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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SHOKRAN : ETHEREAL】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ANDREW IVASHCHENKO OF SHOKRAN !!

“Oriental Elements Decreased In This Album. But The Compositions Matured, We’ve Gone More Progressive, Less Djent!”

DISC REVIEW “ETHEREAL”

プログレッシブメタルコアのモーゼ、SHOKRAN はジャンルを約束の土地へと導く預言者なのかも知れません。ロシアから世界を窺う指導者は、文字通り天上の美を体現する最新作 “Ethereal” で海を割ります。
ギタリスト Dmitry Demyanenko のソロプロジェクトとして始まった SHOKRAN は、デビューフル “Supreme Truth” で BORN OF OSIRIS の革新にオリエンタルで壮大なサウンドスケープをもたらし、遅れて来た “Djent スター” として一躍脚光を浴びました。
リリース後にはボーカル、リズムギター、ベーシストの脱退という非常事態に見舞われますが、グレードアップしたメンバー、さらにキーボーディストを加え盤石の体制でセカンドアルバム “Exodus” をドロップします。
そうしてバンドは旧約聖書に記された “出エジプト記” をテーマとしたコンセプト作品で、シンセサイザーの煌びやかな響きと、一際エクレクティックなビジョンを携え自らのオリエンタルドラマティックなサウンドを確立することとなったのです。
最新作 “Ethereal” は、メロディーと多様でプログレッシブな方向性をさらに追求し、バンドのドラマ性を飛躍的に高めたマイルストーンです。
「確かにこのアルバムでオリエンタルな要素は減ったと思うよ。だけどコンポジションはより成熟を遂げているね。つまり、僕たちはよりプログレッシブに、Djent の要素を減らして進化を果たしたんだ!」レジェンド THE HAARP MACHINE にも請われて参加することとなったシーンきってのシンガー Andrew Ivashchenko が語るように、典型的な Djent サウンドやあからさまなオリエンタルフレーズを減退させ、”エセリアル” なムードを研ぎ澄ますことで、アルバムは結果として唯一無二のダイナミズム、エピック世界を得ることとなりました。
実際、冷ややかで透明なリードギターとシンセサイザーの景色、ミステリアスなオリエンタルフレーズ、複雑でメカニカルなグルーヴ、スポークンワード、クリーン、グロウルを自在に行き来する声の表現力、全てで荘厳を体現したオープナー “Unbodied” がバンドの DNA をしっかりと受け継ぐ一方で、”Ascension” のサウンドスケープは完璧なコントラストを創出します。
「”Ascension” はアルバムで最も多様な楽曲さ。まさにドラマさ。緩やかに実にメロディックに始まり、メロディーが躍動し始め、アグレッションが加わり、ハッピーなコーラスが流れ出し、突如ヘヴィネスで期待を激しく裏切るんだ。まさに楽曲で最もドラマティックな瞬間だね。そうしてドラマを繰り返し、感情をもたらす訳さ!」Andrew の言葉通り、多幸感や神秘性を抱きしめた夢見心地の崇高美は、メジャー感を伴って SHOKRAN 劇場の素晴らしきアクセントとなっていますね。
そうして SHOKRAN が描く多次元の自己探求は、DREAM THEATER からハチャトリアンまで Tech-metal の粋を尽くした “Superior”、PERIPHERY や MONUMENTS の最新作にも通じるキャッチーさとヘヴィーグルーヴの対比を封じた “Golden Pendant” と、まさにマルチディメンショナルな世界観を提示していくのです。
幕引きは “Destiny Crucified”。ロシアの血が育んだ絶対零度のメランコリーは、ストリングスやアコースティックの蜃気楼を写しながら夢幻泡影のワルツを踊るのです。
今回弊誌では、Andrew Ivashchenko にインタビューを行うことが出来ました。THE HAARP MACHINE の新作についても語る Tech-metal ファン必読の内容だと思います。「今では大きな感情の変化を音楽で表現出来るんだ。僕たちは成熟を遂げ、集団として働けるようになったのさ。」 どうぞ!!

SHOKRAN “ETHEREAL” : 9.9/10

INTERVIEW WITH ANDREW IVASHCHENKO

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could youtell us about the band and yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【ANDREW】: Nice to meet you, Sin! Hello, dear readers of Marunouchi Muzik Magazine!
Andrew from the Inter national progressive metal band Shokran is today on the line! Some of you could be already related with the band’s «Supreme Truth» and «Exodus» albums, and now we have just released our new record called «Ethereal».
Short story: The band started up from the one-man band, formed by guitarist/composer Dmitry Demyanenko. After he released the first EP «Sixth Sense», the decision was made to make the full band. Not a long time after that the first LP album, «Supreme Tuth» has been released and it actually gave the band the first breath. Shokran kept growing and gaining the fanbase over the world.

Q1: 本誌初登場です!まずはバンドのバックグラウンドについてお話していただけますか?

【ANDREW】: やあ、Marunouchi Muzik Magazine 読者のみんな!今日はインターナショナルプログレッシブメタルバンド SHOKRAN の Andrew がお相手するよ。すでにバンドの過去作 “Supreme Truth”, “Exodus” を聴いてくれた人もいると思うんだけど、遂に最新作 “Ethereal” をリリースしたよ。
もともとバンドは、ギタリストでコンポーザー Dmitry Demyanenko のワンマンバンドとして始まったんだ。彼は最初の EP “Six Sense” をリリースした後、このプロジェクトをフルバンドにする決断を下したね。それから間もなくして、ファーストアルバム “Supreme Truth” がリリースされたんだ。このアルバムこそがバンドに生命が宿った瞬間だったね。
それ以来、SHOKRAN は成長を続けているし、世界中にファンベースを築いているよ。

Q2: After “Supreme Truth”, there was a big change in the band. Actually, you joined Shokran at that time. What happened to the band? Do you think Shokran’s music have changed since then?

【ANDREW】: A year later the album was released, the band parted ways with the original singer and i tried myself in an audition from another country (I should notice that we all are practicing in our homes, cause the distances between all of us counts in a thousands km), and joined the band right after. Shokran changed, but i believe this change is for the best. We became more diverse, we can deliver the bigger spectre of emotions now, we all matured and became the one working organism.

Q2: “Supreme Truth” をリリースした後、バンドに大きな変化が起こりましたね?実際、あなたもその時バンドに加入した訳ですが。

【ANDREW】: “Supreme Truth” をリリースした一年後、オリジナルシンガーがバンドを離れてね。それで僕は、別の国からだけど (Andrew はウクライナ出身) オーディションを受けてみようと思ったんだ。
僕たちが住んでいる場所は何千キロも離れているから、練習は別々に家でしなくちゃならないことには気づくべきだったね。とにかく、そうしてバンドに加わったんだよ。
SHOKRAN は確かに変わったけど、これは最良の変化だと信じているよ。僕たちはより多様になったし、今では大きな感情の変化を音楽で表現出来るんだ。僕たちは成熟を遂げ、集団として働けるようになったのさ。

Q3: Maybe, Aria is the most popular metal band in Russia. But they are old school. What’s like playing modern prog/metal in Russia and Ukrina? How is the scene?

【ANDREW】: Yes, Aria is the most popular old school heavy metal band here for sure.
But overall, prog metal scene here is very underground, so there’s not much happening in Russian prog indusry)

Q3: おそらく、ロシアでは ARIA が最も有名なメタルバンドだと思いますが、彼らはオールドスクールです。ロシアのモダンプログやモダンメタルの状況はいかがですか?

【ANDREW】: うん、確かに ARIA はロシアで最も人気のあるオールドスクールなメタルバンドだよ。
だけど、全体的に見て、ロシアのプログメタルシーンはとてもアンダーグラウンドだよ。だから、ロシアのプログシーンに大きな何かが起こることは期待出来ないね。

Q4: So, Andrew, you were making The Haarp Machine’s new record along with Shokran’s “Ethereal”. Really busy, right? haha. We know The Haarp Machine have been in hiatus for a long time and Al has been searching for new members. How did you join the band?

【ANDREW】: It became more busy in April 2018 when Al called meand asked if i’d like to join THM. We decided to record one song + the music video while i was working on Shokran’s album and to continue working on THM’s album right after. So as «Ethereal» came out, now i continue to work on THM stuff.

Q4: あなたは SHOKRAN の新作と並行して THE HAARP MACHINE の新作にも関わっていましたよね? 実に忙しそうですね?(笑)
THE HAARP MACHINE の Al Mu’minは長い間新しいメンバーを探していましたが、どういった経緯で加入に至ったのですか?

【ANDREW】: 忙しさが増したのは、2018年の4月に Al から電話で THE HAARP MACHINE に加入しないかと誘われてからだね。それで僕たちは、1曲のレコーディングとミュージックビデオの制作を決めたんだ。SHOKRAN のアルバムを作っている最中にね。そうしてその後、THE HAARP MACHINE で継続してアルバムも制作することになったんだ。
だから、”Ethereal” がリリースされても、THE HAARP MACHINE のアルバム制作で引き続き忙しいんだ。

Q5: What was the experience working with Al and The Haarp Machine? What’s like The Haarp Machine’s new record?

【ANDREW】: The new record is deverse! It has that vibe “Esoteric Agenda” had, but more improved, there are heavy songs as well as more melodic in there.

Q5: THE HAARP MACHINE の新作はどういった作品になりそうですか?

【ANDREW】: 新しいレコードは、一言で言えば実に多様だよ!”Esoteric Agenda” が持っていたヴァイブを引き継ぎながら、より改良され、よりメロディックな楽曲が存在するよ。もちろん、同時にヘヴィーな楽曲もね。

Q6: OK, let’s talk about “Ethereal”. First of all, what made you choose “Ethereal” for the title? Is there any concept or lyrical themes on the album?

【ANDREW】: Of Course! All of our previous works were conceptual: Egyptian Mythology on Supreme Truth, 10 Plagues of Egypt on Exodus. The new album is conceptual as well! This time we have the main character that struggles in self-searching process, and finds so much inside power in the different realities. In the one of his multi dimensional wanderings he realizes himself ‘as great as a God’. Golden Pendant’s lyrics will guide you through this moment!

Q6: では、”Ethereal” について掘り下げましょう。アートワークも印象的ですが、まずは作品のコンセプトや歌詞のテーマについて教えていただけますか?

【ANDREW】: もちろん!僕たちの以前の作品は全てコンセプトアルバムだったね。”Supreme Truth” ではエジプト神話を、”Exodus” では古代エジプトの十の災いについて扱ったんだ。そして新作も同様にコンセプトアルバムだよ!
今回僕たちは、自分探しに苦悩するキャラクターを描いたんだ。そして彼は、異なる現実で多くの内なる力に目覚めるんだよ。多次元世界の一つで、彼は自身が神にも等しいほど偉大であることに気づくんだ。”Golden Pendant” の歌詞を読めば、その瞬間がより理解出来るはずさ!

Q7: “Oriental” is one of your essential aspect, I think. But “Ascention” is typically, it seems oriental aspect decreasedin “Ethereal” and it becomes more catchy, pop record, do you agree that?

【ANDREW】: We make the music we love, that is our essential aspect for sure!) I cannot say «Ascention» is typical, it’s the most diverse song on this album. It’s the actual drama. Begins from a slow and very melodic, comes to action but still melodic, adds more aggression, then flows to a melodic and happy sounding chorus, blows your expectations with the heaviness, then-the most drama on the song, and again and again. It delivers the Feels!
Yes, Oriental elements decreased in this album. But the compositions matured, we’ve gone more progressive, less djent!

Q7: “オリエンタル” な要素は、SHOKRAN にとって欠かせないものの一つだと思いますが、”Ascension” が象徴するように今作ではそのムードが減退し、よりメロディックでキャッチーな一面が強調されているようにも思えます。

【ANDREW】: 僕たちはただ愛する音楽を作るだけだよ。それこそが欠かせない要素さ!”Ascension” はアルバムで最も多様な楽曲さ。まさにドラマさ。
緩やかに実にメロディックに始まり、メロディーが躍動し始め、アグレッションが加わり、ハッピーなコーラスが流れ出し、突如ヘヴィネスで期待を激しく裏切るんだ。まさに楽曲で最もドラマティックな瞬間だね。そうしてドラマを繰り返し、感情をもたらす訳さ!
確かにこのアルバムでオリエンタルな要素は減ったと思うよ。だけどコンポジションはより成熟を遂げているね。つまり、僕たちはよりプログレッシブに、Djent の要素を減らして進化を果たしたんだ!

Q8: I love the melancholy of “Destiny Crucified”. I feel it has a mood of Russian traditional music. Do you think Shokran have influenced by Russian traditional music somehow?

【ANDREW】: Thank you! Actually i wouldn’t say that, but maybe it’s somehow inside of us) The traditions, the feelings of the old russian music) But i cannot say Shokran influenced by it at all.

