビン氏のボーカルにはエモーション以上のスピリチュアルな何かが宿っているようにも感じます。
アルバムオープナー、”凍る花” はこの新たな傑作を象徴するような楽曲です。レコードの幕開けを告げるシンセサウンドが鳴り響くと、リスナーは驚きと共に急速に downy ワールドへと誘われます。前作で仄かに射し込んだ暖かな光は、実はこのアルバムでは感じられません。7拍子が導くヒリヒリとした緊張感、さらに説得力を増したメランコリックな歌唱が伝える冷たく蒼い世界観は、まさしく downy 唯一無二のもの。初期の感覚、原点を、現在の成熟した downy が奏でるといったイメージも少なからず存在するようにも思います。
続く”檸檬” はウッドベースとツッコミ気味のハイハットがジリジリとした焦燥感を生み出す壮絶な5拍子。”海の静寂” は R&B 的な黒い歌唱と、静寂を切り裂くギターのうねりが印象的。プレイ自体は人間らしい感情の熱を帯びているにもかかわらず、殺伐とした冷ややかな雰囲気を保ち続けるアルバムは、やはり異形なまでに特殊です。
同時に、”色彩は夜に降る”, “親切な球体” にも言えますが、リズム隊の究極に研ぎ澄まされた、ミニマルかつインプレッシブなリフアプローチが冴え渡った作品とも言えますね。
今回弊誌では、青木ロビン氏にインタビューを行うことが出来ました。内容にもある通り、メタル、プログロックのファンにも強く聴いていただきたいバンドです。どうぞ!!

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downy “第六作品集『無題』” : 10/10

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