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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【MAMMAL HANDS : SHADOW WORK】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MAMMAL HANDS !!

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New Chapter Of UK Jazz, Mammal Hands Carve Out A Great Footstep With The Expansive, But Monolithic New Record “Shadow Work” !!

DISC REVIEW “SHADOW WORK”

拡大する UK ジャズの象徴にしてニュージャズの新たな潮目、MAMMAL HANDS。昨年、初来日公演も成功させた異端のベースレストリオがリリースした最新作 “Shadow Work” は、多彩多様なジャンルを繋ぐ架け橋としてタイトルとは裏腹の凛とした光彩を放っています。
Robert Glasper に端を発する、拡散する新たなジャズの潮流はまさにモダンな音楽世界の縮図と言えます。ヒップホップ、ソウル、ファンク、エレクトロニカ、フォーク、クラシカル。様々なジャンルを縦横無尽に横断し、”Jazz The New Chapter” とも形容されるニュージャズの瑞々しいアプローチは、そして今、世界各地で同時多発的に勃興しているのです。
とりわけ UK は北欧、南米と並んで、その万華鏡のサウンドスケープで注視される新聖域の核心だと言えるでしょう。
「沢山の新たな UK のジャズアクトがその音楽にエレクトロニカを取り入れる傾向は驚きではないんだよ。というのも、UK では多くの偉大なエレクトロニカミュージックが制作されているからね。」 インタビューで Nick が語ったように、そうして UK ジャズ新世代が一際フォーカスしブレンドした個性こそ、彼の地が誇るエレクトロニカの胎動でした。
Matthew Halsall 率いる Gondwana Records のロースターはその滾りし地熱の趨勢を握ります。ハングの叙情を取り入れた PORTICO QUARTET, ビッグレーベル BlueNote への移籍を果たした GOGO PENGUIN, そして中でも今回取り上げる MAMMAL HANDS は最もエクレクティックで普遍的な魅力を備えたトリオだと言えるのかも知れませんね。
何より記して置くべきは、バンドの持つ Steve Reich 由来のミニマリズムと幻想的なそのサウンドデザインが、馴染み深きポストロックやポストプログレッシブの領域と非常に接近している点ではないでしょうか。
「実の所、僕たちは自分たちをジャズグループだと考えたことは一度もないんだよ。」 と JESSE が語れば、Nick は 「僕が聴いて育ったのは、MOGWAI, GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR, KING CRIMSON といったバンドなんだ。」 と証言します。
レコード最長のエピック “Transfixed” はその象徴かも知れません。シングルノートの反復から生まれるグルーヴは、いつしか複雑で多面的なリズムとメロディーを重ねて行きます。
ライヒとチャネリングを果たしたかのようなミニマリスティックなデザインは、Jesse のタブラを使用したパーカッシブなアプローチ、Nick のアコースティックとエレクトリックを行き来するヒプノティックな鍵盤の妙、Jordan のコルトレーンを想起させる冷ややかなテナーの情熱、そしてさりげのない電子の海を全て携えて、60, 70年代の “スピリチュアルジャズ” をロックとコンテンポラリーのイメージを伴い21世紀へと蘇らせるのです。
実際、「新しいアプローチとトラディショナルなアプローチをブレンドして音楽を創造することは、 僕たちにとって本当に興味深い手段なんだよ。それに、僕は新たなバンドがコンテンポラリーなサウンドを追い求めることは重要だと思っているからね。」 と Nick が語るように、彼らの戦略は実に巧妙です。
近年、よりエレクトロニカへとコミットする PORTICO QUARTET とは対象的に、MAMMAL HANDS はジャズのトラディショナルな偶然性からコンテンポラリーな必然性、そしてロックやプログ、エレクトロニカのリスナーにもアピールするキャッチーなフックとチャレンジングな革新性を兼ね備えているのですから。
ストリングスを文脈に配置したミニマルジャズの体現 “Black Sails”、フルートで作曲されたアイリッシュフォークとジャズの美麗なる落とし子 “A Solitary Bee”、クラシカルの息吹が宿る “Boreal Forest”、そしてグループのアイデンティティであるワールドミュージックに特化したタブラの魔術 “Three Good Things”。
つまり全ては、アドベンチャーを志向するジャズ、ロック、フォーク、アンビエント、ダンスリスナーにとって、格好の架け橋として設計されているのです。そして絶景なるその無垢なる橋からの眺望は、逆説的に言えばカテゴライズを超越したただ “音楽” と描写されるべき風景なのかも知れませんね。
今回弊誌では、メンバー全員にインタビューを行うことが出来ました。アクセシブルでありながら非常に繊細かつ多様な彼らの音楽は弊誌の理想ともシンクロします。「多くの人が、僕たちの音楽が他のジャンルを聴くきっかけになったと言ってくれるのは嬉しいよ。」 どうぞ!!

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MAMMAL HANDS “SHADOW WORK” : 10/10

INTERVIEW WITH MAMMAL HANDS

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Q1: First of all, how was your Japan Tour 2017? What do you like about Japan?

【JORDAN】: We all had an amazing time in Japan, the audiences were great and it was nice to meet fans who have supported us from so far away. There are many parts of Japanese culture and ideologies that we have a strong interest in and it was great to experience some of this first hand, and also to see the beautiful countryside, especially around Kyoto.

Q1: まずは、昨年行われた日本ツアーの感想を聞かせていただけますか?日本は楽しめましたか?

【JORDAN】: 僕たちはみんな日本で最高の時間を過ごしたんだ。オーディエンスは素晴らしかったし、こんなに遠い場所から僕たちをサポートしてくれるファンのみんなに会えたのも嬉しかったな。
日本の文化やイデオロギーの大部分には強く興味を唆られるんだ。そのうちいくつかを直接経験出来たのは素晴らしかったね。それに、美しい田園風景や自然、特に京都周辺を見ることが出来たのも良かったね。

Q2: Regarding Japan, “Mammal” means “A Perfect Circle” in Japanese, did you know that? haha. Off course, in English, it means very different. What made you choose it for your band name?

【JESSE】: Wow thats really cool! We had no idea it had that meaning in Japanese. It was a name that Nick came up with, it has no overt meaning but its cool that it can have different meanings for everyone, just like the example you gave in your question. We try too keep all of our album and track names fairly open ended too, in terms of meaning, hopefully it leaves the music as open to interpretation as possible for the listener.

Q2: 日本と言えば、”Mammal” は日本語で “まん丸” とも読めるんですよ(笑)勿論、英語では全く別の “哺乳類” という意味になりますが。

【JESSE】: へえ~、それってクールだよね!日本語でそんな意味になるなんて全然知らなかったよ。
これは Nick が思いついた名前なんだけど、特定の明白な意味は存在しないんだ。だけど、みんながこの名前に、それぞれ異なる意味を持たせることが出来るなんてクールじゃない?君が日本語で “まん丸” って言ったのはその良い例だよね。
僕たちは、全てのアルバム、楽曲のタイトルに関しても同様にオープンにして置きたいんだよ。そうすることで音楽も、リスナーにとって出来るだけオープンな解釈が可能になれば良いと思っているんだ。

Q3: Anyway, this is the first interview with you. So, could you tell us about yourself and band itself? What kind of music were you listening to, when you were growing up? You are great sax player, but who was musical hero at that time?

【JORDAN】: When I was younger I had a number of musical heroes, a lot of them in genres I discovered through my parents and then trying to make musical connections from there to stuff that I heard on the radio or internet or through friends. A lot of the music that I listened to when I was younger was either folk or rock/prog. So a lot of my heroes at that time were people like Jimi Hendrix, Bob Dylan, and John Frusciante. I actually got into the sax later, my first tenor sax I bought when I was 18 after hearing John Coltrane and Pharoah Sanders and getting really into that sound world and feeling.

Q3: 本誌初登場なので、音楽的なバックグラウンドやヒーローについて話していただけますか?

【JORDAN】: 若い頃は、数多くのヒーローがいたんだよ。両親を通して発見したジャンルのミュージシャンが多くて、そこからラジオやインターネット、友人などから見聞きして音楽的な繋がりを拡げていったんだ。
僕が若い頃聴いていた音楽の多くは、フォーク、もしくはロックやプログだったね。だから当時のヒーローは Jimi Hendrix, Bob Dylan, そして John Frusciante のような人物だったんだ。
実際、サックスにのめり込んだのはもっと後になってからで、初めてテナーサックスを買ったのも18の時だったんだよ。John Coltrane と Pharoah Sanders を聴いて、本当に彼らのサウンドワールドやエモーションにのめり込んだんだ。

Q4: Mammal Hands is consisted by piano, sax, and drums. It’s very rare for Jazz trio that there is no bass player. What made you so?

【JESSE】: We have actually never considered our selves a “Jazz” group. When we started playing together the sound just worked for us, we have always felt very comfortable working together as a trio and the more we play together the more complete the sound world feels.

Q4: MAMMAL HANDS はピアノ、サックス、ドラムスで構成されています。ベースレスのジャズトリオは珍しい存在ですよね?

【JESSE】: 実の所、僕たちは自分たちをジャズグループだと考えたことは一度もないんだよ。共にプレイを始めた時に、そのサウンドがただしっくりと来たんだよ。
いつだってこのトリオで仕事をするのがとても快適だし、共にプレイする度に、そのサウンドワールドは完璧に近づいているように感じられるね。

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Q5: So, let’s talk about your newest record “Shadow Work”. Firstly, what’s the meaning behind the title? Is there any concept of record?

【JORDAN】: The title is a reference to work that people do behind the scenes that we often don’t see. A lot of what is in the public eye most of the time is very transitory. The name is a reference to those putting in efforts that don’t get credit or attention but what they are doing is very important.

Q5: では最新作 “Shadow Work” について話しましょう。まずタイトルや作品のテーマについて教えていただけますか?

【JORDAN】: このタイトルは、僕たちがあまり見かけない場面において、人々が行う “影の” 仕事への言及なんだ。ほとんどの場合、公で一般の目につくものの多くは非常に一時的だよね。
つまりこのタイトルは、努力をしていても一般には信用や注意を得られない人たちを意味しているんだけど、彼らがしている仕事は非常に重要なんだよ。

Q6: Musically, “Shadow Work” is the most eclectic record in your works, I think. From Steve Reich, Aphex Twin, to African music, Irish folk, you mixed them all together, and made it your own jazz sound. Unbelievable! So, what was your inspirations in your writing process?

【NICK】: We were inspired by a lot of different artists and ideas when we were making Shadow Work, too many to mention here but broadly we have been listening to jazz, Irish Folk, Indian Classical music, Warp Records stuff, ambient music. When we write, I think a lot of these influences creep into the work unconsciously and often we will start a piece with a basic concept rather than a list of influences and then branch out from there. Transfixed is a good example because that piece started with the idea of us all playing the same note together in unison, which is a very simple idea but it felt like the track had so many places it could go from there.

Q6: 音楽的に “Shadow Work” は、バンドの作品で最もエクレクティックなレコードだと感じます。ライティングプロセスではどういったインスピレーションを得たのでしょう?

【NICK】: “Shadow Work” の制作中は、多くの異なるアーティストやアイデアからインスピレーションを得たんだよ。多すぎてここでは挙げられないくらいさ。ただ、本当に幅広いよ。ジャズ、アイリッシュフォーク、インドの伝統音楽、Warp Records の作品、アンビエントミュージックなんかだね。
作曲を行う時は、そういった多くの影響が無意識の内に楽曲へと浸透していると思うんだ。ただ多くの場合、そういった影響のリストからではなく、基本的なコンセプトに基づいて作品を開始し、そこから分岐して行く感じかな。
“Transfixed” は良い例だろうね。というのも、そもそもこの楽曲は僕たち全員が同じ音をユニゾンで一緒に演奏するというアイデアから始まったんだ。とてもシンプルなアイデアだけど、そこから本当に沢山の場所へ行くことが出来ると感じたんだよ。

Q7: You are one of the shining star of Gondwana as well as GoGo Penguin (They are now Blue note), Portico Quartet. I feel UK’s new generations of Jazz have more electronic sound compared with US’s Jazz the new chapter. Do you agree that? If so, what’s your perspective about the reasons?

【JORDAN】: I think in the UK there is a lot of electronic music happening and it’s a big part of the musical fabric here at the moment. Me and Nick also work together on a lot of electronic music so its a huge part of how we work and think about music. It’s hard to say why American jazz differs so much from UK jazz but I think music from anywhere often has it’s own character that reflects that country and character in some way. For example, Scandinavian jazz and South African jazz both have their own different characters also.

【NICK】: I think theres definitely a tendency for a lot of new UK jazz acts to use electronics in their set up which isn’t surprising given the vast amount of great electronic music being made in the UK. The blending of new and traditional approaches to music making is really interesting to us and I think its important that new bands keep striving for a contemporary sound. I think theres always always a balance to be struck when your playing in a band between organic sounding ideas and more prepared, programmed material. We really enjoy the challenge of trying to make fresh music that doesn’t lean too heavily on technology, it is sometimes tempting to get a load of synths out and go crazy with that side of things but I’m not convinced the music would be better.