Q8: “Destiny Crucified” のメランコリーは素晴らしいですね!ロシアの伝統音楽にも通じるように感じましたが?

【ANDREW】: ありがとう!意図的にそうした訳じゃないんだけど、きっと伝統音楽や昔のロシアの音楽が、いくらかは僕たちの中に自然と根付いているんだろうな。だから全く影響がないとは言えないよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED DMITRY & ANDREW’S LIFE

DREAM THEATER “BLACK CLOUDS & SILVER LININGS”

LINKIN PARK “METEORA”

ANIMALS AS LEADERS “S.T.”

TESSERACT “CONCEALING FATE”

SHOKRAN “EXODUS”

For Dmitry, The most ‘contrast’ album after listening to Aria back in the day was Dream Theater’s «Black Clouds & Silver Linings», for me it was maybe «Meteora» by Linkin Park – i felt in love with the driveand the saturation of the rock music back then, self-named album by Animals as Leaders turned my head into the progressive metal world back in 2010. Tesseract’s «Concealing Fate» helped me to widen myhorizons and finally, Shokran’s Exodus managed to change my life physically)

Dmitry にとって、ARIA を聴いていた当時、最も “対照的” で驚かされたのが DREAM THEATER の “Black Clouds & Silver Linings” だったんだ。
僕の人生を変えたアルバムは、おそらく LINKIN PARK の “Meteora” だろうな。あの作品で色鮮やかなロックミュージックに恋に落ちたんだ。
ANIMALS AS LEADERS のセルフタイトルは、2010年に僕をプログメタルワールドに向かわせてくれたアルバムだね。TesseracT の “Concealing Fate” はその地平を拡げる手助けとなったよ。
そうして、SHOKRAN の “Exodus” が物理的に僕の人生を変えてくれたんだ。

MESSAGE FOR JAPAN

We know that Japanese listeners are the most crazy in the world! Keep supporting the music and be as crazy as you are! Hopefully we’ll see each one of you one day on the tour! LOVE YOU!

僕たちは日本のリスナーが世界中で一番クレイジーだって知っているんだ!僕たちの音楽をサポートし続けて、どんどんクレイジーになって欲しいね!いつかツアーで出会えたらいいね!愛してるぜ!

ANDREW IVASHCHENKO

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【BLACK PEAKS : ALL THAT DIVIDES】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH WILL GARDNER OF BLACK PEAKS !!

“We All Started Collectively Listening To Lots Of Mastodon and Tool . Bands Like That . I Think Thats Where The Shift Started To Happen , Into The More Black Peaks Style Heavy Sound.”

DISC REVIEW “ALL THAT DIVIDES”

英国が今、沸騰しています。ARCHITECTS, TesseracT、そして SVALBARD や ROLO TOMASSI といった Holy Roar のロースター。真の意味での “プログレッシブ” を追求するエクレクティックでスリリングな冒険的アーティストが、かつて様々なムーブメントを創造した獅子とユニコーンの紋章の下へと集結しているのです。
ブライトンから顕現した BLACK PEAKS も、その大波を牽引する風雲の一つ。「様々な音楽ジャンルをミックスしているんだけど、主にロック、ハードコア、そしてプログが中心だね。」 と Will が語るように、荘厳と野蛮、洗練と無骨を併せ持つそのコントラストの烈風は、英国ニューウェーブの中でも一際カラフルなインパクトを与えているのです。
注目すべきは BLACK PEAKS が、一歩間違えれば “無節操” とも捉えられかねない “美味しいとこどり” の方法論を、臆せず真摯に追求している点でしょう。SHRINE 時代は自らが認めるように “マーズヴォルティー” すなはち THE MARS VOLTA のポストハードコアを追い求め、さらに改名後は 「僕たちは集まって、MASTODON や TOOL といったバンドを何度も聴いて研究し始めたのさ。そこから音楽性の変化が始まったと思うね。」 と語る通り、モダンプログレッシブの数学的アプローチや重量感を深く “研究” し、理想的な BLACK PEAKS のスタイルへと邁進し構築する。その研究者としての姿勢が、これまでありそうでなかったモダンでコンパクトな凛々しきプログの坩堝を精製することへと繋がりました。
例えばファーストシングル “Can’t Sleep” は、MASTODON のスラッジアタックと SYSTEM OF A DOWN の異国感がシームレスに融合したキメラでしょうし、”Electric Fires” には TOOL のマスマティカルな野心と BIFFY CLYRO のポップな精神が宿っているはずです。加えて湧き出でる OPETH や ELDER のエピカルな世界観。
ただし、その魅力的なフラスコに Will のボーカルが注がれると、BLACK PEAKS は触媒を得て劇的な化学反応を起こします。実際、スクリームからクリーンボイス、囁きからファルセットまで、英国らしい叙情、憂鬱、愁苦、そして悲憤を宿す Will の歌唱とメロディーは、異次元のエモーションを楽曲へと織り込んでいくのです。
フルスロットルの咆哮を縦糸に、ガラスのファルセットを横糸に織り上げたその退廃感は、母国の選択、ブレグジットに起因するものでした。「ここ数年イギリス人としてヨーロッパを旅する事で、実際に興味深い体験をして来たからなんだけどね。つまり、そうやって僕たちに降りかかる出来事に対して情動、怒り、フラストレーションなんかを感じたわけさ。」 そのダイナミズムの源は、例えば SVALBARD にも通じるやはり政治的なものでした。
そうしてアルバムは、THE DILLINGER ESCAPE PLAN のカオスや OCEANSIZE の耽美まで吸収した強欲な運命 “Fate Ⅰ&Ⅱ” でその幕を閉じます。ハードコアのアグレッションとプログレッシブのエレガンスが、自然と同じキャンパスに描かれるダイナミズムの DNA はきっと選ばれたものにしか与えられていないはずです。
今回弊誌では、新たなボーカルスター Will Gardner にインタビューを行うことが出来ました。「僕たちはアルバムをレコーディングしている最中に ELDER “Reflections of a floating world” を頻繁に聴いていたんだ。」 どうぞ!!

BLACK PEAKS “ALL THAT DIVIDES” : 9.8/10

INTERVIEW WITH WILL GARDNER

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about the band and yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【WILL】: So we are Black peaks from Brighton in England , were a real mixture of all sorts of music , mainly rock , hardcore and prog . We’ve been going for about 7 years now roughly and have traveled all over Europe playing shows.

Q1: 本誌初登場です!まずはあなた達の音楽的なバックグラウンドからお話していただけますか?

【WILL】: 僕たちは BLACK PEAKS。イングランドのブライトン出身だよ。様々な音楽ジャンルをミックスしているんだけど、主にロック、ハードコア、そしてプログが中心だね。
結成から今年で7年目になるね。そしてショウのためにヨーロッパ中を旅して来たんだ。

Q2: Before you become Black Peaks you were a three-piece instrumental band and so called Shrine. It was kind of Mars Volta esque style, right? What made you shift your direction from Shrine to Black Peaks at that time?

【WILL】: Yeah thats right, we were super Mars voltery and technical . That was the music we all loved at the start .
I ( William the singer ) joined the band and made things alot heavier i guess?
We all started collectively listening to lots of Mastodon and Tool . Bands like that .
I think thats where the shift started to happen , into the more Black peaks style heavy sound.

Q2: BLACK PEAKS 結成以前は、3人組のインストゥルメンタルバンド SHRINE として活動していましたね? 当時は THE MARS VOLTA を強く意識したような音楽性でしたが。

【WILL】: うん、その通りだよ。当時は実に “マーズヴォルティー” でテクニカルだったね。それこそが、僕たちがこのバンドを始めた時、全員が愛している音楽だったんだよ。シンガーである僕が加入して、バンドはよりヘヴィーになったと思うんだ。
そうして僕たちは集まって、MASTODON や TOOL といったバンドを何度も聴いて研究し始めたのさ。そこから音楽性の変化が始まったと思うね。より BLACK PEAKS らしいヘヴィーなスタイルへとね。

Q3: After the incredible debut-full “Statues”, you have toured with metal giants like Deftones, Mastodon, System of a Down. What was the experience for you?

【WILL】: Pretty indescribable to be honest , each one of those huge gigs was very very different . We went down especially well with Mastodons crowd in Lisbon. I would say that we learned a hell of alot from each of those bands and playing with them on those stages . Wembley with Deftones felt like a dream come true , we got to hang out with most of the band and they were great guys !

Q3: そうしてデビュー作 “Statues” でシーンに衝撃を与えた後、バンドは DEFTONES, MASTODON, SYESTEM OF A DOWN といったレジェンドとツアーを行いました。

【WILL】: 正直、形容し難い体験だったよ。彼らとの大きなギグ一つ一つがとても異なっていたからね。ただ言えるのは、僕たちはそういったバンドたちから、そして彼らとステージを共有することで、多くのものを学んだってことだね。
中でも DEFTONES とのウェンブリーアリーナでのショウは、まさに夢が叶った瞬間だったな。大半のバンドとは仲良くなって遊びにいったりしたし、素晴らしい人たちだよ!

Q4: Also, contract with Rise Record was next big step for the band. What’s your perspective about the label and their rosters?

【WILL】: They have been absolutely brilliant for us so far . They are very supportive with us creatively and really give us a lot of freedom with our music and image .
I think their Roster has changed and developed alot over the last few years which is great as they have opened thier doors to bands like us .

Q4: ビッグレーベル Rise Records との契約は、バンドにとって大きな一歩に思えます。ロースターも充実していますよね?

【WILL】: 彼らは今のところ、僕たちを実に素晴らしく扱ってくれているよ。クリエイティブ面でもとてもサポートしてくれるし、僕たちの音楽や想像性に大きな自由を与えてくれているんだ。
レーベルのロースターは、ここ数年で変化してさらに改善を遂げているよね。つまり、僕たちのようなバンドにもドアを開けてくれるんだから、素晴らしい事だよ。

Q5: So, your newest record “All That Divides” is really well accepted. With great artwork, what’s the concept or lyrical themes of this record?

【WILL】: Thats a very long and complicated story , alot of which is to do with the political climate in the UK and Europe at the moment .
We have had lots of interesting stories from us traveling Europe over the last few years and felt lots of emotion and anger , frustration at what we see happening around us . The album was our way of expressing those experiences and emotions the best way we felt we could.

Q5: 最新作 “All That Divides” もデビュー作を凌ぐほどに好評ですね!アートワークや歌詞のコンセプトについて教えていただけますか?

【WILL】: 実に込み入った長いストーリーなんだけど、基本的にコンセプトの大半は、現在の UK とヨーロッパの政治的状況と関連しているんだ。
というのも、ここ数年イギリス人としてヨーロッパを旅する事で、実際に興味深い体験をして来たからなんだけどね。つまり、そうやって僕たちに降りかかる出来事に対して情動、怒り、フラストレーションなんかを感じたわけさ。
このアルバムは、そういった体験や感情に対する僕たちなりの表現法であり、これが僕らに出来る最高の方法だったんだ。

Q6: Actually, I was really impressed by the colorful and wide range influence of “All That Divides”. There is Tool, Mastodon, Deftones, System of a Down and Even Opeth. That diversity and imaginative approach reminds me Elder’s latest record. But your style is more modern, up to date and catchy, I think. Do you agree that?

【WILL】: That’s Very kind of you thankyou so much , We actually listened to ALOT of ‘Reflections of a floating world ‘ when we were recording the album . In fact i think i could say we kind of discovered Elder properly while we were recording . I’m pleased you can hear a little bit of that influence.

Q6: 先程お話にも出ましたが、TOOL, MASTODON, DEFTONES, さらには OPETH まで、カラフルで多様な音楽の素養が印象的なアルバムです。そういった多様性と想像力は、ELDER の最新作にも通じるように感じましたが?

【WILL】: 本当にありがとう、そう言ってくれて嬉しいよ。実際、僕たちはアルバムをレコーディングしている最中に ELDER “Reflections of a floating world” を頻繁に聴いていたんだ。正直に言って、ELDER を発見したのがレコーディング時だったのは、まさに適切なタイミングだったよね。だから、彼らからの影響を少しでも感じてくれて嬉しいよ。

Q7: Will’s emotional and unique voice makes “All That Divides” one and only. As a singer, who do you respect?

【WILL】: I listen to alot of Maynard from tool , Chris Cornell was a hero of mine growing up .
Obviously people like Michael Akerfeldt , Greg Puciato , Cedric Bixler Zavala and i think alot of Devin Townsend back in the day . Also i would say Phil Anselmo and Zach de la Rocha were all huge influences on me.

Q7: Will のエモーショナルな歌唱も光るレコードです。あなたがシンガーとして影響を受けたのは、どういった人たちですか?

