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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CRIMSON GLORY : TRISKAIDEKA】 REUNION 2024 !!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JEFF LORDS OF CRIMSON GLORY !!

“To Me, Progressive Suggests Innovation, But If a Given Band Tries To Innovate Or Change Too Much, They Will Be Discredited Because They Ventured Too Far Out Of The “Prog” Box. I Find That As Sad As I Do Ironic.”

DISC REVIEW “TRISKAIDEKA”

「”プログレッシブ” と呼ばれるロックやメタルのファンの多くは、自分が聴くものに関しては決してその主張を曲げないということだ。私にとっては、プログレッシブとは革新的であることを意味するのだが、もしあるバンドが革新的であったり変化しすぎたりすると、”プログレ” の枠からはみ出しすぎたという理由で信用されなくなる。それは皮肉であると同時に悲しいことだと思う。しかし要するに、音楽は主観的なものであり、誰もが自分の好きなものを好むということなんだよね」
80年代後半、メタルの多様性が花開く瞬間の前夜。”正統派” の枠組みの中で、いかにメロディックに、いかにプログレッシブにメタルは進化できるのかという挑戦を重ねたバンドが登場し、人気を博しました。FATES WARNING の “Perfect Symmetry” や IRON MAIDEN の “Seventh Son of a Seventh Son”、そしてもちろんその筆頭が QUEENSRYCHE の “Operation: Mindcrime” であったことに疑いの余地はありません。
いわゆる “プログ・パワー” の誕生。そしてその “プログ・パワー” の定着と拡大に、QUEENSRYCHE の傑作と同じくらいの貢献を果たした作品があります。CRIMSON GLORY の “Transcendence” です。
「Todd は QUEENSRYCHE に参加するために CRIMSON GLORY を去ったのではなく、バンドの “惰性” のために去ったのだよ」
“Transcendence” の音楽は、QUEENSRYCHE と比較してもずば抜けて完璧な “プログ・パワー” でした。まさに “超越的”。あまりに壮大で、あまりにメロディックで、知性を抱擁し、緩急自在、実にプログレッシブ。驚異のシンガー Midnight が持ち込んだ、次作のよりカラフルで実験的な傑作 “Strange & Beautiful” につながるアルバム後半の LED ZEPPELIN 的な実験も魅力的で、これほど好奇心を誘う80年代のメタル・アルバムはそう多くはないでしょう。
しかし、残念ながらこのミステリアスな仮面集団はあまりに “怠惰” でした。活動休止期間も長く、1983年から2013年の30年で残したアルバムはわずか4枚だけ。シアトリカルなファーストからエスニックな “Astronomica” まで、そのすべてがいかに素晴らしくとも、バンドは徐々に忘れ去られ、バンドの顔だった超絶ハイトーンの Midnight は亡くなり、新たな才能 Todd LaTorre は QUEENSRYCHE へと引き抜かれ、ピカピカだったシルバーの仮面は色褪せていきました。
「新しい CRIMSON GLORY は、最初に私たちをメタルの地図に載せたスタイルに意図的に戻ることになるだろう。しかし、同時に私たち全員がミュージシャンとしてどのように成長したかを明らかにし、現代的なエッジを加えながらもルーツに忠実であることが可能であることを示すことができればと思うよ。過去を再現することばかりにこだわっていては、アーティストとして成長できない。逆に、トレンディであること、時流にこだわりすぎるのも欠点がある。だから、バランスを取ることが大切なんだ」
それでも、仮面と薔薇の騎士は時を超えて戻ってきました。ここには Midnight も、Wade Black も、Jon Drenning もいませんが、それでも歴戦の強者たち、リズム隊とギターの片翼は今も健在。そして新たな血となるボーカリスト Travis Wills とギタリスト Mark Borgmeyer が加わりました。特に、Midnight の超絶ハイトーンからアペアランス、ペルソナまで完全にコピーして、”超越” を志す Travis の存在は驚異的。プログ・パワーの勇壮や正義、そしてファンタジーが必要とされる時代に、CRIMSON GLORY は再びその神秘と審美を世界に注ぐため復活を決めたのです。
今回弊誌では、ベーシスト Jeff Lords にインタビューを行うことができました。「日本食は大好きだよ!音楽では、BAND MAID は素晴らしいバンドだと思う。とくにドラマーの Akane は尊敬しているよ。和楽器バンドも好きでね。とてもクールなアクトだ。三味線奏者が好きなんだ」 どうぞ!!

CRIMSON GLORY “TRISKAIDEKA” : 10/10

INTERVIEW WITH JEFF LORDS

Q1: I am very happy you are back! Can you start by telling us why you decided to come back after 10 years?

【JEFF】: There was never really a decision to not come back. But we know that in order to do so it requires timing and of course the right singer. Ten years prior to now after having toured Scandinavia with Todd LaTorre as our singer, we had plenty of momentum, so the plan was to take a short break and then to jump straight into songwriting mode. However, not all parties involved chose to be present for these writing sessions. Over time, this led to frustration for those of us who were present, mainly Todd, who was eager to write new songs with the band. When it became apparent that we were forced yet once more into hiatus, a few of us stayed occupied with our various solo and side projects. It wasn’t until a mutual friend of the band introduced us to a Greek singer who could not only mimic Midnight, but he copied his whole persona, mask and all. We’d do Zoom meetings and this guy would be in full stage garb. As one could imagine, we found it a bit odd, but the bottom line is that there was some friction when it came to the direction of the material. There was also some overreach, which we saw as a red flag.

Q1: CRIMSON GLORY が戻ってきとてもうれしいですよ!まず、10年ぶりに復帰を決めた理由から教えていただけますか?

【JEFF】: 復帰しないという決断はなかった。ただ、そうするためにはタイミングが必要で、もちろん適切なシンガーが必要だということも分かっていた。
10年前、Todd LaTorre をシンガーに迎えてスカンジナビア・ツアーを行った後、私たちには十分な勢いがあったから、少し休んでから曲作りに入るつもりだったんだ。しかし、関係者全員がこの作曲セッションに立ち会うことを選んだわけではなかった。そのため、バンドと一緒に新曲を作りたいと思っていた Todd を中心に、その場にいた人たちの不満が募っていった。
そしてまたしても活動休止を余儀なくされたことが明らかになったとき、私たちのうちの何人かは、さまざまなソロ・プロジェクトやサイド・プロジェクトで忙しくしていた。バンドの共通の友人が、Midnight のモノマネができるだけでなく、マスクも含めて彼のペルソナ全体をコピーできる風変わりなシンガーを紹介してくれるまでは。
私たちがズーム・ミーティングをすると、この男は完璧なステージ衣装に身を包んでいた。想像できるように、私たちはそれを少し奇妙に感じたが、要するに、素材の方向性に関しては多少の摩擦があったということだ。私たちが赤信号と見たのは、いくつかの行き過ぎがあったということだ。

Q2: Crimson Glory has broken up and reunited several times, but when you last split up in 2013, was it because Todd LaTorre was brought over by Queensryche?

【JEFF】: As mentioned in my previous answer, Todd had become discouraged over a situation in which not every band member was making new songs a priority in their life. This is not to say that the rest of us were not disappointed as well; we were, but sadly, this was not the first time that the plug had gotten pulled on the band because of certain lifestyle choices that are sadly common in this business. Unfortunately, a hiatus was nothing new to us. But about the time that it became clear that things would once again become stagnant, we found out that, yes, Todd in fact agreed to team up with some of the guys in QR who had sought him out, or he sought them out, I’m not sure which. But it’s a moot point, because to answer your question, Todd did not leave CG to join QR; he left because of the “inertia” of CG, which I believe is actually the word that Todd himself used to describe it.

Q2: では、Todd が QUEENSRYCHE に引き抜かれたから解散したというわけでもなかったんですね?

【JEFF】: 前の答えでも述べたように、Todd はバンド・メンバー全員が新曲を生活の優先事項にしていない状況に落胆していた。しかし、悲しいことに、この業界ではよくあるライフスタイルの選択のせいで、バンドのプラグが抜かれたのは今回が初めてではなかったね。残念ながら、活動休止は私たちにとって目新しいことではなかった。
そうして、事態が再び停滞することが明らかになった頃、Todd が QUEENSRYCHE と組むことに同意したことがわかったんだ。だから、君の質問に答えるなら、Todd は QUEENSRYCHE に参加するために CRIMSON GLORY を去ったのではなく、バンドの “惰性” のために去ったのだよ。

Q3: Speaking of Queensryche, you guys have always been compared to them. How did you feel about that comparison?

【JEFF】: I don’t mind it. We have similarities, so naturally there will be comparisons.

Q3: QUEENSRYCHE といえば、CRIMSON GLORY はいつも彼らと比較されてきましたね。その比較についてはどう感じていますか?

【JEFF】: 特に気にしてないよ。僕らにはいくつか共通点があるから、比較されるのは自然なことだ 。

Q4: Speaking of prog metal, after you guys came Dream Theater and Meshuggah, and in recent years the Djent movement. How do you feel about the evolution of such technical music and prog metal?

【JEFF】: While I’m keenly aware of how recording and producing music has evolved over the years, honestly, I’ve been out of the loop when it comes to how it’s changed stylistically. The truth is, I stopped listening to heavy music long ago. I know that may seem strange, but this is just how things have evolved for me. One thing I do notice is that many fans of what’s termed “progressive” rock or metal are unbending when it comes to what they listen to. To me, progressive suggests innovation, but if a given band tries to innovate or change too much, they will be discredited because they ventured too far out of the “prog” box. I find that as sad as I do ironic. But the bottom line is that music is subjective and everybody likes what they like.

Q4: プログ・メタルといえば、あなたたちの後に DREAM THEATER や MESHUGGAH が登場し、近年では Djent ムーブメントが起こりました。
そうしたテクニカル・ミュージックやプログ・メタルの進化についてはどう感じていますか?

【JEFF】: 音楽のレコーディングやプロデュースが長年にわたっていかに進化してきたかについては痛感しているけど、正直なところ、音楽のスタイル的な変化に関しては蚊帳の外だった。実のところ、ヘヴィ・ミュージックを聴かなくなって久しいんだ。変に思われるかもしれないが、これが私にとっての進化なんだ。
ひとつ気になるのは、”プログレッシブ” と呼ばれるロックやメタルのファンの多くは、自分が聴くものに関しては決してその主張を曲げないということだ。私にとっては、プログレッシブとは革新的であることを意味するのだが、もしあるバンドが革新的であったり変化しすぎたりすると、”プログレ” の枠からはみ出しすぎたという理由で信用されなくなる。それは皮肉であると同時に悲しいことだと思う。しかし要するに、音楽は主観的なものであり、誰もが自分の好きなものを好むということなんだよね。

Q5: However, I also love “Strange and Beautiful” and “Astronomica,” which are away from such “prog metal” style of music. How would you rate the earlier and later albums?

【JEFF】: On S & B, the stylistic change came about mostly because of two reasons, the first of which was Midnight’s voice having suffered because of lifestyle choices he made that affected him physically. The other reason is that he and Jon were living together during that time period, and thus, they were collaborating the most. Given that one of Midnight’s influences was Led Zeppelin, this might explain how/why when the two of them started writing together, the songs on S & B had more of a bluesy feel, versus the style that was established on CG 1 & 2. Of course, another crucial factor was Jon’s aspiration to be the only guitarist at that time. As far as rating our albums, I’m not really in the business of rating my own works, but I do prefer the style we established on 1 & 2 more. All of my contributions for the upcoming return of CG should reveal that I prefer that style, a style that I injected into the band from the onset. As for Astronomica, that album captured a little bit of that style, but it seems like it didn’t appease the diehard Midnight fans enough, albeit, Wade did the songs justice with the style he brought to the table.

Q5: そういう意味で、私は “Strange and Beautiful” や “Astronomica” のような、典型的な “プログ・メタル” スタイルから離れた音楽も大好きなんですよ。
初期のアルバムと後期のアルバムをどう評価しますか?

【JEFF】: “Strange & Beautiful” でスタイルが変わったのは主に2つの理由がある。ひとつは Midnight の声が、ライフスタイルの選択によって身体的な影響を受け、苦しくなったこと。もう1つの理由は、その時期、彼と元ギタリストの Jon Drenning は一緒に住んでいて、そのため、彼らは最もコラボレーションしていたからだよ。Midnight の影響のひとつが LED ZEPPELIN であったことを考えると、2人が一緒に作曲を始めたとき、ファーストとセカンドで確立されたスタイルに対して、S&Bの曲はよりブルージーなフィーリングを持っていたことが説明できるかもしれないね。
もちろん、もうひとつの決定的な要因は、当時 Jon が唯一のギタリストになることを熱望していたからだ。
私たちのアルバムの評価に関しては、まあ私は自分の作品を評価するような仕事はしていないけど、ファーストとセカンドで確立したスタイルの方が好きだね。今度の CRIMSON GLORY の復活のために私が提供したすべての曲は、私がそのスタイルを好んでいることを明らかにするはずだよ。”Astronomica” に関しては、再びそのスタイルを少し取り入れたアルバムだったけど、熱心なミッドナイト・ファンを十分に満足させることはできなかったようだね。

Q6: Crimson Glory has been wonderful with all the singers over the years as the musical style has changed. But maybe, Midnight, who has passed away, is still very popular. How would you feel the individuality of each vocalist?

【JEFF】: Few people realize that Midnight was originally intended to sing on some of the Astronomica demos. He declined. We sought out Wade when we saw him perform with his band Lucian Blaque. Jon got his number and kept it. When Midnight declined, we called Wade. As mentioned, I think Wade did the songs on Astronomica justice. But I think our new singer, Travis Wills, is a better fit, especially if we’re making comparisons with our original vocalist, Midnight.

Q6: そうして、CRIMSON GLORY は、音楽スタイルが変化するにつれ、長年にわたって様々なシンガーを起用してきました。もしかしたら、亡くなった Midnight が今でも最も人気があるかもしれませんね。
それぞれのボーカリストの個性をどう理解していますか?

【JEFF】: Midnight がもともと、”Astronomica” のデモのいくつかで歌う予定だったことを知る人は少ない。彼は断ったんだ。かつて Wade Black が彼のバンド LUCIAN BLAQUE で演奏するのを見たとき、私たちは Wade を探したよ。Jon は彼の電話番号を手に入れ、そのままにしておいたんだ。そして Midnight が断ったとき、私たちは Wade に電話したよ。うん、Wade は “Astronomica” の曲を正しく歌ったと思う。
しかし、特にオリジナルのヴォーカリストである Midnight と比較するのであれば、新しいヴォーカリストである Travis Wills の方が合っていると思う。

Q7: “Triskaideka,” the first song to be resurrected, is a really wonderful piece of music! Can you talk about the new Crimson Glory, reborn with new members, your new musical and lyrical philosophy?

【JEFF】: As mentioned, the new CG will be a deliberate return to the style that put us on the map to begin with. However, it will also reveal how we’ve all grown as musicians, as will it hopefully demonstrate how it’s possible to stick to one’s roots while adding a contemporary edge. To stay strictly focused on recapturing the past would not allow growth as an artist. Conversely, to stay strictly focused on being trendy and current would have its drawbacks, too. So, it’s definitely a balancing act. Right now my musical philosophy is to partake in this balancing act. In my other band, Gods of Centaurus, I don’t have to think in terms of a certain time period. Not that doing so is a bad thing, there’s just certain things I have to keep in the back of my mind when writing CG material. Between both bands, I get my creative needs met. I consider the balancing act in CG a challenge, and with new singer Travis Wills and new guitarist Mark Borgmeyer, there should be no looking back. Everyone is a seasoned player, and equally if not more importantly, everyone is down to earth. That goes a long way in this business.

Q7: 復活第一弾の “Triskaideka” は本当に素晴らしいですね!
新メンバーで生まれ変わった新生 CRIMSON GLORYの新しい音楽的、作詞的哲学について話してもらえますか?

【JEFF】: 新しい CRIMSON GLORY は、最初に私たちをメタルの地図に載せたスタイルに意図的に戻ることになるだろう。しかし、同時に私たち全員がミュージシャンとしてどのように成長したかを明らかにし、現代的なエッジを加えながらもルーツに忠実であることが可能であることを示すことができればと思うよ。
過去を再現することばかりにこだわっていては、アーティストとして成長できない。逆に、トレンディであること、時流にこだわりすぎるのも欠点がある。だから、バランスを取ることが大切なんだ。今、私の音楽哲学は、このバランスを取ることにある。私のもうひとつのバンド、GODS OF CENTAURUS では、特定の時代にとらわれる必要はない。そうすることが悪いというわけではないが、CRIMSON GLORY の素材を書くときには頭の片隅に置いておかなければならないことがある。そうやって両方のバンドの間で、私は創造的な欲求を満たしているんだ。
CRIMSON GLORY でのバランス感覚は挑戦だと思っているし、新しいシンガーの Travis Wills と新しいギタリストの Mark Borgmayer がいるので、後ろを振り返ることはないはずだよ。みんなベテランのプレイヤーだし、それ以上に重要なことは、みんな地に足がついているということだ。それがこの業界では大きな意味を持つのだから。

Q8: Crimson Glory is famous for its masks, but this time the area of the mask has been reduced, giving the impression of being more stylish. Why did this mask change happen?

