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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【TERAMAZE : I WONDER】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DEAN WELLS OF TERAMAZE !!

ALL PHOTO BY KARINA WELLS

“I Like To Push My Self As a Musician So That Style Lets Me Do All The Styles That I Like To Write, We Fall In And Out Of Progressive Metal Its Anything Goes Really In Teramaze, Thats What Makes It Fun.”

DISC REVIEW “I WONDER”

「僕はミュージシャンとして自分をプッシュするのが好きだから、好きなスタイル全部を込めて作曲が出来るんだよ。プログレッシブメタルの中に出たり入ったり……TERAMAZE では何でもありで、それが楽しいんだ。」
PLINI, HIATUS KAIYOTE, KARNIVOOL, KING GIZZ, CALIGULA’S HORSE, VOYAGER, NE OBLIVISCARIS。オーストラリアが今、多様で真にプログレッシブなアーティストの桃源郷であることは疑う余地もありません。TERAMAZE の Dean Wells はインタビューてその理由を意味不明だと笑いましたが、実は彼自身が意識する “プログメタルに出たり入ったり”、自由自在何でもありのスピリットが彼の地には浸透しているのかも知れませんね。
「Tera とは何兆億もの道を指し、Maze は迷宮。だから、基本的に TERAMAZE とは平和への一つの道を通って自分の進む場所を見つけることなんだ。」
実際、 プログメタルというエニグマティックな迷宮においても、TERAMAZE が辿り到達した道の先は稀有なる特異点だと言えるでしょう。結成は1993年、デビュー作のリリースが95年ですから実はかなりのベテラン。当初はスラッシュメタルや PANTERA の影響色濃いアグレッシブなメタルをプレイしていましたが、2002年の解散、そしてリユニオンを経て、旋律の色彩を解き放つプログレッシブの昴として瞬き躍動しているのですから。
Dean が人生を変えたアルバムの一枚に SAVAGE GARDEN の “Affirmation” を挙げていることは、彼らを紐解く重要なヒントなのかも知れません。90年代を席巻した同郷オーストラリアのポップレジェンドは、たしかに TERAMAZE の遺伝子を改変しました。
メランコリーを帯びた官能的な歌声と旋律。洗練と無機の狭間で揺らぐ未来型シンセとドラムパターン。そんな二極を混淆して新世界への扉を開けた SAVAGE GARDEN の哲学は、そのまま TERAMAZE のエモーション極まるポップログメタルへと通じています。
「”Lake 401″ はたしかにサクスフォンととてもよく似ているよね。面白い話だけど、サックスは僕が初めて習った楽器で、正直嫌いだったんだ。(笑) でも今はそのサウンドが大好きだよ。実に歌っているようだからね。」
Dean の別プロジェクト、エクストリームな MESHIAAK のアルバムを聴けば、彼のテクニックが今まさに臨界へと達していることは明らかです。それでも、Dean が TERAMAZE でギターを捌くのではなく語らせるのは、ポリリズムやプログレッシブに潜む歌心を何よりも重視しているからでしょう。
そうして遂に Dean は最新作 “I Wonder” で自らが歌うことを選びました。バンドにとっては3作連続で異なるシンガーがフロントを務めることになりましたが、どうやら Dean の感傷的なソフトボイスは TERAMAZE の進化へと完璧に寄り添っているようですね。
アルバムには10分に迫る大曲が多数配置され、構成の妙やリズムの魔法で目眩く闇と祈りの絵巻物を象っていきます。それでも作品で最も印象に残るのは、”Lake 401″, “A Deep State of Awake”, “I Wonder” のような甘く切ないメロディーの輝き。逆に言えば、きっとポップソングは5分以内という常識を打ち破るのが何でもありの TERAMAZE なポップログ。
今回弊誌では、Dean Wells にインタビューを行うことができました。「僕たちは自分たちを、信念に従い音楽を書こうとしている人間以外の何者でもないと思っているんだ…僕は自分の信念を持っているし、それが音楽に浸透していくこともあるんだけど…でも、俺たちはただの TERAMAZE なんだよ。どんなラベルも関係なくね。」 どうぞ!!

TERAMAZE “I WONDER” : 9.9/10

INTERVIEW WITH DEAN WELLS

Q1: First of all, Teramaze is a very impressive band name. It seems Teramaze was originally under the name Terrormaze, right? What is the meaning behind it?

【DEAN】: Thanks mate, well it was originally called terrormaze but after i found my faith i changed it to teramaze which tera means a zillion paths and maze is a labyrinth so its basically finding your way through out through one path to peace.

Q1: TERAMAZE というバンド名はとても印象的ですね?そもそもは TERRORMAZE だったそうですが?

【DEAN】: どうもありがとう!そうなんだ、もともとは TERRORMAZE だったんだけど、僕の中で信念を見つけてからは TERAMAZE に改名したんだよ。Tera とは何兆億もの道を指し、Maze は迷宮。だから、基本的には平和への一つの道を通って自分の進む場所を見つけることなんだ。

Q2: What inspired you to start playing guitar? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【DEAN】: My father was a great musician and and great singer and so is my mother so i was around music all day every day, i wanted to be a sportsman and i did really well at it until i broke my ankle and could never really get back to full strength so i started playing guitar because i was bored and fell in love with it instantly and i also picked it up really fast I’ve still never had any lessons haha.

Q2: あなたがギターを始めたきっかけは何だったんですか?

【DEAN】: 両親が偉大なミュージシャンでシンガーだっからね。だから毎日ずっと音楽に囲まれて育ったんだよ。
ただ、僕はスポーツの道に進みたかったし、足首を怪我するまでは優秀な成績を納めていたんだ。でも全力を発揮することが出来なくなってね。それでギターを始めたんだよ。退屈だったし、すぐにギターが大好きになったからね。レッスンを受ける前からギターを選んでいたくらいにね。(笑)

Q3: Teramaze was once disbanded in 2006, right? Why have you shifted to a more progressive music style since the reunion, when you had a more heavy music style before?

【DEAN】: it actually disbanded around 2002 when i got a publishing deal to write commercial music for T.v shows and bigger pop artists and thats where i learned how to be a producer. it was a great experience but after awhile my publisher asked what to do with all these heavy riffs i was submitting haha and he convinced me to re establish Teramaze which I’m so glad he did.
the progressive side was always there especially on our 2nd album tears to dust i like to push my self as a musician so that style lets me do all the styles that i like to write, we fall in and out of progressive metal its anything goes really in teramaze, thats what makes it fun.

Q3: TERAMAZE は00年代に一度解散していますよね?それまではもっとヘヴィーな音楽性でしたが、再結成以降はよりプログレッシブな方向へと進みました。

【DEAN】: 実際には、2002年頃に解散したんだ。僕がテレビ番組や大物ポップアーティストのため商業音楽を書く出版契約を得たからなんだけどね。あの頃僕は、プロデューサーになる方法を学んだんだ。素晴らしい経験だったよ。でも、しばらくしてパブリッシャーから、僕が提出していたヘヴィーなリフをどうするんだ?と聞かれてね。(笑) それで彼は TERAMAZE を再結成するよう説得してくれたんだ。とても嬉しかったね。
TERAMAZE にプログレッシブな面は常にあったし、特に2ndアルバム “Tears to dust” ではね。僕はミュージシャンとして自分をプッシュするのが好きだから、好きなスタイル全部を込めて作曲が出来るんだよ。プログレッシブメタルの中に出たり入ったり…… TERAMAZE では何でもありで、それが楽しいんだ。

Q4: Your other band Meshiaak is also really great – how do you distinguish it from Teramaze?

【DEAN】: meshiaak i share with Danny Camelleri and we have a strong vision of it being an extreme metal band with hints of progressive music and thrash its where my inner metal head gets to play around with heavy tiones and aggressive vocals through danny, so thats the big difference to teramaze.

Q4: あなたの別バンド MESHIAAK も大好きなんですよ。TERAMAZE との住み分けはどうしているのですか?

【DEAN】: MESHIAAK で僕は Danny Camelleri と一緒に活動しているんだけど、プログレッシブな音楽やスラッシュを取り入れたエクストリームメタルバンドという強いビジョンを持っているんだ。
僕の中のメタルヘッドが Danny を通してヘヴィーなサウンドとアグレッシブなボーカルで表現できるようになっているんだよ。それが TERAMAZE との大きな違いだね。

Q5: Teramaze is also an excellent storyteller. What kind of story did you draw this time? Occasionally, we see the notation that you are Christian metal band, but what does the story have to do with Christianity?

【DEAN】: I’ve never seen myself as a story teller but thats very cool you see us like that, I Wonder(the new Album) was more a bunch of thoughts and almost prayers in a way about some extremely dark things that go on in the world unseen that i havesharied with people who have survived it, i was really trying to find answers in these songs and make people hopefully think a little deeper than the surface sometimes..
we don’t class ourselves as any thing other than some guys trying to write music i have my faith and it does infuse into the music sometimes but yeah are just teramaze no labels.

Q5: TERAMAZE はストーリーテラーとしても優れていますね。時にあなたたちがクリスチャンメタルに分類されているのを見かけますが、キリスト教はバンドのコンセプトに影響を与えていますか?

【DEAN】: 自分ではストーリーテラーだなんて考えてもいないけど、そう思ってくれるのはとてもクールだよ!
“I Wonder” (ニューアルバム)は、目に見えない世界で起こっている究極にダークな出来事、僕はそれをサバイバーたちとシェアしてきたんだけど、それに関するほとんど祈りにも似た思索なんだよ。アルバムの曲の中に答えを見つけようとしていたし、うまくいけばリスナーに表層よりも少し深く考えてもらおうとしていたんだ…
僕たちは自分たちを、信念に従い音楽を書こうとしている人間以外の何者でもないと思っているんだ…僕は自分の信念を持っているし、それが音楽に浸透していくこともあるんだけど…でも、俺たちはただの TERAMAZE なんだよ。どんなラベルも関係なくね。

Q6: “I Wonder” is the most melodic and melancholic Teramaze album I’ve ever heard. I thought your voice fits the band better than previous singers. Does that mean your vocals were needed for the evolution of the band?

【DEAN】: thank you! that means a lot.
it was Chris Zoupa that was pushing me to sing these songs after hearing the demo tracks, he was convinced that the emotion and delivery makes more sense with this style for me to sing and obviously the subject matter effecting me in a massive way. I’m glad he did tell me to sing its been a really fun and challenging process.

Q6: “I Wonder” は TERAMAZE の作品の中でも、最もメロディックかつメランコリックだと感じています。あなたの声は前任のどのシンガーよりもバンドにフィットしていますね!
ある意味、バンドの進化にあなたの声が必要だったということでしょうか?

【DEAN】: ありがとう!そう思ってくれるのは大きな意味があるよ。
デモを聴いたあと、僕に歌うよう勧めてくれたのは Chris Zoupa だったんだ。このアルバムのエモーションが僕のスタイルに適してるって確信してね。
そしてもちろん、”I Wonder” のテーマは僕に大きな影響を与えていたからね。彼が歌うよう勧めてくれて嬉しかったし、実際とても楽しかったよ。チャレンジングなプロセスだったね。

Q7: Of course, as a guitarist you are also excellent, your guitar solo on “Lake 401” especially surprised me as it sounded like a saxophone, really beautiful! It seems that even now you are pursuing a better guitar sound, technique, right?

【DEAN】: thanks well i like to play leads almost like singing and I’m always trying to get more emotion into the notes so I’m not sure if thats what your hearing or we just wrote better songs this time to play leads over haha, lake 401 solo is very much like a saxophone, funny story, the saxophone was the first instrument i learnt and i hated it haha but i love the sound now its very vocal.

Q7: もちろん、ギタリストとしてもあなたはずば抜けた実力の持ち主です。特に、”Lake 401″ におけるサックスのようなギターソロには驚かされましたよ!

【DEAN】: ありがとう。そうだね、僕はリードをほとんど歌うように弾くのが好きで、いつも音符にもっと感情を込めようとしているんだ。君がそう感じたから褒めてくれたのか、それとも今回はリードが映えるより良い曲を書いただけなのかは分からないけどね。(笑)
“Lake 401” はたしかにサクスフォンととてもよく似ているよね。面白い話だけど、サックスは僕が初めて習った楽器で、正直嫌いだったんだ。(笑) でも今はそのサウンドが大好きだよ。実に歌っているようだからね。

Q8: Recently, Australia is home to many diverse and talented artists such as Plini, Hiatus Kaiyote, King Gizzard, Caligula’s Horse and many more. Why do so many truly “progressive” bands emerge, including yourselves?

【DEAN】: i really don’t know haha it is a phenomenon that makes no sense why so many Prog bands come out of Australia its really a great thing all those bands are doing amazing things so thanks for making us apart of that.

Q8: 近年、オーストラリアからは PLINI, HIATUS KAIYOTE, KING GIZZ, CALIGULA’S HORSE, VOYAGER など多様でプログレッシブなバンドが多く登場していますね。
あなたたちも含め、真にプログレッシブなバンドが出現する要因は何なんでしょう?

【DEAN】: それは本当にわからないんだ!(笑) オーストラリアからこんなにたくさんの優れたプログバンドが出てくるのは意味不明な現象なんだ。
でも素晴らしい音楽をやっているバンドがオーストラリアにたくさんいるのは実に良いことだからね。その一部に加えてくれてありがとう。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED DEAN’S LIFE

DREAM THEATER “AWAKE”

GUNS’N ROSES “APPETITE FOR DESTRUCTION”

SAVAGE GARDEN “AFFIRMATION”

MEGADETH “COUNTDOWN TO EXTINCTION”

ALICE IN CHAINS “DIRT”

MESSAGE FOR JAPAN

Oh japan! We so desperately want to come and play for you beautiful people and experience your culture and all the great things we have heard about the japanese metal community. We hope to see you very soon!

日本のみんな!僕たちはどうしても皆さんのために日本でプレイしたいし、皆さんの文化や日本のメタルコミュニティについてこれまで耳にした素晴らしい話を体験したいと思っているよ。すぐに会えることを楽しみにしているね!

DEAN WELLS

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【COUNTLESS SKIES : GLOW】2020’s OPETH FROM UK


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JAMES PRATT OF COUNTLESS SKIES !!

“Maybe, Some Of The People Who Miss The Death Metal Elements Will Enjoy Glow. I Think If Nothing Else, It Has The Diversity That Was Found In Early Opeth.”

DISC REVIEW “GLOW”

「”Glow” では、プログの要素をより多く取り入れて、他の音楽からの影響も取り入れた。僕は今も自分たちのサウンドを保ちたいと願っているんだ。ただし、新たなダイナミックな方法でね。今は自分たちのサウンドを見つけ始めていると思う。」
メロディックデスメタルは多くのファンに愛されるジャンルですが、あまりにそのサウンドが明確なため、90年代初頭の予定調和が繰り返されるだけという側面も否めません。実際、21世紀以降、この場所に新鮮な空気を持ち込んだ異能は数少なく、DARK TRANQUILLITY, INSOMNIUM, OMNIUM GATHERUM といった創始者に近い英傑たちに進化を委ねるしかありませんでした。
「僕たちは BE’LAKOR の大ファンなんだ。彼らは、自分たちの良さの基本を守りながら、常に変化し、新しいサウンドを探求しているバンドだからね。彼らの最新アルバム “Vessels” は、音楽的にも非常に異なるものになっている。」
僅かな例外の一つが BE’LAKOR で、彼らのプログレッシブな旅路が多くの後続を勇気づけたことは間違いありません。北欧のメランコリーからかけ離れた高級住宅街、イングランドのハートフォードシャーに現れた COUNTLESS SKIES もそんなバンド一つです。BE’LAKOR の名作 “Stone’s Reach” のファイナルトラックをバンド名に戴き、彼らの最新作 “Vessels” と自らのデビューフル “New Dawn” のリリースデートを合わせこむ COUNTLESS SKIES の BE’LAKOR 愛は本物。ただし、受け継いだのは音楽性そのものではなく、挑戦者の哲学とスピリットでした。
「有能なバンドを際立たせているのは、メタルをはるかに超えたところから影響を受け取り入れる能力だと思うからね。プログメタルは、他のジャンルのように特定のサウンドに限定されていないから好きなんだ。僕たちはメロディックデスメタルの観点からプログレッシブメタルに取り組んでいるんだ。」
BE’LAKOR や INSOMNIUM に薫陶を受けたデビュー作はあくまでプロローグに過ぎませんでした。オペラティックな歌声、プログレッシブな楽曲構成、メタリックな感性を刺激するテクニカルな嘶き、そしてストリングスやクワイア、メロトロンの優雅で重厚なノンメタルな響き。その全てがタペストリーの如く、メロディックデスメタルの下地へと幾重にも重ねられていきます。
「今回はオーケストラの要素がとても楽しかったね。使用した楽器は、それぞれの曲のアイデンティティーの大きな部分を占めていると思う。」
英語には Glow と Grow Up を掛け合わせて「大きく変貌を遂げる」という意のスラング Glow Up が存在しますが、COUNTLESS SKIES の最新作 “Glow” はまさに Glow Up な傑作です。
ブラストビートに重なる ANATHEMA、メロデスの DEAFHEAVEN とでも形容したくなる鮮烈なオープナー “Tempest” は、”We’re Here Because We’re Here” と同種の希望やエナジーをもたらすオレンジの嵐。BLIND GUARDIAN のゴージャスさえ纏った “Summit” の一方で、INSOMNIUM 直系の獰猛とメランコリーを伝える “Moon” はエセリアルなピアノの響きと共にバンドの出自を示し、夕映えに佇む月の哀愁を物語るのです。
「デスメタルの要素を恋しく思っている人たちの中には、”Glow” が楽しめる人もいるかもしれないね。何より、初期の OPETH に存在した多様性を持っていると思うから。」
極め付けは、3楽章20分から成るタイトルトラックでしょう。メロトロンにストリングス、フォーキーなダンスに現代的アトモスフィア、エアリーなハーモニー、そのすべてを抱きしめ OPETH の哲学で裁縫した空の織物は間違いなく20年代を代表するプログエピックでしょう。プログメタルとメロデスが鬩ぎ合いながら幕を引くエンディングは鳥肌もの。もちろん現存するバンドですが、それでも2020年の OPETH と信じたいほどに遺産を気高くアップデートしているのです。
今回弊誌では、リードギタリストにしてコンポーザー James Pratt にインタビューを行うことができました。「BLMを公に支持している人々に対する反発が大きかったことを覚えているよ。ああいった混乱の時には、人々と関わることが大切だと思うね。偏屈な人は常に存在するけれど、中には誤った情報を持っている人もいて、なぜそれが重要なことなのか、きちんとした説明を必要としている人もいるんだから。」FORWARD. THINKING. METAL.は空に映える。どうぞ!!