【WILL】: TOOL の Maynard は良く聴いているね。それに子供のころは、Chris Cornell がヒーローだったんだ。
振り返ってみると、Michael Akerfeldt , Greg Puciato , Cedric Bixler Zavala, それに Devin Townsend からは明らかに大きな影響を受けているね。それに Phil Anselmo, Zach de la Rocha の個性も重要だったよ。

Q8: Recently, intelligent, mathy, atmospheric bands have risen from UK. Actually, Black Peaks, TesseracT, Toska and Holy Roar’s rosters are driving force of UK modern metal/Prog scene. Do you think there is “new wave” of metal in your country now?

【WILL】: Yes i would strongly agree with that . There is so much amazing music coming out of the UK at the moment , its really a very exciting scene to be part of .

Q8: 近年、知性を湛えるマスマティカルでアトモスフェリックな新鋭が多数英国から登場しています。BLACK PEAKS はもちろん、 TesseracT や Holy Roar のロースターも話題を呼んでいますよね?メタル/プログの新たな波がイギリスに訪れているのでしょうか?

【WILL】: うん、その意見には強く同意するよ。本当に現在は、英国から最高の音楽が沢山生まれているよね。そのシーンの一部になっているんだから、実にエキサイティングだよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED WILL’S LIFE

MILES DAVIS “KIND OF BLUE”

SLIPKNOT “SLIPKNOT”

MASTODON “CRACK THE SKYE”

PINK FLOYD “THE DARK SIDE OF THE MOON”

TOOL “10,000 DAYS”

MESSAGE FOR JAPAN

Please have us over to your beautiful country . We have heard so many good things , we would really like to come over and show us your music and meet your lovely people . Thankyou from Black peaks !

ぜひ君たちの美しい国に招待して欲しいな。日本については本当に良い話を沢山聞いているから、ぜひ訪れて君たちの音楽も聴いてみたいし、素敵な人たちにも会ってみたいな。ありがとう!

WILL GARDNER

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ALIEN WEAPONRY : Tū】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH ALIEN WEAPONRY !!

“I Think Our Views On Colonization Are Pretty Clear. For Example, Raupatu Is About Massive Land Confiscations. The Colonial Government In New Zealand (And In Many Other Countries) Did a Lot Of Unjust Things, And The Result Still Affects Our Society Today.”

DISC REVIEW “Tū”

「僕たちは、メタルの聖火を未来に向けてずっと掲げ続けることが出来ればと願っているんだ。そして、その炎はオリジナルのメタルバンドたちと、世界中のファンに向けたリスペクトから生まれているんだよ。」脈々と継承されるメタルのスピリット。ニュージーランドのヤングガンズ ALIEN WEAPONRY は、受け継ぐ燈火を一際高々と世界へ向けて掲げます。
Lewis de Jong (ギター/ボーカル), Henry de Jong (ドラムス) の De Jong 兄弟が8歳と10歳の若さで結成した ALIEN WEAPONRY。Ethan Trembath (ベース) を加えて16歳が2人と18歳の高校世代トリオとなった彼らは、Napalm Records からリリースした超高校級のデビューフル “Tū” で文字通り世界を震撼させました。
実際、古のスラッシュの波動から、Nu-metal のグルーヴ、洗練されたモダンメタルの息吹き、理知的でプログレッシブなデザインにピュアなメタルのメロディーまで、ワイドな視点で綴られたアルバムの中でも、自らの背景であるマオリの文化を投影する試みはあまりにユニークで独創的です。
誇り高きマオリ、Ngati Pikiāo と Ngati Raukawa 族の血を引く De Jong 兄弟は、1864年に1.700人の英国兵に230人で対抗しその命を投げ打った伝説の戦士 Te Ahoaho の子孫にあたります。そしてその勇敢なる遺伝子は克明に若きメタルウォーリアーズの中にも刻まれているのです。
「植民地化についての僕たちの見解は実に明快だよ。ニュージーランドの植民地政府は (他の植民地政府も同様だけど) 多くの不当な行為を行ったね。そしてそのツケは、今の僕たちの社会にまで及んでいるんだ。」と語る De Jong 兄弟。マオリ語で “神々の闘い” をタイトルに冠したアルバムで、彼らは当時の列強諸国が行った不当な搾取を告発し、メタルのジャスティスで断罪していきます。
何より誇りを重んじるマオリの民は、現在でもイギリス、西欧に踏み躙られた一族の尊厳を、”Whakamā” “深い恥” の言葉とともにトラウマとして引きずっています。故に、例えメタルに惹かれたとしても、その気持ちを一族の中で明かすことは今でも簡単ではありません。だからこそ、ALIEN WEAPONRY はマオリとメタルを繋ぐ架け橋を目指しているのです。
事実、マオリの言葉 “Te Reo Māori” をフィーチャーしたトライバルなイントロダクション “Waikōrero”、そしてアイコニックなワーダンス “Haka” を前面に押し出した “Rū Ana Te Whenua” はアルバムのスピリットを決定づけています。
もちろん、ALIEN WEAPONRY の方がより多様でコンテンポラリー、時に LAMB OF GOD, GOJIRA をも想起させるほど理知的ですが、メタルのヘヴィーグルーヴに民族の血やリズムを沈めるという意味では SEPULTURA や SOULFLY との比較が多数を占めるのも頷けますね。
「マオリの言葉はニュージーランドでも日常生活で幅広く使われている訳じゃないからね。だから習得の努力を続けるのは簡単ではないよ。逆に言えば、”Te Reo Maori” で歌うこともあの言葉と繋がる一つの方法なんだ。」世界では今も二週間に一つの言語が “消失” しています。そして、”Te Reo Maori” も実は国連から絶滅が危惧されている言語の一つです。ニュージーランドのヒーローは、”Te Reo Maori” で歌うことで言語の存続にまで大きな力を貸しているのです。
アートワークに描かれたマオリの戦士が全てを象徴するレコード。今回弊誌では、メンバー全員にインタビューを行うことが出来ました。「僕たち兄弟は Kura Kaupapa Maori に通っていたんだ。没入法を取り入れたマオリの学校だよ。毎朝のルーティンとして、学校で歌ってハカを踊っていたね。だからメタルとハカをミックスするのはいたって自然なことだったんだ。」 どうぞ!!

ALIEN WEAPONRY “Tū” : 9.9/10

INTERVIEW WITH ALIEN WEAPONRY

Q1: It seems De Jong brothers met Ethan in Waipu. How were you into metal music in that small seaside town?

【LEWIS】: We (Henry and I) grew up listening to a lot of different kinds of music. Our Dad is a metalhead, so we heard a lot of metal, but also reggae, rock and baroque music. I gravitated to metal because I was an angry and intense little kid and it was angry, intense music.

【ETHAN】: I grew up in Waipu, and I met Henry and Lewis when I was 10. I never heard metal much growing up – my Mum was into Pink Floyd, Bob Marley and Salmonella Dub (a NZ band). The only metal song I knew was ‘Run to the Hills’ by Iron Maiden, because it was on a Playstation game. I thought it was really cool, but I didn’t know what it was. When I met Henry and Lewis, they introduced me to bands like Metallica and Trivium, and I have been into metal ever since.

【HENRY】: We only moved to Waipu when I was 12 and Lewis was 10. I think we were the only kids who listened to metal when we arrived. There are not even that many metalheads in New Zealand. But we converted Ethan.

Q1: ALIEN WEAPONRY のメンバー3人、De Jong 兄弟と ETHAN はニュージーランドの小さな浜辺の街 Waipu で初めて会ったそうですね?

【LEWIS】: 僕と Henry は様々な異なる音楽を聴いて育ったんだ。父はメタルヘッドだから、当然メタルが多かったんだけど、同時にレゲエやロックにバロック音楽なんかも聴いていたね。
メタルに惹かれたのは、やっぱり僕がピリピリと怒れるキッズだったからだろうね。メタルには怒りとインテンスが宿っているから。

【ETHAN】: 僕は Waipu で育ったんだ。Henry と Lewis に会ったのは僕が10歳の時だったね。僕はメタルを多く聴いて育った訳じゃなくてね。というのも、母が PINK FLOYD や Bob Marley, それにニュージーランドの SALMONELLA DUB というバンドなんかにハマっていたからなんだけど。
唯一知っていたメタルソングが IRON MAIDEN の “Run to the Hills” だったね。あの曲はプレステのゲームに流れていたから。とてもクールだと思ったんだけど、当時は誰の楽曲かよく分からなくてね。
Henry と Lewis に会ったあと、彼らが METALLICA や TRIVIUM といったバンドを紹介してくれたんだ。それ以来ずっとメタルにハマっているよ。

【HENRY】: 僕が12歳、Lewis が10歳の時に Waipu に引っ越したんだ。この街に着いた時、メタルを聴く子供は僕たちだけだったと思うよ。ニュージーランド全体にしたって、メタルヘッドはそう多くないからね。
だから僕たちは Ethan をメタルヘッドに改宗したんだ。

Q2: You started metal band from very young age. Off course, you are still so young. But how did Alien Weaponry start playing your own original songs?

【LEWIS & HENRY】: We started the band when we were 8 and 10, and we just never wanted to play covers. We always preferred jamming and making up our own sounds. Our Dad was a musician, and there were always instruments in the house, so we just picked them up and started experimenting.

Q2: ALIEN WEAPONRY はメンバー全員が10代というその若さも驚きですが、幼少期からバンドを始めていたんですね?
結成当初からオリジナル曲をプレイしていたのでしょうか?

【LEWIS & HENRY】: 僕たち兄弟は、Ethan に出会う前、8歳と10歳の頃にバンドを始めたんだ。当時からカバー曲は絶対にプレイしたくなかったね。とにかく僕たちは、ジャムを重ねて独自のサウンドを作り上げていくのが好きなんだ。
父はミュージシャンで、楽器はいつだって家にあったんだよ。だから僕たちはただ楽器を手にとって、実験を始めるだけで良かったんだよ。

Q3: It’s really excited you add haka to metal. You know, haka is war dance, and metal is rebellion, passion. These two are really fit so well, right?

【LEWIS & HENRY】: Yes, Henry and Lewis went to a kura kaupapa Māori (a total immersion Māori school). It was part of our daily routine at school every morning to sing and do haka, so it just feels quite normal to mix the two.

Q3: メタルにハカを取り入れるバンドの試みは実にユニークです。実際、ハカは闘いのダンス、そしてメタルも情熱的な反抗の音楽で、完璧にフィットしたように感じます。

【LEWIS & HENRY】: うん。僕たち兄弟は Kura Kaupapa Maori に通っていたんだ。没入法を取り入れたマオリの学校だよ。毎朝のルーティンとして、学校で歌ってハカを踊っていたね。
だからメタルとハカをミックスするのはいたって自然なことだったんだ。

Q4: It seems De Jong bro’s are descendants of Māori warriors defended their fort from the well-equipped, 1,700-person British army. Is that one of the reason you mixed Māori culture to metal?

【LEWIS & HENRY】: It was kind of the other way around. We wanted to enter a competition called Smokefree Pacifica Beats, where you had to incorporate Māori or Pacific culture and language. So we incorporated stories of our Ancestors that Niel (Henry and Lewis’s Dad) has told us. One of them was about the battle at Gate Pa (Pukehinahina), where a small group of our ancestors outwitted 1,700 British troops, and that story is what Rū Ana Te Whenua is based on. It was the first song we wrote in Te Reo Māori, but it worked so well we kept writing more.

Q4: De Jong 兄弟の祖先は、装備を固め侵略に訪れた1700の英国兵と勇敢に戦ったマオリ戦士の子孫だそうですね?
その事実も、マオリの文化をメタルに取り入れた理由の一つでしょうか?

【LEWIS & HENRY】: それに関しては、順番が逆なんだ。僕たちは”Smokefree Pacifica Beats”と呼ばれるバンドコンテストに出場したくてね。だけど、その大会の出場資格が、マオリまたは太平洋の文化と言語を取り入れていることだったんだ。
そこで僕たちは、Niel(Henry と Lewis の父)が語ってくれた祖先の物語を取り入れたのさ。 その話のうちの1つが、祖先の少数のグループが1,700人のイギリスの軍隊に勝った “Gate Pa(Pukehinahina)”での戦いについてだったのさ。そうして、その物語は僕たちの楽曲 “RūAna Te Whenua” の元となったんだよ。
“Te Re Maori”、マオリ語で書いた最初の曲だったけど、実に上手くいったから、マオリ語を取り入れながら書き続けることにしたんだ。

Q5: Actually, Te Reo Māori is perfect fit with your thrashy groove metal. Where did you learn that language?

