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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【THOU & EMMA RUTH RUNDLE : MAY OUR CHAMBERS BE FULL】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH BRYAN FUNCK OF THOU !!

“I Think Most Folks Who Identify As “Metalheads” Or Whatever Probably Have a Lot More Nuance Than They Let On. I Just Wish They Would Embrace More Of a Balance Than Clinging To a Very Strict Set Of Rules. I Think That’s Why, As a Forty-Year-Old Man, I Still Identify As a Punk Or a Hardcore Kid.”

I STILL IDENTIFY AS A PUNK, OR HARDCORE KID

「”メタルヘッズ” と名乗る人たちの多くは、公平にみてもおそらく自分たちが言うよりもずっと多くの音楽的なニュアンスを持っていると思うよ。だから厳格なルールにしがみつくのではなく、バランスを取ってほしいと願うばかりだね。俺はしっかりバランスを取っているからこそ、40歳になった今でも、パンクやハードコアキッドなんだと思う。頭の中では、そういった概念がより曖昧で広がりを持っているように思えるからね。」
スラッジ、ドゥーム、メタル、ハードコア、グランジ。ルイジアナの激音集団 THOU はそんな音楽のカプセル化に真っ向から贖う DIY の神話です。
「ここ数年で培った退屈なオーディエンスではなく、もっと反応の良い(しかし少なくとも多少は敬意を払ってくれる)オーディエンスを獲得したいからなんだ。 堅苦しいメタル野郎どもを捨てて、THE PUNKS に戻る必要があるんじゃないかな!」
15年で5枚のフルアルバム、11枚の EP、19枚のスプリット/コラボレーション/カバー集。THOU の美学は、モノクロームの中世を纏った膨大なカタログに象徴されています。THE BODY を筆頭とする様々なアーティストとの共闘、一つのレーベルに拘らないフレキシブルなリリース形態、そしてジャンルを股にかける豊かなレコードの色彩。そのすべては、ボーカリスト Bryan Funck の言葉を借りれば “金儲けではなく、アートを自由に行う” ためでした。
2018年、THOU は自らのアートな精神を爆発させました。3枚の EP とフルアルバム、計4枚の4ヶ月連続リリース。ドイツのサイレント映画 “カリガリ博士” に端を発するノイズ/ドローンの実験 “The House Primodial”、Emily McWilliams を中心に女性ボーカルを前面に据えた濃密なダークフォーク “Inconsolable”、ギタープレイヤー Matthew Thudium が作曲を司りグランジの遺産にフォーカスした “Rhea Sylvia”、そしてスラッジ/ドゥームの文脈で EP のカオスを具現化した “Magus”。一般的なバンドが4,5年かけて放出する3時間を僅か4ヶ月で世界に叩きつけた常識外れの THOU が願うのは、そのまま頑ななステレオタイプやルールの破壊でした。
実際、Raw Sugar, Community Records, Deathwish, Sacred Bones とすべての作品を異なるレーベルからリリースしたのも、境界線を破壊し多様なリスナーへとリーチする自由な地平線を手に入れるため。自らが獲得したファンを “退屈” と切り捨てるのも、主戦場としてしまったメタル世界の狭い視野、創造性の制限、クロスオーバーに対する嫌悪感に愛想が尽きた部分はきっとあるのでしょう。
「このバンドはグランジの源流であるパンクのエートス、プログレッシブな政治的内容、メランコリックなサウンドから絶対的な深みへと浸っている。 間違いなく、10代の頃に NIRVANA, SOUNDGARDEN, PEARL JAM, ALICE IN CHAINS を聴いていたことが、音楽制作へのアプローチや、ロックスターのエゴイズムを避けることに大きな影響を与えている。」
“The Changeling Prince” の MV でヴァンパイアのゴシックロッカーを気取ってみせたように、THOU にとってはロックスターのムーブやマネーゲームよりも、音楽世界の常識を覆すこと、リスナーに驚きをもたらすことこそが活動の原動力に違いありません。そのスピリットは、パンク、そしてグランジに根ざす抑圧されたマイノリティーの咆哮が源流だったのです。全曲 NIRVANA のカバーで構成された “Blessings of the Highest Order” はまさにその証明。
「メンタルの病の個人的な影響を探求することがかなりの部分染み込んでいて、それは無慈悲なアメリカ資本主義の闇とは切っても切り離せないものだと思うんだ。」
THOU が次にもたらす驚きとは、10/30にリリースされる、ポストロック/ダークフォークの歌姫 Emma Ruth Rundle とのコラボレーション作品です。90年代のシアトル、オルタナティブの音景色を胸一杯に吸い込んだ偉大な反抗者たちの共闘は、壊れやすくしかしパワフルで、悲しくしかし怖れのない孤立からの脱出。精神の疾患や中毒、ストレスが容赦なく人間を押しつぶす現代で、灰色の世界で屍に続くか、希望の代わりに怒りを燃やし反抗を続けるのか。選択はリスナーの手に委ねられているのかも知れませんね。
今回弊誌では、Bryan Funck にインタビューを行うことができました。「大きな影響力とリソースを持っているレーベルの多くが、自分たちがリリースする音楽やリリースの方法に関して、リスクを負うことを最も嫌がっているように見えるのは本当に悲しいことだよ。彼らの成功により、クリエイティブな決定を下す自由がより広く与えられるはずだと思うんだけど、それは逆のようだね。」2度目の登場。どうぞ!!

INTERVIEW WITH BRYAN FUNCK

Q1: First of all, It is a big surprise that you have released three EPs and one album for four consecutive months. How did you come up with this unheard-of idea?

【BRYAN】: We had talked about working on an all acoustic record and an all drone record for some years. It had come up a few times when we had been talking about doing splits with our friends’ bands like Pygmy Lush or Sutekh Hexen. The idea came up again when we were trying to figure out what direction to push Magus. Originally, our thought was to work on these EPs, and then pull some ideas out of those really drastic (for us) experimentations and apply some of it to the full length. Instead, we dove right into Magus, and decided to work on those EPs after the full length had already been recorded. So the EPs became more about taking small ideas we had toyed around with on Magus and previous records and really digging in.
At the point when we were ready to start releasing these records, it had been a few years since we had put out anything substantial, so we thought it would be fun to just dump a ton of material out there all at once. The records were sonically different enough that it would, hopefully, be interesting for people and not get lost in the avalanche. We normally release some kind of “b-sides” EP along with each full length any way. Our experience has been that the companion piece tends to get lost in the wake of the full length―especially if a bigger label is promoting the main record―so we wanted to use the EPs as sort of “teasers” and release them ahead of Magus; that way, the shorter records would help promote the main record, but also get some attention.
Ultimately, the idea for doing all these records―as with any Thou record―is just an excuse for us to stretch our creativity a bit and have fun with the music we’re releasing.
Also, we can be quite mischievous; we like to create a bit of chaos. It’s fun, for me, to take a standard music industry approach to how a record is released or promoted and try and subvert that in some meaningful way. If anything, that’s a new standard for me, in how we’re rolling out records. How can I take this cookie cutter approach and make it more interesting?

Q1: 2018年に、3枚の EP と1枚のアルバムを4ヶ月連続でリリースしましたよね? いかにも THOU らしい常識破りのアイデアでした。

【BRYAN】: 俺たちは何年か前から、オールアコースティックとオールドローンのレコードを作ろうと話していたんだ。PYGMY LUSH や SUTEKH HEXEN みたいな友達のバンドとスプリットを作ろうと話していた時にね。そして “Magus” をどのような方向に進めていくかを考えていた時に、そのアイデアが再び出てきたんだ。
もともと僕らの考えでは、何枚かの EP に取り組むことで、(俺らにとっての)思い切った実験からいくつかのアイデアを引き出し、それをフルレングスに適用するというものだったんだ。だけどその代わりに、先に “Magus” に飛び込んで、本編がレコーディングされた後にEPを作ることにしたんだ。つまり、このEPは、”Magus” や前作のアルバムで遊んでいた小さなアイデアを、より深く掘り下げたものになったんだよ。
これらの作品をリリースする準備ができた時点では、何年も実体のあるものをリリースしていなかったから、たくさんの素材を一度に出してみたら楽しいだろうと思っていたんだ。そしてうまくいけば、雪崩の中で迷子にならないように、人々に興味を持ってもらえるような十分に異なる音楽性を持っていたね。
俺たちは通常、フルレングスのアルバムには必ず何かしらの “b-sides” EPをリリースしている。 だけど俺たちの経験では、そういった姉妹作は本編の後で迷子になってしまうことが多いんだ。特に大きなレーベルが本編のプロモーションを行っている場合はね。
だから最終的には、他の THOU のレコードと同様に、連続して EP をリリースするというアイデアは、自分たちの創造性を少し伸ばして、音楽を楽しむための口実に過ぎないんだよね。
それに、俺らはちょっとしたカオスを作るのが好きで、かなりお茶目なところもあるんだ。レコードをリリースしたり、プロモーションしたりする方法について、音楽業界の標準的なアプローチを意味のある方法で覆そうとするのは、俺にとっては楽しいことなんだよ。どちらかというと、あれは俺たちにとってレコードの出し方の新しい基準になったんだ。どうすれば、このクッキーカッターのようなアプローチをとって、もっと面白くすることができるのだろうか?

Q2: It seems each of EP’s focus on different realms. “The House Primordial” is noise/drone, “Inconsolable” is dark folk acoustic, and “Rhea Sylvia” is more alternative, grunge direction. Why did you make each piece emphasized for different elements?

【BRYAN】: Mainly because we thought it would be fun and interesting for us. And it has been! But we also liked the idea of doing something unexpected. The original idea for releasing these was going to involve zero hype or announcements. We wanted to just quietly post these on bandcamp each month and see how people reacted.
We also have very broad and nuanced tastes when it comes to the music we listen to. So it seemed like this would be a way to apply those interests the framework of the band’s output. We were hoping this would attract a more diverse audience and potentially open some doors up for us to perform with a wider range of bands. I think people can have really adverse feelings about mixing genres. We come from a more DIY punk background, so it’s always been less about genre and more about the people and ethos involved. But releasing albums that were so sonically distinct seemed like a way to say, “Hey, indie rock band we like, we can do this within the context of our band and fit in just fine on a tour with you.” “Hey, noise freakaleeks, we can make noise for an hour and tour basements across America with you.” I don’t know how well we’ve succeeded with any of this, unfortunately. But I think it’s still a good thing to put out into the universe, hoping that a likeminded group will latch onto it. If nothing else, any excuse to stretch ourselves creatively is healthy for the band.

Q2: 仰るとおり、3枚の EP はすべて異なる味付けがなされていましたね。”The House of Primordial” はノイズ/ドローン、”Inconsolable” はアコースティックなダークフォーク、そして “Rhea Sylvia” はオルタナティブやグランジを意識した作風でしたね?