【JEFF】: The original masks were full face and were the brainstorm of Jon and our former manager. At the time, it seemed like a publicity stunt. However, it did create a mystique which got us the cover of many music magazines. The problem was that we looked like mannequins because of the complete lack of facial expressions. When we were traveling in a van somewhere in Europe on our first tour, there was a music magazine with the band Duran Duran on the cover sitting on the seat. This was before cell phones, mind you, so, sitting there bored out of my mind I grabbed a silver sharpie, started doodling and drew half-faced silver masks on each guy, making each one a little different than the other. I showed this to somebody, I forget who, but they thought it was a good idea. Going forward we started cutting our full face masks diagonally, each one a little differently than the other. This was the era between the release of our debut and Transcendence, hence, the evolution of the full face masks to the stylized half face masks on Transcendence. With the return of CG, it just seemed appropriate to return to the look of the era in which the masks were born, except with a more modern look.

Q8: CRIMSON GLORY といえばマスクが有名ですが、今回はマスクの面積が小さくなり、よりスタイリッシュな印象を受けました。
このマスクの変更はなぜ起こったのですか?

【JEFF】: オリジナルのマスクはフルフェイスで、Jon と前マネージャーの発案だった。当時は少し売名行為のようにも思えたね。しかし、それによって神秘性が生まれ、多くの音楽雑誌の表紙を飾ることができたんだ。
問題は、表情がまったくないため、私たちがマネキンのように見えることだった。最初のツアーでヨーロッパのどこかのバンに乗って移動していたとき、DURAN DURAN というバンドが表紙の音楽雑誌が座席に置いてあった。まだ携帯電話を持つ前のことで、私は退屈しのぎに銀色のシャープペンを手に取り、落書きを始めた。これを誰かに見せたんだ(誰かは忘れたが)。それから、フルフェイスのマスクを斜めにカットするようになった。
これがデビュー作と “Transcendence” の間の時代で、フルフェイス・マスクから “Transcendence” では様式化されたハーフフェイス・マスクに進化した。CRIMSON GLORY が復活したことで、より現代的なルックで、マスクが生まれた時代に戻るのが適切だと思ったんだ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED JEFF’S LIFE!!

Rush “2112”

Black Sabbath “Heaven and Hell”

Van Halen “S.T.”

Iron Maiden “Number of the Beast”

Metallica “Ride the Lightning”

MESSAGE FOR JAPAN

In Anime, and video games, not so much. Japanese food? I love it. As for music, I think Band Maid is a great band, with special props to their drummer, Akane. And I like Waggakki, too. Very cool act. I dig the Shamisen player.
We’ve been to Japan before and we love it there! Quite a few stories, not all of which I’m at liberty to go into, but there was one incident where a few Japanese fans actually flew back to the states with us just so they could be seated next to us for the ride. Now that’s devoted fans! We love the Land of the Rising Sun and hope to return!

アニメ、ビデオゲームはあまりしらないけど、日本食は大好きだよ!音楽では、BAND MAID は素晴らしいバンドだと思う。とくにドラマーの Akane は尊敬しているよ。和楽器バンドも好きでね。とてもクールなアクトだ。三味線奏者が好きなんだ。
日本には以前行ったことがあるし、大好きだよ!いろいろなエピソードがあって全部は言えないんだけど、日本のファンが僕らの隣の席に座りたすぎて、一緒に飛行機に乗ってアメリカに帰ってきたことがあったんだ。熱心なファンだよね!私たちは日出ずる国が大好きだし、ぜひまた行きたいと思っているよ!

JEFF LORDS

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CRIMSON GLORY Official

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COVER STORY 【MASTODON : LEVIATHAN】 20TH ANNIVERSARY !!


COVER STORY : MASTODON “LEVIATHAN 20TH”

“If You Play Jazz, You Should Listen To Metal. If You Play Metal You Should Listen To Jazz. If You Play Country You Should Listen To Classical, You Know What I Mean?”

LEVIATHAN

「地上の愚かさで人間の狂気に勝るものはない。水にはすべての人を惹きつける魔力がある」
2004年。今から20年前の夏、メタル・リフに革命をもたらし、リフの歴史を変えた2枚のアルバムがリリースされました。MASTODON の “Leviathan” と LAMB OF GOD の “Ashes of the Wake”。奇しくもその20年後、2つのバンド、2つのアルバムは邂逅し、共に旅をはじめます。

MASTODON のセカンド・アルバム “Leviathan” は2004年8月31日にリリースされました。その衝撃は津波のように伝わり、ジョージア州アトランタとその周辺のDIYシーンからバンドを大舞台へと連れ出しました。2004年の Unholy Alliance ツアーで SLIPKNOT, SLAYER のサポートを務め、2005年のOzzfest ではセカンド・ステージに登場。ライターや掲示板のユーザーたちは、彼らが次の METALLICA ではないかと推測し始めました。
この比較は、音楽的成長の質の高さからいえば適切なものでした。もちろん、2002年にリラプス・レコードからリリースされたファースト・アルバム “Remission” は、見事なまでにニヒルで野心的なデビュー作でした。バンドはヘヴィ・メタルの頂点に臆することなく立ち向かい、奇妙で伸びやかなメロディック・パッセージ、恐ろしいほどヘヴィな血の激流、そして先見性のある歌詞のアプローチなど、独自の特徴的なサウンドを見せつけていました。
しかし、”Leviathan” はそれ以上のまさに津波でした。傲慢、強迫観念、狂気を描いたハーマン・メルヴィルの古典小説 “白鯨” を軸にしたこのコンセプト・アルバムは、よりフォーカスされた、より大胆な作品となりました。IRON MAIDEN から THIN LIZZY, MELVINS まで、様々な影響が渦潮のごとく渦巻いていながら、彼らのリフやサウンドは完全にオリジナルでした。そして、オープナーのエクストリーム・アンセム “Blood and Thunder” から、海の底から蘇ったエイリアン的コーダ “Joseph Merrick” まで、モダン・メタルの叙事詩はリスナーを冒険の船旅へと誘います。

今では、”21世紀最高のメタル・アルバム” と呼ばれることも少なくない “Leviathan”。20年経った今、ドラマーでボーカリストの Brann Dailer はこのアルバムを “僕らのディスコグラフィーの柱のひとつであり、僕らのすべてを変えたアルバム” だと語っています。
「”Leviathan” で自分たちが新しい場所に行ったような気がして興奮したんだ」
興味深いことに、MASTODON はこのアルバムの制作にあたって、特に強い音楽的野心を持っていたわけではありませんでした。彼らが出すアルバムはどれも、”その時たまたま取り組んでいた曲” を反映しているだけなのです。楽曲で十分にジャムり、強力だと判断した時、バンドはアルバムをレコーディングします。”Leviathan” の音楽は比較的早くまとまりました。そして彼らの音楽的ヒーローである NEUROSIS の例に倣い、彼らは2004年初頭に CLUTCH をサポートしたアメリカの東海岸から西海岸にまたがるツアーを利用して、狂気の試みを実行に移しました。
「よし、”Leviathan” の全曲を演奏しよう。そして、基本的に毎晩、ライブの観客の前でアルバムのリハーサルをするんだ。レコーディング地、シアトルに着くまでに、すべてを把握しよう!」
サポート・アクトとして、メインのバンドの観客にまったく未知の曲をぶつけるのは、狂気か天才かのどちらかでしょう。MASTODON の場合は、おそらくその両方でした。そのツアーでバンドが “Blood and Thunder” をジャムっている動画が出回っていますが、ベーシスト兼シンガーの Troy Sanders は、この曲のリード・ボーカルの音程を試しながら、大混乱の中で歌詞にもならない無意味なことを叫んでいるだけでした。
2、3ヶ月のツアーを終えてシアトルに着く頃には、エンジニアの Matt Bayles はこうぶっきらぼうに言ったそうです。
「2度とこんなことはするな。オマエらもうヘトヘトじゃねーか!」

メルヴィルの小説の中で、エイハブ船長がモビー・ディックと呼ばれる巨大な白いマッコウクジラを追い求めざるを得なかったように、彼らは自らの可能性を追い求めました。
「何が自分たちの地平線の上にあるのか、見当もつかなかった。でも、僕たち全員が、自分たちの想像力のさまざまな面や、自分たちが好きなさまざまな影響を実験することに興味を持っていたんだ」
後年のリリースで MASTODON はより表現力豊かな “プログ” に接近したといわれています。しかし、このプログレッシブな感覚は、マストドン・プロジェクトに最初から備わっていたものでした。”Leviathan” は、型にはまらないという意味でも間違いなくプログレッシブなレコードです。長年ライヴで愛されている “Megalodon” では、ギタリストの Brent Hinds が中盤でブルー・グラスの長めのリリックを披露し、その後、急転直下、METALLICA の “Welcome Home (Sanitarium)” の後半を強く想起させる怒涛のスラッシュ・パートに突入する場面はその象徴でしょう。
「奇妙な並置が僕らのお気に入りなんだ。リスナーの意表をつくようなことは何でも大歓迎だ」
MASTODON はメタルなのでしょうか?
「有機的でヘヴィでソウルフル。音楽的に複雑で挑戦的なものもあれば、頭脳的な意味でヘヴィなものもある。自分たちがメタルだと言うことを恐れてはいない。メタルというジャンルには、いろいろな形があると思う。たぶん、世の中にある他のどんな種類の音楽よりも多くの形があると思う。ダイナミックに、メタル・ミュージックでできることはたくさんある。本当にソフトに演奏することもできるし、クソほどヘヴィに演奏することもできる。ハードの中のハードとヘヴィの中のヘヴィが同時に存在できる。メタルではそれが可能なんだ」

“Leviathan” で MASTODON は現代的なリフの可能性、つまりリズミックな挑戦を追求しました。言いかえれば、MASTODON と LAMB OF GOD の登場で、一般的なメタルのリスナーまでも複雑さを包容し、欲しがり始めたともいえます。そうした意味でも、”モダン・メタル” における MASTODON の貢献は計り知れません。では、そうした複雑さ、”プログレッシブ” な影響はどこから現れたのでしょうか?
「特に70年代のプログレッシブ・ロックに影響を受けた。例えば、”Colony of Birchmen” という曲名が “The Colony of Slippermen” へのオマージュであるように。GENESIS の “The Lamb Lies Down on Broadway”。あのコンセプト・アルバムは僕の一番好きなアルバムなんだ。
赤ん坊の頃から僕の人生の大部分を占めている。僕の両親は初期の GENESIS に夢中だった。母の昔のバンドは “Supper’s Ready” をよくカバーしていたんだ。僕にとって GENESIS はおばあちゃんのミートローフのようなもので、最初の数音をピアノで聴くと心が安らぐんだ」
Brann はドラマーとしても Phil Collins の大ファンです。
「彼のドラミングは大好きだし、彼が出した Peter Gabriel 以降のアルバム、”Abacab” も好きだ!GENESIS のドラマーとして、彼は驚異的だと思う。
多くの人が彼のことを “GENESIS をダメにした男” としか思っていなかったり、偉大で革新的なドラマーというよりは、ジャケットとネクタイ姿のラウンジ・シンガーとしてしか知らなかったりする。
僕が Phil Collins と Stevie Wonder が好きな2人のドラマーだと話すと驚かれるよ。多くの人は Stevie Wander が自分のアルバムでドラムを叩いていることさえ知らないんだ。ドラムは彼が最初に手にした楽器なんだ。Stevie は、Peter Gabriel, David Bowie と並んで、僕の一番好きなミュージシャンだ」

加えて、ジャズからの影響が MASTODON の複雑さと重さの架け橋になっています。
「ジャズで影響を受けたのは Elvin Jones, Billy Cobham, Tony Williams。この3人がトップ3だね。この3人のキットの動かし方が好きなんだ」
まさにモダン・メタルの多様性。では、メタル・プレイヤーにとって、ジャズを学ぶことは重要なのでしょうか?
「僕も勉強したことはないけれど、ミュージシャンとして一般的に何でも聴くべきだと思う。ジャズを演奏するなら、メタルを聴くべきだ。メタルをやるならジャズを聴くべきだ。カントリーをやるならクラシックを聴くべきだ。もし音楽をやっているのなら、音楽的な状況やセッティングに入るときに、自分が何を話しているのかを知っておくべきだからね。そうすれば、何が何に合うかを頭の片隅に置いておくことができる。あらゆる種類の音楽について一般的な知識を持っておくべきだ。世の中にはどんなジャンルにも宝石がある。それを探すんだ。Willie Nelson のように、多くの人がその音楽について語り、クラシック・アーティストとして賞賛されていれば、きっとその音楽は素晴らしいものであるはずだ。今はピンとこないかもしれないけど、後でピンとくるかもしれない。
若いうちは少し閉鎖的になりがちかもしれないけれど、あるスタイルの音楽に対して “絶対ダメ” とは言わない方がいいと思う。たとえ好きでなくても、その音楽について何か知っておくべきだと思う。13歳か14歳の頃、スラッシュ・メタルをよく聴いていたんだけど、その時は家では他のものを聴いていることを認めることができなかった。聴いていたけど、カッコつけてたんだよな」
THE MARS VOLTA のメンバーだった Jon Philip Theodore と比較されることも多い Brann。
「Jon は僕の相棒なんだ!ライブで知り合ったんだ。彼は僕の親友で、よく話をする。僕らのスタイルは絶対に似ていると思う。初めて Jon の演奏を聴いたとき、いろんな意味で自分を思い出したよ。似ているところがたくさんあると思うし、彼のスタイルが大好きなんだ。彼は本当に流動的で、最高においしいビートを持っている。彼がキットを動き回る様子はとても流動的で、でも僕には彼がやることすべてが正しい場所にあるように思える。ドラマーに聴かせたいものは何でも、彼がやってくれる。彼は私を幸せにしてくれるんだ」

とはいえ、MASTODON と Brann は別段突拍子もない特別なことをしたわけではありません。解放弦を多用したカントリー風のリック、ツインギターのハーモニー、バディ・リッチのような手数の多いドラム・マシンガン、幾何学的な変拍子。彼らはこれまであったものを活用し、うまく溶け合わせることで難解でヘヴィでありながらオーガニックという MASTODON のユニーク・スキルを築き上げました。特に、当たり前のようなリフ、古臭いカントリーのリック、シンメトリーなパターンを、雷のようなドラミングで磨き上げ、リズムのトリックを生み出し、現代的に仕立て上げる Brann の手練手管はもはやリフの一部でした。
こうした音楽にしては、Brann のドラムは驚くほどルーズでしなやか。死ぬほどハードに叩いているわけではないのに、ブルータルなサウンドを生み出しているのは驚異的です。
「すべてのパートで基本的なビートを作ってからいじくり回す。基本の枠にはとらわれない。ストレートなビートでないとうまくいかないリフもある。でも、多くの曲では、自分のやりたいことをやって、2秒後にそれを戻すことができるんだ。
若い頃、たぶん16歳か17歳の頃、ツーバスに頼りすぎていると感じていた。シングルベースだけでビートをフルにするようにしたんだ。ツーバスは、必要なときにアクセントとして入れるんだ。軍艦や戦車が転がってくるようなリフもあって、そこで必要になる。
僕が演奏しているときの目標は、飛び立つことなんだ。飛び立ってどこかに行く。毎回そうなるわけではない。でも、もしその場所に行くことができたら、音楽を演奏することで得られる、ほとんど体の外にいるような体験がしたいんだ」

当時、スピードと”正確性” へと向かっていたメタルのトレンドを揺り戻したのも MASTODON でした。
「演奏にもっと多様性が出てくるといいよね。僕は超高速のツーバスが得意じゃないから、手を開発したんだ。手を鍛えるのと一緒に、クレイジーなフィルとかもたくさんできるようになった。僕のドラムの多くは、僕ができなかったことを許容した結果なんだ(笑)。そういうプレイをする連中が一番上手いんだから、わざわざ僕がいじろうとする必要はないだろう。僕はただ自分のことをするだけで、自分自身のオリジナリティを保ち、できる限り挑戦し、自分がプレーできる最もクールなものを考えるようにしたい。時には AC/DC のPhil Rudd になることも必要だ。僕はただ、自分が演奏しても面白いし、リスナーが聴いても面白いパートを作るように心がけている。音楽を中心にビートを組み立てているんだ。その時に鳴っているリフからインスピレーションを受けるんだ。そうすると、トランジションを作りたくなるし、クレッシェンドを作りたくなる。ドラマーとして求めている激しさが曲の中で起こるようにしたいんだ。次のレベル、”ランナーズ・ハイ” のようなものをね。それをいつも探しているんだ」
Brann はそれでも “ただドラムを叩いていただけ” と自身の貢献を軽視しますが、”Iron Tusk” の冒頭のドラム・ブレイクは、明らかに MASTODON が偉大なメタル・バンドの仲間入りを果たした瞬間でした。しかし、Brann にとってより重要だったのは、”感情にフックする” ことであり、偉大なヘヴィ・ミュージックを生み出した “原始的な場所” に行くことでした。そして、Brann にはその夢を分け合った盟友が存在したのです。
「彼は僕のハイハット・スタンドにメモをテープで貼っていた。演奏する前にね。それは、”Seabeast”…”Seabeast”はやらないの?せめて最後のリフだけでも……お願い……”って感じだった」
SLIPKNOT とツアーを共にした際、Joey Jordison がBrann のサウンドチェックを見ていた時の話。モダン・メタル界で最も偉大なドラマーである2人が、互いのプレイを見守り、賞賛し合っていたのです。両者とも “忙しない” ドラマーとして名を馳せましたが、スネアを鳴らして楽曲を作り上げた Brann に対して、足とバスドラで主張する Joey はまさに好対照の好敵手でした。
ともあれ、Joey の懇願は十分に理解できます。”Seabeast” は、異世界のように蛇行したギターラインとのトリッピーで漂うようなボーカルから、一風変わった音階の轟音コーラスで推進力を得て進む海獣。最後のリフは、そのギザギザの牙で強襲しながらバンドが今日まで忠実に守っている激しさを見せつけます。
「他の作品がよりポップになったり、スーパー・プログレッシヴになったとしても、少なくとも1枚のアルバムに2、3回は、常に牙を見せようとしているんだ」