Q7: MAMMAL HANDS は Gondwana ロースターでも PORTICO QUARTET, 移籍しましたが GOGO PENGUIN 等と並んで一際輝く存在だと感じます。そしてあなた達 UK ジャズの新たな波は、他の地域に比べてよりエレクトロニカに接近しているようにも感じます。

【JORDAN】: 一つ考えられるのは、UK にエレクトロニカが溢れていて、現在 UK 音楽シーンの大半を占めているからという理由だろうね。
僕と Nick にしても沢山エレクトロニカを共作して来たから、作曲の方法論や音楽についての考え方において、それが大きな部分を占めているんだと思う。
だけど、なぜ US と UK のジャズシーンがこれ程異なるのか説明するのは難しいね。ただ、僕はどこの地域の音楽もその国や個性をある程度反映して独自のキャラクターを築いていると思うんだ。例えば、スカンジナビアのジャズと南アフリカのジャズが異なり独自のキャラクターを持つようにね。

【NICK】: 僕にとっても、沢山の新たな UK のジャズアクトがその音楽にエレクトロニカを取り入れる傾向は驚きではないんだよ。というのも、UK では多くの偉大なエレクトロニカミュージックが制作されているからね。
新しいアプローチとトラディショナルなアプローチをブレンドして音楽を創造することは、 僕たちにとって本当に興味深い手段なんだよ。それに、僕は新たなバンドがコンテンポラリーなサウンドを追い求めることは重要だと思っているからね。
バンドでプレイする時は、いつだってオーガニックなサウンドのアイデアと、より準備、プログラムされたマテリアルのバランスを取らなくてはならないでしょ。僕たちはそのチャレンジを本当に楽しんでいるんだよ。あまりテクノロジーに頼りすぎないフレッシュな音楽を創造することにね。まあ、時にはシンセサウンドから脱却してクレイジーにプレイするのも魅力的だけど、ただそうやって音楽が良くなるとは思えないね。

Q8: Our readers are not only Jazz fans, but also Post-rock, Prog Rock. And most of them seem to love your beautiful, eclectic, modern cross-over sound. That is to say, you can be the “Bridge” between Jazz and Post, Prog Rock, I think. Do you want to be such a kind of “Genre Breaker”?

【JESSE】: Its been really nice hearing from so many people who have said that our music has helped them get into other styles, and move away from there comfort zone into appreciating different artists. We try not to think about genre at all and just focus on creating what feel right to us, and stay true to that.

【NICK】: Some of my favourite bands growing up were bands like Mogwai, Godspeed you Black Emperor and King Crimson so I’m just glad people who are into that like our stuff too!

Q8: 弊誌の読者には、ジャズファンだけでなく、ポストロックやプログロックのファンも多いのですが、そういった方たちもMAMMAL HANDS のモダンなクロスオーバーサウンドを絶賛しています。つまり、あなた達はある意味ジャンルの架け橋的な存在にも思えるのですが?

【JESSE】: うん、多くの人が僕たちの音楽が、他のジャンルを聴くきっかけになった、もしくは彼らのコンフォートゾーンから離れてお気に入りのアーティストを見つけるきっかけになったと言ってくれるのは本当に素敵なことだね。
僕たちはジャンルについては全く考えないようにしているんだよ。ただ僕たちにとって正しいと思えるものを創造し、それに忠実にいることだけにフォーカスしているんだ。

【NICK】: 僕が聴いて育ったのは、MOGWAI, GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR, KING CRIMSON といったバンドなんだよ。だからそういったバンドのファンが僕たちの作品を気に入ってくれているのはただただ嬉しいね!

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FIVE ALBUMS THAT CHANGED MAMMALS’S LIFE

MOGWAI “COME ON DIE YOUNG”

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YUSEF LATEEF “EASTERN SOUNDS”

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(JORDAN)

JON HOPKINS “IMMUNITY”

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GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR “F#A#∞”

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(NICK)

A TRIBE CALLED QUEST “LOW END THEORY”

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(LESSE)

MESSAGE FOR JAPAN

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We hope to be back very soon!

またすぐに日本へ行けたらいいな!

MAMMAL HANDS

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DIABLO SWING ORCHESTRA : PACIFISTICUFFS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DANIEL HÅKANSSON OF DIABLO SWING ORCHESTRA !!

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Hybrid Of Old–style Swing jazz, Classial, and metal. Sweden Based Incredible Octet Diablo Swing Orchestra Has Released More Unique, Unexpected But Ultra-catchy Masterpiece “Pacifisticuffs” !!

DISC REVIEW “PACIFISTICUFFS”

メタルワールドのアウトオブボックス。世界で最もカラフルかつユニークな悪魔の楽団 DIABLO SWING ORCHESTRA が、遂にシーンへとより深く浸透すべき新作 “Pacifisticuffs” をリリースしました!!複雑怪奇とポップを過去最高の滑らかさで融解させた作品には、タイトルに冠した “平和主義” と “殴り合い” の二律背反が見事にフィットしています。
“ポストファーストメタルタイム”。WALTARI の Kärtsy Hatakka が弊誌のインタビューで証言したクラッシックメタルとモダンメタルの偉大なる架け橋に、スウェーデンが果たした役割はあまりにも絶大でした。
MESHUGGAH, OPETH の両巨頭を挙げるまでもなく、90年代初頭から此の地の先鋭は、ベーシックなメタルのデフォルトにプログレッシブの波動、エクストリームな残虐性、フォルクローレの優美、そして複雑なリズムアプローチ等を付加してモダンメタルの礎となる百花繚乱の多様性を創世し続けているのです。
中でも、チェロやホーンセクションを備えた8人組 DIABLO SWING ORCHESTRA のエクレクティックな存在感は飛び抜けて異端だったと言えます。その名が物語る通り、メタル、ジャズ、クラッシックを等しくベースとする狂気を孕んだクロスオーバーの濁流は、アヴァンギャルド、エクスペリメンタルの狭い定義に堰き止められ限定的ながら、間違いなく強烈な印象と影響を残して来たのです。
そして、前作 “Pandora’s Piñata” から5年という長いインターバルを経てリリースしたバンドの最新作 “Pacifisticuffs” は、囚われていたその狭い檻までをも突き破り、より幅広く認知と賞賛を受けるべき作品に仕上がったと言えるでしょう。
オペラティックな歌唱でバンドの顔とも言えた Annlouice Lögdlund が脱退し、新たに Kristin Evegård を迎えたことは、結果として変化の象徴となりました。より普遍的で、しかしアンニュイかつジャジーな魅力と個性を備えた Kristin の伸びやかな歌唱は、バンドのカルトなイメージを一新させるフレッシュな起爆剤だと言えますね。
爽快でキャッチー、そしてあまりに多様なオープナー “Knucklehugs (Arm Yourself with Love)” は楽団の新たなイメージへと誘う招待状。Daniel が 「僕たちはまず、強力なメロディーやリズミックなフックといった楽曲の強固な基盤にフォーカスする傾向があるんだよ。」と語る通り、ポップパンクのコマーシャルな突進力さえ喚起する Kristin と Daniel のデュエットは、メタリックなギターリフ、スウィングするホーンセクション、そしてバンジョーとストリングスを携えたエルヴィスの祝福を一身に受けて、至上なる創造性とフックを提示します。
陽気なブルーグラスから一転、オーケストレーションとホーンをさらに前面に配した感傷的なメタルポルカ “The Age of Vulture Culture” で Kristin の完璧なる融合を証明した後、バンドは “Superhero Jagganath” でトロピカルなレゲエにハワイアン、”Lady Clandestine Chainbreaker” ではフラメンコの邪悪な誘惑にフォーカスし、”Pacifisticuffs” の音楽が世界を巡る旅であると高らかに宣言するのです。
そうして辿り着く “Jigsaw Hastle” は、故郷スウェーデンへの凱旋と言えるのかも知れません。Kristin の透明な哀愁を生かしたウルトラキャッチーなダンスチューンは、同郷の ABBA を彷彿とさせる北欧の煌びやかな風。アートワークのトライアングルから注入された電気の魔法は、きっとこの楽曲のエレクトロニカな要素へと還元されたに違いありません。
Daniel が提唱する “異なるサウンドを独自のものへと昇華する偉大なる自由” は、究極のポップと巡るエクレクティックな世界旅行の果てに遂に完成を見たのかも知れませんね。
今回弊誌では、シンガーでギタリスト、バンドの中心人物 Daniel Håkansson にインタビューを行うことが出来ました。どうやら Daniel のボーカルパートが減った理由も、Kristin の加入による理想のオクテットの完成にある様ですね。「今まで成されてきたことの “外側” について考えなくてはいけないと思うんだ。」どうぞ!!

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DIABLO SWING ORCHESTRA “PACIFISTICUFFS” : 10/10

INTERVIEW WITH DANIEL HÅKANSSON

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Q1: This is the first interview with you. First of all, could you tell us about yourself and band? What kind of music were you listening to, when you were growing up? You are great singer/guitar player, but who was musical hero at that time?

【DANIEL】: I think I have my mom to thank for a lot of my musical ideas. She was an aspiring opera singer that really taught me how to appreciate music. She showed me everything from choir works to the Beatles and woke me up with Bag Pipe concerts and african tribal music.
My first own musical awakening was when I turned 16 and discovered swedish punk music and later on Nirvana.

Q1: 本誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドについて話していただけますか?

【DANIEL】: 僕の音楽的なアイデアの多くについては、母に感謝しないといけないね。彼女は向上心に満ちたオペラシンガーで、音楽の真価を認める方法についてしっかりと教授してくれたんだ。
彼女は本当に全てを見せてくれたね。クワイアから THE BEATLES、さらにはバグパイプのコンサートやアフリカのトライバルミュージックで僕の目を覚まさせてくれたんだ。
僕が初めて音楽にハマったのは16になる頃だったね。スウェーデンのパンクミュージック、そして後に NIRVANA を発見したんだ。

Q2: When I first heard Diablo Swing Orchestra, I really surprised and thought “Amazing…From metal, prog to symphonic, jazz. It’s…the most eclectic band in the world”. And I still think so. Where did the idea making such a diverse band come from?

【DANIEL】: I think it’s a result from all the varieties of genres we enjoy within the band. The point has never been to mash up as many different styles as possible, rather we strive to write music we enjoy both listening to and play. But at the same time we want to write music that has a “fresh” feeling to it and I think in order to make that happen you have to think outside of the box from what has been done before. We think we have created kind of a wide musical framework to operate within and we have a great freedom of what different sounds we can incorporate into our own.

Q2: 初めて DIABLO SWING ORCHESTRA の音楽を聴いた時、こんなエクレクティックなロックが存在するのかと非常に驚きました。これほどまで多様な音楽性のバンドを立ちあげたそのアイデアは、どのようにして生まれたのですか?

【DANIEL】: それは、バンドのメンバーが楽しめる全てのジャンルを集めた結果だと思うな。重要なのは、僕たちは決して出来るだけ多くの音楽スタイルをマッシュアップしてきた訳じゃなく、聴いてそしてプレイして楽しめる音楽を書くことに務めている点なんだ。
ただ、それと同時に、”フレッシュ” な感覚を持った楽曲を書きたいとも思っているんだよ。そうするためには、今まで成されてきたことの “外側” について考えなくてはいけないと思うんだ。
僕たちは、そのタスクを実現するための幅広い音楽的な枠組みのようなものを作り出したと思っているんだよ。それに、異なるサウンドを独自のものへと昇華する偉大なる自由もね。

Q3: So, let’s talk about your fantastic new record “Pacifisticuffs”. Five years have passed since you had released “Pandora’s Piñata”. It was due to some mixing, production troubles a lot, wasn’t it?

【DANIEL】: Yeah, a lot has happened and tech issues during the mix certainly was one of the main time consumers for us. The computer didn’t manage to handle all the files during the playback so Roberto Laghi who produced the album went and bought a new computer in the middle of the mix. Other than that both we and the record label managed to delay the release along the way. But we’re really happy that we managed to put it out there in the end and we’re really happy with the result.

Q3: では最新作 “Pacifisticuffs” について話しましょう。前作 “Pandora’s Piñata” から5年という長いインターバルとなりました。ミキシングやプロダクションのプロセスでトラブルがあったそうですね?

【DANIEL】: そうなんだ。沢山のことが起こったよ。ミキシングの段階におけるテクニカルな問題は、その中でも最も時間を取られた問題だったね。プレイバックの最中に、コンピューターが全てのファイルを扱うことが出来なくてね。だからプロデューサーの Roberto Laghi がミキシングの最中に新たなコンピューターを導入することとなったんだ。
それ以外にも、バンドとレーベルの両方がリリースを遅らせる必要があってね。
まあそうは言っても、最終的になんとかリリース出来てとても嬉しいし、結果にも満足しているよ。

Q4: There have been a few changes in the band in recent years. Annlouice Lögdlund whose opera–based vocal style was a large part of DSO sound left the band in 2014. What was the reason of her departure?