【BRYAN】: その理由は主に、俺たちにとって楽しくて面白いアイデアだと思ったからだよ。そして、それが実現したんだ。それに俺たちは、予想外のことをやるってアイデアが好きだしね。連続リリースにかんする最初のアイデアは、誇大広告や発表を一切行わないというものだった。毎月静かに Bandcamp に投稿して、みんなの反応を見ようと思っていたんだ。
俺たちはまた、聴く音楽の好みも非常に幅広いし、ニュアンスのあるもの好んでいるからね。だから、そういった溢れる興味をバンドのアウトプットの枠組みに当てはめる良い方法だと思ったんだ。そうすることで、より多様なオーディエンスを惹きつけ、より多くのバンドと共演できるようになる可能性があると期待していたんだよ。
ジャンルをミックスすることにかんして、人々は本当に嫌悪感を抱くと思うんだ。そしてこれまで俺たちはよりDIY パンクのバックグラウンドを持っているから、ジャンルにこだわるよりも、関係する人々やエートスにこだわることが多かったんだ。
でも、音楽的に異なるアルバムをリリースすることで、「おい、俺たちが好きなインディー・ロックバンドよ、俺たちのバンドは君らの文脈の中でもやれるし、君らとのツアーでもうまくやっていけるんだ。」と言うことができるようになったんだよ。 「おい、ノイズフリーク、俺たちは1時間ノイズを出しつづけられるし、アメリカ中の地下室を君らと回れるぜ。」 とかね。
残念ながら、それがどれだけ成功したかは分からないけど。でも、同じ志を持ったグループがアンテナにひっかかることを期待して、世界に向けて発信するのはまだ良いことだと思う。何よりも、自分たちの創造性を伸ばす口実になるなら、それはバンドにとって健全なことなんだ。

Q3: A trio of EP’s were released by different labels. “The House Primordial” on Raw Sugar, “Inconsolable” on Community Records, and “Rhea Sylvia” on Deathwish, Inc. Were you trying to fit each one in with a label’s color? And does it mean you wanted to expand into new audiences?

【BRYAN】: Yeah, it would be great to bring in some folks who are less genre-focused, or even obliterate those kinds of self-imposed limitations. We’ve always tried to do that, with the bands we tour with or release music with, with the labels we work with, etc. This has just been a continuation of that tradition for us. Usually when we start to feel trapped within the sub-sub-genres of heavy metal or the metal scene or whatever, that’s about when we’ll start acting out a bit and become overly critical of the clichés and limitations involved with such narrow views. Although, to be fair, I think most folks who identify as “metalheads” or whatever probably have a lot more nuance than they let on. I just wish they would embrace more of a balance than clinging to a very strict set of rules. I think that’s why, as a forty-year-old man, I still identify as a Punk or a Hardcore Kid; those concepts just seem so much more ambiguous and expansive in my mind.
Anyway, we wrote and recorded all of these records before we reached out to any labels, so it was more about finding labels that fit the record in some way. We probably could’ve pushed that further, but it didn’t seem like many “bigger” labels were willing to take a chance on something like this. It’s really sad to me that a lot of these more established labels that have a lot more clout and resources seem the most unwilling to take any chances when it comes to the music they release or how they roll out those releases. I would think that their success should give them more freedom to make creative decisions, but it seems like the opposite. I’ve been really happy that Sacred Bones has taken so many chances with some of my wild ideas. Hopefully, they’ll let me keep pushing things in that direction.

Q3: “The House Primordial” は Raw Sugar, “Inconsolable” は Community Records, そして “Rhea Sylvia” は Deathwish からと、3枚の EP はすべて異なるレーベルからリリースされています。これも、オーディエンスやバンドをより多く惹きつけるための試みだったのでしょうか?

【BRYAN】: そうだね、ジャンルにあまりこだわらない人たちを俺たちの世界に連れてくるのは素晴らしいことだと思うし、自分で決めた制限を取り払うこともできるだろうな。俺たちは、一緒にツアーをしたり、一緒に音楽をリリースしたりしているバンドや、一緒に仕事をしているレーベルなどを考慮して、常にそうしようとしてきたんだ。
だから今回のアルバムはその伝統を受け継いでいるだけなんだよ。俺たちがヘヴィーメタルのサブサブジャンルやメタルシーンの中に閉じ込められたと感じ始めたとき、その時に少し演技を始めて、狭い視野の中の決まり文句や制限に対して過度に批判的になることが多いんだ。
とはいえ、”メタルヘッズ” と名乗る人たちの多くは、公平にみてもおそらく自分たちが言うよりもずっと多くの音楽的なニュアンスを持っていると思うよ。だから厳格なルールにしがみつくのではなく、バランスを取ってほしいと願うばかりだね。俺はしっかりバランスを取っているからこそ、40歳になった今でも、パンクやハードコアキッドなんだと思う。頭の中では、そういった概念がより曖昧で広がりを持っているように思えるからね。
とにかく、僕らはレーベルに連絡を取る前に連続リリースのレコード全てを書いて録音していたんだ。だからある意味、それに合うレーベルを見つけることの方がより重要だったね。もっと推し進めることもできたかもしれないけど、多くの “大手 “レーベルがこのようなチャンスを狙っているようには思えなかったんだ。
大きな影響力とリソースを持っているレーベルの多くが、自分たちがリリースする音楽やリリースの方法に関して、リスクを負うことを最も嫌がっているように見えるのは本当に悲しいことだよ。彼らの成功により、クリエイティブな決定を下す自由がより広く与えられるはずだと思うんだけど、それは逆のようだね。 Sacred Bones が僕のワイルドなアイデアに多くのチャンスを与えてくれたことを本当に嬉しく思っているんだ。彼らとさらに冒険を続けていきたいね。

Q4: Actually, these three EP’s are kind of proof of Thou’s diversity. Among them, “Inconsolable” may be big surprise for fans. Actually, Emily McWilliams sung all through the EP, and you didn’t even sing on the EP, right? Didn’t you hesitate to release it in the name of Thou?

【BRYAN】: Not at all. I probably had a heavier hand in the creation of Inconsolable than some of the ones I’m on like The House Primordial or Rhea Sylvia. Emily McWilliams (Silver Godling) sings on almost every track on Inconsolable, everything except the cover I think. We also got KC Stafford (one of our newer members), Melissa Guion (MJ Guider), Nicole Estill (True Widow), Jacques Boudreaux (Cajun Clam), Michael Moss (Baby Boy), Clayton Hunt (Heat Dust), and Scott Francioni (Secret Passage). Lots of voices on that one! By the time we recorded all of these folks, it just seemed like it would be overkill to try and work me in, and it seemed like an unnecessary headache for our engineer James Whitten. I mean, I wrote almost all of the lyrics, I handled a good chunk of the writing (in terms of vocal lines), and I had total control over the aesthetic of the record. Did I really have anything to prove by getting a few vocals on the record that I’d inevitably bury under all the more talented voices?
We recently contributed a Bad Religion cover to a Black Lives Matter benefit compilation being curated by Mani and Brent from Racetraitor. I basically commissioned Emily to learn, write, and record the bulk of the song, and Thou just fleshed it out. Originally, I had some big ideas for it, but Emily’s contribution was so much better than what I had come up with, that we shifted gears and worked around what she brought to the song. I think that’s a good metaphor for how the in-studio writing and recording decisions of Inconsolable went. We just brought in a lot of talented people, and when they had better ideas, we used those. Imagine if we had spent more time writing and collaborating with some of these folks!
I should also point out that Emily has sung on more Thou tracks than any of the regulars besides me. Even with all the songs Matthew sings on Rhea Sylvia, her cumulative total is higher. I think she has them all listed on the Silver Godling page now. So, it’s really not a huge departure for us to include her so much, as she’s been carrying us along almost as long as I’ve been in the band! She also helped a lot on the backend of Inconsolable, doing some rough vocal demo versions of almost all the tracks, so I could sort out lyrics and vocal melodies. She was a huge help!

Q4: お話しにも出ましたが、3枚の EP は THOU に備わる多様性の象徴にも思えます。中でも、”Inconsolable” は驚きでした。あなたのかわりに、Emily McWilliams が作品を通して歌っていますからね。
THOU の名でリリースすることにためらいはありませんでしたか?

【BRYAN】: まったくなかったね。”The House Primordial” や “Rhea Sylvia” のような他の作品よりも、俺はむしろ “Inconsolable” の制作に大きな影響力を持っていたと思うんだ。Emily McWilliams (SILVER GODLING)は “Inconsolable” のほぼ全ての楽曲で歌っている。同時に、KC Stafford (新メンバーの1人), Melissa Guion (MJ GUIDER), Nicole Estill (TRUE WIDOW), Jacques Boudreaux (CAJUN CALMC), Michael Moss (BABY BOY), Clayton Hunt (HEAT DUST), Scott Francioni (SECRET PASSAGE) も参加しているんだ。だから沢山の声が収録されているよ。
彼ら全員をレコーディングして、さらに自分を参加させるのはやり過ぎだと思ったし、エンジニアの James Whitten にとっても不必要な頭痛の種になってしまうからね。つまり、俺はほとんど全ての歌詞を書き、(ボーカル・ラインのかなりの部分を担当し、レコードの美学を完全にコントロールすることに専念したのさ。才能あるボーカリストたちの下に埋もれてしまうような俺の声をレコードに収録してまで、俺は本当に何かを証明する必要があったのだろうか?
最近、RACETRAITOR の Mani と Brent がキュレーションしている Black Lives Matter のコンピレーションに BAD RELIGION のカヴァーを提供したんだ。俺は基本的にその曲の大部分をEmily に学習、作曲、録音を依頼し、THOU はただそれを肉付けしただけだったんだ。元々、俺はこの曲のために大きなアイデアをいくつか持っていたんだけど、Emily の貢献は俺が考えていたものよりもはるかに優れていたから、俺らはギアをシフトして、彼女がこの曲に用意したものを中心に作業をしたんだ。これは、”Inconsolable” のスタジオにおいて作曲とレコーディングの決定がどのように行われたかを示す良い例だと思う。俺たちは才能のある人たちをたくさん集めて、彼らがより良いアイデアを持っていたら、惜しみなく使ったんだ。もし彼らとの共同作業にもっと時間を費やしていたらどうなっていたか想像してみてほしいね。
それに、Emily は俺以外のレギュラーの誰よりも多く THOU の曲で歌っていることも指摘しておかなければならないだろうな。 Matthew が “Rhea Sylvia” で歌っている曲を含めても、彼女の累計はもっと多いんだ。つまり俺がバンドをやっている間ほとんどの期間、彼女は僕らを支えてくれているから、彼女とさらに共演を進めることは僕らにとって新たな出発点というわけじゃないんだ。彼女は “Inconsolable” のバックエンドでも多くのことを手伝ってくれていて、ほとんど全てのトラックのラフなボーカルのデモバージョンを作ってくれたんだ。彼女には本当に助けられたよ。

Q5: OK, let’s talk about “Magus”. There was some humor, irony and The Body (haha) on “The Changeling Prince” MV, right? Anyway, in the last interview, you said “Heathen” was kind of about celebrating nature. I feel “Magus” is kind of opposition to that. What’s the theme or lyrical themes of the record? And is it tied to three EP’s?