【ETHAN】: Even though Henry and Lewis went to a kura kaupapa Māori for their early schooling, it is not widely spoken in everyday life in New Zealand, so it has been hard to keep it up. Singing in Te Reo Maori is one way we can hold onto the language.

Q5: 実際、”Te Re Maori” はバンドのグルーヴに素晴らしくフィットしています。日常的に使用している言語ではないと思うのですが、どうやって学んでいるのでしょうか?

【ETHAN】: De Jong 兄弟はマオリの学校に通っていたんだけど、それにしたってマオリの言葉はニュージーランドでも日常生活で幅広く使われている訳じゃないからね。だから習得の努力を続けるのは簡単ではないよ。
逆に言えば、”Te Reo Maori” で歌うこともあの言葉と繋がる一つの方法なんだ。

Q6: So, what’s your though about New Zealand’s colonial government throughout the 1800s?

【ETHAN】: I think our views on colonization are pretty clear. For example, Raupatu is about massive land confiscations. The colonial government in New Zealand (and in many other countries) did a lot of unjust things, and the result still affects our society today.

Q6: では、19世紀のイギリスによるニュージーランドの植民地支配については、どのような意見をお持ちですか?

【ETHAN】: 植民地化についての僕たちの見解は実に明快だよ。例えば、”Raupatu” はマオリが大量に領地を押収されたことについての楽曲だよ。
ニュージーランドの植民地政府は (他の植民地政府も同様だけど) 多くの不当な行為を行ったね。そしてそのツケは、今の僕たちの社会にまで及んでいるんだ。

Q7: Is there any concept or lyrical themes in “Tū”?

【LEWIS & HENRY】: Tū is short for Tūmatauenga, the Māori God of war. We chose to name our album Tū because the general theme of the album is conflict and disharmony – whether historic battles, social and political conflict or personal struggles.

Q7: マオリの誇りを前面に打ち出したアルバムで、”Tū” をタイトルに冠したのはなぜでしょう?

【LEWIS & HENRY】: “Tū” とはマオリにおける神々の戦い “Tūmatauenga” を短くしたものなんだ。この言葉をアルバムタイトルに選んだのは、アルバムのテーマがまさに紛争と不協和だったからなんだ。
それが歴史上の戦いであれ、社会や政治的、もしくは個人同士の争いであれね。

Q8: Regarding Metal, Big bands are all around 50. Actually, there is a few young star of in the scene. Can you make Metal great again?

【LEWIS & HENRY】: We are excited to be playing festivals in Europe and North America on the same bills as some of those iconic bands like Slayer, Anthrax and Testament. When we toured with Ministry in the USA, Al Jourgensen was a great mentor to us. And Gene Hoglan from Testament came to see us play. We hope we can continue holding the metal torch high into the future, out of respect to the original metal bands and all the fans worldwide.

Q8: メタルシーンにおいてビッグバンドはほぼ50歳前後です。ヤングスターが不足する世界で、ALIEN WEAPONRY は再びメタルを偉大な高みへと誘えますか?

【LEWIS & HENRY】: 僕たちはヨーロッパや北米のフェスで、SLAYER, ANTHRAX, TESTAMENT といったアイコニックなバンドとステージをシェア出来て本当に興奮したんだ。アメリカを MINISTRY とツアーした時は、Al Jourgensen が良き助言者となったね。それに、TESTAMENT の Gene Hoglan は僕たちのプレイを見に来てくれたんだ。
僕たちは、メタルの聖火を未来に向けてずっと掲げ続けることが出来ればと願っているんだ。そして、その炎はオリジナルのメタルバンドたちと、世界中のファンに向けたリスペクトから生まれているんだよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED ALIEN WEAPONRY’S LIFE

ANIMALS AS LEADERS “JOY OF MOTION”

TRIVIUM “IN WAVES”

TWELVE FOOT NINJA “SILENT MACHINE”

VEIL OF MAYA “MATRIARCH”

SHIHAD “FVEY”

(ETHAN)

METALLICA “MASTER OF PUPPETS”

EMINEM “ENCORE”

RAGE AGAINST THE MACHINE “S.T.”

RED HOT CHILI PEPPERS “BLOOD SUGAR SEX MAGIK”

LAMB OF GOD “ASHES OF THE WAKE”

(HENRY)

STEVIE RAY VAUGHAN “LIVE AT THE EL MOCAMBO”

METALLICA “ST. ANGER”

MINISTRY “PSALM 69”

LAMB OF GOD “SACRAMENT”

SYSTEM OF A DOWN “TOXICITY”

STICKY FINGERS “CARESS YOUR SOUL”

(LEWIS)

MESSAGE FOR JAPAN

Get ready for when we come to Japan – we’re gonna blow you away … and eat all your sushi!

日本へ行くから準備しておいて!君たちを驚愕させるからね‥お寿司も全部平らげてやるぜ!

ALIEN WEAPONRY

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JOURNAL : CHRYSALIS ORDALIAS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JOE VAN HOUTEN OF JOURNAL !!

“I Have Always Been Fascinated By Emotional And Memorable Music That I Would Hear In Certain Video Games – Particularly JRPGs Like Final Fantasy And Chrono Trigger, As Well As High-Fantasy Action Adventure Games Like The Legend of Zelda Series.”

DISC REVIEW “CHRYSALIS ORDALIAS”

サクラメントに居を置く JOURNAL が “Unlorja” で2010年に奏でたテクニックとカオスのエクストリームな二重奏は、ゲーム音楽のエピカルな薫りも纏いながらプログメタル/マスコアの “日誌” に確かな足跡を刻みました。
8年の後、遂に帰還を遂げた JOURNAL が掲げたのは、幼少期から馴れ親しみ愛し続ける “JRPG” 日本のロールプレイングゲームを彷彿とさせる世界観の更なる拡大でした。
「僕のフェイバリットコンポーザーは、ファイナルファンタジーの植松伸夫さんとゼルダの近藤浩治さんなんだ。疑いようもなく、僕が聴いて来たどのメタルバンドよりも強く影響を受けているね。」ゲームの話となると明らかに饒舌さを増すコンポーザー Joe。彼のゲームに対する強い愛情は、そのまま JRPG とそのサウンドトラックのスペクタクル、壮大な世界観、ストーリー展開の妙、そして溢れる感情を最新作 “Chrysalis Ordalias” へと投影することになりました。
もちろん、そこには Joe が養ってきた THE DILLINGER ESCAPE PLAN, TRAINING FOR UTOPIA, CANDIRIA, PROTEST THE HERO, CAR BOMB といったカオティックなメタル/ハードコアの素養が基盤して存在しています。さらに160ページに渡るストーリーを反映する歌詞の深みは COHEED AND CAMBRIA 譲りでしょうか。
そうして、Joe が言うところの 「複雑なタイムシグニチャーと突拍子もないテンポをユニークにブレンドし、同時に様々な感情や景色を運ぶ作曲の妙を得ることが出来たんだ。僕たちの音楽を RPG のボス戦みたいだって言う人もいるくらいでね!」 という独創性極まるユニークブレンドのコンセプトアルバムは完成を見たのです。
JOURNAL の音楽に一際個性を生んでいるのが、ファストで難解なチップチューンサウンドの楽器による完全再現でしょう。確かに8bitサウンドをメタルワールドへと取り込んだバンドは少なからず存在していますが、人の手で半ば強引に勇敢に導入する JOURNAL の姿はまさに開拓者。
実際 Joe も、「8-bit のビデオゲームサウンドを取り入れているバンドも素晴らしいんだけど、僕は人が楽器をプレイしたサウンドの方が好きなんだ。」 と語っていますし、その試みがより生々しいサウンドスケープと、複雑でアグレッシブな迫真のインテンスを共存させているのは明らかです。
事実、”Calamity Smile” はバンドのエクストリームな実験が未曾有のダイナミズムを創造するマイルストーン。FFシリーズのバトルを想起させるスリリングな音符の連鎖、リズムの荒波を、全て演奏で具現化する狂気のハイテクニックは圧倒的な混沌と緊迫感を放ち、一方で中盤のファンキーなパートではチョコボに乗って旅をしているかのような優しい錯覚を抱かせます。
もしかすると、SikTh がゲーム音楽を制作すれば同様の景色に到達するのかもしれませんね。音の先にイメージが宿る無上のサウンドスケープ。
さらに、Joe 自身、ex-CONDUCTING FROM THE GRAVE の Drew Winter 等4人を起用したマルチボーカルシステムも完璧に機能しています。ロールプレイングゲームのキャラクターのように生き生きと適材適所で語りかける彼らの声はグロウル、スクリーム、クリーンに分厚いハーモニーまで自由自在。
特にゼルダのカラフルで牧歌的世界観が表出するタイトルトラック “Chrysalis Ordalias” では、ワイドなボーカルレンジが鮮やかに楽曲の多様性、コントラストを引き立てていますね。
ゲームとエクストリームミュージックの魅力が収束した日誌の1ページ。今回弊誌では、ギタリスト、コンポーザー、そしてボーカルも務める Joe Van Houten にインタビューを行うことが出来ました。
「例えば “FF10” の悲哀極まるシーンで、実に悲しいピアノの調べが流れ出すようにね。そうして僕たちは、ティーダとユウナがいつか結ばれることをただひたすらに願うんだ!大好きなストーリーだよ。」 どうぞ!!

JOURNAL “CHRYSALIS ORDALIAS” : 9.9/10

INTERVIEW WITH JOE VAN HOUTEN

Q1: This is the first interview with you. So, at first, could you tell us about the band and yourself? I feel The Dillinger Escape Plan, Between The Buried and Me, Coheed and Cambria are main backbone of Journal. Actually, what kind of music were you listening to, when you were growing up?

【JOE】: Journal was formed around the year 2006 by me (Joe Van Houten) and Justin Tvetan. We have had a handful of other bass and guitar players, along the way, but only one singer. Tony Juvinall joined around 2009, and we have been a 3 piece ever since (Joe – Guitar, Justin – Drums, Tony – Guitar) Since the Unlorja days, we have been writing concept albums with guest performance vocals on the recordings, but live, we have been playing as an instrumental.
Training For Utopia, Dillinger Escape plan, Candiria, Will Haven, and many other NOISY bands influenced me, quite a lot, early on. Even before learning how to play guitar, I have always been fascinated by emotional and memorable music that I would hear in certain video games – Particularly JRPGs like Final Fantasy and Chrono Trigger, as well as High-Fantasy Action Adventure games like the Legend of Zelda series. As a result, I learned to compose songs that had a unique blend of complex time signatures and ultra-erratic tempos, while simultaneously conveying a variety of emotions and unique landscapes. Some people think Journal sounds like a JRPG boss battle! If that is true, mission accomplished!!!!

Q1: 本誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話していただけますか?

【JOE】: JOURNAL は2006年に僕と Justin Tvetan によって結成されたんだ。しばらくは沢山のベーシスト、ギタリストが出入りしていたんだけどシンガーは1人だけだったね。
2009年辺りに Tony Juvinall が加わって、それからはスリーピースで続けているんだ。僕と Tony がギター、Justin がドラムスでね。”Unlorja” をリリースしてからはずっとゲストボーカルを起用したコンセプトアルバムを制作していたんだけど、ライブではインストバンドとしてプレイしているよ。
TRAINING FOR UTOPIA, THE DILLINGER ESCAPE PLAN, CANDIRIA, WILL HAVEN, そういったノイジーなバンドが僕に影響を与えたんだ。特に初期は大きくね。
ギターを始める前には、ビデオゲームの音楽に魅了されていたよ。エモーショナルで記憶に残るようなね。特にファイナルファンタジー、クロノトリガーといった日本の RPG、そしてゼルダの伝説みたいなアクションアドベンチャーの音楽だよ。
結果として、複雑なタイムシグニチャーと突拍子もないテンポをユニークにブレンドし、同時に様々な感情や景色を運ぶ作曲の妙を得ることが出来たんだ。僕たちの音楽を RPG のボス戦みたいだって言う人もいるくらいでね!もしそれが事実なら、僕らの使命は達成されているね!!

Q2: How did Journal come to be? What made you choose “Journal” as your band name?

【JOE】: I had experience playing in a couple of other bands, before Journal, and I eventually decided that I wanted to go all out. I wanted to compose music for myself – no rules or limitations. I did not care whether or not people even liked it. It was therapeutic for me. Frankly, I was surprised that the music was received so positively by fans! My vision for Journal was to be a completely open canvas for unique and bold artistic creation. I wanted it to be an intense and emotionally draining experience, with nothing held back – the most raw thoughts and feelings that a person could ever express, but conveyed through song, rather than handwritten into a journal.

