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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DIMHAV : ONDINE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DIMHAV !!

“As for direct inspiration on this album (Ondine), or thinking about those records, those were probably not directly on our mind. However, when it comes to writing concept albums we hold especially Symphony X’s “V” album and Angra’s “Temple Of Shadows” in very high regard!”

DISC REVIEW “ONDINE”

「このアルバム “Ondine” の制作において、SYMPHONY Xの “V” と ANGRA の “Temple Of Shadows” は、直接的なインスピレーション源として意識していたわけではなくてね。だけど、コンセプト・アルバムを作る上で、SYMPHONY Xの “V” と ANGRA の “Temple Of Shadows” は特に高く評価しているんだ。どちらのアルバムも独自のストーリーを語っているけど、音楽の邪魔になるような、あまりにも露骨な、あるいは “ありきたりな” 表現は一切ない。素晴らしい楽曲が収録されていて、全体的に非常にインスピレーションに満ち溢れているよね」
プログ・メタルの金字塔が DREAM THEATER の “Images and Words” だとすれば、”プログ・パワー” の金字塔とは何でしょうか？少なくともその選考に、SYMPHONY X と ANGRA の作品がノミネートされることは確かでしょう。
プログの知性やアートと、パワー・メタルのファンタジーや希望、勇壮な旋律を見事に溶け合わせたプログ・パワーの王者二組。そんな彼らの作品の中でも、オーケストレーションと壮大なコンセプトを組み合わせた作品は、まさにこのジャンルの殻を破る記念碑的作品となりました。SYMPHONY X でいえば、”V” や “Odyssey”。ANGRA でいえば、”Holy Land” や “Temple of Shadows”。そのナラティブなストーリーを重厚かつ濃密なオーケストレーションで彩る彼らのやり方は、明らかにエポック・メイキングでした。そして、スウェーデンの Lindroth 兄弟が指向する “プログ・パワー” の理想もまた、その英雄の血を継いでいるのです。
「Jens Johansson、そして彼の演奏スタイルに夢中になった。もちろん Yngwie Malmsteen との共演は聴いていたけど、その後彼のソロ・アルバム（”Fission”, Fjäderlösa Tvåfotingar”、そして JOHANSSON BROTHERS “Sonic Winter” ）がリリースされ、大きな影響を受けたんだ」
美しきオーケストレーションと舞い上がるメロディ、そして知性溢れる複雑な建築。プログ・パワーの黄金比をすべて纏った DIMHAV がさらに一際輝くのは、その技巧の凄まじさでしょう。Staffan Lindroth は心酔する Shawn Lane のように、キーボードとギターを巧みに操る二刀流。Michael Romeo や Kiko Loureiro が憑依したフラッシーなギターソロを聴かせたと思えば、Jens Johansson 直伝の流麗なキーボード・ソロを奏でる。きっと天才とは、彼のような人のことを言うのでしょう。何より、この弦高盤低時代のメタル世界に、鍵盤の音を再び高らかに響かせる…その心意気に私たちは大きな感謝を捧げずにはいられません。
「LOST HORIZON の2枚のアルバムがリリースされた当時、僕たちは二人とも何度も聴き込み、間違いなくインスピレーションを受けていたね。”The Boreal Flame” の曲が完成した時、彼の声がこの音楽にぴったりだと思い、彼に連絡を取ったんだ。Daniel はスウェーデン南部に住んでいるので、ずっとリモートでのコラボレーションだったけど、とてもうまくいっているよ」
このプログ・パワーという芸術 “Ondine” の最後のピースとなったのが、パワー・メタルのレジェンド Daniel Heiman の “声” でした。LOST HORIZON が残した2枚のアルバムで Heiman が刻んだ歌声は、メタル史上最高のボーカル・パフォーマンスのひとつと言えるでしょう。その Heiman の、いやメタル・ファンの夢の続きこそが “Ondine” です。Heiman の圧倒的なハイトーンと驚異的な感情を湛えた中低音が、Lindroth のカタルシス溢れるプログ・パワーと出会う時
、失われた地平の偉業は時を超えます。プログ・パワーの “オデッセイ” は決して潰えることなく、コンセプト・アルバムというアートはこうして受け継がれていくのです。
今回弊誌では、DIMHAV にインタビューを行うことができました。「僕たちの音楽に込められたパワー・メタルの本質は、音楽が持つポジティブな精神、そして音楽が伝えるエネルギーと力強さにある。メタル世界は世界の大きな流れを変えることはできないかもしれないけど、少なくとも終末のサウンドトラックをより良いものにすることはできるだろうね！」 どうぞ！！

DIMHAV “ONDINE” : 10/10

INTERVIEW WITH DIMHAV

Q1: What kind of music did you and your brother grow up listening to?

【STAFFAN】: There is a ten year gap between us, so it differs slightly between the two of us. In my case (Staffan) I started out listening to the mainstream hard rock that was popular when I was a kid, bands like Europe, Bon Jovi etc, but also music that my parents played like The Beatles, Santana and some jazz and classical. When I got more into guitar playing, a few years later, I was heavily into Yngwie Malmsteen and bands like Judas Priest, Testament and heavier music.

【OLLE】: When I (Olle) was merely a youngster Staffan had already plunged deeper into the more progressive metal and jazz-fusion. I was exposed to Dream Theater early on, among various solo guitarists such as Tony MacAlpine and Allan Holdsworth (the latter not so easily digested at that age). Symphony X became a favourite band quickly. As Staffan practiced the Chopin etudes and preludes and our father listened to classical music I explored more of that genre as well, which made me learn to play the piano from the age of 10.

Q1: あなたたち兄弟は、どんな音楽を聴いて育ったんですか？

【STAFFAN】: 僕たち兄弟は10歳違いなので、好みが少し違うんだ。僕は、子供の頃に流行っていた EUROPE や BON JOVI といったメイン・ストリームのハード・ロックを聴いて育ったね。両親がよく聴いていた THE BEATLES や SANTANA、ジャズやクラシックなども聴いていたよ。数年後、ギターを本格的に弾き始めてからは、Yngwie Malmsteen や JUDAS PRIEST, METALLICA といったヘヴィな音楽に夢中になったんだ。

【OLLE】: 僕がまだ幼かった頃、兄は既にプログレッシブ・メタルやジャズ・フュージョンに深く傾倒していたんだ。僕は DREAM THEATER を早くから聴いていたけど、Tony MacAlpine や Allan Holdsworth といった様々なソロ・ギタリストの音楽にも触れていたんだ（後者は当時、あまり理解しやすかったとは言えないけど）。それから、SYMPHONY Xはすぐに僕のお気に入りのバンドになった。あとは、Staffan がショパンのエチュードやプレリュードを練習し、父がクラシック音楽を聴いていたことから、僕もそのジャンルを深く探求するようになり、10歳からピアノを習い始めたんだ。

Q2: Why did you and your brother decide to form a Progressive-Power metal band called Dimhav?

【DIMHAV】: This happened very organically, as we had a range of songs ready that were intended for our previous band, which was put on ice around 2014. We then decided to pursue completing this music ourselves, and this became our first album – The Boreal Flame (2019). The word “Dimhav” translates to “sea of fog” in Swedish, and appeared somewhere along the way. We feel that this word corresponds to our artistic vision very well, as it hints at an unknown world, hidden in the fog, ready to explore.

Q2: あなたたち兄弟が、プログレッシブ・パワーメタルバンド DIMHAV を結成した敬意を教えてください。

【DIMHAV】: それはごく自然な流れだった。以前所属していたバンドのために作った曲がいくつかあったのだけど、そのバンドは2014年頃に活動を休止していたんだ。そこで、自分たちでこれらの曲を完成させることに決め、ファーストアルバム “The Boreal Flame”（2019年）をリリースした。
“Dimhav” とはスウェーデン語で “霧の海” という意味で、いつの間にかバンド名に決まっていたんだよね。霧の中に隠された未知の世界を暗示し、探求する準備ができている、というイメージが、僕たちの音楽的ビジョンに非常にあっていると感じているよ。

Q3: Daniel Heiman of Lost Horizon is truly a legend in this world. How did you meet him? What made you decide to have him as your vocalist?

【DIMHAV】: Yes, Daniel is truly an awesome singer, and we’re very happy to have worked with him for both our albums! We both listened extensively to Lost Horizon when those two records came out, and they have certainly been an inspiration. When the songs for The Boreal Flame were finished, we thought that his voice would fit that music very well, and got in touch with him. Daniel lives further south in Sweden, so this has always been a remote collaboration, which has worked out very well.

Q3: LOST HORIZON の Dan/el Heiman は、この世界ではまさに伝説的な存在です。彼とはどのように出会ったのですか？また、彼をボーカリストに迎えることに決めた理由は何だったんですか？

【DIMHAV】: そうだね、Daniel は本当に素晴らしいシンガーで、彼と僕たちの2枚のアルバムで一緒に仕事ができたことをとても嬉しく思っているよ！
LOST HORIZON の2枚のアルバムがリリースされた当時、僕たちは二人とも何度も聴き込み、間違いなくインスピレーションを受けていたね。”The Boreal Flame” の曲が完成した時、彼の声がこの音楽にぴったりだと思い、彼に連絡を取ったんだ。Daniel はスウェーデン南部に住んでいるので、ずっとリモートでのコラボレーションだったけど、とてもうまくいっているよ 。

Q4: Symphony X’s “The Odyssey” is a landmark album that elevated the prog power genre to art, but “Ondine” is a masterpiece that rivals that album! There were also moments that reminded me of Angra’s “Holy Land.” In fact, were there any moments when you were consciously thinking about those albums while writing the songs or doing the orchestration?

【DIMHAV】: Thank you so much for the kind words! We are sure it is no surprise to you that we have listened a lot to Symphony X over the years, and certainly “The Odyssey” as well. The same goes for Angra, where “Holy Land” was probably the first record we listened to, although we found “Angel’s Cry” early on as well.
As for direct inspiration on this album (Ondine), or thinking about those records, those were probably not directly on our mind. However, when it comes to writing concept albums we hold especially Symphony X’s “V” album and Angra’s “Temple Of Shadows” in very high regard! Both those albums tell their own stories, but not in any overly obvious or “cliche” way that gets in the way of the music. They also have such great songs on them and feel very inspired over all.

Q4: SYMPHONY Xの “The Odyssey” はプログレッシブ・パワーというジャンルを芸術の域にまで高めた金字塔的アルバムですが、”Ondine” もそれに匹敵する傑作ですね！同時に、ANGRA の “Holy Land” を彷彿とさせる瞬間もありました。
実際、曲作りやオーケストレーションの際に、そうしたアルバムを意識することはありましたか？

【DIMHAV】: 温かいお言葉をありがとう！僕らが長年にわたり SYMPHONY Xを聴き続けてきたことは、きっとみんなも驚かないだろうね。もちろん “The Odyssey” も聴き込んでいるよ。ANGRA についても同様で、”Holy Land” はおそらく僕たちが最初に聴いたアルバムのひとつだね。”Angel’s Cry” も早い段階で見つけていたよ。
このアルバム “Ondine” の制作において、SYMPHONY Xの “V” と ANGRA の “Temple Of Shadows” は、直接的なインスピレーション源として意識していたわけではなくてね。だけど、コンセプト・アルバムを作る上で、SYMPHONY Xの “V” と ANGRA の “Temple Of Shadows” は特に高く評価しているんだ。どちらのアルバムも独自のストーリーを語っているけど、音楽の邪魔になるような、あまりにも露骨な、あるいは “ありきたりな” 表現は一切ない。素晴らしい楽曲が収録されていて、全体的に非常にインスピレーションに満ち溢れているよね。

Q5: Daniel Heiman has sung in several bands since leaving Lost Horizon, but honestly, I think this album is his best work yet. His incredible vocal range, from low notes to amazing high notes, is brilliantly utilized! Did you construct the album with those characteristics of his in mind?

【DIMHAV】: That is wonderful to hear! And we of course agree that Daniel does an extraordinary job on this album. The fact that this is our second album, and now wrote the music with his voice in mind, meant that we could tailor the vocal lines more specifically to his voice and range. And as you point out, we did want to include a great deal of variety when it came to the vocals – from low to high and from soft to aggressive.
It is a very fun and challenging part of the process to construct vocal parts that interweave seamlessly with the arrangements, as we also have very “active” instrumental work, but we are really, really happy with the end result!

Q5: Daniel Heiman は LOST HORIZON 脱退後、いくつかのバンドでボーカルを務めてきましたが、正直なところ、このアルバムは彼の最高傑作だと思いますよ。彼の驚異的な声域、低音から素晴らしい高音まで、見事に活かされていますよね！アルバム制作にあたって、彼のそうした特徴を念頭に置いていたのですか？

【DIMHAV】: そう言ってもらえて嬉しいよ！もちろん、Daniel がこのアルバムで素晴らしい仕事をしてくれたことに僕たちも同感だよ。今回が2枚目のアルバムで、彼の声を意識して作曲したことで、ボーカル・ラインを彼の声と声域に合わせてより細かく調整することができたんだよね。君の指摘の通り、ボーカルには低音から高音、ソフトな歌声から力強い歌声まで、幅広いバリエーションを取り入れたかったからね。
アレンジとシームレスに融合するボーカル・パートを構築するのは、非常に楽しくもあり、やりがいのある作業だったよ。というのも、このアルバムはインストゥルメンタルも非常に “アクティブ” なサウンドになっているからね。でも、最終的な仕上がりには本当に満足しているよ！

Q6: Your technique is truly amazing! For example, in “Tides Immemorial,” it’s incredible how you incorporate not only guitar but also full-fledged jazz/fusion keyboards! Unfortunately, there are hardly any metal bands these days with skilled keyboard players, but you’re different! Are both keyboards and guitar important to you?

【STAFFAN】: Thank you! Yes, both keyboards and guitar are very important to me (Staffan). I grew up playing the guitar from an early age (around 9 or so), and this was my main focus throughout the school years. During high school a few things happened that made me shift focus to keyboards: 1) I got really into Jens Johansson and his playing style. I had of course heard him with Yngwie, but then his solo records (Fission, Fjäderlösa Tvåfotingar as well as Johansson Brothers/Sonic Winter) came out. These really had an impact on me. 2) I saw the movie “Shine” and got really into Rachmaninov and classical piano in general. 3) I got heavily into Chick Corea, through Frank Gambale who was and is one of my favourite guitar players. This sparked my interest in jazz and fusion keyboard playing as well. Nowadays I play about equally as much guitar as keyboards, although the focus can shift between each from time to time.
As for keyboards in metal (specifically synth leads) I feel that the key is to find a way of expression which blends with the overall mood and character of the music, and not to go overboard with the sonic character – with frequencies that only bats can hear. Jens Johansson actually had a whole essay about this on his old website, which I guess I took to heart!

Q6: Staffan、あなたのテクニックは本当に素晴らしいですね！例えば、”Tides Immemorial” では、ギターだけでなく本格的なジャズ／フュージョンのキーボードまで取り入れているのが本当に見事です！残念ながら、最近はキーボード奏者の腕の立つメタル・バンドはほとんど見かけませんが、あなたは違いますね！キーボードとギターはどちらもあなたにとって重要なんですね？

【STAFFAN】: ありがとう！そうだね、キーボードとギターはどちらも僕にとって非常に重要なんだ。幼い頃（9歳くらい）からギターを弾き始め、学生時代はずっとギターがメインだった。それから高校時代にいくつかの出来事があり、キーボードに重点を置くようになったんだ。1つ目は、Jens Johansson、そして彼の演奏スタイルに夢中になったこと。もちろん Yngwie Malmsteen との共演は聴いていたけど、その後彼のソロ・アルバム（”Fission”, Fjäderlösa Tvåfotingar”、そして JOHANSSON BROTHERS “Sonic Winter” ）がリリースされ、大きな影響を受けた。
二つ目は映画 “Shine” を観て、ラフマニノフとクラシック・ピアノ全般に深く傾倒したこと。三つ目はFrank Gambale を通して Chick Corea にハマったこと。Gambale は当時も今も僕のお気に入りのギタリストの一人だよ。それがきっかけで、ジャズやフュージョンのキーボード演奏にも興味を持つようになったんだ。現在ではギターとキーボードをほぼ同じくらい演奏しているけど、時折どちらかに集中することもあるね。
メタルにおけるキーボード（特にシンセ・リード）に関しては、音楽全体のムードやキャラクターに溶け込むような表現方法を見つけることが鍵だと感じているよ。コウモリしか聞こえないような周波数帯で音を過剰に強調しすぎないようにすることが大切なんだ。Jens Johansson は、かつて自身のウェブサイトでこのことについて長々とエッセイを書いていて、僕もそれを心に深く刻んだんだと思う！

Q7: Speaking of technique, the music world is now dominated by instant social media, clipped videos, and playlists, and hour-long artistic progressive metal albums are on the verge of extinction. In such a world, why do you continue to pursue this kind of music?

【DIMHAV】: That’s a very true observation of course, and part of the answer is probably that we ourselves are not very present in that kind of social media world – although we very much enjoy interacting with our listeners that way. Also, much of the music that has inspired over the years is rather from the classical world, with composers such as Shostakovich, Debussy, Ravel and Bruckner. This has probably steered us to defining the “arc” of the music as something longer than just one song, where the end result is always the entirety of the album. Another aspect is that we have so far remained fully independent with our music, with no-one pushing us to produce singles or hooks (for better or worse!).

Q7: テクニックといえば、音楽業界は今やインスタントなソーシャルメディア、切り抜き動画、プレイリストに支配され、1時間にも及ぶ芸術的なプログレッシブ・メタル・アルバムは絶滅の危機に瀕しています。
このような世界においても、なぜあなたはプログ・メタルを追求し続けるのですか？

【DIMHAV】: うん、まさに世界はそんな感じだね。それでも。僕らがプログ・メタルを追求する理由の一つは、僕たち自身がそういったソーシャルメディアの世界にあまり積極的に関わっていないからかもしれないね。もちろん、リスナーとの交流は楽しんでいるけどね。
また、長年にわたって僕たちにインスピレーションを与えてきた音楽の多くは、ショスタコーヴィチ、ドビュッシー、ラヴェル、ブルックナーといった作曲家によるクラシック音楽なんだ。こうした背景から、僕たちは音楽の “弧” を単なる一曲ではなく、アルバム全体というより長いものとして捉えるようになったのだろうね。もう一つ重要な点は、これまで音楽活動において完全に独立性を保ち、誰からもシングルやキャッチーな曲を作るようプレッシャーをかけられていないことかな（良くも悪くもだけど！）。

Q8: As we enter the 2020s, the dark clouds of division, oppression, and war are increasingly engulfing the world. In such a world, I think that the fantasy and hope of power metal like yours are needed more than ever. What can power metal do now?

【DIMHAV】: Yes, the times are for sure gloomy and full of uncertainty. We’re very, very glad if we can play a little part in helping anyone suspend that sense of darkness for a while, and hopefully provide an uplifting experience for the listener. The aspects of power metal that exist in our music are very much about the positive spirit of music, and the sense of energy and strength that it can convey. The metal world may not be able to change the course of geopolitics, but at the very least we can improve the soundtrack for Armageddon !