【BRYAN】: Magus is essentially the response to Heathen. It’s an exploration of thought and philosophy, a deconstruction of the self, a journey through the Inner World. Magus is a celebration of individuality, a rejection of communal prostration, and the elevation of person power. It’s more of less diametrically opposed to the ego obliteration of Heathen.
Inconsolable was an examination of the deep sorrow and overwhelming bleakness that results from relationships and interactions; The House Primordial delved deeper into the bitter spirit of individual assertion in the face of homogeny. So these two records essentially took the more generalized ideas on Magus and allowed me to really hone in on a specific feeling or instance. Rhea Sylvia was mostly written by Matthew for his solo work a few years before we mangled it into Thou songs.
In terms of that video, yeah, we can’t help but be a bit self-critical and act out like little shits. It was fun playing with the image of the band. From when we first started touring, people have been so focused on what we look like. “I thought you’d be a bunch of burly, beareded fat dudes covered in tattoos, and wearing head to foot black denim.” Nope! Keeping in mind that we’d be reaching something of a new audience with the Sacred Bones release, it was kind of like, “Oh, now we can really mess with people, and just let them believe that we look like these goth death rockers. And then pepper the audience with us looking like bored normies. So many layers at play: hatred of the standard bored/boring Thou audience; criticism of the style-over-substance spectacle; love for DIY punk; love for the true freakaleeks.

Q5: では次に、”Magus” について話しましょう。”The Changeling Price” の MV にはユーモアや皮肉、それに THE BODY が映し出されていますね。(笑)
前回のインタビューであなたは、”Heathen” は自然を祝福するアルバムだと仰いましたが”Magus” にはどんなテーマが込められていますか?

【BRYAN】: “Magus” は本質的には “Heathen” へのリアクションなんだ。”Heathen” は思想と哲学の探求で、自己の脱構築であり、内なる世界への旅と言えたよね。一方で “Magus” は、個性の祭典であり、共同体としての崇拝を拒否し、個人の力を高めることを目的としている。だから、どちらかというと “Heathen” の自我の抹殺とは正反対だよね。
“Inconsolable” は、人間関係やその相互作用から生じる深い悲しみと圧倒的な暗さを考察したもので、”The House Primordial” は、均質性に直面した個人の主張の苦い精神を深く掘り下げたものだった。だから、この2枚のアルバムは、本質的には “Magus” のより一般化されたアイデアを取り入れて、さらにマクロな特定の感情や状況に焦点を当てることができたんだ。”Rhea Sylvia” は、THOU の曲を作る数年前に Matthew がソロ活動のために書いた曲なんだよね。
あのビデオに関しては、そうだね、俺らは自己批判的にならずにはいられないし、クソガキのように振る舞っている。バンドのイメージで遊ぶのは楽しかったね。最初にツアーを始めた時から、みんなが俺らのルックスに注目していたんだ。 “タトゥーを入れて、黒のパーカーに黒のデニムを履いているような太ったデブだと思っていたよ” 全然違う!
Sacred Bones からのリリースで、新しいオーディエンスを獲得することを念頭に置いていたんだ。 “これで人々を混乱させることができるぞ。ゴスデスロッカーのように見えるから。そう信じてもらえればいい” ってね。退屈な野暮ったい姿を見せてやるなんてね。
標準的で退屈な THOU のオーディエンスへの憎しみ、スタイル・オーバー・ザ・スペクタクルへの批判、DIYパンクへの愛、真のフリーカリークスへの愛、など様々な意図の層が存在しているんだ。

Q6: Why did you release Nirvana’s cover as an album now? What do you care about when you play?

【BRYAN】: That collection has actually been in the works for a year or two. It fell off the radar for us and Robotic Empire at some point, but with the quarantine, I’ve been trying to tie up a lot of loose ends. Same thing for the other digital collection of covers, A Primer of Holy Words.
Are you asking which Nirvana songs I like to play live? For me, any of the energetic ones–I Hate Myself and I Want to Die, Scentless Apprentice, Blew, Floyd. We used to play Aneurysm pretty much all the time. Basically played it to death.
If that’s more of a general question–I would love to get a more responsive (but at least marginally respectful) audience, rather than the bored/boring one we’ve cultivated over the last few years. I guess we need to really ditch all these uptight metal dweebos and get back to THE PUNKS.

Q6: 今、NIRVANA のカバー集をリリースする意味とはなんですか? 彼らの楽曲をプレイする時、特に気にかけていることはありますか?

【BRYAN】: NIRVANA をカバーしたコレクションは1、2年前から計画していたんだ。俺たちと Robotic Empire にとってその計画はある時点でレーダーから外れていたんだけど、コロナによる自宅隔離で多くの未解決の問題を解決する時間が出来たからね。デジタル・コレクションのカバー、”A Primer of Holy Words” についても同じことが言えるよ。
NIRVANA のどの曲をライブで演るのが好きなのかって? “I Hate Myself and I Want to Die”, “Scentless Apprentice”, “Blew”, “Floyd” といったエネルギッシュな曲だね。”Aneurysm” はいつもプレイしていたよ。 基本的に死ぬほどプレイしたな。
もしそれが一般的な質問であるならば、ここ数年で培った退屈なオーディエンスではなく、もっと反応の良い(しかし少なくとも多少は敬意を払ってくれる)オーディエンスを獲得したいからなんだ。 堅苦しいメタル野郎どもを捨てて、THE PUNKS に戻る必要があるんじゃないかな!

Q7: Regarding grunge, you are often called “The heaviest grunge band in the world”, like that. After all, do you have a deep attachment to the mood, spirit, sound of that era?

【BRYAN】: I’m not sure I’ve ever heard anyone call us that, but I’ll take it as high praise. This band absolutely drinks deep from the wellspring of grunge―the punk ethos, the personal content that easily veers into progressive politics, the melancholic sound. Without a doubt, our teenage roots listening to Niravan, Soundgarden, Pearl Jam, and Alice in Chains made a lasting impression on our approach to creating music and our avoidance of rockstar egoism. I think this is evident even now in our newest material. Maybe now more than ever.

Q7: NIRVANA、グランジという文脈でいえば、THOU は世界で最もヘヴィーなグランジバンドと形容されることもありますよね?

【BRYAN】: そんな風に呼ばれているのを聞いたことがないんだけど、これは褒め言葉として受け取っておこう。このバンドはグランジの源流であるパンクのエートス、プログレッシブな政治的内容、メランコリックなサウンドから絶対的な深みへと浸っているんだ。
間違いなく、10代の頃に NIRVANA, SOUNDGARDEN, PEARL JAM, ALICE IN CHAINS を聴いていたことが、音楽制作へのアプローチや、ロックスターのエゴイズムを避けることに大きな影響を与えているね。それは今の最新作にも表れていると思う。多分、今まで以上にね。

Q8: Why did you decide to collaborate with Emma? Does this work reflect the current darkness in America that stemmed from Corona and politics?

【BRYAN】: Emma had been on our short list of musicians to tour and collaborate with for a while. When we got asked to do the residency at Roadburn last year, one of Walter’s suggestions had been to do some kind of collaborative performance. It was kind of the perfect excuse to convince Emma to work on a record and then tour with us: we basically had to write the thing and we had a reason to tour it leading up to Roadburn, ostensibly to give us some practice.
We wrote the record at the very start of 2019 and recorded it August 2020, so it really doesn’t have much to do with the politics surrounding COVID. It is, however, steeped quite a bit in exploring the personal effects of mental illness, and I think that’s something inextricable from the darkness of unmerciful, American capitalism.

Q8: Emma Ruth Rundle とのコラボレーションは何がきっかけで始まったのですか?このレコードは、現在のアメリカを覆うコロナや政治の闇を反映しているのでしょうか?

【BRYAN】: Emma は以前からツアーやコラボレーションをしたいミュージシャンのリストに入っていたんだ。去年ロードバーンでのレジデンシーを依頼された時、責任者ウォルターの提案の一つに、何かコラボレーション・パフォーマンスをするというものがあったんだ。そしてそれは、エマにレコードを作ってから一緒にツアーをしようと説得するための完璧な口実になったんだ。
僕らはこのレコードを2019年の初めに書いて、2020年の8月にレコーディングしたから、COVIDを取り巻く政治とはあまり関係ないんだ。だけど、メンタルの病の個人的な影響を探求することがかなりの部分染み込んでいて、それは無慈悲なアメリカ資本主義の闇とは切っても切り離せないものだと思うんだ。

Q9: So, Internet, streaming service, and SNS made drastic changes to music industry. Actually, some said “Album is dead” and listening experience becomes more convenient, I feel. But you are still making 76 minutes epic album and over ten minutes long songs. That seems to be a kind of rebellion against the music industry and instant listeners. Do you agree that?

【BRYAN】: I own a record shop, so I don’t really think the album is dead. Catering to playlists and social media algorithms is probably more fiscally responsible and lucrative, but we’ve never really tried to contort our music that way. We’ve never been interested in playing the money-making game in terms of compromising much, if at all, on our approach to the band. Creatively, we’d prefer to let the art go where it wants, where we’re intuitively compelled to go.
All of that being said, I don’t think we’ve ever really set out, or made it our standard, to write ten minute songs. If a song or idea makes more sense to do in a thirty second burst, I don’t think we’d hesitate at all to go in that direction. Exploring riffs has just been, by and large, the way those guys write and what is most interesting for them. The pieces they have come up with usually demand that sort of lengthy exploration.
But one of the ideas we’ve been talking about for the next record is to do something more along the lines of the Rhea Sylvia songs―really verse chorus verse traditional structures. Shorter, more compacted. But again, it just depends on where each, particular song needs to go. And by the time we get to that stage in the writing process, things could drastically change. We’ll see!