とはいえ、MASTODON には怒りや激しさだけがあるわけではありません。
「妹は僕が15歳の時に自殺した。妹は14歳だった。それから13年。僕が心の中に抱えていたすべての痛み。姉を失った痛みはいつもそこにあった。TODAY IS THE DAY では怒りが込み上げてきた。それ以降は、怒りたくない。MASTODON で活動を始めてアトランタに移ったとき、個人的に大きな癒しがあった。それには MASTODON が大きく関係している。それが、”Remission” を作った大きな理由のひとつだ。Remission とは、許しと癒しという意味だ。MASTODON が助けてくれた。人生に起こった多くのことを許してくれた」
彼らの音楽が複雑になるにつれ、バンドは “Leviathan” ほど直接的な攻撃性を見せることはほぼなくなりました。だからこそ、シンプルかつ強烈な “Blood and Thunder” のメイン・リフを思いついた瞬間は、まさに奇跡でした。MASTODON 流 “Paranoid”, “Enter Sandman”, “Highway Star” のようなアンセムで、シンプルで、即効性があり、誰も否定することはできません。
「”Blood and Thunder” の最初のリフが出来上がったとき、全員が部屋に集まって、100時間演奏し続けたよ!」
Brann に言わせれば、バンドはあのリフで宝くじに当たったようなもので、そこからリスナーは MASTODON に病みつきになるのです。
“Blood and Thunder” が天才的なのは、その原作である “白鯨” のエッセンスを巧みに抽出しているところでもあります。”Blood and Thunder!” という絶叫自体が、18世紀に一種の誓いとして生まれたもの。小説では、ペレグ船長が叫び、彼が所有するペコッド号の乗組員たちに、エイハブ船長の指揮の下、急いで出港するよう促す呼びかけの言葉でした。
1984年の “Powerslave” に収録された IRON MAIDEN の名曲 “Rime of the Ancient Mariner” が、基本的にコールリッジの同名の詩を自分たちのために書き直したのとは異なり、MASTODON は白鯨をテーマのバックボーンとして使用しています。”Aqua Dementia” (ボーカルは NEUROSIS の Scott Kelly)では、彼らはさらに踏み込んで、船室の少年ピップがクジラ船から飛び降り、一時的に海に捨てられている間に精神に異常をきたした経験を詳しく説明しています。
「水とか火とか、いろんなものを使いたかった。純粋な攻撃性も欲しかったし、美しさも欲しかったし、すべてが混ざり合っていたかった」

この曲のもうひとつのイメージである “大地を燃やす完璧な火” は、アルバムの水のテーマに反するもの。MASTODON の最初の4枚のアルバムがそれぞれ元素のひとつをテーマにしているのは、”Remission” のリリース後に考案されたものでした。”Remission” の火のシンボルを認め、そして彼らは、次の作品に水を求めたのです。
水というテーマは、その性質上、絞り込むのが難しく、Brann は2003年のハワイ滞在中に “白鯨” を購入しました。この本がハワイに由来することも、ハワイの火山の女神ペレの燃えるようなイメージがリヴァイアサンの歌詞に残っていることもそれが理由。また、このアルバムの中で最も過酷で不協和音が多い “ĺsland” に描かれているように、1973年にアイスランドのハイマエイ島で起きた噴火にも言及しています。
そして “Hearts Alive”。この曲は言葉ではとても言い表せません。まるで海そのもののようなサウンド。海水は揺れ動き、沸騰し、重厚なリフと揺らめくアルペジオが互いに重なり合う。そして高揚感あふれるギター・ソロ。さながらメルヴィルの小説の最後に出てくるペコッド号の沈没に対する鎮魂歌のように、最後の3分間で鳴り響く勝利の和音と湧き上がるリズムの波動。白鯨とマストドンが共に水面を突き破り、海は墓場となり、空に向かって上昇していきます。
さらに白鯨と鯨狩りの道具は、Brann とジャケット・アーティストのポール・ロマーノとの会話に完璧なインスピレーションを与えました。バンドは、”M” の後ろに交差した銛をバンドのロゴ兼海上の紋章のように使用。ロマノがこのアルバムのために制作したアートワークは、MASTODON の歌詞と音楽に加え、小説や関連する原典、学術的なリサーチなど、多くの素材に恵まれました。そうして、船を背負った巨大な白鯨の威厳は、音楽史上最も壮大なアルバム・ジャケットのひとつとなったのです。
「アルバムが完成したとき、駐車場に座ってビールを1ケースくらい飲みながら、”Leviathan” を何度も何度も聴いたのを覚えている。出来上がりにとても興奮していた。みんながどう思うかはわからなかった。”Blood and Thunder” については、シンプルでストレートすぎると怒っていた人たちがいたのを覚えている。でも、自分たちが書きたいこと、好きなことを書いていただけなんだ」
そうして “白鯨” を捕まえた “Leviathan” から20年。結成から四半世紀が経とうとしていますが、MASTODON のもうひとつの特筆すべき点は、2000年以降メンバーを一人も失っていないことでしょう。エイハブのような執念が、彼らをこれまで以上に強く結び付けているのです。
「同じ4人組がずっと活動を続けているのは、確かに最近では珍しいことだと思う」

参考文献: INK19:An Interview with Brann Dailor of Mastodon

LOLIPOP MAG: MASTODON

KNOTFEST:Of Fire and Water: Twenty years of Mastodon’s ‘Leviathan’

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SEVENTH DIMENSION : OF HOPE & ORDEALS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH LUCA DELLE FAVE OF SEVENTH DIMENSION !!

“I First Discovered Japanese Culture Back In 2014. Actually It Was Back When Babymetal Was Starting To Become Big In The West And I Was Part Of The Early Bandwagon Of European Fans.”

DISC REVIEW “OF HOPE & ORDEAL”

「最近は、歌詞のアイデアの多くに日本文化が確かに影響しているよ。日本人である妻が最近、”雨ニモマケズ” という有名な日本の詩を紹介してくれてね。その詩の内容の多くが、僕の周りにいる多くの日本人の友人の中にあることに気づいたから心に残ったんだ」
“ほめられもせず 苦にもされず そういうものに わたしはなりたい”。宮沢賢治 “雨ニモマケズ” の最終節です。もしかすると、プログ・メタルというジャンル自体、音楽シーンのなかではまさにそんな存在なのかもしれません。欲はなく、決して怒らず、いつも静かに笑っている。デクノボーと呼ばれるかもしれない。それでも、こうした音楽に楽しみや癒しや救いを求める者があれば、行って希望を叶えてあげる。スウェーデンの SEVENTH DIMENSION はそんなプログ・メタルになりたいのです。
「僕らの音楽はプログレッシブでありながら、とても聴きやすい音楽でありたいといつも思っているんだ。コード進行の中で時々変なところに行ったり、長い曲があったりするかもしれないけど、曲が長く感じられるようには決してしたくない」
闇があるからこそ光が差す。試練があるからこそ希望がある。SEVENTH DIMENSION の最新作 “Of Hope & Ordeals” は、エゴと欲望が渦巻くこの暗い世界を迷宮という試練に例えながら、いつかは出口という光にたどり着くと歌います。プログという複雑で迷宮のような音楽において、色とりどりのメロディはまさに悦楽であり希望。そう、彼らはプログという一見エゴイスティックな音楽が、その実最も欲望や妬みから程遠いことをその音楽で証明します。煩悩よりも才能を。あまりに見事な甘やかなアートはそうして、世界の闇をクリスタルで払います。
「日本の音楽シーンで一番好きなのは、ジャンルは違っても、実際の楽器を使って音楽を演奏することが、今でも演奏やレコーディングのメジャーなスタイルだというところだね。西洋では多くのジャンルがそれを放棄し、プログラミングに完全に取って代わられていると感じるからね。だから、ポップ・ミュージックの中にも、人間的な要素がまだ強く残っている日本が好きなんだ」
そんな彼らの “試練”、プログ・メタルに大きな影響を与えたのが、日本の優しさの文化であり、日本の音楽世界のあり方でした。日本で4年間を過ごしたギタリスト Luca Delle Fave は、この国にきてまず、本物の楽器が今も幅を利かせていることに驚きました。なぜなら、欧米のシーンはプログラミングが今や音の大部分を占めているから。
フィジカルな “練習” を必要としないインスタントなサウンドは、プログという “試練” や “苦悩” とは真逆の場所にあります。だからこそ、そこには SEVENTH DIMENSION の求める光や希望は存在しないのかもしれません。日本で楽器を修練し、プログレッシブであることを許され、勇気を得た彼らは、そうしてグラミーを獲得した DREAM THEATER の背中を追います。
切なくも色香のあるラブリエのような歌声に、難解をフックに変えたインストの妙、そして美しきアトモスフィア。これまでスウェーデンの “Seventh” といえば Wonder でしたが、”Dimension” もこれからは外すことができないでしょう。
今回弊誌では、Luca Delle Fave にインタビューを行うことができました。「日本の文化を知ったのは2014年のこと。実はBabymetal が欧米でビッグになり始めた頃で、僕はヨーロッパのファンの初期メンバーの一員だったんだ。それで、Babymetal の最初のヨーロッパ公演を何度か見に行ったんだけど、そこで生まれて初めてたくさんの日本人に会ったんだ。彼らの優しさ、敬意、謙虚さに心を打たれた。その後、Babymetal コミュニティの中で多くの日本人の友人を作り、最終的に2015年初めに日本を訪れることになった。1カ月滞在した僕は、自分が見つけたこの新しい世界にすっかり魅了され、日本語を流暢に話せるようになって日本に住むことを決意したんだ」 どうぞ!!

SEVENTH DIMENSION “OF HOPE & ORDEALS” : 10/10

INTERVIEW WITH LUCA DELLE FAVE

Q1: First of all, I was surprised to hear that you have lived in Japan for four years! Why are you so closely connected to Japan?

【LUCA】: I first discovered Japanese culture back in 2014. Actually it was back when Babymetal was starting to become big in the west and I was part of the early bandwagon of European fans. So I went to see them live in several of their first European shows and by doing so, I met plenty of Japanese people for the first time in my life. I was struck by their kindness, respect and humbleness. I then made many Japanese friends within that community which eventually brought me to visit Japan in early 2015. I was there for a month and I completely fell in love with this new world I had found, which led to my decision to commit to become fluent in Japanese and live there. It might sound cheesy for some, but I found a lot of peace in Japan and discovered a lot of what I value in life by living there. I’m back in Sweden now for various reasons, but Japan is always a second home to me.

Q1: まず、あなたが日本に4年間住んでいたと聞いて驚きました!なぜそんなに日本と関係が深いのですか?

【LUCA】: 日本の文化を知ったのは2014年のこと。実はBabymetal が欧米でビッグになり始めた頃で、僕はヨーロッパのファンの初期メンバーの一員だったんだ。それで、Babymetal の最初のヨーロッパ公演を何度か見に行ったんだけど、そこで生まれて初めてたくさんの日本人に会ったんだ。
彼らの優しさ、敬意、謙虚さに心を打たれた。その後、Babymetal コミュニティの中で多くの日本人の友人を作り、最終的に2015年初めに日本を訪れることになった。1カ月滞在した僕は、自分が見つけたこの新しい世界にすっかり魅了され、日本語を流暢に話せるようになって日本に住むことを決意したんだ。
安っぽく聞こえる人もいるかもしれない。だけどね、僕は日本で多くの安らぎを見つけ、日本で生活することで今、人生で大切にしていることの多くを発見した。今は様々な理由でスウェーデンに戻っているけど、日本は僕にとって常に第二の故郷だよ。

Q2: After living in Japan, how do you feel about the Japanese music and metal scene? Were there any artists you particularly liked?

【LUCA】: My friend listens to a lot of Visual Kei, so he tried to get me into a lot of stuff haha. But ‘Girugamesh’ had a lot of really great music. Ulma Sound Junction is also a great band! I know them because they played with us when Seventh Dimension played at Wild Side in Tokyo in 2019. But the thing I love the most about the music scene in Japan is that, despite the genre, playing music with actual instruments is still the main way to perform and record. While I feel that so many genres in the west have abandoned that for complete replacement by programming. So I like that big human factor still being strong, even within pop music.

Q2: 日本に住んでみて、日本の音楽やメタル・シーンについてはどう感じましたか?特に好きなアーティストはいましたか?

【LUCA】: 僕の友達がヴィジュアル系をよく聴いていて、僕をいろんなバンドに引き込もうとしたんだ (笑)。でも girugamesh には本当に素晴らしい音楽がたくさんあったな。Ulma Sound Junction も素晴らしいバンドだ!2019年に SEVENTH DIMENSION が東京のワイルドサイドで演奏したときに一緒に出演したから知っているんだ。
だけどね、日本の音楽シーンで一番好きなのは、ジャンルは違っても、実際の楽器を使って音楽を演奏することが、今でも演奏やレコーディングのメジャーなスタイルだというところだね。西洋では多くのジャンルがそれを放棄し、プログラミングに完全に取って代わられていると感じるからね。だから、ポップ・ミュージックの中にも、人間的な要素がまだ強く残っている日本が好きなんだ。

Q3: Does Japanese culture, anime, video games, history, and music influence your work?

【LUCA】: Culture sure does when it comes to many of the lyrical ideas I get recently. My wife, who is Japanese, recently introduced me to a famous Japanese poem called 雨ニモマケズ and it stayed with me because I recognize a lot of it’s content in many Japanese friends I have. It also made me realize how much life in Japan has helped form some of my ways of thinking. And all these things surely make their way into our music sometimes. I also studied orchestration & arrangement and graduated at SHOBI College of Music in Tokyo, so a lot of what I learned there has been applied to our new album.

Q3: 日本の文化、アニメ、ビデオゲーム、歴史、音楽はあなたの作品に影響を与えていますか?

【LUCA】: 最近は、歌詞のアイデアの多くに日本文化が確かに影響しているよ。日本人である妻が最近、”雨ニモマケズ” という有名な日本の詩を紹介してくれてね。その詩の内容の多くが、僕の周りにいる多くの日本人の友人の中にあることに気づいたから心に残ったんだ。
また、日本での生活がどれだけ僕の考え方を形成するのに役立っているかも実感させられた。そして、こういったことはすべて、時に僕たちの音楽にも確実に影響を及ぼしている。また、僕は東京の尚美ミュージック・カレッジでオーケストレーションとアレンジを学び、卒業しているから、そこで学んだことの多くが僕たちの新しいアルバムに生かされているよ。

Q4: Still, “Of Hope & Ordeals” is a great piece of work! Can you start by telling us the meaning of the title and the artwork with the Final Fantasy-like crystals?

【LUCA】: The title came about a year ago. I suggested the title to the guys in the band on Midsummer’s Eve last year, which is a big holiday here in Sweden, once the general topics and lyrical ideas were already set in motion. I realized a lot of them dealt with hardships but also finding light at the end of the dark tunnel. So this title popped up into my head, and it really connected with everyone. When it comes to the artwork, one of our main ideas from the beginning was to have an album where we “paint with many colors”. So we wanted each song to have its own vibe and color. So each color represents a song, and then every color is also found again within the 6 chapters of the final song. Originally in my draft art, it looked more like a sunflower, but we knew early on we wanted to have things like stones or crystals. The labyrinth in the middle represents the album title. In other words, we wanted to symbolize the word “Ordeals” with the feeling of being stuck in a labyrinth trying to find your way out to the colors that represent “Hope”. The labyrinth also felt very fitting for the genre, since with prog you never really know what’s behind the corner, where the path will lead you or how long the path is.

Q4: それにしても “Of Hope & Ordeals” は素晴らしい作品ですね!
まずはタイトルと、まるでファイナル・ファンタジーのようなクリスタルを使ったアートワークの意味から教えていただけますか?

【LUCA】: タイトルは1年ほど前につけたんだ。昨年の夏至の夜にバンドのみんなにタイトルを提案したんだよ。スウェーデンでは大きな祝日なんだけど、大まかなトピックと歌詞のアイデアはすでに決まっていた。その多くが苦難を扱っていると同時に、暗いトンネルの先に光を見出すことをテーマにしていることに気づいたんだ。だからこのタイトルが頭に浮かんだんだ。
アートワークに関して言えば、当初からの主なアイデアのひとつは、”たくさんの色で描く” アルバムにすることだった。だから、それぞれの曲にそれぞれの雰囲気と色を持たせたかった。それぞれの色が曲を表し、そしてすべての色が最終的な曲の6つのチャプターの中でまた見つかる。
もともとはひまわりのようなイメージだったんだけど、石やクリスタルのようなものにしたいと早い段階から思っていたんだ。真ん中の迷宮はアルバム・タイトルを表している。つまり、”Ordeals (試練)” という言葉を、迷宮から抜け出せずに “Hope (希望)” を表す色に辿り着こうとしているような感覚で象徴したかった。また、プログの世界は、曲がり角の向こうに何があるのか、道はどこにつながっているのか、道のりはどれくらい長いのか、わからない音楽なので、迷宮はこのジャンルにとてもふさわしいと感じたんだよね。

Q5: This is truly an “Ordeals” time in the world, where war, division, and oppression are rampant. In such a world, what can music do and what can music be “hope”?

【LUCA】: I think hope, or peace, is always achievable, because more often than not it is the result of a mindset. Sometimes hope and ordeals are codependent on one another, as in we can’t fully appreciate hope and peace unless we’ve experienced struggle and hardship. A certain mindset can also hinder you from finding peace, such as being caught in greed for example which then becomes this hunt for a goal line that constantly moves away from you the closer you get to it, almost like the horizon. But music is definitely a wonderful tool when we struggle with these questions. They often offer a remedy, a temporary relief or even help us deep dive into answering these questions. I think that musical stimulation combined with human interpretation leads us to a very special and meditative place of self reflection.