Q8: 2020年代に入り、分断、抑圧、戦争といった暗雲が世界をますます覆い尽くしています。
このような世界において、あなたたちのようなパワー・メタルの持つファンタジーと希望は、これまで以上に必要とされていると感じますよ。パワー・メタルは今、何ができるのでしょうか？

【DIMHAV】: 確かに、今は暗く、不確実性に満ちた時代だよね。もし僕たちが、少しでも人々の心の闇を晴らし、リスナーに希望を与えることができれば、本当に嬉しいんだ。僕たちの音楽に込められたパワー・メタルの本質は、音楽が持つポジティブな精神、そして音楽が伝えるエネルギーと力強さにある。
メタル世界は世界の大きな流れを変えることはできないかもしれないけど、少なくとも終末のサウンドトラックをより良いものにすることはできるだろうね！

FIVE ALBUMS THAT CHANGED DIMHAV’S LIFE!!

Staffan:
1) Yngwie Malmsteen – Odyssey
2) Helloween – Keeper Of The Seven Keys Pt. II
3) Judas Priest – Painkiller
4) Jens Johansson – Fission (with the great Shawn Lane, RIP)
5) Allan Holdsworth – Wardenclyffe Tower

Olle:
6) Dream Theater – Images and Words
7) Symphony X – V
8) Devin Townsend – Ocean Machine
9) Derek Sherinian – Planet X
10) Wintersun – Time I

MESSAGE FOR JAPAN

Yes! We are both big fans of Hayao Miyazaki and all the Studio Ghibli movies. Connected to that, the music of Joe Hisaishi has been a big inspiration as well. In the video game world, all the great From Soft games – Dark Souls, Bloodbourne and Elden Ring have been a recurring pastime for Staffan, although the time for gaming is severely limited at times unfortunately. Although we don’t have a great overview of Japanese music overall, we have certainly listened to bands like Galneryus (who are truly excellent!).
Finally we would like to thank you for the opportunity to tell Japanese metal fans about us, and we hope it has sparked interest in checking out our music! We love the spirit of Japanese culture and way of life, and would love to strengthen our ties to your music scene!

僕たちは二人とも宮崎駿監督とスタジオ・ジブリ作品の大ファンなんだ。それに関連して、久石譲氏の音楽からも大きなインスピレーションを受けているよ。ビデオ・ゲームの世界では、フロム・ソフトの名作 “ダークソウル”, “ブラッドボーン”, “エルデンリング” は、Staffan にとって長年の趣味となっているよ。残念ながら、ゲームに費やせる時間は限られているのが現状だけどね。日本の音楽全般について詳しいわけではないけど、GALNERYUS（本当に素晴らしいバンド！）のようなバンドは確かに聴いているよ。
最後に、日本のメタルファンに僕たちのことを紹介する機会をくれて、ありがとう。僕たちの音楽に興味を持ってもらえたら嬉しいよ！僕たちは日本の文化や生き方に魅了されているから、日本の音楽シーンとの繋がりをさらに深めていきたいと思っているよ。

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【CROWN LANDS : APOCALYPSE】

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COVER STORY : CROWN LANDS “APOCALYPSE”

“In my opinion, video games are unquestionably art, and I’d argue that it is a melting pot of many different disciplines of art coming together in a way that has the potential to be more impactful than movies, and possibly one of the highest potential forms of art.”

APOCALYPSE

カナダのプログレッシブ・ロック・デュオ、CROWN LANDS は決して安易な道を選びません。最新作 “Apocalypse” は、その姿勢を如実に示しています。ギター、ベース、ベース・ペダルを担当する Kevin Comeau と、ドラム&ボーカルを担当する Cody Bowles の2人によって制作されたレコードは、大胆でありながら統一感のあるコンセプト・アルバムとなり、彼らのサウンドをこれまで以上に広大な領域へと押し広げることになりました。
アルバムは、映画的なオープニング “Proclamation” から、疾走感あふれる “Foot Soldiers of the Syndicate”、メロディックな重厚さを湛えた “Through the Looking Glass” と “Blackstar” を経て、19分にも及ぶ壮大なクロージング・トラック “Apocalypse” へと展開していきます。つまり、この多部構成のエピック・アルバムこそ、デュオの才能を存分に発揮する場となっているのです。
「2人組であることの素晴らしさは、お互いに自由にアイデアを出し合えるし、二人以外誰も “ノー” と言ったり、他の意見を言ったりしないこと」と Bowles は語ります。 「僕たちが一緒に曲を作る時は、すべてその場でライブで作るんだ。だから、それはまさに僕たちの純粋な化学反応。色々な要素を組み合わせ、何がうまくいって何がうまくいかないのかを見極め、そこから本当に美しい錬金術が生まれるんだよね…例えば、”Apocalypse” の一節になるような、素晴らしいリフのある15秒のフレーズを見つけたら、それを別のフレーズと重ね合わせる。そうやって、すべてをライブで録音し、テストしていくんだ。
ただ、真の民主主義が欠如していることにはマイナス面もある。どちらかが譲歩しなければ何も起こらない。しかし、その制約を乗り越え、それを活かして何かを生み出すことができれば、実は強みになる」
同じようなダイナミズムは “Beardless Part One” にも影響を与え、より壮大なコーラスを作るという新たな挑戦が、アルバムの中でも特に印象的な瞬間を生み出しました。この創造的な “摩擦” は、バンドの活動を停滞させるどころか、どちらか一方だけでは到達できない高みへと彼らを押し進めているのです。
この2人編成というスタイル自体は、意図的な選択というよりは、むしろ自然発生的なものでした。Bowles は19歳頃、Comeau とのジャムセッションに参加するまで、歌ったことは一度もありませんでした。
「声が自然に出てきて、”うわ、すごい！” って思ったんだ。で、これは続けなきゃって」

CROWN LANDS の RUSH 愛、ミクマク族の遺産についてはこちら。

Bowles は生まれてからずっとドラマーで、父親の好きなバンドは RUSH でした。中学2年生になるまで、ほとんど RUSH ばかり聴いていました。初期のブルースのジャムセッションで、Comeau が足でキック・ドラムを叩いてリズムを取り始めたとき、Bowles はほとんど偶然にドラムセットを引き継ぎました。
「Kevin が “足はどうしたらいいんだ？” って言って、ベースペダルを弾き始めたんだ。それで僕は “よし、なら僕は歌ってドラムも叩こう” って思ったんだ。もうなるようになれって、ドラムを叩きながら歌を覚えたんだよな。まさに環境の産物だね」
Bowles がボーカルでよく比較されるのは、特に Geddy Lee や Robert Plant ですが、彼はそれを謙虚に受け止めつつも、その背景をきちんと理解しています。もともとのブルース・ロックの影響は、初期の頃は Steve Marriott, John Fogerty そして Plant へと彼を導きました。そこから、バンドのプログレッシブな方向転換によって、彼の鋭角的なメロディセンスがより鮮明になったのです。
「ほとんど本能的にそういう傾向が出てくる。でも、結局それは僕自身のスタイルなんだよな」
“Apocalypse” では、バンドは長年守ってきたルールの一つ、”ライブで演奏できないなら、レコーディングしない” を意識的に放棄することにしました。当時、Comeau は他の楽器に加えてベース・ギターを加えることを主張し、すぐに演奏用に特注のダブルネックベースを製作したくらいでしたが、”Apocalypse” の頃には、彼らは芸術を第一に考え、ライブでのアレンジは後から考えるという方針に完全に傾倒するようになりました。そのため、Comeau がステージで簡単に再現できない複雑なハーモニー、創造的な工夫を必要とする重層的な楽器編成、そして最終的には、ライブで楽曲を生き生きと輝かせるために2人のツアー・ミュージシャンを新たに加えるという決断に至ったのです。
「この音楽は僕たちよりも長く生き続けるだろう。芸術のために音楽を作り、ライブでどう演奏するかは、その時に考えよう」

そう、”Apocalypse” への道のりは、昨年リリースされたアンビエント・ワールドミュージックを基調とした2枚のアルバム “Ritual I” と “Ritual II” の自由に深く根ざしています。Bowles にとって、これらのアルバムは “音楽への愛がロックの枠を超えていることに気づいた” 作品でした。ユニバーサル・レーベルとの決別後、バンドは方向転換を余儀なくされていました。「レーベルもレコーディング予算もなかったけど、自分たちで曲作りやリハーサルをするスタジオはあった。そこで自分たちでレコーディングやミックスをするには、ちょっとした工夫が必要だったんだ。
“Ritual II” のレコードは、僕らがが初めてプロデュースしたレコード…そのアルバムが今年JUNOにノミネートされたのは本当に素晴らしいことだ…そのレコードの大部分が僕たちのソファでレコーディングされたというのは、ちょっとクレイジーだよね」
“Ritual I&II” は、バンドにとって音楽的に大きな転換点となり、リフと轟くドラムの代わりに、フルートと世界各国のパーカッション、それに柔らかなメロディーが採用されました。
「あれはプログ・ファンを驚かせたけど、最高だよ。人を驚かせられないとしたら、正しいことをしていないってことだと思うからね」
その芸術的な自由さは、今回のアルバムのすべてのトラックに散りばめられています。例えば、”The Fall” は Comeau が弾いていたリフから生まれました。当初、そのリフは PINK FLOYD の “Run Like Hell” に少し似すぎていると感じられましたが、軌道修正の結果、フロイドの雰囲気と、Bowles による KISS の影響を受けたドラム・アプローチが融合した楽曲が生まれました。Bowles はこの曲で Peter Chris から直接的なインスピレーションを受けたと語っています。
“Through the Looking Glass” は、壮大なコーラス・メロディーを中心に形作られました。そうして、スタジオでプロデューサーと話し合った際、Bowles が当初は却下していたドラゴンのイメージというコンセプトにたどり着いたのです。
「ずっとノーと言っていたんだ。でも、結局 “わかった、賭けに負けた” ってなった。ドラゴンの翼に乗って、僕たちは飛ぶ。まあ、それでいいか」 結局、この曲はアルバムの中でも彼のお気に入りの1曲となったのです。

19分にも及ぶタイトル曲をリードシングルとしてリリースしたことも、アルバムの他のすべての楽曲と同様に、意図的な選択でした。
「統計的に考えて、何の注目も浴びずにアルバムを丸ごとリリースしたら、誰も聴いてくれないだろう。だから、注目を浴びるようにしたんだ。インスト・アルバムを2枚出したけど、方向性を見失ったわけじゃない。僕たちはプログレッシブ・バンドだ。僕たちはプログレッシブ・ロックをやっているんだ。宇宙のドラゴンについての20分の曲もあるんだ。ただ好きなことをやっている。これが僕たちが考え出した素晴らしいストーリーだ。じっくりと味わい、読み、理解してほしいね」
レコーディングを通して二人が頼りにしたヴィンテージ機材も、アルバムの個性を形作る上で重要な役割を果たしました。Comeau はオリジナルのモーグ・シンセサイザー、古いトーラス・ペダル、ヴィンテージのレスリー・キャビネットを持ち込み、一方 Bowles はアルバムの一部を1970年代のスリンガーランド・ブラックゴールド・キットでレコーディングしました。「僕たちは間違いなくクラシックなサウンドの機材を好むんだ」
“Apocalypse” に貫かれているコンセプトは、”Fearless” の前日譚として機能し、宿敵であるシンジケートとその首領ブラックスターの起源を描いています。シンジケートの台頭、シンジケートの右腕としてブラックスターが頭角を現し、カラゴンが没落する。
「これは、シンジケートがすでにカラゴンに拠点を築き、仕事を終わらせるために戻ってきた時代。彼らは “Fearless” の惑星を破壊した後、露天掘りですべての資源を奪うんだ…シンジケートの本拠地であるブラックスターの故郷から、宇宙の資源と惑星を占領して植民地化し、略奪し、太陽系を攻撃する。そんなシンジケートのイデオロギーをめぐって内戦が勃発していくんだ。空想的に聞こえるかもしれないけど、これは僕たちの現実に根ざしている。まさに今の時代を反映しているんだ。これはつまり、普通の人がいかに簡単に過激化できるかについて…普通の人がオルタナ右翼に誘惑されることについて。だからこそ、ファンタジー要素をもっと盛り上げる必要があったんだよな。
あのエッジーなリフが “Blackstar” になったのは、怒りと凶悪さを感じさせるサウンドで、まるで彼が他の惑星を征服するモンタージュのようだったから。
社会として、僕たちは本当に不快な問題に直面している。そんな中で、僕らが愛するサイエンス・ファンタジーで語りかけることができたのは、まさに幸運だった。”Apocalypse” の根底にあるテーマは、憎しみは憎しみを生み、暴力は暴力を生むということだ。蒔いた種は必ず自分に返ってくる」

もし、Bowles が愛するビデオ・ゲームを、バンドをテーマにして無制限の予算で制作できるとしたら、どんなゲームにするのでしょうか？
「もしバンドを題材にしたビデオ・ゲームを制作できるとしたら、間違いなくオープン・ワールドの3DアクションRPGにするだろうね。独特なアートスタイル（ファイナル・ファンタジーXII ゾディアックエイジとワンダと巨像を合わせたようなイメージ）で、プレイヤーキャラクターは Fearless だ。彼は、自らの民が滅ぼされた謎を解き明かし、邪悪なシンジケートへの復讐の道を歩むことになるよ。バンドの “Fearless Chronology” に登場するキャラクターや場所、例えば Fearless が導きを求めるオラクル、凍てつく荒野、そしてもしかしたら Fearless の失われた民の生き残りであるドラゴン・ライダーなどを登場させて、バンドのストーリーをさらに掘り下げていきたいね」
ビデオ・ゲームは、CROWN LANDS の音楽制作にインスピレーションを与えているのでしょうか？
「ビデオゲームは僕の人生の様々な面やメディアとの向き合い方に影響を与えてきたけど、中でも音楽的な面で最も大きな影響を受けているんだ。メロディーの感覚は、特に幼い頃にプレイしたゼルダから大きく培われたと思う。（日本の作曲家）近藤浩治氏が、シリーズを通してハイラルの多様な風景にふさわしい、素晴らしい音楽的フックと色彩豊かなモチーフを織り交ぜる能力は、僕の心に深く刻み込まれているよ。
同様に、素晴らしいサウンド・トラックを持つ数々の名作ゲームやIPにも深く感動させられている。例えば、”ワンダと巨像”, “SEKIRO: SHADOWS DIE TWICE”, “Ghost of Tsushima”, “モンスターハンター”, “スパイロ“, “シャドウマン”, “ルーンスケープ” とかだね。特に “ルーンスケープ” は、ロックの枠を超えて、変拍子を用いたプログレッシブ・ロックの世界への入り口となった。今でも、こうした名曲を口ずさむことがあるくらいでね」

ゲームの世界に足を踏み入れるきっかけとなったゲームは何だったのでしょう？
「4歳の頃、”ゼルダの伝説” で、美しく広大なゲームの世界に触れたんだ。きっかけを作ってくれたのは父。父は物心ついた頃からゼルダに夢中で、当時よく夜遅くまでファミコン版の初代 “ゼルダの伝説” や “ゼルダの伝説II リンクの冒険” をプレイしていたんだよね。父が “時のオカリナ” をプレイするのを見て、僕もゲームそのものにすっかり魅了されたってわけさ。父は闇の神殿を攻略するのに苦戦していたけど、ついにセーブデータを作らせてくれたんだよね。それ以来、ゼルダ・シリーズは僕の一番好きなゲームになった」
好きなゲームのジャンルは？
「一番好きなゲームジャンルはRPGだね！進行システムが複雑で奥深いほど良いね。どんなゲームでも、常に成長していくシステムが大好きで、新しいアイテムや機能、スキル・ポイントをアンロックするためにひたすらプレイし、スキルツリーに組み込んだり、ゲーム世界を探索したりするのが楽しいんだよ。戦闘やタイミング、パズルなど、難易度が高く、ミスが許されないゲームも好みだね。
Old School RuneScape、World of Warcraft、Baldur’s Gate、Diablo、Dungeons & Dragons Online、Knights of the Old Republic など、挙げればきりがない。さらに絞り込むと、特にアクションRPGが好きでね。フロム・ソフトウェアの名作の数々、モンスター・ハンター・シリーズ、エルダースクロールズ・シリーズ、Black Myth Wukong、Black Desert、そしてもちろんゼルダ・シリーズ（厳密にはアクションRPGではないけど、個人的にはここに含めている）などだね。
強敵を倒して、ドロップ・アイテムを使ってキャラクターを成長させる時の達成感、あるいは型破りな発想で報酬が得られる巧妙にデザインされたパズルほど素晴らしいものはない。脳の特定の部分を刺激し、この上なく心地よく、決して飽きることがないんだよ！」
これまでプレイしたゲームの中で、最も難しかったゲームは何でしょう？
「これまでプレイしたゲームの中で、間違いなく “仁王2” は最も難しいゲームの一つ、いや、もしかしたら一番難しいゲームだったかもしれないね。僕はソウルライク・ゲームでもかなりの難易度を好む方で、 “SEKIRO” を2回もクリアしたくらいだけど、”仁王2″ は難易度の面で全く別次元と言える。ソウルライク・ゲームでありながら、ボスは容赦なくプレイヤーを圧倒し、非常に複雑なスキル・ポイント制の戦闘システムは、習得に非常に時間がかかる。特に、各武器に3種類の構えが用意されている点が大きな特徴で、メイン武器は11種類、遠距離武器は3種類ある。
それに加えて、戦闘には奥深い妖怪化とスキルシステムがあり、これは非常に重要でありながら、理解するのが難しい。最も基本的な敵でさえも、そのスピードと容赦ないダメージ出力を考えると、メタアニメーション・キャンセル戦術とパーフェクト・パリィが生存に不可欠となる。
これまでにないほどの挑戦を与えてくれたゲームで、だからこそ心から愛しているんだよ」

これまでプレイした中で最も美しいゲームは何でしょう？
「懐かしさ抜きで言うと、これまでプレイした中で最も美しいゲームは “ゼルダの伝説 ティアーズ・オブ・ザ・キングダム” だね。美しいセル・シェーディングのグラフィックと、深く彩られた手作りのオープンワールドは、プレイした瞬間から僕を完全に魅了しまたよ。もちろん、前作 “ブレス オブ ザ ワイルド” やそれ以前のゼルダ・シリーズもすべてプレイしているけど、この作品のハイラルの息を呑むような世界観と雰囲気は、本当に際立っていたね。他のどのゲームとも違って、僕をその世界そのものに引き込んでくれたんだ」
今までプレイした中で最高のゲームは？
「今までプレイした中で最高のゲームを選ぶのは本当に難しいね。あえて挙げるとすれば、”SEKIRO: SHADOWS DIE TWICE” と “エルデンリング” の2つだろうか。”SEKIRO” のアクション戦闘とストーリーは、僕の意見では他に類を見ないほど素晴らしいものだよ。戦闘は、僕がこれまでプレイしたゲームの中で最も緻密で、ピクセル単位で完璧な剣戟アクションであり、ストーリーは驚くほど緻密なディテール、秘密、隠されたクエスト、そして独特の雰囲気に満ち溢れているね。源の宮、そして水生村の悲劇的な物語など、ほんのわずかな情報さえも、僕を魅了してやまないんだ。
“エルデンリング” も、環境デザインとオープン・ワールド全体の美しさ、そして半神たちがエルデンリングの欠片を巡って争う壮大な物語の深みにおいて、僕にとっては “SEKIRO” と同等の完成度を誇っている。これまでプレイしてきたソウルライク・ゲームに比べれば簡単だったけど、その圧倒的なスケールと、サウンドデザインから戦闘、世界探索に至るまで全てが一貫して素晴らしい出来栄えだったことに深く心を奪われたね。初めてプレイした時の衝撃は一生忘れられないだろう。
マップは、もう全て見尽くしたと思っても、どんどん広がっていくんだよね。どこを見てもやることが山ほどあって、バンドの練習の合間を縫って1ヶ月間部屋にこもりきりで、発売から1ヶ月以内に100%クリアしたんだ。後悔は全くないよ（笑）」
ビデオ・ゲームは、音楽と同様に芸術と言えるのでしょうか？
「僕の考えでは、音楽と同様、ビデオ・ゲームは紛れもなく芸術で、様々な芸術分野が融合したるつぼのような存在だ。映画よりも大きな影響力を持つ可能性を秘めていて、おそらく最も高い潜在能力を持つ芸術形態の一つと言えるだろう。プレイヤーが次にどこへ進むべきか、世界のどの部分や物語を解き明かすべきかを自ら発見できるというゲームの本質は、その作り込まれた世界で交流するすべての人にとって、他に類を見ない個人的な体験を生み出すからね。
僕自身のゲーム体験では、精緻に作り込まれた世界に登場するキャラクターや冒険に、まるで心の中で大切にしている現実の延長であるかのように、感情的に深く結びついている。もしこの感覚が芸術作品への愛着から生まれたものでないとしたら、一体他に何が芸術といえるのか僕には分からないよ」

参考文献: V13net:Level Up: Crown Lands Drummer & Vocalist Cody Bowles Discusses His Life as a Gamer

THE PROG REPORT :Crown Lands Interview – Apocalypse

SPILL MAG:SPILL FEATURE: APOCALYPSE – A CONVERSATION WITH CROWN LANDS’ KEVIN COMEAU & CODY BOWLES

BEST NEW MUSIC, PICK UP ARTIST

NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【FRONTLINE : REBIRTH】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH STEPHAN KAEMMERER OF FRONTLINE !!