Q9: インターネット、ストリーミングサービス、SNS の伸長は音楽産業にドラスティックな変化を及ぼしました。”アルバムは死んだ” と言われ、よりコンビニエントなリスニング体験が求められているようですね。
それでも THOU は76分のアルバムを作り、10分を超える楽曲を作り続けています。

【BRYAN】: 俺はレコード店を経営しているから、アルバムが死んだなんて思っていないよ。プレイリストやソーシャルメディアのアルゴリズムを利用した方が財政的にも責任が持て、儲かるかもしれないけど、俺らは自分たちの音楽をそれに沿って歪めようとしたことは一度もない。バンドへのアプローチについて、妥協することはあっても、金儲けのためのゲームをしようと思ったことは一度もないんだよ。 創造的には、自分たちが直感的にやりたいと思った分野で、アートを自由にやりたいんだよ。
そうは言っても、俺らは10分間の曲を書こうとは思っていないし、それがスタンダードになっているとも思っていない。30秒でやった方がいい曲やアイデアがあれば、その方向に進むことを躊躇することはないと思う。リフを探求することは、大抵の場合、俺らが曲を書く方法で、最も興味深いことなんだ。だから長い探究心が必要となることもあるね。
でも、次のアルバムに向けて話し合っているアイデアの一つとして、”Rhea Sylvia” の曲に沿ったものを作りたいと思っているんだ。より短く、よりコンパクトに。でも、それはそれぞれの曲がどこに向かうべきかにかかっているんだ。ライティングの段階に到達する頃には、状況は大きく変化しているかもしれないしね。今にわかるよ。

BRYAN’S RECENT FIVE FAVORITE ALBUMS

SILVER GODLING “RAVEL”

NORMA TANEGA “WALKIN’ MY CAT NAMED DOG”

IRIS DEMENTS “INFAMOUS ANGEL”

AKIRA ORIGINAL SOUND TRACK

SUZANNE VEGA “TOM’S DINER” (ACAPELLA VER. 1994 BBC)

Silver Godling “Ravel” is probably the only new release I’ve been listening to. Emily’s got another whole album she just finished that’s amazing, and she’s been working on some arrangements of Purcell that are incredible! Other than that, Norma Tanega’s Walkin’ My Cat Named Dog, Iris DeMent’s Infamous Angel, the Akira soundtrack, and the acapella version of “Tom’s Diner” Suzanne Vega did on the BBC in 1994. I also just started digging into Alice Phoebe Lou, but mainly the live solo stuff. The new Fiona Apple record is cool. I’m still listening to The Smiths on repeat. I guess Morrissey is my own personal Burzum. Nazz Mozz.

MESSAGE FOR JAPAN

Sacred Bones had worked out a CD release of Magus, but I think the label flaked and folded. We didn’t even get copies! If anyone has a few, we’d love to have some for our personal archives.
Yeah, it would be great if Daymare or someone cool would be interested in releasing all of our output on CD for Japan releases. There are plenty of tidbits we could add to the CDs. We would absolutely love to tour Japan someday before this band ends. I recently watched Ed Piskor’s video from Japan on the Cartoonist Kayfabe youtube channel, and now I wanna come over even more! I gotta get all the Katsuhiro Otomo manga. If anyone wants to trade for Thou records, let me know.

Sacred Bones は “Magus” のCDをリリースしていたんだけど、レーベルが在庫を切らしちゃったのかな。俺たちはコピーさえ手に入れられなかったんだよ! もし誰かが持っているなら、個人的なアーカイブ用にいくつか持っていたいんだけどね。
そうだね、だから Daymare Recordings か誰かクールな人が、日本で僕らの全作品をCDでリリースすることに興味を持ってくれたら最高なんだけどね。ボーナストラックになるような素材はたくさんあるし。
このバンドが終わる前に、いつか日本ツアーをしたいと思っているよ。最近、漫画家 Kayfabe の youtube チャンネルでエド・ピスコのビデオを見たんだけど、もっと日本に行きたくなってきたよ。大友克洋の漫画を全部手に入れなきゃ。漫画と THOU の レコードと交換したい人がいたら教えてほしいな。

BRYAN FUNCK

THOU Bandcamp
DAYMARE RECORDINGS
SACRED BONES RECORDS

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【BELL WITCH & AERIAL RUIN : STYGIAN BOUGH VOL.1】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH DYLAN DESMOND OF BELL WITCH & AERIAL RUIN !!

“Playing With a Guitar Was an Interesting Experience Because It Had Been So Long! Often Times I Try To Write Guitar And Bass Parts To Play At The Same Time On The Bass, But Having an Actual Guitar Allowed Room For Harmonies In The Upper Registers.”

DISC REVIEW “STYGIAN BOUGH VOL.1”

「今回は AERIAL RUIN とのスプリットではなく、完全なコラボレーションをしようと決めたんだ。Erik はこれまで僕たちのフルレングスアルバムの全てに参加していて、彼が加わった曲にはほとんどバンドそのものとしての魅力があると感じたからね。彼が最初に歌った曲が土台になっているという考えで、新しいバンドを作ってみてはどうだろうか?と思ったのさ。」
型破りなベース/ドラムスのデュオで、型破りな83分に及ぶ生と死の合わせ鏡 “Mirror Reaper” をリリースした BELL WITCH。沈鬱で思索を伴う葬送のドゥームメタルにおいて、参列者を陶酔の嘆きに誘うその呪われたスケール感は異端の域さえ遥かに超えています。
ただし、ベル家の魔女の重く厳粛なポルターガイストにとって、AERIAL RUIN こと Erik Moggridge がこれまで果たした役割は決して少なくはありませんでした。すべてのレコード、特に “Mirror Reaper” において Erik の仄暗きフォークの灯火は、バンドの神秘に厳かな微睡みをさえもたらしていたのですから。
そうして遂にフューネラルドゥームの極北とダークフォークの異彩が完全に調和する闇の蜜月 “Stygian Bough Vol.1” は世界にその孤影をあらわしました。
「Erik が BELL WITCH にはじめて参加したのは2012年の “Longing” からで、彼は “Rows (of Endless Waves)” の最後のパートを歌っているんだ。そしてあの楽曲のテーマは、世界に現れ破壊しようとしている、海に宿る幽霊や霊のようなものを扱っていたんだよ。Erik はこのテーマを “Stygian Bough” の歌詞でも継続していて、それがアートワークにも反映されているんだ。」
アルバムタイトルの “Stygian Bough” とは、英国の社会人類学者ジェームス・フレイザーの著書 “The Golden Bough” “金枝篇” に端を発しています。
人間の王殺し、権力の移譲を社会的、宗教的、神話的観点から比較研究した長編は、コロナ危機を反映していないとはいえ、現在のアメリカにこれほど問題意識を重ねる Dylan とバンドの深層心理を当然ながら投影しているはずです。語られるのは権力を巡り世界を破壊しかねない、王の亡霊と司祭、そして人類の強欲の物語。
「このアルバムの制作をはじめた時、僕たちは ULVER の “Kveldssanger” を参照して引き合いに出したんだ。あとは ASUNDER の “Clarion Call”、そして CANDLEMASS の “Nightfall” だね。」
ギター/ボーカルの Erik が全面的に加わることで、BELL WITCH の “ノーマルな” 作品群とは明らかにその出発点が変わりました。”The Bastard Wind”, “Heaven Torn Low”, “The Unbodied Air”。20分づつ3つの楽章に分かれたアルバムは、普段の葬送曲よりもテンポは増し、旋律は色彩を帯びて、確実に感傷的でエモーショナルな海風を運びます。
「ギターと演奏するのは久しぶりで、面白い経験だったよ。というのも、僕はギターとベースのパートを書いてそれをベースで同時に演奏しようとすることが多いからね。だけど今回は、実物のギターをバンドに組み込むことで高音域のハーモニーにも余裕が生まれたわけさ。」
ギター、和声との邂逅は、すべての音域を司る Dylan のベースラボラトリーにも変化をもたらしました。6弦から7弦へスイッチし奈落のような低音と深々たる残響を引きずりながら、高音域ではより自由にメロディアスな演奏を許されています。フレットに叩きつける右手と左手のタップダンスは、一層熱を帯びて激しさを増す一方でしょう。
Jesse Shriebman は、スペースが狭まった分だけ普段よりも手数を抑え、リズム楽器本来の役割を忠実に果たしながら、一方で荘厳なピアノとオルガンのアレンジメントに心血を注ぎ、煉獄のテクスチャーに多様性を導きました。そしてもちろん、Erik が紡ぐダークフォークの仄暗き幽玄はアルバムの真理です。
生と死の境界、権力の腐敗、人類による地球支配。光と陰が交差する新たなドゥーム世界は、BELL WITCH と AERIAL RUIN によって描かれます。この寂寞の叙情詩は、PALLBEARER が持つプログレッシブな革新性とはまた異なるベクトルの進化でしょう。
今回弊誌では Dylan Desmond にインタビューを行うことができました。「PRIMITIVE MAN との日本ツアーは素晴らしかったよ!COFFINS とプレイできたこともね。彼らはレジェンドさ!」2度目の登場。どうぞ!!

BELL WITCH & AERIAL RUIN “SATYGIAN BOUGH VOL.1” : 10/10

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COVER STORY + NEW DISC REVIEW 【HEILUNG : FUTHA】


COVER STORY : HEILUNG “FUTHA”

“We’re Trying To Place Ourselves In The Minds Of People From 2,000 Years Ago, 3,000 Years Ago, 4,000 Years Ago. What Are The Sounds The People Heard? Of Course, It’s The Nature Sounds. There’s An Ever-changing Use Of Instruments And Sounds That We Collect In Nature.”