Q2: では、バンド結成の経緯を教えてください。

【JOE】: 僕は JOURNAL 以前にいくつかのバンドで経験を積んでいたんだけど、遂に全力を出すことに決めたんだ。ルールもリミットもなく、自分のために音楽を制作しようとね。
みんながその音楽を気にいるかどうかは気にしなかったよ。セラピーみたいなものさ。
正直言って、これほどポジティブに受け止めてもらえて驚いているくらいなんだ!僕の JOURNAL に対するビジョンは、ユニークで大胆なアートの創造を目指した完璧にオープンなキャンバスだよ。
僕はそれが何ものにも邪魔されることなく強烈で感情に溢れる体験となることを望んだんだ。人が体験出来る最も生々しい感情と思考を、手書きの日誌 (ジャーナル) じゃなく歌にしたためてね。

Q3: Justin, Tony, Joe and it seems Toshiba computer also become the member of Journal, right? What’s his role in the band now? haha.

【JOE】: We have had a hard time maintaining a bass player in Journal. This seems to be a common theme that many other metal bands experience. Even though Journal bass parts are extremely busy and critical to many individual Journal movements, my feeling is that there was not enough glory to be had and it was not worth the trouble for a bass player to learn the parts! Not to worry though: Our most humble and agreeable band mate, Toshiba, took to the bass guitar like a champ! And he plays FLAWLESSLY at our shows! HAHAHA!!!

Q3: あなたと Justin, Tony そして東芝のコンピューターもメンバーのようですね?(笑)

【JOE】: JOURNAL はベーシストを確保することにずっと苦労して来たんだ。他のメタルバンドも同じような経験をしていると思うけどね。それにしたって僕たちのベースパートは驚異的に煩雑で、同時に他の楽器にとって不可欠な存在なんだよ。だから何度も新たなベーシストにパートを教えるのも面倒になってね。
ただ、心配はいらないよ。僕たちには最も謙虚で従順なバンドメイト、東芝がいるからね。まるでベースのチャンピオンのようだ!ライブでは物も言わずプレイしている!ははは!

Q4: You said, you were influenced by Japanese game and it’s music. Could you tell us your favorite games and it’s music?

【JOE】: You are correct!!! My favorite composers are Nobuo Uematsu (Final Fantasy) and Koji Kondo (Zelda games), without a doubt – Even more than any of the metal bands I grew up listening to. I realized how much they influenced me much later on in my life because I had been playing JRPGs from the 90s, quite a long time before I became a musician. My favorite games (in no particular order) are:
Final Fantasy 2 (4 in Japan), 3 (6 in Japan), 7, 8, 9, and 10, Chrono Trigger, Chrono Cross, Zelda Ocarina of Time, Windwaker, Twilight Princess, A Link to the Past, and Breath of the Wild, Shadow of the Colossus, Metroid (especially Super Metroid and the Metroid Prime series), Secret of Evermore, and many many more!! The ability of the composer to enhance the emotions felt in each scene is incredibly inspiring! Like when that extremely sad piano from Final Fantasy X kicks in at the saddest points in the story, and all you want is Tidus and Yuna to end up together! I love that. Or when an epic and impossibly powerful foe threatens the extinction of all life, and that insanely intense boss battle music kicks in as you fight: I get goose bumps.

Q4: 日本のゲームやその音楽に影響を受けたと仰いましたが、その中から特にあなたのお気に入りを教えていただけますか?

【JOE】: まさに大きな影響を受けているね!僕のフェイバリットコンポーザーは、ファイナルファンタジーの植松伸夫さんとゼルダの近藤浩治さんなんだ。疑いようもなく、僕が聴いて来たどのメタルバンドよりも強くね。
彼らが後の僕の人生にどれだけ強く影響を与えたのか理解したよ。だって僕はミュージシャンになる以前の90年代から、長い間ずっと日本のRPGをプレイし続けて来たんだから。
フェイバリットゲームについてだけど、”Final Fantasy” なら 4, 6, 7, 8, 9, 10 だね。それに “クロノトリガー”、”クロノクロス”。”ゼルダの伝説” は “時のオカリナ”、 “風のタクト”、”トワイライトプリンセス”、”神々のトライフォース”、”ブレス オブ ザ ワイルド”。あとは “ワンダと巨像”、”メトロイド” (特にスーパーメトロイドとメトロイドプライムシリーズ)、”シークレット オブ エヴァーモア”、他にも沢山だよ!!
そういったゲーム音楽のコンポーザーが、各シーンで感情を捉える能力には本当にインスパイアされるね!例えば “FF10” の悲哀極まるシーンで、実に悲しいピアノの調べが流れ出すようにね。そうして僕たちは、ティーダとユウナがいつか結ばれることをただひたすらに願うんだ!大好きなストーリーだよ。
そうかと思えば、壮大で信じられないほど強力な敵が全ての生命を脅かし、強烈なボス戦の音楽が始まるんだ。鳥肌モノだよね。

Q5: Speaking of game music, there are some chiptune meets metal band in the scene. But, it seems you are actually playing all complex phrases with incredible speed! I think that made you very unique, do you agree that?

【JOE】: Bands that actually sound like 8-bit video game sounds are neat, but I prefer the sound of humans playing instruments. That is why I never say that Journal is a “video game” band, but rather, a blend of complex and aggressive styles that draws influence from classical music, especially the kind that is heard in JRPG video games. It definitely took time to build the skills needed to perform and record Journal music. I have always considered a strong composition more important than just shredding for the sake of showing off. To me, the guitar riffs that we play are not really “riffs” in the traditional sense. Instead, they are the prime and counterpoint melodies that coexist to make the composition what it needs to be. However, as a result of the fast tempos and odd time signature changes, I often find myself regretting that I composed certain movements because of how difficult they are to play! Some of those ones take lots of practice!

Q5: ゲーム音楽と言えば、チップチューンとメタルをミックスしたバンドは存在しますが、あなた達のように複雑驚速なフレーズ全てを楽器で再現するバンドは見当たりませんよね。実にユニークです。

【JOE】: 8-bit のビデオゲームサウンドを取り入れているバンドも素晴らしいんだけど、僕は人が楽器をプレイしたサウンドの方が好きなんだ。
だからこそ、僕は JOURNAL を “ビデオゲーム” バンドとは呼ばないし、それよりも JRPG で流れるようなクラッシック音楽の影響を描いた複雑でアグレッシブなスタイルのミックスだと思っているよ。
この JOURNAL のやり方だと、間違いなくライブやレコーディングで必要とされるスキルを構築するのに時間がかかるんだ。もちろん、シュレッドは技術を見せつける為じゃなく、強力なコンポジションのために活かすことが重要だよ。
僕にとって、JOURNAL のリフはトラディショナルな意味でのリフとは少し違っていてね。僕たちのリフは楽曲が必要とすることで共存する、プリーメでありメロディーのカウンターポイントなんだ。
とは言え、結果としてファストなテンポと変拍子を作曲した後、よく後悔するんだ。ああ、またプレイするのが難しいものを作ってしまったってね!本当に練習が必要なものも多いからね。

Q6: After eight years silence, you are back with splendid “Chrysalis Ordalias”. I really love the beautiful artwork. And there is even an 160 page book telling the story. Regarding concept or theme, what did you explore in this record?

【JOE】: Chrysalis Ordalias has an extremely abstract theme that many people might find difficult to digest. The music, lyrics, story, and artwork work together, harmoniously, to convey the theme. It might be worth releasing the whole story, digitally, at some point. Here is what I can say about the album theme: Familiar and fun places are now the source of nightmares for the Captain. A mysterious girl becomes his most admired friend and also his most hated enemy. The things that he once loved and gave him purpose are now the source of endless boredom and misery. His story takes place in a high-fantasy, action packed, nightmarish, dystopian world – and there are dozens, perhaps hundreds of Easter Eggs for fans to find. The song lyrics represent the thoughts and feelings of the main character, as he goes through the story chapters. They are like his “Journal” entries.
I am excited for people to immerse themselves in the story. Many people might discover that they have a lot in common with the main character.

Q6: 8年振りのリリースとなった “Chrysalis Ordalias” は、美しいアートワークと160ページにも及ぶストーリーブックに彩られた大作となりました。

【JOE】: “Chrysalis Ordalias” で扱ったのは究極に抽象的なテーマなんだ。多くの人にとって消化するのが難しいようなね。音楽、歌詞、ストーリー、そしてアートワークは密接に繋がり、そのテーマを構築しているんだ。きっといつかはデジタルでもストーリー全体を公開するべきなんだろうと思うんだ。そのストーリーはこんな感じだよ。
“慣れ親しんだ楽しい場所は、今やキャプテンにとって悪夢となった。そして神秘的な少女は、彼の最も尊敬する友になり、また彼の最も嫌う敵にもなる。彼がかつて愛し目的を与えたものは今や終わりのない退屈さと悲惨さの源。”
彼の物語は、ファンタジー性が高く、アクション満載で悪夢のような、ディストピアの世界の話さ。おそらくファンは何十、何百ものイースターエッグ (隠された意味) を見つけることが出来るだろうね。歌の歌詞は、物語の章を経過する際の、主人公の考えや感情を表しているよ。それらは彼の “Journal” “日誌” のエントリーのようなものなんだ。
僕はね、リスナーがこの物語に没頭していることに興奮しているんだ。多くの人は、主人公と多くの共通点を発見するのかもしれないね。

Q7: I feel this is more melodic, more progressive, and more “cinematic” record compared with “Unlorja”. Actually, I remind Spectacular video games like Final Fantasy, Legend of Zelda. Is there any kind of homage or tribute to video game in this record?

【JOE】: As I said before, you are quite perceptive, and it is an honor that you are able to extract the cinematic nature of this new record and have it remind you of those classic games. It is safe to say that this record pays a certain tribute to both Final Fantasy and Zelda.

Q7: 音楽的には、前作 “Unlorja” と比較してよりメロディック、プログレッシブ、そしてシネマティックに進化したと感じました。まさに “Final Fantasy” や “ゼルダの伝説” を想起させるスペクタクルです。
ある種、そういったゲーム音楽へのオマージュやトリビュート的な部分もありますか?

【JOE】: その通りだよ。君の言う通りだし、この新たな作品からシネマティックな要素を感じ取ってくれて、そういったゲームの世界を思い描いてくれて光栄だね。
だからこのレコードは “Final Fantasy”, “ゼルダの伝説” 両方へとトリビュートと言って過言ではないと思う。

Q8: Drew Winter, TJ Joubert, Akoni Berman, and guitarist Joe Van Houten. We can enjoy lot’s of great singers in your record. It’s like we can choose some different characters in the video games, haha. Anyway, what made you use “multi-vocal” system?

【JOE】: We had a lot of fun recording these vocals! The vocals are definitely one of the more theatrical components to the music because you can have different voices carry out key story dialogues, as needed. When recording the vocals, I liked the idea of having the widest range possible. TJ and I have a yell/scream that sounds more natural. This is effective when we want to convey a very emotional aspect of the story. Drew has the ability to sound almost inhuman, like a monster – this is quite effective during intense scenes, especially battles. Akoni and I added a fair amount of singing. There is lots of emotion in it, but in many ways, the singing acts like another counterpoint melody in the song, which can also be very effective.

Q8: アルバムでは、Drew Winter, TJ Joubert, Akoni Berman, そしてあなたもボーカルを披露しています。
こうした “マルチボーカル” システムも、まるで RPG のキャラクターシステムを想起させますね?

【JOE】: マルチボーカルのレコーディングはとても楽しかったんだ!このシステムは、間違いなく音楽によりシアトリカルな要素をもたらしているよね。だって、ストーリーの鍵となる会話のように異なるボーカルで掛け合うことが出来るからね。
レコーディングの最中、僕は可能な限りワイドなボーカルレンジにしていこうと提案したんだ。TJ と僕はよりナチュラルなスクリームだから、ストーリーの感情的な部分を描くのに効果的だったね。Drew はほとんど非人間的でモンスターのような声を持っているから、強烈なシーン、特にバトルにピッタリだったよ。それに Akoni と僕でクリーンボイスを付け加えていったんだ。
とにかく作品には様々な感情が渦巻いているから、楽曲の中でカウンターメロディーのようにクリーンボーカルを使用するのもとても効果的だったな。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED JOE’S LIFE

TRAINING FOR UTOPIA “PLASTIC SOUL IMPALEMENT”

THE DILLINGER ESCAPE PLAN “CALCULATING INFINITY”

CANDIRIA “PROCESS OF SELF DEVELOPMENT”

KOJI KONDO “A LINK TO THE PAST: LIGHT WORLD DUNGEON”

NOBUO UEMATSU “FINAL FANTASY Ⅳ: BATTLE OF THE FOUR FRIENDS”

MESSAGE FOR JAPAN

We are humbled and honored by your love for our band, Journal. Thank you so much for your support!

僕たちのバンド JOURNAL を愛してくれて、サポートしてくれてありがとう、光栄だよ!