Q5: 今、世界では戦争、分断、抑圧が蔓延していて、まさに “試練” の時代ですよね。そのような世界で、音楽ができること、音楽が “希望” となれることは何でしょうか?

【LUCA】: 希望や平和は常に達成可能なものだと思う。希望と試練は互いに共依存していることがある。つまり、闘争や苦難を経験しなければ、希望や平和を十分に理解することができない。
ある種の考え方は、平和を見出す妨げになることもある。例えば、貪欲さにとらわれていると、ゴールに近づけば近づくほど遠ざかっていく、まるで地平線のようなゴールラインを追い求めることになる。
しかし、このような疑問と闘うとき、音楽は間違いなく素晴らしいツールだ。音楽は多くの場合、救済策や一時的な安らぎを与えてくれるし、こうした疑問の答えを導き出すために深く潜る手助けさえしてくれる。人間的な解釈と組み合わさった音楽的刺激は、僕たちを非常に特別で瞑想的な自己内省の場へと導いてくれるんだ。

Q6: What’s more, in such a dark world, perhaps the fantasy of metal and prog as an escape from reality is what the world needs most right now?

【LUCA】: That’s exactly it! And sometimes an escape is what we really need. This is really why I love big long songs such as Black Sky: Final Frontier on this album. Long pieces like that really make you temporarily forget about the world around you.

Q6: さらに、このような暗い世界では、現実逃避としてのメタルやプログレのファンタジーこそが、今世界が最も必要としているものなのかもしれませんね?

【LUCA】: まさにそうだね!時には逃避行も必要なんだ。だから、このアルバムの “Black Sky” のような長い曲が大好きなんだ。ああいう長い曲は、一時的に周りの世界を忘れさせてくれるからね。

Q7: Your cover of ” A Change of Seasons” was wonderful! It’s true that your music is influenced by Dream Theater, especially the atmospheric feeling of the Kevin Moore and Derek Sherinian era before Jordan Rudess joined the band. Would you agree?

【LUCA】: Oh absolutely! For us, Dream Theater is a huge influence, there is no denying that. However we probably mostly grew up with the Jordan era of Dream Theater actually, which is my favorite era in general around 2000-2011. This is also of course because that is when I became a musician, fell in love with music, discovered prog and discovered all my favorite bands. I guess a person’s favorite era of music is always the era that took place whenever they were around 20 years old, haha. However we are of course big fans of DTs early Kevin Moore-era as well, and ‘A Change of Seasons’ is my favorite song of all time which is also why we covered it.

Q7: “A Change of Seasons” のカバーは素晴らしかったですね!
あなたの音楽は DREAM THEATER、特に Jordan Rudess が加入する前の Kevin Moore や Derek Sherinian 時代の雰囲気から影響を受けているように感じました。

【LUCA】: もちろん!僕らにとって DREAM THEATER の影響はとても大きい。でも、僕たちは Jordan 時代で育ったんだ。2000年から2011年ごろかな。それはもちろん、僕がミュージシャンになり、音楽を好きになり、プログを発見し、好きなバンドを見つけた時期でもあるからだ。
人の好きな音楽というのは、常に20歳前後のときに体験した時代なんだろうね。”A Change of Seasons” は僕の一番好きな曲で、それがこの曲をカバーした理由でもあるんだ。

Q8: It is important to note that your music is technical and progressive, yet has very catchy melodies. Prog and metal music is not the most popular music, but with such melodic beauty, is it possible to gain great popularity through buzz on social networking sites and TikTok?

【LUCA】: We sure hope so! Haha. But I think we always wanted our music to sound proggy but at the same time being very listenable prog. We might go to odd places within our chord progressions sometimes or have long songs, but I never want a song to feel long, with the exception of ‘The Dreamer’s Escape’ on our third album which is purposely designed to feel long. But there’s a common goal I want to achieve when it comes to having long songs, writing an odd chord progression, writing in odd time… And that is that I always want it to feel smooth and natural. Unless there is a conceptual/lyrical/story reason for it not to do so.

Q8: あなたの音楽はテクニカルでプログレッシブでありながら、非常にキャッチーなメロディを持っていることが重要です。
プログやメタル・ミュージックは最もポピュラーな音楽ではありませんが、このようなメロディーの美しさがあれば、SNSやTikTokで話題となり、大きな人気を得ることも可能でしょうか?

【LUCA】: そうだといいよね!ハハハ。でも、僕らの音楽はプログレッシブでありながら、とても聴きやすい音楽でありたいといつも思っているんだ。コード進行の中で時々変なところに行ったり、長い曲があったりするかもしれないけど、曲が長く感じられるようには決してしたくない。3枚目の”The Dreamer Escape” を除いてね。あれはわざと長く感じるようにデザインしていたから。でも、長い曲や変則的なコード進行、変則的な拍子で書くことに関しては、達成したい共通の目標があるんだ。それは、常にスムーズで自然な感じにしたいということだ。コンセプチュアル/叙情的/ストーリー的な理由がない限りはね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED LUCA’S LIFE!!

Jean-Michel Jarre “The Concert in China”

Iron Maiden “A Matter of Life and Death”

Dream Theater “Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory”

Symphony X “The Odyssey”

Porcupine Tree “Fear of a Blank Planet”

MESSAGE FOR JAPAN

Japan, you are my second home, now and forever! Playing in Japan with Seventh Dimension in 2019 was the best show of our career and we definitely want to come back and do a proper tour. We love you, I love you and we shall see you again! And when we do, we shall prepare a bunch of incredible setlists to make it an unforgettable tour!

日本は僕の第二の故郷だよ、今も昔も!2019年の日本のライブは僕らのキャリアの中で最高のショーだったし、絶対にまた日本でちゃんとしたツアーをやりたい。とにかく、日本が大好きなんだ!そしてその時は、忘れられないツアーにするために、たくさんの素晴らしいセットリストを準備しよう!

LUCA DELLE FAVE

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【ALCEST : LES CHANTS DE L’AURORE】


COVER STORY : ALCEST “LES CHANTS DE L’AURORE”

“God Is Called Kami In Japanese, And They Basically Have a Kami For Everything. And You Can Clearly See That In Princess Mononoke.”

夜明けの歌

「今、メタルというジャンルはとてもオープンで、いろんなスタイルやアプローチがある」
ブラック・ゲイズ。このサブジャンルは、ブラック・メタルの狂暴で擦過的な暗闇と、シューゲイザーの幽玄でメランコリックな審美を等しく抱きしめた奇跡。メタルとインディー。つまり、このあまりに対照的な2つのジャンルの融合は、フランスの ALCEST が牽引したといっても過言ではないでしょう。
ALCEST にはサウンド面だけでなく、主にフランス語で作曲しながら、世界中に多くのカルト的なファンを獲得してきたという功績もあります。ヨーロッパや非英語圏のメタル・バンドは、より広くアピールするために英語で作曲するのが普通でしたが、ALCEST は音楽に普遍的な魅力があれば言語は関係ないことを証明し続けています。
7枚目のスタジオ・アルバム “Les Chants De L’Aurore” でALCEST は、極限まで輝かしく、メロディアスでみずみずしいアルバムを作るという野心的な探求に乗り出しました。”Spiritual Instinct” や “Kodama” で焦点となっていた “硬さ” や “ヘヴィネス” は減退。一部のファンは不意を突かれたかもしれませんが、”Les Chants De L’Aurore” はこれまで以上に、いやはるかにニュアンスがあり、高揚感があり、複雑なアルバムに仕上がりました。
タイトルの “Les Chants De L’Aurore” は直訳すると “夜明けの歌”。
「新しいアルバムを作るときは、音楽、ビジュアル、歌詞の間にとてもまとまりのあるものを作ろうとするんだ。アルバム・タイトルは、リスナーの心に強いイメージを喚起するものでなければならないと思う。”歌” にかんしては、このアルバムではいつもよりヴォーカルが多くて、合唱団もいるし、僕も歌っているからね。”夜明け” は、ジャケットのアートワークとリンクしていて、とても暖かくて、新しい一日のようでもあり、一日の終わりのようでもあり、その中間のようでもある。だから、このアルバムの持つ温かい雰囲気にぴったりだと思ったんだ」

ALCEST が前作 “Spiritual Instinct” をリリースしたのは5年前のことでした。その頃の世界は自由に動き回れる場所。ところが突然、世界的なパンデミックが起こり、私たちは孤立の繭に包まれました。
このさなぎから抜け出した多くの人たちは、本当に大切なものに対する感謝の気持ちを新たにしたでしょう。それはまるで夢想家に生まれ変わったかのようであり、世界の素晴らしさを再発見した子供たちのようでもありました。
「パンデミックの期間中、何もアイデアが浮かばず、ギターのリフを書こうとしても何も出てこなかった。今までで一番長い期間、何も書けなかった。1年間、リフが1つも出てこなかったと思う。僕はいつも何かを得ようとしていた。もうダメだって感じだった。そしてある日、すべてのブロックが外れた。
インスピレーションがどのように働くのか、本当に知りたい。とても複雑なテーマだ。1年間も何も見つからなかったのに、ある日突然、すべてが解き放たれたなんて。とても奇妙だよね。
10年間ノンストップでツアーを続けてきた僕らにとっては、何か違うことをするいい機会だった。大好きな人たちや、この10年間まともに会っていなかった家族と初めて一緒に過ごすことができた。これまでは年に1、2回地元に帰るだけだった。でもパンデミックのあとは、ほとんど毎日両親に電話するようになり、今では2~3カ月に1回は南仏に会いに行っている。人の温もりやあたたかい気持ちを再発見できた。だから結果的にはよかったんだよ」

つまり、Neige にとって夜明けの歌とは終焉であり、新たな始まりでもあります。
「僕にとってこのアルバムは、ALCEST のオリジナル・サウンドへのカムバックであり、初期のアルバムにあったような、とても異世界的でドリーミーなサウンドへの帰還だ。その後、ほとんどコンセプト・アルバムのようなものに踏み込んでいったから、ちょっとした再生のようなものだった。シューゲイザー・アルバム “Shelter” を作り、映画 “もののけ姫” をテーマにしたコンセプト・アルバム” Kodama” を作り、そして前作 “Spiritual Instinct” はとてもダークなアルバムだった。特に “Kodama” や “Spiritual Instinct” は様々な意味でより硬質だった。
でも、このニュー・アルバムこそが本当の ALCEST であり、僕がこのプロジェクトで表現したいことだと思う。子供の頃にスピリチュアルな体験をして、その体験を音楽で表現できないかと ALCEST を作ったんだからね」
そのスピリチュアルな体験とは何だったのでしょうか?
「子供の頃、何かとつながっているような感覚があった。子供には特別な感覚があると思うんだ。キリスト教的な宗教を連想させるから天国とは呼びたくないけど、人間的な経験をする前のような、僕たちみんなが来た場所、現世と前世、2つの人生の間にあるある種の安らぎの場所のような、魂が休まる場所とのつながりのね。
そのことをあまり話したくないから、代わりに音楽を作ることにしたんだ。だから、ALCEST のアルバムは毎回、物事の違う側面を探求しているというか、僕の日常生活や、いわば地道な生活の中で経験したことにより近いものがあるんだ」

同郷の GOJIRA とは異なり、ALCEST はほとんどの場合フランス語にこだわっています。そしてこのアンニュイな言語こそが、バンドの幽玄で優しい音楽をさらに引き立てているようにも思えます。
「とても不思議な話なんだけど、アジアや日本には巨大なファン・コミュニティがあるし、アメリカやヨーロッパの他の国にも僕らのファンがたくさんいる。でも、フランスは僕たちの存在に気づくのが本当に遅かった。フランスで本当に人気が出始めたのは “Kodama” からだと思う。なぜ英語に切り替えないかというと、フランス語で歌詞を書くことに安心感があるからなんだ。フランス語は僕の母国語だから、もちろん正確に書くし、母国語で書く方がずっと簡単なんだ。英語で歌おうとして、フランス語のアクセントが聞こえてしまうのが本当に嫌なんだよね。英語で歌うとフランス語のアクセントが確実に聞こえてしまう。
ただ、ボーカルがミックスの中ですごく大きいわけでもないから、フランス語が強すぎることはない。フランス語で歌うフランスのバンドだと思われたくないんだ。できることなら、僕らの音楽は少し普遍的であってほしいからね。あまりはっきり歌わないのはワザとだよ。フランス人だって歌詞を理解できないくらいにね。ボーカルは、メロディーのひとつの要素であってほしいんだ」
ブラックゲイズといった特定のレッテルを貼られることについては、どう感じているのでしょう?
「僕たちは最初の “ブラックゲイザー” バンドとしてクレジットされているし、プレスは ALCEST がブラックゲイズを発明したと言っている。どう考えたらいいんだろう……もちろん、僕らにとってはとても名誉なことだし、意図的にそうしたわけではないんだけど、僕らがジャンルを創り出したバンドだと思われているのならそれは素晴らしいことだと思う。ただ、ブラック・メタルのギターとドラム、ドリーミーなボーカル、そして天使のような、別世界のような、幽玄なタイプのメタルを演奏したかっただけなんだ。
そしたら、レビューの人たちがシューゲイザーという言葉を使い始めて、私は “ああ、シューゲイザーか、音楽スタイルとしてはとても面白い名前だけど、まあいいか” という感じだった。それからシューゲイザー・バンドを聴き始めて、”ああ、そうか、なぜ僕らがシューゲイザー・スタイルを連想されるのか、よくわかったよ” って感じになって、SLOWDIVE とかが大好きになったんだ。とても素敵なのは、ブラックゲイザー・バンドたちがみんな、ALCEST を聴いてバンドを結成したと言ってくれたこと。”あなたの音楽が大好きで、私も同じようなものを作りたかったからバンドを結成した”、これ以上の褒め言葉はないと思う」

SLOWDIVE と Neige には特別なつながりがあります。”Shelter” 収録の “Away” では Neil Halstead と共演も行いました。
「初めて Neil Halstead に会ったとき、僕はまだ20代半ばだった。ファンボーイだったんだ。だから彼に会ったときは怖かったし、ファンであることを隠すのはとても難しかった。だから震えていたし、今思うとちょっと恥ずかしい。でも、彼は本当に親切にしてくれたし、僕が若いミュージシャンで、彼ほど経験を積んでいないことを見抜いていてくれた。
SLOWDIVE を知ったのは、かなり昔のことで、そのころ彼らは音楽の地図から消えていた。誰も彼らのことを知らなかったよ。90年代の幽霊バンドのような存在だった。でも、だんだんもっと語られるようになったような、何か話題になっているような気がしていたんだ。それで彼に言ったんだ。”バンドを再結成したら、みんな熱狂するよ” ってね。そしたら彼は、”いや、どうかな” って。でも面白いもので、彼らが再結成した1年後、僕は彼らを見るためだけにロンドンに行ったんだ。今、彼らは巨大なバンドになっている。Spotify か TikTok か何かで、キッズたちがみんな彼らを発見したんだ。ここ数ヶ月の間に2回彼らを見たけど、観客の中には10代の子もいた。とても奇妙で、とてもクールだよ!
SLOWDIVE で一番好きなのは、”Souvlaki” からのアウトテイクで、”I Saw the Sun” っていう曲。加えて、”Silver Screen”, “Joy”, “Bleeds” といった曲があり、アルバムではリリースされなかった曲だけど YouTube で見ることができるし、おそらくブートレグもリリースされていたと思う。これらはバンドの曲の中で私が一番好きな曲だ。Rachel に再レコーディングや再リリースなどの予定はあるのかと聞いたことがあるんだけど、彼らはこうした曲が好きではないと思う。本当に素晴らしい曲なのに、残念だよね。ぜひ聴いてみてほしい。”Souvlaki: Demos & Outtakes” というタイトルだよ」
THE CURE にもみそめられています。
「Robet Smith は僕たちのアルバム “Kodama” のファンで、アルバムの全曲を演奏してほしいといって彼がキュレーションする Meltdown に招待してくれたんだ。僕は “冗談だろう?” って思ったね。
多くの人がポスト・パンクやニューウェーブに夢中になっているように、THE CURE はとても重要なバンドなんだ。だから、彼のような人がいて、彼が僕らを知っているという単純な事実だけでも、すでにすごいことなんだけど、彼がファンで、彼のフェスティバルで僕らに演奏してほしいと言ってくれたんだ。とても光栄だよ!」
“Les Chants De L’Aurore” は、SLOWDIVE の “Just for a Day” や RIDE の “Nowhere” といったシューゲイザーの名盤と肩を並べるような作品なのかもしれません。
「たぶん RIDE は、”Nowhere” ではドラムがシューゲイザーのレコードにしてはかなりラウドにミックスされていることから来ていると思う。SLOWDIVE や MY BLOODY VALENTINE では、ドラムはそこにあるけれど、もっと背景のような感じ。僕たちの新しいアルバムでは、ドラムが本当に聴こえるよね。ドラムを大音量でミックスしたのは、このアルバムが初めてなんだ。というのも、プロセス・ミュージックはメロディーやムード、雰囲気に重点を置いているからね。でも、ドラムの Winterhalter は、ドラム・パートにとても力を入れているんだ。だから、今回はドラムの音をもう少し大きくしてもいいんじゃないかと思ったんだ」