HOW HEILUNG DESCRIBES “THE DOWNFALL OF THE KNOWN WORLD” AND SURVIVAL WITH PAGANISM

「過去と繋がるためには、現在と断絶する必要がある。」とChristopher Juul は語ります。この言葉は発言主であるデンマークのプロデューサーがドイツの Kai Uwe Faust、ノルウェーの Maria Franz、2人の歌い手を誘うヒプノティックなプロジェクト HEILUNG のマニフェストとなっています。
アンプから歴史を紡ぐ HEILUNG。青銅器の芽生えからヴァイキングの荒波まで、北欧の野生と原始を呼び起こすグループの使命は、鹿と水牛の角、動物の皮、人骨、剣、世界最古の片面太鼓フレームドラム等の古代遺物とルーンストーンやアミュレットから再文脈化された陰鬱なリリックを融合させることとなりました。
Christopher が充すパーカッシブな海洋の中で、チベットの聲明を醸し出す Faust とノルウェーの伝統を紡ぐ Maria はせめぎ合い、闇と生命の複雑なバランスを構築します。

「みんなの感情にほんの少し火花を散らしたいんだ。自然に囲まれ、自身の牛を屠殺し、ドラムを作り、つまり地球からの恵みで生きるためにね。」 Faust にとって悲しみを生むだけの “現代文明” と積極的に繋がることは決して重要ではないのです。つまり、ドイツ語で “癒し” を意味する HEILUNG とは、そのドローンと詠唱を背景とした祭祀的なコンサートはもちろんですが、何よりも階級、宗教、政治など現代生活の障壁から距離を置き解き放たれること、トライバルな精神への接近をこそ象徴しているのです。

「幼い頃、私は自分が世界で一番醜いと信じていたの。」その考えが長い間自身を訶み、破壊していたと Maria は打ち明けます。
「周りの人たちと繋がることが出来るなんて思いもしなかったわ。だけど11歳の時、全てが変わったの。故郷でヴァイキングの再現に目覚めたのよ。ドラムを演奏し、弓矢を放ち、当時の服装を再現し着用してコミュニティーとスピリチュアリズムの深い意味に気づく。友人を作り、10歳も歳上の人たちと焚き火を囲んで人生を語らう。10代の若者から、物語や知恵を共有できる祖父母までね。美しい場所で成長し、私はそこに救われたの。だから、私たちが HEILUNG を結成した時は、パズル全てのピースが集まったようだったの。」
かつてヴァイキング、ユングリング家が拠点としたノルウェー海沿いの街ボッレで育ったことも彼女の感性を羽ばたかせました。
「私と妹は、幼い頃から国立公園を遊び場として使っていたの。王と女王が埋葬されている墓の塚を滑り降りていたわ。歴史の風があの公園を吹き抜けているから、そこを歩いて前時代の何かを感じないなんて不可能なのよ。」
HEILUNG 究極の目的は、人々の心の状態を変えることだと Maria は語ります。
「年をとると、ありがとうの言葉の必要性を感じ始めたわ。私は自分の小さな儀式を作っているの。それは宗教や社会を知る遥か以前から知っていたものよ。」

Faust の人生はヴァイキング文化によってより劇的に救われました。厳格なキリスト教徒の両親は彼にテレビを禁止し、文学の探求を推奨していました。そして古代の謎や墓などが記された “The Last Secrets of Our Planet”、祖父が所持していたギリシャ神話は確かに幼い彼を魅了していたのです。ただし、10代に差し掛かると組織化された宗教に反発し問題を起こします。
「両親との支配的な生活の中で、キリスト教に嫌気が差したんだ。学校でも暴力やトラブルが付き物だったね。物を壊したり、人を殴ったりしていたんだ。それで知能テストを受けさせられたんだけど、僕は非常に賢いが学校には馴染めない子供だと判明したんだよ。それでサタニズムに傾倒したんだ。ちょっと早熟だったかもね。14歳で逆さ十字のタトゥーを刻んでいたんだから。」
Faust に再び光が射したのは、シャーマニズムとヴァイキング文化に出会った17の時でした。酷い皮膚病にも悩まされていた彼は “シャーマニックワーカー” に招かれて癒しとトランスの旅を経験し、眼前に黄金の門が開くのを感じます。
「21日間毎朝、朝露を患部に塗りなさいって。当時僕は全身黒ずくめのサタニストだよ。全然信じてなかったけどとりあえず16日か18日かだけやってみたんだ。そうしたらすっかり治ってしまったんだ。10年間悩まされ続けた痒みや痛みが全てなくなったんだ。キリストを信じようが悪魔を信じようが、目の前で “癒し” を目撃したんだから。以来、信仰に悩まされることはなくなったね。おかげで両親に謝罪して和解したんだ。それ以来創造性は爆発を続けているよ。」

ただし Faust の反抗はまだ終わりではありませんでした。次なる闘争はキャリアや家族といった従来の社会システムへと向けられたのです。キャンプファイヤー、ヒーリングワークショップ、数々の旅を経てシャーマンへと近づいた彼は “愚か” だと自嘲する行動を起こしました。
「失業率の高い中、コンクリート工場の仕事を辞めたんだ。ちょうど工場長へと昇進した時、僕はここを去らなければならないと言ったんだ。何百万のドイツ人が夢見る暮らしを捨てたんだよ。誰も僕の決断を理解出来なかったね。人生を台無しにしてるって。」
仕事を辞しアートや歴史を学ぶことを意識していた Faust ですが、奇しくも黄金の門はタトゥーの世界へと開かれました。”見て盗め” タイプの女師匠と出会った彼は子供の頃からの夢であった創作の世界に没頭し、数年後、デンマークに移住した Faust はヴァイキングのスタイルに敬意を表しながら北欧のタトゥーシーンに定着し、2013年には “ノルディックタトゥー” をテーマとした書籍を出版するまでに至ったのです。

チベットの聲明を身につけたことも人生を大きく変えました。
「SLAYER や SEPULTURA も聴いていたけど、あれはメタルよりダークだよ。チベットの歌い手たちは、どんなメタルシンガーよりも深い。まさに探し求めていたサウンドだった。」
タトゥーへの情熱は遂に音楽への目覚めと交差します。戦士、古代のシンボル、鹿をフィーチャーした華やかなネオノルディックの印。Faust のアートは Christopher の目に留まり、2人はスタジオで一気に HEILUNG の原型を創造しました。ただし、あまりに狂気じみていたため、よりメロディックでエセリアルなイメージを求めて Christopher のガールフレンド、元バンドメイト Maria を呼び寄せることになったのです。そうして3人のミュージシャンは、奇しくもヴァイキングの文化によって集うこととなりました。

「癒しとは、人々に内なる自己と再接続するための枠組みや空間を与えること。言い換えれば、私たちは安定したビートを長時間浴びる時に起こる魔法、トランス状態で我を忘れる経験を提供したいのよ。」
HEILUNG のマニフェストである “増幅される歴史” とは、考古学用語 “Living History” 生きた歴史の体感と繋がっています。Maria の言葉通りライブという儀式の共同体験と、アルバムのよりプライベートなリスニング体験の両方を掛け合わすことでその癒し効果は深遠さを増します。
「自然から得たサウンドや楽器はいつも変わり続けるんだよ。」骨や剣といった古代の遺物や自然を音楽に取り込む型破りな HEILUNG のやり方も偶然という魔法をその音の葉に宿す、モダンミュージック革命だと言えるのかもしれませんね。
「森を走り回って滝の音、悠久の年月が築き上げた岩清水、それに降雪の音までレコーディングしたんだ。これは本当に難しいかったね。」
HEILUNG において自分は生産者はでシェフは Christopher だと Faust は続けます。
「僕はあるがままのサウンドを収集する、言ってみれば音の農家なんだよ。自然のサウンドという新鮮な果物や野菜を Christopher に提供して、彼がコンピューターやソフトウェアで料理の腕を振るう。するとまるで古いノルウェーの教会で演奏しているようなサウンドが広がるんだ。彼には教会や洞穴の引き出しが沢山あってね。どうやっているのかは分からないんだけど。」

自然の息吹はすなわち太古のサウンドで、彼らの使命はそれを現代に蘇らせること。”Othan” こそ古代のトランス。
「2000年、3000年、4000年前の人の心の中に自分を住まわそうとしているんだ。当時彼らが聞いていたのはどんな音だろう?もちろん、風や滝といった自然の音だよね。それにお酒を飲んでリズムに合わせて歌って踊っていたんだろうね。だから僕たちは、そのリズムを当時のまま骨や頭蓋骨、武器なんかで刻むんだ。スタジオの前に巣を作っているカモメの鳴き声までね。Christopher はそれをクレージーなまでに歪めてサイケデリックに仕上げるんだよ。」
信仰や社会のシステムから解き放たれた Faust にとって、当然音楽はいかなる制約も受けるものではありません。
「僕たちはサッカーを “プレイ” するように音楽を “プレイ” はしない。むしろ遊ぶという “プレイ” に近いだろうな。全く新しい要素を繋ぎ、全く新しい方法で進み、不可能なことを実現する。完全なる自由なんだよ。」
骨をマイクや打楽器にするのも Faust 流 “遊び” の一環です。
「骨や頭蓋骨のコレクターなんだよ。大学が研究のために所持していたものを買い受けたりしてね。”Krigsgaldr” はまさにそんな骨を使用したんだ。」

男性と女性が存在する自由も HEILUNG の強みでしょう。さらに、”Ofnir” が男性的に振れたアルバムだとすれば、振り子の針は”Futha” で女性側へと振れました。事実 ‘Svanrand”, “Norupo” といった不気味な聖歌、神々のため息において女声の存在感は確実に増していますし、歌詞にしても 1000年前の女性が暗唱したアイスランドのマジカルな呪文がもとになっているのですから。
「自然な流れだと思う。自然界ではバランスが重要なんだ。プラスとマイナス、昼と夜、黒と白。全ては両極の間を浮遊しているのだから。」
オープナー、”Galgaldr” はアルバムのテーマである “既知の世界の崩壊” とそこから生まれる “避け難き再生” を象徴する楽曲です。同時にそのテーマは、”Futha” のレコーディング中 Christopher と Maria が区画整理によって愛する家を手放さざるを得なくなった事象とリンクしています。
「Maria は庭で過ごし草花を育てることを愛していた。重機や業者は彼女の目の前でその庭を引き裂いたんだ。彼女は涙を流していたよ。だから彼女に大丈夫、今は恐ろしいけど全てを見ておくんだ。いつか全てが解決する日が来ると伝えたんだ。」
実は異教の司祭の息子で、幼い頃から儀式を幾度も取り扱ってきた Christopher が語るストーリーはおとぎ話ではなく現実ですが、それでも彼らはいつかより素敵な家を見つけ新たな幸せを噛みしめるはずです。それこそが再生の精神だと彼らは感じています。暗闇から現れる黄金の門。慣れ親しんだ価値観の破壊から生まれ来る真なる癒しと自由。人生という3人の旅路は、まさにアルバムの意思と見事にシンクロしているのです。

2020年代を前にして、メタル世界は自然崇拝や地霊信仰といったペイガニズムの波を全身に浴びています。Anna Von Hausswolff, Myrkur, Chelsea Wolfe など女性がムーブメントを後押ししているのは確かでしょう。そして HEILUNG はその最前線に位置しています。
「人間は自然と繋がることで、肉体的、精神的オーガニズムを感じるんだ。生命は全てが一つ。人間だけじゃなく、植物や海だって養ったり捕食したりしながら僕たちと関係しているんだから。」
しかしなぜ、エクストリームミュージックの住人は特段異教の世界に惹かれるのでしょうか? Christopher はその理由を理解しています。
「ルーン文字やペンタグラム、オカルトのシンボルは若者が大半を占めるエクストリームメタルの文化において重要な背徳感を備えているからね。」

ただし、もちろんそれだけではありません。過去にロマンチシズムを求めるメタル世界の住人だからこそ、古の息吹ペイガニズムの再発見へと繋がったのではないでしょうか。
「祖先になじみ深い知識や力への道は、現代世界の多くの人々にとって隠されているようなものだ。支配的な一神教信仰によって抑制されたか、産業革命以来単に忘れられたか、農村から都市環境への移動が原因かは分からないけどね。オカルトのシンボルはこの古代の力を指し示し、繋がるためのヒントなんだよ。だから、それが音楽によって生み出される感情的に満たされた空間内に反映されると、実に刺激的なんだ。」
今では “Game of Thrones” や “Vikings” のサウンドトラックにまで使用され、メタル世界最大の現象となった HEILUNG。「 僕たちの大きな夢は、オペラハウスや古代の円形劇場、自然環境で演奏すること。ゆっくりと実現に近づいているよ。もちろん、様々なリスナーが混在するフェスも楽しいよ。だけど、古代の音楽だから自然環境やオペラハウスこそが相応しいんだ。」

参考文献: HOW DENMARK’S HEILUNG ARE CREATING “AMPLIFIED HISTORY” WITH HUMAN BONES, THROAT SINGING: REVOLVER MAG

Heilung: The force of nature that’s leaving metalheads spellbound: METAL HAMMER

Folk-Metal Group Heilung Talks Second Album ‘Futha,’ Soundtracking Primetime TV and Finding a New Female Energy: Billboard

HOW PAGANISM IS INFLUENCING A NEW BREED OF HEAVY ARTIST: Kerrang!