COUNTLESS SKIES “GLOW” : 10/10

INTERVIEW WITH JAMES PRATT

Q1: From the Corona crisis to Black Lives Matter, and big climate change, this world is going through a turbulent time right now. And we lost even Eddie Van Halen. First of all, what’s your perspective about the situation?

【JAMES】: Wow, that’s a heavy way to start an interview! On the pandemic, I’ve been so lucky so far, in that it’s hardly affected my day-to-day at all, but I know some others aren’t so fortunate. It’s tough right now for a lot of people, but I think of the few good things to come out of this, I’ve noticed that people seem to have a refreshed sense of perspective on what’s important, and a new sense of gratitude for what they do have and can do.
Black Lives Matter has really come to the fore this year with the murder of George Floyd in May. There was a lot of division over what the movement stands for, and I remember a great deal of backlash against people showing public support for it. I think it’s important to engage with people during times like that – there are always going to be bigots around, but some people have just been misinformed and just need a good explanation as to why something’s important.
Climate change is a really important topic right now – we’re seeing the effects of human behaviour on weather events happening today, it’s no longer a topic that seems too distant to care about over other immediate problems. The main culprits are of course massive businesses, but it’s important that everyone does their bit to reduce their own carbon footprint – eg. recycling, eating less meat and dairy, and using less petrol and diesel when commuting. I hope important questions like these encourage your readers to do a bit of research themselves, and not rely on my very very limited knowledge!

Q1: コロナ危機から Black Lives Matter、そして気候変動が引き起こす災害と、世界は激動の時を迎えています。そして、私たちは Eddie Van Halen まで失いました…

【JAMES】: わっ、ヘヴィーなインタビューの始まり方だね!パンデミックに関しては、今のところ僕は幸運で日常生活にはほとんど影響がなかったけど、他の人たちがそうじゃないことは知っているよ。今は多くの人にとって厳しい状況だ。ここから得られる数少ない良いことは、人々が何が重要かという視点を新たに持って、自分たちが当たり前に持っているものやできることに感謝の気持ちを持つようになったことだと思うんだよ。
今年は5月のジョージ・フロイド氏の殺人事件で、BLM が前面に出てきたよね。何のために運動をしているのかをめぐって多くの分裂があったけど、僕はあの運動を公に支持している人々に対する反発が大きかったことを覚えているよ。
ああいった混乱の時には、人々と関わることが大切だと思うね。偏屈な人は常に存在するけれど、中には誤った情報を持っている人もいて、なぜそれが重要なことなのか、きちんとした説明を必要としている人もいるんだから。
気候変動は今、本当に重要なトピックだよね。人間の行動が気象現象に影響を及ぼす事態を目の当たりにしているよ。主犯はもちろん大企業だけど、リサイクルをする、肉や乳製品を食べる量を減らす、通勤時のガソリンやディーゼル車の使用量を減らすなど、誰もが自分自身の二酸化炭素排出量を減らすために少しずつ行動することが重要だと思う。
ただこういった重要な質問においては、僕の非常に限られた知識に頼るのではなく、読書の皆さんが自分で少し調べてみることを願っているよ。

Q2: It’s a very beautiful name for the band, but you took it from the song titles of Be’lakor. Were you fascinated by them?

【JAMES】: Thanks for an easier question! Absolutely, we’re big fans of Be’lakor. They’re a band that are constantly shifting and exploring new sounds while keeping to the fundamentals of what makes them great. Their most recent album, Vessels, was sonically very different. I’m really looking forward to where they’re going with their next album.

Q2: それにしても美しいバンド名ですね!BE’LAKOR の楽曲から取った名前だそうですが、当時は彼らに魅了されていたのですか?

【JAMES】: 今度は簡単な質問だね、ありがとう!その通り、僕たちは BE’LAKOR の大ファンなんだ。彼らは、自分たちの良さの基本を守りながら、常に変化し、新しいサウンドを探求しているバンドだからね。
彼らの最新アルバム “Vessels” は、音楽的にも非常に異なるものになっている。次のアルバムでまた BE’LAKOR がどのような方向に進んでいくのかとても楽しみだよ。

Q3: Actually, your last album “New Dawn” was a progressive melodic death metal close to Be’lakor, Insomnium and Omnium Gatherum, but “Glow” opens up a new world that no longer fits in that area, right?

【JAMES】: Yeah, I think New Dawn has some progressive elements, but it was mostly melodic death metal, and I think you’re right to compare it to those bands. With Glow, we’ve embraced that prog side a lot more, and brought in loads of other influences. I would hope that it still sounds like us, but in a new, dynamic way. I think we’re starting to find our own sound now, so I’m really excited about what we come up with in the future.

Q3: 実際、あなたたちの前作 “New Dawn” は、BE’LAKOR や INSOMNIUM, OMNIUM GATHERUM に近いプログレッシブデスメタルの範疇にありました。
ですが、”Glow” はもはやその領域におさまらない新世界ですよね?

【JAMES】: そうだね、”New Dawn” にはプログレッシブな要素もあると思うけど、ほとんどがメロディックなデスメタルだったから、そういったバンドと比較するのは正しいと思うよ。
“Glow” では、プログの要素をより多く取り入れて、他の音楽からの影響も取り入れた。僕は今も自分たちのサウンドを保ちたいと願っているんだ。ただし、新たなダイナミックな方法でね。今僕たちは自分たちのサウンドを見つけ始めていると思うから、今後の展開がとても楽しみだよ。

Q4: The album is layered with layers of melodies, harmonies, pianos, and sometimes strings, emphasizing the gorgeous, atmospheric beauty throughout the album. So, it reminds me of bands like Queen, Muse and Mew in some respects, would you agree?

【JAMES】: I definitely would. Other than the drums, this album was recorded at my home, which was pretty expensive for me and took a lot of effort, but what it did give us was time. Without the usual constraints of booking a studio, we could spend more time getting better takes, adding more layers and harmonies, and bringing in some extra instruments (and a choir!). Definitely when it comes to Phil’s vocals, we took a really long time trying out every possible harmony and figuring out which worked and which didn’t. The orchestral elements were really fun this time around. I think the instruments we used are a big part of the identity of each song: Tempest has a lot of this ethereal sounding keyboard choir, while Summit has a lot of synth sounds. Glow has a lot, from brass and strings to synth and even a mellotron (or three)!

Q4: アルバムは、メロディー、ハーモニー、ピアノ、時にストリングスがタペストリーのように何層も重ねられていますね。非常にゴージャスで美しいアトモスフィアを纏っています。

【JAMES】: 間違いないね。ドラム以外、このアルバムは僕の自宅で録音したんだけど、かなりお金がかかって努力を必要としたね。それでも、スタジオを予約するという通常の制約を受けずに、より良いテイクを得るために、多くのレイヤーやハーモニーを加えたり、追加の楽器と聖歌隊を持ち込んだりして、より多くの時間を使うことができたんだ。
Phil のボーカルに関しては、可能な限りのハーモニーを試してみたから、どれがうまくいってどれがダメなのかを見極めるのに間違いなくとても長い時間を費やしたよ。今回はオーケストラの要素がとても楽しかったね。使用した楽器は、それぞれの曲のアイデンティティーの大きな部分を占めていると思う。
“Tempest” ではエセリアルなサウンドのキーボード・クワイアが多いし、”Summit” ではシンセサイザーが多く使われているよね。”Glow” はブラスやストリングス、シンセサイザー、そしてメロトロンまで、たくさんの楽器を使っているよ。

Q5: There’s an increased percentage of clean vocals this time around, right? The contrast with the harsh voice is really wonderful. I feel it’s different from the melancholy of Melo-death, which is similar to the melancholy of Leprous and Haken, for example. How about that?

【JAMES】: That’s definitely something we were conscious of this time round. Phil has a fantastic voice, and we wanted to hear it more! At the same time, none of the songs would work without Ross’ vocals – which have improved so much between New Dawn and now. In fact, every song on Glow has both Ross’ and Phil’s vocals. Overall, however, there are less vocal parts throughout the album. Given that most of the songs don’t fit in the usual verse-chorus pattern, we weren’t limited to the same vocal arrangements. The music on Glow is also pretty complex in parts, so we didn’t want to overcrowd the songs with unnecessary vocals – each part is carefully considered, we didn’t add anything just for the sake of it.

Q5: 音楽性の変化にあわせて、クリーンボーカルの比率も増えていますよね? メロデスというよりも、LEPROUS や HAKEN 的なメランコリーが印象的です。

【JAMES】: 今回は間違いなくそれを意識していたね。Phil は素晴らしい声を持っているから、もっと彼の声を聴きたかったんだ。もちろん、同時に、Ross のボーカルなしではどの曲も成立しない。”New Dawn” からさらに磨かれているからね。
実際、”Glow” では全曲に Ross と Phil のボーカルが入っている。だけどね、全体的にはボーカルのパートは少なくなっているんだ。ほとんどの曲がありきたりなヴァース/コーラスのパターンではないから、同じようなボーカルアレンジに限定されることはなかったね。
“Glow” の音楽には複雑な部分があるから、余計なボーカルを入れすぎないようにしたんだよ。どのパートも注意深く考慮して、目的以外の要素はなるべく削ぎ落としたんだ。

Q6: The artwork of Countless Skies’ albums are beautiful, and everything is made up of the sky and one person. Do the landscapes, colors and people in the artwork relate to the theme of the album?

【JAMES】: Yeah, that little guy there has been on all our releases – from our self-titled EP way back, to this album; he’s kind of our mascot! We’ve used the same artist for all our artwork so far: Carl Ellis. While it doesn’t relate to any one song in particular, in my opinion it fits the music perfectly, and that’s pretty much what we want to achieve with each album cover.

Q6: COUNTLESS SKIES はアートワークも非常に美しいですね。様々な空と、1人だけの人間で構成されています。アートワークの色や景色はアルバムの内容を反映しているのでしょうか?

【JAMES】: そうだね、あの小さな男は僕ら全てのリリースに登場しているね。それこそセルフタイトルの EP から最新作まで。だからある種のマスコットなんだ!
これまでのアートワークは全て同じアーティストを起用している。Carl Ellis さ。特定の曲に関連するものではないけれど、僕の考えでは音楽に完璧にフィットしているし、どのアルバムのカバーも僕たちが達成したいことを表現しているよ。

Q7: I love the song “Glow” which is divided into three movements. Definitely, it is the best progressive metal epic of the 2020s, it’s a strange way of saying, but I feel it’s Opeth of the 2020s, would you agree?

【JAMES】: Wow, that’s quite an acclamation for you, thank you! I’m a massive fan of Opeth, and I think their music influenced this album a fair bit. I know once they released Heritage and dropped the death metal vocals, it put a lot of people off. I think they’ve put out some great music since then, but maybe some of the people who miss the death metal elements will enjoy Glow. I think if nothing else, it has the diversity that was found in early Opeth.

Q7: 特に3つの楽章からなるタイトルトラック “Glow” が大好きですよ。変な言い方ですが、2020年代の OPETH というか、とにかく今年最高のプログエピックだと感じました。

【JAMES】: うわー、それはかなりの賞賛だよ。ありがとう!僕は OPETH の大ファンで、彼らの音楽はこのアルバムにかなり影響を与えたと思うね。”Heritage” をリリースして、デスメタルのヴォーカルをなくしたことで、多くの人が彼らから離れたと思う。
それからにしたって、僕は彼らが素晴らしい音楽を世に送り出してきたと思う。だけど、デスメタルの要素を恋しく思っている人たちの中には、”Glow” が楽しめる人もいるかもしれないね。何より、初期の OPETH に存在した多様性を持っていると思うから。

Q8: Recently, I had an Interview with White Walls, they said “I Think That If Progressive Metal Wants To Keep The Name, It Has To Stay Curious And It Has To Keep Exploring Other Genres. That’s Why I Really Appreciate Bands Like Polyphia – That Kinda Stuff Sounds Very Modern And “State Of The Art”, Precisely Because The Guys Writing It Are Super Open To Genres That You Wouldn’t Expect To Be Associated With More Traditional “Prog””. What’s your perspective about that?

【JAMES】: I completely agree, and I think what sets some bands apart is their ability to bring in influences from way beyond metal. What I love about progressive metal is that it isn’t limited to one particular sound in the same way that other genres are. We’re coming at it from a melodic death metal point of view, but that’s just one side of it. Polyphia is a great example of bringing in other influences, they’re incredibly creative guys. I admire how they’ve combined all these other genres, but play them as instrumentalists. That said, I can state now that there’ll be no trap beats on the next Countless Skies album!

Q8: 最近 WHITE WALLS にインタビューを行ったのですが、彼らは 「プログレッシブメタルという名前を維持したいのであれば、好奇心を持ち続け、他のジャンルを探求し続けなければならないと思うんだ。それが POLYPHIA のようなバンドを高く評価している理由なんだけどね。とてもモダンでまさに芸術だ。彼らは伝統的な “プログレ” に関連しているとは思えないようなジャンルにも非常にオープンに取り組んでいるからね。」 と語っていました。

【JAMES】: 完全に同意するよ。有能なバンドを際立たせているのは、メタルをはるかに超えたところから影響を受け取り入れる能力だと思うからね。プログメタルは、他のジャンルのように特定のサウンドに限定されていないから好きなんだ。
僕たちはメロディックデスメタルの観点からプログレッシブメタルに取り組んでいるんだけど、それもまたただプログメタルの一面に過ぎないからね。
POLYPHIA は他の音楽の影響を取り入れた素晴らしい例だよね。彼らが他のジャンルを組み合わせて、インストルメンタリストとして演奏していることに感心したよ。とはいえ、COUNTLESS SKIES の次のアルバムにトラップ・ビートはないと断言できるけどね!

FIVE ALBUMS THAT CHANGED JAMES’S LIFE

LINKIN PARK “METEORA”

GENESIS “THE LAMB LIES DOWN ON BROADWAY”

DREAM THEATER “METROPOLIS PT.2: SCENES FROM A MEMORY”

WINTERSUN “WINTERSUN”

THE BEATLES “REVOLVER”

MESSAGE FOR JAPAN

Thanks to everyone who’s listened to Glow. When we can tour again, we’ll do our best to get over to you! Stay safe and have fun!

“Glow” を聴いてくれたみんな、ありがとう!またツアーができるようになったら、全力を尽くして日本へ行くよ!楽しくいようね。Stay Safe!

JAMES PRATT

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WILLOWTIP RECORDS

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【OCEANS OF SLUMBER : OCEANS OF SLUMBER】


COVER STORY : OCEANS OF SLUMBER

“I FEEL LIKE MY HISTORY IS BROKEN, I FEEL LIKE AMERICA IS BROKEN”

OCEANS OF SLUMBER

女性であること。黒人であること。ヘヴィーメタルには直結しない2つの特徴を持つ Cammie Gilbert は、OCEANS OF SLUMBER へと加入した2015年、自らに一握りの不安を抱えていました。
「メタルの世界に入った時、黒人女性であることや、必ずしもメタルのバックグラウンドばかりを抱えているわけではないことにかなり負い目を感じていたのはたしかね。」
バプテスト派の家庭で育ち、IRON MAIDEN や METALLICA より R&B やヒップホップが鳴り響く街並み。両親は教会の聖歌隊で出会い、プロのミュージシャンである父親が聖歌隊のリーダーを務めていました。”南部出身の黒人女性” としての経験をいかにメタルへと反映させるのか。しかし Cammie は自身のバックグラウンドが、思っていた以上にメタルと調和していることに気づきました。
「私はメタルから歌を教わったわけじゃない。だけど、私が歌を教わったゴスペル、ジャズ、ブルースのヴァイブやエッセンスはプログメタルが存在し成立するまさにその理由の一つなのよ。だから私はメタルが大好きなの。美学やアトモスフィアもそうだけど、エモーションや細部への拘りもね。」

興味深いことに、Cammie の人生に最も早く寄り添ったメタルは、Layne 逝去のあと、黒人ボーカリスト William DuVall と共に前へと進む ALICE IN CHAINS でした。
「初めてロックやオルタナティブを聴き始めた時、ALICE IN CHAINS の “Dirt” が私を揺さぶったの。KORN や SLIPKNOT は激しすぎて家では聴かせてもらえなかったんだけどね。感情が込められているのよ。悲しみや痛み、ヘヴィーな感情を理解するのはあの頃の私にとって未知のことだったのよ。」
Layne Staley や Chris Cornell のソウルフルが彼女のルーツと共鳴したのです。
「当時、私の周りにはロックやメタルにハマっている黒人の子供はあまりいなかった。だから少し孤立していたの。でも、それが私が感じていた音楽だったから。大学まではちょっとした一匹狼だったわ。大人になってライブに行けるようになるまでは、メタルやロックシーンのコミュニティの感覚を得られなかったわね。」

数年後、Cammie は自らロックバンドで歌っていました。彼女が所属していたバンドは、ある日ヒューストンで開催された OCEANS OF SLUMBER のショーのオープニングを務めました。
「私はルーサー・ヴァンドロスを聴いて育ったから、ウォームアップとしてメロディックでビッグな曲を演奏していたの。駐車場で叫んでいたら、Dobber の友達が私を見ていたわ。私はこのショーで唯一の黒人の女の子で、鮮やかなエレクトリックブルーのドレスを着ていたから、かなり目立っていたのよ。私たちがパフォーマンスをしたとき、Dobber たちが真顔で私たちの前に立っていたのを覚えているわ。私は『彼らは私たちを嫌っている』と思ったわ。(笑) でも、そんなことはなかったわね。後日、彼らは私に連絡してきたの。」
バンドは Cammie に何曲か歌ってほしいと頼み、2014年にオリジナル・シンガーの Ronnie が脱退した際、彼女が後任となりました。今では CammieとDobber が OCEANS の舵取りを行い、Dobber が楽曲の「85~90パーセント」を書き、Cammie が作詞を担当しています。そして彼女が加入した後、二人の関係は音楽を超えてロマンチックなものへと発展していきました。