“I do think that good songs always have a right to exist and can be successful across generations.”

DISC REVIEW “REBIRTH”

「”Rebirth” の音楽やアートワークは “The State of Rock” を彷彿とさせる。そう、このタイトルが示唆するように、FRONTLINE は原点回帰、つまり文字通り “Rebirth（再生）” を目指したんだ！」
今からおよそ30年前。HELLOWEEN や BLIND GUARDIAN, GAMMA RAY といった大仰で華々しいジャーマン・メタルの影に隠れる形ではありましたが、ドイツではメロディック・ハードロックの花弁もまた、確実に開きつつありました。Fair Warning, Zeno, Bonfire, Casanova, Pink Cream ’69, Sinner, Jaded Heart, Subway…決してメタル世界の主役になるわけではありませんでしたが、美しいメロディ、確かな技巧、嗜好を凝らした展開の妙、そして何より “感情の昂り” は多くのリスナーの心を捉え、動かしました。1994年にデビューを果たした FRONTLINE もまた、そんなバンドの一つ。
「このデビュー・アルバム “The State of Rock” は当然ながら僕にとって非常に大きな意味を持っているよ。僕が初めて作ったアルバムなんだからね。いわば僕の音楽の旅の始まりであり、これからもずっと僕の心にとどまり続けるだろう。相棒の Robby と過ごした素晴らしい時間だったよ」
FRONTLINE のデビュー・アルバム “The State of Rock” は、30年を経た今でもメロハーの名盤として不動の地位を築いています。それは、アルバムを通して彼らが敬愛する JOURNEY 譲りの旋律美や哀愁が散りばめられていたのはもちろん、90年代らしいエッジやテクニックを加えてメロハーをアップデートしていたから。
つまり、名曲 “Heaven Knows” のエンジンは、フロントマン Stephan Kaemmerer の声とメロディだけではなく、ギタリスト Robby Boebel の鋭利なシュレッドやリフワークが両輪となって推進力を生み出していたのです。
「2006年に始まった活動休止（あるいは解散）は、Robby と僕の音楽的な方向性が少しずつずれてきたことが原因だったんだ。僕は JOURNEY のような方向性を目指していたんだけど、Robby は SAXON や JUDAS PRIEST のような方向性を好んでいたからね。結局、単純に僕たちのビジョンはもはや一致しなくなってしまったんだ」
衝撃のデビュー作以降も、より研ぎ澄まされ洗練された “Heroes” を筆頭にメロハーの鼓動を響かせ続けた FRONTLINE でしたが、終焉の時が訪れます。それは、最強タッグの瓦解でした。メロに進みたい Stephan と、ハーに進みたい Robby の音楽性は徐々に乖離し、いつしかメロハーのフロントラインに立っていたバンドは空中分解してしまうのです。
「バンドの音楽的な方向性やスタイルに関して言えば、実は常に僕のメロディーと歌詞が大きな役割を果たしていたんだ。それはニュー・アルバム “Rebirth” を聴けばはっきりと分かると思う。だから、過去20年間、デモとして数多くの曲を録音してきた僕にとって、アルバムを作ることはごく自然な流れだったんだよね。多くのメディアが “Rebirth” はこれまでの FRONTLINE のアルバムの中で最高傑作だと評してくれているよ」
転期が訪れたのは、2022年の夏。一度は袂を分かったとはいえ、Stephan にとって戦友であり、長年の相棒だった Robby が病気で亡くなったのです。メロハーの灯火を、そして Robby Boebel の遺志を継ぐべく、Stephan は再び FRONTLINE の旗を掲げました。
Rebirth。そして再生と銘打たれた復活の狼煙は、たしかに FRONTLINE の色を帯びていました。鍵盤とギター煌めく “Burning Horizon” はまさに復活の証。Stephan の悲哀を帯びた歌唱が心を溶かす “After You’re Gone” で亡き Robby への献杯を掲げた彼らは、”Burning the Distance” で過去と現在の距離を燃やしてメロハーの原点へと立ち返ってくれました。そう、この純粋な輝きこそが FRONTLINE のあるべき場所。ロックのあるべき場所。”The State of Rock” なのですから。
今回弊誌では、Stephan Kaemmerer にインタビューを行うことができました。「メロハーのように、良い曲、良い音楽は常に存在し続ける権利があるし、世代を超えて愛されるものだと思っているからね」 どうぞ！！

FRONTLINE “REBIRTH” : 10/10

INTERVIEW WITH STEPHAN KAEMMERER

Q1: For me, “The State of Rock” is a truly special album. I got it right when I started listening to metal and hard rock, and I was captivated by its amazing melodies, edge, and technique. It was my gateway into this world. 32 years have passed since that masterpiece was released, but looking back, what does that album mean to you?

【STEPHAN】: First of all, I’d like to thank you for your wonderful compliments, dear Sin. Our debut album naturally means an enormous amount to me; it was the very first album I ever made. It was, so to speak, my musical beginning, and it will likely always remain that way in my heart; it was a wonderful time together with Robby.

Q1: 私にとって “The State of Rock” は本当に特別なアルバムです。メタルやハード・ロックを聴き始めたばかりの頃にこのアルバムに出会い、その素晴らしいメロディー、エッジの効いたサウンド、そしてテクニックに心を奪われました。まさにこの世界への入り口でした。
あの名盤がリリースされてから32年が経ちましたが、今振り返ってみて、あなたにとってこのアルバムはどのような意味を持つのでしょうか？

【STEPHAN】: まず、親愛なるSinさん、素敵な賛辞をありがとう。このデビュー・アルバムは当然ながら僕にとって非常に大きな意味を持っているよ。僕が初めて作ったアルバムなんだからね。いわば僕の音楽の旅の始まりであり、これからもずっと僕の心にとどまり続けるだろう。相棒の Robby と過ごした素晴らしい時間だったよ。

Q2: Frontline formed in 1989, but your debut album wasn’t released until 1994. In those five years, the world of rock music changed dramatically with the rise of grunge. If grunge hadn’t become popular, Frontline would undoubtedly have been a much bigger band. Were you confused by that change?

【STEPHAN】: To be honest, we didn’t really focus all that much on the grunge scene; we knew we just wanted to stick to doing our own thing. But looking back, we certainly would have been in a much stronger position in the mid-80s with “State of Rock”.

Q2: FRONTLINE は1989年に結成されましたが、デビュー・アルバムのリリースは1994年でした。この5年間で、グランジの台頭によりロック・ミュージックの世界は劇的に変化しましたね。もしグランジが人気を博していなかったら、FRONTLINE は間違いなくもっと大きなバンドになっていたでしょう。その変化に戸惑いましたか？

【STEPHAN】: 正直に言うと、グランジ・シーンにはあまり関心がなかったんだよね。自分たちのスタイルを貫きたかったから。でも今振り返ると、”State of Rock” を80年代半ばにリリースしていれば、もっと有利な立場に立てただろうけどね。

Q3: You were often called the German Journey back then, weren’t you? Indeed, Germany at that time had some fantastic melodic hard rock bands like Fair Warning, Zeno, Bonfire, Casanova, Pink Cream ’69, Sinner, Jaded Heart, and Subway. Were there any bands you particularly resonated with or liked?

【STEPHAN】: Yes, indeed – both back then and today, we have always been referred to as the European answer to Journey. This truly honors us, as we are all huge fans of the band! I myself am a big fan of bands like Journey, Foreigner, Toto, Survivor, Def Leppard, Whitesnake, and many other bands from that era.

Q3: FRONTLINE は当時、よく “ドイツの JOURNEY” と呼ばれていましたよね？
確かに、当時のドイツには Fair Warning, Zeno, Bonfire, Casanova, Pink Cream ’69, Sinner, Jaded Heart, Subway といった素晴らしいメロディック・ハードロック・バンドが多くいましたが、中でも特に共感したり、好きだったバンドはありましたか？

【STEPHAN】: うん、まさにその通りだね。当時も今も、僕たちは JOURNEY のヨーロッパ版と呼ばれているんだ。僕たち全員が JOURNEY の大ファンだから、それは本当に光栄なことなんだよ！僕自身は JOURNEY, FOREIGNER, TOTO, SURVIVOR, DEF LEPPARD, WHITESNAKE といったバンドの大ファンなんだ。

Q4: For me, “Heroes” is also one of my bibles. After that, Frontline continued to release great albums throughout the 2000s, Some members continued with Evidence One and State of Rock, though, but then you went on hiatus. What was the reason for that?

【STEPHAN】: First off, thanks again for the lovely compliment regarding our album Heroes. Since I wrote all the vocal melodies and lyrics on every single album entirely on my own, your compliment truly honors me! Frontline has always essentially been just Robby and me. I founded Frontline in 1989, and Robby was actually the very last member to join the band. However, it quickly became apparent that Robby and I were the sole architects behind the songwriting and the sound – and that remained the case right up until our last release at the time, which came out in 2006. From our official second album, Heroes, onwards, we were effectively a duo backed by session musicians – though nobody else actually knew that. The hiatus (or split) that began in 2006 came about because Robby and I had grown somewhat apart creatively. I wanted to steer things more in the direction of Journey, while Robby leaned more toward Saxon and Judas Priest; ultimately, our visions simply didn’t align anymore.

Q4: 私にとっては、”Heroes” もまた、バイブルのような存在です。その後、FRONTLINE は2000年代を通して素晴らしいアルバムをリリースし続け、メンバーの中には EVIDENCE ONE や STATE OF ROCK に参加した人もいましたが、その後活動休止に入りました。その理由は何だったのでしょうか？

【STEPHAN】: まず、アルバム “Heroes” への素敵な褒め言葉をありがとう。すべてのアルバムのボーカル・メロディーと歌詞を僕が一人で書いているから、その言葉は本当に光栄だよ！
FRONTLINE は基本的にずっと Robby と僕の二人組だったといえる。僕が FRONTLINE を結成したのは1989年で、Robby は実はバンドに最後に加入したメンバーだったんだ。だけど、すぐに Robby と僕がソングライティングとサウンドの唯一の立役者であることが明らかになって、それは2006年にリリースされた当時の最後の作品まで変わらなかったんだ。だから公式セカンド・アルバム “Heroes” 以降は、セッション・ミュージシャンをバックに従えたデュオという形だったんだけど、実際には他の誰もそのことを知らなかったんだよね。
2006年に始まった活動休止（あるいは解散）は、Robby と僕の音楽的な方向性が少しずつずれてきたことが原因だったんだ。僕は JOURNEY のような方向性を目指していたんだけど、Robby は SAXON や JUDAS PRIEST のような方向性を好んでいたからね。結局、単純に僕たちのビジョンはもはや一致しなくなってしまったんだ。

Q5: But Japanese fans have been waiting for your return for a long time! The band lost a key figure in Robby Boebel. Still, What was the reason for deciding to make a comeback now?

【STEPHAN】: Regarding the band’s musical direction and style, it was actually my song melodies and lyrics that were primarily responsible – something you can clearly hear on our new CD, Rebirth. It therefore felt entirely natural that, having recorded so many songs as demos over the past 20 years, making an album simply felt like the right thing to do! Many voices in the press have even claimed that Rebirth is the best Frontline album we have recorded to date. However, I prefer to leave it to the listeners out there to form their own judgment!

Q5: 日本のファンは長い間、あなたたちの復帰を待ち望んでいました！バンドは Robby Boebel という重要な人物を失いました。それでも、今カムバックを決意した理由は何だったんですか？

【STEPHAN】: バンドの音楽的な方向性やスタイルに関して言えば、実は常に僕のメロディーと歌詞が大きな役割を果たしていたんだ。それはニュー・アルバム “Rebirth” を聴けばはっきりと分かると思う。だから、過去20年間、デモとして数多くの曲を録音してきた僕にとって、アルバムを作ることはごく自然な流れだったんだよね。
多くのメディアが “Rebirth” はこれまでの FRONTLINE のアルバムの中で最高傑作だと評してくれているよ。しかし、最終的な判断はリスナーのみんなに委ねたいと思う！

Q6: “Rebirth” is a fantastic album befitting a magnificent comeback! The artwork and the beauty of the melodies are reminiscent of “The State of Rock.” As the title suggests, has Frontline decided to return to your roots and be “Rebirth”?

【STEPHAN】: I couldn’t have put it better myself; that was precisely my intention, and I am delighted that it was recognized and received in exactly that way.

Q6: 実際、”Rebirth” は、華々しいカムバックにふさわしい素晴らしいアルバムですね！アートワークと美しいメロディーは、 “The State of Rock” を彷彿とさせます。
タイトルが示唆するように、FRONTLINE は原点回帰、つまり文字通り “Rebirth（再生）” を目指したのでしょうか？

【STEPHAN】: 僕自身でもそんなに上手く言葉にできないね。まさにそれが僕の意図だったし、そうやって正確に受け止めてもらえてとても嬉しく思うよ。

Q7: The album release sparked discussions about AI, right? You created amazing music in an era before AI even existed, so what are your thoughts on technological advancements and social media marketing?

【STEPHAN】: That’s a super cool question, thanks so much for asking it! Naturally, we wrote and produced all the songs ourselves – exactly the way we’ve been doing it for all those decades prior, long before AI came along! Many people were simply confused by the fact that we used AI techniques for the videos, something Hollywood has actually been doing for decades using CGI in films and video productions! Personally, I have mixed feelings about AI; while I think using this technology for videos is going to become the new normal, I just hope that the music itself remains human!

Q7: 今回のアルバムのリリースにおいて、一部でAIに関する議論を巻き起こしましたよね？
AIが存在する以前の時代に素晴らしい音楽を生み出してきた FRONTLINE ですが、技術革新や SNS マーケティングについてはどう考えていますか？

【STEPHAN】: とてもクールな質問だね！尋ねてくれてありがとう！もちろん、FRONTLINE はすべての曲を自分たちで作詞作曲、プロデュースしているよ。AIが登場するずっと前から、何十年も続けてきたやり方なんだから！
多くの人が、僕たちがビデオにAI技術を使ったことに戸惑っていたけど、実はハリウッドは映画や映像制作で何十年も前からCGIを使っていたんだよ！個人的にはAIについては複雑な気持ちなんだ。動画制作にこの技術を使うのは新しい常識になると思うけど、音楽そのものは人間らしさを保ってほしいと願っているんだよ。

Q8: Speaking of changing times, some people say that melodic hard rock is outdated or dead. But I think that in a dark world with war, oppression, and violence, we need music that fills us with hope and lights, would you agree?

【STEPHAN】: I agree with you 100% on that. However, I do think that good songs always have a right to exist and can be successful across generations.

Q8: 時代の変化といえば、メロディック・ハードロックは時代遅れ、あるいは死んだと言う人もいます。ただ、私は戦争や抑圧、暴力が蔓延する暗い世界では、希望と光を与えてくれる音楽、メロハーが必要とされるはずだと信じていますよ。

【STEPHAN】: その話については100％同意するよ。メロハーのように、良い曲、良い音楽は常に存在し続ける権利があるし、世代を超えて愛されるものだと思っているからね。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED STEPHAN’S LIFE!!

THE BEATLES “Help”

JOURNEY “Escape”

FOREIGNER “4”

TOTO “Isolation”

BON JOVI “Slippery When Wet”

MESSAGE FOR JAPAN

I love Japan! For me, it is my second spiritual home! I sang the German version of the opening theme “WE ARE” for the very first season of One Piece. The German version was titled “Auf dem Weg” and aired here as Opening Theme 8!
はじめまして、ステファンです。どうぞよろしくお願いします。

日本が大好きなんだ！僕にとって日本は第二の故郷だよ！アニメ “ONE PIECE” の第1シーズンのオープニング・テーマ “WE ARE” のドイツ語版は僕が歌っているくらいでね！ドイツ語版は “Auf dem Weg” というタイトルで、オープニングテーマ8としてドイツでオンエアされたんだ！ここでビデオを見ることができるよ
はじめまして、ステファンです。どうぞよろしくお願いします。

STEPHAN KAEMMERER

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【M.ILL.ION : LEGEND】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH B.J LANEBY OF M.ILL.ION !!

“Classic Rock Is Dead? Are You Kidding Me?”