HEILUNG Facebook Page
HEALING SEASON OF MIST

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【IAMTHEMORNING : THE BELL】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH GLEB KOLYADIN OF IAMTHEMORNING !!

“It Is Fascinating To Add Passion And Drive From Rock Music To The Classics. At The Same Time, Playing Rock, I Try To Make It More Sophisticated And Intellectual, Adding Many Layers And Making It More Polyphonic.”

DISC REVIEW “THE BELL”

「コフィンベルはどちらかと言えば憂鬱のシンボルなんだ。同時にとても美しいけどね。人間の残酷さについてのストーリーなんだ。何世紀も前から人間性そのものは何も変わってはいないんだよ。そしてこのベルは、例え生きたまま埋葬されたとしても周囲に生存を知らせるための最後の望みだったんだよ。」
Kscope の至宝、チェンバープログの孤高を極めるロシアのデュオ iamthemorning は、クラシカルなピアノの美麗とエセリアルな詠唱の荘厳で人に宿る残酷の花を自らの音の葉で咲かせます。
“Lighthouse” のアートワークに描かれた心許ない灯台の火は、孤独や痛み、憂鬱に翻弄される大海、人生における微かな希望の光だったのかも知れませんね。そうして今回、長年のコラボレーター Constantine Nagishkin の手によって “The Bell” の顔として描かれたのは、希望と闇、美と憂鬱のコントラストを投影したコフィンベルでした。
セイフティーコフィンベル。英国ヴィクトリア期に広まった、棺に連結されたベルは仮に生きたまま埋葬されたとしても周囲に生存を伝えられる最期の希望。
「どんなに長い間、絶望的な状況に置かれたとしても、助けを呼ぶことは出来るのよ。と言うよりも、助けが必要な時は必ず呼ぶべきなのよ。」ヴィクトリア期に心酔し探求を重ねるスペシャリスト、ボーカル Marjana はいわくのベルをテーマとしたことについてこう語っています。
21世紀において埋葬されるのは、薬物の乱用、差別、ネグレクト、社会からの疎外に苦しむ人たち。つまり、iamthemorning は何世紀も前に存在した残酷と希望を宿す “セイフティーネット” を現代に巣食う闇の部分へと重ね、人間性の高まり、進化についての疑問と真実を世界へと問いかけているのです。
「僕自身は少しずつプログのラベルから離れていると思うんだ。音楽的な境界を広げようとしているし、出来るだけ異なる音楽をプレイしようとしているからね。このアルバムでは特に顕著だと思うよ。」
人間性を率直に問いかけるアルバムにおいて、当然 iamthemorning 自身も装飾を剥ぎ取り、ナチュラルで正直、かつ本来の姿への変貌を厭いませんでした。
「”The Bell” の楽曲の大半は、正確に言えば僕たち2人のデュエットなんだ。2曲を除いて、当初全ての楽曲はデュエットの形をとっていたんだよ。その中のいくつかは、後に他の楽器を加えることになったね。だけど僕たちが持ち込みたかった雰囲気は壊さないようにしたよ。」
天性のピアニスト Gleb が語るように、”The Bell” で iamthemorning は始まりの朝焼け、2人を中心とした地平線へと再び赴くことを決断します。ゲストミュージシャンを制限し、ヘヴィーなアレンジメントを抑制することで、アルバムには以前にも増して映画や演劇のシアトリカルなイメージと衷心が産まれました。
そうして、クラッシックとチェンバーのダークで深みのある色彩を増したアルバムが、あのフランツ・シューベルトが好んだ19世紀に端を発する連作歌曲 (各曲の間の文学的・音楽的な関連性をもって構成された歌曲集) のスタイルへと到達したのはある種の必然だったと言えるでしょう。
ピアノの響きとシンフォニックなオーナメント、時折悪魔が来たりてディストーションをかき鳴らす作品中最もダイナミックかつエニグマティックなオープナー “Freak Show” で、Marjana は脆く悲痛でしかしフェアリーな歌声をもって 「誰も気にしないわ。例え私がバラバラに砕け散ったって。ただ立ったまま見つめているだけよ。だから私はもっとバラバラに砕けるの。」と数百年の時を経ても変わらぬ人の残酷を訴えます。
それでも世界に希望はあるはずです。第2楽章の始まり、エモーションとバンドオーケストラが生み出す絶佳の歌曲 “Ghost of a Story” で Marjana は、「全てに限界はあるの。あなたの悲しみにおいてさえ。少しづつ安心へと近づいていくわ。」とその目に暗闇を宿した亡霊のごとき現代人に一筋の光明を指し示すのです。
しばしば Kate Bush と比較される iamthemorning のポストプログワールド。実際、”Sleeping Beauty” のように彼女の遺伝子は今でも深くデュオの細胞へと根を張りますが、一方で Chelsea Wolfe, さらには Nick Cave の仄暗きアメリカーナにも共鳴する “Black And Blue” の濃密なサウンドスケープは特筆すべきでしょう。
そうして “Lilies” から “The Bell” へと畳み掛けるフィナーレはまさに歌曲の大円団です。Gleb の言葉を借りるなら、感情的で誠実なロックの情熱をクラッシックへと持ち込んだ “シューベルトロック” の真骨頂でしょう。
もちろん、芳醇なアレンジメントやオーケストレーションは楽曲のイヤーキャンディーとして不可欠でしょうが、その実全てを取り払ってデュエットのみでも十二分にロックとして成立するリアルがここにはあります。2人のシンクロニシティーはいったいどこまで高まるのでしょう?あの ELP でさえ、基本的にはドラムスの存在を必要としていたのですから。
今回弊誌では Gleb Kolyadin にインタビューを行うことが出来ました。「おそらく、僕は啓発的であることに固執しているとさえ言えるね。つまり、僕の音楽を聴くことでリスナーが何か新しいことを学べるように、ある意味リスナーを少し “教育” したいと思っているのかもね。」2度目の登場。どうぞ!!

IAMTHEMORNING “THE BELL” : 10/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CHELSEA WOLFE : BIRTH OF VIOLENCE】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CHELSEA WOLFE !!

“Gender Is Fluid, And There Is So Much Beauty In Making Space For All Kinds Of Voices In Music. It’s Happening, And It’s Amazing!”

DISC REVIEW “BIRTH OF VIOLENCE”

「昨年、私たちは沢山のツアーを行ったわ。8年ずっと続いてきたツアーに加えてね。だから休みを取って、スロウダウンし、自分自身の心、体、精神のケアを学びなさいと何かが語りかけてきたのよ。」
フォーク、ゴス、ポストパンク、インダストリアル、メタル…2010年、デビューアルバム “The Grime and the Glow” を世に放って以来、Chelsea Wolfe はジャンヌダルクの風姿で立ち止まることなく自らの音の葉を拡張し続けてきました。光と闇、激情と静謐の両極を司り進化を続けるカリフォルニアの歌姫は、しかし遂に安息を求めていました。
「私はただ自分の本能に従っているだけなのよ。そうして今の場所に辿り着いたの。」10年続いた旅の後、千里眼を湛えたスピリチュアルな音求者は、本能に従って彼女が “家” と呼ぶアコースティックフォークの領域へと帰り着いたのです。
Chelsea は最新作 “Birth of Violence” を “目覚め始めるレコード” と呼んでいます。
「批判を受けやすく挑戦的な作品だけど、私は成長して開花する時が来たと感じたのよ。」
ダークロックのゴシッククイーンとして確固たる地位を築き上げた Chelsea にとって、アコースティックフォークに深く見初められたアルバムへの回帰は確かに大胆な冒険に違いありません。ただし、批判それ以上に森閑寂然の世界の中に自らの哲学である二面性を刻み込むことこそ、彼女にとって真なる挑戦だったのです。
「私はいつも自分の中に息づく二面性を保持しているのよ。重厚な一面と衷心な一面ね。それで、みんながヘヴィーだとみなしているレコードにおいてでさえ、私は両者を表現しているの。」
逆もまた真なり。”The Mother Road” の暗静アメリカンフォークに醸造された強烈な嵐は、チェルノブイリの蜘蛛の巣をも薙ぎ払いダイナミズムの黒煙をもうもうとあげていきます。
“Little Grave” や “Perface to a Dream Play” のトラディションに蠢めく闇の嘶き。 PJ Harvey とゴスクイーンが手を取り合う “Be All Things”。何よりタイトルトラック “Birth of Violence” の平穏なるプライドに潜む、咽び叫ぶ非業の祈り。そうして作曲パートナー Ben Chisholm のアレンジとエレクトロの魔法が闇と光の二進法を優しく解き放っていくのです。
アルバムに根ざした仄暗く重厚な影の形は、世界を覆う不合理とピッタリ符合します。無垢なる子供の生まで奪い去る銃乱射の不合理、平穏な暮らしを奪い去る環境の牙の不合理、そしてその生い立ちのみで差別を受ける不合理。結局その起因はどこにあるのでしょう。
ただし変革を起こすのもまた人間です。”目覚め始めるレコード” において鍵となるのは女性の力です。
「そろそろ白か黒か以外の考え方を受け入れるべき時よ。”ジェンダー” の概念は流動的なの。そして全ての種類の声を音楽にもたらすことで沢山の美しさが生まれるのよ。今まさにその波が押し寄せているの!素晴らしいわ!」
長い間会員制の “ボーイズクラブ” だったロックの舞台が女性をはじめとした様々な層へと解放され始めている。その事実は、ある種孤高の存在として10年シーンを牽引し続けた女王の魂を喚起しインスピレーションの湖をもたらすこととなったのです。
安息の場所から目覚める新たな時代。今回弊誌では Chelsea Wolfe に2度目のインタビューを行うことが出来ました。「私の古い辞書で “Violence” とはある一つの意味だったわ。”感情の力” という意味ね。私はそれと繋がって、自らの力に目覚める人間を思い描いたの。特に力に目覚める女性をね。」 日本盤は世界に先駆け9/11に Daymare Recordings からリリース!どうぞ!!