【DANIEL】: She chose to focus on her opera career and we had reached the point where it was not possible to book shows due to the fact that we didn’t know if we would be able to perform. So there is no bad blood between us or any drama to add to the story.

Q4: その期間、バンドにはいくつか変化がありましたね。まず、オペラスタイルの歌唱でバンドの顔とも言えた Annlouice Lögdlund が脱退しました。

【DANIEL】: 彼女は自身のオペラのキャリアを追求する道を選んだんだ。それによって、ライブでプレイ出来ず、ショウもブッキング出来ないという事態になってしまったから仕方がないよね。
だから、お互いに悪い感情が生じただとか、ドラマティックなストーリーといったものは特別なかったよ。

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Q5: Her replacement was Kristin Evegård. Their vocal style is quite different. Compared with Annlouice’s operatic style, Kristin has a much more jazzy, dreamy style. And I feel it’s difference reflects on the album. Anyway, what made the band choose Kristin?

【DANIEL】: Johan (drums) was attending a show where Kristin played and liked what he heard. He sent the rest of the band a couple of youtube links and the rest of the band were sold. She came to one trial rehearsal and the rest is history. Her joining the band has definitely had an impact on the sound but we feel that we already started to walk that path with our last record where the opera elements were toned down apart for 2 songs. So the transition that might feel very different to the listener that enjoyed the 2 first albums the most felt really natural to us. .

Q5: 後任に選ばれた Kristin Evegård のボーカルスタイルは Annlouice とは大きく異なっていますね?よりジャジーでドリーミーなスタイルです。

【DANIEL】: ドラムスの Jordan が Kristin の出演するショウを見て気に入ったんだ。彼はバンドのメンバーたちに You Tube のリンクをいくつか送って、 納得させたんだよ。彼女は一度トライアル的なリハーサルに来て、後はみんなが知る通り正式なメンバーとなった訳さ。
彼女がバンドに加わったことは、間違いなくバンドのサウンドにインパクトを与えたね。ただ、僕たちはこの方向性をすでに前作から始めていたと感じているんだ。前作では、二曲を除いて、オペラティックなサウンドはトーンダウンしていたからね。
だから、確かにバンドの最初の二作を気に入っていたリスナーにとってはかなり違和感のある移行かもしれないけど、僕たちにとってその大分部は至って自然なんだ。

Q6: I really love the artwork of “Pacifisticuffs”. And I think it has different feeling compared with your past works. Does it reflect the concept or theme of the album? What’s the meanings behind the title “Pacifisticuffs”?

【DANIEL】: We had a long discussion before what we want the cover to convey and it went something like this:
Imagine an outdoors city environment where all the negatively charged stuff of the world resides. In the dead center of this view, a large triangle has magically opened. Magical dust of hope and positive forces electrically pour out from the opening behind the rotated triangle.
In the foreground we see a young girl reaching out her hands, electrically/magically controlling the triangle to her benefit — her pacifisticuffs at full throttle with the power to change things around to the better!
The title is a word play between the two opposites of being a pacifist and fisticuffs as in the gentleman way of fighting it out on the street. We feel that it’s a fitting way of describing our emotional response to what’s going on in the world today and how it can be frustrating to seek peaceful solutions to problems that evoke emotional havoc inside since everything about how things are handled just screams wrong.

Q6: アルバムのアートワークも実に素晴らしいですね!過去作とはアートワークの雰囲気も異なるように思えます。そして不思議なタイトル “Pacifisticuffs”。作品のテーマやコンセプトについて話していただけますか?

【DANIEL】: 僕たちはこのアートワークに決める前に長いディスカッションを行ったんだ。そして辿り着いたのはこんな感じの世界観だったんだ。
世界に存在する、すべてのネガティブな感情がチャージされた都市の屋外。この死せる眺めの中心には、大きな三角形が魔法のように開いているんだ。そして希望とポジティブなパワーを伴う魔法の塵は、回転する三角形の後ろの開口部から電気的に注がれるんだよ。
最も目立つのは、若い女の子が手を伸ばし、電気的に/魔法のように三角形を自分のためにコントロールしている場面だよね。彼女の “Pacifisticuffs” は物事をより良く変えるためにフルパワーを発揮しているんだ!
そのタイトル “Pacifisticuffs” は、二つの相反する言葉を繋げた言葉遊びなんだ。つまり、”Pacifist” “平和主義” と、”Fisticuffs” “殴り合い”。まるでジェントルマンが路上で殴りあっているようなものだよ。
このタイトルは、今日の世界に対する僕たちの感情を表現するのにピッタリだと感じたんだ。扱われる全ての物事が誤った悲鳴を上げるから、感情的な混乱を呼び起こす問題に対する平和的な解決策を模索することが、いかにイライラするかと言うことなんだよ。

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Q7: Among the songs, I really love “Jigsaw Hustle”. It’s ultra-catchy, and I remind even ABBA from your country, haha. DSO’s sound is off course complex, but always catchy, I think. Do you think “Pop”, “Catchy” aspects are important for your music?

【DANIEL】: Well to an extent yes, we like strong melodies in the music we listen to ourselves and therefore it’s only natural that it shows in our own writing. I guess Sweden has a history of bands who are good with hooks and melodies. They say it’s either something in the waters up here or it comes out of boredom given that the weather sucks 70% of the year, haha.

Q7: “Jigsaw Hustle” などはウルトラキャッチーなダンサブルチューンで、バンドと同郷の ABBA をさえ想起させます。実際、ポップやキャッチーな感覚もバンドにとって、先述の “楽しめる” 要素に含まれるようですね?

【DANIEL】: そうだね、ある意味合っているよ。僕たちは音楽を聴く時、その中にある強力なメロディーを好むんだ。それ故に、僕たちのコンポジションの中にそういった要素が存在するのはごく自然なことなんだ。
スウェーデンが、フックとメロディーに満ちたバンドの宝庫だという事実も関係するのかも知れないね。何か特別な理由があるのか、それとも一年の70%は天気が悪すぎてベッドルームに篭っているからなのかは分からないけどね(笑)

Q8: Definitely, “Pacifisticuffs” is rich, eclectic record as well as your previous works. But, From Polka, Tango, Flamenco, to Hawaiian, Western-style, especially I think you focused on world music in this album. Do you agree that? And are you interested in Japanese traditional music?

【DANIEL】: As mentioned before we tend to first and foremost concentrate on having a solid foundation of a song such as a strong melody and some rhythmic hooks. The different genres come into play when we want to add some flavor to the song to make it more interesting. But I can definitely see your point with different world music references.
We did kind of a J-pop inspired song on the last album called “Black Box Messiah” but we haven’t really explored traditional Japanese music. We’d love to in the future though.

Q8: 勿論、間違いなく、”Pacifisticuffs” はリッチでエクレクティックなレコードです。ただ、以前よりもワールドミュージックにフォーカスしているように思えます。将来的に、日本の伝統音楽を使用する可能性もあるのでしょうか?

【DANIEL】: 先に述べたように、僕たちはまず、強力なメロディーやリズミックなフックといった楽曲の強固な基盤にフォーカスする傾向があるんだよ。そこから、楽曲に様々なフレーバーを加えてより興味深いものにしたい時に、異なるジャンルを挿入して行くんだ。たた、間違いなく君が指摘した違い、ワールドミュージックの関係性については、実に納得出来るね。
日本の音楽に関して言えば、前作の “Black Box Messiah” は J-Pop にインスパイアされた楽曲なんだ。ただ、今のところ日本の伝統音楽についてはまだ探求出来ていないんだよ。だけど、将来的にはぜひトライしてみたいね!

FIVE ALBUMS THAT CHANGED DANIEL’S LIFE

MUSE “ORIGIN OF SYMMETRY”

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TORI AMOS “UNDER THE PINK”, “BOYS FOR PELE”

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NIRVANA “NEVERMIND”

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PRIMUS “THE BROWN ALBUM”

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LOK “NAKEN, BLASTRAD OCH SKITSUR”

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MESSAGE FOR JAPAN

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Yeah hope to see you soon. If someone has any suggestion to Japanese music we should listen to feel free to share it with us on our FB page.

みんなに早く会いたいね。オススメの日本の音楽があれば、ぜひ聴いてみたいから、僕たちのFacebookページでシェアして欲しいな!

DANIEL HÅKANSSON

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CALIGULA’S HORSE : IN CONTACT】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JIM GREY OF CALIGULA’S HORSE !!

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Brisbane’s Progressive Metal Outfit Caligula’s Horse Will Take The listeners Into Unique Sonic Worlds With Ambitious Conceptual Record “In Contact” !!

DISC REVIEW “IN CONTACT”

躍動感に満ちたオーストラリアの清新なるオルタナティブ/プログレッシブシーンを象徴する鼓動 CALIGULA’S HORSE が、アートの本質と真髄を提示する新作 “In Contact” をリリースしました!!南半球から流動する多様でモダンなソニックウェーブは、逸群なるミュージシャンシップを伴って世界へと浸透して行きます。
狂気のローマ皇帝カリグラが、自身の愛馬を執政官に任命しようとした愚かな逸話をバンド名に冠するブリズベンの5人組は、しかしその名に相反する稀代の駿馬。”From Tool to Dream Theater” と例えられるように、オルタナティブとプログレッシブの狭間で揺蕩うそのサウンドコンセプトは、同郷 KARNIVOOL の美麗なアトモスフィア、Djent のコンテンポラリーなデザインをも伴って、プログメタルのデフォルトを再定義するような野心と瑞々しさに満ち溢れています。
加えて特筆すべきは、彼らのストーリーテリングの才能です。勿論、ファンタジックなプログレッシブワールドにおいて、コンセプトやテーマを巧みに描く能力は必修技能にも思えます。
しかし、 前作 “Bloom” で日本の木花咲耶姫にインスピレーションを受けて書かれた “Daughter of the Mountain” のポジティブな光彩を挙げるまでもなく、ボーカリスト Jim Grey の詩人としてのタレントを軸としたバンドが、その分野において卓越していることは明らかな事実であり強みだと言えますね。
“In Contact” で彼らが描くファンタジーは、芸術と創造性をテーマとする様々な時空と人物の物語です。古に人類が共有しながら、今ではすっかり忘れてしまった夢の欠片。異なる世界線においてアーティスト達は、記憶の狭間にその感覚を呼び覚まし具現化することで、崇高なるアートを生み出しています。つまり、4人のアーティストを主人公とした4章から成るアルバムは、非常にパーソナルで同時にグローバルなコンセプトイメージを掲げ伝えているのです。
アルバムオープナー、”Dream the Dead” はよりディープでダーク、複雑な世界観を有する最高傑作への招待状です。ギタリスト Sam Vallen のメズマライズで数学的なリフワーク、陰を備えたスペーシーなアルペジオ、そして John Petrucci の壮絶なピッキングを受け継ぐピーキーかつメロディックなリードプレイは、アルバムの冒頭からアグレッションとアトモスフィアを行き来し、目まぐるしくも完璧に作品のディレクションを主張します。続く “Will’s Song” のオーガニックな淫美と複雑難解なリズムデザインに LEPROUS の最新作を想起するファンも多いでしょう。
さらに、スタイリッシュなシンコペーションの合間を縫うように歌い紡ぐ、Jim の浮遊するハーモニー、ファルセットは、神々しさすら纏って芸術家の苦悩、産みの苦しみを劇的に伝えます。
事実、この楽曲を起点とする第一章 “To the Wind” は、インスピレーションや創造性と引換にアーティストが失う健全な人生、ドラッグやアルコール、精神疾患がアートに信頼性や価値をもたらすという不健全な神話について憂慮し警鐘を鳴らしているのです。
実際、Jim の幅広い表現力、そして2010年以降のプログシーンに欠かせない豊潤なポップセンスは、Daniel Tompkins, Einar Solberg, Ross Jennings と並んで新世代の代表格だと言えるはずです。エレクトロビートを巧みにミックスした “Love Conquers All”, よりオーガニックな “Capulet” といった緩やかなバラードで聴ける凛としたボーカルパフォーマンスに加えて、その証明の極めつけは “Inertia and the Weapon of the Wall” でしょう。
第三章、狂気の詩人を主人公とした物語 “Ink” に組み込まれた楽曲は、驚くことに3分間のスポークンワード。詩人の章で語られる長尺のポエトリーリーディングは、大胆なアイデアと豊かな表情を礎とする天賦の才の確かな証です。
アルバムのクライマックスは15分を超える “Graves” で訪れます。作曲に数ヶ月を要したという崇高で完璧なるエピックは、聖歌隊でテクニックを養った Jim の祈るような歌声、さらには耽美なクワイアが実に印象的。Plini を想起させるマスジャズスタイルのギターと共に展開する透明で清廉なサウンドスケープは、しかし徐々に激しさの熱を帯びて行きます。
Jørgen Munkeby のカミソリサックスを合図として Djent のエキサイトメントを加えたバンドは、そうして混沌と興奮の中で突如事切れるように演奏を停止するのです。まるで作品に自身の全てを注いだ芸術家のように。
Forrester Savell, Jens Bogen, そして Sam のサウンドチーム、さらには新メンバーも完璧にハマったバンドの最高到達点。今回弊誌では、Jim Grey にインタビューを行うことが出来ました。2度目の登場です。今回はプログメタルと言わずオルタナティブと呼称している点にも注目です。どうぞ!!