2人を繋ぎ合わせた TYPE O NEGATIVE の “October Rust” も彼女、そしてバンド全体にとって重要なレコードです。
「Peter Steele が大好きなの。私たちは TYPE O NEGATIVE が大好きで、彼らのアルバムは何枚も持っているけど、私にとってはこの作品がメインよ。”Cinnamon Girl”、”Be My Druidess”、そして “Wolf Moon”。Dobber は一度彼らのライブを見たことがあるのよ。うらやましいわ。私は Peter の自伝を読むことで埋め合わせなければならなかったの。バンドに関するメディアならは何でも買っているわ。彼らの曲を聴くのは経験になるのよ。Peter はとても賢い作詞家だから。聴いている音楽の中で一番面白い音楽だと思う。エネルギーを高めてくれるし、幸せな気分にさせてくれるわ。」
ANATHEMA, KATATONIA, SWALLOW THE SUN といった Peaceville 由来のゴシックドゥームな音モスフィアも当然 Cammie の養分です。
「ラブシックな音楽よね。クルーナー的な意味ではなく、切ない憧れとストーリー性を持った、かなりロマンティック。甘くて切なくて、夜にピッタリな音楽だわ。」
EVERGREY のプログレッシブな音の葉は OCEANS OF SLUMBER のスピリットと切っても切り離すことはできません。
「全員 EVERGREY の大ファンなの。”The Storm Within” は私の心を掻き毟り、彼らのエネルギーとボーカル Tom S. Englund が語る経験に引き込まれるわ。彼は信じられないほどソウルフルなのよ。OCEANS は彼らに比較的似ていると感じているの。素晴らしくとてもヘヴィなアルバムよ。」

つまり、メタルは他の何ものにも出来ない方法で人と人を絡み合わせると彼女は信じているのです。
「目を閉じていると、彼らの現実が、経験が伝わるのよ。私はいつも身体の外に出るような体験を探しているから。一瞬、私たちは完全に歌と一体となり、楽曲の書き手と一体となる。」
音楽的にも、プログ、ジャズ、R&B、ドゥームにゴシック、デス、ブラックといくつもの垣根を取り払ったセルフタイトル “Oceans Of Slumber” において、Cammie はそうやって文化や人種の壁も取り払いたいと切に願っています。Dan Swano のミキシングとテキサスヒューストンの組み合わせもその主張を実践していますね。
「ドラマーで私のパートナーでもある Dobber がこのレコードで君のことを語ろうと言ってくれたの。南部に住む黒人女性としての私の気持ちをもっと大きなスケールで OCEANS の音楽に反映させようってね。それってメタルコミュニティにはまだあまり浸透していない視点なの。だから、彼の言葉は、自分の人生の中で感じている怒りやズレ、混乱、葛藤などを、本当に深く掘り下げていくための青信号になったわね。私たちは、明らかにいつも存在し、常に問題となっているものを探求し始めたの。長い間、ある種のカーペットの下に押し込められていた問題をね。」
ジョージフロイド氏が殺害され、Black Lives Matter が世界を揺るがした時、Cammie の発したステイトメントは胸を打ちました。

「私はアメリカの黒人女性で、奴隷の曾孫娘。それは写真の中だけの記憶。幼い頃、私は奴隷の生活を想像しようとしたわ。だけど今起こっている現実は、私の子供じみた想像力の裏にある謎を解き明かしてくれたの。南北戦争ドキュメンタリーの古い写真を見ると、彼らの顔が見えるわ。マーティン・ルーサー・キング・ジュニアに触発された行進の映像を見ると、彼らの顔が見える。そして今、ソーシャルメディアにサインインして、催涙ガスをかけられているデモ参加者を見ると、彼らの顔を見ることができる。そして今は私の顔も見えるのよ。
黒人の上院議員、市長、有名人、勇敢な人々がネット上でこの国の欠点に対する不満を共有しているとき、私はもう怒りの涙を抑えられないの。全国放送のテレビで、これまで以上に多くの黒人が泣いているのを見てきたわ。自分の歴史が壊れたような気がするし、この国が壊れたような気がする。ジョージ・フロイドは転機となった。新世代が「もういい加減にしろ」と言うきっかけになった。彼の人生を奪った紛れもない冷酷さを無視することはできなかったの。彼の死がビデオに撮られたことは、感情的にはぐちゃぐちゃになっていて居心地が悪いけれど、それでも幸運だと思っているわ。それはついに世界に、何十年もの間、ネイティブアフリカンのアメリカ人が注意を喚起しようとしてきたことを、自らの目で見る機会を与えてくれたから。物事はまだ壊れている。とても、とても、壊れている。
アメリカの歴史を考えてみると、白人でない者に良いことはほとんどないの。それが真実よ。色々な情報を鵜呑みにすると胸に空洞感が残るのよ。この国は何かを直しているのではなく、何かを手放しているのだと気づくわ。壊れ始めたのは、間違った方法で、間違った土台と間違った考え方で始まったから。始める前に対処することを選んだ。他者への抑圧を維持することで強さを維持することを選んだ。楽な道を選んだその同じ道が常に足かせになることに気づかずに。もはや息を止めたり、憎しみや抑圧のためのスペースを確保したり、安易な道を選んだりすることはできないわ。国家として、私たちは最も脆弱で最も問題を抱えた人々や地域社会に思いやりとケアを示さなければならないの。彼らを奮い立たせれば、私たち全員が奮い立つでしょう。彼らを貶めるものが我々を貶めるのと同じように。コミュニティに属することは意味があることに気づくのが早ければ早いほど、私たちは前に進み、すべての人のために真の変化を起こすための連帯感を見つけることができるのだから。
抗議活動の勢いを持続させ、前進させるためにはどうすればいいのだろうか。これは、すべての人が反省するための時間。自分の信念が自分の人生をより良いものにしてきたのだろうか?私の信念は、私の周りの人々の生活をより良いものにしただろうか?正直に答えて、よく考えて欲しい。私たちの未来は、それにかかっているから。」

音楽的に、アルバムは以前よりもその壮大さを増しています。Cammie の言葉を借りれば「Dobber は存在しない映画のサウンドトラックのように作曲している」。そうしてこれまで OCEANS の旅は、より内省的なものでしたが今回のセルフタイトルでは、より広い社会的なトピックや過去からインスピレーションを受けていることに気がついたのです。さながら、壊れた世界のサウンドトラックの如く。
「1年ほど前に第二次世界大戦の映像をカラー化した『第二次世界大戦 HDカラー』が公開されたんだけど、Dobber は大の歴史好きだから見に行ったんの。カラーで見ると物凄いわ。とても現代的に見えるから、頭の中では違った感覚になるのよね。戦争の原因となったもの、文化の分派、社会学、心理学を学んだわ。ヒトラーの台頭や、彼がいかに上手くやったのかを。パターンが見えてきて、それが今の時事問題とどのように関係しているのかが分かるようになる。新しいことは何もないことに気づくの。私たちは第一次世界大戦からベトナムまで、戦争と国際関係の深い穴に入っていったのよ。
そのあと『どうやってみんなに歴史を伝えればいいのだろう?みんなこの歴史を知っているのだろうか?!』と思ったわ。人々は歴史を知らないし、それが今の状況にどれだけ影響を与えているかも知らないような気がしたのよ。もしあなたが精神疾患を持っていたら、心理学者はあなたがどのように育ったのか、どこから来たのかを尋ねるでしょう?社会として、文化として、自分の歴史を見なければならないのよ。」

例えばブラックメタルがナチスの問題を抱えるように、メタル世界にも取り払うべき差別の壁は存在します。
「メタルコミュニティの中から、私の視点にこんなにも多くの支持が寄せられていることに驚いたわ。身近な友人の輪の中から、波紋が広がって、まさか共有するとは思ってもいなかった人たち(メタル界の白人男性)が、『俺たちはこれを乗り越えたいんだ。俺たちは解決すべき問題を抱えているし、変化が起こるべき正しい側にいたいんだ。』なんて言葉が寄せられるなんてね。明らかに、ここには多様性があるべきなの。すべてのミュージシャンはその生い立ちや文化ではなく、音楽性に基づいてチャンスが与えられるべきなのよ。その外見ではなく、音楽性でチャンスを与えるべき。そうすれば、音楽だけでなく、バンドのメンバーも多様化して、様々な人たちが集まることになるはずなのよ。」
パンデミックからBLM運動まで、これまでの2020年の出来事を考えると、Cammie の歌詞は今の時代にあまりに符合しています。
「今振り返ってみて、何が私たちをこれほどまで時代と関連性のあるアルバムを作らせたのか、その軌跡を見ようとしているの。私は偶然を信じない。実際、他の人たちも同じような軌跡をたどっていたと思う。人々は今、その歴史や、認識や制度がどのように彼らの周りの世界を形成してきたかに注目しているわ。一度真実とすべての情報を知ると、それを見逃すことはできないの。」

Cammie の作詞へのアプローチは思慮深く、創造的です。”Pray For Fire” では、再生と破壊両方のための火の対照的な機能を探求しています。つまり人々と土地を守るため、国有林での制御された燃焼と、戦闘での火炎放射器の使用。
ファーストシングル “A Return To The Earth Below” では、自身の鬱病との闘いを、より幅広い社会のパターンとともに考察しています。「私は自分自身を助けるために、集中して前を向いて努力し続けなければならないと感じているの。誰にでも対処することや克服しなければならないことがあるわ。それをもう一度紐解いてみると、社会がいかに悪いパターンに陥っているかがわかるのよ。物事がうまくいっているように見えても、ヒトラー・ユーゲントのように、ゆっくりと、誰も気づかないうちに追い越されてしまうこともあるんだから。」
Cammie の文章には遊び心もあります。クローザー “The Red Flower” は女性としての葛藤と矛盾についての曲で、TYPE O NEGATIVE の “Wolf Moon” カヴァーが続きます。
「”The Red Flower” は女性らしさを歌った曲で、Peter Steele の超ロマンティックなラブソングが続くのよ。(笑) 彼は愛に溢れた男で、彼女のストレスを少しでも和らげたいと思っているのよ!あの曲を女性としてカバーするのはちょっと生意気だと思ったけどね。」

Cammie は将来、特に次世代に希望を持っています。
「子供たちは私たちが生きてきた頃よりも多くの情報を目にするようになってきていて、それが良い意味で彼らを形作っていくのは間違いないと思う。これからの世代は、情報に精通し、賢く、感情的に賢い世代。私は彼らが行動を起こして、過ちのいくつかを元に戻すと信じているわ。私は長い目で見て希望を持っているの。」
アメリカの会場が安全に再オープンし、OCEANS OF SLUMBER のツアーが許可されれば、Cammie は、旅を通して経験するすべての景色、匂い、味の感覚をまた満喫したいと語ります。
「会場に到着して、荷物を降ろして、街に繰り出す瞬間が恋しいわ。まだ開場していないし、皆が荷物を積み込んで、サウンドチェックをして、そして会場のドアから飛び出して外に出て、日の光に目を慣らしながら外に立ち、どこの街でも、どこの国でも、賑やかな通りを見て、すべてを受け入れるの。そして、オープン前の小さな探検の時間を過ごすのよ。地元のおやつ屋さんを見つけたり、コーヒーや食べ物を買いに行ったり。それが一番懐かしいわ。戻ってくるかどうかもわからない何かを待っている気分よ。例えば、飼い猫が逃げてしまった時のように。内向的な自分が思っていた以上にステージが必要なの。人が必要なの …ほとんど誰にも会わなかったこの期間で、思っていた以上に人や観客、ビジネスを失ったことは間違いない。ステージに立って、自分の歌を熱心に聴いてくれている人たちが受け止めてくれていることほど素晴らしいことはないの。それこそが繋がりよ。もう二度とそれを経験できないという考えは、心の中の何かを破壊してしまうのよ。」

参考文献: KERRANG!:OCEANS OF SLUMBER’S CAMMIE GILBERT: “I FEEL LIKE MY HISTORY IS BROKEN, I FEEL LIKE AMERICA IS BROKEN”

KERRANG!: OCEANS OF SLUMBER ARE THE SOUNDTRACK TO A BROKEN WORLD

HOLLYWOOD LIFE: OCEANS OF SLUMBER’S CAMMIE GILBERT

LOUDERSOUND : 10 ALBUMS THAT CHANGED CAMMIE’S LIFE

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COVER STORY + INTERVIEW 【CEMICAN : IN OHTLI TEOYOHTICA IN MIQUIZTLI】AZTEC METAL SHAMAN FROM MEXICO


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH OF XAMAN-EK & TLIPOCA OF CEMICAN !!

“We Believe That Ritual Sacrifices Represent a Mystical Part Of Pre-Hispanic Mexico, Which Could Not Be Left Out Of The Show.”

AZTEC ROOTS, PRIDE AND RITUAL

「ここ数年、ラテンアメリカでメタルは本当に強力なんだ。まあ世界中でそうなんだが。メキシコ人はアグレッシブなサウンドを愛しているから、メタルは我々の文化を拡散するのに最適な方法なんだよ。」
ヘヴィーメタルとフォークミュージック、伝統音楽の絆はあまりに深く強靭です。スカンジナヴィア、欧州、アジア、北米。もちろん、1996年、SEPULTURA がマトグロッソの先住民族シャヴァンチと共存した “Roots” を見れば、古のラテンアメリカとヘヴィーメタルにも時を超えた親和性があることに気づくでしょう。
「CEMICAN とは同じ意味の中で生と死全体を表す言葉であり、それはこれまですべての時の間に学んだすべての知識と知恵を統合しているんだよ。」
2006年、メキシコに示現した生と死の二元性を司るアステカのメタル司祭にとって、Xaman-Ek の加入は大きな出来事でした。アステカの文化や言語ナワトルに精通するステージのシャーマンによって、CEMICAN はプレヒスパニック文化やアステカの神話をメタルのアグレッションや知性へと昇華させる唯一無二へと変貌したのです。
伝統的な管楽器や打楽器を、装飾としてでなく、勇気を持って楽曲の中心に据える戦士の魂こそ CEMICAN の原点。そうして彼らはアステカの伝統に敬意を表しながら、ボディーペイント、羽毛や骨の頭飾り、甲冑を身につけてステージに立つのです。
「ナワトル語は我々の祖先が使用していた言葉だからな。彼らは自然の力とコミュニケーションを取るためにも使用していたんだ。ナワトル語は、今でもいくつかの地域では話されているんだよ。」
ステージ名やアルバムのタイトル、時には楽曲やその歌詞にもアステカやインディオの先住民の言語を使用する CEMICAN。ただし、唸りをあげる歌詞の大半はスペイン語で書かれています。今でもメキシコ公用語の一つで、170万人の話者を持つと推定されるナワトル語ですが、それでも理解が出来るのはごく一部の人たちだけ。CEMICAN はアステカの文化を世界に運ぶため、より柔軟でグローバルな視点も有したバンドなのです。
「我々は全員が伝統音楽からメタルまで、様々に異なる影響を受けてきた。しかし常に我々の文化とフォルクローレは必ず心に留めているのだよ。」
Xaman-Ek はスラッシュとパンク、Tecuhtli はデスメタルやシンフォ、ブラックメタル、Tlipoca はクラッシックなメタルとスラッシュ、Ocelotl は Nu-metal。多様な影響を咀嚼したメタルの万華鏡も CEMICAN の魅力です。何より、シンセサイザーとプレヒスパニックの楽器を融合させたエレクトロニカの先鋭 Jorge Reyes が、メキシコに点在する様々な遺跡で行ったコンサートは CEMICAN の心臓部に深く刻まれる刻印となりました。
ナワトル語で “死者の神秘的な道” を意味する最新作 “In Ohtli Teoyohtica In Miquiztli” はバンドのディスコグラフィーにおいて最も洗練を極める、世界を見据えたモジョの道。古代のドラム、笛、フルート、クレイオカリナ、貝殻、女性ボーカルの巧みな配列は、異様な高揚感を伴いながらアステカに育まれる第五の太陽を導きます。一方で、時に DEATH や CYNIC, ATHEIST, MEGADETH にも通じる神秘的な攻撃性は、その太陽へ捧げられる生贄の残酷でしょうか。もちろん、生と死の二元性という CEMICAN の名が物語るように、彼らのステージにも不可欠な、太陽の力を得るため心臓を捧げ人肉を啜る神聖な生贄の儀式は残酷の一言で片付けられるほど単純なものではありませんでしたが。難問は現代の音階とズレが生じる不安定な伝統楽器の揺らぎでした。
「最初は正しい調性、音階を見つけるのに苦労したものさ。だけど遠く離れた古の職人の楽器でも、馴染みのある現代の音階に近い音色を持たせることに成功したのさ。」
CEMICAN はドイツの Wacken Open Air やフランスの Hellfest といった大規模なイベントにも出演し、メキシコ国外でのオーディエンスを増やすために努力を重ねています。メキシコ第三の都市モンテレイより、フランスでの演奏回数の方が多いという実績は、まさに彼らがケッアルコアトルのドラゴンである証明でしょう。
「ヨーロッパはバイキングやケルトといった古代文化に根ざし、もちろんバイキングメタルも有名だけど、メキシコの古代文化には馴染みがないんだよ。 すべてがボディペイントで、頭には火と羽がついているから目と口を大きく開けて怖がったり、驚いたりする。だけど3~4曲目には、ステージ上で起こっていることを理解し、愛してくれるようになるんだ。」
今回弊誌ではアズテックメタルで儀式を担当するパフォーマー Xaman-EK と、創始者でドラマー Tlipoca にインタビューを行うことが出来ました。日本の祭囃子にも通じる不思議。今や世界のどこにでもメタルは存在します。それこそがメタルに備わる包容力の証明。第三世界の逆襲。どうぞ!!

参考文献: Daily Bandcamp

CEMICAN “IN OHTIL TEOYOHTICA IN MIQUIZTLI” : 9.9/10

INTERVIEW WITH CEMICAN

Q1: Cemican is called Aztec Folk Metal. First of all, Why did you focus on the Aztec civilization, which flourished in Mexico in the 15th century?

【CEMICAN】: Our roots, represent a pride and through the music Cemican tries to transmit that feeling of belonging to a culture.

Q1: CEMICAN は “アズテックフォークメタル” “アステカのフォークメタル” の異名を持つバンドです。まずは、メキシコで15世紀近辺に栄えたアステカ文明にフォーカスした理由から教えて下さい。

【CEMICAN】: アステカ文明が我々のルーツであり、誇りを表現しているからだ。アステカ文明に由来するその感情を、我々は CEMICAN の音楽に託そうと努力しているのだよ。

Q2: It seems metal is very popular in Latin America, right? What got you hooked on metal in Mexico?