なぜ、”Spiritual Instinct” のダークでヘヴィな世界から離れたのでしょう?
「そこから離れる必要があったから。いつもツアーをしていると、一人でいることがなくて、いつも人と一緒にいる。だから、自分自身との接点を失うのはとても簡単なことなんだ。最初のインスピレーションは何?この音楽プロジェクトを作ろうと思ったきっかけは?
“Spiritual Instinct” で聴くことができるように、僕は少し混乱していて、フラストレーションを感じていたんだと思う。そして、自分のスピリチュアリティと再びつながることがどうしても必要だった。あのタイトルは、僕が少し混乱していた時期でさえ、たとえ迷いを感じていたとしても、自分の中にある内なる世界やスピリチュアリティを感じることができたという意味なんだ。それは消えることはなかった。パンデミックで僕たちは一区切りをつけ、このバンドに対する主なインスピレーションは何だったのか、このバンドで表現したいことは何だったのか、本当に集中し直した。そして、最初のアルバムにあったコンセプトに戻りたいと気づいたんだ。最初の2枚のアルバムは、この別世界について歌っているからね。光と調和というもうひとつの世界に戻ってきたんだ」
回帰といえば、今回のアートワークはファースト・アルバム “Souvenirs d’un autre monde” を暗示しているように思えます。
「フルートの少女だね。ファースト・アルバムはフランス語で “別世界の思い出” という意味。そのファースト・アルバムの少女が成長し、今、僕がこのプロジェクトで成長したように、彼女も大人になったという意味で、ファースト・アルバムへの言及を入れたかった。ALCEST を始めたのは14歳か15歳のとき。基本的には子供だった。そして、このキャラクターも僕も、この世界、ALCEST の世界の中で成長した。そして、ニューアルバムのジャケットでは、大人になった彼女を再び見ることができるわけだよ」

そして、オープニング・トラックの日本語 “木漏れ日” でこのジャケットを暗示しています。
「恍惚とした曲だよね。幸せな気分になる。光に満ちている。日本語には、英語にもフランス語にも訳せないような言葉がいくつかあるけれど、それがひとつの概念になっているところが好きなんだ。”Komorebi” は、春の木漏れ日を意味する。そしてそれは、まるで宝石のように葉をエメラルド色に変える。とても美しいと思ったよ」
ALCEST のレコードには、宝石の名前を冠した曲が収録されています。
「そう、実は小さな伝統のようなものなんだ。”Komorebi” は、ファーストアルバムの1曲目 “Printemps Emeraude” “エメラルドの春” の現代版のようなもの。”Shelter” には “Opale”、 “Kodama” には “Onyx”、”Spiritual Instinct” には “Sapphire”、そして新作には “Amethyst” が収録されている。だから全部かな!でも、アメジストには特別な意味があるんだ。紫は神秘主義と精神性の色だからね。だから、それを指しているんだ。この石を曲のタイトルに使うのは、僕らのキャリアの中で完璧な瞬間だと思ったんだ。とても強い意味があるんだよ」
ただし、Neige のスピリチュアリティは、神秘主義のような秘教的なものとは異なります。
「確立された考え方に従わないという意味で、秘教的なものはあまり好きではない。というのも、スピリチュアリティについてあまり詳しく読みたくないから。誰もが自分の考えが正しいと思っているけれど、地球上には人の数だけ真実があると思う。そして誰も知らない。誰もすべての意味を知っているふりはできない。神はいるのか、それとも?
でも、自分の感情や直感に耳を傾けるなら、僕はとても直感的な人間だから、スピリチュアルなものやこの種のものと、ただ本で何かを読むよりもずっと深いつながりを持つことができると思う。高次のものとのつながりを感じるために教会に行く必要がある人もいる。でも僕の場合は、自然の中に身を置く必要があるので、故郷に近い南フランスで多くの時間を過ごしている。そこにはとても美しい自然があり、バンド結成当初から私にインスピレーションを与えてくれた。
森の中や海の近くなど、特別な場所にいると、現実ともっと壮大なものとの橋渡しをしてくれるような気がするんだ。この背後に何かがあることを実感できるんだ。少なくとも、僕はそう感じている。すべてに意味がある。そして、僕たちがここにいるのには、それなりの理由がある。それが、このプロジェクトで私が話していることなんだ」

“もののけ姫” にインスパイアされたように、Neige は日本の神道、自然界に存在するものすべてに魂が宿るという側面に惹かれています。
「神道では、すべてのものに魂が宿ると信じられている。例えば、村の小さな川にも魂が宿っている。だから彼らは自然をとても大切にするんだろうね。山には山の魂があり、空には空の魂がある。ちょっと比喩的な表現になるけれど。日本人は、すべてのものに魂が宿っていると本気で言っているわけではないと思うけど、それがすべてのものを尊重することにつながっている。自分たちの周りにあるすべてのものに敬意を払う。それは、僕が日本文化でとても好きなところだよ。日本語では “God” のことを神と呼ぶけど、彼らは基本的にすべてのものに神を持っている。”もののけ姫” を見れば、それがよくわかるよね。彼らは森の精霊、巨大な樫のような生き物を描いている。本当に美しい」
アルバムは、前半は陽気で多幸感にあふれ、それから後半は悲しい中にも喜びがあるような流れです。
「そう、アルバムは最後の曲で少し暗くなる。最後の曲は、ギョーム・アポリネールというフランスの作家の詩で、”L’adieu”。これは英語で “farewell” と訳される。僕が取った詩のタイトルなんだ。とても悲しい歌だよ。
僕がアルバムでやりたいのは、最後にもう少し深みを持たせることなんだ。そうすると、ある種のミステリアスなゾーンに行き着くんだ。自分の感情をどうしたらいいのかわからなくなる。そして、本当に少し緊張してくる。それに、僕は100%ハッピーエンドが好きではないのかもしれない。たぶん、最後のほうで物事を少し複雑にするのが好きなんだと思う」
ピアノ曲の “Reminiscence” は今までの ALCEST の曲とは一風異なります。
「アルバムで本物のピアノを使い、完全なアコースティックの曲を作ったのは初めてだからね。チェロのように聞こえる楽器があるけど、これはチェロではなくヴィオラ・ダ・ガンバという楽器。とても古い楽器なんだ。すべてアコースティック。とてもシンプルな曲だ。間奏曲のようなものだけど、僕にとってはとても深い意味がある。なぜなら、この曲は僕が生まれて初めて触った楽器、祖母のピアノで録音されたから。祖母はピアノの先生で、家族みんなに音楽の手ほどきをした。レコードで聴けるのは、僕の家族全員が使っているこの楽器の音なんだ。そして僕たちは皆、この楽器から音楽の弾き方を学んだ。だから、祖母がもたらしてくれたものへの素敵なオマージュなんだ。祖母がいなかったら、もしかしたら僕はこの音楽を作っていなかったかもしれないからね」
そうして、ALCEST は暗い時代に光を投じる灯台のようなアルバムを完成させました。
「今僕らが生きている時代の暗さにインスパイアされたアルバムを2枚作った後、特にこの暗い時代に、調和と美しさとポジティブさをたくさん持ったアルバムを作れば、本当に際立つことができると思った。このアルバムは、まるで癒しのような感じがするから、みんなに楽しんでもらえると思ったんだ」


参考文献: FORBES:Alcest Flourish In The Unbridled Warmth Of Their Latest LP, ‘Les Chants De L’Aurore’

POST-PUNK .COM: BANDS FEATURED ARTICLES INTERVIEWS Emerald Leaves Shimmering in the Light of Dawn — An Interview with Alcest

KERRANG!:Alcest: “In dark times, to make an album of beauty and positivity could really stick out”

MARUNOUCHI MUZIK MAG ALCEST INTERVIEW

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【FREEDOM CALL : SILVER ROMANCE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CHRIS BAY OF FREEDOM CALL !!

“The Audience On Our Concerts Is In Between The Ages Of 5 And 70. And We Are Happy To Maintain The Flame Of Metal For The Next Generations.”

DISC REVIEW “SILVER ROMANCE”

「”去年の夏は、SLAYERにハマってたんだ” なんて話を聞いたことはないだろう?そんなことはありえないんだ。メタル・ヘッズかそうでないか。人はそのどちらかだ。つまり、子供の頃はメタルを聴いていたけど、もう聴いていないなんていう人はいないはずだ。もし君がメタルに夢中なら、ずっと夢中なんだ!
一度ハマったら抜け出せねえ。言ってみれば、宗教さ」
EXODUS の Steve Souza の言葉です。たしかに、ヘヴィ・メタルの世界には自分も含めて “卒業” とは縁遠いファンが多いような気がします。メタルほど深い沼はない。その理由を、今年パワー・メタルの銀婚式を迎えた FREEDOM CALL の Chris Bay が弊誌に語ってくれました。
「メタル・ファンが最も忠実だということに同意するよ。私の意見だけど、メタル・ヘッズはただメタル音楽を聴いているのではないんだ。メタルはバック・グラウンドで流しているような音楽のスタイルではないからね。ロックとメタルはライフ・スタイルであり、このジャンルのファンは愛する音楽を積極的に、能動的に聴きながら生活しているのだよ…ラウドで激しくね..」
あのアルバムが出た時、結婚相手に出会った。就職した時は、あのTシャツを着ていた。愛猫が家に来た時は、あのライブに行った。そう、メタルはライフ・スタイルとなり、その人の人生と重なるような、インスタントとは程遠いヘヴィな音楽なのです。そうして、ファンとメタルは離婚とは無縁の幾久しき絆を育てていきます。
「”メタル・ジェネレーション” というアイデアは、何年も、何世代にもわたってこの種の音楽を支えてくれているすべてのメタル・ヘッズへの感謝の気持ちなんだ。私たちのコンサートの観客は5歳から70歳まで幅広い年代が来てくれる。そうやって、次の世代のためにメタルの炎を維持できることを嬉しく思っているんだ」
25年の銀婚式で幕を開ける FREEDOM CALL の “Silver Romance” は、まさにその幾久しき絆を祝う祝祭のパワー・メタル・アルバム。このバンドの素晴らしさは、勇壮なメタルの中に Chris Bay の趣味全開な80年代ポップス的かわいらしいメロディ、ビバリーヒルズ・コップを想起させるレトロなキーボードの祝祭感が織り込まれているところでしょう。
そんな彼らのお茶目で新たなサマー・パーティ・アンセムとなる “Metal Generation” は、メタルの絆を、灯火をつなげていくという決意表明でもあります。何世代にもわたってつながれ、更新され、愛され続けてきたヘヴィ・メタルの炎。5歳から70歳までが拳を突き上げ、 “メタルはみんなのもの” とシャウトする FREEDOM CALL のライブこそがメタルの寛容さ、自由、多様性の象徴でしょう。
「”フリーダム・コール” の意味は、以前にも増して時事的、今にあったものになっている。なぜなら、今この世界には数え切れないほどの戦争や残酷な行為があって、苦しむ人々、何百万人もの難民がいるからね。自由を求める声はかつてないほど大きくなっているよ」
そう、彼らのポジティブで優しい “ハッピー・メタル” こそ、暗い現代が求めるもの。彼らは大真面目に、寛容で敬意にあふれた世界、メタルによる世界平和の実現を夢見ています。バンド名を “自由への叫び” と名づけた25年前よりもかくじつに、世界には自由を求める人たちが増えています。FREEDOM CALL はそんな世界で今日も、法律より強く、鋼鉄とプライドでできた愛と平和のパワー・メタルを心の底から歌うのです。”メタル革命” が成就するその日まで。
今回弊誌では、Chris Bay にインタビューを行うことができました。「”メタルはみんなのもの” という言葉は調和のとれた世界を表現しているんだ。”一人はみんなのために、みんなは一人のために” というのがテーマだからね。ステージでこの言葉をつかうのは、もし世界中の人々がメタル・ファンになれば……地球は平和になると信じているからだ! メタルで地球に平和をもたらそう!」 二度目の登場。 どうぞ!!

FREEDOM CALL “SILVER ROMANCE” : 10/10

INTERVIEW WITH CHRIS BAY

Q1: It’s your 25th anniversary! Congratulations! Not many bands can last 25 years. What do you think is the reason why you have been able to continue for such a long time?

【CHRIS】: Hello, firstly, thank you so much for the congrats, we appreciate. The main reason to „survive“ such a long existance is the pure passion for writing and performing music.
Artists never forming a band only to make business. It’s a long way from the vision to the first stage appearance or to the first record deal.
What we do, is just following our dreams and our love for music.

Q1: 結成25周年ですね!おめでとうございます!25年も続くバンドはそうそうありませんが、これだけ長く続けられた理由は何だと思いますか?

【CHRIS】: まず、お祝いの言葉をありがとう!これほど長く “生き残る” ことができた最大の理由は、作曲と演奏に対する純粋な情熱だよ。
アーティストたちは、決してビジネスのためだけにバンドを結成しているわけではない。青写真を描いてから最初のステージに立つまで、あるいは最初のレコード契約に至るまでには長い道のりがある。
私たちがしてきたこと。それはビジネスではなく、夢と音楽への愛に従うことだったんだ。だからこそここにいるんだよ。

Q2: “Silver Romance” is truly a wonderful title to celebrate the band’s silver jubilee! In fact, it is said that metal fans are seldom “divorced” compared to other genres. Why is it that metal is a genre that can still “romance” after all these years?

【CHRIS】: Very nice explanation…I like this theory and I’m agreeing that metal fans are the truest.
In my opinion you’re not just listening metal music. It’s not a style of music you’re playing in the background. Rock & Metal is a life style, which you’re living and listening to in an active way…loud and intense.

Q2: “Silver Romance” は、バンドの “銀婚式” を祝うにふさわしい素晴らしいタイトルですね!
実際、メタル・ファンは他のジャンルに比べて、メタルと “離婚” することが少ないと言われています。なぜメタルは何年経っても “ロマンス” できるジャンルなのでしょう?

【CHRIS】: とてもいい説明だね…私は君の言う理論が好きだし、メタル・ファンが最も忠実だということに同意するよ。
私の意見だけど、メタル・ヘッズはただメタル音楽を聴いているのではないんだ。メタルはバック・グラウンドで流しているような音楽のスタイルではないからね。ロックとメタルはライフスタイルであり、このジャンルのファンは愛する音楽を積極的に、能動的に聴きながら生活しているのだよ…ラウドで激しくね…

Q3: War, division, pandemics… I feel that your words “Metal is for Everyone” have become more brilliant in the dark 20’s. These are the magic words that convey the tolerance of metal and the importance of being tolerant through metal to cultures, countries, and races that are different from your own, would you agree?

【CHRIS】: The current state of the world is longing for positive things. The media is full of bad news and negative developements.
„Metal is for everyone“ is describing a world in harmony. „One for all and all for one“ is the topic.
I’m using these kind of words on stage when I’m saying if all people in the world would be Heavy Metal fans…we would have peace on earth!

Q3: 戦争、分断、パンデミック…。”メタルはみんなのもの” というあなたの言葉は、暗い2020年代でより輝きを増した気がします。
これはメタルの寛容さを伝える魔法の言葉であり、自分たちとは異なる文化、国、人種に対して、メタルを通して寛容であることの大切さを伝える言葉となりえますね?

【CHRIS】: 世界の現状はポジティブなものに憧れている。メディアは悪いニュースやネガティブな展開ばかりだからね。
“メタルはみんなのもの” という言葉は調和のとれた世界を表現しているんだ。”一人はみんなのために、みんなは一人のために” というのがテーマだからね。
ステージでこの言葉をつかうのは、もし世界中の人々がメタル・ファンになれば……地球は平和になると信じているからだ! メタルで地球に平和をもたらそう!

Q4: What’s more, in such a dark world, perhaps the fantasy of power metal as an escape from reality is what the world needs most right now?

【CHRIS】: An escape from reality is just a short relief of problems. A world with more respect and tolerance would be helpful.

Q4: さらに言えば、暗い世の中だからこそ、逃避場所としてのパワー・メタルのファンタジーこそが、今世界が最も必要としているものなのではないでしょうか?

【CHRIS】: でもね、現実逃避は問題の短期的な解消にしか過ぎないよ。世界がもっと尊敬と寛容のある場所になることこそが重要なんだ。

Q5: Your metal is very positive, positive “happy metal”, but how do you view the dark, hellish music and lyrics that are the majority of the metal world?

【CHRIS】: Many lyrics containing postive thoughts behind the curtain of darkness. The human mankind is longing for love, peace, harmony, friends & family…familiar surroundings.
It’s just the education, society and influences which are changing a clueless child character from the light into the dark.

Q5: あなたのメタルはとてもポジティブで前向きな “ハッピー・メタル” ですが、メタル世界大多数を占めるダークで地獄のような音楽や歌詞についてはどう見ているんですか?

【CHRIS】: メタルの多くの歌詞には、闇のカーテンの裏に隠されたポジティブな考えが含まれている。人類は愛、平和、調和、友人や家族…身近な環境が幸せであることに憧れているからね。
世界が暗くなっているのはただ、教育、社会、影響が、無知な子供の性格を光から闇へと変えているからなんだよ。

Q6: “Metal Generation” is the new anthem! Do you have a strong desire to keep the metal torch alive for the next generation?

【CHRIS】: The idea of „Metal Generation“ is just an appreciaton to all metal heads which are supporting this kind of music over years and…generations.
The audience on our concerts is in between the ages of 5 and 70. And we are happy to maintain the flame of metal for the next generations.

Q6: “メタル・ジェネレーション” はまさに新しいメタル・アンセムですね!次の世代にメタルの灯火をつないでいくという強い思いを込めたのですか?

【CHRIS】: “メタル・ジェネレーション” というアイデアは、何年も、何世代にもわたってこの種の音楽を支えてくれているすべてのメタル・ヘッズへの感謝の気持ちなんだ。
私たちのコンサートの観客は5歳から70歳まで幅広い年代が来てくれる。そうやって、次の世代のためにメタルの炎を維持できることを嬉しく思っているんだ。

Q7: Speaking of generations, the music industry has changed dramatically over the past 25 years: CDs no longer sell, and streaming has become the norm. Songs rather than albums, and more specifically, 30-second cutout performance videos on social networking sites and Tiktok dances are getting more attention. How do you perceive these changes?