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CALIGULA’S HORSE “IN CONTACT” : 9.7/10

INTERVIEW WITH JIM GREY

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PHOTO BY DAVID HARRIS
Q1: This is our second interview with Caligula’s Horse. This time, could you tell us about yourself, at first? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【JIM】: Good to chat with you again! I started out as a singer quite young – at the age of 9 in a Cathedral choir here in our home town of Brisbane. It was a pretty gruelling rehearsal schedule, every morning before school, for hours after school on Friday evenings, often singing weddings on Saturdays, and two services each Sunday.
At the time it felt very difficult, but in hindsight I wouldn’t give up the time I spent there for the world. It was where I developed a great deal of my fundamental singing technique, as well as training my ear, which has been hugely important in terms of writing and performing with Caligula’s Horse.
In terms of music I listened to, I didn’t really get into alternative music until I was 13/14 – one of the first albums I really connected with was “Neon Ballroom” by the Aussie band silverchair.

Q1: 本誌2度目の登場となります。今回はまず、あなたの音楽的なバックグラウンドから伺えますか?

【JIM】: また君と話せて嬉しいよ!僕はまだとても若い頃からシンガーとして活動を始めたんだよ。ホームタウンのブリズベンにある聖歌隊で9歳の頃から歌い始めたんだ。リハーサルのスケジュールはとても厳しくてね。毎朝学校に行く前と、金曜の夜学校が終わってからの数時間練習し、そして土曜日はしばしば、日曜には一日に2回もウエディングで歌っていたね。
当時は、とても大変だと感じていたけど、振り返ってみるとギブアップしないで良かったと思うよ。そこで僕の歌唱テクニックの基礎となる重要な部分を養ったんだからね。それに耳も鍛えられたね。CALIGULA’S HORSE で作曲とパフォーマンスを行うに当たって、それは本当に重要な意味を持ったんだ。
僕は13, 14の頃に初めてオルタナティブな音楽にのめり込んだんだ。最初に入れ込んだアルバムの一つが、オーストラリアが生んだ SILVERCHAIR の “Neon Ballroom” だったね。

Q2: So, what inspired you to start band and composition? Who was your hero at that time?

【JIM】: When it comes to rock singing, I was a huge Maynard James Keenan fan at the very beginning, but over time that influence became less and less as I found my own voice. I’ve taken influence from a really broad range of vocalists and experiences, too many to name, but suffice to say I try to learn something from every singer I listen to, especially singers that I’m lucky enough to tour with.

Q2: そこから、あなたをロックシンガーへと駆り立てたもの、そして当時のヒーローについて話していただけますか?

【JIM】: ロックについて言えば、そもそもは Maynard James Keenan の大ファンだったんだよ。ただ時が経つにつれて、僕の声の中にある彼の影響はどんどんと少なくなっていったんだ。
というのも、僕は本当に幅広いボーカリストからの影響や経験を取り入れていったからね。多すぎて名前も挙げられないくらいにね。敢えて言うなら、耳にする全てのシンガーから何かしら学ぼうとして来たね。特に、幸運にもツアーを共にすることの出来たシンガー達からね。

Q3: Let’s talk about your newest record “In Contact”. In our previous interview, Jim told us “Bloom” was more positive, more celebratory record. I feel “In Contact” may be the counter, it’s heavier, darker record than “Bloom”. Do you agree that?

【JIM】: It’s definitely heavier! But it wasn’t as much of an intentional approach as with Bloom – this time the sound of the album was very much informed by the story and characters, how their arcs were progressing. Those stories are told as much by the music as the lyrics. The concept tended towards darker or more emotional themes lyrically, and so the music became part of that shape.

Q3: では、最新作 “In Contact” について話しましょう。前回のインタビューであなたは前作 “Bloom” について非常にポジティブなレコードだと語ってくれました。今回はそのカウンターにも思えるダークでヘヴィーな作品ですね?

【JIM】: 間違いなくよりヘヴィーになったね!ただ、これは特に “Bloom” を意識して取ったアプローチという訳ではないんだよ。今回のアルバムのサウンドは、ストーリーとキャラクターが展開するアーク(ストーリーライン)に左右されているんだ。
つまり、彼らのストーリーは歌詞と同様に音楽でも語られている訳だよ。歌詞のコンセプトはよりダーク、もしくはよりエモーショナルなテーマへと向かっているね。だから自然と音楽もそういったムードを形作ったのさ。

Q4: Jim also told us “Bloom” wasn’t concept album. But “In Contact” is consisted in four separate chapters and it’s an album full of deeply personal stories. Could you tell us about the meaning behind the title “In Contact”, and themes of album?

【JIM】: The album’s name came about when we were trying to sum up the interconnecting themes that appeared in each story – the artists in each chapter are tangentially connected by the theme of “reach”. They’re all reaching for something in their lives, be it sobriety, or family, or improving their lives and the lives of others.
What they don’t know, is that in the world these characters exist in, every piece of art created by human beings is an attempt to recall a dream we all shared. Something we’ve all forgotten, and artists unknowingly seem to have themes from this dream on the tip of their tongues and articulate it through their inspiration and art. So we realised that all of these artists are not just connected to each other, but to all people, and especially to this shared dream. They are all in contact with one another, despite their differences, and despite being far removed from each other both geographically and in terms of time. So the title is very much tied into the story!

Q4: 前作 “Bloom” のインタビューであなたは、アルバムはコンセプト作品ではないと語っていましたが、今回は仰るように、4章から成る深くパーソナルなストーリーが存在していますね?

【JIM】: アルバムのタイトルは、4つの各ストーリーに登場する相互に関連するテーマをまとめようとしたときに思いついたんだ。各章の主人公であるアーティストたちは、”リーチ” というテーマで接線的に結びついているんだよ。つまり、彼らは全て人生で何かにたどり着こうとしている訳なんだ。それは、真面目に生きることかも知れないし、家族のため、他人のため、もしくは人生をより良くすることかも知れないね。
アーティスト達が気づいていないのは、彼らが存在する世界において、人間によって創造されたすべての芸術作品は僕たち一人一人が共有していた夢を思い出す試みだということなんだ。それは僕たちがすっかり忘れてしまったものなんだけど、でもアーティスト達は無意識のうちにこの夢のテーマが喉から出かかっていて、インスピレーションと芸術を通してそれを明確に表現しているんだよ。
だから、僕たちは、アーティストのすべてがただお互いにつながっているのではなく、すべての人と、特にこの共通の夢でつながっていることに気付いたんだ。
彼らは、その違いにもかかわらず、それに地理的にも時間的にも離れているにもかかわらず、お互いに “In Contact” 接触しているんだよ。だからタイトルは非常にストーリーに結びついているんだ!

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Q5: Regarding story telling, the album includes three minutes spoken words, “Inertia and the Weapon of the Wall”. Off course, Spoken words is not special expression for prog band, but three minutes seem to be very long. When does “In Contact” compared with “Shakespearean metal”, what’s your perspective about that?

【JIM】: Haha, I don’t agree with that at all. The spoken word piece is very much just lyrical storytelling, and is best described as a piece of modern spoken word poetry. The piece nestles into the story quite nicely, as it occurs during “Ink”, the third chapter, which is centred around a poet. So it seemed appropriate to do so, as strange as it may be.

Q5: ストーリーと言えば、アルバムには3分間のスポークンワードも収録されていますね。勿論、プログワールドにおいてスポークンワードは特に珍しい表現方法ではありませんが、それでも3分間は大胆なアプローチです。
今回、芸術家にフォーカスしたこともあり、”シェイクスピアのメタル” と例えられることに関してはどう思いますか?

【JIM】: はは(笑)それについては全く同意できないね。このスポークンワードは実に単なる叙情的なストーリーテリングであり、モダンな詩として表現されているんだよ。
このパートは、詩人を中心として語られる第3章 “インク” において、物語の中にぴったりと収められている訳さ。だから確かに変わっているかも知れないけど、そうするのが適切だと思ったんだ。

Q6: This is your first release with newcomers Adrian Goleby and Josh Griffin, who replace Zac Greensill and Geoff Irish. I feel “In Contact” is the most “Guitar Shredding” record in your works. Does it relate to this Line-up change?

【JIM】: It relates more to the story content, and to the experiences we were having in life around the time of writing and recording the album. Our goal is to reflect ourselves in our music to the best of our ability so a lot of who we are at a certain time ends up on the album. In terms of the change in sound, the addition of Josh Griffin to the lineup has opened up a whole new world in terms of writing, since he’s such a reliable drummer and a consummate musician. The two new guys have fit in to the group perfectly.

Q6: “In Contact” は、新メンバー Adrian Goleby, Josh Griffin が加入して初のアルバムとなりました。よりギターシュレッドが前面に押し出された作品だと感じたのですが、それはラインナップの変更と関係していますか?

【JIM】: その部分も実はストーリーに拠る部分が大きいんだ。それに、アルバムのライティング、レコーディング期間に僕たちが生活の中で経験したことにもね。
僕たちのゴールは、僕たちの能力を全て引き出して、自分たち自身を音楽の中に反映することなんだ。だからその時々の僕たちの姿がアルバムには詰め込まれているんだよ。
サウンドの変化について言えば、Josh Griffin がラインナップに加わったことは、ライティングに関してまさに新世界への扉を開いたね。と言うのも、彼は実に信頼の置ける完成されたミュージシャンだからね。新しい2人のメンバーは完璧にバンドへとフィットしているよ。

Q7: I think “In Contact” is one of the year’s best prog record. It’s so eclectic, diverse impressive, sometimes heavy, sometimes pop, sometimes modern and sometimes retro. 16 minutes epic, “Graves” seems to be symbol of the record. Also, Jørgen Munkeby of Shining featured in the song. Caligula’s Horse and Munkeby have some common points, right?

【JIM】: Thanks! I’m glad you think so. Yeah, we toured Europe with Jørgen and the guys in Shining back on the Bloom tour in 2015. He’s a great dude and an incredible artist, it was a real treat to have him appear on Graves. We’re particularly proud of that track!

Q7: 16分のエピック “Graves” はまさに多様で印象的なこの作品の象徴です。Jørgen Munkeby のサックスがフィーチャーされていますが、彼とバンドとは共通する部分が多そうですね?

【JIM】: ありがとう!君がそう感じてくれて嬉しいよ。そうだね、僕たちと Jørgen、そして彼のバンド SHINING は、2015年に “Bloom” のツアーで共にヨーロッパを廻ったんだ。
彼は素晴らしい人物で、驚異的なアーティストだよ。彼を “Graves” にフィーチャー出来て本当に嬉しかったよ。僕たちは特にこの楽曲を誇りに思っているんだ!

Q8: Forrester Savell, Sam, and Jens Bogen seem to be perfect sound production team. How was the experience working with them?

【JIM】: Don’t forget Caleb James! Caleb mixed “The Hands are the Hardest” (which may be one of my personal favourites from the album). The guys were really great, very responsive to our artistic brief in terms of the direction we wanted the album to go mix-wise. In terms of their skills, I think the quality of the album’s production speaks for itself!

Q8: Forrester Savell, Sam, そして Jens Bogen のサウンドプロダクションも完璧にハマりましたね?

【JIM】: Caleb James を忘れないで欲しいね! 彼は “The Hands are the Hardest” のミキシングを担当したんだ。この楽曲は個人的なフェイバリットの一つかも知れないね。
とにかくサウンドチームは本当に素晴らしかったよ。僕たちのアーティスティックな信条にとても敏感だったね。
方向性に関して言えば、僕たちはアルバムをよりミックスされたものにしたかったんだ。そして彼らのスキルに関しては、アルバムのプロダクションが全てを語っていると思うよ!

JIM’S RECENT FIVE FAVORITE ALBUMS 

TORI AMOS “NATIVE INVADER”

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LOGIC “EVERYBODY”

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LEPROUS “MALINA”

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SLEEPMAKESWAVES “MADE OF BREATH ONLY”

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VOYAGER “GHOST MILE”

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MESSAGE FOR JAPAN

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We can’t wait to visit! It’s our hope that we can make it to Japan as soon as we can. After all, your country is an amazing supporter of alternative music, and we’re not too far away from one another. Sending our love and thanks for listening!