【CEMICAN】: In the last few years, metal has had strength in Latin America and the world. we like aggressive sounds and metal is the right channel to spread our culture.

Q2: ラテンアメリカではメタルがとても盛んなようですね?メキシコも盛り上がっているようですね?

【CEMICAN】: ここ数年、ラテンアメリカでメタルは本当に強力なんだ。まあ世界中でそうなんだが。メキシコ人はアグレッシブなサウンドを愛しているから、メタルは我々の文化を拡散するのに最適な方法なんだよ。

Q3: Cemican means “the duality of life and death” in the indigenous Nahuatl language, right? Why did you choose this word for your band name?

【CEMICAN】: It is a totality that represents life and death in the same block, it unites all the knowledge and wisdom learned during all this time.

Q3: バンド名 CEMICAN とは、メキシコの先住民族ナワトルの言葉で “生と死の二面性” を意味するそうですね?

【CEMICAN】: その通りだ。CEMICAN とは同じ意味の中で生と死全体を表す言葉であり、それはこれまですべての時の間に学んだすべての知識と知恵を統合しているんだよ。

Q4: Regarding Nahuatl, you use Nahuatl language in your songs and titles. What made you use this mysterious language?

【CEMICAN】: The Nahuatl language was used by our ancestors and it was how they communicated with the forces of nature, currently in some regions Nahuatl is still spoken.

Q4: ナワトルといえば、CEMICAN はステージ名やアルバムのタイトルにもナワトル語を使用していますよね?

【CEMICAN】: その通りだ。ナワトル語は我々の祖先が使用していた言葉だからな。彼らは自然の力とコミュニケーションを取るためにも使用していたんだ。
ナワトル語は、今でもいくつかの地域では話されているんだよ。

Q5: What themes or concepts do you deal with in your albums and songs?

【CEMICAN】: Mormally the songs speak of experiences, characters from ancient Mexico and traditions such as rituals.

Q5: アルバムや楽曲においては、どのようなテーマを中心に扱っていますか?

【CEMICAN】: 基本的に、我々の歌は古代メキシコの経験やキャラクター、儀式などの伝統を語っているんだよ。

Q6: Speaking of Cemican, we are reminded of a great mix of metal and mexican traditional folk music. Could you explain about traditional Mexican folk music and instruments you use?

【CEMICAN】: cemican uses drums, whistles, flutes, clay ocarinas, shells, which at first it was difficult to find the correct tonality, but we have managed even with distant artisans instruments that have tones similar to known modern scales.

Q6: CEMICAN といえば、メタルと伝統的なメキシコのフォークミュージックを融合させた先駆者でもあります。

【CEMICAN】: CEMICAN が使用しているのは、古代のドラム、笛、フルート、クレイオカリナ、貝殻などだ。
最初は正しい調性、音階を見つけるのに苦労したものさ。だけど遠く離れた古の職人の楽器でも、馴染みのある現代の音階に近い音色を持たせることに成功したのさ。

Q7: Interestingly, Cemican has Prehispanic Instruments players and Xaman-Ek, dressed like an Aztec priest, “sacrificing” a victim onstage, holding his beating, blood-spurting heart up to the audience. Why do you recreate these rituals on stage?

【CEMICAN】: We believe that ritual sacrifices represent a mystical part of pre-Hispanic Mexico, which could not be left out of the show.

Q7: 面白いことに、CEMICAN の “プレヒスパニック楽器” を担当する Xaman-Ek は、アステカのプリーストの装いでステージにおいて生け贄を犠牲にします。なぜ当時の儀式を再現するのですか?

【CEMICAN】: 我々は、生け贄の儀式こそ、スペイン以前のメキシコの神秘的な部分を表していると信じている。故にそれをショーの中で放置することができなかったのだ。

Q8: Musically, you are often compared to folk metal bands, but I feel you are mixing more diverse influences, like thrash, prog and death metal. would you agree?

【CEMICAN】: We all have different influences from traditional music to metal, but always keeping in mind our cultur and folklore. Aztec folk metal label was put on European festivals.

Q8: 音楽的に、CEMICAN はよくフォークメタルに分類されますが、スラッシュやプログ、デスメタルと幅広い影響が窺えますね?

【CEMICAN】: 我々は全員が伝統音楽からメタルまで、様々に異なる影響を受けてきた。しかし常に我々の文化とフォルクローレは必ず心に留めているのだよ。
アズテックフォークメタルというラベルは、ヨーロッパのフェスティバルでつけられたものだ。

Q9: You said to me “Warrior Brothers”. Of course, we have Samurai history and culture. In that sense, do you think Mexicans and Japanese people have anything in common?

【CEMICAN】: of course, Mexico and Japan are historically peoples full of battles, myths, heroes and many warriors.

Q9: 最初にあなたとコンタクトを取った時、あなたは私を “Warrior Brothers” と呼びましたね。
もちろん、日本には侍とその文化が存在したわけですが、そういう意味でシンパシーを覚える部分があるのでしょうか?

【CEMICAN】: もちろんだとも。メキシコも日本も、戦い、神話、英雄、そして戦士の歴史で満たされているからな。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED CEMICAN’S LIFE

OBITUARY “CAUSE OF DEATH”

MANOWAR “THE TRIUMPH OF STEEL”

DIMMU BORGIR “ENTHRONE DARKNESS TRIUMPHANT”

ADAGIO “DOMINATE”

JUDAS PRIEST “PAINKILLER”

MESSAGE FOR JAPAN

We hope to be in Japan soon, we would love to do the ritual for all our brothers from the empire of the sun, and for Quetzalcoatl to fly alongside his majestic dragons.

日本にはすぐにでも向かいたい。太陽の帝国から全ての兄弟たちに我々の儀式を授けたいからな。ケッアルコアトル (アステカの神) のために彼のマジェスティックなドラゴンと飛んでいくぜ!

CEMICAN

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CEMICAN Bandcamp
M-THEORY MUSIC

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PALLBEARER : FORGOTTEN DAYS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JOSEPH D. ROWLAND OF PALLBEARER !!

“I Do Have a Great Love For The Bands Who Shifted Into Something Not Quite Prog, Not Quite AOR. Asia, And 80s Rush Are a Great Example Of That.”

DISC REVIEW “FORGOTTEN DAYS”

「KING CRIMSON や URIAH HEEP, MAGMA といったバンドは、たしかに現在のドゥームに通じている部分があると思う。そして重要なのは、個人的に僕は今日のどんなバンドより遥かに大きなインスピレーションを、そういったバンドから継続的に得ていることなんだ。」
多様化、細分化が進行するモダンメタルの時代において、フューネラルドゥーム、エピックドゥーム、ドゥーム/ストーナー、ゴシックドゥームとその陰鬱な墓標を拡散するドゥームメタルの新たな埋葬は大きなトピックの一つです。
中でも、PALLBEARER 以前、PALLBEARER 以降とまで区分けされるモダンドゥームの棺付き添い人は、愛する70~80年代のプログロックから受け継いだ仄暗き哀愁や知性を伴いながら、プログレッシブドゥームの扉を開けました。
「僕たちは常に変化と進化を第一の目標の一つとして進んできたよ。だから、純粋な続編となるような、似たようなレコードは一つもないはずなんだ。」
PALLBEARER が2017年にリリースした “Heartless” はプログレッシブドゥームのまさに金字塔でした。さながら幾重にも織り込まれた闇のタペストリーが寄り集まるように、繊細で複雑で装飾豊かに設計されたドゥームの聖堂では、その荘厳故に幾度も訪れることを義務付けられたプログとドゥーム、オルタナティブ、そしてクラシカルの宗派を超えた礼拝を司っていたようにも思えます。ただし、真のプログレッシブとは一箇所に留まらず、変化と進化を重ねること。
「僕たちは複雑さや装飾性を自分たちが納得するまで追求してきたんだけど、その領域を離れてもっと広い意味でのエモーショナルなもの、自分たちにとっては違うインパクトのあるものを作りたかったんだ。」
バンドの中心 Joseph D. Rowland は、デビュー作 “Sorrow & Extinction” 製作時に愛する母を失いました。その感情の解放は、10年という時を経て家族をテーマとした “Forgotten Days” に降り注ぐこととなりました。
母の死という喪失が自らをどう変化させ、形成したのか。山ほどの後悔と内省、そして人生における選択の重さをドゥームに認めた作品は、明らかに以前よりダイレクトで、生々しく、そして重苦しく、エモーショナルです。
「僕はね、完全にプログレではなく、完全にAORでもないものにシフトしていったバンドをとても愛しているんだよ。ASIA や80年代の RUSH はまさにその良い例だと思う。」
壮大な組曲の後に素知らぬ顔でポップソングを収録する。クラッシックロックにシンセサイザーや電子の実験を持ち込んでみる。Joseph の言葉を借りれば、プログレッシブから芸術的なやり方で王道に回帰する。過渡期のロック世界に花開いた得体の知れない徒花は、エリック・サティーやグレゴリオ・アレグリといったクラッシックの音楽家と同様に Joseph の内側へと浸透しています。典型からの脱出。そもそもロックとは得体の知れない何かを追い求めることなのかもしれませんね。
実際、これまで交錯した音の樹海を旅してきた PALLBEARER にとって、このレコードは “Asia” であり、”Big Generator” であり、”Moving Pictures” なのかも知れません。オープニングを司る “Forgotten Days” は王道のドゥーム世界へと回帰しながら、即効性と中毒性の高いキャッチーな旋律でリスナーを憂鬱のノスタルジアへと誘います。一方で、KING CRIMSON の “Fallen Angel”, “Starless”, そして “Epitaph” の叙情をドゥームへ繋げた “Silver Wings” はバンドのプログレッシブな哲学を伝えますが、それでも以前より実にオーガニックかつ濃密です。
SUNN O))) や EARTH を手がけた Randall Dunn のアナログでライブ感重視のセンスが、PALLBEARER の新たな旅路のコンパスとなったことは確かでしょう。ハイライトは閉幕の2曲。凍てつくような厳寒に美麗を織り交ぜた “Rite of Passage” では、Brett Campbell が Geddy Lee と Alex Lifeson の一人二役をこなしながらエピックドゥームの進化を提示し、DEPECHE MODE のポストパンクを咀嚼した “Caledonia” を自らの進化の証とするのです。
今回弊誌では、Joseph D. Rowland にインタビューを行うことができました。「YES の楽曲 “Big Generator” には信じられないほどヘヴィーなギターリフが入っているんだ!もちろん、プロダクションの選択やサウンドの中には、今では少し時代遅れと思われるものもあるかもしれないけれど、僕は PALLBEARER とこの曲の間にとても親近感を覚えているんだよ。」 どうぞ!!

PALLBEARER “FORGOTTEN DAYS” : 9.9/10

INTERVIEW WITH JOSEPH D. ROWLAND

Q1: From the Corona crisis to Black Lives Matter, and big climate change, this world is going through a turbulent time right now. And we lost even Eddie Van Halen. First of all, what’s your perspective about the situation?

【JOSHPH】: It’s a tumultuous year, much more than most would have suspected, although a lot of what has caused chaos has been more of an inevitably than sheer chance. The threat of a global pandemic has been looming, and racism and populism has been on the rise quite a bit in the recent past, so while it’s been difficult to deal with the fallout all at once, it was bound to happen at some point. The death of Eddie Van Halen is a quite a blow however.

Q1: コロナ危機から Black Lives Matter、そして気候変動が引き起こす災害と、世界は激動の時を迎えています。そして、私たちは Eddie Van Halen まで失いました…

【JOSHPH】: 今年は本当に波乱万丈の年で、想像していたよりもはるかに多くのことが起こったよね。だけど、混沌とした状況を引き起こした多くの要因は、偶然というよりも必然的なものだったんだ。
世界的なパンデミックの脅威が迫ってきていて、人種差別やポピュリズムも最近かなり増長しているよね。それにしても、エディー・ヴァン・ヘイレンが亡くなるなんて凄くショックで大きな喪失だよ。

Q2: As you can tell from the artwork, “Forgotten Days” seems to be a family-themed album, doesn’t it? While you were working on “Sorrow and Extinction”, Joseph’s mother died.It’s been 10 years since then, but there seems to be a connection between “Forgotten Days” and the first album, would you agree?

【JOSHPH】: Yes, although tied together more through the fabric of reality than a direct connection lyrically. It’s not a follow-up in that sense. Forgotten Days, in part, centers on the locus that influenced the formation of the band, the direction of Sorrow & Extinction and the trajectory that all of that pushed me in during the past decade plus.

Q2: アートワークを見れば、最新作 “Forgotten Days” が家族をテーマとしたものだと想像できます。
デビュー作 “Sorrow And Extinction” は、制作中にあなたの母が亡くなり、その悲しみを投影した作品でした。あれから10年を経て、デビュー作との繋がりを感じられる作品にも思えますが?

【JOSHPH】: そうだね、歌詞の面では直接的なつながりというよりは、実在の織物 (構造的に)で結ばれているという感じだけどね。そういう意味では、単なるフォローアップの作品というわけではないよね。
“Forgotten Days” は、バンドの結成に影響を与えた場所、”Sorrow & Extinction” の方向性、そしてこの10年以上の間に僕を押し進めてきた軌跡を、ある程度は中心にして製作されたと言えるだろうな。

Q3: The lockdown has allowed many of us to spend more time with our families. Oddly enough, was the family-themed “Forgotten Days” also influenced in some way by this pandemic?

【JOSHPH】: No, the album was fully completed and committed to tape well before the pandemic was here. I do think some of the topics and feelings it addresses can be reflected in our current condition, but that’s merely happenstance.

Q3: ロックダウンによって、家族と過ごす時間が増えた人も多いでしょう。皮肉にも、”Forgotten Days” がそういった意味で、このパンデミックに触発された部分はあったのでしょうか?

【JOSHPH】: いや、このアルバムはパンデミックが襲ってくるずっと前に完全に完成していて、テープに収められていたんだよ。扱っているテーマや感情のいくつかは、たしかに現在の状況を反映していると思うんだけど、それは単なる偶然に過ぎなかったんだ。

Q4: The last album, “Heartless”, was the kind of thing we had to listen to over and over again to understand its true value, but “Forgotten Days” is simpler and more immediate, direct, right? What made you change the direction?

【JOSHPH】: We have always made change and evolution one of our primary goals. There should be no two records that constitute a pure sequel to another. We pursued the intricacy and ornamentation of Heartless and its follow-up standalone singles to the ends that satisfied us, and we wanted to make something that shifted the focus away from those facets to something more broadly emotional, and to us, something that had a different sense of impact. We wanted to make a record that was a hybrid of our live sound mingled with a production that conveys a raw and warped nostalgia, in line with the lyrical mood of the record.

Q4: 前作 “Heartless” は何度も聴き返して、はじめてその真の価値を理解できるようなアルバムでしたよね? 対して “Forgotten Days” は、よりシンプルで即効性があり、もっとダイレクトなアルバムだと感じました。方向性は確実に変化していますよね?

【JOSHPH】: 僕たちは常に変化と進化を第一の目標の一つとして進んできたよ。だから、純粋な続編となるような、似たようなレコードは一つもないはずなんだ。
“Heartless” とそれに続く “Dropout”, “Atlantis” といった単体シングル曲において、僕たちは複雑さや装飾性を自分たちが納得するまで追求してきたんだけど、その領域を離れてもっと広い意味でのエモーショナルなもの、自分たちにとっては違うインパクトのあるものを作りたかったんだ。
だからこのレコードの歌詞のムードに沿いながら、ノスタルジアを伝える生々しく歪んだプロダクションと、僕らのライブサウンドが混ざり合ったハイブリッドなレコードを作りたかったんだよね。

Q5: The 12-minute “Silver Wings” is my favorite. The sad outro melody reminds me of King Crimson’s “Epitaph”. In fact, you are sometimes described as progressive doom, but actually, bands like King Crimson, Uriah Heep, and Magma back then had a lot of points in common with today’s doom, would you agree?

【JOSHPH】: Yes, that section was certainly influenced by King Crimson among other things. I agree with your statement, and personally, those bands are constant sources of inspiration to us, much more than anything from the modern era.

Q5: 12分のエピック “Silver Wings” は一番のお気に入りですよ。哀しいアウトロのメロディーは、KING CRIMSON の “Epitaph” を想起させますね。PALLBEARER はしばしばプログレッシブドゥームなどとも形容されますが、当時の KING CRIMSON, URIAH HEEP, MAGMA といったプログやハードロックバンドには、現在のドゥームやゴスに通じる仄暗さを抱えたバンドが少なくありませんでしたよね?

【JOSHPH】: そうなんだ。あのセクションは間違いなく、とりわけ KING CRIMSON から影響を受けているよね。君の挙げたバンドはたしかに現在のドゥームに通じている部分があると思う。
そして重要なのは、個人的に僕は今日のどんなバンドより遥かに大きなインスピレーションを、そういったバンドから継続的に得ていることなんだ。

Q6: On the other hand, I’ve always wondered why Joseph likes Asia and 80’s Yes, 80’s Rush. I read something about it, because Joseph wasn’t allowed to listen to much metal as a kid. Anyway, I thought “Forgotten Days” is the 80’s prog rock for Pallbearer. It’s really catchy, direct but firmly twisted. Do you think there’s a similar spirit flowing through this album to, say, “90125” or “Moving Pictures”?

【JOSHPH】: I do have a great love for the bands who shifted into something not quite prog, not quite AOR. Asia, and 80s Rush are a great example of that. Obviously, Asia was a band filled with musicians who had tenure in some of the most important progressive rock bands. I find their transition to writing songs with a somewhat more traditional structure to be very compelling and still done very artfully. Another example, the Yes song ‘Big Generator’ has unbelievably heavy guitar riffs in it! Of course some of the production choices and sounds may be perceived as a bit dated now but I have quite an affinity for it.