DISC REVIEW “LEGEND”

「友人でもある 220 VOLT は大好きだよ。PRETTY MAIDS, TNT（どちらも素晴らしいバンドで、一緒に演奏したことがあるよ）、TREAT（こちらも一緒に演奏したね）、そしてもちろん EUROPE。ELECTRIC BOYS もとてもクールなバンドだと思っていたね」
80年代末期から90年代初頭にかけて、北欧にはメロディとテクニックを兼ね備えた綺羅星がオーロラの白夜に集っていました。Yngwie Malmsteen や EUROPE というビッグネームはもちろん、220 VOLT, TREAT, PRETTY MAIDS, TNT, GLORY, TALISMAN, FORTUNE, MASQUERADE, RETURN, DA VINCI, POUL POSITION…彗星のように現れ、彗星のように消えていったバンドも多く、挙げればキリがありません。彼らはそれぞれが目立った個性を持ちながらも、北欧の空気や景色を私たちに伝えてくれるという点では共通していました。スウェーデンのイエテボリ、メロデスのメッカで生まれた M.ILL.ION もそんなバンドの一つ。
「ギターとハモンドの組み合わせは最高だよね！よくは分からないけど、少なくとも、僕たちのようなサウンドのバンドはあまり見かけないよね。でも僕たちはただ、やるべきことをやっているだけなんだ。誰かがこのバトンを受け継がなければならないし、僕たちは笑顔を浮かべてその仕事をしようと努めているだけさ。とはいえ、サウンド、アレンジ、プロダクションは現代化しようと努力していてね。僕たちは懐古主義のバンドではないからね。クラシック・ロックであり、常にメロディックだけど、同時に今は2026年で1976年ではないのだから」
M.ILL.ION が際立っていたのは、その哀愁を帯びたメロディとともに煌めくギターとハモンドやキーボードのマリアージュでした。アメリカの乾いた音像に魅入られた挑戦的な “We, Ourselves & Us” にしてもそのメロディと技巧の婚姻は豊潤。しかし、必殺の “Winds of Change” を携えたデビュー作 “No.1” の衝撃、華麗かつ繊細なる旋律と楽器の躍動はやはり今聴いても別格でしょう。ただし、驚くべきことに今回の復活作 “Legend” は、そうした初期の名作群をも凌駕するほど自信、そしてクラシックなハードロック/メタルのプライドに満ちています。
バトンの継承。かつて、キーボードやハモンド・オルガンは当たり前のように楽曲を彩るメタル世界の基盤のひとつでした。しかし、プログラミングの発達やリスナーの嗜好の変化によって、今や鍵盤とギターの麗しきマリアージュは絶滅危惧種だと言えます。そんな時代に、”Kingmaker” の堂々たるハモンドが響き渡る僥倖。
さながら、80年代の DEEP PURPLE のようにがっぷり四つのギターとキーボードは、さながら80年代の PRETTY MAIDS のようなボーカルの力強さと楽曲の牽引力で、クラシック・メタルの灯火が決して絶えないことを伝えます。初期のメンバーが集結したことも、プラスに働きました。歌の力が戻ってきたメタル世界。M.ILL.ION のようなクラシック・メタルの誇りが堂々たる凱旋を果たせば、もしかすると鍵盤の力も加わるかもしれませんね。北欧メタルよ、永遠なれ。
今回弊誌では、オリジナル・メンバーの B.J にインタビューを行うことができました。「僕らはやりたいことをやるしかなかったんだから！クラシカルなハードロックが僕たちの遺伝子と心に刻まれているんだよ。特定の時代の流行を追うようなことはしたくなかった。これまでも、そしてこれからもね。M.ILL.ION はクラシック・ハードロックだ。昔からずっと、そして今も…ね！ 」 どうぞ！！

M.ILL.ION “LEGEND” : 10/10

INTERVIEW WITH B.J LANEBY

Q1: 1. M.ILL.ION started in Gothenburg, Sweden, right? At that time, melodic death metal was beginning to blossom in that place, so why did you go the hard rock route?

【B.J】: Yes, that´s absolutely correct. Gothenburg is our hometown and we love it!
Because we got to do what we got to do! It´s in our genes and hearts, We don´t follow the trends of what´s going on at a perticular moment. Never have. M.ILL.ION is classic hard rock. Always been, still is!

Q1: M.ILL.ION はスウェーデンのイエテボリで結成されたんですよね？当時、イエテボリではメロディック・デスメタルが花開き始めていましたが、あなたはなぜクラシックなハードロック/メタルの道を選んだのですか？

【B.J】: うん、その通りだよ。イエテボリは僕たちの故郷で、大好きな街だ！
だって、僕らはやりたいことをやるしかなかったんだから！クラシカルなハードロックが僕たちの遺伝子と心に刻まれているんだよ。特定の時代の流行を追うようなことはしたくなかった。これまでも、そしてこれからもね。
M.ILL.ION はクラシック・ハードロックだ。昔からずっと、そして今も…ね！

Q2: However, back then, Sweden had a lot of melodic and neoclassical metal talent, from major acts like Yngwie Malmsteen and Europe to more independent ones. Were you influenced by those people when you started playing metal?

【B.J】: I think we share influences with some of those great bands: We all love Deep Purple, Rainbow, UFO, Thin Lizzy etc.
But of course,,,Europe and Yngwie broke some serious ground. I personally very like much my friends in 220 Volt and Treat is a really good band.

Q2: 一方で、当時スウェーデンには Yngwie Malmsteen や EUROPE といったメジャーなバンドから、よりインディーズなバンドまで、メロディック・メタルやネオクラシカル・メタルの才能あふれるバンドがたくさん存在しましたよね。バンドを始めた頃、そういった人たちからは影響を受けましたか？

【B.J】: 僕たちは、DEEP PURPLE, RAINBOW, UFO, THIN LIZZY など、オールドスクールな素晴らしいバンドたちと共通点があると思っているんだ。
もちろん、EUROPE と Yngwie は大きな壁を打ち破った。他にスウェーデンだと、個人的には、友人である 220 VOLT のメンバーたちが大好きだし、TREAT は本当に良いバンドだと思うな。

Q3: I absolutely love your first album, “No.1”. While it followed the glam metal style of the time, it beautifully reflected the melancholy and landscapes characteristic of Scandinavia. Was that “Scandinavian feel” something you consciously aimed for?

【B.J】: Wow . thank You! Along time ago, but it was a really succesful debut. And lots of fun!
Great perspective. Again , We just do what we got to do and it comes from our hearts and souls – It´s just us – no calculations or plans!

Q3: 私はあなたたちのファースト・アルバム “No.1” が大好きなんですよ。当時のグラム・メタルのスタイルを踏襲しつつも、スカンジナビア特有のメランコリーと風景を美しく表現していましたね。その “スカンジナビアらしさ” は意識的に狙ったものだったんですか？

【B.J】: わあ、ありがとう！ずいぶん前のことだけど、本当に成功したデビュー作だったね。そして、とても楽しかった！
スカンジナビアらしさとは素晴らしい視点だね。でも繰り返しになるけど、僕たちはただ自分たちのやりたいことをやっているだけで、それは心と魂から湧き出るものなんだよ。計算も計画もなかった。これが僕たち自身の音楽なんだ！

Q4: There were many different bands in Scandinavia at the time, but which ones did you particularly connect with?

【B.J】: Again & speaking for myself; Pretty Maids, TNT ( Great bands, we have played with both) Treat (also played with) Europe of course, Electric Boys is very cool.

Q4: 当時スカンジナビアには様々なバンドがありましたが、特に共感をもっていたり、親しくなったバンドはいましたか？

【B.J】: また個人的な意見になるけど、PRETTY MAIDS, TNT（どちらも素晴らしいバンドで、一緒に演奏したことがあるよ）、TREAT（こちらも一緒に演奏したね）、そしてもちろん EUROPE。ELECTRIC BOYS もとてもクールなバンドだと思っていたね。

Q5: “We Ourselves & Us” is one of the most popular albums in your discography and was a hit in Japan as well. Musically, it moved closer to a more vibrant, American feel, would you agree?

【B.J】: Thanks! Anyway, after the first album NO.1, which was a great success, we were pretty much independent. We were able to book the studios and producers we wanted.
Meaning we tried out some different arrangements and production ideas. Cool album! Our dear friend Pär Edwardson produced it and we had the opportunity to get both crazy and serious.

Q5: “We Ourselves & Us” はあなたのディスコグラフィーの中でも特に人気の高いアルバムの一つで、日本でもヒットしました。
音楽的には、より活気のあるアメリカンな雰囲気に近づいたと思いますが、その変化はなぜ起こったのでしょう？

【B.J】: ありがとう！とにかく、大成功を収めたファースト・アルバム “NO.1” の後、僕たちはほぼ独立して活動していたんだ。だから、自分たちが望むスタジオやプロデューサーを自由に選ぶことができたんだよね。
つまり、様々なアレンジやプロデュースのアイデアを試すことができた。素晴らしいアルバムになったよね！親友の Pär Edwardson がプロデュースしてくれて、僕たちはクレイジーなことにもシリアスなことにも、両方挑戦することができたんだよね。

Q6: Your comeback album “Legend” is truly fantastic! You are a legend of Scandinavian Rock & Metal, so is that the meaning behind the title?

【B.J】: WOW – THANK YOU! You can´t imagine what that means to us! We´ve worked hard with it. Wrote about 30+ songs for it and we´re so glad You like what came out of it!
Thank You, but it´s not meant putting us on a the pedestal. It´s just a cool title and one of the songs is called The Legend Lives On.

Q6: カムバック・アルバム “Legend” は本当に素晴らしいですね！ あなたは北欧メタルのレジェンドですが、タイトルにはそういう意味が込められているのでしょうか？

【B.J】: わあ、ありがとう！僕たちにとって、その言葉がどれほど大きな意味を持つか、想像もつかないだろうね！ このアルバムのために一生懸命努力したからね。30曲以上も書き上げたから、気に入ってもらえて本当に嬉しいよ！
レジェンドなんてありがとう。でも、決して自分たちを崇め奉るつもりはないよ。ただクールなタイトルにしたかっただけで、収録曲の一つに “The Legend Lives On（伝説は生き続ける）” というタイトルがあって、そこからつけたんだよね。

Q7: Also, what was the reason for deciding to make a comeback now?

【B.J】: Well, we had a very succesful 30: th anniversary a couple of years ago, did a partly retrospective /partly new songs album- Back on Track – did some great gigs and felt very inspired to move on with a brand new album and touring. And here we are!

Q7: ところで、今復活を決めた理由は何だったんですか？

【B.J】: 実は、数年前に30周年記念アルバムを大成功させ、過去曲と新曲を収録したアルバム “Back on Track” をリリースし、素晴らしいライブもいくつか行えたんだよね。
そこから、新しいアルバムとツアーでさらに前進したいという強い気持ちが湧いてきたんだよ。それで、今こうしてカムバックを果たしたんだ！

Q8: What’s so great about “Legend” is the fantastic combination of guitar and Hammond organ! There used to be many bands like Deep Purple that played like that, but unfortunately there are hardly any left now, right? That’s why you’re such a valuable presence in today’s rock world, would you agree?

【B.J】: Again- thank You! We love that combination!
Guess not, at least I don´t hear many bands with our type of sound.
Thank You. We just do what we have to do. The torch has to be carried by somebody and we try to do our job with smiles on our faces. Having that said, we also try to modernise the sounds, arrangements and production as well. We are NOT a nostalgia act. We are classic rock, always melodic, but at the same time it´s 2026 now. Not 1976.

Q8: “Legend” の素晴らしいところのひとつは、ギターとハモンド・オルガンの絶妙な組み合わせですね！ かつては DEEP PURPLE のようなそうしたバンドがたくさんいましたが、残念ながら今ではほとんど残っていませんよね？
だからこそ、あなた方は今日のロック界において非常に貴重な存在に思えます。

【B.J】: 改めて、ありがとう！ギターとハモンドの組み合わせは最高だよね！
よくは分からないけど、少なくとも、僕たちのようなサウンドのバンドはあまり見かけないよね。
でも僕たちはただ、やるべきことをやっているだけなんだ。誰かがこのバトンを受け継がなければならないし、僕たちは笑顔を浮かべてその仕事をしようと努めているだけさ。とはいえ、サウンド、アレンジ、プロダクションは現代化しようと努力していてね。僕たちは懐古主義のバンドではないからね。クラシック・ロックであり、常にメロディックだけど、同時に今は2026年で1976年ではないのだから。

Q9: Some people say melodic hard rock/AOR is dead or outdated. What do you think?

【B.J】: Dead? Are You kidding me?

Q9: メロディック・ハードロック／AORは死んだ、あるいは時代遅れだと言う人もいます。

【B.J】: メロハーが死んだ？冗談だろ？

FIVE ALBUMS THAT CHANGED B’J’S LIFE!!

THE BEATLES

NAZARETH “RAZAMANAZ”

DEEP PURPLE “MADE IN JAPAN”

BLACK SABBATH “SABBATH BLOODY SABBATH”

KISS “ALIVE!”

MESSAGE FOR JAPAN

I love Your old culture! The temples, the history, the dignity, the food! And the people! – YOU ROCK!
Thank You sooooo much for the support through the years, dear Japanese friend! Enjoy LEGEND and hope to see You all soon! Please follow us on Facebook & please feel very free to leave messages – we would LOVE to hear from You! Domo Arigato the land of the rising sun!

日本の古い文化が大好きなんだ！お寺、歴史、威厳、食べ物！そして人々！最高だ！
長年にわたるサポート、本当にありがとう、親愛なる日本の友人たち！”Legend” を楽しんでほしい。またすぐにみんなと会えることを願っているよ！
Facebookでフォローしてほしいな。メッセージもお気軽に。みんなの声を聞けるのを楽しみにしているよ！
日の出ずる国よ、どうもありがとう！

B.J LANEBY

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【BYONOISEGENERATOR : SUBNORMAL DIVES】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH BYONOISEGENERATOR !!

Nothing is true, everything is permitted.” When we started playing this kind of avant-garde stuff, we made a conscious decision not to limit ourselves with genre boundaries. We began with pure experimentation, and we’re still sticking to that approach.

DISC REVIEW “SUBNORMAL DIVES”

「”正しい音楽などは決してない。すべてが許される”。こういうアヴァンギャルドな音楽を演奏し始めた時、僕たちはジャンルの枠にとらわれないことを意識的に決めたんだ。純粋な実験から始め、今もその姿勢を貫いているよ。初期の作品はデス／グラインドコア寄りだったけど、最新作は新メンバーの Dima と Semyon がもたらしたマス・コアの影響がより強くなっているね。
とはいえ、バンドの方向性は常に、最強に極めて激しい音楽を作ることにある。なぜなら、身体を動かすことは、強くて若々しくいる秘訣だからね」
混沌とした時代には混沌とした音楽がよく映える。実際、ロシアの ByoNoiseGenerator のカオスほど、2020年代のサウンド・トラックといえる音楽は他にないでしょう。
狂気じみたテクニカル・デスメタル、轟音のグラインド・コア、難解な数式のマス・コア、カウボーイ・ビバップのサウンドトラックに煙立ち込めるジャズクラブを、無機質な工業用装置で加工処理したかのような BNG の混沌にルールはありません。そう、ルール無用ですべてが許されるこの時代に、彼らの音楽はあまりにもフィットしているように思えます。
「すべてはデスメタルとその派生ジャンルから始まったんだよね。その後、グラインド・コアやマス・コアの要素をより多く取り入れるようになったんだ。僕たちはそうしたジャンルを音楽的に心から愛しているけど、凶悪な音楽に典型的に見られる歌詞のテーマからは意図的に距離を置いていてね。僕たちの音楽が、デスメタルの誇張された残虐性や、グラインド・コアによく見られる社会政治的なメッセージと結びつくことは望んでいないんだ」
とはいえ、彼らの混沌は決して戦争や抑圧といった暴力の渦に巻かれているわけではありません。むしろ、そうした狂気から距離を置き、音楽的な挑戦や寛容さが極まってたどり着いた場所こそが圧倒的なカオスだっただけ。彼らが生み出す怪物や肉塊、そして官能さえ、実は音楽のみに集約しているのです。
「John Zorn を知ったのは比較的遅い時期だったんだよね。ネット上で僕たちの音楽と彼の音楽を比較する人が出始めたのがきっかけだったんだ。当初は、Chris Potter, Ben Wendel, Michael Brecker といったサックス奏者から影響を受けていたんだよ」
近年、サックスの響きをメタルに持ち込むバンドが増えていますが、BNG に RIVERS OF NIHIL や SLEEP TOKEN のような洗練された音色を期待するのは大間違いです。ByoNoiseGeneratorは、その名の通り、純粋な聴覚的狂気を詰め込んだ混沌を投下するのみ。グルーヴ感のあるスラム・ブレイクダウン、PRIMUS 風のギター・ファンク、頭蓋骨を粉砕するグラインドコアが、フリーフォーム・ジャズの暴力的な流れと混濁し、目まぐるしくその姿を変化させていきます。
3分にも満たないトラックに山ほどの音楽ジャンル詰め込み、インテンスを高めるその姿勢はまさに NAKED CITY の遺伝子そのもの。”ジャズ・グラインド”。複雑極まりないと同時に爆発的なエネルギーを秘めた BNG の楽曲は、狂気じみた拍子と魅惑的な官能のスウィングを見事に結びつけました。この陶酔的でしかしサブリミナルなノイズの荒波で踊ることこそ、2020年代に課せられた私たちの使命なのかもしれませんね。
今回弊誌では、ByoNoiseGenerator にインタビューを行うことができました。「でも真面目な話、この名前もコンセプト全体も、僕らのドラマーがロシアのサウナで亜酸化窒素を吸っていた時に、ちょっと狂った頭で思いついたものなんだよね。だから、その狂ったコンセプトが自然と僕たちの芸術的アイデンティティの一部になったというわけだよ」どうぞ！！

BYONOISEGENERATOR “SUBNORMAL DIVES” : 10/10

INTERVIEW WITH BYONOISEGENERATOR

Q1: First of all, what kind of music did you grow up listening to?

【BNG】: We all started from very different places. For about half of the band, childhood happened at a time when the internet wasn’t that widespread yet, so we listened to whatever we could get our hands on.
Anything from heavy/thrash/death metal to punk rock. For example, our guitarist got into heavy music and picked up the guitar after hearing a Static-X track while playing Need for Speed.

Q1: 本誌初登場です！まずは、あなたの音楽的なバックグラウンドからお話ししていただけますか？

【BNG】: メンバーそれぞれ、音楽のルーツは大きく異なるよ。バンド・メンバーの約半数は、インターネットがまだそれほど普及していなかった時代に幼少期を過ごしたので、その時手に入るものは何でも聴いていたよ。
ヘヴィ・メタル、スラッシュ・メタル、デスメタルからパンク・ロックまで、あらゆるジャンルを聴いていたね。例えば、ギタリストは “Need for Speed” をプレイ中に Static-X の曲を聴いてヘヴィ・ミュージックにハマり、ギターを手に取ったんだ。

Q2: Are you connected to the Russian metal scene? Or have you been targeting bands outside the country?

【BNG】: Even though we don’t play shows that often, we stay connected to the Russian metal scene ― we keep in touch with a lot of musicians and bands.
We also try to stay connected with bands outside the country. We’ve got a lot of great memories and friendships from our European tour.