日本を訪れるのが待ち切れないね!とにかく出来るだけ早く日本に行きたいと望んでいるんだ。
間違いなく、君たちの国はオルタナティブな音楽の素晴らしいサポーターだし、オーストラリアと日本はお互いそう遠くない距離にあるからね。愛をこめて。僕たちの音楽を聴いてくれてありがとう!

JIM GREY

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【BELL WITCH : MIRROR REAPER】2017 X’MAS SPECIALL !!


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DYLAN DESMOND OF BELL WITCH !!

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Seattle Based Doom-duo, Bell Witch Takes You Poetic And Philosophical Deathly Journey With Timless Masterpiece “Mirror Reaper” !!

DISC REVIEW “MIRROR REAPER”

シアトルに居を置くベース/ドラムスのドゥームデュオ BELL WITCH が、1曲83分の暗重なる叙事詩 “Mirror Reaper” をリリースしました!!生と死を投影する難解なるあわせ鏡は、昨年逝去した前ドラマー Adrien Guerra へ捧げるトリビュートとしてその崇高なるメランコリー、哀しみの影を増しています。
紫煙のヘヴィートリオ SLEEP が1曲が一時間にも及ぶスロウでアトモスフェリックな反芻の集合体 “Dopesmoker” をリリースして以来、ドゥーム/スラッジ/ドローンのフィールドはメタルの実験性を最も反映する先端世界の一つとして、創造性のリミットを解除し、定石を覆しながらその歩みを続けて来ていました。
勿論、JESU や BORIS のエピカルな長編も、ジャンルの音楽性とは対極に位置する瑞々しくも天真爛漫なムードを追い風に創造された濃厚なサウンドスケープであったに違いありませんね。それでも、BELL WITCH の新たなチャレンジ、1曲83分の野心は想像を遥かに超えるサプライズでした。
“Mirror Reaper” を形作る要素自体は、前作から大きく変化を遂げてはいません。確かにヘヴィーなレコードですが、ランニングタイムの大半はラウドでもブルータルでもなく非常にオープンでスペーシー。ベース、ドラムス、ボーカルにハモンドB3が生み出すその空間に巣食うは巨大な絶望、悲哀と、全てを掻き集めても片手で掬い取れるほど希少なる希望。
しかし Dylan が 「誰にでも簡単に作れるようなレコードにする必要は全くないと決めたんだよ。楽曲を別々に分けてしまうと、説得力が失われる気がしたんだ。」 と語るように、48分の “As Above” と35分の “So Below” が自然と連続して織り成す構成の進化、常識の破壊は、より妥協のない緻密なコンポジション、Adrian の死に手向けるメランコリックな花束と共に、生と死の安直でステレオタイプな二分法へ疑問を投げかけ、”死のメディテーション” を指標しているのです。
アルバムは、アトモスフィアの波に溺れる6弦ベースの幽玄な調べで幕を開けます。実際、「Michael Hedges のギタープレイは実に参考になったね。」 と語るバンドのマスターマインド Dylan Desmond のベース捌きは驚異的で卓越しています。
左手のみならず、右手を強い感情と共にフレットへと叩きつけ、時に滑らし、時に揺らして生み出すトーンは唯一無二。
ギタリストの不在を感じさせない、むしろそれを不必要と思わせる、独特のウォームでメロディックなマルチディメンショナルサウンドは、新たなベースヒーローの誕生を強くアピールし、同時に崇高な意思と純潔なるムードをアルバムにもたらしていますね。
加えて、地を這うグロウルとミスティックな詠唱のコントラスト、SIGUR ROS を想起させるファルセットのハーモニー、ハモンドオルガンのオーガニックなサステイン、Jesse のセットから流れ出すシンバルの漣。アルバムは、瞑想の荒野、空虚な嵐、美麗なる責め苦を経て、いつしか全てが緩やかな生命と音の大河に注がれドゥームの奇跡、反復の魔術を完璧に創出します。そして挿入される亡き Adrian のボーカルは、”生と死の間に存在する共通要素” “ゴースト” を信じるバンド独特の素晴らしきトリビュートなのでしょう。
NEUROSIS, SWANS などと共闘を続ける鬼才 Billy Anderson のインプットにも触れない訳にはいきませんね。Billy ほど暗闇と混沌、そして壮大なサウンドを巧みに精製するプロデューサーは決して多くはないでしょう。そしてこの作品ほど、型破りで威厳を湛えたアンタッチャブルなメタルレコードも実際ほとんど存在しないはずです。
時間、場所、もしかしたら自分自身さえも忘れてただ広大な闇の迷宮で彷徨うだけの地獄、もしくは天国。コマーシャルと最も遠い場所にあるアートのエリジウム。
そして、詩的で哲学的な “死の旅路” は、作品で最も哀しく最も愛すべきポートレート、バンドのコラボレーター Erik Moggridge の消え入るような歌唱で幕を閉じるのです。
今回弊誌では、Dylan Desmond にインタビューを行うことが出来ました。海外メタル誌では軒並みベストの上位に撰されている傑作。そして弊誌にとっては、最もクリスマスらしい作品です。どうぞ!!

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BELL WITCH “MIRROR REAPER” : 10/10

INTERVIEW WITH DYLAN DESMOND

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Q1: This is the first interview with you. First of all, could you tell us about yourself? What kind of music were you listening to, when you were growing up?

【DYLAN】: Thank you for the interview! I own a bar/music venue in Seattle Washington and play in a few bands. One is Bell Witch, the other is a death metal band, and one other is a goth/experimental band. I grew up in a very small town in the middle of the US. My father was a professional musician, and we listened to a lot of rock and roll, country, and R&B when I was young. There was an older kid that lived nearby who would sometimes watch over me when my parents were away at work. He introduced me to bands like The Scorpions, Judas Priest, Megadeth, and Slayer when I was very young.

Q1: 本誌初登場です!まずはあなたの音楽的なバックグラウンドについて話していただけますか?

【DYLAN】: インタビューをありがとう!僕はワシントン州のシアトルにライブバーを持っていて、そこでいくつかのバンドでプレイしているんだ。その内の一つが BELL WITCH なのさ。他にはデスメタルバンドや実験的なゴシックバンドもやっているよ。
僕はアメリカ中部のとても小さな街で育ったんだ。父はプロのミュージシャンで、僕が子供の頃はロックやカントリー、R&B なんかを一緒に良く聴いていたね。
両親が仕事で家を離れる時は、近所に住んでいた年上の子供が時々面倒を見てくれていたんだ。そして彼が僕に、SCORPIONS, JUDAS PRIEST, MEGADETH, SLAYER なんかを教えてくれたのさ。本当に幼い頃の話だね。

Q2: So, Dylan, your six-strings bass sound and playing is very unique. I can’t believe Bell Witch is consisted by only two musicians, and there is no guitar. So, What inspired you to start playing bass guitar? Who was your bass hero at that time?

【DYLAN】: My father always told me that if I wanted to join bands, I should play either the bass or the drums, as those were the two positions bands always needed. I chose the bass. I learned about a guitarist named Michael Hedges who used both of his hands to play the guitar. He sounded like three people at once. Sometimes the style of music he played wasn’t my favorite, but his talent and skill are unmatched.

Q2: それにしても、あなたの6弦ベースプレイとサウンドは実にユニークですね。BELL WITCH の音楽がギターレスだとはとても信じられませんでした。あなたのベーステクニックはどのように形作られたのでしょう?

【DYLAN】: 父はいつも僕に、もしバンドに入りたいなら、ベースかドラムをプレイするべきだと言っていたんだ。なぜなら、その二つはバンドにいつも必要とされているポジションだからってね。僕はそれでベースを選んだんだ。
Michael Hedges のギタープレイは実に参考になったね。彼は両手タッピングを自在に使いこなすんだ。まるで3人が一度にプレイしているように聴こえるんだよ。
彼がプレイしていた音楽自体は僕の好みではない時もあるんだけど、その才能とスキルは本当に比類がないよ。

Q3: But lot’s of metal band has guitar player, and there are few metal bands consisted by only two instruments, bass and drums (Off course, sometimes organ is used though). What made you choose that kind of “Duo” style?

【DYLAN】: Bell Witch started when our different band’s guitarist moved out of town. That left just the drummer and I. A local promoter asked us to play a show she was setting up. We declined, because we had no guitarist. She said “just play without a guitarist!.” I think we both enjoyed the challenge, so we worked together some songs I had been working on for a death/doom project. Those turned into our first two songs called “I Wait” and “Rows (of endless waves).” We were happy with the results, so we kept moving forward with the arrangement.

Q3: では、多くのメタルバンドがギターを擁するのに対して、BELL WITCH がベース/ドラムスのデュオに拘っているのはなぜでしょう?

【DYLAN】: そもそも BELL WITCH は、前身バンドのギタリストが引越した時に始まったんだ。それで残されたのが僕とドラマーだった訳だよ。
ちょうどプロモーターが、彼女が主催するショウに出演しないか聞いて来てね。最初は断ったんだ。ギタリストがいないからってね。だけど彼女は、「じゃあギタリスト抜きでプレイすればいいだけじゃない!」 って。
結果として、僕たち2人はそのチャレンジを楽しんだんだ。だから、そのまま僕がデス/ドゥームプロジェクト用に書いていた何曲かを一緒にやってみたんだよ。そしてそのマテリアルが、バンドの最初の2曲、“I Wait”, “Rows (of endless waves)” になったんだ。僕たちはその結果に満足し、続けることを決めたんだ。

Q4: Let’s talk about your newest release “Mirror Reaper”. You suggested “The title ‘Mirror Reaper’ is indicative of the Hermetic axiom ‘As Above, So Below,’ written with two sides to form one whole.”. Bell Witch has always focused on “Life/Death” matter. In the theme, what did you emphasized particularly this time?

【DYLAN】: This record was intended to explore the identical elements between life and death. The “mirror reaper” is intended to be a living reflection of death to show that they are, in a perspective, two parts of one whole.

Q4: では最新作 “Mirror Reaper” について話しましょう。BELL WITCH は常に生と死にフォーカスしてきましたね。今回特に強調したテーマを教えていただけますか?

【DYLAN】: このレコードは、生と死の間に存在する同一の要素を探究することを意図しているんだ。”Mirror Reaper” とは、死を反映して生きることを意味しているのさ。
つまりその二つは表裏一体なんだよ。そしてそういった観点から、二つのパートを一つにしてリリースしたんだ。

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Q5: Surprisingly, “Mirror Reaper” has only one song, and it’s 83 minutes long. It seems unprecedented challenge in the metal history. Definitely, it’s ambitious approach for the scene. What made you create such a long epic?

【DYLAN】: Our original idea was the write two movements with 7 sub movements. As the song began to come together, it became clear to us that it was best handled as one arrangement as opposed to smaller sections. Personally, I appreciate music that challenges me when I listen to it. I want something that is difficult. I would say the same of Jesse. We decided that there was nothing about this record that needed to be made easy for anyone.It was difficult for us, and to present it differently would be taking away it’s potency.

Q5: その二つのパートを一つにする試みは、1曲83分のモンスターを生み出しました。実に野心的なアプローチですね?

【DYLAN】: もともとのアイデアは、七つのサブパートから成る二つの楽章を書く予定だったんだ。ただ楽曲が纏まってくると、小さなセクションに分割せず、一つの楽曲としてアレンジするべきだと分かって来たんだよ。
個人的に僕は、聴くことが一つのチャレンジであるような音楽に感謝するね。結局、難解なものを欲しているんだろうね。そして Jesse もきっと同じことを言うだろうな。僕たちは、誰にでも簡単に作れるようなレコードにする必要は全くないと決めたんだよ。
確かに大変だったけど、楽曲を別々に分けてしまうと、説得力が失われる気がしたんだよ。

Q6: Anyway, we lost founding Bell Witch drummer and vocalist Adrian Guerra in May 2016. It seemed to be during the writing process of “Mirror Reaper”. How did his passing change the record?

【DYLAN】: Jesse Shreibman and I had finished composing roughly 1/2 of the record at the time of Adrian’s death. When he died, the writing process slowed down very much. Adrian was my best friend for many years, but we had been fighting and disagreeing with each other. Likewise, Jesse and Adrian were also great friends. Jesse and I both needed time to process what had happened after his death. When a few months had passed, we returned to the writing process with a new determination to finish the record. I believe we both wanted to make it extra special for both Adrian and ourselves.

Q6: BELL WITCH は昨年、創立メンバーでドラム/ボーカルの Adrian Guerra を亡くしました。おそらく、”Mirror Reaper” のライティングプロセスの最中でしたよね?