Q6: 一方で興味深いのは、あなたが ASIA や80年代の RUSH, YES を敬愛している点なんです。
奇しくも、キャッチーで即効性がありながら、不思議と捻くれているという意味では、”Forgotten Days” は PALLBEARER にとっての “90125” や “Moving Pictures” とも読み取れます。

【JOSHPH】: 僕はね、完全にプログレではなく、完全にAORでもないものにシフトしていったバンドをとても愛しているんだよ。ASIA や80年代の RUSH はまさにその良い例だと思う。
明らかに、ASIA はいくつかの最も重要なプログレッシブロックバンドに在籍していたミュージシャンで満たされたのバンドだったよね。彼らはより伝統的で王道な構造の曲を書くようになったんだけと、非常に説得力があるやり方で、それでも実に芸術的に行われていると思うんだよね。
もう一つの例を挙げると、YES の楽曲 “Big Generator” には信じられないほどヘヴィーなギターリフが入っているんだ!もちろん、プロダクションの選択やサウンドの中には、今では少し時代遅れと思われるものもあるかもしれないけれど、僕は PALLBEARER とこの曲の間にとても親近感を覚えているんだよ。

Q7: I said direct earlier, Randall Dunn is a producer with a penchant for analog recording. Was that part of the reason why you chose him?

【JOSHPH】: There was no specific technique in his arsenal that we were after, just his philosophical approach and our rapport from having worked together in both the live setting with him doing sound for us, and mixing several of our singles post-Heartless. We felt like it was time to do a whole record together.

Q7: プロデューサーに起用した Randall Dunn はアナログレコーディングに拘りがある人物です。先程、ダイレクトと言いましたが、そういった部分も彼を選んだ理由なのでしょうか?

【JOSHPH】: 特に彼の持っている技術をアテにしていた訳じゃないんだ。ただ、彼の哲学的なアプローチと、彼がライブでサウンドを担当してくれたことや、”Heartless” の後のシングルをいくつかミキシングしてくれたことからの信頼関係があっただけなんだ。一緒にレコードを作る時が来たと感じたんだよ。

Q8: For the metal kids of the 90s, Peaceville Records’ Anathema, Paradise Lost, My Dying Bride, and Opeth was a god. Unfortunately, Anathema has gone on hiatus, but the other three are now your labelmates. Could you talk about what you’ve inherited from them?

【JOSHPH】: Yes. The sense of mournful melody through guitar harmony, particularly that of My Dying Bride is the primary inheritance.

Q8: 90年代に育ったメタルキッズにとって、ANATHEMA, PARADISE LOST, MY DYING BRIDE, そして OPETH といった Peaceville のロースターは神でした。奇しくも PALLBEARER は現在、Nuclear Blast で彼らの多くとレーベルメイトですよね?

【JOSHPH】: そうだね。ギターハーモニーに交わる哀愁漂うメロディのセンス、特に MY DYING BRIDE のそれを僕たちは最も受け継いでいると言えるね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED JOSEPH’S LIFE

POPOL VUH “COEUR DE VERRE”

SAINT VITUS “DIE HEALING”

RWAKE “IF YOU WALK BEFORE YOU CRAWL, YOU CRAWL BEFORE YOU DIE”

KING CRIMSON “RED”

FLOOR “FLOOR”

MESSAGE FOR JAPAN

I can’t wait until the day we can visit Japan again. Our short time there in 2015 was one of my most memorable experiences in this band, and in my life. I hope that it can happen again soon!

また日本を訪れる日が待ちきれないんだ。2015年に日本で過ごした短い時間 (Daymare Recordings 招聘) は、このバンドにおいて、そして人生においても、僕にとっては最も思い出深い経験の一つなんだよ。近い将来、また日本でのライブが実現しするといいな!

JOSEPH D. ROWLAND

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SCARDUST : STRANGERS】SONIC STARDUST FROM ISRAEL


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SCARDUST !!

“The Name Holds Two Opposites. The Scar Dust Is The Trauma, It Is Ugly And It Hurts. But When You Join Both Words Together It Sounds Like Stardust, Which Is Something Ethereal And Beautiful.”

DISC REVIEW “STRANGERS”

「イスラエルには小さいながらもとてもパワフルで、最高のメタルバンドが集まっているのよ。ORPHANED LAND, WALKWAYS, SUBTERRANEAN MASQUERADE といった有名なバンドは氷山の一角に過ぎないの。」
米国と欧州、そして中東の交差点イスラエル。時に火薬庫にもなり得る複雑なその地で、音を宗教とするアーティストたちは、現実社会よりも容易に文化間の距離を縮めています。
デビューフル “Sands of Time” があの Prog 誌から “Extraordinary” という絶賛を浴びた SCARDUST も、イスラエルが生んだ極上の架け橋の一つ。世界に散らばるインスピレーションの結晶を集めながら、プログメタル無限の可能性を追求していくのです。
「僕はシンフォニックメタルというのは、プログロックの歴史を紐解けばその延長だと考えることが出来ると思っているんだ。」
バンドの専任コンポーザー、アレンジャー Orr Didi は、クラッシックとロックの甘やかな婚姻から始まったプログロックの起源が、現在のシンフォニックメタルへと続いている、そう主張します。実際、SCARDUST の音楽は荘厳なクワイアやストリングスのクラシカルな響きを抱きしめながら、メタルに宿るアグレッション、複雑な不合理、そしてテクニックの洪水をもしっかりとその身に受け止めているのです。
「優れたテクニックを持つことは、このジャンルには不可欠な要素だと思っているの。」
中でも、驚異的なハイトーンからグロウル、ラップにスキャットまで、ありったけの情趣を注ぎながら自由を謳歌する Noa Gruman の千変万化な詩情はあまりに独特に、楽曲の表情をコントロールしていきます。
実際、Russell Allen と Floor Jansen, そして Whitney Huston がディズニーの魔法で溶け合ったその歌の万華鏡は、JINJER の Tatiana Shmaylyuk に匹敵するほどユニークを極め、”テクニックとは肉体的なプロセスでありながら、心、身体、魂、表現を一つに結びつけ、感情的な側面を最終的な形に持っていくことを目的としているんだ” のギタリスト Yadin の言葉を実践しています。
「イスラエルに最高のオーディエンスがいることは確かなんだけど、その人数は決して多くないから母国よりも遠く遠く離れた世界を対象に音楽を演奏し、作らねばならないと理解しなきゃいけないんだよ。それがある意味もどかしい部分ではあるんだけどね。」
アートとエモーションの粋を極めた絶佳のメタルオペラを創造していながら、母国以外での活動に力を入れなければバンドを維持できないもどかしさ。その中で感じた疎外感や孤独は乗り越える野心を伴って最新作 “Strangers” へと投影されました。
散りばめられた楽曲の断片を組み込みながら驚異のテクニックでレコードへと導く “Overture For The Estranged”。そこから描かれる10曲のプログメタルドラマは、DREAM THEATER や SYMPHONY X の迷宮組曲に EPICA や NIGHTWISH のシンフォニーを集成した新世界。興味深いことに、その10曲はそれぞれが対になるパートナー曲を有して、5つの魅惑のストーリーを裏と表から語り尽くしていくのです。
ORPHANED LAND を手がけた Yonatan Kossov と Jens Bogren のプロダクションチームも、ドイツのハーディーガーディー奏者 Patty Gurdy も、40人の学生コーラス隊も、ダンスを誘う煌びやかなアンサンブルも、すべてはこの耽美でしかしゴージャスなメタル交響曲を嫋やかに彩ります。特に、SYMPHONY X から LANA LANE へとバトンが渡る “Tantibus Ⅱ” の扇情力は筆舌に尽くしがたい秘宝。
今回弊誌では、Noa, Yadin, Orr の3人にインタビューを行うことが出来ました。「SCARDUST には2つの相反するものが込められているの。スカーとダスト (傷の結晶) はトラウマで、醜くて痛いわよね。だけどこの2つの言葉を一緒にすると、スターダストのように聞こえて、それはエセリアルで美しい何かへと変化するのよ。」 どうぞ!!

SCARDUST “STRANGERS” : 10/10

INTERVIEW WITH SCARDUST

Q1: First of all, could you tell us how you found and got into metal/prog music in Israel, a country where metal is not so popular, maybe?

【NOA】: I started listening to Metal around the age of 15, with a group of friends. It was like a community, and without social media in our lives, I didn’t know about anything else outside of this group. We listened to bands like Metallica and System of a Down. This led me to discover Progressive Metal, with bands like Dream Theater and Symphony X, and I immediately fell in love with the genre. I was drawn to the endless possibilities of what you can do and the fact that there are no limits to the music. At the time, I didn’t even know about any Metal or Prog Metal scene in Israel, it felt to me like I have my own world that others are not a part of, and as a quirky teenager, I kind of liked it!
It was only years later when I discovered the Metal community here in Israel. It is small indeed, but very powerful, and filled with some of the best bands out there. Orphaned Land, Walkways, Subterranean Masquerade are only the tip of the iceberg.

【YADIN】: For me it started with Linkin Park and Guns n’ Roses as i started playing the guitar. Then it led to a brief period of Metallica, Iron maiden and SOAD.
One day, a good friend of mine introduced me to Dream Theater… and since then it’s all history and “practice your instrument” in order to try and recreate that magical sounds i’ve heard.

Q1: イスラエルにはそこまでメタル大国という印象はありません。そういった地で、どうやってメタル/プログと出会い、ハマっていったのですか?

【NOA】: メタルを聴き始めたのは15歳くらいの頃で、友達のグループの中で聴いていたの。それはコミュニティのようなもので、当時私たちの生活にはソーシャルメディアがなかったから、このグループ以外については何も知らなかったの。METALLICA や SYSTEM OF A DOWN のようなバンドを聴いていたわね。それがきっかけで、DREAM THEATER や SYMPHONY X のようなプログレッシブメタルを発見し、すぐにこのジャンルに惚れ込んだの。自分ができることの無限の可能性と、音楽に限界がないという事実に惹かれたのよ。当時、イスラエルでメタルやプログのシーンを知らなかった私には、他の人が知らない自分だけの世界があるように感じられたし、風変わりなティーンエイジャーだった私はその状況が好きだったの。
イスラエルのメタル・コミュニティを発見したのは、それから数年後のことだったわ。小さいながらもとてもパワフルで、最高のバンドが集まっているのよ。ORPHANED LAND, WALKWAYS, SUBTERRANEAN MASQUERADE といった有名なバンドは氷山の一角に過ぎないの。

【YADIN】: 僕は LINKIN PARK と GUNS N’ Roses を聴いてギターをはじめたんだ。それから程なくして、IRON MAIDEN, SYSTEM OF A DOWN, METALLICA といったバンドにハマっていったね。
そしてある日、親友の1人が DREAM THEATER を教えてくれたんだ…それからは、あの魔法のサウンドに挑戦し、再創造するため楽器を練習し続ける日々さ。

Q2: How did Scardust come to be? Where did your band name come from?

【NOA】: Around 2013, my dear friend Orr Didi and I, decided to dedicate some time to writing a big project together. We both knew it had to be Progressive Metal, and so we came up with a 60 minutes long Prog-Opera written for a Metal band, an orchestra, 3 choirs and 3 lead singers. In 2014 when we finished writing it, we started looking for musicians and this is when Yoav Weinberg (drummer) and Yanai Avent (bassist) joined the picture. We tried playing the opera together, but shortly realized that this project is more than a young band like us, with no resources, could chew. And so by the ending of 2014 we ditched the project and wrote a new one, fitting and tailored for the band, found Yadin Moyal (guitarist) and Lior Goldberg (former keyboardist), and recorded our first EP – Shadow. It was released in early 2015, and this is when Scardust was officially born.
The name holds two opposites. The scar dust is the trauma, it is ugly and it hurts. But when you join both words together it sounds like Stardust, which is something ethereal and beautiful.

Q2: 印象的なバンド名ですね? SCARDUST 結成の経緯を教えていただけますか?

【NOA】: 2013年頃、親愛なる友人 Orr Didi と私は、一緒に書き大きなプロジェクトを始めることに決めたの。そのプロジェクトがプログレッシブメタルであるべきことはわかっていたから、メタルバンド、オーケストラ、3人のクワイア、3人のリードシンガーのための60分のプログオペラを思いついたのよ。
2014年にこのオペラを書き終え、ミュージシャンを探し始めたんだけど、Yoav Weinberg(ドラマー)とYanai Avent(ベーシスト)がすぐに加わったの。私たちは一緒にオペラを演奏しようとしたんだけど、すぐにこのプロジェクトは私たちのようなリソースのない若いバンドでは咀嚼しきれないほどのものだと気付いたのよ。
そして2014年の終わりまでに、私たちはプロジェクトのかたちを捨て、バンドに合った新しいマテリアルを書いて、 Yadin Moyal (ギタリスト) と Lior Goldberg (前キーボーディスト) を見つけ、初のEP “Shadow” をレコーディングしたの。それは2015年初頭にリリースされ、これが正式に SCARDUST が誕生した瞬間と言えるわね。
この名前には2つの相反するものが込められているの。スカーとダスト (傷の結晶) はトラウマで、醜くて痛いわよね。だけどこの2つの言葉を一緒にすると、スターダストのように聞こえて、それはエセリアルで美しい何かへと変化するのよ。

Q3: What’s the hardest part of being in a metal band in Israel and Middle East?

【YADIN】: I think it’s as hard as any other country with non-metal mainstream music, which is the vast majority in this day and age.
The main part of the so called “struggle” is to knowingly play and make music aimed far far away and less for your home country (By quantity) although we have THE BEST audience here in Israel.

Q3: イスラエルや中東地域でメタルバンドとしてやっていく上で、苦労することは何ですか?

【YADIN】: まあイスラエルではというか、現代の多数派であるメインストリームの音楽が幅を効かせる他の国も同じだと思うけど、メタルでやっていくのは難しいよね。
イスラエルに最高のオーディエンスがいることは確かなんだけど、その人数は決して多くないから母国よりも遠く遠く離れた世界を対象に音楽を演奏し、作らねばならないと理解しなきゃいけないんだよ。それがある意味もどかしい部分ではあるんだけどね。

Q4: Regarding Middle East, I’ve had interviews with bands like Orphaned Land and Myrath. They were very oriental in their music, sometimes incorporating Middle eastern folk instruments, but you guys are more European metal, right?

【NOA】: There are definite folk European inspirations in our music. I was raised in Israel but my family has roots in Europe, and is also very musical. When I was a child we used to sing and play French, British, Irish, Russian, and more music together, plus listen to a lot of European classical music, so I guess it sank in.
That being said, we draw inspiration from everything we like. Among other things, one can find some hidden Middle Eastern inspiration gems in the music as well.

Q4: 中東のバンドといえば、弊誌でも ORPHANED LAND や MYRATH といったバンドにインタビューを行ってきました。彼らはオリエンタルな要素や、中東の伝統楽器を積極的に取り入れていましたよね?あなたたちはもっとヨーロピアンなテイストを主張していますよね?

【NOA】: 間違いなく、私たちの音楽にはヨーロピアンフォークからのインスピレーションが存在するわね。私はイスラエルで育ったんだけど、家族のルーツはヨーロッパにあるの。とても音楽的な家族でね。だから子供のころは、家族でフランスやイギリス、アイルランドにロシアの音楽を一緒に歌い演奏していたのよ。ヨーロッパのクラッシックも沢山聴いていたわね。だからそうやって、あの場所の音楽に浸っていたんだと思うわ。
まあ、言ってみれば私たちは好きなもの全てからインスピレーションを得ているんだろうね。私たちの音楽に、隠れた中東のインスピレーションを見出す人だっているんだから。

Q5: Many metal fans may think that symphonic metal lacks technique and aggression, and prog metal lacks melody, but Scardust’s music covers both, best of both worlds, would you agree?

【ORR】: Thank you! I’m glad you see it this way. I often take a more literal view than most on Symphonic Metal as well as a more historical view on Prog. In its origin, progressive rock is a combination between classical music (a very wide definition) and rock music. I like to think of progressive metal in the same way, but with a wider range of aggressiveness in all aspects of the music. When you look at it this way, choirs and orchestral instruments are a natural addition, as they have been a part of many traditions of classical music for a while, and technical “shredding” on them has been going on since the days of Tchaikovski (like in the Romeo and Juliet Overture) and maybe even before. Many bands choose to put emphasis on different elements. For example, in many cases these instruments’ parts have been minimized or never written in order to give the performers space to improvise. In others there was just not enough space in the mix. Many bands have used them well (Dream Theater: Six Degrees of Inner Turbulence, Symphony X: The Odyssey). As for the melody in Prog, it’s the same as in classical music. Some Prog songs like Home by Dream Theater or Comfortably Numb by Pink Floyd have very catchy melodies, while some others are more inspired by 20th century classical music and include more textural and less melodic content. Those even exist in the same albums as the pieces mentioned above! Also, prog has many great bands who make brilliant music but put less emphasis on technique like Seventh Wonder, IQ, or Porcupine Tree.

Q5: シンフォニックメタルにはテクニックやアグレッションが、プログメタルにはハーモニーやメロディーが足りないと感じているメタルファンも多いでしょう。SCARDUST は両方のいいとこ取りのようなバンドだと感じています。

【ORR】: ありがとう!その見解は嬉しいね。僕はシンフォニックメタルというのは、プログロックの歴史を紐解けばその延長だと考えることが出来ると思っているんだ。
プログレッシブロックのその起源は、クラシック音楽(非常に広い定義)とロック音楽の融合だったよね。僕はプログレッシブメタルも同じように考えているけれど、音楽のあらゆる面でのアグレッシブさの幅を広げているから好きなんだ。
こう考えると、クワイアやストリングスはクラシック音楽の伝統の一部だからプログメタルに自然に加えられるべきもので、テクニカルなシュレッドだってチャイコフスキーの時代から(ロミオとジュリエットの序曲のように)いやおそらくそれ以前から行われていたんだよね。
ただプログメタルにおいて多くのバンドは、異なる要素に重点を置くことを選択しているね。例えば、演奏者が即興で演奏できるようにするために、楽器のパートは最小限に抑えられていたり、書かれていなかったりすることもある。また、クラッシックと即興の融合のために十分なスペースがなかったというケースもある。それでも、DREAM THEATER の “Six Degrees of Inner Turbulence” とか SYMPHONY X の “The Odyssey” みたいに上手くやっているバンドもいるよね。
プログロックのメロディに関しては、クラシック音楽にあるものと同じだろう。DREAM THEATER の “Home” や PINK FLOYD の “Comfortably Numb” みたいなプログ曲には非常にキャッチーなメロディがあるけど、一方で20世紀のクラシック音楽にインスパイアされたものもあって、そういう楽曲ではより質感を重視してメロディは少なくなっているよね。両方の趣向が同じアルバムに収録されていることもあるんだから!また、プログには、SEVENTH WONDER や IQ、PORCUPINE TREE のように、テクニックを重視せずに素晴らしい音楽を作っている最高のバンドだってたくさんいるんだよ。

Q6: Still, you all have great technique, including the incredible range of Noa’s vocals, don’t you? What musicians have influenced you?