Q2: 地元ロシアのメタル・シーンとの繋がりはあるんですか？それとも、国外により目を向けているんですか？

【BNG】: ライブ活動はそれほど頻繁には行っていないんだけど、ロシアのメタル・シーンとは繋がりを保っているよ。多くのミュージシャンやバンドと連絡を取り合っているんだ。
同時に、国外のバンドとも繋がりを保つようにしているよ。ヨーロッパ・ツアーでは、たくさんの素晴らしい思い出と友情が生まれたんだ。

Q3: ByoNoiseGenerator is exactly the right name for your music, why did you decide on this name?

【BNG】: As you pointed out ― it fits our music, so that’s why we picked it.
But seriously, both the name and the whole concept came from our drummer’s slightly deranged mind while he was inhaling nitrous oxide in a Russian sauna. So yeah, it kind of naturally became part of our artistic identity.

Q3: ByoNoiseGenerator というバンド名は、まさにあなたの音楽にぴったりですね。なぜこの名前を選んだのですか？

【BNG】: 君が言う通り、僕たちの音楽に合っているからこそ、この名前を選んだんだ。
でも真面目な話、この名前もコンセプト全体も、僕らのドラマーがロシアのサウナで亜酸化窒素を吸っていた時に、ちょっと狂った頭で思いついたものなんだよね。だから、その狂ったコンセプトが自然と僕たちの芸術的アイデンティティの一部になったというわけだよ。

Q4: Still, I’ve never heard music as chaotic as yours!Technical grindcore, free jazz, Primus-like grooves with Mr. Bungle-like progressive developments. Why did you decide to make such chaotic, avant-garde music?

【BNG】: “Nothing is true, everything is permitted.”
When we started playing this kind of avant-garde stuff, we made a conscious decision not to limit ourselves with genre boundaries. We began with pure experimentation, and we’re still sticking to that approach.
Our earlier releases leaned more towards death/grind, while the latest one has a stronger mathcore influence, brought in by our newer members Dima and Semyon.
Overall though, the band’s direction has always been about creating максимально intense music ― because physical exercise keeps you strong and young.

Q4: それにしても、あなたたちほどカオスな音楽は聴いたことがありません！
テクニカル・グラインドコア、フリージャズ、PRIMUS のようなグルーヴに Mr. Bungle のようなプログレッシブな展開。なぜこんなにカオスでアヴァンギャルドな音楽を作ろうと思ったのですか？

【BNG】: 「正しい音楽などは決してない。すべてが許される」
こういうアヴァンギャルドな音楽を演奏し始めた時、僕たちはジャンルの枠にとらわれないことを意識的に決めたんだ。純粋な実験から始め、今もその姿勢を貫いているよ。
初期の作品はデス／グラインドコア寄りだったけど、最新作は新メンバーの Dima と Semyon がもたらしたマス・コアの影響がより強くなっているね。
とはいえ、バンドの方向性は常に、最強に極めて激しい音楽を作ることにある。なぜなら、身体を動かすことは、強くて若々しくいる秘訣だからね。

Q5: Many people must feel John Zorn’s genes when they listen to your music.In fact, does his music and use of the saxophone influence you?

【BNG】: We actually discovered Zorn relatively late. It happened after people online started comparing our music to his.
Initially, we were more influenced by sax players like Chris Potter, Ben Wendel, and Michael Brecker.
That said, John Zorn had a huge impact on our sax player Shela in his early years. He learned improvisation and phrasing largely through studying Zorn and Naked City.
So yeah ― the answer isn’t entirely straightforward, as you can see.

Q5: あなたたちの音楽を聴くと、John Zorn の影響を感じる人も多いのではないでしょうか。実際、彼の音楽やサックスの使い方は、あなたたちに影響を与えていますか？

【BNG】: 実は、John Zorn を知ったのは比較的遅い時期だったんだよね。ネット上で僕たちの音楽と彼の音楽を比較する人が出始めたのがきっかけだったんだ。
当初は、Chris Potter, Ben Wendel, Michael Brecker といったサックス奏者から影響を受けていたんだよ。
とはいえ、John Zorn は、サックス奏者の Shela が若い頃に大きな影響を受けている。Shela は Zorn と NAKED CITY を研究することで、即興演奏やフレージングを多く学んだんだ。
だから、メンバーによって異なるんだよね。

Q6: Interestingly, your music reminded me of the soundtrack to the Japanese anime Cowboy Bebap.It’s strange that grindcore reminds me of such music (lol), but do you actually have any Japanese anime, video games, or music influences?

【BNG】: Japanese culture hasn’t directly influenced our music, but it’s worth mentioning that we all grew up watching iconic anime and films like Evangelion, Berserk, Tetsuo: The Iron Man.
All of that stuff feels incredibly weird and mesmerizing ― at least from a European perspective. Maybe our music creates a similar feeling for listeners.

Q6: 面白いことに、あなたの音楽は日本のアニメ “カウボーイ・ビバップ” のサウンドトラックを想起させますよ。グラインドコアがそんな音楽を連想させるなんて不思議ですが（笑）。
そうした、日本のアニメやゲーム、音楽から影響を受けたことはありますか？

【BNG】: 日本の文化が直接僕たちの音楽に影響を与えたわけではないけど、僕たちは皆、”エヴァンゲリオン”, “ベルセルク”, “鉄男” といった名作アニメや映画を見て育ったことは特筆すべきだろうね。そうした作品は、少なくともヨーロッパの視点から見ると、信じられないほど奇妙でだけど魅惑的なんだ。
もしかしたら、僕たちの音楽もリスナーに同じような感覚を与えているのかもしれないね。

Q7: Originally, grindcore and death metal were two separate things, but in recent years the two have come closer together, with a proliferation of bands that are now being referred to as death grind. You also combine the impulse and sociality of hardcore with the complexity and technique of death metal, which do you consider more your roots?

【BNG】: Like we said earlier, it all started with death metal and its variations. Later, we began incorporating more grind and mathcore elements.
We genuinely love all these genres musically, but we deliberately distance ourselves from the typical lyrical themes associated with them.
We don’t want our music to be tied to the exaggerated brutality of death metal or the socio-political messaging often found in grindcore.

Q7: 元々、グラインド・コアとデスメタルは別々のジャンルでしたが、近年は両者が接近して “デス・グラインド” と呼ばれるバンドが増えています。
BNG もまた、ハードコアの衝動と社会性に、デスメタルの複雑さとテクニックを融合させていますが、どちらがよりあなたのルーツだと考えていますか？

【BNG】: 先ほども述べたように、すべてはデスメタルとその派生ジャンルから始まったんだよね。その後、グラインド・コアやマス・コアの要素をより多く取り入れるようになったんだ。
僕たちはそうしたジャンルを音楽的に心から愛しているけど、凶悪な音楽に典型的に見られる歌詞のテーマからは意図的に距離を置いていてね。
僕たちの音楽が、デスメタルの誇張された残虐性や、グラインド・コアによく見られる社会政治的なメッセージと結びつくことは望んでいないんだ。

Q8: Since 2020, pandemic happened, divisions are growing, and your country is at war. What can heavy music do in such a dark world?

【BNG】: We believe heavy music should keep doing what it has always done ― bringing people together, giving them a way to release emotions and energy, and helping them get through all this darkness.

Q8: 2020年以降、パンデミックが発生し、分断が深まり、遂にはあなたの国は戦争状態にあります。このような暗い世界で、ヘヴィ・ミュージックは何ができるでしょうか？

【BNG】: 僕たちは、ヘヴィ・ミュージックはこれまで通り、人々を結びつけ、感情やエネルギーを発散させる手段を提供し、この暗闇を乗り越える手助けをし続けるべきだと信じているよ。

FIVE ALBUMS THAT CHANGED BNG’S LIFE!!

The Tony Danza Tapdance Extravaganza “Danza III”

the album that got me into mathcore (Halo)

Metallica “Master of Puppets”

the album that got me into heavy music (Tim)

Pink Floyd “The Wall”

because I like worms (Shela)

Yüth Forever “Freudian Slip”

such an underrated album that takes the best from nu metal, math metal, and metalcore and delivers it in a full-force blast of aggression, anxiety, and depression — just hits you straight in the face (M1t)

Foetopsy “In the Bathroom”

Almighty Jon Engman completely changed my drumming (Nox)

MESSAGE FOR JAPAN

We’re really happy that people in Japan are interested in what we do. Hopefully, one day we’ll get to visit your country, play a couple of shows, and fulfill our vocalist’s childhood dream!

日本のみんなが僕たちの音楽に興味を持ってくれたことを、本当に嬉しく思うよ。いつか日本に行けることを願っている。君たちの国でライブを行い、ボーカリストの幼い頃からの夢を叶えたいね！

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【AT THE GATES : THE GHOST FROM A FUTURE DEAD】 TRIBUTE TO TOMAS LINDBERG

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COVER STORY : AT THE GATES “THE GHOST FROM A FUTURE PAST”

“It’s not the music, it’s more like the friendship. From the reunion, I would say we were the best of friends. I mean, we hung out outside the band as well and were almost like a family. So I will always share the friendship of it.”

THE GHOST OF A FUTURE DEAD

2025年9月16日。Tomas “Tompa” Lindberg は稀少で進行の速い癌である腺様嚢胞癌との勇敢な闘病の末、52歳で亡くなりました。北欧アンダーグラウンド・シーンのアイコンだった彼は、2024年初頭の入院、手術を前に、新作のボーカル・パートをすべて完成させていたのです。その後も彼はバンドとリモートで精力的に作業を続け、後に様々な感情に満ちたアルバム “The Ghost of a Future Dead” となる作品の隅々までを作り上げていきました。
「彼はとても勇敢だった。手術後もアルバム制作に取り組んだことが、彼自身と彼の状況にとってプラスになったと思う。創作活動を続け、いわば制作過程に身を置くことで、彼は最悪の時期を乗り越えることができたと思う」
そう、盟友 Anders Björler は語っています。音楽と歌詞は Tomas の診断前に完成していましたが、バンドは Tomas 自身の希望でアルバムのタイトルを変更しました。そのタイトルは、今となっては伝説のフロントマンへの痛切で予言的な墓碑銘となっています。
「曲も歌詞も全て完成していたんだ。アルバムの仮タイトルは “The Dissonant Void（不協和音の虚無）” だった。2曲目のタイトルだね。ところが、手術と放射線治療の後、彼は機嫌が悪かったり、悪夢に悩まされ、薬の効き目が強かったりして、アルバムのタイトルを変えてしまったんだ。だから、”The Ghost of a Future Dead (未来の死者の亡霊) ” が Tomas の選んだタイトルなんだよ。僕たちなら絶対に使わなかったようなタイトルだけど、彼自身が選んだものなので、それでいいと思っている。とても衝撃的で、とても陰鬱で、今振り返ると、ある意味予言的とも言えるタイトルとなったね。あまり深く話し合ったわけではないけれど、今思えば、彼は最終的に生き残れないかもしれないという不安を抱えていたのだと思う。いまではないにしても、数年後にはそうなるかもしれないと。だから、これはこれから起こることの予兆のようなものだったのかもしれないね。うん、本当に力強いタイトルだ。Tomas のタイトルだよ」
音楽的に、Tomas はシンプルなスタイルに回帰することを望んでいました。
「Tomas と他のメンバーは僕がバンドに戻ってきたことを本当に喜んでいて、僕が戻ってきたことで彼らはどういうわけか新しいエネルギーを得たようだった。Tomas の希望は “Slaughter Of The Soul” や “At War With Reality” のような、よりシンプルなアレンジ・スタイルに戻ることだと言っていたね。というのも、彼らは過去2枚のアルバムでプログレッシブなスタイルのパートを作っていたから。それで、僕と Jonas は曲作りを始め、ほぼ半々で書きあげたんだ」

終焉の全貌を理解するには、まずは始まり、つまりイエテボリで道を切り開こうとしていた若者たちの馴れ初めに遡る必要があります。彼らはメジャーなメタルとアンダーグラウンドの両方から影響を受けていました。
「つまり、最初は基本的に僕と Jonas と学校の友達だったんだ。ACCEPT の “Restless and Wild” みたいな音楽を聴き始めて、もっとヘヴィな音楽を探し求めていた。もっと速く、もっとヘヴィに、もっとブルータルに、でも少しだけスケールアップした感じの音楽が欲しかったんだ。
ACCEPT の次の段階は、W.A.S.P. がファーストアルバムを出した時だった。それから、”Animal (Fuck like a Beast) EP” もね。まあ、父が英語が分かるから買えなかったんだけど。それに（Blackie Lawlessが）股間にノコギリの刃を刺してたし。僕たちまだ10歳くらいだったからね（笑）。
それから METALLICA, SLAYER へと進み、1989年に Tomas と出会ったことで、MORBID ANGEL やアンダーグラウンド・メタル・シーン全体に足を踏み入れることになったんだよね」
Björler 兄弟が Tomas と出会ったことで、すべてが変わりました。Tomas は当時、後に AT THE GATES のメンバーとなる Alf Svensson と共に GROTESQUE というバンドで地元のシーンにおいて既に頭角を現していました。
「Tomas はストックホルムで NIHILIST, DISMEMBER, TIAMAT, GRAVE のメンバーなど、たくさんの知り合いがいたんだ。でもイエテボリに来てからはかなり孤独だったから、もっと関われる何かを求めていたんだよ。自分の音楽を広めたかったんだろうね。
彼と、カスケード誌を創刊した友人は、イギリスのメタル雑誌 “メタル・フォース” にたくさんの広告が載っているのを見つけたんだと思う。それで、他の雑誌の広告やデモテープなどの広告もカスケードに載るようになった。いわばセミ・アンダーグラウンドな雑誌だったんだけど、普通の書店でも手に入ったから、既に流通していたといえる。だけど、アンダーグラウンド系の広告も載っていたんだ。だから、AT THE GATES は Tomas との出会いで始まったと思う。彼は僕に新しい世界を開いてくれたからね」

兄弟は1990年に Tomas, Alf, そしてドラマーの Adrian Erlandsson と共に AT THE GATES を結成し、デビューEP “Gardens of Grief” をリリース。その後、Alf が脱退するまでに、1992年に “The Red in the Sky is Ours”、1993年に “With Fear I Kiss the Burning Darkness” という2枚のアルバムをリリースしました。
「Alf は最も複雑でひねくれたアイデアを提供してくれていた。僕たちは彼から大きな影響を受けていたし、今もそうだ。彼は素晴らしい音楽を書いていた。初期の作品の問題点は、プロダクションがひどいことだね。良いサウンドだったら、もっとずっと面白くなっただろう。でも、93年に彼が脱退した後、THE HOUSE OF USHER の Martin Larsson が加入し、ソングライティングはよりストレートになったよ」
当時のバンドの技術はまだまだ未熟で、楽器の上達にも情熱を傾けていました。
「本当に大変だったんだ。僕たちはイエテボリの南にある小さな村の出身だった。イエテボリというより、本当に小さな村でね。だから、奇跡みたいなものだよ。確かに、僕たちは何かユニークなことをしていると思っていたし、実際そうだった。でも、世界最高のバンドだとは思っていなかったよ。僕にとって一番大きな問題は、楽器の演奏が本当に下手だったこと。いつも練習していたんだけどね。たぶん “Terminal Speed Disease” の頃になって、少しずつ上達し始めたよ。それからは、少なくともマシにはなった。だから、最初の頃の本当の苦労は、演奏が下手だったことだね。でも、僕が初めてギターを手に入れたのは1990年の2月だったんだ。つまり、AT THE GATES を始める数ヶ月前のこと。だから、たくさん練習しなきゃいけなかった。最初のミニアルバム “Gardens of Grief” は冬、12月と1月にレコーディングしたんだ。だから、練習期間はたった10ヶ月しかなかった」

バンドは1994年にピースヴィル・レコードから “Terminal Spirit Disease” をリリースし、1995年にはイヤーエイク・レコードから、今や名盤の誉れ高い “Slaughter of the Soul” をリリースしました。これが彼らにとって以降19年間の最後のアルバムとなりました。 しかし皮肉なことに、バンドとその仲間たちは不在の間にカルト的な人気を獲得し始めます。そうして、イエテボリ・サウンドはより幅広い層にアピールするようになっていきました。
「確か DARK TRANQUILLITY の Mikael が、1998年頃にドイツで行ったインタビューで、イエテボリ・サウンドとかいうやつを耳にしたのがきっかけだったと思う。そう、その頃、それから2年後くらいだったかな。アメリカのバンドの多くは、東海岸で行われたMORBID ANGEL, DISSECTION, AT THE GATES のライブに出演したがっていたんだ。SHADOWS FALL, KILLSWITCH ENGAGE, UNEARTH のメンバーと話をしたよ」
2008年に数回の再結成ライブを行いましたが、バンドが本格的に復活し、名盤 “Slaughter of the Soul”のラインナップを擁する、強烈な5thアルバム “At War With Reality” をリリースするまでには、さらに6年の歳月を要しました。もし、あの解散がなければバンドはより大きくなっていたのでしょうか？
「僕は衝動的で感情に流されやすい性格なので、最初にバンドを脱退するのは非常に感情的な決断でした。10ヶ月間も無給でツアーを続け、膨大な量の仕事をこなさなければならなかった。僕たちはまだそんな準備ができてなかったんだ。まだ20歳で、若くて、早すぎたんだ。もちろん、お酒もたくさん飲んだしね。ちょっとした喧嘩もあったけど、深刻なものではなかったね。Tomas は、ビッグなバンドになることに非常にこだわっていたけど、僕はそうではなくて、音楽を作ることに夢中だった。そしてそれは今も変わらない。重要なのははアートを創造すること。キャリアには興味がない。街で声をかけられたりするのは嫌なんだよ。だからインタビューも好きじゃない。ごめんね。以前は Tomas がインタビューを全部やってくれてたから、僕にとっては全然新しい経験でね。僕はかなりシャイな人間だからね。でも、音楽を作ること、それが僕にとって常に重要だった。つまり音楽そのものが大切なんだ。名声には興味がない」

Anders は2017年にバンドを脱退し、ツアーやレコーディング活動とは無縁のキャリアを歩み始めましたが、5年後、彼はバンドメンバーと再会し、ライブを再開。後に “The Ghost of a Future Dead” となる楽曲制作に取り掛かりました。
「復帰はとても自然な感じだった。戻ってきてすごくいい気分だったし、エネルギーもみなぎって、また楽しくなった。もちろん、みんな連絡を取り合っていたし、Jonas は双子の兄弟みたいなものだ。他のメンバーとも連絡を取り合っていた。彼らは怒ったりしなかった。僕たちも年を取ったからね。誰かがグループを離れて別のことをしようと決めたとしても、わだかまりはない。人生ってそういうものだからね」
90年代と今とでは、変わったことがあるのでしょうか？
「一番大きな変化は、音楽理論に関する知識が格段に増えたことだと思う。つまり、音楽についてずっと多くのことを知っていて、よりこだわりが強くなったということかな。ドラムのBPMが0.5倍ずれているだけでも、チューニングが0.05%間違っているだけでも、すぐに分かるからね。本当に、まあ、職業病みたいなものだね。40年、いや35年もの間、膨大な量の音楽を聴いてきたわけだから。でも、初期の頃のあのエネルギー、あの若々しさが懐かしいよ。僕たちは本当に、本当に、世界を変えられると信じていた。実際にそう信じていたんだよ。
ああ、そう、俺たちは自分たちがビートルズかローリング・ストーンズか何かだと思ってたんだ。でも実際は、奇妙な影響を受けたクレイジーなデスメタル・バンドだった。あの頃のエネルギーと集中力が懐かしいよ。もう53歳だしね。ちょっと怠け癖が出て、モチベーションを維持するのが難しくなる時もある。家族や友達と過ごす時間を増やしたくなるしね。だから、そう。それが以前との大きな違いなんだ」