【DYLAN】: Adrian が亡くなった時、僕と Jesse Shreibman は大まかにレコードの作曲を半分ほど終わらせていたんだ。彼の死によって、ライティングプロセスはとても停滞してしまったね。
Adrian は何年間も僕の親友だったんだけど、お互いに意見を違えて喧嘩をしてしまっていたんだ。同様に、新メンバーの Jesse と Adrian も仲の良い友達だったんだ。だから、Jesse と僕は彼の死の後、気持ちを整理する時間が必要だったのさ。
何ヶ月か経って、僕たちはレコードを完成させるため、新たな決意と共にライティングプロセスへ戻ったね。僕は二人共、Adrian と僕たち自身にとってこのレコードを本当に特別なものにしたいと思っていたと信じているよ。

Q7: “Mirror Reaper” was engineered and mixed by veteran producer Billy Anderson. Off course, he was involved in Swans, Sleep, Neurosis’s masterpieces. What did he bring to your masterpiece?

【DYLAN】: Billy Anderson is a genius. He has such unique vision and so many ideas about how to manipulate sounds. When I hear a record he’s been working on I can always hear what he did because it’s so unique to him. Billy contributed countless things to this record. One, he found and edited Adrian’s vocals that are used in the middle of the song. Two, he helped me manipulate and piece together a noise track that was played to the length of the album. With it, he took pieces and made preliminary placement in the section we reserved for it. He did a magnificent job. Third, he spent a lot of time editing things with us to try out a million ideas. He is very patient. I could go on forever to explain all the brilliance of Billy Anderson.

Q7: SWANS, SLEEP, NEUROSIS などを手がけてきたベテランプロデューサー Billy Anderson がアルバムのプロダクションを受け持ちました。彼がこの傑作に持ち込んだものは決して少なくないですよね?

【DYLAN】: Billy Anderson は天才だよ。サウンドを操作するための、とてもユニークなヴィジョンと沢山のアイデアを持っているんだ。
彼が手がけてきたレコードを聴けば、僕はいつも彼のサウンドを感じ取ることが出来るんだ。実にユニークだからね。
Billy はこのレコードにも数え切れないほどの貢献を残してくれたね。第一に、彼が発見し、編集してくれたアルバム中盤の Adrian のボーカル。
第二に、彼は僕がアルバムの長さに合わせて演奏したノイズトラックを操作し、一緒に纏めるのを助けてくれたね。それに際して、彼は各ピースを取り出し、適切なセクションに適切な配置をしてくれたんだ。素晴らしい仕事だったな。
第三に、彼は百万のアイデアを試すために、多くの時間を私たちと共に過ごし編集を受け持ってくれたね。彼はとても我慢強くもあるんだ。とにかく僕は、Billy Anderson の素晴らしさなら、永遠に説明することが出来るよ。

Q8: From artwork, music to concept, “Mirror Reaper” is perfect art for me. But maybe, this 83 minutes epic is not “Commercial”. Why are you keep staying in this dark, slow, and heavy “Doom World”?

【DYLAN】: The band started in this world and it will always stay in it. We chose this style because we wanted to work within it. While I think our musical style will expand and let in new room for more things complimentary to it, those things will always reside in a very uncommercial fashion.

Q8: 最後に、アートワーク、コンセプト、そして音楽。”Mirror Reaper” は完璧なアートですが、決して “コマーシャル” とは言えません。それでもこのダークでスロウ、ヘヴィーな “ドゥームワールド” に留まる理由は何ですか?

【DYLAN】: バンドがまさにその世界から始まったからだよ。そして、そこに留まり続けるのさ。僕たちがこのスタイルを選んだのは、そこが気に入ってその世界で作品を作りたかったからなんだよ。
同時に僕たちの音楽スタイルは拡大し続け、賞賛と共に新たな要素を取り入れる柔軟さを身につけていると思うんだ。確かに僕たちの音楽性はコマーシャルとは程遠いけどね。

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FIVE ALBUMS THAT CHANGED DYLAN’S LIFE

WORSHIP “DOOOM”

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TOWNES VAN ZANDT “OUR MOTHER THE MOUNTAIN”

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MOURNFUL CONGREGATION “THE MONAD OF CREATION”

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CORRUPTED “EL MUNDO FRIO”

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BOLT THROWER “… FOR VICTORY”

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MESSAGE FOR JAPAN

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We’re hoping to come there sooner than later! We’re very big fans of many Japanese bands and can’t wait to finally come visit!

いつか日本へ行きたいと思っているよ!僕たちは多くの日本のバンドの大ファンだし、待ちきれないね!

DYLAN DESMOND

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【WOBBLER : FROM SILENCE TO SOMEWHERE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH LARS FREDRIK FRØISILIE OF WOBBLER !!

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Norwegian Progressive Master, Wobbler Gives You An Ear Candy Of Classic Prog Vintage Sounds, And Challenging Spirits With Masterpiece “From Silence To Somewhere” !!

DISC REVIEW “FROM SILENCE TO SOMEWHERE”

70年代初頭のプログレッシブワールドを現代に再構築する、ノルウェーのレトロマイスター WOBBLER が素晴らしき追憶のメモリーレーン “From Silence to Somewhere” をリリースしました!!プログレッシブの新聖域から創生する全4曲47分、あの時代の天真爛漫な空気を再現した濃密なエピックは、改めてクリエイティブの意味を伝えます。
90年代後半から活動を続けるプログクインテット WOBBLER は、前作 “Rites at Dawn” で本格化を果たしたと言えるでしょう。新たに加わったボーカル/ギター Andreas Wettergreen Strømman Prestmo が醸し出す Jon Anderson にも似た多幸感は、より緻密で繊細なコンポジション、瑞々しい北欧シンフォニックの息吹、飛躍的にグレードアップしたプロダクションとも相俟って、バンドを一躍シーンのトップコンテンダーへと位置づけることになりました。
インタビューにもあるように、オリジナルメンバーでリードギタリスト Morten Andreas Eriksen の脱退、そして期限、制約を設けないコンポジションにより、6年という長い月日を経てリリースされた最新作 “From Silence to Somewhere” はそして実際、タイムレスなプログロック史に残る傑作に仕上がったのです。
ファンタジーとインテリジェンスの魅力的な交差点は、21分の劇的なタイトルトラックで幕を開けます。メタモルフォシスやアルケミー。バンドが以前から追求する超自然のテーマは、彼らの奥深きヴィンテージサウンドへとより深く融合し、同時にダークでミステリアスな翳りは光と影のコントラストを際立たせる結果となりました。
タイムチェンジを孕んだ愛しくも耳馴染みの良い6拍子のイントロは、いつしか YES の崇高へとシフトし、カンタベリーの精神、イタリアンプログのシンフォニーや多様性をも携えながら激しさを増していきます。
ルネサンスの優美でクラシカルな響きは狂熱のトリガー。パーカッシブな宴の合図を皮切りに、フルートが狂い咲く淫美でエスニックなダンスは遂にその幕を開けます。ANGLAGARD や ANEKDOTEN のダークなインテンスと JETHRO TULL のフォルクローレが同居するエキサイティングなプログレッシブ舞踏会は、新鋭の気概とクリエイティビティの確かな証。そしてたどり着く大円団、KING CRIMSON と YES が鬩ぎ合い迎えるフィナーレはまさに圧巻の一言。
実際、このプログロックの完璧なるジグソーパズルは、カラフルなムーグとハモンド、オーガニックなギターリック、リッケンバッカーの骨太なベースライン、ダイナミズム溢れるドラムスといったヴィンテージのピースを集約し、メロトロンの温かな額縁でつつみこむように構成されているのです。
故に、”Tarkus” と “Sound Chaser”, “Heart of the Sunrise” の暗重でエニグマティックなダークキメラ “Fermented Hours” でさえ、全くオマージュのイメージ、メタリックな領域へは近づかず、WOBBLER の卓越した個性として昇華しているのですから、バンドのコンポジションが如何に精巧で時間をかけた美しきタペストリーであるか伝わるはずです。
アルバムは、ハープシコードが牽引する幻想的な狐火 “Foxlight” で幕を閉じます。幽玄なイントロダクションと相反するエッジーなメインパートは、ハープシコードをリード楽器に据えたダイナミックなロックファンタジー。事実、ヴィンテージキーボードのコレクターでもある鍵聖 Lars Fredrik Frøislie ほどヘヴィーにハープシコードを操るプレイヤーは、ルネサンスの時代から数えても存在しないに違いありません。
天賦の才能は悪魔の楽器を伴って、自らの最高到達点を軽々とと突破して見せたのです。同時にバンドは、この楽曲、そしてレコードでプログレッシブロックに灯る可能性の炎を高々と掲げて見せました。
“Prog is not Dead” と世界に宣言するマスターピース。今回弊誌では、Lars Fredrik Frøislie にインタビューを行うことが出来ました。In Lingua Mortua, Tusmørke, White Willow でも活躍するスペシャリスト。「LEPROUS のボーカル/キーボード Einar は、僕たちが Andreas を得る前にボーカルのオーディションを受けに来たんだ。LEPROUS のみんなは長年僕たちのファンだそうだね。」 どうぞ!!

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WOBBLER “FROM SILENCE TO SOMEWHERE” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【AKERCOCKE : RENAISSANCE IN EXTREMIS】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DAVID GRAY OF AKERCOCKE !!

Photo by Tina Korhonen © 2017, all rights reserved.
Photo by Tina Korhonen © 2017.

UK Extreme Legend, Akercocke Returns For The First Time In A Decade! “Renaissance In Extremis” Delivers Euphoric Force And Mind-boggling Weirdness !!

DISC REVIEW “RENAISSANCE IN EXTREMIS”

90年代後半から漆黒の創造性でシーンを牽引する英国のアーティスティックなノイズメイカー AKERCOCKE が、10年の時を超え完璧なる復活祭 “Renaissance in Extremis” をリリースしました!!背徳には恍惚を、暴虐には知性を、混沌には旋律を、等しく与える “死のルネッサンス” でバンドはその邪悪を崇高の域にまで昇華します。
生々しき衝動のラフダイアモンド、”Rape of the Bastard Nazarene” でエクストリームシーンに登壇した突然変異のモンスター AKERCOCKE。デスメタル、ブラックメタル、プログ、アヴァンギャルドをその身に浴び降誕した凶暴なるカオスは、”Words That Go Unspoken, Deeds That Go Undone” を頂点とするトリロジーで、美麗なる異端の響き、クリーンパートまでをも宿し唯一無二の存在と化しました。
さらに、バンドの第一章を閉幕するシグナルとなったより実験的な2007年の “Antichrist” では、BBC 北アイルランドのディベート番組出演を騒動のピークとする “アンチクライスト” 論争を巻き起こすなど、その存在感もアンダーグラウンドメタルシーンのアイコンとして群を抜いていたのです。
しかし、残念ながらバンドのその際立つ個性も、長い沈黙の中で、まるで月が闇夜に欠けて行くかの如く徐々に忘れられて行きました。「本当は、僕たちは2012年に解散した訳ではないんだ。線香花火のようにフェイドアウトしていったような感じだね。」 と David が語るように、実際のところ、その仄かな月明かりはただ暗闇へと溶け込み潜伏していただけでしたが。
雌伏の時を終え、Jason Mendonça, David Gray, Paul Scanlan というオリジナルメンバーを軸に帰還を果たし、遂にリリースした “Renaissance in Extremis” は紛うことなきフルムーン、エクストリームメタルの新教典。”初めて制作したサタニックではないアルバム” と語る通り、バンド史上最もコントラストが際立ったワイドで濃密なレコードは、再びリスナーの記憶を呼び覚まし、確実にジャンルのランドマークとなるはずです。
DEATH の遺伝子を宿すメカニカルなイントロダクションが印象的な “Disappear” はバンドの帰還を高らかに告げるキラーチューン。フェンリルのようなデスメタルの獰猛さに、ミッドガルドの冬景色、冷徹なるアトモスフィアを抱きしめる諸行無常のオープナーは、トレイルブレイザーとしての威厳、凄みを見せつけるに充分なクオリティーを誇り、リスナーをあの素晴らしきトリロジーの時代へと誘います。
変化の兆し、ルネッサンスの予兆は “Unbound by Sin” で現れます。トレードマークであるサタニックなコンセプトから離れ、改めて内省的な痛みや苦しみに焦点を当てたアルバムは、ボーカリスト Jason Mendonca をより生々しい、絶望と儚さが同居する類希なるストーリーテラーへと仕立てあげました。実際、ガテラルにグロウル、狂気と正気のクリーンに詠唱まで巧みに使い分ける Jason のシアトリカルな歌唱、対比の魔法は “Theatre of Akercocke” のまさに主役です。
特にこの極めてプログレッシブな楽曲で、Jason の変貌を巧みに反映したメジャーキーのヒプノティックなクリーンパートはあまりに創造的でインプレッシブ。”One Chapter Ends For Another to Begin” にも言えますが、例えば ENSLAVED がしばしば生み出す至高の神々しさと同等の強烈なエモーションがここにはあります。
同時に、ギタリストでもある Jason のクラシカルなシュレッドと、復帰を果たしたスケールの魔術師 Paul Scanlan のホールトーンを旗印とした鮮烈のリードプレイ、Neal Peart のフィルインを受け継ぐ David Gray の繊細かつ大胆ななドラミング、勿論ボーカルを含め全てがスケールアップを果たし “足枷” を解かれた音楽の罪人は、よりフックとキャッチー、そしてインテリジェンスを携えてリスナーの五感を刺激するのです。
バンドの新たな容貌、アルバムのハイライトは5曲目に訪れます。「僕が今まで聞いた他の歌手とは違って、感情的な反応を誘発する、魂に響くシルヴィアンのボーカルはあまりに魅力的。」 インタビューで David は敬愛する JAPAN と David Sylvian への愛情を隠そうとはしませんでした。そして、耽美と実験性を纏った究極なる幽玄、”Familiar Ghosts” は確かに JAPAN のスピリットで幕を開けます。
同時に、DEATH のリフワーク、OPETH のデザイン、EMPEROR のアヴァンギャルドを7分の楽曲に無駄なく梱包した極上のエクストリームジグソーパズルは、シンセ、ストリングスを伴って、遂に David の野心を須らく投影した奇跡のアートとして語り継がれるに違いありません。
アルバムは、9月の英国をイメージさせるニヒルな混沌 “A Particularly Cold September” で幕を閉じます。 Paul のサックスを大胆に起用した、深く陰鬱でサイケデリックな9分間は AKERCOCKE の成熟を物語るショーケースとして完璧なアンビエンスを宿すクローサーと言えるでしょう。
一度死の淵に臨んだバンドは、進化という名のルネサンスに臆することはありません。今回弊誌では、バンドの創立メンバーでドラマー David Gray にインタビューを行うことが出来ました。取材は、アルバムのミキシングを担当した伝説的スタジオマスター Neil Kernon の協力の下行われました。当然ながら、彼の素晴らしい仕事にも拍手を。どうぞ!!