CHELSEA WOLFE “BIRTH OF VIOLENCE” : 9.9/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【CHELSEA WOLFE : HISS SPUN】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH CHELSEA WOLFE !!

Chelsea Wolfe by Bill Crisafi

PHOTO BY BILL CRISAFI

Certainly, Folk/Rock/Experimental Artist Chelsea Wolfe Took A Step Toward More Dark Side, Heavy Realm, Sludge World With Her Outstanding New Record “Hiss Spun” !!

DISC REVIEW “HISS SPUN”

ダークでスピリチュアルな崇高美を追求する、ノースカリフォルニアの堕天使 Chelsea Wolfe が、そのゴシカルなイメージをスラッジメタルの世界へと解き放つ最新作 “Hiss Spun” をリリースしました!!審美のダークサイドを司るエクストリームアートの女王は、至上の環境、チームを得てより鮮明にその印象を増しています。
近年、Chelsea と彼女の右腕 Ben Chisholm の冒険は、出自であるゴシックフォークの枠を容易く超越し、ドゥームの翳りを宿すインダストリアル、エレクトロニカ、ノイズ、ドローンにまでアプローチの幅を拡げて来ました。陰鬱にして甘美、アーティスティックで創造性豊かなそのジャンルの邂逅は、Chelsea の幽美なビジュアルやスピリチュアルな一面とも共鳴しながら、この混沌とした世界に安寧を喚起するメディテーションの役割を果たして来たのかも知れませんね。
“Spun” の凄艶なディストーションサウンドでスラッジーに幕を開ける “Hiss Spun” は、リスナーの思念、瞑想にある種の直感性を差し伸べる、よりヘヴィーで正直なアルバムです。
「これは、ヘヴィーなレコードでロックソングを求めていたの。」 実際、Chelsea はそう語っています。故にRED HOST 時代のバンドメイト、ドラマー Jess Gowrie とのリユニオンは必然だったとも。
確かにこのレコードの陣容は彼女の言葉を裏付けます。リードギタリストに QUEENS OF THE STONE AGE の Troy Van Leeuwen を起用し、ex-ISIS の Aaron Turner をゲストボーカルとして招聘。さらに CONVERGE の Kurt Ballou をプロデューサーに指名した采配の妙は間違いなくこのレコードの方向性を諮詢していますね。
セカンドトラック “16 Phyche” はアルバムを象徴する楽曲かも知れません。蝶の羽を得て人間から変異を遂げた美しき魂の女神、そして火星と木星の間を公転する小惑星の名を共有するこのコズミックで漆黒のヘヴィーバラードは、自由を奪われ制限される人生をテーマとしています。
「8年間、故郷ノースカリフォルニアを離れてロサンゼルスにいたんだけど、LAは私と共鳴することは一度もなかったの。私の心はいつもノースカリフォルニアにあったのよ。大きな木々、山や川の側にね。」 Chelsea はそう語ります。
遂に家族と自然、スピリチュアルなムードに溢れた故郷へと帰還し、心の平穏と安寧を取り戻した彼女は、閉塞的で捌け口のない当時の自分を反映させた魂の情歌へと辿り着いたのでしょう。
実際、”Twin Fawn” にも言えますが、彼女も認める通りこの楽曲における Chelsea の歌唱はよりパーソナルで内面全てを曝け出すような壮絶さを宿します。フィードバックと不穏なムードが支配する重密なサウンドとも絶妙にシンクロし、彼女のエモーションは現代社会の閉所恐怖症とも形容可能なイメージをも楽曲に映し出しているのです。
“Hiss” とはホワイトノイズ、つまり雨音や川のせせらぎ、鳥の囀りといった自然と人間を繋ぐ雑音を意味する言葉だと Chelsea は教えてくれました。トレモロリフとポストメタルの重厚で奏でられる “Vex” で Aaron Turner の剛胆な咆哮は大地の感覚、アーシーなホワイトノイズだとも。
Aaron の声が大地の咆哮なら、浮遊感を伴う Chelsea の声はさながら虚空のスキャットでしょうか。楽曲の最後に挿入された森のざわめきに耳を澄ませば、彼女のメッセージが伝わるはずです。ヘヴィーとエセリアルのコントラストで表現される自然に対する強い畏怖は、現代社会が忘れつつある、しかし忘れてはならない貴き精神なのかも知れませんね。
確かにヘヴィーでスラッジーなアルバムですが、同時に “Twin Fawn”, “Two Spirit” のような自身のアイデンティティー、ゴシック/フォークにフォーカスした楽曲や、近年養って来たインダストリアル/ノイズ要素を分断に盛り込むことで、作品は Chelsea の多面的な才能を映す鏡、ある意味集大成的な意味合いも保持しています。そして勿論、女性としての一面も。
アルバムは、魔女の如き甲高い歌声が印象的な “Scrape” で幕を閉じます。様々な怒りやヘヴィーな祈りが込められたアルバムには、当然 Chelsea の一人の女性としての怒りも封じられています。あの禍々しき魔女裁判が行われたセイラムでレコーディングが行われたことも、偶然ではないのかも知れませんね。
今回弊誌では、Chelsea Wolfe にインタビューを行うことが出来ました。彼女がゲスト参加を果たしている MYRKUR の最新作も同様に素晴らしい内容。併せてチェックしてみてくださいね。どうぞ!!

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CHELSEA WOLFE “HISS SPUN” : 9.8/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【YVETTE YOUNG : ACOUSTICS EP 2】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH YVETTE YOUNG !!

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Having Played Piano Since The Age Of Four And Violin Since Age Seven. Math Rock Queen, Yvette Young Shows Her Classical Influences With Her Beautiful New Record “Acoustics EP 2” !!

DISC REVIEW “ACOUSTICS EP 2”

端麗なる才媛、麗しきマスロッククイーン Yvette Young が、情趣溢れる別世界 “Acoustics EP 2″をリリースしました!!インタビューにもあるように、愛するポストロックの領域へと接近した絶佳なる名編には、多様でフレキシブルな彼女の色彩が存分に織り込まれています。
プログレッシブとマスロックの狭間で存在感を放ち、シーンの揺らぎとなっている COVET をホームグラウンドとするように、Yvette はモダンギタリストの文脈で語られるテクニカルなプレイヤーです。しかし、4歳からピアノを始め、7歳でヴァイオリンを学んだという彼女の深遠なる七色のギフトは、決してただ一所に留まってはいないのです。
実際、”Acoustics EP 2” は実に画期的な作品です。ギターで作曲を開始して6年。波のように揺蕩う異なる拍子の海、アコースティックギターで表現されるモダンで高度なテクニック、そして自らがプレイするヴァイオリン、ピアノ、ハープ、バンジョーなど多種多様な楽器の使用による豊かな表情、アトモスフィア。全てが前作 “Acoustics EP” から格段にスケールアップを遂げ、Yvette は遂に独自の世界観を確立したように思えます。
ボサノバの空気を深く吸い込み、自身のポップサイドを前面に押し出した “Holiday” で幕を開けるアルバムで、しかし特に着目すべきは、彼女の独創的な奏法が可能にするオーケストラのようなサウンドでしょう。勿論ピアノやストリングスを重ねているとはいえ、骨格がギター1本の演奏でこれほどまで音楽に立体感を生み出す作品は実に得がたいと感じます。実はそこには Yvette のクラッシックの素養、ピアノの技術が大きく作用しているのです。
インタビューで語ってくれた通り、Yvette には “ギターのレイアウト、フレットや弦をピアノの鍵盤に見立てて” プレイする場面が存在します。つまり左手で抑え右手で音を出す通常のプレイに加えて、両手ともに指板をタップし直接音を生み出すことで、右手の分、旋律をより重ねることが可能になっているのですね。ギターを横にしてそのままピアノのように “弾く” イメージでしょうか。
当然、高度なテクニックで音量やノイズの調整は簡単ではありません。しかし彼女はメトロノームの如く正確にリズムを保ちながら、優美なサウンドで鮮やかに清音を奏でます。
作品で最もポストロックに接近した “Adventure Spirit” の、文字通り冒険心を胸に抱いたカラフルなメロディーのポリフォニーは、まさにその Yvette オーケストラの象徴です。チェロ、ヴァイオリン、ボーカル、ギター。テーマを奏でる主役の楽器が次々に入れ替わるアンビエントな楽曲で、Yvette の知性的なギターアルペジオ、コードプログレッションはコンダクターのように様々な楽器を操り指揮していきます。
勿論、ギターが旋律を奏でる場面では、鮮やかに両手タップを使用し、躍動するメロディーと共に指揮者不在の状況を回避。エアリーなボーカル、エセリアルなストリングスの響きは、オーガニックな彼女のオーケストラに HAMMOCK や CASPIAN を想起させる美麗なるダイナミズムを創造していますね。
一方で、フォーキーな “Blossom” の数学的で流麗なフレージングはマスロックの女王を強くイメージさせてくれます。師匠 INVALIDS 譲りのサウンドスケープ、風景の中に点在する無上のエキサイトメントはすでに彼女のトレードマークとなった感がありますね。
アルバムは、現在の Yvette Young を全て詰め込んだ悲しみと希望の組曲、”A Map, A String, A Light Pt 2″ で詩情豊かにその幕を閉じました。
今回弊誌では Yvette Young にインタビューを行うことが出来ました!もはや弊誌のかわいい担当準レギュラーだと言えますね!どうぞ!!

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YVETTE YOUNG “ACOUSTICS EP 2” : 9.7/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【BIG BIG TRAIN : GRIMSPOUND】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH GREG SPAWTON OF BIG BIG TRAIN !!

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Guardian Of Prog, Pride of England, Big Big Train Keeps Getting Bigger And Bigger. The Octet Has Just Released Their Newest Record “Grimspound”! Huge Ensemble Creates The Most Beautiful Tapestries Of The Year.