Anders の音楽の嗜好も変わってきたようです。
「最近は60年代のジャズ、例えばコルトレーンやマイルス・デイヴィスみたいなものはよく聴くね。妻はアンビエントとか、すごくダークな音楽をよく聴かせてくれる。新しいポップスも聴くよ。つまり、良い気分になれるもの、良いものなら何でもいいと思う。でももちろん、クラシック・メタルも聴くし、BLACK SABBATH や RAINBOW などの70年代のメタルも好きだ。SLAYER や TROUBLE なども今でもよく聴く。聴かないのは難しい。何でもいい。でも、モダンメタルは聴かない。だから、メタルを聴くとしたら、MORBID ANGEL とか、89年か90年に出た頃まで。それ以降はあまり聴かないね。
昔の音楽を聴くのは、それが自分が育った音楽だから。だから、現代​​の音楽はメタルじゃない。何か別のものだ。だから何でもいい。映画音楽、サウンド・トラック、何でも。昔のイタリアやスペインのカルト映画、つまりマカロニ・ウェスタンやガロ・スリラー、それから “食人ゾンビ” などもよく観るし、イタリア映画のサウンドトラックもよく聴くね。ブライアン・イーノ、エンニオ・モリコーネなど、有名な作曲家はたくさん、他にも100人くらいるね。ロシアのクラシック音楽も素晴らしいよ。AT THE GATES に大きな影響を与えていると思う。チャイコフスキー、ショスタコーヴィチ、プロコフィエフなど、特に不協和音のハーモニーが重要だ。Jonas もよく聴いていたんだ」
復帰の条件として、大規模なツアーやメディア対応はしないと冗談交じりに話しながら、Anders は、このアルバムに関わるすべて―プレス対応からアートワークやビデオの制作、あらゆる計画や祝賀会まで―は、すべて Tomas 追悼のためだと強調します。
「これは Tomas のためにやっているんだ。ああ…話すのはとても辛いよ…つまり、ジャーナリストと話すのは非常に厄介なことであると同時に、セラピーのようなものでもあるんだよな。というのも、多くのジャーナリストが Tomas を個人的に知っていたことに気づいたからね。実際、彼の話をしていると、泣き崩れてしまうジャーナリストもいたくらいでね。誰にとっても、彼の死は大きな出来事だったんだ」

30年以上にも及ぶ友情、青春時代から大人になるまでの道のりを振り返ると、音楽よりも大切なのはメンバーとの兄弟のような絆でした。
「音楽というより、友情の方がずっと大切だった。最初の数年間は確かに友情があったけれど、それはまだ青春時代だったからね。だから、それから色々な感情が渦巻いてきて、いくつか間違った決断もしたし、ツアーが中止になったり、イライラすることもたくさんあった。
でも、その後、30代になって大人になった頃、Tomas に息子が生まれた。彼はすっかり別人のように、謙虚になった。バランスが取れた人間になっていたんだ。先生として働いてもいたしね。だから再結成した時、僕たちは最高の親友だったと言えるだろう。バンド以外でも一緒に過ごしたし、まるで家族みたいだった。だから、この友情はいつまでも僕の大切な宝物なんだ」
ドラマー Adrian Erlandsson は、アルバムの歌詞をまだ聴けていません。
「正直に言うと、歌詞については何も言えないんだ。歌詞を読んでいないからね。Tomas の病気、そして最終的には彼の死という、このアルバムを取り巻く様々な出来事があったから、長い間、聴くのが辛かったんだよ…彼が亡くなる直前から、ようやくまた聴き始めたんだけどね…」
残されたバンドメンバーにとって、”The Ghost of a Future Dead” のリリースは、悲しみと表裏一体でした。すべての音、すべてのサウンド、すべての映像は、フロントマンであり、そして何よりも大切な友人であった、今は亡き Tomas のことを思い出させます。しかし同時に、この遺作は彼の情熱、不屈の精神、そして比類なき才能の証でもあるのです。

「ちゃんと彼を悼む時間がなかったことに気づいた。まだ真っ只中にいるからね。まだこのアルバムに没頭している。インタビューを受けたり、アルバムの最終調整をしたり、彼のミュージックビデオを作ったりしているんだ。
すべてが彼の存在を感じさせる。どこに行っても彼のことを思い出す。音楽も、映像も、”The Fever Mask” のビデオも、街を歩いているだけでもそうだ。よく通っていたパブやレストランの前を通ったり、かつて住んでいた場所へ向かう古いバスを見かけたりするとね…つまり、何もかもが Tomas を思い出させるんだよな…
彼の残した功績にとても重きを置いているよ。それが一番大切なことなんだ。彼の記憶を後世に伝えることが本当に…重要だ。彼は非常に強い意志を持った人物で、特に音楽シーンに大きな影響力を持っていた。彼に会ったことのある人、ジャーナリスト、他のバンド、出身地を問わず、誰もが彼のことを覚えている。彼はとても社交的で、いつも新しい人をみんなに紹介してくれたから、誰も疎外感を感じなかったんだよな。僕は、人々が彼をそんな風に記憶してくれることを願っているよ」
バンドはこれからどうなるのでしょう？
「何も予定はない。というのも、アルバムを Tomas が望む形に仕上げることに集中してきたからね。彼がもう歌えないとわかってからは、Tomas の遺産を世に残すことに集中し、それを実現しようとしてきた。それが最優先事項だった。バンドの継続については全く話し合っていないよ。Tomas の代役なんて、そもそも不可能だろう。彼は本当に個性的な人物だったからね…」

REST IN POWER…TOMAS “TOMPA” LINDBERG

参考文献: METAL INJECTION :The Ghost Of A Future Dead: The Life & Legacy Of AT THE GATES & TOMAS LINDBERG

ROCKING GREECE :At The Gates: “It’s all about creating art, not a career”

LOUDER SOUND :Adrian Erlandsson admits he hasn’t yet read the lyrics of the Gothenburg innovators’ upcoming record, The Ghost Of A Future Dead

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【JOEL HOEKSTRA’S 13 : FROM THE FADE】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH JOEL HOEKSTRA !!

“It does’t really matter WHAT you’re working hard at. There are so many ways to become talented with guitar. The one thing all great guitar players have in common is that they have spent a lot of time with the instrument.”

DISC REVIEW “FROM THE FADE”

「僕は音楽に関しては非常に柔軟な考え方を持っていて、何事にも一生懸命取り組んでいるんだ。プロ意識を持ち、親しみやすく、感じの良い人間であろうと心がけていて、だから周りの人たちも僕が彼らのために最善を尽くそうと真剣に考えていることを感じ取ってくれているからだと思うんだ」
Joel Hoekstra は今、メタルやハード・ロックの世界で最も引っ張りだこなギタリストのひとりでしょう。NIGHT RANGER で颯爽とギター・シーンに登場した Joel は、その技巧と創造性、そして旋律の妙で瞬く間に注目を集め、David Coverdale から WHITESNAKE のギタリストに任命されます。あまりにも華麗なロックのシンデレラ・ストーリー。しかし、Joel を必要としているのはこの二大バンドだけではありません。
TSO, FOREIGNER, ICONIC, REVOLUTION SAINTS, Jeff Scott Soto, Amy Lee, Michael Sweet, Sebastian Bach, Nico Mcbrain, そして意外にも ACCEPT。少し挙げただけでも、共演者には錚々たる顔ぶれが並んでいます。興味深いのは、多種多様なアーティストが Joel との共演を望んでいること。つまり、Joel の才能はどんな音楽にも対応できるほどに柔軟ですが、しかしそれだけが求められる理由ではありません。いや、それ以上に彼は、人間的に柔軟で優しく、勤勉であることこそが求められる理由だと信じています。
「僕はいつも、誰よりも努力するようにとアドバイスしているんだ。なぜなら、努力は必ず報われると信じているから。実は、ギターを極めるために何に努力するかはそれほど重要ではないんだよ。ギターの才能を開花させる方法はたくさんあるからね。偉大なギタリストに共通しているのは、楽器に多くの時間を費やしてきたという事実だけなんだ」
そう、Joel Hoekstra はギターに対して、音楽に対して、そして音楽にかかわるすべての人に対して誰よりも謙虚で、柔軟で、真剣です。練習よりも、努力よりも、戦略やイメージ、動画の編集能力が重要になる現代において、だからこそ Joel は声高にこう語ります。ギターに触り続けろと。
運指や音の正答が瞬時にでる、YouTube や Guitar Pro 全盛の時代。しかしもしかすると、その便利さがギタリストの多様性を奪っているのかもしれません。ギターを極めるための道は何通りもあるべきで、だからこそ道が定まらない不便な時代には個性的なギタリストが多く生まれたのかもしれません。ただひとつ、裏切らないのはギターに触れた時間だけ。
「まず第一に、僕はロック・ミュージシャンだ。でも、他のジャンルの要素を取り入れてロックに融合させるのが大好きなんだよね。音楽理論が大好きだから、音楽の構造を理解できて、他の人がやっていないようなことを考えるのにとても役立っているよ。普段は親しみやすく馴染みやすいスタイルで演奏しているけど、時折、人を驚かせるような要素を盛り込むのが好きなんだよね」
そんなギターのキャプテン翼、Joel Hoekstra だからこそ、彼が作り上げる “メロハー” の世界 “From the Fade” は独特で芳醇です。”Lifeline” のように誰もが親しみを抱くメロディを根幹に置きながら、Joel は楽曲の中にギターの美技、そして好奇心を誘うギミックやフックを存分に盛り込みます。Vinnie Appice, Derek Sherinian, Tony Franklin という歴戦の猛者たちの色彩も巧みに織り入れながら、シーンのニュー・ヒーロー Girish Pradhan の情熱的な歌唱がアルバムのステージをひとつ上へと高め、Joel の絶技がトドメを指すイメージでしょうか。ただのノスタルジーではなく、衰退とは真逆の未来を見据えたフォレスタルジー。そう、Joel が作り上げた、DIO から JOURNEY、WHITESNAKE から FOREIGNER まで駆け巡るメタルの歌心と妙技の旅路は、21世紀に入っても色褪せることは決してないのです。
今回弊誌では、Joel Hoekstra にインタビューを行うことができました。「僕自身は8フィンガー・テクニックを Jeff Watson から教わったわけではなくてね。僕の初期の指導者の一人である TJ Hermerich が、僕がまだ若かった頃、たぶん14歳くらいの時に教えてくれたものなんだ。彼は Brett Garsed とフュージョン・アルバムをいくつか出しているから、ぜひ聴いてみてほしい！TJ は8フィンガー奏法において非常に高度な技術を持っていたからね」 そうなんだよね…この人 TJ Hermerich の弟子でもあるんだよね… Brett Garsed 共々、タップでもハイブリッドでもある指は全部使う努力家ギタリストの系譜。どうぞ！！

JOEL HOEKSTRA’S 13 “FROM THE FADE” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【DARREN HOUSHOLDER : A VISION FOR YOU】

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EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DARREN HOUSHOLDER !!

“My life goal since I was fifteen was to become an internationally known rock musician. My current goal is to make Psycho Pharma an internationally known brand of supplements.”

DISC REVIEW “A VISION FOR YOU”

「僕がバークリーに在学していたのは、John Petrucci, John Myung, Mike Portnoy が全員バークリー音楽大学に在籍していた年だった。彼らは毎晩練習室にこもり、後に “Majesty” となる楽曲制作に励んでいたんだよね。彼らは信じられないほど勤勉で、努力家で、成功は確実だと学校の誰もが感じていたよ」DREAM THEATER の成功は、その才能と努力、勤勉さから多くの人が予感していました。しかし、例えば James LaBrie との出会いだったり、MTV でのヘヴィ・ローテーションだったり、グラミー獲得までにはほんの少しの “運” の要素も作用していたはずです。実は彼らと同学年に、そんな “運” がほんの少し、味方しなかったひとりのギタリストがいたのです。
「1995年までに、僕はインストゥルメンタル・ギター・アルバムを3枚と、Love/Hate との共作 “Let’s Rumble” をリリースしていた。ドラムに Ray Luzier 、ボーカルに Sean Daily を迎えた僕のバンド、FREAK POWER TICKET は、オリジナル曲を15曲録音し、当時は難しかった契約獲得を目指してロサンゼルス周辺で演奏活動を行っていたよ。そんな時、当時ガール・フレンドだった今の妻が、僕たちの第一子となるドリアン（僕たちの好きな短音階にちなんで名付けた）を出産間近となって、僕は音楽学校時代ずっとやっていたテレ・マーケティングの営業を再開することにしたんだ。やがてその仕事が得意になり、家族を養えるほどになって、2年以内に念願のマイホームを購入することができた。その6ヶ月後、僕はその会社を辞め、Brand New Energy というサプリメント販売会社を立ち上げたんだ。これが後に僕のフィットネス・ブランド、Psycho Pharma になったんだよ。あれから28年が経ったんだね」
Darren Housholder。”シュラプネル” の一員だった彼は、レーベルの中で特に目立った存在とは言えませんでした。しかし、当時彼が残した3枚のソロ・アルバムはどれも、ギターが本当に “弾ける” 人なら理解できる、そしてそんな人を唸らせる実に素晴らしい作品でした。クラシックやオーケストラ、ビッグバンドに MESHUGGAH のようなリズムの実験。バラエティ豊かな3枚のアルバムにはどれも、挑戦的で音楽的な楽曲が揃えられていましたが、それ以上に Darren はギターを自らの手足のように扱っていました。
ギターを “弾ける” 人なら、そうしたギターとの一体感は演奏からすぐに感じ取ることができます。だからこそ、例えば Marty Friedman が MEGADETH で、Paul Gilbert が MR. BIG で、Bumblefoot が　GUNS N’ ROSES で世界へ羽ばたいたように、Darren にもほんの少しの運が傾くべきだったのです。
「15歳の頃からの僕の人生の目標は、国際的に有名なロック・ミュージシャンになることだ。同時に、現在の目標は、Psycho Pharma を国際的に認知されるサプリメント・ブランドにすることなんだ」
もし出会ったのが LOVE/HATE ではなかったら (とはいえ “Let’s Rumble” は名作ですが)、もし Jeff Pilson と Vinnie Appice とバンドを組めていたら、もし David Lee Roth に拾われていたら…そんなたくさんの “If” を経て、Darren はギター以外の世界に活路を見出すことに決めました。
ギター教師、テレワークの経験を活かして立ち上げたフィットネス/サプリメント・ブランド “Psycho Pharma” は世界的なブランドへと成長。もし音楽を諦めたとしても、他の何かで自己実現することができる。そして、人はいつでも音楽へと戻ることもできる。Darren は自らの生き方で、音楽を諦めた誰かの希望となってみせました。そう、彼はブランドを成功へと導きながらも、若かりし頃の夢であった音楽の世界へと再び戻ってきたのです。
「何十年ぶりに書いたインストゥルメンタル曲は、2019年の “Ava’s Dance” だったね。当時、Jizzy Pearl のアルバムを2枚レコーディングしたばかりで、1日に30分以上ギターを弾く練習を再開したばかりだった。長い間失っていた創作意欲が、ようやく戻ってきたんだよ！アルバム “A Vision for You” に収録されている曲は、それから6年の歳月をかけて書き上げていったんだ。どれも全く異なる個性を持っていて、似たような曲は一つもない。ただ一つ共通しているのは、僕のトレードマークであるアグレッシブで攻撃的なサウンドだね」
もしかすると、それは “中年の危機” だったのかもしれません。一時は練習さえしなくなっていたギターを、Darren は再び毎日手に取るようになりました。盟友 Jizzy Pearl のリクエストもあり、アルバムに参加。そうして感覚を取り戻したマエストロは、音楽で自己実現を果たすためインストの世界に舞い戻りました。
“A Vision for You”。ちょうど30年ぶりに届けられたアルバムには、まさしく Darren の多様なビジョンで満ちています。私たちはこういう、展開の読めない、惜しみなく技巧を披露した、ワクワクするような、シュレッド・アルバムをいつでも待ち侘びています。きっと Jeff Beck がシュラプネル時代のアーティストならこんな作品を作っていたのではないでしょうか？ 旧友 Billy Sheehan と KORN の Ray Luzier のダイナミックな演奏も加わり、作品は完璧な復活祭となりました。”Ava’s Dance” の5/8とダウンテンポの6/8の使い分けといったらもう…”Generator Man” で正面されていましたが、やはりこの人はリズムの魔術師です。
今回弊誌では、Darren Housholder にインタビューを行うことができました。「ギターを弾くことで、内気な少年だった僕が自信に満ちた人間へと変われたんだ。人生観そのものが変わり、真の自信とカリスマ性を身につけることができた。音楽という言語を学び、自分だけのサウンドスケープを創造し、世界に発信してほしい。これこそが、僕が知る最高の贈り物だよ。ミュージシャンの個性とは、音色、フィーリング、そしてキャラクターだ。単に音符を弾くだけではなく、音符の弾き方、そして “これは私だ、他の誰にも真似できない” という個性的な表現力こそが、その人を際立たせるんだ。だから、自分だけの個性を見つけてほしい。自分だけのスタイルを見つけてほしい。それは、あらゆる影響が融合し、君だけの唯一無二の音楽へと昇華されるのだから」 どうぞ！！

DARREN HOUSHOLDER “A VISION FOR YOU” : 10/10

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【ANGINE DE POITRINE VOL. Ⅱ】 FUJI ROCK 26′

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COVER STORY : ANGINE DE POITRINE “VOL. Ⅱ”

“I built the first microtonal guitar we used myself. I added more frets on a guitar with a saw. The moment we started playing it, we just laughed!”