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AKERCOCKE “RENAISSANCE IN EXTREMIS” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【VEIL OF MAYA : FALSE IDOL】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MARC OKUBO OF VEIL OF MAYA !!

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Sumerian Giant, Chicago Based Tech-Metal Quartet, Veil Of Maya Opens New Chapter Of Metal With Their Game-Changing New Record “False Idol” !!

DISC REVIEW “FALSE IDOL”

スメリアンの巨人、プログレッシブデスコアの先導者 VEIL OF MAYA が、メタルの領域を拡大しエクレクティックに羽ばたく新作 “False Idol” をリリースしました!!オーガニックかつ複雑な、アートロックやアヴァンギャルドの世界へとより接近した真なるメタルアイドルは、その偉大なる変革を推し進めて行きます。
00年代の中盤から、モダンプログメタル革命の中核に Sumerian Records が存在し続けることは明らかです。BORN OF OSIRIS, ANIMALS AS LEADERS, PERIPHERY, そして VEIL OF MAYA。”スメリアンロースター” は常にシーンの最前線に立ち、多様でコンテンポラリーなメタルの革新を色鮮やかに後押しし続けて来たのです。
中でもこのシカゴのカルテットが2008年に残した “The Common Man’s Collapse” の印象は鮮烈です。重圧のブレイクにビートダウン。デスコアサウンドを要としつつ、変幻自在なテンポと拍子、カオティックなデザインとトリッキーなアイデア全てを共存させて、コンテンポラリーかつ不可思議な独自のプログレッシブワールドでリスナーを魅了したのです。
シュメール帝国の拡大と歩調を合わせるかの如く、アステカの名を冠したバンドはそのサウンドを磨き上げ、ワイドに進化を続けています。グロウルとクリーンを併用する新ボーカル Lukas Magyar が加入し、ポップでキャッチーなイメージを開拓した前作 “Matriarch” は確かに驚きでしたが、決してその大変革は彼らの創造性を損なうものではありませんでした。
Marc が “Survive” と語るように、”Mikasa” という名曲とともに、バンドは自由な翼を手にしたようにも思えます。そしてよりダークでミステリアス、複雑性とダイナミズムを増した “False Idol” はポップとアートの枠を超えダイハードなファンをも唸らせるはずです。
「力に目覚めた男がダークサイドへと落ちていくフィクションなんだ。」 Marc は “False Idol” のテーマについてそう語ります。このアイデアが Lukas のものであることも、バンドの現在の一体感を物語りますが、”False Idol” が大統領ドナルド・トランプを隠喩していることは想像に難くありませんね。そしておそらくは、アルバムを支配する緊張の陰はそこに起因しているのでしょう。
電子の海で揺蕩うコズミックなイントロ “Lull” に導かれ幕を開けるオープナー “Fructure” はバンドのクリエイティブな進化の象徴です。”Unbreakable” を再訪するかのようなクリケットを活かしたマスマティカルでグリッチーなギターリフと、アトモスフェリックなシンセサウンドの奇想天外な融合は、メタルからの Kendrick Lamar や Flying Lotus への回答とも言えるほどに瑞々しく創造的です。
「実際、僕は最近はあまりメタルを聴いていないんだよ。だから君がコンテンポラリーなジャズや、Hip Hop、エレクトロニカなんかの影響を発見して言及してくれたことは嬉しいね。」 Marc はそう語ります。「少なくとも僕は、新たな要素を加えることは、メタルの進化を促す良い方法だと感じているよ。」 とも。
確かにアルバムには、現代的なジャンルのクロスオーバー、音楽のモダニズムを感じる場面が多く存在します。アグレッシブで複雑怪奇な Marc のリフワークと、光のシンセに映えるLukas のソフトでメランコリックなウィスパーは、”Doublespeak”, “Overthrow” と聴き進めるに従って、より絶妙なコントラストとインテンスを描き始めるのです。
そしてアルバムのハイライト、ダイナミズムの洪水は “Whistleblower” で訪れます。近年、Tigran Hamasyan へのリスペクトを公言してはばからない Marc のコンポジションは、遂にデスコアの猛進とジャズの優美な響きを同時に抱き締めました。Lukas の激情とメランコリーを行き来するボーカリゼーションも相俟って、イマジネーションを激しく刺激するアヴァンギャルドな楽曲はメタルの新たな可能性を指し示す期待感に満ち溢れてています。
また、インタビューにもある通り、Marc のゲームミュージックへの傾倒ぶりを見れば、初期の VEIL OF MAYA が究極にメカニカルでチップチューンライクな構成やリフを有していたことにも納得がいきます。つまり “False Idol” はバンドのオーガニックな変化の証。
伸びやかでキャッチーなクリーンボーカルのみで設計したポジティブな “Manichee”、Jacob Collier を思わせるコーラスのタペストリーが印象的な “Citadel”、そしてアルバムを締めくくるアンセミックな “Livestream”。全てはアンビエントなストリングスがバンドのデザイン、エモーションへナチュラルに溶け込んだ新機軸。同時にそれは、すでに “Djentrain” を降りたバンドの新たなる目的地なのかも知れませんね。
今回弊誌では、バンドのマスターマインド Marc Okubo にインタビューを行うことが出来ました。今年の2月には、Realising Media の劇的な招聘で来日公演を成功させています。「いつか Djent が死ぬその時も、きっと僕たちは VEIL OF MAYA らしいサウンドの音楽を作っているだろうね。」 どうぞ!!

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VEIL OF MAYA “FALSE IDOL” : 9.8/10

INTERVIEW WITH MARC OKUBO

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Q1: First of all, how was Japan Tour 2017? The tour was once canceled due to the problem of the promoter, but at the end, it was successful with the help of Realising media and Hayato san, right?

【MARC】: Yes! Hayato san was very good to us and I am very grateful that he took us on our tour. The shows were very fun! I got a little sick towards the end because I am vegetarian and it was very hard to find good food to eat. Next time I will come more prepared.

Q1: まずは今年行われた日本ツアーの感想を聞かせていただけますか?
一度はプロモーターの問題でキャンセルされましたが、Realising Media の今西さんがそこから助け舟を出す形で再度招聘を行い、成功に導きましたね?

【MARC】: まさに!(今西)ハヤトさんは本当に良くしてくれたよ。彼が僕たちのツアーを組んでくれてとても感謝しているんだ。実に楽しいショウだったね!
ただ、終盤になるにつれて、少し体調を崩してしまってね。僕はベジタリアンなんだけど、日本でそういった食事を出す店はなかなかなくてね。次はもっと準備してから行くよ。

Q2: Regarding Japan, you seem to have big love with our country and culture. Your previous album “Matriarch” is typically, Japanese dancer Natumi Suziki was in the artwork, and maybe, ”Aeris” connected “Final Fantasy 7”, “Mikasa” connected “Shingeki No Kyojin”. Also, off course, Marc has Japanese blood. So, could you tell us about your influences from Japanese culture, video game, and animations?

【MARC】: Japanese entertainment has been a huge part of my life. I have a sleeve of tattoos that are all from Japanese video games. One of my earliest musical influences is the Final Fantasy VII soundtrack. I think a lot of my friends were very influenced by it too and you can hear it in a lot of our writing. I am a fan of some anime as well. Not as much as everyone thinks though. My favorite anime/manga at the moment is Berserk.

Q2: 日本と言えば、Final Fantasy を想起させる “エアリス” や “モーグリ”、それに進撃の巨人を思わせる “ミカサ” など、日本のアニメやゲームからの影響を楽曲のタイトルに使用する VEIL OF MAYA にはとても親しみが持てます。

【MARC】: 日本のエンターテインメントは、僕の人生の大きな部分を占めて来たんだよ。僕が両腕に入れて来たタトゥーは、全てが日本のビデオゲームをモチーフとしたものであるくらいだからね。
僕の最も初期の音楽的な影響は、Final Fantasy Ⅶ のサウンドトラックなんだ。僕の友人の多くもあの作品からとても影響を受けているよ。僕たちの楽曲を聴けばその影響が伝わるはずさ。
確かに、日本のアニメにも大好きなものはあるね。だけどアニメに関しては、みんなが思っているほどではないんだ。今、最もハマっているアニメ/マンガはベルセルクだね。

Q3: OK, so, your fantastic new record “False Idol” is just out now! The artwork, a man with octopus is very impressive and strange. Is the man “False Idol”?

【MARC】: Yes I think so. That was the artist’s interpretation of the storyline we presented to him.

Q3: では、最新作 “False Idol” について話しましょう。アートワークには非常に奇妙な “タコ男” のようなものが描かれていますが、彼が “False Idol” (偽物の偶像)なのでしょうか?

【MARC】: うん、そう思うよ。僕たちが渡したストーリーラインを元に、アーティストが解釈して書いたものなんだ。

Q4: So, could you tell us about the concept or lyrical themes of “False Idol”? Is there any Japan based theme this time?

【MARC】: No not this time. The concept of the album was Lukas’ idea and it is fiction about a man coming into power and turning evil. I stayed out of it this time and focused on the music.

Q4: ではそのストーリーラインについて話していただけますか?今回も、日本のゲームやアニメをテーマとした部分はありますか?

【MARC】: いや、今回は日本のアニメやゲームをテーマとした部分はないんだよ。アルバムのコンセプトは Lukas のアイデアで、力に目覚めた男がダークサイドへと落ちていくフィクションなんだ。
僕は今回、そういったコンセプトには関わらないで、ただ音楽にフォーカスしたんだよ。

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Q5: “False Idol” is your second record with Lukas Magyar. His participation expanded the possibilities of clean vocal realm. But did the band choose him because he could sing both growl and clean?

【MARC】: Yes that was a big factor. We had wanted to add singing for awhile and the timing worked out perfectly. For this album, we wrote the music knowing that we would have him singing so we focused on him a bit more than before.

Q5: その Lukas Magyar にとって、”False Idol” はバンド加入後2枚目のアルバムとなります。クリーンボーカルとグロウルを併用する彼の加入はバンドの可能性を広げましたね?

【MARC】: そうだね。彼がクリーンとグロウルを両方こなせることは重要な決め手だったね。しばらくの間、僕たちはクリーンボイスを加えたいと考えていたんだ。だからタイミングは完璧だったよ。
今回のアルバムでは、ライティングプロセスから Lukas が居て、クリーンボーカルを使用出来ると分かって作曲を行えたからね。だから勿論、前作より少し多く彼にフォーカスすることが出来たんじゃないかな。

Q6: Definitely, Lukas’s voice brings pop, commercial elements to the band and this should appeal to more fans. But also, Suicide Silence is typically, some of your core fans may be away from you. What’s your perspective about that?

【MARC】: I think we survived the major transition with Matriarch. This time I feel more people expected us to have singing and it worked out in our favor.

Q6: キャッチーなクリーンボイスを導入することで、より多くのファンにアピールする可能性がある反面、SUICIDE SILENCE は典型的ですが、ダイハードなファンが離れる可能性もありますよね?