JOE VAN HOUTEN

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【SOILWORK : VERKLIGHETEN】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH BASTIAN THUSGAARD OF SOILWORK !!

“What Can Be Tricky At Soilwork Shows Is That The Majority Of The Songs Are In a Decent Mid-Tempo And Then The Few Fast Songs Are Like Super Fast. It Happens That We Play 5-6 Songs In a Row That Are Very Easy Tempo-wise And Then One Super Fast Song After. It Feels Like Going From 0-100 In a Second And Sometimes That Can Be Tough.”

DISC REVIEW “VERKLIGHETEN”

昨年デビュー20周年を迎えたスウェーデンの巨人 SOILWORK は、絶対の信頼が置けるバンドです。
その真価は、幾度ものメンバーチェンジを乗り越える約20年間で11枚というその旺盛な制作意欲はもちろん、衝動と叙情の “Steelbath Suicide” から、Rob Halford をしてメタルの未来と言わしめた “A Predator’s Portrait”、洗練極まる “Stabbing the Drama”、そして2枚組のエピック “The Living Infinite” まで、エクストリームな精神とメロディーを常に共存させながら、リスナーの好奇心を刺激するフックと新機軸を織り込み続けている点にあります。冒険と安定感の絶妙なバランスとも言えるでしょうか。
3年半振りに届けられた最新作は、スウェーデン語で “現実” を意味する “Verkligheten” をタイトルに冠していました。スウェーデン遠郊のメランコリー、彼の地の悲哀を帯びた旋律は、苦悩に満ちた日常からの逃避を誘います。もしかすると、長年大黒柱として存在した名手 Dirk Verbeuren を MEGADETH に引き抜かれたトラウマも、バンドが現実からの逃避を題材とした理由の一つだったのかも知れませんね。
ただし SOILWORK は新たなドラムマイスター Bastian Thusgaard と共に再び歩み始めます。ダークで思慮深く、リピートを促すレコードにおいて、高揚感を伴う煌めきのメロディーが運ぶ絶佳のコントラストこそ作品の妙。その風情は、ロマンチシズムと言い換えても良いでしょう。さらに Bastian は、そのロマンを現実逃避に対するセラピーとまで表現し、バンドの新たな旅路を飾るポジティブな意思表明へと繋げているのです。
「”The Living Infinite” というダブルアルバムを書くことで、SOILWORK は遂に自分らしい場所を見つけたと思うんだ。」 そう Bastian が語るように、音楽的には確かにあの壮大なエピックこそがバンドにとっての転換点でした。
実際、Bjorn “Speed” Strid も最新のインタビューで、”The Living Infinite” こそが SOILWORK にとって新たな時代の幕開けだったと認めています。同時に、”Verkligheten” ではそのドラマ性に、クラッシックなメタルや80年代の雰囲気をより多分に封入したことも。
インタビューで Bastian も認めているように、Bjorn & David が牽引するノスタルジックな別バンド THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA の活発化が SOILWORK の方向性に影響を与えたことは確かです。
そしてこのノスタルジー溢れるロマンチックなセラピーに最も貢献したのは Bjorn の驚異的にワイドなボーカルレンジでしょう。”Full Moon Shoals” “Witan” で爽快壮美なハーモニーを披露する一方で、”When The Universe Spoke” では研ぎ澄まされたスクリームを投げかけます。過去のどの作品より自然に、シームレスに繋がる適材適所な歌唱の美学は、そうして AMORPHIS の Tomi Joutsen をフィーチャーした “Needles and Kin” のメタル劇場へと完璧に結実していくのです。
もちろん、David Andersson と Sylvain Coudret のギターチームもさらに充実を遂げています。もはや定型化したメロデススタイルを封印し、スウェーデンのメランコリーを封じた創造的なパッセージと、”The Nurturing Glance” が象徴するデュエルのスリルでカタルシスを喚起していきます。
そうして、スーパーファストなブラストビートから、トライバルなリズムまで変幻自在な新加入 Bastian のスティックワークを最後のピースとして、プログレッシブとさえ言える夢幻のメタルワールドは完成を迎えたのです。あの YES を彷彿とさせるアートワークも偶然ではないでしょう。
今回弊誌では、新加入 Bastian Thusgaard に自己紹介も兼ねたインタビューを行うことが出来ました。日本の THOUSAND EYES にも共鳴するような、より広義の血湧き肉躍る浪漫メタルレコード。「いくつかの楽曲はメタルらしい音数の多さから離れて、よりアクセシブルに仕上がったね。僕の考えでは良いことだと思うよ。」どうぞ!!

SOILWORK “VERKLIGHETEN” : 10/10

INTERVIEW WITH BASTIAN THUSGAARD

Q1: This is our first interview with you. So, at first, could you tell us about yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up? Who was your drum hero at that time?

【BASTIAN】: My name is Bastian Thusgaard. I’m a Danish drummer playing in bands such as Soilwork, The Arcane Order & Dawn of Demise. I grew up listening to rock music and I quickly discovered the heavy metal genre. Growing up I was a huge fan of Dream Theater and Mike Portnoy must have been one of my first heroes. I also listened to bands like Machine Head, Lamb of God and obviously Soilwork. The drummers in those bands has definitely influenced me a lot as well.

Q1: 本誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドからお話していただけますか?

【BASTIAN】: 僕は Bastian Thusgaard。デンマーク人ドラマーで、SOILWORK, THE ARCANE ORDER, DOWN OF DEMISE でプレイしているよ。
僕はまずロックを聴いて育ったんだけど、それからすぐにヘヴィーメタルを発見したんだ。特に当時は DREAM THEATER の大ファンで、Mike Portnoy は僕にとって最初のヒーローの1人に違いないだろうね。
同時に、MACHINE HEAD, LAMB OF GOD といったバンドたち、そして明らかに SOILWORK も良く聴いていたね。だからそういったバンドのドラマーも、同様に僕に大きな影響を与えているよ。

Q2: You joined Soilwork as a successor of now Megadeth’s Dirk Verbeuren. How did it happen?

【BASTIAN】: The first time I met Dirk was at one of his tour lessons a few years back. After that lesson we sort of kept our communication going and Dirk was very helpful guiding my in the music business. When he got the Megadeth gig he emailed me and asked me to fill in for him that summer which was a great honor and opportunity for me, so I grabbed it. When he stayed in Megadeth, Soilwork still had like half world tour to compete, so it was natural for me and the band that I stayed. We connected in a very good way so eventually they asked me to join fulltime.

Q2: その影響元の一人、MEGADETH に加わった Dirk Verbeuren の後任として SOILWORK に加入することとなりましたね?

【BASTIAN】: 実は僕が Dirk に初めて会ったのは、何年か前にレッスンを受けた時なんだ。そのレッスンの後も僕たちは連絡を取り続けたんだけど、Dirk はとても協力的に僕に音楽ビジネスのガイドをしてくれたんだ。
そうして彼が MEGADETH のライブに参加した時、僕にメールをくれて、その夏 (2016年) 彼の代役として SOILWORK でプレイしないかと尋ねてくれたんだ。実に光栄で素晴らしい機会だったから、僕はそのチャンスを掴んだよ。
Dirk が MEGADETH へと正式に加入した時、SOILWORK にはまだワールドツアーが半分残っていたから、僕がバンドに留まることは両者にとって自然な成り行きだったね。そうして僕と SOILWORK のメンバーは実に上手く分かり合って行き、やがて彼らは僕に正式加入を持ちかけてくれたのさ。

Q3: In the huge discography of Soilwork, what’s your favorite album and songs? And in the live performance, which one is the most challenging for you?

【BASTIAN】: Personally I think that the album that speaks to me the most is The Living Infinite. It’s hard cause I find all albums great in their own way, but with TLI I think Soilwork was in such a good place writing that double album. The songs are crazy good and have so much emotion to them. In the live performances I think some of the more intense songs can be challenging. I was never the fastest drummer around, so I have had to really work on that. What can be tricky at Soilwork shows is that the majority of the songs are in a decent mid-tempo and then the few fast songs are like super fast. It happens that we play 5-6 songs in a row that are very easy tempo-wise and then one super fast song after. It feels like going from 0-100 in a second and sometimes that can be tough.

Q3: SOILWORK の膨大なディスコグラフィーの中でも、あなたのお気に入りを教えていただけますか? また、ライブで最もチャレンジングな楽曲はどれでしょう?

【BASTIAN】: 個人的に、最も僕に訴えかけるのは “The Living Infinite” だね。とは言えこの質問はとても難しいよ。全てのアルバムがそれぞれの特性を持っていて素晴らしいんだからね。
だけど、”The Living Infinite” というダブルアルバムを書くことで、SOILWORK は遂に自分らしい場所を見つけたと思うんだ。楽曲は驚異的に良いし、エモーションにも溢れているね。
ライブパフォーマンスでは、僕にとってインテンス極まる楽曲がチャレンジングなんだ。というのも、僕は速さに特化したドラマーだったことはないからそういった楽曲と向き合うにはハードワークが必要なんだよ。
SOILWORK のショウで何がトリッキーかって、大半の楽曲がそこそこミッドテンポの範疇なのに、いくつかのファストな楽曲が本当にめちゃくちゃファストなんだ。つまり、テンポ的には与し易いミッドテンポが5,6曲続いた後、スーパーファストな楽曲が登場する訳さ。まるで一秒間で0から100キロまで加速するように感じられて、タフな時もあるよ。

Q4: OK, let’s talk about your newest record “Verkligheten”. It seems Verkligheten means reality in Swedish, right? What was the inspiration for the title and the lyrical themes of the album?

【BASTIAN】: Yes, ‘Verkligheten’ means reality in English. I know that Soilwork wanted to name an album with a Swedish title earlier, but it never really seemed appropriate. This album surrounds themes like Swedish suburban melancholy and the struggles we face in everyday life and it flirts with the idea of escaping reality when its constant reminders becomes too much to cope with. The album it really dark, but somehow very uplifting, almost therapeutic to listen to I would say.

Q4: では最新作 “Verkligheten” について話しましょう。”Verkligheten” とは “現実” を意味するスウェーデン語だそうですね?

【BASTIAN】: そうだね、”Verkligheten” とは英語で “Reality” を意味する言葉さ。SOILWORK は初期の頃からアルバムにスウェーデン語のタイトルをつけたかったみたいなんだけど、これまでは上手くハマらなかったんだ。
だけどこのアルバムは、スウェーデン遠郊に巣食うメランコリーや日常で味わう苦悩などのテーマに囲まれているからね。そして、そういった対処に苦しむ問題が多すぎると、”現実逃避” という考えに惹かれてしまうのも分かるよね。
だからアルバムも実にダークなんだけど、一方でとても高揚感を伴う場面も存在するんだ。それは “現実逃避” に対する、ほとんどセラピーというか治療のようなリスニング体験となるはずさ。

Q5: I feel “Verkligheten” is the deepest record in the discography of Soilwork. I mean, it will require repeat visits and time to absorb. But also, it’s really catchy and have a possibility to reach non-metal listeners. Do you agree that?

【BASTIAN】: Yes, I think ‘Verkligheten’ is the kind of album you will keep discovering layers in when listening. It has a lot to offer. With this recording we were all very involved with the process and we did put a lot of thought into what the songs needed. That approach have made some songs less busier and much easier to take in which is a good thing in my opinion.

Q5: まさにそういった対比の深みを封じたレコードですね。リスナーに向き合う時間を求めるような。同時に高揚感、キャッチーな部分では、メタルファン以外のリスナーにも広くアピールしそうですよね?

【BASTIAN】: その通りだよ。僕は “Verkligheten” という作品は、アルバムを聴くたびに新たな発見を重ね続けられるレコードだと思うんだ。見所と魅力に満ちた作品さ。
レコーディングにあたって僕たちは、全員がその作業へと熱心に関与して、多くのアイデアを楽曲が求める場所へと注いだんだ。そのアプローチによって、いくつかの楽曲はメタルらしい音数の多さから離れて、よりアクセシブルに仕上がったね。僕の考えでは良いことだと思うよ。

Q6: I think 80’s is one of the key of “Verkligheten”. Actually, after “The Ride Majestic” Bjorn & David have been contributing to his 80’s focused project The Night Flight Orchestra. Does it relate to Soilwork’s new direction?

【BASTIAN】: Well, Björn and David were the main song writers on ‘Verkligheten’. They are also the main writers in TNFO, so it is hard to avoid references completely I think. However Soilwork shapes the songs like we do and TNFO like they do. I guess there are similarities, but we are still two very different bands.

Q6: そのキャッチーという部分にフォーカスすると、80’s は一つ作品のキーワードだと感じます。
前作 “The Ride Majestic” 以降、Bjorn と David はまさに80年代の AOR に焦点を当てた THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA での活動を活発化させていた訳ですが、彼らがそのムードを SOILWORK へと還元した部分はありますか?