ANGINE DE POITRINE

「ノコギリでフレットを増やしたんだ」 ANGINE DE POITRINE (フランス語で狭心症の意) は “意味不明” なマイクロトーン・ダブルネック・ギターを自作。そうして今、彼らはネット上で爆発的な人気を博しています。
ジャズ、プログ、マスロックを融合させた彼らの濃密なサウンドは、数百万回の再生回数を記録し、Rick Beato や Cory Wong, Dave Grohl といったミュージシャンを驚愕させながら、音楽世界の話題をかっさらっています。
ケベック出身の型破りなデュオは、まるで別次元、別宇宙から来たかのような、見た目も音色も異彩を放つ自作のマイクロトーン・ダブルネック・ギターを手に、不協和音をバイラルな言語へと昇華させ、先月KEXPで行われた彼らのパフォーマンスは、なんと350万回以上の再生回数を記録。FUJI ROCK 26′ への参戦も決定。
2020年から活動を開始し、ケベックを拠点とするこのデュオは、まさに方向感覚を失わせるようなサウンドを奏でています。彼らの黒と白の水玉模様の衣装と張り子の頭部は、そのミステリアスな雰囲気をさらに高め、ただでさえ異質なサウンドに、催眠的でありながら悪夢のような視覚的アイデンティティを与えているのです。しかし、真の物語は彼らの指先に込められています。
異質な存在の始まりは、やはり異質でした。
「初めてお互いの音楽を聴いたのは、初めて一緒にジャムセッションをした時だった。子供の頃、僕たちは音楽を仕事場というより遊び場のように捉えていてね。午後は地下室で過ごしたり、時にはドラムとアンプを野外に持ち出して自由に即興演奏をしたりしていたんだ。僕たちが結束を固め、緊密な共通の芸術的ビジョンを築き上げてきたのは、カバー曲を演奏することに全く興味がなく、自由な即興演奏を通して一緒に演奏することを学んだからだと思う。
常に、グロテスクな即興演奏で笑いを取ったり、自分たちのオリジナル曲のレパートリーを増やしたりすることを目指していた。あるいは、遊びを通して互いに刺激し合うこともあった。例えば、”おい、こっちの友達に無調のウォーキング・ベースを三連符で弾いてもらって、ギターは奇妙な16分音符のラインで切り込みを入れて、ドラムはスウィングと均一なリズムを交互に刻むんだ。まるでビデオゲームのビートみたいにね” といった具合にね」

当時も今も、二人はギタリスト Khn の家をリハーサルスペースとして使っています。彼ら曰く、そこは “混沌としていて、ちょっと崩れかけている” 場所で、アリやネズミがいて、壁にはカビが生え、屋根からは水が漏れているそうです。しかし、その環境には独特の静けさがあり、それが彼らの奇妙な演奏を可能にしているといいます。「森の中の静かな場所だから、いつでも思いっきり騒げるんだ」
ANGINE DE POITRINE の初の公式コンサートは、シクティミで開催されたパフォーマンスアート・イベントで行われました。そこで二人は、好奇心旺盛でオープンマインドな地元の人々からすぐに支持を得ることに成功します。
「あの最初のショーは、もし僕らが活動を続けたらどうなるかという試金石だった。バンドの構想は、ライブ・パフォーマンスに特化していて、最初はちょっとした冗談だった。でも、僕たちがこれまでやってきたことの多くは、そういう瓢箪から駒的なものなんだ」
ふたりは匿名性について語ろうとはしませんが、バンド名とインスピレーションの源については（ユーモラスに）認めています。
「視覚的にも音響的にも、僕たちの主なインスピレーション源はテングザルだ。バンド名は最初は冗談で出したものだったけど、不協和音による心臓機能不全というアイデアと合致していることに気づいた。それと、いくつかの曲に感じられる切迫感もね」
たしかに、”切迫感” という言葉は、ANGINE DE POITRINE の特徴である、力強く、微分音的で、ループを多用したサウンドとその進化を的確に表現しています。
「僕たちは物事を自然に進化させている。音楽の方向性に厳密なスタイルの境界線を設けないでね。僕たちの音楽的嗜好はロック音楽に深く根ざしているので、常に少し “ヘヴィ” な雰囲気があるかもしれないね。でも、曲を通してさまざまな影響を感じ取ることができるだろう。”Vol. II” では、あまり深く考えずに、さまざまな方向へ進んでみた。そういうこともあるんだってね」

作曲における彼らのモットーは何でしょう？
「僕らのモットーは常に、新鮮な音楽的アイデアを世に送り出し、驚きで脳を刺激しつつ、ある程度シンプルさを保つことなんだ。変拍子をできるだけ聴きやすくしようと常に心がけているんだ。タイトで “複雑な” ビートと、すごく踊れるビートの間を行き来するのが好きなんだ。ギターのように、緊張と解放のパターンを作り出すようにしているんだよ」
とはいえ、考えすぎてはいないようです。
「僕たちは、象徴主義にはあまり重きを置いていないんだ。バンド全体として、深い概念的な思考プロセスは存在しなくてね。みんなが耳にする、目にするすべてのものは、常に僕たちの独特なユーモアのセンスの産物であり、それが僕たちの共通の創造空間の根底にあるものだ。つまり、音楽に合わせて体を揺らし、笑い、奇妙で不条理、あるいは驚きに満ちた美的表現（視覚的なものも音楽的なものも）を通して、喜びの状態に到達するのが目的なんだ」
独特の衣装も偶然の産物で、強いていえばリスナーの驚きを誘うため。
「衣装は、初めてのライブのために即興で作ったんだ。アンディ・カウフマンみたいな、地元の観客を驚かせるためのちょっとしたイタズラみたいなもので、ライブを1回や2回、あるいは3000回やるかどうかも分からなかったからね。最初は冗談のつもりだったんだ。僕たちはジョークが大好きで、アイデンティティの一番の源だからね。何事も少し軽快で楽しいものが好きだ。時が経つにつれ、僕たちのバンドがちょっと風変わりだということを受け入れるようになってきた。そして今では、それが別の意味で役に立っている。プライベートとステージ上のペルソナを切り離し、匿名性を保つことができるからね」

彼らのサウンドの中心にあるのは、自作のマイクロトーン楽器。ストラトキャスター型のダブルネックギターで、エレキギターとベースの中間のような形状をしています。このギターは手作業でフレットを追加することで改造されていて、標準的な西洋音階の音程間の音程を奏でることができるのです。
Jack White のギターとベースを融合させた “アグリー・スティック” を彷彿とさせるこのギターは、ギターとベースを兼ねたダブルネック構造で、その特徴はとんでもなく奇妙なフレット間隔にあります。Bumblefoot のフレットレスのように、これまでにも興味深いダブルネック・ギターはいくつか存在しましたが、これは全く異なる存在かもしれません。そうして、実験的に始まったものが、あっという間にバンドの代名詞となりました。
「僕たちが最初に使ったマイクロトーン・ギターは、自分で作ったんだ」と、ドラマーの Klek de Poitrine は告白しています。「ノコギリを使ってギターにフレットを追加したんだよ。でも演奏し始めた瞬間、みんなで笑ってしまったんだ。でも、僕はギタリストじゃないから、楽器のポテンシャルを十分に引き出せていなかった。それで、Khn に持って行って、”これ、絶対試してみて。全く意味不明だけど” って言ったんだ。そしたら、演奏し始めた瞬間、不協和とそれぞれの音の近さに、みんなで大笑いしたよ」
その “不協和” こそが重要でした。インドと日本の音楽伝統からインスピレーションを得たこのデュオは、四分音やマイクロインターバルを装飾としてではなく、楽曲の基盤として活用しているのですから。
プログレッシブ・ロックとモダン・ジャズをバックグラウンドに持つギタリストのKhnは、ギターを異国情緒あふれる目新しい楽器としてではなく、ハーモニー言語の拡張手段として捉えています。
「四分音を使うことで、半音階的なアイデアを拡張し、より緊張感を高めることができる。そうすることで、Frank Zappa のようなフレージングに近いものになるんだけど、僕らはさらにその先へと突き詰めている。結局のところ、僕たちが作る曲のほとんどは、John Scofield の “Überjam” や Miles Davis の “So What” のような曲とハーモニー的に比較できるだろう」

Klek がマイクロトーンに惹かれた理由は何だったのでしょう？
「ドラマーだけど、昔から “東洋音楽” 、つまりインド音楽や日本音楽などが大好きなんだ。音符が増えることで、より複雑な響きが生まれるように感じてね。四分音や三分音がもたらす深みに、いつも魅了されてきたよ。音符間の緊張感や不協和をこよなく愛する僕たちにとって、その方向へ進むのはごく自然な流れだった」
ギタリストの Khn はまず、アラビアの響きに惹かれていました。
「最初は、アラビア風の響きをどうにかして出そうとしていたんだ。でもすぐに、よりモード的なアプローチへと移行し、非常にステレオタイプで、結局は自分の文化ではないものを連想させるようなものに陥ることなく、不協和音の可能性を最大限に活用しようとしたね。それに、僕自身の音楽的背景は、プログレッシブ・ロック、モダン・ジャズ、そして現代音楽に深く根ざしている。僕にとって、四分音をもっとキュビズム的、というか、Frank Zappa 風のフレーズで使うのはごく自然なことなんだ。四分音を使うことで、倍の長さの半音階的なアプローチを探求し、より緊張感を高めることができる」
また、トルコのロックや、日本の伝統音楽、そして KING CRIMSON が “Dicipline” で探求したインドネシアのガムラン音楽も影響を受けていると述べています。しかし、時が経つにつれ、彼らはこの独特な楽器を本当の意味で自分たちのものにしつつあります。
「僕たちは、ロックのグルーヴ美学に深く根ざした、独自の音楽言語を探求しているんだ。まだそれほど長くこの手法に取り組んできたわけじゃない。ギターを弾き始めて20年になるけど、マイクロトーンを探求したのはせいぜい4、5年くらいかな。まさに今、僕たちが開いたばかりの扉なんだ」

Klek のお気に入りのバンドはなかなかに通好み。
「僕の生涯のお気に入りは、70年代のプログレッシブ・ロック・バンド、GENTLE GIANT だ。彼らは本当に変人で、プログレッシブ・ミュージックのオタクだった。BLACK SABBATH の前座を務めたんだけど、あまりにも奇妙だったから観客はブーイングしたんだ。観客は準備ができていなかった。ヘヴィ・メタルのリフを求めていたのに、GENTLE GIANT はバイオリンやトランペット、中世の衣装で現れたんだ（笑）。
あと、DUA LIPA は本当に最高にイカしたグルーヴを生み出すと思う。Calvin Harris の音楽全般も、本当に素晴らしい名曲ばかり。過小評価されているバンドといえば、僕の友人で LE PARC というバンドのメンバーにもエールを送りたいね。彼らは僕たちより少し若いけどとてつもない実力派だよ。彼らは一流のプログレッシブ・ロックを演奏する。彼らが国際的にブレイクすることを願っているんだ。少なくとも、彼らが望むだけの名声を得ることをね。だって、本当に、彼らはブレイクするに値するんだから」

Khn は複雑な音楽に没頭する時期は終わったと考えています。
「ほら、誰しもがもっと凝った、もっと複雑なものに共感しようとする時期を経るじゃない。大学で音楽を勉強した後、その時期は終わったよね。今はポップをたくさん聴いているんだ。実は、僕も Calvin Harrisという名前が頭に浮かんでいて、リアーナや DUA LUPA 、その他 Calvin がプロデュースした大物ポップスターたちのヒット曲はどれも最高なんだよな。
過小評価されているバンドなら LOUNGE LIZARDS かな。有名ではないけれど、世界中のアンダーグラウンドシーンでは認知されているバンドだからね。本当にユニークで、他に類を見ない個性を持ったバンドなんだ。ジャズの美学を取り入れつつも、ポップ・ロックのスタイルで演奏する。そして、そのエネルギーはパンクに近い。初めて彼らの音楽を知った時は、本当に衝撃を受けたよ。ギタリストの Arthur Lindsay のギターの弾き方は、ジャズとは全く関係ないんだ。彼はノイズシーン出身で、意味不明なリフを思いつく。まるで音色や音符の概念を拒否しているかのようだ。彼は明確に定義できる音符やメロディーを演奏しない。だから彼のギター演奏が大好きだ！
僕が最も誇りに思うアーティストは、ケベックのバンド、DEUX POUILLES EN CAVALE で、彼らのライブでのルーパーの使い方に本当に感銘を受けた。彼らは僕たちにデュオで演奏するよう刺激を与えてくれたね。僕は彼らのツアーに同行し、彼らが演奏するほぼすべての場所に行った。彼らを見るためにヒッチハイクまでしたんだ」
Rick Beato によれば、ANGINE DE POITRINE ほど彼の受信箱に大量のメールが殺到したアーティストは他にいないそうです。
「彼らについてのメールが1日に25通届き、コメントは何千件にも上っている。彼らの演奏を聴くと、”一体どうやって演奏しているんだろう？” と驚かされてしまうよね。これが未来の音楽のサウンドだと私は想像しているよ」
4月2日にセカンドアルバム “Vol. II” をリリースした彼らの使命は明確です。マイクロトーン音楽を、単なる珍しい音楽ではなく、完全に確立された音楽のひとつとして、そして Jeff Beck がこれまで探求してきたマイクロトーンの限界を超えて、メジャーへと押し上げることです。
「目標は、マイクロトーンを他の音と同じように使うこと。装飾としてではなく、言語そのものとして使うことだよ」
彼らの奇妙で不協和音に満ちた世界は、2026年を通してさらに拡大していくことでしょう。

参考文献: GUITAR WORLD :microtonal guitar has been the key to their unlikely success

NOISE MAG:ANGINE DE POITRINE: A DISCUSSION WITH THE INFECTIOUS QUEBEC BAND

FLOOD MAG:Angine de Poitrine Put the “Big” in Ambiguous

FUJI ROCK FESTIVAL 26′

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【CORROSION OF CONFORMITY : GOOD GOD / BAAD MAN】

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COVER STORY : CORROSION OF CONFORMITY “GOOD GOD / BAAD MAN”

“I mean…you can tell the world a lot by wearing a spiked belt, dude. If you’re at the grocery store and you’ve got a spiked belt, people look at you a little different. Some of them might look at you like, “Damn… I wish I was still that guy.”

GOOD GOD / BAAD MAN

間もなく59歳になる Pepper Keenan は、人生のほとんどをギターに費やしてきました。ニューオーリンズで育った彼にとって、音楽は決して珍しいものではなかったからです。 1989年、彼は CORROSION OF CONFORMITY にギタリストとして加入。ティーンエイジャーの頃からパンクが好きだった彼は、長年このバンドのファンでした。その後、1994年のミリオン・セラー “Deliverance” ではボーカルも担当。このアルバムで彼らはパンクのルーツから脱却し、よりルーズで BLACK SABBATH 的なサウンドへと移行しました。90年代半ばには、スーパー・グループ DOWN でギターを演奏。Jason Newsted が METALLICA を脱退した際、空席となったベースのオーディションに最初に声をかけられたのも Pepper でした。
創立メンバーでベーシストの Mike Dean が脱退し、2020年にはドラマーの Reed Mullin が悲劇的な死を遂げた後、Pepper はギタリストの Woody Whetherman と二人きりとなり、ギターでジャム・セッションをしながらCOCのニューアルバム “Good God / Baad Man” を完成へと導きました。”ダーク・サイド・オブ・ザ・ドゥーム” というニックネームで呼ばれるこのアルバムは、COCのあらゆる要素を網羅した壮大な、しかし “まるで昔のまま” な作品です。中でも特筆すべきは、ヘヴィなストーナー・ロックから至福のサイケデリック・ジャムまで、Pepper の尽きることのないリフの才能でしょう。状況やメンバー構成が変わっても（実際、彼は2006年から2015年まで DOWN に専念するためバンドを離れていた）、彼のギターリフの探求に終わりはありません。
そうして、ベーシストの Bobby Landgraf とドラマーの Stanton Moore を迎え入れ、再びフルバンドを編成しなければならなかった時のことを、彼はゆっくりと回想します。 「新しいガールフレンドができたような気分だったよ。書いていたのは僕と Woody だけだった。Mike Dean はいなかったし、Reed も失っていた。でも僕と Woody は100回も話し合って、やめないって決めていたんだ。僕たちは新しい音楽に興奮しすぎて、このバンドが本当に楽しかった。COCの物語が終わるわけじゃなかったんだ」
その新しい音楽は “Good God” と “Baad Man” の2枚組、大ボリュームで届けられました。
「僕と Woody はミシシッピ州の “ブラック・シャック” っていうところでビールを飲みながらレコードを聴いて、ジャム・セッションしたりギターを弾いたりしてたんだ。COC がこれまでどれだけ色々なスタイルでやってきたか、例えば（サザンロック調の） “Stare Too Long” から、（アグレッシブな）”Vote With A Bullet” まで、本当に色々なことをやってきたって話をしてたんだ。それで、同じような曲が10曲も入ったアルバムなんて作りたくなかったし、このバンドのすべてを1枚のアルバムに詰め込むにはどうすればいいかって話してた。その時、このアイデアが浮かんだんだ。”Good God, Bad Man” っていうのは、俺がずっと前から言ってた言葉で、句読点の付け方によって意味が変わるんだよ。
この組み合わせは意図的に作ったんだ。後から思いついたわけじゃない。レコーディングを始める前から、曲順は決まってた。俺にとってはすごく理にかなってると思う。まあ、アルバムを作って曲を全部仕上げてから、最後に曲順を決める人がいるのは不思議だよな。小説を書くときに、どの章をどこに配置するかを後から決める人なんていないからね」

アルバムは、マイアミのミドル・イヤーでレコーディングされました。BEE GEES の Barry Gibb が所有していて、BLACK SABBATH が “Mob Rules” の一部を録音した場所でもあります。
「ボスである Barry は、あちこちに顔を出していて、想像通り最高だったよ。”Baad Man” っていう曲では、Maurice Gibb が “Jive Talking” で使ってたストラト・キャスターを弾いたんだ。すごいだろ？！このアルバムの制作中は、そんな感じだった。スタジオには、BEE GEES の78年のワールドツアーか何かで使われた白いモーグ・シンセサイザーが置いてあったんだ。それを起動して、それでパートをまるまる一曲作った。だって、使わないわけにはいかなかったんだから。
みんな同じ部屋にいた。ガラス張りのコントロールルームなんてなくてね。アンプとかを隔てるために、家からマットレスを引っ張り出してきたんだ。ギターの音があちこちに飛び散って、本当にリアルだったよ。俺と Woody は Pro Tools と、失礼ながら Kemper アンプとか、完璧なレコーディングとかいうものに完全に行き詰まっていたんだ。俺たちの目指すところは、そういう方向とは全く違う。今の時代と比べたら、まさに新鮮な風だったと思うよ」
“Good God / Baad Man” はCOCの音楽的ルーツを反映し、それらが互いに補完し合う二部作として完成しました。”Good God” はよりヘヴィな楽曲で、トーテム的なストーナーロックの陰鬱さを湛えた “The Handler” や、顔面を殴りつけるようなパンク “Gimme Some Moore” を見せつけ、”Baad Man” はより自由奔放で、ZZ Top やサザン・ロックへの愛を反映したリフが特徴的です。こうした楽曲はすべて、二人がヘヴィなリフ・セッションの合間に、お気に入りのレコードを聴きながらホームスタジオで制作したもの。
「まるで16歳か17歳みたいに、ビールを飲みながらギターを弾きまくって、何も気にせず、本当に楽しい時間を過ごしたね…間違いなく、これまでで一番楽しいアルバムだった。プレッシャーなんて全くなくて、ただやりたいことをやっただけなんだ。まるでゴリラが4トラックレコーダーを叩くように熱狂的に曲のアイデアを録音していった。最高にクールなサウンドだったよ。僕たちが求めていたもの、つまり、ある意味で崩壊寸前のようなサウンドがそこにあったんだ」
そうやって、お気に入りのレコードを一緒に聴くことから始まったアルバムは、”Riffissippi sessions” における “Fire and Water” のカバーを生み出しました。
「作業の合間には、たくさんのレコードを聴いていた。休憩を取って、ビールを6本くらい飲んで、リラックスしたり。プレッシャーなんて全くなかったね。費用は一切かからなかった。時間単位で料金を払っていたわけでもない。何週間もぶっ通しで集まって、ひたすらジャムセッションをしていたんだ。それがレコードにも表れていると思うよ。
そう、僕たちは FREE みたいないろんな音楽を聴いていた。面白いことに、Stanton はそれまで一度も FREE を聴いたことがなかったんだ！FREE が誰なのかも知らなかった。僕と Woody はマジで驚いたよ。でも、僕だって彼が大好きなデイヴ・ブルーベックの曲をそんなにたくさん知っているわけじゃないと思うし。
だから、このカバー曲にはどこか子供のような純粋さがあったんだ。Stanton は本当に純粋だったからね。それで彼が “おい、これ録音しようぜ！” って言い出したんだ。僕は “どういうことだ？FREE の曲をいきなり録音するなんて、そんな簡単なことじゃないだろ！” って思ったよ。でも彼は僕を説得して録音させたんだ。”おい、俺はポール・ロジャースみたいに歌えないよ” って言ったら、彼は “お前らしく歌えばいいんだ！”って。気づいたら、あの野郎が俺たちに “Fire and Water” をレコーディングさせてたんだよ。ロック界の聖杯とも言える名曲だ」