【CHRIS】: Firstly, I have to say that I’m thankful that I had the chance to see the better times in the music circus. But anyways, instead of yelling and complaining about these „cruel“ times, we should learn to making it an advantage.
For example, now we have the change to get more and new followers while sharing playlists on spotity. You can make promotion on online platforms or social media…for free!
In the early times we had to pay for everthing. It’s just the attitude which is leading your way of life.

Q7: 世代といえば、音楽業界は過去25年間で劇的に変化ましたね。
CDは売れなくなり、ストリーミングが主流になりました。アルバムよりも曲、もっと言えばSNSでの30秒のカットアウト演奏動画やTikTokのダンスが注目されるようになりました。こうした変化をどう受け止めていますか?

【CHRIS】: まず、音楽サーカスの良い時代を見る機会があったことに感謝しなければならないね。でもとにかく、この音楽にとって “残酷な” 時代に怒鳴ったり文句を言ったりするのではなく、それを利点にすることを学ぶべきだよ。
例えば、今は spotity でプレイリストを共有しながら、より多くの新しいフォロワーを獲得することができる。オンライン・プラットフォームやSNS上でプロモーションを行うこともね…無料でだよ!
昔は、どんなことにもお金を払わなければならなかった。だからものは考えようだよ。生き方をリードする姿勢によってどうにでもなるんだ。

Q8: Finally, has the meaning of the band name “Freedom Call” changed over the past 25 years?

【CHRIS】: The meaning „Freedom Call“ is more topical than ever before.
There are countless cruelties in this world, wars, suffering people and millions of refugees. The Call for Freedom is louder than ever.

Q8: 最後に、バンド名 “Freedom Call “の持つ意味はこの25年間で変わりましたか?

【CHRIS】: “フリーダム・コール” の意味は、以前にも増して時事的、今にあったものになっている。
なぜなら、今この世界には数え切れないほどの戦争や残酷な行為があって、苦しむ人々、何百万人もの難民がいるからね。自由を求める声はかつてないほど大きくなっているよ。

FIVE ALBUMS (CHRIS’S PLAYLIST)

SAGA “Worlds apart”

SEAL “IV”

EMERSON LAKE & PALMER “Pictures of an Exhibition”

DEEP PURPLE “Perfect Strangers”

PINK “I’m not dead”

MESSAGE FOR JAPAN

Hello Japan! After not being allowed to travel to Japan in 2020, we would love to bring over our „Silver Romance“ to your beloved country.
We are still impressed about the great time we had in Japan last time and we can’t wait to return into the Land of the Rising Sun.

こんにちは、日本!2020年、日本への渡航が許可されなかった後、私たちの “シルバー・ロマンス” を愛する国へ届けたいと思うんだ。
前回日本で過ごした素晴らしい時間に感動し、日出ずる国に戻るのが待ちきれないよ!

CHRIS BAY

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THE CHRONICLES OF THE FATHER ROBIN : THE SONGS & TALES OF AIROEA】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ANDREAS WETTERGREEN OF THE CHRONICLES OF FATHER ROBIN !!

“We Think It’s Sad If Someone Wants To Live And Express Themselves Only Through «New Formulas» And Dogmatic Only Seek To Do Something That No One Has Done Before. Then You Forget History And The Evolution Of Things, Which In Our Opinion Is At The Core Of Human Existence.”

DISC REVIEW “THE SONGS & TALES OF AIROEA – BOOK Ⅰ,Ⅱ,Ⅲ

「最初は若いワインのように最初は有望で実り豊かなバンドだったけど、やがて複雑さを増し、私たち集団の心の奥底にある濁った深みで数年間熟成され、エレジオンの森のオーク樽で熟成されたとき、ついにそのポテンシャルを完全に発揮することになったのさ」
アルバムの制作に長い時間をかけるバンドは少なくありませんが、それでも30年を超える月日を作品に費やすアーティストはほとんど前代未聞でしょう。ノルウェー・プログの粋を集めた THE CHRONICLES OF FATHER ROBIN は、ロビン神父の数奇なる物語に自分たちの人生や経験を重ね合わせ、四半世紀以上かけてついに壮大な3部作を完成させました。
「90年代に親が着ていた70年代の古着に身を包み、髪を伸ばし、1967年から1977年の音楽ばかりを聴いていたんだ。当時のポップ・ミュージックやポップ・カルチャー・シーンにはとても否定的で、RUSH や YES, そして DOORS の音楽は、例えば RED HOT CHILLI PEPPERS や RAGE AGAINST THE MACHINE, NEW KIDS ON THE BLOCK など他のバンドが聴いている音楽よりもずっと聴き応えがあると、パーティーで長い間議論していたほどでね。私たちは、自分たちが他人よりより高い位置にいると確信し、できるだけ多くの “失われた魂” を救おうとしていたんだ。だけどそれからしばらくして、私たちは他人がどう思うかとか、彼らが何に夢中になっているかということに疲れ、ただ自分たちの興味と、ミュージシャンとして、バンドとしての成長にエネルギーを集中させていくことにした」
70年代が終焉を告げて以来、プログレッシブ・ロックはつねに大衆から切り離された場所にありました。だからこそ、プログの世界に立ち入りし者たちはある種の特権意識に目覚め、あまつさえ大衆の啓蒙を望む者まで存在します。90年代のカルチャーに馴染めなかった TCOFR のメンバーたちも当初はカウンター・カルチャーとしてのプログに惹かれていましたが、しかしワインのように熟成され、長い年月を重ねるにつれて、ただ自分たちが夢中になれる音楽を創造する “道” へと進んでいきました。
3部作のコンセプト最初の芽は、民話、神話、幻想文学、サイケデリア、冒険的な音楽に共通の興味を持つ10代の仲間から生まれ、最新の発見を紹介し合ううち、徐々にノルウェーの仲間たちは独自の糸を紡ぎ、パッチワークやレンガのように新たな色彩や経験を積み重ねるようになりました。それは30年もの長きにわたる壮大なブレイン・ストーミング。
「確かに、私たちはプログ・ロックの穴を深く這いずり回ってきたけど、クラシック・ロック、フォーク・ロック、サイケ、ジャズ、クラシック音楽、エスニック、ボサノヴァ、アンビエント・エレクトロニック・ミュージックなどを聴くのをやめたことはない。たとえ自分たちが地球上で最後の人間になったとしても、こうした音楽を演奏するだろう。私たちは、お金や “大衆” からの評価のために音楽をやったことはない。もちろん、レコードをリリースして夢を実現できるだけのお金を稼ぎたいとは思っているけど、どんなジャンルに属するものであれ、音楽を通じて自分たちの考えや感情を顕在化させることが最も重要であり、これからもそうあり続けるだろう。そしてそれこそが、極めてプログレッシブなことだと私たちは考えているんだ」
WOBBLER, WHITE WILLOW, Tusmørke, Jordsjø, IN LINGUA MORTUA, SAMUEL JACKSON 5など、ノルウェーの実験的でプログレッシブなバンドのアーティストが一堂に会した TCOFR は、しかしプログレッシブ・ロックの真髄をその複雑さや華麗なファンタジーではなく、個性や感情を顕在化させることだと言い切ります。
とはいえ、プログの歴史が積み重ねたステレオタイプやクリシェを否定しているわけではありません。学問もアートもすべては積み重ねから生まれるもの。彼らは先人たちが残したプログの書を読み漁り、学び、身につけてそこからさらに自分たちの “クロニクル” を書き加えようとしているのです。
表現力豊かな和声のカデンツ、絶え間なく変化するキーボードの華やかさ、ジャンキーなテンポ、蛇行するギター・セクションの間で、TCOFR の音楽は常に注意力を翻弄し、ドーパミンの過剰分泌を促します。ここにある TCOFR の狂気はまちがいなく、ノルウェーにおける温故知新のプログ・ルネサンスの成果であり、大衆やトレンドから遠すぎる場所にあるがゆえに、大衆やトレンドを巻き込むことを期待させるアートの要塞であり蔵から発掘された奇跡の古酒なのです。
今回弊誌では、WOBBLER でも活躍する Andreas Wettergreen にインタビューを行うことができました。「芸術の発展は、決して1969年の “In The Court of the Crimson King” やバッハのミサ曲ロ短調から始まったわけではない。芸術と芸術を通した人間の表現力は非常に長い間続いており、それは何世紀にもわたって展開し続けている。イタリアの作曲家カルロス・ゲスアルドは、16世紀に複雑で半音階的な難解な合唱作品を作ったが、一方で今日作られるもっとシンプルな合唱作品も美しく興味深いものである。両者は共存し、決して競い合うものではない。
心に響くなら、それはとても良いスタートだ。それが知性も捉えるものであれば、なおさらだ。音楽と芸術はシステムの問題ではなく、感情と気持ちの問題なんだよ。最も重要なことは、良い音楽に限界はないということだ」 ANEKDOTEN, ANGLAGARD に追いつけ、追い越せ。どうぞ!!

THE CHRONICLES OF FATHER ROBIN “THE SONGS AND TALES OF AIROEA” : 10/10

INTERVIEW WITH ANDREAS WETTERGREEN

Q1: Amazingly, The Chronicles of Father Robin was formed in 1993, right? Are you saying that this project has aged over the past 30 years, as if it were a vintage wine?

【ANDREAS】: – It has indeed! When we started out we were teenagers filled to the brim with dreams, hopes and sky high ambitions. Compared to our more «normal» classmates we were in a way considered to be freaks and weirdos. We dressed up in our parents old clothes from the 70’s, grew our hair and listened almost exclusively to music from 1967-1977. We were very much in opposition to the pop music/pop culture scene of the day, (apart from skateboarding and roleplaying games…), and we had long discussions on parties were we argued that the music of Rush, Yes and even The Doors was a much more rewarding listening experience than for instance Red Hot Chilipeppers, Rage Against the Machine, NKOTB or what other bands people was listening to. We were convinced that we held the higher ground and tried to salvage as many «lost souls» as possible. After a while we tired of the whole thing of what other people might think or what they were into, and we just concentrated our energy on our own interests and development as musicians and as a band.
As we made more and more songs, the concept and the story chiseled itself out and we understood that the songs were all connected within a greater idea. We developed a creative principle that was as follows; Many of the things that happened to us in «real life» translated to what happened to Father Robin in the story, and the members of the band combined was the character Father Robin. Over the years this has resulted in a story where TCOFR as a collective have contributed greatly. So we’ve had a lot of conversations and discussions to see where different things would fit in… This is probably some of the explanation to why it took us 30 years to complete it all, and why the concept is so comprehensive and solid as a whole.
So, like a young wine TCOFR was promising and fruitful at first, then it developed its complexity and when it had been matured for several years in the murky depths of our collective mind, on oak casks from Eleision Forest, it finally reached its full potential.

Q1: 驚いたことに、The Chronicles of Father Robin は1993年に結成されたんですよね?まるでヴィンテージ・ワインのように、このプロジェクトはこの30年間で熟成され、ついに音源がリリースされたということですか?

【ANDREAS】: その通りだよ!結成当時、私たちは夢と希望と高い野心に満ち溢れたティーン・エイジャーだった。普通の同級生と比べると、私たちはある意味、かわっていて変人だと思われていたね。90年代に親が着ていた70年代の古着に身を包み、髪を伸ばし、1967年から1977年の音楽ばかりを聴いていたんだ。当時のポップ・ミュージックやポップ・カルチャー・シーンには(スケートボードやロールプレイング・ゲームは別として…)とても否定的で、RUSH や YES, そして DOORS の音楽は、例えば RED HOT CHILLI PEPPERS や RAGE AGAINST THE MACHINE, NEW KIDS ON THE BLOCK など他のバンドが聴いている音楽よりもずっと聴き応えがあると、パーティーで長い間議論していたほどでね。
私たちは、自分たちが他人よりより高い位置にいると確信し、できるだけ多くの “失われた魂” を救おうとしていたんだ。だけどそれからしばらくして、私たちは他人がどう思うかとか、彼らが何に夢中になっているかということに疲れ、ただ自分たちの興味と、ミュージシャンとして、バンドとしての成長にエネルギーを集中させていくことにした。
すると曲を作っていくうちに、コンセプトやストーリーが見えてきて、曲はすべて大きなアイデアの中でつながっていることがわかったんだ。”現実の生活” で私たちに起こったことの多くが、物語の中でロビン神父に起こったことに置き換わり、バンドのメンバーがロビン神父というキャラクターと同化していった。そうして何年にもわたって、TCOFR という集団が大きく貢献した物語が完成したんだ。様々なものがどこに収まるのか、多くの会話や議論を重ねてきたよ…これが、なぜ私たちがすべてを完成させるのに30年もかかったのか、そしてなぜ全体としてこれほど包括的で強固なコンセプトになっているのかの説明の一部となるだろうね。
つまり、TCOFR は若いワインのように最初は有望で実り豊かなバンドだったけど、やがて複雑さを増し、私たち集団の心の奥底にある濁った深みで数年間熟成され、エレジオンの森のオーク樽で熟成されたとき、ついにそのポテンシャルを完全に発揮することになったのさ。

Q2: TCOFR is made up of members such as Wobbler, Tusmørke, Samuel Jackson 5, White Willow, Jordsjø, and others who represent the experimental Norwegian music scene, not only in prog but also in post rock and folk. How did they join?

【ANDREAS】: Thomas Kaldhol comes from Samuel Jackson 5 which is a post rock band, but he is first and foremost a long time friend. He’s been a member since 2008, so it’s his 16 years anniversary this year! Thomas came on board just before our second trip to the recording studio in Jæren on the west coast of Norway, where we recorded the trilogy, «The Songs & Tales of Airoea – Book I-III».
Kristoffer Momrak is a founding member of Tusmørke and is another longstanding friend with whom Andreas played with in the «protoprog» band Les Fleurs du Mal. They also went to the same children’s school and did in fact play their first concert ever together at christian youth club in 1987. They played «Paranoid» by Black Sabbath. Kristoffer now also plays a lot with his solo project, Alwanzatar, which is an ambient electronic act with flute, vocals and lots of analog synths.
Aleksandra Morozova joined in 2018 and she is a folk singer from St. Petersburg who now lives in Norway. She is a very active musician playing in lots of different bands across the music spectrum, including the Oslo Philharmonic Choir.
Martin NorDrum Kneppen has played in Wobbler since the bands conception in 1999, and he has also been a member of Tusmørke for many years as well as many other bands on the Oslo scene of alternative music. When Andreas joined Wobbler in 2009 they became good friends and they’ve done a lot together in the last ten years. So it was only natural that Martin took over the drumsticks from original drummer, Henrik Harmer, when he had to step down because of illness.
Håkon Oftung of the brilliant progfolk band Jordsjø became the last piece of the puzzle in 2020. He’s a multiinstrumentalist best known for his guitar work in Jordsjø, but he has also played keyboards in Tusmørke and the occasional flute with Wobbler.
Lars Fredrik Frøislie of Wobbler, White Willow and In Lingua Mortua has also contributed on the studio albums, but has not yet been a part of the live version of the band.

Q2: TCOFR は、Wobbler、Tusmørke、Samuel Jackson 5、White Willow、Jordsjø など、プログだけでなくポストロックやフォークなど、実験的なノルウェーの音楽シーンを代表するメンバーで構成されていますね?

【ANDREAS】: Thomas Kaldhol はポストロック・バンド SAMUEL JACKSON 5 出身だけど、何よりもまず長年の友人だ。彼は2008年からのメンバーだから、今年で16周年になるね!Thomas は、ノルウェー西海岸のイェーレンにあるレコーディング・スタジオで3部作 “The Songs & Tales of Airoea – Book I-III” をレコーディングする中で、2度目の旅の直前に加入したんだ。
Kristoffer Momrak は Tusmørke の創立メンバーであり、Andreas が “プロト・プログ” バンドLes Fleurs du Mal で一緒に演奏していたもう一人の長年の友人でもある。同じ小学校に通い、1987年にクリスチャン・ユース・クラブで初めて一緒にコンサートを開いた仲だよ。BLACK SABBATH の “Paranoid” を演奏したんだ。Kristopher は現在、フルート、ヴォーカル、アナログ・シンセを多用したアンビエント・エレクトロニック・アクトであるソロ・プロジェクト Alwanzatar でも演奏している。
2018年に加入した Aleksandra Morozova は、サンクトペテルブルク出身で現在はノルウェー在住のフォークシンガーだ。彼女はオスロ・フィルハーモニック合唱団をはじめ、音楽全般にわたって様々なバンドで演奏する非常にアクティブなミュージシャンでもある。
Martin NorDrum Kneppen は、1999年のバンド結成以来、WOBBLER で演奏していて、またTusmørke のメンバーとしても長年活動している。2009年に Andreas が WOBBLER に加入したとき、2人は良い友人となり、この10年間で多くのことを一緒にやってきた。だから、オリジナル・ドラマーの Henrik Hammer が病気のため脱退することになったとき、Martin がドラムスティックを引き継いだのは当然のことだった。
そして2020年、素晴らしいプログ・フォーク・バンド、Jordsjø の Håkon Oftung が最後のピースとなった。彼は Jordsjø でのギター・ワークで最もよく知られるマルチ・インストゥルメンタリストだが、Tusmørke ではキーボードを、WOBBLER では時折フルートを演奏している。
WOBBLER, WHITE WILLOW, IN LINGUA MORTUA の Lars Fredrik Frøislie もスタジオ・アルバムに参加しているが、ライブ・バージョンにはまだ参加していないね。

Q3: So the story of Father Robin was almost a blueprint 30 years ago? Does it also reflect your lives over the past 30 years?