【NOA】: Thank you! We believe that having good technique is an integral part of the genre. Singing wise, I got influenced by the powerful voices of amazing Metal singers like Russell Allen and Floor Jansen, the perfect technique and soulful approach of 90s divas like Whitney Huston and Mariah Carey, and the subtleness of the Disney princesses I grew up on.

【YADIN】: Technique is a different word for ability in that manner. And in our kind of music, you need plenty of it.
More so, practicing and polishing your craft – while it’s a physical process, it connects mind, body, soul and expression to one being aimed at bringing the emotional aspect to its final form. Practice makes you a better person with discipline and respect for the instrument and other fellows practitioners.
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Q6: Noa の驚異的なボーカルレンジをはじめ、メンバーはテクニシャン揃いですね。どういったミュージシャンから影響を受けて来たのでしょう?

【NOA】: ありがとう!良いテクニックを持つことは、このジャンルには不可欠な要素だと思っているの。
歌に関しては、Russell Allen や Floor Jansen のような素晴らしいメタルシンガーのパワフルな声、Whitney Huston や Mariah Carey のような90年代歌姫の完璧なテクニックとソウルフルなアプローチ、そして私が育ったディズニープリンセスの繊細さに影響を受けているのよ。

【YADIN】: テクニックというのは、そういう意味では能力とは別の言葉だよね。僕たちの音楽にはそれがたくさん必要なんだ。
テクニックとは肉体的なプロセスでありながら、心、身体、魂、表現を一つに結びつけ、感情的な側面を最終的な形に持っていくことを目的としているんだ。練習は君をより良い人間にし、楽器や他の練習者への敬意と規律を持った人間にしてくれるからね。

Q7: The band seems to have a full-time composer. So, you are an outstanding storyteller, right? “What was the story behind “Strangers”?

【ORR】: I am the band’s full time Arranger. As for the composition, me and Noa wrote the music together so she would be as suitable to tell you about it as I am, and she would tell you that there isn’t a story, but five different ones! The album is written in both theme and variations and arch form, two classical forms combined. That’s why every song on the album has a parallel song on the other side of it, a song that shares its story, sound, atmosphere, lyrical and musical themes, and other elements. They all deal with different ways of being estranged, each pair from two sides of a single coin.

Q7: 楽器を演奏しない専任のコンポーザーを抱えるバンドはなかなか珍しいですよね。故にストーリーテラーとしての深みが増しているのではないでしょうか?

【ORR】: 僕はバンドの専任アレンジャーなんだ。作曲に関しては、僕と Noa が一緒に曲を書いているから、彼女も僕と同じように話をするのに適していて、「ストーリーは一つじゃなく、5つの異なる物語があるの!」と言ってくれるはずさ。
このアルバムは、テーマと変奏の両方で書かれていて、2つのクラシカルな形をアーチ型に組み合わせたものなんだ。だからアルバムに収録されているすべての曲には、その向こう側に並行する曲があって、ストーリー、サウンド、雰囲気、歌詞や音楽的なテーマ、その他の要素を共有する曲が存在するんだ。いずれも、それぞれのペアがワンコインの表裏一体となり、さまざまに “Strangers” 疎外されることについてを扱っているんだよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED SCARDUST’S LIFE

NIGHTWISH “ONCE”, SYMPHONY X “V-THE NEW MYTHOLOGY SUITE”, “SHALMO GRONICH & THE SHEBA CHOIR”, QUEEN “A NIGHT AT THE OPERA”, HADORBANIM “KOBI”

(NOA)

DREAM THEATER “SCENES FROM A MEMORY”, “IMAGES AND WORDS”, TEXTURES “SILHOUETTES”, SYMPHONY X “THE DIVINE WINGS OF TRAGEDY”, THE FACELESS “AUTOTHEISM”

(YADIN)

DREAM THEATER “SIX DEGREES OF INNER TURBULENCE”, SYMPHONY X “THE ODYSSEY”

(ORR)

MESSAGE FOR JAPAN

I heard you have a beautiful country with an amazing culture, and I can’t wait for this mess to be over so we can come visit, and hopefully also play some shows! Thank you for having us here, and stay safe, Noa.

We are eager to visit Japan. Its one of the most interesting places for me to visit. From the culture to history and from sushi to mochi! We’ll meet you there one day for sure !!! Yadin.

日本は美しい国で素晴らしい文化を持っていると聞いているわ。このコロナの混乱が終わるのが待ちきれないの。そうすれば日本を訪れ、ライブが出来るかもしれないから!ありがとう、Stay safe! Noa

日本にぜひ行ってみたいんだ!文化から歴史、寿司から餅まで、僕にとって最も興味深い場所の一つだから!いつか日本で会おうね!!Yadin

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【GARGOYL : GARGOYL】WHEN GRUNGE AND PROG COLLIDE


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DAVE DAVIDSON OF GARGOYL !!

‘For Me a Band Like Alice In Chains Does Have Progressive Edge To Them Even Though They’re Considered Grunge. They Definitely Weren’t Just Taking a Radio Rock Approach, They Always Had Something New To Say With Every Album.”

DISC REVIEW “GARGOYL”

「僕はこのプロジェクトを自分の中にある別の影響を吐き出す場所にしたかったんだ。普段、僕がかかわっている音楽から離れてね。そうすることで、アーティストとしての別の一面を表現することができるから。」
前身バンドも含め、ボストンの名状しがたきデスメタル REVOCATION で2000年から活動を続ける Dave Davidson は、究極に複雑なリフ、慄くようなスクリーム、そしてブラストの嵐の中で20年を過ごしてきました。つまり、自らの全てをエクストリームメタルへと捧げることで、シーン随一のギタープレイヤーという威名を得ることとなったのです。DEATH や CYNIC の正当後継者、魂の継承は彼にこそ相応しい。ただし、それは Dave という多面体の音楽家にとってほんの一面にしか過ぎませんでした。
「自分たちが影響を受けたものにオマージュを捧げたいという気持ちはあったと思うけど、それは自分たちのやり方でやる必要があったんだ。 俺たちは過去を振り返るバンドになろうとしているのではなく、影響を受けてそれを発展させることができるバンドになろうとしているからね。」
AYAHUASCA のギター/ボーカル Luke Roberts を巻き込み立ち上げた新たなプロジェクト GARGOYL で、Dave は自らが多感なスポンジだった90年代の音景を、培った20年の発展を注ぎながら再投影してみせました。グランジ、ゴス、オルタナティブ。具体的には、ALICE IN CHAINS や FAITH NO MORE の面影を、Dave らしいプログレッシブやジャズの設計図で匠のリフォームの施したとでも言えるでしょうか。ALICE IN CHAINS + OPETH, もしくは MARTYR という評価は的を得ているように思えますし、プログレッシブ・グランジという Dave が失笑したラベルにしても、少なくとも作成者の苦悩と意図は十分に伝わるはずです。
「間違いなく、僕たちは全員が ALICE IN CHAINS から大きな影響を受けていると言えるね。そうは言っても、Luke は間違いなく非常にユニークなアプローチを行なっているし、彼は本当に個性的になろうと努力しているんだよ。」
Luke を乗船させたのは明らかに大正解でした。ALICE IN CHAINS の神々しき暗闇が、Layne Staley の絶望を認めた絶唱とギタリスト Jerry Cantrell の朴訥な背声が織りなす、音楽理論を超越した不気味で不思議なハーモニーにより完成を見ていたことは間違いありません。そしてアルバム “Gargoyl” が荘厳極まる “Truth of a Tyrant” のアカペラハーモニーで幕を開けるように、Luke の声によって GARGOYL は、ALICE IN CHAINS の実験をさらに色濃く推し進めているのです。
「僕にとってクラシック音楽やジャズは超ヘヴィーなものなんだよ。不安や実存的な恐怖を呼び起こす緊張感、クライマックスでその緊張感を解消した時のカタルシスや爆発的な解放感など、曲の中にテンションを生み出すことで得られる攻撃性やアティテュードがね。」
実際、”Gargoyl” はブラストやグロウルに頼らなくとも重さの壁を超えられることの証明でもあります。不協和なドゥーム、不規則なアシッドトリップに潜みそそり立つ美麗なる聖堂。LEPROUS にも通じるそのコントラストこそ、真なるヘヴィー、真なるプログレッシブを導く鍵であり、メタルがグランジを捕食した気高き勲章なのかも知れませんね。
今回弊誌では、Dave Davidson にインタビューを行うことが出来ました。「僕にとって ALICE IN CHAINS のようなバンドは、グランジと言われていてもプログレッシブなエッジを持っているんだよ。Jerry Cantrell のソロは特に派手ではないし、夥しいわけではないんだけど、僕ははずっと愛してきた。彼はまた、ユニークなリフを生み出す優れた耳を持っていたしね。とにかく、彼らはただラジオ・ロック的なアプローチを取っていたわけでは全くない。どのアルバムでも常に新たな挑戦に挑んでいたんだ。」  二度目の登場。どうぞ!!

GARGOYL “GARGOYL” : 10/10

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A LISTENER’S GUIDE TO KRALLICE’S COLIN MARSTON & NYC AVANT-METAL SCENE


A LISTENER’S GUIDE TO KRALLICE’S COLIN MARSTON & NYC AVANT-METAL SCENE

“Undoubtedly NYC Avant-metal Scene Is One Of The Best, But That’s Almost a Technicality Because New York City Is The Densest, Most Diverse Blob Of Humans Probably On The Planet. So Everything That Benefits From a Lot Of People And a Lot Of Variety Is Going To Benefit.”

WARR GUITAR, MENEGROTH, AND NYC

ニューヨークの怪人という呼称は、Colin Marston にこそ相応しいでしょう。14弦まで豊富なバリエーションを持ち、ベースとギターの両義性を有する愛機 “Warr Guitar” は、Colin が語る NYC の個性と多様性を体現した楽器にも思えます。さらに、鍵盤からドラムス、ノーマルなギター、ベースを操るマルチな才能にまで恵まれた Colin の活躍はまさに八面六臂。
「僕が Warr Guitar を手に取ろうと思ったのは、1996年に Trey Gunn と Tony Levin が KING CRIMSON でプレイするのを見たからなんだ。」
前回のインタビュー で Colin はそう語ってくれました。高校のころ、バンドメイトの父親から KING CRIMSON を教わった Colin は、再結成した彼らのライブに赴き衝撃を受けました。当然、Colin は Trey と Tony がチャップマンスティックという10, 12弦の異質をタッチしベースとギターの狭間を演出することは知っていましたが、Trey はすでに Warr Guitar という怪物に乗り換えていたからです。
「この楽器の両義性も重要なポイントだよ。ベースであり、ギターであり、その両方かもしれないんだから。いつだってこのギターのような、しかし幅広いレンジを持つ楽器を楽しんでいるよ。ギターの領域では低音弦だけチューンダウンしているんだ。そしてベースは究極に低音とハイストリングスをプレイしているよ。Warr Guitar の魅力は何と言ってもこのレンジの広さなんだ。同じ音域だけで楽曲やアルバムを構成するのは本当に退屈だからね。」
チャップマンスティックが文字通りスティックであるのに対して、Warr Guitar はギターとベースをその体躯に宿すキメラ。幅広いオクターブレンジでギターとベース、リズムとリードを同時にフォロー可能、特徴的なボイシング。新進気鋭の若き Colin Marston にとって、この楽器は壮大な音楽的空想を実現する鍵でした。
実は、メタル、プログはもちろん、フォーク、スムースジャズ、アヴァンギャルドと Warr Guitar が織りなす世界は驚くほど広く多様です。ただし、完全にカスタマイズ可能な新品は50万円以上、さらに製作者は癌を患い現在新規のオーダーを受け付けていません。門戸は狭いながら、こういった奇妙な楽器によって既存の音楽が再構築されることは必要不可欠な新陳代謝でしょう。
カナダが産んだプログレッシブデスメタルの魔境 GORGUTS に所属しながら、盟友 Mick Barr と立ち上げた超個性的ブラックメタル集団 KRALLICE をはじめ、GORGUTS の Kevin Hufnagel と探索するリフ迷宮 DYSRHYTHMIA、インストカルト BEHOLD…THE ARCTOPUS, 実験的ソロプロジェクト INDRICOTHERE と数多の奇々怪界でニューヨークのアヴァンメタルを牽引する主役の顔もまた一つ。
「NEUROSIS のアルバムを1枚選ぶのはとても難しかったね。所謂プログレバンドではなく、真の意味でのプログレッシブなロックバンドだよ。重要な違いだね。僕の中で、”The Word as Law” は最も成功したハードコアとメタルの融合だと言えるね。ただ何よりも最高にユニークな音楽だよ。ベースはA+の仕事をしているし、シンプルなパンクと複雑でエピカルなメタルがこのレコードで最高の”和解”をしたと言えるかもしれないね。」
特に、前回のインタビューでこう言って崇拝を露わにしていた NEUROSIS の Dave Ed をアルバムに招待し、ブラックメタルだろうがなかろうが全員のクリエイティブな精神を集結しながらメタルを未知の領域へと導く KRALLICE の重要性はこれまで以上に語られるべきでしょう。
一方で、ARTIFICIAL BRAIN, LITRUGY, KAYO DOT, EAST OF THE WALL, WOE, DEFEATIST, CASTEVET, PYRRHON, IMPERIAL TRIUMPHANT といったメタルの先鋭を象徴する NYC の百鬼夜行も、Colin が所有する Menegroth スタジオから彼の手によって発進しているのです。
「疑いようもなく最高のシーンの一つ。それは当然なんだ。なぜならニューヨーク市はおそらく地球上で最も高密度で最も多様な人間の塊だから。だから、誰もが多くの人々と多くの多様性から受けるべくして恩恵を受けていると言えるね。大都市なら同じ状況になるだろうけど、NYC は特別多様で国際的だからね。」
様々な文化や発言に触れることこそ人類の強み。それは世界に蔓延る分断の嵐とはすっかり真逆の考え方で、音楽やストーリーに多様性を認めるモダンメタルのスピリットそのもの。だからこそ、Colin の元には仕事のオファーが舞い込み続けるのでしょう。
このコロナ禍の中でも Colin は粛々とリリース&プロデュースを続けています。その膨大なアーカイブから、近年の重要作10枚について自身の言葉で語ってくれました。
「ワーカホリックという言葉は完全に間違いというわけではないんだけど、僕は作曲やレコーディングを本当に楽しんでいるからね。ワーカホリックってネガティブな響きがあるんだけど、僕は音楽制作に全くそういった感情は抱いていないんだ。
時々はもっと音楽以外にも興味の対象が広がればいいのにとも思うんだけどね…だけど僕にとって音楽は未だに広大で無限の奥行を備えているんだ。だから今でも惹き込まれ続けているのさ。」

COLIN TALKS ABOUT HIS RECENT WORKS

1. KRALLICE “MASS CATHEXIS”

this is the album we worked on mostly between 2018 and spring 2020. it was originally supposed to include 4 other songs, but in the interest of the album not taking forever to finish and then being too long to digest, we cut 2 songs, and then 2 more (although those 4 songs will now just form the core of our next album). i think this album features the most variety of any Krallice release, and although it features only one song “written” by me (the title track), i had more of a hand in the arrangement and drum writing than ever before. McMaster also contributed the most material to this out of any Krallice record. it was awesome to have Dave Ed back (since he wasn’t on GBF or Wolf).

このアルバムは俺たちがほぼ、2018年から2020年の春までに製作した作品だ。もともとは、別の4曲を収録するはずだったんだけど、アルバムの完成に時間がかかりすぎたり、収録時間が長くなりすぎるといった理由で2曲をまずカットし、それからさらに2曲を削ったんだ。だけどその4曲は次のアルバムの核となるものだよ。
俺は “Mass Cathexis” は KRALLICE のアルバムでも最もバラエティーに富んでいると思っている。ただ、俺はこの作品ではタイトルトラック一曲しか書いていないんだけどね。今回はそれよりも、アレンジメントやドラムのパートを書くことに注力したんだよ。Nicholas McMaster がどの作品よりも多くのマテリアルで貢献してくれたね。”Go Be Forgotten”, “Wolf” にはいなかった Dave Edwardson (NEUROSIS) が帰ってきたのも良かったよね。

2. KRALLICE WITH DAVE EDWARDSON “LOUM”

Dave Ed is one of my favorite musicians, both as a bassist, and vocalist. i became obsessed with Neurosis in high school and they informed me as a creative person in so many ways over the years. a truly progressive band that does what they want in the way they want and fuck everyone else. so this record was really a dream come true for me (and mick who also has a long history with Neurosis) to work with Dave and to get him to be the lead singer on a full album! pretty sure it’s the only album where that’s the case in existence–so i also feel like we did the world a public service here, haha!
this is also the Krallice album that i contributed the most writing (20 minutes out of 32 i spearheaded), so it has more of that knotty, dissonant, fractured and uncomfortable feeling than our other work, which i thought would be a perfect bedrock for dave’s vocals.

Dave Ed はベーシストとしてもヴォーカリストとしても、俺の大好きなミュージシャンの一人だ。高校生の時に NEUROSIS に夢中になったんだけど、彼らは何年にもわたってクリエイティブな人間として多くのことを教えてくれたんだ。だから、このアルバムは俺にとって(そしてNeurosisとの長い付き合いがある Mick Barr にとっても)本当に夢のようなことだったんだ!Dave と仕事をして、フルアルバムのリードシンガーになってもらえたんだからね。
これは、アルバム全編で Dave が歌う唯一の作品だと思うんだ。だから俺たちは世界に公共のサービスをもたらしてあげたような気さえするんだ。(笑)
俺が最も多くの曲を書いた KRALLICE のレコードでもあるから(32分のうち20分は俺が率先して作った)、他の作品よりも複雑で、不協和音があって、分断されていて、居心地が悪い感じがして、Dave Edのヴォーカルに対する完璧な基盤になると思ったんだ。

3. BEHOLD…THE ARCTOPUS “HAPELEPTIC OVERTROVE”

so proud of this album! i had been wanting to have a record with a very different approach to the drumming for a long time, and i finally did it! having jason bauers join the band was a perfect fit since he had experience playing 20th century chamber music, and i wanted that to basically be the vibe of the new behold album. also as a recording engineer working on a lot of extreme metal, i was so tired of the “cshhhhhhhhhhhhhhh cshhhhhh shshhshhhhshsh” of washy crashy cymbals smashing around constantly. tech metal benefits from a more articulated sound, so why not built that into the instrumentation itself, rather than writing yourself into a corner with blast beats and double kick that aren;t even audible without triggering or extreme processing in the mix? i also gravitated to a more brutal death metal style of writing for the normal guitar on this album. i like the combination of bdm guitar and 20th century classical percussion! for me it’s a perfect match. for most people, i’m sure it’s going to sound like a big pile of shit! it would be Arctopus without that tension though!