【BASTIAN】: そうだね、Bjorn と David は SOILWORK のメインソングライターで、同時に THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA のメインソングライターでもあるよね。だから僕は両者の関係性を完璧に否定することは難しいと思うな。
とは言え、SOILWORK は彼らを含めた僕たち全員で楽曲を造形するし、THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA にも彼らのやり方がある。だから確かに似ている部分はあるにせよ、それでも両者は全く異なる別のバンドさ。

Q7: From fast blast-beat to tribal rhythm, you showed your great ability to the royal Soilwork fans around the world. Maybe, there seemed to be kind of pressure to succeed Dirk, but you done it in your unique, own way, right?

【BASTIAN】: My mission with ‘Verkligheten’ was to honor that drum vibe that has evolved in Soilwork through the years and at the same time consider my own style and the drummer I am. I am very satisfied and proud of my work on ‘Verkligheten’ so I have been more excited to see reactions to our album than feeling the pressure to be honest. Dirk is an amazing drummer and I love what he does, but I am a very different drummer even though I am very influenced by him. I tried to fusion our drumming styles to make it more personal yet still Soilwork.

Q7: ファストなブラストビートからトライバルなリズムまで、”Verkligheten” であなたは SOILWORK の忠実なファンにその実力を証明して見せました。Dirk の後任というプレッシャーもあったと思いますが?

【BASTIAN】: “Verkligheten” における僕の使命は、SOILWORK が長年かけて築き上げたドラムのヴァイブを称えつつ、僕自身のスタイル、ドラマーとしての僕自身を考慮に入れていくことだったんだ。
結果として、”Verkligheten” における僕の仕事には満足しているし、誇りに思っているよ。だからプレッシャーを感じるよりも、アルバムに対する反響が楽しみで仕方がないというのが正直な心境なんだ。
Dirk は素晴らしいドラマーで、彼のプレイは大好きだよ。だけど、僕が彼から大いに影響されているにしても、彼とは全く異なるドラマーなんだ。だからこのバンドで僕は、彼の残してきたドラミングスタイルを僕のスタイルと融合させようとしているんだ。より僕らしく、だけど SOILWORK のサウンドに聴こえるようにね。

Q8: So, you’ll kick out co-headline Tour with Amorphis. You know, I think you two departed from Melo-death origin, and explore own realm. What’s your perspective about the common points between these two Scandinavian giants?

【BASTIAN】: I think both bands has some similarities, but we all manage to move in each of our directions which makes this tour package so great. I think Soilwork is more energetic tempo-wise where Amorphis really builds up a lot with big epic soundscapes that creates some really great anergy. With both bands being diverse and still go heavy on melodies and catchiness it seems like this co-headline is something that appeals a lot to the metal fans.

Q8: AMORPHIS とのダブルヘッドラインツアーが始まりましたね!両バンドともに、メロデスの出自から離れ独自の領域を探求しているように感じます。実際、スカンジナビアの巨人たちには共通する部分がありそうですね?

【BASTIAN】: 確かに SOILWORK と AMORPHIS にはいくつか共通点があると思うよ。ただ、両バンドともにそれぞれの道を歩いて来たことが、このツアーパッケージを素晴らしいものにしているんだよ。
僕の考えでは、SOILWORK はテンポ的にはよりエネルギッシュ。一方で AMORPHIS は構築を重ねてビッグなエピック、サウンドスケープを築き上げているね。
両バンド共に実に多様で、ヘヴィーでありながらメロディーやキャッチーさをしっかりと封入しているね。だからこそ、このコ-ヘッドラインツアーは多くのメタルファンに訴えかけるはずなんだ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED BASTIAN’S LIFE

I don’t know if all these album changed my life, but they definitely make me feel very good and inspired. They are all albums thats I often re-visit.

SOILWORK “STABBUNG THE DRAMA”

BLOODBATH “THE FATHOMLESS MASTERY”

DREAM THEATER “TRAIN OF THOUGHT”

CHVRCHES “LOVE IS DEAD”

MØ”FOREVER NEVERLAND”

MESSAGE FOR JAPAN

We are truly sorry about postponing our scheduled shows in Japan. We hope that our fans will understand that this was not an easy decision for us. However it had to be made. We were really looking forward to bring our new album to live in Japan so we regret that it has to wait a little bit longer. We Kindly ask for your patience and we promise to make it up to you.

日本ツアーを延期させてしまって本当に申し訳ないと思っているんだ。僕たちにとって簡単な決断ではなかったことを理解してくれたら有り難いよ。他に手がなかったんた。
僕たちはこの最新作を日本でプレイするのが本当に楽しみなんだ。少しばかり長く待たせることになって申し訳ないね。辛抱してくれれば、必ずその埋め合わせはするからね!

BASTIAN THUSGAARD

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【HORRENDOUS : IDOL】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH HORRENDOUS !!

“We Definitely Did Not Have Any Intention Of Sounding Like The Bands Like Cynic, Death, Atheist, And In My Mind Any Similarities Between Us And Them Are Mostly Philosophical. “

DISC REVIEW “IDOL”

2009年に Matt と Jamie の Knox 兄弟、そして Damian Herring によって産声を上げたフィラデルフィアの “ポストデスメタル” アクト HORRENDOUS。デスメタルの過去と未来を繋ぐその進化の徒花は、アルバムを重ねるごとに狂気の色を濃くしています。
USデスメタルとヨーロピアンデスメタル、もしくは古の残虐と技術革新を結ぶ “恐怖の” 架け橋。オールドスクールへの憧憬を垣間見せつつ、CYNIC や DEATH を彷彿とさせる洗練されたコンポジションとテクニックに、EDGE OF SANITY や DARK TRANQUILLITY のロマンチシズムを封入。さらにはマスロックの難解、ポストロックのアトモスフィアさえ加味した前作 “Anareta” は、新旧メタルファンから絶賛を受けたマイルストーンとなりました。
しかし、「冒険的という意味では、どの作品でも僕たちはずっと “プログレッシブ” だったつもりなんだ。ただし、ほとんどのリスナーが最新作を最もプログレッシブなアルバムだと言うのは分かるんだけどね。」 と Jamie が語る通り、進化を止めないバンドの冒険は真の意味での “プログレッシブ” を一層探求した新作 “Idol” へと結実しています。
Jamie の「Alex がライティングプロセスへと加わることでこのアルバムに違いが生まれたのは確かだけどね。というのも、彼はフィラデルフィアのシーンの中でもエクスペリメンタルやフリージャズに精通しているからね。」 との言葉が裏付けるように、長年ベースレスのトリオとして積み重ねて来たバンドの実験的フィロソフィーは、卓越したベースマン Alex Kulick の加入でその深淵を一層増すこととなりました。
CYNIC を想起させるアトモスフェリックなイントロダクション “Prescience” は作品のムードを決定付ける重要なスターター。デスメタルシーンのトレンドがオールドスクールへと傾く中、HORRENDOUS の選択はあくまでも実験性とテクニックの追求でした。もちろん、ベースラインの蠢くようなジャズダンスも Alex の鮮烈な紹介状となっていますね。
邪悪な影が際立つ “Soothsayer” はフォーピースとなったバンドの能力を最大限に見せつけたアドレナリンラッシュ。DEATH よりも複雑に、CYNIC よりも哲学的に、AUTOPSY よりも陰重に。エゴにも似た各自の煌めく技巧は、いつしか一塊りとなりバンドの飽くなき欲望を代弁していきます。
Marty Friedman はもちろん、時に Chris Poland をもイメージさせるインテレクチュアルな Matt と Damian のツインギターアタックは、アルバムを通じて MEGADETH のスリルを再現していますね。
幽玄なアルペジオと Alex のジャズダンスに導かれる “The Idolater” は、バンドの重厚で繊細なレイヤードへの拘りが体現した楽曲。まるでワーグナーに魅入られたかのように威風堂々、高尚かつ壮大なデスメタル楽劇は、リスナーをリピートの無限地獄へと陥れる好奇心の泉なのかもしれません。その中毒性は、いつしか視聴毎に訪れる新たな発見の喜びへと変化していきます。
“Divine Anhedonia” は何よりバンドの実験精神が憑依した楽曲でしょう。メインリフで祝われる Miles Davis の “Bitches Brew” にも通じるロックとジャズの婚姻は、メタルのエナジー、そして千変万化な触手の如きタイムストラクチャーをも纏って “無快楽” を快楽へと転化するのです。確かに “リズムの可能性の探求は “Idol” の大きな部分を占めて” いるようですね。
“Devotion (Blood for Ink)” のクリーンボーカルとグロウルの対比に在りし日の OPETH へと想いを馳せるファンも多いでしょう。それにしても実に多様で創造性に満ちた作品です。「CYNIC, DEATH との相似点はむしろ哲学的なものなんだ。」その言葉こそが “Idol” “偶像” の本質を射抜いているのではないでしょうか。
今回弊誌では、HORRENDOUS のメンバー全員にインタビューを行うことが出来ました。「僕にとっては大前提として、ジャズとはジャンル分けの言葉というよりも政治的な言葉なんだ。」 本誌2度目の登場。どうぞ!!

HORRENDOUS “IDOL” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【PINEAPPLE EXPRESS : ANTHEM】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH PINEAPPLE EXPRESS !!

“Bollywood” Just Translates To “Mainstream” For Me. Prog Is a Genre That Is Overlooked By The Mainstream Audience. But We Are Trying To Make It Accessible And Enjoyable For The Regular Listener. “

DISC REVIEW “ANTHEM”

“バーフバリ” やボリウッドの成功が象徴するように、桃源郷のようなインドのエンターテイメントは世界中を席巻しています。そして、モダンプログ/メタルの世界においても、インドはもはや目が離せないニューフロンティアとなっています。
PERIPHERY のキャッチーと TesseracT のアトモスフィアを抱きしめる SKYHARBOR、インドの伝統音楽を複雑怪奇に探求する AMOGH SYMPHONY, Bruce Soord, Steve Kitch の知を導入した PARADIGM SHIFT, ダークでオルタナティヴなピンクフロイド COMA ROSSI, そしてもはやベースワールドのトッププレイヤーとなった Mohini Dei。すでに、インドの活況はプログレッシブユートピアの相を呈していますね。
中でも、PINEAPPLE EXPRESS はそのインドのカラフルで煌びやかな悦楽の園を、見事にモダンメタル/プログの世界へと投影したエルドラドです。
「僕たちの音楽が持つポテンシャルを最大限発揮するためには、より多くの要素が必要だと悟ったんだよ。」バンドの創設者でキーボードプレイヤー YOGEENDRA が語るように、インド音楽シーンのハブ都市バンガロールに端を発する PINEAPPLE EXPRESS は、その壮大かつ多様な音楽性を具現化するために、8人のメンバーを揃えることとなりました。
フルートにヴァイオリン、そしてダブル、時にトリプルボーカルとなる豊かな旋律のアンサンブルは、最新シングル “Anthem” のまさにアンセムたる由縁です。そして、インドの伝統音楽から DREAM THEATER、SKRILLEX まで、通過した全ての音楽を等しく愛すると語る YOGEENDRA の言葉通り、モダンプログ/メタルはもちろん、Nu-metal, EDM, マスロック、ジャズ、エレクトロニカ、ヒップホップと涌き出でるその多様性の泉は、言語的ビッグバンをも伴って、圧倒的なフックと高揚感を孕みながらリスナーのエナジーへと変換されていくのです。
さらに、PVの熱狂的なオーディエンスが物語るように、その音楽とライブパフォーマンスが放つ圧倒的なスペクタクル性は、PINEAPPLE EXPRESS こそプログワールドにおける次世代の旗手である証なのかもしれません。
「僕にとって “ボリウッド” という言葉は “メインストリーム” と同義なんだ。そしてプログというジャンルはメインストリームのリスナーから見落とされていると思うんだ。だからこそ、僕たちはプログをよりアクセシブルに、一般的なリスナーが楽しめるように味付けしようとしているんだよ。」彼らはボリウッド成功の秘訣を理解しています。そしてあのゴージャスな浮世絵巻きを愛するプログの世界へと持ち込み、停滞するシーンに活路を見出そうとしているのかも知れませんね。
ただし、EP “Uplift” の複雑極まるオープナー “Cloud 8.9” を聴けば伝わるように、バンドの創造性、ハイテクニック、コンポジションはすでに名だたるプログロースターにも一切引けを取りません。むしろ従来のプログメソッドでも十分勝負可能なアビリティーを備えながら、メインストリーム、一般リスナーを意識した彼らの舵取りは、それこそが真の意味での “プログレッシブ” を体現しているのかもしれませんね。
今回弊誌では、4人のメンバーにインタビューを行うことが出来ました。公開数日での15万再生突破は伊達ではありません。さらに、旬のサウンドマン ARCH ECHO の Adam Bentley がミキシングを手がけたアンセムをぜひ。どうぞ!!