【ANDREAS】: – The story of Father Robin is one that has been writing itself for over 30 years. And it still is. From the start where Father Robin is washed upon the shores of the Eleision Forest, to his disillusioned wanderings in the Twilight Fields, his sanctuary in the cloud meadows, the meeting of the Elders in the underwater city of Oriasaleah or the visit to the palace of the Empress of the Sun – he has always been on the move forward further into his life experience.
This concept has really developed itself according to the quote «the path is the goal» or the japanese suffix «dō». Being a part of TCOFR has become a sort of practice, in which every member contributes to the greater whole.
During the last 30 years our lives has changed a lot compared to when we were teenagers. Parents have died, our children born and the everyday life as a grown up is an integrated part of our existence. But even if it is so, our next album will not be about paying bills or keeping up with the «society machine». The issues and thematics that we try to mirror into the concept are more of a psychological character, more about changes within the self and the soul.
Also, we don’t know when it will end, maybe we will do this for the rest of our lives? As long as we have inspiration that guides us and stories that we’d like to tell, we think it will reflect our life experience long into our old age.

Q3: ロビン神父のストーリーは、30年前に青写真が描かれ、この30年間のあなた方の人生も反映されているということですね?

【ANDREAS】: – ロビン神父の物語は、30年以上にわたって書き継がれてきたものだ。そしてそれは今も続いている。ロビン神父がエレジョンの森の岸辺に流れ着いたところから始まり、トワイライト・フィールドでの幻滅した放浪、雲の草原での聖域、海底都市オリアサレアでの長老たちとの出会い、あるいは太陽の女帝の宮殿への訪問まで、彼は常に自分の人生経験を前進させてきた。
このコンセプトは、”道とはゴールである “という言葉や、”道” “ドウ” という日本語の接尾辞に従って発展してきた。TCOFR の一員であることは、メンバー全員がより大きなアートに貢献するための一種の実践となっている。
この30年間で、私たちの生活は10代の頃とは大きく変わったよ。親が亡くなり、子供が生まれ、大人になった私たちの日常は、存在の一部として統合されている。しかし、たとえそうだとしても、私たちの次のアルバムは、請求書の支払いや “社会のネジ” になることをテーマにしたものではないだろう。私たちがコンセプトに反映させようとしている問題やテーマは、より心理学的な性格のものであり、自己や魂の変化に関するものだから。
いつ終わるかわからないし、もしかしたら一生続けることになるかもしれない。私たちを導いてくれるインスピレーションや、語りたい物語がある限り、それは老後までずっと私たちの人生経験を反映するものだと考えているよ 。

Q4: I am so glad that in this day and age there is a band that puts out a trilogy, and a great piece of music at that! Now, can you give us a brief synopsis of this epic story of Airoea?

【ANDREAS】: – We’re so glad and grateful that someone recognizes this, in this day and age! The main outline of the concept was carved out during the first couple of years when we made the songs «Eleision Forest» and «Twilight Fields». They are like twins, but one is light and full of life whilst the other is its dark opposite.
From this base we created our protagonist, Father Robin/Robiin/The Dark Green Elder of the Council of What to Do?, and the story of his travels in the world of Airoea. From a start where he knows almost nothing, like a tabula rasa or a child so to speak, he must discover both himself and the world.
His journey is one filled with challenges, perils, mystery and wonder and takes him through different manifestations of the world – into the deep forests and barren fields of the land continent, down into the deep of the Sea of Ayrouhr and up to the cloud lands. Our aim has been to convey the different elements and geographic places, as well as Robins feelings, in the «vibe» of the music. So Book I is more folky, organic and earthed, Book II flows more like water and is more dreamy while Book III is airy, light and playful.

Q4: 今の時代に壮大な3部作、それも素晴らしい作品を世に送り出しているバンドがあることをとても嬉しく思います!
では、このアイロアの壮大な物語のあらすじを簡単に教えていただけますか?

【ANDREAS】: 私もこの時代に、誰かがこの作品を認めてくれたことをとても嬉しく、感謝しているよ!コンセプトの大枠は、”Eleision Forest” と “Twilight Fields” という曲を作った最初の2、3年の間に描き出されていった。この2曲は双子のようなもので、一方は明るく生命力にあふれ、もう一方はその正反対の暗さを持つね。
このベースから、私たちは主人公であるロビン神父/ロビイン/評議会の深緑の長老と、彼がアイロアの世界を旅する物語を作り上げた。ほとんど何も知らない、いわばタブラ・ラサか子供のようなスタートから、彼は自分自身と世界を発見しなければならないんだ。
彼の旅は、挑戦、危険、謎、驚きに満ちたものであり、陸の大陸の深い森や不毛の野原、アイロアの海の深み、雲の国など、世界のさまざまな姿を渡り歩く。私たちの目標は、さまざまな要素や地理的な場所、そしてロビンズの感情を音楽の “雰囲気” で伝えることだ。そのため、”Book I” はよりフォーキーで、有機的で、土に覆われ、”Book II” はより水のように流れ、よりドリーミーで、”Book III” は風通しがよく、軽快で、遊び心にあふれている。

Q5: The music world has changed dramatically over the past 30 years. With the rise of instant culture like streaming and social networking, prog rock, which takes time, intelligence, and practice to create, has never been more current. Why do you still continue to play this “Prog” music?

【ANDREAS】: – We started this journey as outcasts compared to our peers and were very much «out of fashion» in terms what music other bands played. But this position made it easier to recognize the bands who were a little bit in the same vein as us, so to speak. For instance we played a show with White Willow in 1996 or something, and we cooperated with many others who were a little bit off the beaten track. Also, we’ve never been very focused on being «proggier than your grandmas proggiest wooden mechanical leg», we just created and played the music that made us tick. For sure, we’ve crawled deep down the prog rock rabbit hole, but we never stopped listening to classic rock, folk rock, psych, jazz, classical music, ethnic, bossa nova, ambient electronic music etc.
We would play this music even if we were the last people on earth. We’ve never done it for the money or the recognition of «the masses». Of course we’d like to make enough money to release records and fulfill our dreams, but to manifest our thoughts and feelings through music no matter what genre it fits into, has been paramount and will continue to be so.
And that is quite proggy, in our view.

Q5: 音楽の世界はこの30年で劇的に変化しました。ストリーミングや SNS のようなインスタント・カルチャーの台頭により、創作に時間と知性と練習を要するプログ・ロックは完全に時代の流れと逆行しているようです。
それでも、なぜあなたは今でもこの “プログ” 音楽を演奏し続けているのですか?

【ANDREAS】: – 私たちは同世代のバンドと比べてのけ者としてこの旅を始め、演奏する音楽という点では他と比べてとても “流行遅れ” だった。でも、このポジションのおかげで、いわば僕らと少し同じ系統のバンドを認識しやすくなった。
例えば、1996年くらいに WHITE WILLOW と一緒にライブをやったし、他のちょっと流行から外れたバンドともたくさん共演した。でも、私たちは “おばあちゃんのプログレッシブな木製の機械仕掛けの足よりもプログレッシブであること” にこだわったことはなく、ただ自分たちの心をくすぐる音楽を作り、演奏してきた。確かに、私たちはプログ・ロックの穴を深く這いずり回ってきたけど、クラシック・ロック、フォーク・ロック、サイケ、ジャズ、クラシック音楽、エスニック、ボサノヴァ、アンビエント・エレクトロニック・ミュージックなどを聴くのをやめたことはない。
たとえ自分たちが地球上で最後の人間になったとしても、こうした音楽を演奏するだろう。私たちは、お金や “大衆” からの評価のために音楽をやったことはない。もちろん、レコードをリリースして夢を実現できるだけのお金を稼ぎたいとは思っているけど、どんなジャンルに属するものであれ、音楽を通じて自分たちの考えや感情を顕在化させることが最も重要であり、これからもそうあり続けるだろう。そしてそれこそが、極めてプログレッシブなことだと私たちは考えているんだ。

Q6: More to the point, many of the prog giants have aged and passed away. Some people say that progressive rock has lost the meaning of the term and has become formulaic. In the midst of all this, you guys have shown us what is possible! Do you think there is room left for prog music to evolve?

【ANDREAS】: – Yes. Nothing will ever stop to evolve. Since ancient times art and music has been made formulaic. This is how humans grasp, develop and learn ideas. If you’re skeptic to this method you should rethink a lot of things. Language for instance. How to build houses of clay. How to brew a perfect cup of tea. How to grow food in a field. Life happens and it develops further based on old formulas. We think it’s sad if someone wants to live and express themselves only through «new formulas» and dogmatic only seek to do something that noe one has done before. Then you forget history and the evolution of things, which in our opinion is at the core of human existence.
The development of the arts didn’t start with «In the Court of the Crimson King» in 1969 or Bachs mass in B Minor. Art and human expressiveness through the arts has been going on for a very long time, and it continues to unfold itself through the centuries. The Italian composer Carlos Gesualdo created complex and chromatic challenging choral works in the 16th century, but a much simpler choral works made today can still be beautiful and interesting. They will co-exist and there is never a competition.
If it touches the heart that’s a very good start. If it captures the intellect as well, that’s even better. Music and art is not about systems, it’s about feelings and emotions.
Most importantly, good music knows no boundaries.

Q6: さらに言えば、プログの巨人たちの多くが年を取り、この世を去った人もいます。プログレッシブ・ロックはその言葉の意味を失い、定型化してしまったと言う人もいますね。
そんな中で、あなたたちは可能性を見せてくれました!プログが “進化” する余地は残されていると思いますか?

【ANDREAS】: もちろん。何事も進化を止めることはない。古来より、芸術や音楽は定型化されてきたものだ。そうやって人間はアイデアを把握し、発展させ、学んできたんだよ。もし定型化という方法に懐疑的なら、多くのことを考え直すべきだよ。
例えば言語。粘土で家を建てる方法。完璧な紅茶の淹れ方。畑で食べ物を育てる方法。人生にはいろいろなことが起こり、それは古い公式に基づいてさらに発展していく。もし、”新しい公式” によってのみ生き、表現しようとする人や、独断的に誰もやったことのないことをしようとするだけの人がいるとしたら、それは悲しいことだと思う。それでは、人間存在の核心である歴史や物事の進化を忘れてしまう。
芸術の発展は、決して1969年の “In The Court of the Crimson King” やバッハのミサ曲ロ短調から始まったわけではない。芸術と芸術を通した人間の表現力は非常に長い間続いており、それは何世紀にもわたって展開し続けている。イタリアの作曲家カルロス・ゲスアルドは、16世紀に複雑で半音階的な難解な合唱作品を作ったが、一方で今日作られるもっとシンプルな合唱作品も美しく興味深いものである。両者は共存し、決して競い合うものではない。
心に響くなら、それはとても良いスタートだ。それが知性も捉えるものであれば、なおさらだ。音楽と芸術はシステムの問題ではなく、感情と気持ちの問題なんだよ。
最も重要なことは、良い音楽に限界はないということだ。

Q7: In the twenties, the world was shrouded in a dark cloud of pandemics, wars, divisions, and the rise of fascists. In such times, can prog-music fantasies like yours be an escape for the oppressed and grieving people?

【ANDREAS】: – Music and the arts are endless treasuries in times of trouble and can for sure be a welcoming escape. They’re constants in a shifting situation. To be able to escape into another reality is something that has become more and more common as the world races of the hinges. Also, as «commercial mass culture» becomes more and more frictionless and already «digested» upon consumption, it becomes important to have some safe havens to escape to.
But a good fantasy is best if it has several layers of meaning, much like a good record of progressive music. Some things are revealed at the first experience, but after a while you see the complexity, the metaphors and the layered meanings.

Q7: 20年代に入り、世界はパンデミック、戦争、分断、極右の台頭といった暗雲に包まれています。そうした時代に、あなたのようなプログのファンタジーは、抑圧され喪失や悲嘆に暮れる人々の逃避場所となり得るでしょうか?

【ANDREAS】: 音楽と芸術は、困難の時代における無限の宝であり、確かに歓迎すべき逃避場所となりうる。移り変わる状況の中で不変のものだ。別の現実に逃避できることは、世界が巻き込まれた無駄なレースがますます一般的になっている中で、大切なことだよ。
また、”商業的大衆文化” がますます摩擦のないものになり、消費された時点ですでに “消化” されるようになるにつれて、逃げ込める安全な隠れ家をいくつか持っておくことが重要になってくる。
ただし、優れたファンタジーは、プログレッシブ音楽の優れたレコードのように、何層もの意味を持っているのがベストだ。最初の体験で明らかになることもあるが、しばらくすると、複雑さやメタファー、重層的な意味が見えてくるようなね。

Q8: Speaking of fantasy, Japan is a mecca for fantasy such as games, music and anime. Are you interested in Japanese culture?

【ANDREAS】: – Indeed we are! When we started the band in 1993 we watched Akira and Ghost in the Shell together and we loved it to bits. In later years Akira Kurosawa has become a favourite as well.
After we got kids we’ve been into the Studio Ghibli films with My Neighbour Totoro and Spirited Away as favourites, and the kids also love it.
So many interesting things about Japanese culture – the food, shinto, hōgaku, the aestethics in architecture and art and the Japanese way of life to name a few. Although there are differences, in many ways your culture is also quite similar to many traits of the Scandinavian culture, which is fascinating.
Fun fact, the bass player and the drummer actually sports japanese inspired clothing when we play live!

Q8: ファンタジーといえば、日本はゲーム、音楽、アニメなどファンタジーのメッカです。そうした日本文化に興味はありますか?

【ANDREAS】: もちろん!1993年にバンドを始めたとき、メンバーと一緒に “AKIRA” や “攻殻機動隊” を見て、とても気に入ったんだ。その後、黒澤明も大好きになった。
子供ができてからは、スタジオジブリの “となりのトトロ” や “千と千尋の神隠し” がお気に入りで、子供たちも大好きなんだよね。
食べ物、神道、邦楽、建築や芸術における美学、日本人の生活様式など、日本文化には興味深いものがたくさんある。違いはあるけれど、スカンジナビアの文化と似ているところもたくさんあって、とても魅力的だよ。
面白いことに、ベース奏者とドラマーは、ライブの時に日本をイメージした服を着ているんだ!

FIVE ALBUMS THAT CHANGED ANDREAS’S LIFE!!

RUSH “Hemispheres”

BO HANSSON “Sagan om Ringen”

YES “Close to the Edge”

JETHRO TULL “Thick As A Brick”

GENTLE GIANT “In a Glasshouse”

MESSAGE FOR JAPAN

– First of all, Arigato Gozaimashita to everybody who has purchased our records or the vinyl box set. We had stars in our eyes when we sent the first boxes to our customers there and
now the records are available through Kakehashi Records in Tokyo. We’re very grateful for this opportunity to see our 30 year old dream travel to the far corners of the world.
The last couple of years we have fulfilled three of the biggest dreams for this band:
1. Release the trilogy as a limited box set including a world map of Airoea
2. Play the concept live, 3 records in close to 3 hours
3. Film it and release it on DVD/Blu-ray (out on Old Oak Records Autumn 2024)
Now only two dreams remain:
4. Play it live in Japan
5. Release an anime inspired cartoon from the Father Robin universe
So our message to Japan would be: Book us! We’d love to come and go on a journey through the lands of Airoea with you!

– まず最初に、私たちのレコードやレコード・ボックス・セットを買ってくれたみんなにアリガトウゴザイマシタ。そして今、レコードは東京のカケハシ・レコードで購入することができるんだ。私たちの30年来の夢が世界の隅々まで届くこの機会にとても感謝しています。
ここ数年、私たちはこのバンドにとって3つの大きな夢を実現しました。
1. アイロアの世界地図を含む限定ボックスセットをリリースする。 2. その3枚のレコードを3時間近くかけて演奏する。それを映画化し、DVD/Blu-rayでリリースする(2024年秋、Old Oak Recordsからリリース):
あとは2つの夢を叶えなければならないね。4. 日本でライブをする 5. アニメにインスパイアされたロビン神父のアニメをリリースする。だから私たちをブッキングしてほしい!みんなと一緒にアイロアの地を旅したいと思っているよ!

ANDREAS

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【BEATEN TO DEATH : SUNRISE OVER RIGOR MORTIS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MIKA MARTINUSSEN OF BEATEN TO DEATH !!