“Gimme Some Moore” のパンキッシュな躍動感も絶妙です。
「10回くらい書き直したんだけど、なかなか形にならなかったんだ。でも、スタジオでレコーディングしていた時に、何かがカチッとハマってね。歌詞を全部捨てて、ゼロから作り直したよ。Stanton がドラムを叩き始めて、彼のドラムに合わせて音節ごとに歌詞を書いていったんだと思う。リフのことよりも、彼のドラムに合わせようとしたんだ。ギターコードの制約から解放された途端、全く新しい世界が開けて、めちゃくちゃパンクな曲になった。まるで16歳の頃に書いたような曲だった。何もかもが嫌いな高校生が、背中に BATHORY のロゴが入ったレザージャケットを着ているような感じ。
サビの “戦う価値はある／レザー、チェーン、スパイク” も最高だよな。スパイク・ベルトを着けているだけで、世の中に色々なことを伝えられるよね。スーパーでスパイク・ベルトを着けていたら、周りの人の視線がちょっと変わる。中には “くそ…俺もあの頃の自分に戻りたい” って思う人もいるかもね（笑）。あれは鬨の声だ。あれでメタル仲間たちが “マジかよ、最高じゃん。俺も思いつけばよかった” って言ってたよ。僕たちの当時の状況、革ジャンにチェーンとスパイク。これが僕らだ。これが僕らのやり方。お前ら全員クソくらえ。そんな感じだったんだ」
“Good God” の “You or Me” のように、人間の根深い暴力性を描いた陰鬱で不吉なシーンがある一方で、”Baad Man” の “Handcuff County” は、もっと不遜で、ぶっ飛ばすような楽しさを表現しています。
「”Baad Man” の方はより “ストリート” な側面が強く、”Good God” の方はよりスピリチュアルな側面が強い、と言えば分かりやすいだろうか？ “Handcuff County” のような曲は…まさに汚れたストリートで生きる現実を描いているね。”Good God” の “タクシー・ドライバー” 版といったところだろうか。
だから、ビール・パーティーに行くなら、まずは “Baad Man” をかけるだろうな。僕たちは FOGHAT もZZ TOP も大好きだからな。ああいうのが好きなんだ。GRAND FUNK RAILROAD も最高に好きだ！ “Good God” なんて曲をかけたら、みんなががっかりしちゃうよ。ビーチでパーティーをやってる時に、”Good God” なんてかけるわけないだろ。でもさ…結局自分たちが好きな音楽を色々探ってただけなんだ」
COCの列車はまだ走り続けている…”Baad Man” の “Forever Amplified” は、そういう側面を描いているようにも思えます。
「Woody と話してたんだけど、この曲を聴くと、僕らが失った人たちのことを思い出すんだ。この曲は、亡くなった人たちのために書いたんだ。Reed がこの曲のきっかけとなった最大の人物で、癌で亡くなった親友の Rio もその一人。彼は僕たちのためにたくさんのビデオを作ってくれたんだ。
最初は別のタイトルだったんだけど、適当に歌詞を歌ってみたら “Forever Amplified” って聞こえてね。以前にもそういうことがあって、適当に適当に歌ってみたら、そこから何かが出てくるんだよな。それで、曲の方向性が決まり始めた。
コロナ禍で、本当に重いテーマだった。それに、Woody も、僕も、このアルバム制作中に両親を亡くしたんだ。そういうことが重なって、この曲が生まれたんだよな。”Forever Amplified” というアイデアが、僕たちに明確な方向性を与えてくれたんだよ。
曲の終わり、空高く舞い上がる巨大なギターの音とか、そういう演出を聴くと…Dimebag Darrell を思い出すんだ。レコーディングの時は本当に感情が高ぶる瞬間だった。ジェリーが最後に、全身全霊で歌い上げてくれた。彼女が歌い終えた時、会場に涙を流していない人はほとんどいなかったな」

では、Pepper が最初に音楽に惹かれたきっかけは何だったのでしょう？
「おそらく2つある。1 つは RAMONES 。それから、友人の兄がエルトン・ジョンの “Goodbye Yellow Brick Road”（1973年）のカセット・テープをくれたんだよね。それを何度も聴き込んで、擦り切れるほど聴いていたよ。
僕はパンク・ロック好きのガキだったんだ。ニューオーリンズの都会っ子だった。で、BLACK SABBATH を本格的に聴くようになる前から、SLAYER とかにハマってた。ある友達がリハビリ施設に入って、入る前よりひどい状態で出てきたんだ。タバコも吸ってたし、そいつが13歳の俺に BLACK SABBATH を聴かせてくれたんだ。でも、一度サバスにハマったら、もう止まらなくなった。ボロボロのブルージーンズに、ダサいVansのスニーカーを履いて、スケートボードで街を滑りながら “Kill ‘Em All” を聴いてたよ。BLACK FLAG, CIRCLE JERKS, BAD BRAINS…それに COC も観に行ったんだ。近所にパンク・ロックのクラブがあったから、夜中にこっそり家を抜け出して、4ブロック歩いてライブを見に行ってたよ。同時に、近所にはダサいヒゲを生やした年配のマリファナ中毒の連中がいて、Robin Trower とかを聴いてたんだ。俺もそういうのにハマったんだよ」
初めてギターを手にしたのはいつだったのでしょう？
「14歳くらいから弾き始めた。パット・ザ・ラットっていう友達がいたんだ。あいつは完全な赤毛の不良だった。ボロボロのオフロード・バイクで警察から逃げようとして、バイク事故で死んだんだ。ミシシッピ川の堤防のところで、ケーブルが張ってたんだけど、それに気づかずに突っ込んでしまったんだ。とにかく、あいつはギターを弾いていて、葬式とか色々あった後、俺と友達はこっそりあいつの家に忍び込んでギターを盗んだんだ。あいつの母親はギターをどうするつもりもなかっただろうし、パット・ザ・ラットも俺たちに持って行ってほしかっただろうから」
ニュー・オーリンズ育ちの Pepper にとって、音楽はまさに避けては通れない道でした。
「ああ、そうだよ。ニュー・オリンズには、音楽がどこにでもある。俺の住んでるところから3ブロック先に、最高にイカした音楽クラブがあるんだ。ニュー・オーリンズは奇妙な街で、高校時代はフットボール部に入るよりバンドに入ってる方がカッコいいんだ。子供の頃は、パンク・ロックのギターでも弾いてたけど、近所の奴が今まで見たこともないくらいギターが上手くて、まるでバナナの木を切り倒すみたいに、あっという間にやられちゃうんだ。ここでは常に謙虚さを教えられる。あいつらは金持ちでも有名人でもないけど、音楽では食われちまう。ミシシッピも同じだよ。ああいう世界で育つと、すぐに謙虚さを教えられるんだ」

COCのファンからどうやって、バンドのメンバーになったのでしょう？
「1985年のセカンドアルバム “Animosity” は、僕が今まで聴いた中で最も素晴らしいレコードの一つだった。今でもそう思っている。あれは、僕が今まで聴いたどのバンドよりも、パンク・ロックとメタルをうまく融合させた、まさにゲーム・チェンジャーだった。僕は当時、ニュー・オーリンズで GRAVEYARD RODEO というクールなバンドをやっていて、ちょっとしたシーンを作っていたんだ。超DIYなパンク・ロックだったよ。そんな時にCOCの話が持ち上がって、誰かがオーディションを受けてみたらどうかと勧めてくれたんだ。あとはもう歴史って感じだよね」
Pepper の加入はCOCがブレイクし始めた頃のことでした。若い頃、これから成功していくバンドに所属するのはどんな感じだったのでしょう？
「バンドをやっていたのは最高だったよ。スケートボード・ショップで働いてたんだけど、オーナーがめちゃくちゃクールだったんだ。ツアーにも行けたしね。24時間使える練習場所もあったから、そこでギターに集中できた。Reed は24時間ドラムを叩いてたしね。みんなで音楽を聴きながら、24時間ぶっ通しで演奏してた。CORROSION OF CONFORMITY はまさにバンドだった。みんな手がちぎれるまで演奏してたんだ。最高だったよ。俺が知ってる中で一番ヤバいドラマー、Reed と一緒にギターを弾いて、毎日毎日ヘッド・バンギングしてたんだ。最高だったよ」
1994年のアルバム “Deliverance” から、サバス風のサザン・ロック路線が始まりましたが、同世代の人たちの反応はどうだったのでしょう？
「決定的な瞬間は、”Deliverance” のリードシングル “Albatross” を発表した時だった。あの曲で、昔のシーンの連中から、まるで睨みつけられたみたいになった。売れたって思われたんだろうけど、僕たちにとっては、あれこそがパンク・ロックそのものだった。”お説教はもういいよ！” って、はっきりとしたメッセージを送ったんだ。でも、相変わらずダーティバッグ、パンク、メタル・ヘッズ、何でもいいけど、僕たちは変わらなかった。もうスカダンスを踊ったり、ぐるぐる回ったりする必要はなかったけど、エネルギーは確かにあったし、すごく刺激的な時代だった。”Deliverance” はその一部だった。最初はインディーズ・レーベルで制作していたんだけど、それがコロンビアに買収されたんだ。それで、突然俺たちはマディソン・アベニューの50階にある、象牙の塔みたいなビルにいて、”一体どういうことだ？” って感じだった。彼らは “アルバムを完成させろ” って言ったんだ。”どこで録りたい？” と聞かれたので、ヘンドリックスのスタジオ、エレクトリック・レディと答えた。そしたら、そこに2ヶ月間も滞在させてもらえたんだよ！数ヶ月前まではクイーンズのスタジオの床で寝泊まりしていたのに、突然そこにいて、経営者のメアリーという女性が、ヘンドリックスが “If 6 Was 9” で使ったアンプを持ってきて、ソロを弾かせてくれたんだ！」

その後、1996年にアルバム “Wiseblood” をリリースし、数年間 METALLICA とツアーを回りました。
「正確な時期は覚えていないけど、METALLICA は “The Black Album” が1000万枚売れたので、ニューヨークでパーティーを開いていた。それで、Reed と知り合いの女性がいて、その知り合いが僕と彼を招待してくれたんだ。ある時、僕がバーにいたら、突然 James Hetfield が僕と Reed のところにやってきて、”おい、お前ら、本当にいいレコードを作ったな” って言ったんです。僕は “マジかよ!” って思ったね。それで James に “僕たちは君の真似をしようとしたわけじゃない。ただ君がクールだと思うようなレコードを作ろうとしただけなんだ” って直接言ったんだ。そしたら彼はすぐに理解してくれたよ。
その数年後、彼らは僕たちをオープニングアクトに選んでくれたんだ。すごく嬉しかったね。それからロンドンでシークレット・ライブがあって、僕たちにオープニング・アクトをやってほしいって言われたんだ。信じられない話だよ。それから “Wiseblood” のアルバムを出して、ワールドツアーに誘われた。3年間ツアーに出て、その中の瞬間はどれも最高に素晴らしかった。めちゃくちゃ楽しかったよ。
僕のギターの1本は、ツアー中に James が作ってくれたんだ。僕たちのギターがひどい状態だったからね。彼は “こんなギターじゃツアーにはもたないよ。チューニングがすぐに狂っちゃう” って言ってた。それで、僕たちのお気に入りのギター、ギブソンSGを日本に送って、コピーを作ってもらったんだ。すごいよね。3本も作ってくれたから、3年間のツアーを乗り切れたんだ。全部彼のおかげだよ。今でもそのギターを使ってるし、Woody は今でも毎ライブで使ってるよ」
Jason Newsted が脱退した後、METALLICA のベーシストのオーディションに呼ばれた話は有名です。
「すごかったよ。前に彼らと演奏したことはあったし、LYNYRD SKYNYRD の “Tuesday’s Gone” のカバーでバック・コーラスもやったことがあった。でもその時はすごかった。James から電話がかかってきて、必ずしも最高のプレイヤーじゃなくてもいい人が欲しいって言われたのを覚えてる。当時から僕はファンとして METALLICA を見ていて、だから自分が METALLICA に何をしてほしいかを考えていた。まず最初に、オリジナルのロゴを復活させて、あの世界観に戻って、”Master Of Puppets” みたいなことをやりたかった！ガレージに戻ってね。スタジオに入ってリハーサルをした時のことを覚えてるよ。最高だった。でもそこに Robert Trujillo が入ってきて、”うわぁ、やばい…” って思ったんだ。でも全ては理由があって彼らにとってはうまくいった。全て良かったよ。すごく楽しかった」

当時 Pepper は、DOWN と COC の両方でかなり忙しく活動していました。
「そうだね。不思議なことに、90年代には “Deliverance” と（DOWN のデビュー作）”NOLA” が同じ年にリリースされたんだけど、今また同じ状況なんだ。DOWN のニューアルバムが完成して、今ミックス作業中だからね。前作と同じような感じなら、いい感じになるだろうな」
DOWN が HEAVEN & HELL とツアーを行い、Tony Iommi が Pepper のリフを気に入ってくれたのは彼にとって大きな出来事でした。
「あの出来事全体がものすごく強烈だったよ。彼らの前座を務められたなんて、本当に素晴らしい経験だった。だって、彼らのサウンドチェックを見ているだけで、もうひざまずいてしまうくらいだったんだから。オーストラリアかどこかの巨大なアリーナで、俺と Jimmy だけでバリケードに立って、彼らのサウンドチェックを見ていたんだ。もう頭がおかしくなりそうだったよ。彼らのそばにいるだけで、もう信じられないくらいだった。ある日、サウンドチェックで Tony のギターを彼の機材を通して弾かせてもらったんだ！それから、飛行機に乗る前に空港のバーで Dio に会って、一緒に座って酒を飲みながら、魔法使いとかドラゴンとか話したりしたよ。彼は最高だった。Dio は間違いなく最高の男だった。彼の歌声を聴いていると…本当に最高だったよ」
自分のバンド活動以外にも、Pepper はバーを経営しています。
「ル・ボン・タン・ルールだ。音楽バーなんだよ。とんでもない話を聞かせてやるよ。毎週木曜の夜に演奏するバンドがいるんだ。The Soul Rebels っていう。ブラス・バンドで、一人がアップライトのキックドラムを叩いて、残りはホーンを山ほど重ねてる。世界中で演奏してるんだけど、うちのバーが彼らのホーム・グラウンドなんだ。いつでもジャムセッションできるんだよ。
ある日、店に行ったら、彼らが昼間からリハーサルしてて、METALLICA の曲を演奏してたんだ。”一体何やってんだ？” って思ったよ。それからしばらくして、METALLICA の30周年記念でカリフォルニアのフィルモアに飛んで行ったんだ。METALLICA と一緒に “Tuesday’s Gone” を演奏するためさ。着いてホテルのロビーに入ったら、なんと俺のハウスバンド、The Soul Rebels がそこに立ってたんだ。クソッタレの James はイギリスの番組で彼らを見て、このショーのバンドの合間に彼らを出演させたいと思ったんだ。俺が彼らを知っていることすら知らなかったんだよ！」

COC に在籍して40年近くになりますが、その間にも様々なメンバーの入れ替えがありました。今となっては、HAWKWIND のように、メンバーよりもバンド自体が大きな存在になっているように思えます。
「このアルバムを作っている時、Woody とビールを飲みながら何度もその話をしたんだよな。時々、バンドという枠を超えているような気がするよ。もはや思考の流れ、あるいは姿勢のようなものだよな。個々のメンバーの総和よりも大きい。COC という存在自体が、独自の生命を持っているように感じるんだ。まさにアティテュードそのものなんだ。僕たちはそういう風に捉えているよ」
今後1年ほどで2つのバンドから2枚のニューアルバムをリリースする Pepper。何が彼を今も音楽へと駆り立てているのでしょうか？
「一番大切なのはクリエイティビティ。何かを作るのが好きなんだ。自分に挑戦するのが好きなんだよな。給料のためじゃないよ。6通りの方法でお金を稼いでいるから、お金は気にしていない。好きなのは、創造すること、つまり何もないところから、何の参考資料も何もないところから、このアルバムのようなものを作り出すことが、クールで挑戦的だということ。あれは僕と Woody の頭の中から生まれた。それだけなんだ。
それに、音楽を演奏するのが好きなんだよ。飽きたことは一度もない。仕事みたいになってしまう時もあるだろうし、あるいは、文句を言い始めることもあるだろう。でも、自分が何で文句を言っているのか、よく考えるべきだよ。僕は何も当たり前だとは思っていないからね」
もうすぐ59歳の誕生日を迎える Pepper。今ではパンクを演奏するよりも、サバス風の楽曲がよく似合います。
「それはずっと昔、DOWN が “NOLA” のアルバムを作っていた頃に話していたことなんだ。”これはいいぞ。僕たちはこのバンドで年を取ってもやっていける。60歳になってもステージで頭をぶつけているわけにはいかないだろう” ってね。ほら、どうなったと思う？こうして今、僕たちはここにいるんだ…」

参考文献: REVOLVER :CORROSION OF CONFORMITY’S ‘BAAD MAN’: PEPPER KEENAN BREAKS DOWN “THE FUNNEST RECORD WE’VE EVER DONE”

KERRANG! :“I stole my first guitar from my dead friend’s house. He’d have wanted me to have it”: How Pepper Keenan became a metal lifer