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THRAILKILL : EVERYTHING THAT IS YOU】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH WES THRAILKILL FROM THRAILKILL !!

“Labeling Can Only Get Us In Trouble. Every Band Or Album We Come In Contact With Should Be Viewed As It’s Own Entity, To Be Digested As Art.”

DISC REVIEW “EVERYTHING THAT IS YOU”

ハリウッドに居を構える楽器演奏者の登竜門 Music Institute。その過酷な虎の穴とも言える通称 MI で結成され、Instru-metal 道を追求していた MAMMOTH が THRAILKILL と名を改めリリースした “Everything That Is You” は、バンドの過去と現在、そして未来全ての作品を繋ぎ、与えられたギフトへと感謝を捧げる人間讃歌です。
自らが考案した “Cream Theater” の異名を追い求めた黎明期から、ストイックなトリオは音楽の旅を続けています。実際、MAMMOTH として最後にリリースした “Deviations” は、ANIMALS AS LEADERS を思わせるコンテンポラリーなヴァイブと、LIQUID TENSION EXPERIMENT にも通じる Tech-metal の王道、そして THE ARISTOCRATS のジャズ精神を巧みにミックスし、プログメタルシーンのリスナーを思考させ唸らせた快作でした。
ただ、HAKEN との有意義なツアーの後、同名バンドの乱立により改名を余儀なくされた彼らは、ギタリストで中心人物 Wes Thrailkill のラストネーム THRAILKILL を看板として掲げることに決めたのです。
「同じようなアルバムは2枚と作りたくない」と語る Wes の言葉を裏付けるかのように、”Everything That Is You” は MAMMOTH からのさらなる深化を封じる作品です。
「最新作はよりプログメタルにフォーカスした作品だよ。過去には各ソロイストを強調したジャズ/フュージョン寄りのアルバムも作ってきたけどね。」 と Wes は語りますが、彼の言うジャズ/フュージョンとはより個としてのソロイストを強調した作風、そしてプログメタルとはより全体のビジョンを統一した絵画のような作風と理解するべきでしょう。
そのコンセプトを考慮に入れて作品と向き合えば、THRAILKILL の目指す場所がより鮮やかに伝わって来るはずです。
Djent の季節を過ぎ、近年インストゥルメタル界隈では、ロックとジャズを融合させた難解とも言えるフュージョンというジャンルをより多様に、ポップに、現代的なサウンドでハイクオリティーにディフォルメする動きが高まりを見せています。
出自は Djent である INTERVALS や PLINI, さらに OWANE や ARCH ECHO といった超新星までそのカラフルなサウンドに込められた共通項は、知的でありながらキャッチーの粋を集めたその煌びやかなデザインでしょう。
実際、彼らは全て超一流のソロイストを揃えていますが、決して複雑怪奇なリードプレイ、それに “0000” を延々と奏でることはありません。ミニマルとさえ言える印象的なメロディーやリフを膨らませながら、R&B、ポストロックやエレクトロニカ、時にヒップホップまで飲み込んでリスナーにフックの洪水を投げかけるのです。
彼らと比較すれば存分にメタリックですが、THRAILKILL も確かにその大渦の中にいます。実際、”Consciously” でゲストプレイヤー Ryan Cho が奏でるヴィオラの響きがシネマティックなアルバムの幕開けを告げると、そこには Instru-metal のディズニーランドが広がって行くのです。
Final Fantasy のスリルをイメージさせる “Aware”、ポストロックの多幸感がヘヴィーフュージョンと溶け合った “Before”、デジタルの響きがエモーションを加速させる “Everything’s”、TRIBAL TECH のファンクを受け継ぐ “Gone”、そしてマスロックの洗礼を大いに浴びたタイトルトラックまで、躍動感を持った楽曲群はシームレスに繋がりそのエンターテインメント性を解き放っていきます。
一方で、もはや “Dream Rush” のニックネームこそ適切に思える奇想天外なオッドタイムの荒波で、しっかりと舵を取るリズム隊の貢献に触れない訳にはいかないでしょう。特に日本人である Yas Nomura の溢れるフレーズアイデアと巧妙な指捌き、ジャズの鼓動は、和製 Jaco Pastorius の形容もきっと過称ではないはずです。(余談ですが彼はギタリストとしても素晴らしい腕前で、Allan Holdsworth を彷彿させるプレイを聴かせます)
もちろん、ARCH ECHO の Adam Bentley がミキシングを手がけたことも偶然ではないでしょう。今回弊誌では Wes Thrailkill にインタビューを行うことが出来ました。「Yas は日本から来たんだよ。最初僕たちが会った時、彼が話すことの出来た英語は “Dream Theater….” だけだったくらいさ。」 どうぞ!!

THRAILKILL “EVERYTHING THAT IS YOU” : 10/10

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THE 40 MOST IMPRESSIVE ALBUMS OF 2018 : MARUNOUCHI MUZIK MAGAZINE


THE 40 MOST IMPRESSIVE ALBUMS OF 2018 : MARUNOUCHI MUZIK MAGAZINE

1: GHOST “PREQUELLE”

昨年 “最も印象的だったアルバム” の記事にも記しましたが、近年、MASTODON, VOLBEAT, Steven Wilson, PALLBEARER, Thundercat、さらに今年も GODSMACK, ALICE IN CHAINS, DISTURBED, SHINEDOWN など様々なジャンルの旗手とも呼べるアーティストが “ポップ” に魅せられ、レガシーの再構築を試みる動きが音楽シーン全体の大きなうねりとして存在するように思えます。当然、邪悪とポップを融合させた稀有なるバンド GHOST もまさしくその潮流の中にいます。
「JUDAS PRIEST はポップミュージックを書いていると思う。彼らはとてもポップな感覚を音楽に与えるのが得意だよね。PINK FLOYD も同様にキャッチー。ちょっと楽曲が長すぎるにしてもね。」
と語るように、Tobias のポップに対する解釈は非常に寛容かつ挑戦的。さらにモダン=多様性とするならば、70年代と80年代にフォーカスした “Prequelle” において、その創造性は皮肉なことに実にモダンだと言えるのかもしれません。実際、アルバムにはメタル、ポップを軸として、ダンスからプログ、ニューウェーブまでオカルトのフィルターを通し醸造されたエクレクティックな音景が広がっています。
もちろん、シンセサイザー、オルガン、キーボードの響きが GHOST を基点としてシーンに復活しつつあることは喜ばしい兆候だと言えますね。同時に、サックス、フルート、ハグストロムギターまで取り入れたプログレッシブの胎動は “Prequelle” 核心の一部。Tobias はプログロックの大ファンで、作曲のほとんどはプログレッシブのインスピレーションが原型となっていることを認めています。伝統的なプログロック、プログメタルの世界が停滞を余儀なくされている世界で、しかしプログレッシブなマインドは地平の外側で確かに引き継がれているのです。
ウルトラキャッチーでフックに満ち溢れたカラフルなレコードは、数多のリスナーに “メタル” の素晴らしさを伝え、さらなる “信者” を獲得するはずです。
ただし、匿名性を暴かれた Tobias の野望はここが終着地ではありません。多くのゲストスターを揃えたサイドプロジェクトもその一つ。すでに、JUDAS PRIEST の Rob Halford がコラボレートの計画を明かしていますし、これからもスウェーデンの影を宿したメタルイノベーターから目を離すことは出来ませんね。何より、全ては彼の壮大な計画の一部に過ぎないのですから。

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2: YOB “OUR RAW HEART”

スラッジ、ドゥーム、ストーナーのプログレッシブで多様な進化はもはや無視できないほどにメタルの世界を侵食しています。中でも、オレゴンの悠久からコズミックなヘヴィネスと瞑想を標榜し、ドゥームメタルを革新へと導くイノベーターこそ YOB。バンドのマスターマインド Mike Scheidt は2017年、自らの終焉 “死” と三度対峙し、克服し、人生観や死生観を根底から覆した勝利の凱歌 “Our Raw Heart” と共に誇り高き帰還を遂げました。
「死に近づいたことで僕の人生はとても深みを帯びたと感じるよ。」と Mike は語ります。実際、”楽しむこと”、創作の喜びを改めて悟り享受する Mike と YOB が遂に辿り着いた真言 “Our Raw Heart” で描写したのは、決して仄暗い苦痛の病床ではなく、生残の希望と喜びを携えた無心の賛歌だったのですから。
事実、ミニマルで獰猛な2014年の前作 “Clearing the Path to Ascend” を鑑みれば、全7曲73分の巡礼 “Our Raw Heart” のクリエイティビティー、アトモスフィアに生々流転のメタモルフォーゼが訪れたことは明らかでしょう。
作品のセンターに位置する16分の過重と慈愛の融合 “Beauty in Falling Leaves” はまさに YOB が曝け出す “Raw Heart” の象徴でした。甘くメランコリックなイントロダクションは、仏教のミステリアスな響きを伴って Mike の迫真に満ちた歌声を導きます。それは嵐の前の静けさ。ディストーションの解放はすなわち感情の解放。ベースとドラムスの躍動が重なると、バンドの心臓ギターリフはオーバートーンのワルツを踊り、濃密なビートは重く揺らぐリバーブの海で脈動していくのです。バンド史上最もエモーショナルでドラマティックなエピックは、死生の悲哀と感傷から不変の光明を見出し、蘇った YOB の作品を横断するスロウバーン、全てを薙ぎ倒す重戦車の嗎は決して怒りに根ざしたものではありませんでした。
結果として YOB は THOU や KHEMMIS と共にドゥームに再度新風を吹き込むこととなりました。例えば CATHEDRAL の闇深き森をイメージさせるオープナー “Ablaze” ではジャンルのトレードマークにアップリフティングでドリーミーなテクスチャーを注入しドゥームの持つ感情の幅を拡大しています。
そうしてアルバムは僅かな寂寞とそして希望に満ちた光のドゥーム “Our Raw Heart” でその幕を閉じます。人生と新たな始まりに当てた14分のラブレターは、バンドに降臨した奇跡のマントラにしてサイケデリックジャーニー。開かれたカーテンから差し込むピュアな太陽。ポストメタルの領域にも接近したシネマティックでトランセンドな燦然のドゥームチューンは、彼らとそしてジャンルの息災、進化を祝う饗宴なのかも知れませんね。

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3: SVALBARD “IT’S HARD TO HAVE HOPE”

女性の躍動と、多様性、両極性を旨とする HOLY ROAR RECORDS の台頭は2018年のトピックでした。越流するエモーションをプロテストミュージックへと昇華し、英国ブリストルから咆哮を貫く至宝 SVALBARD はまさにその両者を象徴する存在です。熾烈なメタル/ハードコアにポストロックの叙情と風光、ポストメタルの思索と旅路を織り込みさらなる多様化の波動を導いた新作 “It’s Hard to Have Hope” はシーンの革新であり、同時に閉塞した世界が渇望する変化への希望となりました。
確かに “It’s Hard to Have Hope” は怒れるアルバムで、中絶、性的暴力、リベンジポルノ、インターンシップの無賃雇用など不条理でダークな社会問題をテーマとして扱っています。
さらには、「このアルバムは、ステージに女の子が立つことにネガティブなコメントを寄せる人たちに対する私からの返答よ。”女性をメタルから追い出せ!” と言うような人たち、コンサートで女性にハラスメント行為を行う人たち。これは彼らに対する私からの恐れなき怒りの返答なの。」と語るように、女性フロントマンとして Serena が長年メタルシーンで苦しんできたハラスメント行為の数々も、作品の持つ怒りの温度を “フェミニストのメタルアルバム” の名の下に上昇させていることは明らかです。
とはいえ、この類稀なる感情と表情の結晶が、唯一怒りにのみ根ざすわけではないこともまた事実でしょう。実際、Serena はこの作品の目的が “人々にこういった社会的不公平を伝えるだけではなく、なぜそういった問題が起き続けるのか疑問を投げかけることだった” と語っています。「誰が正しいのか互いに主張し合うのを止めてこう尋ねるの。一緒に前進するために何ができるだろう?より良き変化のためお互い助け合えないだろうか?とね。」とも。
そうして世界のターニングポイントとなるべくして示現した “It’s Hard to Have Hope” に、一筋の光明にも思える尊きアトモスフィア、荘厳なる音の風景がより深く織り込まれていることはむしろ当然の進化だと言えるでしょう。
CULT OF LUNA や MY BLOODY VALENTINE のイメージこそ深化の証。そうしてポストブラックの激しさと光明を背負った彼女は悲痛な叫びを投げかけます。「いったい誰が女性を守ってくれるの?」

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