このアルバムをとても誇りに思っているよ!俺は長い間、ドラミングに対して非常に異なるアプローチのレコードを作りたいと思っていたんだけど、ついにそれを実現したんだ!Jason Bauers をバンドに参加させたのは、彼が20世紀のチェンバーミュージックを演奏した経験があったからで、完璧にフィットしていたね。俺は基本的にそれを新しい Behold の作品の雰囲気にしたかったんだ。
また、多くのエクストリームメタルに携わっているレコーディングエンジニアとして、俺はクシャーーーーーンクシャーーーーーンシャシャシャシャシヮみたいな、薄っぺらでガチャガチャしたシンバルがずっと鳴っているサウンドに飽き飽きしていたんだ。Tech-metal は、より明瞭なサウンドから恩恵を受けている。では、トリガーや極端な処理をしないと聴こえないようなブラストビートやダブルキックで自分を追い込むのではなく、インストゥルメント自体に明瞭さを組み込んでみたらどうだろう?このアルバムでは通常のギターにかんして、より残忍なデスメタルのスタイルに惹かれたんだ。 BDM (ブルータルデスメタル) ギターと20世紀のクラシックパーカッションの組み合わせが好きなんだよ!僕にとっては完璧にマッチしている。たしかに多くの人にとってはクソの塊でしかないだろうけど、こんなテンションじゃなきゃ ARCTOPUS はやってられないよ。

4. DYSRHYTHMIA “TERMINAL THRESHOLD”

our “thrash” album! it was really fun to change the dys lineup to 2-guitars and drums for 3 of the songs. having no bass at all on 3 songs, but lots of dual guitar seemed to fit the thrash vibe. i even got to do 2 guitar solos! the one in “Power Symmetry” is a written solo, and the one in “Twin Stalkers” is purely improvised. i’m also very proud of the song “Progressive Entrapment,” which i wrote on bass. i have a feeling that song is not going to resonate with many people, but it’s my favorite for many reasons which i think are impossible to explain. kevin and jeff’s playing and writing on this album are world-class. what a pleasure it is to record those guys!

俺たちの “スラッシュ” アルバムだ!DYSRHYTHMIA のラインナップを3曲でツインギターとツインドラムスに変えるのはとても楽しかったね。その3曲には全くベースが入っていないんだけど、沢山のツインギターがむしろこのスラッシュのヴァイブにフィットしたんだ。俺はギターソロまで弾いたんだよ!一つは構築されたソロの “Power Symmetry” で、もう一つは純粋なインプロヴァイズの “Twin Stalkers” だよ。
それに、”Progressive Entrapment” はとても誇りに思っているんだ。この曲で俺はベースを書いたんだけどね。多くの人にアピールする楽曲じゃないと感じていたんだけど、多くの理由から俺のフェイバリットなんだ。説明するのは難しいんだけど。アルバムにおける Kevin と Jeff の演奏はまさにワールドクラスだ。彼らとレコーディングが出来るのは本当に喜びだね。

5. PHONON “ALLOY”

so excited with how this album came out! it’s just one long improvisation which we cut into chunks and re-ordered. it came out so great! i really like listening to this. i have had other bands with Weasel, but never had improvised with him where i was playing bass. i found it really comfortable and exciting at the same time. i love weasel’s style and i found it easy to work with in this context. elliott and álvaro’s guitar work is the perfect textural companion to the rhythm section weasel and i created. elliott is a total legend and it was an absolute honor to make an album with him. Álvaro and i are newer friends, but just in the last couple years we’ve already collaborated on 5 releases! i like how heavy and metered this album came out even though it’s completely free improv.

このアルバムがこうやってリリースされてとてもエキサイトしているよ!一つの長いインプロビゼーションを、切り貼りして再レコーディングしたものなんだ。素晴らしい結果になったよね!このアルバムを聴くのが本当に好きだよ。Weasel とは他のバンドもやってたんだけど、俺がベースを弾いてインプロヴァイズしたことはなかったからね。非常に快適だけど同時にエキサイトしていることに気づいたよ。Weasel のスタイルが大好きだし、このコンテクストは俺にとってやりやすかったんだ。
Eliott と Alvaro のギターワークも俺と Weasel のリズムセクションとピッタリ符号していたね。Eliott は完全にレジェンドで、彼とアルバムを作れてとても誇らしいよ。Alvaro は比較的新しい友達なんだけど、ここ2年で5枚も一緒にアルバムを出してるんだ!完全にフリーなインプロヴァイズだけど、ヘヴィーでコントロールされたこの作品が気に入っている。

6. INDRICOTHERE “ALTRRN”

i was hired to write all the guitar for an album of Pyramids. i was sent drum machine from Vindsval of Blut Aus Nord, who i’m a massive fan of. i wrote songs to the drum machine on guitar, added a bunch of keyboards, and then sent it to the Pyramids guys to add vocals and additional keys. so this is the version before i sent it to Pyramids, which just Vindsval’s drums and my guitar and keys. i got to really like the instrumental version, and it also included kind of a “lost ambient album” since i extended the end of every song into an ambient exploration. i never planned to release this, but when the pandemic hit, and i lost thousands and thousands of dollars in income from cancelled recording sessions, i released it as a small fundraiser for the studio.
it’s worth noting that i did actually make 2 new proper Indricothere albums during the lockdown: a 3.5-hour ambient record and a crushing sluggish brutal death metal record:
https://indricothere.bandcamp.com/album/xi-5
https://indricothere.bandcamp.com/album/tedium-torpor-stasis

俺は PYRAMIDS のアルバムのためにギターパートすべての作曲を依頼されたんだ。大ファンの BLUT AUS NORD の Vindsval からドラムマシンを送ってもらったんだ。そのドラムマシンに合わせてギターを書いて、たくさんキーボードを加えて彼らに送ったんだ。彼らはそれにボーカルやキーボードをさらに加えたんだよ。
これは PYRAMIDS に送る前のバージョンで、Vindsvalのドラムと僕のギターと鍵盤だけで作ったんだ。このインストバージョンが本当に気に入っていたし、全曲の終わりをアンビエントな探究に拡張した “失われたアンビエントアルバム” のようなものも含まれているんだ。
これをリリースするつもりはなかったんだけど、パンデミックが起きて、レコーディングのキャンセルで何千ドルもの収入を失った時に、スタジオのためささやかな資金集めのためにリリースしたんだ。特筆すべきは、ロックダウンの間に INDRICOTHERE で適切な2枚の新作を作ったことだよ。3.5時間のアンビエント・レコードと、破砕的で緩慢なブルータル・デスメタルのレコードだ。

7. COLIN MARSTON “SUBLIVE”

i was approached by Arun from Subcontinental Records to release a live album of my experimental/classical music.
tracks 1 and 2 are from a show at EMPAC in Troy NY from 2015. the first is in my Indricothere keyboard style. the 2nd is feedback controlled player piano. i later went back to EMPAC and recorded a full-album version of these type of pieces, with Eliane Gazzard collaborating on sustain pedal and piano called, “Parallels of Infinite Perspect” on Álvaro’s Illuso label.
the 3rd track is an improvised duet with Mario Diaz de Leon from Issue Project room in 2019. i hope to do a full album with him soon!

Subcontinental Records の Arun から、俺の実験的/クラシカル音楽のライブアルバムを出さないかってアプローチされてね。1曲目と2曲目は、2015年ニューヨーク EMPAC でのライブなんだ。1曲目はオレが INDRICOTHERE でやってるキーボードのスタイルだ。2曲目はフィードバックをコントロールしたピアノ。後から EMPAC に戻って、Eliane Gazzard とフルアルバムバージョンを録音したんだ。
3曲目は、Issue Project の Mario Diaz de Leon とインプロヴァイズのデュエット。彼とはすぐにフルアルバムを作りたいな!

PRODUCTION WORKS

8. IMPERIAL TRIUMPHANT “ALPHAVILLE”

i love working with Imperial. zach has taken the band on an awesome trajectory over the years and it’s a honor to be along for the ride and to get to collaborate and help him realize his vision. the band is so awesome now with kenny and steve–feels like a real BAND now, with everyone contributing. i love that they leave some looseness in the music and are much more interested in a compelling performance rather than things being 100% accurate. they recognize the value of leaving some dirt and some mystery in a mix too, rather than going for a squeaky clean procut with no rough edges. they are open to lots of experimentation but also value a more jazz-oriented mentality where the instruments sound like people playing together and kicking ass.

IMPERIAL TRIUMPHANT と仕事をするのは大好きだよ。Zack は何年にもわたってバンドを素晴らしい軌道に乗せてきたし、その道を一緒に歩むことができて、コラボレートして彼のビジョンを実現する手助けをすることができて光栄だよ。Kenny と Steve がいる今のバンドはとても素晴らしいよ。全員が貢献して、真の “バンド” になっているね。
彼らは音楽に多少の緩みを残していて、100%正確なものを作ることよりも、説得力のあるパフォーマンスに興味を持っているから好きなんだ。エッジのない、ラフさのないキレイなカットを目指すのではなく、多少の汚れやミステリーをミックスに残すことの価値を認識しているからね。彼らは多くの実験にオープンであると同時に、楽器が一緒に演奏しているように聞こえるようなジャズ指向のメンタリティも大切にしているんだ。

9. AFTERBIRTH “FOUR DIMENSIONAL FLESH”

yes! love this record and this band. i’m so happy they came to me for this recording. an honor. each musician has a totally unique voice on their instrument. i love the prog flair, but the tasteful tempering through quality songcraft. these guys really balance the traditional well with the experimental. it’s very accessible somehow, without being annoying in the way that “accessible” can be, at least for me. it’s also very exciting to me that these guys all value a good-quality more “straightforward” recording/mixing style, rather than wanting that sound-replaced/quantized/amp-simulated vibe that is so omnipresent in modern “professional” recordings.

きたね!このレコードとバンドが大好きなんだよ。彼らがこの作品のために、俺のところに来てくれたことをとても嬉しく思っているよ。 各ミュージシャンはそれぞれの楽器に全くユニークな “声” を持っている。 俺はこのプログな雰囲気が好きなんだけど、質の高い曲作りによる味のあるソフトな性質も気に入っているんだ。
彼らは伝統的なものと実験的なもののバランスをうまくとっている。それはとても親しみやすいもので、”親しみやすい” というのは、少なくとも俺にとってはイライラさせることがないってこと。
また、最近の “プロ” のレコーディングにありがちな、音の置き換え、量子化、アンプシミュレートされたような雰囲気を求めるのではなく、彼ら全員が質の高い、より “素直な” レコーディング/ミキシング・スタイルを大切にしていることも、俺にとってはとても刺激的なことだったな。

10. PYRRHON “ABSCESS TIME”

pyrrhon are the best bros. i love hanging out and joking around with these guys. they are hilarious. also so honored and happy to have gotten to finally record/mix them for this and the previous album. alex cohen is undoubtedly a technical master, but i think the band started to become truly amazing when steve schweggler stepped in behind the drum kit. his style and aggressive playing fit with Dylan, Erik and Doug just perfectly. it’s great how masterful pyrrhons “tech metal” writing is, but even greater how they also have a purely improvised free-form side to their spirit that’s just as effective. these guys are unstoppable musicians and i love that they also have Seputus, which feature all 4 of them AGAIN! as well as many other bands. these guys get it: make a ton of shit and have it all be awesome. haha

PYRRHON は最高のブラザーだよ。彼らとハングアウトしたり、冗談を言ったりするのが大好きなんだ。そして、このアルバムと前作で彼らをレコーディング/ミックスすることができたことをとても光栄に思っているし、幸せに思っているよ。Alex Cohen は間違いなくテクニカルなマスターだけど、Steve Schweggler がドラムキットに座ってから、このバンドは本当に素晴らしいものになっていったと思う。
彼のスタイルとアグレッシブなプレイは、Dylan, Erik, Doug に完璧にフィットしていた。PYRRHON の “テック・メタル” のライティングが群を抜いているのも素晴らしいけど、それ以上に、彼らの精神には純粋に即興的なフリーフォームの側面があり、それが効果的に作用しているんだよね。
彼らはアンストッパブルなミュージシャンだし、彼ら4人全員をフィーチャーした SEPUTUS も大好きだ。大量のゴミを生み出せば、全てが素晴らしい音楽になることを理解しているね。(笑)

ABOUT NYC AVANT-METAL SCENE

undoubtedly one of the best, but that’s almost a technicality because New York city is the densest, most diverse blob of humans probably on the planet. so everything that benefits from a lot of people and a lot of variety is going to benefit. so many big cities can make similar claims, but NYC is exceptionally diverse and international. being shoved together with a ton of other people, some with similar goals, but a range of approaches and influences is only going to create a richer scene with maximum life and vibrance: what a strength there is in being exposed to a wide variety of approaches and statements!
i’m sorry, but people who believe in the value of segregation based on background are the reason humanity will most likely destroy itself. if having a diverse community isn’t totally obvious as a strength, then we have no hope and deserve to die.

疑いようもなく最高のシーンの一つ。それは当然なんだ。なぜならニューヨーク市はおそらく地球上で最も高密度で最も多様な人間の塊だから。だから、誰もが多くの人々と多くの多様性から受けるべくして恩恵を受けていると言えるね。大都市なら同じ状況になるだろうけど、NYC は特別多様で国際的だからね。
多くの人たちと一緒にいれば、中には同じ目的を持った人もいて、様々なアプローチや影響を受けながらも、最大限の生命力とバイブレーションを持ったより豊かなシーンを創り出すことになるはずだから。様々なアプローチや発言に触れることができるのは、なんという強みだろう!
申し訳ないけど、人種や文化といったバックグラウンドに基づく隔離の価値を信じている人たちこそが、人類が自滅してしまう原因なんだよ。仮に多様なコミュニティを持つことが強みにならないならば、人類に希望はなく、滅びるに値するよ。

ABOUT CORONA CRISIS AND MUSIC INDUSTRY NOW

i have been very lucky to still have some remote studio work, but i haven’t had an attended recording session since march! my friends who rely on the live music world for their income are totally fucked. what’s really sad isn’t that Corona happened. that’s actually just normal and natural. what’s so disappointing is how selfishly many are treating an issue (including the American government!!!!) that’s solely and directly about our collective survival as a species. people can’t get it through their heads that all the activities that they want to return to will be MADE POSSIBLE BY quarantine/distancing/masks/closing non-essential things, rather than seeing those things as an impediment to freedom. once again, if you see this as an issue of personal freedom, rather than ENSURING YOUR OWN HEALTH AND FUTURE, then humanity is fucked and we’re all going to die a horrible slow death together as the modern world crumbles. if your goal is to destroy all humans including yourself and your loved ones and me, then you’re doing great! keep going! thanks!

俺は幸いまだリモートでのスタジオの仕事はあるんだけど、レコーディングセッションには3月から参加していないんだよ!ライブハウスに頼って収入を得ている友人たちは完全にダメになってしまった。
本当に悲しいのはコロナが発生した事じゃないんだ。それは普通で当たり前に起こり得ることなんだから。何がとても残念なのかというと、この問題をどれだけ利己的に扱っているかということなんだ。アメリカ政府も含めてね!!!!
これって、種としての我々が生存できるかに直接関係しているよね。コロナ対策を自由への障害として見るべきじゃないよ。かつての生活に戻るには、自己隔離/ソーシャルディスタンス/マスク/が唯一の道なんだから。
もう一度言うけど、もし君が自分の健康と未来を保証することよりも、コロナ対策を個人の自由として捉えているならば、人類は滅び、現代世界が崩壊していく中で、俺たちは皆一緒に恐ろしくゆるやかな死を迎えることになるだろう。もし君の目標が、自身と愛する人と私を含む全ての人間を破壊することならば、そうすればいい! 頑張れよ、ありがとう!

Here’s a list of my other releases since the lockdown started:
https://xazraug.bandcamp.com/album/unsympathetic-empyrean
https://groeth.bandcamp.com/album/unfathomable-existence
https://indricothere.bandcamp.com/album/tedium-torpor-stasis
https://indricothere.bandcamp.com/album/xi-5
https://hathenter.bandcamp.com/album/wr-w-r-wwr0wr-g-0w-er0gw-0wr-w
https://glyptoglossio.bandcamp.com/album/0-1
https://encenathrakh.bandcamp.com/album/live-album
https://encenathrakh.bandcamp.com/album/thraakethraaeate-thraithraake
https://arelseum.bandcamp.com/
https://edenicpast.bandcamp.com/
https://slam420.bandcamp.com/album/bloated-exploded-og-gluttony
https://youtu.be/2C7SrMS1rGI

Other things panned include:
– the debut full length from Edenic Past
– Arelseum II
– a collaborative album with Mike Pride, Jamie Saft, and Mick Barr
– a collobarion with Andrew Hawkins from Bearing Teeth
– a full classical symphony, presented as a solo album
– 2 new krallice albums
and there will be a lot more i’m sure.

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DUMA : DUMA】LIONSBLOOD OF KENYAN METAL


EXCLUSIVE : INTERVIEW WITH MARTIN KHANJA & SAM KARUGA OF DUMA

“It’s About Going Inside And Bringing It Out, putting Our Guts On The Table. There’s No Hiding. That’s The Thing: You Come To Duma You Come To The Fucking Butchery.”