“I Urge You To Look Closer, Because I’m Still Trying To Keep My Precious Hair From Leaving My Balding Head, Haha! For Sure, There’s Not Much Left To Save, And It’s Hard To Imagine I’ll Keep It This Way Until I Die, But I Promise To Do My Best! “

DISC REVIEW “SUNRISE OVER RIGOR MORTIS”

「よく見てよ。僕はまだ、貴重な髪をハゲ頭からなくさないようにしているんだ!(笑) 確かに、残りは少ないし、死ぬまでこのままとは思えないけど、頑張るって約束するよ! !」
絶滅の危機を経て、メタルはいつしか現実世界の抑圧、孤独からの素晴らしき逃避場所として多くの人に救いをもたらすようになりました。戦争や分断、極右の台頭という生きづらい世界を公然と批判して風刺するバンドも増えています。そうした理不尽や権利に対してメタルが持つ反発力は、蹂躙されしものたちのまさに希望。
そして今、この世界で最も蹂躙され抑圧されしものこそ “オッサン”。もちろん、権力を持ち蹂躙するのもオッサンであれば、また社会から最も阻害され孤独を感じているのもオッサンなのです。オッサンというだけで即通報。出会って2秒で豚箱行き。そんな世の中に反旗を翻すべく、ノルウェーの BEATEN TO DEATH は “Sunrise Over Rigor Mortis” でオッサン讃歌のグラインド・コアを叩きつけました。
それを象徴するのが “My Hair Will Be Long Until Death”。死ぬまで髪の毛を離さねえ。ツーブロやセンターパート、毛先カラーで髪の毛を謳歌する若者たちに、オッサンの悲壮な頭志いや闘志を見せつける楽曲は、同時に大切なものや人を喪失した世界中の悲しみに勇気と共感を与えていきます。
そう、バーコードに撫で付けた髪の毛のごとく、失うことや年齢を重ねることはたしかに苦しいけれど、アルバム・タイトル “死後硬直に差す陽光” が示すように、いつだって何かを追い求め、ユーモラスに優しく前を向いていれば、死してなお朝日は昇ってくるのです。
「数ヶ月前にロンドンで NAPALM DEATH を観たんだけど、もちろん Barney は、人類がこれまで  “クソみたいな違いをいかに解決してこなかったか” についてスピーチをしたんだ。違いは悪じゃない。グラインド・コア・バンドがそうやって、僕たちの共有する地球の状態について何か言ってくれるのはありがたいよね」
つまり、年齢、性別、国籍、文化、宗教など人々の持つ “違い” など些細なこと。それをいかに個性として包容し、寛容になりあえるかがきっと人類の未来にとって重要な鍵なのでしょう。NAPALM DEATH の Barney に言われるまでもなく、BEATEN TO DEATH はそうした異端や逸脱、違いという名の個性を独創的なグラインド・コアで表現することで、寛容な心を世界に届けていきます。
「僕らのプレイが “真の” グラインド・コアかどうかということにあまりこだわらないということの自然な結果だと思う。新しい曲を作るときは、ほとんどクリーンなギター・サウンドでハーモニーやダイナミクスを試す方が自然だと感じるんだ。僕自身は、もっとハーモニーが冒険的でキャッチーでありながら、もっと過激でアグレッシブになれると感じている」
実際、彼らのグラインド・コアは暴力一辺倒ではありません。PIG DESTROYER, BRUTAL TRUTH, NASUM を敬愛しつつ、YES, VAI, MESHUGGAH, Zappa, Holdsworth といったプログ・パラダイスで育った Mika。ゆえに、彼らのグラインド・コアには繊細で知的な一面が素晴らしきコントラストとして映し出されています。
さらに、杏里、松原みき、竹内まりや、大貫妙子といった遠き日本のシティ・ポップのハーモニーまで養分として取り込んだ BEATEN TO DEATH のグラインド・コアは、見事に世界中の “違い” を音楽で解決していくのです。
今回弊誌では、4月に来日公演も成功させたベーシスト Mika Martinussen にインタビューを行うことができました。「正直なところ、僕にとっては、ブラック・メタルは全く好きではないんだ!失礼な言い方かもしれないけど、僕には信じられないほど無味乾燥で退屈に思えるし、ユーモアがなくて独りよがりなものなんだよ。シアトリカルな面もあまり好きじゃない。でも、他のメンバーの何人かは、なぜかそういうものに夢中なんだ」 どうぞ!!

BEATEN TO DEATH “SUNRISE OVER RIGOR MORTIS” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SAIDAN : VISUAL KILL: THE BLOSSOMING OF PSYCHOTIC DEPRAVITY】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH SPLATTERPVNK OF SAIDAN !!

“Our Goal Was To Have Something Similar In Style To Suehiro Maruo. One Of My Favorite Bands “BALZAC” Used His Art On One Of Their Early Albums And It Really Stood Out To Me And I Wanted Something Like That.”

DISC REVIEW “VISUAL KILL: THE BLOSSOMING OF PSYCHOTIC DEPRAVITY”

「このアルバムは、僕らのファースト・アルバム以来、最もJ-Rockの影響を受けたリフを持っているかもしれないね。ちょうど X JAPAN, L’arc-en-Ciel, Versailles, その他多くのヴィジュアル系バンドをよく聴いていて、それがアルバム・タイトルにもインスピレーションを与えたんだ。でも、BALZAC や Hi-STANDARD のような日本のパンク・バンドも、このアルバムの多くの部分に影響を与えているよ」
SAIDAN は、その名の通りプリミティブなブラック・メタルの祭壇に、日本の音楽やアートの生け贄を捧げ、メロディックな恐怖と狂気を錬金する米国の司祭。まさにスタイルを創造し、カテゴライズを無視し、規範からの逸脱を掲げる21世紀のブラック・メタルを象徴するような存在でしょう。
実際、彼らの創造物が発散する波動にステレオタイプなものは何もなく、ブラック・メタルの新たなオルタナティヴの形として唯一無二の呪怨を放っています。このアルバムには、ドメスティックでメロディックな J-Rock の純粋が、嘔吐を誘うような害虫スプラッターに染まる瞬間が克明に映し出されています。言いかえれば、”生の” ブラック・メタルが “生” でなくなる前に、どれほどメロディックになれるのか?そんな命題に “Visual Kill: The Blossoming of Psychotic Depravity” は挑戦しているのです。
「アートワークを丸尾末広に似たようなスタイルにすることが目標だったんだ。僕の大好きなバンド BALZAC の初期のアルバムに丸尾末広のアートが使われていて、それがすごく印象的で、ああいうのが欲しかったんだよね」
“見てはいけないもの” ほど人の関心をかうのは世の常でしょう。それはアートにおいても同じ。そして、純粋無垢が穢れる、悪意に染まる、発狂する瞬間ほど、”見てはいけないもの” やタブーとなりやすいものは他にないのかもしれませんね。丸尾末広のアートはまさにそんな瞬間をまざまざと描いていました。だからこそ、旋律美に蟲が沸き、血が滴る SAIDAN の音楽に、彼をオマージュしたアートワークは必要不可欠だったのです。
「”SICK ABDUCTED PURITY” という曲は、古田順子さんが殺害された事件 (1989年に足立区で起こった女子高生コンクリート詰め殺人事件) を題材に書いたもの。その事件を初めて知ったとき、僕は本当に心が傷つき、大きな悲しみを覚えたんだ…そしてずっとあの事件について書きたかった。もし歌にするのであれば、ある種の敬意を表しつつも、彼女に起こったことから逃げないようにしたいと思ったんだ」
そんな SAIDAN にとって、最も “見てはいけないもの” のひとつが、日本の足立区で起こった悍ましき “女子高生コンクリート詰め殺人事件” でした。人間はこれほどまでに獣になれるのか。そもそもは純粋だったはずの若者たちが、狂気と悪意に突き動かされ残酷残忍を極めたこの事件から、彼らは目を背けることができませんでした。
切り刻まれ、冒涜され、熱を帯びたシンフォニックな恐怖は、人間の貪欲さ、悪意、獣性、狂気によって複雑化されたメロディックな暴力によって蹂躙されていきます。いえ、きっと目を背けてはいけないのです。忘れてはいけないのです。風化とはすなわち、あまりにも無惨な被害者の魂を忘れ去ってしまうこと。きっと私たちは、この残忍なブラック・メタルと華麗な X JAPAN のアーティスティックな交差点で、人の残忍と純粋をいつまでも噛み締めておくべきなのでしょう。誰だって、ほんの少しの掛け違えで堕落の底まで落ちてしまう可能性をはらんでいるのですから。
今回弊誌では、SAIDAN にインタビューを行うことができました。「ブラック・メタルは、パンクのように他のジャンルのヘヴィ・ミュージックにも応用できる能力を持った、数少ないジャンルのひとつだと思う。僕の意見は、”メタル” の部分がメタルである限り、そのジャンルを自分のものにするために、好きなことをすればいいと思っているよ」 二度目の登場! どうぞ!!

SAIDAN “VISUAL KILL: THE BLOSSOMING PSYCHOTIC DEPRAVITY” : 10/10

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COVER STORY + INTERVIEW 【WANG WEN : INVISIBLE CITY】 三国演義 JAPAN TOUR 24


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH XIE YUGANG OF WANG WEN !!

“能和Mono还有Jambinai一起演出太令人兴奋了。Mono是我们一直尊敬和热爱的乐队,过去的二十多年,他们一刻都没有停歇,一直在书写新的音乐,并把这些音乐带到了世界上的各个角落,他们绝对是我们的榜样。听Jambinai很多年了,他们的音乐绝对是独一无二的,硬核的节奏和幽怨的民族乐器奏出的旋律完美的融合在一起”

DISC REVIEW “INVISIBLE CITY”

「音楽の大きな役割はまさに、政治や文化の壁を越えることにあると思っている。音楽は国境を超えた言語であり、異なる国や民族の人々が音楽を通じて、言葉や文字以上の感情や情報を感じ取ることができるのだから。それはまるで、より高次元のコミュニケーションのようだよね。僕らは、音楽によって生まれる心と心のつながりを壊すことができるものは何もないと信じているんだよ」
日本、中国、韓国。東アジアの国々にはそれぞれに長い歴史があり、複雑に絡み合う愛憎劇を悠久の時を超え演じてきました。憎しみもあれば愛もある。互いの関係を一言で言い表すことは難しく、特に政治の上で東アジアの国々は決して蜜月を謳歌しているとはいえないでしょう。
ただし、いつまでも歪み合い、反目し合うことが東アジアに住む人々の幸せにつながるでしょうか?いつかはこれまでの恩讐を越え、より良い未来を作っていくべきではないでしょうか?中国の独創的なポスト・ロック WANG WEN は、そうやって国境や文化を超えた心と心のつながりを作るために、音楽以上の美しい言語はないと信じています。
「MONO や JAMBINAI と一緒に演奏できるので、とても興奮しているよ。MONO は僕たちが常に尊敬し愛してきたバンドで、彼らは過去20年以上、一瞬たりとも立ち止まることなく、新しい音楽を作り続け、それを世界中に届けてきたんだよ。彼らは僕たちの模範だよ。JAMBINAI の音楽は何年も聴いてきたけど、その音楽は絶対に唯一無二だね。ハードコアなリズムと哀愁漂う民族楽器の旋律が完璧に融合しているよ」
7月に日本で行われる “三国演義 Romance of the Three Kingdoms” は、まさにその第一歩を踏み出す素晴らしき会合で邂逅。MONO, WANG WEN, JAMBINAI。日中韓の伝奇を超えたポスト・ロックのラブロマンスは、きっと凝り固まった人々の心まで溶かす新たな三国志の幕開けでしょう。
「MONO は最も説得力がある例だと思うよ。前述したように、彼らは絶え間ない音楽の創作と疲れを知らない公演で多くの場所に行っているんだ。これらはすべて、僕たちが学び、努力するべき面だと思っているね。実際のところ、どんなスタイルのラベルも重要ではなく、自分自身の声と表現方法を見つけることこそが重要なんだよ」
重要なのは、三者がそれぞれリスペクトという絆で強くつながっていること。三者ともにポスト・ロックというラベルを超えて、自らの声、表現方法を見つけていること。そうそして、WANG WEN がその声を完全に確立したアルバムは、”Invisible City” なのかもしれません。
あの SIGUR ROS がレコーディング・スタジオに改造したレイキャビクのプール。雪の降り積もるアイスランドで録音を行った彼らの心にあったのは、生まれ故郷の大連でした。ホルン、チェロ、ヴァイオリンを加えた美のオーケストラ、不気味な子守唄、ざわめくアンビエント・ノイズの風は、優しさと哀愁、静かで明るい大連という都市の有り様を見事に伝えています。多くの若者が去り、街が沈んで老いていく。そんな中でも、この地に残る人々の希望を描く “不可視の都市” には、きっと反目とヘイトが飛び交う東アジアにおいても優しい未来を育む寛容な人たちと同じ理念、同じ音の葉が貫かれているはずです。
とはいえ、そうした哲学的な話を脇においても、WANG WEN の音楽は MONO や JAMBINAI 同様に世界中で認められた、雨と悲しみと少しの希望の物語。SIGUR ROS, PG. LOST, WE LOST THE SEA, そして PINK FLOYD が紡ぐエモーションと絵画のような創造性、複雑な音楽構造を共存させる稀有なる存在。そうしてきっと新たな三国志は、2000年の時を超えて人々の心を溶かし、ほんの少しだけ近づけてくれるはずです。
今回弊誌では Xie Yugang にインタビューを行うことができました。「ここ最近の数年間、中国ではポスト・ロックを聴く若者やバンドが増えてきているんだ。一方で、メタルは20年前と比べて大きく減少しているね。しかし、ポスト・ロックであれメタルであれ、主流のポップ・ミュージックに比べると、中国ではまだ非常にマイナーな音楽だといえる」  弊誌 MONO インタビュー。  弊誌 JAMBINAI インタビュー。どうぞ!!

WANG WEN “INVISIBLE CITY” : 10/10

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COVER STORY + INTERVIEW 【MNEMIC : THE AUDIO INJECTED SOUL】20 YEARS ANNIVERSARY REUNION !!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MIRCEA GABRIEL EFTEMIE OF MNEMIC !!

“The Label “Fusion Future Metal” Was Our Definition Of What We Saw As The Potential For The “Djent” Genre, Even Before The Term Became Popular.”

DISC REVIEW “THE AUDIO INJECTED SOUL”

「”フューチャー・フュージョン・メタル” というラベルは、 “Djent” というジャンルが一般的になる前から、その音楽の可能性を見出していた僕たちの定義だった。だから今日、多くのバンドが僕たちの貢献をリスペクトし、認めてくれているのを見ると、信じられないほど嬉しいよ。たとえ当時の市場とタイミングが完全に一致していなかったとしても、僕たちが正しい道を歩んでいたことを再確認させてくれるからね」
音楽の世界には、多くの “早すぎた” バンドが存在します。しかし、ラテン語で “記憶” を意味するデンマークの MNEMIC 以上に、メタル世界の記憶に残った “早すぎた” バンドはいないでしょう。”MAINLY NEUROTIC ENERGY MODIFYING INSTANT CREATON”。”瞬時の創造性をモディファイする主なる神経症的エネルギー” の略語を同時に冠する偉大なバンドは、実際その当時の創造性を限りなくモディファイして、風のように去っていったのですから。
「僕たちは MESHUGGAH のようなバンドに大きな影響を受けた最初のバンドのひとつで、彼らが僕たちのサウンドに何らかの影響を与え、僕たちの音楽のポリリズムのコンポジションの一部を形作るのに役立ったんだと思う。とはいえ、SYBREED や TEXTURES など、僕らと同時期に活動していた他のバンドもいたから、その功績をすべて取り上げるのはフェアではないと思う。また、Djent というジャンルを本当に確固たるものにした、僕たちよりもずっと才能のあるバンドが後から市場に現れたことも忘れてはならないね。ただ僕たちは、Djent というジャンルを押し上げるために、その一翼を担えたことを嬉しく思っているんだ」
Djent といえば、MESHUGGAH が神であり、PERIPHERY が生みの親という認識がおそらく一般的なものでしょう。しかし MESHUGGAH のポリリズミックな有機的骨組みから、PERIPHERY の煌びやかな数学的キャッチー・プログの間には大きな隔たりがあるようにも感じられます。そう、進化は一晩で起こるものではありません。両者の間のミッシング・リンクこそが、MNEMIC であり、SYBREED であり、TEXTURES であったと考えるのが、今となってはむしろ自然な成り行きではないでしょうか?
「140カ国でいまだにこのバンドを聴き続けてくれているという事実と、バック・カタログが10万枚ほど売れているという事実に基づいている。時代は変わった。僕たちは、良い演奏をしなければならなかった時代、すべてがそれほど洗練されている必要がなかった時代、レコード制作において過剰に修正する必要がなかった時代の人間だ。だからこそ、僕たちは適切なチームと一緒に、昔の曲でも当時と同じように、よりシャープに、よりプロフェッショナルに演奏できることを証明したいんだ」
時代は変わりました。当時、インダストリアルや Nu-metal の一派として、SOILWORK の亜流として片付けられていた MNEMIC は掘り起こされ、Djent の始祖という正当な評価を手にしました。気は熟しました。そうして、彼らのマイルストーンとなった “The Audio Injected Soul” 20周年の年に、MNEMIC は華々しい復活を告げたのです。
この作品がなぜ革新的だったのか。それはもちろん、MESHUGGAH の偉大な骨格に、後の Djent が得た自由、多様なジャンルのパレットをもちこんだから。ただし革命はそれだけにとどまりません。当時のリスナーは、この作品の音の立体感に驚愕をおぼえたものです。
AM3Dテクノロジー。バイノーラル技術を駆使しリスナーの周りの3次元空間の特定の場所に音を定位させるように音を処理するテクノロジー。言葉の意味はわからずとも、ギターの音は極めて鮮明、ベースとドラムは響き渡り、背景にはアンビエント・サウンドが渦巻き、ボーカリスト Michael Bøgballe の分裂症のような遠吠えと嘲笑がミックスの至る所に現れるあまりにも強烈なサウンドは、アートワークの心脳をつんざくヘッドフォンを地でいっていたのです。音圧の破壊力。それは、1986年の傑作 “Rage For Order” で QUEENSRYCHE が見せつけたスタジオの大胆な魔法、その再現でした。
今回弊誌では、Mircea Gabriel Eftemie にインタビューを行うことができました。解散から11年を経て、MNEMIC は盟主として、歴史として、そして再び挑戦者としてメタル世界に戻ってきます。ついに時代は追いつきました。我々は、かつて MNEMIC がアルバムで描いた “多重人格” のカオスを全身で感じ取るのみ。今は亡き Guillaume Bideau をフィーチャーした “Passenger” もいいんですよね。どうぞ!!

MNEMIC “THE AUDIO INJECTED SOUL” : 10/10

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