【MARC】: “Matriarch” で僕たちはその大変革を生き延びたと思うんだ。
僕は今作で、より多くのリスナーがクリーンボーカルを期待していると感じたし、それは僕たちの好みとも合致して上手く運んでいると思うな。

Q7: “Manichee”, maybe the first VoM’s song that’s 100% singing, is typically, “False Idol” seems to be more diverse, wide variety record than “Matriarch” for me. Actually, when I listen to “False Idol”, I remind some Jazz the New Chapter, rap, electronic music. Do you agree that?

【MARC】: Yes! I like that a lot actually. You can hear my influences through the music. Actually, I don’t listen to very much metal these days so it pleases me that you can hear what I have been listening to. I feel like adding new influences is a good way to help metal grow.

Q7: VEIL OF MAYA の歴史の中で初めて100%クリーンボーカルを使用した “Manichee” は典型的ですが、”False Idol” は本当にエクレクティックなレコードですね!例えば Jazz The New Chapter とか、メインストリームの Hip Hop、エレクトロニカからの影響等も感じましたよ。

【MARC】: まさに!実際、最近は君が挙げたような音楽を本当に良く聴いているんだ。そういった影響は、アルバムの音楽を聴けば伝わると思うな。
正直に言って、僕は最近はあまりメタルを聴いていないんだよ。だから君がその影響を発見して言及してくれたことは嬉しいね。
少なくとも僕は、新たな要素を加えることは、メタルの進化を促す良い方法だと感じているよ。

Q8: I feel djent movement is about to end. Definitely, “The Common Man’s Collapse” is one of the most influential record in that scene, and 2018 will be 10th anniversary of the record. Looking back now, What’s ‘The Common Man’s Collapse” and djent movement to you?

【MARC】: There was no such thing as djent when I wrote that album. People labeled us as “progressive death core” or something like that. People started saying djent when Periphery started putting it on their merch. Now I associate that term with Periphery. I think because we are so close that people group us together but in my opinion both bands sound different. I honestly don’t care to be labeled as djent. When djent dies we will still be making music that sounds like Veil of Maya.

Q8: 来年は、Djent シーンに大きな影響を与えた “The Common Man’s Collapse” の10周年にあたります。最近はメタルをあまり聴いていないと仰いましたが、確かに Djent シーンは終焉へと向かっているように思えます。

【MARC】: そもそも、僕があのアルバムを書いた時に Djent なんてものはなかったんだよ。みんなは僕たちのことを “プログレッシブデスコア” とかそんな感じにジャンル分けしていたね。
世の中が Djent という言葉を使い始めたのは、PERIPHERY が彼らのマーチにそのワードを入れてからだよ。そうして今では僕も関連付けられて、PERIPHERY と共にそのジャンルに入れられている訳さ。おそらくは、僕たちがとても親しかったから、同じグループに入れられたんだろうね。だけど、僕の考えでは二つのバンドのサウンドは異なっているよ。
まあ、正直に言って Djent にジャンル分けされようがされまいが気にしないよ。だっていつか Djent が死ぬその時も、きっと僕たちは VEIL OF MAYA らしいサウンドの音楽を作っているだろうからね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED MARC’S LIFE

YES “CLOSE TO THE EDGE”

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MR. BUNGLE “CALIFORNIA”

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NAS “ILLMATIC”

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THE MAHAVISHUNU ORCHESTRA “THE INNER MOUNTING FLAME”

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VICTOR WOOTEN “A SHOW OF HANDS”

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MESSAGE FOR JAPAN

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CyHra : LETTERS TO MYSELF】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JESPER STRÖMBLAD & EUGE VALOVIRTA FROM CyHra !!

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The Term “Supergroup” Is Definitely Justified Here. CyHra Has Just Released Fantastic Debut-full, Modern Metal Bible “Letters to Myself” !!

DISC REVIEW “LETTERS TO MYSELF”

IN FLAMES の崇高と誉を築いた二人の英傑、Jesper Strömblad と Peter Iwers が再び鼓動を重ね共闘を決意した新バンド CyHra。さらに ex-AMARANTHE の Jake E、ex-SHINING の Euge Valovirta、LUCA TURILLI’S RHAPSODY の Alex Landenburg で集成したバンドは、メンバーの過去と未来を率直に投影した “Letters to Myself” でその鮮烈なる月明かりを世界へと注ぎます。
Jesper と Peter の再結集に、あの慟哭と扇情の “メロデス” サウンドを期待し望むファンも多いでしょう。しかし、グロウルの存在しない CyHra は当然 “メロデス” ではありません。
勿論、時に Jesper のトレードマークである重厚でメロディックなギターハーモニー、トーン、リフワークは “Colony”/”Clayman” さらにはよりコンテンポラリーな傑作 “Come Clarity” の面影を効果的に感じさせますが、バンドの本質は Jake の伸びやかでエモーショナルな歌声を軸としたウルトラメロディックなモダンメタルに在ります。
実際、近年の IN FLAMES、そして AMARANTHE には不可欠な要素であるエレクトロニカをはじめ、ストリングス、ラップ、バラードなど多様な影響を自然に配したカラフルなアルバムは、メロデスの威風にメインストリームの風格すら携えてフレッシュな未来の息吹を湛えているのです。
オープナー、”Karma” からアルバムはエナジーとインテンスに満ちています。激動のエレクトロビートに Jesper と Euge のハーモニーリフが重なるエキサイティングなキックオフは、”Letter to In Flames” と形容可能なほどに扇情的。同時に、Jake E のキャッチーとエモーションの狭間で揺らぐ伸びやかな歌声は、Iwers/Landenburg の生み出すタイトなリズムとも完璧にシンクロし、Jesper の深いカルマさえも抱きしめて、リスナーの心を揺らしバンドの個性を主張します。
「実際、もうその話はしたくないんだ。だって僕が昔のバンドについて語るたびに、その内容は捻じ曲げられて伝えられるんだからね。」 Jesper が抱える IN FLAMES への想いは複雑でしょう。おそらくは、彼の中のジギルとハイドがせめぎ合っている最中なのかも知れません。故に、”Karma” とはまさに Jesper と Peter 2人が過去のバンドに抱えている”業”であり、この素晴らしきモダンメタルチューンは彼らの業を解き放つ勇壮な決意のステートメントであると信じます。
狂おしいまでにメランコリックな Jake の絶唱が胸を抉る “Heartrage”、Jesper お得意のクリーンギターが冴える “Here to Save You” は、共に静と動の見事なコントラストが北欧らしい澄んだ空気、アトモスフィアに映えるバンドの代名詞的な佳曲。実際、LINKIN PARK のスケール感をも想起させる彼らに、多くのメディアが IN FLAMES と AMARANTHE の “Hybrid Theory” と評する事実にも頷けます。
一方で、バンドは想像以上の驚きをもファンへ届けます。フォルクローレとターンテーブルが出会うパワーバラード “Closure”、ゴシックとエレクトロニカが交差する耽美な双極 “Closure”、オーガニックなストリングスとデジタルサウンドが厳かにに融合する静謐の “Inside a Lullaby”、さらには “Dead to Me” で見せるメインストリーム的なラップ。
「僕たちは、”一次元的” なアルバムは作りたくないんだよ。」 そう Euge は語ります。カラフルに彩られた43分のスペクタクルは、多様=モダンなメタルシーンにおいてバンドの豊潤なる可能性を明瞭に指し示しているのです。
「君は僕たちを葬ろうとしたね。だけど僕たちは最後の一日まで立ち続けるよ。」アルバムを締めくくる日本盤ボーナストラック “Forever” で Jake はそう歌い紡ぎます。ビッグバンドから離れたメンバーが大半を占める CyHra。彼らが過去の自分に送る手紙は、間違いなくその前向きな離脱を後押しするエールでしょう。
今回弊誌では、Jesper & Euge のギターチームにインタビューを行うことが出来ました。「僕たちはただ頭に思い浮かんだ楽曲を書いているだけさ。」 どうぞ!!

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CyHra “LETTER TO MYSELF” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DAVE KERZNER : STATIC】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DAVE KERZNER !!

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One Of The Most Creative Artists In The Progressive Rock World Now, Dave Kerzner Becomes A Bridge From Retro to Modern, With His Most Ambitious Work, “Static” !!

DISC REVIEW “STATIC”

レトロとモダン、そして米国と英国の架け橋を演ずる、マイアミのプログレッシブコンダクター Dave Kerzner が濃密なるロックオペラ “Static” をリリースしました!!”アクセシブル” を座右の銘とする天分豊かなコンポーザー/マルチプレイヤーは、現代社会の混沌と真なる幸福の追求をそのキャッチーなサウンドデザインで雄弁に語り尽くします。
近年のプログシーンで、Dave ほど八面六臂な活躍を見せるタレントはいないでしょう。Steven Wilson のマスターピース “Grace For Drowning” にサウンドデザインで貢献し、Steve Hackett の “Genesis Revisited II” にも参加。その GENESIS、Phil Collins の息子 Simon Collins と結成した SOUND OF CONTACT でベストニューカマーを受賞する一方、MOSTLY AUTUMN の才媛 Heather Findlay と結成した MANTRA VEGA でも高い評価を勝ち取ります。
何より、亡き Keith Emerson もゲスト参加した 2014 年のソロデビュー作品 “New World” で提示した壮大なコンセプトと世界観、美麗なメロディーと緻密なデザインは、多くのプログロックファンを魅了したのです。
二年の月日を経て届けられた新作ソロアルバム “Static” も同様に近未来の重厚なコンセプトを内包しています。ただし、”New World” が砂漠化した世界での冒険譚、躍動する物語であったのに対して “Static” はより人間の内面へと深くフォーカスしているのです。
Dave は短絡的かつ享楽的な SNS や TV、ドラッグやアルコールに捌け口を求める現代社会を嘆き、 「最近は誰もが自分が正しいと思う傾向があって、とにかく自分の意見を主張するね。僕たちすべてが偽善者であることも、不快な真実の一つだよ。僕だって時には偽善者だし。それはほとんど不可避なことに思えるよ。」 とその混沌を自らの罪も交えて語ります。しかし同時に、その事実を認識し、日常生活のバランスを考慮することから幸福の価値を変えていこうとも提案しているのです。
妖しくも印象的なプレリュードで幕を開けるアルバムは、”Hypocrites” で人間のエゴイスティックな内面を露わにします。オルタナティブなエッジとダークなムードはまさにアルバムの皮肉なコンセプトを体現し、同時に甘美で気怠いメロディーがリスナーをディストピア “遊園地の街” へと誘います。
Dave Gilmour が憑依したかのような Kerzner のボーカルに、幾重にもコーラスをレイヤーする巧みな手法は Alan Parsons にも似て、まるで砂糖のコーティングの如くスイートでスーパーキャッチーな瞬間をもたらしていますね。
Dave のピアニストとしての実力が遺憾無く発揮された “Static”, “Trust” では、彼のソフィスティケートされた作曲術、スキルが自身の理想と呼応し見事に開花しています。あくまでプログロックの枠組みの中で “アクセシブル” 受け入れ易い音楽性や歌詞に拘るコンポーザー Dave Kerzner は同時に、アルバムを映画に見立てて全体のムードにプライオリティーを置くある意味ディレクター的なポジションをも兼ねています。
「実際、より明るく高揚した楽曲を何曲か、ただフィットしないからという理由で外さなければならなかったくらいさ。」 と語る通り、音楽監督が望んでメランコリックな一面を強調した美麗なる調べのバラードは、アルバムを一つのアートと捉えた GENESIS や PINK FLOYD の創造性と Steven Wilson や ANATHEMA のアトモスフィア、そしてコンテンポラリーなメインストリームの魅力を同時に従えシーンの過去と現在の架け橋となっているのです。勿論、チェロを効果的に使用したドリーミーな “Trust” では特に John Lennon へのリスペクトが深い愛情と共に表層化していることも記しておくべきですね。
同様に、BIG BIG TRAIN の Nick D’Virgilio と GENESIS の Steve Hackett がゲスト参加した “Dirty Soap Box” は顕著ですが、アルバムを通してエレクトロニカサウンドやノイズを縦横無尽に張り巡らせ、効果的にディストピアを演出するそのアイデアからも彼の豊かなイマジネーションを感じ取ることが出来るのです。
75分の壮大なるプログレッシブオペラは、17分に及ぶラストエピック “The Carnival of Modern Life” でその幕を閉じます。よりカオティックに “Hypocrites” のテーマへと回帰する実にプログロックらしいこのクローザーを聴けば、メロディー、ハーモニー、オーケストレーション、ダイナミズム、そしてエモーションをどれ一つ欠くことなく細部にまで情熱と知性を注ぐ Dave の類稀なる才能が伝わるはずです。「僕は現実を砂糖でコーティングするような真似はあまりしたくないんだ。」と語る Dave の音楽はどこまでも真摯で正直にその進化を続けていくのです。
今回弊誌では Dave Kerzner にインタビューを行うことが出来ました。様々な音楽プロジェクトを抱えながら、二つの会社で CEO を務める多能な才気。どうぞ!!

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DAVE KERZNER “STATIC” : 9.9/10

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