LIONSBLOOD OF KENYAN METAL

一般的な外国人にとって、マサイの言葉で “冷たい水の場所” を意味するケニアのナイロビは、文字通り大都市特有の冷たさを纏っているように感じられるかもしれません。たしかに、街には高層ビルが立ち並び、交通量は多く、首長はヘネシーがコロナを殺すと考えています。それでもニューヨークや東京に比べればまだ温かみが感じられるのではないでしょうか。
しかし、ナイロビで生まれ育ち、この特異なメタルシーンにおいてさらに特異な色彩を放つグラインドデュオ Sam Karugu (ギター/プログラミング) と Martin Khanja (ボーカル) は、その意見に違を唱えます。
「ラジオを聴けばわかるよ。デタラメばかりだ。聴きたくない人がいるから、俺たちは何か違うものを作るんだ。”ワンサイズ・フィッツ・オール” 、一つの価値観がすべてを支配するなんてもう通用しないよ。俺たちは社会に適応出来ない人たちのために音楽を作っているんだ。」
たしかに、DUMA のセルフタイトルのデビュー作は、凡俗を攻撃するインダストリアルノイズが渦巻く反抗のレコードです。
2019年にウガンダのカンパラにある NyegeNyege Studio で録音されたレコード “Duma” は、00年代初頭にハードコアパンクやメタルを聴いて育った2人が送る強烈なステイトメント。ナイロビには80年代から DIY のハードコアシーンが存在しましたし、毎週木曜日の午後10時から12時まではアンダーグラウンドメタルを流す “Metal to Midnight” という番組も存在しました。それに YouTube, インターネット。
「俺の好きな音楽だから、俺が育った場所で周りのみんなに聴かせてやりたいんだよ。」

アフリカ大陸には未だ極小のメタルシーンしか存在しませんが、バンド同士はネットを通して連絡を取り合い、活気に満ちたコミュニティーを形成しています。ケニアのメタルシーンは「楽器を持っていて、心があって、何かをやりたいと思っている人なら、誰でも音楽ができるんだということを教えてくれた。」と Sam は語ります。
「アフリカにも昔からロックはあったよ…アパルトヘイト時代の70年代には、ザンビアやジンバブエのバンドが “Zamrock” を作っていた。ググってみてよ。だけどほとんどのバンドがレコーディングができなかった。だからそのためにケニアに来ていたんだ。”Zamrock” は70年代、80年代、90年代まで続いていたよ。アパルトヘイトが終わるころまでね。
だから、ケニアのシーンはずっと前からあったし、例えば南アフリカにはシーンがあるし、北アフリカにはチュニジアやエジプトにもシーンがある。世界の人々は俺らの存在を忘れてしまっているような気がするよ。でも、ケニアにもロックやメタルがあって、みんな楽しんでいて、バンドが演奏していて、モッシュ・ピットがあって、本当にオープンな人たちばかりなんだ。 人々が本当にオープンなんだよ。」
Martin もシーンの温かさについて同意します。
「ケニアのシーンは家族のような、コミュニティのようなものなんだ。どれだけ稼いでいるか、どんな人種かとか、そんなことは気にしない。ショーに出れば、みんなが愛してくれて、ありのままの自分を受け入れてくれる。
俺は自分のやっていることが人気があるものではなく、とても奇妙なものだと思っていた。だから同じ音楽をやっている人たちに出会って、”兄弟 “という感じになったんだ。俺たちはお互いを理解している。会場に足を踏み入れると、家族のような感覚になるんだ。 子供の頃、高校の頃に会った人たちや、大学生になってから会った人たちが、家族を連れて来てくれるんだ。 それは変わらず、どんどん大きくなっていく。 それがケニアのシーンのとても好きなところだね。みんなが互いに知っていて、みんなのことを愛しているから。」
それでも Sam はメインストリームからは程遠い現状も付け加えます。
「一回のライブで100ユーロが手に入る。それをバンド全員で分けるんだ。メインストリームからは程遠いよ。適切なギア、スタジオなんてないからなかなか新たなチャレンジも出来ないしね。好きだからやっているんだ。やらないと気が狂いそうになるから。」

影響を受けたのはどんな音楽なのでしょう?Martinはこう切り出します。
「TORCH BEARER, PINK FLOYD, Kurt Cobain, XXXTentacion, Travis Scott, SUICIDE SILENCE の Mitch Lucker, Bob Marley, それに DJ Scotch Egg-彼は神だよ。とにかく、彼らは上級地球人さ。エリートなんだよ。」
Sam はどうでしょう?
「ケニアのバンドはみんなそうさ。あとは LAST YEAR’S TRAGEDY, THROBBING GRISTLE。それから、BLACK FLAG, MINOR THREAT, SYSTEM OF A DOWN, それに MELT-BANANA! “Cell-Scape” は最高さ。たくさんいるよ。あとは母さんだね。でも母さんは俺がメタルをやっているなんて知らないよ。ゴスペルかなんかだと思っているんだろう。バレたら面倒くさいからね (笑) 」
Martin にとってメタルは救いであり、自己実現のためのツールでもありました。
「ラジオからメタルが流れてきて、人生が変わった。俺はいつも人生の中で自分の道を見つけようとしていたし、何かを発見しようとしていた。そしてこの音楽が俺に表現力を与えてくれていることに気付いたんだ。
道を歩いていると、頭の中でリズムが聞こえてきたり、詩を書いたりすることはいつも経験してきた。どこでそれを表現できるのか? この作品を通して、それを解放する方法を見つけたんだ。音楽がなければ自分の人生をどうすればいいのかわからない。目的がないんだ。メタルが生きがいを与えてくれた。一日の終わりには自分を表現しなければならない。そうしないと自分を抑え込んでしまう。精神的にも健康的じゃない。俺は苦手なことばかりだけど、少なくともこれは得意なんだ。」

2019年に DUMA が結成されたとはいえ、Sam と Martin は高校時代からお互いを知っていました。そして、Sam は SEEDS OF DATURA の、Martin は LUST OF A DYING BREED というトップナイロビメタルのメンバーでした。当時から、2人は互いの音楽に興味を持っていたのです。ボツワナのウインターメタルフェスで意気投合したデュオのパフォーマンスはすぐに共同作業へと繋がります。バンド名 DUMA とはキクユ語で暗闇を意味します。
「俺らはこの音楽に本当に深く入り込んでしまった。自分たち自身もダークで、音楽もダークで、世界観もダークなこのプロジェクトにね。」
アルバム “Duma” はメタルとして成立しながら、デュオの多様な嗜好を反映したモンスターです。”Omni” でトラップとメタルを融合し、”Lionsblood” ではエレクトロのダンスビートを取り入れます。「ダークでヘヴィーな実験だよ。新しいサウンドを作るためのね。」
“Lionsblood” はまさにアフリカのバンドにしか書けない楽曲でしょう。Martin が説明します。
「これは俺の民族的背景であるマサイ族のルーツからきている。男になるためには、茂みに入ってライオンを殺し、ライオンの血で体を洗わなければならないんだ。それは、つまり自分を見つけたということだ。ライオンの血を飲むんだから、生き残れば自分の中にライオンが残る。この慣わしを使ったのは、俺たちが日常生活の中でどのように存在しているかを表現したかったから。
問題は、人種や文化の違いじゃなく、見解や認識の違いなんだ。その違いは、俺たちが共に分かち合うべき強さなんだよ。 この違いが組み合わさったとき、俺たちはみんな強くなるんだから。人は教会に行ったり、学校に行ったり、何かを発明したり、ビジネスを経営したりすることができる。もし本当に好きなことが得意なら、それをやってみて、好きなことをするように人々を鼓舞して欲しいね。それが人間として、俺たち全員のためになるんだから。」

アートワークも一種独特です。Sam が語ります。
「偶然近所の市場で撮ったんだ。女の人が肉を買っているんだけど、彼女の服も肉に見える。肉を食べようとして自分が食べられてしまう。つまり、消費者にみえて実は自らが消費されているんだよ。それにアフリカっぽくて、メタルっぽいアートワークだよね。俺たちが言うところの、机にすべての内臓を出すってやつだよ。肉はすべて切り取られ、演奏するたび俺たちの体内で力になる (笑)」
Martin が付け加えます。
「つまり、このアートワークは自らの内なるものを外界へ解放することを象徴しているんだ。そうやって、自分のすべての内臓を机の上に出すわけだよ。何も隠すことはない。それが DUMA をやっている理由だから。」
アルバムには、ナイロビに対するバンドの不満も反映されています。Sam は、宗教と資本主義がこの大都市における “障壁” となってしまっていると非難します。住人たちは、この “ループの中” で生活することに慣れてしまい、快適な繭の中から出ることはないのです。DUMA は先住民が、自由に生きられるかつてのやり方を思い出すための水先案内人なのでしょう。
「もう機能していないよ。教育、宗教、商業、あらゆるものが俺たちの心を鈍らせている。本当の自分になることを許してくれないんだ。”Comers in Nihil” は箱の中に閉じ込められているという概念を比喩的に探求している。仕事をしてまともにお金を稼ぐというマンネリは安心だし心地よいものだけど、実際には生きているわけじゃなくゆっくりと人生を消耗しているだけなんだ。ただ仕事に行って家に帰ってくるだけなんだから。」
アフリカの現実にも立ち向かわなければなりません。Martin が続けます。
「仕事に行って家に帰ってもやることはたくさんある。家族もいるしね。それでも人は自分をポジティブに表現することでしか生き残れない。すべてを内に秘めていたら発狂してしまうから。自らの内面を世界に共有すれば、存在しなかったはずの人生が創造できる。ひいては、未来のより良い世界を作ることに繋がるんだ。」

仮に、コロナが世界の終わりをもたらそうとも? Sam は同意します。
「何かを創作し続けなきゃ。自分のやりたいことを全力でやらないといけない。世界はコロナで終わりを迎えるかもしれないし、何が起きているのかさえわからないけど、俺は自分のやりたいことをやって、自分らしく表現していくしかないんだよ。今の世の中、SNS によってほとんどの人が自分を表現できるようになっているだろう?今がその時だよ。自分の内臓を全部だすんだよ。」
闇の中でも常に光を見出すアルバムには、世界中に自分たちの音楽を広めたいという野心と共に、純粋な、サブリミナルなメッセージが込められています。Martin は目を輝かせます。
「みんなを鼓舞して、今よりもっと良くなるようにしてあげたいんだ。ビデオにもサブリミナルメッセージを込めている。本当に目を覚まそうとしている人には、それが理解することが出来るのさ。多くの人にインスピレーションを与えたいよ。音楽を聴いてくれた人、インタビューを読んでくれた人、ビデオを見てくれた人の心に何かを残したい。より良く生きれるような何かをね。」
Martin の最も伝えたいメッセージは、オープニングナンバー “Angels and Abysses” に描かれています。
「天使と深淵。心の中の小さな囁きを込めた曲だ。労働の中で、”オマエはもうめちゃくちゃだ。家に帰るんだ” ってね。毎日、自分の別の姿、一面が常に一緒にあることを忘れないでほしいんだ。
俺は心理学の修士号を持っている。そして、自らの認識している意識とは氷山の一角だと気づいたんだ。俺たちの習慣、行動、世界観は別の場所から来ているんだよ。意識的にそれを微調整することができれば、思い描いている最高の人生を体験することができるはずなんだ。その域まで到達しない場合でも、少なくともそれに近づくだろうし、これまでよりは良いものになるはずさ。」
Sam のお気に入りは “Pembe 666″。
「基本的には黙示録5章6節なんだが、スワヒリ語で書かれているんだ。聖書のこの一節では、ヨハネが小羊を見つけたと言っているんだけど、小羊は七つの封印を持っていて世界を解放するためにそれを開けなければならないんだよ。そして彼は子羊が殺されているのを見つけたんだ。 答えを探しているうちに、子羊が殺されていることに気づくというのは、宗教の面白いところだよな。きっと答えはないんだろう。」

最もテクノロジーを受け入れたバンドがケニア出身というのも皮肉なものです。
「俺たちにあるのは、歌とギターとラップトップだけ。面白いことに、メタルではほとんどの人がコンピュータをリスペクトしていない。純粋ではないと思われている。でも、コンピューターがあれば、バンド全体の音楽を作ることができることに気付いたんだ。シンセラインやドラムやギターを思いついて、それを完成させるまで煮詰めていくんだよ。」
DUMA がこれから進む場所はどこにあるのでしょう? Martin が答えます。
「デスメタルはもうやり終えたかも。メタルコア、デスコア、アバンギャルド、シンフォニック、ドゥーム。 これら全ての異なるジャンルからの影響を利用して、ハイブリッドな表現を生み出そうとしている。2040年や2050年に生まれた人たちだって何かを必要としているだろうし、僕らは前に進まなければならない。ヨーロッパやアメリカじゃ、メタルが確立されている。アフリカのメタルを知らしめるために、コンガやブラス、ドラムスといった民族楽器を取り入れるのは良い方法だと思うしね。それが俺たちの目標だ。俺達は新しいジャンルを作るつもりだよ。」
Sam と Martin は、彼らを理解しない人のことまで気にかけてはいません。DUMA の音楽は、マンネリに飽き飽きしたリスナーや、地元の放送局に満足しない人たちのためのもの。DUMA を完全に吸収するには、開かれた心が必要なのです。
「老若男女を問わず、すべての人に関係のあるものを作ろうと思った。たとえ暗くても、そこには光がある。そこにはたくさの知識と知恵が詰まっていて、子供たち、またその子供たちになんらかのインスピレーションを与えるんだ。」
DUMA はある種の伝道師なのでしょうか? Martin は否定します。
「というより、奉仕活動だよ。俺たちのライブに来れば、自分の抱えている問題や障害を克服するより良い方法を見つけることが出来るからね。視点を変えてくれるし、力を与えてくれる。改心させたいわけじゃなく、思い出させたいだけなんだ。」
Sam も同意します。
「伝道ではないね。メタルでは、8万人がメイデンのライブにくるけど、別に崇拝はしてないでしょ?(笑)。ただメイデンを聴くためにライブに行って、家に帰ればクソをする。誰も崇拝はしていない。それがメタルの醍醐味なんだよ。みんな自分の好きなことをしているだけさ。崇拝してるとしたら悲しいことだ。俺たちを崇拝なんてするなよ。やめとけ (笑)。」

参考文献: BANDCAMP:Duma Shines A Light on Underground Kenyan Metal

TONE GLOW

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PANZERBALLETT : PLANET Z】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JAN ZEHRFELD OF PANZERBALLETT !!

“Planet X Were The First Band I’ve Heard With This Special Blend Of Low-Tuned Heavy Guitar Riffs, Dark Atmospheres, Jazz Harmony, Precision And Virtuosity. “Planet Z” Could Be Understood As My Vision Of a Sequel To That.”

DISC REVIEW “PLANET Z”

「私の愛する2つの異なった音楽世界を融合させるつもりだった。このバンド名を見つけることが出来てラッキーだったよ。とても良くコンセプトを表現しているからね。ヘヴィーな鋼鉄とソフトなダンス。両方とも深く気を配る必要があるというのが共通点だね。戦車は精密なエンジニアリングを要求されるし、バレーは舞踏術をマスターした独創性に基づくからね。」
ドイツが誇る PANZERBALLETT は、ヘヴィーとソフト、精密と独創、複雑と明快を股にかけ、重音舞踏会を華麗に駆け抜ける高性能ジャズ式重戦車。その異様と壮観には5つの掟が定められています。
「音楽とテクニックでリスナーに感動を与える」「多面性を持って音楽的にフレッシュでいる」「音楽の予測性と非予測性をバランス良くミックス」「高い知的レベルを保ちながらアグレッションを持つ」「リスナーの期待に沿わないで挑発する」
実際、PANZERBALLETT はこれまで、新鮮なアイデアと予想外の行動でリスナーに驚きを与え続けてきました。
Frank Zappa, WEATHER REPORT, ABBA といった多様な泉から涌き出でるカバーの数々、”Take Five” や “ピンクパンサーのテーマ” を自らのセットリストに組み込むその貪欲、そしてサックスはもちろん、インドの伝統楽器にタイプライター、果ては Mattius Eklundh まで “使用” する大胆奇抜まで、常軌を逸した PANZERBALLETT の辞書に不可能の文字は存在しないのです。
「PLANET X は低音のヘヴィーなギターリフ、ダークな雰囲気、ジャズのハーモニー、正確さ、そして名人芸の特別なブレンドを持っていたね。こんなバンドは聴いたことがなかったよ。だから、”Planet Z”は、”Planet X” の続編のような作品を作ってみたいという願望のあらわれなんだ。」
テクニシャン・オブ・テクニシャンを結集した PANZERBALLETT ですが、それでも Jan Zehrfeld という大佐の乗り物であることは疑いの余地もありません。そして、最新作 “Planet Z” は、Zehrfeld の頭文字を頂くように以前よりさらにソロアルバムの性質が高まった作品と言えるのです。
The Brecker Brothers, TRIBAL TECH, MESHUGGAH といった異能に影響を受けてきた Jan ですが、そのヘヴィーメタルビバップな魂を最も喚起したのが PLANET X でした。
キーボードの VAN HALEN こと Derek Sherinian が名手 Virgil Donati と立ち上げたインストフュージョンプロジェクト。Tony MacAlpine, T.J. Helmerich, Brett Garsed, Alan Holdsworth, Billy Sheehan, Dave LaRue などなど奇跡的なメンバーを集めて、メタルとジャズの交差点を探った早すぎたバンドです。
異端は異端を知る。そんな宇宙人の魂を継ぐように、アルバムは Virgil Donati のドラムスをフィーチャーした格好のジャズメタル “Prime Time” でその幕を開けます。
「彼らは皆私に影響を与えていて、特に Virgil からは大きな影響を受けている。だからまず、彼に声をかけたんだ。でも素晴らしい出発点になったよ。なぜなら、彼が参加していることで他の一流のドラマーたちにも参加を了承してもらうことができたからね。」
今回のゲストを大勢招くそのやり方も、PLANET X を見習ったものかも知れませんね。Virgil, Marco Minnemann, Morgan Agren, Gergo Borlai, Hannes Grossmann, Andy Lind。OBSCURA で多忙な Sebastian Lanser の休養と共に自らが愛するドラマー6名を招くことで、アルバムはさらにソロ作品の色を濃くしていきます。
「クラッシック作曲家の中でワーグナーは、おそらく最も “メタル” な音楽性を持った一人だから。」
その言葉通り、鬼才ワグナーのワルキューレはメタルの五重奏へと堂々進化し、ウニとタコの壮絶な戦いを複雑怪奇な音楽で表現し、遂には SOS のモールス信号をそのまま楽曲へと組み込んでしまう。Jan の爆発する芸術は “Planet Z” という遠く離れた宇宙の星で目一杯花開いたのです。
今回弊誌では、Jan Zehrfeld にインタビューを行うことが出来ました。「この15年の間に、PANZERBALLETT は独自の音楽領域を作り上げてきたね。音楽を作る時は、その領域に飛び込んでいるんだけど、それって自分の “惑星” に引きこもっていると言えるかもしれないよね。」 前回のインタビューと合わせてどうぞ!!

PANZERBALLETT “PLANET Z” : 9.9/10

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