DISC REVIEW “GRIMSPOUND”

英国プログレッシブのプライド、伝統と熟練の8人編成 BIG BIG TRAIN が壮大なるマスターピース “Grimspound” をリリースしました!!時にフォーキ、時にミステリアス、そして時に無上のメランコリーを放つドラマティックな作品は、プログロックの牙城として実に意義深く聳えたっています。
近年、”プログ” は再びその価値を取り戻し、舞台には様々な若き才能が登場しています。”モダンプログレッシブ” と称されるこのムーブメントにおいて、ある者はメタル、ある者はエレクトロニカ、ある者はポストロック、ある者はアヴァンギャルドへと接近し、そのエッセンスが融解、対流することで多様性を軸とした百花繚乱のプログレッシブサウンドを響かせていることはご存知の通りでしょう。 BIG BIG TRAIN も90年結成とは言え “プログ第三世代” に分類される現代を生きるバンドですが、しかしその “モダンプログレッシブ” の流れとは一線を画しているのです。
YES, ELP, GENESIS, JETHRO TULL。プログロックを創出した偉大な先人たちの遺伝子を色濃く受け継ぎ、伝統をその身へと宿す BIG BIG TRAIN のサウンド、足跡は、レジェンドが失われつつある今、確実にその重要度をさらに増しています。ただ、高いミュージシャンシップと展開の妙、キャッチーでフォーキーなメロディー、幾重にもレイヤーされたシンフォニックなアンサンブル、そして卓越したストーリーテリングの能力を有するバンドは、”ここ10年で最も重要なプログバンド”の一つとして語られる通り、決して第一世代の “Pomp” 代用品ではなく、本物の英傑としてリスナーの信頼を勝ち得ているのです。
2009年の出世作 “The Underfall Yard” でフルート、バンジョー、マンドリン、オルガンなどをこなすマルチプレイヤー/ボーカル David Longdon が加入して以来、BIG BIG TRAIN は人気と共に、その編成もまた “Big” となって行きます。元 XTC の名ギタリスト Dave Gregory を正式に加え6人編成でリリースしたダブルコンセプトアルバム “English Electric” は、多彩な音色を個性と定めたバンドの金字塔だと言えますね。
インタビューにもある通り、当時バンドはライブを行っていなかったためスタジオのみにフォーカスすることとなり、作品にはストリングス、ホーンなど総勢20人弱のゲストプレイヤーが参加。綿密にデザインされたレイヤーサウンドが運ぶ極上の叙情性、情景描写はまさにストーリーテラーの面目躍如。英国の風景を正しく投影し、ステージを想定しない絶佳のアンサンブルを備えた”完璧なる”スタジオアルバムが完成したと言えるのではないでしょうか。
2014年からライブを再開したバンドは、アルバムを再現するために新たなメンバーを物色し、さらに BEARDFISH の鬼才 Rikard Sjöblom とストリングスなら何でもこなす Rachel Hall を手中に収めます。5名がギターと鍵盤両方を演奏可能、ヴァイオリンやフルートもメンバー内で賄える衝撃の8人編成へと進化しリリースした前作 “Folklore” は、タイトル通りトラッド要素を強調しバンドの新たな可能性を提示した意欲作に仕上がり、海外の様々なプログ専門誌で年間ベストアルバムに撰されるシーンの最重要作品となったのです。
最新作 “Grimspound” はジャケットのカラスが示すようにその “Folklore” と対になる作品です。とは言え、ケルトサウンドを前面に配したタイトルトラックで幕を開けた “Folklore” とは対照的に、アルバムはダイレクトにプログロックのダイナミズムを伝える “Brave Captain” でスタートします。静謐でアンビエントなイントロダクションを切り裂きバンド全体が躍動すると、リスナーは1910年代へと時代を遡って行くのです。
David Longdon が紡ぐWW1の英国エースパイロット Captain Albert Ball のストーリーは勇壮にして孤独。その表情豊かで凛々しき歌声は空の”ローンウルフ”が眼前に降臨したかのような錯覚をもたらします。ヴァイオリンと鍵盤が織り成す流麗なダンスは空の主役を際立たせ、シンプルでキャッチーなメロディーのリフレインは勇敢なブレイブキャプテンを讃えます。
実際、ユーティリティーに使用され、時に主役を食うほどの存在感を発するストリングスと鍵盤の活躍は “Grimspound” の特徴だと言えるでしょう。イングランドの忘れられたヒーローたちのストーリーに焦点を当てたアルバムで、Rachel はヴァイオリン、ヴィオラ、チェロを使い分けサウンドに濃淡を刻み、鍵盤隊はシンセ、ピアノ、オルガンを巧みにレイヤーしアルバムのアンサンブルをアートの域まで高めているのですから。
ジャズのインテンスを内包する “On The Racing Line”、フルートの芳醇な響きが郷愁を誘う “Experimental Gentleman” を経てたどり着く “Meadowland” はバンドの今を象徴する楽曲です。確かに “レトロ” がキーワードにも思えた BIG BIG TRAIN はしかし、フォークやエスニックの影響を一層加えることで真に偉大なバンドへとその姿を変えつつありますね。彼らの音楽は一貫してその母国イングランドからインスピレーションを得ていて、かの地の伝承や景色、人物を描き続けています。そして “Meadowland” の素朴で心洗われるトラッドサウンドは、鮮明に緑一面の牧草地帯を、吹き抜ける風を、湿気を孕んだ空気の匂いまでもリスナーにイメージさせるはずです。そうした BIG BIG TRAIN の創出する、イマジネーティブで群を抜いたサウンドスケープは、トラッドの女神 Judy Dyble との詩情豊かなデュエット “The Ivy Gate” に結実しているように感じました。
インタビューにもある通り、コンポーザーが増え続けるバンドは、2009年からEPを含めるとほぼ毎年のように作品をリリースしています。しかし、驚異的な多作にもかかわらず音楽の質は向上の一途を辿っており、”Folklore” から一年経たずに織り上げられた美しきタペストリー “Grimspound” はまさにその素晴らしき証明書と言えるのではないでしょうか。
今回弊誌では、バンドの創立メンバーでメインコンポーザー、流麗なベースラインを聴かせる Greg Spawton にインタビューを行うことが出来ました。日本でも海外と同等の評価を得られるように祈ります。どうぞ!!

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BIG BIG TRAIN “GRIMSPOUND” : 9.8/10

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NEW DISC REVIEW + INTERVIEW 【ROTH BART BARON : ATOM】


EXCLUSIVE: INTERVIEW WITH MASAYA MIFUNE OF ROTH BART BARON !!

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Imaginative Rock band from Tokyo, ROTH BART BARON has just released their newest album “ATOM” with incredible soundscape and creativity !!

着々と世界における評価も高めつつある、才気溢れる東京出身の2人組 ROTH BART BARON が 2nd アルバム “ATOM” をリリースしました!!
THE NATIONAL, Sufjan Stevens を手がけた Jonathan Low をサウンドエンジニアに、Kurt Vile, WAR ON DRUGS を手がけた Brian McTear を数曲のプロデューサーとして迎え制作されたデビューアルバム “ロットバルトバロンの氷河期” は壮大で美麗、日本のみならず世界でも Bon Iver や SIGUR ROS などと比較されつつ絶賛されました。USインディー/フォークからポストロックまで取り込み、バンジョーやフィドル、和太鼓まで使用した実験性も話題になりましたね。
それから1年半。完成した新作 “ATOM” は、想像力を掻き立てる豊かなサウンドスケープが、見事に詩、世界観と調和した素晴らしい作品に仕上がりました。
今回レコーディングを行ったのは、彼らがリスペクトを公言している GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR の Mauro Pezzente が所有するモントリオールのスタジオ。ARCADE FIRE や Owen Pallett もレコーディングを行ったその場所で、RBB は大胆にも現地のミュージシャンたちとセッションを重ね、アルバムに起用します。カナディアンインディーのポップでありながら実験的なフワフワとした空気が合ったのでしょう。ARCADE FIRE のアルバムにも参加したヴァイオリ二スト Jessica Moss を筆頭に、ストリングス、管楽器、パーカッションなど様々な楽器が構築する壮大なサウンドによって、私たちはその音に美しい景色や情景を見ることが出来ます。そしてそこに、懐かしい日本の原風景や悠久の歴史を感じさせるような、彼ら独特のポップなメロディーと神々しいボーカルを乗せることで “ATOM” は世界のどこにも存在しない強い光を放つ作品に昇華したと言えるのではないでしょうか。
また今回は SF, ファンタジーがテーマの1つとなっています。ターミネーターやロボコップのような古き良きハリウッドのSF映画をインスピレーションの源として、レトロフューチャーな世界観を見事に構築していますね。ビンテージシンセサイザーの大胆な使用は本当にアルバムの良いアクセントとなっています。世界的にも、エレクトロ新世代によるレトロウェーブリバイバルの波が起きています。勿論 Pitchfork, NME といった大手メディアが発信する音楽やトレンドだけが音楽ではありませんが、世界を見据えた時、そういった部分で日本は一歩遅れていると言わざるを得ません。トレンドをしっかり踏まえつつ、自由に自分たちのサウンドを追求する ROTH BART BARON にかかる期待は大きいですね。
今回弊誌では、ボーカルとギターを担当する三船雅也さんに話を聞くことが出来ました。どうぞ!!

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MMM RATING IS…

ROTH BART BARON “ATOM” : 9,5/10

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FULL ALBUM STREAM: “A FURROW CUT SHORT” 【DRUDKH】


FULL ALBUM STREAM: “A FURROW CUT SHORT” OF DRUDKH !!

WORLD PREMIERE: NEW SONG !! “TILL FOREIGN GROUND SHALL COVER EYES” OF DRUDKH !!

 NO PICTURE ! NO INTERVIEW ! UKRAINIAN MYSTERIOUS PAGAN BLACK METAL SET TO RELEASE NEW ALBUM “A FURROW CUT SHORT ” ON 4/20 !!

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 写真、インタビュー、一切 NG !! 秘密結社のようなウクライナの PAGAN BLACK METAL, DRUDKH が4/20に新作 “A FURROW CUT SHORT” をリリースします。ウクライナのエピカルなフォーク音楽を取り入れたメロディックでシネマティックなブラックメタルを指標しています。実はあの ALCEST の NEIGE と合体したプロジェクト OLD SILVER KEY で優れたアルバムをリリースしていたりします。今回もウクライナの詩から発想を得たアルバムになるそうです。
On ‘A Furrow Cut Short’, Roman is heavily drawing inspiration from 20th century Ukrainian poetry once more, which often deal with the bloody struggle of this old country to build a nation from foreign oppression. DRUDKH still refuse any kind of interview or promotion and demand to be understood through their music alone. This album equally represents the blood soaked sound of black despair and full hearted resistance to vile treachery and evil as well as the beauty of landscapes and culture. Listen carefully to hearts breaking.
Tracklist
1. Cursed Sons I
2. Cursed Sons II
3. To the Epoch of Unbowed Poets
4. Embers
5. Dishonour I
6. Dishonour II
7. Till Foreign Ground Shall Cover Eyes
Line-up
Roman Sayenko: guitars
Thurios: guitar, vocals
Krechet: bass
Vlad: drums, keyboards
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